soundcheck Magazine, La industria de la música y el espectáculo

Contenido

30. Como división de Argos Media Group, Cinematic Media es el sitio donde se brindan servicios de postproducción, desde la creación de archivos editables, diseño sonoro, edición y diseño de proyectos audiovisuales para el cine. Cuenta con cuatro salas Dolby Atmos, más una 7.1 y una dedicada para Dolby Atmos Music, con lo que se erige como una opción de primera línea en este quehacer.

Detrás del micrófono Carla Rivarola, el punk que nos guía

Columna invitada

Columna invitada

legado sonoro de Carlos Carbajal en México

Crosthwaytt

Un encuentro con Víctor Espinoza: A. S. Producciones a escena

Juan Carlos Flores

Desde el estudio

edición, un verdadero as bajo la manga

Ferrer León

En concierto

looks esféricos con

Artículo invitado

Proteus y su camino a

Venable: mezclas y microfonía con Audix

Notas del medio

La

generación de contenidos audiovisuales en la actualidad pasa por los requerimientos creativos y técnicos necesarios para llevarlos a buen puerto. Una metodología bien pensada, una buena administración de los recursos y un staff capacitado y plenamente desarrollado en sus actividades darán como resultado proyectos atractivos que trascienden en el tiempo.

Con personal que suma décadas de experiencia y maestría en postproducción cinematográfica, diseño sonoro y proyectos audiovisuales, Cinematic Media ofrece todos estos servicios y más, teniendo como entorno instalaciones que incluyen cuatro Salas Dolby Atmos, una 7.1 y otra dedicada a Dolby Atmos Music. Este es justamente el tema que ocupa nuestra portada este mes y que nos demuestra que en México existen tanto los profesionales como los espacios y las tecnologías necesarias para enfrentar grandes retos audiovisuales.

Además de este importante tema, esta edición trae una interesante diversidad de tópicos, desde la fresca música de la guitarrista Carla Rivarola hasta la entrañable historia de Víctor Espinoza y su compañía A. S. Producciones, pasando por la gira de Coldplay, en la que están presentes los productos de Chauvet Professional, la entrevista con el ingeniero y productor Robert Venable, el artículo acerca de la importancia de la edición en la producción musical, la historia de la Serie Proteus de Elation y su camino a la excelencia y el homenaje que se rinde a la vida y obra de Carlos Carbajal, reconocido laudero mexicano.

En dirección hacia un fin de año de unos tiempos intensos para todos, esperamos seguir contando con su interés para continuar construyendo juntos la Industria de la Música y el Espectáculo. ¡Siempre adelante!

Nizarindani Sopeña

Año 25, No. 290.

responsable: Jorge Raúl Urbano Calva. Número de Reserva al Título de Derecho de Autor: En tramite.

1665-8949. Distribuido por medios propios.

por Musitech Ediciones y Eventos, Jinetes 47, Fracc. Las Arboledas, C.P. 54026, Tlalnepantla, Edo. de México. Miembro de la Cámara Nacional de la Industria

Mexicana No. 3327.

en México con orgullo.

Carla Rivarola

el punk que nos guía

Condos discos, varios sencillos y una presencia activa en plataformas digitales, Carla Rivarola entrega los sencillos “La Gravedad” y “Tetelpan”, lo que nos permite conocer los procesos de composición, producción y grabación, realizados por la cantautora y guitarrista.

Un proyecto comprometido

“El sonido de este disco es híbrido, entre algo muy ranchero ochentero, con un sonido argentino”, comienza Carla. “Soy fanática de la guitarra texana, tiene varios años que la toco y eso ha influido muchísimo en mí. Por ejemplo, ‘Tetelpan’, es más del lado country oscuro, pero sigue teniendo suavidad en las voces. Fue la primera canción que salió y tiene esa mezcla muy comprimida que le da sutileza al sonido”.

Con el acompañamiento de Azael González (batería), Karim Negrete (bajo y coros) y Rodrigo Frenk (guitarra y teclado), Carla armó, a manera de preproducción, una versión acústica de las canciones antes de la pandemia y en agosto de 2021, con la llegada de Casete como sello y gestor de distribución de su música, se armó la estructura que les dio concepto: “Me encanta trabajar con estos músicos porque son tipos muy sensibles y llegamos a ciertos principios desde dónde hacer los arreglos. Cumplo el rol de productora y directora musical, entonces trabajo con el ensamble, dirigiéndolo, y si hay que cambiar o destruir suele ser por cuestiones de sonido: los paneos del espacio, los efectos, pero lo primero que hicimos fue plantear que queríamos hacer canciones que no fuera difíciles de tocar en vivo. Estas son canciones mucho más guiadas por las voces y las letras, marcan el énfasis y tienen un concepto que habla de humanos al borde del fin del mundo, como un marco de tiempo donde se ve venir el final, pero todavía nos deja reflexionar lo que haremos con nuestra vida y bajo eso se va contando historias”.

“Azael tiene un estudio que se llama Marea y tanto Rodrigo como yo tenemos conocimiento de ingeniería en audio, de manera que el tracking lo hicimos nosotros, lo que nos facilita mucho, porque después de hacer un montaje preliminar

de las canciones empezamos a grabar los sencillos. Luego mezclé todo en Ocho Fuga. Las voces me gusta hacerlo en Pony Score Real, un estudio especializado en lo psicodélico y sonido vintage, de un amigo mío, donde tengo muchos años grabando y haciendo tracking de voces. La captura quedó entre Marea, Pony Score Real y otras cosas grabadas en casa, como sintetizadores y cosas que son más autocontenidas; podemos grabarlas al mismo tiempo que vamos construyendo o con Rodrigo hacemos mucho el trabajo de producción de las guitarras y teclados en casa”.

“Toda la edición la hago yo con Pro Tools, que también lo uso para ensamblar y mezclar, mientras que para diseño sonoro uso Ableton. El proceso es seleccionar tomas, pero es algo muy tranquilo, porque otro de los planteamientos de la producción es que son puras tomas completas y cada quien graba las suyas, para ser quienes somos musicalmente y ya. Mi conocimiento en audio ha sido lento, soy como old school porque trabajo con instrumentos de verdad y sus posibilidades. Un home studio puede llevarnos muy lejos desde esa perspectiva”.

música

el espectáculo

“Mi conocimiento en audio ha sido lento, soy como old school porque trabajo con instrumentos de verdad y sus posibilidades. Un home studio puede llevarnos muy lejos desde esa perspectiva”.

El conocimiento de los procesos

Sobre su equipamiento, Carla destaca que ha ido acotando su set para expresar con mayor contundencia su sonido, tanto en el estudio como en vivo: “Soy de una escuela más punk, en la que el sonido lo traigo en los dedos y por eso tengo sólo dos guitarras, mismas que uso para tocar en vivo y para grabar: la eléctrica es una Gretsch semi hueca modelo Electromatic G5655TG; me gusta que tienen el brazo parecido a las Les Paul, con mucho sustain y me gusta poder manejar a mano el trémolo porque tengo un toque muy pesado. La otra es una texana, Fender Malibu, un modelo muy chiquito; con esas y toco el show”.

“En cuanto a mis ampli cadores, son Fender, de ley: un Twin y un Hot Rod, y a veces llego a usar también un Roland Box, pero siempre trato de usar Fender, ese es mi sonido. En pedales llevo cada vez menos, porque me he estado enfocando mucho en cantar y ahora los de cajón, son un Sea Machine y un Westwood de Earthquaker Devices. Tengo patrocinio de esa marca, que me gusta mucho; son pedales de muy buena calidad y suenan hermoso y también cuento con un fuzz modi cado, que se inventó un amigo y que uso muchísimo para mis momentos más estrambóticos; un Holy Grail Max para reverbs, mientras que en estudio pre ero usar los del ampli cador, pero en vivo el pedal de reverb es más práctico. Para cantar, la grabación se hizo con un micrófono Neumann y otro dato muy importante es que sólo grabamos las guitarras eléctricas con micrófono de condensador”.

El proceso de mezcla y masterización está en los oídos de Peta D’ Agostino, en Moloko Estudio (Frankfurt) y Lucas Roseto. Así lo cuenta Carla: “Peta mezcló ‘Tetelpan’ y es el mero sonido que buscamos. Lo conocí un poco por coincidencia, porque hace un año empecé a trabajar con Lucas Roseto, que es mi manager, que fue muchos años ingeniero de la banda El mató a un policía motorizado, y tanto Lucas como Peta han participado en discos que para mí son importantísimos del rock argentino, así que traen el chip del tipo de sonido que necesitamos. Saben exactamente lo que necesito. Como yo hice el tracking, les paso los stems ya con los efectos que deben traer paneados y avanzo mucho la mezcla antes de dársela. Su trabajo es, digamos, con la sala, espacializarlo, pegarlo y balancear las frecuencias; la forma en la que usa los compresores es lo que más me gusta de su sonido”.

“La canción ‘La gravedad’, la mezcló Lucas. Peta y él tienen un estilo muy compatible porque vienen del mismo lugar. La masterización es la especialidad de Peta y como estéticamente nos entendemos, les he dejado el máster en sus manos”.

Lo que viene para Carla es presentarse en vivo con estas y más canciones, en lo que a rma que será “una gran esta entre amigos y amantes del punk”. Todos invitados.

Entrevista: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

Carla ha ido acotando su set para expresar con mayor contundencia su sonido, tanto en el estudio como en vivo.

Solid State Logic

Plug in DeEss

Pensado para brindar herramientas correctivas que reduzcan sibilancias y control de alta frecuencia, DeEss incluyen audición automática y un control integrado para rejuvenecer las señales de-essed que necesiten brillo. Su algoritmo de umbral relativo permite cambiar el nivel de entrada de una señal, sin un efecto destructivo en la respuesta del deesser. También cuenta con ajustes preestablecidos para diferentes tipos de voz (tenor, alto, soprano), así como procesamiento de instrumentos. Audio Acústica y Electrónica. 55 5655 5505 audioacustica.com.mx www.solidstatelogic.com

Rode

Estudio portátil RodeCaster Pro II

La evolución de lo que inició como una solución de audio para creadores de contenidos ahora incluye cuatro entradas Neutrik para micrófonos o instrumentos, preampli cadores Revolution de ruido ultrabajo y alta ganancia (-131,5dBV EIN, 76dB de ganancia), además de nueve canales asignables para crear con guraciones de mezcla personalizadas, con seis faders físicos de calidad broadcast y tres virtuales. A esto se suman ocho pads SMART programables con ocho bancos conmutables para activar audio y efectos, acciones de mezclador y MIDI, entre otros. Se equipó con USB-C duales, conectividad Bluetooth y procesamiento de audio con APHEX Aural Exciter, Big Bottom y Compellor, EQ, compresión, pitch shift, efectos de robot, reverb, eco y editor de procesamiento VoxLab. Graba en multipista o en estéreo en una tarjeta microSD, un dispositivo de almacenamiento USB o directo a la computadora. www.microfonosrode.com

Auralex

Difusor de sonido 3D T’ Fusor

Fabricados en material termoplástico ligero y resistente, los T’Fusor proporcionan una sensación de amplitud sonora al romper las re exiones, sin eliminar el exceso de energía sónica del espacio donde se usen, como en las rejillas del techo o montados a la pared. auralex.com www.auralex.com

Martin

Robótica LED ELP PAR

Capaz de emitir 3,500 lúmenes, con nuevo motor y sistema óptico, la ELP PAR cuenta con sistemas de calibración de color de gama completa, un canal de control de temperatura de color dedicado y rango de zoom de 4.2 a 58 grados para reproducción de efectos wash amplio y efectos de alta intensidad. Ofrece funciones de control y rigging automatizado para conectividad de soporte e indicadores de proyección de ángulo. Audio Acústica y Electrónica. 55 5655 5505 audioacustica.com.mx www.martin.com

Audio-Technica

Monitor inalámbrico 3000 Series Wireless

Pensados para músicos y personal técnico de audio, los ATW-3255 3000 brindan un desempeño excepcional como dispositivo interno duradero y fácil de usar con RF con able en más de tres veces el ancho de banda de sintonización promedio. Cuenta con un transmisor de montaje en rack con controles en el panel frontal y una pantalla OLED, un receptor de cuerpo compacto y un audfíono interno profesional ATH-E40. Su IEM inalámbrico ofrece una cobertura UHF de banda ancha con 138 MHz de rango de sintonización que abarca 470 - 608 MHz en la banda de frecuencia DF2. Sus antenas de diversidad garantizan una recepción estable incluso en los entornos de RF más concurridos. www.audio-technica.com

Obsidian Control System

Consola de iluminación NX1

De formato compacto, la NX1 brinda una pantalla multitáctil HD de 10.1 pulgadas con alto brillo, cuatro codi cadores de parámetros asignables, diez playbacks completos motorizados con cuatro botones de libre asignación, además de una matriz híbrida de teclas de función y reproducción adicional. Su sección Master Go completa el diseño del panel frontal, ofrece tiempos de arranque rápidos, un funcionamiento instantáneo y capacidad de procesar ocho universos dentro de la mesa. Elation Professional Mexico. 728 282-7070 www.obsidiancontrol.com

Astera

Barra de pixel wash

Disponible en dos versiones, barra de 1 metro con 16 LEDs con 10W o barra de 50cm con 8 LEDs a 10W, la AX2 PixelBar permite efectos de wash lineal mediante control inalámbrico. Destaca su calibración de color digital y brindar un haz de 21 grados. Incluye aditamentos de rigging para colgado y es compatible con las series AX y Titan de la marca. www.astera-led.com

Robe

Robótica móvil Painte

Equipada con motor LED blanco TE de 310 W HP, la Painte es una luminaria compacta, silenciosa con 12,000 lúmenes y acceso a sistema de mezcla de colores CMY. Su zoom motorizado de 8°a 48 grados es el aditamento que posibilita tiros cortos a medianos en aplicaciones en vivo, teatrales o para transmisión y streaming. Showco. 55 5000 9480 www.showco.com.mx www.robe.cz

Turbosound

Subwoofer iP15B

El subwoofer autoampli cado iP15B cuenta con un ampli cador Class-D de 1,000 watts multicanal que brinda 600 watts al controlador de baja frecuencia (LF) de excursión larga de 15 pulgadas incluido, y 2 x 200 watts para el par de altavoces satélite iP82 que lo complementan. El sistema completo incluye soportes para altavoces y cables. Audyson. 55 9152 4656 www.audyson.com www.turbosound.com

Roland Sintetizador Jupiter X

De 61 teclas, el heredero de un clásico lanzado en los ochenta tiene en su versión X el sistema de síntesis Zen-Core, teclado aftertouch y acceso a los sonidos de sintetizadores clásicos como Jupiter -8, Juno-106 y SH-101, cajas de ritmos TR-808 y TR-909 y los pianos digitales XV-5080 y RD, además de ser un arpegiador de nueva generación con inteligencia arti cial. www.roland.com

IK Multimedia

Interfaz de audio iRig Pro Quattro I/O

Para captura de audio y MIDI con 4 entradas y 2 salidas, entrega conversión de hasta 24 bits, 96 kHz e incluye micrófono MEMS. Ofrece 4 preampli cadores de micrófono de alta calidad, control de ruido con phantom power; entradas de instrumento de nivel de línea y Hi-Z, RCA y TRS; más salidas XLR balanceadas, estéreo de 3.5 milímetros y de auriculares. Es compatible con iPhone, iPad, Android, Mac y PC. Hermes Music. 55 5002 2200 www.hermes-music.com.mx www.ikmultimedia.com

Boss

Amplificador/Procesador de efectos Pocket GT

Portátil y plug and play con smartphone o tableta, el Pocket GT permite acceder a herramientas de edición avanzada que emulan los sonidos de músicos famosos o bien hacer los propios. A través de la aplicación Boss Tone Studio hace posible consultar contenido especial en YouTube y seguir enriqueciendo la práctica. Se convierte en interfaz de audio USB y posee conectividad por Bluetooth. www.boss.info/mx/

El legado sonoro de Carlos Carbajal en México

En los años ochenta tuve la oportunidad de que el laudero Carlos Carbajal instalara en mi primera guitarra eléctrica Yamaha Strat unas pastillas marca Seymour Duncan; le pedí escaloparla -dar forma cóncava a la madera, entre los trastes metálicos del diapasón, trabajo que realizó con un elegante barnizado. Gracias a su talento y precisión, experimenté la fantasía e in uencia de ser como Yngwie Malmsteen en aquellos años de mi temprana adolescencia, mientras imaginaba en mi recámara estar tocando en un estadio al lleno total, lo que después de unos años así fue. Hace unas semanas, este talentosísimo profesional dejó este plano terrenal y éste es un pequeño, pero sentido tributo a su vida y obra, en la voz de quienes tuvieron la oportunidad de conocerlo. ¡Hasta siempre, Carlos!

Artistas de la mano de Carlos José Luis Esparza Carvajal, mi amigo y hermano en esta vida, fue propietario hasta entrados los noventa de una de las tiendas de música más importantes en Cuernavaca, Morelos, llamada “Musical Carvajal”. No había parentesco familiar entre Carlos y José Luis, ya que la gente los relacionaba por el apellido ,y además se escriben diferente; sin embargo, compartieron proyectos, de los cuales José Luis nos narra lo siguiente:

“Reparamos a Carlos Santana una guitarra que anteriormente le había fabricado Carlos; retocamos una guitarra para Sergio Arau y se repararon algunas más para Alex Lora. Una guitarra de perico verde se diseñó para Alex Lora (por lo del loro); otra del Santo era para Sergio Arau y una más de la Virgen de Guadalupe, era la de Carlos Santana; guitarras que se hicieron

icónicas. En Cuernavaca, el mejor alumno de Carlos y quien trabajó en mi tienda varios años, fue Robert, “Bob” Merril, de origen estadounidense”.

“Una guitarra de perico verde se diseñó para Alex Lora (por lo del loro); otra del Santo era para Sergio Arau y una más de la Virgen de Guadalupe, era la de Carlos Santana; guitarras que se hicieron icónicas”. José Luis Esparza Carvajal.

ArtÍculo invitado

“Carlos Carbajal vivió en mi casa de Cuernavaca un tiempo y después decidió ir y venir de la Ciudad de México, ya que ahí estaba su familia. Estábamos desarrollando una idea que tenía Carlos para hacer guitarras con bra de coco y que solo quedó en proyecto. Desafortunadamente, no tengo fotos con él; en esos años los celulares no tenían cámara. Era un tipo muy ingenioso, siempre estaba pensando cómo innovar, era muy humano, a veces cobraba sus trabajos y otras lo hacía por amor al arte”.

Edu y Fernando Bueno, amigos y entrañables clientes de Carlos Carbajal Edu Bueno ha logrado con su proyecto Evelin tres discos de 1999 a 2007 y con su banda Los Cerdos, de 2010 a la fecha, 3 discos y 1 Blu-ray.

Edu: “Conocí a Carlos a los 17 años durante la preparatoria; un amigo me llevó con él para cambiarle la pastilla a mi guitarra cuando estaba ubicado por mis rumbos en Satélite; en esa época no había mucha gente dedicada a este tipo de trabajo y existía poca información. Desde ahí surgió una fuerte amistad, la cual me hacía buscarlo para todo ajuste o modi cación en mis instrumentos. Más adelante, Carlos se mudó a trabajar por un periodo a Cuernavaca a la tienda Musical Carvajal y yo viajaba hasta allá con mi hermano Fernando a reparar nuestros instrumentos. Después de un tiempo, Carlos regresó a la Ciudad de México, ubicando su taller en la zona sur, donde permaneció por mas de veinte años.

“Posteriormente, en 1994 compré en Nueva York una guitarra Ibanez Universe UV777GR, de la que me gustaba el instrumento, pero que odiaba sus colores estridentes; inmediatamente la llevé con Carlos para modi carla y pintarla de color negro, quitar el diseño de las pirámides y así lograr un un diapasón nuevo. ¡La dejó increíble! Me enteré que de ese modelo solo habían 174 Carlos Carbajal y Eduardo Bueno

“En 1998 conseguí los accesorios para fabricar con Carlos la que fuera la primera guitarra que él

hizo de siete cuerdas estilo

Stratocaster, modelo EDU 7.

Un gran tesoro esta guitarra”. Eduardo Bueno.

ejemplares en el mundo -ups, lo siento y no lo siento por haberla modi cado-. En 1998 conseguí los accesorios necesarios para fabricar con Carlos la que fuera la primera guitarra que él hizo de siete cuerdas estilo Stratocaster, dos pastillas Humbuckers, un volumen, sistema de trémolo Floyd Rose Ibanez LoPro Edge

III, cuerpo de madera Alder, brazo de maple, modelo EDU 7.

Un gran tesoro esta guitarra”. Gracias, Carlitos por todas tus pláticas y enseñanzas. ¡Siempre fuiste grande!”.

Fernando Bueno es un bajista que se ha desarrollado con los proyectos Daimar (1985-1992), Etherea, Khatru, Agrevyum y Los Cerdos desde 2010 hasta la fecha. De su relación con Carlos Carbajal, comenta: “Lo conocí en 1988 por recomendación de un amigo guitarrista. Cuando le di un golpe severo a mi bajo Hamer (1985) en la cabeza del brazo tocando con mi primera banda, mi hermano Edu y yo le llevamos nuestros instrumentos para todo: cambiar pastillas, puentes y pintura. Nos encantaba ir a verlo, era todo un aprendizaje y siempre nos trató increíblemente a todos; era un tipazo, todo un caballero y profesional, y trataba con cariño y respeto a todos”.

“Carlos era un laudero muy reconocido, carismático y famoso. Nos contó que trabajó en Fender Guitars USA y por eso me animé a pedirle que me hiciera un Precission Bass. Él ya tenía un brazo original de 1972 que alguien quiso cambiarlo a otro bajo, así que me ofreció usarlo y hacer el cuerpo. Yo le llevé las pastillas, las llaves y la mica; hasta la fecha es mi bajo favorito, una belleza. Le llevé un Fender Jazz fretless 1966 que compré en mal estado y él me ayudó a revivirlo al cien por ciento”.

“Me animé a pedirle a Carlos que me hiciera un bajo Precission Bass. Él ya tenía un brazo original de 1972, así que me ofreció usarlo y hacer el cuerpo. Yo le llevé las pastillas, las llaves y la mica; hasta la fecha es mi bajo favorito”. Fernando Bueno.

Con Seymour Duncan en el NAMM

Eduardo y Fernando Bueno

ArtÍculo invitado

“Tuve muchos amigos en común con Carlos y todos compartimos con él grandes historias; fue una persona increíble, de un corazón grandioso que irradiaba siempre mucho amor para todos con su trabajo ejemplar. Fue el mejor siempre. ¡Te extrañaré mucho, mi querido amigo y maestro Carlos Carbajal Rejón!”.

Luis Del Rubín consagra el poder de su guitarra con Carlos Carbajal

“En 1994 era casi imposible hacerse en México de alguna “guitarra metalera” de marcas como la Gibson Explorer, Flying V o Jackson, que son mis favoritas. En ese entonces tuve la suerte de ser alumno del maestro Juan José Lavín (QEPD), que en una de las clases me preguntó cuál era la guitarra que más me gustaba, a lo que respondí que la Gibson Explorer, pero que en México no las vendían. El maestro Lavín soltó una carcajada y acto seguido llamó a su hijo para que llevara la Explorer; pensé que era una broma y de pronto lo vi entrar con una funda negra hecha a la medida de la famosa forma futurista que sólo una Explorer podía tener. Era una Explorer 1976 rojo cereza, me la entregó y me dijo: ‘ahí me la vas pagando como puedas’, y nunca más la solté”.

“La guitarra necesitaba un ajuste y me recomendó a Carlos Carbajal, quien me contó que había trabajado en Fender USA. Me preguntó: ‘¿Conoces la historia de tu guitarra?’, le dije que no y continuó: ‘Hace unos años, vino a tocar una banda inglesa de punk, creo que se llamaba Skull; el guitarrista la partió en dos sobre el escenario, un asistente al evento se quedó con el diapasón, otro con el cuerpo de la guitarra y éste último en una ocasión se quedó sin dinero para pagar sus clases. Le pagó a tu maestro con esta guitarra que me trajo y yo la reconstruí’. Recuerdo que en esa cita, Carlos me dijo con sarcasmo: ‘te acabo de mostrar cómo se hace un ajuste completo de guitarra, no quiero volver a verte por aquí’. Esa es mi guitarra principal, tiene un gran valor sentimental y por ende con ella grabé “Thoughtcrime” (2012), “Kill The System” (2018) y actualmente “Fuck Society”. A Luis De Rubín y su banda los pueden encontrar en https://www.facebook.com/THRASHSTEEL.BAND

Gracias enormes a Carlos Carbajal por compartir su talento y experiencia; por hacer de la Industria de la Música y el Espectáculo en México más grande.

*Guitarrista, compositor y productor. Ex-guitarrista del grupo Kerigma (1989 – 1993), grabó el disco “Esquizofrenia”. Como solista, sacó su primer disco instrumental “Horizontes” en sound:check Xpo 2018. Psicólogo educativo, psicoterapeuta corporal y de pareja, conferencista, consultor en sexualidad, cuenta con el Postgrado CORE Institute of New York. Es empresario, lántropo, fundador y director de la fundación Más allá de la Adversidad AC, para apoyo de personas con enfermedades reumáticas.

Luis De Rubín

La edición, un verdadero as bajo la manga

Edición correctiva

Dentro de la producción musical, la edición es una etapa que consiste en manipular a conveniencia los eventos de audio capturados previamente para obtener un resultado muy especi co. Mientras algunos productores no están muy a favor de ésta porque argumentan que no es una ejecución genuina, otros la encontramos práctica, útil y bastante favorable para obtener los resultados propuestos previamente. No se trata de arreglar malas ejecuciones propiamente, si bien en algunas ocasiones nos será útil para corregir detalles que inadvertidamente se fueron en alguna de las tomas, también es muy útil de manera creativa, y aquí trataremos de mostrar sin censura muchas de las cosas que pasan en la edición de audio dentro de una producción musical.

Para poder compartirles de lo que se trata esta etapa, me gustaría separar el proceso de edición en diferentes tipos para ser más claro.

A la edición correctiva la llamaré de esta manera tan obvia para explicar de qué forma este proceso nos ayuda a corregir ciertos aspectos necesarios de la producción; por ejemplo: en ocasiones buscamos una toma muy emotiva de cierta parte de la canción y después de muchos intentos, tenemos una que parece ser la ideal; tiene una gran a nación, emoción, interpretación y demás, pero…no cayó justo al tiempo que tenía que caer con la música, haciendo que esto afecte el todo de la canción. Aquí es tiempo de decidir si cansar al músico o editar la parte. Creo que todos optaríamos por simplemente

Dimitry “Modern Machines” Mak con sus monitores de estudio KRK ROKIT G4

Columna invitada

acomodar el evento al tiempo deseado, sonando de manera natural y conservar la toma que consideramos que aporta mucho a la canción.

Es justo aquí donde a muchos músicos y productores no les gusta ser sujetos a que su trabajo sea editado (corregido), ya que en el proceso de producción pudiera interpretarse como un trabajo de ciente. Este caso suele ser muy ambiguo, ya que por un lado, ciertamente la edición puede aportar una gran ayuda para ajustar lo necesario y que el tema represente la calidad esperada, pero por otro lado, existen músicos que quieren descansar en la edición usando el típico: “que el inge lo arregle”, para evitar esforzarse más, o exigirse al punto de poder evidenciar su falta de capacidad para llevar a cabo la tarea encomendada. Mi sugerencia en este punto es llevar a cabo la edición en total privacidad, tanto, que ni siquiera el músico sepa que se le ajustaron partes de su ejecución. Para ellos debemos tener en cuenta que dicha edición deberá arrojar un resultado cien por ciento natural, siempre generando la ilusión de que todo ha sido ejecutado de manera perfecta, sin sufrir ningún ajuste arti cial y de principio a n, y que esa ilusión haga sentir a todos orgullosos de su participación.

Por supuesto que hay de errores a errores, pero las bondades de una edición bien hecha nos permite virtualmente ajustar casi cualquier imperfección, imprecisiones en tiempo, ritmo, tono, duración, amplitud y demás. Podemos copiar y pegar las mejores partes, armar otras, duplicarlas y hacer armonías vocales a partir de la principal, modi car ciertas palabras, ajustar el “swing”, sincronizar voces e instrumentos de manera casi perfecta, suplantar sonidos y eliminar ruidos indeseados, entre un sinfín de posibilidades más.

Es de vital importancia entender que la edición existe porque es un proceso de alguna manera natural, inherente, parte del tratamiento de la producción. Incluso las mejores producciones de nivel mundial requieren un trabajo de edición, aún una

escena con Brad Pitt requiere corrección de color para un proyecto cinematográ co, entonces comprender que es el ego el que hace que muchos profesionales se nieguen a ella sería un primer paso para usarla a favor.

Ahora, no es lo mismo editar unas partes, ajustar o corregir otras por el bien de la canción y su mensaje, que armar un tema musical a partir de ejecuciones mediocres, solapando la falta de competencia o algo que no re eje la esencia del proyecto. Eso ya pasa a ser una mentira, para lo cual ninguno de nosotros debería prestarse por respeto y ética musical y artística.

Dicho esto, pasamos a la otra cara de la edición.

Edición creativa

Este proceso suele ser muy divertido, pues radica básicamente en explotar las posibilidades creativas de algo que a partir de la imaginación le sume al tema; por ejemplo, supongamos que en un coro encaja muy bien una frase del intro de guitarra al sumarse a otro instrumento tan simple como tomar la copia y sumarla al evento deseado, para experimentar con efectos o coloraciones sonoras. Otro ejemplo podría ser duplicar partes, desfasarlas y generar otros pasajes que originalmente no existían, agregando así más interés al tema. Aquí, el limite es la imaginación y la habilidad para llevarla a cabo con buen gusto.

La edición creativa a menudo nos hace trasladarnos a otros espacios a lo largo del tema, sumando o restando elementos que potencian la canción. No siempre se trata de sumas, ya que a veces restar es más. Un ejemplo de esto es cuando una base rítmica de batería y bajo que tocan continuamente durante todo el tema,y durante la etapa de postproducción se descubre que puede eliminarse un compás de batería, dando un empuje adicional para preparar el tema en la entrada de

un solo. En ocasiones, quitar partes en edición aporta un resultado muy valioso que no se consideró al momento de las capturas o el arreglo.

Es importante saber que es necesario desarrollar cierta experiencia y gusto musical para llevar a cabo ediciones correctas e imperceptibles; bien dicen que si tu edición se nota, ya es un trabajo mal hecho; es decir, lo que hagas en este sentido debe pasar desapercibido, así que tengamos en mente siempre que si bien la edición puede aportar mucho a una canción, de igual manera una edición mal hecha puede echar a perder por completo todo el trabajo de producción o hasta el potencial de un tema por completo.

La edición es una etapa que debe estar en todas las producciones, pues de alguna manera ayuda a que el tema suene sólido, estable y por ende, profesional. No sintamos el ego lastimado si nos vemos involucrados en este proceso por el bien de una canción; al nal, todos buscamos el mismo objetivo: obtener el mejor resultado posible, siempre al servicio de la música. La edición es un arma de doble lo, llena de bondades y riesgos y su uso conlleva una gran responsabilidad y ética por parte del productor, quien debe saber utilizarla de manera constructiva y cien por ciento profesional.

*Es productor musical, ingeniero en audio y músico y cuenta con 25 años de trayectoria en diversas áreas de la producción, participando en diferentes proyectos dentro y fuera de México, que abarcan música regional, pop, jazz, rock y orquestas sinfónicas, así como música para empresas y soundtracks. También está a cargo de la producción de audio en la Dirección de Innovación de la Secretaría de Educación Pública. Es miembro votante de los Latin Grammy y cuenta con su propio estudio de grabación, AntenaStudio, en Guadalajara, Jalisco. Pueden encontrarlo en: ferrer@antenastudio.com y www.antenastudio.com

Coldplay, looks esféricos con Chauvet Professional

Cuando miró al cielo, Pitágoras sintió una armonía mística resonando cuando el sol y la luna se unieron a las estrellas y los planetas otando a través de sus órbitas celestiales. “Hay música en el espaciamiento de las esferas”, declaró el matemático y lósofo griego, articulando su visión con una serie de fórmulas y patrones geométricos.

Patrones geométricos, movimientos uidos Hoy, más de 25 siglos después, las ideas de Pitágoras sobre la hermosa interacción entre los patrones visuales y la música se celebran en la gira mundial “Music of the Spheres” de Coldplay, donde la la actuación de la banda cuenta con el apoyo de un impresionante y trascendente diseño de producción de Misty Buckley y Phil Harvey.

Inspirado en los escritos y diagramas pitagóricos, el diseño del escenario evoca la visión del gran pensador con patrones

esféricos que se despliegan y se extienden desde el escenario en múltiples direcciones. Acentuando este panorama y dotándolo con un poder de movimiento aún mayor, se encuentra un diseño de iluminación de Sooner Routhier, que cuenta con 192 equipos Chauvet Professional Color Strike M.

Foto: FB Coldplay

Ell diseño de iluminación del tour “Music of the Spheres” resalta los patrones geométricos del escenario con movimientos

fluidos que se suman al sentido orbital del espectáculo.

Suministrados por la compañía Upstaging, las blinders/wash motorizadas con clasi cación IP65 están suspendidos a ambos lados del escenario y en las torres de sistemas de audio, además de estar dispuestos en con guraciones circulares en las cubiertas del escenario principal y el escenario B.

“Hay un diagrama de Pitágoras especí co que muestra los arcos y el movimiento del sistema solar y sus cuerpos celestes en los que nos apoyamos para inspirarnos”, comenta Sooner Routhier sobre el concepto de diseño general. “Entonces, la arquitectura para el diseño de iluminación y la señalización del sistema se basan en gran medida en esferas, círculos y arcos.

Matt Geasey, de Clear All Visuals, hizo una gran parte del desarrollo tecnológico y la integración previa en relación con estos conceptos, incluso para nuestro sistema de iluminación”.

Así las cosas, el diseño de iluminación del tour “Music of the Spheres” resalta los patrones geométricos del escenario con movimientos uidos que se suman al sentido orbital del espectáculo. El movimiento de la luz uye a la perfección con la música, con orituras tales como arcos que se elevan rítmicamente desde la cubierta superior del escenario, mientras que las corrientes horizontales de luz se mueven desde allí. Su diseño también crea estados de ánimo evocadores que recuerdan un viaje transformador a través del uso imaginativo de contrastes de color y efectos estroboscópicos.

La versatilidad de la luminaria Color Strike M, que cuenta con tubos asignables de pixeles de alto rendimiento anqueados por bancos de LED RGB (también asignables por pixeles), fue clave para ayudarla a lograr algunos de estos looks memorables. “Hicimos muchas cosas únicas con estos equipos”, menciona Sooner Routhier. “La canción ‘Clocks’ fue muy especial, ya que hay momentos en los que quitamos la iluminación frontal por completo y dibujamos la silueta de la banda contra la pared de video usando los Color Strike M, lo que funciona dramáticamente con el láser verde masivo que sale del vértice de la pared de video de arco. La mayoría de las otras luces están apagadas durante esa canción”.

“También me encantan los arcoiris en ‘Adventure of a Lifetime’; especialmente el que tenemos con Strike M”, continúa Sooner. “Disfruto jugando con todos los colores en nuestro. Coldplay parece tener que ver con los arcoiris, ¡lo cual es una maravilla! Chris Martin quería la sensación de que la audiencia se mueve a través de los siete niveles de chakra desde la parte superior del espectáculo hasta el nal. Lo seguimos libremente usando los colores de los chakras en orden, pero combinándolos con algo complementario. A veces nos desviamos del orden de los chakras, ya que ciertas canciones tienen identidades muy especí cas. Sin embargo, si prestas su ciente atención, puedes ver que el espectáculo uye en orden: rojo, naranja, amarillo, verde, azul, violeta y demás.

La destreza de mapeo de pixeles del Color Strike M ayudó al equipo de diseño a idear una variedad de ambientes que crean

un estado de ánimo para canciones como “Beautiful”, cuando los programadores de iluminación Joe Lott y Matt Kemp, de la compañía Quantum Creative, usaron los equipos para crear un aleteo colorido, movimientos de agua y rosa contra colores de fondo de verde azulado, verde y UV.

“Con amos en Color Strike M para obtener muchos pixeles para manipular”, dice Joe Lott. “Tener una cantidad tan grande de unidades en las proximidades nos brinda una super cie realmente dinámica para crear la apariencia y los efectos del espectáculo. El aura circular de los dispositivos Strike M alrededor de la banda es clave para darle forma al escenario y con la alta densidad de pixeles nos permite lograr gradientes suaves de color y luz que envuelve la banda; y con más de 8,000 pixeles en total podemos crear patrones y formas muy diferentes, dando a cada canción su propia identidad.

La destreza de mapeo de pixeles de la Color Strike M ayudó al equipo de diseño a idear una variedad de ambientes que crean estados de ánimo.

Foto: FB Coldplay

La versatilidad de la luminaria Chauvet Professional

“La cantidad de salida de luz de estas luminarias es realmente impresionante”, menciona Joe Lott. “Cuando encendimos las luces del público por primera vez en Sudamérica, pudimos iluminar todo el estadio de color de una manera que nunca antes había visto. La canción ‘People Of The Pride’ hace un gran uso de lo brillantes que son las Strike M al permitirnos iluminar todo el estadio con una luz blanca brillante”.

La iluminación intensa de la audiencia es fundamental para conectar a Coldplay con los fanáticos en la gira, concuerda el operador de iluminación Shaheem Litchmore. “La interacción y la conexión con el público son una parte muy importante de nuestro programa. Cuando Chris está en el escenario y dice ‘Puedo verte’, genera un poderoso momento compartido con los fanáticos”.

Al ir y venir entre la banda y el público, este vínculo da como resultado un círculo de conectividad que abarca a todos en el escenario y en la arena: exactamente el tipo de armonía esférica que habría sido música para los oídos de Pitágoras.

Color Strike M fue clave para lograr algunos de estos looks memorables.

Cinematic Media

División

de Argos Media Group, Cinematic Media es el sitio donde se brindan servicios de postproducción, desde la creación de archivos editables, diseño sonoro, VFX, color grading, edición y diseño de proyectos audiovisuales para el cine, plataformas de contenido on demand, música y publicidad. Cuenta con cuatro salas Dolby Atmos, más una 7.1 y una dedicada para Dolby Atmos Music, con lo que se erige como una opción de primera línea en este quehacer.

Fotos: Oliver de Gante

La creatividad, basada en el trabajo de equipo

Tras un ejercicio de observación sobre los procesos de producción audiovisual en países como los Estados Unidos, se estableció la misión de conformar un equipo dedicado para impulsar el eslabón del audio, sumando talento y experiencia de profesionales como Tonalli Villaseñor (director de Cinematic Media) y Martín Hernández (director de audio), quienes junto a Omar Martínez (gerente técnico de audio) y Daniel Torres (ingeniero de mezcla senior), han logrado sistematizar una línea de producción de alta calidad que beneficia a todos los servicios. Tonalli (quien cuenta con una trayectoria de más de 20 años en el ámbito de la producción para series, películas, comerciales y proyectos audiovisuales), menciona:

“He estado involucrado en los procesos y flujos de trabajo y he sido parte del equipo desde que comenzó hace cinco años, sobre todo en la parte editorial, que ha sido la naturaleza de mi acercamiento a todo. Esta parte editorial reúne todas las piezas que después se van a convertir en el producto final; antes de pasar a sound design, desde editorial se hace un acercamiento siempre en conjunto y

en comunicación con el área de diseño sonoro. Todas las partes que hoy son la postproducción final se involucran en la edición. De esta forma, fue un paso natural haber sido el líder del equipo editorial y haber pasado a esta parte de laboratorio digital”.

“En Cinematic, parte fundamental de la filosofía es tomar los proyectos desde su primera etapa, “añade Tonalli; “tratamos de hacer contacto con los fotógrafos desde que se hacen las pruebas de cámara, desde que el production designer se sube al proyecto, los guiones se empiezan a crear y el cast empieza a conformarse, ya que la única manera de llevar a buen fin un proyecto, o al mejor fin posible, está íntimamente relacionado con ser parte de su génesis. Entonces, ésta es parte seminal de nuestra manera de trabajar en todos los departamentos”.

“También es muy importante para nosotros toda la gente que se dedica a alimentar los proyectos. Gran parte del esfuerzo que hacemos en los equipos es capacitarlos, ver qué necesitan

“Es muy importante para nosotros toda la gente que se dedica a alimentar los proyectos. Gran parte del esfuerzo que hacemos en los equipos es capacitarlos, ver qué necesitan para dar, no solamente un mejor servicio a nuestros clientes, sino a su vida”. Tonalli Villaseñor.

Martín Hernández y Tonalli Villaseñor

para dar, no solamente un mejor servicio a nuestros clientes, sino a su vida, a ellos mismos. Hay una recompensa en pasar tanto tiempo aquí y hacer una familia con toda la gente que colaboras, y es que cada vez hay una mayor libertad de crecer todos los días. Eso al nal no solamente es un estímulo personal, sino profesional para los que trabajamos en conjunto, para la empresa, los proyectos, la pantalla y la industria audiovisual”.

Por su parte, Martín Hernández, de extensa trayectoria en el diseño sonoro de proyectos tan importantes como “Birdman” (2014) y “The Revenant” (2015), por los que fue nominado a dos Premios Oscar y ganador de un Premio de Cine de la Academia Británica en el caso del segundo título, comenta:

“En México tenemos que entender que si no hay un proceso como tal (en la producción audiovisual), no podemos tener industria. No hay una consistencia del impacto que tiene cada decisión que se toma y lo que va a pasar con esto en todas las áreas. El audio es uno de los últimos eslabones, recibe el impacto de todas las áreas como una concatenación de eventos que no se pueden deshacer ni bloquear. Estuve haciendo un análisis, platicando con editores, con la gente que estaba involucrada y con personas fuera del ámbito editorial, en producción, postproducción, en la parte de imagen, y luego mi labor era también traer proactivamente mi experiencia, los veinte años que tengo haciendo esto de una forma y determinar cómo podemos incorporarlo en algo tangible para la organización, involucrando todo: el tiempo, el dinero, el costo”.

“Luego se hizo una inversión de todo el equipo, el diseño de las salas por Horacio Malvicino y en el proceso se incorporó Omar Martínez, que nos ha ayudado enormemente en la logística. Creamos un roster de editores venidos de escuelas de audio como SAE Institute y otros de la escuela de la vida. Queremos que haya quienes hagan algo muy especí co para potencializar sus capacidades y no se convierta en alguien que carga con todo, porque eso no funciona”.

“Se incorporó un sistema, hicimos una línea de producción, un proceso con el que hasta ahora nos ha ido muy bien a nivel de trabajo, con calendarios y presupuesto. Mi responsabilidad es saber qué equipo funciona, lo que he probado y lo que va a funcionar. Cuando comenzamos hablé con varias personas que conocía en México que se dedicaban a representar marcas como Pro Tools y Focusrite -donde ahora está Pepe Revelesy les dije que haríamos estas salas para que funcionaran de manera uni cada, aprovechando la poca o mucha experiencia que se tenga individualmente y sin que impactara el resultado nal de lo que hacemos. Es una de las cosas que más me ha gustado de la experiencia de estar aquí: la oportunidad de tener este crisol de talentos que viene en distintas formas a aprender y a proveer lo que saben hacer”, añade Martín.

“Lo importante era volver esta unidad autosu ciente: que cuando llegara un productor a buscar una solución, en este mismo lugar existiera, y para ello, la línea de ensamblaje del audio debía ser continua y funcionar con el equipo y en forma. Cualquier productor que venga sabe que puede traer

el proyecto y desarrollarlo desde cualquier punto, desde cero, a la mitad de la postproducción o al nal, incluso habiendo terminado las labores editoriales y listo para mezclar”.

Martín pone un ejemplo “Cuando estábamos mezclando la versión para Criterion Collection de ‘Amores Perros’ para celebrar su aniversario número veinte, se volvió a mezclar con John Taylor y Rodrigo Prieto armó cosas en 4K. Comenzó a trabajar con Alejandro –González Iñárritu- corrigiendo color y si comparamos versiones, verás que ésta última se ve mejor. Estábamos haciendo la mezcla y nos contactó Harrison Atkins, un amigo editor que estaba haciendo la película ‘Emily the Criminal’ de John Patton Ford, pero en plena crisis sanitaria y yo de regreso en México, le expliqué lo que podíamos hacer en Cinematic Media, así que nos pusimos a trabajar a nivel remoto, él en Los Angeles y nosotros aquí. Acabamos una versión y volé con mis supervisores, Alejandro Quevedo y Jaime Saiz, y estuvimos mezclando allá con Chris Minkler (que

también hizo “Biutiful” y “Babel” junto con John Taylor). Chris mezcló toda la película en un estudio en Burbank, California, y fue muy bonito ver cómo eso que habíamos pensado y hecho con maquetas conceptuales en la sala Dolby Atmos se había concretado de una forma increíble”.

“Éste no fue el primer proyecto que hicimos así”, recuerda Martín; “la película de Josephine Decker, ‘The Sky Is Everywhere’ para Apple TV, la mezclamos en Universal en Los Ángeles con John Taylor, pero toda la preparación de los tracks la hicimos aquí en las salas Atmos, al igual que ‘Bardo’, la nueva película de Alejandro González Iñárritu, que la parte hecha en México, la pre mezclamos y editamos en las salas Dolby Atmos. Ha sido la misma experiencia proactiva de tener unas salas profesionales, bien hechas, donde sabes que lo que estás oyendo es lo que debes y luego ir a otras salas en el mundo y ver qué mejorar; eso para mí ha sido la mejor forma de calibrar y saber la temperatura de lo que estamos haciendo en Cinematic”.

Además de las salas Dolby Atmos para los proyectos visuales, se tiene una dedicada para música, sobre la que Tonalli y Martín refieren:

“Afortunadamente, nuestros amigos de Adam Audio y Focusrite tuvieron a bien traer la idea de hacer una sala Dolby Atmos Music para dar la posibilidad a los clientes de hacer música en ese formato. A Tonalli y a mí nos encanta la música y siempre estamos compartiendo canciones y playlists; en lo personal, la música es un motor primigenio de ideas y sonidos y siempre empiezo y termino mi día con ella”, comenta Martín.

“La música es un común denominador para los que nos dedicamos a esto”, añade Tonalli; “cada vez que entras a una sala te confrontas con tecnología y todo lo que se necesita en ella, pero sobre todo, con alguien que está creando algo, con un equipo que está uniéndose para crear algo y creo que eso es algo que nos gusta a todos. No solamente es la posibilidad de crear, sino de llevar al mejor lugar posible esa creatividad. En ese sentido, las salas Dolby Atmos nos permiten consolidar algo de lo que hablamos todo el tiempo, hacerlo y llevarlo a su mejor versión. Ahora que Martín menciona cuánto hablamos él y yo de música y la calidad de una grabación, cabe mencionar que la sala Atmos Music es una oportunidad en ese campo para aportar algo importante y sumar a la gente que necesitemos sumar para tener a los mejores”.

Aprendizaje y crecimiento constante

Lo que inició como una invitación para capacitar al personal en Dolby Atmos, se convirtió en una convocatoria para unirse al equipo de Cinematic Media y regir con su expertise los aspectos técnicos, como lo expone Omar Martínez:

“Entré en abril de 2021, luego de tener muchas juntas con Martín Hernández y Aquiles Vera, a quienes conocía por mi trabajo en Avid. Mi labor es atender el audio para tener funcionando correctamente toda la infraestructura. Cuando entré, las salas se estaban terminando y estuve viendo con el integrador que todo se pusiera en orden, se revisaran las señales y las cosas que nos fuimos encontrando”.

“Las salas comenzaron a funcionar en junio de 2021 y la primera mezcla Dolby Atmos fue de la segunda temporada de Oscuro Deseo, que fue un aprendizaje para todos, incluido yo. El trabajo de Martín y su equipo humano es impresionante, está lleno de los mejores profesionales de México y América Latina y logró tener una estructura con puestos y perfiles muy definidos”, detalla Omar.

“En cuanto a la infraestructura en equipamiento, la columna está en el protocolo Dante, como lo hablaron Martín con Pepe Reveles, de Focusrite, y a partir de ahí, el equipamiento se basó en interfaces de esta marca para las seis salas que operan por

“Es sumamente interesante trabajar con gente de video y corrección de color y que los flujos de trabajo corran; veo que no estaba tan errado y que estar aquí es la culminación de experiencia de todos estos años”. Omar Martínez.

pares, donde las salas 1 y 2 son las más grandes y tienen Pro Tools HDX2 con dos interfaces Focusrite HD32R para lograr 64 canales de Dante que entra a una Dolby Atmos Workstation, que recibe hasta 128 canales -64 alimentados vía Dante con una tarjeta PCIeR de Focusrite-, mientras que el monitoreo se hace con un convertidor de Dante a Bluelink que utiliza JBL. Los altavoces y subs elegidos para sonorizar las salas son la serie C211 en los frontales y laterales, y a techo las 708P, con el subwoofer 4645, todo administrado por medio de Intonato, que está calibrado para tener la curva de Dolby. Las salas 3 y 4 operan con sistemas HDX con Red 4Pre de Focusrite; la sala 5 es Dolby Atmos Music con HD Native Thunderbolt conectado a una Red 4Pre, y en la sala 6 la misma con guración, pero en formato 7.1.

Por las condiciones de colaboración remota que la crisis sanitaria fortaleció, en Cinematic Media se usa la aplicación No Machine, sugerida por Luis De la Cruz, del equipo técnico, y avalada por Avid, la cual permite controlar y recibir audio desde Pro Tools. Omar explica:

“La serie donde usamos ese recurso fue ‘Donde hubo fuego’. Tuvimos varios elementos trabajando a distancia y ya es una normalidad a la cual todos nos hemos de acostumbrar y disponer de la infraestructura para que ocurra adecuadamente”. Para Omar, Cinematic es la oportunidad para seguir creciendo:

“Todos los años de experiencia que me dio Avid me han permitido aplicar y aprender aquí y crecer. Es sumamente interesante trabajar con gente de video y corrección de color y que los ujos de trabajo corran; veo que no estaba tan errado y que estar aquí es la culminación de experiencia de todos estos años. Cinematic Media para mí es una de las casas de producción más grandes que hay en América Latina”.

Otra parte fundamental del equipo humano de Cinematic Media, está Daniel Torres, egresado de la carrera de Ingeniería en Electrónica con especialidad en Acústica del Instituto Politécnico Nacional. Daniel ha construido su experiencia en la postproducción de audio en Televisa San Ángel, TLC, TV Azteca y Argos, donde se ha mantenido desde

2012: “En 2015 tuvimos el Daniel Torres

proyecto de ‘Ingobernable’, para el que me llamó Arturo Sedano. Hicimos las dos temporadas y en el ínter fue que empezó mi experiencia en Cinematic Media”.

Con créditos que incluyen también “Yankee”, “El Club”, “Pan y Circo”, “Ana”, “Oscuro Deseo” 1 y 2, “Donde hubo fuego” y ahora “Triada” que se está mezclando en Dolby Atmos, Daniel ha tenido la fortuna de vivir la transición de todo un proyecto que busca ser parteaguas en la producción audiovisual de México:

“Me ha tocado vivir cada cambio en el audio, desde los procesos analógicos y digitales, y ahora mezclar en Atmos es una tarea de mucha mayor sensibilidad. Para mí es una fortuna vivir esta transición y estar en este proceso de avance que ha tenido Cinematic Media, ver cómo pasamos de salas de edición 5.1 con audífonos y ahora tener estas salas que son una gran experiencia. Hicimos para Paramount el primer proyecto de cción mexicano, “Dani Who?” y fue un logro que nos quedó muy bien editado, grabado, con un sonido excelente”.

A ese ánimo de satisfacción y desafíos logrados se suma Tonalli: “Nos falta muchísimo, pero el camino está puesto y ya empezó un movimiento en esa dirección. Falta abrirse a las plataformas y el hecho de que llegaran y empezaran a demandar trabajo ha sido muy importante para empezar a crear una industria, porque la demanda de gente y de talento ha crecido, pero aún nos queda mucho camino que recorrer. Sé que el público es quien empuja los contenidos y aunque va caminando, creo que la exigencia del público juega un papel de nitorio absolutamente en los contenidos que estaremos generando”.

Martín Hernández añade para nalizar el encuentro con este valioso staff en unas instalaciones de postproducción que cuentan con el talento y el equipamiento necesarios en un medio en el que se requieren altísimos estándares de calidad: “En todo el mundo, el fenómeno de apreciar algo es un gusto adquirido, entonces, como consumidores estamos también siendo responsables de esos contenidos. A nivel demográ co, en el mundo se están pidiendo ciertos contenidos y otros no, y eso depende de la exposición que

“Me ha tocado vivir cada cambio en el audio, desde los procesos analógicos y digitales, y ahora mezclar en Dolby Atmos es una tarea de mucha mayor sensibilidad. Para mí es una fortuna vivir esta transición y estar en este proceso de avance que ha tenido Cinematic Media”. Daniel Torres.

Daniela Zamudio, asistente de mezcla

Diego Armenta, mixer

Diana Tenorio, mixer

Cinematic Media y sus talentos

Tonalli Villaseñor (Director de Cinematic Media)

Martín Hernández (Director de audio)

Oliver de Gante (CTO)

Daniel Torres (Ingeniero de mezcla senior)

Diego Armenta (Mixer)

Diana Tenorio (Mixer)

Daniela Zamudio (Asistente de mezcla)

hemos tenido como consumidores, culturalmente, por años. Yo creo que esto va a tomar mucho tiempo, pero hay que empezar por algo. De nuestro lado, la misión es que al producir se haga lo mejor posible y esperar honestamente a que sea el mejor de los resultados”.

Entrevistas: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

Omar Martínez (Gerente técnico de audio)

Serie Proteus de Elation y su camino a la excelencia*

Mantenido

con discreción durante sus fases formativas, el desarrollo de la línea de luminarias IP65 Proteus de Elation Professional ha sido un viaje experiencial y fructífero. ¿Cómo inició todo?

Era principios de 2015 y Elation había reunido a su personal mundial de ingeniería, diseño de productos, servicio e investigación y desarrollo en Los Angeles para una mesa redonda de una semana de debate, intercambio de ideas y experimentos para ver cómo la empresa podía impulsar el éxito de ingeniería obtenido con productos como la luminaria Platinum FLX con el grado de protección IP65.

El talento estaba allí, entre los ingenieros térmicos, mecánicos, ópticos, electrónicos y de software, y la visión era clara: la creación de una línea verdaderamente con able de luminarias automatizadas con clasi cación IP65 que funcionaran en las condiciones más duras. El camino para llegar allí, sin embargo, no lo era.

Durante los próximos meses, Elation redactó una estrategia de desarrollo bien pensada y completa, con objetivos estratégicos, fortalezas, medidas de éxito y desafíos, todo con el objetivo de lanzar una nueva marca de productos protegidos y de la más alta calidad.

Una línea de Proteus en Kitzbühel en los Alpes austriacos. Audi Guest Experience

Foto: Optikalusion

Los desafíos eran sustanciales

Se sembraron las semillas, pero quedaba mucho trabajo duro por delante: había una curva de aprendizaje que conquistar, recursos que evaluar y adquirir, pruebas que superar, errores que corregir y obstáculos que superar. Los experimentos repetitivos pondrían a prueba la paciencia y la dedicación de muchos ingenieros profesionales mojados y polvorientos (tanto como el propio hardware).

El director del área de investigación y desarrollo de Elation, Irek Skoczowski, estuvo presente en ese simposio grupal. Es un miembro clave de un equipo cuya estrecha relación de trabajo se extendía a través del Atlántico hasta la o cina europea de la marca en Holanda y un departamento de investigación y desarrollo en tal lugar, encabezado por Roger Hamers. “Sabíamos el por qué diseñar un nuevo producto, que fue impulsado por los diseñadores de iluminación, las empresas de renta y nuestro propio equipo de ventas”, recuerda Irek, “pero lo que no sabíamos era el cómo. Se trataba de desarrollar una unidad que pudiera soportar el calor y la arena de Dubái, la sofocante humedad de Florida o un gélido invierno austriaco. Los desafíos eran sustanciales”.

Al principio

La certi cación IP65 no era un territorio completamente nuevo para la empresa. Elation comenzó a profundizar en productos con esta clasi cación años antes, con la luminaria DLED y la serie posterior, ELAR. “Lo llamaría la semilla que inició nuestro camino hacia la serie Proteus”, dice el gerente de servicio de Elation, Gines Gines, otro miembro importante del equipo de desarrollo de Proteus. “Encontramos algunas de nuestras primeras luminarias ELAR en excelentes condiciones de funcionamiento, con años de uso en proyectos marítimos. Ese fue un conocimiento importante que ya teníamos y que nos ayudó a mejorar durante las etapas de desarrollo de este equipo”. Esa experiencia temprana ayudó en el desarrollo de especi caciones de grado marino para la nueva línea, brindando una mayor resistencia en ambientes salinos corrosivos.

Completamente sellado

Un desafío que no necesitaba mencionarse, pero que llegaría a consumir noches de sueño para el equipo, era cómo mantener una unidad de iluminación automatizada completamente sellada. Los primeros intentos fueron todo menos exitosos. “La primera muestra no solo era demasiado voluminosa”, sino que parecía algo de la prehistoria, según Irek. “Hubo muchas fugas y problemas de condensación y cuando obtuvimos el primer prototipo, desatornillamos la unidad y la abrimos, eso fue todo y tuvimos que tirarlo a la basura. Esa fue una lección temprana en el tema de la protección: ¡sin tornillos en aluminio blando!”. La solución resultó ser insertos de helicoil (alambre de acero

ArtÍculo invitado

Sobreviviendo al calor en el desierto de Arizona

Test de resistencia: una Proteus opera continuamente por 17 mil horas

inoxidable o bronce fosforado helicoidal que tiene una sección transversal en forma de diamante). “Eso fue una gran mejora hacia una solución IP65”.

Las primeras pruebas involucraron el uso de gas inerte para detectar fugas, un método adoptado de la industria automotriz y sus sistemas de aire acondicionado. El enfoque ayudó a mejorar el sellado al determinar cuál diseño de junta era el mejor, así como qué material proporcionaría el mejor sellado y resistiría el uso repetido.

Control de humedad

Sin embargo, sellar correctamente la unidad resultaría ser solo un pequeño paso de muchos. Evitar que entrara agua en la unidad es una cosa, pero lidiar con la condensación dentro de la unidad es otra. “El agua condensada normalmente se vaporizará y saldrá a través de las válvulas de aire, pero una vez que se realizaron los experimentos en climas fríos, surgieron otros problemas”, comenta Roger Hamers, del área de investigación y desarrollo en Europa. “Lo que vimos en ambientes muy fríos fue agua condensada que tendía a acumularse en ciertas áreas de la unidad. Aislamos el problema y después de considerar varios métodos diferentes para solucionarlo, nalmente hicimos modi caciones de hardware muy precisas que permitieron recolectar y retener la humedad hasta que la luz se calienta y el agua se libera como vapor. El sistema demostró ser efectivo y también brinda protección adicional para componentes internos importantes como las PCBs (placas de circuito impreso, por sus siglas en inglés)”.

El control de la humedad, quizás el mayor obstáculo a superar, se había perfeccionado, o eso pensaban los ingenieros de Elation. A medida que la línea Proteus se expandió para incluir versiones LED y sus lentes frontales más grandes y más fríos, los problemas de condensación volvieron a aparecer. “Debido a que el agua se condensa en el lugar más frío de una unidad, a menudo la lente frontal de una lámpara LED, notamos que a veces se empañaba”, continúa Roger. “En este caso, miramos fuera de nuestra industria hacia la industria automotriz, para ver cómo lidiaron con un problema similar”. La solución, que involucró la inserción de un ventilador y un elemento calefactor para soplar una película de aire caliente debajo de la lente, garantiza que las lentes no se empañen.

Pensando a largo plazo

El progreso se sentía lento, pero había progreso. Se perdería una mañana reparando una unidad y reemplazando los PCBs quemados porque un sello era medio milímetro demasiado estrecho o fallaba un conector. Incluso cuando se resolvieron los problemas individuales, el equipo de desarrollo tuvo que pensar a largo plazo: ¿seguirá funcionando años después? ¿cómo y dónde podría corroerse? Los experimentos fueron duros, a menudo frustrantes, implicaron mucha limpieza y lavado constante. Pero incluso en los primeros días, el grupo de desarrollo estaba haciendo progresos aprendiendo, creciendo y compartiendo conocimientos colectivamente.

Mientras tanto, surgieron otros problemas. Cuando las unidades prototipo iniciales tuvieron problemas con el

Test de exposición a largo plazo

motor debido al sobrecalentamiento que condujo a un sobrepaso, se llamó a los ingenieros de software de Elation para que modi caran el sistema de software. Y cuando uno de los primeros sistemas de deslizamiento de postes para el enfoque y el zoom tuvo problemas en ambientes de altas temperaturas, lo que provocó un desgaste excesivo y un desgaste más rápido, se implementó un cambio a un sistema de rieles con cojinetes de calidad y aceites especialmente diseñados, una solución libre de mantenimiento que ha funcionado bien en todos los ambientes.

Muchas pruebas

Pasaron meses con ingenieros modi cando, cambiando, reparando, reemplazando y probando, muchas pruebas. Mientras tanto, el personal de ventas de Elation comenzó a escanear sus contactos para asegurar Proteus en aplicaciones del mundo real en todo el mundo, con lecciones aprendidas en el camino. Dubái, por ejemplo, fue uno de los duros entornos de prueba donde las unidades estuvieron expuestas durante meses a un sol implacable, fuertes vientos y tormentas de arena. Naturalmente, una vez rescatados de su tormento en el desierto, los ingenieros curiosos querían saber qué sucedía dentro de las unidades.

“Nuestra preocupación eran los componentes internos y cómo podíamos deshacernos de todo ese calor”, dice Irek. “Nos basamos en la experiencia que teníamos con nuestras lámparas Platinum y cómo enfriarlas, pero aun así, nos llevó dos años perfeccionar el sistema de enfriamiento”. Proteus

utiliza un innovador sistema de enfriamiento de radiadores y aletas de enfriamiento, que funcionan con ventiladores internos para transportar el calor fuera de la unidad. Para reducir aún más el estrés por calor, el sistema de refrigeración garantiza que se transporte una temperatura uniforme en toda la unidad para evitar puntos calientes internos. Además, en cada paso, los niveles acústicos se midieron cuidadosamente para garantizar que los niveles de sonido se mantuvieran lo más bajos posible.

Los entornos en los que se encuentran las luminarias Proteus son diversos. Para las luminarias expuestas a fuertes vientos; por ejemplo, en un rascacielos a cientos de metros sobre el suelo, se realizan pruebas especiales de viento que miden la tolerancia a la fuerza del viento. Otras unidades se someten a pruebas IK, que miden los niveles de impacto de la lente, así como a pruebas de vibración 3G. Además de eso, los accesorios se prueban según las directrices y certi caciones CE, cETLus e IP65, junto con otras pruebas locales cuando sea necesario.

El laboratorio de Elation Otros entornos de prueba son igual de agotadores, incluido el cálido y húmedo Orlando y los entornos de lluvia y agua salada en China. Sin embargo, quizás la prueba más dura se produjo en el propio laboratorio de Elation. “Creamos entornos más duros en los que un cliente usaría el producto. Básicamente, los ejecutamos y los probamos hasta que los matamos”, dice Irek mientras muestra esa mirada ligeramente tortuosa que solo se ve en un ingeniero de pruebas sin restricciones.

Prueba de altitud, muy por encima de Seattle

Prueba acústica

ArtÍculo invitado

Tras una minuciosa inspección visual, los prototipos deben soportar una letanía de pruebas. Una cámara IP especial riega, rocía y hace estallar la unidad desde todos los ángulos imaginables; una sala de calor lo expone a temperaturas de hasta 50 grados centígrados y un congelador que los lleva hasta -40 grados centígrados. Un viaje al techo de las instalaciones de Elation ve más torturas. Las pruebas también incluyen la exposición a otras sustancias que una unidad puede encontrar en entornos del mundo real, como cloro (piscinas), bromo (spas) y grandes vasos de cerveza (cualquier festival).

Protección solar

Sin embargo, no todas las pruebas descubren problemas del mundo real. Un ejemplo es de un sitio de prueba inicial, donde la luz solar directa a través de la lente de una unidad causó daños a los componentes internos, un problema que los ingenieros no habían previsto originalmente. “El sol había brillado a través de la lente para crear un haz excepcionalmente estrecho en la unidad, similar a un láser, y quemó algunos componentes en segundos”, cuenta Roger Hamers. “Pensamos que habíamos cubierto todo, pero esto demuestra lo importante que son las pruebas en el mundo real”, en combinación con placas de sellado especiales que protegen correas, ventiladores y válvulas.

Los equipos de Investigación y Desarrollo aprendieron que la luz del sol que entra a través de los lente causa daño a múltiples componentes internos

Pruebas de sustancias corrosivas

Foto: Optikalusion

Otras pruebas descubrirían otras debilidades potenciales.

Las pruebas de caída, por ejemplo, encontraron que ciertas construcciones de carcasas y soportes necesitaban pequeños ajustes y se realizaron otras mejoras en cosas aparentemente banales, como sistemas de cableado y tomas de corriente.

“Aprendimos mucho de esas primeras unidades prototipo, especialmente del Proteus Hybrid, y evitamos esos problemas en las siguientes unidades”, dice Irek.

¡Quiero ver burbujas!

Como dice el proverbio, la necesidad es la madre de la invención y con las unidades que se abrían y cerraban diariamente en el departamento de investigación y desarrollo de Elation, un IP Tester (herramienta para probar la integridad de cualquier accesorio de iluminación con clasi cación IP) de alta calidad era una necesidad para el equipo de pruebas. “Los comprobadores de IP del mercado solo podían realizar pruebas de vacío, lo que no es lo su cientemente bueno, por lo que acabamos creando nuestro propio comprobador de IP que puede detectar fugas tanto de vacío como de presión”, explica Roger Hamers. Pero, ¿por qué debería hacer ambas cosas? Con un probador solo de vacío, el agua es absorbida por el accesorio y es difícil aislar dónde está la fuga. Hay problemas que nunca encontraría con solo una prueba de vacío, como fugas en una membrana. ¡Quiero ver burbujas! También presurizamos la unidad para que pueda ver las burbujas e identi car más fácilmente dónde está la fuga”. Una vez más, Elation había buscado inspiración en la industria automotriz para encontrar una solución innovadora.

El paso gigante

Esa mesa redonda inicial provocó la evolución de una línea de productos líder en la industria que ha mantenido a Elation a la vanguardia del desarrollo de dispositivos con clasi cación IP desde entonces. Eric Loader, director de ventas y marketing de

La presurización expone las fugas (burbujas), lo que facilita la identi cación del ingreso

Elation Professional, estuvo en ese simposio y re exiona sobre el viaje. “Ha sido una tarea desa ante a lo largo del camino, pero nada grandioso es fácil, ¿verdad?. El arduo trabajo y la dedicación que pone nuestro equipo en el desarrollo de estos productos de clase mundial garantiza que los clientes hagan realidad su visión y se aseguran de que sus proyectos sean exitosos de principio a n. Ha sido un gran paso adelante para nuestra empresa, pero también para nuestra industria”.

Audi Guest Experience

Foto: Optikalusion

Pruebas de fugas de vacío y presión

Robert Venable:

mezclas y microfonía con Audix

Elgalardonado productor, ingeniero de grabación, mezclador de sonido y baterista de rock ganador de premios Emmy y Dove, al comienzo de su carrera dirigió el equipo Pro Tools para las superestrellas del metal Megadeth y que actualmente mezcla para The Kelly Clarkson Show en la cadena televisiva NBC, también ha trabajado en discos para artistas multiplatino y ganadores de premios Grammy, incluidos Clarkson, MuteMath, Twenty One Pilots y más, además de contar con clientes como Sony, Saturday Night Live y Pixar, detalla en esta entrevista la manera en la que usa los micrófonos Audix, como el i5, SCX25A y una gran cantidad de D6, además de ofrecer historias y consejos invaluables.

Empecemos por el principio: el punto de entrada a la producción musical.

“Como baterista, toqué en todo, desde ska-punk hasta bandas de hard rock, y me di cuenta de que la vida de gira no es lo mío, así que pensé en seguir con la música, pero al otro lado del cristal. Existe la oportunidad de ser creativo, pero también la responsabilidad, lo que me atrajo. Me puse en una lista de espera para el Conservatorio de Artes y Ciencias en Arizona. Dijeron que me tomaría un año o dos conseguir un lugar, pero pasaron un par de meses y dijeron que tenían una vacante inmediata si podía llegar en una semana”.

¿Hay algo que describirías como un momento temprano de “gran oportunidad”?

“La escuela rompió sus propias reglas al permitirme aceptar un trabajo cuando aún era estudiante. El director se me acercó y me dijo si me gustaría hacer un gran proyecto, que terminó siendo el disco de Megadeth “The System Has Failed”. Hice una pasantía en eso y también hice algunas voces de fondo junto a Dave Mustaine”.

“Me preguntaron si conocía Pro Tools y dije que por supuesto.

¡Luego me fui a casa esa noche y descargué el manual de instrucciones! Los tutoriales en internet aún no existían, así que estudié y memoricé comandos como loco. Al día siguiente entré allí y me encontré ejecutando Pro Tools para Megadeth”.

“Mirando hacia atrás, tal vez no fue una buena decisión, pero a partir de ahí, el boca a boca se extendió rápidamente y entré en la escena del hip-hop en Arizona. Esto fue a principios de la década de 2000 y pude trabajar con artistas como DMX y Ruff Ryders, pero descubrí que no quería estar cerca de algunos aspectos de la escena, como algunas personas que llevaban drogas o armas, entonces salté de eso a trabajar en un estudio en North Scottsdale que atendía a muchas bandas aspirantes a Blink 182 en ese momento”.

Ahora posees FIVE Studios al sur de Nashville, donde tus servicios tienen una gran demanda. ¿Cómo sucedió?

“En Scottsdale el equipo era genial, pero muchas de las bandas eran niños ricos que usaban el dinero de sus padres. Entonces, me mudé a Nashville en 2009 para convertirme en un pez pequeño en un estanque muy grande. Me asocié con mi amigo Lester Estelle, que ahora es el baterista de Kelly Clarkson, y al principio nos apresuramos, atrayendo a nuestros propios clientes. Él tocaba la batería y yo grababa. Eso creció y eventualmente, bandas como Twenty-One Pilots y MuteMath me llamaron. Luego me enganché con el campamento de Kelly Clarkson”.

¿Cómo descubriste por primera vez los micrófonos Audix?

“Creo que fue principalmente mi amistad con Lester Estelle, que es un verdadero audió lo. Un día me dijo que los probara y al principio no pensé que algo tan accesible pudiera ser tan bueno, pero los probé y nunca he dudado de Lester desde entonces. Creo que mi primera compra de Audix fue un paquete de micrófonos de batería de algún tipo. Ahora tengo una pila de ellos”.

“Cuando empieces, deja tu ego en la puerta. Todavía estoy aprendiendo, todos los días. Vaciaría un bote de basura si lo viera lleno, aunque técnicamente no sea mi trabajo”.

¿Te gustan los micrófonos Audix en fuentes distintas a la batería?

“Absolutamente. Una de mis técnicas favoritas de microfonía para guitarra acústica es colocar un micrófono a unas diez pulgadas del diapasón en el traste 12, apuntando a la boca del sonido. Me encanta el SCX25A en esta aplicación. Para un sonido más enfocado y directo, buscaré un condensador de diafragma pequeño como el SCX1. He encontrado que estos dos micrófonos son más que capaces de brindarme un sonido de guitarra acústica completo, sin la necesidad de un segundo micrófono”.

¿Qué tal con una guitarra eléctrica o gabinetes de ampli cadores en general?

“Hago mucha música pop y rock y he estado pre riendo el i5 en los gabinetes de guitarra eléctrica para comenzar la base de una pared de sonido. Comienzo con él justo en la rejilla, sin tocarlo, pero pegado, centrado en el cono del altavoz. Para darle un poco de sabor a la mezcla, agrego SCX25A en con guración de par espaciado o X/Y, en el otro lado de la habitación para un espacio grande. Luego comprimo”.

“Por otro lado, todo el mundo sabe que me encanta el D6 en los toms, pero suena igual de potente y robusto en un gabinete de bajo”.

un ego, o simplemente puede ser nuevo. Recuerdo una sesión en la que un hombre adulto que había estado detrás del micrófono durante años estaba en el suelo de la cabina en posición fetal, llorando. Tal vez lo presioné demasiado, porque estaba hablando de que nunca sería lo su cientemente bueno y debería haber escuchado a su madre. Tuve que cambiar esa energía y decirle que era lo su cientemente bueno y que estaba llorando porque sabía que tenía más dentro de él. En la siguiente toma, obtuve lo que buscaba”.

Esas son algunas habilidades de la gente. ¿Cuáles son las tres cosas principales que te gustaría que el talento supiera sobre trabajar en el estudio? Primero, contrataste al equipo que contrataste por una razón. Estás con ando en ellos para obtener un sonido que te gusta, basado en sus trabajos anteriores. Cuando a mí o a alguien del equipo se nos ocurren ideas, confío en el proceso. Entro sabiendo que las cosas van a cambiar”.

A continuación, comprende que los cambios que podría sugerir dependen del objetivo. Estoy abierto a otras ideas también. No soy uno de esos productores a los que sigue la industria. En cambio, trato de seguir a la industria y aplicar las mejores prácticas para el objetivo”.

En tercer lugar, es importante conocer sus partes. Es frustrante estar en una sesión donde tres de cada cuatro miembros de la banda están completos, pero hay uno que nunca terminó de escribir o decidir una parte”.

A veces, las experiencias son nuestras mejores maestras. ¿Eso se traduce en cómo trabajas con los artistas en tu rol de productor?

“¡Sí! El estudio es estresante y todo cuesta dinero. Entonces, ser productor es probablemente 95 por ciento psicología y el otro 5 por ciento es talento y saber a dónde vas en cuanto a sonido. Saber cómo hablar con un artista que puede tener

¿Hay algún proyecto en el que hayas tocado la batería del que estés especialmente orgulloso?

“Un par de productores amigos míos solían tocar en una banda llamada We As Human. Se separaron y Jake Jones y Justin Forshaw me preguntaron si sería su baterista. Formamos una nueva banda llamada As We Ascend, esto fue hace unos cinco años en Nashville. Escribimos el disco ‘Farewell to Midnight’, lo grabamos, mezclamos y masterizamos nosotros mismos y lo sacamos en un período de 30 días. Fue divertido para los tres ser creativos sin reglas. No estábamos escribiendo para la radio o la transmisión, así que si queríamos un solo de guitarra extendido o una introducción larga, ¡incluimos uno!

¿Usaste Audix en ese proyecto?

“Sí, para las canciones en las que usamos batería real. En otros, usamos el complemento Superior Drummer de Toontrack, que programé”.

¿Qué consejo le darías a alguien que aspira a tu camino como productor?

“Cuando empieces, deja tu ego en la puerta. Todavía estoy aprendiendo, todos los días. Vaciaría un bote de basura si lo viera lleno, aunque técnicamente no sea mi trabajo. Como asistente, fui el primero en entrar al estudio y el último en salir. Si pensara que la banda incluso podría hacer voces ese día, tendría algunas cadenas vocales diferentes con guradas y listas para el ingeniero. Una vez más, anticipar las necesidades y ser un buen amigo es la forma de hacer crecer su trabajo. No estés demasiado ansioso por tocar los faders en tu primer día en el estudio. Espera a que te pregunten”.

“Pero una vez que tenga algo de tiempo y reputación, no subestimen su trabajo. Una vez estuve a punto de tirar la toalla. No pude conseguir ningún concierto, aunque seguí bajando mis precios. Un mentor me dijo: ‘Si vas a un concesionario de Ferrari y un auto solo cuesta 50 mil dólares, te preguntarás qué tiene de malo. Duplica tus tarifas y no acepte nada menos’.

“Finalmente, sé humilde y escucha. Puede que seas el mejor ingeniero de mezcla del mundo, pero si tienes que decírselo a la gente, no importará. Deja que otras personas hablen de ti”.

Georgios Melimopoulos, la sangre nueva del audio

De padre griego y madre venezolana, Georgios Melimopoulos descubrió su vocación en México llevándolo a concluir los créditos en la carrera de Ingeniería en Audio y Producción Musical del Tec de Monterrey y comenzar un camino en el que ha logrado saciar desde muy joven el anhelo de trascender la teoría en el mundo real, siendo el intercambio a Los Angeles Recording School el suceso que lo insertó en una red de producción vigente y estimulante, donde su mentor ha sido el galardonado productor Joel Numa, quien ha trabajado con Madonna, Shakira, Jennifer López, Richard Marx, Luis Fonsi, Enrique Iglesias, Plácido Domingo y Julio Iglesias, entre otros, y quien lo ha recibido en su Lab Studio.

Las producciones donde actualmente ha colaborado Georgios desde ahí han sido para Monseiur Periné y Ella Henderson, además de presentaciones para programas televisivos como el de Conan Gray en The Score & AWOLNATION, para The Late Late Show con James Corden y muy especialmente, para el show Jimmy Kimmel Live!, para el que le fue solicitado grabar al rapero Aminé a bordo de un globo aerostático.

“Durante la carrera en el TEC pensé que era un buen momento para hacer un intercambio y buscando, encontré a Los Angeles Recording School, de la cual sabía estaba en

el foco de toda la producción musical, así que me fui un año, teniendo claro que quería formar parte de esto, así que con algunos compañeros ofrecimos el servicio de grabación para músicos, usando el estudio de la escuela. Estuvimos grabando un año, recibí el feedback de los profesores y entre sesiones me conectaron con Joel, ingeniero y multiganador de Grammys con más de cien discos de platino. Tuvimos muy buena química y así he seguido trabajando con él”, recuerda emocionado.

Por fortuna, durante el con namiento sanitario, en Lab Studio no dejaron de tener trabajo y fueron convocados para realizar el audio en vivo de una actuación especial del rapero Aminé desde un globo aerostático, lo que signi có un reto clave: “Lo difícil fue el poco margen de error que sabemos tiene la tecnología, porque se trataba de una toma en vivo con él cantando desde el aire, de manera que tuvimos que armar una solución que pudiera ponerse dentro del globo y llevárselo; tuvo monitoreo y todo duró una media hora. Salió bien y entendí que la mayor di cultad es con uno mismo, para tomar las oportunidades y sacar el trabajo”.

La experiencia de colaborar con Monsier Periné, acercó a Georgios a otra leyenda de la producción, Rafa Sardina: “Tomando mi clase de composición con Rosino Serrano se dio esa conexión, sabiendo que estaba tomando más experiencia. Rafa llegó a Lab Studio y pude conocer cómo trabajan estos profesionales, cómo se desenvuelven y brindan su personalidad para que las grabaciones uyan”.

“Estoy claro en que mi parte es seguir anticipando y mejorando mis procesos, y lo que quiero es dedicarme más a la parte humana, porque la mitad del juego en esto es mental. La técnica es muy importante, pero no se puede estar en esto si no con amos en nuestras capacidades, porque si dudas, no puedes ser el productor que lleva una sesión. Si la tecnología falla, el único responsable eres tú, pero la parte humana es la que nos llevará de ser un buen ingeniero a ser un gran ingeniero. La parte técnica abre puertas, pero la parte humana es la que hará que trasciendas y que todo valga la pena”, menciona Georgios.

Con la agenda llena de proyectos y cada vez más suelto para abordar desde origen proyectos en Lab Studio, Georgios mani esta el per l de la sangre nueva del audio, con acercamiento global, adaptación a la colaboración a distancia y la misión de dejar huella con sus oídos y personalidad. “A quienes quieren dedicarse a esto, les digo que pongan empeño en aprender, estudiar y practicar para mejorar las habilidades, pero también que consideren importante buscar colaborar con gente que esté a su nivel, ir a conciertos, acercarse a tocar puertas. Es muy distinto estar en casa que colaborar con gente: además de darte más energía, es la mejor forma para crecer tu propia educación a través del networking. Es la mejor estrategia”.

Entrevista: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

La industria de

música y el espectáculo

El encanto nocturno de Centavrvs

Después de una transición musical con su EP “Levante la mano”, la banda prepara el camino de su próximo álbum y el primero de los sencillos fue “La plegaria de la noche”. En conversación con Demián Gálvez (guitarra y voz) y Paco Martínez (bajo), a continuación tenemos el proceso mediante el cual este sencillo fue realizado como antesala a un LP.

“Durante la crisis sanitaria”, comienza Demián, “hubo muchos cambios; realmente fue bastante complejo. Nuestra actitud fue de seguir adelante, estábamos con el proyecto de hacer nuestro siguiente álbum y ya estábamos en pláticas con algunos productores con los que queríamos trabajar, pero tuvimos que modi car los planes y del disco en el que estábamos trabajando, decidimos cerrar ese periodo con el EP “Levante la mano”, que publicamos este año. Ahora estamos muy contentos trabajando en lo que será nuestro tercer LP”.

Acerca del sonido que querían lograr en esta ocasión, Demián menciona: “Estuvimos trabajando a la distancia; decidimos hacerlo un poco más acústico y salirnos un poco de nuestra zona de confort. El sencillo tiene una esencia latina, como es nuestro estilo, pero desde una perspectiva más re exiva acerca de lo que el mundo estaba pasando. Todo empezó por guitarra y voz y no tardé mucho en enviárselas a los demás para saber su opinión”.

Paco añade: “Durante la pandemia teníamos la dinámica de estar mandando cada semana material por cada uno de nosotros. Demián mandó ‘La plegaria de la noche’, que realmente estaba muy estructurada y de nida.

Demián. “Para nosotros, esa dinámica era muy necesaria en un contexto de distancia y estuvo muy bien, porque de ahí salieron muchas ideas para el disco nuevo”.

“En febrero pudimos irnos a Puebla, a San Nicolás Zecalacoayan, al estudio de Alan Santos (teclados), donde comúnmente terminamos las canciones o vamos a componer. Para nosotros es nuestro cuartel creativo. Ahí terminamos todos los arreglos, pero lo que hicimos otra vez a distancia fue el proceso de postproducción, mezcla y masterización. La mezcla básicamente la hace Alan Santos y todos hacemos bastante feedback; a veces es complicado, porque hay piezas donde la mezcla está muy relacionada con el discurso creativo, entonces la distancia entre la producción y la mezcla es a veces invisible, pero van de la mano”, menciona Paco.

Demián agrega: ”De alguna manera, la pandemia nos hizo ser más autogestivos, porque los estudios estaban parados o había muchas restricciones en cuanto la cantidad de gente que podía estar ahí, entonces decidí expandir mi home studio y adquirir algunas cosas para mejorar la calidad de sonido, para que nuestra maqueta sea

ya parte de la producción. Si bien hemos grabado en estudios como Panoram y Topetitud, que son muy conocidos, creo que dadas las circunstancias, tuvimos un buen resultado y que la canción tiene mucha esencia”.

Respecto a los equipos con los que actualmente Demián cuenta, lo más importante son las perspectivas que como músico se tengan. “Creo que con un buen micrófono, buenos preampli cadores, compresores y ecualizadores se pueden hacer muy buenas cosas. En mi caso, tengo mi Lunch Box Serie 500 con un canal Neve, un compresor Acme y un micrófono Austrian Audio. Ya después nos fuimos a Puebla y ahí se hizo la grabación del bajo, el sampleo de las percusiones y Alan llevó sus micrófonos Mojave”.

“En cuanto a la masterización de “La plegaria de la noche”, fue realizada por Erick Urbina, quien es un muy buen profesional”, menciona Paco; “por mi parte, vivo en Torreón y también tengo mi home studio, pero cuando nos fuimos a Puebla hacemos un híbrido, con lo que se llevó Demián, como la guitarra Fender Jazzmaster y el bajo Money Bass de Gibson. También se usaron sintetizadores Roland Juno, que tienen un papel importante para Alan”. Demián complementa que la guitarra acústica fue una Martin.

Después del lanzamiento del primer sencillo de lo que será su siguiente LP, Centavrvs está trabajando en los siguientes temas, después de haber realizado una gira por España, donde tocaron en el festival Vive Latino en Zaragoza y ciudades como Barcelona, Madrid y Málaga, además de haberse presentado en Italia. El encanto de esta banda tiene gran trayecto todavía, teniendo a la música para bailar y volar como bandera.

Nuevas presencias de video en México

Lightware es el mayor fabricante europeo de productos de audio y video para instalaciones jas corporativas, de videoconferencia, educación, en aplicaciones médicas, teatros y casas inteligentes, pero también para eventos en vivo para la Industria de la Música y el Espectáculo, como conciertos, espectáculos y similares. La compañía ha instalado numerosos proyectos por más de 20 años alrededor del mundo, como la transmisión de los Juegos Olímpicos, el Festival de la Canción de Eurovisión, o la Expo de Dubái.

“Al principio, nuestros productos estuvieron diseñados para segmentos corporativos, pero actualmente, quien asiste a un concierto no solamente va a escuchar al artista, sino también a disfrutar del espectáculo de video que está alrededor de todo el evento. Detrás de todas esas pantallas enormes y de esas soluciones de audio que encontramos en los riders, ahí está Lightware, con señales de video a larga distancia vía bra óptica, soluciones de baja latencia o cero latencia en algún momento, que nos permiten que el público goce como si estuviera junto al artista”.

Fundada por Gergely Vida, actual CEO y Director de Investigación y Desarrollo, Lightware diseña y fabrica sus productos en Budapest, Hungría y recientemente, la compañía fue presentada de manera o cial en nuestro país. Marco Santoyo, Senior Manager de México y Centroamérica de la marca, cuenta acerca de las fortalezas de la empresa: “Somos una empresa totalmente dedicada el manejo de señales de video con mucha presencia en Europa y Estados Unidos, tanto para los segmentos corporativos, como para los rubros de renta y eventos masivos. Además de las o cinas principales y la fábrica, en Budapest también se encuentra nuestro centro de investigación y desarrollo”.

En estos momentos, en los que el rubro del entretenimiento exige más, Marco señala lo que hace diferente a Lightware: “Principalmente, son nuestros productos novedosos, como el uso y el manejo de la terminal USB, además de que por ahora somos la única empresa que está manejando cero latencia en el envío, en la transmisión y la re exión de la señal”.

Midas y una herencia legendaria

La consola Midas Heritage 3000 (H3K) se introdujo por primera vez en 1999 y pronto se estableció como el estándar mundial de la Industria de la Música y el Espectáculo para aplicaciones de sonido en vivo. La historia continuó y ahora, sobre la base de la prolí ca historia de las series H3K y PRO, la nueva Heritage D reinventa el ujo de trabajo del ingeniero de audio. Con una potente pantalla táctil HD de 21 pulgadas y un control ultramoderno de interfaz grá ca de usuario, todo al alcance de la mano, la nueva creación de Midas es una visión del futuro con características impresionantes, como inteligencia arti cial.

La plataforma de la Heritage-D HD96-24 está diseñada para el futuro y continuará creciendo y desarrollándose durante muchos años con un equipo humano ansioso por mejorar y agregar nuevas funciones constantemente. En el evento de presentación en la capital mexicana, Rogelio Yescas, Gerente de Ventas de Gonher Pro, compañía distribuidora del equipo, menciona los elementos más importantes de este equipo, que está por establecer otro estándar en la Industria: “Llevamos prácticamente dos años con la consola; hemos hecho diversos cursos y presentaciones virtuales, pero nos hacía falta presentarla presencialmente en un evento en el que todos pudieran apreciar sus capacidades y escucharla”.

“Se trata de la nueva generación de Heritage, que tiene todas las capacidades posibles sin límite; es decir, cuando la gente de diseño y dirección de Midas le plantearon a Uli Behringer (CEO de Music Tribe, grupo del cual Midas es lial) hace cinco años el objetivo de lanzar una consola sobre ideas muy distintas,

Rogelio Yescas

Eventos

él dijo: ‘Háganla tan distinta como puedan, no hay límite’, de manera que formaron un equipo de desarrollo muy importante con toda la gente con experiencia de la marca y de contacto con el usuario nal, además de un staff para hacer toda la parte de interfaz y agregar expertos en inteligencia arti cial y equipos de electrónica avanzada para que, además de tener los mejor preampli cadores y procesamientos, como ya lo hace la serie PRO, encontraran la manera de ir más allá”.

¿Cómo lo hicieron? Rogelio explica: “Se realizó una actualización en la parte de suma digital de la consola y un procesamiento a 64 bits. Es una consola con la herencia propia de la línea y está en altura y más allá de lo que la industria necesita. Cuando estuvimos en Londres en la presentación, hablamos acerca de que en la parte de usuario, acerca de la actualización, mucha gente no lo hace porque no se entera, así que la marca decidió hacer un sistema que cuando la consola se conectara a Internet a través de su hot spot, avise que tiene una nueva versión, como lo hace un dispositivo móvil”.

“La consola tiene la tecnología para hacerse completamente amigable con el usuario. En lo que respecta a la creación de escenas, siempre estamos acostumbrados a guardarlas en una USB, pero también la marca pensó que con la conexión a Internet, lo mejor era hacer una nube para que cada ingeniero haga sus escenas y su per l en la M Cloud y pueda subir todas sus memorias, y así, donde quiera que estén, puedan bajarlas. Esta clase de avances son trascendentes”, agrega Rogelio.

la consola está creciendo y es capaz de identi car un bombo, una tarola, un tom, un bajo o una guitarra, y le sugiere al ingeniero los niveles de compresión, ecualización y demás, de tal forma que hay varias opciones para probar si al profesional le gusta y lo toma, o lo hace por su cuenta. En un festival, esto puede ser muy útil, ya que se ahorra tiempo, o igualmente, para gente qué está aprendiendo y que todavía no es tan experta, puede servir de mucho”. Por supuesto, todo esto se añade al excelente sonido que tiene la consola.

La Heritage-D HD96-24 ya está en México y ya se pueden ordenar para entrega inmediata. Acerca del costo, también es un factor que Midas tomó mucho en cuenta, como menciona Rogelio: “Se hizo todo lo posible para ofrecer el mejor precio en esta consola, que es de 146 canales de entrada, 120 salidas y un procesamiento de 96 kHz, con las mejores prestaciones”.

“En gira mundial, la consola ya está en los shows de Red Hot Chili Peppers, Evanescence, Deep Purple y durante toda la etapa de desarrollo del equipo, los últimos cuatro años, la estuvo usando Jamiroquai. En los últimos seis meses se han vendido ya más de 200 consolas y sabemos que es un equipo que de nitivamente se volverá el nuevo estándar en la Industria”, concluye Rogelio.

“La parte de inteligencia arti cial se pensó mucho, porque el pensamiento normal de los ingenieros es hacer todos los presets como una parte de su trabajo, pero en la Heritage D, se le indica a la consola que escuche el identi que el sonido. Actualmente, el catálogo de instrumentos que puede detectar

En el evento de presentación de la Heritage-D HD96-24 estuvo el líder de soluciones al cliente de live sound de Midas, Chase McKnight, mientras que de Gonher Pro estuvieron, además de Rogelio Yescas, Roberto Barillas, especialista de producto de aplicaciones en vivo Midas, teniendo como invitado para mezclar a Édgar “Nico” Morales, responsable del sonido de sala de Panteón Rococó y quien se encargó de demostrar todas las capacidades del equipo con la música de la banda Old Days.

Edgar “Nico” Morales

Gustavo Zertuche

Víctor Espinoza:

Latrayectoria profesional de Víctor Javier Espinoza Niño inició en los años ochenta con la génesis de lo que posteriormente se cristalizó como su gran proyecto: la empresa A. S. Producciones, fundada por él en Guadalajara y que es una de las empresa más estimadas y reconocidas de esta ciudad. La compañía ha sacado adelante numerosas e importantes aventuras corporativas, sociales, políticas, culturales y artísticas con la cálida atención personalizada de Victor y de un equipo humano sólido y capacitado.

El aprendizaje en el camino Víctor Espinoza inicia la narración de su historia: “Mi puesto en este organigrama es el de director de la empresa y en la vida real, nos toca hacer de todo”, dice con una sonrisa. “Nos tocó iniciar en una época en la que el trabajo no era tan especializado y aprendimos en el camino, tanto del audio como de la iluminación. El tiempo y los mismos requerimientos nos llevaron a integrar disciplinas y servicios como el montaje de escenarios, rigging y más recientemente nos hemos metido en temas como video y streaming, aunque el audio sigue siendo nuestra especialidad”.

El director de A. S. Producciones prosigue con sus orígenes familiares: “Mi padre con sus hermanos formaron un grupo, en el que mi padre tocaba la guitarra, otros tíos tocaban el violín y

el contrabajo y hacían arreglos de voces. Creo que desde ahí se generó la in uencia para acercarnos a este medio. Los sábados había reunión en la casa de mi abuela, donde la música siempre estaba presente”.

La música nalmente motivó al joven a participar en ella: “Mi idea y gusto por aprender a tocar la guitarra, me llevó en algún momento a formar grupos de rock. Ese fue el primer acercamiento en tratar de hacer sonar la guitarra eléctrica, primero con un ampli cador marca Radson de bulbos. Recuerdo que sonaba muy duro”.

Primera experiencia

La vida profesional de Victor comenzó a gestarse con una invitación que lo orientó a la producción en el rubro cultural: “Mi primera experiencia fue en el Festival Cultural de

Sinaloa. Me invitaron a participar en el comité organizador, en el que estaba como asistente del subdirector técnico. Por razón natural tuve contacto con el personal del Palacio de Bellas Artes del INBA (Instituto Nacional de Bellas Artes), del entonces llamado Departamento de Bellas Artes de Jalisco y con el personal de Guanajuato, con la experiencia del Festival Cervantino. Trabajando con ellos me fui involucrando jalando cables y aunque no era precisamente mi área, era algo que me gustó y que me fue llevando a acercarme a las partes técnicas. Simultáneamente, dentro de los años del festival, me invitaron a trabajar al INBA para manejar equipamiento teatral y eso me acercó aún más al mundo técnico”.

Regreso a Guadalajara

Víctor Espinoza se encontró con una revelación cuando regresó a su ciudad natal, que derivó a un emprendimiento personal: “Trabajando en el INBA, regresé a Guadalajara para laborar en la presentación de la Compañía Nacional de Danza con “El Lago de los Cisnes” en el Parque Alcalde de Guadalajara. Pude ver que en mi ciudad había la necesidad de cubrir muchos más espacios. Las pocas compañías que en ese entonces existían estaban saturadas. Más adelante, habíamos renunciado al INBA y nos quedamos en Guadalajara. Entonces estábamos con la necesidad de poner a trabajar un equipo que ya teníamos y de generar nuevas actividades. Esto afortunadamente coincidió con el nacimiento de la Feria Internacional del Libro de la Universidad de Guadalajara (FIL). A partir de ahí, hicimos Foro FIL, el espacio musical de la feria durante un periodo de once años”.

Nuevos retos se empezaron a presentar: “El INBA, particularmente el Palacio de Bellas Artes, tenía compromisos para atender algunos eventos y solicitudes. Mi primera experiencia con esto, ocurrió en el Museo Nacional de Antropología. Se presentó la Orquesta Sinfónica Nacional y había que preparar toda la producción. Ese fue mi primer gran reto, en el que estuve auxiliado por algunos amigos y compañeros que habían trabajado en el festival de Sinaloa y que residían en la Ciudad de México. Con ellos armamos un equipo alterno de trabajo con el que pudimos realizar ésta y otras difíciles tareas. Posteriormente trabajamos dando apoyo a otras actividades en las calles y en espacios alternativos que me dieron mucha formación para aprender a resolver problemas”.

A.S. Producciones a escena

Esta oportunidad llevó al productor a formalizar su emprendimiento. Dentro de las numerosas anécdotas que Victor guarda en su memoria, destaca la siguiente: “Para mi gusto, una de las experiencias que ha sido de las más complicadas a nivel producción, fue durante la inauguración de la Plaza Bicentenario, en donde ahora se encuentra el Conjunto Santander de Artes Escénicas. Nos invitaron a participar con tres eventos, de los cuales uno de ellos era la presentación de los Niños Cantores de Viena. Guadalajara se distingue por

“El tiempo y los mismos requerimientos nos llevaron a integrar disciplinas y servicios como el montaje de escenarios, rigging y más recientemente video y streaming”.

Artistas

sus extremos cambios climáticos. Teníamos montado un gran soporte, audio, piano de cola, monitores y microfonía. Todo este trabajo se desarrolló bajo un sol abrasador. Habíamos instalado la planta de luz en la parte del estacionamiento, a cincuenta metros del escenario. Llegaron los autobuses del talento y los niños empezaron a descender de ellos y se dirigieron a sus camerinos. Sorpresivamente, del lado oriente empezó a acercarse una nube negra y el viento empezó a soplar fuertemente. En quince minutos todo cambió, y un diluvio cayó sobre nosotros. El viento destruyó la lona del soporte y el nivel del agua subió unos diez o quince centímetros”.

quiénes y dónde

Orquesta Filarmónica de Jalisco

Orquesta Sinfónica de Zapopan

Patita de Perro

Café Quijano

Carlinhos Brown

Compañía Nacional de Danza

Gilberto Santa Rosa

Jaramar

Julieta Venegas

Orquesta de Tango de Buenos Aires

Lenine

Sepultura

Paul Van Dyk

El Personal Willie Colón

Mis ts

Ángeles Azules

Foros

EXPO Guadalajara

Estadios: Jalisco, Omnilife, 3 de Marzo, Tecnológico

Plazas: Liberación, Armas, Juárez, Américas, Fundadores, etc. Palacio de Gobierno, Municipal de Guadalajara, Municipal de Zapopan, Instituto Cultural Cabañas, diversas instalaciones de la UdeG

Teatros: Diana, Degollado, Ángela Peralta, Experimental de Jalisco, Foro de Arte y Cultura, Torres Bodet, Alarife Martín Casillas

volver de nuevo a la actividad carga las pilas y nos llena de gusto volver a estar junto a la gente y con todos los artistas en el escenario”.

“Teníamos un centro de carga montado sobre una tapa de rack. En lo que tratábamos de resguardar la consola, quitar micrófonos y tapar el piano, me di cuenta de que la planta de luz seguía prendida y el agua se empezaba a desbordar en el espacio donde estaba instalado el centro de carga. Finalmente pudimos apagar la corriente. Aproximadamente treinta minutos después la lluvia paró y el público empezó a llegar. Había equipo que literalmente estaba destilando agua, pero se limpió el cielo, empezó a brillar la luna y el público siguió llegando. El coro, muy profesional, estaba dispuesto a presentarse en las condiciones en las que había quedado el escenario y decidimos seguir con el evento, que por cierto fue extraordinario. La gente quedó muy complacida, al igual que nosotros, por haber vencido ese momento tan peligroso. Fue un gran reto y una experiencia inolvidable”.

Visión personal

Victor nos da su visión personal sobre la reciente crisis sanitaria que golpeó al mundo de la producción: “Después de esto, creo que muchos de los equipos de trabajo se desvincularon. Por necesidades económicas muchos migraron a otras actividades y lamentablemente muchos amigos fallecieron. Pienso que volver a armar estos equipos de trabajo será un reto para toda la Industria. Esa fue una experiencia dolorosa. Sin embargo,

Para nalizar, Victor Espinoza hace unas recomendaciones para los nuevos aspirantes de la industria de los espectáculos en vivo: “Les sugiero que se capaciten, porque en este medio necesitamos estar siempre atentos. Los títulos realmente no signi can nada a la hora de los hechos. Hay que tener la capacidad de absorber todo lo que está alrededor, ya que podemos aprender de quien menos nos imaginamos. Por nuestra parte, el siguiente paso es recon gurarnos como empresa y volver a ponernos en los rieles para tener la máxima capacidad de ofrecerle a nuestros clientes más de lo que esperan”.

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