SKO Times

SKO Times Zeitung für Musikliebhaber

7. Ausgabe • September 2017

Liebe Freundinnen und Freunde des Stuttgarter Kammerorchesters,

mit großer Freude beginne ich im September meine Tätigkeit als Geschäftsführender Intendant des Stuttgarter Kammerorchesters. Dem SKO bin ich bereits seit über zehn Jahren freundschaftlich verbunden und empfinde es als großes Privileg, für eines der weltweit führenden Kammerorchester arbeiten zu dürfen.

Wir haben viel vor. Manche Veränderungen werden gleich sicht- und hörbar sein, andere entwickeln sich über die nächsten Jahre. Alles mit dem Ziel, berührende, mitreißende und unverwechselbare Konzerte auf höchstem Niveau für Sie auf die Bühnen in Stuttgart, Baden-Württemberg und in dieser Saison auch bis nach Indien und China zu bringen.

Die künstlerische Zusammenarbeit mit den großen Künstlerinnen und Künstlern unserer Zeit, eine gewisse „Trüffelschwein-Fähigkeit“ zum Aufspüren von Talenten sowie eine Portion Wagemut, Neues und Überraschendes zu zeigen, sollen uns die kommenden Jahre begleiten. Es ist ein besonderes Merkmal des SKO, dass es in seinen Programmen die ganze Bandbreite des Repertoires, sei es mit dem Barockbogen oder zeitgenössischen Spieltechniken, stilsicher verbinden kann. Vielfalt ohne Beliebigkeit, sondern mit der Möglichkeit, spannende Zusammenhänge über die Jahrhunderte zu zeigen.

Dabei wird uns der Austausch mit Ihnen, verehrtes Publikum, besonders am Herzen liegen. Aus diesem Grunde planen wir für alle Abokonzerte eine Konzerteinführung, bei der ich, meist im Gespräch mit unseren künstlerischen Gästen, einen kleinen Einblick in das geben möchte, was anschließend auf der Bühne erlebbar wird. Wenn Sie also ein wenig früher kommen, werden wir uns nicht verfehlen. Zögern Sie nicht, sprechen Sie uns an, treten Sie mit uns persönlich in Kontakt, wir freuen uns auf Sie! Herzliche Grüße und bis bald, Ihr

Markus Korselt Geschäftsführender Intendant

Wenn die Chemie stimmt

Chefdirigent Matthias Foremny im Gespräch über die neue Spielzeit Der neue Spielplan ist wieder voller neuer Entdeckungen, Wiederentdeckungen und großen Klassikern. Worauf freuen Sie sich in dieser Spielzeit ganz besonders?

Als spezielles Projekt ist es für mich eigentlich immer das Dreikönigskonzert, das hier auch von der Bevölkerung sehr gut angenommen ist und beweist, dass unser Arbeiten in die Region hinein Wirkung zeigt. Beim Spielplan lege ich Wert darauf, dass der Großteil der Konzerte wirklich von einem reinen Streichorchester gespielt wird. Aber bei diesen Dreikönigskonzerten ist es vergrößert, wir spielen dann Wiener Klassik mit einem Tupfer aus dem 20. Jahrhundert. Dieses Mal ist es spätes 19. Jahrhundert mit Wagners Siegfried-Idyll, das ist ein bisschen meiner Leidenschaft für die Oper geschuldet.

Worauf kommt es Ihnen beim Dirigieren Ihrer Konzerte vor allem an?

Ich nähere mich den Stücken historisch oder stilistisch informiert und jedes Mal wieder neu, ich richte mich dabei überhaupt nicht nach dem, was „man“ tut oder andere tun.

Mir ist es wichtig, dass es ein sehr emotionales, persönliches und mitreißendes Musizieren ist, dass wir einen homogenen Orchesterklang erzeugen, auf Intonation und ein gutes Zusammenspiel achten, bei dem wir zeigen können, auf welch hohem Niveau wir spielen.

Auch beim SKO gedenkt man in dieser Spielzeit Leonard Bernstein, der am 25.8.2018 hundert Jahre alt geworden wäre. Was ist an seinem Lebenswerk das Beeindruckendste?

In jedem Fall das Universalgenie: ein ausgezeichneter Pianist, ein überragender Dirigent – seine Mahler-Entdeckung, seine stilistische Bandbreite von Haydn über Brahms und die deutsche Romantik bis Strawinsky usw. –, sein Stilpluralismus als Komponist, der so übertrieben ist, dass er bei ihm schon wieder sehr kunstvoll ist. Wir beleuchten mit seiner

Serenade den ernsten Aspekt seines Schaffens, ein sehr feines, hochvirtuoses Stück, eine große Herausforderung sowohl für das Orchester als auch die Sologeigerin, Alexandra Conunova.

Was war bei dieser Konzertplanung jeweils zuerst da: Solist oder Stück?

Es spielt alles eine Rolle: persönliche Beziehungen, der Mut, Neues auszuprobieren, und Leuten eine Möglichkeit zu bieten, die hier in Stuttgart eine wichtige Bedeutung haben. Bei meinen Programmen liegt ein absoluter Schwerpunkt auf dem reichhaltigen Werk für Streichorchester. Da wir ausgewiesene Barockspezialisten mit Fabio Biondi und Richard Egarr haben, liegt mein Aktionsradius mehr auf der Musik des 20. und 21. Jahrhunderts und der Wiener Klassik. Eins der Paradestücke ist z.B. Bartóks Musik für Saiteninstrumente, Schlagzeug und Celesta, es sieht zwei Streichorchester vor. Dazu passt wiederum Frank Martins doppelchöriges Konzert Polyptyque. Oft sind es bei mir Mischungen aus Klassikern wie Griegs Holberg-Suite und Werken des 20./21.

Jahrhunderts, also Honegger und auch Hosokawa als klingender Zeitgenosse mit einer Art New Age-Hintergrund.

Zu vielen Solisten gibt es langjährige Verbindungen, wie bei der Violinistin Mirjam Tschopp aus meiner Schweriner Zeit oder zum Komponisten Pēteris Vasks. Kolja Blacher ist dem SKO sowieso eng verbunden und hatte selbst vorgeschlagen, einmal mit seinem Trio zu kommen, daher Beethovens Tripelkonzert. Der international anerkannte Solist Wolfgang Bauer ist hier in Stuttgart Professor für Trompete und steht schon lange auf der Wunschliste. Die Newcomerin Alexandra Conunova sprang einmal von heute auf morgen bei Arvo Pärts Fratres ein, was ganz fantastisch war. Drei Gastspiele mit uns waren dann die Bestätigung, regelmäßig mit ihr zu arbeiten. Sie wird den Solopart in Bernsteins Serenade spielen. Da stimmt einfach die persönliche Chemie. Es ist schön, wenn einem ein normaler Typ gegenübersteht, das finde ich immer sehr wichtig.

Interview: Anne Sophie Meine

Konzerte

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Jazz und Klassik Zu den SKO-Sternstunden-Konzerten Ist der Jazz nicht ohnehin schon Klassik? Was um 1900 in den Südstaaten der USA entstanden ist, hat längst Einzug in die Klassikprogramme der Rundfunkanstalten gehalten und ist kaum auf Popsendern zu hören. Leute, die Jazz lieben, mögen oft auch Klassik und sind weniger häufig anzutreffen als solche, die Rockmusik oder Schlager bevorzugen. Schwierig wird schon die Klärung des Begriffs, der für faszinierende Rhythmik und eine spezielle Harmonik steht, die zweifellos im Wesentlichen afroamerikanische Wurzeln hat, aber auch von vielen Weißen mitgeprägt und vermittelt wurde. Im Great American Songbook finden sich zum Beispiel George Gershwin, Jerome Kern, Irving Berlin und so weiter, also die Elite der Broadway-Meister, deren familiäre Wurzeln oft im Osten Europas und im Judentum lagen, deren Jazzverständnis auf dem Ragtime der Anfänge und dem Swing und Dixieland der 20er-Jahre beruhte, die den Blues nicht außer Acht ließen und sehr gerne Jazzsynkopen mit der westlichen Spätromantik und der klassischen Moderne verknüpften. Und natürlich haben europäische Komponisten von Igor Strawinsky bis zu Boguslav Schaeffer, von Darius Milhaud bis zu Eduard Künneke ihre eigene Fusion Music aus der Liebe zum Jazz geschöpft.

Selbst der Begriff Jazz ist schon seit geraumer Zeit umstritten. Der wohl gegen seinen Willen als „Jazzlegende“ bezeichnete Miles Davis zum Beispiel lehnte den Begriff als „ein Wort des weißen Mannes“ ab, sein jüngerer Trompeter-Kollege Nicholas Payton schlug 2011 vor, stattdessen „Black American Music“, Kürzel „BAM“, zu verwenden.

Mag das Wort Jazz nun vom französischen „jasm“ (Dynamik, Energie) oder vom afrikanischen Tanz Jasi, was auch „in Erregung versetzen“ bedeutet, oder von einer Mischung aus beiden stammen, es wird sich kaum mehr auslöschen lassen. Übrigens bedeutet Klassik (classe) ursprünglich eine Gruppe reicher Steuerzahler im alten Rom. Mit Worten lässt sich nicht nur trefflich streiten, sie verwandeln sich auch im Lauf der Zeiten und nehmen neue Bedeutungen an.

In zwei SKO-Sternstunden-Konzerten geht es jedenfalls, prominent besetzt, um Klassik und Jazz. Da man heutzutage auch von der seit etwa 1900 beiderseits des Atlantiks vom Swing beeinflussten „klassischen Operette“ oder dem „klassischem Broadway-Musical“ sprechen kann und Gershwin zweifellos der bedeutendste „Klassiker der Moderne“ aus den USA ist, ergibt sich die Verbindung im Songbook-Konzert am 8. November mit der Sängerin Fola Dada und dem David Gazarov Trio von selbst. Fola Dada, gebürtige Stuttgarterin, Tochter einer Deutschen und eines Nigerianers, ist eine klassisch ausgebildete Allround-Musikerin mit Schwerpunkt Jazzgesang und Pop, ist Komponistin und Texterin und Performerin und selber Dozentin an Musikhochschulen – man sieht, wie die Grenzen verschwimmen. Sie ist vielsprachig und redet besonders gerne im Stuttgarter Tonfall. „Ein Grund, warum ich meine Ge-

Fola Dada

burtsstadt so gerne mag, ist eben der Dialekt“, so Fola Dada 2012 im Rahmen eines Berichts über sie in der „Stuttgarter Zeitung“. Über ihr Projekt Dada, die Band schreibt sie auf ihrer Website: „Mein Herz, meine Seele, das was ich will und bin. Deutsche Texte angerichtet auf kraftvoller Soulmusik sind nicht mehr selten, aber immer noch ungewohnt. Ist es Jazz? Ist es Pop? Muss es irgendwas sein? Hört zu, fühlt mit, lasst euch verführen, dann wird Dada eine Philosophie, ein Versprechen, die Antwort auf alle Fragen.“ Muss es irgendwas sein - gilt dies nicht für jede qualitätsvolle Musik?

Der Jazzpianist David Gazarov, in Baku geborener, nunmehr in München lebender Armenier, Sohn einer Malerin und eines Musikers, wurde noch in der Sowjetunion in der klassischen russischen Klavierschule des Heinrich Neuhaus ausgebildet. Er steht ebenfalls für jene „Weltmusik“ im besten Sinn, in der sich Jazz und Klassik und Folklore in erfrischend unorthodoxer Weise ebenso finden können wie unterschiedlichste Ethnien und Kulturen. Im Westen hat

David Gazarov

er als Barpianist im Hotel Bayerischer Hof in der Isarstadt begonnen, bevor er die Konzertsäle eroberte. Doch immer noch spielt er in einer eigenen kleinen Reihe im Münchner Traditionshotel. 2015 schrieb die Zeitung Mainpost über ein Konzert in Schweinfurt: „Ist das jetzt Jazz oder Klassik? Egal - was immer David Gazarov spielt, ist großartige Musik.“ Unter seinen CDs gibt es eine Chopin Lounge und Gershwin meets Renaissance. Mit der Blech-Sektion der Münchner Symphoniker hat Gazarov Konzerte unter das Motto Bach, Blech und Blues gestellt. Samt einer eigenen Version der e-Moll-Fuge aus dem Wohltemperierten Klavier. „Was Bach da geschrieben hat, war Bebop pur“, schwärmt David Gazarov. Nun also ist, mit seinem famosen Trio und Fola Dada, das Songbook dran, die Bibel der gesungenen nordamerikanischen Unterhaltungsmusik. Gazarov in einem Interview: „Mit dem Jazz ist es wie mit der Klassik.

Genauso wie die Klassik bedeutet es für mich ein direktes Gespräch mit Gott.“ Und weiter: „Die Klassik bringt Disziplin, bringt auskristallisierte Harmonien und einen stringenten musikalischen Aufbau. Der Jazz setzt dagegen die Spontaneität, das swingende Gefühl.“ Jazz bedeutet auch Improvisation, lustvolles Musizieren, Freiheit und Ausleben eigener Kreativität und Virtuosität. Der Klassik war dies gar nicht fremd, als sie noch im 18. Jahrhundert war. Wolfgang Amadé Mozart schrieb aus Paris an seinen Vater, wie sehr er sich gefreut habe, als das Publikum gleich nach dem Erklingen des Themas applaudierte – also mitten in den Fluss der Musik hinein, wie heute im Jazz üblich! In seinen für sich selbst komponierten Instrumentalkonzerten pflegte Mozart ständig zu improvisieren, nicht nur in den ja eigentlich dazu bestimmten Solo-Kadenzen, sondern auch gemeinsam mit den Orchestermusikern. Über die Klavierkonzerte der Wiener Zeit gibt es darüber etliche entsprechende Berichte, nicht so über die 1775 hauptsächlich in Salzburg entstandenen Violinkonzerte. Doch wir können annehmen, dass der fürsterzbischöfliche Konzertmeister Mozart, der auch ein formidabler Geiger war, bevor er dem Klavier den Vorzug gab, schon damals ganz im Stil seiner Zeit agierte und nicht nur als gestrenger Sachwalter seiner Niederschrift. Und diese Freiheit auch dem Kollegen Antonio Brunetti gewährte, mit dem er sich am ersten Pult abwechselte.

Joseph Haydn war zur selben Zeit in Eisenstadt und Eszterhaza wohl eher ein Meister der strengeren Zucht, was nicht nur, doch vor allem seine eigenen Partituren betraf.

Außerdem war es selbst kein großer Instrumentalist. Und doch – gerade ein so populäres Stück wie die Abschiedssymphonie zeigt uns auch improvisatorische Züge. Der Abgang der Musiker – es waren damals nur Männer – im Finale, die einer nach dem andern nach einem kleinen Solo in den Urlaub oder wohin auch immer verschwinden, wirkt an sich schon als komponierte Improvisation. Ob die hochkarätigen Solisten, die Haydn in seinem Orchester versammelt

Konzerte hatte, ihre Abgänge auch zu allerlei speziellen Einlagen verwendeten beziehungsweise verwenden durften, wissen wir nicht. Dass der Grundcharakter dieser Musik ernst, ja am Rande des Tragischen angesiedelt ist, spricht dagegen. Dass Haydn ein Mann mit schrägem Humor war, der gern mit der Tragik spielte, spricht dafür.

Wir sind also schon mitten im Konzert des SKO unter Chefdirigent Matthias Foremny am 22. Februar mit der Stargeigerin Isabelle van Keulen.

Auf den klassischen Teil folgt „Crossover“, besser Grenzüberschreitung, noch besser grenzenlose Musik. Erinnern wir uns an Fola Dada: Muss es denn irgendwas sein? Es mag nun verwundern, dass zunächst Musik von Franz Liszt kommt. Doch der österreichisch-ungarisch geborene und französisch-deutsch gebildete Weltbürger war eben nicht nur Salonlöwe, Tastentiger, größter Pianist aller Zeiten, Haupt der neudeutschen Avantgarde und Wagner-Freund sowie ein Visionär der musikalischen Moderne bis über die Grenzen der Tonalität hinweg, sondern auch geradezu das Paradebeispiel eines Musikers, der frei nach Papa Mozart „das Populare“ nicht im Geringsten scheut. Die Ungarischen Rhapsodien zeugen von Liszts großer Liebe zu seiner engeren Heimat, deren musikalische Sprache der Sohn deutscher Eltern besser beherrschte als die gesprochene. Und dies ist im 19. Jahrhundert noch nicht die archaische Bauernmusik Bartóks, dies ist die „Zigeunermusik“, gleichsam „Ur-Crossover“, geboren aus dem grandiosen Musikantentum ungarischer Sinti und Roma und magyarischer Folklore, gut abgemischt mit klassischer Harmonik und dem Tanzzauber der Wiener Musik.

In Frankreich geboren ist der Pianist Jacques Loussier, der in den 60er-Jahren mit seinem Trio und dem Welterfolg von Play Bach zum Star der Crossover-Bewegung wurde und als einer der Väter des „Verjazzens“ klassischer Musik gilt. Dieses „Verjazzen“ hat auch Gegnerschaft hervorgerufen.

Doch war nicht Bach in der Tat in seiner Rhythmik der erste Jazzer? Neben dem vielen anderen, das er noch war? Pulsieren in Mozarts Kleiner Nachtmusik oder in der so genannten großen g-Moll Symphonie nicht schon ohnehin der Swing – und ein wenig sogar der Blues? Sind dies nicht immer schon vorhanden gewesene Urgefühle, nicht nur in afrikanischem Trommeln, auch in Renaissance-Tänzen sich manifestierend? Hätten die Meister von der Renaissance bis zur Wiener Klassik, die selbst bedenkenlos Werke toter oder lebender Kollegen umformten, travestierten, uminstrumentierten, daran etwas auszusetzen gehabt? Sicher nicht. Was zählt, ist einzig und allein die Qualität eines Arrangements. Es sollte nicht das Original verflachen. Was oft eine Gratwanderung oder eine subjektive Empfindung ist. Jacques Loussier ist ein begnadeter Gratwanderer. Kein Geringerer als Glenn Gould sagte über ihn:

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„Play Bach is a good way to play Bach.“ Doch hat Loussier nicht bloß Klassik verjazzt und mit leichter, aber sicherer Hand den Soundtrack zu Dutzenden Filmen und Fernsehserien geschrieben, sondern auch eigene konzertante Stücke wie das diesmal erklingende Konzert für Violine, Schlagzeug und Streichorchester. Ein farbenreiches Stück, souverän ge-

auch gerne neue Musik, die heutzutage nicht mehr nur in der begrenzten Schublade des Serialismus steckt, sondern auch Stücke eines Jacques Loussier beinhaltet. „Wir sind als Allround-Musiker verpflichtet, uns mit der ganzen Musiktradition und mit den verschiedenen Stilen auseinander zu setzen“, so Isabelle van Keulen in einem Interview mit classicpoint in der Schweiz. „Das heißt, dass man zum Beispiel Mozart aus der Tradition von Haydn Isabelle van Keulen und Bach sehen muss. Daraus haben sich dann wieder Beethovens Ideen, Schubert und so weiter entwickelt bis in die heutige Zeit. Wir leben jetzt, und ich fühle mich persönlich berufen um in gleichem Maße zeitgenössische wie in der Vergangenheit komponierte Werke zu spielen. Natürlich gibt es manchmal moderne Werke, die vielleicht nicht ewig überleben werden, die aber dennoch interessant sind, da sie einen Zeitgeist repräsentieren.“ Es wird spannend bleiben mit „Jazz und Klassik“. Dazu der österreichische Jazzer Franz Koglmann: „Es gibt heute kaum noch Musiker mit einer persönlichen Klangfärbung, einem eigenen Sound.

Wie bei Ellington. Wir leben heute im Zeitalter der Akademisierung des Jazz, wo alle mehr oder weniger gleich klingen. Meine persönliche Meinung ist, dass die Entwicklung des Jazz mehr oder weniger abgeschlossen ist. Das heißt nicht, dass es in der Zukunft keinen Jazz mehr geben wird. Er wird partikelweise weiter existieren, kombiniert mit Elementen der klassisch-europäischen Musik, eventuell auch mit Elementen verschiedenster Folkloren. Die Jazz-Geschichte ist so abgeschlossen wie die Geschichte der abendländischen Musik von der Frühtonalität bis zur Atonalität. Diese hat der Jazz sehr schnell nachvollzogen. Jetzt sind sie beide auf dem gleichen Stand. Und wo geht‘s jetzt hin?“ Gottfried Franz Kasparek

mixt aus „playful Classics“ und Jazz-Drive.

Die niederländische Geigerin Isabelle van Keulen wird in diesem Konzert Mozart und Loussier spielen. Die Schülerin der unvergesslichen Sándor Végh zählt zu den großen Meisterinnen der Violine in unserer Zeit. Mozart war, schon durch die Ausbildung am Salzburger Mozarteum, von Beginn an ein Zentralgestirn ihres Repertoires. Ihr Interesse an populärer Musik lebt sie derzeit vor allem als Mitglied eines von ihr mitbegründeten Tango-Quartetts aus. Da steht natürlich Astor Piazzolla im Mittelpunkt, jener im Grunde klassische Komponist, der seinen Tango nuevo mit Jazz meisterhaft verbinden konnte. Isabelle van Keulen spielt

SKO bei den Jazz Open

SKO-Sternstunden: The Great American Songbook 8. November 2017, 19.30 Uhr, Liederhalle Stuttgart, Mozart-Saal SKO-Sternstunden: Jazz meets Klassik 22. Februar 2018, 19.30 Uhr, Liederhalle Stuttgart, Mozart-Saal Karten: Reservix Tel. 01806 / 700 733, www.reservix.de

Die Veranstaltungsreihe SKO-Sternstunden wird unterstützt von der Mercedes-Benz Niederlassung Stuttgart.

Impressum: Stuttgarter Kammerorchster e.V. Johann-Sebastian-Bach-Platz • 70178 Stuttgart Redaktion: Wolfgang Laubichler, Kristin Kretzschmar Fotonachweise: Reiner Pfisterer (S. 1 oben, S. 3 unten, S. 6), Thomas Schrott (M. Korselt), Fola Dada (F. Dada), David Gazarov (D. Gazarov), Marco Borggreve (I. van Keulen, M. Radauer-Plank), Christoph Risch (W. Bauer), Salzburger Festspiele (P. Ruzicka), Ben Ealovega (A. Mayer), Florian Wolff (D. Knell, G. Bognár)

Konzerte

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Zwei junge Geigerinnen Im 1. Abo-Konzert der Kulturgemeinschaft am 28. September, unter der Leitung von Matthias Foremny, wird Mirjam Tschopp Frank Martins Polyptique interpretieren, ein faszinierendes, sich auf Bilder beziehendes, spirituelles Werk der Moderne, im Adventskonzert am 6. Dezember Marie Radauer-Plank die ewig jungen Jahreszeiten des Barock-Maestro Antonio Vivaldi. Zwei Geigerinnen der jüngeren Generation mit bereits großer Karriere gastieren also beim Stuttgarter Kammerorchester. Über Mirjam Tschopp heißt es in Klassik heute: „Diese Eloquenz macht die Solistin Mirjam Tschopp zu einem Erlebnis, das wirklich ein solches ist, weil wir gar nicht anders können, als hörend mitzuerleben und gewissermaßen szenisch mitzuempfinden, was Ahmed Sayguns episches Werk zu berichten weiß.“ Da ging es um ein Werk des türkischen Bartók-Freundes Ahmed Adnan Saygun, eines hierzulande sträflich vernachlässigten Komponisten. Mirjam Tschopp setzt sich immer wieder mit Leidenschaft für die Moderne ein. Die geborene Züricherin wechselt, insbesondere als Kammermusikerin, auch gerne mal zur Bratsche. So hat sie soeben mit größtem Erfolg die Violin- und Violasonaten von Schostakowitsch eingespielt. In ihrer Heimatstadt leitet sie seit 2012 eine Violinklasse am Konservatorium, was sie vorher schon in Innsbruck getan hatte. Auf die Frage eines deutschen Journalisten, ob sie mehr Liebe oder mehr Leidenschaft für ihre Instrumente verspüre, antwortete sie: „Es ist Liebe und Leidenschaft. Liebe ist, meinen Instrumenten Sorge zu tragen, sie zu pflegen und mich um sie zu kümmern, wenn es ihnen mal nicht gut geht. Und, da sie manchmal ganz schön wetterfühlig sein können, muss man ihnen mit Geduld und Verständnis begegnen. Sie merken, ich spreche von ihnen, als wären es Wesen aus Fleisch und Blut! Leidenschaft besteht mehr zur Musik als zu den Instrumenten und ist die Essenz, die sein muss – wie sonst würde ich es schaffen, an einem wunderschön sonnigen Tag stundenlang und diszipliniert zu üben?“ Und genau diese Liebe und Leidenschaft lässt Mirjam Tschopp auch ihren Interpretationen der Musik des 20. und 21. Jahrhunderts angedeihen.

Auch der Salzburgerin Marie Radauer-Plank ist die Moderne ein Anliegen. Ihre Aufnahme der Sonaten von Karol Szymanovski mit ihrer ständigen Duopartnerin Henrike Brüggen macht Furore. „Liebe und Begeisterung spricht aus jedem Ton“, so Oswald Beaujean im BR-Klassikradio dazu. „Die Aufnahmen zeugen von leidenschaftlicher Hingabe und einem direkten Sinn für diese hochartifizielle Musik.

Genuin“, so schrieb Harald Eggebrecht in der Süddeutschen Zeitung. Doch die Schülerin von Benjamin Schmid und Augustin Dumay studierte auch Barockvioline bei Reinhard Goebel und wurde Bach-Preisträgerin. Die Zusammenarbeit mit dem charismatischen Geiger und Dirigenten Goebel als Solistin und Konzertmeisterin ist für sie eine „wichtige Inspirationsquelle“. Selbst leitet sie bereits vom Konzertmeisterpult aus die Bayrische Kammerphilharmonie, diesfalls mit Musik von Mahler, Korngold oder Nino Rota – eine wahrlich umfassende Musikerin! Vivaldis Quattro Stagioni, wohl der populär gewordene Höhepunkt des barocken Concerto und gleichzeitig wegweisend für die Programm-Musik der Romantik, fordern eine große Kunst der Verzierung, welche die schwelgerische Süße eines italienischen Frühlingsmorgens ebenso beinhaltet wie die scharfe Zeichnung sommerlicher Blitze und klirrender Eiseskälte. Marie Radauer-Plank ist dafür prädestiniert, als romantische Musikerin und stringente Originalklang-Virtuosin.

Gottfried Franz Kasparek

Musikalische Bilder 28. September 2017, 20 Uhr, Liederhalle Stuttgart, Mozart-Saal Karten: Kulturgemeinschaft Stuttgart Tel. 0711 / 22477-20, www.kulturgemeinschaft.de

Gastspiel Ludwigsburg: Adventsbarock 6. Dezember 2017, 19.30 Uhr, Forum am Schlosspark Benefizkonzert: Brot für die Welt 10. Dezember 2017, 17 Uhr, Johanniskirche am Feuersee, Stuttgart

Marie Radauer-Plank

Wolfgang Bauer, Weltklassetrompeter aus Stuttgart Schon die alten Ägypter spielten vor 3500 Jahren trompetenähnliche Instrumente, die Giuseppe Verdi für seine Aida sogar nachbauen ließ. Die Trompeten der Kelten und Germanen waren aus Bronze. Die Barocktrompeten waren auf die Naturtonreihe beschränkt, doch in der Klassik im späten 18. Jahrhundert entwickelten sich die Klappen- und später die moderne Ventiltrompete. Im Jazz wurde die Trompete neben dem Saxophon zum wichtigsten Blasinstrument. Doch schon in der Romantik war die Trompete kein kriegerisches Signalinstrument mehr. Joseph Viktor von Scheffel lässt seinen verliebten „Trompeter von Säckingen“ sagen: „Als ich zum erstenmal dich sah, verstummten meine Worte; es löste all mein Denken sich in schwellende Akkorde. Drum steh‘ ich arm Trompeterlein musizierend auf dem Rasen, kann dir nicht sagen, was ich will, kann meine Lieb‘ nur blasen.“ Wolfgang Bauer, ECHO-Klassik-Preisträger des Jahres 2009, studierte an der Orchesterakademie der Berliner Philharmoniker bei Konradin Groth. Er war Solotrompeter der Münchner Philharmoniker, des RSO Frankfurt und des Symphonieorchesters des Bayrischen Rundfunks. Als Solist ist er auf der ganzen Welt zuhause. Sein vielfach auf CDs veröffentlichtes Repertoire reicht von der Renaissance bis zur Gegenwart. Als Lehrer ist er derzeit an der Musikhochschule seiner Heimatstadt Stuttgart tätig. „Wolfgang Bauer sucht den gewissermaßen menschlichen Ton, innig, ausdrucksstark, modulationsfähig“ , so stand es in der Süddeutschen Zeitung zu lesen, „Wolfgang Bauer besitzt nicht nur hohe technische Gewandtheit, sondern auch einen strahlenden Klang, der doch nie ins Aggressive oder Beißende abrutscht, sondern stets Würde und Noblesse bewahrt“ auf klassik. com.

Die Trompete – Wolfgang Bauer spielt, für ihn selbstverständlich, auch die barocken Instrumente – hat im Konzertleben natürlich nicht denselben Stellenwert wie Klavier oder Geige. „Wir haben nur ein Konzert von Haydn“, meint Wolfgang Bauer, „aber keines von Mozart, Beethoven, Brahms.

Veranstalter wollen aber große Komponistennamen auf ihre Programme setzen.“ Gut, dass es das Stuttgarter Kammerorchester mit innovativen Programmen gibt. Unter der Leitung von Matthias Foremny kann der Startrompeter hier eine musikalische Zeitreise vom Frühklassiker Johann Wilhelm Hertel in die Moderne zu Arthur Honegger, dessen 2. Symphonie für die seltene Paarung Streichorchester und Trompete komponiert ist, bis hin zum japanischen Zeitgenossen Toshio Hosokawa antreten, in dessen west-östlichem Musikdiwan noch das Schlagwerk mitzureden hat. Der Trompeter versteht Musik als Dialog. Denn Solisten sind oft einsam und „Blechbläser“, betont Bauer, „sind so harmoniebedürftig“. Und zum Stück von Hertel, das auch am Beginn seiner Soloauftritte stand: „Noch heute mag ich diese sangliche Seite meines Instrumentes, die vor allem bei frühklassischen Konzerten im Vordergrund steht, am allerliebsten.“ Was ist für einen Trompeter das Wichtigste, was muss er besonders gut können? Das Volumen der Lunge ist gar nicht so entscheidend, wie man annehmen möchte. Wichtiger ist

für Bauer „eine grundsätzliche Begabung, die es möglich macht, den Tonumfang des Instruments speziell im hohen Register erlernen zu können:“ Man muss dazu begabt sein, mit dem Mund und mit den Lippen Töne zu formen und eine spezielle Atemtechnik erlernen. Ob ein Kind dazu begabt sei, merkt ein guter Lehrer schnell. So wie Bauers erster Lehrer Hermann Sauter, der schon nach den ersten fünf Minuten Unterricht sagte: „Der kann das. Den nehm’ ich.“ Gottfried Franz Kasparek

Trompetenwanderung 24. November 2017, 20 Uhr, Theaterhaus Stuttgart, T1 Karten: Kulturgemeinschaft Stuttgart Tel. 0711 / 22477-20, www.kulturgemeinschaft.de

Wolfgang Bauer

Konzerte

7. Ausgabe • September 2017 • Seite 5

Stille und Zurückhören Komponist und Dirigent Peter Ruzicka im Gespräch Herr Ruzicka, Sie erwähnten einmal, dass der große Cellist Pablo Casals jeden Tag mit zwei Präludien und Fugen von Bach am Klavier begann und dieses Ritual ihm „die täglich neue Entdeckung einer Welt schenkte, der anzugehören er als ein unverdientes Glück empfand.“ Nun sind Sie selbst ein viel beschäftigter internationaler Komponist, Dirigent und Intendant: pflegen Sie auch solch eine tägliche Gewohnheit, einen Komponisten, der Sie erdet?

Für mich gibt es die permanente Annäherung und Entfernung im Blick auf Mozart. Ich komme immer wieder auf ihn zurück, weil er so universell wie kaum ein anderer Komponist alle Stimmungen, alle Befindlichkeiten, auch unsere Utopien beschreibt und widerspiegelt und nicht zuletzt auch Trost bereithält, wenn es notwendig erscheint. Es gibt andere Komponisten, denen ich manchmal, auch für längere Zeit, sehr fern bin, obwohl ich mich zuvor sehr mit ihnen identifiziert habe. Bei Mozart geschieht das nicht. Es bleibt eine sich ständig erneuernde Begegnung und eine ganz persönliche Welt des Hörens und Weiterdenkens.

Ihre Musik für 22 Streicher „... ins Offene...“, die Sie mit dem SKO aufführen werden, bezieht ihren Titel aus einer Hölderlin-Elegie „Der Gang aufs Land“, in der das lyrische Ich ausruft: „Komm! ins Offene, Freund!“ Friedrich Hölderlin spielt wie Paul Celan (Opernuraufführung in Dresden 2001) und Walter Benjamin (Opernuraufführung im kommenden Jahr in Hamburg) eine essentielle Rolle in Ihrem Schaffen. Was fasziniert Sie persönlich an Hölderlin?

Hölderlin war immer so etwas wie ein innerer Kompass, die Vision eines künftigen befreiten Lebens. Eine Möglichkeit, dass etwas Positives gegen alle Widerständlichkeit „hindurchgezweifelt“ wird, gibt unter anderem sein Blick auf die Einheit mit der Natur. Dies sind Gedanken, die auch für mein künstlerisches Koordinatensystem immer wichtig waren und sind. Celan, Benjamin und Hölderlin, diese drei beschreiben die Brennpunkte meines ästhetischen Bewusstseins. Hölderlin hat für mich als Komponist dabei eine ganz besondere Bedeutung, weil ich lange, ja jahrzehntelang über ein Musiktheater nachgedacht habe, das ihn zum Gegenstand haben sollte. Bevor diese Oper für die Staatsoper Berlin komponiert und dort 2008 uraufgeführt wurde, gab es eine Reihe von Werken vorbereitender Art, darunter auch das Streicherstück ... ins Offene....

Sie haben schon aus der Elegie Der Gang aufs Land zitiert.

Es war eine visuelle Vorstellung, die am Anfang stand: Ein sehr komplexer Klangstrom scheint gegen einen imaginären Widerstand anzugehen und stürzt rasend durch einen sehr engen Tunnel. Dann plötzlich gelangt dieser musikalische Strom ins Freie – und trifft auf Stille. Die musikalischen Ereignisse gehen zurück bis an die Hörschwelle, verstummen im Fast-Nichts. Der Gedanke, dass musikalische Gestalten

„Klangschatten“ werfen können, bewegte mich schon in früheren Kompositionen. Der Hörer mag hier zurückhören und in der Ferne immer noch die Turbulenz der Klangströme erspüren. Das Spannungsfeld zwischen Stille und Rückhören auf die komplexe musikalische Gestalt, das ist die Form, die ich hier anstrebte.

hinzukommen, gelangt sie an einen Punkt, wo die Musik auf eine ferne Erfüllung zuläuft. Das geschieht durch diesen schließlich in einen Stillstand mündenden Als ob-Choral.

Die Musik scheint hier nicht jemandes „Ausdruck“ oder „Abbild“ von etwas zu sein, sondern sie selbst ist das sich eigenständig durch Raum und Zeit bewegende Subjekt, ähnlich einer Naturgewalt. Die Musiker und die Zuhörer werden sich des Vorgangs des Hörens und des Verstreichens der Zeit immer wieder bewusst — was eine ganz erstaunliche Erfahrung der Selbstwahrnehmung ist. Der Schlussteil ist sozusagen ein Stück auskomponierte Ewigkeit. Und einer jener magischen Augenblicke, in denen man hofft, dass keiner husten und der Applaus nicht zu früh einsetzen möge, oder? Wie ist das für Sie, wenn Sie Ihr eigenes Stück dirigieren?

Diese stillen Stellen, die übrigens auf einer CD anders wirken als im Konzert vor dem Publikum, führen dazu, dass man beim Dirigieren zurückhört und mit dem Publikum mitatmet. Und die bisherige Erfahrung bei vielen Aufführungen war, dass es trotz dieses ausgedehnten Verlaufs keine störenden Geräusche gab. Sondern dass dann etwas Verbindendes in der Stille mitschwang. Dies sind wunderbare Momente des Einverständnisses. Wir können uns nur wünschen, dass dies in Stuttgart auch so gelingt.

Ihr Stück „... ins Offene...“ steht zu Beginn des Konzertes. Es folgen Ravels „Tombeau de Couperin“ in einer Fassung für Oboe und Streicher, Mozarts „Adagio für Englischhorn und Streicher KV 580a“ und Schönbergs „Verklärte Nacht“. Der Solist ist Albrecht Mayer, einer der Top-Oboisten der Welt und Solo-Oboist der Berliner Philharmoniker, für den Sie 2011 ein Stück für Oboe und Kammerorchester, „Aulodie“, geschrieben haben.

Woher kennen Sie und Albrecht Mayer sich?

Die Aulodie, die ursprünglich auch in Stuttgart gespielt werden sollte — wir haben das Stück dann wegen des doch enormen Aufwands an Zusatzmusikern zurückgestellt —, ist ein beim Schleswig-Holstein Musik Festival uraufgeführtes Auftragswerk für Albrecht Mayer und wurde daPeter Ruzicka nach sehr häufig von ihm gespielt. Ich kenne und schätze ihn seit vielen Jahren, und es war immer der Wunsch, einmal ein Werk für ihn zu schreiben Das Zurückhorchen auf Vertrautes, Vergangenes, kaum Greifund speziell für seine unnachahmliche Kunst, Zwibares konzentriert sich in Ihrer Musik oft in choralartigen Se- schenstimmungen, Farben zu erreichen, über die nur er mit quenzen, wie im mit „lontano“ bezeichneten Schlussabschnitt von seinem Instrument verfügt. Es ist für einen Komponisten „... ins Offene...“, der an die Bach-Zitate in Alban Bergs Violin- besonders beglückend, wenn er sich schon beim Komponiekonzert erinnert. Hatten Sie dabei einen konkreten Choral im Ohr? ren mit dem Solisten identifizieren kann, also nicht nur die Oder schwebte Ihnen schon beim Komponieren nur die Erinne- Noten, sondern auch dessen Art der Interpretation innerlich rung daran vor? hört. Dies war in vielen gemeinsamen Aufführungen ein Dort erklingt kein konkretes Zitat, das sich historisch ab- wunderbares Erlebnis des Einverständnisses. Man erinnert leiten ließe, sondern es ist ein „Als ob“. Nach einer langen sich genau, warum und wie man bestimmte Passagen gePhase, in der die Musik zu einer rauschenden Folie wird und schrieben hat, die für Albrecht Mayer und durch ihn dann in zu den Streichern, die über den Korpus streichen, noch ganz eine klangliche Welt verwandelt werden. ferne Klangsegmente in extremen Tiefen und hohen Lagen Interview: Anne Sophie Meine

Albrecht Mayer

Ins Offene...

29. Januar 2018, 20 Uhr, Liederhalle Stuttgart, Beethoven-Saal Karten: Kulturgemeinschaft Stuttgart Tel. 0711 / 22477-20, www.kulturgemeinschaft.de

Short News *** Zwei neue FSJ Kultur-Teilnehmer werden uns in dieser Saison in der Organisation des Stuttgarter Kammerorchesters unterstützen. Herzlich Willkommen, Juliane Kirchner und Miriam Kößler! *** Wussten Sie schon, dass es vor jedem Abonnementkonzert der Kulturgemeinschaft Stuttgart und den SKO-Sternstunden-Konzerten Programmeinführungen mit dem Geschäftsführenden Intendanten Markus Korselt gibt? Jeweils 45 Minuten vor Konzertbeginn.

SKO intern

7. Ausgabe • September 2017 • Seite 6

SKOhr-Labor

Orchesterpatenschaft – Mitten in die Dissonanz Das klingt ja furchtbar! Das kann nicht sein, das ist falsch!

Viele Menschen winden sich förmlich, wenn sie beim Erlernen eines Streichinstrumentes die Dissonanzen von Bartóks Violin-Duos erstmals erleben. Da begegnen sich die beiden Stimmen in kleinen Sekunden, die man meint, augenblicklich „verbessern“ zu müssen und schon verliert man auf dem Griffbrett jegliche Orientierung! Dabei klingt die Oberstimme alleine doch ganz vertraut – es sind ja auch (fast) alles urtümliche Volkslied-Melodien aus Bartóks unerschöpflicher Sammlung.

Der Impuls zu einem Bartók Duo-Festival kam von Erich Scheungraber, dem Leiter unseres Patenorchesters. Nach einer umfangreichen Umfrage unter Instrumentalkollegen über die European String Teacher Association, stellte sich heraus, dass viele Kollegen bei ihrer eigenen ersten Begegnung mit Bartók häufig die oben beschriebene Ablehnung erlebten, dann aber allesamt zu glühenden Verehrern dieser musikalischen Juwelen wurden. In einer ungewöhnlichen Zusammenarbeit werden sich nun in der kommenden Saison das SKO und das junge Streichorchester mit Bartók auseinandersetzen.

Gleich zu Saisonstart steht ein Proben- und Konzertbesuch an, denn beim SKO wird das wunderbare Werk Musik für Saiteninstrumente, Schlagzeug und Celesta gespielt, das einen mitten hineinwirft in Bartóks Klangwelt. Einzelne Mitglieder des Kammerorchesters werden dann mit den jungen Musiker*innen an den Duos arbeiten, bzw. einen Part übernehmen und so in dieser kleinsten Ensembleformation zusammen spielen.

Im März sollen dann nicht nur alle 44 Duos in unterschiedlichen Formationen auf dem Festival in Sindelfingen gespielt werden, sondern es werden auch Ergebnisse aus verschiedenen vorbereitenden Workshops präsentiert:

So wird György Bognár (Solocellist des SKO) Entsprechungen der ungarischen Sprache mit Bartóks Rhythmik aufzeigen und damit verdeutlichen, wie Betonungen zu setzen sind und wie sich musikalische Phrasierungen aus der Sprache herleiten lassen.

Den meisten Duos liegen allerdings Lieder aus anderen Ländern und Sprachen zugrunde. Dies zeigt, wie grenzübergreifend Bartók gearbeitet hat und vor über 100 Jahren im wahrsten Sinne des Wortes interkulturell unterwegs war.

Eine andere Perspektive wird durch den Kompositionsstudenten Johannes Schropp der Stuttgarter Musikhochschule entwickelt: er stellt mit interessierten Jugendlichen die Frage danach, was Bartók veranlasste, so etwas zu schreiben und untersucht in seinem Workshop die kompositorische Machart der besonders schräg klingenden Duos, um dann zu selbst gesammelten Melodien oder Klängen beispielsweise eine eigene 2. Stimme zu schreiben.

Vielleicht werden auch aus einem vorhandenen BartókDuo die Dissonanzen entfernt und eine ganz „passende“ Begleitung unterlegt – welcher Verlust an Spannung und Farbigkeit, wenn man sich da so behaglich in Wohlklängen bewegt!

Ein Experiment mit offenem Ausgang – sicher aber auch ein weiterer Baustein auf dem Weg der Orchesterpatenschaft!

Katharina Gerhard & Ulrike Stortz

Tanzprojekt – eine kleine Fortsetzung...

Im Juni vergangenen Jahres fanden die Aufführungen des ersten großen Tanz- und Musikprojekts des Stuttgarter Kammerorchesters statt. Ein Projekt, das beim Publikum große Begeisterung entfachte: „Es war eine fantastische Aufführung im Theaterhaus. Eine der seltenen Aufführungen mit jugendlichen Laien, bei der durch intensives Probentraining, Leidenschaft und spürbare Freude aller Mitwirkenden an Musik und Tanz ein wahres Kunstwerk auf hohem Niveau gelang. Hier wurde Gutes nicht nur gemeint, sondern auch gemacht.“ (Isabel Fezer, Bürgermeisterin für Jugend und Bildung). Das Projekt hat sichtbare Spuren hinterlassen – u.a. war es in der Endrunde des Wettbewerbes Kinder zum Olymp und wurde zur Umrahmung der Eröffnungsfeier der diesjährigen Didacta eingeladen. Auch bei den Teilnehmern wirkt die Arbeit, die über ein Schuljahr in Workshops stattgefunden hat, nach. Eine Gruppe geflüchteter Jugendlicher und Waldorfschülerinnen aus Ludwigsburg hat besonders intensiv mit dem Choreographen Adrian Turner zusammengearbeitet und haben untereinander und mit ihrem Leiter eine intensive Beziehung aufgebaut. Ende dieses Jahres wird das kleine Ensemble im Rahmen von zwei Schulkonzerten wieder gemeinsam mit dem SKO auftreten. Seit Mai finden die Workshops hierfür statt – im Zentrum steht die 2. Symphonie von Arthur Honegger.

Schulkonzerte (ab Klasse 5) 28. November 2017, 11 Uhr, Freie Waldorfschule Ludwigsburg 1. Dezember 2017, 11 Uhr, Altes Feuerwehrhaus Stuttgart

SKO intern

7. Ausgabe • September 2017 • Seite 7

Mit Hingabe auf der Stuhlkante György Bognár nimmt uns mit auf eine Zeitreise durch sein Leben; fast dreißig Jahre davon verbrachte er als Solocellist des Stuttgarter Kammerorchesters. Nebst Neugierde und Offenheit reiste er stets mit einem ganz besonderen Koffer So schnell ist man in Budapest. Genauer gesagt im 6. Bezirk Terézváros, zu deutsch: Theresienstadt. Die Straßenzüge ächzen unter prachtvollen Ornamenten, filigranen Türmchen und geschwungenen Balkonen. Es ist Mitte der 1970er Jahre, der Musikstudent György Bognár führt uns durch die Boulevards seiner Heimatstadt. Vorbei an der berühmten Franz-Liszt-Akademie samt deren ewig großartigem Konzertsaal und der berühmten Staatsoper mit ihrem prunkvollen Best Of der Neorenaissance. Bis vor einigen Jahren konnte man gar Zoltán Kodály durch die Gassen huschen sehen.

Damals, sagt György Bognár heute, hätte er sich nie vorstellen können, wie stolz er einmal sein würde, mit so vielen berühmten Musikern in einem Viertel gewohnt zu haben.

Bognár entstammt selbst einer Musikerfamilie. Sein Weg war also früh vorgezeichnet: „Man hat ü-ber-haupt nicht an etwas anderes gedacht“, sagt Bognár so apodiktisch, dass man sich einen Moment lang wirklich nicht vorstellen kann, es gäbe auf dieser Welt auch nur irgendeine andere Bestimmung, als Musiker zu werden.

Ein halbes Leben später in Stuttgart: György Bognár blickt auf nichts weniger als 27 Dienstjahre als Solocellist beim Stuttgarter Kammerorchester zurück. Und schnell spürt man, dass ein einziges Gespräch bei weitem nicht dem gerecht werden wird, was Bognár zu erzählen hätte. Geschichte und Geschichten sprudeln nur so aus ihm heraus; über das Künstlerviertel Budapests, seinen Namensvetter Ligeti, die Konzertsäle dieser Welt, Heiteres aus 27 Jahren SKO. Immer wieder unterbrochen von einem tiefen, federnden Lachen. „In unserem Land wird viel gelacht. Lachen ist wie eine Tradition bei uns.“, sagt er und – lacht. Aber nicht nur Bognárs Mund lacht, auch der beeindruckende Bart scheint sich unter Bognás Erzählungen zu schütteln, das Haupthaar wirbelt vergnügt umher. Und wenn man genau hinschaut, meint man, selbst die Brille verzückt auf seiner Nase hüpfen zu sehen.

Aber nicht nur das Lachen ist so eine Tradition; auch die

Das wär‘s doch

Dorothea Knell verstärkt seit dieser Spielzeit die 2. Violinen beim Stuttgarter Kammerorchester. Im Gespräch erzählt sie von Wegen zur und Abwegen von der Musik – und huldigt dem Reiz des Unbekannten.

Der Zeitplan hinkt schon, als unser Gespräch beginnt.

Dorothea Knell wartet geduldig vor der Tür – später wird sie sagen, der unverhoffte Leerlauf sei ihr fast unheimlich gewesen. Denn als Musikerin und Mutter von zwei kleinen Kindern hat soviel freie Zeit freilich Seltenheitswert. Als Dorothea Knell so alt war wie ihr Sohn heute, hatte die Dreijährige nur einen Wunsch: „Ich wollte Geige spielen. Unbedingt!“, sagt sie und die feinen Gesichtszüge schieben sich zu einem Lächeln zusammen. Fast meint man, darin noch etwas von dem fast trotzigen Mädchen von damals entdecken zu können. Ihr Vater, selbst Schulmusiker, auf dessen Geige Dorothea Knell bis heute spielt, war anfangs wenig begeistert von der Idee; als Pädagoge schien ihm der Einstieg viel zu früh. Doch Dorothea setzt sich durch. Sie erhält den ersten Geigenunterricht und wird zusehends ambitionierter.

Oft noch vor der Schule übt sie eine Stunde. Im Grundschulalter nimmt sie drei Mal erfolgreich am Nachwuchswettbewerb Jugend musiziert teil.

Doch der bis dahin so zielstrebige Weg sollte erst einmal unterbrochen werden. Es ist wohl nicht die erste pubertäre Episode, in der Hobbies und manch anderes auf dem Prüfstand steht und um die Gunst der alles entscheidenden Kategorie Coolness buhlen muss. Die junge Dorothea ist des Übens über, die Ambition hält sich plötzlich ausgesprochen bedeckt. Ihre Geigen-Lehrerin versteht es damals dennoch, ohne Druck und Strenge zwischen den Parteien zu vermitteln. Sie gibt ihrer Schülerin stattdessen nur eines mit auf den Weg: die Freiheit, selbst zu entscheiden. Und am Ende ergibt sich wie sooft das paradoxe Bild, dass ein Weg gerade dort immer deutlicher wird, wo ihn weniger und weniger Wegzeiger säumen, wo keine Karte, kein Plan, die Landschaft vorsortiert.

Das Konzept schien zu fruchten: nachdem das Schlimmste überstanden war, kehrte der alte Ehrgeiz zurück. Im Leistungskurs in der Oberstufe wechselt Dorothea Knell aus „Personalmangel“ gar auf die Bratsche. Eine Lehrerin sagt ihr damals, sie sei die geborene Bratschistin. „Wer weiß?

Musikkultur blickt in Ungarn auf eine lange Historie zurück.

Besonders das Volkstümliche, das „typisch Ungarische“, hat Bognárs Landsmänner seit jeher interessiert und inspiriert.

Bela Bartók beispielsweise ist der Musikwelt nicht nur als Komponist, sondern auch als Ethnologe bekannt. Auf der Suche „dem Ungarischen schlechthin“ reiste er, ausgestattet mit Phonograph und Tagebuch, in die Abgeschiedenheit des Hinterlandes, um die Klänge altvorderer Volksgruppen zu dokumentieren. Was er wohl gefunden haben mag? György Bognár setzt zu einem Exkurs über die osteuropäische Musikgeschichte des 20. Jahrhunderts unter besonderer Berücksichtigung des Schaffens von Bartók und Kodály an und man kann nur erahnen, dass er noch tagelang erzählen könnte. Über Anfänge, Einflüsse, Kehrtwenden und das ganz große Ganze.

Seinen Stolz auf den Traditionsreichtum seiner Musik merkt man Bognár mit jedem Wort an. Auch bei der Erinnerung an seine ersten Dienstjahre spielt es für Bognár eine große Rolle, dass seine Herkunft, genau wie die der anderen Musiker, ihren Platz im Orchester gefunden hat. So erinnert er sich an das Interesse, mit dem die Kollegen ihm bei seinem Dienstantritt im Jahre 1990 begegneten. Die Idee, dass jeder Musiker von irgendwo her- und alle zusammenkommen, trage das Orchester bis heute, wie Bognár findet. Gerade die Internationalität des Ensembles scheint ihm also ein Garant für dessen Erfolg zu sein. Jeder bringe etwas mit, sagt er: verschiedene Stile, Schulen, Traditionen, die einander inspirieren und neugierig machen auf den anderen.

Und obwohl das Repertoire des Orchesters an Facettenreichtum seines Gleichen sucht, betont Bognár den Repertoire-Kern, der das Orchester seiner Meinung nach stets begleitet hat: „Mozart war wie ein Koffer, den wir immer dabei hatten“, sagt er. Und wie zum Beweis schildert er einen solchen Mozart-Moment. Und es ist keine Episode aus der vermeintlich guten alten Zeit, über die sich die Patina des Nostalgischen gelegt hat und vielleicht hier und da zur Verklärung verführt. Nein, erst vor kurzem, erzählt er, spielte das Stuttgarter Kammerorchester Mozarts Sinfonie A-Dur. Ein Repertoirestück, tausendfach vorgetragener Standard.

Man könnte meinen, dort passiere nichts Großes mehr. Doch Bognár weiß es besser. Was er mit Mozart erlebt habe, wird immer etwas Besonderes sein. „Mit welcher Hingabe bei

Vielleicht wär‘ ich‘s ja sogar“, sagt sie und wirft lachend den Kopf in den Nacken. Und etwas Wahres ist ja vielleicht doch dran: noch heute spielt sie gerne die Mittelstimme und hat eine Vorliebe für das Dazwischen. Fast könnte man ein bisschen betrübt sein, dass die Redewendung von der „zweiten Geige“ hier und da bisweilen den Blick verstellt und die Strenge der Ordinalzahlen das zweite nur hinter dem ersten erlaubt. Umso erfrischender, wenn Dorothea Knell diese orthodoxe Anordnung mühelos durchbricht und erklärt, dass

Dorothea Knell das eine das andere nicht ausschließe: sie spielte in Opernund Sinfonieorchestern erste und zweite Geigen. Beides habe seinen ganz eigenen Reiz. Wie gut, dass manche Dinge eben gerade keines Entweder-Oders bedürfen.

Nach dem Abitur besteht Dorothea Knell die Aufnahmeprüfung an der Musikhochschule und zieht für das Studium aus der hessischen Kleinstadt nach Stuttgart. Während ihrer

dieser Sinfonie jede und jeder einzelne auf der Stuhlkante saß, ist absolut unbeschreiblich“, schwärmt er von seinen Kollegen und deren Interpretation. Überhaupt sind es die Kollegen, die ihn in all seinen Jahren begleitet haben, denen Bognárs besonderer Dank gilt. „Ich werde nie vergessen, mit welcher Hilfsbereitschaft und menschlichen Güte ich hier empfangen wurde“, denkt er an seine Anfangszeit zurück.

Wie György Bognárs Reise nun weitergeht? Wer weiß das schon! Aber egal, wohin es ihn verschlägt: diesen einen Koffer hat er ja immer dabei.

Margret Findeisen

György Bognár

Studienzeit bei Kolja Lessing flirtet sie bereits mit der Idee, später einmal auf die Kammermusik zu setzen. „Damals hab ich vom Stuttgarter Kammerorchester gehört und mir gedacht: das wär‘s doch“, erinnert sie sich zurück. Rückblickend scheint es einer geheimen Mixtur aus Zielstrebigkeit und Ironie geschuldet, dass ausgerechnet dieses Orchester nun ihr musikalisches Zuhause ist. „Ich glaube, hier habe ich meinen Platz gefunden“, resümiert sie.

Und auch wenn die Zeit für eine Zwischenbilanz vielleicht noch zu früh ist, kann sie eines über ihre erste Spielzeit beim Stuttgarter Kammerorchester bereits sicher sagen: dass es vor allem die Bandbreite ist, die sie als Musikerin herausfordert. Überhaupt geht es viel um das Gefordert-Sein, wenn Dorothea Knell über die Musik und das Musizieren spricht. Es geht um die Verantwortung jedes Einzelnen, die das Interpretieren einer Komposition einfordert. Es geht um verschwimmende Genregrenzen, um ungewöhnliche Programmkonstellationen, außergewöhnliche Spielstätten und nicht zuletzt um Neue Musik. Es geht darum, sich selbst ein Stück weit aus der Hand zu geben, um etwas Einmaliges im Zusammenspiel mit den Musikern auf der Bühne zu erschaffen. „Man muss Dinge ausprobieren und gucken, was kommt. Wir wissen es ja nicht“, sagt sie dann und etwas eigentümlich Fugitives legt sich über ihre Beschreibung. Doch nichts ist dabei, das nach Orientierungslosigkeit, gar Resignation klänge. Vielmehr kann man die kraftvolle Spannung hören, die das Unbekannte ausmacht. Die Suche nach Neuem scheint der 35-jährigen dabei durchaus entgegen zu kommen. Denn auch, wenn die Geige einmal zu Hause bleibt, ist ihr wichtig, mit offenen Augen durch die Welt zu gehen. „Ich suche ständig nach neuen Impulsen. Das kann eine Zugfahrt sein, die Natur, ein Buch oder auch ein gutes Gespräch.“ So neigt sich unser Gespräch dem Ende zu. Ganz ohne ein Gefühl der Hast erzählte Dorothea Knell, was sie zu erzählen hatte, überlegte, formulierte, fast immer ohne ihre Worte nachträglich ergänzen oder gar korrigieren zu müssen. Beschrieb präzise, ohne die Dinge einfach nur abzuhaken. Als alles gesagt ist, verabschiedet sie sich in Richtung Kita, wo bereits Zwei auf sie warten. Der Blick auf die Uhr verrät: wir sind fünf Minuten eher fertig.

Margret Findeisen

Die Letzte Seite

7. Ausgabe • September 2017 • Seite 8

Konzertkalender Donnerstag, 28. September 2017, 20 Uhr Liederhalle Stuttgart, Mozart-Saal

Samstag, 18. November 2017, 20 Uhr Oberndorf, Klosterkirche

Sonntag, 17. Dezember 2017, 17 Uhr Kirchheim / Teck, Martinskirche (Teile I, III, VI)

Musikalische Bilder Matthias Foremny / Leitung Mirjam Tschopp / Violine

Gastspiel Susanne von Gutzeit / Violine und Leitung

Weihnachtsoratorium Rainer Johannes Homburg / Leitung Angelika Lenter / Sopran; Helene Schneidermann / Alt; Andreas Post / Tenor; Thomas Laske / Bass Stuttgarter Hymnus-Chorknaben Trompetenensemble Wolfgang Bauer

H.I.F. Biber: La Battalia F. Martin: Polyptyque für Violine und zwei kleine Streichorchester B. Bartók: Musik für Saiteninstrumente, Schlagzeug und Celesta Sz. 106 Tickets: www.kulturgemeinschaft.de, Tel. 0711 / 22477-20 Freitag, 6. Oktober 2017, 20 Uhr Müllheim, Martinskirche Gastspiel Stephen Smith / Leitung und Klavier F. Mendelssohn: Streichersymphonie Nr. X h-Moll I. Strawinsky: Concerto in D J.S. Bach: Konzert für Cembalo und Orchester d-Moll BWV 1052 F. Mendelssohn: Streichersymphonie Nr. XII g-Moll Sonntag, 8. Oktober 2017, 17 Uhr Essen, Philharmonie Gastspiel Bogdan Božović / Leitung Jean Rondeau / Cembalo

G.P. Telemann: Suite in B-Dur „Les Nations“ TWV 55:B5 J. Haydn: Konzert für Violine und Orchester Nr. 2 G-Dur P.I. Tschaikowski: Souvenir de Florence op. 70 Folgetermine: Sonntag, 19. November 2017, 20 Uhr Überlingen, Kursaal Montag, 20. November 2017, 20 Uhr Waldshut, Versöhnungskirche Sonntag, 26. November 2017, 18 Uhr Rheinfelden, Bürgersaal

Trompetenwanderung Matthias Foremny / Leitung Wolfgang Bauer / Trompete

Dreikönigskonzert: Nicht nur Idyllen Matthias Foremny / Leitung Kolja Blacher / Violine Clemens Hagen / Violoncello Özgür Aydin / Klavier

J.W. Hertel: Konzert für Trompete, Streicher und Basso continuo Nr. 1 Es-Dur E. Grieg: Aus Holbergs Zeit. Suite für Streichorchester op. 40 T. Hosokawa: Voyage VII für Trompete, Streicher und Schlagwerk A. Honegger: Symphonie Nr. 2 für Streichorchester und Trompete

Dienstag, 10. Oktober 2017, 18 Uhr Brüssel, Vertretung des Landes Baden-Württemberg bei der Europäischen Union

Kleines Tanzprojekt Matthias Foremny / Leitung Geflüchtete Jugendliche, Schülerinnen der Waldorfschule Ludwigsburg / Tänzer

Dienstag, 28. November 2017, 11 Uhr Ludwigsburg, Waldorfschule

A. Honegger: Symphonie Nr. 2 für Streichorchester und Trompete E. Grieg: Aus Holbergs Zeit. Suite für Streichorchester op. 40

W.A. Mozart: Serenade in G-Dur KV 525 „Eine kleine Nachtmusik“ F. Mendelssohn: Streichersymphonie Nr. X h-Moll G. Breinschmid: Wien bleibt Krk

Folgetermin: Freitag, 1. Dezember 2017, 11 Uhr Stuttgart, Altes Feuerwehrhaus Heslach

Sonntag, 22. Oktober 2017, 20 Uhr Liederhalle Stuttgart, Mozart-Saal

Mittwoch, 29. November 2017, 20 Uhr Backnang, Bürgerhaus

J.G. Pisendel: Streichersuite „L‘imitation des caractères de la danse“ G.P. Telemann: Konzert für Violine und Orchester B-Dur TWV 51:B1 („Pisendel-Konzert“) A. Vivaldi: Streichersymphonie „Il coro delle muse“ RV 149 C. Graupner: „Entrata per la musica di tavola“ in g-Moll GWV 468 A. Vivaldi: Konzert für zwei Violinen in A-Dur RV 552 „Per eco in lontano“ G.P. Telemann: Ouvertüre (Suite) g-Moll „La Changeante“ TWV 55:G2 Tickets: www.kulturgemeinschaft.de, Tel. 0711 / 22477-20 Mittwoch, 8. November 2017, 19.30 Uhr Liederhalle Stuttgart, Mozart-Saal SKO-Sternstunden: The Great American Songbook Fola Dada / Gesang Susanne von Gutzeit / Leitung David Gazarov Trio

David Gazarov / Klavier

Mini Schulz / Bass

Obi Jenne / Schlagzeug Songs von G. Gershwin, J. Kern, I. Berlin u.a.

Tickets: www.reservix.de, Tel. 01806 / 700 733 Mit freundlicher Unterstützung von

Folgetermin: Sonntag, 12. November 2017, 20 Uhr Bayreuth, Das Zentrum

Folgetermin: Dienstag, 26. Dezember 2017, 17 Uhr (Teile I-VI) Liederhalle Stuttgart, Beethoven-Saal Samstag, 6. Januar 2018, 20 Uhr Liederhalle Stuttgart, Beethoven-Saal

Tickets: www.kulturgemeinschaft.de, Tel. 0711 / 22477-20

Pisendel und seine Freunde Fabio Biondi / Violine und Leitung Bogdan Božović / Violine

Tickets: Stuttgarter Hymnus-Chorknaben Tel. 0711 / 259 40 40

Freitag, 24. November 2017, 20 Uhr Theaterhaus Stuttgart, T1

F. Mendelssohn: Streichersymphonie Nr. XII g-Moll J.S. Bach: Konzert für Cembalo und Orchester d-Moll BWV 1052 W.F. Bach: Konzert für Cembalo, Streicher und Basso continuo f-Moll W.A. Mozart: Serenade in G-Dur KV 525 „Eine kleine Nachtmusik“

Gastspiel Bogdan Božović / Leitung

J.S. Bach: Weihnachtsoratorium BWV 248

L. van Beethoven: Tripelkonzert für Klavier, Violine, Violoncello und Orchester C-Dur op. 56 R. Wagner: Siegfried Idyll W.A. Mozart: Symphonie Nr. 36 C-Dur KV 425 „Linzer“ Tickets: www.kulturgemeinschaft.de, Tel. 0711 / 22477-20 Folgetermin: Sonntag, 7. Januar 2018, 19.30 Uhr Basel, Martinskirche Montag, 24. Januar 2018, 19 Uhr Weitere Vorstellungen: 26.1., 28.1., 6.2., 8.2., 10.2., 11.2.

Stuttgart, Wilhelma-Theater Opernproduktion mit der Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Stuttgart Bernhard Epstein / Leitung Hendrik Müller / Regie Marc Weeger / Bühne, Kostüme G. Donizetti: Viva La Mamma

Gastspiel Matthias Foremny / Leitung Julia Stemberger / Sprecherin Bettina Aust / Klarinette

Tickets: www.wilhelma-theater.de, Tel. 0711 / 954 884 95

J. Barry: Titel aus dem Soundtrack zu „Jenseits von Afrika“ W.A. Mozart: Divertimento D-Dur KV 136 W.A. Mozart: Konzert für Klarinette A-Dur KV 622

Ins Offene...

Peter Ruzicka / Leitung Albrecht Mayer / Oboe

Dienstag, 5. Dezember 2017, 20 Uhr München, Herkules-Saal Gastspiel Bogdan Božović / Leitung Marie Radauer-Plank / Violine G.P. Telemann: Suite in B-Dur „Les Nations“ TWV 55:B5 A. Vivaldi: Die vier Jahreszeiten op. 8, „Der Herbst“ / „Der Winter“ F. Geminiani: Concerto grosso in d-Moll „La Follia“ E. Grieg: Aus Holbergs Zeit. Suite für Streichorchester op. 40 Mittwoch, 6. Dezember 2017, 19.30 Uhr Ludwigsburg, Forum am Schlosspark Adventsbarock Bogdan Božović / Leitung Marie Radauer-Plank / Violine G.P. Telemann: Suite in B-Dur „Les Nations“ TWV 55:B5 A. Vivaldi: Die vier Jahreszeiten op. 8 F. Geminiani: Concerto grosso in d-Moll „La Follia“ Folgetermine: Donnerstag, 7. Dezember 2017, 20 Uhr Hildesheim, Stadttheater Sonntag, 10. Dezember 2017, 17 Uhr Stuttgart, Johanneskirche Freitag, 29. Dezember 2017, 21 Uhr Sonthofen, Hotel AllgäuStern

Montag, 29. Januar 2018, 20 Uhr Liederhalle Stuttgart, Beethoven-Saal

P. Ruzicka: „...ins Offene“ Musik für 22 Streicher M. Ravel: Le tombeau de Couperin (Fassung für Oboe und Streicher) W.A. Mozart: Adagio für Englischhorn und Streicher KV 580a A. Schönberg: „Verklärte Nacht“ op. 4 für Streichorchester Tickets: www.kulturgemeinschaft.de, Tel. 0711 / 22477-20 Donnerstag, 22. Februar 2018, 19.30 Uhr Liederhalle Stuttgart, Mozart-Saal SKO-Sternstunden: Jazz meets Klassik Matthias Foremny / Leitung Isabelle van Keulen / Violine W.A. Mozart: Konzert für Violine und Orchester Nr. 4 D-Dur KV 218 J. Haydn: Symphonie Nr. 45 fis-Moll Hob. I:45 „Abschiedssymphonie“ F. Liszt: Ungarische Rhapsodie Nr. 2 (für Streichorchester bearbeitet von Peter Wolf) J. Loussier: Konzert für Violine, Schlagzeug und Streichorchester Tickets: www.reservix.de, Tel. 01806 / 700 733 Mit freundlicher Unterstützung von