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Directora Editorial / Ritsuka Hasegawa rhasegawa@viajestoyomex.com Editor / Sannosuke Atarashi satarashi@viajestoyomex.com Colaboradores / Everardo Lucas, Takehiko Kita (INSPi), y Joel Nava Polina Corrección de estilo / Ikuo Kusuhara Tabi Tabi TOYO es una publicación mensual, editada por Toyo Marketing, S.A. de C.V. Campeche 217, Col. Hipódromo Condesa, Del. Cuauhtémoc, C. P. 06100, México, D. F. Tel. (55)5564-3180 / 5584-5410 Fax. (55)5564-8227 / 5564-2618 Esta revista no se hace responsable del contenido e información en los espacios publicitarios de los anunciantes. Edición 112 Año 10, Noviembre 2014. Prohibida la reproducción total o parcial de esta revista sin autorización por escrito de Tabi Tabi TOYO.
■Clase de confección de kimono Domingos, Nov. 9 a Dic. 14 11:00 a 15:00 hrs. En la clase se enseñará también a elaborar kimonos en miniatura. Además, en colaboración con el restaurante de la Asociación México Japonesa, se podrá probar comida japonesa vistiendo los kimonos. Mayores informes en la Asociación o a través del correo electrónico: akanefuji2007@msn. com (Sra. Akane). Asociación México Japonesa, A.C. Fujiyama 144, Col. Las Águilas, México D.F. Tel.: (55) 5651-9382 ■CutOut Fest 2014 Nov. 13 al 16 Festival internacional en torno a la animación y el arte digital. Proyección de una amplia selección de cortometrajes, talleres, conferencias, clases magistrales y exhibiciones de arte sin costo. Información de programación, sedes y prerregistro en: www.cutoutfest.com Querétaro, Qro.
■Festival de Jazz en la Riviera Maya Nov. 27 al 29 Mamita’s Beach Club Calle 28 Norte mza. 10, lote 8, Col. Centro, Playa del Carmen, Q. Roo www.rivieramayajazzfestival.com/2014/
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n un sentido figurado, la competencia que hay entre artistas que allegan su trabajo a los reflectores del mundo del arte, tiende casi siempre a largas y muy duras batallas “a pincelazos”. No es distinta tampoco para el mundo escrito de la crítica sobre el arte, la investigación o la historia este tipo de ensoñaciones egocentristas; por tanto, y basándome en tal discurso, decidí que, al abordar lo que es Yayoi Kusama para el mundo del arte en todo el orbe, era necesario retirar pretensiones discursivas, análisis y crítica, y mostrar con sencillez a la pintora y artista mejor dotada que Japón ha tenido en toda la historia moderna y contemporánea del arte.
Inicios Ella nace en el año 1929 en la ciudad de Matsumoto, de la prefectura de Nakano. Su familia de clase media no le impidió liberar sus instintos creativos siendo ella muy niña, y la apoyaron para que estudiara y perfeccionara el estilo de arte tradicional nipón conocido como Nihonga en la ciudad de Kioto, habiendo, si acaso tres años antes, culminado la guerra de Japón contra los Estados Unidos. Históricamente nadie ha perfilado si, debido a la influencia del arte popular que precisamente el país “vencedor” llevó a su destruida nación, fue que Kusama comenzó a exhibir en su ciudad natal, además de Tokio durante la década de los años cincuenta, un estilo avant-garde americano y europeo, y que, con base en esas experiencias como expositora individual, a finales de esa década decidiera establecer su vida y trabajo artístico en la ciudad de Nueva York.
Nuevas corrientes artísticas A su llegada a Estados Unidos (1957), Kusama sabía que el campo del arte estaba sembrado por los precursores del Pop Art norteamericano (sus raíces originales están basadas en Gran Bretaña — mediados de los cincuenta—), Andy Warhol, Claes Oldenburg y George Segal; y sin abordar del todo el mundo que ellos estaban perfilando para detonar ese movimiento, la artista japonesa se sumó al expresionismo abstracto. En este sentido, su trabajo pictórico pronto lo olvidó, y entonces aborda el arte instalación y la escultura. Ambas herramientas de expresión son aplaudidas por el mundo neoyorkino del arte, y es entonces bienvenida al movimiento avant-garde local. Esta expresión o término en francés señala a quienes en las artes forman parte de un grupo de innovadores, y a la vez exploradores (yo diría), que experimentan e intentan empatar modelos de corrientes antiguas, con formas contemporáneas de pensamiento, filosofía, música, política, cultural, religiosa y probablemente hasta culinaria, para explicar o no, a través del método de la creación, plástica, sonora y visual, “lo actual”. Durante ese tránsito, Kusama generó la serie “Infinity Net” (“Red infinita”), caracterizada por el ritmo de infinitos trazos de pequeños arcos
sincronizados en superficies muy grandes. La infinitud de sus trazos crearon entonces una red. Pero..., y más allá de eso, ¿qué estaba por gestarse en esos años en los Estados Unidos?
La época hippie La artista acaparó reflectores cuando anunció Orgy, Nudity, Love, Sex & Beauty, un happening que pasó a formar parte de la contracultura hippie de finales de los años sesenta, y en el cual Kusama pintó a los asistentes desnudos con lunares de colores brillantes. Desde ese momento —quizás—, los lunares de Yayoi la han perseguido para plasmar en cada rincón de superficie sólida o líquida, animal, vegetal o artificial; un sello que le ha brindado un toque de espectacularidad artística. Un documento realizado por ella entre 19671968 con el título Self-Obliteration capta en película de 16 mm, su obsesión por los círculos, los colores brillantes, la experimentación de la psicodelia, teniendo como apoyo al realizador Jud Yalkut, y que en una narración visual, justamente ausente de una narración fílmica, capturan durante 24 minutos los procesos de trabajo creativo, y que le valieran a sus creadores ganar con esta película el Cuarto Concurso Internacional de Cine Experimental en Bélgica, así como los Festivales de Maryland y Ann Arbor Film en los EE.UU. La película pueden verla en dos partes desde Youtube (http://goo.gl/HJjg1t) en el momento en que Kusama comienza en alguna región rural cercana a Nueva York, cubriendo a un caballo, plantas y a un hombre desnudo con lunares; esta es, una manera con la que la artista abolió el yo, la singularidad; asume metafóricamente entonces la renuncia a su identidad, para convertirse entonces en “uno con el universo” a través de la “autodestrucción”. Esta película es ya un hito no sólo como los artistas de ese entonces recreaban en entornos de instalación sus “happenings”, pues catapultaron la liberación sexual y la oposición a la guerra de Vietnam; manifestaban de igual manera el ansia por cambiar la injusticia de los derechos civiles de Estados Unidos,
además de la necesidad en ese entonces de los artistas por obtener espacios abiertos, no restringidos como los de una tradicional galería de arte. Orgy, Nudity, Love, Sex & Beauty y otros happenings de Kusama, los celebró en parques públicos de su ciudad, de Nueva York, al igual que otros espacios públicos, como Central Park y el puente de Brooklyn, y algunas galerías donde pintó modelos desnudos. Esta ventana al pasado, a través de SelfObliteration, es un invaluable documento histórico que no pueden perderse, y recomiendo vean.
Literatura, moda... arte público por encargo Tres años después de que iniciara el año 1970, la artista nipona volvió a Japón. Prosiguió con su producción artística, en tanto emitió sus primeras obras literarias a través de novela, poesía y antologías. En 1983, su novela, The Hustlers Gruta de Christopher Street, ganó el Premio Literario Décima para los nuevos escritores de la revista mensual Yasei Jidai, si bien, ya para ese momento ella vivía semirrecluida en un hospital psiquiátrico de Tokio, que, desde entonces, es su hogar. La información sobre episodios de su esquizofrenia ha sido poco ventilada públicamente y, si para muchas personas algo así en la vida personal de cualquiera sería tema para evitar tener trato alguno de cualquier tipo, en el caso de Kusama, no. A la artista se le conoce mundialmente por las instalaciones públicas por encargo. Ejemplos: un mural sin título (1998) para el corredor de la estación del metro Gare do Oriente en Lisboa (Portugal); Pumpkin (1994) para el Museo de Arte de Fukuoka; The Hymn of Life: Tulips (2007) para el Beverly Gardens Park en Los Ángeles, entre muchos otros espacios públicos y privados. En el terreno de la moda, Kusama creo en el año 1968, estando en Nueva York, la marca Kusama Fashion Company Ltd., y comenzó a vender sus diseños avant-garde en la “Esquina de Kusama” en Bloomingdales; y ya estando en su natal Japón, ha realizado diseños específicos para Louis Vuitton conocidos en el argot como prêt-à-porter de lujo; es decir, prendas producidas en serie con patrones que se repiten en función de la demanda. Ha creado para esa marca, además, accesorios, zapatos, relojes y joyería, y para locales como Iida Mobile Phones, un teléfono celular en forma de bolsa al que llamó “Bolso para viajar por el espacio”,
así como “My Doggie Ring-Ring”, un teléfono con lunares rosas con mango en forma de perro, además de un equipo que luce lunares rojos y azules, que fue dado a conocer en 2009 dentro de una caja con espejos y lunares titulada como “Obsesión de lunares, felicidad total con lunares”.
Obsesión por los lunares en México Infinitos espacios espejados, superficies cubiertas obsesivamente con puntos; instalaciones envolventes, esculturas “blandas” conocidas como Accumulations (acumulaciones), lienzos y más, muchas más piezas que curaron Philip Larratt-Smith y Francis Moris para “Yayoi Kusama, obsesión infinita”, están siendo presentadas en retrospectiva a la obra y vida de la artista en el Museo Tamayo. Luego de itinerar durante el 2013 y, parte de este año por Argentina y Brasil, “Obsesión infinita” está rompiendo récords de asistencia, alcanzando, quizás ya, dos millones de visitantes desde que comenzó su gira por Latinoamérica. Cuando pintaba, encontraba el mismo patrón en el cielo raso, escaleras y ventanas, como si estuviera en todos lados; entonces me acerqué y quise tocarlos y empezaron a subir por mi brazo, también. Fue horrible, pero se terminó, casi. Yayoi Kusama
Exposición presentada desde el 26 de septiembre de 2014 hasta enero de 2015. Horarios: martes a viernes de 10:00 a 18:00 horas; sábados 10:00 a 20:00 horas; domingos de 10:00 a 18:00 horas. Acceso: $19 pesos. Para información sobre visitas guiadas, consultar la página web del Museo en: www.museotamayo.org
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al vez era 2002 cuando lo vi por primera vez. Fue en el Club Asia, situado en la zona más lúbrica en Shibuya, Tokio; más tarde organizaría su propio evento, Back to Chill. Hasta que lo vi, yo había percibido que era como un cenáculo de abstract hiphop, un gran movimiento en la escena de la música electrónica underground en Japón desde finales de los noventa hasta principios de la primera década de este siglo, encarrilado por el gran maestro mundial DJ Krush. Sin embargo, hay un gran mezclador y algunos artefactos caseros en lugar de tornamesas, CDJ o laptop en escena. Su show fue sensacional. El joven de aspecto irritado manipulaba el gran mezclador como un científico loco, y el sonido era como una orquestación siniestra de noise dub industrial, en lugar de un breakbeat atmosférico que todos los headz allí esperaban. Más tarde en el evento, subió de nuevo al escenario con un bajista: Takeshi “Heavy” Akimoto, que acababa de salir de la revolucionaria banda fundada por él mismo, Dry and Heavy, la cual había tenido un tremendo impacto en la escena del reggae/dub en Japón. Creo que fue uno de los primeros shows de Rebel Familia. El dúo, invocando rebelión sónica de roots reggae/dub y feroz experimentación de UK rave/jungle, una vez que existió en ambos géneros, pronto irrumpió en la escena. Honestamente, después no supe mucho de él. Por supuesto, sé que logró un gran éxito como pionero del dubstep y se convirtió en un famoso productor/DJ que anda de gira por todo el mundo muy activamente. Y no me sorprende, ya que ha sido brutalmente original y único desde los inicios de su carrera, para la pequeña isla apartada. En el verano de 2014, finalmente Goth-Trad llegó a América Latina. Pasando por las principales ciudades de Brasil y Argentina, entró a México y tuvo una gira por cinco ciudades a finales de agosto. Tocó en el D.F. el 29 de agosto, en la primera edición de Subterráneo, por Cuatro Veinte.
Como las cosas extendidas ampliamente entre los dancefloors en esta ciudad —comercialismo, esnobismo (¿o hipsterismo?), la falta de entusiasmo y avidez por la música y el baile en sí, y, sobretodo, la despreocupación por la calidad del sonido— me tienen decepcionado, desafortunadamente, el evento no me pareció la excepción. Separación sin sentido para un espacio VIP, prioridad para la plática en el lounge y el sistema de sonido con baja resolución y la falta de la frecuencia sub-bass, que es la clave más importante para música como el dubstep...; no puedo decir que fue un ambiente suficientemente bueno para disfrutar su música. Aunque, en tal situación, el artista dio lo mejor. De hecho, desde el inicio levantó a todo el público tocando los himnos en los últimos años, como su propia canción “Air Breaker” o “The One”, de The Bug. Pero lo que realmente me deprimió fueron las imágenes estereotipadas (incluyendo la bandera nacional) proyectadas en la pantalla detrás de él, aunque el género de la música es la más cosmopolita en este momento. Yo rezaba por que él no viera hacia atrás... Debido a la dirección de su set que era tan excitante, por un momento sentí que se había vuelto un gran animador —para bien o para mal— del dubstep. Pero, claro, no es cierto. Su tocada entraba cada vez a un mundo más profundo y experimental, manteniendo su groove tenso. Noté totalmente que la esencia de su arte no ha cambiado nada. Él terminó su set con “Babylon fall”, acompañada por el legendario cantante Max Romeo, canción que rehizo de Rebel Familia. Aquel joven irritado, a quien vi hace más de una década, sigue siendo un Warrior, luchando majestuoso con su música en todas partes del mundo. Más allá de ser un gran talento de la escena de vanguardia del dubstep, actualizando y expandiendo la posibilidad de la dance music y abriendo una “New Epoch”, se mantiene como una de las figuras más importantes de la escena actual de la música electrónica en el mundo. “¡Gracias por venir a México!”, es lo único que quisiera haber dicho al artista. Pero después de su presentación, se salió del lugar como si quisiera escapar de la incómoda atmósfera lo antes posible... ¿Cómo habrá sido percibida la escena de la música electrónica de nuestra ciudad en sus ojos...? Espero que vuelva pronto, y ojalá que la escena haya cambiado de alguna manera hasta esa ocasión.
texto y fotos: Takehiko Kita (INSPi) www.inspi.cc /INSPi.kokoro traducci贸n: Everardo Lucas
texto y fotos: Joel Nava Polina @DiarioDeGato (Periodista y Socio de Garros Galería) garrosgaleria@garrosccr.com foto: Ichiro Kitazawa
E
n la memoria de Kitazawa, quedan remanentes del pasado. Estamos sentados al aire libre y la lluvia dominical del mes de septiembre en la ciudad de México nos invita a continuar la charla en el interior de Garros Galería. “En la época de mi abuelo, se podía jugar sin mascarilla…, y, sin ropa protectora. Ahora se requiere usar ambos para protegerse de la radiación que hay al aire libre; se podía nadar con libertad en el mar, pescar; no había temor al comer fruta o carne”. El joven toma un respiro, y Fideo lo aprovecha para arremolinarse en los antebrazos del fotógrafo. Luego, el cocinero experto que nace en Takatsuki, una ciudad de la prefectura de Osaka, continúa mostrándonos las imágenes de su libro, Un paisaje. “El mundo en que los abuelos vivieron (y los abuelos de ellos), con libertad y sin temor, ya no existe”. Ichiro se mantiene sonriente, sonriente para mí, a manera de gesto de cordialidad, a pesar de que su charla es producto de la tristeza, la angustia, pero también debido a la admiración que le produce el “arte de la vida y la muerte”.
Me da a conocer de primera mano, lo que he leído durante más de cuatro años en noticias provenientes de Japón, o, de personas cercanas a mí, como Yuri Kageyama, corresponsal de AP en Japón, y quien como ella, han estado en Fukushima. Un lugar donde la vida está limitada; donde, como dice Ichiro-san, el mundo ha cambiado: “¿Qué se le puede ofrecer en el futuro a un hijo con un paisaje como el que se vive ahora en Fukushima? “«Un paisaje» de mi viaje, se mantenía alejado de mi diario acontecer interior”, y es precisamente por esa razón que, por cuarto año consecutivo, Kitazawa ha visitado las cercanías de la planta nuclear Fukushima Daiichi, la cual se fusionó en 2011 durante el tsunami producido por el Gran Terremoto del Este de Tohoku, y que, desde entonces, ha contaminado paulatinamente y sin freno alguno, tierras, manantiales, bosques, el mar; pero, sobre todo, el alma de quienes no pueden ya habitar, o vivir de ellos en una gran extensión del territorio natural de la región.
El libro Ahora bien, ¿qué avala ese registro fotográfico de alguien quien estudió arquitectura en Kioto y que desde hace cuatro años ha venido realizando para resumirlo en un libro producido por él mismo y amigos cercanos mexicanos que lo apoyan? En primera instancia, una excelente maestría en el uso de captura de fotos con cámaras réflex de película de 35 mm; y en segundo lugar, al aprecio de una actividad al aire libre: el montañismo. Ichiro se aficionó a los ascensos durante su vida como estudiante universitario, así como de la captura de imágenes de hazañas de él y sus compañeros en Japón en la montaña y al aire libre. Utilizaba un equipo propiedad de su padre: una vieja Nikkormat FT (Nikon) de 35 mm, que, si bien no ocupó para captar las fotos del libro, éste en particular fue editado e impreso en digital bajo la promesa de que todas esperan turno para ser ampliadas manualmente desde un pequeño cuarto oscuro en Japón, y, entre todas, formen un mensaje de esperanza al ser exhibidas con toda su fuerza emotiva en el año 2015 —quizás en México— en papel fotográfico y plata sobre gelatina en una galería pública de arte. No hay una fecha determinada para ello, pero... en conmemoración del quinto aniversario del 11/03/11, pudiera ser en Garros Galería la presentación del libro e imágenes de Un paisaje; título en singular, para la muestra de paisajes que, en casi todas se nota paz en escenarios de muerte, y son inspiración para el fotógrafo que aprecia modelos naturales de ciclos de vida contemporáneos, a través de un desastre producto de la tecnología. “Cada día es un viaje, y el viaje mismo es casa” Esta frase que el poeta y viajero Matsuo Basho acuñó en el libro Camino estrecho del interior (título que en castellano es conocido también como Sendas de Oku, en la traducción de Octavio Paz), sintetiza, a mi parecer, la actividad que Ichiro Kitazawa acopia diariamente como una fórmula para vivir y apreciar aquello que ocurra durante su acontecer. Destaco tal apreciación, basándome en el hecho de que en su obra se refleja la posibilidad (más que una necesidad) del renacimiento de nuevos paisajes, si bien nadie tiene la certeza de cuándo se logre uno que favorezca a Fukushima. Kitazawa entonces reconoce finalmente que, en tanto lo anterior no llegue a acontecer, él quiere mostrar su camino estrecho del interior desde la óptica y pauta que Basho legó a japoneses y al
mundo, asumiendo que, si bien puede ser doloroso y contradictoria la realidad del ciclo de la vida —y el arte a través de una tragedia—, no hay manera de desligar que, eso mismo es el hogar que habitamos y, siendo parte del viaje, no podremos evitar el paradigma resultante de no poder ver el futuro como antes era “apreciado”. Será, entonces, necesario también obtener el coraje para asumir lo que Matsuo no postergó, y que lo dejó dicho a través de una de sus más contundentes máximas en su diario de viaje: “No sigo el camino de los antiguos, busco lo que ellos buscaron”. Creo finalmente que Kitazawa está muy cerca de ir por ese encuentro, pero, en tanto no lo dé a conocer, en Tabi Tabi Toyo daremos noticias sobre este experimentado fotógrafo nipón, quien, además, termina el año 2014 con sendas exhibiciones fotográficas en dos salones Nikon; uno de ellos en Shinjuku y, el otro, en Osaka, donde presentó la serie “Viva México”, luego de ganar un concurso en Japón. Quienes deseen contactar directamente con este fotógrafo nipón, podrán hacerlo mediante su correo electrónico: kitazawa1982@icloud.com
A
l leer uno de los titulares del 15 de octubre del Washington Post, en seguida deduje que no había errado en tratar el tema que decidí perfilar para Mex-PLOR DF. El rotativo —en su versión electrónica— manejó la noticia del desarrollo de una máquina WASP italiana que, en el futuro, beneficiará a naciones empobrecidas donde sólo tengan para edificar casas con barro y lana. Ahora bien, ¿qué de mágico tendría este desarrollo? Pues, “imprimir” casas en 3D, usando bloques de adobe, un material de construcción muy viejo que no sólo en México conocemos, sino en culturas tan antiguas como las de Egipto, Mesopotamia, etc. Esta noticia focalizada en México, la enlazo al atinado eslogan que se lee: “The #Future is here. Y está en la #Roma”, a través de impresoras 3D de las marcas Systems, Leap-frog, Kikai, además de la Projet 460 Plus y la Cubex Duo. Las máquinas que menciono están para ser usadas por todo el público. Así como lo leen. Están a la vista, al alcance y, sobre todo, bajo supervisión de un grupo
de socios especialistas que ponen su experiencia para quienes, como tú, quien lee este artículo, desee imprimir en 3D un objeto. ¿¡Cuál!? ¡El que se te ocurra! Un juguete, un jarrón, o ¿qué te parece una bicicleta? Mesa, silla... no hay límites, pues. El sitio del cual hablo tiene pocas semanas de haber sido inaugurado y ya es conocido como el primero en su tipo en México. Ahora bien, ¿quiénes pueden usar esta tecnología...? Alguien como tú, un diseñador industrial, un arquitecto, un artista..., con el apoyo de especialistas que ya ofrecen talleres y cursos relacionados al tema de la impresión y diseño con 3D LAB fab&café México, que se encuentran ubicados en el número 89 de la calle Tonalá, de la colonia Roma Norte, entre la avenida Álvaro Obregón y la calle Chihuahua. Obtendrás mayores datos en http://3dlab-fabcafe. com/mx y en su página de Facebook: 3DLab.Fab. Cafe.Mx ¡Mata ne!
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2011 年から始まった、 日本や韓国の音楽・ファッショ ンをテーマにした祭典。Expo Reforma にて上記日程 で開かれる展示の他、11 月15 日には日本人アーティ スト分島花音のコンサートも。詳細スケジュールは公 式サイトにて。 http://jfest.ws
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