Taxi Art Magazine by Alberto Noriega

Nº 0 / JULIO 10 /

NÚMERO 0

GOLFO DE CORTÈS 2983 / 2DO PISO, COL VALLARTA NORTE / GUADALAJARA, JALISCO MÉXICO C.P. 44690 GOLFO DE CORTÈS 2983 / 2DO PISO, COL VALLARTA NORTE / GUADALAJARA, JALISCO MÉXICO C.P. 44690 Tel. 52 (33) 36 30 6260 info@promotoraarte.com www.promotoraarte.com Tel (33) 36 30 6260 info@promotoraarte.com www.promotoraarte.com

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EXHIBICIÓN · VENTA · ENLACE · CURADURÍA

0.64 cm

EDITO

José Ortega y Gasset reflexiona en su libro ‘La deshumanización del arte’ (1925) que lo característico del arte nuevo, desde el punto de vista sociológico, es que divide al público dos clases de hombres: los que entienden y los que no. Afirma el filóso español que el arte nuevo no es para todo el mundo, como el Romántico, sino que va dirigido a una minoría especialmente dotada. Y, en la actualidad, mucha gente ha tomado esta premisa para criticar la solvencia del arte contemporáneo. Hoy en día, ¿se hace arte o es todo una estafa cultural? ¿Por qué mucha gente no lo entiende? ¿Qué ha provocado que el nuevo arte mueva tantas sumas de dinero? Estas son las inquietantes preguntas a las que se enfrentan los artistas emergentes. ¿Cómo llega a valer una obra de arte contemporáneo 12 millones o 140 millones de dólares? Dan Thompson, economista y experto en arte, lo explica en el libro ‘El tiburón de 12 millones de dólares’. Thompson afirma que el arte se mueve en torno al concepto de marca, algo que se aplica al artista y a todos los agentes que intervienen en las transacciones de obras de arte. Así, el autor determina que las casas de subastas Christie’s y Sotheby’s y los marchantes superestrella son los que determinan los precios y los artistas de moda, ya que otorgan a los coleccionistas inseguros unas connotaciones de estatus, calidad y celebridad incuestionables. Museos como el MoMA, el Guggenheim o el Tate son también marcas en sí mismos. Cuando uno de estos museos exhibe una obra de un artista, transmite una marca comunitaria. Igual, cuando apuestan por un artista marchantes como Gagosian o White Cube de Jay Joplin en Londres. Las ferias de arte también se convierten en eventos por derecho propio. El mercado del arte contemporáneo resulta muy complejo y poco transparente pero realmente apasionante. Taxi around the art te conduce alrededor del mundo buscando lo más destacado del panorama artístico mundial . Taxi recorre un camino en el que no existen fronteras ni océanos, un camino sin límite que expone ante tus ojos el arte contemporáneo en su estado original. Artistas consolidados y emergentes, galeristas, curadores, críticos, museos e instituciones tienen voz en una publicación que se presenta como un vehículo de pasajeros libres. José Ortega y Gasset reflects in his book ‘The dehumanization of Art’ (1925) states that the characteristic of the new art, from a sociological point of view, is that the public is divided into two classes of men: those who understand and who don’t understand. Spanish philosopher says that the new art is not for everyone — as the Romantic art — if not it is directed to a minority especially endowed. Today, many people have taken this premise to criticize the solvency of contemporary art. Is there anyone making art? Is it all a scam? Why do so many people don’t understand? What has caused that many new art move such sums of money? These are troubling questions that emerging artists have to face. How a piece of contemporary art is worth 12 million or 140 million dollars? Dan Thompson, an economist and an art expert, explains this in his book ‘The $12 Million Stuffed Shark’. Thompson says that art moves around the concept of brand, something that applies to the artist and all the actors involved in the transactions of artworks. So, the author determines that the auction houses, like Christie’s and Sotheby’s, and the superstar merchants are the ones determining prices. Also hot artists and insecure collectors, those look for uncertain connotations of status, quality and unquestioned celebrity. Museums such as MoMA, Guggenheim and the Tate are also brands themselves. When one of these museum exhibits the work of an artist, they transmit it like a brand. Similar thing happen when a dealer bet on an artist — like Gagosian or White Cube of Jay Joplin’s —. Art fairs also become great events by their own right. The contemporary art market is very complex and opaque, but really passionate. Taxi around the art leads you around the globe looking for the most outstanding art scene worldwide. Taxi travels a path where there are no borders or oceans, an unlimited way that exposes your eyes to contemporary art in its most original state. Established and emerging artists, gallery owners, curators, critics, museums and institutions, they all have a voice in a publication that presents itself as a vehicle of liberated passengers.

CMY

TALKING ABOUT

Arco Madrid ...8-9 Voces de México ...10-11 Gabriel Orozco ...12-13

NEWS ...14-23 BOOK&BLOGS ...24-25

INDEX

ART VIEW

Spectrum ...26-27 Speed of Light ...28-29

TALKING ABOUT TALENTS

Madrid ...8-9 Li Wei Arco ...34-43 Voces de México ...10-11 VIDEOART Gabriel Orozco ...12-13 Loop Barcelona 2010 ...44-49 NEWS ...14-23

INSPIRE BOOK&BLOGS ...24-25 Photography in the art ...52-54

Guadalupe Ruiz ...55-61

ART VIEW Shirana Shahbazi ...62-63

Spectrum Massimo...26-27 Vitali ...64-67 Speed of LightBlommers-Niels ...28-29 Anuschka Schumm ...68-71 Marnix Gosenss ...72-73 TALENTS Charles Freger ...74-77 Li Wei Ruud...34-43 Van Empel ...78-83

ART VIDEOART MOBILE

Loop Barcelona Peter Harveys ...84-852010 ...44-49

INSPIRE MEXICAN ART

...52-54 the art...100-105 ...50-52 CentroPhotography Cultural Sanin Pancho Guadalupe Ruiz ...53-59 ...55-61 Ruben Méndez ...122-125 Shirana Shahbazi ...60-61 ...62-63 Massimo Vitali ...62-65 ...64-67 ZOOM ...68-71 Konrad Fischer Anuschka ...86-97 Blommers-Niels Schumm ...66-68 Gosenss ...70-71 ...72-73 Luis Adelantado Marnix ...112-115 Charles Freger ...72-75 ...74-77 Ruud Van Empel ...76-81 ...78-83 ART FAIR Vienna Fair ...106-111

ART MOBILE ...84-85 Peter Harveys ...82-83 OBSSESIONS Yong Hoji ...30-31

MEXICAN ART Gil J Wolman ...116-119

...100-105 Centro Cultural San Pancho ...98-103

...122-125 TO TRAVELRuben Méndez ...118-121 Berlin in the art ...126-131

ZOOM ...86-97 Konrad Fischer ...84-95 DIRECTORY ...132-134

Luis Adelantado ...110-113 ...112-115

issue #o

ART FAIR

...106-111 Vienna Fair ...104-109

OBSSESIONS

Yong Hoji ...30-31 Gil J Wolman ...114-117 ...116-119

TO TRAVEL

...126-131 Berlin in the art ...122-127

...132-134 DIRECTORY ...128-130

issue #o 5

NO VISTO CON ESTILO, VIVO CON ESTILO.

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SOY TOTALMENTE PALACIO 速

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STAFF DIRECCIÓN // Ignacio Orozco Ignacio@taxiartmagazine.com PRODUCCIÓN // Promotora Arte EDITOR Y DIRECCIÓN DE ARTE // Luis Miguel Villaseñor luism@taxiartmagazine.com EDITORA Y DIRECTORA DE CONTENIDOS // Karla González karla@taxiartmagazine.com REDACTORA JEFE // Judith Pastor Flores judith@taxiartmagazine.com DIRECTOR DE CONSEJO EDITORIAL // Ricardo Duarte ricardo@taxiartmagazine.com MAQUETACIÓN // Equipo Taxi TRADUCCIÓN // Alberto Noriega y Diego Celis DIRECTOR COMERCIAL// Rodrigo Hernandez Orozco rodrigo@taxiartmagazine.com JEFE DE PRODUCCIÓN // Arturo Zepeda arturo@taxiartmagazine.com PUBLICIDAD Y RRPP // Martha Ramírez Newton martha@taxiartmagazine.com, Oscar Naveja oscar@taxiartmagazine.com BUZÓN DE SUGERENCIAS //contacto@taxiartmagazine.com COLABORADORES// Ana Dargallo, Lourdes González, Almudena Alcaide, Theresa Steininger,Diego Barbosa, Isa Noemi Carrillo, Meindert Bonnema PORTADA// Cortesía Liwei

EDITORIAL www.taxiartmagazine.com ESPAÑA .Paseo Picasso 22 Piso 2-2A 08003 MEX. Golfo de Cortès 2983 2do piso, Col Vallarta Norte CP 44690

Guadalajara, Jalisco

Por// ANA DARGALLO anadargallo@gmail.com DOCUMENTACIÓN Arsen Savadov – Meindert Bonneman

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-------------------------------------------------------------------------------Tras el conflicto previo con un grupo de galeristas quienes amenazaron con no acudir a la exhibición por las “injerencias” de IFEMA e incumplimiento de los “estatutos fundacionales” Arco 40 abrió sus puertas con la inquietud de los mercados ante la crisis, sin presentar grandes novedades y sin un triunfador claro. Una de las principales primicias que presentó la vigésimo novena Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ha sido CINEMALoop, un espacio dedicado de forma específica al videoarte y las instalaciones audiovisuales. Este monográfico, que por primera vez contó con la colaboración de LOOP, Feria y Festival Internacional de videoarte de Barcelona, representa la consolidación del discurso del vídeo en el programa expositivo del certamen. Los precios oscilaban desde los 1.000€ hasta el cielo. Las 218 galerías presentes han optado por obras de menor envergadura. La ciudad invitada en esta edición, Los Ángeles, exhibió mármoles de los ya consagrados, como un Francis Bacon como pieza estrella de tamaño atípico. Este año, la organización ha decidido condensar el catálogo en un único tomo en un guiño hacia la contención y la ecología: felicidades. El diseño de la bolsa en blanco sobre negro ha sido muy celebrado. Además, los trazos de Raymond Pettibon ilustraron la camiseta oficial de ARCOmadrid 2010, esta podía ser adquirida por el público y sus beneficios serán destinados a la Fundación Menudos Corazones. A algunos nos sorprendió el trabajo Kensuke Koike y sus montajes fotográficos. Una mención especial para la obra de Arsen Savadov. Su pasmosa fotografía de mineros vestidos con tutus cubiertos de polvo de carbón, con los vestuarios de la mina como acompañamiento de fondo. La historia se pinta sola. En pintura, la tendencia ya conocida de finos goterones llorando sobre las telas sin saber si este llanto llevará a alguna parte. Otra: leves coqueteos con las fluorescencias manejadas con delicadeza que se contraponen a una emergente escuela figurativa de tonos suaves y desdibujados. La escultura sigue abundado en la levedad de los volúmenes sean encerrados entre aristas sea concretado en curvas. Salvo puntuales excepciones como Eugenio Merino, este año no se ha buscado epatar con sensacionalismo gratuito.

-------------------------------------------------------------------------------Following the conflict prorogued by some galleries that threatened to withdraw due to IFEMAS’ interference and disregard to the foundation agreements, Arco 40 opened its doors for another year. With shaky markets keeping a wary eye on the financial crisis, there were no groundbreaking events and no clear winners. One of the main innovations at the twenty-ninth International Fair of contemporary art was CINEMALoop, a new area, specifically devoted to video art as well as audiovisual programs. This monographic, for the first time, had the collaboration of LOOP, Fair and the International Barcelona Festival of Video Art, is the definitive consolidation of video as a form of expression in the Festival’s exhibition content. The price of exhibits ranges between an achievable 1,000€ to the stratospheric, available only to a select few. This edition’s guest city was Los Angeles who exhibited marbles by the already consecrated artists with an atypically sized exhibit by Francis Bacon as the star piece. This year, the organisers decided to condense the catalogue in a single volume a nod towards restraint and the environment; for this they should be congratulated. The design of the bag, white on a black background, was very well received. Moreover, Raymond Pettibon’s strokes were the basis for ARCOmadrid 2010’s official T-Shirt, these were available for sale with the proceeds destined to the Corazones Menudos Foundation. Some of us were slightly taken aback by Kensuke Koike’s work, in particular his photomontages. Arsen Savadov’s work deserves a special mention; his astonishing photograph of soot-covered miners decked in tutus with the mine’s changing rooms as a background conveys a story by itself. As far as painting is concerned, dripping continues; fine drops rolling down like tears over the canvas, it remains unclear if these sobs will lead us anywhere. Another tendency, a light flirt with fluorescence, delicately handled as a counterpoint to an emerging figurative school with soft tones and slight blurring. In sculpture, the predominating, continuing, trend is a paucity of volumes: be they enclosed between facets, be they concentrated in curves. With some rare exceptions such as Eugenio Merino, this year has been scarce in gratuitous sensationalism aimed at easy impact.

ARCO 2010

Peter Zimmemann Frenzy-1-2009 (200x300cm)

Alvaro Gonzalez “El Viaje Invisible”

Peter Belyi“Explosive Utopia” 2009

VOCES MEXICANAS Por// LOURDES GONZÁLEZ lagp16@gmail.com Fotos: Natalia Fregoso

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-------------------------------------------------------------------------------Piernas, ¿para qué las quiero si tengo alas para volar?

-------------------------------------------------------------------------------Legs, Why do I want them if I have wings to fly?

En un país en que la nota roja se vuelve tan cotidiana, en el que la violencia de género es una más de todas las violencias que ahora nos golpean, la palabra, siempre es un respiro que te regresa algo de luz. En un país que ha ostentado la bandera del machismo, con un orgullo que da vergüenza, es necesario ser combatientes desde trincheras distintas. El activismo, con sus múltiples caras, puede todavía encontrar lugares donde pasearse y generar consciencia. El teatro es uno de estos lugares donde hay que ser combativos. Ofelia Medina, una de las primeras actrices de México –y sin duda de las mejores que este país ha dado– se ha paseado a su modo por el cine, la danza, el teatro, el activismo directo. Ahora, con el espectáculo ‘Voces Mexicanas’, nos coloca en la mente de tres mujeres que sin duda han dejado uvn lugar en la historia: Sor Juana Inés de la Cruz, Rosario Castellanos y Frida Kahlo. Esa Ofelia Medina que ha sido muchas veces catalogada como una de las últimas divas mexicanas, es la misma que se ha metido en campamentos de refugiados en Chiapas, la misma que tiene una fundación que da apoyo a mujeres y niños desplazados por la guerra que viven en circunstancias de completa injusticia y desigualdad. Lo anterior, producto de un país que se niega a reconocer que está a un instante de irse a la mierda. ‘Voces mexicanas’ se presenta en un contexto con una doble pertinencia: por un lado, en respuesta al patriarcado imperante y, por otro, combativa con la violencia que no cesa. Ahí, donde la voz de la mujer pensante es necesaria, Ofelia recupera estas voces y, en su actuación, logra de manera impecable transitar de una a otra, recuperando parte de la obra de estas tres mujeres de manera textual; pero construyendo una dramaturgia teatral que deja al espectador invadido de emociones encontradas. Este espectáculo poético-musical es un derroche de evocaciones que tienen la característica de recordarnos que el presente parece pasarnos de largo. A través de esas voces femeninas, Ofelia encarna tres personajes, y quizá un cuarto: ella misma, todas ellas. Es con este cuarto personaje que podemos ver la desgracia y la esperanza. El país mismo que se nos cae. Pero siempre, de distintas maneras, está esa voz de la mujer que no se calla. Ella, la peor de todas.

In a country where the bloody news become a everyday habit, where sexist violence is one more of all the types of violence that strike us. The right word is always like a deep breath that gives you back some light. In a country that has held the banner of male chauvinism with a pride that is embarrassing, we need to fight against from assorted trenches. Activism, with its many faces, can still find places to walk and generate awareness. And the theater, of course, is one of these places that have to be combative. Ofelia Medina, one of the leading actresses of Mexico, and undoubtedly one of the best that this country has given. She, who had walked her own way throughout film, dance, theater and direct activism… This time, Ofelia places us with her show ‘Mexican Voices’ in the minds of three women who have certainly made a place in history: Sor Juana Inés de la Cruz, Rosario Castellanos and Frida Kahlo. Ofelia Medina has often been ranked as one of the last Mexican divas, and she’s the same that has been involved with refugee camps in Chiapas, same that runs a foundation that supports women and children displaced by war, supporting those who live in complete circumstances of injustice and inequality, product of a country that refuses to acknowledge that it’s just instants away from going straight to hell. ‘Mexican Voices’ is presented in a context with double significance: first, in response to the prevailing patriarchy; and second, for its militancy against all the violence that never ends. There, where the thinking voice of women is necessary, Ofelia recovers these voices and in her performance she impeccably achieves to move from one to another. Also recovers some of the work of these three in a textual manner, but also building a theatrical drama that leaves the viewer flooded with all sort of emotions. This poetic-musical spectacle is a squander of evocations that have the characteristic of reminding us that the present just happens to pass us by. Through these women’s voices, Ofelia plays three characters and perhaps a fourth one: herself or all of them; is with this fourth character that we can look to misfortune and hope. Even with the country that fells upon us, as always has been, there’s the voice of a never silent women. She, the worst of all.

YO, LA PEOR DE TODAS

ME, THE WORST OF ALL

GABRIEL OROZCO

Gabriel Orozco. ‘My Hands Are My Heart’ 1991

At only 47 years old, Gabriel Orozco has been globally recognized by museums, galleries, critics and academics, as one of the most influential artists of the moment. Until March 2010, the MOMA of New York showed a retrospective of the artist where his most highlighted works were exhibited. Walking around the exhibition in the MOMA, surrendered by Orozcos work, it could be appreciated how the artist plays with juxtaposition. He contrasts calculated and precise themes with those that are arbitrary and random. However, Orozco doesn’t approach these matters in a pompous or pretentious manner. Though his pieces are considered contemporary, he executes his work with a simplicity and effectiveness that makes them approachable in a universal and direct way. One of his most well known pieces is My hands are my heart, 1991, it was situated in the second gallery of the exposition. This brilliant photograph shows two images, one with the Por// ALMUDENA ALCAIDE almudena.alcaide@gmail.com Orozco’s hands holding a piece of clay and below it his hands holding the heart shaped piece of clay. It’s as though the artist Con sólo 47 años Gabriel Orozco es considerado por museos, galerías, críis squeezing his feelings to reveal his humble soul. The pieticos y académicos uno de los artistas más influyentes del momento. El ce, Elevator, 1994, was situated on the entrance of the gallery MOMA de Nueva York acogió hasta el mes de marzo una retrospectiva on the last floor. This piece consists of an elevator measured del artista en la que se exhibían sus trabajos más destacados. Paseando to Orozco’s height, where the spectator can enter becoming en el MOMA entre la obra de Gabriel Orozco se podía observar como el a participant of the piece. The intention of this piece is to artista juega con los contrastes, mezcla lo arbitrario con lo planificado, recreate the feeling caused by the movement of the elevator lo artesanal con lo tecnológico y temas de importancia universal, como but the user is not able to see where it is going. According to la huella del tiempo, con temas aparentemente banales. Pero Orozco no the author, this piece evokes the special happiness that reaborda estos temas de una manera pretenciosa ni rebuscada, sino todo lo discovering a memory creates. Another very exciting piece contrario, el artista dota a su obra de una simpleza y eficacia que consigue was the photograph, Yielding Stone, 1992. This image shows ser accesible e inteligible de forma universal y directa a pesar de ser arte how a plasticine ball, with the same weight as the author, was contemporáneo. Una de las obras más destacadas de Orozco es “Mi corolled around New York to show the impressions and marks razón son mis manos” (1991), obra que se encontraba en la segunda sala of where it passed. This is a very poetic way of expressing the de la exposición. En esta brillante serie de fotografías, se puede observar age of time and the erosion that we generate in our surrounlas manos del autor estrujando un trozo de arcilla y debajo las manos del dings and vice versa. But one of the most striking pieces and autor abiertas con la arcilla que curiosamente ha tomado la forma de un most highlighted in the exhibition was La DS, 1993, a modicorazón. Es como si el autor hubiera exprimido sus sentimientos para fied Citroën made a third narrower than the original. The mostrarle al espectador su humilde alma. En la última planta a la entrada artist cut the car into three parts, removed the middle piece de la exposición se encontraba la obra “Ascensor” (1994). Esta obra conand joined them back together to make a smaller car to evoke siste en un ascensor cortado a la misma estatura que Orozco y en el que the sense of speed. Another piece, Mobile Matrix, is a whale uno puede meterse dentro y convertirse en partícipe de la obra. Esta obra skeleton that was brought from Isla Arena in Baja California permite redescubrir el sentimiento que uno percibe cuando un ascensor Sur. Orozco reconstructed the skeleton and then painted the se mueve arriba y abajo notando como uno se desplaza pero sin observar bones to recreate its structure. Twenty years is a short pea donde se dirige. Según el autor la obra apela al sentimiento de felicidad riod of time to produce a retrospective on an artist. However, que genera el redescubrir algo. Otra de las partes más emocionantes de la Orozco’s work is so extensive that it presents us the opporexposición era la serie de fotografías “Yielding Stone” (1992) en las que el tunity not only to examine his work closely but also to think artista muestra el resultado que tuvo al hacer rodar una bola de plastilina intensively about the possibilities of contemporary art. del mismo peso que él por las calles de Nueva York para que se fuera mar cando en ella las huellas y los residuos de por dónde pasaba. Una forma El MOMA de Nueva York muy poética de expresar la huella del tiempo y la erosión que generamos acogió hasta el mes de mara nuestro alrededor y viceversa. Aunque si una pieza de Gabriel Orozco zo en dos de sus salas una es especialmente llamativa es “La DS” (1993) que destacaba de una maretrospectiva del artista en nera central en la exposición. El Citroën un tercio más estrecho que el la que se exhibían sus trabaoriginal que el artista cortó en tres partes, quitando la sección del medio y jos más destacados. uniendo las dos restantes para formar un coche con forma de flecha, acaparaba todas las mirada. Así como “Mobile Matrix” (2006), la escultura esqueleto de ballena que el artista trajo de la Isla Arena en Baja California Sur y que reconstruyo y pinto para remarcar la estructura del esqueleto. Veninte años sin duda son muy pocos para hacer un retrospectiva de un artista pero el trabajo de Gabriel Orozco es tan extenso que nos da la oportunidad no sólo de conocer de cerca su trabajo sino que nos permite reflexionar sobre sus obras y sobre los límites del arte contemporáneo.

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LUCIAN FREUD Pompidou Paris

El pintor recibe un nuevo homenaje a sus 88 años. El Pompidou exhibe cincuenta pinturas de gran formato del artista, junto a una completa selección de su obra gráfica y fotografías de su taller londinense, instantáneas procedentes en su mayoría de colecciones particulares. The painter receives a new tribute to his 88 years. The Pompidou exhibits 50 large-format paintings by the artist along with a selection of his artwork and photographs of his studio in London, mostly snapshots from his private collection. + info: www.centrepompidou.fr

ANGELA DE LA CRUZ Turner Prize

Ángela de la Cruz es la primera artista española elegida como finalista del Premio Turner. La obra de esta autora que deconstruye sus pinturas, las rompe y rasga para presentarlas como esculturas, es una de las favoritas de entre el cuarteto que opta al prestigioso galardón de arte contemporáneo que se fallará el 6 de diciembre. Ángela de la Cruz is the first Spanish artist chosen as a finalist for the Turner Prize, this is because the work of this author is made by her deconstructed paintings — by tearing and ripping them — to be presented, later, as sculptures. De la Cruz is the favorite among the quartet who chooses the prestigious contemporary art award that will fail on December 6. + info: www.tate.org.uk/britain/turnerprize

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PICASSO

Metropolitan Museum New York

YVES KLEIN

Hirshhorn Museum de Washington

El Hirshhorn Museum de Washington recibe, hasta el 12 de septiembre, la primera gran retrospectiva de Yves Klein desde 1982. La muestra ofrece una exhaustiva visión de la producción de uno de los artistas más influyentes del pasado siglo pese a su breve trayectoria. The Hirshhorn Museum in Washington received, until 12 September, the first major retrospective of Yves Klein since 1982. The exhibition offers a comprehensive view into the production of one of the most influential artists of the past century, despite his brief career. +info: www.hirshhorn.si.edu

El Metropolitan Museum de Nueva York abre al gran público la colección completa que posee de Pablo Picasso. La exposición cuenta con alrededor de 300 obras que van de los icónicos arlequines, hasta sus famosas monumentales cabezas, toros, o sus bodegones. Esta exposición cobra aún más valor después de que Picasso haya vuelto a colarse en la cabeza de los artistas más valorados. El pintor español ha hecho historia en la sede neoyorquina de Christie´s al vender su cuadro ‘Desnudo, hojas verdes y busto’ (1932) por 106,4 millones de dólares. The Metropolitan Museum in New York opened to the public the complete collection of Pablo Picasso. The exhibition includes about 300 works ranging from the iconic Harlequins, to his famous monumental heads, bulls, or still-life’s. This exhibition is even more valuable after Picasso has returned to sneak into the top of the most valued artists. The Spanish painter has made history in the New York headquarters of Christie’s to sell ‘Nude picture, green leaves and bust’ (1932) by 106.4 million dollars. +info: http://www.metmuseum.org

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HENRY MOORE Kremlin Moscú

El Kremlin acogerá por primera vez una exposición de Arte Contemporáneo. La exposición tendrá lugar en 2011 y estará asociada al 70ª aniversario del Bloqueo de Leningrado. Henry Moore ha sido elegido porque dibujaba refugios y el Museo del Hermitage fue un refugio durante los años de la guerra. Kremlin for the first time hosts an exhibition of contemporary art. The exhibition will take place in 2011 and is associated with the 70th anniversary of the Leningrad Blockade. Henry Moore was chosen because he draws shelters and the Hermitage Museum was a refuge during the years of war. In addition to the drawings, eight sculptures are expected. +info: www.henry-moore.org

CLAIRE FONTAINE

Museo Tamayo México D.F.

Con el objetivo de reactivar el espacio del patio central del Museo Tamayo, se ha puesto en marcha la serie Proyectos Especiales que presentará obras de escultura e instalación entre 2010 y 2012. El primer proyecto son dos piezas del colectivo Claire Fontaine que estarán expuestas hasta el próximo 5 de septiembre de 2010. Claire Fontaine plantea una serie de preguntas en torno al papel del arte y el artista, y el rol que juegan las instituciones al no ofrecer, jamás, soluciones concretas. Se trata, más bien, de fomentar el debate público entorno a aquellos cuestionamientos que le preocupan, contribuyendo así a su difusión y desplazamiento. With the aim of reactivating the central courtyard space, Tamayo Museum has launched the series Special Projects, which will present works of sculpture and installation from 2010 to 2012. The first of this series are two parts to be exposed by Claire Fontaine, until next September 5, 2010. Claire Fontaine presents a series of questions about the role of art and the artist, and the role played by institutions — that never offer solutions —. It is, rather, about stimulating public debate around those issues of concern, thus contributing to its spread and displacement. +info: www.museotamayo.org

Museo Guggenheim Bilbao

El Museo Guggenheim de Bilbao presenta una exposición monográfica a gran escala dedicada a la obra de Anish Kapoor, uno de los artistas con más proyección internacional. Esta exposición permite comprender la complejidad y lo radical de su obra. La instalación, la performance y los nuevos medios son los elementos que distinguen una obra en la que el color y la puesta en escena de lo plástico cuestionan, desde su materialidad, el lenguaje del arte contemporáneo. Guggenheim Museum Bilbao presents a large-scale monographic exhibition devoted to the work of Anish Kapoor, one of the artists with more international influence. This exhibition offers insight into the complexity and radical of his work. The installation, performance and new media are the elements which distinguish a work in that color and staging of the plastic questioning their materiality, the language of contemporary art. +info: www.guggenheim-bilbao.es

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ANISH KAPOOR

PAUL MCCARTHY

Fondazione Nicola Trussardi de Milán

La Fondazione Nicola Trussardi de Milán ha organizado la primera gran muestra del artista Paul McCarthy en Italia. Los vídeos, performances, instalaciones y esculturas del artista norteamericano combinan referencias al glamour hollywoodiense y alusiones al lado oscuro del sueño americano y se sirven del cuerpo humano y de los tabúes establecidos en torno a él para crear un lenguaje único e irreverente que mezcla arte pop, pesadillas infantiles, arquetipos universales subvertidos y cuentos de hadas. The Fondazione Nicola Trussardi of Milan has organized the first major exhibition of the artist Paul McCarthy in Italy. The videos, performances, installations and sculptures by this American artist, they pieces combine references and allusions to Hollywood glamour, to the dark side of the American dream, and he uses the human body, and the taboos that lay around it, to create a unique and irreverent language which mixes: pop art, childhood nightmares, subverted universal archetypes, and fairy tales.

+info: www.fondazionenicolatrussardi.com

EDWARD HOPPER

Museo del Corzo Italia

Llega a Italia de la mano del Museo del Corzo en una muestra que abarca la herencia artística de este genio del siglo XX, cuya capacidad sobrepasa las limitaciones visibles de la técnica para ofrecernos el lado más real de la normalidad. Angustiosos, fríos y solitarios. Sus paisajes urbanos sólo se pueblan de algunos desheredados, personajes que vienen siempre a acentuar la cualidad hermética de sus obras. Arrives to Italy by the hand of the Museo del Corzo in a sample that covers the artistic heritage of this genius of the twentieth century, whose capacity exceeds the visible limitations of the technique to offer us the real side of normality. Anxious, cold and lonely. His urban landscapes are populated only by some disenfranchised characters that are always to accentuate the hermetic quality of his works. +info:www.museodelcorso.it

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DAMIEN HIRST

Galería Hilario Galguera México

La Galería Hilario Galguera exhibe la exposición ‘Árbol oscuro’ de Damien Hirst. Estas obras, pintadas por el artista entre 2007 y 2009, marcan un momento de transición crucial y un alejamiento significativo de su obra conceptual icónica, revelando un lado sorpresivamente reflexivo y espiritual de su personalidad. Estas pinturas ofrecen una nueva profundidad emocional nunca antes vista en sus pinturas. Galeria Hilario Galguera exhibits ‘Dark Tree’ by Damien Hirst. These works by the artist painted between 2007and 2009, marked a crucial moment of transition and a significant distance from its iconic conceptual work, revealing a surprisingly thoughtful and spiritual side of his personality. These pictures offer a new emotional depth never before seen in his paintings. +info: www.galeriahilariogalguera.com 19

ANETTE MESSAGER

Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (México)

Es una de las figuras más destacadas del arte contemporáneo mundial, presenta –hasta el 12 de septiembre de 2010– en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, una exhibición con las obras más representativas de su trayectoria. La artista explora a través de su trabajo el aspecto luminoso y sombrío de nuestros deseos, ternura y transgresión, temor y serenidad. La artista juega con elementos cotidianos para mostrar que es posible vivir con placer todas nuestras experiencias como seres humanos. She’s one of the most important figures of contemporary art worldwide, presents — until September 12, 2010 — in the Museum of Contemporary Art of Monterrey, a display with the most representative works of his career. She explores the brightness and darkness aspect of our desires, tenderness and transgression, fear and serenity. The artist plays with everyday elements to show that you can live with pleasure your experiece as a human being. +info: www.marco.org.mx

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COLECTIVO MARCELAYGINA Museo de arte Carrillo Gil de Monterrey (México)

El MACG reúne el trabajo que ha realizado el Colectivo Marcelaygina en los últimos años. La exposición se plantea a partir de un núcleo de acciones llevadas a cabo en la frontera México/Estados Unidos, en el paso fronterizo de Nuevo Laredo (Tamaulipas) y Laredo (Texas), entre el 2006 y 2007. Las artistas ponen de relieve las complejidades económicas, ideológicas y sociales de los procesos de contrabando característicos e inherentes a las franjas fronterizas. Hasta el 8 de agosto de 2010. Gathers the work done by the Collective Marcelaygina in recent years. The exposition is proposed from a core of actions carried out in the Mexico-U.S. border crossing in Nuevo Laredo (Tamaulipas) and Laredo (Texas), between 2006-2007. The artists highlight the complexities of economic, ideological and social processes and plays with inherent characteristic of border areas. Until 8 of August, 2010. +info: www.fondazionenicolatrussardi.com

LOS CARPINTEROS Ivorypress Art + Books Madrid

Los artistas cubanos Marco Castillo y Dagoberto Rodríguez, Los Carpinteros, exhiben en Madrid ‘Drama Turquesa’. La muestra, que podrá visitarse hasta el 24 de julio, constituye la mayor exposición individual de este colectivo en Europa en la última década. Este equipo artístico muestra varias de sus instalaciones más recientes, así como una selección de dibujos, integrados en la noción contemporánea del proyecto como obra. Los Carpinteros introducen en sus piezas temas y objetos comunes de la vida cotidiana en Cuba. Su obra utiliza la arquitectura, la escultura o el diseño para representar metáforas políticas a través de símbolos revolucionarios tales como la estrella o el uso del color. Su obra más espectacular se manifiesta en forma de instalaciones, aunque sus temáticas sociales y la crítica a la cultura de consumo se extienden, asimismo, en otros formatos, como el papel, la fotografía y la escultura. El sentido del humor, ácido en ocasiones, la espectacularidad, el juego, la provocación y la diversidad de materiales son las constantes de su obra. Cuban artists Marco Castillo and Dagoberto Rodriguez, The Carpenters, showed in Madrid ‘Drama Turquoise’. The exhibition, which will be open until 24 July, is the largest solo exhibition of this group in Europe in the past decade. The artistic team shows several of her most recent installations, as well as a selection of drawings, all integrated into the contemporary notion of the project as a work of art. The Carpenters introduced into their pieces some issues and common objects of everyday life in Cuba. His work uses the architecture, sculpture and design to represent political metaphors through revolutionary symbols such as the star or the use of color. His most spectacular work is manifested in the form of installation, although their social issues and criticism to consumer culture also extends to other formats such as paper, photography and sculpture. The sense of humor —sometimes acid—, and spectacle; or being playful, provocative, and doing it with a wide diversity of materials, these are the constants of work of The Carpenters. +info: www.ivorypress.com

NOTICIAS DE MERCADO

ARTISTAS

MÁS PODEROSOS

La revista británica Art Review ha elaborado la lista de los 100 artistas internacionales más “poderosos” en artes plásticas. /The 100 most powerful artists according to British magazine Art Review, that has developed a list of 100 international most ‘powerful’ artists in visual arts.

1. Hans Ulrich Obrist 2. Glenn D. Lowry 3. Sir Nicholas Serota 4. Daniel Birnbaum 5. Larry Gagosian 6. François Pinault 7. Eli Broad 8. Anton Vidokle, Julieta Aranda & Brian Kuan Wood 9. Iwona Blazwick 10. Bruce Nauman 11. Iwan Wirth 12. David Zwirner 13. Jeff Koons 14. Jay Jopling 15. Marian Goodman 16. Agnes Gund 17. Takashi Murakami 18. Alfred Pacquement 19. Peter Fischli & David Weiss 20. Mike Kelley 21. Barbara Gladstone 22. Steven A. Cohen 23. Dominique Lévy & Robert Mnuchin 24. Adam D. Weinberg 25. Marc Glimcher 26. Amy Cappellazzo & Brett Gorvy 27. Cheyenne Westphal & Tobias Meyer 28. Ann Philbin 29. Matthew Higgs 30. Matthew Marks 31. Tim Blum & Jeff Poe 32. Gavin Brown 33. Ralph Rugoff

34. Liam Gillick 35. Anne Pasternak 36. Dakis Joannou 37. John Baldessari 38. Isa Genzken 39. Paul McCarthy 40. Michael Govan 41. Eugenio López 42. Cindy Sherman 43. Ai Weiwei 44. Patricia Phelps de Cisneros 45. Annette Schönholzer & Marc Spiegler 46. Diedrich Diederichsen 47. Richard Prince 48. Damien Hirst 49. Bernard Arnault 50. Massimiliano Gioni 51. Amanda Sharp & Matthew Slotover 52. Joel Wachs 53. Victor Pinchuk 54. Udo Kittelmann 55. Marina Abramovic 56. Michael Ringier 57. Gerhard Richter 58. Richard Serra 59. RoseLee Goldberg 60. Kasper König 61. Roberta Smith 62. Monika Sprüth & Philomene Magers 63. Germano Celant 64. Emmanuel Perrotin 65. Peter Schjeldahl 66. Beatrix Ruf 67. Okwui Enwezor 22

68. Nicolas Bourriaud 69. Karen & Christian Boros 70. Isabelle Graw 71. Maurizio Cattelan 72. Charles Saatchi 73. Jerry Saltz 74. Jasper Johns 75. Louise Bourgeois 76. Thaddaeus Ropac 77. Mera & Don Rubell 78. Thelma Golden 79. Sarah Morris 80. Carolyn Christov-Bakargiev 81. Anita & Poju Zabludowicz 82. Paul Schimmel 83. Jose, Alberto & David Mugrabi 84. Sadie Coles 85. Daniel Buchholz 86. Victoria Miro 87. Maureen Paley 88. Johann König 89. Nicolai Wallner 90. Maria Lind 91. Massimo De Carlo 92. Mario Cristiani, Lorenzo Fiaschi & Maurizio Rigillo 93. Rirkrit Tiravanija 94. Toby Webster 95. Long March Space 96. Nicholas Logsdail 97. Harry Blain & Graham Southern 98. Claire Hsu 99. Peter Nagy 100. Glenn Beck

Mondrian

Leger

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Picasso, Warhol, Qi Baishi, Mattisse, Mondrian, Giacometti, Léger, Degas, Rafael y Monet fueron los 10 artistas que más recaudaron en 2009. El precio medio de una obra de arte contemporáneo se ha situado en 14.000 euros, lo que supone un 51% menos que en 2008. Las ventas en subastas del arte contemporáneo son las que más han bajado, pasando de los 915 millones de 2008 a los 378 millones de 2009. Ranking coleccionistas: Roman Abramovich, Debra y Leon Black, Edythe L. and Eli Broad, Steven A. Cohen. Marie-Josée and Henry R. Kravis, Jo Carole and Ronald S. Lauder, François Pinault-Arts, Mitchell Rales, Carlos Slim Helú y Sheikh Saud bin Mohammad bin Ali al-Thani encabezan este ranking mundial por orden alfabético. La mitad de los coleccionistas son norteamericanos, una tercera parte europeos, un 25% residen en Países Árabes y siete en Latinoamérica.

Picasso, Warhol, Qi Baishi, Mattisse, Mondrian, Giacometti, Leger, Degas, Raphael and Monet were the ten highest-collecting artists in 2009. The average price of a piece of contemporary art has been of 14,000€, representing a 51% less than 2008. Sales at contemporary art auctions are the ones that most have declined, from 915 million in 2008, to 378 million in 2009.

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EL ARTE EN NÚMEROS

ART IN NUMBERS

Collector’s ranking: Roman Abramovich, Debra and Leon Black, Edythe L. and Eli Broad, Steven A. Cohen, Marie-Josée and Henry R. Kravis, Jo Carole and Ronald S. Lauder, François Pinault-Arts, Mitchell Rales, Carlos Slim Helu and Sheikh Mohammad bin Ali bin Saud al-Thani lead this global ranking in alphabetical order. Half of the collectors are Americans, one third is European, 25% live in Arab countries and seven are from Latin

LOS NOMBRES MÁS INFLUYENTES

MOST INFLUENTIAL NAMES

-------------------------------------------------------------------------------------El italiano Giorgio Guglielmino, coleccionista y diplomático, ha reunido en Ladies & Amp; Gentlemen, los nombres de las 200 personas más influyentes en el mundo del arte a nivel internacional. Curadores, artistas, galeristas, coleccionistas y directores de museos como Nicholas Serota, director de la Tate Galler; Patricia Phelps de Cisneros, la coleccionista de arte contemporáneo más importante de América del Sur, los artistas Gerard Richter, Los Carpinteros, Anish Kapoor y Shirin Neshat; el editor Benedikt Taschen; el director del MoMA, Glenn Lowry; Juan Manuel Bonet, ex director del Reina Sofía de Madrid; coleccionista vinculados a la moda como Miuccia Prada, François Pinault, Christie s, Fnac, Gucci o Bernard Arnault, grupo Louis Vuitton, M. Hennesy; el curador Robert Storr, el coleccionista Eugenio López y el galerista Enzo Sperone son algunos de ellos. ------------------------------------------------------------------------------------

-------------------------------------------------------------------------------------The Italian Giorgio Guglielmino, collector and diplomatic, has reunited in Ladies & Amp; Gentlemen, the names of the 200 most influential people in the world of international art. Curators, artists, galleries, collectors and museum directors like Nicholas Serota, director of the Tate Gallery; Patricia Phelps de Cisneros, the most important collector of contemporary art in South America; artist like Gerard Richter, The Carpenters, Anish Kapoor and Shirin Neshat; the publisher Benedikt Taschen; the director of MoMA, Glenn Lowry, former director of the Reina Sofia in Madrid, Juan Manuel Bonet; collectors associated with fashion as Miuccia Prada, François Pinault, Christie Fnac, Gucci or Bernard Arnault, Louis Vuitton, M. Hennesy; the curator Robert Storr, the collector Eugenio Lopez and Enzo Sperone are some of them.

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CESIÓN MILLONARIA

MILLIONAIRE ASSIGNMENT

-----------------------------------------------------------------------------------The gallery of Helga de Alvear is owner of one of Europe’s most important contemporary art collections, and hands it over to the city of Cáceres (Spain). After years of neglect of several institutions, finally, the Casa Grande will host a total of 2,500 pieces treasured for more than 30 years. Including outstanding works by Anish Kapoor, Ugo Rondinone, Dan Flavin, Donald Judd, John Baldessari, Damien Hirst or Joseph Beuys. The ‘package’ that will house all this legacy will be the Casa Grande, a 3,500 square meters building that will serve as a connection to the modern construction that employs the architects Luis Moreno Mansilla and Emilio Tuñón (11,000 square meters in total). +info: www.helgadealvear.net.

-----------------------------------------------------------------------------------La galerista Helga de Alvear cede a la ciudad de Cáceres (España) una de las colecciones de arte contemporáneo más importantes de Europa. Tras años de desinterés de varias instituciones, finalmente la Casa Grande albergará un total de 2.500 obras atesoradas durante más de 30 años. Y entre las que destacan obras de Anish Kapoor, Ugo Rondinone, Dan Flavin, Donald Judd, John Baldessari, Damien Hirst o Joseph Beuys. La “funda” que albergará ese legado será la Casa Grande, un edificio de 3.500 metros cuadrados que servirá de conexión con la moderna construcción en la que trabajan los arquitectos Luis Moreno Mansilla y Emilio Tuñón (11.000 metros cuadrados en total). +info: www.helgadealvear.net. 23

BOOKS & BLOGS

ALBERT OEHLEN Taschen

Albert Oehlen presenta su monografía de la mano de la editorial TASCHEN. El artista saltó a la fama poco tiempo después de graduarse en la Escuela Superior de Artes Visuales de Hamburgo, y adquirió un nombre propio al lado de Kippenberger y Büttne; en una escena que rompió reglas en el arte y la música rock. Su obra se ha expuesto en las mejores galerías del mundo, y se centra en el proceso de la pintura mostrando sus elementos estructurales. En esta obra, Klaus Kertess, examina los años a partir de 1988, cuando Oehlen se vio a sí mismo de manera más consciente como pintor y comenzó sus primeras obras abstractas, antes de continuar explorando los límites del medio. Martin Prinzhorn y John Corbett inspeccionan aspectos de la iconografía de Albert Oehlen, y Oehlen analiza sus pinturas digitales en una conversación con Corbett. Una biografía y una bibliografía exhaustivas redondean este completo estudio. Albert Oehlen presents his monographic book with the help of TASCHEN editorial. The artist rose to fame shortly after graduating from the School of Visual Arts of Hamburg, and acquired a name next to Kippenberger and Büttne. He burst in a scene that broke rules in art and rock music. His work has been exhibited in the finest galleries of the world, focuses on the process of painting, but showing its structural elements. In his book, Klaus Kertess, examines the early years (from 1988), when Oehlen himself was more conscious as a painter and began his first abstract works, before of continue to explore the boundaries of the media. Martin Prinzhorn and John Corbett inspect aspects of the iconography of Albert Oehlen, and Oehlen analyzes his digital paintings in a conversation with Corbett. It’s a biography and a bibliography that complete Oehlen comprehensive study. + info: www.taschen.com

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EL TIBURÓN DE 12 MILLONES DE DÓLARES/ THE $12 MILLION STUFFED SHARK Ariel

Un banquero multimillonario invierte 12 millones de dólares por el cadáver de un tiburón descomponiéndose dentro de una tinaja. Un lienzo lleno de gotas de colores se vende por 140 millones de dólares. Una chaqueta de cuero abandonada en una esquina se subasta por la suma de 690.000 dólares. Don Thompson desvela los secretos económicos y las estrategias de marketing que impulsan al mercado a producir precios astronómicos por los que se cotizan las obras de los grandes artistas, desde Basquiat a Koons, Tàpies o Jasper Johns. Thompson nos acerca a la psicología y los intereses que mueven el mercado del arte para recordarnos que en el arte contemporáneo, como en tantos otros campos, la línea que separa la cultura del negocio es difusa; pero, si se hace un análisis exhaustivo, se puede distinguir con claridad. A multimillionaire banker invests $12 million for the corpse of a rotting shark in a glass container. A canvas full of color drops is sold for $140 million. A leather jacket left in a corner has achieves an auction price of $690,000. Don Thompson reveals the secrets of economics and marketing strategies that drive the market to produce astronomical quotes for the works of the great artists, from Basquiat to Koons, Jasper Johns or Tàpies. Thompson brings us closer to psychology, and the interests that move the art market, only to remind us that in contemporary art, as in many other fields, the line between business and culture is vague, but can be analyzed with clarity. + info: www.phaidon.com 24

MEIAC

Rea/apropiaciones se presenta como la segunda fase del proyecto NETescopio, un archivo virtual gestionado desde el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC), posee más de ochenta trabajos catalogados cuyo objetivo principal es preservar obras artísticas generadas por y para Internet. Trabajos que no tienen corporeidad, puesto que están concebidos, únicamente, para mostrarlos a través de una pantalla con conexión online. De manera que esta exposición puede visitarse al completo desde casa. En el MEIAC únicamente hay paneles explicativos y varias mesas con ordenadores. Rea/apropiaciones is presented as the second phase of NETescopio project, a virtual file managed by the Extremadura and Latin American Museum of Contemporary Art (MEIAC). It has cataloged more than 80 works, the main objective is to preserve works of art created by and for the Internet. Works of art that do not have corporeity, because they are designed solely for displaying it through a screen connected online. In this manner, the entire exhibition can be visited from home. In MEIAC there are only several explicative panels and tables with computers. + info: www.meiac.es

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RHIZOME

Rhizome es una de las principales páginas de Internet que relaciona arte y nuevas tecnologías. Se dedica a comisariar y atesorar el trabajo de la mayoría de artistas emergentes con contenido tecnológico y new media. Su valor está en descubrirlos antes de que sean reconocidos, convocando becas y ofreciendo su espacio para que puedan mostrar su trabajo. Su archivo on-line contiene más de 2.000 obras y se presta a ser comisariado por sus propios miembros, estableciendo temas y documentación de interés para los artistas, y agrupándolos mediante finas líneas que hacen que las obras puedan ser vistas de forma más dúctil. Rhizome is a leading web site that relates art and new technologies. It is dedicated to curate and treasure the work of the majority of emerging artists with new media technology content. Its real value is in discovering artists before they’re recognized. It offers scholarships, calls and spaces so they can show their work. Its online archive contains over 2,000 works and is to be curated by its own members. They establish and document issues of concern to the artists, which are grouped by very well thought lines, this makes that their work can be viewed with more ductility. + info: www.rhizome.org

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TANK TV

Tank.tv es una galería on-line que ofrece exposiciones de reconocidos artistas relacionados con la imagen en movimiento. El valor y la riqueza de todo lo ofrecido hasta el momento sitúan a Tank.tv dentro de los principales espacios de exhibición de videoarte. No sólo ha hecho individuales de artistas tan importantes como Ken Jacobs o John Latham, sino que ha invitado a comisarios como Stuart Comer (Tate Modern) o Ian White (Whitechapel Gallery). Tank.tv is an online gallery that offers exhibitions of renowned artists associated with the moving image. The value and richness of everything offered so far by Tank.tv, situate it within the main video art exhibition spaces. Not only has it made individual exposition of artists such as Ken Jacobs and John Latham, but has invited commissioners like Stuart Comer (Tate Modern) and Ian White (Whitechapel Gallery). + info: www.tank.tv

SPECTRUM El Beyond Museum de Seúl, acoge hasta finales de junio ‘SPECTRUM’ la exposición individual más grande de Tokujin Yoshioka En esta exposición se pueden ver las obras más importantes del artista./ The Beyond Museum of Saul receives, until the end of June, ‘SPECTRUM’ the biggest individual exhibit of Tokujin Yoshioka. The exposition will show the most important work of the artist.

BEYOND MUSEUM www.beyondmuseum.com

Tokujin Yoshioka presenta en ‘SPECTRUM’ una selección de sus mejores trabajos hasta el momento. La exposición que está presente en el Beyond Museum de Seúl alberga las obras más importantes del artista, entre las que se encuentra ‘Rainbow Church’ 2006-2010. Esta construcción de ocho metros de altura hecha de vidrio con alrededor de 500 prismas de cristal nació tras su visita a la Chapelle du Rosaire de Vence, Niza. El sol de la Provenza y la luz de las vidrieras de Henri Matisse fascinaron a Yoshioka que desde ese mo- Tokujin Yos hioka presents in “SPECmento soñó con el diseño de una arquitectura donde la gente TRUM” a selection of his best current works. The exhibition, installed in pudiera sentir la luz con todos los sentidos. Otras de las obras que se pueden ver es una silla de papel que the Beyond Museum from Seoul, tiene la estructura de un nido de abeja, una instalación crea- features the most important works da a partir de pajitas de plástico o un banco de cristal óptico of the artist, among them “Rainbow especial. Una exposición que presenta ante nuestros ojos un Church” 2006-2010. This construcmundo de fantasía que te hipnotiza a través del juego de co- tion eight meters high and made of glass (500 crystal prisms approximalores y luces. tely) was born after his visit to the “Chapelle du Rosaire de Vence”, Nice. The Sun of Provence and the light of Henri Matisse’s stained-glass fascinated Yoshioka so much that from this moment he dreamed of a design of architecture where people could feel the light with the five senses. Others of his works that can be seen at the exhibition are: a chair of paper with honeycomb structure, an installation created from plastic straws, and a bank of special optical crystal. An exhibition that presents before our eyes a world of fantasy that hypnotizes you through the game of colours and lights.

speed of

LIGHT

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Con ocasión del décimo aniversario de la banda ancha en el Reino Unido Virgin Media encargó al United Visual Artists (UVA) una instalación conmemorativa. El resultado ha sido ‘Speed of light’ un proyecto que se instaló el pasado mes de abril en el almacén industrial Bargehouse en el sur de Londres. El trabajo de UVA abarca arquitectura e instalaciones de respuesta, así como presentaciones en vivo y arte urbano,. Su principal objetivo es crear una experiencia social y sensorial, que convierta al espectador en un participante activo. De tal modo que nunca, ninguna de sus muestras son iguales. En esta ocasión, la tarea era comunicar y conectar rayos de luz que eran disparados hacia diferentes direcciones del lugar, pero que a su vez se iban conectando para formar estructuras, gracias al poder de la fibra óptica. Para este trabajo se usaron 148 lásers distribuidos en 4 pisos y seis habitaciones, todo con la intención de demostrar la importancia de la comunicación y la modernidad.

On the occasion of the tenth anniversary of broad band in the United Kingdom, Virgin Media commissioned United Visual Artists (UVA) to create a commemorative installation. The result is ‘Speed of light’; a project installed last April in the warehouse ‘Bargehouse’ in the south of London. The work of UVA includes architecture and feed-back installations, as well as live presentations and urban art. Its main aim is to create a social and sensorial experience including the spectator as an active participant, and as a consequence, his shows are always different. On this occasion, the task was to connect rays of light that were shot towards different directions inside the space but, at the same time, linking them to form structures, thanks to the power of the optical fiber. For this work there 148 lasers were used distributed between 4 floors and six rooms, everything with the intention of demonstrating the importance of communication and modernity.

yoNG HoJi

‘Mythos mutantes’ es una colección de esculturas del artista coreano Yog Ho Ji. Las piezas están hechas a mano a partir de neumáticos reciclados y reproducen una combinación de seres humanos y animales que nos hacen reflexionar acerca de los valores de la sociedad moderna. / ‘Mutant Myths’ is a collection of sculptures from the Korean artist Yog Ho Ji. The pieces are handmade from recycled tyres and they reproduce a combination of human and animal beings who make us think about the values of modern society. BEYOND MUSEUM www.beyondmuseum.com

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La galería Gana de Nueva York fue la primera en acoger la colección ‘Mythos mutantes’ de Yong-Ho Ji y, desde entonces, esta exposición ha dado la vuelta al mundo. Las esculturas elaboradas con neumáticos reciclados han cautivado a todos los que las han podido ver de cerca y es que nunca se podría adivinar que están hechas de caucho por su acabado. Yong-Ho Ji utiliza el caucho para hacernos reflexionar acerca de los valores de la sociedad moderna y el excesivo consumismo. El artista con este proyecto demuestra que el caucho viejo no es un desecho sino un material con el que se puede trabajar y cuya impresionante plasticidad permite conseguir efectos relistas muy interesantes. ‘Mythos mutantes’ da vida a seres que mezclan rasgos humanos y animales. Formas híbridas y mutaciones a través de las cuales el artista plantea otra importante cuestión, el deseo humano de desafiar la naturaleza a través de tecnologías como la ingeniería genética. La extensa colección está clasificada en animales carnívoros, herbívoros y omnívoros. Las esculturas entremezclan rasgos de los tiburones, las arañas, jabalíes, ñúes y los lobos con los del ser humano, creando especies cruzadas que se inspiran en seres mitológicos. La plasticidad del caucho permite a Ji reproducir con gran exactitud la textura de la piel, las escamas, el pelo... para crear increíbles mutaciones que hacen hincapié en la necesidad de los seres vivos de transformarnos y adaptarnos para sobrevivir.

The Ghana gallery in New York was the first one that received the collection ‘Mutant Myths’ of Yong-Ho Ji, and since then this exhibition has traveled around the world.The sculptures, elaborated with recycled tyres, have captivated all those who have seen them closely and that’s because they might never guess that those pieces are made of rubber, due to their finish. Yong-Ho Ji uses rubber to make us to think about the values of modern society and excessive consumerism. The artist demonstrates with this project that old rubber is not a waste material but one that could be useful and whose impressive plasticity makes it possible to obtain very interesting realistic effects.

MYTHOS MUTANTES

MUTANT MYTHOS

‘Mutant Myths’ gives life to a certain kind of being who mixes human and animal features, hybrid forms and mutations through which the artist raises another important question: the human desire to defy nature through technologies such as genetic engineering. The extensive collection is classified under carnivorous, herbivorous and omnivorous animals. The sculptures intermingle features of sharks, spiders, wild boars, gnus, and wolves with those typical of human beings; creating cross- species inspired by mythological beings. The plasticity of rubber allows Ji to reproduce with great accuracy the texture of the skin, the scales, hair ... for creating incredible mutations which emphasize the necessity of human beings to transform and adapt themselves to survive. 31

Li w ei

Li We i sufrim es uno de l os art i is sieda ento de la d, de l era de tas Chinos a cara más r yor d Mao n es ec si i nueva u país en empre cam de la deso onocidos. l la eco Su a b gener ci iante nomí comp ación de Ch ón del com trabajo no a rome m d i h unism e n undi ay art ti His w o sino abla del ork sp dos con el istas chino al. Li Wei de la prese de l eaks n e n f of com either uturo. / Li s que no m s consider cia cada v a anm ado e ez ma about iran a Wei is rising unism but l líd the l pa on ab pr of a ne esence of hi out anxiety, suffering fr e of the mo sado, sino er de una om th st fam s coun w about que e ea ou tr C about generation of Chi y in the wor hina’s const ge of Mao n s Chinese stán the fut a nese a l ure. rtists w d economy. antly chang or of the de rtists. ing fac Li We s o ho do n lation i is c e an ot look to the onsidered t d about the o past, b ut who be the leade r are co ncern ed

Por// JUDITH PASTOR judith@taxiartmagaxine.com

Li Wei fue educado en el Colegio Oriental Artes en Beijing y estudió pintura, aunque después su trabajo ha destacado en el área del performance y la escultura. A pesar de lo que pueda parecer a primera vista, en sus obras los retoques fotográficos son casi nulos: es un trabajo de perfomance que apela a la imaginación y al ilusionismo más exagerado. Estas imágenes no son un montaje de ordenador, se crean a partir de accesorios como espejos, hilos de metal, andamios , gruas o cables que luego se eliminan con Photoshop para dar vida a estas situaciones aparentemente imposibles. Li Wei se inspira en el mundo, en las personas, en la política... le inspira todo lo que hay a su alrededor para conseguir su meta, “hacer que suceda lo imposible”. Este artista vive por y para el performance, “Yo he sido un artista de performance antes de volcarme en la fotografía”. “La fotografía es sólo un medio para expresar mi arte”, afirma el artista en una entrevista para Taxi. Muchos de sus trabajos han sido presentados en diferentes museos, como el Louisiana Museum de Dinamarca, el Museum of Fines Arts en Houston, el Palais de Tokio de Paris o en la exposición ZhùYì. La carrera de Li Wei despegó con sus inquietantes autorretratos. En sus anteriores obras veíamos su rostro reflejado en espejos en lugares públicos o fotografías de sí mismo chocando contra paredes y aceras. Lo más característico de Li Wei es que siempre protagoniza sus trabajos y lo hace porque le gusta vivir las situaciones que imagina en su cabeza, “Siempre estoy rodeado de situaciones imposibles. Esa es la idea central de mi arte. Me gusta hacer mis propios performance, vivir esas experiencias”, asegura. La producción de uno de estos proyectos requiere horas de trabajo aunque según el artista la verdadera dificultad estriba en llegar a la idea, “Puedo emplear la mitad de un día para fotografiar un sólo proyecto, a veces incluso más horas pero el mayor reto es la idea. La técnica es fácil, pero los pensamientos y las buenas ideas son más difíciles”. Li Wei busca sorprender al mundo con cada uno de sus fotografías, pero sobre todo sorprender a los afortunados que pueden ver ese performance en directo. Y es que es más impactante que ver una de sus imágenes es ver el performance en vivo. Este artista se propone romper las reglas de la gravedad “como un meteorito” y hacerlo en un lugar muy especial para él Beijing, “Beijing está creciendo increiblemente rápido. Mi trabajo es una manera de expresar esto. Todo está cambiando, es inestable, es por esto que no se puede encontrar un eje en mi trabajo. Yo busco mi propio lenguaje sin elementos políticos chinos. Trato de retarme a mí mismo”. Y para conseguir esto, mucha experimentación. Li Wei no cree que todo esté inventado y continuamente explora todas las maneras posibles de hacer cosas imposibles. De hecho, los artistas que lo inspiran siguen esta misma filosofía. Destaca el trabajo del imparable Damien Hirst padre de ‘Natural History’ conocidísima obra en la que animales muertos son preservados o a veces diseccionados en formol, teniendo la muerte como tema central. Así como el trabajo de Marthew Barney creador de los films ‘Cremaster’ que muestran el enfrentamiento del hombre con su sexualidad a través de metáforas y analogías fantásticas. Li Wei es uno de los artistas chinos más reconocidos del mundo y, en cierto sentido, un embajador del arte de su país, “El arte en China está evolucionando mucho. Hoy en día podemos encontrar a excelentes artista chinos como Cai Guoqiang, Xu Bing, Zhang Huan, y también hay muchos artistas emergentes muy buenos”. Son muchas las revistas que se han interesado por su trabajo y lo han utilizado como foto de portada. ‘NY Arts’, ‘Contemporary’, ‘Wallpaper’ o ‘Zoom’ son alguna de ellas. Y esto se debe a que Li Wei, pese a su éxito, mantiene una actitud humilde y entusiasta. Una actitud que le ha llevado a apoyarnos en este primer número, cediéndonos no sólo la imagen de portada, sino concediéndonos esta entrevista en exclusiva.

Li Wei was educated at the Oriental College of Arts in Beijing and studied painting, although later, his work has stood out more in the area of performance and sculpture. Despite what it seems at first sight, the photographic retouching in his work is almost null and void: it is a work of performance that appeals to the imagination and to the most over-the-top magic. These images are not a computer-generated montage, they are created from accessories like mirrors, threads of metal, scaffoldings, cranes or cables that are then eliminated by Photoshop to give life to these seemingly impossible situations. Li Wei is inspired by the world, by people, by politics ... anything that surrounds him inspires him to reach his goal, ‘to make the impossible things happen’. This artist lives by and for the performance, ‘I was a performance artist before throwing myself into photography’. ‘The photography is only a means to express my art’, maintains the artist in an interview for Taxi. A lot of his work has been presented in different museums, such as the Louisiana Museum of Denmark, the Finnish Museum of Arts in Houston, the Palais of Tokyo from Paris and in the exhibition ZhùY ì. Li Wei’s career took off with his disturbing self-portraits. In his previous artworks we could see his face reflected in mirrors in public spaces or photographs of himself crashing against walls and sidewalks. Li Wei’s main characteristic is that he always stars in his works and he does it because he likes to experience the situations that he imagines in his head, ‘I am always surrounded by impossible situations. That’s the central idea of my art. I like to do my own performance, to live these experiences’, he states. The production of one of these projects requires several hours of work and yet, according to the artist, the real difficulty rests on thinking up the idea, ‘I can spend half a day photographing only one project, sometimes even more time, but the main challenge is the idea. The technique is easy, but the thoughts and the good ideas are more difficult’. Li Wei wants to surprise everybody with every photograph, especially the lucky ones who can see one of his performances. Admittedly, it is more shocking to see the live performance than to see one of his images. This artist tries to break the rules of gravity ‘as a meteorite does’ and he wants to do it in a city that is a very special place for him, Beijing. ‘Beijing is growing incredibly fast. My work is a way to express this. Everything is changing, is unstable, that’s a reason why an axis in my work cannot be found. I search for my own language, without political Chinese elements. I try to challenge myself ’. And to achieve this, a lot of experimentation is necessary. Li Wei does not believe that everything has been invented, and constantly explores all the possible ways to make impossible things. In fact, the artists who inspire him follow the same philosophy: Especially the work of the unstoppable Damien Hirst, father of the famous artwork ‘Natural History’, in which dead animals are preserved or, sometimes, dissected in formic acid, taking death as a central topic. Another influence is the work of Matthew Barney, creator of the films ‘Cremaster’, which show the confrontation between man and his sexuality across metaphors and fantastic analogies. Li Wei is one of the most recognized Chinese artists of the world and, in a sense, an ambassador of the art of his country, ‘art in China is evolving rapidly. Nowadays we can find excellent Chinese artists such as Cai Guoqiang, Xu Bing, Zhang Huan; and there are also many excellent emerging artists’. Several magazines have been interested in his work and have chosen him for the front cover. ‘NY Arts’, ‘Contemporary’, ‘Wallpaper’ and ‘Zoom’ are some of them. This is due to the fact that Li Wei still has a humble and enthusiast attitude, in spite of his success. The same attitude has led him to support our magazine in this first number, not only allowing us to use the image for the front cover but also granting us this exclusive interview. 36

113-01 “A walk in the sea” 2004,07.01 Beijing 176 x 136cmcm Edition 8

114-01 ‘Liwei falls to’ 2009,07.27 Beijing 176 x 366cm Edition 8

112-01 ‘The sea reader’ 2009,05.29 Beijing 176 x 366 cm Edition 8 37

086-01 ‘Love meets 22m’ 2008,03.22 Beijing 176 x 212cm

042-01 ‘Liwei falls to the car’ 2003,09.26 Beijing 150 x 150cm, 100x100cm

047-03 ‘Love at the high place 1’ 2004,07.01 Beijing 150 x 150cm, 100x100cm

047-02 “Love at the high place 1” 2004,07.01 Beijing 150 x 150cm, 100x100cm

047-01 ‘Love at the high place 1’ 2004,07.01 Beijing 150 x 150cm, 100x100cm 41

099-01 ‘Ballons 1’ 2009, 03. 31Beijing 176x 176cm Edition 8

103-01 ‘Ballons 2’ 2009, 04. 02 Beijing 176x 176cm Edition 8

Loop UN PARAISO PARA LOS AMANTES DEL VIDEO ARTE/ A PARADISE FOR VIDEO ART LOVERS Por// MEINDERT BONNEMA martinezybonnema@wanadoo.es Editado por// ALBERTO NORIEGA

La octava edición del Festival y de la Feria de Video Arte Loop Barcelona se celebró del 12 al 22 de mayo se clausura con un gran éxito. La feria ha atraído a más de 4.000 profesionales, coleccionistas y amantes del videoarte. /The eighth edition of the Loop Festival and the Video Art Fair in Barcelona (held from 12-22 May), ended with a great success. The fair attracted more than 4,000 professionals, collectors and lovers of video art.

Reynold Reynolds; ‘Secret Machine’, 2009. Instalación de video en dos canales. Duración 7’ Fotograma cortesía de Galerie Zink München / Berlin ©Reynold Reynolds 44

Marina Abramović; ‘The Kitchen. Homage to Saint Therese’, 2009. C-Print, 160 x 160 cm. Edición de 9 · Cortesía de la artista y La Fábrica Galería, Madrid

Los que vienen los días de la feria (un día está reservado sólo para profesionales), lo tienen muy crudo si quieren ver todo lo que se está proyectando en el festival que, este año, ha contado con unas 1.000 piezas de videoarte de 754 artistas y que se han mostrado en 101 espacios repartidos por la ciudad. Por no hablar de las más de 180 actividades gratuitas como videofórums, conferencias, debates y performances. Los días se convierten en un correr frenético de un lado a otro para no perderse joyas como la grabación que la diosa de la performance Marina Abramović (1946) realizó, el año pasado, en Gijón, de su performance ‘The Kitchen. Homenaje a Santa Teresa’. Y, si sólo fuera cuestión de ir y verlo, aún sería llevadero. Pero, como hay videos que se te meten dentro, como La Cocina, pueden pasar horas antes de la recuperarte del impacto y retornar a una actitud, más o menos, normal. Otro ejemplo de una artista que deja pasmado es la neoyorquina Eve Sussman (1961) y su Rufus Corporation con el nuevo trabajo ‘White on White’. ‘A random thriller’ (Blanco sobre Blanco. Un thriller aleatorio) proyectado en Espai 2NOU2. Consiste en una sucesión de escenas rodadas en entornos desolados de la antigua Unión Soviética y refiere al control, manipulación y programación de la sociedad informatizada bajo un régimen autoritario.

Those attending to the fair — one day is reserved only for professionals —have a very difficult task if they want to see everything that is being displayed at the festival, that this year has received about 1,000 pieces of video art, of 754 artists and these pieces were shown in 101 sites around the city. Not to mention the more than 180 free activities such as video forums, conferences, debates and performances. The days turn into a frantic running from side to side to avoid missing gems like the recording of the performance that goddess Marina Abramovic (1946) realized last year, in Gijón, of his performance at The Kitchen. ‘Homage to Santa Teresa’. And if it was only a matter of going and seeing it, it’ll be still bearable. But there are videos that strike you, just as ‘The Kitchen’, and it may take hours before you recover back from the impact and go to a normal attitude, more or less. Another example of an artist that leaves your mind astound is the New York Eve Sussman (1961), and the Rufus Corporation’s new job with ‘White on White’. ‘A random thriller’, screened in Espai 2NOU2, it consists of a succession of scenes filmed in desolate environments of the former Soviet Union and refers to the control, manipulation and programming of a computerized society 45

Un programa informático reedita la película continuamente y nunca se puede ver en su totalidad con la misma secuencia. No hay escapatoria. Menos mal que las actividades de la Feria Loop tienen lugar dentro del mismo edificio, el Hotel Catalonia Ramblas. Las galerías participantes acostumbran a reservar las habitaciones de la planta baja, que además están situadas alrededor de un patio interior, ofreciendo un recorrido circular en forma de loop. Cada galería muestra su propuesta en la habitación con baño que le ha sido asignada. Así, una de las peculiaridades de este evento es que compartes camas y baños con gran variedad de interesados que, en esta circunstancia, se muestran de lo más comprensivos los unos con los otros. Además, lo que une es la pasión por el arte.Este año se han vendido más obras de las que había expuestas en años anteriores, con precios entre 800€ y 40.000€. Parece que el videoarte está ganando cada vez más adeptos entre artistas y público; pues, es una forma relativamente joven de plasmar la creatividad, se necesita tiempo y promoción para que sea reconocido por el gran público. Además, es un medio que se encuentra en pleno proceso de evolución, gracias a las posibilidades que ofrece la continua innovación tecnológica. Entre las propuestas de las 35 galerías internacionales, esta edición provenientes de Europa, Israel y América del Norte, se encontraron obras de una gran variedad de artistas de 22 nacionalidades distintas. Había muestras de artistas de renombre con obra en colecciones importantes, artistas que despuntan y algunos talentos nuevos. Como el videoarte es el medio por excelencia para reunir una variedad de disciplinas artísticas en una sola creación, y cada artista emplea la combinación de su predilección, resulta una tarea compleja la de hacer comparaciones, por no hablar de evaluaciones. Hay que tener en cuenta que el resultado que se ve es más que el fruto de las técnicas de rodaje y de plasmación de imágenes empleadas; además, en la creación del contenido del video pueden haber elementos de fotografía, interpretación, performance, música, coreografía, diseño gráfico, y un largo etcétera. Lo que cuenta es el grado de dominio de las técnicas empleadas en la realización del vídeo, la originalidad del concepto y la intensidad con la que la visualización del concepto pueda ser recibida por el espectador. Yo, como “receptor” me quedé maravillado y emocionado en más de una ocasión. Aquí, menciono algunos videos de mi preferencia personal. De entre muchas muestras de genialidad artística quisiera dedicar especial atención al artista Reynold Reynolds (1966), estadounidense afincado en Berlín y representado por Galerie Zink de Munich. Su obra

under an authoritarian regime. A computer program is continually re-editing the film, so you never see the same sequence in its entirety. There’s no escape. Fortunately, the activities of the Loop Fair took place in the same building, the Catalonia Hotel in Ramblas. The participating galleries tended to book their rooms on the ground floor, settled around a courtyard, which provides a circular path in form of a loop. Each gallery shows its proposal in the room with bathroom where they had been allocated. Thus, one of the peculiarities of this event is to share beds and bathrooms with a variety of interested people and stakeholders, and of course, in this circumstance, sympathy for each other arises. Besides, what unites them is their passion for art. This year we have sold more works from the exhibition that in previous years, with prices between 800€ and 40,000€. It seems that the video art is gaining more followers among artists and audience. Thus, is a relatively young way for capturing creativity, and it takes time and promotion to be recognized by the public. It is also rapidly evolving, thanks to the possibilities offered by the continuous technological innovation. Among the proposals of the 35 international galleries, this year from Europe, Israel and North America, were the works of a variety of artists from 22 different nationalities. There were works of renowned artists with pieces in important collections, up-and-coming artists and some new talents. Since video art is the mean par excellence to meet a variety of artistic disciplines in a single creation, and every artist uses the combination of their choice, it is a complex task making comparisons, not to talk about evaluations. We have to keep in mind that the result you see is more than the result of shooting techniques and the shaping of images, moreover, in the creation of video content could be elements of photography, interpretation, performance, music, choreography, graphic design, and so on. What counts is the degree of mastery of the techniques used in the making of the video, originality of the concept, and the intensity with which the visualization of the concept may be received by the viewer. I, as a ‘receiver’, was thrilled and excited more than once. Here, I mention some videos of my personal preference. Among many examples of artistic genius I would like to devote particular attention to the artist Reynold Reynolds (1966), an American settled in Berlin, and represented by Galerie Zink of Munich. His book entitled ‘Secret Machine’ was created in 2009 and is part of the ‘Secrets Trilogy”. 46

Jeannette Ehlers; ‘Black Magic at the White House’, 2009. Video HD. Duración 3’46’’ Fotograma cortesía de ROHDE CONTEMPORA. Jeannette Ehlers, Copenhagen.

Eve Sussman/Rufus Corporation; ‘Whiteonwhite:randomthriller’ [fotograma] , 2009Código único de programación, Mac Pro, Monitor LCD Imagen cortesía de Eve Sussman/Rufus Corporation y Galería SENDA, Barcelona

titulada ‘Secret Machine’ (Máquina Secreta) fue creada en 2009 y forma parte de la ‘Trilogía-Secretos’ (Secrets Trilogy). Las otras dos son ‘Secret Life’ (Vida Secreta), 2008 y ‘Six Easy Pieces’ (Seis Piezas Fáciles), 2010. Se trata de una instalación de video de dos canales, con una duración del loop de siete minutos. Durante estos siete minutos me quedé cautivado por la sensación de inquietud y desespero que se hizo dueña de mí. Por la gran calidad con la que dirige todo el proceso de filmación de las escenas y los decorados de laboratorio, con un ambiente cálido y escalofriante a la vez, Reynolds lleva sus reflexiones sobre la sujeción de la vida al tiempo y espacio muy cerca del espectador. Haciendo referencia a temas como la autodeterminación contra la sumisión forzosa, ser controlado, la privación de libertad y la angustiosa percepción del paso del tiempo. Reynolds logra causar una sensación instantánea de identificación con todo lo que ocurre dentro del laboratorio, en cuya librería, el tratado de Heidegger sobre la historia del concepto del tiempo, ocupa un lugar prominente. El uso que hace del cuerpo desnudo lo percibo no como algo sensual sino, más bien, como una abstracción de la vida misma. No es de extrañar que su obra forme parte de colecciones como la del MoMa. También está presente en una exposición colectiva en el CCCS de Florencia hasta el 18 de julio. De estilo muy distinto es la obra de la artista israelí Nira Pereg (1969), casi documentalista. Braverman Gallery de Tel Aviv proyectó su video de tres canales ‘Kept Alive’ (Mantenido Vivo). Se concentra en el cementerio más grande de Jerusalén, Mountain of Rest (Montaña del Descanso). La duración del video es de 22 minutos y medio, el tiempo que necesita un sepulturero para abrir y cerrar una tumba. Lo que se visualiza por uno de los canales, pues los otros dos canales muestran el resultado de siete semanas de grabación de las actividades y rituales que se llevan a cabo en el cementerio, y además están interrelacionados. No sólo reflejan las actividades y ritos, sino también las posiciones opuestas de judíos y palestinos. Se trata de un lugar apartado de la vida cotidiana y de actividades que siguen su propio ritmo. Pereg refleja la autonomía de los rituales como algo con una significación superior a la vida cotidiana. Los rituales trascienden. Esta reflexión es reforzada por la montaña que adapta su forma a las actividades que se llevan a cabo en ella, como si fuera un organismo. Los sonidos que acompañan las imágenes fueron grabados en otros lugares y luego añadidos a las escenas correspondientes, como para simbolizar la identidad de los ritos en sí. El conjunto sereno del tríptico provoca

The other two are ‘Secret Life’, 2008 and ‘Six Easy Pieces’, 2010. This is a video installation comprehended by two channels, with a loop duration of seven minutes. During those seven minutes I was captivated by the sense of unease and despair that possessed me. For the high quality of the whole process of filming, and the scenes and sets of the laboratory, with a warm and unsettling ambiance at the same time, Reynolds take his thoughts —on our grasp to life, time and space— very close to the viewer. He refers to issues such as self-determination against a forced allegiance, being controlled, deprivated of freedom, and the distressing perception of time going by. Reynolds manages to cause instant feeling of identification with everything that happens within the laboratory, in the library, Heidegger’s treatise on the history of the concept of time occupies a prominent place. I don’t perceive his use of the naked body as something sensual but rather as an abstraction of life. No wonder why his work is part of collections like the MoMa. It is also present in a group exhibition at the CCCS in Florence until 18 July. Of a very different style is the work of Israeli artist Pereg Nira (1969), almost documentary. Braverman Gallery of Tel Aviv has launched his three-channel video ‘Kept Alive’. It focuses on the largest cemetery in Jerusalem, known as Mountain of Rest. The video length is 22 minutes and half, time that an undertaker needs for opening and closing a grave. That is what is displayed on one channel, because on the other two channels are the result of seven weeks of recording the activities and rituals that took place in the cemetery, and the videos are interrelated. Not only they reflect the activities and rituals, but also the opposing positions of Jews and Palestinians. Has to be with a place away from everyday life, and activities that take place at their own pace. Pereg depicts the autonomy of the rituals as something with a higher significance to everyday life. The rituals transcend. These thoughts are reinforced by the mountain that adapts its shape to the activities carried out there, as if it was another life form. The sounds that accompany the images were recorded in other places, and then added to the corresponding scenes, as if to symbolize the identity of the rites themselves. The overall result of the triptych is a serene composition with chamber music 48

Vasco Araújo; ‘Mulheres d’Apolo’, 2010. Video 16:9 Duración 18’00’’ Fotograma cortesía del artista y Galería Filomena Soares, Lisboa

asociaciones con una composición de música de cámara en forma de trío sonata. La artista fue galardonada recientemente con el premio de la Fundación Nathan Gottesdiener. Este año, el multidisciplinario portugués Vasco Araújo (1975) estuvo presente con su video ‘Mulheres d’Apolo’ (Mujeres de Apolo), presentado por la Galería Filomena Soares. Más que un video, parece un cortometraje realizado con la participación de un gran número de actores. Como método de expresión recurrente en la obra de Araújo, y también en este video, el artista interpreta un papel que corresponde al otro sexo. Aunque, aquí, se produce un doble intercambio, pues se personifica en el cuerpo de una mujer y ésta, a su vez, es una actriz que cede su voz para que se escuche la del artista. Tan enigmático y confuso como la búsqueda y la definición de la identidad propia; la interna, la impuesta y la que presentamos. Con este tema que sirve de motivación de gran parte del trabajo de Araújo, en Mujeres de Apolo presenta a una mujer de mediana edad que busca escaparse de su destino de mujer maltratada, y que acude a la elegante escuela de baile de la Sociedad Filarmónica de Alumnos de Apolo. Allí busca lo que no le da la vida real. El monólogo que pronuncia consiste en citas de textos seleccionados por el artista, entre ellos ‘Las Troyanas’ de Eurípides. Las palabras que reflejan el heroísmo y la inteligencia de las mujeres ante la derrota, ganan en dramatismo por el anhelo de elegancia y reconocimiento de la mujer en un lugar que evoca la sensación de “algo que nunca fue”. Este lugar comparte nombre con el dios que ayudó a construir las murallas de Troya y privó a su sacerdotisa, Casandra, de la capacidad de ser escuchada. El resultado de esta producción es un emocionante relato sobre conflicto psicológico y social en forma de película de 18 minutos de duración. Podrá ser visto en la Fundación Calouste Gulbenkian, en Lisboa, hasta el 6 de septiembre. Los videos de la danesa Jeannette Ehlers (1973) proyectados por ROHDE CONTEMPORARY son entrañables y emocionantes. La técnica empleada en la realización es de una calidad admirable, consiste en la manipulación digital de cada imagen. Luego, la elección de música apoya fuertemente lo visual en sus trabajos. Tanto en el video ‘Black Magic at The White House’ (Magia Negra en la Casa Blanca) como en ‘Three Steps of Story’ (Tres Pasos de Historia) Ehlers hace referencia al papel del comercio de esclavos, el llamado comercio triangular, en la historia danesa. El escenario es una casa, construida en 1744, que tuvo como ocupante a un rico comerciante de esclavos. Ahora es la residencia oficial del primer ministro y Ehlers, hija de un padre de las Indias Occidentales, impregna la casa con la huella de los que formaron esa fuente de riqueza. En ‘Magia Negra en la Casa Blanca’ recrea las sombras de un antepasado bailando un baile de vudú, al ritmo creciente de los bongos. En ‘Tres Pasos de Historia’, se le ve bailando como reflejo de los múltiples espejos del salón de baile. ¿Tratándose de un aspecto de la historia ignorado durante mucho tiempo, será que su elección de un vals de Strauss simboliza un nuevo capítulo? Ehlers ha participado en distintas exposiciones internacionales y en la 53° edición de la Bienal de Venecia.

in the form of a trio sonata. The artist was recently awarded with the prize of the Nathan Gottesdiener Foundation. This year, the multidisciplinary Portuguese Vasco Araújo (1975) was present with his video ‘Mulheres d’Apollo’, presented by the Galeria Filomena Soares. More than a video it looks like a short film made with the participation of many actors. As a recurring method of expression in the work of Araújo, also in this video, the artist plays a role that corresponds with the opposite sex. Although there’s a double exchange, because in his embodiment as a woman, is an actresss that lends her voice to listen the voice of Araújo. As enigmatic and confusing as the search and definition of the self, the internal, the imposed and that that we present to others. This issue motivates much of the work of Araújo, ‘Women of Apollo’ presents a middle-aged woman seeking to escape his fate of being a battered woman, that goes to an elegant dance school of the Philharmonic Society of Students Apollo. There she seeks what she doesn’t have in real life. The monologues he utters are selected quotations by the artist, including ‘The Trojan Women’ by Euripides. The words reflect the heroism and intelligence of women toward defeat, and they reach a dramatic level by showing the desire for elegance and recognition of women, all in a place that evokes the feeling of ‘something that never was’. This site shares its name of the god who helped to build the walls of Troy and deprived her priestess, Cassandra, of the ability of being listened. The result of this production is an exciting tale about psychological and social conflict in a film of 18 minutes length. It can be seen in the Calouste Gulbenkian, Lisbon, (until September 6). The videos of the Danish Jeannette Ehlers (1973) screened by ROHDE CONTEMPORARY are intimate and exciting. The technique used in his works is of admirable quality, consists in the digital manipulation of each image. Then the music choice relies heavily in the visual part of her work. In Both the video ‘Black Magic at The White House’ and ‘Three Steps of Story’ Ehlers refers to the role of the slave trade, the so-called triangular trade in Danish history. The scenery is a house, built in 1744, which had as an occupier a wealthy slave trader. Now is the official residence of Prime Minister and, Ehlers, daughter of a father from Western India, permeates the house with the footprint that formed that great source of wealth. In ‘Black Magic at The White House’ recreates the shadows of an ancestor dancing a dance of voodoo at the increasing pace of the bongos. In ‘Three Steps of History’, dancing is seen as a reflection of the many mirrors of the ballroom. This is an aspect of her history often ignored. However, Do the choice of a Strauss waltz symbolizes a new chapter? Ehlers has participated in various international exhibitions and in the 53º edition of the Venice Biennale. 49

PHOTOGRAPHY

IN The

ART Por//KARLA GLEZ karla@taxiartmagazine.com

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La fotografía ha sufrido un largo proceso hasta lograr el ansiado estatus de obra artística. En este artículo analizamos cómo ha sido está evolución y analizamos el trabajo de algunos de los artistas más importantes del momento. /Photography has suffered a long development until achieving the longed-for status of artistic work. In this article we analyze the evolution of its development as well as the work of some of the most important artists of the moment.

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Intentar captar las influencias que han marcado la fotografía artística contemporánea es una tarea casi imposible. El dominio es demasiado vasto y variado, contradictorio e inalcanzable. Sus referencias provienen de fuentes diversas, de todos los medios artísticos y de todas las teorías. La fotografía, como arte contemporáneo, contribuye a una relectura del mundo, con nuevas pistas para su interpretación. Susan Sontag afirma: “La fotografía es, antes que nada, una manera de mirar; no la mirada misma.” La fotografía nos confronta con nuevas e incesantes preguntas deshaciendo la idea de que todo ya está escrito. La fotografía no deja de evolucionar y por eso es difícil definirla. Por su naturaleza discursiva ha generado importantes debates sobre su estatuto y su valor como forma artística. No dispone de un carácter intrínseco y genera continuamente la pregunta: “¿Será realmente arte?” Pero esto es un leitmotiv que se ha planteado desde el principio de su relativamente corta, pero compleja historia. La historia de la fotografía se inicia a principios del siglo XIX, cuando en el año 1816, el científico francés, Nicéphore Niepce obtuvo las primeras imágenes fotográficas, aunque la fotografía más antigua que se conserva es una imagen conocida como ‘Vista desde la ventana en Le Gras’, obtenida en 1826. Aunque la primera fotografía artística surge en 1890 en Europa, cuando un grupo de fotógrafos aplica técnicas de manipulación a la toma y al positivado, dando así lugar a obras únicas. Obras que generarían la primera confrontación con los pintores que se negaron a reconocer To try to capture the influences that have marked contemporary artistic photography is an almost la artisticidad de la fotografía y atribuían impossible task. The domain is too vast and varied, contradictory and unattainable. Its references a la máquina todo el trabajo. Pero, hoy en come from diverse sources, from all artistic means, and from all theories. Photography as contem- día, la fotografía de arte se ha convertido porary art contributes to a new reading of the world, with new pathways for its interpretation. en un espejo de nuestra realidad, en una Susan Sontag maintained that ‘photography is, first of all, a way of looking. Not the look itself’. fuerza estética que provoca sensaciones y Photography incessantly confronts us with new questions, undoing the idea that everything has emociones. Silvio Vietta, en su libro ‘Esalready been written. Photography does not stop evolving and that’s why it’s difficult to define. Be- téticas de un mundo moderno’, la clasifica cause of its discursive nature it has generated important debates about its status and its value as en cinco grandes géneros apelando a los an artistic form. It doesn’t have an intrinsic character, so it constantly generates the question: ‘Is efectos que provoca. Vietta nos habla de la it really art?’ But this is a leitmotiv that has been raised from the beginning of its relatively short, fotografía de la imaginación, la fotografía and yet complex history. Photography’s history starts at the beginning of the 19th century. The de la emoción, de la memoria; también, la first photographic images were obtained by the French scientist Nicéphore Niepce, in the year fotografía de la asociación y la fotografía de 1816, though the oldest photograph that remains is an image known as ‘View from the window la sensación. La denominada fotografía de in Le Gras’, obtained in 1826. But the first artistic photography arose in Europe in 1890, when a la imaginación es la que el autor más ha degroup of photographers applied manipulation techniques to capturing images and print them, gi- sarrollado en los últimos años de la mano ving rise to unique works. These works generated the first confrontation with the painters, who de las nuevas tecnologías. Son imágenes refused to recognize photography’s artistry, but rather attributing all the work to the machine. But que están dominadas por la fantasía, piezas nowadays photographic art has turned into a reflection of our reality, into an aesthetic force that que, a ocasiones, vienen acompañadas de provokes sensations and emotions. Silvio Vietta, in his book ‘Aesthetics of a modern world’, clas- ilustraciones y su finalidad es crear nuevas sifies it under five main types depending on the effects that it provokes. Vietta speaks to us about realidades, nuevos mundos inusuales que the photography of the imagination, the photography of the emotion, the photography of memory, nos hagan soñar. the photography of association and the photography of the sensations. These are images that are dominated by fantasy, photographs that, on many occasions, are accompanied by illustrations and their purpose is to create new realities, new strange worlds that make us dream.

La fotografía como arte contemporáneo contribuye a una relectura del mundo, con nuevas pistas para su interpretación. Afirma Susan Sontag que “la fotografía es antes que nada, una manera de mirar. No es la Mirada misma.” La fotografía nos confronta con nuevas La fotografía de la emoción, por otra parte, se centra en mundos personales con todas sus relaciones y sus e incesantes preguntas problemas. Son lugares y situaciones que subyacen a las emociones humanas, como puede ser una escena deshaciendo la idea de de una noche iluminada por la luna, unas ruinas, tumbas, ventanas rotas, agujeros de bala, etc... La fotoque todo ya está escrito. grafía de la memoria apela a las impresiones, percepciones y experiencias que se almacenan en la mente.

Como el trabajo de Anuschka Blommers & Niels Schumm que, aunque retratataba a modelos actuales, lo hizo rememorando la estética de los años 80 y esto transportaba al espectador directamente a esos años. La fotografía de asociación rompe la cadena causa-efecto, y promueve ideas que no tienen equivalente en la realidad que hemos experimentado, es decir, genera procesos creativos en la mente del observador. Un ejemplo de esto es Ruud van Empel, cuando presentó la serie de niños con el pelo rubio ojos azules y blancos fue acusado de racismo. Para responder a esta acusación, el artista presentó una serie de fotografías de niños negros teniendo como fondo la vegetación tropical. Este fondo se asociaba directamente a las pinturas de la jungla de Henry Rousseau, con The photography of emotion, on the one hand, is focused on personal worlds with esto, Van Empel, abría un campo a la asociación en all their own relationships and problems. They represent places and situations that la dirección contraria. Introducía a los niños de coallude to the human emotions, such as: a night scene illuminated by the moon, a lor en el rango de la asociación de la inocencia que few ruins, tombs, broken windows, bullet holes, etc... The photography of memory en la historia del arte siempre se había asociado a alludes to the impressions, perceptions and experiences that are stored in the los niños blancos. La fotografía de la sensibilidad, mind. An example of this is the work of Anuschka Blommers and Niels Schumm, por su parte, apela a la percepción a través de todos in which models appear to be characterized by the 80’s aesthetic, so the spectator los sentidos humanos. Todo lo que vemos, oímos, is transported directly to those years. The photography of association breaks the saboreamos, tocamos y olemos se percibe y tiene un cause and effect chain and promotes ideas that do not have an equivalent in the efecto en nosotros. Son fotografías que despiertan reality that we have experienced. That is to say, it generates creative processes in nuestros sentidos y exigen del espectador una acthe mind of the observer. An example of this is Ruud Van Empel, who was accused titud activa. Esta tipología de la fotografía de arte of racism when he presented the series of photos of blue-eyed blond children. To contemporáneo elaborada por Silvio Vietta nos perreply to this accusation, the artist presented a series of photographs of black chilmite conocer a grandes rasgos las líneas de trabajo dren surrounded by tropical vegetation, a background that was directly associated que se están desarrollando en la fotografía artística to Henry Rousseau’s paintings of the jungle. With this, Van Empel was opening a actual. En este artículo se ha querido abordar el mofield of association in the opposite direction. He was introducing coloured chilmento actual de la fotografía de arte pero además dren in a context of innocence that in the history of art has always been associated presentar algunos de los artistas que están innovanwith white children. The photography of sensibility, for its part, appeals to percepdo y creando obras que sitúan a la fotografía de arte tions through the five senses. Everything we see, we hear, we taste, we touch and en el anhelado estatus que le corresponde. we smell, is perceived; and all this has an effect on us. These images arouse our senses and require an active attitude from the viewer. This article has been written with the aim of tackling the current trends in artistic photography, but also to present several of the innovative artists who are creating works that are bringing to artistic photography the longed-for status that it deserves.

Guadalupe Ruiz, Bogotรก D.C. / Estrato 5 18x21cm C-Print 2002

guaDaLupe

RuIz Por// MARTIN JAEGGI

Guadalupe Ruiz, Bogotá D.C. / Estrato 3 18x21cm C-Print , 2002

Las fotografías de Guadalupe Ruiz están muy influenciados por su país natal, Colombia, y por su familia; pero también reflejan el ambiente de Europa occidental en el que han sido tomadas, y los clichés de los medios de comunicación de Colombia y la cultura de América Latina que la mayoría de los observadores traen consigo cuando miran su trabajo. Ella deja a menudo a los espectadores en un estado de incertidumbre en cuanto a si se trata de representaciones de sus propios prejuicios o de las cosas como realmente son. Esto es especialmente llamativo en sus numerosos retratos de hombres y mujeres. Para muchas personas, América Latina es el epítome de la cultura machista. A primera vista, los retratos de Ruiz parecen confirmar esta idea: las mujeres parecen de sangre caliente, y los hombres sinvergüenzas. Sin embargo, con un examen más cercano, uno se da cuenta de que estas imágenes han sido claramente organizadas y las poses, lejos de transmitir una expresión natural, son casi caricaturas. ¿Qué constituye exactamente a la realidad o artificialidad? Simplemente no es cierto, y el observador está solo con sus preguntas. Luego, está obligado a centrarse en su forma de percibir. Las fotografías de Ruiz nos muestran cómo, en nuestro medio globalizado, y sobre saturado, las fronteras entre la ficción y la realidad son cada vez más vagas. Su trabajo, como cualquier otra cosa, es un comentario sobre el papel ambivalente de las imágenes en el presente postcolonial y sobre nuestra “supuesta” familiaridad con las realidades ajenas que tratan de inculcarnos imágenes como estas. 56

Guadalupe Ruiz, Bogotá D.C. / Estrato 5 18x21cm C-Print 2002

Guadalupe Ruiz photographs are heavily influenced by her homeland, Colombia, and her family, but also reflect the Western European environment in which they are taken, and the mass-media clichés of Colombia and Latin American culture that most observers bring with them when they look at her work. She often leaves onlookers in a state of uncertainty as to whether these are representations of their own preconceptions or things as they really are. This is particularly striking in her numerous portraits of men and women. For many people, Latin America is the epitome of macho culture. At first sight, Ruiz’s Pictures seem to confirm this notion: the women look hot-blooded, and the men hard-nosed. On closer inspection, however, one realizes that these images have clearly been staged and the poses, far from conveying any natural expression, are in fact almost caricatures. What exactly constitutes reality or artificiality? Is simple not certain, and the observer is alone with his questions, and then force him to focus on his own ways of perception. Ruiz’s photographs show us how, in our globalizad media-saturated World, the borderlines between fiction and reality are becoming increasingly indistinct. Her work, as much as anything else, is a commentary on the ambivalent role of images in the post-colonial present, and on our supposed familiarity with foreign realities which these images seek to inculcate into us.

Guadalupe Ruiz, ‘Chicken Lips’ 90x 111cm C-Print , 2006

Guadalupe Ruiz, ‘Donald Trump’ 90x111cm C-Print, 2006

Guadalupe Ruiz, Bogotรก D.C. / Estrato 6 18x21cm

C-Print 2002

shIrana shahBazI

Shirana Shahbazi Stilleben-26-2008Cprint

Nacido en Teherán, en 1974, Shahbazi se trasladó a Alemania cuando tenía 11 años, estudió fotografía en Dortmund, antes de trasladarse a Zurich, donde asistió a la Hochschule für Gestaltung und Kunst. Después de producir dos series de éxito, ‘Goftare Nik’ / ‘Buenas palabras’ (19982003) y ‘The Garden’ (2002), la carrera de Shahbazi dio un paso adelante en el año 2002, cuando fue nominado para el Premio Citibank de Londres, junto con apuestas más seguras como Thomas Ruff y Philip-Lorca diCorcia. Shahbazi, sorprendentemente, ganó el premio, acontecimiento inesperado que de pronto expuso su trabajo a la cobertura de la prensa más importante y así llegó a participar en la última Bienal de Venecia. Ahí, Shahbazi mostró ‘La Anunciación’, enorme pintura mural que representa varias caras de una joven mujer, posiblemente una Virgen. El trabajo era visto como una salida, pero en realidad su implicación con la pintura se remonta largo tiempo atrás. Lo cotidiano es un tema común en el trabajo de Shahbazi. Pues, ya sea trabajando en el oeste de Estados Unidos, Shanghai, su actual sede en Zurich, o en otro lugar, Shahbazi tiene un especial sentido para captar lo cotidiano. Sin embargo, los libros y afinadas instalaciones que resultan de estos viajes esgrimen sus propias razones. Mientras que sus imágenes pueden tentarnos con cierto sentido de pertinencia, las secuencias que nos presenta se convierten en lugares con un sentido y significado univoco. Su exposición consta de una selección de géneros fotográficos y fotografías ocasionalmente traducidas a pintura (y a veces se traducen de nuevo a fotografías). Estas secuencias son reflejo de un análisis del medio fotográfico, involucran una miríada de formas. Shahbazi utiliza, presumiblemente, fotografía “normal” para subrayar la naturaleza de la construcción del significado fotográfico. El artista participará en la octava Trienal Internacional de Fotografía de Esslingen, Alemania (27.6.-19.9.2010).

Born in Tehran, in 1974, Shahbazi moved to Germany when she was 11, studied photography in Dortmund, before moving to Zurich, where she attended the Hochschule für Gestaltung und Kunst. After producing two successful series, ‘Goftare Nik’/‘Good Words’ (1998-2003) and ‘The Garden’ (2002), Shahbazi’s career took a further step forward in 2002, when she was shortlisted for the London Citibank Prize along with safer bets Thomas Ruff and Philip-Lorca diCorcia. Shahbazi won the prize out of the blue, an unexpected event that suddenly exposed her work to major press coverage and led to her participation in the last Venice Biennale. In Venice, Shahbazi showed ‘The Annunciation’, a massive wall painting depicting several faces of a young woman, possibly a Madonna. The work was seen as a departure for her, but in reality her involvement with painting goes back a long way. The everyday is a common theme in Shahbazi’s work. Whether she’s working in the Western United States, Shanghai, her current home of Zurich, or elsewhere, Shahbazi has a sense for capturing the quotidian. Yet, the books and finely tuned installations that result from these travels yield other motives. While her images may entice us with a sense of place, the sequences she presents become their own unique places of meaning. Consisting of a selection of photographic genres, and occasional photographs translated into painting (sometimes then translated back to photography), these sequences are an analytical reflection of photographic media. Engaging its myriad forms, Shahbazi uses presumably ‘normal’ photography to underscore the constructed nature of photographic meaning. The artist will participate in the upcoming 8th International Photo Triennial Esslingen, Germany (27.6.-19.9.2010).

Shirana Shahbazi [Stilleben-31-2009] C-print Copyright the Artist Courtesy Bob van Orsouw Gallery, Zurich 63

Massimo Vitali Tras una larga trayectoria como fotoperiodista, Massimo Vitali fotografía, desde 1994, encaramado a una plataforma de cinco metros, con una cámara de placas de gran formato (20x25cm). Bajo ella, playas, discotecas, estaciones de esquí, supermercados, piscinas, variados lugares de ocio repletos de gente que quedan encuadrados bajo la denominación de ‘no lugares’, que se ha hecho tan popular. Sus copias son limpias, pálidas y detalladas. Casi asépticas. Y enormemente grandes. Reúnen todos los requisitos para que, una vez presentadas en el envoltorio adecuado, circulen alegremente por el intrincado y caprichoso circuito del arte. Los ‘no lugares’ son aquellos espacios del anonimato donde habitualmente el usuario sostiene una actitud de paso, protegido por la presencia de muchas otras personas que garantizan su falta de identidad y cierta indiferencia por su presencia, siempre que cumpla con los requisitos que se le exigen. Son espacios que existen en tanto en cuanto son practicados, es el uso el que los constituye y se evaporan en el momento en que dejan de utilizarse. Es un concepto muy volátil, pero que inmediatamente ha generado un interés legítimo de los fotógrafos por representar aquellos espacios que se han identificado como representativos de cierta forma de sentir la modernidad, donde aparentemente las relaciones humanas son más frías e impersonales, y donde parece que haya tocado fondo cierta forma de estar en sociedad, tan alejada de aquello que se supone genuinamente humano. Porque en su interés casi entomológico (el propio Vitali habla de cómo a veces percibe a las personas desde su atalaya de cinco metros como mariposas susceptibles de ser atravesadas por un alfiler), o por cómo los seres humanos se comportan en esos espacios calificados como ‘no lugares’ subyace una ingenua crítica, elitista distancia, altivo desdén. La realidad es que esos ‘no lugares’ son ya desde hace muchos años los verdaderos lugares, aceptados por millones de personas e interiorizados socialmente, donde suceden tantas cosas como en aquellos otros espacios donde oficialmente pasan las cosas. Es decir, mirar las playas masificadas, los centros comerciales, las discotecas o las estaciones de esquí como lugares culpables, confusos, anodinos, sin identidad, hijos bastardos de la modernidad, habitados momentáneamente por masas de personas 64

Massimo Vitali, Rosignano diptych, C-print, diasec, mounted on dibond, 180 x 440 cms

After a long career as a photojournalist, Vitali photographs, since 1994, perched from a platform of five meters high, with a plate camera of large format (20x25cm). Beneath its platform: beaches, nightclubs, resorts, supermarkets, swimming pools, and varied entertainment venues; places full of people who are framed under the name of ‘non-places’, which today has become very popular. His prints are clean, pale and detailed. Almost aseptic, and extremely large. They meet all the requirements, once presented in the appropriate packaging, to move merrily along the intricate and whimsical circuit of art. The ‘non-places’ are those areas of anonymity where the user typically maintains a transitory attitude; this is protected by the presence of many others that need to ensure their lack of identity, and some sort of indifference to his presence, always as they meet to the provided requirements imposed upon them. They’re spaces that exist only for a moment, that is, it’s only their utilization what constitutes them, and they evaporate at the time they cease to be used. This concept is very volatile, but immediately generated a legitimate interest of photographers, because they represent those areas that have been seen as identifying with some aspects of perceiving modernity. Where, apparently, human relationships are more cold and impersonal, where it seems we have bottomed out with our way of being in society, so far away from what is assumed genuinely as human. Because the almost entomological interest (Vitali himself sometimes talks about how perceives people from his vantage point of five meters, as if they were butterflies susceptible to be traversed by a pin), for how human beings behave in such areas, classified as ‘non-places’, there underlies a naïve criticism, an elitist distance, a haughty disdain. The reality is that these places are not, as for many years, real places. But they’re accepted by millions of people and internalized socially; here so many things happen, as in those other places where things happen officially. That is, look at crowded beaches, shopping malls, nightclubs or resorts as dull places full of guilt, confusion, without identity, bastard children of modernity, temporarily inhabited by masses of people apparently alienated, this means departing from a supposition that is, at least, very dangerous; because it leads to qualify them as ‘non-persons’, with all its implications. Perhaps, is quite the opposite, and these ‘non-places’ are the ones that are passively receiving the ephemeral 65

aparentemente alienadas. Significa partir de un presupuesto, como mínimo, peligroso; porque nos conduce a calificar a quienes en ellos se encuentran como ‘no personas’, con todo lo que ello conlleva. Quizás, sea totalmente lo contrario, y no sean esos ‘no lugares’ los que reciban pasivamente la visita efímera de quien por allí pasa, sino que ese tránsito sea el que otorga a determinados lugares –siempre diferentes- la categoría de ‘no lugares’. Massimo Vitali sigue un método estable y bien apuntalado teóricamente. Giovanna Calvenzi dijo de él que “adopta el punto de vista del príncipe”, un punto de vista elevado desde donde los príncipes renacentistas eran los únicos que podían apreciar las representaciones teatrales de la mejor forma posible. Pero aspirar a un punto de vista elevado para obtener una mejor visión ha sido algo habitual en la historia de la representación gráfica, al margen de la ubicación de tal o cual príncipe. En cuanto a los fotógrafos, algunos suben a pequeñas escaleritas, otros alargan el brazo, muchos buscan pisos altos y otros, como Matthias Koch, utilizan escaleras de bomberos. Además, el príncipe mira desde el poder, su mirada resbala por las nucas de sus súbditos, sin preocuparse por ellos ni por sus vidas. Para él, evidentemente, lo que hay allá abajo son ‘no personas’ sobre las que tiene potestad, algo que recuerda a ese otro punto de vista de la modernidad, mucho más real, como es el de las miles de cámaras de videovigilancia que nos observan desde su ubicuo y particular punto de vista de príncipe. Es posible que todo se vea más claro desde allá; pero, quizás, la decisión de adoptar su punto de vista no sea suficiente. Quizás para ocuparse de las vidas de las personas sea necesaria cierta cercanía, sentir el olor a patatas fritas, el roce de la piel y de la arena, el sudor, los gritos y los niños salpicando agua. La calidad de la mirada de los príncipes suele dejar poco que desear. Ciertamente, a lo largo de la corta historia de la fotografía, se ha privilegiado un tono épico que ha calado hondo en la cultura visual, y que se ha visto sustituido en los últimos años por una ética y una estética de lo anodino. Nos cuesta aceptar lo anodino porque la cultura del espectáculo nos impone un altísimo nivel de divertimento o de acción, mientras que la vida normalmente gira a distinta velocidad. De acuerdo, otorguemos a la anodinia su lugar (o su ‘no lugar’ ). Pero, conformémonos con su monotonía. 66

Massimo Vitali, Riccione diptych, C-print, diasec, mounted on dibond, 180 x 440 cms. Imágenes: cortesía Massimo Vitali y Galeria Senda

visit of those who passed through, maybe that transition is the granting to certain places — always different — of the category of ‘non-places’. Massimo Vitali follows a stable and well underpinned theoretical method. Giovanna Calvenzi said that him that ‘adopts the perspective of the prince’ a high point of view from which Renaissance princes were the only ones who could appreciate the drama in the best way possible. But to aspire to a high point of view, or get a better view, has been common in the history of the graphic representation, regardless of the location of this or that prince. Regarding to the photographers, some of them climb small ladders, most of them elongated arms, others look for upper floors and, some, like Matthias Koch, use a firefighter ladder. In addition, the Prince looks down from power, his gaze slips down the nape of his subjects, without worrying about them or for their lives. To him, obviously, what’s down there is nonpeople over whom he has authority, something that remind us of that other point of view of modernity, much more real, as the thousands of video surveillance cameras watching us from its ubiquitous and personal point of view of the Prince. You may see more clearly everything from there, but perhaps the decision to adopt this point of view is not enough. Perhaps, for dealing with people’s lives, closeness is needed, just to feel the smell of chips, the chafing of skin and sand, sweat, smell, shouts and children splashing water. The quality of the gaze of the princes often leaves us with displeasure. Certainly, over the short history of photography, an epic tone has been privileged that has penetrated deep into our visual culture, and has been replaced in recent years by an ethic and aesthetic of the insubstantial. Is hard to accept the anodyne, this because the culture of the spectacle imposes among us a high level of entertainment or action, while normal life revolves at a different velocity. Okay, let’s give to the anodyne the place it deserves (or its ‘non-place’). But let’s try to be satisfied with its monotony.

AnuschKa Blommersniels schumm

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‘RETRATOS HIPER-REALISTAS’

-------------------------------------------------------------------------------------Los fotógrafos Blommers Anuschka y Schumm Niels disfrutan de la fama mundial por su trabajo hiper-estético, ultra-estético, retratos y fotografía s de naturaleza quieta. El Museo de Groninga, fue donde el dúo fue honrado con una retrospectiva en 2006. Y describe su estilo como “etapas de artificialidad”. Cualquier persona puede ser un modelo para Blommers & Schumm. El dúo de fotógrafos (ambos nacidos en 1969) se destacan por retratos cristalinos de gente “normal” y modelos. A menudo, fotografian sus sujetos frente a telones de fondo austero, en lugares tales como salas de estar y dormitorios. En su trabajo de estudio, basado en un estilo meticuloso, a veces hay cables o aparatos fotográficos esparcidos simplemente alrededor. En la serie ‘Clase de 98’ retrata a jóvenes prometedores, sobre un fondo azul, y es muy famosa: los modelos tienen peinados extravagantes, sin embargo, sus ojos delatan señales de inseguridad. En 2006, el Museo del Convento Catharijne en Utrecht encargó el dúo retratar dignatarios religiosos de alto rango. Obras de Blommers & Schumm han aparecido regularmente en publicaciones internacionales como ‘ReMagazine’, ‘i-D Visionaire’, ‘Flash Art’, ‘The New York Times’ y ‘Fantastic Man’. El libro ‘Anita and 124 other portraits by Anuschka Blommers and Niels Schumm’, es un resumen con los retratos de la actriz Chloe Sevigny: novias, madres y patatas, se publicó en 2006. Schumm y Blommers han estado trabajando juntos desde que se graduaron en la Academia Rietveld en 1996. En 1998, ganó el Best Young Fashion Photography en el Festival International des Arts de la Mode de Hyères, Francia. --------------------------------------------------------------------------------------

‘HYPER REALISTIC PORTRAITS’

-------------------------------------------------------------------------------------The photographers Anuschka Blommers and Niels Schumm enjoy worldwide renown for their hyper-aesthetic ultra-aesthetic fashion, portrait and still life photography. The Groninger Museum, was where the duo was honored with a retrospective in 2006. And described their style as ‘staged artificiality’. Anyone and everyone can be a model for Blommers & Schumm. The photography duo (both born in 1969) excel in crystal-clear portraits of ‘normal’ people and models. They often photograph their subjects against austere backgrounds and in locations such as living-rooms and bedrooms. In their meticulously styled studio-based work, there are sometimes cables or photographic equipment simply scattered around. The ‘Class of 98’ series, in which they portrayed young, promising, models, against a blue background, is famous: the models have bizarre coiffures, yet their eyes betray a hint of insecurity. In 2006, the Museum Catharijne Convent in Utrecht commissioned the duo to portray high-ranking religious dignitaries. Works by Blommers & Schumm have been featured regularly in international publications such as ‘Re-Magazine’, ‘i-D, Visionaire’, ‘Flash Art’, ‘The New York Times’ and ‘Fantastic Man’. The book ‘Anita and 124 other portraits by Anuschka Blommers & Niels Schumm’, is an overview with portraits of the actress Chloé Sevigny, girlfriends, mothers and potatoes, it was published in 2006. Schumm and Blommers have been working together since graduating from the Rietveld Academy in 1996. In 1998, they won the Best Young Fashion Photography Award at the Festival International des Arts de la Mode in Hyères, France.

Anuschka Blommers71 and Niels Schumm, ModeDepescheYSL1, ModeDepescheYSL2, ModeDepescheYSL3,

MARNIX Gosenss

Marnix Gossens, Outsight 2009,125x60 cm, C-print

Nació en 1967 en Leeuwarden (Países Bajos), pero vive y trabaja en Amsterdam. Desde la finalización de sus estudios, en 1996, en el departamento de fotografía de la Hogeschool voor de Kunsten en Utrecht, Marnix Goossens ha trabajado en una amplia variedad de géneros: etapas de autorretratos, paisajes, naturalezas muertas y desnudos eróticos. Abarca estos campos con ojos sensibles a la belleza, capacidad de extrañamiento ante objetos simples, situaciones de humor desabrido y una cierta simpatía por lo anecdótico. Siempre hay un descubrimiento visual en sus imágenes tamizadas con múltiples capas y un juego de palabras que es resultado de una búsqueda intensa y determinada. Su referencia no es tanto el medio fotográfico, como las cualidades formales de la pintura y la escultura. La tensión entre la superficie plana y el espacio tridimensional, la escala de ricas tonalidades de los objetos y lugares, esto profundiza la comprensión de nuestro entorno diario. Como miembro de la agencia neerlandesa Foto Solar, Gossens también utiliza su estilo característico en los consejos de redacción de varias revistas y agencias de publicidad. En 2006, las diferentes calidades de su obra artística se combinaron en la publicación ‘Deep Light’. He was born in 1967, in Leeuwarden (Netherlands), but lives and works in Amsterdam. Since completing his Studies, in 1996, at the photography department of the Hogeschool voor de Kunsten in Utrecht, Marnix Goossens has worked within a wide variety of genres: staged self-portrait, landscape, still-life and erotic nude. In all these fields he combines a remarkable eye for beauty and estrangement of simple objects and situations with a dry humor and a feeling for the anecdotal. There’s always a visual discovery to be made in his multilayered images, a pun that is the result of intense and concentrated looking. His reference is not so much the photographic medium, as the formal qualities of painting and sculpting. The tension between the flat surface and three-dimensional space, and the rich scale of tonalities of objects and places, deepens our insight into our daily surroundings. As a member of the Dutch Photo agency Solar, Gossens also uses his characteristic style in editorial commissions for magazines and advertising companies. In 2006, the different artistic qualities of his work were combined in the publication ‘Deep Light’.

Marnix Goossens, ‘Outsight’ 2009,125x60 cm, C-print

Marnix Goossens, ‘Untitled 5’ 2004 Cibachrome print 40 x 30 cm Courtesy Flatland Gallery, Utrecht-Paris 73

CHARLES FREGER Por// Martin Jaeggi

La gente de uniforme son la encarnación viviente de la ambivalencia, y muchas veces hay una tensa relación entre el individuo y la sociedad, el miembro y el Grupo, la voluntad y la función. Este es el punto focal de la obra de Charles Fréger. Desde 1999, ha recorrido el mundo fotografiando las distintas categorías de personas que usan uniformes y cuya aparición esta prescrita para ellos: los guardias reales en diferentes cortes europeas, legionarios extranjeros, la Guardia Suiza, los monjes budistas, los luchadores de sumo, los actores muy maquillados de la ópera de Beijing, hasta jugadores de waterpolo y hockey sobre hielo, estudiantes, exploradores, marineros, policías, etc. Fréger está particularmente interesado en la relación del cuerpo con el grupo: cómo el grupo se inscribe en el cuerpo, y cómo los cuerpos se fusionan en el grupo. Esta tensión dinámica entre grupo e individuo se ve reforzada en el trabajo de Fréger por sus referencias a la iconografía del retrato clásico, en particular las de la escuela flamenca. Las fotografías de Charles Fréger son una manera elegante de cuestionar ciertos elementos básicos de la existencia humana, y muestran cómo la fotografía puede ser utilizada como una especie de antropología poética.

People in uniform are the living embodiment of the ambivalence, and often there’s a tense relationship between the individual and society, the member and the Group, the will and the function. This is the focal point of Charles Fréger’s work. Since 1999, he has travelled the world photographing different categories of people who wear uniforms and whose appearance is prescribed for them: royal guards at different European courts, foreign legionnaires, Swiss Guards, Buddhist monks, sumo wrestlers, the heavily made-up actors at the Beijing opera, water polo and ice-hockey players, schoolchildren and students, scouts, sailors, policemen, etc. Fréger is particularly interested in the relationship of body to group: how the group inscribes itself into and onto the body, and how bodies amalgamate into the group. This dynamic tension between group and individual is reinforced in Fréger’s work by his references to the iconography of classical portraiture, particularly that of the Flemish School. The photographs of Charles Fréger are an elegant way of questioning certain basic elements of human existence, and they show how photography may be used as a kind of poetic anthropology. 75

Charles Freger, ‘Opera 20’, Opera , 2005 C-Print 93x58cm

Charles Freger, ‘Opera 18’, Opera , 2005 C-Print 93x58cm

ruud Van empel

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1958, BREDA, THE NETHERLANDS

-------------------------------------------------------------------------------------Es un verdadero creador de atmósferas nuevas. Sus famosas imágenes de un mundo alucinatorio en el que muchas veces los niños toman una postura, está más allá de la creación informatizada de fotografías. Siendo uno de los primeros protagonistas del foto-arte, Ruud van Empel combina el uso de la fotografía con la tecnología informática de una manera casi sin precedentes. Al referirse a las nociones inmemoriales de la virtud y la inocencia, sus obras son interesantes tanto desde el ángulo históricoartístico e histórico-cultural. Al mismo tiempo, sus increíbles habilidades con las técnicas contemporáneas son un reto y diálogo permanente con la sociedad actual. Ruud van Empel abre posibilidades desconocidas y nuevas direcciones en el arte. 78

Ruud Van Empel, !Brothers & Sisters #1â&#x20AC;? 2010 Cibachrome print 120 x 120 cm Courtesy Flatland Gallery, Utrecht-Paris

Ruud Van Empel, ‘Untitled 5’ , 2004 Cibachrome print 40 x 30 cm Courtesy Flatland Gallery, Utrecht-Paris

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1958, BREDA, THE NETHERLANDS

-------------------------------------------------------------------------------------Academy of Fine Arts Sint Joost, Breda 1976-1981 He’s a true creator of new atmospheres. His famous images of a hallucinatory world in which often children take a pose, are beyond the creation of computerized photographs. Being one of the first protagonists of photo-art, Ruud van Empel combines the use of photography with computer technology in an almost unprecedented way. By referring to immemorial notions of virtue and innocence, his works are interesting from both an art-historical and culturalhistorical angle. At the same time his incredible skills with contemporary techniques challenge an on-going dialogue with our present society. Ruud van Empel opens hither to unknown possibilities and new directions in art. 81

Ruud Van Empel, ‘Venus 5’ ,2007 Cibachrome print 119 x 84 cm Courtesy Flatland Gallery, Utrecht-Paris

Ruud Van Empel, ‘World #20’ 2006 Cibachrome print 84 x 59 cm Courtesy Flatland Gallery, Utrecht-Paris

PETER HARVEY en las que busca un renacimiento del espíritu de la cultura Pop de finales de los años 60 y 70, o el entusiasmo de espíritu que acompaña a tales movimientos. Él, se inspira en la alegría y la diversión que se puede encontrar en la vida, el diseño y el arte. Y ve cómo el cuerpo puede convertirse en un agente de los sentidos para ser encendidos. Crear una vida mejor a través del diseño, usar los objetos que nos rodean para mejorar nuestro estado de ánimo, estos son temas recurrentes en todas sus obras. Peter Harvey es conocido como uno de los diseñadores más innovadores de Gran Bretaña. Ha ganado una reputación internacional con sus creaciones, como muebles escultóricos y creaciones con iluminación de absoluta precisión técnica. Ha aparecido en muchas ferias de arte internacionales como Art Basel, Miami, el Milán Furniture Show; también, participa en ferias internacionales como SaloneSatellite en Milán; y Design + Emotion, en el Landesmuseum Badisches Karlsruhe, en Alemania. ‘Smile Chair’ fue invitada recientemente a formar parte de la Cosmit Eventi Colección Permanente de Diseño. Peter Harvey Ltd. se trasladó a Berlín (en 2007), para anunciar una nueva fase en la dirección creativa, a raíz del trabajo de diseño aclamado por la crítica de Londres. La apertura de la nueva sala de exposición en la Gormann Strasse, el centro artístico de Mitte, es el escenario perfecto para presentar nuevos niveles en sus trabajos con DesignArt, galería que Peter Harvey ha estado promocionando durante estas últimas dos décadas. La “escultura funcional” de Peter Harvey Ltd. alcanza nuevos y dinámicos niveles. Berlín ha proporcionado el contexto perfecto, su cultura única le ha proporcionado profunda inspiración. Al aprovechar los logros del pasado y crear una plataforma nueva, desde la cual conceptos como surrealismo, diseño, escultura y arte están todavía por explorar, Peter Harvey Ltd. ha entrado en una era completamente distinta. Con nueva ubicación e ideas frescas, Peter Harvey Ltd. tiene la intención de descubrir lo que DesignArt aún puede llegar a ser.

Peter Harvey’s designs posee algo único que se ha desarrollado durante los últimos veinte años, y es el resultado de las habilidades e influencias que ha conseguido Harvey desde variadas profesiones y una formación especializada. Comenzó, fundamentalmente, como ingeniero. Harvey proviene de una familia creativa dedicada a fabricar listones, cintas, sombreros; así, crece entre modistas, sastres y músicos. De niño, Peter, se sintió atraído por la artesanía cuando adquirió un libro sobre la construcción de barcos. Con frecuencia visitaba un astillero con amigos, donde es sorprendido por la artesanía y descubre habilidades y materiales exóticos. Experiencia que lo aproximaría a la ingeniería al acabar con la escuela. Otro factor que iba a tener una profunda influencia sobre él a una edad temprana, fue el trabajo surrealista en las obras de Dalí. Descubrir al Cristo de San Juan de la Cruz, a partir de una réplica que su padre había creado en marquetería, tocó una fibra sensible en su mente creativa que lo llevaría en una dirección donde, armoniosamente, se haría más consciente de sus conocimientos técnicos. En 1980, deja la industria de la ingeniería para dedicarse al diseño de escaparates. Una década más tarde, en la posición de director de la imagen visual de Harrods, es comisario de la 20th Century Chair Exhibition, integrada por diseñadores como Ron Arad y artistas como Eduardo Luigi Paolozzi y Alan Jones. La exposición fue un éxito enorme al contar con la mayor colección de sillas de diseñador/artista hasta la fecha en Londres; no sólo se convirtió en un hito en la comisaría británica de diseño, sino que, también, reafirmó a Peter Harvey a seguir una dirección propia en sus diseños. En 1991, fundó su propia compañía, con el diseño de su primera colección de muebles. Ha pasado a producir legendarias colecciones como la ‘Tongue-in-Cheek’, ‘Smile’ y la ‘Diva Range’. La temprana toma de conciencia sobre las conexiones entre surrealismo, formas amorfas y diseño han sido siempre una constante en su trabajo. Trabaja con referencias históricas 84

seeks a revival in the spirit of late 60’s and 70’s Pop and the enthusiasm of spirit that came with such movements. He is inspired by the joy and fun that can be found in life, design and art. And sees how the body can become an agent for the senses to be ignited. Creating a better life through design and using the objects that surround us to lift our mood, these are reoccurring themes in all his works. Peter Harvey is now known as one of Great Britain’s most innovative designers. He has gained an international reputation with sculptural furniture and lighting creations of the greatest technical precision. He has featured in many international Art Fairs such as Art Basel, Miami, and the Milan Furniture show; also participating in International exhibitions such as SaloneSatellite in Milan and the Design + Emotion at the Badisches Landesmuseum Karlsruhe in Germany. ‘Smile Chair’ was recently invited to become part of the Cosmit Eventi Permanent Design Collection. Peter Harvey Ltd. moved to Berlin in 2007 to announce a new phase in creative direction following on from the critically acclaimed design work from Peter Harvey London. The opening of the new showroom on Gormann Strasse, in the artistic hub of Mitte, is the perfect setting to introduce new spectrum of work in DesignArt that Peter Harvey had been moving towards over the last two decades. The ‘functional sculpture’ of Peter Harvey Ltd. now reaches new and dynamic levels, where the backdrop of Berlin and its unique culture have provided profound inspiration. Building on achievements in past and creating a new a Platform from which concepts in Surrealism, Design, Sculpture and Art are to be explored, Peter Harvey Ltd has entered a new era. In its new location, with fresh ideas, Peter Harvey Ltd. now intends to discover what DesignArt can become.

Peter Harvey design’s posses something unique that has developed over the past twenty years, as a result of the different skills and influences attained from varied professions and specialist training. He started out primarily as an Engineer, coming from a creative family background of ribbon makers, milliners, tailors and musicians. As a young boy, Peter was first drawn to craftsmanship when he acquired a book on building ships. He would frequently visit a friend boat yard where he was in awe of the craftsmanship, skills and exotic materials that he witnessed. This would lead him to the field of engineering when he was out of school. Another factor that was to have a profound influence on him, at an early age, was the surrealist works of Dali. Discovering Christ of Saint John of the Cross by Salvador Dali, from a replica his father had created in wood marquetry, struck a creative chord in his mind that would lead him in a direction that would harmoniously realize his technical expertise. In 1980, he left the Engineering industry to design window displays. A decade on, and in the position of Visual Merchandising manager of Harrods, he curated the 20th Century Chair Exhibition, comprising of designers such as Ron Arad and artists such as Eduardo Luigi Paolozzi and Alan Jones. The exhibition was a huge success, it contained the largest collection of designer/artist chairs up to the date in London; becoming a landmark in British Design curation, and confirming for Peter what he himself should be designing. In 1991, he established his own design company having created his first furniture collection. He has gone on to produce legendary collection such as ‘Tongue-in-Cheek’, ‘Smile’ and the ‘Diva Range’. The early realizations of the connections between surrealism, amorphous forms and design are ever prevalent in his work. He works with historical references where he

KONRAD FISCHER

Por// ANA DARGALLO / JUDITH PASTOR / KARLA G. fotos: KARLA G. & MACBA

El Museo de Arte Contemporáneo MACBA de Barcelona trata la personalidad de Konrad Fischer y de su influencia en el discurrir del arte a través de numerosos documentos y fotografías, expuestos por primera vez en público./ The Museum of Contemporary Art of Barcelona (MACBA) deals with Konrad Fischer’s personality and its influence in the art stream through abundant documents and photographs exposed to the public for the first time.

Bruce Nauman, ‘Pairs of hand’, 1996

l Museo de Arte Contemporáneo MACBA de Barcelona, primero, y el Museum Kurhaus Kleve, después, invitan a conocer el trabajo de Dorothee y Konrad Fischer a través de unas 300 obras de 40 artistas, atesoradas a lo largo de casi medio siglo. Muchas apenas se han visto o son inéditas, y algunas están dedicadas a algún miembro de la familia Fischer, lo que demuestra el grado de complicidad generado con los artistas. La galería fundada por Konrad Fischer en Düsseldorf, en 1967, puede considerarse uno de los centros artísticos más influyentes del mundo del arte en los últimos cuarenta años. Un pasadizo de diez metros de largo y tres de ancho ubicado en una ciudad entonces anodina para el arte contemporáneo. Todo empezó con Carl Andre, al que siguió una larga lista de grandes artistas que convirtieron esos treinta metros cuadrados en un desafío y un trampolín. Pronto se transformó en un laboratorio de ideas brillantes que irradió por toda Europa hasta llegar a Estados Unidos. Esta galería puso al alcance del gran público el arte minimalista y conceptual y estableció una nueva concepción del arte en la que el tiempo y el espacio desempeñaron un papel esencial. La galería de Konrad Fischer ha dado a conocer artistas que durante décadas han sido referentes en el arte contemporáneo. Konrad Fischer convirtió la sala de la Neubrückstrasse de Düsseldorf en una galería donde expusieron por primera vez en solitario muchos artistas que hoy son referentes en el mundo del arte como On Kawara, Richard Long y Hanne Darboven. No cabe duda de que

Bruce Nauman, None Title (1986)

siempre eran sorprendentes las exposiciones que uno podía encontrarse en casa de Konrad Fischer, y esto se debía al carácter lacónico y experimental de la galería.

El arte desbaratado que empezó a germinar allí, circunspecto y temerario a la vez, ha acabado por convertirse ahora en clásico como es el caso de Bruce Nauman, Sol LeWitt, Hanne Darboven , Lawrence Weiner, Gilbert & George, Mario Merz, Robert Ryman y Jan Dibbets. Konrad Fischer procuraba que en aquella sencilla galería los artistas se sintieran tan a gusto como en sus propios estudios, las exposiciones nunca se presentaban como un estreno sino como un momento de avance y descubrimiento. La

visión aguda para todo lo nuevo, provocador y distinto de Fischer dio lugar a unas exposiciones absolutamente originales Es por ello, que si esta exposición lleva por título Archivos de una actitud, es, evidentemente, con la inten-

Thomas Schütte, 90 Ringe (1977)

ción por un lado, de asociarla de inmediato a la importante exposición de Harald Szeemann de 1969, ‘Live in Your Head. When Attitudes Become Form’, en la Kunsthalle de Berna, y también para subrayar precisamente el rasgo que entonces, y hoy todavía más, distinguía la galería de Konrad Fischer de cualquier otra. Sin apenas palabras, Fischer transmitía una idea especial del arte y daba completa libertad a sus artistas. Una actitud mental de libertad muda, una libertad que él mismo contribuyó a fraguar con su respeto siempre patente hacia los demás, su curiosidad siempre alerta ante las obras nuevas y su no menos legendario silencio frente a aquello que no encajaba en su visión de las cosas. Esta exposición nos muestra no solamente el trabajo de la galería, sino que abarca la figura de Konrad Lueg el pintor, que fue en su día Konrad Fischer, y las obras que los galeristas Dorothee y Konrad Fischer coleccionaron a título privado. Tras la muerte de Konrad Fischer, el 26 de noviembre de 1996, Dorothee

Juan -Muñoz, Krefeld Banister (1991) 88

The Museum of Contemporary Art of Barcelona (MACBA) receives the exhibition of Dorothee and Konrad Fischer. ‘Archives of an attitude’, which discusses Konrad Fischer’s personality and his influence on the development of art, from the sixties to the nineties, through numerous documents and photographs, presented for the very first time publicly, as well as the works that were collected by him together with his wife Dorothee. The Museum of Contemporary Art of Barcelona (MACBA), and later the Museum Kurhaus Kleve, invites us to get to know the work of Dorothee and Konrad Fischer across approximately 300 works of 40 artists, treasured throughout almost half a century. Some of them have scarcely been seen or are unpublished, and many others are dedicated to some members of the Fischer’s family, which demonstrates the degree of complicity generated between the artists. The gallery founded by Konrad Fischer on Düsseldorf in 1967 can be considered one of the most influential art centers of the last forty years. A passageway ten meters long by three meters wide, located in a city which was bland for contemporary art at that time. Everything began with Carl Andre, who was followed by a really long list of great artists who turned these thirty square meters into a challenge and a platform. Soon it became a laboratory of brilliant ideas that radiated throughout the whole of Europe until it arrived in the United States. This gallery put minimal and conceptual art within reach of the great public, and established a new conception of art in which time and space played an essential role. Konrad Fischer’s gallery helped launched the careers of artist who have been references in the contemporary art during decades. Konrad Fischer turned the room of the Neubrückstrasse de Düsseldorf into a gallery where many artists had their first solo exhibitions, artist such as On Kawara, Richard Long and Hanne Darboven, who today are playing a significant role into the art world. There’s no doubt that the exhi-

Exhibition MACBA

bitions placed in Konrad Fischer’s house were always surprising, because of the terse and experimental character of the gallery. The wasteful art that started germinating there,

circumspect and rash at the same time, has finally turned into a classic. It is the case of Bruce Nauman, Sol LeWitt, Hanne Darboven, Lawrence Weiner, Gilbert and George, Mario Merz, Robert Ryman and Jan Dibbets. Konrad Fischer was trying to achieve in that simple gallery artists felt as cosy as in his own studio; he never organized the exhibitions as a première but as a moment of advance and discovery. The sharp vision for everything new,

Exhibition MACBA

provocative and different from Fischer became on to a few absolutely original exhibitions. And admittedly, if this exhibition takes for title Files of an attitude, it is,

firstly, with the intention of associating it at once with the important exhibition of Harald Szeemann, from 1969, ‘Live in Your Head. When Attitudes Become Form’, placed/performed in the Kunsthalle of Berne; and secondly, to underline precisely the feature that made Konrad Fischer’s gallery different from any other one at the time, and even more nowadays. With scarcely no words Fischer has conveyed a special idea of art and has given complete freedom to his artists. A mental attitude of dumb freedom, a freedom that he contributed to forge by showing always his respect towards others, always with alert curiosity before the new works and his not less legendary silence facing anything that didn’t fit into his vision about the things. This exhibition shows to us not only the work of the gallery, but also the figure of Konrad Lueg, the Gregor Schneider, Leerer Kern (1999) 89

Fischer continuó con el trabajo de la galería, porque sabía que si esa galería había llegado a ser lo que era, era por el compromiso y la dedicación de los artistas. Aunque lo que sí hizo fue cambiar el nombre y pasó a ser la Konrad Fischer Galerie. La galería ha mantenido desde entonces una actividad intensa, que le rinde un homenaje póstumo. -------------------------------------------------------------------------------------LA COLECCIÓN DE DvOROTHEE Y KONRAD FISCHER -------------------------------------------------------------------------------------La tercera planta del MACBA acoge hasta el 10 de octubre de 2010 la exposición ‘Con la probabilidad de ser visto. Dorothee y Konrad Fischer. Archivos de una actitud’. Sus salas dan vida a una colección que a diferencia de muchas otras colecciones, se originó en estrecha relación con la galería. Comprende obras muy variadas de gran formato, obras menores, estudios para las exposiciones y donaciones de los artistas. Una 300 obras entre las que destacan obras de Bruce Nauman, Gilbert & George, Bernd & Hilla Becher, On Kawara, Eva Hesse, Carl Andre, Donald Judd, Sol LeWitt, Hanne Darboven, Piero Manzoni, Joseph Beuys, Mario Merz, Juan Muñoz, Thomas Schütte y Gregor Schneider, entre otros. Una colección que permite hacerse una idea de su carácter personal y artístico. Cuenta Dorothee Fischer que adquirieron Six Sound Problems for Konrad Fischer, de Bruce Nauman, cuando su propietario las vendió porque el que lo compró había colgado las cintas magnetofónicas en la pared. También adquirieron a posteriori cuando tuvieron los medios suficientes, la exposición de Richard Long ‘Sculpture for Konrad Fischer’ en 1968. Unos bastones de sauce colocados en el suelo en largas hileras paralelas. Puesto que la mayoría de las obras que se encuentran en la colección presente en el MACBA las compraron directamente en su galería, el público puede hacerse una idea del trabajo de este galerista de una manera visual. Konrad era un galerista entregado y como tal su energía se dirigía sobre todo a trabajar con los artistas y no a crear una colección propia. Afirma Dorothee que “Siempre que alguien ha querido comprar algo, nosotros lo hemos vendido. Quedaban naturalmente algunas cosas y entonces le pagamos al artista y nos las quedamos.” Carl Andre, Bruce Nauman, Mario Merz, Robert Ryman, Thomas Schütte y Gregor Schneider están representados en la colección por amplios conjuntos de obras. Carl Andre fue el primer artista en exponer en la Konrad Fischer Galerie y es con el artista que más exposiciones han hecho, lo que hace que sus trabajos tenga un lugar muy destacado en la exhibición. Bruce Nauman también es muy significativo, ya que el artista siempre ha expuesto sus obras por primera vez en esta galería. La última obra expuesta con Konrad Fischer fue ‘Pairs of Hands’. Nauman quería exponerla primero en la galería de Castelli, pero Konrad le pidió que lo hiciera con él y no lo dudó. Mario Merz no estaba entre los primeros artistas, llegó a través de su participación en ‘Prospect’, donde expuso un iglú con Sonnabend. También está presente en la exposición On Kawara y Gregor Schneider. Y como no, Thomas Schütte, un artista con el que Konrad tenía una profunda relación y que se refleja en su obra ‘Blumen für Konrad’ (Flores para Konrad). La extensa colección de Dorothee y Konrad Fischer posee también obras de Juan Muñoz, Brice Marden, Robert Mangold, Gerhard Richter, Niele Toroni, Wolfgang Laib, Piero Manzoni y muchos otros. Así como las propias obras de Konrad --------------------------------------------------------------------------------------

UN RECORRIDO POR LA EXPOSICIÓN

-------------------------------------------------------------------------------------La exposición ‘Con la probabilidad de ser visto. Dorothee y Konrad Fischer. Archivos de una actitud’ del MACBA sigue una línea conductivista que se inicia en la sala de documentación, pasando por una recreación exacta de la sala de la galería original de tres metros de ancho por diez de largo donde se inició todo y esto actúa como enlace con el resto del piso superior. Todo el recorrido enfatiza el concepto minimalista de la trayectoria hasta llegar a la tercera planta. En la primera galería de 3x10 metros de longitud, las obras eran de pequeño formato, lo que hacía muy fácil y cómodo trasladarlas. Un ejemplo de esto, es que cuando Gilbert & George visitaron por primera vez la galería para presentar sus trabajos, estos cabían en dos cajas de 22 x 22 cm. Estas cajas se conservaron y pue-

Guiseppe Penone, ‘Albero d’aqua’, 1980 La sucesión de Fibonacci 1-233 1972 90

painter who Konrad Fischer used to be, and the works that the gallery owners Dorothee and Konrad Fischer collected for themselves. After Konrad Fischer died on November 26, 1996, Dorothee Fischer continued with the work of the gallery due to the fact that, after all, it had managed to be what it was because of the commitment and the dedication of the artists. However, what she did was to change its name, so then it became the Konrad Fischer Galerie. The gallery has carried out since then an intense activity, which represents a posthumous honour. --------------------------------------------------------------------------------------

DOROTHEE AND KONRAD FISCHER COLLECTION

-------------------------------------------------------------------------------------The third floor of MACBA receives the exhibition ‘With the probability of being seen’. Dorothee and Konrad Fischer Archives of an attitude’, until 10 October, 2010. Their rooms give life to a special collection, because it was created closely with the gallery, and it comprises very different artworks: large format artworks, minor works, studies for the exhibitions and donations from artists. About 300 works of Bruce Nauman, Gilbert & George, Bernd & Hilla Becher, On Kawara, Eva Hesse, Carl Andre, Donald Judd, Sol LeWitt, Hanne Darboven, Piero Manzoni, Joseph Beuys, Mario Merz, Juan Muñoz, Thomas Schütte y Gregor Schneider, among many others. It is said by Dorothee Fischer that they acquired ‘Six Sound Problems for Konrad Fischer’, by Bruce Nauman, when the owner sold it, because he had hung the recorded tapes on the wall. Afterwards, in 1968, when they already had got resources enough, they also acquired a Richard Long’s installation; a few sticks made of willow wood, placed on the floor organized in several parallel rows. It is possible for the public to take an idea about the work developed by Konrad in his gallery, by just visiting this exhibition at MACBA, because most of the artworks from this collection were bought by the Fischer’s in their own gallery, directly from the displayed pieces. However, Konrad was a devoted gallery owner who spent his energy mostly working with the artist rather than creating his own collection. Dorothee explains it in this way: ‘Any time someone wanted to buy anything, we sold it. Of course, there used to be something remaining unsold, and then, we used to pay the artist in order to keep it’. Six of his artists are represented in the collection by wide sets of works: Carl Andre, Bruce Nauman, Mario Merz, Robert Ryman, Thomas Schütte and Gregor Schneider. Carl Andre was the first artist to exhibite in Konrad Fischer Galerie and he is the artist who has made more exhibitions in there, which is why his artworks take a very special place in the exhibition. Bruce Nauman also is a very representative artist, since any time he exhibited he chose that gallery to premiere his artworks. The last of these artworks displayed with Konrad Fischer was ‘Pairs of Hands’. Bruce first wanted to reveal it in Castelli’s gallery, but Konrad asked him to do it together and he did not doubt it. Mario Merz arrived later, though taking part in ‘Prospect’, where he showed an igloo, together with Sonnabend. Kawara and Gregor Schneider are also represented in the exhibition. And of course, Thomas Schütte, an artist with whom Konrad had a deep relationship which is reflected in his piece ‘Blumen für Konrad’ (Flowers for Konrad). The extensive collection of Dorothee and Konrad Fischer also includes works of Juan Muñoz, Brice Marden, Robert Mangold, Gerhard Richter, Niele Toroni, Wolfgang Laib, Piero Manzoni and many other artists. And on top of that, Konrad’s own artworks. -------------------------------------------------------------------------------------

Donald Judd, None Title, Rheydt (1987)

A TOUR FOR THE EXHIBITION

-------------------------------------------------------------------------------------The exhibition at MACBA: “With the probability of being seen. Dorothee and Konrad Fischer. Files of an attitude”, follows a behaviorist line from the documentation room, going through a recreation of the exhibition space of the Konrad Fisher Galerie that is an accurate replica of the original space as well as a link with the rest of the exhibition, placed on the top floor. The whole tour emphasizes the minimalist concept of the path until it arrives to the third floor. In the original gallery of 3x10 meters, the works were all small format, which made very easy to transport them. For example, when Gilbert and George visited for the first time the gallery to present his works, these were fitting in two boxes of 22 x 22 cm. These boxes have been kept and they can be seen in the exhibition. The correspondence maintained between Konrad 91

Gregor Schneider, Total isoliertes Gästezimmer, Rheydt (1995)

Richard Long, ‘Circle for Konrad’, 1997

den verse en la exposición. Está también presente la correspondencia de Konrad Fischer con los artistas, entre las que destacan las postales rojas con letras negras y los sobres negros con letras rojas. Así, como las fotografías de Angelika Platen realizadas durante aquellos años en la galería. No hay que olvidar que Konrad Fischer en sus inicios era pintor. Entonces, empleaba el apellido materno Lueg. Konrad Lueg compartió exposiciones con Gerhard Richter, Manfred Kuttner y Sigmar Polke. Un aspecto desconocido para algunos que puede conocerse en esta exposición. El hogar de los Fischer, su estilo y las obras allí presentes, son piezas muy importantes para entender la visión del arte de Dorothee y Konrad, y su relación con sus artistas. Es por ello que se ha querido recrear una de las paredes del domicilio particular de la familia. Para recrearla han sido necesarios ocho días y se ha realizado a partir de unos esquemas de LeWitt, a los que ha dado forma uno de sus asistentes. Una recreación que puede verse de cerca en el MACBA, así como los esquemas originales dibujados por LeWitt. Muchas de las obras presentadas están dedicadas a distintos miembros de la familia a Konrad a Dorothee y también a su hijo Kasper. Otras, son regalos de Konrad a su esposa, como la escultura de Joseph Beuys que le regaló en las Navidades de 1962. Ocupa un lugar destacado la escultura de Eva Hesse, gran amiga de Sol LeWitt y con la que a su vez mantenían una gran amistad. Konrad Fischer estaba muy interesado en realizar una exposición de sus obras, que se caracterizaban por el uso de materiales inusuales y efímeros, pero la muerte de Eva Hesse de un tumor cerebral truncó esa posibilidad. También influyó de una menera decisiva la muerte en otra de las obras expuestas en el MACBA. El 26 de noviembre de 1996 Carl Andre llegó a Dusseldorf para preparar su exhibición el 30 de noviembre en la Fischer. Quería hacer dos cuadrados iguales pero ese mismo día Konrad murió de cáncer, lo que le dictó cambiar el concepto de la escultura que iba a presentar. Tres días más tarde en la exposición lo que se presentó no fueron dos cuadrados completos sino un cuadrado completo y otro disgregado en homenaje a Konrard, en una obra titulada ‘Nubes & cristal / Plomo, cuerpo, dolor, canción’. De Carl Andre hay una amplia representación en la exposición, el artista

Fischer and the artists is also taking part in the exhibition, especially the red postcards with black letters and the black envelopes with red letters. As well as Angelika Platen’s photographs, realized during those years in the gallery, stands out too. An aspect not known for everyone but showed in this exhibition nowadays, it is the fact that Konrad Fischer shared exhibitions with Gerhard Richter, Manfred Kuttner y Sigmar Polke, in his beginnings. When he was a painter and used to use his mother surname, Lueg. The home of the Fischer, his style and the works present in there, all together compound a very important piece to understand the vision of the art of Dorothee and Konrad and his relationship with their artists. Because of that, it has been wanted to recreate one of the walls of the particular domicile of the family. Eight days have been required to build it, following a few LeWitt’s schemes, which have been given form by one of LeWitt’s assistants. All this recreation now can be seen closely in the MACBA, as well as the original schemes drawn by LeWitt. Many of the displayed artworks are dedicated to different members of the family; to Konrad, to Dorothee, and to his son Kasper also. Others are Konrad’s gifts to his wife, as Joseph Beuys’s sculpture that Konrad gave to her in the Christmas of 1962. One of the main places have been reserved for the sculpture of Eva Hesse, who was a great friend of Sol LeWitt as well as of the Fischers. Konrad Fischer was very interested in realizing an exhibition of her work, which was characterized by the use of unusual and ephemeral materials. However, this possibility was truncated by Eva Hesse’s death from a cerebral tumor. Death influenced in a decisive way on another of the artworks showed in the MACBA. On November 26, 1996, Carl Andre arrived to Dusseldorf for the purpose of prepare his exhibition for November 30 in ‘the Fischer’. He had the intention to make two identical squares, but on this same day Konrad died of cancer, and that happening dictated Carl to change the concept of the sculpture that he was going to present. Three days later, he presented in the exhibition not two complete squares but one complete square and one disintegrated square in honor to Konrad, in a piece named ‘Clouds & glass’ / ‘Lead, body, pain, song’. Carl Andre is widely represented in the exhibition, since this artist leads the block of minimalist and conceptual art from the collection with an almost complete spectrum of his work; from 92

Carl Andre, Wolke & Kristall/Blei Leib Lied Lied, 1996

protagoniza el bloque de arte minimalista y conceptual de la colección con un espectro de su obra casi al completo; desde la temprana ‘CopperMagnesium Alloy Square’ (1969), pasando por los ‘25 Blocks and Stones’ (1973), ‘Ryman’s Piano’ (1988) hasta ‘Fore River Wall’ (1993). Aunque si un artista es representativo de la galería Fischer, ese es Bruce Nauman. Su obra está representada en la colección con un conjunto impresionante de obras creadas a partir de varias técnicas, así como con un gran número de dibujos, estudios y obra gráfica. Su brillante comienzo lo constituyen una escultura de suelo sin título, realizada con fibra de vidrio, de 1966 y la obra ‘Six Sound Problems for Konrad Fischer’, que formaba parte de la primera exposición en solitario de Nauman. Le siguen cronológicamente ‘Eye Level Plank for Room with Sloping Floor’ (1970) y ‘Untitled no.358 ‘(1986), un móvil que colgaba del techo y que por su tamaño redefinía la galería. Del año 1996 provienen tres variaciones de sus obras en bronce ‘Pairs of Hands’, que confrontan al espectador con un enigmático lenguaje de signos, y al mismo tiempo parecen simbolizar tanto la alta intelectualidad como la intensiva corporeidad de su arte. ‘Setting a Good Corner’ (1999) y ‘Office Edit’ (2002), dos trabajos de vídeo recientes, completan el complejo de obras y remiten al valor que desde siempre ha tenido el vídeo como medio en la producción de Nauman.

the early piece: ‘Copper-Magnesium Alloy Square’ (1969), through ‘25 Blocks and Stones’ (1973), ‘Ryman’s Piano’ (1988), to “Fore River Wall” (1993). All the same, the most representative artist of the gallery Fischer, this is Bruce Nauman. His work is represented in the collection by an impressive voluble body of work create through several technologies, as well as a great number of drawings, studies and graphical work. Bruce Nauman’s brilliant debut in 1966 consisted in one sculpture for the floor, fiberglass made, (without title), and the piece ‘Six Sound Problems for Konrad Fischer’. They are chronologically followed by the artworks: ‘Eye Level Plank for Room with Sloping Floor’ (1970), and ‘Untitled nº 358’ (1986); a mobile suspended from the ceiling that re-defined the gallery because of his size. From the year 1996 there come three variations of his work in bronze: ‘Pairs of Hands’, which they confront the spectator with an enigmatic language of signs, and at the same time they seem to symbolize both the high intellectuality and the intensive corporeity of his art. ‘Setting to Good Corner’ (1999); and ‘Scullery Edit’ (2002); two recent works in video that complete the complex of works and send to the value that has taken the video as a media in Nauman’s production. --------------------------------------------------------------------------------------

THE ARTISTS OF KONRAD FISCHER

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Konrad was more than a gallery owner for his artists, and his push and his support motivated what they have managed to be nowadays. That’s the reason why there could not be absent works from the artists of the first generations of the gallery, such as Richard Long, Jan Dibbets, On Kara, Mario Merz or Joseph Beuys. Richard Long did his first solo exhibition in Fischer’s gallery in 1968 when he was twenty-three years old. He made his debut with ‘Sculpture for Konrad Fischer’, the serie of sticks made of willow wood that we can find at the entry of the MACBA. And yet, there are other icons present in the collection, for example: ‘To Have Mile Walk in England’, one of the first maps with a walk drawn on it; the photographic work titled ‘To Line Made by Walking’ (1967), which documents how the continue going and coming creates a minimalist straight line in a field; or ‘Circle for Konrad’ (1997), work that, despite

LOS ARTISTAS DE KONRAD FISCHER

-------------------------------------------------------------------------------------Konrad era más que un galerista para sus artistas y su empuje y apoyo motivó lo que hoy en día han llegado a ser. Es por ello, que no podían faltar obras de artistas de las primeras generaciones de la galería como Richard Long, Jan Dibbets, On Kawara, Mario Merz o Joseph Beuys. Richard Long hizo su primera exposición en solitario en la galería de Fischer en 1968 cuando tenía veintitrés años. Debutó con ‘Sculpture for Konrad Fischer,’ la serie de bastones de sauce que se encuentran en la entrada del MACBA. Pero hay otro iconos presentes en la colección como ‘A Ten Mile Walk in England’, uno de los primeros mapas con un paseo dibujado, 93

el trabajo fotográfico ‘A Line Made by Walking’ (1967), que documenta el surgir, en un campo, de una línea recta minimalista formada a partir de un continuo ir y venir o ‘Circle for Konrad’ (1997), obra que a pesar de su monumentalidad muestra una enorme sensibilidad por las características especiales del material, en este caso pizarra, y un fino sentido de las proporciones. Jan Dibbets, está representado en la exposición a través de algunas de sus obras más tempranas, como ‘Square perspectief correctie/ groot vierkant’ (1968) o el mural ‘With a touch of pink, with a bit of violet, with a hint of green, cat. n.744’ (1976), que durante años estuvo en la antigua vivienda de Dorothee y Konrad Fischer en la Prinz-Georg-Strasse. On Kawara, que expusó a comienzos de los años setenta con Fischer, tiene un lugar destacado en la exposición a través de ocho ejemplos de los años 1976-2000 de las ‘Today Series,’ obras más conocido del japonés. Gilbert & George que utiliza su propio cuerpo como material escultural está presente en la colección Fischer a través de fotografías escenificadas de gran formato como ‘Dusty Corners No.11’ (1973) o ‘Faith’ (2001) y también de numerosos materiales efímeros como invitaciones, menús, tarjetas de visita o postales. En ‘A Day in the Life of Gilbert & George’, libro escrito en 1971 se lee “sólo somos escultores humanos en la medida en que nos levantamos cada día, a veces caminamos, raramente leemos y comemos a menudo”. Vemos también las fotografías de Bernd y Hilla Becher que muestran edificios industriales cuya propia estética se basa únicamente en que «se han construido sin intención estética». Se trata de construcciones sin historia, desprovistos de personalidad, en los que se impone el componente constructivo y funcional; o edificios industriales que, tras una fase de uso intensivo, envejecen y que están destinados a ser derruidos y reemplazados rápidamente. Los Becher otorgan dignidad y permanencia a estas estructuras que se desmoronan a menudo inadvertidamente. Sus fotografías, ordenadas en complejas tipologías que no van a la zaga de las estrictas cuadrículas de Sol LeWitt o las clasificaciones de Carl Andre, hacen que edificios supuestamente anodinos sean reconocibles como «esculturas anónimas» de rango propio. Mario Merz expuso por primera vez en la galería de Konrad Fischer en 1970 y fue con un incunable de su producción, un iglú -el Zeus Lanze- con

Mario Merz, ‘Zeus Lanze’, 1995

its monumentality, shows a great sensibility for the special characteristics of the material, (slate), as well as a thin sense of the proportions. Jan Dibbets is represented in the exhibition through some of his earlier works, such as ‘Square perspectief correctie/groot vierkant’ (1968), or the mural ‘With a touch of pink, with a bit of violet, with a hint of green, cat. n.744’ (1976), which had been in the former housing of Dorothee and Konrad Fischer in the PrinzGeorg-Strasse for years. On Kawara, who exhibited at the beginning of the seventies with Fischer, stands out in the exhibition through eight examples from the ‘Today Series’ (1976-2000), the most famous artworks from this Japanese artist. Gilbert and George, who use their own bodies as sculptural material, are present in the collection Fischer through big format dramatized photographs, for example, ‘Dusty Corners nº 11’ (1973) or ‘Faith’ (2001), and also numerous ephemeral materials such as invitations, menus, business cards or postcards. In to the book ‘A Day in the Life of Gilbert and George’, written in 1971 it is read: ‘We are only human sculptures in that we get up every day, walking sometimes, reading rarely, eating often’. We can see also the photographs of Bernd and Hilla Becher, which show industrial buildings whose own aesthetics are based only in the fact that they ‘have been constructed without aesthetic intention’. They are constructions without story, lacking personality, with the imposition of the constructive and functional component; or industrial buildings, aged after an intensive use, which are destined to be demolished and replaced rapidly. The Bechers grant dignity and permanency to these structures, which often crumble in an unnoticed way. Their photographs, organized in complex typologies that are every bit as good as Sol LeWitt’s strict squared patterns or Carl Andre’s classifications, turns supposedly bland buildings into ‘anonymous sculptures’. Mario Merz exhibited for the first time in Konrad Fischer’s gallery in 1970, when he showed an

Richard Long, ‘Sculpture for Konrad Fischer’, 1968

Mario Merz, ‘Pianura Padana’, 1981 94

Bruce Nauman , ‘Six Sound Problem’ for Konrad Fischer, 1968

incunabulum of his production, an igloo - the Zeus Lanze - with the already known succession of numbers progressing according to Fibonacci’s succession. An artwork that takes part into a group of twelve neon pieces, dated in 1972, with which he has become known all over the world. Joseph Beuys exhibited for the first time there in 1976, and yet Fischer’s collection has a dense set of his works that goes back to the sixties; stands out between them the greatest piece, the impressive mural ‘Seven Palms’, from 1976. Dorothee and Konrad Fischer could not exhibit the artwork of Piero Manzoni and Eve Hesse at their gallery because of the premature death of these artists. However, due to their sensibility, they deceive to take place in this circle of artists, so it is logical that today both of them were represented in the collection. Piero Manzoni was an important influence on the evolution of the art at the end of the decade of the fifties and at the beginning of the sixties. In ‘the Achromes’ (1961-1962) of Fischer’s collection - one realized with white cotton and another with same color fiber glass – it is demonstrated his conviction of that any artwork must be deprived of feelings or any inkling of symbolism. Whereas the conception of the artwork as a process it is really important in the work of Eva Hesse. Likewise, Lothar Baumgarten and Wolfgang Laib have conquered his position in the artistic scene mostly thanks to the support that Konrad Fischer offered to them in the seventies. Baumgarten did his first exhibition with Fischer in 1972; Laib, in 1978. The artworks ‘Milchstein’ (Milkstone), of the same year, and ‘Ohne Titel’ (Without Title) of 2001, made of wax and wood, are a clear testimony of Wolfgang Laib’s attitude: an attitude that - independently of the respect for the modern achievements of western character - is enormously influenced by a deep interest in the cultures of the Far East. Lothar Baumgarten is represented in the collection through a few early works which are the key to understanding his art: the installation ‘Roroima (Termitensavanne)’ (Roroima: sheet of termites) of 1969, and the photographs of the years 1968-1970, in which the own thing and the strange thing, the reality and the fiction, are setting against each other, and hopes are frustrated in a subversive way. Nevertheless, the mural ‘Opossum/Kalium’ (1985/1990) evokes across the language - by means of the contraposition of both concepts - the representation of a landscape. In this exhibition we find tracks of that way of acting and some recollections of an artistic curiosity that could elude very well the commanding models. They were a few young artists working at their own way with risky and innovative topics, whose ambition was altering the forms and customs of the modern art, to find a new point of item. Nobody was looking for a stable style; it was about testing every formulation raised again, with variations. It existed the conviction of doing what at first seemed to be something improbable or almost impossible; in addition, this conviction was shared by all the artists who were working with Fischer. Related spirits pawned in discovering new patterns for the art. Konrad knew about longings of creating, since he itself had been an artist and, taken by the curiosity, began to dismantle the work until he had the fragments in front of him, wondering up to where he would go if he re-composed it again. It was not a chance that the exhibitions in the Fischer ended turned into what they were. All the artists who at a certain moment worked with him turned back to his gallery to present their more transcendental exhibitions, because of the exemplary tenacity and the seriousness of konrad’s vision.

la conocida sucesión de cifras, que progresaban según la sucesión de Fibonacci. Un trabajo que forma parte de una serie doce piezas en neón y que data de 1972 con el que se ha hecho mundialmente conocido. Joseph Beuys expuso por primera vez en 1976 y la colección Fischer dispone de un denso conjunto de obras que se remontan a los años sesenta y entre las que destaca su obra cumbre, el impresionante mural ‘Seven Palms’, de 1976. Dorothee y Konrad Fischer no pudieron exponer la obra de Piero Manzoni y Eva Hesse en su galería por la muerte prematura de estos artista. Pero por su sensibilidad, les corresponde un lugar en este círculo de artistas, así que es lógico que hoy los dos estén representados en la colección. Piero Manzoni tuvo una gran influencia en la evolución del arte a finales de la década de los cincuenta y a principios de los sesenta. En los ‘Achromes’ (1961–1962) de la colección de Fischer –uno realizado con algodón blanco i el otro con fibra de vidrio del mismo color– se manifiesta su convicción de que la obra de arte debe ser despojada de sentimientos y de cualquier atisbo de simbolismo. Por su parte, Eva Hesseconcebía sus obras como proceso y daba una gran importancia al uso de materiales inusuales y efímeros. Asimismo, Lothar Baumgarten y Wolfgang Laib han conquistado su posición en la escena artística en buena medida gracias al apoyo que Konrad Fischer les brindó en los años setenta. Baumgarten hizo su primera exposición con Fischer en 1972 y Laib, en 1978. Los trabajos ‘Milchstein’ (Galactita), de ese mismo año, y ‘Ohne Titel’ (Sin título), de 2001, hecho con cera y madera, son un claro testimonio de la actitud de Wolfgang Laib: una actitud que –con independencia del respeto por los logros modernos de carácter occidental– está enormemente marcada por un profundo interés en las culturas del Lejano Oriente. Lothar Baumgarten está representado en la colección por obras tempranas que tienen un carácter clave para entender su obra: la instalación ‘Roroima Termitensavanne’ (Roroima: sabana de termitas) de 1969 y las fotografías de los años 1968-1970, en las que se contraponen lo propio y lo ajeno, la realidad y la ficción, y las esperanzas se ven frustradas de manera subversiva. En esta exposición nos encontramos con rastros de aquella forma de actuar y algunos recuerdos de una curiosidad artística que supo eludir muy bien los modelos imperantes. Unos cuantos jóvenes artistas, que trabajaban a su aire con temas arriesgados e innovadores y cuya ambición era la de alterar las formas y costumbres del arte moderno , para encontrar un nuevo punto de partida. Nadie buscaba un estilo estable, de lo que se trataba era de que cada formulación, una vez planteada, volviera a probarse con otras variantes. Existía la convicción de hacer lo que en principio parecía improbable o casi imposible y era una convicción que además compartían todos los artistas que trabajaban con Fischer. Espíritus afines empeñados en descubrir nuevas pautas para el arte. Konrad estaba muy familiarizado con los afanes de la creación, ya que él mismo había sido artista y llevado por la curiosidad, comenzaba a desmontar el cuadro hasta que tenía los fragmentos delante y se preguntaba hasta dónde podría ir si lo recomponía de nuevo. No fue casualidad que las exposiciones en la Fischer acabaran convirtiéndose en lo que fueron. La tenacidad ejemplar y la seriedad de su visión, hicieron que todos los artistas que en un momento determinado trabajaron con él volvieran siempre a su galería a presentar sus exposiciones más trascendentales. 96

Gilbert & George, ‘Morning Light on Art for All’, 1972

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CENTRO

CULTURAL SAN PANCHO

Carlos Enrrique Parado

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Con el firme propósito de enriquecer la escena artística de la región de Riviera Nayarit, se ha inaugurado el Centro Cultural San Pancho, en el poblado de San Francisco Nayarit, que forma parte de este joven y creciente destino turístico. Diferente a lo que pasa en otros destinos turísticos, como Puerto Vallarta, en donde la actividad cultural no es prioritaria para las autoridades y la iniciativa privada, el complejo turístico de Riviera Nayarit se vuelve un punto importante con la creación de nuevos espacios. El Centro Cultural San Pancho cuenta con salas de exposición de arte contemporáneo y arte mexicano, sala de cine, espacios para exposiciones e instalaciones en pequeño, mediano y gran formato, gimnasio, souvenirs, así como programación y calendarios con eventos varios. El nuevo Centro Cultural San Pancho ha llegado para quedarse y ser referente en la nueva escena cultural de nuestra región, gracias a los esfuerzos privados preocupados por el esparcimiento de las artes y la cultura. With the firm intention of enriching the artistic scene in the region of Riviera Nayarit, Centro Cultural San Pancho was inaugurated in the town of San Francisco Nayarit, which is a part of this young and growing tourist destination. Unlike what happens in other tourist destinations, like Puerto Vallarta, where cultural activity is not a priority for the authorities and the private sector, the tourist resort of Riviera Nayarit becomes an important point with the creation of new spaces like this. The cultural center San Pancho reserves its exhibition halls for contemporary and Mexican art, cinema, expositions and facilities of small, medium and large format. There’s a gym, souvenir shop, and also an open calendar for programming several events. The new Centro Cultural has come to stay and be a reference in the new cultural scene in our region. Thanks to the private efforts of those who are concerned about the spread of arts and culture.

Humberto Díaz

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Abel Barreto

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Yamile Pardo

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Denys San Jorge

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Maibet ValdĂŠs

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Bruno Peinado (ZONE1), â&#x20AC;&#x2DC;Untitledâ&#x20AC;&#x2122;, Vanity Flight Case, 2005, Skull, mirror, smoke maschine, Courtesy MAM Mario Mauroner Contemporary Art Vienna / Salzburg 106

Tony Cragg, wt (132x67x67 stainless), 2008/2010, Stainless Steel, 132 x 67 x 67 cm, Courtesy KnollGalerieWien Budapest

Por//THERESA STEININGER tsteininger@gmx.at

LaViennafair 2010 cierra con éxito su sexta edición. Más de 15.00 visitantes y 114 galerías de todo el mundo se han dado cita en una edición que se ha centrado en el arte de Europa Oriental y Europa del Sur./ViennaFair 2010 closes successfully its sixth edition. More than 15,000 visitors and 114 galleries from around the world have gathered here, an edition that has been dedicated to the art of Eastern and Southern Europe.

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ViennaFair atrae cada año a un grupo cada vez mayor de aficionados, coleccionistas de arte privado e institucional, curadores, directores de museos, galeristas, artistas, críticos y personas en general interesadas en el mundo del arte. Esta feria se ha convertido en un trampolín al mundo del arte internacional para galerías y artistas de toda Europa Oriental, Central y del Sur. Este año, 15.000 personas se han paseado entre los stands de ViennaFair 2010. Muy buena acogida que se ha plasmado también en las ventas. En la ViennaFair han mostrado sus obras hasta 126 expositores, de los que 114 son galerías y, entre ellas, 33 galerías son de la región oriental y sudoriental de Europa. Galerías de renombre, procedentes de más de 20 países, han mostrado sus últimos trabajos en pintura, arte gráfico, escultura, fotografía, instalaciones y performance. Durante la feria se estrenó la performance ‘Nite’ que fue recibido con entusiasmo por el público. También, la exposición especial ‘Borrowed Time’, con un programa de cine y video muy atractivo. Entre las galerías de Europa Oriental más visitadas estaba la Knoll Galerie Wien (Budapest) que presentaba la obra ‘Stainless Steel’, de Tony Cragg, valorada en 163.000€. Así, como la Galerie Barbara Preyer (Viena), con el particular coche creado por Raul Walch. O las fotos de Alicja Karska y Aleksandra Went, ‘Cityproject’, de la Profile Gallery de Varsovia.El futbolín de ViennaFair each year attracts a growing group of supporters, private art collectors and institutioChristian Eisenberger con pies de corzo nal curators; museum directors, gallery owners, artists, critics and people in general interested in como jugadores, la calavera creada a partir the world of art. This fair has become a launch pad into the international art world scene for many de pedazos de espejos de Bruno Peinado, galleries and artists throughout Eastern Europe, Central and Southern Europe. This year, 15,000 las fotografías de Elfi Semotan, o aquella people had walked among the stands of Viennafair 2010. Good attendance that has also been refotografía de Kate Moss desnuda de Chuck flected in the sales. Works by 126 exhibitors have been shown up, of which 114 are galleries; among Close; las luminosas pinturas de Robert them 33 galleries are from Eastern and Southeastern Europe. Renowned galleries, from over 20 Pan, la reproducción de Kennedy y Marilyn countries, showed their latest works in painting, graphic art, sculpture, photography, installations de Kim Dong-Yoo o, bien, la pintura moand performance. During the fair the performance ‘Nite’ was premiered and received enthusiasnocroma-monumental de Herbert Brandl, tically by the public; also the special exhibition, ‘Borrowed Time’, with a very attractive film and son otras de las obras destacadas en esta video program. Among the most visited galleries of Eastern Europe’s were the Knoll Galerie Wien edición. Mención especial merece esta úl(Budapest) which presented the play, Stainless Steel, by Tony Cragg, worth 163,000 Euros. Accortima, presente en el stand honorado como dingly, the Galerie Barbara Preyer (Vienna), and particularly a car created by Raul Walch. Also el mejor de la feria, el de la galería Nächst pictures of Alicja Karska and Aleksandra Went, ‘Cityproject’, of the Profile Gallery in Warsaw. The St. Stephan de Viena. Christian Eisenberger table-football with roe deer-footed players, the skull created from pieces of mirrors by Bruno Peinado; Elfi Semotan photographs, or the photograph of Kate Moss naked by Chuck Close; the luminous paintings of Robert Pan, the Kennedy and Marilyn reproductions of Kim Dong-Yoo, the monumental-monochrome painting by Herbert Brandl, these are other outstanding works presented in this edition. Special mention for the latter, present in the stand honored as the best of the fair, the gallery Nächste St. Stephan of Vienna.

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Chuck Close, ‘Untitled’ (Kate), 2008, Pigmentprint, 154 x 106 cm, Photo: Oliver Indra, Courtesy White 8, Wien 109

La feria tambien volvió a atraer visitantes por su Zona 1, en la que se suceden fiestas, presentaciones y conferencias respaldando el arte emergente. En este apartado El arte español tuvo también un lugar destacado en la feria. Trayecto Galería presentó en esta edi- ViennaFair ha ción obras de Néstor Sanmiguel, Guillem Bayo, Aitor Lajarín, Ángel Marcos, Juan Luis Moraza y abierto un nicho Fernando Sinaga. La galería austriaca Mario Mauroner que, desde 1977, intercede en favor de artis- de mercado muy tas españoles, llevó una selección para ViennaFair 2010; entre las piezas: el hombre de acero creado respetado por las por Jaume Plensa, situado en la entrada de la feria; las fotografías de Paloma Navarez; las figuras galerías de todo hechas con discos de vinilo de Carlos Aires y las acuarelas de Javier Pérez. La feria también volvió a el mundo, que atraer visitantes a su Zona-1. Aquí, se suceden fiestas, presentaciones y conferencias que respaldan año tras año se al arte emergente. En este apartado, ViennaFair ha abierto un nicho de mercado muy respetado por acercan a conolas galerías de todo el mundo. Cada año son muchos los que se acercan para conocer las propuestas cer las propuesde los talentos alternativos. Por primera vez, la galería de Nina Menocal, de México D.F., participó en tas de talentos la ViennaFair representando, entre otros, a Raymundo Sesma. La responsable de esta participación alternativos.

fue la galerista austriaca Grita Insam. “Quería hacer algo bueno para la feria y por eso le pregunté a Nina”. Según nos contó la galerista, en su opinión, lo que aún falta a la feria son galerías internacionales, “para las galerías austriacas es casi una obligación participar, pero, internacionalmente, aunque tenemos unas galerías muy importantes e interesantes, la feria no tiene la importancia que debería tener”. Los organizadores admiten que la feria tiene aún necesidades que se deben cubrir. Afirma Christoph Thun-Hohenstein, reSpanish art was also notable in this edition. Trayecto Galería presented works by Néstor Sanmipresentante de Departure, agencia creativa guel, Guillem Bayo, Aitor Lajarín, Ángel Marcos, Juan Luis Moraza y Fernando Sinaga. Since 1977, de la ciudad de Viena y coorganizador de la the Austrian Gallery, Mario Mauron, intercede on behalf of Spanish artists, brought a selection to feria. Thun-Hohenstein nos dice que existe the ViennaFair 2010, between the pieces: the man of steel created by Jaume Plensa, located at the “una buena base, con la ViennaFair crece entrance of the fair. The photograph of Paloma Navarez, or the figures made from vinyl records by algo muy importante”, y finaliza: “Una ciuCarlos Aires and the watercolors by Javier Pérez. The show also attracted visitors to its Zone-1, in dad dinámica necesita arte dinámico, y esta which many parties, presentations and conferences are held to support emerging art. Referred to feria lo atrae. En Viena tenemos arte de cathis topic, the ViennaFair has opened a well respected niche to many galleries around the world. lidad para divulgar y, también, un espíritu Year after year, they come to know the proposals of alternative talents. For first time, the gallery of abierto fruto de la larga tradición artística Nina Menocal in Mexico City involved in representing among others Viennafair Raymundo Sesen Viena”. Con este espíritu la feria afronta, ma. The head of this participation was the Austrian gallery Grita Insam. ‘I wanted to do something desde su sexta edición, un futuro lleno de good for the show and that’s why I asked Nina’. According to gallery owner, in her opinion, what is proyectos. La organización ha adelantado still missing are the international galleries, ‘for the Austrian galleries is a must to participate, but que en la próxima edición se desarrollarán internationally, although we have some very important and interesting galleries, the fair doesn’t más servicios para los coleccionistas de have the importance that it should have’. Organizers admit that the show has yet to cover its needs. arte y las galerías participantes. Christoph Thun-Hohenstein is representative of Departure, creative agency in the city of Vienna and co-organizer of the fair, he tells us that there’s ‘a good base, with the Viennafair grows very important’ and ended: ‘A dynamic city needs dynamic art, and this fair attracts it. In Vienna we have to release quality art, and also show an open mind, result of a long artistic tradition in Vienna. With this spirit the fair faces, since its sixth edition, a project of future. The organization has advanced that in the next edition they will develop more services for art collectors and participating galleries.

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Raul Walch, Entschleunigung, 2007, Dachlatten, Obstkisten, Heftklammern, 130 x 180 x 420 cm, Courtesy Galerie Barbara Preyer, Wien

Thomas Feuerstein, Plasma II, 2009, Polypropylen, 145 x 290 x 190 cm,, Courtesy Galerie Strickner, Wien

Alicja Karska & Aleksandra Went, ‘The Cityproject’, 2009, Lambda, dibond, plexi, 50 x 33 cm, Courtesy Profile Foundation, Warschau

Rodolfo Peraza ‘Sin título’, 2009 Animación 3-Dimensiones Courtesy Nina Menocal Gallery, Colonia Roma Mexico City

Kim Dong-Yoo, ‘Kennedy und Marilyn’, 2009, Je 113 x 91 cm Courtesy Galerie von Braunbehrens, München

Robert Pan , TE 8,592 PO, 2006–2008 , Harz, Mischtechnik , 254 x 204, Courtesy Galleria Goethe 2, Bozen

Elfie Semotan ‘Louise Bourgeois’, 1999 / 2009 45 x 52 cm Courtesy Gabriele Senn Galerie, Wien

Herbert Brandl, ‘Ohne Titel’, 2009, Öl, Firnis auf Leinwand, 300 x 500 cm, Courtesy Galerie nächst St. Stephan Rosemarie Schwarzwälder, Wien, 111

LuIS

adelantado

El galerista español Luis Adelantado expande su negocio a México y abre una galería en la colonia de Anahuac./Luis Adelantado spread its projects over to Mexico with the opening of an impressive gallery with 1,500 m. in the colony of Anahuac. Por// JUDITH PASTOR judith@taxiartmagazine.com

Luis Adelantado es, ante todo, una persona vitalista que cree y siente pasión por el arte. Una constante en su trayectoria es llevar sus proyectos hasta sus últimas consecuencias. “Trabajando duro y arriesgando todo”. Empieza con el diseño industrial en los años 80 y termina con una de las tiendas de decoración y diseño de referencia en España. Ha dado apoyo a diseñadores como Mariscal o Belda y presentado infinidad de proyectos como el de Alessandro Mendini. A Adelantado siempre le ha atraído el lado creativo del diseño y, de ahí, se ha ido acercando al mundo del arte. Durante un tiempo fueron pasiones compartidas, pero, irremediablemente, se fue adentrando en el Arte Contemporáneo y tuvo que tomar una decisión: abrir un espacio propio en la calle Bonaire, un edificio de 5 plantas, dedicado al arte más contemporáneo e internacional. Ahora extiende su proyecto a México con la apertura de una impresionante galería de 1.500 mcuadrados en la colonia de Anáhuac. El galerista nos habla de de este proyecto, de su carrera y de la situación actual del mercado del arte. >> Su galería se caracteriza por el apoyo a jóvenes creadores ¿Qué valora a la hora de escoger a un nuevo artista? Por su puesto que hay un gusto personal basado en todo mi bagaje profesional. Me interesan los proyectos artísticos que trasmiten personalidad y radicalidad. >> ¿Qué le hizo apostar por jóvenes artistas? La Galería abrió sus puertas con la exposición individual de Susana Solana, artista destacada del panorama español de la época de los 80, junto con ella, esos primeros años, trabajamos centrados en esa generación española: Ferrán García Sevilla, Xavier Grau, Eva Lootz y, a su vez, con pinceladas internacionales como Pedro Cabrita Reis, Adolfo Schlosser, Alison Wilding, etc… Con el tiempo y la internacionalización de la galería, al participar en innumerables ferias internacionales, me surgió la necesidad de apoyar a las generaciones emergentes y la Galería, en parte, se fue convirtiendo en una cantera de jóvenes talentos; aunque, siempre,

Luis Adelantado is first and foremost a vital person who believes and loves art. A constant in his career is to take the projects to their ultimate consequences. ‘Working hard and risking everything’. He began with industrial design in the 80’s and ended up having one of the reference decoration and design stores of in Spain. He supported designers like Mariscal and Belda and presented infinity of projects such as the ones of Alessandro Mendini. He has always been attracted to the creative side of design and, from there, getting closer to the world of art. During some time, these were combined passions, but as was inevitably, he had to make a decision: get into Contemporary Art. He ended up opening his own space on the street Bonaire, a 5 storey building dedicated to the more contemporary and international of art. Now spread its projects over to Mexico with the opening of an impressive gallery with 1,500 m. in the colony of Anahuac. >> Your gallery is characterized by supporting young artists. What does it values when choosing new artists? Of course, there’s a personal preference based on my professional background. I’m interested in artistic projects that convey personality and radicalism. >> What made you bet for young artists? The Gallery opened its doors with the individual exhibition of Susana Solana, a distinguished artist of the Spanish scene that featured her work at the 80’s, along with her, in those early years we focused on working with that Spanish generation: Ferrán García Sevilla, Xavier Grau, Eva Lootz; and, at the time, with an international touch: Pedro Cabrita Reis, Adolfo Schlosser, Alison Wilding, etc ... Within time and the internationalization of the Gallery by participating in many international fairs, I had the need of support promising generations and the gallery, somehow, was becoming a pond plenty of young talents, but always in a context where they’re referenced by renowned artists as: Dario Villalba, Luis Gordillo, Sophie Calle ... I think it’s important that a gallery reflects the context in which it grows up. I feel it like a living or112

contextualizados por artistas de renombre y referencia como Darío Villalba, Luis Gordillo, Sophie Calle…Creo que es importante que una Galería refleje el contexto en el que crece. Yo la siento como un órgano vivo que va creciendo, transformándose y espero ganar sabiduría con los años. >> ¿Cómo está afrontando el contexto mundial de crisis el arte emergente? El arte emergente sigue interesando, lo que sí que siento es que se exige más profesionalidad en general y creo que eso no es malo en absoluto. Tampoco hay que olvidar que sus precios también son mucho más accesibles >> Cada año organiza una Convocatoria Internacional para Jóvenes Artistas . ¿Qué resultado está obteniendo? Este año será la décimo segunda Convocatoria y te puedo decir, que el resultado siempre es muy estimulante. Se presentan una media de 600 artistas de todo el mundo y muchos de los seleccionados ahora son parte de la Galeria. >> ¿Tiene pensado desarrollar también la Convocatoria Internacional para Jóvenes Artistas en México? En principio… No, no me lo he planteado. >> ¿Qué momento es más especial para usted? ¿El descubrimiento de un talento o la venta de una obra? Son momentos muy distintos. Para apoyar el proyecto de un artista es tan importante vender como mostrar su obra para que todo funcione a la par. He apoyado a muchos artistas que considero brillantes, pero su obra no se vendía fácilmente y la verdad cuando vendes una de esas obras te sientes muy bien. >> ¿Qué le ha motivado a abrir su galería en México? ¿Por qué México y no otra parte del mundo? Conozco el país desde hace años primero por mi relación con la feria de Maco y luego por los amigos coleccionistas y parte de los artistas con los que trabajo. México siempre me ha interesado a nivel cultural y vital.

gan that is growing, changing, and hopefully, I’m earning some wisdom with age. >> How emerging art is facing the context of global crisis? Emerging art is still interesting, but yes, I feel that it requires more professionalism — in general — and I think that’s not bad at all. Nor should we forget that their prices are also much more accessible. >> Every year you organize an International Call for Entries for Young Artists. What results is this getting? This year is the twelfth Call and I can say that the result is always very stimulating. We present an average of 600 artists from around the world and many of those selected are now part of the Gallery. >> Do you plan also to develop a Call for Young Artists in Mexico? In principle… no, I’ve not raised that yet. >> What occasion is more special for you: the discovery of a talent or the sale of a work? They’re very different moments. To support the project of an artist is as important to sell or show their works to make things work hand by hand. I’ve supported many artist who I consider to be brilliant, but his work didn’t sell really easily and, when you sell one of those works, you feel really good. >> What motivated you to open your gallery in Mexico? Why Mexico and not elsewhere in the world? I know the country for years now, at the beginning because of my relationship with the fair Maco. And also because of some collectors and friends of the artists I work with. Mexico has always interested me in a cultural and vital >> What differences you see between Spain and Mexico in the terms of the art market? Mexico is more contemporary and radical, more connected with the United States and it also promotes exchange. The spirit of the collector is more open; most of them have an excellent basis and know what they want. In contrast, the Museums do not have much budget to collect, but their exhibition pro113

>> ¿Qué diferencia encuentra entre España y México en relación al mercado del arte? México es más contemporáneo y radical, esta más conectada con Estados Unidos y eso favorece el intercambio también. El espíritu del coleccionista es más abierto, la mayoría tienen una base excelente y saben lo que quieren. Por contra, los Museos no tienen mucho presupuesto para coleccionar pero sus programas expositivos son muy internacionales y de un gran nivel. En España el coleccionismo se ha sustentado durante años en los Museos, entidades y Centros que hoy por hoy han recortado sus compras a mínimos por lo que el mediano coleccionista es el que en cierto modo sustenta a las Galerías en España. >> Próximamente abrirán los museos de Soumaya y el de la colección Jumex en Anahuac. ¿Cree qué eso puede ayudar a su proyecto? Pienso que puede ser importante si se aglutina como nueva zona cultural, que pueda crecer y ampliarse incluso con otras Galerías. Aunque en México, las Galerías en general, no mantienen una estructura de zona o circuito. >> Lleva 20 años como galerista ¿cómo ha evolucionado el arte durante este tiempo? No creo que pueda hablar de todo lo que he visto transformarse. Si decirte, que a nivel de medios, la fotografía y el video se han instaurado como disciplinas igual de sólidas que la pintura y la escultura. Otras situaciones que han transformado el arte están dentro de la propia sociedad, te podría enumerar como pinceladas: La velocidad de la información, la movilidad, el internet, la proliferación de ferias… >> ¿Y el mercado del arte? Más complejo, más competitivo, más dinámico, más… ¿Cuáles son las claves para comprar una obra de arte? No existe un único tipo de Colección, ni de coleccionista. Para mí, una buena colección debe de tener una parte importante de asesoramiento y otra de emoción. Se podría decir que el 50% de cada. >> También eres coleccionista ¿Qué obras has ido adquiriendo a lo largo de tu vida? He ido comprando de todos los artistas con los que he trabajado puesto que los elijo porque me gusta su trabajo y creo en su proyecto. Es una colección bastante grande que recorre mi trayectoria profesional. Tengo obras de Dario Villalba, Luis Gordillo, Carmen Calvo, Miquel Navarro, Sophie Calle, Gilberto Zorio, Susy Gómez, Carles Congost, Folkert de Jong, Anthony Goicolea, James Lee Byars, Juan Navarro Baldewg, Joana Vasconcelos, Juan Uslé, Alexander Apostol, Priscilla Monge… >> ¿Cuáles son tus artistas de referencia? Artistas que desarrollan con coherencia su proyecto, que remueven algún tipo de emoción cuando veo su obra. He tenido la suerte de conocer a muchos artistas en persona y creo que eso siempre es un gran privilegio. Escuchando a un artista siempre se aprende algo importante; a saber ver. grams are very international and of a very elevated level. Collecting in Spain has been sustained for years by museums, institutions and centers that today have cut-out their minimum purchases. So the average collector is the one that somehow sustains galleries in Spain. >> Soon the museum of Soumaya and Jumex collection will be opened in Anahuac. Do you think that can be helpful to your projects? I think it may be important if it binds as a new cultural zone, which can grow and even expand with other galleries. Although in Mexico, galleries in general, don’t maintain a zone or circuit structure. >> In 20 years as an art merchant. How art has evolved during this time? I don’t believe I can talk about everything that I’ve seen transforming. However, I can say, that in terms of media, photography and video are in a place just as solid as disciplines like painting and sculpture. Other situations that have transformed art are within the society itself, I could enumerate them but they’ll be only vague brushstrokes: the rapidity of information, mobility, Internet, the proliferation of fairs ... >> What about the art market? More complex, more competitive, more dynamic, more ... >>What are the key issues for buying works of art? There’s not a single type of collector or collections. To me a good collection should have an important part of proper advising and also an emotional part. It could be said 50% of each. >> You’re also a collector. What works have you acquired throughout your life? I’ve been buying works of all the artists with whom I’ve worked, since I choose them because I like their work and believe in their projects. It is quite a large collection that covers-up my entire professional trajectory. I have works of Dario Villalba, Luis Gordillo, Carmen Calvo, Miquel Navarro, Sophie Calle, Gilberto Zorio, Susy Gómez, Carles Congost, Folkert de Jong, Anthony Goicolea, James Lee Byars, Juan Navarro Baldewg, Joana Vasconcelos, John Uslé, Alexander Apostol, Priscilla Monge ... >> Which are your reference artists? For me all the artists that develop projects with coherence, and also awake some sort of emotion when I look at their work. I have been fortunate to meet many artists in person; I believe that this is always a great privilege. Listening to artists you learn always somewhat important: learn how to look.

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GIL J

WOLMAN

Bajo el título Gil J. Wolman, ‘Soy inmortal y estoy vivo’, el Museo de arte contemporáneo de Barcelona (MACBA) y la Fundação de Serralves –Museu de Arte Contemporânea de Oporto– dedican una gran exposición a uno de los artistas más enigmáticos, libres y discretos del siglo XX. Uno de los actores esenciales de la transformación de las artes en la segunda mitad del siglo pasado, cuyo lema fue siempre «cuanto más sencillo, más bello». La muestra, que se inaugura en Barcelona y luego viajará a Oporto, reúne las piezas más significativas y fértiles de su carrera, algunas de ellas, inéditas. Mención especial se dedica a L’Anticoncept, película que concibió para ser proyectada sobre un globo de helio y que fue prohibida por la censura por criterios incomprensibles. Con motivo de la exposición, el MACBA dedicará una audición a la poesía sonora de Wolman. Gil J. Wolman fue uno de los miembros más destacados del movimiento artístico e intelectual del letrismo, al que se adhirió tempranamente. El movimiento tenía la convicción de que Under the title ‘I am immortal and I’m alive’, the Mutanto en la poesía, como en la música, pintura y en otros lenguajes de la expresión artísseu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) and tica, las cimas expresivas ya habían sido alcanzadas. Para empezar un nuevo ciclo creathe Fundação de Serralves-Museum of Contemporary tivo, era necesario, en primer lugar, regresar a los principios: deconstruir los lenguajes Art in Oporto, dedicate a major exhibition to one of artísticos. El letrismo propone volver a los signos, vaciados de su carga semántica: las the most enigmatic, free and discrete artist of the 20th letras. Letras, en el sentido de símbolos y sonidos no interpretados, que podían y debían Century; one of the key actors of the transformation of combinarse de formas nuevas. La considerable cantidad y calidad de las obras, docuthe arts in the second half of last Century. He’s an artist mentos y publicaciones que integran esta exposición, la convierten en una especie de with a motto, ‘the simpler is more beautiful’. enciclopedia del letrismo. La exposición se articula en cuatro ámbitos. En primer lugar, The exhibition, which opens in Barcelona and then la película L’Anticoncept (1951). El segundo, el trabajo del artista cuando se separa del travels to Oporto, reunites the most significant and fergrupo de Isidore Isou, fundador del movimiento letrista y se constituye la Internacional tile pieces of his career together, some of them unpuLetrista (1952-1957). El tercer ámbito, se centra en las composiciones de art scotch, problished. Special mention dedicated to L’Anticoncept, cedimiento que consiste en arrancar tiras de papel impreso y adherirlas con pegamento a film designed to be projected onto a helium balloon, –scotch– sobre madera o tela y, la cuarta, que presenta los trabajos relacionados con el which was censored by incomprehensible criteria. On «movimiento separatista» que creó el artista en 1977. Wolman fue el único miembro de the occasion of the exhibition, the Contemporary Art este movimiento, y se centró en la búsqueda estricta de la sencillez, limitándose a partir Museum will dedicate a hearing of the sound poetry of objetos en dos, sin mayores preocupaciones estéticas. Wolman. Gil J. Wolman was one of the most prominent members of the artistic and intellectual movement of lettrism, and he joined in the early hours. The movement was convinced that poetry, music, painting and other artistic expression languages, have reached their peaks of expression. To begin a new creative cycle, it was first necessary to return at the beginning: to deconstruct the languages of art. The lettrism intends to return to the signs, emptied of its semantic meaning: just the letters, within the meaning of symbols and sounds that are not interpreted yet; symbols that could and should be combined in new ways. The significant quantity and quality of books, documents and publications in this exhibition, convert this to a kind of encyclopedia of lettrism. The exhibition is divided into four areas. First, the film L’Anticoncept (1951); second, the artist’s work when separated from the group of Isidore Isou, founder of the lettrist movement and the International of Lettrism (1952-1957); the third area focuses on the compositions of art scotch, procedure that involves striping printed papers and attach them with glue —scotch— wood or cloth; and finally, the fourth area, which presents the work related to the «separatist movement which the artist created in 1977. Wolman was the only member of this movement, and he focused on the strict hunt of simplicity, an example is when he merely dedicated to divide objects in two, with no major aesthetic concerns. 116

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VISÍTENOS EN STUART WEITZMAN. ANDARES GUADALAJARA, ANTARA POLANCO. 121/ MÉXICO D.F.: SANTA FE / CANCÚN: LA ISLA SHOPPING VILLAGE. SAKS FIFTH AVENUE. GRAN VÍA. GUADALAJARA: ANDARES, GALERÍAS, GRAN PLAZA

Ruben Méndez ‘Medusa’, 2005. Estructura mecánica e instalación eléctrica.

RuBéN MÉNDEz Rubén Méndez es un artista y curador independiente nacido en Guadalajara en 1960. Lleva más de veinte año en el arte y algunas de sus piezas forman parte del acervo de importantes colecciones nacionales e internacionales. / Rubén Méndez is an artist and independent curator (Guadalajara, 1960). He has been more than twenty years in the art world, and some of his pieces are part of the body of important national and international collections. Por//ISA NOEMI CARILLO isa.noemi@gmail.com)

Rubén Méndez es un artista que ha sabido rebasar los límites de la transfiguración del arte contemporáneo.Desde 1988 hasta la fecha ha desarrollado diversos proyectos curatoriales y museográficos y es miembro fundador del espacio multidisciplinario Clemente Jacqs Laboratorio y de colectivos como Lipo y CaCa.

Rubén Méndez is an artist who has exceeded the limits of the transfiguration of contemporary art. From 1988 to date, he has developed various curatorial and museum projects, is a founding member of the multidisciplinary space Clemente-Jacqs Laboratory, and also groups such as Lipo and CaCa. >> Can you describe how did you begin in art? My background is that of a self-taught. I remember my dad taking me –holding my hand– to the drawing workshop and he said: ‘Now they will reveal all the secrets of drawing’. From that time, I really always hoped that someone would reveal me something that no one ever discovered. Besides that, my dad, without being an instructed man, or someone very seasoned in arts, took us to see the great murals of Orozco. I think maybe he didn’t understand it entirely, but, yes, he was proud that someone who had gone so far was originally from this region. Furthermore, I had the fortune of running into always interesting people. Early in my career, I met someone who fled away from Mexico City, he had a background – from my point of view – that no one has in Guadalajara. I’m referring to Manuel Oropeza Segura. I started working with him on the theater and was, in fact, my mentor in museums. When he finished the theater project, my interest turned to the visual arts and, through him, I met Carlos Ashida, who offered me to work in his gallery. With Carlos I learned the love of Mexican architecture and much more. Above all, I learned something that has to do with developing some sort of sensitivity with things, spaces and forms.

>> ¿Puedes describir tus comienzos en el arte? Mi formación es autodidacta. Recuerdo a mi papá llevándome al taller de dibujo, de la mano y me decía “Ahora te van a revelar los secretos del dibujo” entonces yo siempre esperé de verdad que me revelaran algo que nunca me revelaron. Además mi papá sin ser alguien instruido o muy avezado en las artes nos llevaba a ver los murales de Orozco, creo que tal vez él no los entendía plenamente pero lo hacía sentirse orgulloso que alguien que había llegado tan alto fuera de esta región. Además, tuve la fortuna de toparme siempre con gente interesante. Al principio de mi carrera me encontré con alguien que huyó del D.F. y que tenía un bagaje que desde mi punto de vista nadie tenía en Guadalajara, hablo de Manuel Oropeza Segura. Comencé a trabajar con él en teatro y él fue en realidad mi mentor en museografía. Cuando terminó el proyecto de teatro mi interés se volcó en las artes visuales y a través de él conocí a Carlos Ashida, quien me ofreció trabajo en su galería. Con Carlos aprendí el gusto por la arquitectura mexicana y muchas cosas más, sobretodo aprendí una cuestión que tiene que ver con desarrollar una cierta sensibilidad de las cosas, del espacio y de la forma. 122

Ruben Méndez ‘Oblatos Cinderella Route’, 2005. Video instalación. Medidas variables

>> Throughout your career you’ve been through natural artistic cycles, from this perspective, Do you conceive music as an inspirational part? Sometimes, much to my despair, if you listen to The Strokes, Interpol may resemble, and Interpol may look like another group. I don’t want to speak in a generational sense, but, I feel that much of the music you hear now is related with some matter of time. Sometimes, I think that music is a reference, and must have a reference to apply pressure and create something else. When you push something, if it is like drywall, there’s no tension, it breaks down, and I think a lot of music really is like drywall and, sometimes, insignificant. There are too many people making music, at some point you’re not able to keep track of everything, and not everything is good. What I like has to do with groups referred to the past, like Violent Femmes. Also, I’m delighted by Johnny Cash, Air; Dvorak’s ‘Slavonic Dances’ also seem incredible to me. I also like Eels, Antony and the Johnson’s... >> Now that you’re talking about drywall and the fact of generating tension. Do you think that this question can be extended to the works of contemporary art? Yes, I think the game of power is very present in art. Contemporary art is overrated and, very soon, has to reemerge again, because that’s a natural requirement of the nature of art, develop a new stance, a new relationship with all things regarding to art. The art is in decline, also society. There are historical moments, not so far from our time, that have been very important: the fall of the Berlin wall, the entrance to the Havana after Batista’s fall, the hippie mo-

>> A lo largo de tu trayectoria has pasado por ciclos artísticos naturales, desde esta perspectiva ¿de qué forma concibes la música como parte inspiracional? A veces me desespera mucho que si escuchas The Strokes se pueden parecer a Interpol, e Interpol se puede parecer a otro grupo. No quiero hablar en sentido generacional pero siento que mucha de la música que se escucha ahora tiene que ver con una cuestión temporal. Algunas veces creo que esa música no tiene un referente y es necesario tener una referencia para poder ejercer presión y generar otra cosa. Cuando tú empujas algo y es de tabla roca no hay tensión, se desbarata, y creo que mucha música en realidad es tabla roca y a veces es intrascendente. Hay tal cantidad de gente haciendo música que llega un momento en que no puedes abarcarlo todo, y no todo es bueno. Lo que me gusta tiene que ver con grupos que se remiten al pasado, Violent Femmes, sigo encantado con Johny Cash, con Air, las Danzas eslavas de Dvorjak me parecen increíbles. Me gusta Eels, Anthony and the Jonhsons. >> Ahora que hablas de tabla roca y del hecho de generar tensión, ¿crees que esta cuestión es extensible hacia el quehacer artístico contemporáneo? Sí, creo que el juego de poder está muy presente en el arte. El arte contemporáneo está sobre-manoseado y muy pronto debe surgir, porque es natural y porque así lo exige la naturaleza del arte, una nueva postura y una nueva relación con respecto a todo esto. El arte está en una franca decadencia como lo está la sociedad. Hay momentos históricos no muy 123

Ruben Méndez ‘Nomadas’, 2005. Pintura acrílica al muro. Medidas variables

lejanos que han sido muy importantes: la caída del muro de Berlín, la entrada a la Habana después de la caída de Batista, el movimiento hippie, la revolución de mayo en Francia... Todas esas cuestiones que como sociedad te decían que había futuro. Ahora hay un gran desencanto y parece que no hay futuro, que vamos a terminar siendo todos empleados de alguien. Existe una gran desesperanza y todo el mundo está pensando qué posición va asumir respecto al reparto de esto, cuando no se trata de eso sino de hacer frente de una manera creativa a todo eso. -¿Cómo? No sé. Las ideologías no lo han descifrado, es decir, ser ahorita zapatista o tener un partido resulta como ingenuo, ya ha demostrado que ellos no van a poder cambiar una sociedad porque se alimentan de los mismo vicios. Le corresponde al artista plantear nuevas soluciones. No podemos cambiar tan fácilmente un sistema sin patalear también. >> En el proceso de maduración como artista se puede observar la ironía o sarcasmo como elemento característico de tu obra, ¿de qué manera comienzas a tramar tu discurso? En un principio era el impulso como el de cualquier persona que pretende lograr algo en este medio y termina convirtiéndose en una cuestión de

vement, the May Revolution in France ... All these issues showed, to a part of society, that there’s a future. Today, there’s an immense disappointment, it seems that there’s no future; that we’ll end up being all employed by someone else. In the midst of this great despair, everyone is thinking about what position is going to take concerning to the share out. It was never about that, it’s only about dealing with the whole thing creatively. How? I don’t know! Ideologies have not deciphered either. Today, being a Zapatista or founding a political party is very naive as they have already shown that they’re incapable of changing society, they fed upon the same defects. It’s up to the artists to rise with new solutions. We cannot change a system easily without kicking a little bit too. >> In the process of maturing as an artist, Can you see the irony or sarcasm as a feature of your work? How do you begin to plot your language? Primary, it was an impulse, just like that of any person seeking to achieve something in this environment. Eventually, became a vital matter. It becomes a dialectic curiosity, you discover something that you want to understand or know better, that leads you to another thing and it’s always progressive. I 124

orden vital. Se convierte en una curiosidad dialéctica, descubres algo que quieres entender o saber y que te lleva a otra cosa y siempre es progresivo. Creo que con la edad se va aclarando esa confusión, te das cuenta de que esto no tiene el fin que estabas buscando. A veces se convierte en un fin creativo, a veces en un fin económico pero con el tiempo se diluye y se vuelve menos presente y deja de ser una especie de premisa. Se van revelando cuestiones que antes no existían en el plano creativo, y son las que te impulsan a seguir. Ahora te parece normal que hayan cosas que sean inalcanzables, antes era frustrante, pero ahora eso mismo es el impulso que te hace continuar. Lo padre de tener veinte o más años en esto es que puedes ver las cosas a distancia y con un grado de experiencia que antes no tenías, y que te hace tener una mayor comprensión. El proceso creativo cada vez se vuelve menos tormentoso, más curioso, menos competitivo y más acucioso. También se debe a que ahora trato de entender cómo se gesta algo, cómo está armado un sistema y trato de dárselo a entender a gente que está algunas generaciones debajo de mí. Esas mismas disyuntivas las aplicó en mi trabajo para seguir creando. Me ha ayudado últimamente mucho entender cómo han sido los procesos creativos y qué pasó en la historia. Siempre basado en la premisa, muy marxista, de que uno tiene que apropiarse de su fuerza de trabajo para no depender de alguien más. Ahora entiendo un poco más de qué se trata esto, y tengo la libertad de poder hacer cosas sin delimitarme por cuestiones de orden externo, emocionales, aspiracionales o de competencia.

think that age will clear up the confusion; you realize that this doesn’t carry the end that you’ve been seeking. At times, it becomes a creative aim; other occasions, is an economic purpose; but, eventually, it just fades within the time and becomes a lesser sum; finally, it ceases to be a sort of premise. Questions that before didn’t exist now are revealed in the creative level. Those are the ones that push you forward. Now you think is normal that some things are unattainable, before it was frustrating, however that’s the impulse that makes you continue. What’s cool about having twenty — or more — years in this matter is that you can see things from a distance, with a degree of experience that you didn’t have before, it gives you a much better understanding. The creative process, each time, becomes less turbulent, more curious, less competitive and more dynamic. Furthermore, I try to understand how something is prepared, or how a system is constructed, and then explain this to people who is several generations below me. These are the same dilemmas that I apply to my work to keep up with my creations. It has helped me — a lot lately —understand how the creative processes develop and what happened historically. I’ve been always based on the premise, — very Marxist— that one has to take over its work force to avoid depending on someone else. Now, I understand a little more what this is about, and I have the freedom to do things not being limited by far-off policy issues, emotions, aspirations or by the competition.

Ruben Méndez ‘Mural ontocable’, 2005. Pintura al muro. Medidas variables

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BERLIN TO TRAVEL A menudo se dice que las ciudades pasan por grandes momentos de renovación después de pasados difíciles, y aunque de la caída del muro hace más de 20 años, Berlín todavía parece estar en la cima desde ese momento. En los últimos años la ciudad ha visto nacer una gran escena artística. En los barrios de Mitte y Prenzlaur han proliferando galerías de arte de reconocimiento internacional que han convertido a la capital alemana en la capital del arte contemporáneo, siendo elegida Ciudad Creativa por la Unesco en el 2006. /It is often said that cities go through great moments of renewal after a difficult past, although from the fall of the Wall, more than 20 years ago, Berlin still seems to be at the top since that moment. In recent years, the city has seen the birth of a great art scene. In the districts of Mitte and Prenzlauer, art galleries of international recognition are proliferating, and that has made the German capital the center of contemporary art, chosen as Creative City by UNESCO in 2006. Por// DIEGO BARBOSA barbosa03@gmail.com

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Deustche Guggeheim, Cai Guo-Qiang. Blick in die Ausstellung Head On

Deustche Guggeheim, Anish Kapoor, Memory

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Desde Berlín se ofrece las formas más progresistas de mostrar el arte. Cuentan con medios y espacios de exposición que van más allá. Espacios como el Temporäre Kunsthalle, un proyecto único en el centro de la capital alemana que sirve de escaparate de lo más destacado de la escena internacional. A diferencia de muchos de sus homólogos, el Kunstalle no tiene una colección permanente, lo que le permite una mayor innovación, importantes colaboraciones y una mayor creatividad curatorial. Además posee un patio para actividades al aire libre, diseñado por Dan Graham en el que encontrarás el Café Bravo, un espacio en el que además de poder comer y beber algo, se puede disfrutar de un programa variado de eventos, charlas, mesas redondas y proyecciones de vídeo. Si visitas Berlín, el Museo de Arte Contemporáneo Hamburger Bahnhof es una parada obligatoria. De 1846 a 1884 fue la estación terminal de la línea Hamburgo- Berlín pero hoy este edificio de 10.000 metros cuadrados es el hogar permanente de la colección de arte contemporáneo de la Galería Nacional y de obras pertenecientes al coleccionista privado de Berlín, Erich Marx. El núcleo de la colección de Marx incluye obras de artistas de renombre internacional como Andy Warhol, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein, Anselm Kiefer y Joseph Beuys El museo, situado en la calle Invalidenstraße 50-51, destaca desde lejos por sus tubos de luz de neón azul colocados a lo largo de la fachada del edificio. La arquitectura y la perfecta combinación de pasado y presente son la quintaesencia de Berlín, y este espacio cumple esa premisa. Sus techos de cristal y sus diseños geométricos hacen de este espacio un lugar fascinante para disfrutar del arte moderno, pop y contemporáneo de la segunda mitad del siglo XX en adelante. Otras de las visitas imprescindibles es la colección del empresario Christian Boros. Sammlung Boros se encuentra en un bunker reconstruido en

Berlin offers the most progressive ways of exposing art. Spaces like the Kunsthalle in Schlossfreiheit Temporäre, serve as a showcase of the highlights from the international scene. This museum, unlike many of its counterparts, doesn’t have a permanent collection, which permits: superior innovation, key partnerships and a greater curatorial creativity. It also has a courtyard for outdoor open air activities, designed by Dan Graham, in which you will find Café Bravo, a place where you can eat and drink something; and also enjoy a varied program of events, lectures, round tables and video projections. If you visit Berlin the Museum of Contemporary Art, Hamburger Bahnhof, is a must. From 1846-1884, was the terminus of the line Hamburg-Berlin, but today the building of 10,000 square meters is the permanent home of the contemporary art collection of the National Gallery, and also of pieces that belong to the private collector in Berlin, Erich Marx. The core of Marx’s collection includes pieces of international renowned artists as Andy Warhol, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein, Anselm Kiefer and Joseph Beuys. The museum, located on the street Invalidenstraße 50-51, stands out due to the blue neon light pipes placed along the facade of the building. The architecture and the perfect blend of past and present are the quintessence of Berlin, and this site fulfill that premise. Glass ceilings and geometric designs make this spot a fascinating place to enjoy modern, pop and contemporary art of the second half of the twentieth century onwards. Another obliged visit is the collection of entrepreneur Christian Boros. Sammlung-Boross is situated in a bunker constructed in Reinhardtstraße 20. In this museum you will find the works of contemporary art collected by Boros since 1990. During this time, he has assembled a private collection within about 500 works by artists such as Damian Hirst, Olafur Eliasson, Elizabeth Peyton, Wolfgang Tillmans, Anselm Reyle, Manfred Pernice, Tobias Reh-

MUSEUMS

MUSEOS

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Reinhardtstraße 20. En este museo encontrarás las obras de arte contemporáneo que Boros ha estado coleccionando desde 1990. Durante este tiempo, ha reunido una colección privada que contiene alrededor de 500 obras de artistas como Damian Hirst, Olafur Eliasson, Elizabeth Peyton, Wolfgang, Tillmans, Anselmo Reyle, Manfred Pernice, Tobias Rehberger, John Bock, Wilhelm Sasnal y Michel Majerus. La mayoría de las obras presentes han sido instaladas y organizadas por los propios artistas. Los artistas se han visto obligados a alterar sus obras a fin de superar el espacio a veces difícil y algunas obras incluso se han creado especialmente para el búnker. Así este espacio ofrece una experiencia única que nadie quiere perderse. De hecho, visitar esta exposición requiere de cita previa. No puedes tampoco perderte el Das Direktorenhaus, un nuevo espacio de 1000 metro cuadrados recién inaugurado. Situado en la calle Am Krögel 2 a orillas del río Spree, Das Direktorenhaus es un espacio concebido como un laboratorio experimental para la síntesis de las artes. Su nombre se remonta a cuando el edificio era parte de la Casa de la Moneda, se construyó durante la Segunda Guerra Mundial no sólo para guardar las monedas acuñadas, sino también para proteger las obras de arte de los museos estatales de Berlín de la amenaza de ataques con bombas. Hoy en día, es la sede de uno de los proyectos experimentales más destacados. Se plantea como un entorno para la exploración y desarrollo del arte, artesanía, diseño y rendimiento. También es imprescindible acercarse a conocer el Deutsche Guggenheim Berlin en Unter den Linden 13-15. Este museo alemán tiene una conexión especial con las raíces históricas de la Fundación Guggenheim ya que la familia Guggenheim eran originalmente de Alemania. Este Museo surge de una joint venture única entre Deutsche Bank y la Solomon R Guggenheim Foundation. Situado en la planta baja de un edificio propiedad de la entidad bancaria, el museo posee 510 metros cuadrados en los que se exhibe la extensa colección de arte de la Fundación Guggenheim. Arte conceptual de vanguardia que apuesta por artistas como Marcel Duchamp , Kurt Schwitters y Robert Rauschenberg. Otro de los espacios que debes conocer es la Kunstraum Kreuzberg/ Bethanien en el número 2 de la calle Mariannenplatz. Este edificio fue

berger, John Bock, Wilhelm Sasnal and Michel Majerus. Most of the present work have been installed and organized by the artists themselves. They have been forced to alter their work to overcome the space dilemma, sometimes difficult, reason why some works have been created especially for the bunker. So this space offers a unique experience that nobody wants to miss. In fact, to visit this exhibit there’s the requirement of a preview appointment. Also you can’t fail to visit the Das Direktorenhaus, a new space recently opened of 1,000 m. Located in the street Krögel Am 2, just in the bank of Spree River, Das Direktorenhaus is a space conceived as an experimental laboratory for the synthesis of the arts. Its name dates back to when the building was part of the Mint (industrial facility which manufactures coins for currency). It was built during World War II, not only to keep the coins, but also to protect the works of art of the museums of Berlin from the threats of bombings. Today, is the venue to one of the most outstanding experimental projects, the gallery wants to be an appropriate environment for exploration and development of art, craft, design and performance. It’s also an imperative to approach to the Deutsche Guggenheim Berlin, situated in Unter den Linden 13-15. This German museum has a special connection with the historical roots of the Guggenheim Foundation — the Guggenheim family was originally from Germany —. The Deutsche Guggenheim comes out from a unique joint venture between Deutsche Bank and the Solomon R. Guggenheim Foundation. Located on the ground floor of a building owned by the bank, the museum has 510 m. to display the extensive art collection of the Guggenheim Foundation. It’s composed by cutting-edge conceptual art by artists like Marcel Duchamp, Kurt Schwitters and Robert Rauschenberg. Another space that you must know is the Kunstraum Kreuzberg/Bethanien in Mariannenplatz Street 12. This building was built in 1847, and for many years was a hospital. Later, there were several not successful demolition plans, and they were frustrated thanks to the initiative of city’s conservationists. Since that time, it has become a space for cultural and artistic institutions, a contemporary art exhibition space that focuses on social and cultural issues; hosting around six exhibitions per year, in collaboration with other

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Transmediable, Wang Yuyang, ‘Artificel Work’

Sammlung Boros, Anselm Reyle. Ohne Titel

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Sammlung Boros, Monika Sosnowska, ‘Ohne Titel’

Transmediable, Coincidence Engine One. ‘Universal people republic’

institutions, curators and groups of artists. And finally, you cannot forget the Martin-Gropius-Bau in Niederkirchnerstraße 7. Until the end of the Cold War, in 1990, the building was on the border between East and West Berlin. Now, its central location, elaborated architectural decoration, and the quality of its exhibitions have become a cultural tourist attraction par excellence. Currently displays the biggest retrospective of Frida Kahlo in Europe, and features pieces thought to be lost

construido en 1847 y durante muchos años fue un hospital. Más tarde se presentaron distintos planes de demolición que no prosperaron por iniciativa de los ciudadanos más conservacionistas y desde entonces, es un espacio para instituciones culturales y artísticas. Se trata de un espacio expositivo de arte contemporáneo que se enfoca en temas sociales y culturales. Acoge alrededor de seis exposiciones al año en colaboración con otras instituciones, curadores o grupos de artistas. Y no puedes olvidarte del museo Martin-Gropius-Bau en Niederkirchnerstraße 7. Hasta el final de la guerra fría en 1990 el edificio estaba en la frontera entre el Berlín oriental y occidental. Ahora su céntrica ubicación, su elaborada decoración arquitectónica y la calidad de sus exposiciones temporales, lo han convertido en una de las atracciones turísticas culturales por excelencia. Actualmente, cuenta con la mayor retrospectiva de Frida Kahlo en Europa, una exposición que cuenta con piezas que se creyeron perdidas y nunca se habían mostrado al público.

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GALLERIES

-------------------------------------------------------------------------------------In Berlin the art is not only exhibited at the museums. The Mitte area, located just at north of the Museum Island, is known as the district of the galleries, here you will find some of the best current contemporary art proposals. Since early 1990, the galleries were established in Mitte around Kunstwerke Institute for Contemporary Art; from this place, they set the most vibrant trends in the German art scene. Here you can find galleries as Gitte Weise Gallery in Tucholskystrasse 47; or the Gallery of Contemporary Fine Artsen, in Am Kupfergraben Street 10, opposed to the Berlin Museum Island. One of the most recognized galleries in Berlin is the Thomas Schulte Gallery in Charlottenstraße 24. It was established in 1991 as Franck Galerie + Schulte, and lived the first great awakening of the art scene of Berlin. The critical acclaim has placed it as a reference gallery. It counts with international artists as important as Richard Deacon, Alfredo Jaar, Jonathan Lasker, Fabian Marcaccio, Gordon Matta-Clark, Robert Mapplethorpe, John Uslé and Katharina Sieverding. In Berlin you can find a representation of art from all over the world, and an example of this is the Nature Morte gallery in Zimmerstraße 90, which act as a platform for contemporary Indian art. Also the Galerie Siguaraya, Friedrichstraße 232, whose exhibition programs focus on Latin American art and especially in the new Cuban art, that has its origins in one generation of the eighties, and possesses all the manifestations

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GALERÍAS

------------------------------------------------------------------------------------Pero en Berlín el arte no sólo de exhibe en museos, la zona de Mitte, situada justo al norte de la Isla de los Museos, es conocida como el barrio de las galerías y en en él podrás encontrar algunas de las mejores propuestas actuales de arte contemporáneo. Desde principios de 1990 las galerías se establecieron en Mitte alrededor del Instituto de Arte Contemporáneo Kunstwerke y desde allí marcaron lo más vibrante de la escena artística alemana. Allí se pueden encontrar galerías como la Gitte Weise Gallery en Tucholskystrasse 47 o la galería Contemporary Fine Arts en la calle Am Kupfergraben 10, justo enfrente del Museo Berlín Island Una de las galerías más reconocidas en Berlín es la Galería Thomas Schulte en Charlottenstraße 24. Se estableció en 1991 como Franck Galerie + Schulte y vivió el primer gran despertar de la escena artística de Berlín. El aplauso de la crítica la ha situado como una galería de referencia internacional con artistas de la talle de Richard Deacon, Alfredo Jaar, Jonathan Lasker, Fabián Marcaccio, Gordon Matta-Clark, Robert Ma130

pplethorpe, Sieverding Katharina y Juan Uslé. En Berlín se puede encontrar una representación del arte de todos los lugares del mundo y un ejemplo de esto es la galería Nature Morte en Zimmerstraße 90, que actúan como plataforma del arte indio contemporáneo. También la Galería Siguaraya en la calle Friedrichstraße 232, cuyo programa de exposiciones está enfocado en el arte latinoamericano y en especial en el Nuevo Arte Cubano, que tiene su origen a partir de la generación de los años ochenta y alberga todas las manifestaciones del arte contemporáneo.

of contemporary art. And if you’re an enthusiast of the emerging field of sound art, you cannot miss Mario Mazzoli Gallery, Zimmerstraße 13, focused particularly in the multimedia arts, contemporary music and works of sound. The gallery spaces offer some of the most promising artists of Berlin and the openings are especially known. --------------------------------------------------------------------------------------

ART DATES

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CITAS DEL ARTE

Galleries, museums, cultural centers and major art events, Berlin has some of the greatest international art events in the world. Is the sixth edition of his art biennial (from 11 June and 8 August); this year critically analyzes the latest trends in the world of art, and displays the work of artists and galleries around the world. The next 7-10 of October 2010 will take place Art Forum Berlin, an event that hosts more than 130 leading galleries of the world with a repertoire ranging from painting, sculpture, photography, installations, drawings, graphics, video and performance art. At Art Forum Berlin the museums, galleries and private cultural institutions of the city, host multi-faceted high-quality exhibitions that are an added attraction. Betting on Berlin as one of the of the world capitals of experimental arts, the city has launched the festival Transmediale, which presents a unique and intensive program of lectures, screenings, performances, exhibitions and concerts around the multimedia art. This year took place in February; so far no dates have been published for the next year. In this article we introduce the highlights of the art in Berlin. Cover all the art on the streets of this city is impossible, but this route can help to immerse you in a Berlin that is often unknown. The sense of culture that exists in Berlin society and their generosity has attracted, in a short period of time, the best talent in the world of fine art, and also has become the epicenter of global contemporary art. Berlin is a unique city and a way of living art that we cannot miss.

------------------------------------------------------------------------------------Galerías, museos, centros culturales y también grandes eventos de arte. Berlín cuenta con algunas de las citas internacionales de arte más importantes del mundo. Su bienal de arte celebra este año su sexta edición entre los días 11 de junio y 8 de agosto. En esta bienal se analiza críticamente las últimas tendencias en el mundo del arte y exhiben su trabajo artistas y galerías de todo el mundo. También del próximo 7 al 10 de octubre de 2010 tendrá lugar Art Forum Berlín, un certamen que acoge a más de 130 galerías líderes del mundo con un repertorio que abarca desde pintura, escultura y fotografía a las instalaciones y dibujos, gráficos, rendimiento y video arte. Durante Art Forum Berlín, además los museos, galerías privadas y las instituciones culturales de la ciudad, presentan un programa multifacético de exposiciones de alta calidad que suponen una atracción adicional. Y apostando por Berlín como una de las capitales del mundo de las artes experimentales, la ciudad ha puesto en marcha el festival ‘Transmediale’ que presenta un programa único e intensivo de conferencias, proyecciones, performances, exposiciones y conciertos entorno al arte multimedia. Este año tuvo lugar en febrero y de momento no se han publicado las fechas del próximo año. En este artículo hemos tratado de presentarte lo más destacado del arte en Berlín. Abarcar todo el arte que hay en las calles de esta ciudad es imposible pero esta ruta puede ayudarte a sumergirte en un Berlín que muchas veces se desconoce. El sentido de la cultura que hay en la sociedad berlinesa y su generosidad, ha hecho que poco tiempo Berlín haya atraído a los mejores talentos del mundo del arte y se haya convertido en el epicentro del arte contemporáneo mundial. Una ciudad única y una forma de vivir el arte que no puedes perderte.

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Sammlung Boros, Anselm Reyle, ‘Life Enigma’

Después de siete años de existencia, Vermelho se ha establecido ya como uno de los puntos principales de la creación y difusión del arte contemporáneo en Brasil. Más que un espacio de exposición, cataliza el arte contemporáneo más reciente e innovador y surge como una alternativa a la rigidez del espacio comercial dedicado al arte. Vermelho se dedica al fomento de ideas y discursos nuevos, desarrollados por artistas tanto emergentes como consolidados. Entre los diversos proyectos desarrollados por Vermelho, merece una importante mención el Festival de Performance Arte Verbo, espectáculo sin ánimo de lucro que tiene como objetivo promover la discusión y presentar trabajos de artistas y teóricos relacionados con el ámbito de la performance. El espectáculo, que se celebra desde el 2005, propone también crear un espacio en Vermelho. El espíritu de convivencia permite reuniones e intercambios de experiencias entre público y artistas de diferentes orígenes de Brasil y el mundo. After seven years of existence, the red has already established itself as one of the main points of creation and dissemination of contemporary art in Brazil. More than justan exhibition space, the red catalyzes what’s latest and innovativecontemporary art and emerges as an alternativeto the rigidity of retail space dedicated to art, encouragingnew ideas and discourses developed by emerging and establishedartists. Among the various projects developed by red, it is importantto mention the annual performance Art Festival Verbo. nonprofits, the show aims to promote discussion and presentworks of artists and theorists connected with the field of performance art. The show, which takes place since 2005,also proposes to create space in the red, a spirit of convivialitythat allows meetings and exchanges of experiencebetween audience and artists of different origins, Braziland the world. ARTISTAS/ARTISTS: Gabriela Albergaria - Jonathas De Andrade Claudia Andujar -Rafael Assef- Chiara Banfi - Dora Longo Bahia - Leya Mira Brander - Cadu -Rogério Canella - Ricardo Carioba - Lia ChaiaChelpa Ferro - Leandro Da Costa - Marcelo Cidade - Marilá Dardot Detanico & Lain DIRECCIÓN/ADRESS: Rua Minas Gerais. 350 São Paulo. BRASIL +info: www.galeriavermelho.com.br

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ZOLLA/LIEBERMAN GALLERY Chicago

En 1976, Zolla/Lieberman Gallery se trasladó a un espacio tipo loft de un barrio industrial desolado; a continuación, fundó el área que ahora es conocida como River North Gallery District. Fue en ese año inaugural que Zolla/Lieberman Gallery dio una muestra individual de una desconocida llamada Deborah Butterfield. Hoy sigue manteniendo la calidad estética del arte contemporáneo con el que la galería ha hecho historia desde su apertura. Al adoptar una amplia gama de géneros y artistas, Zolla/Lieberman es capaz de ofrecer una gran variedad de trabajos. Zolla/Lieberman Gallery se dedica a proporcionar atención personal a las condiciones establecidas por el coleccionista, así como otros profesionales del arte. In 1976 Zolla/Lieberman Gallery moved to a converted loft space in a then desolate industrial neighborhood and founded the area that is now known as the River North Gallery District. It was in that inaugural year that Zolla/Lieberman Gallery gave a solo show to an unknown artist named Deborah Butterfield. Today continues to maintain the aesthetic quality of contemporary artwork that the history of the gallery had established since its opening. By embracing a wide range of genres and artists, Zolla/Lieberman is able to offer a variety of work. The Gallery is dedicated to providing personal attention to both the beginning and established collectors, as well as other art professionals. ARTISTS: Victoria Adams - Satoru Aoyama - Heather Becker - John Buck - Deborah Butterfield - BrendenClenaghen - Stephen DeStaebler Susanne Doremus - TeodorDumitrescu - Garrett Durant - Julie Farstad - Anoka Faruqee - Vernon Fisher - Adam Benjamin Fung. DIRECCIÓN/ADRESS: 325 West Huron. Chicago- ILINOIS +info: www.zollaliebermangallery.com

São Paulo

vERMELHO

DIRECTORIO/DIRECTORY

La galería Jérôme de Noirmont se especializa en arte contemporáneo, se centra en el mercado primario, aunque tiene la intención de promover a los artistas franceses y extranjeros que representa. Todos los artistas vivos —bien de talla y fama internacional, tanto como los nuevos talentos— proceden de muy diversos ámbitos: son pintores, fotógrafos, escultores, artistas de vídeo y performance. Trabajan con una amplia gama de soportes. La Galerie se preocupa de verdad por la construcción de una relación exclusiva, abierta y a largo plazo con sus artistas; apoyándolos en la creación, participando en la producción de sus obras o, bien, con proyectos de mayor escala. Actúa como representante de ellos a nivel internacional, mediante la organización de exposiciones de su trabajo en museos de todo el mundo. Por último, les ayuda a ampliar su público mediante la colocación de las obras en importantes colecciones privadas o públicas. The GalerieJérôme de Noirmontspecialises in contemporary art, focussing on the primary market, and intends to promote the French and foreign artists it represents. All living artists — either already internationally renowned or emerging talents— from various backgrounds: painters, photographers, sculptors, video art and performance artists. All of them working with a very wide range of supports. The Galerie genuinely cares about building an exclusive, ongoing, long-term relationship with these artists, supporting them in their creation, getting involved in the production of their works or large-scale projects, and into representing them internationally by organising exhibitions of their work in museums all over the world, and finally, helping them to widen their audience by placing their works in major private or public collections.

ARTISTS:ValérieBelin - George Condo - Claudine Drai - Anh Duong - Eva & Adele - Keith Haring - FabriceHyber - Jeff Koons - Mcdermott&Mcgough - David Mach - Brigitte Nahon - ShirinNeshat - A.R. Penck - Pierre Et Gilles - Bettina Rheims - Benjamin Sabatier - Yi Zhou. DIRECCIÓN/ADRESS: 36 - 38 Avenue Matignon. PARIS +info: www.denoirmont.com

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GALERIA LEME París

Inaugurada en noviembre de 2004, la Galería Leme explora y realiza nuevas ideas y experimentos en el mundo del arte contemporáneo; desde su creación, mantiene una perspectiva muy internacional. El edificio, diseñado por el arquitecto Paulo Mendes da Rocha, está diseñado, específicamente, para emplearse como galería de arte. Está hecho de hormigón y tiene 420 m.de espacio disponible; también incorpora una claraboya de 9m de altura. Galería Leme representa a artistas nacionales e internacionales, aunque pone especial énfasis en los latinoamericanos. Estos artistas trabajan con una variedad de medios: fotografía, pintura, instalación, escultura, video, proyección, trabajos in situ, entre otros. Una de las preocupaciones principales de la galería es promover la diversidad en el arte, y también, un intercambio cultural intenso. Desde septiembre de 2006, existe una sala de proyecciones disponible para los artistas en residencia y para acceder sólo hay que cruzar la calle, funciona tanto como un anexo del estudio y como espacio de exposición, así el público tiene la oportunidad de ver las obras en curso. Inaugurated in November 2004, Galeria Leme explores and realizes new ideas and experiments in contemporary art and has, since its inception, maintained an international outlook. The building, designed by the architect Paulo Mendes da Rocha specifically to serve as an art gallery, is made entirely from bare concrete, and has 420m of available space incorporating a 9m high skylight. Galeria Leme represents Brazilian and international artists, with an emphasis on Latin Americans. These artists work with a variety of media: photography, painting, installation, sculpture, video, projection, and site-specific work, among others. One of the gallery’s main concerns is to promote diversity in art, as well as an intense cultural exchange. Since September 2006, a project room a cross the street has been available for artists in residence. This annex functions both as a studio and an exhibition space, giving the public the opportunity to see works in progress. ARTISTAS/ARTISTS: David Batchelor - Richard Galpin- Felipe Cama Fernanda Chieco - Frank Thiel - Regina Parra - Henry Krokatsis - João Pedro Vale - José Carlos Martinat - JR Duran - KristinaSolomoukha Luiz Braga - Neil Hamon - Nina Pandolfo. DIRECCIÓN/ADRESS: RuaAgostinho, 88 Sao Paulo- Brasil +info: www.galerialeme.com

París

GALERIE JÉRÔME DE NOIRMONT

Newbury

La galería se ocupa de fotógrafos establecidos durante los siglos XIX y XX. Incluidos los fotógrafos que se consideran maestros o cuyas obras han recibido elogios de la crítica y el reconocimiento: Gustave LeGray, Eadweard Muybridge, Berenice Abbott, Ansel Adams, Irving Penn, Brassai, Henri Cartier-Bresson, Mario Giacomelli, Helen Levitt, Yousuf Karsh, Man Ray, Alfred Stieglitz, Edward Weston, Charles Sheeler, y Walker Evans. Además, los programas de sala de exposiciones están diseñados para presentar nuevos fotógrafos al público. The gallery deals with established photographers of the 19th and 20th centuries including those photographers who are considered masters or whose works have received critical acclaim and recognition, such as: Gustave LeGray, Eadweard Muybridge, Berenice Abbott, Ansel Adams, Irving Penn, Brassai, Henri Cartier Bresson, Mario Giacomelli, Helen Levitt, Yousuf Karsh, Man Ray, Alfred Stieglitz, Edward Weston, Charles Sheeler, and Walker Evans. In addition, the gallery exhibition schedule is designed to introduce newer photographers to the public. ARTISTAS/ARTISTS: Julie Blackmon - Bill Jacobson - Jeff Brouws - Paulette Tavormina - Cig Harvey - DidierMassard - Laura Letinsky Wendy Burton - Chip Hooper - Sally Gall - Arno Rafael Minkkinen. DIRECCIÓN/ADRESS: 38 Newbury, Boston +info: www.robertkleingallery.com/

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DAVID ZWIRNER New York

ROBERT KLEIN GALLERY

DIRECTORIO/DIRECTORY

David Zwirner se incorpora al arte en 1992. La galería abrió sus puertas en febrero de 1993, en la planta baja del de Greene Street 43, en el SoHo. Marcada por exposiciones pioneras como las de Stan Douglas, Jason Rhoades, Toba Khedoori, Rachel Khedoori y Diana Thater. En sus primeros años, David Zwirner se estableció como un hogar para innovadores y para los artistas emergentes que trabajan a través de los medios de comunicación. Con los años, la galería ha contribuido a promover las carreras de algunos de los artistas más influyentes de la actualidad, incluyendo Luc Tuymans y Neo Rauch, quienes tuvieron su debut en exposiciones en EE.UU. en 1994 y 2000, respectivamente.

David Zwirner was incorporated in 1992. The gallery opened its doors in February 1993 on the ground floor of 43 Greene Street in SoHo. Marked by pioneering exhibitions by Stan Douglas, Jason Rhoades, Toba Khedoori, Rachel Khedoori, and Diana Thater, the early years established David Zwirner as a home for innovative, emerging artists working across media. Over the years, the gallery has helped foster the careers of some of the most influential artists working today, including Luc Tuymans and Neo Rauch, who both had their U.S. debut exhibitions at David Zwirner in 1994 and 2000 respectively. ARTISTAS/ARTISTS: Adel Abdessemed - TommaAbts- FrancisAlÿs Mamma Andersson - MichaëlBorremans - R. Crumb - Raoul De Keyser - Philip-Lorca divorcia - Stan Douglas - Marlene Dumas - Marcel Dzama - Suzan Frecon - IsaGenzken - On Kawara - Rachel Khedoori… DIRECCIÓN/ADRESS: 525 West 19th Street, New York +info: www.davidzwirner.com

0.64 cm

Nº 0 / JULIO 10 /

NÚMERO 0

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EXHIBICIÓN · VENTA · ENLACE · CURADURÍA