Taxi Art Magazine Issue 2 by Alberto Noriega

Taxi Art Magazine recibe este año con una edición que gira entorno a la pintura contemporánea, y a la aptitud o aptitudes que posee una persona para realizar con excelencia una tarea determinada y que le hace destacar sobre los demás. Hay quien es talentoso de una manera innata y quien desarrolla un talento a través del aprendizaje. El arte nos ha presentado a lo largo de la historia, artistas con un potencial inmenso, genios que han llegado a ser superados por su propio talento. Estas anécdotas se recogen en el artículo ‘La leyenda del artista moderno’, que nos plantea el complejo mundo de la creación desde la mirada de un artista. Podríamos decir que mucho han cambiado las cosas desde la era moderna, pero en realidad ¿han cambiado tanto? o el arte sigue estando en las manos de caprichosos mecenas que hoy cobran la forma de fundaciones e instituciones privadas. ¿Podemos decir que el talento se apoya lo suficiente? No, categóricamente no. Y no se apoya porque hay un problema de base y es que el arte sigue siendo un conocimiento de élite al que no todas las personas tienen acceso. El arte no es sólo una asignatura de colegio, es también visitar exposiciones, leer revistas y libros, hablar con expertos, con artistas, con personas que te muestren de una manera cercana el verdadero sentido del arte, y esto no es siempre de fácil acceso. Cada pieza artística nos sitúa ante el umbral de una puerta abierta a la libertad de expresión y pensamiento. Ningún artista crea una obra para que sea entendida de una forma concreta, la crea para que cada uno de nosotros pueda sentirla de una determinada manera. Pero para poder apreciarla en su esencia, es indispensable un conocimiento artístico. En esta carrera para acercarnos más al arte, y subir cada día más pasajeros a este Taxi, se ha creado una sección llamada ‘Coleccionismo’ que descubrirá edición tras edición todos los recovecos del mundo artístico. Y es que coleccionar arte es una pasión al alcance de todos. Coleccionar, no es sólo adquirir grandes obras de millones de dólares, es apostar por jóvenes creadores, pues quizá ese joven talento al que un día compraste una pieza se convierta en uno de los grandes artistas del siglo XXI. El arte contemporáneo es así y eso es lo que lo hace tan apasionante. Nosotros nuevamente te invitamos a que formes parte de él. Taxi Art Magazine welcomes this year with an edition that spins around contemporary painting and the aptitude or aptitudes possessed by a person to perform with excellence a given task which emphasizes him over the rest. There some that have an innate talent and some others that develop it throughout the process of learning. Art has presented throughout history, artist with great potential; geniuses that have been outgrew by their own talent. This anecdotes are gather on the article ‘The Legend of the Modern Artist’, that present us the complex world of creation from an artist perspective. We could say that things have change since the modern era, but in reality; has it changed that much? or does art keeps on being under the hands of fickleness patrons that nowadays gain the shape of foundations and private institutions. Can we say that talent is supported enough?. No, categorically not. And it is not backed up do to a basic problem which is that art keeps on being an elite knowledge which not everyone has access to. Art is not a school assignment ; is to visit exhibitions, read magazines and books, talk to experts, with artists, with people that closely show the real sense of art; and this is not always accessible. Every art piece situates us in front of a threshold of an open door towards freedom of expression and thoughts. None of the artists creates a work so it can be concretely comprehended, it is created so each one of us can feel it differently . But in order to be able to appreciate its essence, artistic knowledge is required. On this run to bring us closer to art and pick up more passengers on this Taxi Around the Art, we have created the section called ‘Coleccionismo ‘, that will unveil edition after edition all the hidden corners of the artistic world. Collecting is a passion available to everyone. Collecting is not only acquiring expensive pieces worth millions of dollars, is to bet on young creators, maybe that young talent to whom one day you purchased a piece becomes one of the greatest artist of the XXI century. Contemporary art is like that, and that is what makes it so passionate. Once again we invite you to be a part of it.

EDITO 2

IN-

DEX TALKING ABOUT

Richard Serra ... 12-15 La leyenda del artista moderno/ The leyend of modern artist ...14-17 Escuchar es obsevar/ Listening is to observe? ...18-21

NEWS ...24-41 ART VIEW

Suprasensorial ...42-43 Gabriel Dawe ...44-45

VIDEOART

Harun Farocki ...46-47

OBSESSIONS

Haunted ...50-55 Si Síndrome Italiana ...56-59

TALENTS

Roger Hiorns ...60-65 Alain Delorme ...66-71

CONTEMPORARY PAINTING

ZOOM

Christian Schoeler ....72-75 Richard Philllips ...76-79 Terry Rodgers ... 80-85 Neo Rauch ... 86-89 Sean Landers ...90-93 Ryan Mendoza ...94-97 Francis Bacon ...98-101

Eduardo Abaroa...102-107 Marita Dargallo ...108-113

EMERGING MEXICAN ART

Christian Franco ...114-117 Marcos Rountre ...118-119

COLECCIONISMO

Las bases del coleccionismo ...121-129

ART FAIRS

Vip Art Fair ...130-133 Zona Maco ...134-137

TO TRAVEL

Moscow in the art ...138-143

DIRECTORY ...144,146 TAXI AROUND THE ART, es una Revista bimestral editada por Operadora Contemporánea, S.A. de C.V. la cual se encuentra amparada bajo la protección concedida por el Certificado de Reserva de Derechos al Uso Exclusivo No. 042010-090817193300-102, expedido por la Dirección de Reserva de Derechos del Instituto Nacional de Derechos de Autor. Certificados de licitud de título y contenido en trámite ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas de la Secretaría de Gobernación. Número Internacional Normalizado para Publicaciones Periódicas en proceso de obtención. Año 0, Numero 2, Febrero 2011, tiraje 10,000 ejemplares. Domicilio de la publicación: Golfo de Cortés # 2967, Segundo Piso, Col. Vallarta Norte, C.P. 44690, Guadalajara, Jalisco, México. Queda expresamente prohibida la reproducción total o parcial del contenido, incluida las realizadas por medios físicos y/o electromagnéticos, sin la previa autorización por escrito de los editores y el Director. © 2011 TODOS LOS DERECHOS RESERVADOS./ TAXI AROUND THE ART, its a bimonthly magazine edited by Operadora Contemporánea, S.A. de C.V. which is under protection conceived by the Certificado de Reserva de Derechos al Uso Exclusivo No. 04-2010-090817193300-102, expended by the Dirección de Reserva de Derechos del Instituto Nacional de Derechos de Autor. Legality certification of title and content in process under the Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas de la Secretaría de Gobernación. International Number Normalized for Periodic Publications in process. Year 0, Number 2, February 2011, Print Run 10.000 copies. Address of publication: Golfo de Cortés # 2967, Segundo Piso, Col. Vallarta Norte, C.P. 44690, Guadalajara, Jalisco, México. Reproduction in whole or in part of its contents, including the ones by physical and/or electromagnetic means, without express written previous permission of the editors and Director is strictly prohibited. © 2011 All rights reserve

issue Nº2 - 2011

RICHARD PHILLIPS ‘New Museum’, 2009 Oil on canvas 85 x 63 inches (215.9 x 160 cm) Courtesy Robert McKeever/Gagosian Gallery

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TA L K I N G A B O U T

RiChard SeRRa

‘Todo lo que elegimos en la vida por su ligereza se revela en poco tiempo como un peso insoportable’. ‘‘Everything that we choose in life by its lightness reveals in short time as an unbearable weight” TEXTO: ANTONIO BAENA Barcelona (ESPAÑA) TRADUCCIÓN: Jael de Castro FOTOS: Richard Serra ‘The Matter of Time (La materia del tiempo)’ CRÉDITO: Robert Polidori .Cortesía de/ Courtesy of Guggenheim Bilbao

“Colóquese bien la chaqueta”, le dijo el portero del Hotel Reconquista. Richard Serra se lo agradeció con un gesto de mano. En ese momento, justo cuando salía hacia el Teatro Campoamor donde recibiría minutos después el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, decenas de personas le aplaudieron con entusiasmo. Esbozó una franca sonrisa que borró de su rostro, por unos instantes, su habitual semblante rígido. Pocos metros más allá, subido ya en el coche que le trasladaba a la ceremonia, pudo escuchar cómo el público estallaba de júbilo, gritaba y aplaudía como si hubiera enloquecido. Comprendió que esas desbordantes pruebas de afecto iban dirigidas a los nuevos dioses: los jugadores de la selección española de futbol. A él nunca le vitorearán así. Nadie aclamará una de sus obras con tanto entusiasmo como un gol de Iniesta. Sin embargo, la materia con la que están forjados esos dioses es efímera. Él, en cambio, es “El Señor del Acero” Todo comenzó el día de su cuarto cumpleaños. Su padre trabajaba como tubero en unos astilleros en San Fran-

cisco. Iban a ver la botadura de un barco. Escoras, puntales, calzos de madera, pértigas, perfiles, cuñas de quilla... Todos los materiales de contención fueron retirados, se soltaron los cables, se liberaron los grilletes de la proa. El barco abandonaba su cuna. Se inclinó hacia adelante y se precipitó al mar, medio sumergido, para inmediatamente emerger y elevarse hasta encontrar su equilibrio. Un peso enorme e inerte se transformaba en una estructura libre y flotante, a merced de las aguas. Toda la materia prima que necesita está contenida en este recuerdo. Es la base de su arte. Pero, antes de escultor, Richard Serra fue pintor. Lo recordó en Oviedo. De pequeño le gustaba dibujar en el papel de estraza el carnicero del barrio envolvía a su madre salchichas o carne picada. Un día llevó esos dibujos al colegio. Su profesor llamó a su madre y le dijo: “Señora, tiene que empezar a llevar a su hijo a los museos”. Pero se sentía muy frustrado con sus resultados y Las Meninas le ayudaron para decidirse. Velázquez lograba que el espectador se implicase en el espacio, le

hacía partícipe de la obra. Descubrió que el espacio era la materia indispensable y dejó los pinceles. Desde entonces mantiene una estrecha relación con España, más allá del hecho de que su padre naciera en Mallorca. “Sin el apoyo que he recibido de este país y la posibilidad sobrecogedora que me ha dado de trabajar, no estaría aquí”, asegura. De sus primeros experimentos queda la anécdota convertida en leyenda de la separación de su esposa en aquellos tiempos. Cuentan que un día lanzó cuatro láminas de plomo contra la pared de su casa y rellenó los huecos entre ellas con madera. Su mujer entró en la habitación y le preguntó horrorizada: “¿No estarás pensando en exponer eso?”. Serra fue tajante en su respuesta: “Sí, lo estoy considerando. Aquí acaba nuestro matrimonio”. Y se divorció. Lo cierto es que el artista cree en la libertad de la obra. Una noche, en Kansas, presenció cómo unos actores se tiraban por una ventana una y otra vez. Había una colchoneta abajo. Se trataba de una performance. Eran años en los que se inventaba

sobre la marcha. No había cánones. El pasado no existía. Ahora, en cambio, “el mercado ha puesto límites al artista porque le da una idea de lo que puede hacer o no. De lo que venderá o no. Ahora todo es producto”, se queja. “El arte se ha convertido en parte de los intercambios que se producen en esta cultura consumista. En cierta medida no se distingue de la moda”. Por eso le agrada la visita que realiza en la localidad asturiana de Avilés. Hace calor para ser una mañana de otoño. Serra camina por el Centro Cultural Oscar Niemeyer que se está construyendo en esta ciudad y que lleva el nombre del arquitecto brasileño de 102 años de edad. “Es increíblemente bueno”, alaba con generosidad y sorprendido por la capacidad de trabajo y calidad del arquitecto. Al otro lado del estero una figura le llama la atención: es una gran escultura titulada ‘Avilés’, del artista local Benjamín Menéndez. Son tres enormes y estili-

zados conos, a modo de lanzas, que se incrustan en el suelo. “¿Cuántas toneladas de acero lleva?”. El peso. Siempre el peso. “Todo lo que elegimos en la vida por su ligereza se revela en poco tiempo como un peso insoportable. Estamos enfrentados al miedo de ese peso: el peso de la represión, el peso de la coacción, el peso del poder, el peso de la tolerancia, el peso de la decisión, el peso de la responsabilidad, el peso del desastre... El saldo de la historia: la página impresa, el parpadeo de la imagen, siempre incompleto, fragmentado, siempre dejando a un lado parte del peso de la experiencia”. Vuelve a Oviedo y se sienta en el coche con un cierto cansancio. Sus prótesis en la rodilla y en la cadera, además de la operación de injerto óseo que le han realizado en la columna vertebral hace unos meses, todavía le obligan a descansar más de lo que a él le gusta. Mientras recorre los menos de 30 kilómetros que separan ambas ciudades

no puede dejar de fijarse en laderas verdes, rotondas del camino, plazas, calles, espacios, la piel de los espacios. Asegura que es importante que exista arte, bueno o malo, en espacios públicos pero critica que en ocasiones se hayan realizado intervenciones como una decoración, un pequeño barniz. Por eso a él le gusta que la gente toque sus obras, camine entre ellas. Por eso bajó del pedestal las esculturas. Las dotó de grandiosidad y las integró en la vida. Forjadas con la espuma de la eternidad, el alma de sus obras permanecerá más allá de los goles de Iniesta. A sus 71 años es uno de los diez artistas vivos más cotizados. Ha participado en más de 450 exposiciones desde 1968 y trabaja con 46 galería en todo el mundo. Su mejor proyecto, “La materia del tiempo”, está especialmente creado para el Museo Guggenheim de Bilbao. El pasado 22 de Octubre recibió en Oviedo el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

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“Please fasten your jacket.” said the doorman at Hotel Reconquista. Richard Serra thanked him with the wave of his hand. In that moment, as he was going to Teatro Campoamore to receive the Prince of Asturias Award for Arts, dozens of people offered enthusiastic applause. He smiled sincerely and for an instant the rigidity of his face was gone. A few feet away, already inside the car that had brought him to the ceremony, he could hear how the audience erupting with joy, shouting and clapping as if they had gone crazy. He realized that such an overflow of affection was actually aimed at something else: the players of the Spanish football team. He would never receive that kind of enthusiasm. No one will ever cheer on his works with the same enthusiasm as a goal from Iniesta. However, the material with which these gods are made is ephemeral. He is, however, “the Lord of the Steel.” It all started on the day of his fourth birthday. His father was working with tubes at a shipyard in San Francisco. They were going to see the launch of a ship. Heels, props, blocks of wood, profiles, poles keel wedges. All the restraints were removed, the cables released, and

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the shackles of the bow. The ship was leaving its cradle. It leaned forward and crashed into the sea, half-submerged, and immediately emerged and rose until it found its balance. A huge, weighty and inert structure transformed into something that was floating free at the mercy of the water. All the primeval material he needs is comprised in this memory.” It is the basis of his art. But, before he was a sculptor, Richard Serra was a painter. He remembered that in Oviedo. As a child he liked to draw on the brown paper that the local butcher wrapped sausages or minced meat in and gave to his mother. One day he took those pictures to school. His teacher called his mother and said, “Ma’am, you have to start taking your child into museums.” But he was frustrated with his results, ‘Las Meninas’ helped him decide. Serra discovered that the space was crucial and he put down the brush. Since then he has had a close relationship with Spain, outside the fact that his father was born in Mallorca. “Without the support I have received from this country, the overwhelming possibility this country had given me and my work, I would not be here,” Serra assured. The mythical story that remains is the

story that surrounds his divorce. It is said that he dropped four lead plates against the walls of his house and filled the holes with wood. His wife entered to the room and asked, “You are not thinking of exhibiting that?” Serra was blunt with his reply: “Yes, I’m considering it. This is the end of our marriage” And divorced. The truth is that the artist believes in the freedom of the work. One night in Kansas, he watched as actors were thrown through a window over and over again. There was a mat underneath. It was a performance. Those were the years where you invented to the fly. There were no rules. The past did not exist. Now, however, “the market has placed limits to the artist because the market gives an idea of what you can and can’t do. What will send or won’t. Now everything is a product,” he complains. “Art has become part of the exchanges that occur in this consumerist culture. To some extent they it isn’t any different from fashion.” This is why he enjoys the visit to the Asturian town of Avilés. It’s hot for an autumn morning. Serra walks by the Centro Cultural Oscar Niemeyer (Oscar Niemeyer Cultural Center) that is in construction in the city that is na-

month ago, still force him to rest med after the 102 year old Brazimore than he would like. While he lian architect. “He’s awfully good.” drives less than 30 km that separaAcross the river a figure caught his eye: a large sculpture entitled “Art has become part of the exchanges te both cities he cant help looking ‘Avilés’ by local artist Benjamín thatoccur in this consumerist culture. at the green slopes, at the curves of the highway, atnthe squares, the Menéndez. Three huge and styliTo some extent they it isn’t any spaces, the skin of the spaces. He zed cones, like spears, embedded differentfrom fashion.” assures us that it is important for into the ground. “How many art to exist, good or bad, in public tons of steel does that weigh?” spaces but he criticizes that in on The weight. Always the weight. “Everything that we choose in life for called the attention: a large sculpture certain occasions performance and inits lightness is revealed in a short time entitled ‘Avila’, local artist Benjamín terventions can become decorative, like as an unbearable burden. We are faced Menéndez. Three huge, stylized cones, varnish. This is why he likes it when with the fear of weight: the weight of like spears, which are embedded in the people touche his work, walk through repression, the weight of coercion, the ground. ‘How many tons of steel takes?’. them. That’s why he brought sculpture weight of power, the weight of toleran- Weight. Always weight. “All that we down from the pedistal by giving them ce, the weight of decision, the weight of choose in life for its lightness is revealed grandiosity and integrating them into responsibility, the weight of disaster. in a short time as an unbearable burden. life. Forged from the foam of eternity The balance of the story: the printed We are faced with the fear that weight: the soul of his work will transcend bepage, a flashing image, always incom- the weight of repression, coercion yond Inesta’s goals. plete, fragmented, always leaving to one weight, weight, power, weight tolerance, At his 71 years old he is one of the 10 the weight of the decision, the burden of living artists held in such high regard. side the weight of experience.” He has participated in over 450 exhiSo you like the visit in the Asturian responsibility, the weight of disaster ... town of Aviles. It’s hot to be an autumn The balance of the story: the printed bitions since 1968 and works with 46 morning. Serra walks by Oscar Nie- page, a flashing image, always incom- galleries throughout the world. His meyer Cultural Center being built in plete, fragmented, always leaving to one best project, ‘La materia del tiempo’, was specifically created for the Gugthis city and named after the Brazilian side of the weight of experience. architect of 102 years old. “It’s awfully Back to Oviedo and sitting on his car genheim Museum, Bilbao. On October good ‘, praise generously and surprised fatigued. His new hip and knee pros- 22nd received in Oviedo he received by the working capacity and quality of thesis, along with the bone graft he had the Príncipe de Asturias de las Artes the architect. Across the river a figure performed on his vertebral spine a few award.

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LEYENDA deL ARTISTA

MODERNO “La divulgación masiva del arte y de la figura (biografía) del artista ha hecho daño a la comprensión cabal de muchos aspectos del arte ”/ “The massive awareness of art and its figures (biographies) has damage the logical comprehension of many of its aspects” TEXTO: FELIX PÉREZ-HITA Barcelona (ESPAÑA) FOTOS: Cortesía de/ Courtesy of Àngels Barcelona

Como decía un profesor: “la que nos ha tocado vivir es la única época que hay. Las pasadas y futuras son imaginaciones o fantasmagorías de ésta”. La prueba está en que cada quién ha visto y pintado su pasado y futuro de formas muy distintas. También cambia, lógicamente, la idea de que cada época se hace del arte y de los artistas. Su papel en la sociedad, su prestigio, su estatus económico, su autonomía, todas sus notas definitorias, van desplazándose y modificándose con el paso del tiempo. Asimismo, cosas del pasado que hoy no consideramos artísticas, pueden llegar a alcanzar esa dignidad iluminadas por una nueva situación y una nueva sensibilidad. Y según lo que se entienda por obra bella, por arte, los que hagan “eso” serán los llamados artistas. La dialéctica histórica entre el artista y el público de su época y las siguientes, es un asunto complejo que no puede dejar de tenerse en cuenta. Como sucede con las épocas, determinados autores o textos son despreciados por unos siglos para ser apreciados más tarde, o al revés. “La fama es la suma de los malentendidos que se reúnen alrededor de un hombre”, decía Rilke, y todo artista, lo quiera o no, carga con su fama, con una leyenda. “En su juventud Manolo (Hugué) estaba en la miseria más espantosa. Para poder vivir se convirtió en una especie de pillo. Por desgracia eso se transformó en una leyenda que perjudicó mucho su carrera de artista.

En otro plan, Erik Satie fue también víctima de una leyenda. Tomó la costumbre de dar títulos fantasiosos, estrambóticos a sus composiciones. Eso podía hacer creer que su música era también fantasiosa y estrambótica. Sin embargo, Satie era un gran compositor” (Brassaï, ‘Conversaciones con Picasso’). Hoy Satie es apreciado como un gran compositor, sin dejar de tener fama de extravagante y Manolo tiene su público, que ya ha olvidado sus pillerías, o puede que incluso esas mismas pillerías lo hagan más simpático a algunos de sus admiradores actuales. Pero la historia no siempre pone las cosas en su sitio (¿qué sitio?). Parece claro que la obra de Van Gogh quedó teñida inevitablemente por el retrato biográfico que le hizo Albert Aurier: su oreja cortada, su paso por el manicomio y su triste final. El propio Van Gogh ya parecía temer ese peligro. En una carta del 29 de abril de1890, escribe a su hermano: “Hazme el favor de rogar al Sr. Aurier que no escriba más artículos sobre mi pintura, dile con insistencia que, para empezar, sus chismes sobre mí se engañan, puesto que realmente me siento demasiado entristecido para poder enfrentarme a la publicidad. Hacer cuadros me distrae, pero si oigo hablar de ellos me causa una pena que él no sabe.” La divulgación masiva del arte y de la figura (biografía) del artista ha hecho daño a la comprensión cabal de muchos aspectos del arte. Han distraído

la atención de la gente hacia aspectos irrelevantes, pero comerciales, fáciles de recordar, vendibles. La fama del artista vive también de su aspecto, sí, y de las anécdotas que se cuentan de él. “Que hablen de mí, aunque sea bien”, decía Dalí, y le daba la vuelta al dicho. Se sabe que el gran barullo actual entre arte y publicidad, tan incómodo para la estética académica y la teoría del arte, se lo debemos en gran medida a él, a través de Warhol y otros. Antes los artistas eran publicitarios de sus mecenas (Miguel Ángel del Papa Julio II es el ejemplo típico). Hoy en día, los mecenas multimillonarios son los propios publicistas que orquestan el lanzamiento de sus nuevos talentos y, si hace falta, se inventan su leyenda (sería el caso de Saatchi y los ya no tan nuevos artistas británicos). Algunos artistas inteligentes han aprendido mucho de esos nuevos mecanismos del mercado artístico: en la Bienal de Venecia de 1993, Maurizio Cattelan presentó ‘Lavorare è un brutto mestiere’, obra que consistía en vender a una agencia de publicidad su espacio expositivo. El ‘Juan de Mairena’, de Machado recomienda que, llegado cierto grado de celebridad, es mejor no ir en contra de la propia leyenda porque ya no hay tiempo para crearse otra nueva. El moderno concepto de personalidad, tantas veces asumido acríticamente, es una de las claves de este asunto. Personalidad que, al tener que hacerse visible y fácilmente reconoci-

Jaime Pitarch ‘Autorretrato de un pintor engañado’ (Self portrait of a fooled painter), 2009. Carbón sobre papel/ Charcoal on paper. Cuatro dibujos/ Four drawings: 64 x 49 cm (65,5 x 50,5 cm)

ble para las masas, ha tenido que ir simplificándose sobremanera. “Mi reputación... ¡Mi re-pú-ta-ción!, dice el bobo. ¿No es el triste esfuerzo que estoy obligado a hacer para imitar la imagen falsa que ustedes se hacen de mí?” (Valéry). Se va a buscar a la biografía del artista —o del criminal— alguna luz sobre el significado (o el origen mítico) de su obra. Los medios de formación de masas nos han acostumbrado a ese tipo de “información” acerca del arte, siempre con la complicidad de algunos críticos y de los mismos artistas. Así, el posible valor de la obra de un artista queda reducido al pastiche de su biografía. La ‘Mierda de artista enlatada’ de Manzoni (1961), por mucho que algunos la interpreten en clave

alquimista, se puede leer como broma escatológica sobre esa debilidad de la crítica y el público por rebuscar entre las miserias del artista. La elevación de la personalidad creadora sobre el valor de la propia obra -momento en el que alcanzan su apogeo el culto al genio y el prestigio del artista-, significa la primacía de la capacidad productora ante el rendimiento, de la voluntad y de la intención ante la ejecución y el logro. Pero incluye también la idea de que la genialidad no es totalmente realizable. De la idea del genio que nunca puede comunicarse por completo a la del artista ignorado y su llamamiento a la posteridad, no hay más que un paso. Gorky, Pollock, Rothko, Basquiat y otros artistas y escritores contempo-

ráneos parece que son considerados legendarios por su muerte trágica (en cualquier caso, mucho más por eso que por sus precocidades infantiles, como era el caso de las leyendas de los artistas de El Renacimiento). Sobre ello planea todavía la fama de Van Gogh, claro, y de algunos otros. Cierto gusto necrófilo ha ido adquiriendo importancia con el transcurso de la modernidad, gusto por el mal y lo negro con el que ya coquetearon sus pioneros. “Al fondo de la muerte para encontrar algo nuevo”, diría Baudelaire. Los hermanos Chapman tienen una graciosa pieza en vídeo titulada ‘Mutilación sacrificial y muerte en el arte moderno’, que ilustra bien esa tendencia trágico-necrológica de la crítica y de cierto gusto moderno.

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A professor once said that the “Today the billionaire patrons period in we are forced to live advertise the artists they collect, is the only one we have. Past or orchestrate the launch of new talent” future periods are just ghosts or phantoms of the present. The proof is that each person has seen and Van Gogh, too, feared that outcome. On painted their past and future in different April 29, 1890 he wrote to his brother: ways. Logically the idea that each time “Please ask Mr. Aurier not to write any period is formed out of art and the artist, more articles about my painting, tell him the prestige, economic status, autonomy, earnestly that he is at first wrong about and every one of the tones that define me, then that I really feel too damaged by it, are shifting and remodeling as time grief to be able to face up to the publicity. passes by. Likewise, things from the past Making paintings distracts me – but if I that we do not consider artistic today, hear people speak of them that pains me may reemerge, becoming enlightened by more than he knows”. The mass dissemination of art and its fia new situation or sensibility. Whatever is acknowledged as a beautiful gures (biographies) has in many aspects piece, art, and whoever does that should damaged our current understanding. be understood an artist. The complex re- These works have distracted our attenlationship between artist and audience tion as observers to irrelevant, and often cannot be dismissed. As we know from commercial interests that are oriented the past certain authors or texts that towards sales. are not well regarded in their own time The fame of the artist lives within, and are rediscovered later on or vice versa. from how they are remembered through As Rilke said “fame is the sum of all the stories. “Let them talk about me, even if misunderstandings that gather around a its good” Dali would say while touring man,” and every artist, like it or not, ca- the country. We know that the confusion between popular culture and art, and to rries his fame, his legend. On his youth Manolo (Huege) was under the dismay of the academy, is a distinchideous misery. In order to survive he tion that he, along with Warhol, made turned to crime. Unfortunately this be- apparent through his work. came his legacy, which hurt his artistic In the past artists were supported by career. On another note, Eric Satie was their patrons (Miguel Angel for the Pope also the victim of legend. He picked up Julio II is a typical example); where today the habit of giving fantastic and bizarre the billionaire patrons advertise the artitles to his compositions that undermi- tists they collect, orchestrate the launch ned the nature of his work. Nevertheless of new talent and if necessary establish Satie was a great composer. (Brassal, their career (think Saatchi and his collection of Britist artists). Some savvy conversations with Picasso). Today Satie is appreciated as a great artists have learned a lot from this new composer, though not without recog- art world economy: in the 1993 Venice nition as an outlandish character, and Biennial Maurizio Cattelan presented Manolo has his followers, people who “Lavorare e un brutto mestiere” a work have forgotten his crimes, although some that intended to sell its physical space to may find his work more attractive for an advertising agency. the same reason. History doesn’t always The ‘Juan de Mairena’ from Machado place things in order (if there is a clear has said that once a certain level of celeorder). Though it seems clear that Van brity has been reached, it’s better to stick Gogh’s artworks have been tainted by with it because you don’t know if thethe portrait made by Albert Aurier; his re will be time to create a new one. The cut ear, his time in the mental institu- modern concept of personality, taken on tion, and his trajic finale. It seems that more so without critique, is a key com-

ponent. Personality, or being easily recognized by the masses, suffers in the face of simplification. “My reputation,” says the fool. Isn’t it the sad state of affairs that I must replicate personally the image that you all have made out of me? (Valery). If intending to seek the story of the artist - or the criminal – to shed some light on the meaning of his work (or the mythical origin). The institutions where masses have been trained to see art this way is also supported by critics and artist. So the possible value of an art piece is reduced to the pastiche of the artist biography. Canned “Artist’s Shit” from Manzoni (1961) even though that many perceive it as key in alchemy, can be read as scatological joke about the weakness of critics and the public for digging through the miseries of the artist. The elevation of the creative personality past the value of the work itself is moment where the cult of genius and artistic prestige reach a climax, and indicates the primacy of his productive capacity previous this performance, or the will and the intention before the achievement. It also includes the idea that genius is not fully achievable. The idea of genius can never fully communicate the artists ignored appeal to posterity; there is only one step. Gorky, Pollock, Rothko, Basquiat and other contemporary artists and writers think they are considered legendary for their tragic deaths (in any case, much more for it than their childhood precocity, as was true of the Renaissance artists). Around this fact still revolves Van Gogh’s fame, and some others. Certain tastes for necrophilia have gained importance over the course of modernity, a taste for the evil and black which the pioneers flirted with. Baudelaire would say “the merits of dead, to find something new”. The Chapman Brothers have an amusing video titled “Sacrificial mutilation and death in modern art” that illustrates this tragic trend of the critic and a certain modern taste.

Jaime Pitarch ‘Autorretrato de un pintor engañado’, 2009. Carbón sobre papel. Cuatro dibujos: 64 x 49 cm (65,5 x 50,5 cm)

Jaime Pitarch ‘Autorretrato de un pintor engañado’ (Self portrait of a fooled painter), 2009. Carbón sobre papel/ Charcoal on paper. Cuatro dibujos/ Four drawings: 64 x 49 cm (65,5 x 50,5 cm)

Jaime Pitarch, caracterizado de cuatro maneras distintas, pagó a un retratista callejero del famoso paseo de Las Ramblas de Barcelona, aunque podía haber sido en cualquier otra ciudad turística, para que le hiciera retratos con cada uno de esos diferentes aspectos. Al producirse los cuatro posados espaciadamente en el tiempo, el dibujante - según cuenta Pitarch - no le reconoció como la misma persona. Al poco tiempo de tener acabada y enmarcada la serie, Pitarch la presentó como obra suya en la Galería dels Àngels, a pocos metros de donde trabaja el autor de los dibujos, así como en una importante exposición del Ayuntamiento en el Palacio de la Virreina, situado en las mismas Ramblas. Baudelaire decía que la mitad del mérito de un retrato era del retratado, que en la elección del modelo también se jugaba el artista parte de la belleza de la obra. Aquí, al revés, Pitarch tuvo que elegir a su retratista. / Jamie Pitarch, characterized in 4 different way, hired a a street drawer, from a famous street in Barcelona ‘Las Ramblas’ ( even though it could have been at any other touristic city in the world) to make a portrait of him with each of those different aspects. When the drawings where done and sparsely displayed next to one another, the drawer - according to Pitarch- did not recognize him as the same person. After the series where done and framed, Pitarch presented them as his own work at Galeria Dels Angels, just a few meters away from the place the author of the portraits works, as in another important exhibit at Ayuntamiento del Palacio de la Virreina, also in las Ramblas. Beudaliere used to say that half of the merit of a portrait belongs to the person portrayed, that in choosing a model the artist is betting on part of the beauty of the work. Pitchard on this case played it backwards, he had to choose his own draw).

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EsCuChar oBSERVAR?

“En el momento en que una obra de arte le da importancia al sonido, o que involucra al sonido, que no necesariamente corresponda a un género musical convencional, se habla, se escucha, se lee y se escribe sobre arte sonoro”./ “From the moment that a piece of art incorporates sound, or gives importance to sound that doesn’t necessarily correspond to a conventional music genre, then we speak, hear, read and write about sound art”

TEXTO: DOLORES GARNICA/MIGUEL MESA Guadalajara (MÉXICO) FOTO: Ake Parmerud ‘Lost Angel’ (Ángel Perdido), 2002. Cortesía del artista/ Courtesy of the artist.

“Lo que dicen las palabras no dura. Duran las palabras. Porque las palabras son siempre las mismas y lo que dicen no es nunca lo mismo”, escribió el poeta Antonio Porchia en una de sus ‘Voces’, que las voces son sonido y normalmente “el sonido es sólo voz”, explica en tono dulce alguien de ‘Grains of voices’ la pieza electroacústica de 31.26 minutos del compositor sueco Åke Parmerud, el creador que continúa la tradición de los sonidos no por lo que se hace con ellos sino “por lo que en sí son”, dijo John Cage. --------------------------------------------ARTE SONORO --------------------------------------------En el momento en que una obra de arte le da importancia al sonido, o que involucra al sonido, que no necesariamente corresponda a un género musical convencional, se habla, se escucha, se lee y se escribe sobre arte sonoro. Si se hace caso a una definición que se rebatirá, entonces el Arte Sonoro “es un arte híbrido nacido en la intersección. No se concibe sin la tecnología y surge de la estetificación de los ruidos industriales y urbanos”, explica José Iges. El arte sonoro resulta un género en el que, para muchos, cabe la música electroacústica. Un género en constante discusión que significa materia, medio, soporte o incluso discurso entre músicos y artistas visuales. Parece recorrer una y otra vez esa delgada línea que quizá en uno de sus inicios Dick Higgins con Fluxus, bien supo definir como Intermedia: “hacer hincapié en la dialéctica entre los medios. Un compositor es un hombre muerto a menos que él componga para todos los medios, y para su mundo”. Alguna vez, cuando Parmerud era niño, descubrió tras una puerta los sonidos de un coctel que organizaron sus padres, así surgió ‘Chrystal Counterpoint’ en 2009, composición creada con los sonidos que hacen las copas al chocar. El viaje a un recuerdo que no puede dejar de imaginarse: quizá un niño rubio de overoles con la oreja pegada a una puerta, y detrás de la puerta, algunas corbatas, una señora con vestido verde, un adulto acomodando aceitunas en las copas, algunas risas coquetas y femeninas, un par de tacones y un sombrero muy formal con esa niebla propia de las películas viejas a colores.

El sonido es sonido y no necesita más. Si para muchos, entre ellos Iges, el arte sonoro tiene por obligación compartir discurso o soporte con otros medios, entonces no haría falta esa definición que parece imponer el sonido como efecto secundario o compartiendo protagonismo. Si el espectador imagina a un adulto acomodando aceitunas mientras escucha ‘Chrystal Counterpoint’, entonces se trata de un asunto más de experiencia estética que de realidad creativa. En la experiencia estética sentir todo, se vale. La obra de arte surge de la idea generada mediante un soporte. “Al arte se le oye antes de que se le vea: el remolino que forma el agua al correr, el ritmo del latir del corazón son movimientos que forman la plástica”, dijo Joseph Beuys. Uno de los argumentos clave para los que discuten el arte sonoro como un medio híbrido, es la relación entre espacio y sonido: por la vista se es observador del espacio, por el oído se es parte del espacio. Aunque se pretenda explicar que toda experiencia auditiva remite a la visión: alguien que nace ciego puede percibir auralmente sin presenciar jamás imágenes. La percepción visual y aural seguramente están conectadas, y es natural relacionar oído-vista-olfato-tacto-gusto, esa matriz de sensaciones, pero esa relación, al menos la sonora-visual, es precisamente la que pretenden romper algunos artistas sonoros, quizá eso quería decir Cage: El sonido por lo que sí es, no por esos otros sentidos que relacionamos mediante él. ¡Práctica! Quizá mediante la auralidad el sonido puede integrar el espacio en la mente, y no al revés, por eso son pocos los ejemplos de piezas visuales que remitan al sonido. El ‘WHAAM!’ de la pintura de Lichteinstein no se escucha, se lee. El Orfismo en las vanguardias pretendía, simplemente, pintar el sonido. --------------------------------------------ADENTRO DEL ARTE SONORO --------------------------------------------Parmerud (1953 en Lidköping, Suecia) estudió música en Göteborg, ciudad donde reside y trabaja desde los años 70. Compone música electroacústica, mixta y para teatro y cine. Crea instalaciones sonoras y coreografías. Es un chico afortunado. “Siempre deseó componer”.

En 2002 el Parmerud que no huye de su parte espiritual creó ‘Lost Angel’, la instalación que con cuatro canales y un espejo reflejaba un ángel y música celestial por algunos instantes. El artista sueco cree en ángeles. Su raíz espiritual es profunda y en su obra suele explorar los estratos anímicos fincados en la sensualidad. ‘The living room’ presentado en París en 2001 es una escultura de madera dentro de un “cuarto con orejas”, el sonido se despliega cuando el espectador se mueve en la sala, un par de ojos sigue al paseante y cuando al tocar la escultura, los sonidos se registran y se enciman, un montón de voces espectrales sugieren diferentes emociones. Si la protagonista de ‘Fire Woman’ de Bill Viola (2005) se aventaba al agua para salvarse del fuego —asunto purificador para el creador-místico del videoarte— fue en 2000 y con la todavía no terminada ‘The fire inside’ que Parmerud transporta mediante el sonido esa ‘Llama de amor viva’ de San Juan de la Cruz. También hizo hablar un parque dos veces en ‘Sonic Park’ de 1998 y 2008, una serie de instalaciones sonoras distribuidas en un hermoso parque de Göteborg. La instalación sonora es parte del arte sonoro. En ella se encuentra, precisamente, la hibridación con otros medios, en este caso las artes visuales, y depende de estas hibridaciones la definición de una pieza donde exista sonido: una instalación audiovisual se ayuda de un elemento visual, o comparte protagonismo con lo visual. ‘Lost Angel’ resulta una instalación audiovisual, un objeto tridimensional, como la de madera en ‘The living room’ (sólo ese objeto) resulta una escultura sonora. ‘Sound Park’ se definiría como intervención sonora. “¿Qué es un espíritu tranquilo? ¿Un espíritu que está tranquilo en una situación tranquila? Piense en ‘Wordsworth’, en Thoreau. El lago de Thoreau tenía de un lado una vía férrea. Daniel en la guarida del león. El tiempo ya no existe, sólo existe la cantidad. Supongamos que sólo hay algunos sonidos. Supongamos que son poderosos. ¿Qué hacer? ¿Saltar?”, advertía John Cage. Quizá sólo escuchar. Nada más.

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Is seeing the same as smelling? “What words say does not last. Last words. Because words are always the same and what they say is never the same,” wrote the poet Antonio Porchia in one of his ‘Voices;’ the voices are sound and usually, “the sound is only a voice,” someone explains with a gentle tone in ‘Grains of Voices,’ the 31.26 minutes of an electro-acoustic piece by the Swedish composer Åke Parmerud, a composer who continues in the tradition of sound for “what it is within itself,” not for what we do with it, according to John Cage. --------------------------------------------SOUND ART --------------------------------------------From the moment that a piece of art incorporates sound, or gives importance to sound that doesn’t necessarily correspond to a conventional music genre, then we speak, hear, read and write about sound art. If we take into account a definition that will be refuted, then Sound Art “is a hybrid that was born from an intersection. It cannot be conceived without technology and comes from the aesthetics of urban and industrial noises,” explains José Iges. Sound art turns out to be a genre in which, according to many, we can place electro-acoustic music. It is a hybrid genre that constantly raises discussions, and refers to matter, media, support or even dialogue between musicians and visual artists. It seems to travel across a thin line that Dick Higgins at early Fluxus followers cleverly defined as Intermedia: “to put emphasis on the dialectic between the media. A composer is a dead man unless he composes for all the media and for his own world”. One day, when Parmerud was a child, he discovered the sounds of a cocktail party that his parents threw behind a door, that’s how in 2009 ‘Chrystal Counterpoint’ was born, a composition created from the little sounds made by glasses when they clash. The journey through a memory that one can’t stop imagining: perhaps a blond boy with overalls eavesdropping behind the door, some ties, a woman in a green dress, an adult placing some olives in the glasses, some flirting and feminine smiles, high heels, a formal hat with the aura of the old color movies. Sound is sound and it doesn’t need more.

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If for many, like Iges, sound art is obligated to share support with other media, then this definition won’t be necessary, since it seems to impose sound as a secondary effect or sharing the prominence. If the viewer imagines an adult placing olives in glasses while listening to ‘Chrystal Counterpoint’, then it is more an issue of aesthetic experience than creative reality. In the aesthetic experience, feeling everything is an option. The art piece comes from an idea generated by a support. “Art can be heard before it’s seen: The whirlpools made from running water, the rhythm of a heart beating are movements that form the plastic”, said Joseph Beuys. One of the key arguments given by the ones who discuss Sound Art as a hybrid media is the relationship between space and sound: thanks to the eyes one can observe the space, thanks to the ears one is part of the space. Even if we try to explain that the whole auditory experience refers to vision: a person who is born blind can perceive things aurally, without witnessing images. Surely, the visual and aural perception are connected, and it is natural to relate hearing - sight - smell - touch - taste, that matrix of sensations, but that relationship, at least the audible-visual, is precisely the one that many sound artists can break, perhaps that is what Cage was trying to say: the sound by what it is, not by the other senses we relate through it. Practice!. Maybe through audibility sound can integrate space inside our minds, and not the other way around. That’s why there are few examples of visual pieces that refer to sound. The ‘WHAAM!’ at Lichteinstein’s painting can’t be heard, but it can be read. The Orphism in art vanguards just pretended to represent sounds through painting. --------------------------------------------INSIDE SOUND ART --------------------------------------------Parmerud (1953, Lidköping, Sweden) studied music in Göteborg, where he has lived and worked since the seventies. He composes electro-acoustic, mixed music and music for cinema and theater. He creates audible and choreographic installations. He’s a lucky

guy. He’s always wanted to compose. In 2002, Parmerud, who does not deny his spiritual side, created ‘Lost Angel,’ an installation that reflected an angel and celestial music for an instant with four channels and a mirror. The Swedish artist believes in angels. His spiritual side is deeply rooted and in his work he usually explores the frame of mind inherent to sensuality. ´The Living Room´, presented in Paris in 2001, is a wooden sculpture inside a “room with ears,” the sound spreads out when the viewer walks around the room, a pair of eyes follows the stroller and when he touches the sculpture his eyes are recorded and stacked up, a group of spectral voices suggest different emotions. If the main character of Bill Voila’s ‘Fire Woman’ (2005) jumped to the water to save herself from the fire --a matter of purification for the creatormystic of video art-- it was in 2000 with the unfinished ‘The Fire Inside’ that Parmerud transported Sor Juan de la Cruz’ “eternal flame of love,” through sound. He also made a park speak twice in ‘Sonic Park’ in 1998 and 2008, a series of audible installations distributed in a beautiful park in Göteborg. The sound installation is part of Sound Art. In it we can find, precisely, a fusion with other media - in this case visual arts. The definition of a sound pieces depends on this fusion: An audiovisual installation is reinforced by a visual element, or shares a prominence with the visual element. ‘Lost Angel’ turns out to be an audiovisual installation, a tridimensional object, like the wooden instrument in ‘The Living Room’ ( just that object) is an audible sculpture. ‘Sound Park’ would then be defined as an audible intervention. “What is a quiet spirit? Is it a quiet spirit in a quiet situation? Think about Thoreau and Wordsworth. Thoreau’s lake had a railway by the side. Daniel in the lion’s lair. Time no longer exists, only quantity. Let’s assume there are only a few sounds. Let’s suppose they are powerful. What to do? Shall we jump?” Advised John Cage. Perhaps just listen. Nothing more. Ake Parmerud ‘Sonic Park pic 3’ (Parque Sónico). Cortesía del artista/ Courtesy of the artist.

NEWS

blog.taxiartmagazine.com

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ÁLVARO PERDICES

Espai d’art contemporani de Castelló- EACC. Castellón (ESPAÑA)

Álvaro Perdices propone sentar a la institución (EACC ) en el diván desde diferentes lados o posiciones. Este acto o intervención conlleva una lectura próxima al mundo del psicoanálisis. ‘NEGADA, AbiertA y desnuda’ desplaza aquello que debiera estar en su sitio. Las oficinas ya vacías se convierten en la sala de exposición, en este caso, intervenidas con la obra del artista, así como una recopilación de los trabajos realizados en los últimos diez años, a los que no tenemos acceso. Si las funciones de lo interno están afuera y las de lo externo adentro, este proyecto vuelve a proponer un escenario donde los roles del espacio, sus funciones y las del espectador son extrapoladas. Un elemento-escultura que por otro lado propone una relectura entre la función del lugar y las obras que allí se exponen, o las obras en función del edificio que las va a contener o acomodar. Álvaro Perdices has issued an invitation to the institution (EACC) to lie on the couch, in a variety of different positions or sides, an act or intervention is not far from the psychoanalytic model. ‘NEGADA, AbiertA y desnudA’ (NEGATED, opeN and nakeD) is the title of his site-specific project presented with and for Espai d’art contemporani de Castello. The now empty offices have been converted into exhibition space featuring the artist’s work. The piece is a kind of compilation of works created by Perdices over the last ten years, but they are now inaccessible as the offices are off-limits to the general public. Displacing what should be in its place, with the internal functions on the outside, and those affecting the external on the inside, the project proposes a scenario where the roles of space, its functions and those of the spectator are taken into focus. On another level, the sculptural elements of the exhibition posits a rereading of the function of the exhibition space and display, or the way works respond to the building or houses that contain them. +info: www.eacc.es

‘WITHOUT YOU I’M NOTHING’ The museum of Contemporary Art, Chicago (EE.UU.)

El Museo de Arte Contemporáneo de Chicago presenta, hasta el primero de mayo, ‘Without you I’m Nothing’, una exposición que muestra el cambio cultural hacia un mayor compromiso del individuo en el ámbito público. En los últimos 50 años, los artistas involucraron de manera ascendente la presencia del público en la concepción, producción y presentación de sus obras. En los años 60, artistas como Carl Andre y Richard Serra utilizaron materiales industriales para crear esculturas que dejaban atrás el pedestal tradicional para entrar en el espacio “real” del espectador, y así producir un nuevo entendimiento de cómo la obra puede ser experimentada. Esta forma de involucrar al espectador se extendió como un modo de espectáculo en los años 70 con las obras de Dennis Oppenheim y Michelangelo Pistoletto, quienes en sus trabajos con espejos, mostraban figuras que contenían la imagen del espectador reflejada en éstas. Como complemento de los objetos visualizados, se presenta a lo largo de la exposición un programa de performance que enfatiza en la importancia crítica de la interactividad y en la relación física del público y su experiencia con el arte contemporáneo. The Museum of Contemporary Art, Chicago presents ‘Without You I’m Nothing’. On view until May 1st, 2011, the exhibition illustrated the cultural shift the individuals relationship to individuality in the public realm. Over the past fifty years artists have increasingly engaged their audience in conceiving, producing, and presenting their work. In the 1960s artists such as Carl Andre and Richard Serra used industrial materials to create sculptures that abandoned the traditional pedestal, forcing viewers to literally enter into a “real” experienced space. The issue of public engagement was also brought to question in the 1970s by the late artist Dennis Oppenheim, and by artist Michelanelo Pistoletto, whose mirrored works combine figurative renderings with the viewer’s reflected image. Complementing the objects on display, a program of performance-based works will be presented in the galleries over the course of the exhibition, thus emphasizing the critical importance of performance and the physical relationship of the viewer to experience. +info: www.mcachicago.org

CAI GUO-QIANG

Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC), Ciudad de México (MÉXICO)

Cai Guo-Qiang presenta ‘Resplandor y soledad’, su primera exhibición individual en Latinoamérica. La muestra estará presente hasta el 27 de marzo de 2011 en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) de Ciudad de México y comprende una secuencia de dibujos de pólvora que representan elementos del paisaje mexicano. La exposición muestra el resultado de las distintas experiencias que el artista ha tenido con la pólvora desde 1990. Cai Guo-Qiang emplea el explosivo con la finalidad de que sus obras sean espontáneas. Con ellas muestra su rechazo al carácter opresivo y controlador del gobierno chino. Para esta exposición, el espacio expositivo se ha impregnado del aroma evocador del mezcal que para el artista es, al mismo tiempo, el agente de la convivencia, la comunidad y la hospitalidad, así como el portador de la soledad. Vemos un paisaje de rocas volcánicas con un lago en el centro que representa el lago de Texcoco. Alrededor del lago se despliega una secuencia de 14 dibujos de pólvora que representan elementos del paisaje mexicano, así como flora y fauna. Diferentes referencias culturales locales y un inmenso sol negro. ‘Resplandor y soledad’ es una interpretación de México que remite a sus mitos fundacionales, así como a las condiciones geológicas que le permitieron a la Ciudad de México establecerse en su lugar actual. Cai Guo-Qiang’s ‘Resplandor y soledad’ is this artists first solo exhibition in Latin America and will run at the Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) in Mexico City until March 27th, 2011. The exhibition is comprised of a sequence of drawings made with gunpowder and highlights the different works the artist has created with gunpowder since he began using it steadily in 1990. Cai Guo-Qiang uses this medium because of its spontaneous quality and through it he hopes to object to the oppressive and controlling political regimen of China. For this exhibition the physical space has been imbued with the evocative scent of alcohol that for Guo-Qiang respresents the need of coexistence, community, and hospitality. We see a landscape composed of volcanic rocks with a central lake representing Texcoco. Surrounding the lake is a sequence of 14 drawings made out of gunpowder that represent elements of the Mexican landscape, its flora and fauna. Different local cultural references are also illustrated next to a huge, black sun. ‘Resplandor y soledad’ is the artists understanding of Mexican myth, and of it’s relationship with the landscape that rests beneath the Mexico City we see today. +info: www.muac.unam.mx

NEWS

CINDY SHERMAN

Sprüth Magers, Londres (REINO UNIDO)

Sprüth Magers London presenta, hasta el 19 de febrero de 2011, el nuevo trabajo de Cindy Sherman, una serie de fotografías que suponen un punto de partida en la práctica de la fotografía enmarcada para la artista. Desde el comienzo de su carrera a mediados de 1970, Sherman ha combinado de forma natural las funciones de directora, modelo y fotógrafa para crear un repertorio de intrigantes y provocativos personajes. En este último trabajo vuelve a hacerlo, pero la vemos irreconocible. De la identidad de una dama frágil de mediana edad sentada, pasa a un soldado medieval. A cada personaje se le suma además un telón de fondo incongruente, lo que intensifica la ambigüedad y complica aún más la narrativa. Un universo surrealista con el que la artista pretende volver a desconcertar al espectador. Sprüth Magers London presents to a new group of works by artist Cindy Sherman (to February 19th). This series of photographic murals are an extension of her practice of investigating fashion, beauty and gender. From the beginning of her career in the mid 70’s Sherman has naturally acted as director, model, and photographer in creating a spectrum of intriguing and provocative personalities. Within this show she does it again, but in an entirely different way. Under careful observation one can see that her dresses, postures and facial expressions change dramatically from one character to the next, allowing the spectator to see the subtle differences. Each mural, which is reminiscent of wall-paper, is shot on a green-screen and digitally manipulated in postproduction, heightening the tension between and pathos and alienation that characterizes this exceptional selection of work. +info: spruethmagers.com

TERESA MARGOLLES

Kunsthalle Fridericianun , Kassel (ALEMANIA)

‘Frontera’ se abre paso desde la entrada misma del museo, la fachada externa está envuelta con 40 tiras de tela empapadas en tierra y fluidos corporales para que al llover el edificio parezca sangrar. El estilo de Teresa Margolles es sencillo pero efectivo, como la colocación de dos muros que se han retirado de ciudades fronterizas de México y que son testigos de la violencia cotidiana. Estas paredes muestran el impacto de ráfagas de proyectiles resultado de tiroteos en la guerra contra el narcotráfico. En otra sala, se encuentra una fuente de la que emanan gotas de agua extraída de una sala de autopsias mexicana. Ésta, que fue usada para lavar los cuerpos de las personas asesinadas, cae sobre una placa de acero caliente y hace a la muerte perceptible, olfativa y atmosféricamente. Margolles también nos muestra las reliquias de víctimas de la violencia arregladas en vitrinas, como si de una joyería se tratara. Las joyas que pertenecen a oficiales de policía, de gobierno, civiles y turistas, se refieren directamente a la súbita e inesperada muerte de estos seres. La artista nos presenta también, un cubo minimalista hecho a través de estructuras de acero fundidas que provienen de barrios destruidos y que se venden en el mercado negro. Con el peso de una tonelada, este cubo es un símbolo máximo y comprimido del sufrimiento y el deterioro de algunas zonas de México. Con medios reducidos pero drásticos, Teresa Margolles nos sitúa ante obras profundamente emocionales y dramáticas. Consigue con crudeza abrirnos los ojos ante una situación insostenible. ‘Frontera’ begins at the entrance of the museum, where the façade of the building is covered with 40 strands of cloth soaked in dirt and corporal fluids. When it rains, the building looks as if it’s bleeding. Teresa Margolles’s style is simple, yet effective. She has resurrected two walls that have been appropriated from Mexican border cites that witness daily drug violence. The walls document the impact of bullets shot within the context of the war on drugs. In another room we find a fountain where drops of water extracted from a Mexican autopsy. The water was used to wash the corpses of murdered victums of drug warfare, and in the room it falls onto a hot steel plate where it transforms death into a perceptible experience through it’s release into the air. Margolles also exhibits objects from the victims of the violence, displayed in cabinets like rings in a jewelry store. These artifacts once belonged to police officers, government officials, civilians, and tourists, but refer directly to their quick and unexpected death. The artist also presents a single minimalist cube made out of one ton of melted steel, black market steef forged from structures of a destroyed neighborhood. With subtle yet effective mechanisms Teresa Margolles places us face to face with deeply emotional and moving works. She has woken our senses to the brutality of drug violence. +info: www.fridericianum-kassel.de

NEWS

MARCEL DZAMA

Galería Helga Alvear, Madrid (ESPAÑA)

Marcel Dzama presenta hasta el 13 de marzo su segunda exposición individual en España y la primera en la galería Helga de Alvear. El mundo de Marcel Dzama hunde sus raíces en la historia de la ilustración tradicional con referencias visuales que nos remiten a los clásicos de los años 20 y 30 del pasado siglo. Sin embargo, es como si el artista nos diera su versión perversa. Ha creado una iconografía personal, perfectamente reconocible, con personajes recurrentes que realizan acciones, sin bien difíciles de discernir, que crean un clima, un aura, lleno de humor, ironía, desasosiego y absurdo. Son personajes híbridos, animales personificados, objetos animados. Sus acciones se sostienen en el límite de la narración incitando al espectador a buscar un sentido, una linealidad, que no conduce a ninguna parte pero que mantiene al espectador en vilo. Marcel Dzama presents until march 13 his second solo exhibition in Spain, and first in Helga de Alvear gallery. Marcel Dzama’s world is rooted in the history of traditional illustration, with visual references which refer us to the classics from the decades of the 20’s and 30’s of the last century. Nevertheless, it is as if the artist were presenting us with a perverse version of these. He has created a personal, perfectly identifiable iconography, with recurring characters who perform rather difficult to discern actions, creating an atmosphere, an aura, full of humour, irony, anxiety and absurdity. These are hybrid characters, personified animals, animate objects. Their actions are sustained on the limits of narrative, prompting the spectator to find a meaning, a linearity, which doesn’t lead anywhere but which keeps the spectator guessing.

NAM JUNE PARK Tate Liverpool (REINO UNIDO)

La Tate de Liverpool rinde homenaje, con una gran retrospectiva, al visionario Nam June Paik (1932-2006). La exposición presenta alrededor de 90 obras de todas las fases de su carrera, así como material documental de sus exposiciones. Paik supo prever la popularidad que alcanzaría la televisión cuando todavía era una novedad y alrededor de ella desarrolló algunas de sus obras más provocadoras. The Tate from Liverpool (UK) tributes in great retrospective the visionary Nam June Paik (1932-2006). The exhibition presents around 90 works from all the facets of his career, as documentary footage from his expositions. Paik recognized the popularity that television would reach when it was a new development, and around it, created some of his most provocative work. +info: www.tate.org.uk/liverpool

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RUFINO TAMAYO

Museo Tamayo, México D.F. (MÉXICO)

+info: www.helgadealvear.com

El Museo Tamayo acoge del 24 febrero al 5 de junio de 2011 ‘Uno sin el otro. Fotografía y películas de viaje de Rufino Tamayo/Retrato de su curador’. Esta muestra, bajo la curaduría de Juan Carlos Pereda y Alejandro Cesarco, explora parte de los archivos inéditos de las fotografías y películas en super 8 tomadas por Rufino y Olga Tamayo durante los viajes que realizaron entre 1920 y 1991. Fotografías que trascienden de la mera visión del turista a la caza de paisajes y curiosidades.

JOSEPH BEUYS Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MÉXICO)

The Tamayo museum welcomes from february 24 until june 5 of 2011 “Uno sin el otro. Fotografía y películas de viaje de Rufino Tamayo/Retrato de su curador”. This sample, under the curator Juan Carlos Pereda y Alejandro Cesarco, explores inedited archives from photographs and movies in super 8 made by Rufino and Olga Tamayo during their journeys trough 1920 and 1991. Pictures that transcends the plain vision of the tourist for the hunt of landscapes and curiosities. +info: www.museotamayo.org

El Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey presenta ‘Beuys y más allá’, un diálogo directo de la obra en papel proveniente de la Colección Deutsche Bank del artista Joseph Beuys y de seis de sus estudiantes: Lothar Baumgarten, Imi Knoebel, Jörg Immendorf, Blinky Palermo, Katherina Seiverding y Norbert Tadeuz. Joseph Beuys concebía la enseñanza como parte esencial de su labor como artista y participó junto a sus alumnos en controvertidas acciones e intervenciones públicas. La exposición documenta, a través de más de cien trabajos, esta notable labor de Beuys como maestro y artista durante el periodo de la postguerra en Alemania. The Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey presents ‘Beuys y más allá’ (Beuys and beyond), an exhibition of works on paper from the Deutsche Bank Collection. Beuys understood teaching as an essential part of artistry and often collaborated with his students in controversial happenings and public interventions. The show not only highlights Beuys work but also the work of six of his students: Lothar Baumgarten, Imi Knoebel, Jörg Immendorf, Blinky Palermo, Katherina Seiverding, and Norbert Tadeuz. The museum will exhibit more than a 100 pieces illustrating the remarkable work of Beuys as both a teacher and artist during the postwar years in Germany. +info: www.marco.org.mx

NEWS

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE EN GUADALAJARA FICG26, Guadalajara (MÉXICO)

El Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG26), proyectará del 25 de marzo al primero de abril de 2011, decenas de historias del cine clásico y contemporáneo. Desde ‘Nosferatu’ (1922), de F.W. Murnau, hasta cintas como ‘Yo maté a mi madre’ (2009), de Xavier Dolan. Uno de los platos fuertes del FICG26 será la presencia del director alemán Werner Herzog, al que el festival dedica, con más de sus 50 títulos, la retrospectiva más grande jamás hecha en México. También se rendirá un homenaje nacional a Diana Bracho y Manuel Esperón por sus contribuciones al cine mexicano. La sección El género a lo largo del tiempo y a lo ancho del mundo, que cada año revisa y proyecta una selección de films sobre un género concreto, estará a cargo del director Guillermo del Toro, que curará un ciclo de películas de vampiros. El FICG26 se distinguirá también por la presencia de Israel como país invitado, que presentará una selección de lo mejor de su cine contemporáneo, encabezada por Amos Gitai. Esta edición el FICG estrena nuevo director, Iván Trujillo y nueva sede, Expo Guadalajara, que permitirá una mayor aforo y funciones al aire libre, además de conciertos y cine para niños. El festival espera a más de 130 mil asistentes que a lo largo de ocho días podrán ver la selección de trabajos realizada entre más de 900 filmes de México, Iberoamérica y el resto del mundo. Los ojos de cinéfilos y cineastas de todo el mundo estarán puestos en este encuentro que, después de 25 años, permanece como el más grande de Latinoamérica. The Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG26), will run from March 25th to April 1st, 2011 presenting dozens of classic and contemporary films. From ‘Nosferatu’ (1922) of F.W Murnau to movies such as ‘Yo mate a mi madre’ (2009), from director Xavier Dolan. One of the main objectives of the FICG26 is to present the work of German director Werner Herzog, who is being honored by the festival. With more than 50 titles, it’s the largest retrospective presented in Mexico. National honors will also be given to Diana Bracho and Manuel Esperón for their contributions to Mexican film. The FICG26 will also be distinguish by the presence of Israel as a guest country, they will present a selection of their best contemporary films, selected by Amos Gitai. In this edition the FICG premiers a new director, Iván Trujillo and new space. Expo Guadalajara will allow a greater appraisal and projection onto open spaces, in addition to concerts and films for children. The festival expects more than 130,000 spectators throughout 8 days, where one could watch a selection of works created within the 900 films from Mexico, America and the rest of the world. Film fans and filmmakers have their eyes place on this event, an event that after 25 years, remains the greatest film festival from Latin America. +info: ficg.org

NEWS OF THE MARKET

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Sobre la base del mercado de valores ha surgido en París Art Exchange, una compañía operada por A&F Markets que próximamente se convertirá en la primera bolsa de arte. Este espacio online ofrece la posibilidad a sus clientes de participar de forma conjunta en la propiedad de obras de arte de un valor mínimo de 100.000 euros. Art Exchange trata de potenciar el coleccionismo con acciones que van de los 10 a los 100 euros. Durante un período que va de los tres a los seis meses, el espacio online tiene derecho a vender acciones de una obra determinada con una comisión de 5%. Si en el plazo máximo de seis meses no ha logrado vender al menos el 20% de las acciones, la galería recupera las participaciones que habían sido vendidas y mantiene la propiedad de la obra. Por otro lado, si un inversionista consigue acumular en ese plazo el 80% de las acciones de la obra, puede optar a su compra. Inicialmente se ofrecerán seis obras entre las que se incluyen una instalación de Mike Kelley valorada en un millón de dólares, una obra de Sol LeWitt y una gran escultura de Richard Texier. Art Exchange asegura que todo el proceso será totalmente transparente y que los inversionistas podrán seguir el precio de las acciones y su fluctuación a través de su página web.

Based on a stock market model, a new company led by A&F Markets will soon become the first speculative collection of jointly owned art. This online site offers clients the opportunity to jointly own art pieces with a minimum value of 100.000. Art Exchange attempts to enhance the collecting process with stocks that range from 10 to 100 EU. Within a three to six month period the company has the right to sell stocks of any given art piece, and to charge a 5% commission. If by at the end of a 6 month period the company has not sold at least 20% of the shares of an individual work, the gallery buys back the stock that went unsold and maintains ownership of the work. However, if an investor materializes during that period and purchases 80% of the stock he can consider to fully buy the piece. Six pieces will be initially offered including an installation from Mike Kelley, valued at nearly 1 million US $, a work by Sol LeWitt and a seminal sculpture from Richard Texier. Art Exchange assures the transparency of the process and assures potential investors that they can follow the stock prices and their fluctuation on their web site.

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El coleccionista de arte ruso Roman Abramovich, ha adquirido New Holland Island, una pequeña isla artificial de ocho hectáreas situada en el centro de San Petersburgo, para la construcción de un nuevo complejo dedicado al arte. Abramovich invertirá 300 millones de euros para levantar el museo que albergará piezas de arte moderno y contemporáneo. Su colección es toda una incógnita, no se sabe con detalle qué obras la componen pero, desde 2008 que comenzó con esta afición, ha ocupado los primeros puestos del ranking de Artnews de mayores coleccionistas del mundo. Abramovich llegó a invertir en su primer año como coleccionista más de 70 millones de euros, en menos de 24 horas, en dos subastas en Nueva York. Saber qué es lo que esconde su colección es una de las noticias más emocionantes del momento.

Russian art collector Roman Abramovich has acquired New Holland Island, a small twenty-acre artificial island located off of St. Petersburg, where he intends to build a complex dedicated to contemporary art. Abramovich will invest 300 million euros to build a museum that will eventually house his collection of modern and contemporary art. His collection is a mystery because few know which works he’s chosen to collect over the years. Since 2008, the year he bagan collecting art, he has remained at the top of the list of the worlds most power collectors, spending 70 million in the first 24 hours of two New York auctions. It will be interesting to see how the project develops, and to understand where his collecting interests have taken him.

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El contexto de crisis general ha hecho insostenible la situación del Museo Chillida- Leku que ha visto en el último año cómo se disparaban sus cifras deficitarias a niveles insostenibles. Este museo que cumplía este año su décimo aniversario, es una obra de arte en sí mismo. El artista Eduardo Chillida creó un espacio a la medida de su obra, un museo monográfico fiel muestra a su trayectoria escultórica durante 50 años.

A general financial crisis has and a heavy deficit has become unsustainable for the Museo Chillida-Leku. For the past few years patronage and visitor levels have shot to all time lows. This year marks the museum 10th anniversary of the building, itself a work of art. The artist Eduardo Chillida created this special place in order to show the works he created in an artistic career that lasted fifty years.

ART EXCHANGE

ABRAMOVICH ISLAND

LA ISLA DE ABRAMOVICH

HELSINKI QUIERE EL GUGGENHEIM Helsinki (FINLANDIA)

Helsinki se suma a la larga lista de ciudades candidatas a albergar un Museo de la Fundación Solomon R. Guggenheim. Guadalajara (México), Río de Janeiro (Brasil), Taichung (Taiwán) ya lo han solicitado antes, pero el contexto generalizado de crisis y problemas institucionales han hecho que no siguieran adelante estos proyectos. Helsinki, teniendo en cuenta el éxito del Museo Guggenheim de Bilbao (España) y el crecimiento económico que supone para un país contar con un destino cultural de esta magnitud, ha solicitado a la institución llevar a cabo un estudio conceptual y de desarrollo a finales de año para determinar si es posible establecer un Museo Guggenheim en la ciudad. El estudio costará casi dos millones de euros y analizará la viabilidad de abrir un nuevo museo a orillas del Báltico. Sin embargo, este estudio no es vinculante. Aunque los resultados sean positivos, será necesaria la aprobación de la fundación de Nueva York y de Bilbao para que el proyecto pueda desarrollarse. Lo que pretende la Fundación Solomon R. Guggenheim es proteger la exitosa fórmula de Bilbao y no crear réplicas que puedan hacer sombra o absorber los recursos de la sede de Bilbao. Helsinki adds on to the long list of cities that are involve to host the museum of the Fundación Solomon R. Guggenheim .Guadalajara (México), Río de Janeiro (Brasil), Taichung (Taiwan) had requested it before, but on a general context of crises and institutional problems has made them unable to go trough with this projects. Helsinki, keeping in mind the success from the Guggenheim Museum at Bilbao (Spain), and the economical growth that supposes for a country to count with a cultural destination of this magnitude, has requested to the institution to make a conceptual and developmental study at the end of the year to determine if its possible to establish a Guggenheim museum on the city. The study will cost around two million of euros and it will analyze the viability to open a new museum along the shores of the Baltic. But this study is non linking, even if the results are positive, the approval from the NYC and Bilbao foundation will be require in order for the project to be developed. What is intended by the Fundación Solomon R. Guggenheim is to protect the successful formula of Bilbao and not to create replicas that can shadow or absorb the resources of this Museum. +info:www.guggenheim.org

THE CHILLIDA MUSEUM CLOSES

CIERRA EL MUSEO CHILLIDA-LEKU

BOOKS & BLOGS

OWNING ART

‘LA PINTURA HOY’

‘Owning art’ es la mejor introducción o guía sobre cómo y, lo más importante, por qué coleccionar arte. También es un manual que hace su particular repaso por todas las fases y aspectos relacionados con el coleccionismo de arte y su conservación. El diseño del libro es exquisito y está repleto de citas extraídas de declaraciones de artistas pilares, curadores serios y personas reconocidas de instituciones diversas y las galerías que mejor pueden hablarnos sobre la pasión por coleccionar. El libro también explica qué es arte contemporáneo, por qué razones se colecciona arte, los principios por los que se colecciona arte, las estrategias para hacerlo, incluso los consejos más prácticos para empezar con la colección.

El último libro de arte de la editorial Phaidon es ‘Pintura hoy’, de Tony Godfrey. Un estudio exhaustivo y ameno de la pintura de los últimos 30 años, que presenta la obra de figuras consagradas como Gerhard Richter y Neo Rauch, junto con la de jóvenes valores como Jumaldi Alfi e Ingrid Calame. El fotorrealismo, el paisaje, el bodegón, el retrato, el neoexpresionismo, las instalaciones de pintura o la escuela de Leipzig, son sólo algunos de los temas de este fascinante medio artístico que el autor explora. Organizado por períodos, abarca los estilos, materiales y métodos de la pintura contemporánea. Un perspicaz y asequible estudio que pretende seducir por igual a especialistas y a aficionados a la pintura.

‘Owning Art’ is the best introduction or guide to collecting art, addressing why collecting art is important. It’s also a manual that takes on the various phases of collecting and conserving art. The book is exquisitely designed and replete with artists statements and quotes from people who are recognized as institutional leaders in their field, experts who are adept at addressing the concerns of collecting. The book also clearly explains what contemporary is, the reason why contemporary art is collected, strategies for collecting, and practical information for anyone who wants to start a collection.

The latest publication by Phaidon is “Painting Today” by Tony Godfrey. A comprehensive and entertaining look at the last 30 years of painting that represents and discusses the work of established artists such as Gerhard Richter, Neo Rauch, along with more emerging artists such as Jumaldi Alfi and Ingrid Calame. Photorealism, landscapes, still life, portraiture, expressionism and the Leipzig school are only a few of the fascinating themes the book aims to explore. Organized by subject the book covers a wide range of styles, materials and methods of contemporary painting. Overall the book is an insightful and accessible read that seeks to seduce both the expert and the average loving viewer.

+ info: www.cultureshockmedia.co.uk

+ info: www.phaidon.com

Culture Shock

PHAIDON

BOOKS & BLOGS

EUROPEANA http://www.europeana.eu

Europeana es un espacio online que explora los recursos digitales de los museos, las bibliotecas, archivos y colecciones audiovisuales de Europa. Un espacio multilingüe en el que los usuarios pueden participar, compartir y ser inspirados por la rica diversidad del patrimonio cultural y científico europeo. Alrededor de 1,500 instituciones han contribuido con este portal. Actualmente cuenta con 14.6 millones de artículos, pinturas, dibujos, mapas, fotografías, libros, periódicos, cartas, diarios, piezas sonoras, música y material audiovisual. Europeana is an online site that aims to explore the digital resources of museums, institutions, libraries, archives and audiovisual collections in Europe. A multilingual space, in which user participation is encouraged, the site shares the rich and inspiring diversity of European cultural and scientific heritage. Around 1,500 institutions have contributed to Europeana with a total collection of 14.6 million points of reference. Pictures, paintings, drawings, maps, photos and museum images are all included. Presented texts include books, newspapers, letters, diaries and records. Recorded sound, music, early spoken word recordings, tapes, discs and radio broadcasts are offered along with movies, newsreels and television programs. ----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

ART21 http://beta.art21.org Art21 es un canal público de la televisión de Nueva York que desde 1997 hace accesible al gran público lo más destacado del arte contemporáneo mundial. Art21 ofrece, a través de su canal de televisión y de Internet, películas, documentales y reportajes sobre artistas, exposiciones y museos de todo el mundo. Puedes suscribirte a Art21 y disfrutar online de todo su archivo fílmico. El último proyecto que han presentado es ‘William Kentridge: Anything Is Possible’, una película de una hora de duración que nos muestra el trabajo de William Kentridge, uno de los artistas contemporáneos más dinámicos de la actualidad. Art21 is a public television channel that, since 1997, bring the public closer to highlights in contemporary art. Art21 offers through its television and Internet channels: movies, documentaries, and journalistic coverage concerning artists, exhibitions and museums all over the world. You can subscribe to Art21 and enjoy all their filmic content. The last presented project is ‘William Kentridge: Anything Is Possible‘, a one hour movie that displays the work by William Kentridge, one of the most dynamic and moving contemporary artists.

A R T FA I R S

-----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------La próxima edición de ARCOmadrid celebra por todo lo alto sus 30 años de trayectoria pese a las polémicas de la última edición y la dimisión de su directora. El nuevo director, Carlos Urroz, afronta su debut con un proyecto creado para fomentar el nuevo coleccionismo. Esta edición presenta un perfil diferente, se reduce la presencia de galerías a sólo 190 y también de pabellones, dos en lugar de los tres del año pasado. El país invitado será Rusia con una decena de galerías y el programa ‘Solo Projects’ pondrá toda su atención en las galerías latinoamericanas. Destaca también un programa de apoyo a las jóvenes galerías europeas con menos de ocho años de antigüedad, con especial interés por los países emergentes. The next edition of ARCOmadrid celebrates, with great style, thirty years of life despite the controversies of the last fair and the resignation of its director. The new director, Carlos Urroz, will carry out a project created to enhance new art collecting. This fair presents a new agenda, reducing the number of galleries to 190 galleries, and hosting two pavilions, rather than three. Russia will be the guest country with a dozen galleries and a program called ‘Solo Projects’ that will focus its attention on Latin-Americans galleries. It’s notable that the program will support young European galleries that are less than 8 years old, with a special interest in emerging countries.

ARCO MADRID

16-20/02/2011 + info: www.ifema.es/ferias/arco

-----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------Art Dubai es la feria de arte contemporáneo más establecida y grande del Medio Oriente. Esta feria presenta galerías de más de 30 países con un extenso programa de eventos colaterales. Art Dubai incluye una programación dinámica de exhibiciones, instalaciones, comisión de artistas, programas de radio y tours a través de la feria. Tiene el premio más generoso de un millón de dólares para cinco artistas del Medio Oriente, África del Norte, Asia del Sur, más un curador internacional. Art Dubai presenta también una serie de discusiones y debates en los que participan artistas reconocidos, curadores, críticos y profesionales del arte.

-----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------The Armory Show está enfocada en los trabajos más importantes del siglo XX y XXI. Con sus 12 años, Armory Show se ha convertido en una institución internacional, combinando una selección de las galerías de mayor prestigio, con un programa inigualable de eventos artísticos y exhibiciones a través de toda la ciudad de Nueva York. Cada marzo, artistas, galerías, críticos y curadores de todo el mundo hacen de Nueva York su destino durante la semana del Armory Art. En esta edición, se presentan nuevamente dos secciones: la contemporánea y la moderna. ‘Armory Show-Modern’ reúne una selección de galerías reconocidas especializadas en arte moderno y material del mercado secundario; mientras que el ‘Armory Show-Contemporary’ es un evento para estrenar nuevos trabajos de artistas vivientes. The Armory Show is devoted to the most important artworks of the 20th and 21st centuries. In its twelve year history The Armory Show has become an international institution, combining a selection of the world’s leading galleries with an unsurpassed program of art events and exhibitions and throughout New York City. Every March, artists, galleries, collectors, critics and curators from all over the world make New York their destination during Armory Arts Week.

the armory show

-----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------Art Fair Tokyo es la feria más grande de arte contemporáneo de Japón. Durante cuatro días presenta galerías de alta calidad y cubre una amplia gama de géneros y periodos del arte, desde antiguedades, manualidades, nihonga, arte moderno y arte contemporáneo. Art Fair Tokyo comenzó en 2005 y desde 2007 se celebra cada mes de abril en el Tokyo International Forum. Algunas de las galerías que estarán presentes son: Bambinart Gallery, Chi-Wen Gallery, Da Xiang Art Space, Ginza Yanagi Gallery, Gallery Hirota Fine Art, Gallery Art Morimoto, Nishimura Gallery, Red Elation Gallery, Sumisho Art Gallery o Gallery Tomura, entre otras muchas. Art Fair Tokyo is the largest contemporary art fair in Japan. During four days it presents highquality galleries that cover a wide range of genres and periods; from antiques, arts and crafts, and modern art to contemporary art. Art Fair Tokyo began in 2005, and since 2007 has been held at the Tokyo International Forum each April. Galleries represented are: Bambinart Gallery, Chi-Wen Gallery, Da Xiang Art Space, Ginza Yanagi Gallery, Gallery Hirota Fine Art, Gallery Art Morimoto, Nishimura Gallery, Red Elation Gallery, Sumisho Art Gallery o Gallery Tomura.

Art Dubai is the largest and most established contemporary art fair in the Middle East. This fair features galleries from over 30 countries and an extensive program of side events. Art Dubai includes a dynamic program of exhibitions, installations, artists commissions, radio shows and tours of the fair. It has the world’s most generous art prize awarding 1 million dollars to five artists from the Middle East, North Africa & South Asia region plus one international curator. Art Dubai presents a series of discussions and debates featuring world-renowned artists, curators, critics and art professionals.

ART DUBAI

16-19/03/2011 +info:www.artdubai.ae

3-6/03/2011 +info: www.thearmoryshow.com

ART FAIR TOKYO

18-21/11/2010 +info: www.artfairtokyo.com/en/

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Zona Maco, la feria de arte mas importante de México, presenta para el 2011 las propuestas de más de 90 galerías de todo el mundo representando a más de 900 artistas en más de 10.000 metros cuadrados de espacio de exposición. La ‘Sección Principal’ presentará las galerías con los estándares de calidad más altos. La sección de ‘Nuevas Propuestas’, expondrá obras de arte emergente. ‘Zona Maco Sur’, acogerá entre 20 galerías del hemisferio sur elegidas por el curador Adriano Pedrosa. Contará, además, con un pabellón dedicado al diseño y un área para publicaciones.

MiArt reunirá, entre el 8 y el 11 de abril de 2011, a un centenar de galerías en Milán (Italia). Con sólo dos años de trayectoria, esta feria se ha consolidado por su programa integral de excelencia. MiArt realiza cada edición una estricta selección de galerías para atraer a los coleccionistas más refinados y exigentes. MiArt se convierte además, cada año, en un evento cultural con un amplio programa de entrevistas, conferencias y debates sobre el estado actual y el futuro del arte. Otro de los aspectos destacados de esta edición es la publicación de un catálogo a cargo de Giorgio Verzotti, que contiene un ensayo que reconstruye la historia del arte italiano a través de las galerías.

Zona Maco, the most important art fair in Mexico, presents in 2011 the works of more than 90 galleries from all over the world, representing over 900 artists in a physical exhibition space of 10.000 square meters. The ‘Main Section’ will present galleries with high standards. The new section will highlight emerging art. The ‘Zone Maco Sur’ will host 20 galleries from the southern hemisphere chosen by curator Adriano Pedrosa. It will also have a wing dedicated to design and an area for publishing.

ZONA MACO

6-10/04/2011 +info: zonamaco.com

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MiArt will gather hundreds of art galleries in Milan (Italy) between April 8th and 11th, 2011. With only two years of history, this convention has reinforced itself with n excellent program. MiArt is characterized by a call for quality rather than quantity; a strong selection of galleries exists for each venue in order to attract the most strident and sophisticated collectors. MiArt is also a cultural event offering a vast agenda of interviews, forums and discussions regarding the current and future questions of art. One of the highlights of this edition is the publication of a catalog by Giorgio Verzotti, that contains an essay that recreates Italian art history through the galleries.

MiART

8-11/04/2011 +info: www.miart.it

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ART VIEW

SUPRA SENSORIAL The Geffen Contemporary at MOCA acoge hasta el 27 de febrero `Suprasensorial: Experiments in Light, Color, and Space’ , una exposición que pretende iluminar el diálogo en torno a las prácticas con la luz y el espacio en el arte contemporáneo, a través de las obras de cinco artistas latinoamericanos./ The Geffen Contemporary at MOCA shows until February 27th, 2011 ‘Suprasensorial: Experiments in Light, Color, and Space’, an exhibition that portends to enhance the dialog surrounding contemporary art practices with light and their space through the work of five Latin American artists. TEXTO: REDACCIÓN FOTOS: Cortesía de/ Courtesy of The Museum of Contemporary Art, Los Angeles

‘Suprasensorial: Experiments in Light, Color, and Space’ sitúa a América Latina como nueva fuente de ideas sobre la naturaleza y función del arte. La exposición curada por Alma Ruiz y presentada por la Fundación Jumex, cuenta con recreaciones a gran escala de las instalaciones de Carlos Cruz Diez, Lucio Fontana, Julio Le Parc, Hélio Oiticica y Neville D’Almeida y Jesús Rafael Soto. La exposición va más allá de la tradición californiana de finales de los 60 y 70 y presenta los impulsos fundamentales que se expresaron desde América Latina una década antes. Esta muestra forja una nueva relación objeto-espectador a través de cinco espacios que requieren la participación activa del público. Se busca un encuentro destinado a reducir la distancia entre la persona y la obra, y desmitifica el arte para situarlo como parte de la vida cotidiana. Para apreciar esta exposición, no es suficiente que el espectador se coloque delante de una obra como en la pintura o camine a su alrededor como en la escultura. El espectador debe participar plenamente en una especie de “exaltación sensorial”. Los artistas insisten en que la interacción con el público es indispensable para el proceso de creación artística.Una de las obras más llamativas de esta exposición es ‘Cosmococa-Programa in Progress, CC4 Nocagions’ (1973) de Hélio Oiticica y Neville D’Almeida Cosmococa que invita al público a sumergirse en una piscina de 90 centímetros de profundidad instalada en medio de luces de colores. Durante la inmersión se proyectan en la pared múltiples anotaciones del libro de John Cage y una colección de manuscritos de música cubiertos con líneas de cocaína. La superficie dinámica del agua se integra junto al trabajo de luces y tiene como resultado una experiencia interactiva y sensorial.

‘Suprasensorial: Experiments in Light, Color, and Space’ situates Latin America as a new source of ideas towards the nature and role of art. The exhibition was curated by Alma Ruiz and presented by the Jumex Foundation, and shows large scale recreations of the installations of Carlos Cruz Diez, Lucio Fontana, Julio Le Parc, Hélio Oiticica and Neville D’Almeida, and Jesús Rafael Soto. The exhibition goes beyond the California tradition of the 60’s and 70’s and presents the fundamental impulses expressed from Latin America a decade before. ‘Suprasensorial’ creates a new relation between object-spectator throughout five spaces that require the active participation of the spectator. It seeks to reduce the distance between the spectator and the object; and demystifies the art, placing it as a part of daily life. To appreciate the exhibition, simply standing in front of a painting or walking around a sculpture is not enough. The spectator should engage actively and completely in a “sensorial exaltation” of some sort. The artists insist that interaction with the public is essential to the artistic creative process. One of the most flamboyant works of this exhibition is ‘Cosmococa-Programa in Progress, CC4 Nocagions’ (1973) by Hélio Oiticica and Neville D’Almeida Cosmococa invites the audience to submerge themselves into a 90 centimeter deep pool installed in the middle of color lights. During the immersion annotations from a book by John Cage are projected on the wall and a collection of music manuscripts are covered with lines of cocaine. The dynamic surface of the water meshes with the light show creating an interactive and sensorial experience.

Lucio Fontana ‘Struttura al neon’ (Estructura al neón) IX Triennale di Milano, 1951 refaricada/ re-fabricated 2010. Neon 90 5/8 x 325 5/8 x 263 13/16 in. Coleccion/Collection Arte Contemporaneo Fundación “la Caixa”, Barcelona. Reconstruccion autorizada por Fondazione Lucio Fontana y realizada por Angelo Musumeci de el Museum of Contemporary Art, Los Angeles. / Reconstruction authorized by Fondazione Lucio Fontana and realized by Angelo Musumeci for The Museum of Contemporary Art, Los Angeles. Foto por Iwan Baan

ART VIEW

GABRIEL DAWE

Las instalaciones de Gabriel Dawe son formas creadas por miles de uniones de hilos multicolor. Sus coloridas y alucinantes figuras parecen tener su propio movimiento. Pero... ¿cómo se desarrollan estas instalaciones? Dawe lo explica así./ The installations of Gabriel Dawe are elegant shapes created by thousands of merging multicolor threads. His colorful and hallucinating figures appear to have their own movement. But how are these installations developed? Dawe explains. TEXTO: REDACCIÓN FOTOS: Cortesía del artista/ Courtesy of the artist

“La idea de ‘Plexus’ comenzó entre febrero y marzo de 2010 cuando me invitaron a participar en una exhibición como parte de una residencia artística que estoy haciendo en Centraltrack. La premisa principal era colaborar con el arquitecto Gary Cunningham para hacer una instalación relacionada con la moda. Mi aportación fue hacer una estructura arquitectónica usando, como materia prima, el hilo con el que está hecha la ropa. El resultado final fue ‘Eye II’, idea que evolucionó hasta ‘Plexus’. Me di cuenta de que tanto la ropa como la arquitectura, entre otras funciones, las necesitamos para cubrirnos y protegernos de la intemperie y las inclemencias del clima. Al invertir la escala del material, es decir, al hacer una estructura de gran escala con el hilo que se usa para hacer estructuras de escala humana. El resultado es una estructura etérea que no protege de las necesidades físicas del cuerpo, sino que se convierte en la representación física de las estructuras sociales que los humanos necesitamos para sobrevivir. Así como las estructuras sociales, aunque sean físicamente inmateriales, nos llevan a negociar simbólicamente a dónde podemos y a dónde no podemos ir. Las estructuras de hilo, que son casi inmateriales, nos afectan en el movimiento y nos obligan a negociar cómo nos movemos en el espacio. Sobre el proceso de producción, es algo laborioso. Las particularidades del espacio me imponen límites que tengo que considerar al decidir qué es lo que quiero y puedo hacer. Una vez que la estructura está instalada, puedo comenzar a colocar el hilo, que viene en conos de 2,500 metros. Uso una herramienta que desarrollé, como una aguja gigante, formada por un poste de extensión para utensilios de limpieza, masking y alfileres de seguridad. Solamente en poner el hilo, tardé casi 80 horas para ‘Plexus 3’ en el curso de dos semanas, y alrededor de 105 horas para ‘Plexus 4’ durante cuatro semanas.”

“The ‘Plexus’ idea began in February and March of 2010, when I was invited to be part of an exhibition through an artistic internship at Centraltrak. My primary responsibility was to collaborate with the architect Gary Cunningham to create an installation related to fashion. My contribution was to create an architectonic structure using threads, the same ones used to create clothing. The final result was ‘Eye II’, an idea that evolved into ‘Plexus’. I noticed that both clothing and architectural structures are necessary in protecting us from the external world and the inclement weather. Reversing the scales of the materials, I mean by creating a large-scale structure with threads that are use to create ‘structures’ on a human scale, the result was a airy structure that not Orly protects the bodies physical needs, but also illustrates the physical representation of the social structures that humans need to survive. Just a social structures, with are physically intangible, drive us symbolically through the world, threaded structres for use to negotiate how we move in space. In terms of the production process it’s very laborious. The peculiarities of the space impose boundaries that I have to consider in terms of production. Once the structure is installed, I can apply the threads, which come in 2500 meter cones. I use a tool that I designed as a sort of giant needle that’s made from a pole extender for cleaning tools, masking and safty pins. Just to place the threads took 80 hours for ‘Plexus 3’ over a period of 2 weeks, and 105 hours for ‘Plexus 4’ over a period of 4 weeks”.

Gabriel Dawe ‘Plexus no. 4’ instalación en /installation at Dallas Contemporary + Gütermann Thread. Madera y clavos /wood and nails + 11’ x 25’ x 25’ + 2010. ‘Plexus no. 3’ instalación en/ installation at Guerillaarts + Gütermann Thread,. Madera y clavos /wood and nails + 12’ x 6’ x 16’ + 2010. 44

VIDEOART

VIDEOART HARUN FAROCKI TEXTO: EMILIO ÁLVAREZ Barcelona (ESPAÑA) FOTOS: Courtesy Àngels Barcelona

El último trabajo de Harun Farocki, ‘Serious Games’, se compone de 4 instalaciones de video: ‘Watson is Down’, ‘Three Dead’, ‘A Sun with no Shadow’ (2010) e ‘Immersion’ (2009). Él explora la conexión entre la realidad virtual y la militar, la forma en que los escenarios ficticios de los juegos de computad, ra se usan para entrenar a las tropas de EE.UU. antes de su despliegue en zonas de combate, y para el cuidado psicológico al regreso de los soldados que sufren algún trauma en el campo de batalla./ Harun Farocki’s last work, Serious Games, is composed by 4 video-installations: Watson is Down, Three Dead, A Sun with no Shadow (2010) and Immersion (2009). He explores the connection between virtual reality and the military – how the fictional scenarios of computer games are used both in the training of US troops prior to their deployment in combat zones, and in psychological care for soldiers suffering battlefield trauma upon

Harun Farocki [Nový Jicin (Neutitschein), 1944)] fue a la Academia de Cine Deutsche Film und Fernsehakademie en Berlín (1967-68), fue profesor invitado en la Universidad de California, Berkeley (1993-1999) y también ha sido conferencista invitado en estudios ambientales y visuales en la Universidad de Harvard, Massachusetts. Ha hecho más de 100 largometrajes, documentales, ensayos visuales, videos de “agitación” política, videos educativos y videoinstalaciones. Su trabajo plantea preguntas sobre cuestiones que van desde temas políticos y sociales hasta la teoría del video dentro del campo del arte. Farocki también ha trabajando en televisión y como editor de la revista Filmkritik. Su papel destacado dentro del campo de las artes visuales no solamente se refleja en las retrospectivas de sus películas en instituciones como el Tate Modern en Londres, MACBA o MNCARS en España, y también en exposiciones individuales en MUMOK Wien, Jeu de Paume en París, Kunsthaus Bregenz, Raven Row, Londres y el Museo Ludwig en Colonia. La participación de Farocki en la Bienal de Sao Paulo 2010 y en el Kassel documenta en 1997 y 2007 es un recordatorio del gran impacto de sus películas e instalaciones.

Harun Farocki [Nový Jicin (Neutitschein), 1944] attended the Deutsche Film und Fernsehakademie in Berlin (1967-68) and was visiting professor at the University of California, Berkeley (1993-1999) and he is also Visiting Lecturer on Visual and Environmental Studies at the Harvard University, Massachusetts. He has made more than 100 feature films, documentaries, essay films, political “agitation” videos, educational videos, and video installations. His work raises questions about issues that range from political and social themes to the theory of film within the field of art. Farocki has also worked in television and as editor of the magazine Filmkritik. His great importance to the visual arts is reflected not only in the retrospectives of his films at institutions like Tate Modern in London, MACBA or MNCARS in Spain, but also in solo exhibitions at the MUMOK Wien, the Jeu de Paume in Paris, Kunsthaus Bregenz, Raven Row, London and the Museum Ludwig in Cologne. Farocki’s participation in the Biennal de Sao Paulo in 2010 and in the Kassel documenta in 1997 & 2007 is a strong indication of the impact of his films and installations.

Harun Farocki ‘Serious Games’ ( juegos serios), 2010

` alvaro perdices

NEGADA, AbiertA y desnudA 48

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HAUNTED FOTOGRAFIA VIDEO

PERFORMANCE `Haunted: Fotografía/Vídeo/Performance contemporáneos’ llega a España tras haber obtenido un gran éxito del público y de la crítica en Nueva York. La muestra se presenta en el Museo Guggenheim de Bilbao hasta el 13 de marzo de 2011. / ‘Haunted’ Photography/ Video/Performance arrives in Spain after receiving muchcritical acclaim in New York City. It will be presented at The Guggenheim Museum at Bilbao to March 13th, 2011.

1. Joan Jonas ‘Mirror Piece I’ (Pieza de espejo I), 1969 / 2. Ana Mendieta ‘Untitled (Silueta Series)’, [ Sin título (Serie Siluetas)], 1979

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‘Haunted’ jointly curated by Jennifer Blesseing and Nat Trotman, both curators at the Solomon R. Guggenheim museum of NYC, focuses on photography. Even though some other médiums such as painting, video, film, performance, site-specific installations, and sound recording are also present. With artworks created from the 60’s to today, the exhibition shows the extraordinary quality of photography and it’s newest formal modes. Haunted makes reference to the popular belief that one can loose his soul through photography. The exhibition showcases more than a hundred works, illustrating how icons of photography have been integrated into contemporary life. It confronts our obsession with the past, our desire to capture the past duruing an era when moments pass quickly. Much of contemporary photography and video seems haunted by the past, by TEXTO: ANDREA CARANDINI Barcelona (ESPAÑA) the history of art, by appearances that are brought out again in repetitive media, FOTOS: Solomon R. Guggenheim Foundation. live performance, and the virtual world. ‘Haunted’, curada conjuntamente por Jennifer Blessing y Nat Trotman, By using dated, passé, or quasi-extinct ambos del Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York; tiene como stylistic devices and technologies, such eje fundamental la fotografía, aunque se expresan otras formas artísti- works embody a melancholic longing for cas como la pintura, el video, el cine, el performance y la instalación. Son an otherwise unrecuperable past. piezas creadas desde los años 60 hasta la actualidad que evidencian la ex- These mediums, like performance, are defined structurally by the layered temtraordinaria calidad de la obra fotográfica y los nuevos medios. `Haunted’ (embrujado), hace referencia a la creencia popular de que a tra- porality they present: they viscerally refer vés de la fotografía se produce la perdida del alma. La exposición analiza to past and prior acts that are perceived in con más de un centenar de obras cómo la iconografía fotográfica se ha in- the present in such a way as to bring the corporado al arte y a la vida contemporánea. Plasma la obsesión por acce- past into the present, to metaphorically der al pasado; por retenerlo en un momento en el que los instantes pasan bring the dead to life, and thus to suspend the viewer or audience between history cada vez con mayor rapidez . Gran parte de la fotografía y el video contemporáneos parecen embruja- and the immediate. Often the images capdos por el pasado, por la historia del arte, por apariciones que cobran vida tured by these technologies are literal doen medios de reproducción, en performances en directo y en el mundo vir- cuments of the past that bear witness and tual. Empleando diversos recursos estilísticos, temas y tecnologías desfa- thereby substantiate the very existence sados, anticuados o casi extintos, este arte encarna el anhelo melancólico of experiences that are otherwise only fleetingly though troublingly maintained por un pasado irrecuperable. Los medios de reproducción y la performance se definen estructuralmen- as elusive memories. It is because of this te por la temporalidad fragmentada que presentan: se refieren de manera that photography, like performance, has visceral a hechos pasados o previos que se perciben en el presente de tal been seen from the beginning as a kind of manera que el pasado vuelve al momento actual, los muertos resucitan magical, if not a way to transcendí death metafóricamente y por lo tanto, el espectador o el público queda suspen- then to constantly remind us the inexoradido entre la historia y lo inmediato. A menudo las imágenes captadas con ble passage of time. esas tecnologías son documentos literales del pasado que atestiguan y, en In the spanish edition of ‘Haunted’ the ese sentido, confirman la existencia de las experiencias que, de otra ma- show contains more than 60 additional nera, sólo se conservan de manera efímera e inquietante como recuerdos pieces as compared to the NYC version, fugaces. Es esa cualidad la que ha otorgado a la fotografía, al igual que a la some of which have never exhibited in performance, una especie de poder mágico desde su nacimiento, y por la this country before. que se ha considerado que la fotografía trasciende la muerte para recordarnos constantemente el inexorable paso del tiempo. La edición española de `Haunted’ incluye 60 obras más que en Nueva York, algunas de ellas nunca antes exhibidas en este país. Piezas de 60 artistas que resaltan el poder único de la fotografía como técnica de registro de instantes. Andy Warhol ‘Orange Disaster #5’ (Desastre naranja n.#5’), 1963

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The exhibition is divided into 5 themes: Appropriation and the archive; death display and politics; documentation and reiteration; landscape, architecture, and the passage of time; trauma and the uncanny. Some of the art work uses dated, passe, or quasi-extint stylistic devices. Some other works recreate past experiences by reproducing traumatic events trough “shaded” images, or through morbid icons such as ruins and apocalyptic landscapes. While others appear to be haunted by a lost or distant world ‘Haunted’ permite comprothat has in some way taken over their “soul.” Finally it unveils pieces that bar que la imagen grabadaanalyse the role played by shared memory and personal obsession. registrada, ocupa un lugar The starting point of the exhibition are paintings by Robert Rauchenberg central en el arte contempoin which he uses photography and press clippings. Andy Warhol’s repetitiráneo. / ‘Haunted’ allow us to ve silkscreens are also presenunderstand how ted, which are considered to be El recorrido por la exhibición se divide en cinco categorías: filmed and recorthe beginning of these types of `Apropiación y archivo’ ;` Muerte, publicidad y política’ ; `Doded images play images in modern art. Current cumentación y reiteración’ ; `Paisaje, arquitectura y el paso a central role in acquisitions from the Guggdel tiempo’ , y `Lo traumático y lo siniestro’ . contemporary art. Algunas obras de la exposición incorporan temas y recursos enheim Foundation are also estéticos que dan una apariencia de anticuados, pasados de on display, highlighting work moda o extintos. Otras recrean experiencias del pasado re- from Marina Abramovic, Sopresentadas por momentos traumáticos a través de imáge- phie Calle, Tacita Dean, Gregory nes fantasmagóricas e iconos mórbidos como ruinas y pai- Crewdson, Thomas Demand, sajes apocalípticos. Observamos también obras que parecen Roni Horn, Christian Marclay, estar perseguidas por un original perdido o distante, que se Richard Prince, Cindy Sherha apropiado en cierto sentido de su “alma”. Y finalmente se man, Hiroshi Sugimoto, and Jeff revelan creaciones que analizan el papel de los archivos de la Wall. ‘Haunted’ allow us to understand how filmed and recormemoria colectiva y la obsesión personal. El punto de partida de la exposición son las pinturas de Ro- ded images play a central role bert Rauschenberg, en las que utiliza fotografías y recortes in contemporary art. “In todays de prensa. Están presentes también las serigrafías repeti- society, we have all become huge tivas de Andy Warhol, consideradas el inicio de la utiliza- producers of images”, recalls ción de la imagen en el arte moderno; así como las recientes Trotman. adquisiciones de la Fundación Guggenheim entre las que destacan obras de Marina Abramovic, Sophie Calle, Tacita Dean, Gregory Crewdson, Thomas Demand, Roni Horn, Christian Marclay, Richard Prince, Cindy Sherman, Hiroshi Sugimoto o Jeff Wall. En la muestra también se pueden admirar obras realizadas en las décadas de los 60 y 70 por artistas como Andy Warhol, Bernd y Hilla Becher, Joan Jonas, Robert Rauschenberg, Martha Rosler y Robert Smithson. ‘Haunted permite comprobar que la imagen grabada-registrada, ocupa un lugar central en el arte contemporáneo. Como destaca Nat Trotman, curador de la exposición: “en la sociedad actual, todos nos hemos convertido en enormes productores de imágenes”. Gillian Wearing ‘Self-Portrait at Three Years Old’ (Autorretrato a los tres años), 2004

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SiSINDROME ITALIANA. Los HEREDEROS DeMAURIZIO CATELLAN

Le Magasin de Grenoble (Italia) abre su temporada con ‘Si Sindrome Italiana’, una exposición que nos presenta la riqueza y diversidad del arte contemporáneo italiano actual, a través de los trabajos de 40 jóvenes creadores considerados los herederos de Maurizio Cattelan./ Le Magasin de Grenoble (Italy) opens this season with ‘Si sindrome Italiana’ an exhibition that presents the diversity and richness of Italian contemporary art with the work of 40 young artists considered to be the heirs of Maurizio Cattelan.

1. Rosa Barba ‘Machine Vision Seekers’, 2003 . Cortesía del artista/ Courtesy of the artist - Galerie GiòM (Milan)- Gebauer, (Berlin) / 2. De fondo/ background: Piero Golia ‘Untitled (Y3AT35SIE1029489)’ [ Sin título (Y3AT35SIE1029489) ], 2003 . Cortesía de/ Courtesy of Angela -Massimo Lauro . De primer plano/Closeup: Marzia Migliora ‘Quando la strada guarda il cielo’ (Cuando el camino se ve en el cielo/ When the road looks at the sky), 2010. Cortesía de/ Courtesy of Galleria Lia Rumma, Milan. Foto/Photo: Blaise Adilon

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Maurizio Cattelan’s name has brought Italian contemporary art to its highest level, and he is known around the world. But not for long, given that a new path is set for a generation of young artists who are trying to gain an international reputation. These artists, born between 1970 and 1980, were educated in Italy, though they now live and work in London, Paris, Berlin, and New York. They are: Giorgio Andreotta Calò, Meris Angioletti, Salvatore Arancio, Francesco Arena, Rosa Barba, Francesco Barocco, Rossella Biscotti, Lupo Borgonovo, Alex Cecchetti, Danilo Correale, Rä Di Martino, Patrizio Di Massimo, Lara Favaretto, Luca Francesconi, Linda Fregni Nagler, Christian Frosi, Giuseppe Gabellone, Martino Gamper, Francesco Gennari, Piero Golia, Sabina Grasso, Massimo Grimaldi, Renato Leotta, Claudia Losi, Marzia Migliora, Seb Patane, Pennacchio Argentato, Diego Perrone, TEXTO:ANNA FALCO Nápoles (ITALIA) Paola Pivi, Riccardo Previdi, Pietro Roccasalva, Matteo Rubbi, Andrea Sala, FOTOS: Courtesy Magasin-CNAC Manuel Scano, Marinella Senatore, El nombre de Maurizio Cattelan ha llevado el arte contemporáneo ita- Giulio Squillacciotti, Alberto Tadieliano a lo más alto y eso es algo mundialmente conocido. Pero quizá no llo, Santo Tolone, Luca Trevisani, tanto, que, tras él, se abre camino una nueva generación de artistas que Patrick Tuttofuoco, Nico Vascellari, tratan de dar a conocer su trabajo a nivel internacional. Estos artistas Francesco Vezzoli.The organizers nacidos entre 1970 y 1980 se formaron en Italia pero ahora viven y traba- of ‘Si Sindrome Italiana’ looked all jan en Londres, París, Berlín, Nueva York... Son: Giorgio Andreotta Calò, over the world to gather a rich and Meris Angioletti, Salvatore Arancio, Francesco Arena, Rosa Barba, Fran- diverse group that represents Italian cesco Barocco, Rossella Biscotti, Lupo Borgonovo, Alex Cecchetti, Dani- contemporary art. This exhibition lo Correale, Rä Di Martino, Patrizio Di Massimo, Lara Favaretto, Luca presents recent or commissioned Francesconi, Linda Fregni Nagler, Christian Frosi, Giuseppe Gabellone, work of 40 artists who practice in Martino Gamper, Francesco Gennari, Piero Golia, Sabina Grasso, Mas- different disciplines and styles. And simo Grimaldi, Renato Leotta, Claudia Losi, Marzia Migliora, Seb Pata- the work of the curators and editors ne, Pennacchio Argentato, Diego Perrone, Paola Pivi, Riccardo Previdi, who work behind the scenes. Next Pietro Roccasalva, Matteo Rubbi, Andrea Sala, Manuel Scano, Marine- to ‘Si Sindrome Italiana’, is ‘Translla Senatore, Giulio Squillacciotti, Alberto Tadiello, Santo Tolone, Luca missions’, an editorial project that allows us to discover different arTrevisani, Patrick Tuttofuoco, Nico Vascellari, Francesco Vezzoli. Los organizadores de ‘Si Sindrome Italiana’ han tenido que buscar a es- tists through interviews, essays, and tos artistas dispersos en todo el mundo para reunir en una muestra la surveys on contemporary Italian art. Also ‘La Scene Curatorial Italiana’ diversidad y riqueza del arte contemporáneo actual de este país. En esta exposición se presenta el trabajo reciente o especialmente crea- has been published, a book with tado para la ocasión de 40 artistas italianos de distintos estilos y discipli- lks by 10 Italian curators. This pronas, así como el trabajo curatorial y editorial que les rodea. Junto a ‘Si ject gathers works from the most síndrome italiana’ nace ‘Transmission’, un proyecto editorial que permi- outstanding emerging artists of te descubrir a los distintos artistas con entrevistas, ensayos y encuestas Italy; it allows us to see their work in sobre el arte italiano actual. También se ha editado ‘La Scène Curatorial context, to see the connection points of their generation, and to see who Italienne’, un libro con diez conversaciones con comisarios italianos. Este proyecto, que reúne el trabajo de los talentos emergentes más des- might strengthen the list of establistacados de Italia, permite situar las obras de estos artistas en su contex- hed Italian contemporary artist. to, buscar puntos comunes de una generación y hacer apuestas por los nombres que posiblemente pasen a engrosar la lista de referentes del arte contemporáneo italiano.

Vista de la exposición/ View of the exhibition ‘SI - Sindrome Italiana’. Le Magasin - CNAC. Cortesía de / Courtesy of MAGASIN-CNAC . Foto/Photo: Blaise Adilon .

TEXTO: JUDITH PASTOR Barcelona (España) FOTOS: Courtesía de /Courtesy of Corvy Mora (Londres)

Roger Hiorns es una de las grandes promesas del momento. Este artista, nominado al premio Turner Prize 2009, destaca por el uso de materiales y elementos poco convencionales que escapan de todo control. Recrea la realidad de una forma nunca vista hasta ahora. / Roger Hiorns is one of the greatest promising artists of the time. A Turner Prize nominee in 2009, his work features unconventional materials that are out of control. He recreates reality in a never seen before way, until now. Roger Hiorns ‘Seizure’ (Convulsión), 2008 60

TA L E N T S

¿Quién sabía que al mezclar sulfato de cobre y agua se producen cristales de un brillante azul cobalto? Al ver el trabajo de Roger Hiorns, ya no hay lugar a dudas. Empezó a utilizar esta mezcla en 1996 con las maquetas de unas catedrales góticas que acabarían deformadas por su técnica de cristalización. Pero fue ‘Seizure’ la obra que llevó la cristalización a su máxima expresión. Hiorns vertió 75.000 litros de sulfato de cobre en las paredes, suelos y techos de una vivienda abandonada para convertir una planta de un edificio en ruinas, en un mágico universo azul. Gracias a este trabajo, Roger Hiorns fue nominado al prestigioso Turner Prize (2009) y, aunque el premio fue finalmente para Richard Wright, el jurado valoró el poder transformador de este artista, definiéndolo como un “alquimista moderno”. La transformación es uno de los objetivos fundamentales para Roger Hiorns. Antes de cada obra, el artista estudia los materiales y sus efectos y, aunque puede intuir cómo se desarrollará, nunca sabe a ciencia cierta cuál será el resultado final. Hiorns da total libertad a los materiales para evolucionar sin restricciones, el resultado son formas maravillosas que no parten de un diseño y una intención estética concreta. Hiorns escoge materiales y elementos de nuestra vida cotidiana. Muchos nada tienen que ver con el arte, pero él los combina y saca de contexto para mostrarnos una realidad transformada, completamente nueva. ‘Seizure’ alude a la pérdida de los ideales, a los hogares impersonales y a la incapacidad de la arquitectura para tomar el pulso a la cotidianeidad. Detergente, desinfectante, perfume o fuego, son materiales con los que ha dado forma a sus inquietudes. En ‘Vauxhall’ (2003) instaló en el patio de esculturas de la Tate Britain una alcantarilla de la que contra toda lógica, pues su misión es recibir agua corriente, emanaban grandes llamas de fuego. En ‘Two Forms Yellow and Brown’ (1999) vemos brotar burbujas de espumoso detergente de vasijas de cerámica que cuelgan del techo.

Roger Hiorns ‘Untitled (Alliance)’ [ Sin título (Alianza) ], 2010. Arts Institute Chicago

Did you know that when mixing copper sulfate with water bright cobalt-blue crystals are formed? When seeing Roger Hiorns’s work there’s no doubt. He began using this mixture in 1996, appling this technique to models of Gothic cathedrals, which would become deformed by the process of crystallization. But it was ‘Seizure’ that took Hiorn’s crystallization process to its peak. By spilling 75,000 liters of copper sulfate on the walls, floors and ceilings of an abandoned house he converted a ruined building into a magical blue universe. Through his work Roger Hiorns was nominated for the prestigious Turner Prize in 2009. Although the award was ultimately granted to Richard Wright, the jury appreciated the transformative power of the artists’ method, describing him as a “modern day alchemist.” Transformation is one of the key objectives of Roger Hiorns. Before making each piece, the artist studied materials and their effects, and even though one can guess how they would develop, you never know for certain what the final result will hold. Hiorns’ materials are left free to evolve without restriction, so the results are wonderful works that are not based on any design or specific aesthetic purpose. Hiorns chooses materials and elements of our everyday life, elements that have nothing to do with art, but by com-

bining them out of context he presents a new and transformed reality. ‘Seizure’ refers to the loss of ideals, impersonal homes, and the inability of architecture to adapt to the pulse of the everyday. Detergent, disinfectant, perfume and fire are other materials that have shaped his practice. ‘Vauxhall’ (2003) installed on the patio of the Tate Britain a culvert that against all logic, because its purpose its to receive plain water; emanated great fire flames. In ‘Two Forms Yellow and Brown’ (1999) we see foamy streams of detergent bubbles flowing to the floor from ceramic pots that hang from the ceiling. But if there is a single material that characterizes Hiorns, it’s copper sulfate with its crystallizing effect, a material that he also uses in ‘Architect’s Mother’ (2003) on the engine of a BMW 8-Series. Hiorns says that “crystallization is a state that ends in a process that seeks perfection,” explaining that it “involves a complex transformation that goes through stages of sedimentation, purification and distillation, before reaching its final stability.” Afterwards the cycle of successive transformations, an evocation of life, stops, and then dies. “Nothing can or has to change. Immutability, but also death, both are installed.” For the artist this process resembles our memory of childhood, “where you can see parts more than the

ROGER HIORNS DA TOTAL LIBERTAD A LOS MATERIALES PARA EVOLUCIONAR SIN RESTRICCIONES./ HIORNS’ MATERIALS ARE LEFT FREE TO EVOLVE WITHOUT RESTRICTION

Pero, si un material marca la trayectoria de Hiorns, ese es el sulfato de cobre y su efecto cristalizador, que también aplica en ‘Architect’s Mother’ (2003) sobre el motor de un vehículo modelo BMW 8-Series. Hiorns afirma que “la cristalización es un estado que concluye en un proceso que llega a la perfección”, y que “implica una compleja transformación que pasa por etapas de sedimentación, depuración y destilación, antes de alcanzar la estabilidad final”. Y, es a partir de entonces, cuando el ciclo de sucesivas transformaciones, el cual evoca a la vida, se detiene. “Nada podrá ni tendrá que cambiar. La inmutabilidad y también la muerte se instalan”, sentencia Hiorns.

TA L E N T S

Para el artista, este proceso se asemeja un poco a la memoria de la infancia, donde se pueden ver algunas partes más que el todo. A Hiorns le interesa mucho la idea de crear un tipo de estética en la que no se perciba la mano del artista. De hecho, durante el proceso de transformación de sus obras debe ausentarse. El artista demuestra que los problemas de estilo y estética ya no son un asunto estático. Para él la interacción entre el material es un proceso armonioso e impredecible a su vez. Algo en clara oposición con la idea de moldear, serrar y martillar. “Así como el sulfato de cobalto es descrito como un elemento autogenético, mi trabajo también es autogenético, trata de dar algo de sentido a mi posición psicológica”, afirma el artista. En su último trabajo, ‘Alliance’, en el Arts Institute de Chicago, va más allá y eleva la ciencia y la tecnología a la categoría de arte contemporáneo. Hiorns reflexiona acerca del desapego a las máquinas que se generan y muestra la capacidad de estas máquinas para alienar a la sociedad y llevarla al absurdo.

whole.” Hiorns is very interested on the idea of creating a kind of aesthetics in which the artist’s hand is not seen; also, he’s interested in being absent during most of the transformation processes of his work. The artist demonstrates that the problems of style and aesthetics are no longer a static issue. To Hiorns the interaction between materials always holds a harmonious and unpredictable turn, something in clear opposition to the idea of welding, sawing or hammering. “The copper sulfate is described as autogenetic, my work is also autogenetic, and this gives meaning to my psychological position.” His latest work can be seen at Arts Institute of Chicago. Again, he raises science and technology to the level of contemporary art. They are a metaphor of our indifference to the machines we generate. Hiorns detachment reflects on machines and the ability of these machines to alienate society, bringing his work onto the domain of the absurd, to solely show the bridge constructed between our psyche and his crystallized objects.

Roger Hiorns ‘Vauxhall’, 2003

TEXTO: DANIELA AYALA Guadalajara (MÉXICO) FOTO: Cortesía del artista/ Courtesy of the artist

Quizá pocos se han dado cuenta de que cuando se hace “click” con una cámara, se está capturando un momento para toda la vida. Cada imagen fotográfica transporta a lugares inimaginables, a ciudades jamás visitadas o tal vez a explorar nuevas culturas. Cada muestra de arte en el mundo une a todos los hombres como habitantes del mismo planeta. / Perhaps few of us realize that when hit the button on our camera that we are capturing an everlasting moment. Every photographic image can transport us to unimaginable places, cities we have never visited, or cultures we have yet to explore. Every art show in the world unites us, reminding us that together we are all citizens of the same planet.

Alain Delorme ‘Totem #2’ 66

TA L E N T S

Alain Delorme, fotógrafo parisino nacido en 1979, cuyas exposiciones no sólo han tocado suelo francés, sino además han viajado a Japón, Corea del Sur, China y Estados Unidos, presenta ‘Manufactured Totems’. Hombres recorren en bicicleta las calles de Shanghai y muestran pilas de cajas de cartón —u otros elementos— perfectamente apilados, para crear unas torres que transforman la travesía en todo un duelo de equilibrio y precisión: tótems de una sociedad transformada. Alain Delorme dibuja un retrato de la siempre colorida China; cada una de las imágenes habla sobre estos característicos trabajadores independientes de Shanghai. Delorme decidió esta vez enfocarse sólo en los pequeños detalles que hacen de este lugar una gran ciudad. Toda la serie fotográfica es dinámica. El autor decide apartarse de un estilo documental y neutro para ir más allá de lo habitual. La imagen se organiza horizontalmente y los elementos que forman el contexto, como las aceras y los edificios, están situados a intervalos, lo que permite a los diferentes escenarios convivir entre sí. Delorme rompe las reglas del género documen tal y, al agregar un poco de edición y color, finalmente logra una “realidad agrandada”. El trabajo fotográfico de Alain Delorme va más allá de simplemente documentar: en `Little Dolls´, entramos al inquietante mundo del ideal estético americano. En `Totems´, tenemos un acercamiento al paisaje urbano de China y a los recientes cambios que han afectado a su población. El historiador y fotógrafo, Raphaéle Bertho, comenta:“Lejos de un himno al materialismo, estas imágenes (...) tienden hacia el absurdo y nos permiten echar un vistazo a la complejidad de un país que se reinventa a sí mismo.Entre realidad y fantasía (...) revierten la escala de valores y difuminan los límites entre lo visible y lo invisible”. Así, bajo el cielo azul de Shanghai y más allá de ser una oda al materialismo, Delorme muestra el corazón de un país cuya complejidad lo ha llevado a reinventarse en un mundo que día y noche pide un poco más.

Alain Delorme ‘Totem #3’

Alain Delorme is a photographer. Born in Paris in 1979, he has held exhibitions not only in France but also in Japan, South Korea, China and the United States, where he has presented his latest series, ‘Manufactured Totems’. With an enviable technique, men move on bicycles thru the streets of Shanghai, with perfectly stacked piles of cardboard boxes or other elements strapped on, creating beautiful towers that transfigure the journey into a duality between balance and precision: totems of a society transformed. Through these formal qualities Alain Delorme is able to illustrate the always-colorful China. Each of these images speak to the specificity of individual independent workers in Shanghai, with Delorme choosing to focus on the small details that transform this place into a great city. The entire photographic series is dynamic. This time the artist has chosen to break his habits, to depart from a neutral documentary style. He organizes the images horizontally and the elements that form the context (sidewalks and buildings) are arranged in intervals that allow different scenarios to coexist with one another. Delorme breaks the rules of the documentary genre and by editing and adding bits of color he creates an “extended reality”. Delorme’s photographic work surpasses the limits of documentary: in ‘Little Dolls’ we enter into the unsettling world of the United States’ aesthetic ideal; in ‘Totems’ we see an approach to the urban landscape of China and how recent changes that have affected the country’s population. As the historian and photographer Raphaele Berto says, “Far from a ode to materialism, these images tend towards the absurd and allow us to take a look into the complexity of a country that is reinventing itself. Between reality and fantasy they reverse the scale of values and blur the boundaries between the visible and invisible”. Under the blue sky of Shanghai and beyond the ode to materialism, Alain Delorme shows us the heart of a nation whose complexity has driven her to reinvent herself in a world that demands, day and night, a little bit more.

Alain Delorme ‘Totem #9’

1. Alain Delorme ‘Totem #12’ / 2. ‘Totem #14’/ 3. ‘Totem #7’

C O N T E M P O R A R Y PA I N T I N G

CHRISTIAN SCHOELER TEXTO: ALBERTO NORIEGA Barcelona (ESPAÑA) FOTO: Christian Schoeler ‘Lukas’, 2009. Cortesía del artista/ Courtesy of the artist.

Christian Schoeler expresa una belleza que lidia con la perfección, una serie de retratos idealizados, con los que conecta sus experiencias personales pasadas con sus anhelos más utópicos. /Christian Schoeler expresses a beauty that thrives on perfection, through a series of idealized portraits that link his own personal experience with utopian desire.

Christian Schoeler (1979) creció en la zona rural de las afueras de Dusseldorf. Su aspecto era delgado y andrógino, casi como el de una mujer. Algo que en la Alemania de los 90 no le puso las cosas nada fáciles. Hoy, Schoeler vuelve a mirar a la adolescencia desde sus acuarelas. En ellas presenta inquietantes imágenes de jóvenes frágiles y vulnerables. Algunos retratos parten de fotos que ha encontrado a lo largo de su vida, otros de gente que conoce personalmente, pero en todos ellos está presente un halo de inseguridad e inquietud. Su propia vulnerabilidad y la fugacidad de su cuerpo es lo que dota de sentido a sus obras. >>Tu trabajo se centra en el retrato de adolescentes envueltos en una atmósfera incierta de melancolía. Esto refleja una cierto sensación de sentirse perdido, de moverse sin rumbo. ¿Qué hay detrás de estos cuadros? ¿Qué estás tratando de expresar a través de ellos? Si creemos en Sigmund Freud, la melancolía hunde sus raíces en la pérdida. La melancolía es un estado mental de la tristeza, el cual no es causado por una situación específica. Si tenemos en cuenta que, en el siglo XX, el término melancolía ha sido sustituido por depresión, está muy claro lo que este reemplazo significa. En las artes a menudo se trata de “la concienciación del dolor”. El espiritualismo de Baudelaire, por ejemplo, toma toda su dignidad de tomar tal conciencia. Por lo tanto, no estamos tan lejos de poder buscar la transformación de este “dolor de la conciencia” por medio de su pureza, en la forma de “melancolía” o “tristesse” en la estética. >>¿Qué te inspira de la adolescencia? ¿Crees que es un período que influye el resto de tu vida? Es esa especie de combinación propia de la adolescencia que contiene megalomanía, miedo y extrañeza, entumecimiento de los sentidos y exuberancia emocional. Durante la adolescencia el cuerpo es el lugar central para la búsqueda de la identidad, todo está aún abierto y nada está resuelto. >>Colaboras con Louis Vuitton por segunda vez. ¿Crees que es importante la fusión entre el arte y la moda? ¿Importante? ¡Oh! No, en absoluto. Es divertido. La moda es parte de mi arte. Tiene ese acercamiento a la belleza, juega con el género y tiene la elegancia que encuentro atractiva. Es un buen medio para discutir sobre el cuerpo y lo que este significa hoy, algo que Rubens ha hecho con su pintura en el siglo XVII, y algo con lo que los diseñadores de moda juegan en este siglo.

DURANTE LA ADOLESCENCIA EL CUERPO ES EL LUGAR CENTRAL PARA LA BÚSQUEDA DE LA IDENTIDAD/ DURING ADOLESCENCE THE BODY IS THE CENTRAL TO THE SEARCH FOR IDENTITY

Christian Schoeler (1979) grew-up in a rural area outside of Dusseldorf. His face was very thin and androgynous, almost like a girl. In 1990s Germany that didn’t make his life any easier. Today, Schoeler looks back at adolescence from the canvas, where he paints disturbing images of fragile and vulnerable young boys. Some portraits are based on pictures that he found throughout his life, while others are based on people who he personally knows, but in every single piece a halo of insecurity and anxiety persists. His vulnerability and the fleetingness of the body lend meaning to the work. >> Your work focuses on the portrayal of teenagers involved in an uncertain atmosphere of melancholy. This reflects a certain feeling of “being-lost” of moving aimlessly. What’s behind these paintings? What are you trying to express through them? If we believe Sigmund Freud’s melancholia is rooted in loss. Melancholy is the mental state of sadness, which isn’t caused by a specific situation. If we consider that in the 20th century the term melancholia has been replaced by depression, it becomes clear what this replacement means. Art it is often about the “consciousness of pain.” Baudelaire’s spiritualism, for example, is dignified from this consciousness. Therefore we are no far from transforming this “pain of consciousness” into its “purity” as melancholy or tristesse, as in aesthetics. >> What inspires you from adolescence? Do you think is a period that influences the rest of your life? Adolescence is like megalomania, containing fear and surprise, numb feelings and emotional exuberance. During adolescence the body is the central to the search for identity, everything is still open and nothing is resolved. >> You collaborate with Louis Vuitton for the second time. Do you think is important to blend art and fashion? Important? Oh no, not at all. It is fun. Fashion is part of my art. It has an approach to beauty, gender play and elegance that I find attractive. It’s a good medium to discuss the body and what it means today: this is something Rubens did with his paintings in the 17th century, and something fashion designers play with in this century. >> Are you worried that this collaboration will place you as a commercial artist? No, I do not believe in differentiating between commercial and non-commercial art, since these and other differentiations would manifest a normative system of values - something I totally refuse. Art doesn’t work under ideological premises anymore. I think I am part of a generation of artists for whom the normative idea of the romantic-bourgeois, or for whom the term “genius” is full of dust; these phrases are elite-terms of modernism.

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>>¿Te preocupa que esta colaboración te sitúe como un artista comercial? No. Yo no creo en la diferenciación entre el arte comercial y no comercial, ya que éstas y otras pondrían de manifiesto un sistema normativo de los valores, algo que niego totalmente. El arte no funciona bajo premisas ideológicas. Creo que soy parte de una generación de artistas para los que las normas-ideas de los romántico-burgueses y, de igual manera, el término “genio” están llenos de polvo, también pasa con el término “elite” del modernismo. Por tanto, es lógico que los aspectos técnicos o decorativos construyan un aspecto parcial de la obra artística hoy. Yo no soy un genio, estoy haciendo un trabajo como todos los demás y, de vez en cuando, estoy trabajando con mis amigos de Vuitton en ciertas ideas. >> No estamos acostumbrados a ver obra hecha con acuarela. ¿Qué tipo de ventajas o recursos expresivos ves en esta técnica en comparación con la pintura al óleo? Nada se acerca más a la aspiración de espontaneidad y franqueza efímera que la acuarela. Hay pocos artistas que dominan realmente la acuarela, su ligereza e intensa expresión. Es por eso que casi no ves ninguna. John Singer Sargent y Turner dominaron la acuarela. También estoy fascinado por las que Hockney realizó.

As a consequence it is logical that decorative or technical aspects are a part of today’s artistic work. I am not a genius. I’m doing a job like everyone else and now and then I work with my friends at Vuitton’s on certain ideas. >> We are not used to seeing work in watercolor. What are the benefits of working with watercolor compared to oil painting? Nothing comes closer to the aspiration of spontaneity and directness than the ephemeral watercolor. There are just a handful of artists who really mastered the watercolor and its lightness and intense expression. That’s why you hardly see any. John Singer Sargent and Turner mastered the watercolor. I’m also fascinated by the ones Hockney did. >> Now that we are talking about the creative process. What do you like to do while you paint? What’s your work environment like? A lot has changed for me. In the beginning I painted in a tiny apartment, sleeping next to turpentine and paint buckets. Sometimes I had to stay with a friend because the painting made my flat impossible to live in. But I was very isolated and didn’t want to have anything to do with the Academy or galleries – it could have all gone very wrong. Now I work in relatively organized way. I am able to afford a studio and assistants. We work, discuss and cook together and if we’re annoyed we go out for a walk or to swim in the nearby lake. I really like this environment; it’s a conspiracy against sadness.

Christian Schoeler ‘Untitled’ (Sin título), 2009. Óleo en lienzo montado en madera/ Oil on canvas mounted on wood. 30 x 20 cm. Cortesía del artista y de la colección privada de NY. / Courtesy the artist and private collection NY.

Christian Schoeler ‘Untitled’ (Sin título) , 2009. Óleo en lienzo montado en madera / Oil on canvas mounted on wood. 30 x 20 cm. Cortesía del artista y de la colección Vienna/ Courtesy the artist and private collection Vienna

>>Ahora que hablamos sobre el proceso creativo. ¿Qué te gusta hacer mientras pintas? ¿Qué ambiente necesitas para trabajar? Muchas cosas han cambiado para mí. Al principio, pintaba en un pequeño apartamento, durmiendo al lado del aguarrás y las latas de pintura. A veces, tenía que quedarme con un amigo, pues la pintura hacía de mi piso un lugar imposible para vivir; pero yo estaba muy aislado, y no quería tener nada que ver con la academia o las galerías -todo pudo haber ido muy mal-. Ahora trabajo en condiciones relativamente organizadas y me puedo permitir pagar un estudio y asistentes. Trabajamos, discutimos y cocinamos juntos y, si estamos molestos, vamos a dar un paseo o nadamos en un lago cercano. A mí me gusta este ambiente conspirativo y es muy bueno contra la tristeza.

Christian Schoeler ‘Benedikt’, 2009. Óleo en lienzo montado en madera/ Oil on canvas mounted on wood. 60 x 40 cm. Cortesía del artista y de la colección privada Suttgart./ Courtesy the artist and private collection Stuttgart

Christian Schoeler ‘Untiled’ (Sin título), 2010. Medios mezclados y óleo en lienzo montado en madera/ Mixed media and oil on canvas mounted on wood. 124,5 x 94,5 cm. Cortesía del artista y de la colección privada de Londres. /Courtesy the artist and private collection London

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RICHARD PHILLIPS

Nacido en Massachusetts en 1962, Richard Phillips, vive y trabaja actualmente en Nueva York. Ha expuesto su obra en muestras individuales y colectivas, tanto en EE.UU. como en Europa. Además su obra está presente en importantes colecciones públicas y privadas. Phillips trabaja pinturas hiperrealistas de gran tamaño que reflejan las tradiciones de la cultura pop. Sus obras son fundamentalmente primeros planos de mujeres sacados de revistas de moda y de soft-porn de los 50, 60 y 70, aunque también podemos encontrar representados hombres y mujeres del mundo de la música y la política. Algunas de sus obras retratan un estándar clásico de belleza, pero el artista lo lleva más allá. Phillips crea una confrontación constante entre el espectador y el modelo mediante el uso de la luz fría y el primer plano entre otros recursos. La mirada directa de la modelo desnuda genera un sentimiento incómodo para el observador que la contempla. Phillips concibe la pintura como un acto de desobediencia civil más que como un acto de adecuación a la convención estética. Juega con los límites, al representar explícitamente desnudos femeninos en situaciones sexuales y vincularlos con aspectos “respetables” de la vida cotidiana, como la religión. En una de sus últimas exhibiciones en Nueva York, el autor emplea una fotografía publicada en ‘The Hustler’, en 1973, que muestra a dos hombres sentados frente a la puerta del antiguo Bowery (ahora New Museum of Contemporary Art) y la representa de forma realista y al óleo en un gran lienzo. Phillips reflexiona en esta obra sobre la forma en que, a su juicio, instituciones como los grandes museos de Nueva York contratan propaganda para promover sus agendas, al mismo tiempo que pretenden ser los vehículos de la autoridad cultural. Richard Phillips siempre está dispuesto a provocar, él mismo lo reconoce al definir su trabajo: “Mi enfoque es usar el arte para desafiar la validez, lo sagrado, y la aceptación de las imágenes como comunicadores de significados libres de concecuencia - propaganda en otras palabras”.

Born in Massachusetts in 1962, Richard Phillips lives and works in NYC. He has exhibited his work in both solo and group shows in the United States and Europe, where his art is held in public and private collections. Phillips paints large-scale hyper-realistic paintings reflecting the traditions of pop culture. His works are mainly close-ups portraits of women taken from fashion magazines, and soft-core porn from the 50s, 60s, and 70s as well as the world of politics and popular music. Some of his work portrays a “classic” standard of beauty, but Phillips takes it to another level. He creates a constant confrontation between the viewer and the model by using close-ups, cold light effects, among other methods. The direct gaze of a nude model conjures an awkward sensation for the viewer. Phillips perceives painting as an act of civil disobedience rather than as an adaptation to aesthetic convention. He plays with limits to explicitly represent women in sexual situations that are tied to “respectable” aspects of daily life, like religion for example. In one of his last exhibitions in New York the artist uses a photography published in Hustler Magazine in 1973 that shows two men sitting in front of a door of what was the old Bowery (now the New Museum of Contemporary Art) and renders it in oil paint on a large scale canvas. Phillips reflects in his book that institutions like the great museum of New York use propaganda to promote their agendas, while at the same time intend to lead the way as a cultural authority. Richard Phillips is always willing to lead the conversation in defining his work: “My aim is to use art to contest the validity, sanctity, and acceptance of images as conveyors of meaning stripped of consequence – propaganda, in other words.”

TEXTO: IRENE MARTÍN Barcelona (ESPAÑA) FOTO: Richard Phillips ‘Der Bodensee’, 2008. Crédito/Credit: Robert McKeever/Gagosian Gallery

Richard Phillips somete, a los refinamientos técnicos de la pintura académica imágenes populares como marco para expresar su crítica. / Richard Phillips subjects the technical refinement of academic painting to popular images a context to express his critique.

PINTURAS HIPERREALISTAS DE GRAN TAMAÑO QUE REFLEJAN LAS TRADICIONES DE LA CULTURA POP/HYPER-REALISTIC PAINTINGS REFLECTING THE TRADITIONS OF POP CULTURE

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Richard Phillips ‘L.R.A.’, 2006. Oil on linen 100 x 95 inches (254 x 241.3 cm) Courtesy Robert McKeever/Gagosian Gallery

Phillips concibe la pintura como un acto de desobediencia civil más que como un acto de adecuación a la convención estética. Juega con los límites, al representar explícitamente desnudos femeninos en situaciones sexuales y vincularlos con aspectos “respetables” de la vida cotidiana, como la religión./ Phillips perceives the painting as an insubordinate civil act more than the act to fit it inside the parameters that have being aesthetically agreed. He plays with the limits, explicitly portraying feminine nudes in sexual situations that link them with “respectable” aspects of daily life, like religion.

Richard Phillips ‘Scout’, 1999 óleo en tela/ oil on linen 102 x 70 inches (259.1 x 177.8 cm.)Cortesía de/ Courtesy of Robert McKeever/Gagosian Gallery

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Si las reuniones privadas de la clase privilegiada han sido parte de las fantasías de cualquiera, las pinturas del artista Terry Rodgers seguro retarán a la imaginación. ¿Qué significa ser exitoso hoy y cómo podemos entender el placer? Vistos desde cierta distancia, las representaciones de Terry de las clases superiores y su tiempo de ocio, parecen abrir las ventanas a esta especie de paradisiaco lugar que Charles Baudelaire celebra en su famoso poema ‘Invitación al viaje’: “Ahí, nada es sino gracia y medida; Riqueza, quietud y placer”. Empacados en telas finamente bordadas, seres promiscuos llevan pesadas joyas y alzan licores caros hacia sus labios, sus bocas están abiertas de forma imperceptible, como si estuvieran a punto de hablar. Sin embargo, el hechizo lentamente se desvanece cuando acortamos la distancia que nos separa del lienzo —esos tres pasos seculares que nos acercan a su superficie—. Los contornos se difuminan de forma irremediable y los materiales preciosos se transforman en pinceladas y pintura añadida. El mundo de Terry Rodgers es aquel de las apariencias. Su riqueza consiste, sobre todo, en su arte para pintar. De esta forma, no es sorpresa escuchar que uno de los primeros recuerdos de Terry está relacionado con un retrato de Diego de Velázquez. Después quedó fascinado por la aparente falta de esfuerzo de las pinceladas de los pintores impresionistas y algunos de sus herederos. Aunque, igual que el maestro español del siglo XVII, estos pintores también favorecían más los colores sobre el contorno. La obra de Terry nos muestra la primacía de la pintura pura y la importancia de líneas para estructurar las composiciones, en vez de modelar los objetos y las figuras humanas.

TERRY RODGERS TEXTO: CATHERINE SOMZÉ Amsterdam (HOLANDA) FOTO: Terry Rodgers ‘The Screening Room’ (Las sala de las pantallas), 2006. Cortesía de /Courtesy of Torch Gallery

Terry Rodgers observa, personifica y muestra posturas y actitudes que caracterizan principios que rigen nuestras vidas contemporáneas./ Terry Rodgers observes and stages an array of postures and attitudes that characterize the principles that order our contemporary lives.

LA OBRA DE TERRY NOS MUESTRA LA PRIMACÍA DE LA PINTURA PURA. / TERRY’S WORK EQUALLY DISPLAYS THAT PRIMACY OF PURE PAINTING

If you’ve ever imagined the private get-togethers of today’s privileged class, the paintings by US artist Terry Rodgers will surely challenge your imagination. What does it mean to be successful in today’s world and how do we understand pleasure? Contemplated, from a certain distance, Terry’s depictions of the upper-classes’ leisure life seem to open windows into a paradise-like place Charles Baudelaire celebrates in his famous poem ‘Invitation to the Voyage’: “There, nothing is but grace and measure; Richness, quietness and pleasure”. Slumped in finely embroidered fabrics, promiscuous people wear heavy jewels and lift expensive liquors to their lips; their mouths imperceptibly open as though to speak. Yet the spell slowly vanishes as we shorten the distance that separates us from the canvas –those three secular steps that bring us closer to its surface. The outlines irremediably dim and the precious materials transform into aggregates of brushstrokes and paint. Terry Rodgers’ world is that of appearances, the wealth of which is primarily that of the art of painting. Therefore, it is no surprise to Como Velázquez y Edouard Manet, la habilidad especial hear that one of Terry’s first memories relates to a de Terry para manipular su brocha convierte el lienzo portrait by Diego Velázquez, and that later he becaen un sofisticado instrumento óptico. Dos niveles de me fascinated by the seemingly effortless brushwork percepción coexisten sin siquiera coincidir. Como de- of the impressionist painters and some of their heirs. muestra el famoso ejemplo de Ludwig Wittgenstein, en As with the 17th century Spanish master, the latter medida que el espectador no pueda ver la imagen del also favored colors over outlines. Terry’s work equapato y del conejo al mismo tiempo, éste no podrá ver de lly displays that primacy of pure painting and the manera simultánea la figura de ambos y la pintura que importance of lines in structuring the compositions les da forma. Sin embargo, este juego con ilusiones óp- rather than in shaping objects and human figures. ticas no está confinado, en el caso de la obra de Terry, al As Velázquez and Edouard Manet, Terry’s special uso y aplicación de colores. También implica a las com- dexterity in manipulating the brush turns the canvas posiciones que, por un lado, invitan a tomar parte de la into a sophisticated optical instrument. Two levels of escena mientras, por el otro, disuaden de hacerlo y fija perceptions coexist without ever coinciding. As Lulas señas para un proceso dialéctico visual. A menudo, dwig Wittgenstein’s famous example proves, just as Terry emplaza la figura de un ‘repoussoir’ en la composi- the viewer cannot see the image of the duck and that ción. Del mismo modo, los fondos crean lo que aparenta of the rabbit at the same time, (s)he cannot simultaser un espacio geométrico. neously see both the form and the paint that shapes it. However this play of optical illusion is not confined, in the case of Terry’s work, to the use and application of colors. It also involves compositions which, on the one hand, invite us to take part in the scene while, and on the other dissuade us from doing so, hereby setting the marks for a visual dialectical process. Often, Terry places a ‘repoussoir figure’ in the foreground that leads our gaze straight to the dead center of the composition. Likewise, the backgrounds create what seem to be a geometrical space. Yet at the very heart of the composition, bodies literally fill in the space. Intertwined they form geological strata rather than sketch a space according to the laws of optical

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Terry Rodgers ‘The Clarity of Singular Transformation’ (La Clariada de una Transformacion Singular) , 2008 . 183cm x 229cm . Óleo en tela/ Oil on

trabajo de Terry de las producciones pornográficas de hoy, es la falta de referencias gráficas al acto sexual. Hoy en día, son la total entrega, la perfección física y situaciones bizarras las que caracterizan no sólo a la pornografía, sino a los medios y la publicidad. Un ejemplo son, Jeff Koons, Marc Quinn y lo que los hermanos Chapman hacen. Por su parte, Terry se apropia y pone en escena distintos elementos claves de la retórica visual de los medios para revelar de forma precisa lo obsoleto del mito del bienestar capitalista que ellos apoyan. Las pinturas de Terry funcionan como espejos de la risa, cuyos distorsionados reflejos aún sirven para revelar algunos aspectos escondidos de la realidad. Existe algo pornográfico relacionado con las experiencias de las relaciones humanas regidas por las leyes del mercado económico y de las maneras como se enfoca la sexualidad y la esfera privada hacia el reino público, para sacarles un mayor provecho por parte de los primeros. De acuerdo al filósofo e historiador francés Michael Foucault, el control y supervivencia de la sociedad moderna, depende de la política de los placeres individuales y de la valoración de los comportamientos exhibicionistas. En la niebla de un sistema que incita a los individuos a formar parte y a disfrutar de la exposición pública en cada momento y lugar de su día a día, los desnudos de Terry expresan menos la idea de la desnudez que la de su visibilidad.

Sin embargo, en el corazón mismo de la composición, los cuerpos llenan el espacio de manera literal. Entrelazados componen estratos geológicos, más que representar un mundo acorde con las leyes de la perspectiva óptica. La habitación a la que estamos invitados a entrar no es una réplica del mundo real. En su lugar, nos describe un mundo social y psicológico que revela de forma gráfica la naturaleza limitada de algunas relaciones humanas y sugiere, a su vez, una experiencia del tiempo alterada. Este estrecho nexo humano ofrecido a nuestra mirada inquisidora constituye uno de los aspectos más impactantes y atractivos del trabajo de Terry. Sin embargo, ¿es posible hablar en este caso sobre intimidad?, ¿de qué manera el trabajo de Terry articula la desnudez y la sexualidad?, ¿de una forma incluso pornográfica como algunos han argumentado? Se debe recordar que el retrato al desnudo y la pornografía, nunca han tomado la misma forma ni han servido el mismo propósito cultural. Por ejemplo, hasta el siglo XIX el desnudo se convirtió en un género en sí mismo, después de haber sido subordinado para la representación de escenas literarias. El trabajo de Terry, similar al de Edouard Manet, ‘Almuerzo en el césped’ (1863), capitaliza esta representación moderna para escandalizar a la burguesía contemporánea, tanto como un espejo de la evolución de sus gustos. Dicho esto, lo que diferencia a primera vista el

sure of each and perspective. The every bit of their room we are ineveryday life, vited to enter is Terry Rodgers ‘The Resonance of Ungrounded Reality’ (La resonancia de una realidad bajo tierra), 2008. 168cm x 224cm Terry’s nudes not a replica of the physical world. Instead, it describes a social and a psy- express less the idea of nakedness than that of their visibility. chological one, graphically revealing the limited nature of Likewise, the opulence and material wealth become less the some human relationships and suggesting an altered time signs of a successful lifestyle than obstacles to happiness. Stimulated by an order of rewards and immediate gratifications, experience. This tight human nexus offered to our inquiring gaze consti- individuals willingly engage in a system that seems to answer tutes one of the most striking and appealing aspects of Terry’s their wishes, when in fact they are merely drawn further into a work. However, is it possible here to speak about intimacy? In structure of compliance and extortion. They are disciplined to what way does Terry’s work articulate nakedness and sexuali- become both the object and instrument of their own submisty? In a pornographic manner as some have argued? One must sion; they have become themselves a part of the very power that remember that the nude portrait –and pornography itself— controls them. This inevitably engenders a powerful feeling of hasn’t always taken the same form or served the same cultural both alienation and fear. In this world of wealth, the survival purpose. For instance, it was not until the 19th century that the of which depends on its subjects’ obedient consumption, indinude became a genre on its own having been subordinated to viduals are reduced to harboring superficial human relations. the representation of literary scenes. Terry’s work, similar to Fallen prey to desires that neither bodies nor available luxury that of Edouard Manet’s ‘Luncheon on the Grass’ (1863), capi- seem to satisfy, each of the beings that crowd Terry’s paintings talizes on this very modern representation and thus scanda- is self-centered –the body on display and the gaze introverted. lizes the contemporary bourgeoisie as much as it mirrors the They all seem to have crafted their appearance so as to render evolution of its taste. That said, what at first sight primarily it as sleek, chic, and delectable as possible. From their being differentiates Terry’s work from present-day pornographic only a marketable image remains, the one which will give them productions is the lack of graphic references to the sexual act. their life credentials in what Guy Debord has named the SocieToday, surrender, physical perfection and equivocal situations ty of the Spectacle. This “lonely crowd,” whose impoverished characterize not only pornography, but permeate the world existence Debord theorizes, is depicted by Terry with as much of media and advertising. As, for instance, Jeff Koons, Marc virtuosity as the rest of the objects congesting the scenes. In Quinn and the Chapman brothers do, Terry appropriates and this way, the painter draws a direct –material—parallel betstages key elements of the media’s visual rhetoric in order to ween objects, bodies, pieces of furniture and, last but not least, more acutely reveal the obsolescence of the myth of capitalist the famous “family jewels,” which shapes are more often insiwell-being that they support. Terry’s paintings function like nuated than shown. Everything, according to this world order, fun-house mirrors, whose distorted reflections still serve to is exchangeable and, ultimately, everyone has stopped enjoying each other’s and one’s own beauty. Even the promise of intimareveal certain hidden aspects of reality. There is something pornographic about the experience of hu- cy has lost its attractiveness to the contemporary individual man relationships governed by the laws of market economy turned frigid and to whom the American social critic Christoand about contemporary manners that turn sexuality and the pher Lasch refers as “the new narcissist.” private sphere out into the public realm so as to better profit Exclusively talking with him or herself, each of these atomifrom them. According to the French historian and philosopher zed beings is devoted to a religion that does not soothe his or Michel Foucault, the survival and control of modern society her distress. Terry Rodgers gives us a taste of these ritual gadepend on a politics of individualized pleasures and on the va- therings –festivals sans festivity—where participants seem to lorization of an exhibitionist behavior. In the midst of a system have abandoned life as a meaningful experience, and replaced that incites individuals to stage and to enjoy the public expo- it with a material enterprise. Petrified by the power of their

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LA APOTEOSIS DEL PLACER SE REFIERE A NUESTRAS MIRADAS PARALIZADAS Y ASOMBRADAS/ THE APOTHEOSIS OF PLEASURE REFERS TO OUR ASTONISHED AND WONDERING GAZE

Asimismo, la opulencia y los bienes materiales se tornan cada vez menos en símbolos de un estilo de vida exitoso y obstáculos hacia la felicidad. Estimulados por un orden de recompensas y gratificaciones, los individuos están dispuestos a desempeñarse en un sistema que pareciera responder a sus deseos, cuando en realidad son arrastrados hacia una estructura de mayor complejidad y extorsión. Son adiestrados para que sean objetos e instrumentos de su propia sumisión, se han convertido a sí mismos en el propio poder que los controla. Esto inevitablemente engendra una sensación poderosa entre ambos: alineación y miedo. En este mundo de lujos, la supervivencia de la cual sus sujetos dependen es el consumo obediente. Los individuos son reducidos a anclar relaciones humanas, presas caídas hacia deseos que ni las pieles ni el lujo parecen satisfacer, cada personaje de la multitud de las pinturas de Terry es egocéntrico, el cuerpo en ‘display’ y la mirada introvertida. Todos ellos parecen moldear sus apariencias para mostrarlas más estilizadas, chulas, ‘chic’ y lo más llamativo posible. Por ser sólo una imagen comercializable que perdura, lo que les va a dar a ellos sus credenciales de vida es lo que Guy Debord ha llamado la sociedad del espectáculo. Esta “multitud solitaria” de existencia empobrecida, según teoriza Debord, representada con tanta virtud como el resto de los objetos que congestionan la escena. De esta manera, el artista dibuja un paralelo entre objetos, cuerpos, piezas de muebles y por último, pero no el menos importante, las famosas joyas familiares cuyas formas son, con mayor frecuencia, más insinuadas que enseñadas. Todo de acuerdo con este orden mundial, es intercambiable, y recientemente cada quien ha dejado de disfrutarse con los otros y su belleza propia, incluso la promesa de intimidad ha perdido su atractivo para este individuo contemporáneo, tornándolo frígido, a quien el crítico social americano Christopher Lasch se refiere como “el nuevo narcisista”. Terry Rodgers nos da una muestra de estas congregaciones rituales con ‘Festival Sans Festivity’, donde sus participantes parecen haber abandonado (a) la vida como una experiencia significativa, y la han reemplazado con una industria material. Petrificado por el poder de su propia mirada, se han convertido en ídolos sin vida de una era dirigida por el consumo. La genealogía de la representación de estrés individual y devoción privada, señala hacia el martirio y éxtasis en el reino de las escrituras religiosas, y en cada otro tipo de literatura, en expresiones de amor y miedo relacionadas con encuentros con la muerte. En las artes visuales, cada época ha favorecido retóricas específicas de expresiones faciales, lenguaje corporal que ha llevado a estas extremas experiencias como el ejemplo típico, de las normas y valores de la era. Terry Rodgers observa, personifica y muestra posturas y actitudes que caracterizan principios que rigen nuestras vidas contemporáneas.

Así como los santos del siglo XVII miraban hacia Dios y hacia la prometida vida después de la vida, mujeres y hombres narcisistas miran hacia abajo, hacia la piscina mohosa de su propio purgatorio terrenal, el purgatorio que es el egoísmo propio. Para Terry y otros grandes maestros que han estado antes que él, el cuerpo es un medio a través del que mostramos lo que acontece bajo la piel. De ahí la arqueología visual nos ha llevado más allá del salón de pintura francés del siglo XIX, mientras las grandes maquinas de Terry nos lo recuerdan inmediatamente. Ellos demuestran diferentes géneros, periodos de tiempo y de media. Los cuerpos ansiosos de Terry tienen mucho en común con el grupo escultural de Gianlorenzo Berninis, ‘Santa Theresa in Ecstasy’ (1647-1652); el trabajo de ‘Chaim Sontine y el Narcissus’ (1958-1959) de Caravaggio, y también con la ‘Decadencia de los Romanos’ (1847), de Thomas Couture. Asimismo, sus reuniones privadas inventadas han encajado perfectamente en el best-seller ‘American Psyco’, la historia de un asesino en serie que trata a sus compañeros como corderos para degollar. Las expresiones de inmenso placer de Terry son éxtasis privados de privados de los placeres de redención prometida. En un sistema que convierte cuerpos en mercancía y mercancía en fetiches, la exaltación de los placeres y la sexualidad abierta puede sólo funcionar como trompes-l´oeil (un estilo de pintura que da la ilusión de una realidad fotográfica). El trabajo de Terry tiene sus raíces en esta mismísima realidad. Gracias a una técnica brillante y a la ayuda de una composición elaborada, sus trabajos nos tientan a creer en las apariencias de las cosas en orden para descubrir mejor su artificialidad. De hecho, los cuerpos disciplinados en el nombre de la belleza y riqueza en sus pinturas, se asemeja a un ejército —a una máquina de guerra— que nunca descansa, armas y blancos de su propia opresión, podemos casi escuchar los sonidos de sus corazones ansiosos casi a punto de explotar. Porque cuando la búsqueda por placer se torna en un principio de vida y satisfacción, un requerimiento ético es, paradójicamente, la felicidad y la libertad individual que nos están robando. El precio que pagamos para idolatrar el placer no es el exilio de nuestro propio cuerpo prestando un servicio a una causa trascendente que nos mantiene esclavizados. La apoteosis del placer sobre todas las cosas refiere a nuestras miradas paralizadas y asombradas, debajo de la cual figuras toman formas o se descomponen de acuerdo a la distancia, atención y perspectiva. Gracias a la serie de cuerpos que Terry Rodgers resalta, se encuentra el tejido de la pintura que, en su turno, nos muestra la imagen de lo que queda fuera del alcance de la vista: las tensiones que subraya la vida contemporánea.

Terry Rodgers ‘The Artificial Boundaries of Illusion’ (Los Limites Artificiales de la Ilusion), 2009 . 183cm x 244cm . Oil on linen/Óleo en tela. Courtesy

perfectly fit in the best-seller, American Psycho, the story of a serial killer who treats his peers like lambs to slaughter. Terry’s raptures are private ecstasies deprived of their promised redemptory pleasures. In a system that turns bodies into merchandise, and merchandise into fetishes, the exaltation of pleasures and open sexuality can only function as trompes-l’oeil. Terry’s work takes its roots in this very reality. Thanks to a brilliant technique and the help of elaborate compositions, his work tempts us into believing in the appearance of things in order to better unveil their artificiality. For in fact, the bodies disciplined in the name of Beauty and Wealth that crowd his paintings look like an army –a war machine—that never rests. Weapon and target of their own oppression, we can almost hear the ticking of their anxious hearts about to burst. Because, when the search for pleasure becomes a life principle, and satisfaction, an ethical requirement, it is paradoxically happiness and individual freedom that are taken away from us. The price we pay to deify pleasure – isn’t it the exile of our own body put in the service of a transcendent cause that keeps it enslaved? The Apotheosis of Pleasure above all refers to our astonished and wondering gaze under which forms take shapes or decompose according to the distance, the attention and the perspective. Thanks to his display of bodies, what Terry Rodgers highlights is the flesh of the painting that, in its turn, offers the image of what remains out of sight: the tensions that underlie contemporary life.

own stare, they have become the lifeless idols of an era driven by consumption. The genealogy of the representation of individual distress and private devotion primarily points at martyrdom and ecstasies in the realm of religious writings and, in every other kind of literature, at expressions of love and fear related to the encounter with death. In the visual arts, each epoch has favored a specific rhetoric of facial expressions and bodily gestures that conveyed these extreme experiences as exemplification of that era’s norms and values. Terry Rodgers observes and stages an array of postures and attitudes that characterize the principles that order our contemporary lives. As seventeenth century saints were looking up towards God and at a promised afterlife, contemporary (fe)male narcissuses look down towards the murky pool of their own earthly purgatory –the purgatory that is one’s own egoism. For both Terry and the great masters before him the body is a medium through which to show what happens beneath the skin. Hence, this visual archaeology leads us much beyond the nineteenth century French salon painting of which Terry’s grandes machines remind us immediately. They span different genres, time periods and media. Terry’s anxious bodies have as much in common with Gianlorenzo Bernini’s sculptural group Santa Theresa in Ecstasy (1647-1652), Chaïm Soutine’s work and the Narcissus (1598-1599) by Caravaggio as with The Romans of the Decadence (1847) by Thomas Couture. Likewise, his invented private gatherings would have

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Neo Rauch nace en Leipzig en 1960, allí vive y trabaja, en un amplio y abarrotado estudio de las afueras de la ciudad, situado encima de uno de los bajos de la Galería EIGEN + ART, la cual es testigo de su empuje y éxito internacional. Rauch aprendió su actividad tras el telón de acero, sus influencias e intereses fueron modelados por su propio drama personal y los cambios turbulentos de Alemania Oriental a la caída del Muro. A finales de los años 80 exploró diversas aproximaciones a la pintura y se dejó influenciar por las obras de grandes artistas como Giorgio de Chirico, Max Beckmann, Oskar Schlemmer, René Magritte, Paul Delvaux, Balthus, Lucian Freud, Georg Baselitz y por el gran Francis Bacon. Tras desprenderse del repertorio académico y dejar atrás varias etapas de transición, Rauch se mantiene fiel a la pintura como medio, a través de la cual ha madurado un estilo propio. A partir de una peculiar gama de colores y de singulares formas, el artista nos revela una compleja sintaxis visual y un rico universo simbólico. Sus enormes lienzos, como si de alucinaciones oníricas se tratasen, sitúan al espectador frente a evocadores fragmentos de situaciones en las que arquetípicas figuras humanas se desenvuelven en industriales y utópicos escenarios. Un lenguaje muy personal que el artista define como “pintura figurativa con ecos de arte publicitario y pop-art”.

NEO RAUCH

Neo Rauch was born in Leipzig in 1960. In a broad and packed studio in the city suburbs, situated in the mezzanine of the EIGEN + ART gallery, one can see his drive and international success. Rauch discovered his passion behind Steel curtains, his influences and interest where molded by his own personal drama and the turbulent changes of Eastern Germany, with the fall of the Berlin Wall. By the end of the 80’s he explored diverse approximations to painting and was influenced by the work great artist such as Giorgio de Chirico, Max Beckmann, Oskar Schlemmer, René Magritte, Paul Delvaux, Balthus, Lucian Freud, Georg Baselitz and the great Francis Bacon. After removing himself to the academic world and leaving behind a few transition stages, Rauch continued to remain loyal to paint as a means, one where he has developed a personal style. From a broad variety of peculiar colors and singular shapes, the artist unveils a complex visual syntax and a rich symbolic universe. His huge canvas, as crazed hallucinations, situate the spectator in front of fragments that evoke situations in which the archetypical human figure develops around utopic and industrial scenes. This is a very personal language that the artist defines as “figurative painting with publicity ecos and pop-art”.

TEXTO: PATRICIA NESPEREIRA Alicante (ESPAÑA) FOTO: Neo Rauch ‘Höhe’ (Altura/ Height), 2004. Igal Ahouvi Collection. EIGEN + ART

Neo Rauch es el padrino de la escuela de Leipzig, su particular poética y un sorprendente universo simbólico, marcados por el realismo y la nueva figuración, ha influenciado a toda una generación de pintores alemanes / Neo Rauch is the godfather of the Leipzig school. His particular poetry and a surprising symbolic universe, marked by realism and the new figuration, has influenced a whole generation of German painters.

ARQUETÍPICAS FIGURAS HUMANAS SE DESENVUELVEN EN INDUSTRIALES Y UTÓPICOS ESCENARIOS./ THE ARCHETYPE HUMAN FIGURES DEVELOP AROUND AN UTOPIA AND INDUSTRIAL SCENARIOS

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Neo Rauch ganó en 1997 el premio de arte del periódico ‘Leipziger Volkszeitung’, que lo condujo a una primera exposición institucional en el Museo de Bellas Artes de Leipzig. El año del gran despegue fue 2000, con una exposición itinerante en la Galerie für Zeitgenössische Kunst de Leipzig, la Haus der Kunst de Munich y la Kunsthalle de Zürich. Desde entonces ha expuesto en diversos espacios, que incluyen a la Bienal de Venecia, una muestra individual en la Albertina de Viena, y el Museo Metropolitano de Nueva York. En 2010 se desarrolló una importante retrospectiva doble que se inauguró simultáneamente en Leipzig y Munich. La forma de cautivar al espectador y la expectación que generan las obras de Neo Rauch en el mercado internacional del arte contemporáneo, lo sitúan en la inevitable vía hacía la consolidación como uno de los máximos exponentes de nuestros días. Tanto es así, que la conocida editorial Taschen lo ha inmortalizado en una monografía, disponible como Edición de Arte y limitada a 100 ejemplares, cada uno firmado por el artista y acompañado por una obra de arte original. En ella, se describen sus pinturas como “agujeros de gusano hacia mundos de extraordinaria potencia psicológica y colisiones culturales”.

In 1997 Neo Rauch won an award from the newspaper ‘Leipziger Volkszeitung ’, which helped him to land his first institutional exhibit at the Fine Arts Museum at Leipzig. In 2000 he burst onto the scene with an exhibition at Galerie für Zeitgenössische Kunst of Leipzig, la Haus der Kunst, from Munich, and the Kunsthalle, Zürich. Since then he has presented his work in diverse spaces, including the Venice Biennial, a single piece at the Albertina from Venice, and the Metropolitan Museum at New York City. In the year 2010 he developed an impressive double retrospective that was simultaneously launched in Leipzig and Munich. The way that he tempts the viewer and the expectatios generated by his work on the international contemporary art market positioned him as one of the most well regarded artists of the time. The art book publisher Taschen has immortalized him with a monograph, available in a limited 100 copy edition, each one autographed by the artist and bound with an original art piece. In the book his paintings are described as “worm holes toward worlds of extraordinary psychological potency and cultural collisions.”

Neo Rauch ‘Der nächste Zug’ (El próximo tren/ The next train), 2007. Óleo en lienzo/ Oil on canvas 150 x 200 cm Private Collection. Cortesía de/ Courtesy Galerie EIGEN + ART and David Zwirner

Neo Rauch ‘Ordnungshüter’ (Vigilantes/ Vigilants), 2008. Óleo en lienzo/ Oil on canvas 250 x 300 cm. Staatsgalerie Stuttgart, gestiftet von Rudolf und Uta Scharpff . Cortesía de/ Courtesy Galerie EIGEN + ART and David Zwirner

Neo Rauch ‘Fluchtversuch’ (Escape/ Escape), 2008. Óleo en liezo/ Oil on canvas 220 x 400 cm Sammlung Ulla und Heiner Pietzsch. Cortesía de/ Courtesy Galerie EIGEN + ART and David ZwirnerEsc

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Sean Landers ejecuta la virtuosa capacidad que poseé para detectar, rescatar y transformar en llamativas pinturas, libros y esculturas aquellos pensamientos que se sitúan en la superficie de la conciencia y que muchas veces ignoramos ó pasamos por alto. El artista se refiere a estos pensamientos como “el flujo de conciencia” y los considera la piedra angular de su arte. Éstos pensamientos de libre de flujo, se presentan de una manera sorpresiva y espontánea en extensos textos, que son como “el tronco de un árbol y todas las otras cosas que he hecho sobre los veinte años pasados son ramas que salen de este tronco principal”, expresó Landers en una entrevista en 2010. Sean Landers nació en Palmer, Massachusetts, estudió la licenciatura de Bellas Artes en Philadelphia College of Art y recibió una Maestría de Bellas Artes de la Universidad de Yale. El vive y trabaja en la ciudad de Nueva York. Sus obras se han exhibido en galerías estadounidenses e internacionales, principalmente en la Galería Taka Ishii en Tokio, Greengrassi en Londres, la Galería Giti Nourbakhsch en Berlín y la Galería Andrea Rosen, en Nueva York. Ha estado también presente en el Kunsthalle de Zürich en 2004 y en el Museo de Arte Contemporaneo de St. Louis en 2010.

SEAN LANDERS

SEAN LANDERS HACE DE LOS PENSAMIENTOS COTIDIANOS SU INSPIRACIÓN, LO LOGRA EN CADA VISTAZO QUE NOS ATREVEMOS A DAR. SEAN LANDERS MAKES DAILY THOUGHTS HIS INSPIRATION, AND HE ACHIEVES IT IN EVERY LOOK WE DARE TO TAKE.

Sean Landers executes the virtuous capacity he possesses to detect, rescue, and transform into catchy paintings, books and sculptures those thoughts that can be found in the surface of consciousness which many times we ignore or don’t appreciate. The artist refers to these thoughts as “stream-ofconsciousness” and considers them the cornerstone of his artwork. These freeflowing thoughts, which show up surprisingly and spontaneously through long texts, are like “the trunk of a tree and all of the other things I’ve done over the last twenty years are branches that come out of that main trunk,” Landers said in a 2010 interview. Sean Landers was born in Palmer, Massachusetts, studied Fine Arts at Philadelphia College of Art, and received a Master of Fine Arts from Yale University. He lives and works in New York City. His work has been exhibited at international and American galleries, mainly at Taka Ishii Gallery in Tokyo, greengrassi in London, Galerie Giti Nourbakhsch in Berlin and Andrea Rosen Gallery in New York City.

TEXTO: XAVIER HERNÁNDEZ Barcelona (ESPAÑA) FOTO: Sean Landers ‘Mis Kitty’, 1999. Cortesía de/ Courtesy of the artist and Friedrich Petzel Gallery.

Sean Landers manifiesta su crítica a través del humor y la ironía, da vida a una pintura irreverente que tiene como finalidad desestabilizar las expectativas del público. / Sean Landers manifest his critic throughout humor and irony, he gives life to irreverent paintings with the purpose to destabilize the public expectations.

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SEAN LANDERS FORTALECE SUS MENSAJES CON PINTURAS, MONTAJES, ESCULTURAS Y MATERIAL AUDIOVISUAL/ SEAN LANDERS STRENGTHEN HIS MESSAGES TROUGH PAINTINGS, SET UPS, SCULPTURES AND AUDIOVISUAL MATERIAL

Sean Landers ‘Super Ego’, 2009. Cortesía de/ Courtesy of Friedrich Petzel Gallery. Cortesía del artista/Courtesy Friedrich Petzel Gallery.

Sean Landers ‘Plank Boy Hurt’ (El tablón del chico herido), 2009

Actualmente está represendado por la Galería Friedrich Petzel en Nueva York, donde presentará el próximo mes de mayo sus nuevas obras en una exposición individual. Al mismo tiempo se desarrollará una exposición de algunos de sus trabajos máas antiguos en la Galería Marianne Boesky, también en Nueva York. Sean Landers fortalece sus mensajes con pinturas, montajes, esculturas, videos y libros, así creando una atmósfera con un toque humorístico, cómico y bastante crítico. [sic], el titulo de su libro de 1993, ejemplifica perfectamente el estilo irreverente de su arte. Esta palabra entre corchetes que simboliza un error ortográfico intenta reflejar una actitud revolucionaria la cuál es uno de los conceptos primordiales de su arte. Lo que Landers busca principalmente es el humanizar el arte para que todos y cada uno de nosotros, como Landers dice, “nos reconozcamos un poco en él (el arte) y que sea la conexión entre el arte y el observador”. Sean Landers hace de sus pensamientos cotidianos su inspiración y lo logra en cada vistazo que nos atrevemos a dar.

He presented solo exhibitions at Kunsthalle Zürich in 2004 and the Contemporary Art Museum St. Louis in 2010. Currently he is represented by Friedrich Petzel Gallery in New York where he will have a solo show of new work this May, to be presented simultaneously with an exhibition of older work at Marianne Boesky Gallery, also in New York. Sean Landers strengthens his messages through paintings, installations, sculptures, videos and books, creating a humorous atmosphere, hilarious and quite critical. [sic], the title of his 1993 book, perfectly explains the irreverent style of his work. This word within brackets symbolizes a grammatical misspell that tries to reflect the revolutionary attitude which is one of the main concepts of his artwork. What Landers mainly seeks is to humanize the art so that everyone, as Landers says, “will recognize themselves a little bit in [the work] and that will be the connection between the art and the viewer.” Sean Landers makes daily thoughts his inspiration and he achieves it in every look we dare to take.

Sean Landers ‘Career Ego’ (Formación del yo), 1999.

Sean Landers ‘Buffalo’ (Bufalo), 2003.

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Ryan Mendoza vive y trabaja en Nápoles, una situación excepcional comparada con los artistas de su generación que normalmente adoptan la ruta contraria: EuropaEstados Unidos. Sus largos periodos en Berlín, París y Nápoles le han hecho ser un pintor que conserva enteramente el histórico arte de pintar. Sus lienzos en lino al óleo, son en su mayoría en tonos de color carne que se combinan con el negro, blanco y gris. Sus pinturas están suspendidas en un campo de inespecífica materia gris interrumpida ocasionalmente con un desbordante color primario. Desde hace una década, Ryan Mendoza ha expuesto anualmente en diferentes galerías del mundo. Entre sus exposiciones más destacadas se encuentra ‘Almost American’ (2002) en el Museo di Castel Nuovo de Nápoles. En esta exposición el trabajo de Mendoza se desprende de la moralidad americana con una nostalgia ambigua. La represión americana se señala como consecuencia de la violencia sexual y se hace un llamamiento a la responsabilidad para evitar las injusticias y desigualdades históricas. Esto se representa con objetividad en pinturas como ‘Snip, Snip’ (1998) y ‘As I Was about to Eat’ (1998). Otra renombrada exposición fue ‘Join Now For Instant Access’ (2000), en la galería White Cube de Londres. En este trabajo, Mendoza se inspira en parte por las historias del escritor Irvine Welsh. Los personajes de estas pinturas, extraídos de fuentes tan dispares como Internet o fotos antiguas, se sitúan en escenarios particularmente narrativos y en sus características físicas se aprecian cambios emocionales. Algunas pinturas representan el momento anterior y posterior a escenas de violencia sexual que envuelven juegos de dominación y subordinación, otras el fetichismo con niños.

RYAN MENDOZA TEXTO: ANABEL BROTONS Londres (REINO UNIDO) FOTO: Ryan Mendoza ‘Tatiana in the Snow’ (Tatiana en la nieve), 2009. Courtesy Galerie Lelong.

Ryan Mendoza ha conseguido recuperar la disciplina de la pintura pero la ha dotado de un enfoque moderno único. Mendoza contrarresta las viejas técnicas maestras con temas contemporáneos para crear extremas historias visuales. /Ryan Mendoza has developed a fundamental vision within contemporary art. Mendoza contrasts the old master techniques with contemporary themes to create extreme visual stories, in a uniquely modern approach. 94

MENDOZA SE INSPIRA EN PARTE POR LAS HISTORIAS DEL ESCRITOR IRVINE WELSH. MENDOZA IS INSPIRED; TO A CERTAIN EXTENT, BY THE STORIES FROM THE WRITER IRVINE WELSH.

Ryan Mendoza lives and works in Naples, an exceptiona position if you consider the artists who took the other route: Europe-USA. The long periods of time that he spent in Berlin, Paris, and Naples have made of him the kind of painter who embraces the historic art of paint. His oil on canvas painting are painted in pale pink combined with black, white and gray. His paintings are suspended on an unimposing gray background interrupted occasionally with a powerful primary color. For the last decade, Mendoza has exhibited his work yearly around the world. Within his exhibitions is worthwhile to single out ‘Almost American,’ 2002 at di Castel Nuovo in Naples. On this work Mendoza detaches himself from American morality with ambiguous nostalgia. The American repression is singled out as a consequence of sexual violence and calls for responsibility in order to avoid inequality and injustices faced throughout history. This is represented objectively in paintings such as ‘Snip Snip’ and ‘ I Was About to Eat,’ both from 1998. Another well received exhibition was ‘Join Now For Instant Access’, from 2000, and hosted at the White Cube gallery in London. In this body of work Mendoza is inspired, to a certain extent, by the stories of writer Irvine Welsh. The characters from these paintings where extracted from mismatching source, such as the Internet and old pictures, and so the characters are situated in peculiar narrative scenarios, and emotional changes can be seen in their physical features.

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Vemos también caras y cuerpos brutalmente amontonados como si estuvieran luchando. Esta incitación física y psicológica en sus pinturas se enfatiza con la agresiva organización del espacio y la densa aplicación de pintura. La última exposición ‘The Possessed’ (2010), curada por Vicenzo Trione en el Museo Madre de Arte Contemporáneo de Nápoles supuso toda una revelación. En esta exhibición se mostraban 13 grandes lienzos realizados a través de técnicas y habilidades poco comunes en este artista. En ‘The possessed’ las figuras no están distorsionadas como en sus trabajos anteriores. Sin embargo, siguen rodeadas por ese halo de preocupación y ansiedad. El mundo de Ryan Mendoza se desarrolla en torno al romanticismo de los tiempos pasados. Sus pinturas retienen siluetas, las caras no tienen ojos o tienen ojos que no se ven. Las caras estas deformadas, sus personajes están ausentes y no disimulan su presencia. Aparecen en las pinturas como sus propios fantasmas. Pertenecen al olvido que por un momento fue interrumpido en un insignificante entreacto de sus vidas. Allí están enfrentándonos, liberándonos de memorias e incluso del olvido de aquellos que en el pasado conocimos .

Ryan Mendoza ‘The Promiseland’ (La tierra prometida), 2010 150 x 194 cm # W15503 Courtesy Galerie Lelong. Photo Fabrice Gibert Ryan Mendoza ‘Tatiana Choking Herself’ (Tatiana Ahorcandose a si misma), 2008 - 2009 171 x 135 cm # W15065 Courtesy Galerie Lelong. Photo Fabrice Gibert Ryan Mendoza ‘Anna in Small Room’, (Anna en un pequeno cuarto)2008 - 2009 203 x 228 cm # W15060 Courtesy Galerie Lelong. Photo Fabrice Gibert

Some paintings represent the pre and post of violent sexual scenes that involve domination and subordination, others feature child fetishism. We can also perceive faces and bodies brutally pilled up as if they where fighting. This physical and psychological incitement in his paintings is reinforced with an aggressive organization of space and a dense application of paint. His last exibition ‘The Possessed,’ 2010, curated by Vincenzo Trione at the Madre Museum of Naples meant a complete revelation. This exhibit displayed 13 largepscale canvas made with made with extraordinary skill and the technique has never been seen previously in the artists work. The figures are not distorted, as in his previous works. Nevertheless they are still surrounded by a halo of worry and anxiety. The artistic world of Ryan Mendoza develops around the romance of the past. His paintings retain silhouettes, the faces show no eyes, or if they do they cant be seen. The faces are deformed, and his characters are absent or they don’t disguise their presence. They appear as their own ghosts. They belong to the neglected moment of their lives that perhaps was briefly interrupted. There they are - confronting us, liberating us from memories, and even from those who we once met in the past but have since forgotten.

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Nació en Dublín (Irlanda), sin embargo, es considerado un pintor inglés, pues desarrolló la mayoría de su producción artística en Londres. Comenzó su carrera profesional como decorador de interiores y aunque tomó lecciones de dibujo en St. Martin School of Arts, no fue hasta su residencia en Chantilly cuando descubrió su verdadera vocación. En esta ciudad quedó profundamente impresionado por la pintura de Poussin `La Matanza de los Inocentes’ (1631), que vio durante una visita al Museo Condé. Pero fue el universo distorsionado de Pablo Picasso, que tuvo la oportunidad de ver más tarde en la galería de Paul Rosenberg, lo que le hizo decidirse por la pintura. Comenzó entonces a pintar en óleo de manera autodidacta, pero sus obras tuvieron muy poco éxito. Esto motivó que, en un arrebato de temperamento, el artista destruyera casi todos sus cuadros. Sin embargo no desistió, siguió pintando y en 1945 su tríptico `Tres estudios de figuras junto a una Crucifixión’ fue aceptado con gran éxito por la crítica y el público. A partir de ese momento, Bacon empezó a ganar reputación y a conformar su inconfundible estilo. Un estilo muy personal que algunos han denominado figuración expresionista porque su trabajo nunca se ha podido encasillar en ningún movimiento artístico clásico. Su lenguaje pictórico resalta los aspectos más inquietantes del ser humano, el aspecto más amargo de la existencia, en lo que parece una metáfora de la lucha del hombre con su entorno.

FRANCIS BACON

COMENZÓ A PINTAR EN ÓLEO DE MANERA AUTODIDACTA./ BEGAN TO PAINT WITH OIL PAINTING AS A SELF-TAUGHT PERSON

Francis Bacon was born in Dublin (Ireland); however, he is considered to be an English painter because he produced most of his works in London. He began his professional career as an interior designer and, even though he took a few drawing lessons at St Martin School of Arts, it wasn’t until he moved to Chantilly that he discovered his true vocation. In Chantilly he became deeply impressed by Poussin’s painting ‘Massacre of the Innocents,’ 1631, which he saw during a visit to Condé Museum. But it wasn’t till he saw Pablo Picasso’s distorted universe at Paul Rosenberg’s gallery that he decided to become a painter. Francis Bacon then began to paint with oil, teaching himself, but his work held little success. This tempted Bacon to destroy most of his work in a temperamental rage. But he did not give up, he kept painting, and in 1945 his triptych ‘Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion’ was well received by the critics and the public. From that moment on Bacon began to gain a good reputation and created his unmistakable style. A very personal style that some have called an expressionist resemblance because his work has never been categorized in any classic artistic movement. His pictorial language highlights the most perturbing aspects of human beings, the most bitter aspects of existence, which seems like a metaphor of man’s struggle with the environment.

TEXTO: ESTHER GÓMEZ Barcelona (ESPAÑA) FOTO: Francis Bacon ‘Portrait of George Dyer in a mirror’ (Retrato de George Dyer en un espejo), 1968. Museo Thyssen-Bornemisza. Madrid.

Francis Bacon (1909-1992) es considerado uno de los artistas más destacados del siglo XX. De sus manos han salido algunas de las pinturas más desgarradoras del arte contemporáneo. / Francis Bacon (1909-1992) is considered one of the most prominent artists in the XX century. His hands have created some of the most heartbreaking paintings of contemporary art.

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FRANCIS BACON ES UNO DE LOS PINTORES MÁS IMPORTANTES DEL SIGLO PASADO. FRANCIS BACON IS ONE OF THE MOST IMPORTANT PAINTERS OF THE LAST CENTURY.

Portraits and self-portraits constitute a large body of his work. In this respect, Francis Bacon does not seek to recreate the model’s pictorial appearance, but his spiritual condition. Among his portraits, the one of his tormented lover George Dyer, in a mirror, stands out. ‘Portrait of George Dyer in a Mirror,’ 1968 is displayed at the ThyssenBornemisza Museum in Madrid. One of Bacon’s most significant themes is the tendency of human nature towards violence, which is present in works like ‘Figure with Meat (Head Surrounded by Sides of Beef ),’ 1954, displayed on the walls of the Art Institute, Chicago. But if one thing really characterizes Francis Bacon it was his mess. He accumulated press notes, photographs, images of antique works… his studio was such a mess that the artist had to step on his own work in order to walk around. His workshop is so representative of his personality that it was kept as a piece of art in Hugh Lane Municipal Gallery in Dublin (United Kingdom). Francis Bacon is one of the most important painters of the last century. Presently, his work is an example of his great spirit, a spirit that can be observed by each of his followers.

Los retratos y autorretratos constituyen una gran parte de sus pinturas. En ellos Francis Bacon no busca el parecido físico del modelo, sino su condición espiritual. Entre los retratos del artista destaca el de su tormentoso amante George Dyer en un espejo. `Portrait of George Dyer In a Mirror (Retrato de George Dyer en un espejo)’ (1968), se puede contemplar en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. Otra de las temáticas más significativas de Bacon, es la inclinación de la naturaleza humana por la violencia presente en obras como `Figure with Meat (Head Surrounded by Sides of Beef )’ (1954), que actualmente se exhibe en las paredes del Instituto de Arte de Chicago. Pero si algo caracterizaba a Francis Bacon, era su desorden. Acumulaba recortes de prensa, fotografías e imágenes de obras antiguas. Estaba tan desordenado que el artista para poder moverse, tenía que pisar sus propias obras. Tan representativo es el taller de Bacon, que se conserva como una obra de arte en sí mismo en la Hugh Lane Municipal Gallery de Dublín (Reino Unido).Francis Bacon es uno de los pintores más importantes del siglo pasado. Hasta la fecha, su obra es un ejemplo del gran espíritu que poseía, espíritu que es visible para cada uno de los seguidores de sus obras.

Francis Bacon ‘Figure with Meat’ (Figura con Carne), 1954. Óleo en lienzo/ Oil on canvas 129.9 x 121.9 cm (51 1/8 x 48 in.), sin marco/unframed Sin inscripciones conocidas /No known inscriptions. The Art Institute of Chicago Harriott A. Fox Fund, 1956.1201 © 2008 Estate of Francis Bacon / Artists Rights Society (ARS), New York / DACS, London

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EDUARDO ABAROA TEXTO: ISA CARRILLO Guadalajara (MÉXICO) FOTOS: Cortesía de/ Courtesy Kurimanzutto

Eduardo Abaroa (México, 1968) es un artista mexicano que se distingue por ser uno de los que ha conseguido una vasta producción y una sólida trayectoria. Su trabajo se caracteriza por rebasar la frontera entre tradición y simbolismo, atravesándola con agudeza y madurez. / Eduardo Abaroa (Mexico, 1968) is a Mexican artist who stands out by virtue of his vast production and his solid career. His work also is characterized by his traversing the border between tradition and symbolism through with wit and maturity.

Eduardo Abaroa ‘A bigger world’ (Un mundo más grande), 2008

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Eduardo Abaroa has exhibited at such venues as the Museo Nacional Reina Sofía, Madrid. In Mexico Abaroa has exhibited in spaces such as the Museo de Arte Carrillo Gil, the Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, the Sala de Arte Público Siqueiros, the Instituto Cultural Cabañas, and the MUAC, among many others. In the United States he has shown work at the Museum of Contemporary Art of Los Angeles, the P.S.1 New York, Jack Tilton Gallery, and Art Projects in Art Basel Miami Beach. Likewise, he has also exhibited in the Kunstwerke Berlín. His practice is known in countries such as Canada, Germany, Argentina, South Korea, etc. Abaroa has also contributed to the academic sphere of contemporary art through his writing with his doctoral thesis for ENAP, ‘Bitácora artística: aspectos y condiciones del arte joven contemporáneo de los noventa’ (Artistic logbook: conditions and aspects of young contemporary art of the nineties;) as well as texts for catalogues for other artists and through diverse publications and magazines as ‘Curare’, ‘Casper,’ ‘Código,’ ‘DF’ and the Mexican journal ‘Reforma,’ among many others. >> What do you think is the fundamental duty of every artist, or anyone who is thinking of creating art? The artist must face the world in which he lives and interact intensely with it. It is necessary to constantly seek new forms of interaction, whether that form is with the material, the subject or the surrounding context. Sometimes you must suffer by reconfiguring yourself in order to reach new experience. Above all, you have to think about the reception of the viewer. You have to find a sort of arbitrary need (which is a kind of nonsense). It sounds easy, but it is not. >> Do you feel some kind of link with artists from other generations? Yes, of course. I like to see paintings from all periods. And sometimes, I wish I could paint. >> Within individual artistic processes self-criticism can play an important role. How do you work with that? It’s constant, uncompromising and devastating. Unfortunately ... But self-criticism is not always positive. You often have to put a stop to it and, once you’ve done all you can, then you release it in order to destroy everything (at least symbolically). >> In addition to being an artist and art critic, you have also taught. From this teacher’s perspective, what do you think about the new generation of Mexican artists? My opinion is biased, because I haven’t taught much compared to others who have. I think the new generation of artists are a little lost, although this is not so terrible as it can also be productive. Sometimes I think they have so many resour-

Eduardo Abaroa ha expuesto en recintos como el Museo Nacional Reina Sofía de Madrid. En México, en espacios como el Museo de Arte Carrillo Gil, el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, la Sala de Arte Público Siqueiros, el Instituto Cultural Cabañas y el MUAC, entre otros. En Estados Unidos, en el Museum of Contemporary Art de Los Angeles, en P.S.1 de Nueva York, en la Jack Tilton Gallery, y en Art Projects de Art Basel Miami Beach. Además, ha exhibido su obra en espacios dedicados al arte como Kunstwerke Berlín, y en países como Canadá, Alemania, Argentina, Corea del Sur, etc. Asimismo, ha contribuido a la escena académica del arte contemporáneo mexicano con diversos textos. Entre ellos, destaca la tesis para su maestría en la ENAP, ‘Bitácora artística: aspectos y condiciones del arte joven contemporáneo de los noventa’. También ha escrito para catálogos de artistas y en diversas revistas como Curare, Casper, Código, DF, periódico Reforma, entre otras publicaciones. >>¿Cuál crees que es el deber fundamental de todo artista, o que se encuentra en vías de serlo? Debes afrontar el mundo que te toca vivir e interactuar con él de una forma intensa. Es necesario buscar constantemente una manera nueva de interacción, ya sea con el material, con el tema o con el contexto en que te encuentras. A veces, debes sufrir una reconfiguración de ti mismo que te haga llegar a nuevos lugares de experiencia. Sobre todo, pensar en qué va a pasar con esto frente al espectador. Hay que encontrar una especie de necesidad arbitraria (una sinsentido). Se dice fácil, pero no lo es. >>¿Sientes algún tipo de vinculación o conexión con artistas de otras generaciones? Sí, por supuesto. Me gusta ver pinturas de todas las épocas. Me gustaría poder pintar, a veces. >>Dentro de los procesos artísticos individuales, la autocrítica puede desempeñar un papel importante, ¿cómo es tu proceso de autocrítica? Constante, intransigente y devastador. Desgraciadamente… no siempre la autocrítica es algo positivo. Muchas veces hay que frenarla de algún modo y, una vez que ya se ha hecho todo, volverla a soltar para que lo destruya (al menos simbólicamente). >>Además de artista y crítico de arte, te has dedicado a la docencia, desde esta perspectiva, ¿cuál es tu opinión de las nuevas generaciones de artistas nacionales? Mi opinión es muy parcial, ya que si me he dedicado a la docencia, en realidad ha sido poco comparado con mu-

Eduardo Abaroa ‘Stonehenge sanitario’ (Solsticio de otoño 3), 2006

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chas otras personas. Creo que las nuevas generaciones de artistas están algo perdidas. Aunque esto no es tan terrible, puede ser productivo. A veces, creo que tienen muchísimas armas para hacer cosas. Sin embargo, siento que no tienen la motivación para usar estas armas. Creo, en general, aunque hay excepciones importantes, que los jóvenes tienden a escaparse de su circunstancia (y más ésta que tenemos hoy en México) a través de sus propuestas. Esto es parte de la juventud, quizá, y luego se nos quita. Me preocupa el futuro de estas generaciones porque el panorama del país se ve muy tenebroso. Me da gusto ver que a SOMA llegan artistas de varios estados de la República. Creo que las personas deben leer más y reventar menos, aunque soy el único, quizá... >>Podrías hablarnos acerca del SOMA, ¿qué papel desempeñas y cuáles son tus objetivos? SOMA es un proyecto educativo y cultural organizado por los artistas. Cuenta con residencias artísticas, eventos todos los miércoles y un programa educativo. De éste último, yo soy el principal responsable. Buscamos mejorar nuestro contexto para el intercambio cultural. Hacer como catalizador entre los artistas jóvenes y quienes los anteceden, buscamos esquemas de mutua conveniencia. Y está funcionando muy bien. Mi objetivo es participar un poco más en la vida cultural de la ciudad y, quizá, aportar algo nuevo sobre cómo plantear una escuela de arte. >>¿De qué manera te impactó la primera experiencia “pública” artística? Ya no me acuerdo. Creo que la primera vez no tuve mucha atención, fue en La Quiñonera. El resto de las obras fue impactante. Pusieron la mía entre las plantas y no se veía mucho que digamos. >>En una isla desierta, si tuvieras la opción de llevar contigo discos y libros, ¿cuál sería tu elección? Uy, libros... ¿uno de cada uno? Me llevaría unos poemas de Pessoa, o alguien así, incluso quizá Shakespeare. Todos los poemas que alguien hizo en su vida. Llevaría poesía, creo, aunque no leo tanta. O, ¿qué tal toda la Enciclopedia Británica? Me serviría más en una isla que algo narrativo. Discos… preferiría llevarme mi guitarra. Ya he estado en situaciones que semejaban a la de una isla desierta y lo que escuché fue: Sonic Youth o Led Zeppellin. Bach o Satie. Clásicos entre los clásicos, me importa poco lo nuevo en cuanto a mis gustos más íntimos.

ces in order to do things. Sometimes, I think they just lack of motivation when using these resources. I think generally, thought there are some important exceptions, that young people are trying to escape from their circumstance through their proposals (and perhaps more so in Mexico). This is a part of youth, perhaps, that you grow out of. However, I’m worried for the future of this generation because the prospect for the country looks really grim. I’m glad to see that artists from all over the states of the Mexican Republic are coming to SOMA. I think people should read more instead of partying, even though I might be the only one… >> Lets talk about SOMA, what’s your role and what are your objectives? SOMA is an educational and cultural project organized by artists. It has a residency component, events every Wednesday and a very specific educational program for which I’m primarily responsible. We aim to improve the context for cultural exchange. A catalyst between young artists and those who came before them so that everyone benefits, and it’s functioning very well. My objective is to participate more in the cultural life of the city and, perhaps, to contribute new methods to designing an art school program. >> Describe your first experience with being exhibited in a public space? I can’t remember. I think the first time I wasn’t paying attention. It was in the Quiñonera. The rest of the works were really astounding. But they put mine between plants and so they were not easily recognizable. >> If you were stranded on a desert island and could only take CDs and books with you, which would you take? Oops, books ... One of each? I would take some poems by Pessoa, or someone like him, maybe even Shakespeare. All the poems of someone’s career. I would bring poetry, I think, even though I don’t read much. Or how about the entire Encyclopaedia Britannica? It would be more useful on an island than more narrative writing. CD’s ... I’d rather bring my guitar. I’ve been situations that are practically like desert islands, and I listened to Sonic Youth or Led Zeppellin. Bach or Satie. Classical among the classics. I don’t care for the new when it comes to personal taste. Note: ‘La curadoría homeopática’ (The homeopathic curatorial) by Eduardo Abaroa is a highly recommended by the interviewer.

Nota: “La Curaduría Homeopática” de Eduardo Abaroa es un texto altamente recomendado por la que firma esta entrevista.

Eduardo Abaroa ‘The Body Cavity Inspection Network’, 2007 (red de inspeccion de cavidad corporal) Detalle nudo en esquina/node in a corner detail

Eduardo Abaroa ‘Sociopathic Real Estate Item 1’, 2004

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m MARITA DARGALLO

TEXTO: ANA DARGALLO Barcelona (ESPAÑA) FOTOS: Anna Nadal

Cuando se compra una casa, un coche o una joya se adquiere un bien que utilizará, disfrutará y exhibirá en su plena propiedad sin mayor problema. Pero, ¿qué ocurre cuando se adquiere una obra de arte? ¿Quién es el propietario final? ¿El comprador o el artista? ¿Qué ocurre cuando el consumidor final de una pintura o una escultura es una fundación o museo y desea exhibir el trabajo de un artista para hacerlo llegar al gran público?/ When a house, or a car or a piece of jewelry is purchased one is acquiring a good that has an end and can be enjoyed and exhibited without concern. But what if a piece of art is acquired? Is the buyer or the artist the final owner? What if a piece of art belongs to a museum or a foundation, and they wish to exhibit the work in order to make it more accessible to the public?solid career. His work also is characterized for surmounting the border between tradition and symbolism, traversing through with sharpness and maturity.

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Marita Dargallo Nieto estudió en la Universidad de Barcelona y obtuvo el diploma de Derecho en el College of Europe de Bruselas. Trabajó en EC Commission en Brussels y en dos despachos legales durante 4 años. En 1985 se unió a la Asociación Bar de Barcelona. Ha estado ejerciendo en Barcelona desde 1989, tratando clientes internacionales en su mayoría. Se unió a la firma Sol Muntañola & Asociados en enero del 2001 y se hizo socia en el 2005. Está especializada en derecho financiero internacional, competencia, leyes CE, distribución, y asuntos relacionados con IP. Como miembro del EC and International Law Commission de Barcelona Bar, impartió clases durante 5 años en la sección de Merger Control. Previamente impartió en la seccion State Aids un curso organizado por la asociacion Bar Barcelona por 3 años consecutivos. Actualmente da clases de IP y publicidad como parte de un curso de Masters organizado por la Universidad de Barcelona. Es vicepresidenta Nacional en España de la Association International de Jeunes Avocats (AIJA). Ha coorganizado el seminario ‘Community Trademark’ en Alicante en 1996 y el de ‘Intellectual Property rights in Labour Relations and Service Provisión’ en Madrid en octubre del 2004, ambos con la AIJA. >>Se habla continuamente de la vulneración de los derechos de autor. ¿Qué está fallando en la Ley de Propiedad Intelectual? Lo que sucede actualmente es que con los medios técnicos que existen hoy es muchísimo más fácil infringir algunos derechos de propiedad intelectual como es el derecho de reproducción o el derecho de la puesta a disposición que es el derecho que tiene el autor de poner algo a disposición del público en la red. ¿Qué ocurre hoy en día? La gente cuelga en la red canciones, libros, películas, reproducciones de obras de arte. Y entonces, otros los descargan y creen que todo es gratis. >>¿Cómo se aplica la Ley de Propiedad Intelectual en el caso del arte? Se aplica como a cualquier otro derecho de autor. La obra plástica tiene como especialidad que adquirir un cuadro, salvo que se especifique en el contrato, sólo da derecho al adquirente a colgarlo en sus paredes. No da derecho a realizar copias, hacer carteles, postales, merchandising, salvo que el autor al venderla pacte otra cosa.

Marieta Dargallo studied at the University of Barcelona and obtained a Diploma on EC Law at the College of Europe (Brugges, Belgium). Worked at the EC Commission in Brussels and in two law firms for a period of four years. She joined the Barcelona Bar Association in 1985. She has been practising in Barcelona since 1989 mostly dealing with international clients. Joined the law firm of Sol Muntañola & Asociados on January 2001 and became partner in 2005. Specializes in International Business Law, Competition, EC law, distribution and IP related matters. Member of the EC and International Law Commission of the Barcelona Bar where she taught for five years the section on “Merger Control” as part of the Competition Law Course taught at the Barcelona Bar. Previously taught the section on State Aids also in a course organized by the Barcelona Bar Association for three consecutive years. Currently teaches a class on IP and Publishing as part of the masters course organized by the University of Barcelona “Assessorament lingüístic Gestió del multilingüisme Serveis editorials”. >> People continually speak of infringement of authors’ royalties. What is missing in copyright law? What’s going on today has a lot to do with technology. It is much easier to infringe on rights, as copyright allows the author to publish their work on the web. What about today? People upload songs, movies, books, pieces of art... and other people download them and assume that everything is free. >> How does copyright applies to art? It applies like any other copyright. A plastic work is the same as when a painting is acquired. Unless specifically addressed in the contract, the sale only gives the owner the right to hang it on their wall. It doesn’t gives them the right to reproduce it’s image on posters, postcards or any other merchandise unless specified in advance. >> What rights to the artist continue to hold? They have the same rights as any other author. He has the moral right for his work to be seen, to be known, for it not to be modified without his consent. Artists have the right to take a work out of the market if they change their political or religious believes. Regarding his obligations they are forced to represent the originality of their work and recognize themselves as the author. >> When a collector lends a piece of art to a museum or a foundation for exhibition, who controls the merchandising rights? The owner or the mu-

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EL ADQUIRIR UN CUADRO SÓLO DA DERECHO A COLGARLO EN SUS PAREDES/ ADQUIRING A PAINTING ONLY GIVES YOU THE RIGHT TO HANG IT ON THE WALLS.

Willem de Kooning ‘Woman’, I, 1950-52 Oil on canvas 6’ 3 7/8” x 58” (192.7 x 147.3 cm) Purchase è 2007 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York. Courtesy The Museum of Modern Art

Isaac Julien ‘Blue Goddess (Ten Thousand Waves)’ [Diosa azul (Diez mil olas)], 2010. 2 Endura Ultra photographs 70.87 x 106.3 inches each 180 x 270 cm each Courtesy of the Artist and Metro Pictures

seum or foundation that organizes the exhibition? When a particular lender lends a piece of art that he or she owns to an exhibition the basic fees that cover insurance and transportation are typically covered by the museum or foundation. Normally the person who lends a piece for an exhibition doesn’t charges for it, this is why it is so complicated to manage exhibitions that include art work that belong to private collectors. Though it would be unusual the inclusion of the piece in a catalogue could justify a charge for rights depending on the negotiation among the parties involved. However, the fact that when a work of art is included in a catalogue, that the inclusion can add value to the piece, because it’s a way to authenticate it. Another situation can arise wherein a collector, doesn’t wants their artwork to appear in a catalog, which can become a point of negotiation. In terms of reproducing the image for merchandising purposes for the exhibit, the owner must first have the right or permission from the artist (if the are living artists) before they can negotiate with the institution that is managing the exhibition. >> Is there any difference between the rights of a living author and one who has died? Yes, the fundamental difference is that rights enter into the public domain 70 years after the author or artists dies. The work can then be reproduced distributed, or uploaded without

RESULTA EVIDENTE QUE LA INDUSTRIA CULTURAL TAMBIÉN HA DE ADAPTARSE. / RESULT OBVIOUS THAT THE CULTURAL INDUSTRY SHOULD ADAPT >>¿Qué derechos y obligaciones tiene el autor sobre su obra? El artista tiene los mismos derechos que cualquier otro autor. Tiene unos derechos morales a que se reconozca su obra, a que no se modifique sin su consentimiento a retirarla del mercado por causas de cambio en la orientación política; religiosa. Tiene unos derechos de contenido económico que son los derechos de explotación. Y en cuanto a las obligaciones, los autores deben responder a la originalidad de la obra y su autoría. >>En la práctica, ¿quién tiene derecho a explotar una obra -merchandising- en el caso de una exposición? ¿El coleccionista que presta la obra o el museo o fundación que la organiza? Cuando un particular presta una obra de su propiedad para una exposición los costes principales son los del seguro

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y del transporte que corren a cargo del museo o la fundación. Normalmente, la persona que cede una obra para una exposición no cobra, por eso es tan complicado gestionar exposiciones que incluyan obras de coleccionistas privados. Su inclusión en un catálogo podría dar lugar al cobro de unos cánones dependiendo de la negociación entre las partes pero no es lo corriente. El hecho de que la obra sea catalogada puede revalorizar la obra, ya que es una forma de reconocimiento de su autenticidad. También se puede dar el caso de que un coleccionista no quiera que su obra aparezca en dicho catálogo y eso también puede ser objeto de negociación para que la obra forme parte de la exhibición. En cuanto a la reproducción de la obra como parte del merchandising de la exhibición, primero habrá que estar atentos a los derechos que el autor pueda haber cedido al propietario de la obra (autores vivos o cuyos derechos de explotación está todavía vigentes), y posteriormente a lo que el propietario pueda pactar con la entidad encargada de la exhibición. >>¿Qué diferencias existen entre los derechos de un autor vivo y los derechos tras de su muerte? La diferencia fundamental es que transcurridos 70 años desde la fecha de la muerte del autor los derechos de contenido económico expiran y esa obra pasa al dominio pú-

infringing the author rights. The rights that will never expire are the moral rights, which are carried by their heirs, or those people designated by the artist. We know that by moral rights we mean the right to be recognized as the author, the right to maintain the integrity of the work (you cant modified the olive leaf on the beak carried by Picasso’s pigeon, for example), etc. >> Is the author entitled to their rights for the same amount of time in every country? If there is a difference, do the same rules apply when depending on where the work was created versus where the work may be exhibited? No, all the countries that belong to the EU apply the 70 year policy. In the USA the issues are more diffuse because they have a strong film industry. The United States has modified their intellectual properties laws, specifically those that involve the record and film industry, to avoid, for example, Mickey Mouse’s passing into the public domain. However, the royalties don’t last forever, sort of like a patent. One doesn’t create a work from scratch; rather one is embedded within a cultural heap along with everything else has been created throughout centuries. And in passing into this cultural heap, that’s when merchandising time expires and rights transition into the public domain. The criteria used to determine the duration of copyright are the national laws of the artist or author’s origin. In

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blico. Se puede reproducir, distribuir, poner a disposición, sin que por eso se infrinjan los derechos de autor. Los que no se extinguen son los derechos morales. Los siguen ejercitando sus herederos, los albaceas o aquellas personas designadas por el artista. Por derechos morales se entiende: el derecho a ser reconocido como el autor, el derecho a la integridad de la obra (no se puede modificar la hoja de olivo que lleva la paloma de Picasso en el pico). >>¿La duración de los derechos es igual en todos los países? En caso de ser diferente, ¿qué criterio se aplica: los del lugar en el que se ha creado la obra o los del lugar dónde se ha de exhibir? No, todos los países de la UE aplican la duración de 70 años tras la muerte del autor. En Estados Unidos la cosa es más difusa porque como ellos tienen una industria cinematográfica muy potente, han modificado sus leyes de propiedad intelectual sobre todo en lo que hace referencia a la industria fonográfica y cinematográfica, y extendido los derechos de los productores cinematográficos para evitar que, por ejemplo, Mickey Mouse entrara en el dominio público. El hecho de que los derechos de autor no sean eternos obedece al mismo razonamiento que las patentes. Uno no crea una obra desde el vacío, sino que se ha nutrido del acervo cultural, de lo que se ha ido creando a lo largo de los siglos. Una manera de devolver a ese acervo cultural lo que uno ha obtenido de él es el que las obras, transcurrido ese tiempo de explotación, deben entrar en el dominio público. El criterio para determinar la duración de los derechos de autor es la ley nacional de éste. Además, muchos países incluyen en sus normas de derecho privado disposiciones tendentes a otorgar a autores extranjeros el mismo tratamiento que a los nacionales. >>Cuándo se extinguen los derechos del autor, ¿en quién revierte el lucro que pueda generar su obra? Básicamente en el que la explota, su propietario o tenedor. Así, en el caso de la Mona Lisa, es el Louvre quien cobra entrada por verla y quien vende reproducciones de la obra en aquellos soportes que estime adecuados para su difusión. >>¿Cree que la legislación actual es suficiente para proteger a los autores? En realidad la legislación actual es suficiente, el problema es que no se aplica. Es imposible perseguir a todos los que cuelgan y bajan obras. Ejercitar esos derechos supone tan-

Jaume Plensa ‘Awilda’, 2010. Alabastro/ Alabaster Cortesía de/ Courtesy of Jaume Plensa - Galerie Lelong

fact, a lot of countries have private laws that allow any foreign person to maintain the same rights as a citizen. >> When the copyright expires who profits or benefits from the work? Basically the one who exploits the work - its owner or holder. For instance in the case of the Mona Lisa it’s the Louvre who profits from it, either for holding it at the museum or by selling reproductions of it when they consider that sale appropriate. >> Do you think legislation is enough to protect authors? Presently, legislation is enough. The problem is that the legislation is not enforced. It is impossible to prosecute every person who uploads or downloads art. Holding violators accountable to the legislation implies spending time and money unjustly, and the public perception that they can enjoy and dispose of culture when and as they wish to. The understanding that illegal downloading is an infringement isn’t understood, it isn’t seen as taking advantage of the authors and their profits. >> Do you think that authors need new means of protection in the age of the Internet, or in the digital era? Yes, the era demands new protections, or basically for an entity that compensates the author for the illicit use of their work. The telecommunication companies always win, they offer the consumer easier ways to navigate, download and upload information without determining if what the consumer is doing is legal or illegal. All of these infractions should be covered under one umbrella with a fee passed onto the companies. On the other hand, it is apparent that the cultural industry should also adapt to the environment. In fact, they have already started too by seeking new ways to merchandise and to make financial alliances with artists and the industries that back sponsor them.

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Liu Di ‘Animal Regulation No. 6’ (Regulación animal), 2010. C-print, 80 x 60 cm, edition 10. Cortesía de / Courtesy of the artist Liu Di and Pékin Fine Arts.

to tiempo y dinero que no se justifica. La percepción del público es que pueden disponer de la cultura, del trabajo de los autores cómo y cuándo gusten. Se ha perdido el sentido de que una descarga no autorizada es una infracción de los derechos del autor, un aprovechamiento de su esfuerzo y un lucro cesante para el autor. >>¿Cree que Internet y la era digital exigen la aplicación de nuevos medios para proteger al autor? Sí exige nuevos medios, y básicamente pasa por que alguien compense a los autores por el uso ilícito que se está haciendo de sus obras. Quien gana siempre son las compañías de telefonía que ofrecen medios cada vez mejores para realizar las descargas sin discriminar si las mismas son legales o ilegales. Todas esas infracciones deberían ser cubiertas por un gigantesco canon a pagar por las compañías telefónicas que han puesto a disposición del público los medios que facilitan la descarga ilegal. Por otra parte, resulta evidente que la industria cultural también ha de adaptarse, y de hecho ya ha empezado a hacerlo a este entorno, buscando nuevas formas de explotación y nuevas alianzas que permita la retribución del talento de los creadores y existencia de una industria que la apoye.

EL HECHO DE QUE LA OBRA SEA CATALOGADA PUEDE REVALORIZAR LA OBRA, YA QUE ES UNA FORMA DE RECONOCIMIENTO DE SU AUTENTICIDAD. /THE FACT THAT WHEN A WORK OF ART IS INCLUDED IN A CATALOGUE, THAT THE INCLUSION CAN ADD VALUE TO THE PIECE, BECAUSE IT’S A WAY TO AUTHENTICATE IT

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CRISTIAN FRANCO

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“EL TRABAJO DE FRANCO, UNA VEZ SUPERADA LA EVIDENTE CARGA ADOLESCENTE, ASUME UNA POSICIÓN POLÍTICA CON RESPECTO A LA PRÁCTICA ARTÍSTICA Y CON LA ORGANIZACIÓN DEL SISTEMA SOCIAL DEL MUNDO GLOBALIZADO”

ATEO ATÓMICO

Cristian Franco ‘Los Nuevos Maevans’ (The new Maevans), 2009. Flyer de presentación/ Presentation flyer.

Cristian Franco fue invitado al PechaKucha Guadalajara vol. 7. Una vez en el escenario y con micrófono en mano, presentó a lo largo de seis minutos el proyecto de website www. carnedecañon.com, que administra con otros colegas y que está destinada al intercambio de casettes y discos de vinilo underground del punk nacional e internacional. En el sitio figuran bandas como Anal Paralysis, Cash Pussies, Kagada de perro, Primera Comunión, UNAM, entre otras. También tienen soundtracks de películas de culto como `Intrépidos Punks’ (1980) del director Francisco Guerrero. Este proyecto encabezado por Franco sería uno de los más fructuosos en el estudio del movimiento punk a lo largo de su historia, y una estrategia de alto impacto en la promoción de esta corriente musical como patrimonio cultural. La presentación de Franco fue un éxito entre los espectadores, pues se inte-

resaron de inmediato en conocer el sitio. El único inconveniente es que tal sito no existe, lo que presenciaron fue una puesta en escena que dio una muestra velada del trabajo reciente de este artista. Cristian Franco (Tecate, Baja California, México, 1980) es uno de los productores jóvenes que más intriga generan en la escena artística actual en Guadalajara. Durante sus primeros años, Franco estuvo interesado en la explotación de imágenes infantiles y logotipos publicitarios que llevó hasta sus lienzos con dejos de ingenuidad. Estas obras en realidad escondían la perversa intención de cuestionar la inocencia del espectador como consumidor del bagaje visual publicitario suscitado por la globalización y la cultura de masas, que frecuentemente apela al interés sexual y a la aspiración de mayor poder económico. A partir de 2005, Franco dio un giro en su método de

producción artística, ahora en busca de la amplificación del discurso en que había estado interesado antes, y convertirse en un artista conspirador para generar este nuevo discurso. Precisamente, en ese año, Cristian Franco realizó un proyecto de exposición para Clemente-Jacqs Laboratorio, intitulado `Greatest Hits’ y que fue el detonador de su obra posterior. El project room se basaba en la recuperación y selección de dibujos que tanto él como algunos amigos de la adolescencia hicieron a lo largo de un prolífero periodo que comprendió sus años de secundaria y preparatoria. Tales dibujos están destinados a enaltecer el miembro y gónadas masculinas (como la mayoría de los realizados por los varones formados en la escuela pública) y a la emisión de burlas y difamaciones encaminadas a ridiculizar tanto a compañeros, maestros y amigos, así como a los propios autores. Pero las obras cla-

ves del proyecto fueron los videos en los que Franco, al lado de su hermano y su primo, reinterpreta y simula la ejecución de un par de canciones representativas de la música popular norteña y del punk mexicano del principio de los 90, con caracterización ad hoc incluida. Las canciones eran de Chalino Sánchez `Alma enamorada´ y `Genética´ de Espécimen. A partir de `Greatest Hits’ , Franco formó en 2008 a Los Nuevos Maevans, una banda de hardcore-punk, y asimismo, un performance interdisciplinario. El proyecto incluye entrevistas de radio, televisión y prensa escrita, especiales televisivos, actuaciones en vivo, flyers de conciertos, dibujo, video y fotografía. Los Nuevos Maevans rinde honores a las bandas del género, mexicanas y extranjeras, más representativas. La banda está rodeada de diversos elementos creados por Franco como parte sustancial del proyecto. Los uniformes con los que LNM salen al escenario están elaborados con una técnica casi artesanal de intervención con estoperoles y spikes, basados en los uniformes de secundaria utilizados en el norte del país (color caqui, tela gabardina) y que a su vez guardan una estrecha relación con la vestimenta proporcionada a los presidiarios en México y el colectivo de intendencia de las instituciones públicas. Esta asociación de signos no es arbitraria. A partir de este proyecto, Franco abre todo un discurso en torno a los métodos de control y Los Nuevos Maevans actúa como el centro sobre el que orbita el cuerpo de su obra. Tanto la banda de punk, como todas sus piezas, abordan la complejidad del “carnaval” —en su acepción de analogía de la actividad festiva de los jóvenes de clase media—. A partir de dicho concepto, surge también la parodia del movimiento punk, al referirse a los fenómenos sociales en

los que la decadencia, la rebeldía, las desviaciones de conducta y lo políticamente incorrecto son vehículo de oposición contra sistemas de poder y las clases dominantes. Sus series `Malas Influencias´, `Terrorismo Casero´ y `Concreto Vegetariano’ son creadas a partir de la iconografía de tales patologías sociales: desde imágenes extraídas de fotografías snapshot de la más burda calidad, tomadas en fiestas, hasta portadas de discos y mantas como las utilizadas en conciertos por las agrupaciones del género. Estas imágenes son apropiadas directamente por el artista, otras veces son alteradas o recreadas para emular la estética de estos fenómenos al grado de que lo real y lo ficticio se diluye. Sus contenidos absurdos y frases ridículas son tan factibles en la vida cotidiana que su imitación es supuesta como verídica. En este sentido, el trabajo de Franco, una vez superada la evidente carga adolescente, asume una posición política con respecto a la práctica artística y con la organización del sistema social del mundo globalizado. El uso de la farsa como herramienta discursiva detona una labor crítica sobre la veracidad de la información en las sociedades contemporáneas, vulnerabiliza las estrategias visuales actuales que recurren a la apropiación de imágenes y referencias histórico-artísticas directas, y abre un cuestionamiento sobre los espacios en los que sucede la experiencia estética. Franco ha buscado la manera de que su práctica no esté sujeta a los espacios de exhibición. Su trabajo, en particular el proyecto LNM, se activa a partir de su desarticulación a los escenarios culturales institucionales. Descontextualizados de su verdadera intención, LNM sólo toca en sitios que tienen más que ver con la contracultura. Sus imágenes circulan por la calle vía flyers o playeras. Cristian Franco será

un conspirador en tanto continúe con su amenaza al equilibrio y veracidad. Descartado: Aunque el trabajo de Cristian Franco no es impermeable de la nostalgia de las ideologías y aquella rebeldía de otras décadas, su visión es mucho más estoica e irónica. La utilización del humor en sus piezas se convierte en un elemento incisivo que desentraña de manera sarcástica las formas en que a partir de la segunda mitad del siglo XX se ha pretendido ir a contracorriente, esto le permite abordar el desencanto de su generación con mucha mayor eficacia. Cristian Franco será un conspirador en tanto continúe con su amenaza al equilibrio y veracidad. Bandas y organizaciones rebeldes que existen, o, quizás no; portadas de discos de colección que nunca salieron a la venta, violentas superposiciones de imágenes que satirizan con la historia. La parafernalia de Franco renueva nuestro bagaje visual, lo sabotea y enriquece aquel personaje, un diestro iconoclasta que abre las posibilidades que ofrece la incertidumbre. De esta manera, Franco pone en jaque a la apariencia de nuestra amada y segura estabilida

Cristian Franco ‘Terrorismo Casero’ (Homemade Terrorism), 2008. Tinta sobre papel/ Ink on paper. 35.4 x 29 cm c/u.

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Cristian Franco ‘Los Nuevos Maevans’ (The new Maevans), 2009. Flyer de presentación/ Presentation flyer.

Cristian Franco Portadas de casettes y viniles. Casettes and vinilo covers. www.carnedecanon.com

Cristian Franco was invited to Pechaducha Guadalajara vol. 7. Once on stage with microphone in hand he presented the new webproject www. carnedecañon.com for six minutes, a project that he runs with some coleagues and it is intended to create a space for the exchange of casettes and vinil underground discs, mostly of national and international punk. On the site you can find groups such as ‘Anal Paralysis’, ‘Cash Pussies’, ‘Kagada de perro’, ‘Primera Comunión’, and ‘UNAM’, among others. They also exchange soundtracks of cult films like ‘Intrépidos Punk’s (Intrepid Punks, 1980) by Francisco Guerrero. This project, led by Franco, is one of the most fruitful in the study of the punk movement throughout its history, while also functioning as a high-impact strategy for the promotion of punk as a sort of cultural heritage. Franco’s presentation was a hit with, everyone wanted to know more about the site. The only drawback is that the site doesnt exist, rather, his presentation was a staging that gave

a sample of the artists recent work. Cristian Franco (Tecate, BC, Mexico, 1989) is one of the most intriguing young producers in the art scene of Guadalajara. In the beginning, Franco was interested in the exploitation of children’s imagery and advertising logos, which he brought to his canvases with a tinge of naivety. In fact, these pieces attempted to mask the perversity of questioning the innocence of the spectator, or mass-cultural consumers of the globalized and heavily mediated visual background. A background that frequently appeals to sexual desire and greater economic power. Since 2005, Franco’s practice has taken a turn. Now he wants to broaden his discourse, going back to the root in order to conspire to generate a new discourse. In the same year Franco proposed a project to Clemente-Jacqs lab called ‘Greatest Hits’ – a catalyst for subsequent works. The project room was based on a selection of drawings that he and his friends made as teenagers during a prolific period of their

high school years. The drawings were meant to praise male genatalia (as most drawings made by school boys do) and are peppered with taunts and slurs that ridicule classmates, teachers, friends and themselves. However, the key works were videos of Franco, who with his brother and cousin, covered popular songs of the northern Mexican music and punk scene of the early 90s, covers that were complete with ad hoc characherizations. The songs were by Chalino Sánchez ‘Alma enamorada’ (Soul in love) and ‘Genética’ (Genetics) by Espécimen. In 2008, after ‘Gratest Hits’, Franco formed the hardcore-punk band ‘Los Nuevos Maevans’, an interdisciplinary performance comprised of radio interviews, television specials, press, print media, live performances, concert flyers, drawings, video and photography. ‘Los Nuevos Maevans’ is an homage to the most distinctive Mexican and foreign bands of the genre. The band complimented with elements of Franco’s creative style - a

substantial part of the project. The LNV stage costumes are elaborately designed. Accessorized with studs and spikes, they are based in the high school uniforms of Northern Mexico (khaki and gabardine) and tied closely to the uniforms provided to Mexican inmates and the cleaning crews of public institutions. This isn’t an arbitrary decision. Franco’s project creates a discourse around methods of control -with ‘Los Nuevos Maevans’ at the center. Both the band and it’s component parts adress the complexity of “carnival,” as an analogy to the parties thrown by middle class youth. A parody of the punk movement emerges, referencing the social phenomena of decay, of rebellion, of deviant behavior and the political incorrectness that acts in opposition to systems of power and dominant class politics. His series ‘Malas influencias’ (Bad influences), ‘Terrorismo casero’ (House terrorism), and ‘Concreto Vegetariano’ (Concrete Vegeterian) are made with the iconography of social pathologies through glossy party photography and album covers. These images are directly appropriated by the artist or created to mirror the aesthetic phenomenon, a phenomenon where reality and fiction fade. At once absurd and ridiculous these images are also a part of everyday life. In this sense the work of Franco, after all the teenage rhetoric, adopts a political position addressing the artistic practice and organization of the social systems within a globalized world. His use of farce as a discursive tool triggers a critique of

the speed of information in contemporary societies, making vulnerable the current visual strategies that rely on the appropiation of images and direct art-historical references, poses to question the space which case the artistic and aesthetic experience. Franco has sought ways for avoid having his practice subjected to the exhibition spaces. His work, in particular the project LNM, is activated from the dismantling of institutional cultural settings. Descontextualized from their true intention, LNM only plays on places that have more to do with the counterculture. Their images are circulating in the streets via flyers or shirts. Cristian Franco will be a conspirator in such a degree in which his threat to balance and accuracy continues. Discarded: Even though Cristian Francos’s work is not impermeable to the nostalgic ideologies and the

dissidence from other decades, his vision is more stoic and ironic. Using humor within his work became a cutting element that unravels in a sarcastic way shapes that where tried to be oppose on the second half of the XX century, which allows him to reach the unattractiveness of his generation efficiently. As long as Cristian Franco continues threatening the veracity and balance will be consider a conspirer. Rebel organizations and groups that exist, or maybe not, album covers that where never sold, violent superimposition of images that satirize with history. The paraphernalia of Franco renews our visual baggage , sabotages it and enriches that character, a proper image breaker that opens possibilities to the uncertain. This way, Franco jeopardizes the appearance of our beloved and secure stability.

section text foto page ..................................................................................................................................................................................................................................................................................................................... EMERGING MEXICAN ART DANIELA AYALA COURTESY OF THE ARTIST 118 .....................................................................................................................................................................................................................................................................................................................

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EMERGING MEXICAN ART

MARCO

ROUNTREE CRUZ

“ME EMOCIONO CON LA IDEA DE VER ALGO TERMINADO”/ “I GET EXITED WITH THE IDEA OF FINISHING SOMETHING”

Marco Rountree Cruz ‘Mesa con 50 libros’ (Table with 50 books), 2010

Los grandes artistas descubren desde pequeños su verdadera vocación y Marco Rountree, siendo aún niño, encontró en su gusto por el dibujo el camino que le traería un grandioso futuro. Nacido en 1982, en la ciudad de México, Marco Rountree es hoy un reconocido artista. “Un día decidí que quería colocar mi obra en ciertos lugares, así que, necio y a los 20 años, fui conociendo gente que me explicó cómo lograr una exhibición”, comenta Rountree. En 2005, Proyectos Monclova le da la oportunidad y se convierte en su casa hasta 2008. El trabajo que ha desarrollado a lo largo de su trayectoria envuelve desde dibujo, hasta instalaciones. “En todas las disciplinas me siento cómodo. Nunca me siento presionado respecto al resultado final del trabajo, simplemente disfruto el momento de la realización y me emociono con la

idea de ver terminado algo en lo que he estado pensando y trabajando”. Según Marco Rountree, cada obra tiene su propia forma de desarrollarse, “por ejemplo, una vez hice una instalación con cosas obtenidas de los basureros y cadenas. Lo que quería era recoger basura y luego veía la forma de ponerle una cadena, lo que hice fueron collares con basura. Al final, los presenté colgados en las paredes. Marco Rountree ha tenido importantes exposiciones nacionales e internacionales: ‘Colección otoño invierno’ en la Galería Valenzuela Klenner (Colombia, 2009), ‘Concepción Beistegui 831’ en Proyectos Monclova (México, 2008); además, exhibiciones colectivas como ‘HangART Edition 7’ en Salzburgo (Austria, 2007), ‘An unruly history of the readymade’ de la Colección Jumex, curada por Jessica Morgan (México, 2008),

Marco Rountree Cruz ‘Tinta sobre imagen de Paul Cezanne’ (Ink over the image of Paul Cezanne), 2007

entre otras. Su sueño es encontrar alguna de sus obras en el Museo de Arte Popular en la Ciudad de México. “Literalmente disfruto de trabajar con mis manos y con las ideas”. Hace poco, Marco Rountree se asoció con Rodolfo Díaz Cervantes. Un interés en común por aplicar las búsquedas y por atrapar materiales con construcción, dio lugar a Vigueta y Bovedilla, idea ligada a la arquitectura, al diseño industrial, pero todo esto aplicándolo al arte. Rountree se define como una persona que disfruta cualquier cosa de la vida. “Siempre estoy contento, relajado y pensativo, pero más que nada agradecido por cada uno de los proyectos que han surgido”. Esta buena actitud le abrió las puertas de la Galería Travesía 4 en España, donde a partir del 18 de febrero de 2011, montará su primera exposición individual.

The great artists discover their vocation from a very young age and Marco Rountree, as a child, discovered his interest in drawing, a path that would promise a great future. Born in 1982 in Mexico City, Roundtree is now a renown artist: “One day I decided that I wanted to place my work in certain places, so, a 20 year old brat, I started to meet people who explained how to have an exhibition”, says Roundtree. In 2005, Proyectos Monclova gave him an opportunity and it became his home until 2008. The work that he has developed throughout his trajectory ranges from drawing to installation. “I feel comfortable with all disciplines, I never feel pressure regarding the end results of my work, I simply enjoy the creative moment and I get exited with the idea of finishing something

that I have been thinking on and working on”. According to Roundtree every work has its own way of developing. “For example, I once made an installation with things that I obtained from the trash and chains. What I wanted was to pick up trash and then I figured out a way to attach the chain to it. I made collars out of garbage, in the end I presented them hanging on a wall”. Marco Roundtree has had important national and international exhibitions: ‘Colección otoño invierno’ at the Galería Valenzuela Klenner (Colombia, 2009), ‘Concepción Beistegui 831’ at Proyectos Monclova (México, 2008); also, a group show entitled ‘HangART Edition 7’ at Salzburgo (Austria, 2007), ‘An unruly history of the readymade’ from the Jumex Collection curated by Jessica Morgan (México, 2008), among

others. His dream is to see some of his work at the Museo de Arte Popular in México City. “I literally enjoy working with my hands and my ideas”. Not long ago, Roundtree teamed up with Rodolfo Díaz Cervantes with a common interest to search for and to find material for construction, which resulted in ‘Vigueta y Bovedilla’, an idea linked to architecture, industrial design, but applied to art. Roundtree defines himself as a person who enjoys everything in life: “I am always happy, relaxed and thoughtful, but more than anything, thankful for every one of the projects that have developed”. This positive attitude opened doors, specifically to the Gallery ‘Travesia 4’, in Spain, where since February 18th of 2011, he has seen his first solo show.

COLLECCIONISMO

lasBASES

delCOLECCIONISMO

Joseph Beueys ‘Blitzschlag mit Lichtschein auf Hirsch’ (Rayo iluminando un venado/ Lightning with Stag in Its Glare), 1958-85. Guggenheim Bilbao Museoa

PARA SER COLECCIONISTA DE ARTE NO ES NECESARIO SER EXTRMADAMENTE RICO, ES COMO CUALQUIER OTRO TIPO DE COLECCIONISMO: ALGO QUE COMIENZA COMO UNA AFICIÓN Y SE LLEGA A CONVERTIR EN UN ESTILO DE VIDA. IN ORDER TO BECOME AN ART COLLECTOR, IT IS NOT NECESSARY TO BE EXTREMELY WEALTHY, IT IS JUST LIKE ANY OTHER TYPE OF COLLECTION; SOMETHING THAT STARTS AS A HOBBY AND BECOMES A LIFESTYLE.

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COLLECCIONISMO

CLAVES PARA COLECCIONAR

As a neophyte, it’s not easy to land in the world of contemporary art. Art requires an education, first in order to decide the type of collection one wishes to start and, secondly, to find one’s way in such an exclusive world. Many people turn to specialists who open their eyes to the art world, teach them how to appreciate it and most importantly, to help them gain access to pieces of art they wouldn’t normally be able to access. Galleries are also fundamental when it comes to studying an artists work. A new collector must consult experts, read art magazines, talk to gallery owners and, if he can, meet the artists whose work he is interested in. It is recommended to gather many and diverse opinions, but to form a personal decision from all of them. First one must determine the kind of collection one wants to start: discipline, artists, and time period… It is a good idea to think thoroughly about these facets in order to create a coherent collection. Most of the time people collect without thinking, which results in collections without personality, but with quality in its pieces. Also take into account that one has to live with the piece of art, so it should fit ones taste. Maybe you acquire a piece that in time will double its value or even lose it, but it still will be a piece that you picked because you liked it.

TEXTO: JUDITH PASTOR Barcelona (ESPAÑA) FOTOS: Cortesía de /Courtesy of Guggenheim Bilbao Museoa

El aterrizaje de un neófito al mundo del arte contemporáneo no es fácil. El arte requiere formación, primero para determinar el tipo de colección que quieres hacer y segundo para saber moverse en este exclusivo mundo. Muchas personas recurren a especialistas que les abren los ojos al arte, les enseñan a apreciarlo y sobre todo les dan acceso a obras a las que posiblemente nunca tendrían acceso. Las galerías también son una pieza fundamental a la hora de profundizar en las obras de un artista. Un nuevo coleccionista debe asesorarse, leer revistas de arte, hablar con los galeristas y, si puede, conocer a los artistas en cuyas obras está interesado. Lo más recomendable es reunir muchas y variadas opiniones, pero de todas ellas se debe extraer una decisión personal. Lo primero es determinar el tipo de colección que se quiere adquirir: disciplina, artistas, periodo. Conviene pensar muy bien estos aspectos para crear una colección coherente. Muchas veces se colecciona sin sentido y se da lugar a colecciones que aunque tienen piezas de calidad carecen de personalidad. También hay que tener en cuenta que se ha de convivir con la pieza de arte por lo que debe gustarte. Quizá adquieras una pieza que en un tiempo doble su valor o quizá que lo pierda, de cualquier manera tendrás una pieza que elegiste tú mismo y que te gusta.

Anish Kapoor ‘Yellow’ (Amarillo), 1999. Fibra de vidrio y pigmento/ Fiber glass and pigments 600 x 600 x 300 cm. Cortesía del artista y de la Lisson Gallery, Londres / Courtesy of the artist and Lisson Gallery, London. Instalación/Installation: Haus der Kunst, Múnich, 2007-08 Fotografía/Photography: Erika Ede © FMGB Guggenheim Bilbao Museoa, 2010

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COLLECCIONISMO

TIPOS

DE COLECCIONISTAS There are two types of collectors, collectors who acquire pieces of art in order to enjoy the artistic practice and collectors who see it as an investment. The first type makes up the most prominent collectors, those who get the first spots on the waiting lists of the most renowned artists. Art galleries trust them, because these collectors invest in art out of passion, and usually their collections are donated to museums or they build a space to display their collection. The second type of collector, those who acquire art as an investment, is also a fundamental part of the art market. Without them, the record numbers seen in today’s art economy would not be possible. It is possible that a new collector will become easily overwhelmed and won’t know how to select the best art pieces for his collection. One has to train the eye; learn how to differentiate and value the art work and how to combine passion and personal taste. It is necessary to closely follow art through books, catalogues, magazines or the internet; and also traveling, visiting galleries, exhibitions, museums… In the art world one develops a fascinating social life at parties and private events in which one can get to know gallery owners, collectors, artists, … people who can offer a valuable opinion for the collection. In order to become an art collector, it is not necessary to be extremely wealthy, it is just like any other type of collection; something that starts as a hobby and becomes a lifestyle. As collector Marion Lambert points out in Adam Lindemann’s book, ‘Collecting Contemporary Art’: “To collect is like following Ariadne’s thread; a piece leads you to another piece, and our understanding is favored by the constant search”.

Existen dos grandes tipos de coleccionistas, los que adquieren arte para disfrutar de la creación artística y los que lo hacen como inversión. Los primeros son los coleccionistas más destacados, aquellos que ocupan los primeros puestos de las listas de espera de los artistas más renombrados. Las galerías de arte sólo confían en ellos y lo hacen porque estos coleccionistas invierten en arte por pura pasión y en la mayoría de ocasiones sus colecciones son donadas a museos o se crea un espacio propio para albergarlas. El segundo tipo de coleccionista, aquellos que adquieren arte como inversión, contribuyen de una manera fundamental al mercado del arte. Sin ellos, difícilmente se alcanzarían las cifras record que hoy se mueven. Es posible que un nuevo coleccionista se vea fácilmente desbordado y no sepa discernir correctamente qué obra artística es la que más le conviene para su colección. Hay que educar el ojo, enseñarle a diferenciar y a valorar la obra artística, saber conjugar la pasión y los gustos personales. Es necesario seguir el arte de cerca a través de libros, catálogos, revistas o Internet. Viajar, visitar galerías, exposiciones, museos. En el mundo del arte se desarrolla una fascinante vida social, fiestas y eventos privados en los que se puede conocer a galeristas, coleccionistas, artistas y personas de las que se pueden extraer opiniones muy valiosas para tu colección. Para ser coleccionista de arte no es necesario ser extremadamente rico, es como cualquier otro tipo de coleccionismo: algo que comienza como una afición y se llega a convertir en un estilo de vida. Como afirma la coleccionista Marion Lambert en el libro ‘Coleccionar Arte Contemporaneo’ de Adam Lindemann “Coleccionar es como seguir el hilo de Ariadna, una obra te lleva a otra obra, y nuestra comprensión se beneficia de la constante búsqueda”.

Jim Dine ‘Three Red Spanish Venuses’( Tres Venuses españolas en rojo), 1997. Polystyrene expandido en estructura metalica , nylon , acrylico rojo con acabado de latex. / Expanded polystyrene on a steel structure, nylon mesh, and red acrylic latex finish. Tres partes,/Three parts, 762 cm high © FMGB Guggenheim Bilbao Museoa, 2010

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COLLECCIONISMO

TIPOS DE

MERCADO

MERCADO PRIMARIO El mercado del arte se organiza en varios niveles: el primario, el secundario, las subastas y las ferias de arte. El mercado primario se desarrolla en las galerías, el artista crea una obra y la galería se encarga de establecer su precio y elegir al coleccionista más indicado. Las galerías temen profundamente a los especuladores, a coleccionistas que en un momento determinado deciden sacar sus obras a subasta. El mercado es voraz y una mala subasta puede hacer caer en picado la carrera de un artista. Es por ello que las galerías establecen en sus contratos que en caso de querer vender la obra adquirida se consulte en primera instancia a la galería. Ésta siempre que sea posible, volverá a comprar la obra de arte para evitar que salga a subasta y que el futuro de su artista quede en manos de los designios del mercado. Así, el arte no es un mercado de bienes libres, implica lealtad. Un coleccionista que saque a subasta sus obras sin pasar de nuevo por la galería, perderá la confianza del sector y difícilmente podrá volver a acceder a ese exclusivo grupo. MERCADO SECUNDARIO Si el mercado funciona correctamente, la galería adquirirá la obra que el coleccionista ha decidido vender y la pondrá a la venta en el mercado secundario. Tanto el mercado primario como el secundario son los mercados más económicos, pero a ellos sólo tiene acceso un círculo muy exclusivo. Un círculo al que no se accede sólo con dinero, requiere ganarse la confianza de artistas y galeristas. A veces la forma de entrar en ellos es a través de asesores, estos ya se han ganado su confianza y los galeristas creen en el criterio de estos para elegir a sus clientes. A fin de cuentas, lo que tratan las galerías es de tener controladas las obras de sus artistas para evitar que lleguen a ser subastadas. Intentan que las obras formen parte de museos y de exposiciones y que no se conviertan en productos de especulación.

PRIMARY MARKET The art market is organized in several levels: the primary market, the secondary market, art auctions, and fairs. The primary market is developed in galleries, the artist creates a piece and the gallery deals with the prices and chooses the best collector. Galleries are deeply afraid of speculators, or collectors who in time decide to auction the pieces they acquired. The market is fierce and a bad auction can destroy the career of an artist. Hence, galleries must establish in their agreements that if the collector wants to resell the piece he acquired, he ought to contact the gallery first. If possible, the gallery will buy the piece again in order to avoid it’s auction and that in the future the artist won’t fall into the hands of the market. Art is not a market of free goods; it implies a level of loyalty. A collector that auctions his pieces without contacting the gallery will lose the sector’s confidence and will rarely be able to go back into this exclusive scene again. SECONDARY MARKET If the market works as it should, the gallery will acquire the piece that the collector decided to sell and will put it up for sale on the secondary market. Both the primary and the secondary market are the cheapest markets, but only an exclusive circle can access them. A circle one doesn’t get in only because of the money, it also requires us to gain the trust of artists and gallery owners. Sometimes, the way of getting in is through advisors, who already have the trust of artists and gallery owners who believe in their judgment to choose clients. In the end, the galleries main objective is to control the work of their artist so they don’t get auctioned; they want the pieces to become part of museum collections and exhibitions, so they don’t become speculative objects.

Willem de Kooning ‘Villa Borghese’ (Villa Borghese), 1960 Óleo sobre lienzo/ Oil on canvas 203 x 178 cm © FMGB Guggenheim Bilbao Museoa, 2010

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COLLECCIONISMO

FERIAS Y

SUBASTAS

AUCTIONS In such an exclusive world, there is a third level; auctions. In an auction, the only real value is money, and the person who has more money gets the piece. That’s why they reach such exorbitant prices. Having access to art is a privilege that very few have, and when a great piece by a great artist is auctioned, there are always bidders willing to pay any price to get it. So auctions become the real barometer of the popularity of an artist, and if an artist reaches a record sales number, it represents his takeoff. Problems arise when the piece does not reach the price estimated by the auction house. By this point, an artists career is called into question which can represent its end. ART FAIRS In the last level, even though it is tied into the other levels, we have art fairs. In them, galleries present the newest pieces by their artists. Essentially, they are the spaces that abound with pieces of available art, but they also require the wildest selling rate. In many occasions, even before the fair begins, some galleries have already sold the most important pieces. The rest will possibly be sold during the first and the second day. Buying art in a fair doesn’t give one the space to think about what one wants, so if you go to a fair you should know what you’re looking for in advance.

LAS SUBASTAS Ante un mundo tan exclusivo, surge el tercer nivel: las subastas. En ellas, el único valor es el dinero, el que más dinero tiene es el que adquiere la pieza. Es por ello, que se alcanzan precios tan desorbitados. El acceso al arte es un privilegio al que tienen acceso muy pocos y cuando una obra de los grandes llega a subasta no faltan los postores dispuestos a adquirir la pieza al precio que sea. Así, las subastas se convierten en el verdadero barómetro de popularidad de un artista, que un artista logre una cifra récord supone su despegue. El problema surge cuando la obra no llega al precio estimado por la casa de subastas. En este punto se empieza a debatir sobre la carrera de un artista y en muchos casos supone su fin. LAS FERIAS DE ARTE El último nivel, aunque convive continuamente con el resto de niveles, son las ferias de arte. En ellas, las galerías presentan las últimas obras de sus artistas. Son en esencia, el espacio con mayor abundancia de obras disponibles pero también el que requiere el ritmo de compra más frenético. En muchas ocasiones, antes de empezar la feria, algunas galerías ya han vendido las obras más destacadas. El resto posiblemente se vendan entre el primer y segundo día. Comprar en una feria no da pie a la reflexión, requiere de inmediatez, por lo que si vas a una feria debes saber de antemano qué es lo que buscas.

Jean-Michel Basquiat ‘Moses and the Egyptians’ (Moises y los Egypcios), 1982. Acrílico y sticks de óleo sobre el lienzo/ Acrylic and oil stick on canvas 185 x 137 cm Regalo de/ Gift of Galerie Bruno Bischofberger, Zurich© FMGB Guggenheim Bilbao Museoa, 2010

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ZONA MACO

TEXTO: REDACIÓN FOTOS: Cortesía de /Courtesy of ZONA MACO 2010.

Zona Maco, la más importante y prestigiosa Feria Internacional de Arte Contemporáneo en América Latina, calienta motores para recibir su octava edición, que se celebrará del 6 al 10 de abril de 2011. Con una inversión de más de dos millones de dólares, la nueva edición espera superar la cifra de 31,000 personas alcanzada en 2010./ Zona Maco, the

most prestigious and important International fair of contemporary art in Latin America is revving up to host for the 8th year, which will be held from April 6 – 10th, 2011. With am investment of more than 2 million USD, this year they expects to draw many more than the 31,000 people who attended in 2010.

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A R T FA I R S

Los 10 000 metros cuadrados de la sala D del centro Banamex de la ciudad de México, albergarán un año más los pasillos de Zona Maco. Cerca de 90 galerías internacionales y más de 900 artistas de 20 países como España, Italia, Japón, Austria e Inglaterra, entre otros, se darán cita para vivir el arte en estado puro. Zona Maco ha conseguido la confianza y aceptación del mundo del arte internacional, que año tras año apoyan con más fuerza este evento como una plataforma estable de intercambio y fomento cultural. Esta feria se ha convertido en un foro abierto a nuevas ideas y propuestas, en un lugar de convivencia para expertos, críticos, curadores, artistas, coleccionistas, directores de fundaciones, galeristas y público en general. Zona Maco mantiene un año más su programa y se organiza en seis grandes áreas: la Sección Principal con galerías con una trayectoria acreditada de más de cinco años; la de Propuestas con galerías de menos de cinco años que presentan las obra de artistas emergentes; la de Publicaciones en la que estará presente Taxi Around the art junto con otras 50 publicaciones nacionales e internacionales; Zona Maco Diseño con una propuesta de galerías nacionales e internacionales especializadas en diseño; y Zona Maco Sur con una selección de proyectos individuales elegidos por el curador Adriano Pedrosa. Este año, uno de los elementos más vanguardistas de la feria, será Zona Maco Diseño en el que se darán cita más de diez proyectos de galerías nacionales e internacionales de diseño, tales como Esrawe Studio, Pirwi, Studio Roca, Ezequiel Farca y Emiliano Godoy, entre otros estrechamente ligadas a elementos y expresiones de arte contemporáneo, siguiendo las tendencias de las ferias internacionales. Las propuestas seleccionadas para este pabellón han estado a cargo de un comité de reconocidos profesionales, conformado por el arquitecto Enrique Norten, la curadora Ana Elena Mallet y el empresario hotelero Moisés Micha. Para la sección Zona Maco SUR, se ha buscado un concepto muy especial. Adriano Pedrosa ha elegido proyectos individuales de mujeres artistas emergentes del hemisferio sur. Esta iniciativa tiene según Zélika García, directora de Zona Maco, la intención de “impulsar la creación artística de género y reconocer la creciente participación de talentosas mujeres en la escena internacional”. Además del área principal de exhibición, se incluirá el tradicional “Programa de Coleccionistas” a cargo de Sokoloff + Associates que contempla un programa

A massive 10.000 square meters in the D stage of the Banamex center in Mexico City will once again house the booths of Zona Maco. About 90 international galleries and more than 900 artist from 20 countries, such as Spain, Italy, Japan, Austria and England, among others, will come together to experience art in it’s pure form. If you want to know what contemporary artists are working on today, don’t miss this fair. Zona Maco has earned the trust and acceptance of the international art world, and it is understood year after year as a stable platform to promote cultural exchange. The fair has become a forum for new ideas and proposals; a convivial place for experts, critics, curators, artist, collectors, directors, galleries and the general public. Zona Maco builds its program up over the year, and is organized in 6 major areas: the “Main Section” with galleries that have a proven track record of at least 5 years; the “Proposals” section that present the work form emergent artists; “Publications” section (where Taxi Art Magazine will be present), as well as over 50 national and international publications; “Zona Maco Design” with the presentation of national and international galleries specializing in design; and “Zona Maco Sur” with a section of individual projects selected by curator Adriano Pedrosa. This year, one of the most avante-garde elements of the fair will be the “Zona Maco Design” section, which will present more than 10 projects from international and national design galleries, such as Esrawe Studio, Pirwi, Studio Roca, Ezequiel Farca and Emiliano Godoy, among others. These institutions will exhibit proposals closely linked to elements and expressions of contemporary art, a common practice in international fairs. The selected proposals for this zone have been chosen through a committee of renowned professionals and formed by architect Enrique Norten, curator Ana Elena Mallet and the hotelier Moises Micha. The section “Zona Maco Sur” is centered around a very interesting concept. Adriano Pedrosa has chosen individual projects by emerging women artists from the south hemisphere. According to Zelika Garcia, the director of Zona Maco, this initiative is intended to “promote the artistic creation from the genre and recognize the participation of talented women on the international scene”. Aside from the main exhibition area, a traditional “Collectors Program” will be held by Skoloff + Associates, which includes socio-cultural program with visits to private collections, visits to museums, curators, gallery owners, and collectors with the purpose of supporting cultural exchange and relationships with Mexican artists.

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ZONA MACO HA CONSEGUIDO LA CONFIANZA Y ACEPTACIÓN INTERNACIONAL/ ZONA MACO HAS GAIN THE INTERNATIONAL TRUST AND ACCEPTANCE

sociocultural con visitas a colecciones privadas, visitas a museos de la ciudad, así como cenas y fiestas con los representantes de los museos, curadores, galeristas y coleccionistas con el propósito de fomentar el intercambio cultural y las relaciones con los artistas mexicanos. El comité de expertos que este año se ha encargado de la selección de la galerías participantes está formado por Patricia Ortiz Monasterio y Jaime Riestra de OMR (México), Daniel Roesler de Nara Roesler (Brasil), Thomas Krinzinger de Krinzinger Projekte (Austria), Silvia Ortiz e Inés López Quesada de Travesia Cuatro (España) y Carolyn Alexander de Alexander and Bonin (EEUU). Entre las galerías y artistas invitadas destacan Casas Triangulo con Sanora Cinto, Revólver con Gilda Mantilla, Labor con Teresa Margolles, Ivan Gallery con Geta Bratesco y Fortes Vila con Valeska Soares, solo mencionando algunas. La notable participación de galerías y editoriales este año permiten prever una nueva edición llena de éxitos. México se volverá a convertir durante cuatro días en sede del arte contemporáneo y en la cuna del arte latinoamericano consolidando su creciente influencia en el mundo.

This year the committee of experts who are in charge of the galleries selection is formed by Patricia Ortiz Monasterio y Jaime Riestra of Gallery OMR (México), Daniel Roesler de Nara Roesler (Brasil), Thomas Krinzinger de Krinzinger Projekte (Austria), Silvia Ortiz e Inés López Quesada de Travesia Cuatro (Spain) and Carolyn Alexander of Alexander and Bonin (New York, USA). Among the other galleries and guest artists are Casas Triangulo with Sanora Cinto, Revólver with Gilda Mantilla, Labor with Teresa Margolles, Ivan Gallery with Geta Bratesco and Fortes Vila with Valeska Soares, just to name a few. This year the significant participation of galleries and publishers will no doubt prove successful. And once again Mexico City will turn into the Mecca of contemporary art and the cradle of Latin American art, consolidating its growing influence over the world of international contemporary art.

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VIP ART FAIR

TEXTO: REDACIÓN FOTO: Ruth Benzacar, Buenos Aires.Cortesía de / Courtesy of Vip Art Fair

Internet se ha propuesto revolucionarlo todo. La última iniciativa es conectar a todos los profesionales, artistas y aficionados al arte en un evento online, VIP Art Fair./ The

Internet has revolutionized it all. The most recent Internet revolution is to integrate professionals, artists and art enthusiasts through an online venture: the VIP Art Fair.

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A R T FA I R S

Lia RummaGallery, Napoli

Entre los días 22 y 30 de enero de 2011, galerías de todo el mundo entre las que destacan Gagosian, David Zwirner, Hauser & Wirth, White Cube, Presenhuber, Marian Goodman, Gladstone, Lehmann Maupin, Sprüthmagers o Lissoon, presentaron virtualmente las obras de sus mejores artistas. A los visitantes de la feria se les daba la oportunidad de seguir su propio recorrido o elegir entre una amplia selección de excursiones creadas por coleccionistas, críticos y curadores de los museos participantes. Los visitantes también podían diseñar sus propios tours personalizados de la feria con sus obras favoritas y compartirlos con los amigos o publicarlos en el Salón VIP. Otra manera de navegar por el sitio, era a través de un mapa de la feria y de búsquedas avanzadas basadas en criterios de interés, tales como el nombre del artista, medio o precio. Otros de los servicios de sala VIP era la proyección de piezas audiovisuales de destacados artistas y el acceso a las actualizaciones del mercado del arte. VIP Art Fair se organizaba en cuatro espacios y acogía desde las propuestas artísticas de las galerías más prestigiosas a las de jóvenes galerías de arte emergente. Con una tecnología innovadora, cada uno de los stands presentaba las obras de arte en una escala relativa a la figura humana y ofrecía la opción de poder hacer zoom para acercar la imagen para examinar todo sus detalles, así como múltiples vistas de la pieza para darle dimensionalidad.

From January 22nd - 30th, 2011, galleries throughout the world most noticeably Gagosian, David Zwirner, Hauser & Wirth, White Cube, Presenhuber, Marian Goodman, Gladstone, Lehmann Maupin, Sprüthmagers o Lissoon, will present the best work from their outstanding artists. The visitors of the fair are given the opportunity to follow their own passage through the site or follow paths created by collectors, critics, and curators from participating museums. Visitors can also design personal tours trough the fair selecting their favorite pieces and sharing them with friends or publishing them in the VIP area. Another way to navigate the site is trough a map of the fair or through an advance search based on interest, such as the name of the artist, medium or price. Other services offered at the VIP area are the projection of audiovisuals from highlighted artists and access to updates on the art market. VIP ART FAIR was being held in four spaces and it welcomed artistic proposals from the most prestigious galleries to the immerging ones. With an innovative technology, each one of the booths presents the work of art on a relative human scale and offers a zoom option to examine all the details of the image, it also offers multiple angles to give the piece a sense of dimension. Each piece is presented along with biographies, essays, catalogs, films, music, and interviews. Information that could be freely viewed by collectors and enthusiasts. Another great advantage is that the online site allows interaction between viewers and the galleries through a chat. Visitors could hold conversation through instant message or via telephone to discuss the pieces on the virtual stand. The dealers could also give visitors access to private rooms created with the gallery inventory and other information of interest. At the closing of this edition the results of the sales where not released but the success of the fair, with thousands of visitors, was a success.

Marian Goodman Gallery, New York

EL VISITANTE DESDE SU CASA PODÍA MANTENER CONVERSACIONES A TRAVÉS DE MENSAJERÍA INSTANTÁNEA Y TELÉFONO PARA DISCUTIR LAS OBRAS PRESENTES EN EL STAND VIRTUAL Cada obra era acompañada por biografías, ensayos para catálogos, películas, música, entrevistas, así como información que podían consultar libremente coleccionistas y aficionados. Otra de las grandes ventajas, es que el espacio online de la feria permitía la interacción con la galería a través de un chat. El visitante desde su casa podía mantener conversaciones a través de mensajería instantánea y teléfono para discutir las obras presentes en el stand virtual. Los distribuidores también podían dar acceso al visitante a habitaciones privadas creadas con el inventario y otras informaciones de interés. Al cierre de esta edición no se habían facilitado los resultados de ventas pero si se confirmaban las expectativas de visitas con miles de usuarios.

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Shanghai Art Gallery, Shanghai

THE VISITOR FROM HOME COULD HELD CONVERSATION TROUGH INSTANT MESSAGE OR VIA PHONE TO DISCUSS PIECES ON THE VIRTUAL STAND

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T O T R AV E L

MOSCOW TO TRAVEL

En esta edición viajamos a Moscú para vivir el auge sin precedentes que está experimentando el arte contemporáneo en Rusia. Su vitalidad y alta calidad, han dado lugar a una nueva demanda entre los coleccionistas rusos y la comunidad empresarial./ In this edition we travel to Moscow to take a look at the unprecedented growth of the city. The vitality of the art market and high quality of contemporary art in Russia lends to a new demand among Russian collectors and businesses. TEXTO: DIEGO BARBOSA Barcelona (ESPAÑA) FOTOS: Courtesy of Regina gallery and XL Gallery FOTO: Zhanna Kadyrova ‘Road Sign’, 2005. Tile. Courtesy Regina Gallery, London & Moscow

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Quien decida visitar la capital rusa ha de tener en cuenta que Moscú tiene un clima continental con rigurosos y largos inviernos. Las temperaturas raras veces superan los 0ºC y llegan a los -10ºC e incluso a los -50ºC en olas de frío severas. De entrada, para sumergirte desde el principio en el mundo del arte, puedes alojarte en el hotel Artel, cuyas habitaciones han sido decoradas de manera individual por distintos artistas rusos. Desde allí, puedes comenzar tu particular recorrido en busca del arte.Moscú es mejor visitarlo a pie, para disfrutar de la multitud de estilos arquitectónicos que posee, pero las distancias son enormes por lo que se recomienda usar el metro que, por cierto, es uno de los más profundos del mundo. La estación Parque Pobedy, se encuentra a 84 metros bajo tierra y tiene las escaleras mecánicas más largas de Europa. Además, el metro es famoso porque reúne, a través de sus recorridos, hermosas obras de arte, murales, mosaicos y lámparas. No puedes perderte las estaciones de Komsomolskaya, Novoslobskaya, Kroptkinskaya y Mayakovskaya. Es posible empezar tu recorrido en las estaciones de Komsomolskaya y Novoslobskaya, que están en la línea circular, desde allí se puede llegar a la estación Krasnopresnenskaya en la que se encuentra el Centro Nacional de Arte Contemporáneo. Este espacio está destinado a la elaboración y divulgación del arte contemporáneo ruso y a su integración en el arte mundial. Su actividad se desarrolla en estrecha colaboración con artistas y expertos en arte contemporáneo, dando lugar a un amplio programa de exposiciones.

When one decides to visit Moscow one must remember that the city has a continental climate with long harsh winters. The temperature barely surpasses 0*C and often drops to – 10*C and or even to -50*C during a severe cold front. Those who decide to visit the Russian capital should start by staying at hotel Artel, which has rooms that are individually decorated by a selection of Russian artists. Moscow is a city best experienced on foot because it’s full of architectural treasures. However, we recommend that you use the subway, too, because distances can be vast. Famous for its art pieces, murals, mosaics, and lamps it is one of the deepest metro systems in the World. The Park Pobedy station is 84 meters underground and has the longest escalator in the Europe. Other opulently designed and notable stations are Komsomolskaya, Novoslobskaya, Kroptkinskaya and Mayakovskaya. Komsomolskaya and Novoslobskaya are located on a circular line that takes you to Krasnopresnenskaya, a station near the National Center of Contemporary Art. The National Center of Contemporary Art is dedicated to the development and dissemination of contemporary art in Russia and its integration into the art world. This center is run through a tight collaboration between artists and independent curators and arts professionals, resulting in an extensive program of exhibitions.

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--------------------------------------------------------------------WINZAVOD --------------------------------------------------------------------On the same metro line you can ride over to Kurskaya station to see Winzavod, an old warehouse complex of 7 buildings that have become a highlight of the booming contemporary art scene. In this complex such local galleries as XL, Photographer, Regina, Marat Guelman, Prouni, FotoLoft, Art + Art, Aidan, Atelier #2 and Meglinskaya have spaces. The XL gallery focuses on picking up new trends in contemporary art and also acts a consultancy. The Photography gallery specialized in contemporary photography, highlighting important photographers who have set the pace and language of what we understand photography to be today. The Regina gallery was founded in 1990 during a period of experimentation and change in the political landscape. Operating outside the usual circle of “official” exhibitions and private shows, the Regina Gallery offered a space for many new and emerging artists to present their work in a more public context. The gallery regularly participates in international fairs such as Frieze, Art Basel Miami, and the Armory Show in NYC. Their artists have been invited to participate in important biennials all over the world, such as Documenta, and the Sao Paulo and Venice biennials. Marat Guelman Gallery was one of the first to appear in

Con esa misma línea de metro, se llega también a la estación Kurskaya donde está situado Winzavod, una antigua bodega que consta de siete edificios que se han erigido como uno de los lugares más destacados de la floreciente escena del arte contemporáneo ruso. En Winzavod están presentes destacadas galerías como: XL, Photographer, Regina, Marat Guelman, Prouni, FotoLoft, Art + Art, Aidan, Atelier #2, Meglinskaya y Paperworks. Os presentamos algunas de ellas. La Galería XL se centra en la búsqueda de nuevas tendencias y proporciona información y asesoramiento sobre arte ruso. Por su parte, la Galería Photographer está especializada en la fotografía creativa contemporánea. Representa prometedores artistas locales, así como importantes fotógrafos contemporáneos occidentales que ha marcado el ritmo de desarrollo del lenguaje fotográfico. La Galería Regina fue creada en 1990, una época de grandes cambios en la escena política que se plasmaron en el arte a través de la experimentación. Para muchos artistas esta galería supuso la primera oportunidad de presentar su trabajo al público fuera del círculo habitual de exposiciones oficiales y shows privados. Actualmente, la Galería Regina participa regularmente en ferias de arte internacionales,

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como Frieze en Londres, Art Basel Miami Beach y The Armory Show en Nueva Yorok y sus artistas han sido invitados a participar en importantes bienales como Documenta, Bienal de São Paulo y Venecia. La galería Marat Guelman, fue una de las primeras galerías y una de las más famosas que aparecieron en la Rusia postsoviética. Con una postura independiente a la oficial, esta galería siempre ha sido un lugar no sólo para exponer, sino también para desarrollar ideas y conceptos enfocados en el arte de la Rusia de hoy. La galería en sus inicios se hizo famosa por introducir la escuela de pintura del sur del país en Moscú, así como por mostrar a los mejores artistas locales, alentando a jóvenes artistas rusos y esforzándose para integrarlos en el proceso artístico mundial. Suyo fue el descubrimiento de artistas como Valery Koshlyakov, Dmitri Gutov, Alexander Vinogradov y Vladimir Dubossarsky, Avdey Ter-Oganyan, Oleg Kulik, the AES group y the Blue Noses group (Vyacheslav Mizin y Alexander Shaburov), considerados por muchos como la mejor muestra de artistas de Rusia de las Bienales de Venecia del 2003 y de Moscú del 2005. La galería de Prouni continúa la herencia clásica de la vanguardia rusa con proyectos de arte que ofrecen la oportunidad de dar nuevos significados a la actividad artística. Una de las prioridades de la galería es crear programas educativos y de formación en los que se ofrece una comprensión profunda de la historia del arte y la dinámica del mercado del arte contemporáneo. FotoLoft ofrece al visitante un espacio de 300 metros cuadrados, divididos en tres zonas: un espacio de impresión de época, una zona de última generación y un centro de exposiciones dedicadas al artista.

post-Soviet Russia, taking an independent stance against the official state sanctioned programs, a year before the Soviet Union collapsed. The gallery hosts exhibitions but also presents itself as an “intellectual workshop,” where ideas and concepts can develop in a contemporary context. It became famous in the early years for introducing the southern Russia art schools into the Moscow scene, encouraging young Russian artists and integrating them into the larger global art world. Guelman discovered such artists as Valery Koshlyakov, Dmitri Gutov, Alexander Vinogradov and Vladimir Dubossarsky, Avdey Ter-Oganyan, and Oleg Kulik, to name a few. Artists considered by many to be the best group of Russian artists at the 2003 Venice Biennial. The gallery cooperates with the museums on the introduction of contemporary russian art to museums and official institutions. Prouni gallery continues the legacy of the Russian avantgarde community, by being dynamic in their programming. The gallery is especially interested in educational programming and training in order to inform, or to provide a deeper understanding of art history and the dynamics of the contemporary art market. Photoloft is another gallery that offers visitors 300 square meters of exhibition space, which is divided into 3 distinct areas: a printing press room, a gallery space, and an exhibition space dedicated to a single artist. The Art+Art gallery was founded by art collector Andrey Gertsev, and the Absolut Investment Group. The gallery has more than 600 square meters of exhibition space with ceilings that reach 5 meters in height, which allows for largescale installations. The aim of this gallery is to present works

Igor Moukhin ‘Resistance’, 2010. Courtesy XL Gallery Moscow

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La galería Art + Art fue fundada por Andrey Gertsev, un coleccionista de arte, y el Absolut Investment Group. Este espacio cuenta con más de 600 metros cuadrados de espacio y con techos de más de cinco metros de altura, lo que le permite albergar obras de arte a gran escala. La galería tiene como principio presentar a artistas contemporáneos ya establecidos tanto de Rusia como de todo el mundo. Winzavod es también el hogar de estudios de artistas, un estudio de fotografía, una agencia de publicidad, una tienda de ropa de vanguardia, una escuela de peluquería, una tienda de artículos de arte, una librería y un café de arte moderno.

Oleg Kulik ‘Untitled #1 from the series RUSSIAN’, 1999. Colour photo.86 x 118.5 cm (33.88 x 46.69 in) Courtesy Regina Gallery

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of internationally recognized contemporary artists alongside local Russian artists who work in painting, drawing, sculpture and photography. Winzavod is also home to artists studios, a photography studio, an advertising agency, a leading clothing school, an art store, a book store, and a “modern art” cafe. --------------------------------------------------------------------OUTSIDE WINZAVOD ---------------------------------------------------------------------

Seguimos el recorrido por Moscú y si sigues utilizando el metro, la siguiente parada que debes buscar es la estación Kroptkinskaya. A pocos metros de la salida está ubicada la galería de arte contemporáneo Fundación RuArts, con una área de visualización de 800 metros cuadrados distribuidos en cuatro plantas. Cuenta con una colección de arte moderno y contemporáneo representada por los pintores más destacados de los años 60 en la Unión Soviética, conocidos como The Non-Conformists And The Second Russian Avant-Garde. Esta galería fue creada para fomentar el desarrollo de jóvenes artistas en el área del video, la fotografía digital y los medios de comunicación experimental. Actualmente posee un rico archivo material auduiovisual, libros y revistas de arte. De nuevo en el metro, debes ir hacia la estación Mayakovskaya, en el área de Tverskaya en pleno

Continuing our tour of Moscow, just down the line at Kroptkinskaya one will find the contemporary art gallery Foundation RuArts, a multi-story building with 88 square meters of space over 4-floors. The foundation maintains a collection of some of Russias most important painters from the 60s who were part of the “NonConformist” movement and the “Second Russian Avante-Garde.” The foundation was established to foster the development of art among young artists, specially artists who work with video, digital photography and experimental media. RuArts also has a rich archive of videos and a library. Back on the subway, from the Mayakovskaya station one you can travel to Tverskaya, which is 12 minutes away from GMG Gallery. GMG holds 500 square meters of

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“Existen otros modos de disfrutar del arte en Moscú: pasear por sus calles y disfrutar de la variedad de estilos arquitectónicos que posee puede resultar realmente inspirador”/ “There are other ways to enjoy art in the city – by simply walking down the street” centro de Moscú, a 12 minutos de la salida encontrarás la galería GMG, un espacio que originalmente se centró en artistas conceptualistas rusos, pero cuyo programa actualmente se ha expandido para incluir a artistas que trabajan en Europa y Estados Unidos, como Gary Hill y Bjørn Melhus, y otros artistas emergentes. La galería organiza diez exposiciones al año y participa en importantes ferias de arte de todo el mundo, incluyendo ARCO, Berlín Artforum, Artissima y NADA. --------------------------------------------------------------------PASEAR POR MOSCÚ --------------------------------------------------------------------

space in downtown Moscow. Originally centered around Russian conceptual artists, their program has expanded to include artist who work in Europe and the USA, artists such as Gary Hill y Bjørn Melhus, as well as the other more emerging artists. The gallery presents 10 exhibitions a year, and participates in important art fairs throughout the world such as ARCO, Berlín Artforum, Artissima, and NADA. -------------------------------------------------------------------WALKING FOR MOSCOW --------------------------------------------------------------------

Sin embargo, existen otros modos de disfrutar del arte en Moscú; pasear por sus calles y disfrutar de la variedad de estilos arquitectónicos que posee, puede resultar realmente inspirador. La capital rusa cuenta con multitud de estilos arquitectónicos, desde edificios renacentistas hasta barrocos y arquitectura moderna. Los edificios más destacados son el Kremlin, fortaleza de los zares, y la Plaza Roja, con la famosa Catedral de San Basilio. También es importante resaltar los edificios del período estaliniano como son las siete hermanas, llamadas así por ser siete rascacielos de similar diseño. El arte contemporáneo ruso se encuentra en uno de sus mejores momentos como lo demuestra el éxito de la Bienal de Moscú. Desde su inauguración en 2005, la ciudad ha reunido a lo más destacado de arte mundial, situándose como una de las capitales de referencia del arte. Además, cada primavera desde 1996 se organiza la feria de arte de Moscú, Art Moscow, que reúne también las galerías y artistas más destacados del momento.

There are other ways to enjoy art in the city – by simply walking down the street. The architecture of Moscow is diverse and inspiring, with styles ranging from the Renaissance to Baroque to Modern. The most iconic building is, of course, the Kremlin – a fortress built for the czars of a long past era, which is within walking distance of Red Square and the stunning St. Basil’s Cathedral. Not to mention the “seven sisters” Stalinist skyscrapers that pepper the downtown skyline. Russian contemporary art is at one it’s best moments, no doubt due to the Moscow Biennial. Since it’s opening in 2005 the city has brought in the most important players of the artworld, establishing itself as a hub of creative capital. In addition to the fair Art Moscow, which was established in 1996, continues each spring to highlight leading artists and regional galleries.

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Oleg Kulik ‘In the Church’ from the series RUSSIAN, 1999. Colour photo. 118.5 x 86 cm, 46.69 x 33.88 in, 115.5 x 84 cm. Courtesy Regina Gallery, London & Moscow

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New York

MARIAN GOODMAN GALLERY

DIRECTORIO/DIRECTORY

DAVID KORDANSKY GALLERY Los Angeles

Durante más de 30 años, esta galería ha jugado un papel importantísimo en la introducción de artistas europeos en Estados Unidos. Antes de abrir su galería, Marian Goodman representó y publicó libros de artistas como Richard Artschwager, John Baldessari, Dan Graham, Sol Lewitt, Roy Lichenstein, Claes Oldenburg, Robert Smithson, Andy Warhol, Joseph Beuys, Marcel Broodthaers, Blinky Palermo y Gerhard Richter. Y fue en 1977 cuando Marian Goodman dio el salto y abrió su galería en Nueva York, donde presentó la primera exposición de Marcel Broodthaers en los Estados Unidos (organizada antes de su muerte en 1976). Desde entonces, esta galería ha ido creciendo y consolidándose hasta que, en 1998, tuvo que ser ampliada.

La galería David Kordansky fue establecida en el 2003 con el deseo de integrarse con la vasta diversidad de grupos artísticos que habitan y trabajan en Los Ángeles. Una de las ideas iniciales fue no sólo usar la galería para exponer simplemente a los artistas individualmente, sino también para crear un diálogo, tanto implícito como explícito entre ellos. Es a través de una conexión directa con estos artistas que la galería ha descubierto una comunidad internacional más amplia. En otoño del 2008, la galería David Kordansky fue reubicada en un espacio de 3.300 pies cuadrados en West Los Ángeles. Con una agenda completa de eventos para el 2011, la galeria David Kordansky continúa exhibiendo artistas que exploran nuevas direcciones en el mundo del dibujo, pintura, escultura, fotografía, video y filmes.

For more than three decades, this gallery has played an important role introducing European artists in the United States. Before opening her gallery, Marian Goodman represented artists like Richard Artschwager, John Baldessari, Dan Graham, Sol Lewitt, Roy Lichenstein, Claes Oldenburg, Robert Smithson, Andy Warhol, Joseph Beuys, Marcel Broodthaers, Blinky Palermo and Gerhard Richter, and published their books. In 1977, Marian Goodman took a leap into the art world and opened her gallery in New York, where she presented Marcel Broodthaers’ first exhibition in the United States (organized before his dead in 1976). Since then, this gallery has been growing and consolidating itself in the art word, and 1998 it had to be expanded.

David Kordansky Gallery was established in 2003 with the desire both to discover and to engage with the vastly diverse group of artists living and working in Los Angeles. One of the primary ideas quickly became utilizing the gallery not merely to showcase individual artists, but also to realize the dialogue, both implicit and explicit, between them. It is through a direct connection with these artists that the gallery has discovered a wider international community.In the Fall of 2008, David Kordansky Gallery relocated to a 3,300 sq. foot space in West Los Angeles. With a full schedule of shows through 2011, David Kordansky Gallery continues its dedication to exhibiting artists exploring new directions in drawing, painting, sculpture, photography, video, and film.

ARTISTAS/ ARTISTS: Eija-Liisa Ahtila, Chantal Akerman, Giovanni Anselmo, John Baldessari, Lothar Baumgarten, Dara Birnbaum, Christian Boltanski, Marcel Broodthaers, Maurizio Cattelan, James Coleman, Tony Cragg, Richard Deacon, Tacita Dean, David Goldblatt, Dan Graham, Pierre Huyghe, Cristina Iglesias, Amar Kanwar, William Kentridge...

ARTISTAS/ ARTISTS: Markus Amm, Kathryn Andrews, Amy Bessone, Matthew Brannon, Steven Claydon, Heather Cook, Aaron Curry, Mark Flores, Will Fowler, Patrick Hill, Richard Jackson, Rashid Johnson, William E. Jones, Elad Lassry, Thomas Lawson, Alan Michael, Ruby Neri, David Noonan, Anthony Pearson, Mai-Thu Perret, Lesley Vance ...

DIRECCIÓN/ADRESS: 24 West 57th Street . New York.

DIRECCIÓN/ADRESS: 3143 S. La Cienega Blvd, Unit A. L.A.

+info: www.mariangoodman.com

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+info: www. davidkordanskygallery.com

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New York

ÀNGELS BARCELONA Barcelona

GLADSTONE GALLERY

DIRECTORIO/DIRECTORY

La galería Gladstone se especializa en arte contemporáneo y representa a 31 artistas quienes trabajan con diversos medios, incluyendo fotografía, video, film, instalaciones, pintura y escultura. La diversa practica de los artistas va desde los films de Shirin Neshat y Matthew Barney, a las esculturas de Anish Kapoor, a las fotografias y pinturas de Richard Prince y las monumentales instalaciones de Thomas Hirschhorn. Entre sus exibiciones recientes incluyen Magnus Plessen, Carroll Dunham, Paloma Varga Weisz, Catherine Opie y Rosemarie Trockel.

En nuestra programación, nos interesan trabajos que parten de un cierto escepticismo y se construyen sobre una práctica crítica del propio medio artístico y de los discursos/lenguajes que desde el mundo del arte y mediático codifican nuestra sociedad. Los proyectos que presentamos, se ocupan de niveles estructurales que cuestionan su propio valor como productos, integrándose en un medio productivo como es el de las artes.

Gladstone Gallery specializes in contemporary art and represents 31 artists who work in a variety of media, including photography, video, film, installation, painting, and sculpture. The diversity of the artists’ practices ranges from Shirin Neshat’s and Matthew Barney’s films, to the sculptures of Anish Kapoor, to the photographs and paintings of Richard Prince and the monumental installations of Thomas Hirschhorn. Recent exhibitions include Magnus Plessen, Carroll Dunham, Paloma Varga Weisz, Catherine Opie and Rosemarie Trockel.

We are interested in projects that, departing from a certain scepticism, are based on critical practices directed towards artistic mediums and discourses/languages that, from within the art world and the media, codify society. The works necessarily engage structural levels, questioning their own value as products that integrate themselves into a productive sphere, such as the arts.

ARTISTAS/ ARTISTS: Allora & Calzadilla, Gary Hill, Miroslaw Balka, Mario Merz, Ugo Rondinone, Kai Althoff, Gregor Schneider, Andro Wekua, Damián Ortega, Jan Dibbets, Cameron Jamie, Huang Yong Ping, Jim Hodges, Carrol Dunham, Cecilia Edefalk, Keith Haring, Victor Man, Sarah Lucas, Sharon Lockhart, Anish Kapoor, Dave Muller, Wangechi Mutu, JeanLuc Mylayne, Shirin Neshat, Walter Pichler, Lari Pittman, Magnus, Plessen, ...

ARTISTAS/ ARTISTS: Pep Agut, Efrén Álvarez, Peter Downsbrough, Harun Farocki, Esther Ferrer , Joan Fontcuberta , Ion Grigorescu, Alexandra Navratil , Mabel Palacín , Jaime Pitarch, Mireia C. Saladrigues , Michael Snow , Richard T. Walker

DIRECCIÓN/ADRESS: 515 West 24th Street. New York.

DIRECCIÓN/ADRESS:Pintor Fortuny, 27. Barcelona

+info: www.gladstonegallery.com

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+info: www.angelsbarcelona.com

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