Taxi Art Magazine Issue 1 by Alberto Noriega

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EDITO Como el arte, Taxi se trata de adaptar cada número a lo más contemporáneo y atractivo de nuestros días. Se escabulle rápido por avenidas, callejones y callejuelas de este apasionante camino que es el arte contemporáneo y su constante evolución y expansión. A la manera de un vehículo con intereses eclécticos, tratamos de evitar los baches, obstáculos y barreras que pueden ser las visiones impositivas, el acceso a formar parte del mundo del arte y, también, el marketing intensivo de los artistas que tienen más poder y apoyo oficial que otros. Las fronteras se han hecho difusas y todos los países, unos mas que otros, se enfrentan a las dificultades para potenciar la educación, la formación y la cultura. Por ende, los artistas se encuentran relegados a un plano donde muy poco pueden hacer para que su grito pueda ser un llamado o una vía de escape. Buscamos analizar y dejar constancia de nuestros días, para eso tenemos que dirigir nuestra mirada a la creación de cada país, como refleja en este número nuestro viaje a Australia y China. Como misión, sí, pero también como exigencia, Taxi contribuye en este sentido al llevar lo mejor del arte de todo el mundo a México y promoviendo a los mejores artistas mexicanos en el mundo. Este número se centra en la escultura contemporánea, pero desde una perspectiva vigente y revolucionaria. Obras que buscan establecer una conexión con el espectador, materiales que se convierten en la obra misma, analizando la técnica o manera de crear, con sensibilidad de cara al mensaje y al sentido —o la carencia de ambos, pues a veces sólo buscan provocarnos o arrancarnos una meditación sobre las jerarquías o lo que es o no es arte—. En esta edición vemos que es necesario que el arte contemporáneo sea también revolucionario, reivindicativo. Aunque no tienen ninguna responsabilidad directa, tiene la responsabilidad de ayudarnos a romper esquemas con su irresponsabilidad, pues lo que no puede cambiar de nuestra sociedad, sí lo puede transmitir, potenciar o reducir al absurdo. Con Taxi 01 empezamos un recorrido interactivo mediante las nuevas tecnologías; como prueba, acompaña a esta revista el nacimiento de nuestro blog (blog.taxiartmagazine.com) con noticias diarias, propone temas y obras que invitan a cuestionar el arte contemporáneo. Y es que los artistas son los dueños, artífices y cerebros, pero nosotros somos los que tenemos el derecho de evaluar la originalidad de las obras; para evadir el arte efímero, las modas y la mera novedad.

Just like art, Taxi is about adapting each issue to the most attractive and contemporary features of our time. It slips away between the avenues, alleys and narrow streets of this passionate path also known as contemporary art and it’s constant expansion and evolution. In the way of a vehicle with eclectic interests, we try to avoid pot holes, obstacles and barriers that can be domineering visions, the access to become a part of the art world, and the intense marketing of the artists who have more financial support and who are more powerful than others. Borders have become blurry and every country, some less than others, face up to the difficulties to promote education, cultivation and culture. Hence, artists are relegated to a level where they can’t manage to make their voice sound or find an escape route. We seek to analyze and leave a trace of our days, and in order to achieve it we have to move our focus towards the creation of every country, like is reflected in this issue in our trips to Australia and China. It is Taxi’s mission, but also its’ demand, to contribute in this sense to take the best of international arts to the Mexican and international public, promoting the best Mexican artists all around the world. This issue is based on contemporary sculpture, from a current and revolutionary perspective. Works that seek to establish a connection with the viewer; materials that become the work itself, analyzing the technique or the course of creation, with sensibility facing the message and sense — or the lack of both, because sometimes they only seek to stimulate us or abstract a reflection on hierarchies or what is or isn’t art. In this issue we notice that it is necessary for contemporary art to be also revolutionary, restoring. Even though it has not a direct constraint, it has the responsibility to help us breaking new ground with its lack of responsibility, because what can’t be changed in our society might be transmitted, fostered or reduced to absurdity. Taxi 01 begins an interactive trip through new technologies; as a proof, this magazine is launched with our blog (blog.taxiartmagazine.com) with daily news and it suggests subjects and works that encourage us to question contemporary art. Artists are the owners, craftsmen and master minds behind their works, but we are the ones who get to evaluate their originality, in order to avoid ephemeral art, simple trends and mere novelties.

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INDEX TALKING ABOUT

Apropiación ...12-15 The body in women’s art now ...16-19 Modelos para armar ...20-23 The original copy ...24-27

NEWS ...30-39 NEWS OF THE MARKET ...42-43 BOOK&BLOGS ...44-45 ART VIEW

Revolution ...56-57 Mirrors ...58-59

VIDEOART

Peter Downsbrough ...60-61

MEXICAN ART

Gonzalo Lebrija ...50-55 Aldo Chaparro ...62-67 Artes Plásticas ...86-87

TALENTS

Karmelo Bermejo ...68-77

OBSESSIONS

Newspeak British Art Now ...78-83 New Photography ...122-129

INSPIRE

ZOOM

Gerhard Demetz ...90-97 Rober Gober ...98-103 Jeff Koons ...104-107 Joan Cortés ...108-111 Urs Fischer ...112-115 Thom Puckey ...116-121

Patrick Charpenel ...130-137

ART FAIRS

Calendario/Schedule ...46-47 Melbourne Art Fair ...138-143 Art Basel- Miami ...144-153

TO TRAVEL

issue #1

Shanghai in the art ...154-159

DIRECTORY ...160-161

Cualquier forma de reproducción, distribución, comunicación pública o transformación de esta obra sólo puede ser realizada con la autorización de sus titulares, salvo excepción prevista por Ley. Taxi Art Magazine no se responsabiliza de las opiniones vertidas por sus articulistas y entrevistados.

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STAFF Ignacio Orozco DIRECCIÓN Ignacio@taxiartmagazine.com Promotora Arte PRODUCCIÓN info@promotoraarte.com

Luis Miguel Villaseñor EDITOR Y DIRECCIÓN DE ARTE luism@taxiartmagazine.com Karla González EDITORA Y DIRECTORA DE CONTENIDOS karla@taxiartmagazine.com Judith Pastor Flores REDACCIÓN Y PRODUCCIÓN judith@taxiartmagazine.com Alberto Noriega REDACCIÓN Y EDICIÓN alberto@taxiartmagazine.com Alberto Noriega y Daniela Valdés TRADUCCIÓN redaccion@taxiartmagazine.com Víctor Martínez y Ricardo Duarte CONSEJO EDITORIAL contacto@taxiartmagazine.com Equipo Taxi MAQUETACIÓN contacto@taxiartmagazine.com Rodrigo Hernández Orozco COMERCIALIZACIÓN rodrigo@taxiartmagazine.com Martha Ramírez y Oscar Naveja PROMOCIÓN Y RRPP martha@taxiartmagazine.com, oscar@taxiartmagazine.com Martha Ramírez Newton, Juan Pablo Reyes , Ruben González DISTRIBUCIÓN AMERICA martha@taxiartmagazine.com, juanpablo@taxiartmagazine.com, ruben@taxiartmagazine.com Karla González DISTRIBUCIÓN Y COMERCIALIZACIÓN EUROPA karla@taxiartmagazine.com

BUZÓN DE SUGERENCIAS contacto@taxiartmagazine.com PARA COLABORAR CON NOSOTROS colaboradores@taxiartmagazine.com COLABORADORES Almudena Alcaide, Diego Barbosa, Isa Carrillo, Dolores Garnica, Anabel Brotons, Andrea Carandini, John Patrick Kirby, Rachel Mehlhaff, Paolo Fusco, Joël Pauli, Veronika Mironenko, Serena Rizzo, María Velázquez y Surco Balbuena, Lorena Peña, Francisco Rojas. AGRADECIMIENTOS Fundación Península, Patrick Charpenel, Juan Roura, Miguel Soler, Annette Merrild y Rubén Méndez PORTADA Courtesy Gerhard Demetz

www.taxiartmagazine.com blog.taxiartmagazine.com

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APROPIACIÓN

“Si se trata del arte de descontextualizar y resignificar, entonces las posibilidades resultan infinitas. La apropiación es el sustantivo del arte contemporáneo que polemiza, discute y pregunta”/ “If it is about decontextualizing and resignifying, then the resulting possibilities are infinite. Appropriation is a noun of contemporary art that argues, discusses and inquires” TEXTO: DOLORES GARNICA Guadalajara (MÉXICO) FOTOS: Courtesy Barbara Krakow Gallery and Paolo Curti

“Es sólo una llanta en el museo”, es uno de los clásicos y más repetidos argumentos en las discusiones sobre arte contemporáneo. Recuerdo la sonrisa de un pintor al responder que el óleo era para él “un tubito por donde sale pintura”. Entonces, “es sólo una tela manchada” cabría como respuesta irónica para la discusión. Eso lo sabe bien Mike Bidlo, artista visual estadounidense, con sus ‘Not Pollock’, ‘Not Picasso’ y ‘Not Duchamp’; reproducciones de las obras originales que recuerdan el valor material y sustancial del arte. Así como Richard Serra nos vuelve concientes de nuestro cuerpo, Bidlo nos devuelve la materialidad y la teoría de lo que nos estremece en un museo. El readymade es el antecedente más cercano a la “apropiación”, pero intentar validarlo a casi cien años resulta ocioso y existen cientos de artículos sobre el asunto. Marcel Duchamp explicó en alguna entrevista: “La palabra ‘ready-made’ se me presentó en ese momento, parecía adecuarse perfectamente a cosas que no eran obras de arte, ni esbozos, y para las cuales no

implicaba el término ‘arte’. Tienes que acercarte a las cosas con indiferencia, como si carecieras de emociones. La elección de los ready-mades está siempre basada en la indiferencia visual y, al mismo tiempo, con la carencia total de buen o mal gusto”. Sherrie Levine fundió en bronce una reproducción del urinario de Duchamp, no lo hizo para negar su originalidad y autenticidad, más bien, como una dialéctica con estos conceptos. Otros ejemplos pueden ser Rubén Méndez cuando pintó una escena de la película ‘Girl with a Pearl Earing,’ adaptación de Peter Webber de la novela de Tracy Chevalier que surge a partir de una pintura de Vermeer. También, Richard Prince cuando fotografiaba revistas y anuncios de la campaña de Marlboro, creada por Leo Burnett, en 1954, ‘Marlboro Man’ es una de las mejores ideas publicitarias del siglo pasado. La apropiación hoy parece tener características agregadas, sirve para subrayar la importancia de la imagen, la influencia de la sociedad de consumo, la omnipresencia de la publicidad, la explotación de una

idea original hasta sus últimos extremos, y muchas reflexiones, expresiones, visiones y meditaciones más. Si el primer sentido del ready-made consistía en aislar algo de su contexto para otorgarle otro significado, para darle un voz distinta, entonces las posibilidades de la apropiación resultarían infinitas: todo se puede descontextualizar, ¿cualquier objeto en un museo cobra nuevo sentido y plantea nuevas preguntas? Basta mirar alrededor y encontrar el inmenso compendio imperecedero de cosas dispuestas a este menester. El desplazamiento, incluso el físico, jugaba un papel predominante en el ejercicio de Duchamp: el urinario fue al museo. La rueda de bicicleta llegó a un espacio que valida al arte. Allí tomó sentido. Si la fotografía obligó a la pintura a cambiar (si hacemos caso a los posmodernistas), la reflexión en torno al ready-made obligó a la apropiación a buscar propósitos que la definieran, y no para poder entenderla, pero sí para replantearse y encontrar nuevos desafíos que la hicieran perdurar y desarrollarse. Resulta fácil llevar co-

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Mike Bidlo, ‘The fountain drawing, mixed’- Courtesy Paolo Curty

sas y más cosas al museo para que se vean diferentes allí, resulta un objetivo que cansa y decae fácilmente, eso lo demostraron varias vanguardias. La apropiación sabe de su breve futuro al contentarse sólo con su primer sentido, por eso buscó y busca nuevas estrategias y procesos para concebirse más como un soporte que como una expresión. “Duchamp desde el principio fue un pintor de ideas que nunca cedió a la falacia de concebir la pintura como un arte puramente manual o visual”, escribió Octavio Paz. Duchamp concebía verbalmente lo que después se transformaría en imagen. El sentido de la apropiación tiene que ver con su ideal verbal, con el proceso, contextos, textos, discursos, alrededores, escenarios, espacios y tiempos que rodean a un objeto en particular (pintura, fotografía, objetos utilitarios, etcétera). Desde aquí la apropiación encuentra varias vertientes, significados y características: para muchos, su esencia es un método que tiene que

ver con la reproducción casi exacta de algo creado por alguien más: la fotografía de una fotografía, la pintura de una pintura o la instalación de una instalación, además de su misión descontextualizadora. En ‘The bed Ethel Rosenberg slept in the night before her execution’ (La cama en la que Ethel Rosemberg durmió en la noche de su ejecución) de Ronald Jones, fechada entre 1953-1998 (del año de la ejecución al año de la exhibición), se adentra según algunos críticos no en los confines de la apropiación, sino en los del arte que explora el objeto cotidiano. Sin el título, la pieza sería una simple cama en la sala de un museo. La pieza de Ronald Jones también medita sobre otro protagonista esencial en la apropiación: el espectador, el que mira la obra y entiende condiciones, contextos, que se trata de una obra de arte que reproduce otra obra de arte, o un objeto descontextualizado al que habrá que encontrarle un nuevo sentido; o, quizás, pregunta algo sobre política, moral, mercado,

conciencia colectiva, originalidad, etcétera. Es él quien legitima a la cama de Ronald Jones como su pieza, aunque Ronald Jones no la fabricara. Además de las preguntas y las respuestas planteadas por el artista, la apropiación lleva en su esencia una profunda discusión sobre estatus, valores, características y cualidades del arte; de los que hacen, validan, exponen, venden, compran, contemplan o disfrutan del arte. Es un soporte que lleva en sí mismo una reflexión, y que puede utilizarse para expresar en ella otro montón de ideas, imágenes, discusiones, horrores y placeres. Resulta materia prima concebida para crear cuidadosa y detalladamente. Pero su abuso perjudica la salud. Habrá que ver si el futuro le depara definición, marco teórico y metodológico; es cuestión de cómo la utilizan los creadores, cómo se exhibe, se vende, se compra, se expone y se valida ante las nuevas visiones teóricas del arte. A final de cuentas, “no es sólo una llanta en el museo”.

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Sherrie Levine, ‘After Degas #3’, 1987- Courtesy Barbara Krakow Gallery

“It’s just a wheel at the museum,” is one classical and more repeated argument in many discussions about contemporary art. I remember the smile in an artist face when he answered that for him, oil was just “the little tube that contains the paint.” So, “it is just a stained cloth” is the perfect ironic answer to end the discussion. If someone knows the meaning of this words is the American visual artist Mike Bidlo, with his work ‘Not Pollock,’ ‘Not Picasso’ and ‘Not Duchamp;’ reproductions of the original paintings that remind us of the material and substantial value of arts. Just as Richard Serra makes us aware our body, Bidlo brings back the theory and the material aspect of what really moves us in a museum. The readymade is the closest precedent of “appropiation,” but trying to validate it one hundred years latter seems pointless, not to mention that there are hundreds of papers about it. Marcel Duchamp explained in an interview somewhere: “The word ‘ready-made’ came to me in this moment; it seems to fit perfectly into some things that were not art pieces nor sketches, and which did not involve the term ‘art.’ You have to approach things with

function is to emphasize the importance of the image, the influence of the consumer “El readymade es el antecedente society, the omnipresence of más cercano a la “apropiación”, advertising, the exploitation pero intentar validarlo a casi of an original idea to the ulticien años resulta ocioso y mate context, several reflecexisten cientos de artículos tions, expressions, visions sobre el asunto” and more meditation. If the first meaning of ready-made consisted in isolating something from and indiferent attitude, as if you had no its context to grant a different connoemotions. The choice of ready-mades is tation, a distant voice, then the chances always based on visual indifference, and of appropiation would become unlimiat the same time, with a total lack of taste, ted: everything could be taken out of good or bad.” Sherrie Levine melted bron- context, so, can any object in a museum ze to create a reproduction of Duchamp’s obtain a new meaning and raise new urinary, and she didn’t do so in order to questions? We just need to look around deny its originality and authenticity, more and find the enormous everlasting summary of things determined for this matlike dialectic with these concepts. Another example is Rubén Méndez when ter. Displacement, even physically, used he painted a scene for the film ‘Girl with a to play a dominant role in Duchamp’s Pearl Earing,’ Peter Webber’s adaptation of exercise: the urinary was taken to the Tracy Chevalier’s book inspired by a Ver- museum. The bicycle wheel was transmeer painting. Also Richard Prince taking ported to a space that validates art. It photographs from magazines and adverti- was then when it gained its meaning. sements from Malboro’s campaign, crea- If photography forced painting to diverted by Leo Burnett in 1954, ‘Malboro Man’ sify (taking into account postmodern is one of the best advertising ideas from theories,) the reflection about ready-made the last century. Nowadays, appropiation forced appropiation to seek defining purseems to have added characteristics; it’s poses, not to understand it, but to redefine

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Sherrie Levine, ‘After Degas #1’, 1987- Courtesy Barbara Krakow Gallery

and find new challenges that would make it last and evolve. It’s easy to bring more and “The ready-made is the closest more stuff to the museum antecedent of “appopriation”, so it can look different, acbut validating it after almost tually it is an enterprise that a hundred years seems pointless easily becomes monotonous and there are several articles and deteriorated, which referring to this” was manifested by several vanguards. Appropiation is aware of it’s ephemeral future if it’s fulfilled only by its first meaning, that’s the reason why it to do with the almost exact reproduction sought and still seeks for new strategies of something created by someone else: the and processes in order to be conceived photograph of a photograph, the painting more like the reinforcement of an expres- of a painting or the installation of an installation, as well as its mission of taking sion than an expression itself. “From the beginning, Duchamp was a things out of context. Ronald Jones’ ‘The paintor of ideas who never surrendered bed Ethel Rosenberg slept the night befoto the fallacy of conceiving painting as a re her execution’ which dates from 1953 purely manual or visual art,” wrote Oc- to 1998 (from the year of the execution to tavio Paz. Duchamp conceived verbally the year of the exhibition,) according to what he would later transform into ima- some critics, deepens into the borders of ges. The meaning of appropiation has to an art that explores the everyday object, do with its verbal ideal, with the process, as opposed to the borders of appropiation. context, texts, discourses, surroundings, Without it’s title, the piece would only be scenarios, spaces and times that enclose a a simple bed displayed in a museum. particular object (painting, photography, Ronald Jones’ piece also meditates on practical objects, etcetera.) From this po- other essential character in appropiation: int of view, appropiation achieves several the view, the one who looks the piece and aspects, meanings and characteristics: understands conditions, contexts, that for some, it’s essence is a method that has it is about a work of art that reproduces

another work of art, or an object taken out of context which needs to find a new meaning, or perhaps is asking about politics, moral, marketing, collective consciousness, etcetera. He is the one who validates Ronald Jones’ bed as a piece of his own, even if Ronald Jones did not manufacture it. Besides from the questions and answers of the artist, the essence of appropiation suggests a deep argument about status, values, characteristics and qualities of art; of the ones who create, validate, exhibit, sell, buy, watch or enjoy art. It is a reinforcement that comes with a reflection, and that can be used to express a bunch of ideas, images, discussions, horrors and pleasures. It results in raw materials conceived to create with carefully and in detail. But taking advantage of it can be detrimental to health. It only remains to observe if the future establishes its’ definition, a theoretical and methodological frame; it depends on the way that creators use it, the way in which it’s exhibited, sold, bought, exposed and validated before the new theoretical visions of art. In the end, “it’s not only a wheel at the museum.”

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ThE BodY In women’s

Art now

“Las tres exposiciones representan el cuerpo desde diferentes posiciones en relación con el arte femenino de esta década”/ “The three exhibitions portray the body from different points of view related to the feminine art of this decade” TEXTO: ANABEL BROTONS Londres (REINO UNIDO) FOTOS: Courtesy Rollo Contemporary Art

‘The Body in Women’s Art Now’ es un proyecto que ofrece una perspectiva feminista del arte contemporáneo a través de tres exposiciones. ‘FluxPart 2’ está en la galería Rollo y próximamente estará en el New Hall Art Collection. Ésta es la continuación de la exitosa muestra ‘Embodied-Part 1’, y dará paso a ‘Remade-Part 3’, que cerrará este ciclo de exposiciones. En ‘The Body in Women’s Art Now’ la idea central es el cuerpo. Tres exposiciones lo representan desde diferentes posiciones en relación con el arte femenino de esta década. ‘Flux-Part 2’ analiza la inestabilidad del cuerpo como medio para representar a la mujer. Nos muestra su potencialidad sexual en su máxima expresión. A través de ella, exploramos la complejidad de la identidad femenina. La inestabilidad y la fluidez del cuerpo, tanto en estado de degradación como de sublimación, está representado a través de pinturas, dibujos, animaciones y vídeos. Por medio de estas formas diferentes de expresar su arte, se define la actitud de la mujer en relación al cuerpo, y se consigue romper con visiones tradicionales. Esta exposición muestra el trabajo de seis artistas durante los últimos diez años. El trabajo en conjunto de estas mujeres –de diferentes estilos y trayectorias– demuestra la maravillosa comunicación artística que hay entre sus obras y que transmiten al observador. Entre las mujeres que forman

parte de este proyecto se encuentran algunas de las artistas más conocidas en el mundo del arte como Tracy Emin y Cecyly Brown. Ambas, junto a Tiina Heiska, cuentan con una trayectoria profesional con más de diez años. Pero también encontramos talentos emergentes como Nathalie Djurberg, Helen Carmel Benigson y Sarah Lederman, mujeres que actualmente cuentan con un reconocimiento artístico excelente. Nathalie Djurberg contribuye a este proyecto a través de sus videos de animación con figuras de plastilina. Personajes que se deforman en una mezcla de fantasía y deseo corpóreo. Sus personajes no tienen conciencia y actúan siguiendo impulsos salvajes. Buscan libertad por medio de la violencia, la obsesión y la lujuria. En sus vídeos se percibe la lucha física por la vida, en pos de conseguir algo de luz espiritual. Helen Carmel Benigson, por su parte, presenta una instalación de vídeo que mezcla láminas de colores con sonidos que crean imágenes del cuerpo femenino. Éstas expresan sexualidad en una forma más antagónica. Su obra contrasta estereotipos históricos y culturales, para presentarlos en armonía con sus contradicciones y complejidades. Sarah Lederman crea desnudos y semidesnudos de adolescentes en pinturas definidas, pero que acaban derramándose en infinitas gotas que representan el cuerpo en estado de fluidez y libertad. Sus pinturas analizan al ser,

sus fantasías y, sobre todo, el deseo de ser algo que el cuerpo no deja ser. Ellas buscan expresar libertad. Los desnudos de Lederman son vulnerables y provocativos, otra complejidad más del cuerpo y de la identidad femenina. Tiina Heiska nos conduce con sus retratos a apreciar cómo los adolescentes muestran la ambigüedad de su cuerpo. Las protagonistas de sus obras buscan nuestra complicidad con sus controvertidas poses que parecen más bien un juego. Sus pinturas, en un principio, parecen apacibles, pero crean mucha incertidumbre. La presencia de otra persona se puede sentir, pero no ver, lo cual crea cierta tensión y vouyerismo. Todas las artistas muestran ambiguos y complejos trabajos. Heiska, Lederman y Benigson se centran en la adolescencia, el periodo en el cual la identidad está en continua construcción. Djurberg, Lederman y Heiska exploran el continuo cambio y degradación del cuerpo. Brown y Emin expresan con sus obras erotismo, deseo, pasión y sensualidad; proclaman con orgullo su identidad femenina. El conjunto de todas las obras contribuyen de manera positiva al arte femenino y a posibilitar un análisis del cuerpo en el arte de nuestro tiempo. ‘The Body in Women’s Art Now’ realza la compleja relación del arte contemporáneo con sus mujeres artistas y, también, cómo se continua construyendo la identidad femenina.

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Sarah Lederman, ‘Ascending in Tights II’, 2010

Sarah Lederman, ‘Ascending in Tights I’, 2009

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“La inestabilidad y la fluidez del cuerpo, tanto en estado de degradación como de sublimación, está representado a través de pinturas, dibujos, animaciones y vídeos”/ “The body’s lack of stability and fluency, when is degraded or sublimated, is represented by painting, drawings, animations and videos”

‘The Body in Women’s Art Now’ is a project that offers a feminist perspective of contemporary art through three exhibitions. ‘Flux-Part 2’ at Rollo gallery and soon will be exhibited in the New Hall Art Collection. This is the continuation of the show ‘Embodied-Part 1’ and it will be followed by ‘Remade-Part 3,’ which will close this cycle of exhibitions. The main idea of ‘The Body in Women’s Art Now’ is the body itself. The three exhibitions portray the body from different positions relating to feminine art of this decade. ‘Flux-Part 2’ analyzes the body’s lack of stability as a way for representing women. It shows us it sexual potential at its utmost expression. Through this show we explore the complexity of the feminine identity. The lack of body’s stability and fluency, when it is in state of degradation and sublimation, represented through paintings, drawings, animations and videos. By means of different ways of expressing their art, it defines women’s attitude towards her body, breaking the traditional vision. This exhibition displays oeuvre of six artists during the past ten years. The collection of works by these women – from different backgrounds and styles – makes evident the wonderful artistic communication between their pieces and what they convey to the viewer. Among the women who are part of this project are some of the most renowned artists in the art world, such as Tracy

Emin and Cecyly Brown. Both of them, along with Tiina Heiska, have been working in the professional art world for more than ten years. However, there are also emerging talents as Nathalie Djurberg, Helen Carmel Benigson and Sarah Lederman, women who already possess an important artistic acknowledgement. Nathalie Djurberg contributes to this project with her animated videos with clay figures. Her characters deform into a blend of fantasy and corporeal desire. Her characters aren’t endowed with conscience, they act ruled by wild impulses. They are on the quest of freedom through violence, obsession and lust. In her videos you can sense the physical struggle for life, in order to obtain some spiritual light. As for Helen Carmel Benigson, in turn, she presents a video installation that combines color sheets with sounds in order to create images of a feminine body. They express sexuality in a conflicting manner. Her work is a contrast of historical and cultural stereotypes, and presents them in harmony with their contradictions and complexities. Sarah Lederman creates nudes and seminudes by portraying adolescents in defined paintings, however, they end-up shedding infinite drops that represent

the body’s state of fluency and freedom. Her paintings analyze the human being, the fantasies and specially the desire to be something that the body won’t let us be. They all try to express their freedom. Lederman’s nudes are vulnerable and provocative, another complexity of the feminine body and identity. Tiina Heiska portraits let us appreciate how adolescents show the ambiguity of their bodies. The protagonists of her pieces look forward to our compliance through their controversial poses that seem like a game. Her paintings, at first, seem serene, but they create uncertainty. One can feel, but not to be certain about, the presence of another person, something that creates tension and voyeurism. All the artists mentioned display ambiguous and complex works. Heiska, Lederman and Benigson are focused on adolescence, the period in which identity is under continuous construction. Djurberg, Lederman and Heiska explore the continuous change and the degradation of the body. Brown and Emin express eroticism, desire, passion and sexuality in their pieces; they proclaim proudly their feminine identity. The collection of all these oeuvres contribute positively to feminine art and to make possible to analyze the body today’s art. ‘The Body in Women’s Art Now’ emphasizes the complex relation between female artists and contemporary art, and also the way in which the feminine identity is always a work in progress.

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1. Tiina Heiska, ‘Untitled’ (from the series butterfly caught 4), 2008/ 2. Helen Carmel Benigson, Video ‘Wet/Wet’, 2010

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MODELOS

armar

“La exposición invita al espectador a ser participante activo y elegir su propio itinerario, sin establecer jerarquías ni prioridades en el orden de las salas”/ “The exhibition invites to the viewer to be the most active participant and to define their own path across the whole exhibition, this is possible without establishing hierarchies or priorities in the order of the rooms” TEXTO: ANDREA CARANDINI Madrid (ESPAÑA) FOTOS: Courtesy MUSAC

Con motivo de su quinto aniversario, el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC) presenta obra de 40 artistas contemporáneos latinoamericanos, en el marco de la exposición ‘Modelos para armar. Pensar Latinoamérica desde la colección MUSAC’. La exposición plantea un recorrido por la obra de artistas latinoamericanos consagrados y emergentes de todas las disciplinas, obras que el MUSAC ha adquirido entre 2007 y 2010. Se trata de un recorrido diseñado por el arquitecto, Andreas Angelidakis, basado en la novela ‘62. Modelo para armar’ de Julio Cortázar, publicada en 1968. Como en la novela, aunque salvando las distancias, la exposición invita al espectador a ser participante activo y elegir su propio itinerario, sin establecer jerarquías ni prioridades en el orden de las salas. Ejercicio que Cortázar también proponía con las formas de leer su ‘Rayuela’. A lo largo de las 11 salas de la exposición, diferentes obras se agrupan según conceptos o subtemas similares, el visitante es libre de deambular por ellas a su antojo. El itinerario, por ejemplo, comienza por la primera sala (que es la última, también), y ahí se nos presentan una serie de obras que introducen el tono “desarmado” que la exposición plantea. Ejemplo de lo anterior es la obra ‘Fantasma’, del mexicano Damián Ortega, que exhibe un Volkswagen Sedán (el famoso vocho, vehículo de la clase trabajadora mexicana por antonomasia) desmontado y con su estructura suspendida mediante un

cable de acero desde el techo. También, la performance ‘Una cosa es una cosa’ de María Teresa Hincapié, marcada por un fuerte sentido simbólico y ritual, al colocar en el suelo elementos cotidianos con forma circular extraídos de una maleta durante seis horas. Una de las obras más representativas de la muestra es el mural ‘Modelos de construcción de objetos’, del mexicano Erick Beltrán, el cual representa a modo de un diagrama de constelaciones, conceptos referentes a cuestiones de naturaleza enciclopédica. Destaca la obra ‘Sin título, Glass on body imprints’ de la fallecida Ana Mendieta, una de las figuras más importantes del body-art durante los años 70. En esta fotografía su propio cuerpo aparece presionado contra el cristal buscando deformarlo. Más adelante, observamos los conflictos de la memoria y la no permanencia del arte, mediante la vídeo-instalación de Oscar Muñoz, ‘Biographies’, en la que rostros hechos con polvo de carbón se desfiguran hasta desaparecer, diluidos por el agua que se escurre por el lavabo. Esto provoca al visitante interesantes conclusiones; la vida como un retrato que se desgasta o, también, invita a pensar en el tema de la inmediatez y la evanescencia, esto no suele ser común en las obras de arte, pero ahí está el vídeo para cumplir su función y ser soporte para que pueda quedar todo grabado en nuestra memoria. Otro de los temas de la exposición es cómo ha evolucionado la forma de vivir y nuestra visión de las grandes

ciudades. Esto se refleja en la obra de Jorge Macchi, ‘Buenos Aires Tour’. Macchi nos presenta un gran mural que se inspira en un recorrido por Buenos Aires a través de elementos encontrados en la ciudad, como fotografías, vídeos, basura, etc. Si seguimos por el entrópico recorrido de los pasillos de la exposición, nos encontraremos con la impactante instalación de Carlos Garaicoa ‘De como la tierra se quiere parecer al cielo (II)’, cuya primera versión fue presentada en la Bienal de Venecia. Es la maqueta de una ciudad de noche, donde las luces parecen estrellas. En el vídeo de François Bucher ‘Balance de blancos (Pensar es olvidar diferencias)’, se reflexiona sobre el 11 de septiembre y cómo la información y los medios de comunicación ocupan un lugar crucial y primordial para escribir la historia contemporánea. Por último, en ‘Evidencias: narrativas ínfimas o dramaturgia condensada: León 2010’, Carla Zaccgnini reflexiona sobre los clichés referentes a la cultura latinoamericana encontrados en diferentes diarios de la ciudad de León. Todas las obras se entrelazan en la exposición como un ars combinatorial infinito, o un prisma de interpretaciones y perspectivas sobre el estado de la creatividad latinoamericana hoy. Favorece y anima al espectador a reflexionar y encontrar sus propias interrogantes y conclusiones, como solemos hacer cuando nos encontramos una obra sin un desenlace.

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“Todas las obras se entrelazan en la exposición como un ars combinatorial infinito, o un prisma de interpretaciones y perspectivas sobre el estado de la creatividad latinoamericana hoy en día”/ “All these works are entangled within the exhibition in an infinite combinatorial ars, like a prism of interpretations and perspectives about the condition of Latin-American creativity in present day”

On the occasion of its fifth anniversary, the Museo de Arte Contemporáneo Castilla y León (MUSAC or Museum of Contemporary Art Castilla and Leon) presents the work of 40 Latin-American contemporary artists, within the framework of the exhibition ‘Modelos para armar. Pensar Latinoamérica desde la colección MUSAC’ (A Model Kit. Analysing Latin-America from MUSAC’s collection.) The exhibition suggests a journey through the work of acclaimed and emerging Latin-American artists with different fields of study, pieces that MUSAC has acquired from 2007 to 2010. The route was designed by the architect Andreas Angelidakis, based on ‘62. A Model Kit’ by Julio Cortázar, published in 1968. Like the novel, although covering the distances, this exhibition invites the members of the audience to become an active participant and choose his/ her own itinerary, without priority or hierarchy in the room order. An exercise suggested by Cortázar in Hopscotch. From the beginning to the end, the 11 exhibition rooms display group concepts or similar subtopics, and the viewer is free to walk around them as he/she pleases. For instance, the itinerary starts in the first room (that is also the last one) and from a series of works introducing the concept of several pieces suggested before. For example Damián Ortega’s ‘Fantasma’ (Ghost) exhibits a Volkswagen Sedan (the famous beetle, the quintessential car of the working class in Mexico) dismantled and with a structure suspended by a steel cable hanging from the ceiling. Also, María Teresa

Hincapié’s performance ‘Una cosa es una cosa’ (One Thing is One Thing,) marked by a strong symbolic and ritual meanings, placing on the floor daily elements extracted from a suitcase for six hours in a circular manner. One of the most representative pieces of the exhibition is the mural entitled ‘Modelos de construcción de objetos’ (Objects for Construction Models) by the Mexican artist Erick Beltrán. The piece represents a sort of constellation diagram, different concepts for matters of encyclopedic nature. A piece that stands out is ‘Sin título, Glass on Body Imprints’ (Untitled, Glass on Body Imprints) by the deceased Ana Mendieta, one of the most prominent figures of the body art in the 70’s. In this picture, she presses her body against the glass in order to distort its image. Afterwards, we can observe the conflicts of art’s lack of continuance and memory in ‘Biographies’, a video installation by Oscar Muñoz which consists of faces turned into charcoal, faded away and disfigured, dissolving in the sink merging with the running water. This motivates the visitor to draw interesting conclusions: life as a fading portrait, and invites us to think about immediacy and evanescence, which are not common subjects in art works, but there it is, the video making a statement and helping us to record this fact in our memory. The exhibition also deals with the

subject of evolution in our way of living and our vision of big cities. This is reflected in the work of Jorge Macchi, ‘Buenos Aires Tour.’ Macchi presents a big mural inspired by a trip to Buenos Aires throughout the elements he found in the city like pictures, videos, garbage, etc. If we follow the atypical journey through the halls of the exhibition, we will find Carlos Garaicoa’s shocking installation ‘De como la tierra se quiere parecer al cielo II’ (The Way in which the Earth Wants to Resemble the Sky II,) which first version was presented at the Venice Biennale. It is a model of a city in the night, its lights resembling the stars. In François Bucher’s video ‘Balance de blancos (Pensar es olvidar diferencias)’ (White Balance (to think is to forget differences,) which reflects on the 9/11 and how the media and information have a crucial and main place in the way we are writing contemporary history. Last but not least, in ‘Evidencias: narrativas ínfimas o dramaturgia condensada: León 2010’ (Evidence: negligible narratives or condensed drama: León 2010,) Carla Zaccgnini reflects on the clichés of LatinAmerican culture found in several newspapers in León. All the pieces in the exhibition are intertwined as an infinite ars combinatorial, or a prism of interpretations and perspectives about the state of Latin American creativity today. It favors and encourages the viewer to reflect on and draw his/her own conclusions and questions, as we usually make when we find a piece with no denouement.

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THE ORIGINAL CopY TEXTO: ALMUDENA ALCAIDE Nueva York (EE.UU.) FOTOS: Courtesy MOMA New York

“¿Qué es arte cuando se hace una fotografía de una escultura?, ¿es la fotografía o la escultura fotografiada?”/ What is art when we see a photograph of a sculpture? Is it the picture or the sculpture that is being photographed?

¿Qué es arte cuando se hace una fotografía de una escultura? ¿Es la fotografía o la escultura fotografiada? Este es uno de los temas principales que aborda la exposición ‘The Original Copy: fotografías de esculturas desde 1839 hasta la actualidad’, acogida por el MOMA de Nueva York. Esta exposición alberga una selección de casi 300 fotografías de más de 100 artistas que van desde el modernismo hasta la actualidad. Explica cómo y porqué la escultura se ha convertido en un tema fotográfico más. Las obras seleccionadas abordan el tema de cómo la fotografía puede documentar y, a su vez, expresar una forma concreta de entender la obra y convertirse en arte. La exposición está dividida en diez temas que profundizan en la identidad de la escultura fotografiada. Habla de fotógrafos como Charles Nègre o Stephen Thompson que fotografiaban Notre Dame o el Museo Británico, respectivamente. Todo para que el espectador pudiera acceder a un mundo que antes le era vedado. También podemos ver cómo Rodin daba directrices escultóricas y controlaba las fotografías que ejecutaban Eugène Druet o Edward Steichen. Incluso, podemos observar la importancia de las esculturas

políticas y su iconografía, reflejado en fotografías tomadas por Sibylle Bergemann o Walker Evans; e incluso, a artistas como Eleanor Antin, Ana Mendieta, Dennis Oppenheim, Charles Ray, Valie Export y Hannah Wilke que consideran que el cuerpo humano es una escultura animada. Encontramos en ésta exposición una serie de fotografías surrealistas de Herbert Bayer, Edward Weston, Horst. P Horst y Man Ray, entre otros. En ellas se pueden observar fotografías de muñecos, maniquís y autómatas que proyectan una imagen un tanto perturbadora del canon estético y ponen en entredicho el concepto de belleza clásica. Muchos de ellos debieron preguntarse: “¿Cómo la ‘Venus de Milo’ puede considerarse la perfección estética del cuerpo femenino?, cuando no posee brazos”. También se podía observar la serie fotográfica de los ready-made de Duchamp, donde el artista realiza fotografías con la técnica pochoir, que consiste en aplicar color a mano mediante plantillas. Al utilizar ésta técnica tan elaborada sobre fotografías de los ready-made, Duchamp consigue distorsionar los límites entre objeto, pieza de arte y copia.

Desde hace mucho tiempo, la copia ha poseído la doble lectura de si aporta o no algo nuevo a la pieza original. Cuando la fotografía se inventó, una nueva perspectiva se creó acerca de cómo un acto instantáneo puede considerarse arte. La dualidad se hace aún más enérgica cuando la fotografía tomada contiene una pieza que nos plantea cierta duda de si ésta es para documentar o si existe una intención detrás. El estilo, el ángulo, la luz; o incluso técnicas de manipulación utilizadas en el cuarto oscuro, todas son herramientas con las que el artista puede jugar para expresar una intención o un punto de vista personal sobre la obra fotografiada. Es más, la fotografía de arte es tan importante en nuestra época que, muchas veces, el observador puede sorprenderse al ver una escultura que sólo había observado en dos dimensiones, ¿cuántos entusiastas del arte tienen la suerte de presenciar las obras in situ? Esta exposición enseña los puntos en común entre la fotografía y la escultura. Además, enseña a entender los límites o la carencia de estos. Depende del espectador decidir si la fotografía de esculturas es arte o, simplemente, otro tipo particular de información.

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Horst P. Horst. American, born Germany, 1906–1999 Costume for Salvador Dalí’s “Dream of Venus”. 1939 Gelatin silver print, 10 x 7 1/2” (25.4 x 19 cm) The Museum of Modern Art, New York. Gift of James Thrall Soby © 2010 Horst P. Horst/Art + Commerce

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Yves Klein, French, 1928–1962. Photograph by Harry Shunk, French, 1924–2006, and János Kender, Hungarian, 1937–1983 Leap into the Void. 1960 Gelatin silver print, 13 11/16 x 10 7/8” (34.8 x 27.6 cm) The Museum of Modern Art, New York. David H. McAlpin Fund © 2009 Artists Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Paris. Photo: Shunk/Kender, © Roy Lichtenstein Foundation

We can also see how Rodin What is comsidered art gave sculptural instructions when we see a photograph of “Desde hace mucho tiempo, la copia ha and controlled the photoa sculpture? Is it the picture poseído la doble lectura de si aporta o no graphs exectuted by Eugène or the sculpture being phoalgo nuevo a la pieza original”/ “A long Druet or Edward Steichen. tographed? This is one of the time ago, the copy conveyed the double We can also see the importanmain subjects addressed by reading of whether it is actually bringing ce of political sculptures and the exhibition ‘The Original something new to the original piece.” their iconography, reflected in Copy: photographs of sculpphotographs taken by Walker tures from 1833 to Today’ at Evans or Sibylle Bergemann; the Museum of Modern Art and artists like Eleanor Anin New York. This exhibitin, Ana Mendieta, Dennis tion contains a selection of almost 300 photographs from more The exhibition is divided into ten Oppenheim, Charles Ray, Valie Export than 100 artists, ranging from moder- subjects that explore the identity of and Hannah Wilke who consider the nism till nowadays. It explains how photographed sculptures. It presents, human body as an animated sculpture. and why sculpture is now a common amongst many others, photographers This exhibition hosts a series of suphotographic subject. The selected such as Charles Nègre and Stephen rrealistic photographs by Herbert Baworks deal with the matter on how Thompson, who photographed Notre yer, Edward Weston, Horst P. Horst, photography can document and, at the Dame or the British Museum, respec- Man Ray, amongst others. Those phosame time, express a concrete way to tively. So the viewer may access to a tographs present dolls, mannequins understand the piece and become art. world that before remained reserved. and automatons projecting quite a dis-

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Alfred Stieglitz. American, 1864–1946 Fountain, photograph of assisted readymade by Marcel Duchamp. 1917 Gelatin silver print, 9 1/4 x 7” (23.5 x 17.8 cm) Collection Jacqueline Matisse Monnier © 2010 Georgia O’Keeffe Museum/Artists Rights Society (ARS), New York

are tools that allow the artist turbing image of the aestheto play in order to express tic canon and questionning “Muchas veces, el observador puede sor- an intention or a personal the classic concept of beauty. prenderse al ver una escultura que sólo point of view of the photoMany of them must have asked había observado en dos dimensiones”/ graphed piece. Furthermore, themselves: “How can the ar“Many times the observer is surprised to photography as an art is so mless ‘Venus de Milo’ be considered as the aesthetic per- see a sculpture that had only seen before in important in our times that two dimensions” in repeated occasions the fection of the feminine body? viewer can be surprised if he It also displays Duchamp’s looks in real life at a sculpready-made series, in which ture he had seen only in two the artist took photos with dimensions: how many art the pochoir technique that consists on applying color by hand way in which an instant act might be enthusiasts are lucky enough to obwith the use of patterns. With this considered as art was born. The du- serve a piece in situ? This exhibition elaborate technique on ready-made plicity becomes even more energetic features the common topics between photos, Duchamp distorts the limits when the picture taken contains a pie- photography and sculpture. Moreover, between object, piece of art and copy. ce that raises a question: its main ob- it helps us understand the limits, or For a long time, the copy has brought jective is pure documentation or does the lack of them. The audience has the question if it enriches the original it have a hidden motive? The style, the the choice to decide if those photograpiece or not. When photography was angle, the light, or even the techniques phs or sculptures are a form of art or invented, a new perspective about the to manipulate used in the darkroom just a particular form of information.

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blog.taxiartmagazine.com

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JOSEPH BEUYS Kunst Sammlung, Düsseldorf (ALEMANIA)

Joseph Beuys (1921-1986) regresa a Dusseldorf, la ciudad en la que nació y trabajó. El Kunst Sammlung dedica una retrospectiva de más de 3,000 metros cuadrados a este carismático artista. La exposición ‘Parallelprozess’ (proceso paralelo), hace un recorrido por las obras que han marcado la trayectoria de Beuys. Más de 300 obras que hacen referencia a la tesis del creador de que en su obra “todos los temas son paralelos y siempre están vinculados”. En esta amplia retrospectiva podemos acercarnos al complejo universo de Beuys. Un artista tachado de ‘charlatán’ por defender que “cada ser humano es un artista”. Están presentes sus dibujos casi etéreos, sus voluminosas piezas de bronce o sus impactantes instalaciones, así como los particulares materiales que usaba: sangre, mantequilla, azufre, viejos objetos en desuso o piezas de maquinaria. Este artista llegó a ser expulsado en 1972 de la Academia de Arte de Dusseldorf, hoy es considerado uno de los más influyentes artistas alemanes del siglo XX. Joseph Beuys (1921-1986) returns to Dusseldorf, the city in which he was born and worked. The Kunst Sammlung dedicates a retrospective with more that 3,000 square meters devoted to this charismatic artist. The exposition ‘Parallelprozess’ (parallel processes) go trough works that marked Beuys career. Over 300 works that relate on the thesis of the creator, which states that in his ouvre “all topics are parallel and always linked with each other.” This comprehensive retrospective brings us the complex universe of Beuys. An artist labeled as a “phoney” for defending that “every human being is an artist.” Here we can see his almost ethereal drawings, wide pieces of bronze or his astonishing installations; also the particular materials that he utilized: blood, butter, sulfur, old objects fallen into disuse or pieces of machinery. This artist got expelled in 1972 from the Art Academy of Dusseldorf, nevertheless he’s considered today one of the most influential German artists of the whole 20th century. +info: www.kunstsammlung.de

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HANS-PETER FELDMANN Kremlin, Moscú (RUSIA)

Cuando a Hans-Peter Feldmann se le pide su biografía artística, suele facilitar un solo dato: nació en Hilden, Dusseldorf, en 1941. Puestos a dar datos, le parece más interesante dar la lista de películas que le gustan que la lista habitual de exposiciones que sólo sirve para medir la excelencia de su discurrir por el circuito artístico. Desde finales de los años 60 hasta ahora, el trabajo de Hans-Peter Feldmann ha ido dibujando una manera muy personal de estar en el mundo. En sus exposiciones encontramos objetos que forman parte de la cotidianidad: zapatos de tacón, carretes de fotos, termómetros, llaves de hotel, cajas de cerillas e incluso consolas de videojuegos Game Boy. Feldmann ha coleccionado, clasificado, recortado y pegado durante años imágenes que componen su propio museo, con fotos de aficionado, fotocopias, postales, juguetes o cualquier objeto de la vida cotidiana que le sirva de inspiración. Ahora el Museo Reina Sofía de Madrid reúne las obras más destacadas de su trayectoria en un exhibición titulada ‘Una exposición de arte’. Parece una descripción obvia pero, como muchos de sus escuetos títulos, además es una afirmación. Nos está diciendo que todo lo que vemos en sus exposiciones es arte aunque en ocasiones no lo parezca. When Hans-Peter Feldmann is asked about his artistic biography, he normally gives one fact: born in Hilden, Dusseldorf, in 1941. If it is about giving some information, he rather send a list of movies that he enjoyed, more than a customary list, filled with exhibitions that only serve as an instrument to measure the excellence of his background in the artistic circuit. Since the end of the 1960’s, until today, the work by Hans-Peter Feldmann sketches his very personal manière of being present at the world. In his exhibitions we find objects that are part of the circadian life, like high-heel shoes, photographic rolls, thermometers, hotel keys, boxes of matches and even Nintendo’s Game Boy. Feldmann collected, classified, clipped and pasted during years images that compose his personal museum. From amateur photographs, photocopies, postcards, toys and any object of daily life that serves his inspiration. Currently the Museo Reina Sofía de Madrid reunites outstanding works of his whole career in an exhibition called ‘Una exposición de arte’ (An art exhibition.) It seems as an obvious description, but as many of his succinct titles, it is also an affirmation. He’s telling that everything that we see in his expo is art, even when at occasions it doesn’t look like. +info:www.museoreinasofia.es

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INGES IDEE

Estudio , Berlín (ALEMANIA)

Inges Idee está formado por cuatro talentosos artistas alemanes que se han unido para dar vida a esculturas al aire libre. Son Hans Hemmert, Axel Lieber, Georg Zey y Thomas A. Schmidt, cuatro artistas que triunfan unidos y por separado. Desde 1995 Iges Idee han creado distintas instalaciones escultóricas menores y a gran escala con un estilo lleno de ironía y humor. Inges Idee is composed by four talented German artists, reunited together to bestow with life to their open-air sculptures. They are Hans Hemmert, Axel Lieber, Georg Zey y Thomas A. Schmidt, four artists that excel when united and by its own. Since 1995, Iges Idee creates indistinctly minor and monumental sculptural installations with a style charged with irony and humor. +info: ingesidee.de

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FRANZ WEST

Kunsthaus Graz, Graz (AUSTRIA)

En cooperación con el Museum Ludwig de Colonia y el MADRE de Napoles, Kunsthaus Graz de Austria muestra una mayúscula retrospectiva de Franz West. La exhibición implica y coopera de cerca con cada artista, su estudio y sus archivos. Obras de todos sus periodos creativos en una amplia variedad de medios y técnhicas para entrever la complejidad e individualidad de su trabajo, afiches, gráficos, passstücke, muebles, instalaciones y proyecto en conjunción con otros artistas. Muchos de los trabajos exhibidos vienen desde colecciones privadas y raramente han sido expuestas. Franz West también erigirá una escultura exterior para la atmósfera de la Kunsthaus Graz. In cooperation with the Museum Ludwig in Cologne and the MADRE from Naples, Kunsthaus Graz Austria is displaying a major retrospective of Franz West. The exhibition involves the close co-operation with the artist, his studio and archives. Works from all creative periods and a wide range of media and techniques show the complexity and individuality of West’s work – graphics, posters, passstücke, furniture, installations and joint projects with other artists. Many of the works exhibited come from private collections, so they have rarely been exhibited. Franz West will also erect an exterior sculpture to the Kunsthaus Graz’ environment . +info:www.museum-joanneum.at

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RIRKRIT TIRAVANIJA Absolut Art Award 2010

Rirkrit Tiravanija ha recibido el premio Absolut Art Award 2010 por su capacidad de gobernar la categorización convencional. Desde hace más de una década, Rirkrit Tiravanija produce happenings para que el público participe activamente en ellos. Son situaciones o ambientes que cuestionan los límites entre el artista y el espectador, el arte y las actividades cotidianas, dentro de la llamada “estética relacional”. Rirkrit Tiravanija has received the Absolut Art Award 2010 due to his capacity for governing conventional categorization. For more than a decade, Rirkrit Tiravanija produces happenings to make the public participate actively in them. They are situations or ambiances that put into question the borders between artist and viewer, art and circadian activities, inside the so-called “relational aesthetics.” +info: www.kurimanzutto.com

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SZE TSUNG LEONG

MARCO-Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MÉXICO)

La exposición ‘Horizontes’ de Sze Tsung Leong en el MARCO-Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (México) nos presenta hasta el 30 de enero de 2011 una serie de más de 160 fotografías sobre paisajes urbanos y rurales de todo el mundo, donde la constante del horizonte enlaza la más diversas y opuestas regiones a la vez que refleja el mundo actual en el que vivimos. Desde grandes ciudades como México, Tokio y Nueva York hasta inhospitos lugares como el lago glaciar de Jökulsárlón en Islandia, el atolón de Baa Maldivas y el mar de Marmara de Turquía, el horizonte enlaza las más diversas y opuestas regiones a la vez que captura sus riquezas culturales y naturales en un montaje lineal y continuo que lleva a reflexionar sobre la representación del espacio físico. The exhibition ‘Horizontes’ (Horizons) by Sze Tsung Leong at MARCO-Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (Mexico) presents, until the 30 of January, 2011, a set of 160 photographs depicting urban and rural landscapes from all over the world, in these photographs the horizon is a constant that allows the imbrication of the most diverse and opposite regions, but they reflect the contemporary world in which we live. From great cities like Mexico, Tokyo and New York to inhospitable places such as the glacial lake of Jökulsárlon at Island, the atoll of Bea Maldivas and the Marmara Sea of Turkey. Horizon links together diverse and opposed areas and, at the same time, it captures a cultural and natural richness on a continuous montage that invites to reflect on the representation of the physic space. +info: www.marco.org.mx

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JONH BALDESSARI Marian Goodman Gallery, Milán (ITALIA)

Marian Goodman Gallery anuncia su próxima exposición para mostranos el nuevo trabajo de John Baldessari. La exhibición estará disponible hasta el 4 de diciembre de 2010. Presenta a un nuevo grupo de pinturas de una serie titulada ‘Sediment’ (Sedimento), la cual marca una salida para un artista cuya obra parte, como en estos últimos cuatro años, cuando su trabajo se ha centrado en exclusiva en el aislamiento de rasgos corpóreos, fragmentos inesperados y extrañas hibridaciones –narices y orejas, codos y rodillas, cejas y frente– lo que sirve para demostrar la naturaleza subjetiva de la reprsentación. Marian Goodman Gallery announces an upcoming exhibition of new work by John Baldessari. The exhibition will be on view until December 4th, 2010. It presents a group of paintings from a new series titled ‘Sediment,’ which mark a departure for an artist whose work was focused primarily on the isolation of bodily features, unexpected fragments, uncanny hybrids – noses and ears, elbows and legs, eyebrows and foreheads – which over the last four years served to demonstrate the subjective nature of representation. +info: www.mariangoodman.com

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FOLKERT DE JONG

Galería Luis Adelantado, Colonia de Anahuac (MÉXICO)

La galería de arte Luis Adelantado, de México, estrena, el próximo 27 de noviembre, una exposición sobre Folkert de Jong que se alargará hasta el próximo mes de febrero. Jong crea esculturas grupales a tamaño natural a través de materiales originalmente utilizados en la construcción de edificios y en la industria cinematográfica, como espuma de poliéster y poliuretano. El artista holandés trabaja estos materiales mediante técnicas escultóricas, con las que consigue diferentes texturas que dan impresiones de tacticidad, algo que hace estremecer al espectador que se atreve a contemplar de cerca una de estas atroces esculturas. La nueva obra de Jong para la galería Luis Adelantado será un ejercicio sobre la barbaridad que examina la crueldad y rapacidad del materialismo y capitalismo viejo y nuevo. Una instalación monumental y figurativa, donde el artista retrata tres obras diferentes de la historia del arte: una vieja pintura en óleo del siglo XVII en Amsterdam, un monumento del siglo XX en Nueva York y el polo de un totem del siglo XIX en Alaska; obras de arte que, por su parte, están basadas en importantes eventos históricos. Se examinan temas como el intercambio cultural, el poder político y económico, el tráfico de esclavos, la colonización, muertes políticas y la intriga. The gallery of art Luis Adelantado, in Mexico, is premiering, next 27 of November, an exposition with Folkert de Jong that will prolong until the next month of February. Jong creates group-sculptures in natural-size through materials originally used in the construction of buildings and in the cinematographic industry, such as polystyrene foam and polyurethane. The Dutch artist works these materials through sculptural techniques, which accomplish to get different textures that give an impression of tactility, something that thrills the viewer that dares to contemplate closely one of this atrocious sculptures. The new oeuvre by Jong for Luis Adelantado (Mexico) will constitute an exercise concerning barbarity, thus evaluating the cruelty and rapacity of materialism and capitalism - old and new. Throughout the monumental and figurative installation, the artist displays three different oeuvres of art-history: one old oil painting of 17th century of Amsterdam, a monument of the 20th century of New York, and the pole of a totem of 19th century of Alaska; artworks, that in turn, are based upon important historical events. Examines affairs such as the cultural exchange, political and economic power, slavery, colonization, political assasination and intrigues. +info:www.luisadelantadomexico.com

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TURNER PRIZE

Tate Britiain, Londres (REINO UNIDO)

La Tate Britain de Londres acoge hasta el próximo 3 de enero de 2011 las obras de los cuatro artistas que optan este año a los Turner Prize. Dexter Dalwood, Angela de la Cruz, Susan Philipsz y The Otolith Group son los artistas que optan al premio más reconocido y prestigioso del mundo del arte contemporáneo. ¿A cuál elegirías tú?. Dexter Dalwood ha sido nominado no sólo por su exhibición individual en la Tate St. Ives que reveló la gran profundidad, riqueza y variedad en su acercamiento para hacer una pintura que nos lleva a pensar en las tradiciones históricas y también en la cultura contemporánea y acontencimientos políticos. Angela de la Cruz ha sido nomianda por su exhibición individual, ‘After’ en el Camden Arts Centre, de Londres. De la Cruz utiliza el lenguaje de la pintura y la escultura para crear trabajos impactantes que combinan cierta tensión formal con una presencia emocional profunda. Susan Philipsz ha sido nominada por la presentación de ‘Lowlands’ en Glasgow International Festival of Visual Art, y ‘Long Gone’ la exhibición grupal Mirrors en el Museo de Arte Contemporáneo de Vigo, España. Philipsz usa su propia voz para crear instalaciones sonoras únicas y evocativas que juegan y expanden la poética de lo específico, a menudo espacios fuera de lo convencional. The Otolith Group fue fundado en 2002 por Kodwo Eshun y Anjalika Sagar. Estos artistas han sido nominados por su proyecto ‘A Long Time Between Suns’, que tomó la forma de exhibición en Gasworks y The Showroom, Londres, con publicaciones que le acompañaban. Está practica discursiva y colaborativa de The Otolith Group cuestiona la naturaleza de los documentales históricos a través del tiempo y utilizando materiales encontrado entre un amplio rango de disciplinas, en particular de la imagen en movimiento. The Tate Britain in London is housing, until next January 3, 2011, the works of the four artists chosen this year’s for the Turner Prize. Dexter Dalwood, Angela de la Cruz, Susan Philipsz and The Otolith Group are the artists selected for the most recognized and prestigious award in the world of contemporary art. Which would you choose? Dexter Dalwood has been nominated for his solo exhibition at Tate St. Ives, which revealed the rich depth and range of his approach as he makes paintings that draw upon historical tradition, as well as contemporary cultural and political events. Angela de la Cruz has been nominated for her solo exhibition, ‘After’ at Camden Arts Centre, London. De la Cruz uses the language of painting and sculpture to create striking works that combine formal tension with a deeper emotional presence. Susan Philipsz has been nominated for the presentations of her work ‘Lowlands’ at the Glasgow International Festival of Visual Art and ‘Long Gone’ in the group exhibition ‘Mirrors’ at the Museo de Arte Contemporanea de Vigo, Spain. Philipsz uses her own voice to create uniquely evocative sound installations that play upon and extend the poetics of specific, often out-of-the-way spaces. The Otolith Group was founded in 2002 by Kodwo Eshun and Anjalika Sagar. These artists have been nominated for their project ‘A Long Time Between Suns,’ which took form of exhibitions at Gasworks and The Showroom, London, with an accompanying publication. The collaborative and discursive practice of The Otolith Group questions the nature of documentary history across time by using material found within a range of disciplines, in particular the moving image. +info: www.deutsche-guggenheim.de

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NEWS

MARK MANDERS

Hammer Museum, Los Ángeles (EE.UU.)

El artista holandés Mark Manders inicia la gira de presentación de sus nuevas obras por Estados Unidos. La exposición ‘Parallel Occurrences/Documented Assignments’ (Ocurrencias paralelas/Tareas documentadas) estará hasta el 2 de enero en el Hammer Museum de Los Ángeles y posteriormente viajará al Aspen Art Museum (17/02/2011-08/05/2011) y al Walker Art Center de Minneapolis (02/06/2011-11 /09/2011). El artista nos presenta objetos de uso cotidiano como mesas, sillas, mantas, bolígrafos o lápices que son recontextualizados evocando un mundo misterioso de sueños. La exposición juega con elementos modulares y formas que se repiten y que se extienden, diseminadas por todo el espacio. Son objetos que mantienen una relación entre sí y que el artista concibe como partes de un todo, que es el reflejo de su propio ser. Dutch artist Mark Manders opens a presentation tour for his new work all along the United States. His exhibition ‘Parallel Occurrences / Documented Assignments’, which will be from the 2nd of January in the Hammer Museum of Los Angeles, and then will go to the Aspen Art Museum (17/02/2011-08/05/2011,) and later to the Walker Art Center of Minneapolis (02/06/2011-11/09/2011.) The artist displays objects of quotidian use as tables, chairs, blankets, pens, pencils, these are re-contextualized, evoking a mysterious dream-like world. The exhibition plays with modular elements and shapes that are repeated, extended, disseminated throughout the space. These are objects that maintain a relation between them, conceived by the artist as parts of a whole, a reflection of his own being. +info: www.markmanders.org

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JASON RHOADES

Houser & With Gallery, Londres (REINO UNIDO)

La sede de Londres de la galería Houser & With ha sido el lugar elegido para desarrollar la primera exposición a título postumo del genial artista Jason Rhoades fallecido en 2006. La exposición cuenta con la espectacular instalación a tamaño real de ‘Perfect World’, presentada en Deichtorhallen Hamburgo en 1999, así como todos los elementos que empleó para construirla. ‘Perfect World’ (1999) es una ‘mega’ escultura, una instalación de dos niveles creadas para rellenar completamente el Deichtorhallen, una galería con un espacio de 1,400 metros cuadrados con 24,40 metros de alto en sus techos. Rhoades construyó la obra a partir de tubos de aluminio pulido y triángulos de madera, creando un “sistema de lego” para la expansión continua de la que se hizo eco a partir de las instalaciones seminales de Marcel Duchamp ‘Sixteen Miles of String’ (dieciséis millas de cuerda, 1942). ‘Perfect World’ es una versión destilada de esta original obra expansiva, creada por el artista como una forma para capturar y ver la instalación al completo. The London-based gallery Houser & With is the place chosen to develop the first posthumous exhibition of the brilliant artist Jason Rhoades, who died in 2006. The exposition counts with the spectacular real-size installation ‘Perfect World,’ presented at Deichtorhallen Hamburg, in 1999. As well as the entire elements used for its construction. ‘Perfect World’ (1999) was a ‘mega’ sculpture, a two-level installation created to fill the entirety of the Deichtorhallen, a gallery space of roughly 15,000 square feet with 80-feet high ceilings. Rhoades constructed the work from polished aluminium tubes and wooden triangles, creating a ‘lego system’ that allowed continous expansion and echoed Marcel Duchamp’s seminal installation ‘Sixteen Miles of String’ (1942.) ‘1:12 Perfect World’ is a distilled version of this expansive original work, created by the artist as a way to capture and view the entire installation. +info: www.hauserwirth.com

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WWW.SAATCHIGALLERY.COM

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NEWS OF THE MARKET

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---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------Frieze 2010. Fotografía Karla González

Un año más, Londres se ha convertido con Frieze en el principal escaparate de arte contemporáneo. Galeristas, coleccionistas e inversores de todo el mundo han confluido en un evento que ha vuelto a tomarle el pulso al mercado del arte contemporáneo mundial. Desde que comenzó 2010 los resultados en el mercado son alentadores y esta tendencia también se ha visto en Frieze. Aprovechando la celebración de la feria, galerías y salas de subastas han presentado una amplia programación para atraer a los coleccionistas más ávidos. Christie’s presentó la obra ‘I am become Death, Shatterer of Worlds’ de Damien Hirst, realizada con alas de mariposa. En su segunda sede londinense,Christie’s programaba ‘Multiplied’ para presupuestos más modestos, en la que se ofrecían obras de Damien Hirst, Tracey Emin, Chris Ofili y Eduardo Paolozzi, entre otros. Por su parte, Sotheby’s no se quedó atrás y preparó, además de una subasta de arte italiano del siglo XX, la de la colección de arte de Jerry Hall, modelo estadounidense y ex esposa del músico Mike Jagger, que incluye obras de Warhol, Damien Hirst, Frank Auerbach, Ed Ruscha o Francesco Clemente, así como el retrato que pintó Lucian Freud de ella, desnuda y embarazada de ocho meses. One more year, London has converted with Frieze in the principal showcase of contemporary art. Galleries, collectors and investors from all over the world have meet in an event that has taken the pulse to the market of contemporary art. Since the beginning of 2010, the results of the market are encouraging and this trend also has been at Frieze. Taking advantage of the celebration of this fair, galleries and auction houses have presented a broad programming to attract the most of collectors. Christie’s presented the oeuvre ‘I am become Death, Shatterer of Worlds’ by Damien Hirst, made with butterfly wings. In its second London’s headquarter, Christie’s has programmed also for this week a new fair of engraving, baptised as ‘Multiplied,’ there they will be offering, for pockets with more modest budgets, works by artist such as Hirst, Tracey Emin, Chris Ofili and Eduardo Paolozzi, amongst others. Meanwhile, Sotheby’s doesn’t want to stand behind and prepares, besides the auction of Italian art of the 20th century, the auction for pieces of the collection of artworks owned by Jerry Hall, American model and ex-wife of the musician Mike Jagger. It includes new oeuvres by Warhol, Hirst, Frank Auerbach, Ed Ruscha or Francesco Clemente, also the naked portrait of her, pregnant with eight months, painted by Lucian Freud.

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--------------------------------------------------------------------Noviembre da el pistoletazo de sálida a la temporada de subastas de Nueva York. Shoteby’s y Christie’s se disputan este mes las obras más importantes y las recaudaciones más escandalosas. La casa de subastas Sotheby’s acogío una de las principales subastas de la temporada en la que se pujó por obras de arte moderno e impresionista por un valor de 227 millones de dólares, cifra que se alcanzó sobre todo gracias al desnudo de Modigliani que alcanzó el precio récord de 69 millones de dólares. Christie’s tampoco ha empezado el mes con mal pie, 34 millones de euros alcanzó ‘Nu de Dos, 4eme etat’, 1930 de Henri Matisse, un precio muy superior al estimado antes de la puja, que se situaba entre los 18 y 25 millones. Estas cifras junto a las obtenidas en Londrés durante Frieze muestran que pese a las continuas incertidumbres económicas, el mercado del arte se está recuperando.

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--------------------------------------------------------------------La casa de subastas Christie’s anuncia la salida a subasta de distintas piezas de arte lationamericano para el 19 y 20 de noviembre de 2010 en Nueva York. La obra que encabeza la lista es ‘Serenata a la luna’ del pintor mexicano Rufino Tamayo, al salir en puja con un valor estimado de entre un millón y medio a dos millones de dólares. Entre las 300 obras que serán subastadas se encuentran piezas de Leonora Carrington, Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Juan O’Gorman, Francisco Toledo, Fernando Botero, Wifredo Lam, René Portocarrero, Roberto Matta y Armando Morales.

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--------------------------------------------------------------------Luego de la quiebra de Lehman Brothers hace dos años provocó una auténtica catástrofe financiera mundial. Shoteby’s sacó a subasta sus obras para pagar a sus acreedores. Lehman Brothers poseía una colección de 400 piezas de arte contemporáneo, entre las que destacaban nombres como Christian Boltansk, Rodney Graham, Anish Kaapor, Cindy Sherman, Damien Hirst, Takashi Murakami, John Baldessari o Gerhard Richter. La cifra alcanzada ha sido de 12,3 millones de dólares, y ‘Untitled 1’ de Julie Mehretu ha sido la obra que ha alcanzado un mayor precio, al ser vendida por 1,02 millones de dólares.

--------------------------------------------------------------------The bankruptcy of Lehman Brothers caused an authentic world financial catastrophe. Shoteby’s put on auction all of their artworks for paying to its creditors. Lehman Brothers owned a collection of 400 pieces of contemporary art, worth to mention names such as Christian Boltansk, Rodney Graham, Anish Kaapor, Cindy Sherman, Damien Hirst, Takashi Murakami, John Baldessari or Gerhard Richter, amongst others. The total figure reached is 12,3 million dollars, and ‘Untitled 1’ by Julie Mehretu is the best sold piece by 1,02 million dollars.

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‘I am become death shatterer of worlds’, 2006 de Damien Hirst se vendido en una subasta en Londres por 3,3 millones de euros. Una cifra que está por debajo del precio estimado por la casa de subastas Christie’s, que contemplaba entre 4 y 5,6 millones de Euros. El cuadro está compuesto por miles de alas de mariposas muertas y es considerada como la mayor obra del artista británico.

‘I am Become Death Shatterer of Worlds’, 2006 of Damien Hirst was sold in an auction in London by 3,3 millions of Euros, underneath the estimated prize by Christie’s, that expected around 4 and 5,6 millions of Euros. The canvas is comprised by thousands of wings from dead butterflies and is considered the as the major work by the British artist.

SUBASTAS EN NY

NY AUCTIONS

Novemeber is the month of the starting kick-off for the season of auctions in New York. Shoteby’s and Christie’s dispute this month the most important oeuvres and who is collecting the most scandalous figure. Sotheby’s housed one of the principal auctions of the season in which the bids for modern and contemporary art arrived to 227 million dollars, figure reached thanks in great measure to the nude by Modigliani, setting a record prize of 69 million dollars. Neither Christie’s has started with the wrong foot, 34 million dollars raised with his ‘Nu du Dos, 4eme etat’ (1930,) by Henri Matisse, a final superior price to the estimated before the bid, between 18 and 25 millions. These figures, along with the ones obtained during Frieze, demonstrate that in spite of continuous economic uncertainties, the art market is recovering.

ARTE LATINOAMERICANO EN NY

LATINOAMERICAN ART IN NY

New York’s auction house Christie’s announces that it’s currently bringing out to auction various pieces of Latin American art, the event will take place the 19th and 20th of November, in New York. The work that is leading the list is ‘Serenata a la luna’ (Serenade to the moon) by the Mexican painter Rufino Tamayo, the work is going to be bid approximately from one and a half million to two million dollars. Amongst the 300 works that will be in auction you can find pieces by Leonora Carrington, Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Juan O’Gorman, Francisco Toledo, Fernando Botero, Wifredo Lam, René Portocarrero, Roberto Matta and Armando Morales.

EL ARTE DE LEHMANN BROTHERS A SUBASTA

LEHMANN BROTHERS’ ART AUCTION

3,3 MILLONES, DAMIEN HIRST

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BOOKS & BLOGS

SEVEN DAYS IN THE ART WORLD

RETHINKING CURANTING

Traducido a diez idiomas, este libro delicioso y bien informado, fruto de varios años de investigación y de viajes por Estados Unidos, Europa y Asia, abre las puertas del universo secreto del arte contemporáneo y devela su grandeza y sus excesos. Desde mediados de la década de los 80, el arte se ha convertido en el movimiento cultural por excelencia. Varias generaciones de artistas han contribuido para que así sea, pero esa no es la única razón. Un mercado que ya estaba desarrollado, se multiplicó varias veces, creando un microcosmos con leyes propias, personalidades de leyenda y eventos paradigmáticos. Con una prosa vibrante y una aguda capacidad de análisis, su autora, Sarah Thornton, es capaz de detectar lo que la frivolidad esconde y señalar con autoridad a los mejores artistas de nuestro tiempo.

‘Rethinking Curating’ explora las características distintivas de el nuevo arte multimedia, incluyendo su materialidad y cuestionando el tiempo y el espacio, a través de fomas contemporáneas como el videoarte, el arte conceptual, el arte comprometido socialmente y el arte de la performance. Beryl Graham y Sarah Cook, tienen una experiencia extensa como curadores, ofrecen ejemplos de obras de arte y exhibiciones, para ilustrar cómo el papel de los curadores y las audiencias es redefinido a la luz de las nuevas características del media art. Discuten sobre maneras de curar, desde el modo familiar del museo hasta ejercicios paralelos al publicar, retransmitir festivales, laboratorios y maneras recientes de trabajo online, incluye colaboraciones y el networking en las redes sociales.

Translated to ten languages, this delicious and documented book, is fruit of several years of investigation and travels along the United States, Europe and Asia. It opens the doors of the secret universe of contemporary art and unveils its grandeur and its excesses. Since the half of the 1980’s, the art has turned into a cultural movement par excellence. Various generations of artists have contributed in order to make this happen, but that is not the only reason. Exploring in parallel a market that had already evolved and is multiplying, thus creating a microcosmos with laws of its own, with characters worth of the title of a legend and paradigmatic events. With a vibrant prose and a keen capacity for analysing, Sarah Thornton is capable of detecting frivolitiy and marks out with authority the best artists of our times. + info: books.wwnorton.com

‘Rethinking Curating’ explores the distinctive characteristics of new media art, including its immateriality and its questioning of time and space, and relates them to such contemporary art forms as video art, conceptual art, socially engaged art and performance art. Beryl Graham and Sarah Cook, both have extensive experience as curators, they offer numerous examples of artworks and exhibitions to illustrate how the roles of curators and audiences can be redefined under the light of new media art’s features. They discuss on curating, from the familiar default mode of the museum, through parallels with publishing, broadcasting, festivals, labs, to more recent hybrid ways of working off and online, including collaboration and social networking.

Norton & Company

The mit press

+ info: mitpress.mit.edu

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THISISJULIO http://www.thisisjulio.com Thisisjulio.com es una galería de arte virtual en la que se exponen obras de video arte de diversos artistas independientes. En este espacio no encontrarás reseñas de artistas, ni fotos, únicamente encontrarás links a obras de videoarte que se han exhibido en ferias de arte contemporáneo como Arco Madrid. Thisisjulio.com is a virtual gallery that exhibits works of video art by various independent artists. In this space you won’t find artistic reviews, nor pictures, solely you can find links to works of video-art exhibited in fairs of contemporary art such as Arco Madrid.

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VIP ART FAIR http://vipartfair.com

Internet se ha propuesto revolucionarlo todo. La última iniciativa es conectar a todos los profesionales, artistas y aficionados al arte en un evento online. Se trata de VIP Art Fair, una feria de arte que se desarrollará del 22 al 30 de enero de 2011. Galerías de todo el mundo entre las que destacan Gagosian, David Zwirner, White Cube y Max Hetzler, presentarán de forma virtual las obras de sus mejores artistas. La feria se podrá visitar de forma gratuita, aunque, si pretendes participar interactivamente y negociar con los galeristas, deberás comprarse una tarjeta de ingreso por 100 dólares. Internet is resolved to revolutionize everything. The latest initiative is to connect all professional artists and art enthusiasts in one online event. This is VIP Art Fair, which will run from 22 to 30 January 2011. Galleries from around the world, among those that stand out: Gagosian, David Zwirner, White Cube and Max Hetzler, they virtually present the best works of their represented artists. The visit to the fair is free, however, if you intend to participate interactively and negotiate with merchants, you have to buy a card for $ 100.

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A R T FA I R S

-----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------Lisboa será sede de la única Feria de Arte Contemporáneo realizada en Portugal (del 24 al 28 de noviembre). En 2010, Arte Lisboa se realiza en el Centro de Congresos de Lisboa en las inmediaciones del Pavilhão do Rio. Proyecto del afamado arquitecto Keil do Amaral, servirá de marco para la instalación de las galerías y obras de arte. La décima edición de Arte Lisboa mostrará una selección de 45 galerías nacionales e internacionales de arte moderno y contemporáneo, así como revistas y publicaciones especializadas. Lisbon will host the sole Contemporary Art Fair organized in Portugal (from 24 to Nov. 28). In 2010 edition, Arte Lisboa will be held, exceptionally, at the Lisbon Congress Centre, in the premises of the Pavilhão do Rio, a project designed by the famous architect, Keil do Amaral. This new location will enact as an excellent frame for the installation of galleries and works of art. The tenth edition of Arte Lisboa will display a selection of 45 national and international galleries of modern and contemporary art, as well as specialized magazines and publications.

ARTE LISBOA 2010

24-28/11/2010 +info: www.artelisboa.fil.pt

-----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------Por diez semanas, y cada dos años, la ciudad de Liverpool se transforma en una sorprendente galería viviente llena de arte nuevo y exhibe a los mejores artistas contemporáneos de todo el mundo. Después de haber atraído a su mayor número de visitantes en 2008, la Bienal de Liverpool 2010 pondrá mucho más énfasis en la curaduría del trabajo nuevo de una manera ambiciosa y desafiante. Busca ofrecer la más extensa concentración de arte contemporáneo en todo el Reino Unido. La Bienal de Liverpool 2010 ha crecido más que nunca e incluye alrededor 40 nuevos proyectos de punteros artistas internacionales y emergentes. For ten weeks, and every two years, the city of Liverpool is transformed into the most amazing living gallery of new art, showcasing the best contemporary artists from around the world. After attracting the most visitors in 2008, Liverpool Biennial 2010 will see a continued emphasis on commissioning the most ambitious and challenging new work, offering the largest concentration of contemporary art anywhere in the UK. Liverpool Biennial 2010 is bigger than ever before and includes around 40 new projects by leading and emerging international artists.

LIVERPOOL BIENNAL

18/09- 28/11/2010 + info: www.biennial.com

-----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------Art Basel Miami Beach es la feria de arte más importante de los Estados Unidos. Este evento combina una selección internacional de galerías líderes con un programa especial de exhibiciones especiales, fiestas y eventos paralelos con música, cine, arquitectura y diseño. Una selección exclusiva con más de 250 galerías líderes de Norteamérica, Latinoamérica, Europa, Asia y África exhibirá trabajos de los siglos XX y XXI de más de 2,000 artistas. Las galerías que exponen están entre los merchantes de arte más respetados del mundo. Secciones especiales de la feria están dedicadas a enseñar galerías jóvenes, performances, proyectos de arte público, arte urbano y videoarte. Art Basel Miami Beach is the most important art show in the United States. This event combines an international selection of top galleries with an exciting program of special exhibitions, parties and crossover events featuring music, film, architecture and design. An exclusive selection of more than 250 leading art galleries from North America, Latin America, Europe, Asia and Africa will exhibit 20th and 21st century artworks by over 2,000 artists. The exhibiting galleries are among the world’s most respected art dealers, offering exceptional pieces by both renowned artists and cutting-edge newcomers. Special exhibition sections will feature young galleries, performance art, public art projects and video art.

ART BASEL MIAMI

2-5/12/2010 +info: www.artbaselmiamibeach.com

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-----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------El retorno de Art Sydney será algo para remarcar dentro del calendario de 2010. Los visitantes de The Weekend Australian Art Sydney tendrán el privilegio de coincidir con más de 80 galerías bajo su techo, ofrecen obras de arte originales, de alta calidad, y accesibles para un nuevo mercado de compradores de arte y muy llamativo para los coleccionistas con más discernimiento. Art Sydney tiene como objetivo equipar a los visitantes con información adecuada y una guía para darles confianza sobre sus adquisiciones. The Weekend Australian Art Sydney reconoce por igual la importancia del trabajo de los artistas emergentes y establecidos. Backed by the international Affordable Art Fairs brand, the return of Art Sydney will be a highlight of the art calendar for 2010. Visitors to The Weekend Australian Art Sydney can enjoy the convenience of seeing over 80 galleries all under one roof, offering original, highquality art work accessible both to a growing market of new art buyers and appealing to the most discerning collectors. Art Sydney aims to equip visitors with adequate information and guidance to give them confidence in their acquisitions. The Weekend Australian Art Sydney recognizes the equal importance of work by both emerging and established artists.

AFFORDABLE

24-28/11/2010 +info: www.artelisboa.fil.pt

-----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------La Affordable Art Fair (AAF) ¡llega a Singapur! La primera edición dará la bienvenida a 60 galerías de toda Asia, Australasia, y de más allá. La AAF hace que comprar arte contemporáneo sea posible para todo presupuesto y gusto. Su relajado y amistoso ambiente invita a los que compran por vez primera a deambular entre miles de pinturas, impresiones originales, fotografías y esculturas; mientras, los coleccionistas experimentados pueden buscar a artistas en boga. Las galerías seleccionadas ofrecen una amplia variedad de arte: desde figurativo a abstracto, o del más tradicional al más vanguardista. Los precios oscilan entre 100 y 10,000 dólares, por esta razón, la feria es una gran oportunidad para adquirir arte que no debemos perder. The Affordable Art Fair (AAF) is coming to Singapore! The first edition will welcome 60 galleries from across Asia, Australasia, and beyond. The AAF makes buying contemporary art possible for every budget and taste. Its friendly and relaxed environment invites first time buyers to browse amongst thousands of paintings, original prints, photography and sculpture, whilst seasoned collectors can seek out hot new artists. The selected galleries offer a wide range of art: from figurative to abstract, from traditional to avant-garde. With prices ranging from $100 to $10,000 it is an art-buying opportunity that can’t be missed!

AFFORDABLE

18-21/11/2010 +info: www.affordableartfair.com.sg

-----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------Importantes galerías americanas e internacionales, coleccionistas y curadores, todos se reúnen en el excitante Miami Beach en enero para la segunda edición de MIA, la feria de arte contemporáneo de invierno más excitante. De MIA 2011 destacamos la instalación especial del Museum of Modern Ice, donde presentará al artista canadiense, Gordon Halloran, sus deslumbrantes pinturas en hielo en el soleado sur de Florida. Por primera vez. MIA mostrará arte contemporáneo en todos los soportes, incluyendo fotografía, instalación y vídeo. La feria también integra proyectos innovadores y educacionales, vinculados con importantes museos e instituciones relacionadas con el arte. Important American and international galleries, collectors and curators will gather at the exciting Miami Beach in January for the 2nd edition of MIA, America’s most exciting midwinter contemporary art fair. Worth og highlighting in MIA 2011 is the special installation of the Museum of Modern Ice, bringing the Canadian artist Gordon Halloran’s dazzling paintings in ice to sunny South Florida for the first time ever. MIA will feature contemporary art of all media, including photography, installations and video. The fair will also integrate innovative educational art projects linked to important museums and other art-related organizations.

MIA

13-17/01/2011 +info: www.mia-artfair.com

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MEXICAN ART

GONZALO LEBRIJA TEXTO: MARÍA VELAZQUEZ Ciudad de México (MÉXICO) FOTOS: Courtesy i-20 Gallery y Galerie Laurent Godin

Gonzalo Lebrija (Ciudad de México, 1972) es uno de los artistas de la escena tapatía que más curiosidad despierta. Su trabajo le ha merecido un reconocimiento veloz en todo el mundo, pues éste habla sobre el poder, la burocracia y la hipocresía de la sociedad mexicana, aunque su discurso no se restringe a México./ Gonzalo Lebrija (City of Mexico, 1972) is one of the artists from Guadalajara’s art scene who more curiosity awakens. His work has endowed him recognition, as he talks about power, bureaucracy and the hypocrisy of Mexican society, and yet his discurse can‘t be restricted only to Mexico.

Su trabajo le ha aportado un merecido reconocimiento, pues éste nos habla sobre la ostentación de poder, la burocracia y la hipocresía de la sociedad mexicana, pero de una forma que no se encasilla en el universo mexicano. Sus obras plasman estos conceptos de una manera sutil para que su crítica artística sea perdurable, prueba de ello, la aceptación que su trabajo tiene fuera de las fronteras de México. Pues, aunque nació en México, estudió desde pequeño en Guadalajara y se graduó en el Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Occidente (ITESO, en 1998). Ha expuesto sus obras en París, Nueva York, México, Londres, Lyon, Varsovia, Girona, Canadá, Beijing, San Diego, Milán, Génova, Los Ángeles, Egipto, Berlín y Bélgica. Sus instantes fotográficos son composiciones que coquetean con la modernidad. ‘Breve historia del tiempo’, es una clara referencia a un hito del pensamiento de nuestros tiempos, el libro de Stephen Hawking se ha convertido en una especie de condensación de nuestra nueva condición en el mundo; es un homenaje y, también, como él dice, su “particular tumba de la modernidad”. La pieza de Lebrija será la portada de un libro que será publicado por Other Criteria (Londres). En esta composición la naturaleza es protagonista, pues su obra fotográfica nos dice que él es un paisajista. El otro extraño protagonista es un vehículo en caída vertical, que está a punto de tocar la superficie de un lago. El vehículo representa la técnica y mecánica de nuestros tiempos. De esta manera, la composición trata de establecer con nosotros un interesante diálogo, pues nos enfrentamos al preciso instante en que el coche destruirá la serenidad y traspasará la horizontalidad del paisaje; una metáfora de la muerte, según comentan los que se enfrentan a esta poderosa obra.

His work has been widely renowned, because it talks about the ostentation of power, bureaucracy and hypocrisy in Mexican society, in a way that it’s not limited exclusively to Mexico. His work expresses these concepts in a subtle manner so its art critic is everlasting, and the great success of his work outside Mexican borders is a proof of it. Due to that, even though he was born in Mexico, he studied in Guadalajara since he was a little boy, and he graduated from the Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Occidente (ITESO) in 1998. He has exhibited his work in Paris, New York, Mexico, London, Lyon, Warsow, Girona, Canada, Beijing, San Diego, Genoa, Los Angeles, Egypt, Berlin and Belgium. His photo instants are compositions that flirt with modernity. ‘Breve historial del tiempo’ (Brief History of Time) is a clear reference to a milestone of the modern way of thinking, Stephen Hawking’s book has become a summary of the new condition of the word; it is a tribute and also, as he says, his own “particular grave for modernity”. Lebrija’s piece will be the cover of a book published by Other Criteria (London). In this composition, nature is the main character, and his pictorial work demonstrates he is a landscape photographer. The bizarre protagonist is a vehicle falling vertically, and about to reach the surface of a lake. The vehicle represents the technique and mechanic of our times. In this way, the composition tries to establish an interesting dialogue with the viewer, who is facing the exact moment in which the vehicle will destroy the peacefulness and trespass the horizontality of the landscape; a death metaphor, according to the ones who confront this powerful piece.

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MEXICAN ART

Gonzalo Lebrija, ‘History of Suspended Time: Monument for the Impossible’, 2010

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Sus fotos llevan implícita su manera de secuenciar, ralentizar y evidenciar el cataclismo silencioso que se gesta en nuestros días; la caída libre de la modernidad, quizás, pero podría ser que el objeto irrumpiera, por la gracia o mano de un dios, en la tranquilidad de un paisaje idílico. Otros lo ven como un monolito de nuestros tiempos, en la misma manera que lo era para los antropoides de ‘2001’. Lo interesante es su técnica que, además de reﬂexiones sobre la modernidad, nos permite disfrutar de su gran detalle, agudeza y elaborada composición. En el caso de esta obra, su composición nos hace pensar en su fotografía como si fuera también una obra escultórica. ‘Breve historia del tiempo’ está compuesta por un vídeo, 300 capturas de la caída de un Valiant Duster en las serenas aguas de un lago, la maqueta del proyecto, y dos fotos en las que se confrontan la imagen trucada con la original en el preciso instante en el que el automóvil está a punto de hacer contacto con el agua.

His pictures imply his way to sequence, slow down, and evidence the silent cataclysm breeding nowadays; the free fall of modernity, perhaps, but maybe the object interrupts, gracefully or by a god’s hand, the serenity of an idyllic landscape. Others look at it as a monolith of our times, in the same way of ‘2001’ anthropoids. The interesting part is that his technique, besides reflecting on modernity, allow us to enjoy all its details, intensity and elaborate composition. In this piece, his composition makes us think about the photograph as if it were a sculptural work. ‘Brief History of Time’ is comprised by a video, 300 shots of a Valiant Duster falling into the peaceful waters of the lake, the model of the project and two photographs that oppose the truncated image with the original one in the exact moment when the car is about to reach the water.

Gonzalo Lebrija ‘Lamento’, 2008, junto a mural Sol LeWitt. Exposición ‘Les Enfants Terribles’. Cortesía de la Colección Jumex

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Gonzalo Lebrija ‘Lamento’, 2008, junto a mural Sol LeWitt. Exposición ‘Les Enfants Terribles’. Cortesía de la Colección Jumex

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Gonzalo Lebrija ‘The Distance Between You and Me 15’, 2009

Las instalaciones que realiza están imbuidas por el sentido del humor, también ellas sugieren múltiples lecturas, aunque esté siempre presente su vehemencia por develarnos las faltas de una estructura política en constante crisis, es su particular forma de poder extrapolar este problema a otros lugares, pues una característica de nuestros tiempos es la homogenización de los problemas que afectan al sistema económico y político. En otra de sus obras recientes, ‘The Distance Between You and Me’, juega a escaparse con el espectador, demostrando la distancia que media entre artista y público. Está compuesta por fotografías en blanco y negro y los vídeos. En cada una de las series, el artista sale corriendo y nos da la espalda, sólo para perderse en el paisaje en unas cuantas tomas. Su agilidad y la técnica varía según el tipo de paisaje en el que se encuentra. En este caso los paisajes son Joshua Tree, Death Valley y Yosemite, en California. Reflexiona en clave humorística a menudo, incluso si habla sobre las jerarquías sociales. En sus fotografías podemos ver a personas con traje Armani montando toros, o empresarios aventando avioncitos de papel desde las alturas de un edificio de la ciudad de Guadalajara. Así está reivindicando siempre lo incongruente, haciendo apología de lo absurdo. Lo anterior permite que su obra pueda ser diseminada por todo el mundo, pues su mensaje es universal al contener todos sus desencantos e inquietudes sobre la sociedad y el sistema. Desde los años 90, Guadalajara irrumpió con fuerza en la escena del arte de vanguardia y su comercialización. El resurgimiento del arte contemporáneo en esta ciudad se debe a los grandes esfuerzos de algunos de sus habitantes que conocen las posibilidades reales que se esconden detrás de sus prolíficos y buenos artistas. Gonzalo Lebrija ha hecho una importante contribución en este sentido en su estancia como director de la Oficina de Proyectos Artísticos (OPA) de Guadalajara.

His installations are imbued by his sense of humor and also demand diverse readings, although his vehemence to unveil the lack of political structure in this constant crisis, it is his particular manner to extrapolate this problem to other places, because it is one characteristic of our times, the homogenization of problems that affect the economic and politic systems. In other of his well known recent works, ‘The Distance Between You and Me,’ as a game, he plays to escape from the viewer, demonstrating the distance that mediates between artist and his audience. It is composed by black-and-white photographs and still captures from his videos. In each of these series the artist runs away, turning his back to the viewer, getting lost within the landscape in just a few procession of frames. His liveliness and his technique variate according to the type of landscape and ambiance in which the artist locates. In this case the selected landscapes are Joshua Tree, Death Valley, and Yosemite, in California. He usually approaches the world in a humoristic tone, even if the talks about social hierarchies. In his photographs we can find people in Armani suits riding bulls, or businessman throwing paper planes from a building in Guadalajara. This is his way for vindicating the incongruous, making apology of absurdity. The aforementioned confers the possibility to disseminate his work throughout the world; his message becomes universal when it concerns to the disenchantment and disquietude of current societies and systems. Since 1990, Guadalajara irrupted firmly into the sphere of avant-garde’s art and its promotion. The remerge of contemporary art in Guadalajara is tangible due to the effort of few of its inhabitants, who know the real possibilities laying behind their prolific and fine artists. Gonzalo has made an important contribution with his residency as director of the Oficina de Proyectos Artísticos (Office of Artistic Projects, OPA) in Guadalajara.

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Gonzalo Lebrija ‘Marlin’, 2009

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REVOLUTION El artista australiano Jonathan Jones utiliza en sus obras tubos fluorescentes. Su obra, en un primer momento, puede recordarnos a la de Dan Flavin o Donald Judd. Aunque, en esta ocasión, el artista utiliza los circuitos eléctricos para hacer conexiones en paralelo que buscan establecer un nuevo diálogo acerca del arte contemporáneo aborigen del siglo XXI./ Australian artist Jonathan Jones uses fluorescent tubes in his oeuvres. His work, at first sight, can be related with pieces by Dan Flavin or Donald Judd. Nevertheless, this time, the artist employs electric circuits to make parallel connections that aim to establish a whole new dialogue towards aborigine art of 21st century. TEXTO: VERONIKA MIRONENKO Melbourne (AUSTRALIA) FOTOS: Courtesy Timmelvillegallery

Las luces de su instalación están conectadas en paralelo por una razón: si una unidad no funciona, tampoco lo harán las demás. Esto se basa en la teoría de Gestalt, la cual afirma que el todo es mayor que la suma de sus partes; teoría que acompaña a este artista desde sus inicios. De esta forma, a lo largo de las distintas salas de la Feria de Melbourne, se podía apreciar la pieza-instalación con sus luces conectadas en paralelo que cobraban vida en una sala obscura, ésta era iluminada únicamente por los tubos fluorescentes de esta obra de arte. ‘Revolution’ es el nombre de la instalación que reflexiona —partiendo de la idea de revolución cultural— sobre el paisaje ideológico australiano. Y se completa con dibujos de grafito que representan la estructura molecular de las muestras de sal recogidas en India y Australia. Para tratar de establecer un paralelismo más con la historia colonial de estos dos países.

The lights in his work are connected in a parallel circuit for a reason: if a unit does not work, neither would the rest of the piece. This is based on Gestalt theory, which affirms that the whole is greater than the sum of every single part; a psychological theory that the artist embraced from his early work. In this way, throughout different halls in the Melbourne Fair, one could appreciate the piece-installation with lights interconnected in parallel, finally bestowed with life in a dark room, which was lighted only by the fluorescent tubes of the piece. ‘Revolution’ is the name of the installation that reflects thoughtfully on the ideological Australian landscape — departing from the cultural revolution idea. This show is completed with graphite drawings representing the molecular structure of diverse salt samples collected in India and Australia. In order to establish one more parallelism with the colonial history of these countries.

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Jonathan Jones, ‘Revolution’, 2010- Courtesy Timmelvillegallery

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MIRRORS Daniel Rozin trabaja en el ámbito del arte digital interactivo, sus instalaciones y esculturas tienen la capacidad única de cambiar ante la presencia del espectador. El espectador se convierte en una pieza clave de la obra y, en algunos casos, es el propio contenido en sí. Daniel Rozin works in the field of digital interactive art, his installations and sculptures possess the unique capacity of changing before the presence of the viewer. He/She becomes a key piece of the artwork and, in some occassions, the content itself. TEXTO: SERENA RIZZO Milán (ITALIA) FOTOS: Courtesy Bitforms Gallery

Su investigación ha dado lugar a mágicos espejos de tela y piedra (entre muchas otras superficies) que proyectan la imagen como si de un verdadero espejo se tratara. La mayoría de sus obras se crean a partir de programas informáticos y computadoras; pero éstas se integran a las piezas y raramente son visibles, lo que hace aún más sorprendentes los efectos. Los espejos mecánicos están hechos de materiales distintos, pero funcionan de la misma manera: poseen cámaras de video, motores y equipos integrados que se activan para reflejar a la persona que interactúa con ellos. Sus recientes obras ‘Rust Mirror’ (2010), ‘X by Y’ (2010), y ‘Mirrors Mirror’ (2008) ponen el énfasis en la manera en que el movimiento pasa a través de coordenadas en una cuadrícula. Así, el movimiento en estas piezas está cargado psicológicamente y marcado deliberadamente, mezclando patrones que emergen siempre con nuevos significados y sentimientos. Su obra ‘Mirrors Mirror’ crea una imagen con cada espectador, pues dirige 768 pequeños espejos de manera que reflejan diferentes porciones de la imagen recibida. La pieza está hecha de 24 columnas de píxeles que forman una superficie cóncava, dirigida sólo al espectador. Los píxeles más brillantes reflejan la parte superior del cuerpo del espectador y la pared que está detrás, y los más obscuros se muestran menos brillantes. Así, el ambiente es importante por la manera en que afecta al reflejo. La experiencia al observarlo es personal, pues el reflejo sólo puede verlo el espectador que está adelante. Esta pieza también incluye una animación algorítmica que es disparada cada vez que alguien distinto se coloca frente a la pieza.

His investigation in creation of image has conceived birth to magical mirrors of cloth and stone (among many other surfaces) that project an image as if they were actual mirrors. Most of his work is created upon informatic programs and computers, even though they are integrated to the pieces and almost never visibles, which makes the effects even more surprising. The mechanical mirrors are made from distinct materials, althought they function in the same manner, they have video cameras, engines, and integrated equipment that is activated to reflect people that interact with them. His recent oeuvres are ‘Rust Mirror’ (2010,) ‘X by Y’ (2010,) and ‘Mirrors Mirror’ (2008,) they emphasize the way movement goes through coordenates on a grid. Thus, the movement of these pieces is psychologically charged and deliberately marked, blending patterns that emmerge always with new meanings and feelings. His work ‘Mirror’s Mirror’ creates an image with each viewer, because it directs 768 tiny mirrors to reflect different portions of the received image. This piece is made of 24 columns of pixels that form a concave surface, which is adressed to the viewer only. The most resplendent pixels show the upper part of the body of the viewer, and the wall that is behind and the darker parts of the image are less bright. In this fashion, the environment is important because it affects the reflection. The experience when observing is very personal, since the reflection is only visible to the person standing in front the mirror. The piece also includes an algoritmic animation triggered each time that a different person is placed in front the piece.

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Daniel Rozin, ‘Mirrors Mirror’, 2008

Daniel Rozin, ‘Rust Mirror’

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VIDEOART PETER DO WNSBROUGH TEXTO: EMILIO ÁLVAREZ Barcelona (ESPAÑA) FOTOS: Courtesy Àngels Barcelona

En 1980, Downsbrough alquiló uno de los espacios publicitarios del Spectacolor Board en Times Square, Nueva York, para mostrar su pieza de 30 segundos: ‘The Dice’ (Los dados), un trabajo que lo convirtió en uno de los primeros artistas en utililizar ese lugar. La pieza se mostró una vez, cada hora, durante cuatro días seguidos y el artista la documentó en el video: ‘7 come 11’. En el film dos dados atraviesan el luminoso Spectacolor Board y traducen el pulso de una ciudad durante el tiempo que dura una jugada de dados. Al comienzo de la película, una voz en off deletrea las palabras que componen el título, subrayando la preeminencia de la palabra hablada sobre las imágenes de la ciudad de Nueva York, que componen una amalgama de colores, formas y palabras.

In 1980, Downsbrough rented one of the advertising spots from the Spectacolor Board in Times Square, New York, in order to exhibit his piece in 30 seconds: ‘The Dice’ is a work that made him one of the first artists to use that place. The piece was showed once, every hour, for four days in a row, and the artist documented this on a video: ‘7 come 11’. In these films, two dices go through the luminous Spectacolor Board and translate the pulse of the city during a dice game. At the beginning of the film, a voice over spells the words in the title, highlighting the preeminence of the spoken word over the images of New York City, that are a composition of colors, forms and words.

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Peter Downsbrough ‘7 COME 11’. 16 mm, color, sound, 4’30’’,1980/81. Camera: Merrill Aldighieri. Music: The Wallets. Voice: Solveig Lamberg. Editing: Joe Tripician. Directed by Peter Downsbrough. Produced by City Works, NYC. With special thanks to Spectacolor

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aldo chapaRRo TEXTO: JUSTIN CAVIN Los Ángeles (EE.UU.) FOTOS: Courtesy Galeria OMR

Aldo Chaparro está interesado en la manera en la que las fronteras se funden y disuelven; está interesado en la apropiación y en lo que puede resultar de ésta. Su estudio, situado en el barrio de la Condesa en la Ciudad de México, es un edificio de tres pisos situado al norte del Parque España. En una visita reciente a su estudio discutimos con Chaparro algunos de sus proyectos pasados y presentes, antes de una de sus próximas exposiciones individuales, en noviembre, con la Galería OMR de la Ciudad de México./ Aldo Chaparro is interested in the way that borders fade and blur across one another; he is interested in appropriation and what can come out from it. His studio, located in Condesa neighborhood in Mexico City, is a three stories building situated at north, close to Parque de España. On a recent visit to his studio, we discussed with Chaparro some of his past and present projects, before one of his upcoming solo show in November, at Galería OMR in Mexico.

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Aldo Chaparro, ‘Cuervo 3’, 2010

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Aldo Chaparro es un artista conceptual cuyos métodos son representativos y conductuales. Abarca todos los géneros artísticos, desde escultura y pintura hasta instalaciones monumentales. En los últimos tres años, su cuerpo de trabajo ha proliferado de manera sorprendente. Utiliza materiales que seducen, frases familiares extraídas de canciones pop, neón y láminas de metal reflectante cubiertas de colores. La temática que caracteriza su estilo lidia conceptualmente con la simultaneidad de la existencia, la descontextualización del lenguaje y la reconstrucción de la memoria, pero de una manera que no aísla ningún elemento específico. Así crea una gran cantidad de superposiciones de formas y sensaciones. El lenguaje figura copiosamente en su obra. Siguiendo con la tradición de contemporáneos como Barbara Kruger o Bruce Nauman, Chaparro utiliza la fuerza magnética de las palabras para evocar nuestros sentidos y colocarnos más adentro de nosotros. Chaparro está interesado en pulverizar significados populares para crear otros nuevos, en crear el lugar, el tiempo y el momento en el que el espectador puede encontrar su propio sitio dentro de su trabajo. Para una exhibición individual llamada ‘Obra temprana’ (2008), en la galería OMR, creó una serie de pósters minimalistas, cada uno llevaba impresa la letra de una canción reconocida universalmente, de grupos musicales como The Cure, New Order, Nirvana y The Smiths, por nombrar a algunos. Con frases como “I feel stupid and contagious here we are now entertain us” (Me siento estúpido y contagioso, aquí estamos, entretennos) del clásico éxito de Nirvana, todas pintadas en un póster. Éste, a su vez, se asentaba al lado del “How does it feel” (¿Cómo se siente?) de New Order. Fuera de su contexto musical, la letras que son en gran medida parte de nuestro imaginario colectivo, toman un significado más personal, pues uno no puede evitar escuchar la canción en su mente y, así, recuperar o representar de nuevo en la propia memoria. Sus figuras de acción basadas en la performance, como sus series de esculturas de metal que se detienen sin apoyo, son construidas a mano. Una vez que las largas láminas de metal son tomadas por Chaparro, son retorcidas, pisadas, dobladas o convertidas a patadas en elegantes monumentos con un compromiso físico con su proceso de adaptación y con la memoria de las acciones que les dieron forma. En desacuerdo con el icónico ‘Love’ de Robert Indiana, piezas de los años 60, Chaparro ha introducido su propia interpretación e a través de su serie de esculturas ‘Puta’, taimado compendio de nuestra propia época. Las variaciones de la obra ‘Puta’ van desde el neón a la alfombra, en pequeña y gran escala. Chaparro ha utilizado

Chapparo is a conceptual artist whose methods are performative, spanning all artistic genres, from sculpture and painting to monumental installations. For the last three years, his work has proliferated in an amazing manner. He uses materials that seduce us, familiar phrases culled from pop songs, neon reflecting color-coated sheets of metal. The strongest thematic elements of his style deal conceptually with the simultaneity of existence, the decontextualization of language, and the reconstruction of memory. Yet in a way that does not isolate any specific element. In this way there is a lot of overlapping of sensations and shapes. Language figures are featured copiously in his work. Following the tradition of contemporaries such as Barbara Kruger or Bruce Nauman, Chaparro uses the magnetic force of words to conjure our senses, and to place us more deeply inside ourselves. Chaparro is interested in mashing up popular meanings in order to create new ones; or to create the place, time and moment where the viewer can recognize his or her personal place within his work. For a solo show entitled ‘Obra temprana’ (Early work, 2008) at Galería OMR. He created a series of minimalist posters, each of them with a printed lyric of a song universally recognized by bands such as The Cure, New Order, Nirvana and The Smiths, to name a few. Phrases such as “I feel stupid and contagious, here we are now entertain us,” from the classic hit by the band Nirvana are printed across a non-descript square poster, and sitting next to New Order’s “How does it feel.” Out of the context of music, these lyrics are part of our collective imaginary, and they take a new more personal meaning as one can’t help but to hear the song and recollect it or perform it with our memory. His performance-based action figures, such as his series of freestanding metal sculptures, are hand made. What were once large flat metal sheets are taken by Chaparro and twisted, stepped on, bent and kicked into elegant monuments of physical engagement that embrace the memory of the actions that gave them their shape. In strong disagreement with Robert Indiana’s iconic ‘Love’ pieces from the 1960s, Chaparro has introduced his own understanding of the work, most noticeable through his ‘Puta’ series of sculptures, a sly summary of our own time. The ‘Puta’ pieces vary in form, from neon to carpets, and are made in large and small scale. Chapparo has used the same method of appropriation in his neon pieces, which are equally formally seductive, especially his ‘It Must be Nice to Disappear’ (2008,) a reference to a classic song by Nina Simone. However, his use of neon is not limited to text-based pieces, Chaparro also creates multiple forms of installations by using webs or optic fiber lightning. Recalling to such films as Disney’s science fiction film ‘Tron,’ and Stanley Kubrick’s ‘2001,’ ‘Two Black Monoliths’ (2009) is a mystical, minimalistic piece, it is perhaps a nod to Nauman or Rothkos’ critique of mass and volume, the

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Aldo Chaparro, Serie ‘Aceros’, 2008-2009

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el mismo método de apropiación en sus piezas de neón, las cuales son seductoras, especialmente su ‘It Must be Nice to Disappear’ (Tiene que ser bonito desaparecer, 2008) referencia a una canción clásica de Nina Simone. Sin embargo, la utilización del neón no está limitada a las piezas basadas en textos, Chaparro también crea instalaciones con múltiples formas utilizando redes o luces de fibra óptica. Recordando a películas como aquella de ciencia ficción ‘Tron’ de Disney, o ‘2001’ de Stanley Kubrick: ‘Two Black Monoliths’ (Dos monolitos negros, 2009) es una pieza mística, minimalista, quizás un guiño a Nauman, quizás una crítica a la masa y volumen de Rothkos. La pieza ha sido instalada recientemente en el Museo del Eco, en la Ciudad de México. Los monolitos son ciencia ficción, enmarcados en neón, los largos bloques de negro metal reflectante nos pueden recordar al misticismo gótico del artista neoyorquino Banks Violette. Este año, Chaparro ha creado otra sucesión de enormes monolitos negros, ahora dedicados a la clásica serie de ‘Birds in Space’ (Pájaros en el cielo) de Constantin Brancusi, que data entre 1920 y 1930, aunque Chaparro lo ha hecho al revés. En lugar de exhibir el aerodinámico movimiento físico de un pájaro en vuelo, Chaparro intenta cuestionar la base de lo que se entiende y el valor de su disposición y, en líneas más generales, quién lo determina. En todos los trabajos de Chaparro uno recuerda la afirmación de Paul Virilio, “el arte no habla de pasado, ni tampoco representa al futuro; se convierte en el instrumento privilegiado del presente y de la simultaneidad”.

piece has been recently installed at the Museum del Eco in Mexico City. The monoliths are science fiction. Framed in neon, these large blocks of black reflective metal call to our mind the Gothic mysticism of New York City artist’s Banks Violette. Recently this year, Chaparro has created another series of big black monoliths, this time dedicated to Constantin Brancusi’s classic “Bird in Space” series of the 1920s and 1930s. However, Chaparro made it backwards. Instead of showcasing the streamlined physical movement of the bird in flight, Chaparro has called to question the basis of what can be understood, and more importantly, the value of its disposition, and in general, by whom it is determined. In all of Chaparro’s work, one remind Paul Virilio’s statement that “art does not speak of the past, nor does it represent the future; it becomes the privileged instrument of the present and simultaneity.”

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Aldo Chaparro, Serie ‘Aceros’, 2008-2009

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KARMELO BERMEJO TEXTO: JUDITH PASTOR Barcelona (ESPAÑA) FOTOS: www.karmelobermejo.com

En la edición 2009 de ARCO comenzó a oírse con fuerza el nombre de Karmelo Bermejo, su estilo crítico y alejado del discurso sermoneador antisistema conquistó por completo a público y crítica. El éxito de las obras de este artista radica en su eficiencia para hacer reflexionar al espectador acerca de las incoherencias del mundo./ In Arco 2009 edition we started to hear with special emphasis the name of Karmelo Bermejo, his critic style, which is far from the sermonising anti-system speeches, conquered completely both: public and art critic. The success of his pieces dwells in their capacity to make us reflect on the incoherence existing in our contemporary world.

FOTO: ‘Componente interno de un electrodoméstico de la casa del director de un Centro de Arte reemplazado por una réplica de oro macizo con los fondos del Centro que él dirige’. (2010)/ ‘Internal Component of an Electrical Appliance of the House of an Art Center Director Replaced by a Solid Gold Replica with the Funds of the Center He Directs.’ (2010)

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Karmelo Bermejo no duda en gastarse el dinero de una subvención comprando todas las entradas de un cine para demostrar que, pese a que el cine esté vacío, la película se proyectará. Otro ejemplo, invertir un crédito bancario para dejar al público de Art Basel Miami 09 con la boca completamente abierta, al lanzar una obra pirotécnica con enormes letras que formaban la palabra “recesión”. A Karmelo Bermejo no lo tiembla el pulso, como demuestra la utilización de los fondos otorgados por un centro de arte, sólo para reemplazar un componente interno, imposible de ver, de una aspiradora que es propiedad del dueño del mismo centro de arte, el reemplazo es una réplica de oro puro, y cuando deje de exhibirse, volverá a la casa de su dueño. Con ejemplos como los anteriores, demuestra como se desvían fondos en el arte. Ese tipo de reflexiones son las que pretende arrancarnos. Entre sus obras más destacadas se encuentran también las aportaciones, ‘¿Un servicio gratuito a cambio de qué? – De nada’. Para acercarse a la irreverente obra de este artista, se vuelve imprescindible la lectura del título y subtítulo de las obras. Todos sus trabajos puedes encontrarlos en karmelobermejo.com. >> El mundo está lleno de contradicciones. Proyectar una película sin público o que se realice un viaje en autobús completamente vacío son sólo algunas de las que has mostrado con tus obras. Para que se dé una contradicción es necesario que exista un código moral de algún tipo, una división entre lo que está bien y lo que está mal. Juzgar las obras de arte moral-

Karmelo Bermejo doesn’t hesitate to spend the money of grants by buying all the entrances to a cinema to show that, even if the cinema is empty, the movie will, nevertheless, be screened. Other examples include investing a bank loan to leave all the audience of Art Basel Miami 09 open-mouthed when activating a pyrotechnic piece that displayed enormous letters with the word “recession”. Karmelo Bermejo doesn’t budge, as demonstrated when he used the founding granted by an art center, to solely replace an internal component, impossible to see, of a vacuum cleaner owned by the same director of the art center. The replacement was made with solid gold, and when the piece is over with its exhibitions, it will go back to the director’s home. Examples as the mentioned above, show us how he consciously deviates money in art. Reflections on this matter is what he tries to snatch from us. Amongst his highlighted works are his contributions, ‘¿Un servicio gratuito a cambio de qué? – De nada’ (A free service in exchange of what? Nothing.) In order to come closer to the work of this irreverent artist, it is essential to read the title and subtitles of all his pieces. His works are available at karmelobermejo.com. >> The world is full of contradictions. Screening a film without an audience or seeing a bus making a trip completely empty of passengers are just a couple of the themes you have shown in your work. For giving birth to a contradiction there must be a moral code of some sort, a division between right and wrong. Judging works of art morally is, and has been, always a mistake, re-

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‘Booked The Movie’. Todas las entradas de la sesión del sábado a las 22:00 horas, para la película número uno en el ranking de taquilla, fueron compradas con dinero público para que no fuese vista por nadie. ‘Booked The Movie’. All The Tickets for the Saturday´s Number One Ranked Film at 10 pm Were Bought with Public Money so that Nobody Could Watch the Film.

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mente siempre ha sido un error, que se repite una y otra vez en la historia de la crítica de arte y que las propias obras disuaden con la distancia moral que proporciona el paso del tiempo. El arte está blindado en ese sentido, tenemos carta blanca. >> ¿Crees que es necesario que en este punto la sociedad pare por un instante y haga autocrítica? Eso no va a suceder, así que ni me lo planteo. >> ‘La traca final’ para la clausura de Art Basel Miami, celebra con éxito el fracaso. Una obra irreverente y provocadora que pone toda su atención en la recesión que persigue a las sociedades modernas. ¿Crees que el arte tiene una responsabilidad social? No, el arte no tiene responsabilidad alguna, ni social ni de ningún otro tipo. En todo caso la responsabilidad de ser profundamente irresponsable. >> Consigues impactar al espectador y abrirle los ojos sin grandes complicaciones. Obras que a simple vista son sencillas, como una fotografía, consiguen abrirle los ojos a un público que a veces parece ciego. ¿Es quizá esa sencillez para decir las cosas como son lo que amplía el efecto de tu obra? Aunque las obras de arte tienen propietarios nominales, no lo tienen sus significados. Si sólo doy obras herméticas que dipeated over and over in the history of art criticism, thus the artworks carry out the function of dissuading with the distance that only time gives. Art is blinded in that sense, we have ‘carte blanche’. >> Arrived to this point, Do you think it is necessary for society to stop for a moment and be critical? That will not happen, so I have not even reflected on the matter. >> ‘La traca final’ (The final firework) for closing Art Basel Miami, celebrates failure with success. An irreverent and provocative piece that focuses on the recession that haunts modern societies. Do you think art has a social responsibility? No, art has no responsibility, not social nor any other type. In any case, it has the responsibility of being deeply irresponsible. >> You cause great impact on the audience, opening the eyes of the viewer without great complications. Works that are very simple at first gaze, like a photograph, achieve to open the eyes to a public that sometimes seems blind. Is it perhaps that simplicity to say things as they are which widens the impact of your work? Although the works of art have nominal owners, their meanings don’t. If I only give hermetic pieces that directly mean nothing to an audience who aren’t art experts, there is no confrontation. Works should have a journey outside the circuit of art erudites, though of course this is a wrong path too. The trace of confu-

sta por nadie.

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‘Aportación de trabajo gratuíto a Burger King Corporation’. Las mesas de un restaurante Burger King fueron limpiadas sin recibir a cambio remuneración alguna. ‘Contribution of Free Work for Burger King Corporation’. Tables Located in a Burger King Restaurant Were Cleaned Without any Remuneration Being Paid.

‘Aportación de trabajo gratuíto al Grupo Deutsche Bank’. Los cristales de una sucursal de Deutsche Bank fueron limpiados sin recibir a cambio remuneración alguna. ‘Contribution of Free Work for Deutsche Bank Group’. Glasses of a Deutsche Bank Branch Were Cleaned Without any Remuneration Being Paid.

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‘Aportación de trabajo gratuíto al Grupo Gucci’. Las vitrinas de una boutique de Gucci fueron limpiadas sin recibir a cambio remuneración alguna. ‘Contribution of Free Work for Gucci Group’. The Vitrines of a Gucci Boutique Were Cleaned Without any Remuneration Being Paid.

‘Propina’. Se abonó con dinero público la multa impuesta por viajar sin billete válido y se obsequió al inspector de la línea 1 del U-Bahn de Hamburgo con una bonificación del 10% sobre el precio de la sanción. / ‘Tip’. The inspector of the Line 1 Hamburg U-Bahn Was Paid With Public Money the Amount Corresponding to the Fine Imposed for Travelling Without a Ticket Plus and Extra 10% of the Sanction with which he was presented as an economic bonus.

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rectamente no significan nada para un público que no es experto en arte, no hay confrontación alguna. Las obras deben tener un recorrido fuera de la erudición en arte, aunque por supuesto ese es un recorrido equivocado. El rastro de confusión que dejan las obras de arte en su recorrido por el mundo me interesa mucho. Un ejemplo: el crítico de arte, Fernando Castro Flórez, explica así la pieza de Duchamp, ‘Un Ruido Secreto’ (1916), el ovillo de cordel entre dos placas de latón, “parece ser que Marcel Duchamp, al acabar aquel ready-made se debió dejar dentro algo, alguna tuerca, un tornillo…”. Pero esto no es exactamente así, Marcel Duchamp, en un acto absolutamente consciente, pidió a un tercero, su amigo, el coleccionista Walter Conrad Arensberg, que metiera algo en el ovillo sin decirle lo que era. Por eso el espacio de ignorancia desde el cual se produce esta reflexión genera toda una concatenación de interpretaciones sobre otra cosa que ya ni siquiera es la obra de Duchamp, sino la invención del que habla de ella. El mismo crítico de arte introduce su explicación diciendo que el “humor duchampiano era estrictamente superficial”, y claro que debe serlo para él si atendemos a lo que él sabe.

sion left by some artworks in its journey throughout the world interests me greatly. An example, the art critic, Fernando Castro Flórez, explains the Duchamp’s piece, ‘A Secret Noise’ (1916), which is a ball of twine between two brass plates, and said: “It seems that Marcel Duchamp, at the end of this ready-made leaved something inside, some nut, screw, (...)” But this is not exactly true, Marcel Duchamp, in a fully conscious act, asked a third party, his friend, the collector Walter Arensberg Conrad, to dip something in the ball without telling him what it was. So this elaborated space of ignorance from which to produce these reflections generates a whole chain of interpretations, and moreover, they don’t even refer to the work of Duchamp anymore, but it is only the inventiveness of whoever speaks about it. The same art critic introduces his explanation saying that “Duchamp’s humor was strictly superficial” and should be for him if we have take into account what he really knows. >> With ‘La traca final’ you’ve won the prize ARCO 2010 and seeing what you did with your previous grants we

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‘La traca final’. Crédito bancario concedido a una galería de arte utilizado para lanzar fuegos artificiales en la clausura de Art Basel Miami Beach 2009. ‘The Grand Finale’. Bank Loan Granted to an Art Gallery used to Pay a Firework Display at the Closing Ceremony of Art Basel Miami Beach 2009.

>> Con ‘La traca final’ has conseguido el premio ARCO 2010 y viendo lo que has hecho con tus anteriores subvenciones suponemos que con este dinero volverás a hacer lo imprevisible. Nos puedes adelantar algo. Lo voy a guardar. Los artistas también tenemos nuestros vicios de acumulación y no sólo de derroche. >> En tu última obra, ‘Componente interno de un electrodoméstico de la casa del director de un Centro de Arte reemplazado por una réplica de oro macizo con los fondos del Centro que él dirige’, nos presentas una aspiradora que a simple vista no tiene nada de especial pero que en su interior cuenta con un componente interno de oro de 18 kilates. Nadie puede verlo pero ahí está gracias a los fondos del centro de arte. ¿Cómo se tomo Ferran Barenblit el resultado de la inversión del centro? Ferran Barenblit demostró su profesionalidad y su compromiso con el arte al aceptar enriquecerse gracias a mi pieza, porque así lo requería el proyecto. Cuando termine la exposición, la aspiradora volverá al lugar que le es propio,

assume that this money will return to do the unpredictable. Can you advance something to us? I will save it. Artists also have vices of accumulation and not just of squander. >> In your latest work, ‘Componente interno de un electrodoméstico de la casa del director de un Centro de Arte reemplazado por una réplica de oro macizo con los fondos del Centro que él dirige’ (Internal component of an electrical appliance from the house of the director of an Art Center replaced by a solid gold replica with the Center’s funds which he runs), you present a vacuum cleaner which, at a first glance, shows nothing in special, but inside it has an internal component of 18 karat gold. Nobody can see it, but it’s there thanks to the funds from the art center. How did Ferran Barenblit evaluated the final result of the investment made by the center? Ferran Barenblit demonstrated his professionalism and commitment to art when he accepted to enrich himself by accepting my piece, just as my project required. When the exhibition is over, the vacuum cleaner will return to its place, its home,

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TA L E N T S

‘Aportación de vigilancia al Museo del Prado’. Vigilar al vigilante de la sala 39. ‘Contribution of Watchfulness to Prado Museum’. Watching the Watcher of Room 39.

en patrias. De todos modos, los países pueden utilizar las obras de arte haciendo del desconocimiento una metodología para extender sus significados, en la línea de lo que hablábamos antes. Esta relación simbiótica entre el artista y el Estado es muy productiva en muchos aspectos, por ejemplo: en ‘3,000 euros de dinero público utilizados en comprar libros de Bakunin para quemarlos en una plaza’ (2007) o en ‘Propina’ (2007) (en la que se paga una multa con dinero público además de obsequiar al “multador” una propina), y en algunas piezas más, el estado es el que financia las piezas. El abrazo del oso que le doy al financiamiento público, al Estado, cuando incorporo la proveniencia de la financiación en el título, lo convierte en cómplice, desde luego. Y, si asumimos que la financiación de las piezas tiene casi un carácter de autoría, dado que todas las instituciones firman escrupulosamente sus producciones, podemos llegar a la conclusión de que el Estado ha hecho la pieza. Es el autor. >> Cuando hay talento y triunfos, entonces surge lo inevitable... Se habla de que tienes padrinos, de que tus obras son pseudoarte, incluso de que ¡apareces mucho en Internet! ¿Cómo afrontas las críticas? Aparecer ante el público como un ser detestable es un derecho irrenunciable del artista, cosa que uno no se puede permitir en otras profesiones.

su casa, con el parásito de oro adherido para siempre. Podrá venderla o exponerla y lucrarse con ella como le de la gana. >> Actualmente formas parte de la exposición ‘Fetiches críticos: residuos de la economía general’ el primer proyecto del colectivo El Espectro Rojo. ¿Nos puedes hablar de las obras que estás exponiendo? La pieza de la aspiradora y la de Bakunin asumen su tratamiento de reliquia, operan en el sistema a la manera de vehículo económico, cómo cualquier obra de arte, en el caso de Bakunin la pieza desvía fondos de dinero público a las editoriales de libros anarquistas y en el caso de la aspiradora se desvían los fondos del centro de arte hacía su propio director. En el caso de ‘Escarpias de oro macizo para sujetar obras de arte’ (las escarpias quedan ocultas por las obras que sujetan), que en la exposición sujetan un cuadro de Magdalena Jitrik, la pieza está en un proceso permanente, así que, dependiendo del contexto en el que se utilicen, y de lo que se cuelgue en ellas, tendrán un significado diferente, tanto las escarpias cómo las obra sujetadas. >> Vives entre México y España, ¿qué diferencia encuentras entre ambos países con respecto al arte? ¿En qué país se entiende mejor tu obra? No son los países los que entienden las obras de arte, sino algunas individualidades. Estas individualidades están metidas en patrias, e incluso las contienen muy a su pesar, porque no hay otro sitio dónde meter a la gente que

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TA L E N T S

‘Attachment’. Cabeza de toro disecada girada 180º y empotrada en la pared de una casa. ‘Attachment’. Stuffed Bull´s head turned 180º and embedded in a wall of a house.

even if they are immersed with their reluctance, as there isn’t any other option but to case people in their homelands, and nowhere else. In any case, artists can use their works to apply the unknown as a methodology to extend the meanings of their creations, just in the same fashion as I mentioned earlier. This symbiotic relationship between the artist and the state is very productive in many aspects, for example, in ‘3,000 euros de dinero público utilizados en comprar libros de Bakunin para quemarlos en una plaza’ (3,000 euros of public money used to buy books from Bakunin in order to burn them in a central place, 2007) or ‘Propina’ (Tip, in which a fine is paid with public money, additionally giving a tip to the one “sanctioning,” 2007). And in some pieces, it is the state that finances the pieces. The bear-hug that I give to public funding, that is, the State, as when I include the origin of funding in the title of the piece, making the State an accomplice, of course. And if we assume that the financed piece is almost a matter of authorship, as all the institutions sign their products very carefully, we conclude that the State made the piece. It is the author. >> When there’s talent and success: the inevitable arises ... It is said that you have sponsors, godfather’s, that your work ais pseudo-art, even that you appear too much on the Internet! How do you face criticism? Appearing in front the public as a despicable and evil being is an inalienable right of the artist, something that cannot be allowed in other professions.

with the gold parasite inside attached forever. He could sell it or exhibit it and make profit from it as he pleases. >> Actually you are part of the exhibition ‘Fetiches críticos: residuos de la economía general’ (Critic fetishes: material waste of the general economy) the first project by El Espectro Rojo collective. Could you talk us through the pieces you’re exhibiting? The vacuum cleaner piece and the other one about Bakunin assume some sort of a relic treatment, operating in the system in the same manner of an economical vehicle, as any work of art does. In the case of Bakunin the piece diverted funds from private money to the editors of anarchist publications; and in the case of the vacuum cleaner, the funds are diverted to the director of the art center. In another example, ‘Escarpias de oro macizo para sujetar obras de arte’ (Drywall solid gold hooks to hold artworks), the hooks remain hidden by the works they hold. In the expo they sustain a painting by Magdalena Jitrik, so my piece is in a permanent process. In this fashion, depending on the context in which they’re used, and by what it is that hangs from them, they’ll have one meaning or another, both: the hooks and the pieces sustained by them. >> You live halfway in between Mexico and Spain; what differences do you find between both countries concerning art? ¿Where is your work best understood? There aren’t countries that understand artworks, but only some individuals, who are thrust into homelands, nations ...

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Anne Hardy, ‘Building’ 2006. Courtesy Maureen Paley, London

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TEXTO: JOËL PAULI Lausanne (SUIZA) FOTOS: Courtesy of the Saatchi Gallery, London

‘Newspeak: British Art Now’ es la primera exposición a gran escala que realiza la Galería Saatchi en su nueva locación en Chelsea./ ‘Newspeak: British Art Now’ is the first large-scale exhibition organized by the Saatchi Gallery in its new location in Chelsea.

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Lynette Yiadom Boakye, ‘Politics’, 2005 © Lynette Yiadom Boakye, 2010 80

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OBSESSIONS

Saatchi Gallery repite experiencia y nos presenta la segunda generación de artistas británicos. Lejos quedan los famosos Young British Artists (YBA’s) y la controvertida exposición ‘Sensation’. En aquella ocasión, Charles Saatchi consiguió escandalizar al público a través de una selección de obras que fueron consideradas violentas, superficiales y asquerosas, entre otros muchos calificativos. ‘Sensation’ trataba de estremecer al espectador y hacerle reflexionar sobre los prejuicios sexuales, morales y culturales. Y lo hacía sin ningún límite. Chris Ofili causó un gran escándalo al presentar a la virgen rodeada de excrementos de elefante y recortes de revistas pornográficas. También generó controversia el gigantesco cuadro de Marcus Harvey en el que mostraba la imagen de Myra Hindley, autora, junto a Ian Brady, de la violación y el asesinato de cinco niños. Y en esa misma línea de irreverencia, 92 creaciones de más de 42 artistas. De aquella exposición surgieron Saatchi Gallery repeats the experience and presents us with the second gealgunos de los artistas más cotizados neration of British artists. Far are the famous Young British Artists (YBA’s) del momento como Damien Hirst. Y and the controversial exhibition ‘Sensation’. At that time, Charles Saatchi así fue como Charles Saatchi se consaw a perfect occasion to shock the viewer through a series of works that virtió en una de las figuras más influwere considered as violent, disgusting and superficial, among many other yentes del arte contemporáneo. La qualifications. ‘Sensation’ intended to make the viewers shudder and to nueva generación de artistas –la cual arise in them a thoughtful reflection on gender, moral and cultural premuchos han querido llamar de algujudice. And it did so without limits. Chris Ofili caused a great scandal by na forma, así como llaman MABA’s presenting the Virgin surrounded by elephant excrement and clippings (Middle-Aged British Artists) a la from pornographic magazines. Also generated enormous controversy the generación de ‘Sensation’– no ha gigantic Marcus Harvey’s painting in which he depicted the image of Myra provocado tanto escándalo y polémiHindley, the author, together with Ian Brady, of the rape and murder of five ca. Pues estos artistas no se conocen children. And in this same vein of irreverence, there were 92 creations of entre sí, no comparten sentido del over 42 artists. From that exhibition sprouted some of the most sought-afhumor o estética, edad o experienter artists such as Damien Hirst. This is how Charles Saatchi became one cia. En referencia a lo que pasó 13 of the most influential figures in contemporary art. The new generation of años atrás con los Young British Arartists – which many intend to name, just as they refer today to the MABA’s tists, Charles Saatchi ha reconocido (Middle-Aged British Artists) to the former generation of ‘Sensation’ – que “aquellos años fueron inusuales have avoided provoking that amount of scandal and polemic. Thus, these para la creación”, y añade que artisartists don’t know each other, don’t share a sense of humor, esthetics, age tas así “probablemente no se vuelvan or experience. Referring to what happened 13 years ago with the Young Bria repetir en varias generaciones”. tish Artists, Charles Saatchi acknowledges that “those years were unusual for artistic creation,” and he further comments that artists like them “probably will not appear again in some generations.”

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OBSESSIONS

Los artistas que nos presenta el coleccionista nos hacen reflexionar con ingenio, creatividad, ironía y sentido del humor, sobre temas como la clase, el consumismo y el fenómeno de la cultura del éxito inmediato. La exposición cuenta con obras en distintos soportes y técnicas; con la excepción del videoarte, algo que resulta extraño en un momento en el que el video se ha convertido en uno de los lenguajes emergentes más importantes. ‘Newspeak: ‘Newspeak: British Art Now’ demuesBritish Art Now’ demuestra que el arte ha cambiado, pero no el olfato, poder e tra que el arte ha cambiado, pero no influencia de Charles Saatchi. Las irónicas instalaciones de Goshka Macuga el olfato, poder e influencia de Charya cuentan con una nominación al premio Turner Prize. Y el veterano John les Saatchi./ ‘Newspeak: British Art Wynne ha conseguido con esta exposición eco internacional, gracias a una Now’ shows that art has changed, but instalación sonora que conecta 300 altavoces a un piano, emitiendo notas not the smell, power and influence of y ecos a través de un mecanismo que funciona unido a un aspirador. DestaCharles Saatchi. can también los provocadores cuadros The artists presented by the collector bring us to reason with inventiveness, de Ged Quinn, la reinterpretación del creativity, irony and humor about subjects such as class, consumerism, and universo pop de Barry Reigate, o las the phenomenon of the culture of instant success. The exhibition features esculturas enigmáticas de Jonathan works through various formats, media, and techniques, with the exception of Baldock. Pero esta exposición incluye videoart. Something that seems very unusual today, when the video has bemás nombres: Hurvin Anderson, Karla come one of the most important emerging languages. ‘Newspeak: British Art Black, Lynette Yiadom-Boakye, Pablo Now’ shows that art has changed, but not the the smell, power and influence Bronstein, Steven Claydon, William of Charles Saatchi. The ironic Goshka Macuga installations already prize-lisDaniels, Matthew Darbyshire, Tim ted for the Turner award. And veteran John Wynne has achieved internatioEllis, Sigrid Holmwood, Iain Hethenal reverberation through this exhibition, this is due to an audio installation rington, Scott King, Littlewhitehead, that connects 300 speakers to a piano, emitting musical notes and echoes Alastair MacKinven, Ryan Mosley, through a mechanism that works altogether with a vacuum cleaner. There Rupert Norfolk, Mark Pearson, Peare also other outstanding provocative pictures by Ged Quinn, the reinterpreter Peri, Clunie Reid, Eugenie Scrase, tation of the pop universe by Barry Reigate, or Jonathan Baldock enigmatic Daniel Silver, Fergal Stapleton, Clare sculptures. The exhibition includes more signatures: Hurvin Anderson, KarStephenson, Phoebe Unwin, Donald la Black, Lynette Yiadom-Boakye, Pablo Bronstein, Steven Claydon, William Urquhart y JohnWynne. Toma buena Daniels, Matthew Darbyshire, Tim Ellis, Sigrid Holmwood, Iain Hetheringnota de esta lista de nombres, porque ton, Scott King, Littlewhitehead, Alastair MacKinven, Ryan Mosley, Rupert de ella saldrán algunos de los artistas Norfolk, Mark Pearson, Peter Peri, Clunie Reid, Eugenie Scrase, Daniel Silver, que seguiremos en un futuro próximo. Fergal Stapleton, Clare Stephenson, Phoebe Unwin Donald Urquhart and JohnWynne. Make good note of this list, because among them will emerge some of the names to follow the years to come.

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John Wynne, â&#x20AC;&#x2DC;Installation for 300 speakers, Pianola and vacuum cleanerâ&#x20AC;&#x2122;, 2009. Photo: Steve Ibb, Beaconsfield London 83

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MEXICAN ART

ARTES PLÁSTICAS UNIVERSIDAD DE GUADALAJARA

“Hace unos años, Guadalajara era otra, algunas veces los espacios que todos pensamos conocer lucen dinámicos y renovados”. Eso suena entre la gente que visita algunas de la exhibiciones en Casa Vallarta, Casa Escorza o el Museo de las Artes, y la realidad es que eso ha pasado con los espacios donde Cultura UdeG exhibe lo que en la actualidad representa su Proyecto de Artes Plásticas. En los últimos años Cultura UdeG ha buscado redimensionar su compromiso con las artes plásticas y con una escena que se diversifica y cambia de forma constante en Guadalajara, sus espacios se han adaptado a ella y entre sus muros y, en ocasiones, fuera de ellos, se escribe letra a letra la historia de la nueva plástica en la ciudad. Cultura UdeG trata de dar respuesta a la producción de nuestra universidad y, por lo tanto, al arte joven de la ciudad, por eso se convierte en pantalla de lo que se hace en casa. El trabajo de Jorge Andrés Palos, artista joven que egresó del Campus de Santa María de Gracia apenas en 2009, dio parte de las nuevas búsquedas que se filtran en espacios como el Centro Cultural Casa Vallarta. Ahí mismo ‘La muerte en que vivimos’ de Raúl Rebolledo, cuestiona con neones y sistemas interactivos los conflictos actuales de nuestro país, la violencia y las estructuras religiosas; y ‘Social Dyslexia’ de Humberto Moro, retrata en lienzos la subcultura actual. El Museo de la Artes Plásticas es un claro referente en el país, colabora con proyectos del resto de México y del extranjero, recibe y produce importantes muestras con nuestros artistas consolidados. Entre otras muestras recientes se colgó en sus muros la obra de David Lachapelle, el trabajo de Alejandro Colunga y la exhibición ‘Te Pareces Tanto a Mi’, de las colecciones del Maestro Carlos Monsiváis y curada por Rafael Barajas “El Fisgón”, quien hizo un retrato, casi literal, de nosotros mismos, de nuestra sociedad y del mexicano como realmente podría lucir. La fotografía y los nuevos medios tienen su lugar en la Casa Escorza, el espacio para la imagen de

“A few years ago, Guadalajara was another, sometimes the spaces we already knew look more dynamic and renewed.” That can be listened among people that visit some of the exhibitions in Casa Vallarta, Casa Escorza or the Museo de las Artes, and the reality is that this is happening to the spaces where UdeG Culture exhibits what currently represents its Visual Arts Project. In recent years, Culture UdeG has sought to resize its commitment to the arts, and with Guadalajara’s scene, diversifying and constantly changing. In this order, the spaces of the city are adapted and on the walls and, sometimes, out of them, is written, letter by letter, the history of the new plastic of the city. UdeG culture is responding to the production of our university, therefore presents to the young art of the city, becoming a mirror of what is being done at our home. The work of Jorge Andrés Palos, young artist who graduated from the Campus of Santa María de Gracia, in 2009, gives some new queries that filter into spaces such as the Centro Cultural Casa Vallarta. In that same place, ‘La muerte que vivimos’ (The death we live) by Raúl Rebolledo, questioning with interactive systems made of neon the ongoing conflicts in our country, violence and religious structures; and ‘Social Dyslexia’ by Humberto Moro, which portrays on his canvas the current subculture. El Museo de las Artes Plásticas is a clear reference in the country, working with other projects in Mexico and abroad, receiving and producing major exhibitions with our established artists. Among other recent shows, the walls held the work by David LaChapelle, by Alejandro Colunga, and displayed ‘Te pareces tanto a mí’ (You look so much like me,) from the collections of the master Carlos Monsiváis and curated by Rafael Barajas “El Fisgón,” who did a portrait, almost literally, of ourselves, our society, and the Mexican as it could really look like. Photography and new media have their place in Casa Escorza, the space for the image of our city, where the work of

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MEXICAN ART

nuestra ciudad, donde el trabajo de artistas consolidados nacionales e internacionales convive con la producción de nuevos artistas. Así, compartieron muros Enrique Méndez de Hoyos con la vídeo-instalación a dos canales ‘Síntomas y huellas’, Fernando y Gerardo Montiel Klint con ‘Nirvana’ y ‘Matehuala’, el proyecto ‘Historias’ de Héctor Guerrero y Rafael del Río y Carlos Alberto Ruíz, estudiante de nuestra Escuela de Artes Plásticas con un proyecto producido y cuidado especialmente en Casa, entre muchos otros artistas que, desde aquí, se insertan en el círculo de la fotografía de nuestro país. La formación es clave en este proyecto, también el diálogo constante, la crítica y el intercambio de ideas, por ello estamos obligados a voltear hacia nosotros mismos, echar un vistazo a nuestras aulas, a la comunidad estudiantil; y entender que como Universidad generamos y formamos creadores que tendrán que dar respuesta directa a su cultura; por eso, y como un refuerzo a esta labor, los artistas que nos visitan se enfrentan a talleres, conferencias, charlas y revisiones de portafolios de jóvenes artistas. La búsqueda sigue y el camino por consolidar los espacios está inconcluso, Cultura UdeG está comprometida a seguir en éstas tres líneas: exhibiciones con lo mejor de México y del mundo, muestras con artistas jaliscienses consolidados, y el trabajo cercano y constante con jóvenes egresados de nuestra Universidad. En este proceso, el Centro Cultural Casa Vallarta tendrá la visita del ‘Refugio de Hitler. Ruinas de la Cancillería de Berlín’ una de las últimas obras del maestro Diego Rivera que llegará con el apoyo y la colaboración de Armando Colina y Víctor Acuña, con la Galería Arvil abren la posibilidad de conocer esta pieza, pocas veces mostrada al público o a la comunidad de Guadalajara. Para Cultura UdeG la experiencia estética debe estar en constante renovación y ser dinámica, porque también así se mueven las ideas de nuestra ciudad y por que sólo así se le puede dar respuesta al universo que nos toca representar.

national and international established artists coexist with the production of our newest artists. Thus, sharing the walls is Enrique Méndez de Hoyos with his video-installation in two channels ‘Síntomas y huellas’ (Symptoms and signs), and Fernando and Gerardo Montiel Klint with ‘Nirvana’ and ‘Matehuala,’ the project ‘Historias’ (Stories) by Hector Guerrero and Rafael del Río and Carlos Alberto Ruiz, a student at our School of Visual Arts with a project produced with especial care at Casa, amongst many other artists inserted into the circle of photography in our country. Training is key to this project, also the constant dialogue, critique and exchange of ideas, so we are forced to turn to ourselves and take a look at our classrooms, the student community. In this order, understand that as an University we generate and form creators that will have to answer directly to their culture; is for this reason, and as a reinforcement for their work, that the artists that visit us face each other in workshops, conferences, lectures and portfolio reviews by other young artists. The quest continues and the path to consolidate the space is unfinished, Culture UdeG is committed to continuing working in these three areas: displaying the best of Mexico and the world, bringing shows of consolidated artists from Jalisco, and working closely and constantly with our young graduates of our University. In this process, the Casa Vallarta Cultural Center will host the visit of ‘Refugio de Hitler. Ruinas de la Cancillería de Berlín’ (Refuge of Hitler. Ruins from the Chancellery of Berlin) one of the last works by the master Diego Rivera. It will arrive with the support and partnership of Armando Colina y Víctor Acuña, whom with Arvil Gallery open up the possibility of knowing this piece, rarely shown to the public or Guadalajara’s community. For Culture UdeG the aesthetic experience must be constantly renewed and be very dynamic, also because the ideas move that way in our city and that is the only way you can respond to the universe that we have to represent.

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TEXTOS: REDACCIÓN SELECCIÓN: Karla González

En el siglo XX la escultura protagonizó una ruptura con su pasado clásico, fenómeno plástico que se desarrolló de manera paralela a la pintura. Desde el inicio han habido dos corrientes muy claras: una de orientación clásica y conservadora, con una visión más humanista y moderna. Y, otra, es innovadora, busca abrirse nuevos horizontes y romper los límites, hacer obsoletas las descripciones y acabar con las etiquetas para asegurar su evolución. De esta última, más vanguardista, han destacado otros dos grandes grupos: expresionistas y abstraccionistas. Todos los movimientos pasados dieron cinceladas a la idea de la escultura, pues si el impresionismo es un movimiento antiguo y, principalmente, pictórico, también brindó algunos aportes al mundo de la escultura. Y con el cubismo se llevó a la escultura a su punto cúlmine. Así, vemos que la escultura todavía tiene muchas de las características modernas que destacan en el campo del arte. Es una historia en constante creación. Se suele citar que la escultura contemporánea comienza con Auguste Rodin, él fue el primero en romper los cánones académicos y dejar a un lado las críticas del arte de su época. Con él se pierden las tradicionales técnicas clásicas y se empieza a incluir materiales y temas impensables hasta ese momento. Las tendencias actuales de la escultura contemporánea son realmente variadas, fusionan gran número de materiales, técnicas y estilos. Además de la herencia propia de los estilos escultóricos del pasado, es así como da lugar a fructíferas producciones artísticas. Su principal rasgo definitorio es el cambio, la búsqueda de nuevas simbologías y funciones. Sirve como ejemplo el nuevo humanismo moderno que surge con muchos de los escultores contemporáneos. Les place enseñar nuevos significados y obras que cambian la manera de representar nuestro tiempo, artistas que destacan por obras que buscan esculpir la mente del espectador contemporáneo, arte que hace de la evolución continua de la escultura algo apasionante el día de hoy.

Last century the sculpture staged the breakup with its classical past, this is a plastic phenomenon that developed simultaneously in painting. From the beginning there were two clear trends: on the one hand, there is the classical and conservative one, more humanistic and with a modern point of view. And, in the other, one more innovative, looking forward to open its path through new horizons, breaking through the borders, making descriptions obsolete, ending with all the tags and labels to assure its own evolution. Of the latter, more cutting-edge, there were two main groups, the Expressionists and the Abstractionists. However, all past movements chiseled and engraved into us a new idea of the sculpture. The antic movement of Impressionism, mainly pictorial, also provided some insights to the world of sculpture. Even Cubism made the sculpture arrive to its climax. In this manner, we see today that the sculpture has many of the modern features that still stand out in the terrain of arts, is history in constant creation. It is often quoted that contemporary sculpture began with Auguste Rodin, he was the first to break through the academic canons and put aside the art criticism of his time. With him all the traditional classical techniques and materials vanished, he began to include new themes and materials that were unthinkable until that moment. The current trends of contemporary sculpture are really diverse, they merge a large number of materials, techniques and styles, in addition to the heritage of the sculptural styles of our past. In this manner, it is giving life to fructiferous artistic productions. The feature that mainly defines them is change, the quest for a new simbology and functions. Serves as an example, the new modern humanism that emerges with many of the contemporary sculptors. We are pleased to depict new meanings and oeuvres to show how they represent our present our epoch, artists who stand out for their work, who are capable of carving the contemporary viewer’s mind, artists that make the evolution of sculpture something exciting today.

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GERHARD DEMETZ

TEXTO: ALBERTO NORIEGA Barcelona (ESPAÑA) FOTOS: Galleria Rubin

Sus adolescentes y niños de madera parecen decirnos que han sufrido las imposiciones de los adultos con una impotencia que llega incluso a entristecernos, pero esto es sólo una interpretación… Parece que sus figuras quieran acabar con todo esto y rebelarse. El artista nos revela cierta fascinación por cómo la psique infantil está en constante búsqueda de valores, cosa que, según Demetz, perdemos al convertirnos en adultos. Sus obras evocan recuerdos que pueden asaltarnos por su capacidad de transmitir contenido y forma. En Taxi podemos ver algunas de sus obras para indagar en el significado y el mensaje que parecen lanzar./ His wooden adolescents and children seem to express that they have suffered the impositions of adults with a powerlessness that even saddens. This is only an interpretation, but seems that Gerhard Demetz’s figures want to put a stop to all of this and rebel. This reveals a certain fascination about how the child psyche is constantly seeking values; a phenomenon which, according to Demetz, we lose as we transform into adults. His work evokes memories that can assault us by their own ability to transmit content and form. In Taxi we can see some of his works delving into the meaning and message that Demetz wants to send off.

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Suena paradójico que Geherard Demetz sea conocido por un cierto misterio que lo envuelve. Este artista es capaz de dotar a la madera de propiedades que no tenía antes. El resultado son figuras que nos cautivan enseguida. Demetz crea esculturas de niños que parecen tristes y que buscan conectar con la persona que los observa. Inocencia interrumpida, vendetta infantil, partes de la escultura que faltan… Todo revela cierto dolor y, a su vez, dejan un tanto indefenso al observador. Nacido en 1972, en Italia, en un poblado llamado Selva di Val Gardena, donde trabaja y reside. Ha subido a la escala internacional por la calidad artesana que tiene su estilo de tallar la madera, crea figuras que son llamativas y sugerentes para los observadores contemporáneos. >> Hablemos de tu infancia y vida en Val Gardena. Alejado del bullicio de las grandes ciudades italianas, tú It sounds paradoxical that Geherard Demetz is known for a descubrimiento de la escultura… Me gusta visitar a ciudades que nunca he visto. Sin embargo, certain mystery that surrounds al cabo de un rato, debo regresar a Selva, donde encuentro la him. This artist is able to provide atmósfera tranquila y relajada que mejor encaja conmigo. La to the wood some properties that it didn’t have before. The results lectura es esencial para nutrir mi mente y mi imaginación. >> ¿Porqué la convicción de esculpir en madera? No re- are figures that captivate us right sulta un tanto extraño en Italia, ¿es una tradición de la away. Demetz creates sculptures frontera italiana? ¿Cómo fue que llegaste a la madera of children who look sad and seek to connect with the individual who como soporte? Sí, en Val Gardena existe una tradición de tallado de madera observes them. Interrupted innoque ha prevalecido por más de tres siglos, y se cree que vie- cence, childish vendetta, parts of ne desde Polonia. Mi interés en la escultura se remonta a mi the sculpture that are missing. All juventud, cuando me fascinaban las obras de arte sacro de this reveals some sort of pain and, in turn, leaves the observer defenlargas dimensiones. seless. He was born in 1972, in Italy, in a town called Selva di Val Gardena, where he still lives and works. Demetz has risen to an international level by the quality of craftsmanship and personal style of carving wooden figures that are both striking and suggestive for contemporary observers. >> Let’s talk about your childhood and life in Val Gardena. Away from the bustle of big Italian cities, your discovery of sculpture... I like visiting cities I have never seen. But, after a while, I must return to Selva, where I find the the quiet and relaxed environment most suitable for me. Reading is essential in order to nourish my mind and imagination. >> Why your conviction on carving and sculpting wood? Isn’t a bit strange that technique in Italy? Is it a tradition of Italian border? How did you arrive to wood as a material for your sculptures? Yes, in Val Gardena there’s an artistic tradition of wood carving that has prevailed for more than three centuries, and it is believed to have come from Poland. My interest in sculpture dates back to my youth, when I was fascinated by sacred artworks of large dimensions.

Gerhard Demetz ‘I was famous last night’, 2008

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Gerhard Demetz ‘Forgive me if coudn’t handle ’, 2008

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>> Cuéntanos sobre tu proceso de formación, ¿Cómo te iniciaste y has podido depurar tu técnica hasta llegar ha este grado de refinamiento en el acabado de la madera? Los primero seis años de entrenamiento como escultor los pasé en escuelas de arte y en la escuela profesional para escultores de Selva, mi ciudad natal, donde todavía resido. En 1996, acepté la posición de maestro en la escuela profesional de Ortisei, donde enseñé por más de diez años. Luego consolidé mi investigación en la academia de verano de Salzburgo. Durante este tiempo me mantuve refinando mis habilidades y buscando mi estilo propio. En cuanto a la calidad de los acabados de mi trabajo, yo diría que es el resultado de los últimos años de investigación y de las técnicas que aprendí de mis maestros.

>> Tell us about your formation process. How did you start and how did you manage to polish your technique until reaching this level of refinement and craftmanship on wood’s finish? The first six years of training as a sculptor were spent in art schools and in the professional school for sculptors in Selva, my hometown, where I still live. In 1996, I accepted a position as a teacher in the professional school of Ortisei, and I taught for over ten years there. Then I consolidated my research at the Salzburg summer academy. During that time I kept refining my skills and searching for my own individual style. As for the finished quality of my works, I would say it is the result of the last years of research and the techniques I learned from my teachers.

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>> ¿Qué buscas transmitir con tus esculturas de niños tristes? ¿Existe alguna razón personal o quieres crear un puente con la psique del observador? Trato que se vean más seguros de sí mismos de lo que los niños normalmente son, más conscientes de sus elecciones y las subsecuentes consecuencias. >> Tus figuras parecen que quieren rebelarse de las imposiciones y crueldades del mundo adulto. ¿Crees que tus obras poseen la capacidad de conectar con la crueldad y la inocencia humana? Espero establecer un diálogo entre las esculturas y el observador, yo acepto todas las interpretaciones. >> Sabemos que has sido profesor en tu pueblo natal unos 10 años, ¿En estos años has aprovechado para concebir lo que sería tu trabajo? Las clases de escultura, ¿te ayudaron o te impidieron dedicarte al trabajo creativo? Al principio el contacto con mis estudiantes era de gran ayuda para mi trabajo. Pero después tuve la sensación de que el tiempo para mi propia actividad no era suficiente. Sentía esta ansiedad en todas partes, en la escuela, en mi estudio, y hasta en mi casa. Me di cuenta de que esto no era bueno. Así que renuncié a mi actividad como profesor y, hasta este momento, no me arrepiento de la decisión.

“Espero establecer un diálogo entre las esculturas y el observador”/ “I hope to establish a dialogue between the sculpture and the observer”

>> What do you want to express with your sculptures of sad children? Is there any personal reason or do you want to create a bridge into the psyche of the observer? I try to make them look more self-assured than children normally are, more aware of their choices and the subsequent consequences. >> Your figures seem to want to rebel from the impositions and cruelties of the adult world. Do you think your works have the ability to connect with cruelty and human innocence? I hope to establish a dialogue between the sculpture and the observer, I accept all interpretations. >> We know you’ve been a teacher in your hometown for 10 years. During these years, Did you ever imagine what your work would be? Did the sculpture classes help or hinder your creative work? At first the contact with my students was helpful in my work. But later I had the feeling that the time I had for my own activity was not enough. I felt this anxiety everywhere, at school, in my studio, and at home. I realized this was not good. So I quit my job as a teacher and, so far, I don’t regret on this decision.

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Gerhard Demetz ‘Your monsters are just like mine ’, 2006

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>> ¿Podrías hablarnos por qué utilizas la técnica de yuxtaponer calidades de madera y quitar pedazos de tus esculturas? Esta técnica me permite modelar y tallar la madera al mismo tiempo. Soy capaz de añadir y sustraer materia, según mi voluntad. >> ¿Tu trabajo te parece contemporáneo o tiene influencias de períodos y artistas más clásicos? Mi escultura se ensambla pieza tras pieza y la estructura modular de elementos en madera tiene reminiscencias con el mundo de la tecnología informática. El tema es ciertamente contemporáneo, empero, también es cierto que he sido influenciado por grandes artistas como Riemenschneider, Stoß, Barlach, etc. >> España, Corea, Estados Unidos, Alemania, la estatua de uno de los fundadores de Nike ¿Te sorprende la proyección que tienes del 2005 al día de hoy? ¿Ves todo muy rápido? Yo creo que he trabajado muy duro durante mis años de aprendizaje hasta ahora. Pero nunca hubiera creído que el sendero fuera tan rápido e intenso. >> Podremos ver alguna vez tu trabajo en México… ¿Tienes alguna oferta para exponer tu obra en México? Espero que sí. Han habido contactos pero, hasta ahora, nada serio... >> Una vez conseguido ese toque personal que dota de autenticidad a tus piezas en el mundo de la escultura contemporánea, ¿qué planes tienes para el futuro próximo? Me gustaría desarrollar mi bajo-relieve, cambiando la madera por modelos de cera para fundir en bronce.

“He sido influenciado por grandes artistas como Riemenschneider, Stoß, Barlach, etc”/ “I was influenced by great artists such as Riemenschneider, Stoß, Barlach, etc”

>> Can you tell us why you use the technique of juxtaposing qualities of wood and removing pieces from your sculptures? This technique allows me to shape and carve wood at the same time. I am able to add and subtract matter at my own will. >> Do you think that your work is contemporary or does it have influences of classical artists and periods? My sculpture is assembled piece by piece and the modular structure in wooden elements is reminiscent of the world of computer technology. The theme is certainly contemporary, however, I was also certainly influenced by great artists such as Riemenschneider, Stoß, Barlach, etc. >> Spain, Korea, USA, Germany, the statue of one of the founders of Nike. Are you surprised by the projection that you‘ve experience from 2005 until today? Do you see everything going a little too fast? I think I have worked hard during my years of apprenticeship, until today. But I would never have expected such a fast and intense lane. >> Will we ever see your work in Mexico? Do you have an offer to exhibit your works in Mexico? I hope so. There were contacts but, so far, nothing serious. >> Once you’ve achieved that personal touch that gives uniqueness to your pieces in the world of contemporary sculpture. What are your plans for the near future? I would like to develop my low reliefs, switching from wood to wax models to be casted into bronze.

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Gerhard Demetz ‘I am sorry to have forgotten the dreams I mode as child’, 2010

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ROBERT GOBER

TEXTO: REDACCIÓN FOTOS: Courtesy Matthew Marks Gallery

Robert Gober (1956) nació en Connecticut, estudió en la Tyler School of Art in Philadelphia, vive y trabaja en Nueva York y es representado por la galería Matthew Marks. Ahí tienen algunos de sus últimos trabajos en una exposición titulada ‘New Work: Katharina Fritsch, Robert Gober, Nan Goldin, Andreas Gursky, Martin Honert, Charles Ray, Terry Winters’. Robert Gober (1956) was born in Connecticut, and studied at the Tyler School of Art in Philadelphia. He lives and works in New York City and is represented by the Matthew Marks Gallery, there we can find some of his most recent works in an exposition called ‘New Work: Katharina Fritsch, Robert Gober, Nan Goldin, Andreas Gursky, Martin Honert, Charles Ray, Terry Winters.’

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Robert Gober ‘Untitled’ 2003-2005

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His work relates to domestic objects as doors, legs, chairs, beds and sinks; which somehow have some transforming power, as they provide to humans the potentiality to transform through these objects, going from dirty to clean (a sink), from conscious to unconscious (a bed), changing from one place to other (doors, legs), even the halls that go from one place to another are beautiful simple metaphors of life. Recurrent themes in his works are nature, sexuality, religion and politics. Being his series of sinks his most known pieces, which can be compared, with a twist, to the work of Duchamp’s: as they’re hand-made ready-mades. He’s an interesting artist that seems to get entangled in Para Gober “el humor es un componente his own creations, such a beautiful mind surely rejects in que desarma, pero también un placer some degree being or feeling as an artist. For Gober huque viene con la pieza”/ For him mor is also a basic component enhumor “it’s meshed within his pieces, “A lot Los trabajos de Robert Gober se basan en objetos doa disarming of times in the studio, I push the mésticos como puertas, sillas, camas, lavabos o piernas, device, but pieces until they make me laugh. que de alguna manera tienen un poder transformador, al it’s also a It’s a way to let people enter into proveer a los humanos de la potencialidad de modificarpleasure that the piece,” as he calls the common se a través de estos objetos, como pasar de sucio a limpio comes with into question, disquieting and di(lavabo), de conciente a inconciente (cama), o cambiar the piece” de una lugar a otro (puertas, piernas), incluso un pasillo sarming us with its neutral, beauque también van de un sitio a otro es una simple y her- tiful and universal sculptures. mosa metáfora de la vida. Como temas recurrentes en él For him humor “it’s a disarming están la naturaleza, la sexualidad, la religión y la política. device, but it’s also a pleasure that Son sus series de lavabos sus piezas más conocidas, las comes with the piece.” Disconcuales pueden compararse, con un giro, con las piezas de cert that has the ability to turn Duchamp, pues son “hand-made ready-made’s” (ready- the common into the uncommon. made’s hechos a mano). Es un artista interesante que He has recently opened his expo parece enredarse con sus creaciones, rechaza de alguna ‘Heat Waves in a Swamp: The manera la idea de sentirse o ser un artista. Para Gober Paintings of Charles Burchfield’ el humor es un componente básico que se entreteje con at Whitney Museum of American cada pieza, “muchas veces, en el estudio, trabajo con las Art, New York. Among Gober’s piezas hasta que me hacen reír. Es una manera de permi- best-known works are large rotir a las personas entrar en mis piezas”, y lo logra al cues- om-sized installations, sometitionar lo común, pues inquieta y desarma con sus hermo- mes incorporating running water sas, neutrales y universales esculturas. Para él, el humor and theatrical lighting. His work “es un artilugio para desarmar, pero también es un placer is made by hand in his studio with que viene con la pieza”. Desconcierta que posee la habi- a painstaking attention to detail. lidad de volver lo común en algo poco común. Recientemente, Gober inauguró su exposición ‘‘Heat Waves in a Swamp: The Paintings of Charles Burchfield’ (Ondas de calor en el pantano: las pinturas de Charles Burchfield) en el Whitney Museum of American Art, Nueva York. Entre sus obras mejor conocidas están sus instalaciones del tamaño de una habitación, que a menudo incorporan agua corriente y una iluminación teatral. Sus obras son hechas a mano en su estudio con una meticulosidad que pone toda atención en cada pequeño detalle.

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Robert Gober ‘Untitled’ 1999-2000

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Robert Gober ‘Untitled’2003-2005

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Robert Gober ‘Untitled’1997

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JEFF KOONS TEXTO: REDACCIÓN FOTOS: Courtesy of Jeff Koons.

Jeff Koons es uno de los artistas vivos más importantes sin lugar a duda. Nacido en 1955, en York, Pensilvania. Es uno de los pocos artistas que ha sabido ser fiel a la estética de las vanguardias que mayor impacto han causado en el mundo del arte el siglo pasado, de manera especial el pop art./ Jeff Koons is one of the most important living artists, no doubt. Born in 1955, in York, Pennsylvania. He is one of the few artists who has managed to be faithful to the aesthetics of the avant-gardes which caused greatest impact on the art world in the last century, most notably by his Pop-art. FOTO: Elephant, 2003, high chromium stainless steel with transparent color coating

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Besides the comparison with the figure of Warhol, he is also given a golden Duchamp-like aurea, his presence at the media, his particular use of fame with humor, all has brought him more than a dispute over his career. In part, if it is common to see him compared to Duchamp, this is due to his insistence on bringing everyday objects to museums so they change their context and question some categories of art. Jef Koons is a complete artist whose creation includes various techniques such as installation, photography, painting, sculpture; through diverse materials such as wood, marble, glass, stainless steel and computerized creations. Far from being elitist, Koons succeeds in making art accessible to a wider audience, “I treat things which everyone can create a link,” says is one of his main goals when designing an artwork. Appropriation of objects it is not rare to him, in fact, this is how he intends to “understand why and how consumer goods can be glorified,” because appropiation is one of current art movements seeking for theoretical and methodological framework. These reasons have shaped the oeuvre of Jeff Koons into a milestone in the history of art of the last century. This century he has continued with his proAdemás de la comparación con la figura de Warhol, también se le atribuye un duction and giving his special features to his áurea duchampeana, su mediática presencia y la utilización de los medios y de work towards further consolidation as an arla fama con humor le ha supuesto más de una controversia a lo largo de su ca- tist. His work is sometimes classified as minirrera. En parte, es común ver que se le compara con Duchamp, es debido a esa mal and, some times, as Neo-Pop. Initially he insistencia en llevar objetos cotidianos a los museos para que estos cambien departed from what originally were concepsu contexto y cuestionen algunas categorías del arte. Jef Koons es un artista tual sculptures, which eventually acquired completo cuya creación comprende técnicas variadas como la instalación, fo- greater monumentality. Parallel to his creatografía, pintura, escultura, a través de diversos materiales como madera, már- tive process, he has always done an analysis mol, vidrio, acero inoxidable, incluso creaciones computarizadas. Lejos de ser on the influence of media and advertising. elitista, Koons logra hacer accesible el arte para un público más y más nume- He is intereseted in the manner how these roso, “tratar cosas con las que todos puedan crear un vínculo”, dice que es uno mass-media create an indiscriminate waste de sus objetivos principales a la hora de idear sus obras de arte. La apropiación of information. Perhaps, in this vein, he wants de objetos tampoco le es extraña, de hecho, así es como él pretende “entender something as elevated as art to be also an obporqué y cómo los productos de consumo pueden ser glorificados”, pues la ject with a new function to a greater number apropiación es una de los grandes movimientos artísticos que busca su marco of people. Altought he has always stated that teórico y metodológico. De esta manera, la obra de Jeff Koons es todo un hito de there are not hidden meanings in his work, la historia del arte del siglo pasado. Y no ha dejado de producir y dar un toque we see in his oeuvre that there is a coherent especial a su obra para seguir consolidándose como artista. Su obra es clasifica- body. In this order, many critics have called da a veces como minimalista y, a veces, como Neo-pop. Inicialmente sus piezas him the principal kitsch artist. This is how his eran esculturas conceptuales que con el tiempo adquirieron monumentalidad. work becomes imprinted on the mind of the Paralelo a su proceso creativo, él siempre ha hecho un análisis de la influencia viewer that seeks to understand or just enjoy de los medios de comunicación y la publicidad. Interesado en la manera cómo fine contemporary art. se aprovechan estos de las masas, el despilfarro indiscriminado de todo tipo de información. Quizás por esto, él quiere que algo tan elevado como el arte sea también un objeto con una nueva función para un número mayor de personas. Aunque siempre ha declarado que no hay significados ocultos en sus obras, vemos que en su obra sí existe la voluntad de tener un cuerpo coherente. Así, muchos críticos lo han denominado como el principal artista kitsch. Es de esta manera como su obra se queda grabada en la mente de la mayoría de personas que entienden o disfrutan del arte contemporáneo.

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Koons también posee como constante una gran preocupación por la influencia de la sociedad de consumo sobre la clase media. Así, emula la imaginería sensacional de la publicidad, pornografía e introduce objetos domésticos. Trata de asimilar con los ojos bien abiertos la cultura consumista occidental. Su obra es considerada como una atribución vital al movimiento artístico estadounidense conocido como ‘Neo-Geo’, en el que se incluyen también Asley Bickerton, Peter Halley, Haim Steinbach y Meyer Vaismann. Como decíamos antes, la comparación que se le hace con Warhol se debe a que el artista tiene un sentido estético influenciado por la cultura popular, y, también, es extrapolable en un sentido mercantilista, donde el artista es productor de objetos de consumo. Aún así, lo más importante de su cuerpo de trabajo es que permite reflexiones elevadas sobre el materialismo, el poder, las clases sociales, el consumismo actual. Y, también, profundiza en conceptos más abstractos como la sexualidad, el género, la fama, el deseo, los medios de comunicación, etc. Es por esto que Jeff Koons es uno de los mayores artistas contemporáneos vivos. Su última creación es una escultura monumental hecha con flores naturales, parte dinosaurio, parte pony, ambos salidos de la imaginería de la infancia. Esta última obra es una buena muestra de esa unidad y síntesis que ha dotado Koons a toda su obra. Su secreto, quizás, es que ha dado con una forma para dirigirse directamente al subconsciente de sus espectadores mediante el uso de la imaginería infantil.

Koons have as a constant great concern the influence of consumer society on the middle class. Thus, he emulates the sensational imagery of advertising, pornography and introduces domestic objects. He tries to assimilate with eyes wide open the consumer culture in America. His work is considered as a vital allocation to American art movement known as ‘Neo-Geo’, which also includes Asley Bickerton, Peter Halley, Haim Steinbach and Meyer Vaismann. As stated above, the comparison of him with Warhol is due to the artist aesthetic influenced greatly by popular culture, this comparison can be also extrapolated to a mercantilist sense, where the artist is a producer of consumer goods. And still, the most important of his body of work is that it allows to reach elevated thoughtful reflections on materialism, power, social class, and consumerism today. And also delves into more abstract concepts such as sexuality, gender, fame, desire, media, etc. This is the reason why Jeff Koons is one of the greatest living contemporary artists. His latest creation is a monumental sculpture made of natural flowers, part dinosaur, part pony, both emerged from the imagery of childhood. The latter work is a good example of that unity and synthesis that Koons has given to all his oeuvre. His secret, perhaps, is that he has found a great way to appeal directly to our subconscious through his use of children’s imagery.

Puppy, 1992 stainless steel, soil, geotextile fabric, internal irrigation system, and live flowering plants © Jeff Koons

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Balloon Dog (Yellow), 1994-2000 high chromium stainless steel with transparent color coating ÂŠ Jeff Koons

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Joan Cortes ‘Memòria de l’aigua’, 2009

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JOAN CORTÉS TEXTO: REDACCIÓN FOTOS: Joan Cortés

For more than a decade, Joan Cortés (1964) has established a particular approach to sculpture that is connected to the ethereal white forms, which combine his concept of the object, architecture, installation, photography and engraving. Delicate minimal sculptures protected by glass cabinets, hanging from the ceiling or laying in thin pedestals, are some of the typical pieces of Cortés’ work. Different materials like wood, plastic, resin or plaster are turned into shapes that express our quest for perfection and a fallible nature. They are objects that have no other function than inspiring a feeling. Durante más de una década, Joan Cortés (1964) ha esta- His last work ‘Memoria del agua’ (Meblecido un particular acercamiento a la escultura que se mory of Water) has been created for concreta en formas de un blanco etéreo que combinan en Es Baluard Contemporary Art Musu concepción objeto, arquitectura, instalación, fotogra- seum in Palma de Mallorca (Spain). fía y grabado. Delicadas esculturas mínimas protegidas The museum is located in the histopor vitrinas, que cuelgan del techo o reposan en esbeltos rical space of Aljibe which used to pedestales son algunas de las piezas características de supply the city and the ships which la obra de Cortés. Diferentes materiales, como madera, got close to the city walls with water, plástico, resina o yeso se convierten en formas que ex- which requires a double creative effort presan nuestra búsqueda de la perfección y una natura- from the artists so they can achieve a leza imperfecta. Son objetos que no tienen otra función harmonious exhibition in a space suque la de inspirar un sentimiento. rrounded by stones. Su última obra ‘Memoria del agua’ ha sido creada para Es In ‘Memory of Water’, Joan Cortés atBaluard Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de tempts to reach Aljibe’s historical oriPalma de Mallorca (España). El museo situado en el his- gins, which assumes the conjunction tórico espacio del Aljibe que abastecía de agua a la ciudad of an antique space with a piece that y a los barcos que se acercaban a la muralla, exige a los emits a contemporary vibe. artistas un doble esfuerzo en su creación para lograr la armonía en un espacio envuelto en piedra. Joan Cortés ha querido ir hasta los orígenes históricos del Aljibe con esta obra que ha titulado ‘Memoria del agua’ y que supone la conjunción de la antigüedad del espacio con una pieza que respira contemporaneidad.

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Joan Cortes ‘Memòria de l’aigua’, 2009

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URS FISCHER TEXTO: REDACCIÓN FOTOS: Galerie Eva Presenhuber, Zürich; Gavin Brown’s enterprise, New York; Sadie Coles HQ, London

Urs Fischer (1973) ha construido a través de sus esculturas un universo de mutaciones que modifican la superficie y estructuras de los objetos cotidianos. Fischer nos presenta un mundo imaginario en constante desarrollo que, a veces, escapa incluso al control del mismo artista. Fischer da forma a materiales que se encuentran habitualmente en nuestro alrededor como madera, vidrio, pintura, arcilla, metal, goma, cera, espuma de poliéster o plástico; y los convierte en figuras surrealistas con las que ataca la rutina y el desgaste de la vida diaria.

Urs Fischer (1973) has constructed through his sculptures a universe of mutations that modify the surface and structure of everyday objects. Fischer presents us with an imaginary world in constant development which, sometimes, even escapes the artist’s control. Fischer gives shape to materials that are habitually around, such as wood, glass, paint, clay, metal, rubber, foam, Polystyrene or plastic, and turns them into surreal figures to attack routine and the wearing-out of quotidian life.

Urs Fischer ‘Marguerite de Ponty’ New Museum of Contemporary Art, New York, 2009© Stefan Altenburger Photography

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Urs Fischer ‘Marguerite de Ponty’ New Museum of Contemporary Art, New York, 2009© Stefan Altenburger Photography

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Urs Fischer ha creado esculturas en una rica variedad de materiales, incluye sustancias inestables como la cera fundida y verduras que se pudren. En una constante búsqueda de nuevas soluciones plásticas. Fischer ha construido casas hechas con pan y ha dado vida a marionetas, ha diseccionado objetos o los ha sacado de proporción con el fin de reinventar nuestra relación con estos objetos, los cuales se encuentran a nuestro alrededor y la cotidianidad los hace invisibles. Incluso, en 2007, se atrevió a excavar un gran agujero en el suelo de una galería de Nueva York. La práctica artística de Urs Fischer se basa en la profunda consideración de la naturaleza de las sustancias. Urs Fischer has created sculptures with a Resucita géneros históricos del arte como naturale- rich assortment of materials including unszas muertas, desnudos, retratos, paisajes y potentes table substances such as melted wax and esculturas. Sus obras reflejan la complejidad y, a su rotting fruit. He is in constant search of new vez, la asombrosa banalidad del día a día. En su traba- plastic solutions. Fischer has also construcjo se halla el eco de la transformación y la decadencia, ted houses from bread and given life to anipiezas que pueden parecer hermosas o espantosas, mated puppets; as well as dissecting objects or taking them out of proportion, aiming to familiares o extrañas, sutiles o insufribles. reinvent our relation with these objects, which are around us but the quotidian life makes them invisible. In 2007, he dared to excavate a great hole in the floor of a gallery in New York. The artistic practise of Urs Fischer is based on a deep consideration on the nature of all substances. He manages to revive within his work historical genres of art such as still-lifes, nudes, portraits, landscapes, and potent sculptures. His work reflects the complexity and astonishing banality of the everyday. His oeuvres bear the echoes of transformation and decadency, pieces that can give the impression of being beautiful or appalling, familiar or bizarre, subtle or insufferable.

Urs Fischer ‘Blurry Renoir Debussy’, 2008 Galerie Eva Presenhuber. Stefan Altenburger Photography

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Urs Fischer ‘Marguerite de Ponty’ New Museum of Contemporary Art, New York, 2009. Stefan Altenburger Photography / Urs Fischer ‘Get up girl a sun is running the world (with Ugo Rondinone)’, 2007 Church San Stae, Venice 2007. Stefan Altenburger Photography

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THOM PUCKEY

TEXTO: REDACCIÓN FOTOS: Carlo Fei and Thom Puckey

Thom Puckey (1948) revive el realismo de escultores como Canova, Bartolini, Houdon o Dupré. Sus técnicas son anacrónicas y siguen de cerca a las de finales de los siglos XVIII Y XIX. Sus obras muestran la figura de mujeres desnudas que tienen armas de fuego modernas y cuchillos de diferentes tipos y tamaños./ Thom Puckey (1948) revives the realism of sculptors such as Canova, Bartolini, Houdon o Dupré. His techniques are anachronistic and follow closely trends towards the end of the 18th century and beginnings of the 19th. His pieces portray the silhouette of nude women carrying with them modern weapons and different types of knifes.

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Thom Puckey ‘A.V. with Knife and RPG-7’ 2010 117

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CONTEMPORARY SCULPTURE

Thom Puckey ‘Figure Falling Backwards with 2 Carbines’, 2010

El artista afirma que en sus desnudos se superponen dos tipos de obsesiones con el cuerpo femenino, una obsesión “clásica” y otra obsesión cultural que surgió en los 60, “una en la que el tabú está disfrazado y permitido como tradición artística “responsable”, y otra en la que el tabú es empujado en su contra y echado a un lado por intereses sexuales irresponsables, incorrectos y comerciales”. Puckey juega forma directa con estos dos acercamientos al desnudo, atenua la obsceni- The artist affirms that nudity in his work dad particular de uno con la obscenidad particular del is the area where he allows two types of otro. Y permite que poses y formalismos del siglo XIX obsessions with the female nude to overcomporten “cierto orden a la violenta indecencia de los lap each other. The “classical” obsession and the cultural obsession which surfaced siglos XX y XXI”, asegura el artista. in the 1960s, which has grown and grown ever since. “The one where the taboo is disguised and allowed by ‘responsible’ artistic tradition, and the other where the taboo is pushed against and aside by irresponsible, incorrect, commercial and sexual interests.” Puckey plays directly into these two types of approaches to the nude, tempering the particular obscenity of the one with the particular obscenity of the other. Allowing posed 19th century-like formalities to “bring some sort of order to 20th and 21st century violent indecency,” as stated by the artist.

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CONTEMPORARY SCULPTURE

Thom Puckey ‘M.T. with Pistol’ 2010

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CONTEMPORARY SCULPTURE

Thom Puckey ‘Isabelle Schiltz as Crawling Figure’ 2010

La presencia de armas modernas las hace ver contemporáneas de una “forma barata”, como dice Puckey, él disfruta sugerir “baratez”, juega con eso, “chicas y armas”, dice. Todo lo anterior proviene de su fascinación adolescente por las mujeres violentas de la historia y la mitología, desde las hermanas Papin, hasta Diana, Lucrecia o Judith. Tiene mucho cuidado con los detalles de las armas en su proceso de tallado, pues tienen que parecer lo más reales que le sea posible. “La representación de armas en monumentos de guerra me ha influenciado enormemente, y aquí persisten, desde luego, retazos de la fascinación adolescente con estas cosas; que también sintonizan con el análisis de Klossowski sobre el desnudo en el arte, involucra en su punto de vista un tipo similar de fascinación al de ‘La decadencia del desnudo’”.

The presence of modern weapons in the sculptures makes them seem “contemporary in a cheap kind of way,” as Puckey realized. He likes this suggestion of “cheapness,” he plays into it. “Chicks and guns,” he says. At the same time, he allows the matter to overlap with the threatened, as well as threatening, violent female figure of history and myth. From the Papin sisters to Diana, Lucretia, Judith, and so on. He takes great care in the details on the weaponry, they have to be as accurate as possible through the carving process. “The portrayal of weapons in war monuments has influenced me greatly, and there remains an adolescent-like fascination with these things which rhyme with Klossowski’s analysis of the nude in art (‘The Decadence of the Nude’) involving in his view a similar type of fascination.”

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CONTEMPORARY SCULPTURE

Thom Puckey ‘Kim de Weijer as Amputee with 3 Pistols’ 2010

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Alex Prager â&#x20AC;&#x2DC;Despair. 2010. Chromogenic. Courtesy Yancey Richardson Gallery

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TEXTO: JOHN PATRICK KIRBY Nueva York (EE.UU.) FOTOS: MOMA New york

La edición de este año de New Photography 2010 nos presenta a cuatro artistas (Roe Ethridge, Elad Lassry, Alex Prager y Amanda Ross-Ho)./ This year’s edition of New Photography 2010 presents four artists (Roe Ethridge, Elad Lassry, Alex Prager and Amanda Ross-Ho).

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OBSESSIONS

Since the birth of New Photography (1985), it has presented the work of 70 artists from 16 countries. This year we can see 36 works by the four artists mentioned above. The curator and organizer of the exhibition, Roxana Marcoci, highlights the seductive language of this selection, replete with references from film and the language of advertising, but with a vague hint of conceptual art. They are artists who explore the diluted boundaries of photographs that are spontaneous and of those which are well studied constructions, they show new frontiers that vaguely define the realm of a merely artistic or commercial photo. Amongst the many works, are striking the photographs taken by Alex Prager, because they contain refrences from the film ‘Pulp Fiction’ and combine this cinematic gaze with the class that possess the images of the fashion photographer Guy Bourdin. This is how he constructs a film-wise and photographic narrative that instantly captivates us. His engrossed women are watching Desde que nació, New Photography (1985) ha presentado el trabajo de us from a confusing and studied ins70 artistas de 16 países. Este año se pueden ver 36 obras de cuatro artis- tant. As though they come from anotas. La curadora y organizadora de la exposición, Roxana Marcoci, resal- ther time, and also their actions. Furta el lenguaje seductor de esta selección repleta de referentes tomados thermore, their makeup is worthy del cine y del lenguaje propio de la publicidad, pero con un vago matiz of a melodrama, also their colorful de conceptualismo. Son artistas que exploran las desvanecidas fronte- wigs, the very retro polyester dresras entre las fotografías que son espontáneas y aquellas que constituyen ses and that pose with the studied toda una construcción bien estudiada. Enseñan nuevas fronteras que de mixture of spontaneity and staging manera sutil delimitan el terreno de una foto artística o comercial. Entre that Prager immortalised on film. las obras resulta llamativa la fotografía de Alex Prager, pues ésta tiene It’s just the story of a confusing insdetalles tipo ‘Pulp Fiction’, y combina esta mirada cinematográfica con tant. His work snatches conclusions el tipo de clase que poseen las imágenes del fotógrafo de moda Guy Bour- on how each artist deals with the din. Construye una narrativa fílmica y fotográfica que cautiva al instante. construction of a photograph and, Sus mujeres nos miran absortas desde algún confuso y estudiado instan- paradoxically, on how to transmit te. Ellas parecen de otro tiempo, también sus acciones; además, su ma- spontaneity at the time. Alex Prager quillaje es digno de un melodrama, llevan coloridas pelucas artificiales, is a self-taught American that knows un atuendo de poliéster muy retro y una pose mezcla de espontaneidad y how to build a photographic narratiestudiada puesta en escena que inmortalizará Prager con su cámara. Es ve of its own, and yet each work is sólo la confusa historia de un momento. Su trabajo nos arranca diserta- filled with common references from ciones sobre cómo aborda cada artista la construcción de una fotografía other media that are (or were) outsiy, paradójicamente, sobre como transmiten espontaneidad a su vez. Alex de the photographic realm. Prager es americano y autodidacta, sabe construir una narrativa fotográfica muy propia, llena de referentes comunes de otros medios que son (o eran) ajenos a la fotografía.

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Alex Prager â&#x20AC;&#x2DC;Desiree from the series The Big Valleyâ&#x20AC;&#x2122;. 2008. Chromogenic. Courtesy Yancey Richardson Gallery 125

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OBSESSIONS

Elad Lassry ‘Woman (Camera)’ 2010. Courtesy David Kordansky Gallery

Otro artista de la fotografía que surge con mucha fuerza es Roe Ethridge, él realiza sus sesiones de “modo editorial”, toma como base imágenes de comerciales que están en circulación e incluye fotografías descartadas de sus trabajos como ilustrador de revistas e imágenes varias. Abandona la fotografía convencional para favorecer su vertiente más intencionalmente inconsistente. Vertiente que dota a sus obras de distinta significación por la manera en que son combinadas, secuenciadas y dispuestas. Elad Lassry, fotógrafo israelí, define su técnica como si sus fotos hubieran sido consumidas por todo tipo de imágenes, éstas tienen una clara reminiscencia con temas relacionados con el consumismo, los anuncios espectaculares tipo “Hollywood”, las ilustraciones y el diseño. Es una exhortación a repensar qué es lo que significa llegar a un punto determinado en la expresión visual. Lassry fotografía todo: colores vibrantes, retratos de estudio a amigos, celebridades, bodegones y naturalezas muertas, texturas, collages… Elad Lassry piensa que sus imágenes imitan la condición del “no arte”, así nos invita a un mundo visual donde sus tomas están “patas arriba”, ya sea por un difuminado especial, doble exposición, el amalgamiento o superposición de varios negativos.

Son artistas que exploran las desvanecidas fronteras entre las fotografías que son espontáneas y aquellas que constituyen toda una construcción bien estudiada/ They are artists who explore the diluted boundaries of photographs that are spontaneous and of those which are well studied constructions

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Elad Lassry ‘Green Peppers’ 2009 . Courtesy David Kordansky Gallery

Another artist of photography that is strongly emerging is Roe Ethridge, he creates his shoots in an “editorial mode” and builds upon commercial images already in circulation, including dismissed images from his job as an illustrator for various magazines. He abandons conventional photography to support its most intentional inconsistency. This aspect provides its works with a varying significance by the way they’re combined, sequenced and arranged. The israeli photographer, Elad Lassry, defines his technique as if his photos had been consumed by all sorts of images, they have a clear reminiscence of issues related to consumerism, spectacular signs, such as the classic “Hollywood” type, billboards, illustrations and designs. It is an exhortation to reconsider what it means to arrive to a particular place of visual expression. Lassry photographs everything: vibrant colors, studio portraits of friends, celebrities, still-life’s, textures, collages. Elad Lassry believes that his images mimic the condition of “not-art”, in this manner he invites us to a visual world where his shots are “upended”, either by a special distortion, double exposure or the amalgamation and overlap of several negatives.

Es una selección repleta de referentes tomados del cine y del lenguaje propio de la publicidad, pero con un muy vago matiz de conceptualismo/ Is a selection replete with references taken from film and the language of advertising, but with a vague hint of conceptual art

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Finally, the work of Amanda Ross-Ho’s, who leaves in her pieces the imprint of her hand and other tools. She uses discarded photos, found by chance or big formatted pictures, in which she applies changes and techniques that allow us to have a glimpse of the renegotiation of the concept of “creative process.” Ross-Ho grew up in a family of photographers who were immersed in artistic and commercial areas. She spent hours as a child alongside her mother La muestra fotográfica constituye in the darkroom, and she was often a full-time model for experiments and un viaje por el mundo fronterizo que proof-shots that her uncle and father took. Developing her technique in this mezcla lo mejor del trabajo editorial, context, she has been able to analyze the intricate relationships that a piefílmico y fotografía que entra en la ce needs to be considered as a work of contemporary art, or otherwise, just categoría de arte contemporáneo./ one more commercial work. Its curator tells us that these artists “start with a The photographic exhibition is a type of post-appropiative practice,” journey through a border that blends the best of edi- Por último, el trabajo de Amanda Ross-Ho, ella deja en Marcoci wonders what would have torial, film, advertising, sus obras la impronta de su mano y otras herramientas. happened “whether in 1970, Richard and photographic work Utiliza fotos descartadas o que se ha encontrado por Prince had questioned the issue of that falls into the category mera casualidad, o imágenes con formato gigante, a las originality of rephotographing adque cambia o aplica técnicas que permiten entrever una vertising images and presenting of contemporary art. renegociación del concepto de “proceso creativo”. Ross- them as if they were of his own.” Ho creció en una familia de fotógrafos que se movían en She concludes: “These young artists los ámbitos artísticos y comerciales. Cuando era niña, reinvest photographic authorship, pasó horas al lado de su madre en el cuarto obscuro; a create images that exist simultamenudo, también era modelo durante horas para las neously with a commercial, and at tomas experimentales y pruebas que hacían su tío y su the same time, artistic task. They padre. Desarrolló su técnica en este contexto y ha sa- recognize that photography is also a bido analizar las intrincadas relaciones que una obra fluent medium.” necesita para ser considerada como una obra de arte The photographic exhibition is a contemporánea o, bien, sólo una pieza comercial más. journey through the border lines Su curadora nos cuenta que estos artistas “comienzan that blend the best of the editorial, con un tipo de práctica post-apropiativa”, y se pregunta film, advertising, and photographic Marcoci que hubiera pasado “si en 1970 Richard Prin- works, which fall into the category ce se cuestionara sobre la cuestión de la originalidad al of contemporary art. Whether they refotografiar imágenes de la publicidad y presentarlas are photos of the real world, from como si fueran suyas”. Y concluye: “Estos jóvenes ar- studies or a mixture of many, eletistas reinvierten la autoría fotográfica, crean imágenes vated or not, techniques. They are que existen simultáneamente con una tarea comercial y, clear references to pop culture and al mismo tiempo, artística. Reconocen que la fotografía to the visual industry in general. es un medio que también fluye”. La muestra fotográfica This swing and frolic of such diffeconstituye un viaje por el mundo fronterizo que mezcla rent contexts is what makes these lo mejor del trabajo editorial, fílmico y la foto que entra photos to go from the magazines to en la categoría de arte contemporáneo. Ya sean fotos del our walls. Images that claim themmundo real, de estudio o muchas otras técnicas, eleva- selves as emerging art, possessors of das o no. Todos son claros referentes para la cultura pop a rediscovered intrinsic value, due to y la industria visual en general. Es este vaivén y jugueteo the juxtaposition of techniques and con distintos contextos lo que hace que estas fotografías different proposed ways of reading pasen de las revistas hasta la pared de nuestro espacio. the photographs. Imágenes que se reivindican como arte emergente y con nuevo un valor que les es intrínseco, esto gracias a la yuxtaposición de muchas técnicas y diversas propuestas para leer sus fotografías.

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Elad Lassry ‘Angela Ledgerwood’ 2009. Courtesy David Kordansky Gallery

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PATRICK CHARPENEL

Patrick Charpenel (Guadalajara, México, 1967) es filósofo de formación, él también ha realizado una intensa labor como curador y coleccionista, Charpenel resalta las paradojas y ambigüedades del mundo contemporáneo./ With a degree in Philosophy, Charpenel (Guadalajara, Mexico, 1967) has carried out an intense task as curator and collector, he marks out the paradoxes and ambiguities of contemporary world.

TEXTO: ISA CARILLO Guadalajara (MÉXICO) FOTOS: Courtesy Patrick Charpenel

Patrick Charpenel ha presentado un número importante de exposiciones en distintos foros dentro y fuera de México. Algunos ejemplos son Gabriel Orozco, en el Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México; ‘Paseos/ Walks’ del artista Francis Alÿs, en el Museo de Arte Moderno, Ciudad de México; Franz West, en el Museo Tamayo de Arte Contemporáneo, Ciudad de México; ‘Inter play’, en el Moore Space, Miami. También ha publicado textos críticos en revistas especializadas y es miembro del consejo del Centro Pompidou-América Latina. Su colección está compuesta por un grupo de obras heterogéneas. Sin embargo, esta se articula a partir de ciertas líneas de investigación como son “el linaje”, la estructura de las ideas y la extensión de la experiencia artística al ámbito social.

Patrick Charpenel has presented an important amount of exhibitions in several forums inside and outside of Mexico. He curated the retrospective of Gabriel Orozco, at the Palacio de Bellas Artes, in Mexico City; also ‘Paseos/Walks,’ by the artist Francis Alÿs, at the Museo de Arte Moderno, in Mexico City; or Franz West, at the Museo Tamayo de Arte Contemporáneo, in Mexico City; or ‘Inter-Play’, at the Moore Space, in Miami; amongst many others. Besides, he has published art criticism at specialized magazines and he also is a member of the counsel of the Centre Pompidou-Latin-America. His collection is composed by an heterogeneous group of artworks. Nevertheless, it is articulated departing from some investigative lines such as “the lineage” and the structure of ideas and the extension of the artistic experience to the social sphere.

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Gabriel Orozco, 2006. Exposici贸n individual del artista, Museo del Palacio de Bellas Artes, Ciudad de M茅xico, D.F.

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“Para que una pieza sea una obra de arte tiene que estar legitimada por la crítica, los teóricos y las instituciones, y también recibir una respuesta espontánea de la gente”/ “To become an artwork, the piece has to be legitimated by critics, theorists and institutions, and also it should receive a spontaneous response from the audience” >> En términos escultóricos, ¿crees que existe algún tipo de “marca” en el arte contemporáneo a diferencia de otros periodos históricos? Creo que la escultura clásica constituía un producto de carácter conmemorativo y, por lo mismo, presentaba una conformación fundamentalmente vertical. La escultura era, pues, un monumento que se elevaba. Una de las características del arte moderno y del arte contemporáneo en especial, es que la escultura no sólo empezó a integrar el contexto en el que normalmente operaba, sino que ha tendido también a la horizontalidad y, así, a integrar elementos de carácter arquitectónico, urbano o natural. Como ejemplo, el “land-art” de Richard Long, esculturas completamente integradas al piso, radicalmente horizontales. Los espacios, ya sean arquitectónicos, urbanos o naturales, tienen como característica la interacción, por ello, dentro de esta se ha desarrollado una vertiente social, donde la obra no solamente se extiende hacia este espacio horizontal, sino que se relaciona cada vez más con la gente. En este sentido, quisiera insistir en el carácter social de buena parte de la producción de la escultura contemporánea. >> ¿Qué es lo que hace de un objeto una obra de arte?, ¿cuál es tu posición respecto a la justificación de una obra de arte en sí misma?, ¿crees que el arte carga con la responsabilidad de su propia definición o es tarea de los filósofos del arte? Si ubicamos al arte dentro del universo del lenguaje, los procesos que hacen que un objeto adquiera un valor son muy complejos. Sin embargo, no todas las obras artísticas trascienden ni se convierten en un valor social que comparten muchos individuos. Es una pregunta compleja porque, para que una pieza sea una obra de arte, se tienen que dar dos cosas: por un lado, tiene que ser justificada, tiene que ser avalada y legitimada por los críticos, los teóricos y las instituciones que hacen una reflexión sobre este producto. Por el otro, tiene que haber una respuesta espontánea de la gente, y esa respuesta espontánea no necesariamente viene acompañada de esa justificación crítica y

>> In sculptural terms. Do you think that there’s a sort of “brand” in contemporary art different to other historical periods? If you think there is, could you please give us an example? I believe that classic sculpture constituted a product of commemorative character and, for this reason, presented a fundamentally vertical conformation. The sculpture was a monument that transcended itself. One of the characteristics of modern art, and especially of contemporary art, is that the sculpture not only started to integrate the context as a frame in which it normally operates, but has tended also to be horizontal and, in that fashion, integrates those elements of architectonic nature, whether they’re natural or urban. An example would be, “land-art” by Richard Long, sculptures completely bounded to the ground, radically horizontal. The spaces – natural, urban or architectonic – have interaction as one of their characteristics, this is why it has developed a social aspect from within, where the piece is not only extending to this horizontal space, but it is also more and more in relation with the viewer. In that sense, I would like to insist on the social character of the good part of the production of contemporary sculpture. >> What is what makes an object become an artwork? What is your position when referring to the justification of an artwork by itself ? Do you think that art carries out with the responsibility of its own definition , or it is a duty for art philosophers? If we locate art inside our universe of language, the processes that make objects to acquire value are really complex. However, not all artistic work transcends nor becomes a social value shared by many individuals. It is a complex question because, for a piece to become an artwork, two things must occur: on the one hand, there has to be a justification, it has to be endorsed and legitimated by the critics, theorists and the institutions that make a reflection on this product, on the other hand, there has to be an spontaneous response from the people, and that spontaneous response is

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S贸lo los personajes cambian, 2004. Exposici贸n colectiva, en colaboraci贸n con Magali Arriola y Ana Elena Mallet, Museo de Arte Contempor谩neo de Monterrey (MARCO), Monterrey, N.L.

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“Estamos viviendo un momento preocupante, pues hoy estamos cosechando el descuido que se le ha dado a la cultura y a la educación”/ “We’re living a really worryingly moment, because today we’re harvesting all the disregard that was given to our culture and education”

teórica. Por lo tanto, yo creo que para que una obra de arte sea considerada como tal, requiere de los atributos formales, materiales y conceptuales, pero también tiene que formar parte de este sistema social en el que es reconocido como un producto valioso. >> En el contexto histórico del arte, el término “posmoderno” hace referencia a una ruptura, pero en términos de arte contemporáneo, ¿crees que el posmodernismo cabe como un estilo dentro de lo contemporáneo? No creo que se trate de un estilo. Los artistas de las transvanguardias fueron llamados posmodernos, al igual que la generación de artistas que emergieron en la década de los ochenta en Estados Unidos como Keith Haring, Basquiat, Ross Bleckner, Schnabel; o en Alemania, con la neo-figuración, artistas como Jörg Immendorff, Martin Kippenberger, Georg Baselitz, y otros. Sin embargo, el término posmoderno se ha usado hasta el grado de desgastarlo y, cuando se abusa de un término, éste se vacía. Considero que si el paradigma de la posmodernidad consiste en poner en duda la vigencia de la razón logocéntrica, entonces la mayoría de la producción reciente (o gran parte de la producción que se ha venido desarrollando desde la posguerra), de alguna manera está poniendo en duda que exista un horizonte epistemológico absoluto que sea un ámbito para la certeza. Por esta razón, creo que el arte contemporáneo se ha dedicado a banalizar la “verdad”. Considero que el arte contemporáneo, junto con la ciencia, la filosofía y otras disciplinas, ha contribuido a poner en entredicho este credo histórico. >> ¿Qué opinas del compromiso que sostiene la estructura del sistema artístico: artista, galería, museo, curador, coleccionista y crítico en conjunto. En el contexto de México, ¿te satisface el panorama? Bueno, es obvio que estamos viviendo una de las peores crisis económicas, sociales y de seguridad en la historia de México. Veo que esto es consecuencia de una clase po-

not necessarily accompanied by this justification and criticism. Thus, I believe that for an artwork, to be considered as such, it requires some formal, material and conceptual attributes; but it also has to form part of the social system in which it’s recognized as a valuable product. >>Within the historical context, the term “postmodern” refers to a break-through, however, only in terms of contemporary art. Do you think that postmodernism fits as a style within the contemporary? I don’t think that it is a style. The artists of trans-avant-gardes were called postmoderns, the same happened to the generation of artists that emerged in the decade of the eighties in the United States, such as Keith Haring, Basquiat, Ross Bleckner, Schnabel; or in Germany, with neo-figuration, counting on artists such as Jörg Immendorff, Martin Kippenberger, George Baselitz, and others. However, the term postmodern has been used until wearing it out, and when a term has been abused like this, the term shallows. I consider that the paradigm of post modernity consists in putting out to question the validity of the logocentric reasoning, then the major part of the recent production (or a great part of the production that has been developed since the postwar,) for some reason, it’s questioning the existence of an absolute epistemological horizon that could be an ambit for certainty. For this reason, I believe that contemporary art has dedicated to convert banality into “truth.” I consider that contemporary art, along with science, philosophy and other disciplines, has contributed to inquiring this historical credence. >> What do you think of the engagement that holds together the structure of the artistic system? In other words, the relation between artist, gallery, museum, curator, critic and collector within the context of the country. Do you like the prospect? Well, it is obvious that we’re living one of the worst economic, social and security crisis of the history of Mexico. I see that

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‘Elefante blanco’, 2009. Exposición individual del artista Franz West, Museo Tamayo Arte Contemporáneo, Ciudad de México, D.F.

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lítica desastrosamente mediocre. Estamos viviendo un momento preocupante, pues hoy cosechamos el descuido que se le ha dado a la cultura y a la educación. Entonces, si tenemos un país en donde la educación está dentro de los índices más bajos del mundo, y donde la investigación ha sido una de las áreas más castigadas por el presupuesto del gobierno, la consecuencia es que el país se desarrolla en todas las direcciones menos en estas. Pienso que el arte tiene la responsabilidad de atender a estos problemas, hacerlo de una manera crítica y creo que la naturaleza del arte contemporáneo mexicano es cada vez más social. Me gustaría poner como ejemplo el trabajo de Minerva Cuevas, ‘Mejor Vida Corp’, o el trabajo que hace Teresa Margolles, o en general lo que ha venido haciendo desde hace tiempo atrás Francis Alÿs en sus distintas acciones que realiza en la Ciudad de México. Me parece que el arte nos puede ayudar a tomar conciencia del mundo, y no solamente eso, también a actuar y tomar parte en los problemas que vivimos, tratar de mejorar las condiciones de la gente alrededor del mundo. >>En términos fantasiosos, si tuvieras la opción de elegir ser algún personaje, no importa de qué época, ¿cuál sería tu elección? Sería el poeta portugués Fernando Pessoa, él fue muy activo en la primera mitad del siglo XX. Es un poeta extraordinario que produjo varios heterónimos, creó varios personajes y los encarnó espiritualmente. Me gusta mucho porque cada uno de ellos hace muestra de un escepticismo inteligente con respecto al mundo, a la sociedad y a sí mismo. A la vez, es un sujeto consciente de sus limitaciones, que acepta su propia condición como ser humano. >> Hablando como coleccionista, ¿cómo podría decirse que eliges a un artista y a sus obras? El juicio que guía a un coleccionista a elegir una obra es una respuesta a su sensibilidad e ideas, es algo que no se puede establecer a priori. Por más que yo diga: “Yo voy a ser un coleccionista de este tipo de obra”, mis experiencias y la propia realidad me terminan rebasando. Siempre habrá algún producto nuevo y diferente, que nos hará tener una respuesta fuerte y abrir un nuevo espectro de posibilidades. Por lo tanto, creo que esa respuesta será a posteriori, y no a priori. Yo me guío a partir de las experiencias que tengo con las obras.

this is a consequence of the most mediocre disastrous political class ever. We’re living a really worryingly moment, because today we’re harvesting all the disregard that was given to our culture and education. So, if we have a country where education is within the lowest indexes of the world, one in where investigation is one of the most affected areas by the cuttings of governmental budget, the consequence is that the country is developing towards all directions in despite of the mentioned. I think that art has the responsibility of attending to these problems, and doing so in a very critic manner. Finally, I believe that the nature of Mexican contemporary art is more sociable. I’ll like to quote as an example the work by Minerva Cuevas, ‘Mejor Vida Corp’ (Better Life Corp), or the work of Teresa Margolles, or in general what for a long time is doing Francis Alÿs in her distinct actions in the City of Mexico. It seems to me that art can help people to become more conscious about the world, and not only that, but also it can act and take part in the problems that we experience to improve the conditions of the people all over the world. >> In fantastic terms, if you were given the opportunity of being some other character, no matter who. Which one would be your choice? I would be the Portuguese poet Fernando Pessoa, who was really active during the first half of the 20th century. He is an extraordinary poet that produced several heteronomies, created diverse characters, and embodied all of them spiritually. I like him very much, because each one of his poems make evident the intelligent scepticism in relation with the world, society and themselves. At the same time, he is a subject with conscience of his limitations that accepts his own condition as a human being. >>Speaking as a collector. How do you choose an artist and his or her pieces? The judgement that guides a collector to select a piece is a response to a sensibility of his own ideas. Something that can’t be established a priori. The more I say “I’m going to be a collector of this kind of oeuvres” my own experience and reality end-up surpassing me. There’s always a new and different product, which can cause a strong response, opening a great range of possibilities. For this reason, I believe that that question will be answered a posteriori, and not a priori. I guide myself according to the experiences that I have with the pieces.

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‘Standing on one foot’, 2007. Exposición colectiva, en colaboración con Cynthia Gutiérrez, Triangle Proyect Space, San Antonio, Texas.

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ART FAIR

MELBOURNE TEXTO: RACHEL MEHLHAFF Melbourne (AUSTRALIA) FOTOS: Melbourne Art Fair

Peter Atkins. ‘Hume Highway Project 2010’. Courtesy of Tolarno Galleries, Melbourne.

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MELBOURNE ART FAIR ES EL PRINCIPAL EVENTO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE AUSTRALIA. DURANTE CUATRO DÍAS, EL PALACIO DE EXPOSICIONES DE MELBOURNE SE CONVIERTE EN EL MÁXIMO REPRESENTANTE DEL ARTE AUSTRALIANO./ MELBOURNE ART FAIR IS THE MAIN EVENT OF AUSTRALIAN CONTEMPORARY ART SCENE. THE PALACE OF EXHIBITIONS OF MELBOURNE BECOMES THE GREATEST REPRESENTATIVE OF AUSTRALIAN ART.

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Peter Madden ‘Sleep with Moths II’ , 2008. Courtesy of Ryan Renshaw Gallery, Brisbane

80 GALERÍAS DEL MUNDO PRESENTAN LAS OBRAS DE MÁS DE 900 ARTISTAS/ 80 GALLERIES FROM ALL OVER THE WORLD, PRESENTING THE WORK FROM OVER 900 ARTISTs

La Fundación de Arte de Melbourne creó Melbourne Art Fair para apoyar a los artistas australianos vivos. Pero no sólo se habla de arte australiano, puesto que 80 galerías de todo el mundo presentan las obras de más de 900 artistas. Pintura, escultura, fotografía, instalaciones y piezas de arte multimedia se dan cita en esta feria que este año ha cumplido su 12ª edición. Melbourne Art Fair 2010 se desarrolló entre más de 30,000 visitantes que se paseaban por el magnífico Palacio de Exposiciones de Melbourne. Aficionados y profesionales del arte contemporáneo han podido conocer, de primera mano, la obra de artistas procedentes de todo el planeta; aunque, en especial, están las obras y novedades de los mejores artistas australianos. La feria cerró con 11 millones de dólares en ventas, resultado que esquiva el contexto de crisis mundial, y suma un 56% más de ventas respecto al año

2008. Además, Melbourne Art Fair tiene una peculiaridad: es el único evento de esta magnitud que apoya únicamente a la creación y el mantenimiento de los artistas vivos. Así, el 60% de los fondos generados van directos a estos artistas a través de sus galerías. Las galerías participantes coinciden en hacer una valoración positiva de la feria, esto demuestra el buen camino que este evento sigue. Jan Minchin, director de Tolarno Gallery, estaba abrumado por unos resultados que habían superado todas sus expectativas. Esta galería ha vendido más de 50 obras entre las que destacan obras de Corbett, Lyon Yueji y Peter Atkins. Desde la galería Helen Gory, especializada en pintura, también se mostraban muy optimistas. Este año han presentado el trabajo de varios de sus artistas: Jacqui Stockdale, Morgan Allender, Deidre But-Husaim, Amelda Read-Forsythe, Abbey

McCulloch, Tim Moore, Chris Aerfeldt y Tom Moore. Como decíamos, no faltan en esta feria personas de todo el mundo. Sin embargo, su verdadero valor reside en que da a conocer buen arte australiano de artistas que están en activo. Es una feria muy valorada a nivel mundial, pues el evento incluye a todos los nombres reconocidos y a los jóvenes valores que realmente despuntan en estos momentos. La galería de Nueva Zelanda, Orexart, se estrenaba este año en Melbourne Art Fair. Lo hacía al presentar una exposición individual de Richard Lewer. En esta se reflexiona sobre los sucesos sin resolver de nuestra sociedad. Sucesos dotados por el artista de un significado mucho más convincente —sin moralizar— que se aleja de las versiones “objetivas” y desapasionadas que nos llegan desde los medios de comunicación. Una de las propuestas más irreverentes de la feria fue el

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Daniel Crooks ‘Pan No.8 2010 Single channel HD video (RED transferred to Blu-Ray)’, 16:9, stereo. Courtesy Anna Schwartz Gallery

MELBOURNE ART FAIR CERRÓ CON 11 MILLONES DE DÓLARES EN VENTA./ MELBOURNE ART FAIR CLOSE-UP WITH 11 MILLIONS DOLLARS IN SALES.

The Art Foundation of Melbourne created Melbourne Art Fair to grant all its support to Australian artists who are still living. Nevertheless, it is not only Australian art what is discussed here, as the fair invites more than 80 galleries from all over the world, presenting the work from more than 900 artists. Paintings, sculptures, photographs, installations and multimedia art pieces are welcomed to a fair that this year celebrates its 12° edition. Melbourne Art Fair 2010 has developed into a hot spot where more than 30,000 visitors stroll peacefully by the spectacular Palace of Exhibitions of Melbourne. Professionals and affectioned of contemporary art have been able to experience, at first hand, the work of artists from all over the globe and, specifically, from the best Australian artists.The fair closed-up with a total of 11 million dollars in sales, a result that dodges the context of world crisis, and adds an additional 56% in-

crease in sales compared to the 2008 edition. In addition, Melbourne Art Fair has a particularity: it’s the only event of this proportions that solely supports the creation and maintenance of living artists. In this manner, 60% of the gross-profit generated from the event goes straight to the artists through their own galleries. That participating galleries coincide in their positive evaluations of the fair is a clear indicative that the fair is opening abroad its particular path and it’s doing it so in the right way. Jan Minchin, director of Tolarno Gallery, appeared to be overwhelmed by the results which exceeded all his expectations. This gallery sold more than 50 works, among them it is worth of highlighting oeuvres by Corbett, Lyon Yueji and Peter Atkins. At the Helen Gory Gallery, which specialises in painting, they also seemed very optimistic. This year they presented works by various represen-

ted artists: Jacqui Stockdale, Morgan Allender, Deidre But-Husaim, Amelda Read-Forsythe, Abbey McCulloch, Tim Moore, Chris Aerfeldt and Tom Moore. As we have mentioned above, artists from all over the World aren’t absent. However, the true noteworthy value of this fair is to make Australian art and artists known internationally. The fair includes all the renowned names, as well as the young promises that are exceling artistically at the moment. The New Zealand gallery, Orexart, was premiered for its first time in Melbourne Art Fair. It did it so by presenting an individual exhibition by Richard Lewer, where he reflects on the unresolved issues of our society. But giving to them, without moralizing, a much more convincing meaning that goes beyond the “objective” and dispassionate versions that arrive from the mass-communication media. One of the most irreverent proposals

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La Fundación de Arte de Melbourne cada edición invita a un artista emergente australiano a crear una obra de arte de gran escala. El artista convocado este año fue Jon Campbell

vídeo ‘Cold Cut, Eye Stalk’ de Cate Consandine. Artista que explora la construcción y el colapso del deseo a través del artificio. Se adentra en las profundidades de lo psicológico y lo erótico; por medio de una práctica dinámica que abarca: objeto, texto, performance, instalación, vídeo y sonido. En videoarte destacaban las cuatro propuestas de la Galería Anna Schwartz, bajo la dirección de Daniel Crooks. Las obras de este artista neozelandés presentan un compromiso permanente con el tiempo como un material tangible, físico y maleable. En esta serie, Crooks continúa su relación con la ciudad de Shanghái, que comenzó con una importante misión corporativa en 2009 y, recientemente, ha sido ampliada con el proyecto de la Bienal de Sydney, Static No. 12, vídeo que puedes ver en Internet.

La Fundación de Arte de Melbourne invita en cada edición a un artista emergente australiano a crear una obra de arte a gran escala. El artista convocado este año fue Jon Campbell y presentó la obra ‘Stacks On’. Ensamblaje masivo de cajas de cartón y pancartas con elementos cosidos y pintados. Obra que nos conducía desde la entrada más septentrional, hasta el majestuoso domo central del edificio de la Royal Exhibition. Uno de los reclamos más vanguardistas e innovadores de Melbourne Art Fair es el espacio Project Rooms. Aquí se presenta el trabajo de una nueva generación de artistas. El proyecto se distribuye en diez habitaciones con programas y temáticas diversas. En esta edición, la habitación Artspace dota de recursos a artistas para la investigación creativa y no comercial. En su edición

2010 apoya a los proyectos de los artistas Patterson Campbell y Seung Yul. También, existe un espacio para la fotografía contemporánea y el arte urbano. Jóvenes artistas como Brendan Huntley, Emily Ferretti y Nathan Gray: todos han contado con una habitación propia para exhibir sus obras. Melbourne Art Fair ha cerrado su 12ª edición con un balance positivo. Durante cuatro días hemos visto de cerca interesantes propuestas que se alejan mucho de aquellas que están siempre presentes en los circuitos comerciales del arte contemporáneo. Hemos abierto los ojos a proyectos y alternativas innovadoras que luchan por abrirse camino en el mercado internacional. De esta manera, Melbourne Art Fair no sólo habla de arte, también habla de vanguardia, innovación y, sobre todo, superación.

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Richard Leyer ‘10-4’, 2010. Courtesy Orexart Gallery

ART FOUNDATION OF MELBOURNE EACH YEAR INVITES AN EMERGENT AUSTRALIAN ARTIST TO CREATE A MONUMENTAL ART PIECE. THE CONVOKED ARTIST: THIS YEAR WAS JON CAMPBELL

of the fair was the video ‘Cold Cut, Eye Stalk’ by Cate Consandine. An artist who explores the construction and collapse of desire through artful devices. She penetrates into the depths of the psychological and erotic, as a consequence of a very dynamic practice that comprehends: object, text, performance, installation, video and audio. Is worth pointing out four proposals of video art from the Anne Schwartz Gallery, under the direction of Daniel Crooks. The works of this New Zealand artist present a permanent engagement with time as a tangible, physical and malleable material. In his series, Crooks continues with his relation to the city of Shanghai, which started with an important corporate mission in 2009 and, recently, it was extended due to a project for the Sydney Biennial, Static

No. 12, a video that is available on the Internet. The Art Foundation of Melbourne invites each year an emerging Australian artist to create a monumental art piece. The artist chosen this year was Jon Campbell, who presented his installation ‘Stacks On.’ A massive assembly of cardboard boxes and banners with sewed and painted elements; a piece that guides us from the northern entrance to the majestic central dome of the Royal Exhibition building. One of the most innovative and avantgarde locations of the Melbourne Art Fair is Project Rooms, which is dedicated to the presentation of works by a new generation of artists. Project that is distributed in ten rooms with diverse subjects and programs. In this edition, the Artspace Room granted resources to artists for creative and non-commercial

investigations. In 2010 it has supported projects from Patterson Campbell and Seung Yul. Likewise, there’s a space for contemporary photography and urban art. Young artists such as Brendan Huntley, Emily Ferretti and Nathan Gray: all of them were granted witn one room for exhibiting their pieces. The Melbourne Art Fair closed its 12° edition with a positive balance. In these four days we’ve seen closely very interesting proposals that go far beyond the creations presented in commercial circuits of contemporary art. They have opened our eyes to alternative and innovative projects that battle to open their path abroad the international market. As a result, the Melbourne Art Fair not only talks about art, but also about innovation, trends and avant-garde and, above all, the willingness to excel.

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Miami TEXTO: PAOLO FUSCO Roma (ITALIA) FOTOS: Courtesy Art Basel

Basilea siempre ha sido una de las mayores capitales culturales de Europa. Por esta raz贸n, y desde 1970, la ciudad suiza se convierte en el centro de atenci贸n de los entusiastas del arte contempor谩neo./ Basel has always been one of the biggest cultural capitals of Europe. For this reason, and since 1970, the Swiss city becomes the focus of contemporary art enthusiasts.

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Latifa Echakhch , Ă&#x20AC; chaque stencil une rĂŠvolution, 2007 | Courtesy the artist and kamel mennour, Paris 145

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Art Basel es prueba de que el mercado del arte y su salud son vigilados muy de cerca en esta feria, pues en sus últimas ediciones hemos visto cómo el mundo del arte va recuperándose de la crisis global. Mientras se abría su propio camino, Art Basel se ha afianzado como el espectáculo más prestigioso y el que mejor combina diversidad y calidad en cada uno de los formatos que presenta. La salud de su edición número 41° ha supuesto un soplo de aire fresco que colma de optimismo a los pulmones del mercado del arte moderno y contemporáneo. Prueba del cambio positivo de tendencia. Art Basel cada año tiene mayor impacto económico, como reflejan todos los comentarios positivos de sus visitantes. Art Basel 2010 sale de años muy duros. A pesar de las malas ventas y momentos especialmente difíciles, sobre todo para las galerías que cerraban y los artistas que regresaban sin vender. Vemos con certeza que hemos atestiguado una readaptación en la forma de promover y vender arte moderno y contemporáneo. La organización cuida con esmero todo pequeño detalle de logística, pues trata de romper con las cifras de asistencia y ventas en cada una de sus ediciones. Por segundo año consecutivo, vemos que la recesión está llegando a su fin. Artistas y galerías vuelven a ver cómo se regenera la confianza en el mercado del arte. Pues, como declara Rachel Lehmann, de Lehmann Maupin Nueva York: “La feria congrega a una audiencia diversa y pone en contacto a coleccionistas de todo el mundo. Es impresionante cuántos de nuestros artistas han sido escogidos durante la semana”. Precisamente, esta línea positiva de noticias, comentarios y felicitaciones por la organización ha marcado los ánimos de todos los que han acudido a Basilea en esta edición. La próxima promete no dejar indiferente a nadie; por suerte, no tenderemos que esperar tanto, pues desde hace nueve años, Art Basel tiene una hermana melliza: Art Basel Miami Beach 2010, del 2 al 5 de diciembre.

Esther Schipper , Berlin

Anton Kern Gallery, New York

Eva Rothschild, Galerie Eva Presenhuber

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LA CIUDAD Y EL ARTE

-------------------------------------------------------------------Para darnos una idea de la magnitud del evento, basta con mencionar que aplicaron más de 300 galerías líderes de más de 37 países. El público tenía enfrente la obra de más de 2 500 artistas. Además, no era nada raro comprobar que el trabajo de artistas emergentes, con precios muy razonables y asequibles, colindaba con obras de artistas más afamados y reconocidos. La feria se dividía en varios eventos que cubrían todo el espectro actual del arte.

Lehmann Maupin, New York

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Art Basel is an evidence that the art market’s health is monitored closely by this great fair, hence in its latest edition we have seen how the art-world is recovering from the global crisis. While opening its own path abroad, Art Basel has established itself as the most prestigious show, the best which combines diversity and quality in each of the formats presented. The health of this 41° edition has been a breath of fresh air that fulfilled with optimism the lungs of the market of modern and contemporary art. It’s a positive affirmation about the change of trend, thus Art Basel every year has a greater economic impact, which is reflected on the positive comments of the visitors. Art Basel comes out from very difficult years. Despite the poor sales and particularly difficult times, especially for galleries that closed their doors or artists returning unsold. Today, we have the certainty that we have witnessed an adaptation in the form of promoting and selling modern and contemporary art. The organization takes care of every small detail of logistic, as it’s all about breaking the attendance and sale figures in each of its editions. For second consecutive year, we can see that recession is coming to its end. The artists and galleries perceive how confidence is regenerating within the art market. As stressed by Rachel Lehmann, of Lehmann Maupin New York: “The fair brings together a diverse audience and connects collectors worldwide. It’s amazing how many of our artists have been selected during the week.” Precisely this positive trend of news, comments and congratulations to the organization from the main gallery owners and artists is what has marked the mood of all who came to Basel in this edition. Next one promises not to leave anyone indifferent; fortunately, we would not have to wait that long, as for nine years, Art Basel has a twin sister fair: Art Basel Miami Beach 2010, from 2 to 5 of December. --------------------------------------------------------------------

Galerie Balice Hertling, Paris

Galerie Bärbel Grässlin, Tobias Rehberger

Galerie Hans Mayer , Düsseldorf

THE CITY AND ART

-------------------------------------------------------------------To give an idea of the extent of the fair, is sufficient to mention that over 300 leading galleries applied from over 37 countries. The public was in front of the works by over 2 500 artists. Furthermore, was not unusual to see the work of emerging artists, with very reasonable and affordable prices, bordering with works by acclaimed and recognized artists. The fair this year was divided into several events that cover the entire spectrum of art. On that account, Art Unlimited was able to present 56 ambitious projects; Art Public has presented 14 in the central Messeplatz.

A Gentil Carioca , Rio de Janeiro

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Art Parcours es un nuevo proyecto para exhibir performances y obras diseñadas específicamente para varios sitios./ Art Parcours is a new project to showcase performances and works designed specifically for its display on different sites.

Art Unlimited was able to present 56 ambitious projects; Art Public has presented 14 in central Messeplatz. Also, this year, they created Art Parcours, an event that involved a variety of the city’s locations with artworks, presented in many innovative ways. Art Parcours is a new project to showcase performances and works designed specifically for its display on different sites. On the streets you could see exhibiting artists such as John Bock, Angela Bulloch, Daniel Buren, Nathalie Djurberg and Hans Berg, Aurélien Froment, Ryan Gander, Damián Ortega, Martha Rosler and Cerith Wyn Evans. They were commissioned to transform a large number of Basel locations: the historical center, the Münster, the university, the city hall and the harbor. These monumental pieces were selected by the curator of San Francisco, Jens Hoffmann, director of the CCA Wattis Institute. If the artistic offer of the fair seems little, all the museums of the city complemented it with great ambition. They contributed with their excellent programs of exhibitions, which brought signatures really hard to ameliorate and very rare to view together in the same city. These are some of the best consolidated artists of the decade and those enthroned as masters. We could see Matthew Barney with ‘Prayer Sheet with the Wound and the Nail’ in the Schaulager; and the acclaimed exhibition by Jean-Michel Basquiat and Felix Gonzalez-Torres ‘Specific Objects Without Specific Form’ at the Beyeler Foundation; we also saw Rodney Graham in ‘Through the Forest’ at the Museum für Gegenwartskunst and ‘Robot Dreams’ at the Museum Tinguely; and of course, Gabriel Orozco with ‘Rosemarie Trockel - Drawings’ at the Kunstmuseum Basel. To carefully dissect a fair of this caliber is impossible, but we can offer an idea of its quality just with the quick mention of the organized activities. New Art Feature curated with maximum detail the offered exhibitions. Works by important artists such as Dan Flavin, Michelangelo Pistoletto, Yona Friedman, Yoyoi Kusama; and simultaneously, presenting emerging artists in process of consolidating, as for example: Latifa Echakhch, Kader Attia, Urs Fischer and Mario García Torres. Art Statements is also an event that brings together an interesting sector: those who seek to discover emerging artists with better projection. Remember that the best galleries are here. Exactly 26 new projects, all designed specifically for its presentation at Art Statements. Since 1999, they bestow the Baloise Art Prize to two outstanding projects, awarding the amount of 30 000 CHF (386 000 MXN, 29 500 USD) to each artist. The winning pieces are donated to the Hamburger Kunsthalle and the MUMOK, Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien. The winning artists this year are the performance artist Simon Fujiwara, from Neue Alte Brücke, Frankfurt; and the

Así, Art Unlimited ha podido presentar 56 ambiciosos proyectos; Art Public ha presentado 14 en la céntrica Messeplatz. También este año, han creado Art Parcours, un evento que envolvía una gran variedad de localizaciones con arte presentado de manera muy innovadora. Art Parcours es un nuevo proyecto para exhibir performances y obras diseñadas para un sitio específico. En las calles exhibían artistas como John Bock, Angela Bulloch, Daniel Buren, Nathalie Djurberg y Hans Berg, Aurélien Froment, Ryan Gander, Damián Ortega, Martha Rosler y Cerith Wyn Evans. Ellos se encargaron de transformar una gran cantidad de sitios de Basilea: el centro histórico, el Münster, la universidad, el ayuntamiento y el puerto. Estas piezas monumentales fueron seleccionadas por el curador de San Francisco, Jens Hoffmann, director del CCA Wattis Institute. Si la oferta artística de la feria parece poca, todos los museos de la ciudad la complementan con ambición. Ponen de su parte con excelentes programas de exposiciones y traen firmas de una calidad difícil de superar y ver juntas en una misma ciudad. Se trata de algunos de los artistas que mejor se han consolidado en la década y aquellos entronizados como maestros. Pudimos ver a Matthew Barney con ‘Prayer Sheet with the Wound and the Nail’ en el Schaulager; otra exposición aclamada es la de Jean-Michel Basquiat y Félix González Torres en ‘Specific Objects Without Specific Form’, en la fundación Beyeler; también vimos a Rodney Graham con ‘Through the Forest’ en el Museum für Gegenwartskunst y ‘Robot Dreams’ en el Museo Tinguely; y cómo no, a Gabriel Orozco con ‘Rosemarie Trockel - Drawings’ en el Kunstmuseum Basel. Diseccionar detalladamente una feria de estas características es imposible, pero podemos ofrecer una idea de su calidad con sólo mencionar las actividades organizadas. New Art Feature ofrecía exposiciones curadas con máximo detalle. Obras de artistas tan importantes como: Dan Flavin, Michelangelo Pistoletto, Yona Friedman, Yoyoi Kusama; y, simultáneamente, presentaba a artistas emergentes en camino a consolidarse, como por ejemplo: Latifa Echakhch, Kader Attia, Urs Fischer o Mario García Torres. Art Statements también es un evento que reúne a un sector interesante: aquellos que buscan descubrir a los artistas emergentes con mayor proyección. Recordemos que ahí están las mejores galerías. Exactamente son 26 nuevos proyectos, todos específicamente pensados para su presentación en Art Statements. Desde 1999, otorgan el Bâloise Art Prize a dos proyectos destacados, con 30 000 francos suizos (386 000 MXN, 29 500 USD) para cada artista. Asi-

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Perrotin, Paris

Galerie Max Hetzler, Berlin

Team Gallery, New York

Galerie Mezzanin, Wien

Michelangelo Pistoletto, Galleria Continua , San Gimignano (Siena)

Galerie Tschudi, Glarus

Kamel Mennour, París

Galeria Fortes Vilaça , São Paulo

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Dan Flavin, David Zwirner, New York

Una novedad tecnológica es la aplicación hecha para el iPhone, Blackberry o Smartphone, pues nos permitía explorar, gracias a un mapa en 3D, todos los pasillos de las muestras, galerías y artistas. mismo, las piezas ganadoras son donadas a la Hamburger Kunsthalle y al MUMOK, Museum Moderner Kunst Stiftung, Ludwig Wien. Los artistas ganadores de este año son el performer Simon Fujiwara de Neue Alte Brücke, Frankfurt; y la pintora Clare Hooper, de Hollybush Gardens, Londres. La Messeplatz está ubicada enfrente de los principales salones que acogen Art Basel, es el mejor emplazamiento posible para albergar Art Public, donde vimos, a pie de calle, 14 trabajos de artistas internacionalmente célebres: Ai Weiwei, Micol Assaël, Dora Garciá, Eric Hattan, Hanspeter Hofmann, Thomas Houseago, Alicja Kwade, Ernesto Neto, Bettina Pousttchi, Ugo Rondinone, Alberto Tadiello, Oscar Tuazon, Lawrence Weiner y Heimo Zobernig. Las charlas, llamadas Art Basel Conversations, unieron a prominentes miembros del arte internacional como Paul McCarthy, Massimiliano Gioni, Klaus Biesenbach, Lynne Cooke, Ann Goldstein, Irving Blum, Jeffrey Deitch, Emanuel Christ, Yona Friedman, Christian Kerez, Farshid Moussavi, Hans Ulrich Obrist y Peter Plagens, entre muchísimos otros. Queda por mencionar Art Film, que proyectaba vídeos y películas en el Stadtkino Basel, obras seleccionadas por el curador Marc Glöde. Presento, por ejemplo, ‘Women Wi-

painter Clare Hooper, from Hollybush Gardens, London. The Messeplatz is located in front of the main halls that host Art Basel, the best possible location to house Art Public. On the street, we could see works of 14 internationally renowned artists: Ai Weiwei, Micol Assael, Dora García, Eric Hattan, Hanspeter Hofmann, Thomas Houseago, Alicja Kwade, Ernesto Neto, Bettina Pousttchi, Ugo Rondinone, Alberto Tadiello, Oscar Tuazon, Lawrence Weiner and Heimo Zobernig. The talks, called Art Basel Conversations, brought together prominent members of international art as Paul McCarthy, Massimiliano Gioni, Klaus Biesenbach, Lynne Cooke, Ann Goldstein, Irving Blum, Jeffrey Deitch, Emanuel Christ, Yona Friedman, Christian Kerez, Farshid Moussavi, Hans Ulrich Obrist and Peter Plagens, among many others. There’s still to mention Art Film, which projected videos and movies on the Stadtkino Basel, works selected by curator Marc Glöde. He presented, for example, ‘Women Without Men’ by Shirin Neshat, who won the award for best director (2009) at the Venice Film Festival. To conclude, just to superficially mention that they had also Art Basel Weekend and Art Saloon with book signings and discussions. We can add the parties and many other crossover activities that make the sum of all events greater than the whole. A technological breakthrough is the application made for the

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Arataniurano , Tokyo

A technological breakthrough is the application made for the iPhone, Blackberry or Smartphone, allowing us to explore, thanks to a 3D map, all the halls, galleries, works and artists. thout Men’ de Shirin Neshat, ganador del premio a mejor director (2009) en el Festival de Cine de Venecia. Y, para terminar, mencionar que organizaba también Art Basel Weekend y Art Saloon, con firmas de libros y debates. Podemos sumar las fiestas y muchas otras actividades cruzadas que hacen que la suma de todos los eventos sea mucho mayor que el todo. Una novedad tecnológica es la aplicación hecha para el iPhone, Blackberry o Smartphone, que nos permitía explorar, gracias a un mapa en 3D, todos los pasillos de las muestras, galerías y artistas. Al mismo tiempo, posibilita acceder a información de todas las obras, imágenes o la opción de guardar las obras como favoritas para no perder nada de la feria más exhaustiva de arte en Europa. Art Basel crece de forma imparable, como muestra basta el éxito que tiene su feria hermana, Art Basel Miami Beach 2010, confirmación de la importancia que ha alcanzado Art Basel en Europa y toda América. --------------------------------------------------------------------

iPhone, Blackberry or Smartphone, allowing us to explore, thanks to a 3D map, all the halls, galleries, works and artists. This app grants direct access to information concerning the pieces, images, and the option of saving works as favourites to avoid losing anything from the most comprehensive art fair in Europe. Art Basel grows unabated, as an attestation suffices the success that has its sister fair, Art Basel Miami Beach 2010, confirming the importance that Art Basel has achieved in Europe and the Americas. --------------------------------------------------------------------

ART BASEL MIAMI 2010

-------------------------------------------------------------------When the founding gallerists of Art Basel began with the fair, they could not foresee that at its 41st edition there would be arriving more than 60,000 visitors among artists, collectors, curators, museum directors and art enthusiasts. Even less could they imagine that its sister event, Art Basel Miami Beach, which is in its ninth edition, would offer, from 2nd to 5th of December, a separate interesting program of its own. It will showcase the most highlighted works from the whole international art scene. Amongst works and forms of artistic expression, Art Basel Miami Beach will include paintings, drawings, books and publications, sculptures, installations, photographs, performances, video art; and again, the museums will program their best shows.

ART BASEL MIAMI 2010

-------------------------------------------------------------------Cuando los galeristas fundadores de Art Basel empezaron con la feria, éstos no podían prever que en su cuadragésima primera edición llegaría a albergar a más de 60,000 visitantes entre artistas, coleccionistas, curadores, directores de

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Art Basel cerró este año con una de sus ediciones más positivas en cuanto a ventas, calidad y variedad en sus galerías, artistas y eventos./ Art Basel closed this year one of its more positive editions in terms of sales, quality and variety in their galleries, artists and events. diversidad de galeristas y coleccionistas. Como una curiosidad del año pasado que nos demuestra lo anterior, pudimos ver al pintor neo-expresionista, Silvestre Stallone, negociando con otro particular coleccionista, Calvin Klein. Pero, también, pudimos ver ahí a jóvenes emergentes, como el mexicano Karmelo Bermejo con la galería Maisterravalbuena, cerrando un pacto por 100,000 dólares por su escultura de bronce con dos esqueletos, llamada ‘El Triunfo de la Pintura’. Los coleccionistas latinoamericanos, neoyorquinos y californianos no brillan por su ausencia, más bien todo lo contrario. Y México también está representado por tres galerías. Jose Kuri, de Kurimanzutto, decía: “Hemos vendido bien, no tenemos ansiedad para cerrar cuanto antes los tratos”. El arte latinoamericano es de lo más buscado en Miami, lo latino es visible por parte de los visitantes y artistas. Por ejemplo, el Museo Bass de Arte presentó, por primera vez en Estados Unidos, toda la colección Jumex. De la cual se afirma es la colección privada más importante de Latinoamérica. La colección tiene una mezcla de Pop Art, elementos propios de la cosmogonía de la Ciudad de México y piezas de artistas internacionales como Michael Elmgreen e Ingar Dragset. Así, México se situó en la escena internacional del coleccionismo de arte. También dio mucho de que hablar la colección de la familia Rubell, que presentó el espectáculo ‘Beg, Borrow and Steal’ (Suplica, pide prestado y roba), explica cómo ha evolucionado el fenómeno de la apropiación de arte por generaciones. Aquí, la instalación con cervezas de Cady Noland conoce a sus descendientes directos: Rachel Harrison y Guyton/Walker. Queda claro que, en el mundo del arte, la apropiación exclusiva de una idea es cosa extraña. Podemos decir que en la edición de invierno de Art Basel Miami Beach 2010 habrá un programa corregido y aumentado, lleno de sorpresas. Dará peculiares noticias e informaremos en el próximo número. Pues ahí estará lo mejor del arte y es un evento cercano a México, además Miami es una ciudad con gran carisma latino en Estados Unidos. Taxi será el vehículo indicado si no te lo quieres perder. Próxima destinación: Art Basel Miami 2010.

museos y entusiastas del arte. Mucho menos que tendría una feria hermanada como es Art Basel Miami Beach, que en su novena edición nos ofrecerá, del 2 al 5 de diciembre, un programa distinto, interesante y muy propio. Alberga lo más destacado de todo el panorama internacional del arte. E incluye todo tipo de obras y formatos de expresión artísticos: pinturas, dibujos, libros y publicaciones varias, esculturas, instalaciones, fotografía, performances, vídeoarte. Además, los museos de Miami programan sus mejores exposiciones. Art Basel Miami requiere de mucho sol, optimismo, visitantes bronceados y cercanos a la poderosa influencia de una ciudad como Miami. También requiere de una mejora económica de los bolsillos de los coleccionistas. Así es Miami, “la ciudad donde el neón se jubila y muere”. No ha sido fortuito que Art Basel Miami se haya vuelto, en sólo nueve ediciones, la feria más ambiciosa de toda América. Si recordamos que en su edición de 2008 se declaró, 48 horas antes de inaugurarse, que EE.UU. entraba oficialmente en recesión, era normal que la feria temierá por su continuidad. Con este panorama, entendemos las palabras de Marc Splieger: “No nos hubiera sorprendido si (nuestros galeristas) dijeran: ‘Hemos mordido más de lo que podíamos masticar’”, declaró uno de los principales fundadores de Art Basel aquel año fatídico para la economía occidental. Art Basel cerró este año con una de sus ediciones más positivas en cuanto a ventas, calidad y variedad en sus galerías, artistas y eventos. Lo mismo pasó con la edición anterior, Art Basel Miami Beach 2009. Después de un año flojo, las galerías reportaron cifras jugosas y calcularon un aumento general del 15% en sus ventas. De esta manera, logra también sus importantes objetivos y devuelve el optimismo al mercado internacional del arte. Es por esto que sus organizadores tienen el presentimiento de que este año será enorme y logrará afianzarse cada vez más, hasta superar las cifras del año pasado y consolidarse como la feria más importante de Estados Unidos. Art Basel Miami Beach es un evento digno de presenciar por la mezcla de arte elevado y emergente, la verdadera

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ART BASEL

Stuart Shave , Modern Art, London

Art Basel Miami requires plenty of sunshine, optimism and tanned visitors closer to the powerful influence of a city like Miami. It also requires an economic upturn in the pockets of collectors. This is Miami, “the city where the neon retires and dies.” There it is no coincidence that Art Basel Miami has become, in just nine editions, the most ambitious American art fair. If we recall when, in its 2008 edition, 48 hours before opening, the U.S. officially entered into recession. It was normal that the show would doubt on its continuity. Within this context we can understand the words of Marc Splieger: “We have been surprised if they (our gallerists) say, ‘We have bitten-off more than that we could chew.’” As stated by one of the founders of Art Basel that fateful year for Western economy. Art Basel closed this year one of its more positive editions in terms of sales, quality and variety in galleries, artists and events. The same thing happened with the previous edition, Art Basel Miami Beach 2009. After a sloppy year, galleries reported juicy figures and calculated an overall 15% increase in sales. Consequently, achieving its major objective and returning back the optimism to the international art market. This is why the organizers bear a hunch that this year will be huge, and will keep growing until exceeding last year’s figures, thus consolidating as the most important fair of the United States. Art Basel Miami Beach is an event worthy of witnessing because of the mixture of high and emergent art, the true diversity of galleries and collectors. As a curiosity of last year’s event, we could see the actor and neoexpressionist painter, Sylvester Stallone, negotiating with another private collector, Calvin Klein. Nonetheless, we could also see the Mexican emerging artist

Karmelo Bermejo with the Gallery Maisterravalbuena closing a deal for $100 000 for his bronze sculpture of two skeletons, ‘The Triumph of Painting.’ Latin-American, New Yorkers and Californian collectors are not absent, quite the opposite. Mexico is represented by three galleries. Jose Kuri of Kurimanzutto stresses: “We have sold well, we are not anxious to close deals as quickly as possible.” Latin-American art is simply the best in Miami, its Latin air is clearly visible from both sides, visitors and artists. For example, Bass Museum of Art presented, for the first time in the United States, the entire Jumex collection. Which is claimed to be the largest private collection of Latin-America. With its blend of Pop Art, elements of the cosmogony of Mexico City, and pieces of the international collection, as artists such as Michael Elmgreen and Ingar Dragset. Mexico, once more, was well situated on the international scene. There was much to talk-about of the Rubell Family Collection, which presented the expo ‘Beg, Borrow and Steal,’ which explains how the phenomenon of appropriation of art has evolved for generations. Here, for instance, the installation made with cans of beer by Cady Noland gets to know its direct descendants: Rachel Harrison and Guyton/Walker. As in art, the exclusive appropriation of an idea is something very strange. Is important only that this Art Basel 2010 winter edition will display an improved and expanded show, full of surprises that will bring good and unique news, of which we will inform in all detail on the next issue. Fine contemporary art near-by Mexico, and all from one of the most charismatic and Latin cities in the United States. Taxi is the indicated vehicle if you do not want to miss it. Next destination: Art Basel Miami Beach 2010.

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SHANGHAI TO TRAVEL

En esta edición hemos elegido Shanghái para presentar nuestra particular guía de viaje en busca de arte por otros continentes. Les mostramos todos los museos, galerías y artistas de una ciudad en expansión, que lucha para convertirse en claro referente del arte contemporáneo mundial./ In this issue we have chosen Shanghai to present our particular travel guide that seeks fine art in other continents. We portray all the museums, galleries and artists in a growing city that struggles to become clear reference for the contemporary art world. TEXTO: DIEGO BARBOSA Barcelona (ESPAÑA) FOTO: Courtesy 140 sqm Gallery y m97 Gallery FOTO: HAN Lei ‘Four Chinese Boys’, 2007. Courtesy of m97 Gallery

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During the past 20 years, Chinese contemporary art has evolved in its complexity and diversity. This individuality has allowed itself to rapidly expose unto the international scene as an innovative and inspiring force. In China, two cities compete for the title of the largest city, Beijing and Shanghai, but Shanghai is what the authorities define as the “star piece” of their economy. The city raises more than 4,000 buildings that are over 100 meters (328 feet) high, modern skyscrapers with a unique style that give to the city an incomparable futuristic air. In Shanghai there are many interesting places, we will propose an alternative and complementary visit to follow the trail of the best contemporary art. To find the best galleries, you have to go to the district of Moganshan or M50, near the Suzhou River. This district, formerly a textile area, has now become a symbol of the modern culture of Shanghai. Large shops in the area have been occupied by art-spaces and some old houses became fine restaurants. The M50 district was founded in the heart of a former factory, it is a space in which occur, spontaneously, a succession of artistic studios. Most are small and give the impression of being in a kind of a specialized market in art. The first artist to rely on the M50 was Xue Song. Later came Ding Yi, Qu Feng Guo, Wang Xingwei and a long list that extends to our times. Today it presents a powerful generation of Chinese artists that are succeeding in the world. One of the galleries located in Moganshan Rd. It is called Art Scene China, considered as a fundamental one in the country. The main goal of this gallery is to make Chinese contemporary art accessible to everyone and, to this end, it has more than 1,800 square meters (5,900 feet) of exhibitions, divided in two rooms. The first, the Warehouse room, exhibits the most influential contemporary artists from China and elsewhere. And in the second, the Classic room, houses more affordable artwork. The purpose of this room is that artists submit works of smaller size, those that can be taken into a private house, not for big spaces, thus getting lost into the oblivion of a big warehouse. Other galleries that you can find in this area are the Ifa Gallery and the New B Gallery. Ifa Gallery exhibits Chinese artists, of course, but also artists from the Southeast of Asia, with varied programs that give support to all types of artistic

Durante los últimos 20 años, el arte contemporáneo chino ha evolucionado de forma compleja y diversa. Esta individualidad le ha permitido colocarse rápidamente en la escena internacional como una fuerza innovadora e inspiradora. En China, dos ciudades se disputan el título de mayor urbe, Beijing y Shanghái; aunque Shanghái es la que las autoridades definen como la “pieza estrella” de su economía. Sobre ella se alzan más de 4,000 edificios que superan los 100 metros de altura, rascacielos modernos con un estilo único que dan a la ciudad un aire futurista sin igual. En Shanghái hay muchos lugares interesantes, nosotros te proponemos una visita alternativa y complementaria para seguir la estela del mejor arte contemporáneo. Para encontrar las mejores galerías tienes que desplazarte al distrito Moganshan o M50, cerca del rio Suzhou. Este distrito, que antes era una zona textil, hoy se ha convertido en el símbolo de la cultura moderna de Shanghái. Los grandes talleres de la zona han sido ocupados por espacios de arte y las viejas casas son ahora elegantes restaurantes. El distrito M50 fue fundado en el corazón de una antigua fábrica, es un espacio en el que se suceden, de manera espontánea, variedad de estudios artísticos. La mayoría es de pequeñas dimensiones y da una cierta impresión de estar en una especie de mercado especializado en arte. El primer artista en confiar en el M50 fue Xue Song. Más tarde, llegaron Ding Yi, Qu Fengguo, Wang Xingwei y una larga lista que se extiende hasta nuestros días, hoy presenta a una potente generación de artistas chinos que están triunfando en el mundo. Una de las galerías que se encuentra en Moganshan Rd. es Art Scene China, considerada como una de las principales del país. La meta principal de esta galería es que el arte contemporáneo chino sea accesible para todo el mundo y, para ello, cuenta con más 1,800 metros cuadrados de exposición, divididos en dos salas. La primera, la sala Warehouse, expone a los artistas contemporáneos más influyentes de China y otras partes del mundo. Y, la segunda, la sala Classic, apuesta por un arte más asequible. El objetivo de esta sala es que los artistas presenten obras de menor tamaño, aquellas que se puedan tener en una casa particular y no solamente en grandes espacios para, posteriormente, perderse en el olvido de un gran almacén. Otras de las galerías que podrás encontrar en esta área son Ifa Gallery y New B Gallery. Ifa Gallery exhibe, además de artistas chinos, a artistas del sudeste asiático, con un programa variado y que

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da su apoyo a todo tipo de manifestaciones artísticas. La New B Gallery, por su parte, promueve la difusión del arte contemporáneo más experimental. China cuenta con una historia larga y compleja. Gran parte del arte contemporáneo chino muestra un país que se ha alterado con la apertura económica. La base ideológica del partido comunista chino ha ido abandonando las ideas comunistas tradicionales representadas por el pensamiento de Mao Zedong y asumiendo como válido el modelo económico capitalista. La ideología del partido ha derivado en este sentido hacia un modelo autoritario con un fuerte componente nacionalista. De esta manera, el partido se ha convertido en una especie de aparato burocrático del estado, garante del mantenimiento del régimen autoritario. Es por ello que, hoy, todavía se lucha por conseguir una libertad de expresión anhelada durante años. Una nueva generación de artistas, algunos nacidos después de los días de Mao (1976) e, incluso, después de los sucesos de Tiananmen (1989) nos hablan de sentimientos reprimidos durante generaciones. El nuevo arte chino expresa, en muchas ocasiones, rabia y trauma; aunque, también, exalta un nuevo talento y poder, ambos recién descubiertos y que han llevado a China a un crecimiento económico sin parangón. Artistas como Zhang Huan, Sung Xun, Li Songsong, Du Xinjian, Wang Jing o Wu Meng Chun se han convertido en los abanderados del arte chino. Asimismo, el talento en este país está siempre en plena evolución. Es por ello que, al visitar Shangai, encontrarás muchas galerías que apuestan por el arte emergente. Un ejemplo es East Link Gallery, creada por Li Liang, en 1999. Este espacio cuenta con una reconocida reputación a nivel

expression. The New B Gallery, on its own behalf, promotes the dissemination of a more experimental contemporary art. Great part of the contemporary Chinese art depicts an altered country due to the economic aperture. The ideological base of the Communist Chinese party have been abandoning the traditionalist Communist ideas represented by the thought of Mao Zedong, and assume as valid the capitalist economic model. The ideology of the party has derived in this sense to an authoritarian model with a strong capitalist component. In this manner, the party has turned into some sort of bureaucratic apparatus of the state, guarantor of the maintenance of the authoritarian regime. This is the reason why, today, they still struggle for a freedom of expression longed for years. A new generation of artists – some were born after the days of Mao (1976), and others even after the events of Tiananmen (1989) – speak of repressed feelings through generations. The new Chinese art expresses, in many cases, anger and trauma; however, it also celebrates a newly discovered talent and power, which has led China to an unprecedented economic growth. Artists such as Zhang Huan, Sung Xun, Li Songsong, Du Xinjian, Wang Meng Jing and Wu Chun have become the standard-bearers of Chinese art. However the talent in this country is always evolving. This is why, when visiting Shanghai, you’ll find many galleries that promote emerging art. One example is the East Link Gallery, created by Li Liang, in 1999.

MENG Jin + FANG Er ‘Dong Di Shi Hotel’ (2008-09) Courtesy of m97 Gallery

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CHEN Chunlin ‘Lessons Learned In One Day: Chengdu, Kuan Xiangzi’, 2003. Courtesy of m97 Gallery

internacional por descubrir jóvenes talentos, de hecho, muchos de los artistas que han pasado por sus puertas, hoy se han convertido en grandes figuras del arte contemporáneo. Esta misma línea de trabajo es la que sigue 1918 Art Space, pues coopera con artistas emergentes de todo el mundo con intención de promover talento aún no descubierto. La galería ocupa un edificio entero de tres plantas y tiene una terraza con vistas al río Suzhou. Es una plataforma para explorar nuevas dimensiones en el arte contemporáneo y la cultura china. También, Island 6 y Shine Art Gallery son otros de los conductos que introducen nuevos talentos chinos en el mercado del arte mundial. Otras galería que no debes perderte son Twocities Art Gallery, una de las pocas especializadas en un tipo de arte, valga la redundancia, más artesanal. También, está Vanguar Gallery, un lugar para que los artistas den rienda suelta a su creatividad. Y, por último, M97 Gallery, especializada en fotografía, así como la galería 140sqm, situada en Fluxing Zhing Lu, en la segunda planta del histórico bloque de apartamentos The Blackstone. Espacio que exhibe arte internacional sin olvidar descubrir nuevos talentos locales. --------------------------------------------------------------------

This space has a recognized international reputation for discovering young talent, in fact, many of the artists who have passed through its doors have become major figures in contemporary art today. This same line of work follows 1918 Art Space, as it cooperates with emerging artists from all around the world, with the intention of promoting undiscovered talent. The gallery occupies an entire building of three stories and has a terrace with views of the Suzhou River. It is a platform to explore new dimensions in contemporary art and Chinese culture. Also, Island 6 and the Shine Art Gallery are other channels that introduce new Chinese talents to the world’s art market. Other galleries that should not be missed are: the Twocities Art Gallery, one of the few galleries that specializes in one type of art, which is more handcrafted and traditional; along with Vanguar Gallery, a place for artists to unleash their creativity; and finally, the M97 Gallery, which specializes on photography. --------------------------------------------------------------------

OUTSIDE M50

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FUERA DEL M50

Although not all contemporary art focuses on the district M50, the Museum of Contemporary Art of Shanghai (MOCA) is located in an old greenhouse at the Park of the People. The museum has 4,000 square meters (13 120 feet) and is designed to make the most of the available natural light. This is a good place for the public who wants to know and appreciate contemporary Chinese art, along with the most interesting proposals from foreign countries. Near the park, on the Nor-

-------------------------------------------------------------------Pero no todo el arte contemporáneo se concentra en el distrito M50, el Museo de Arte Contemporáneo de Shanghái (MOCA), está localizado en un antiguo invernadero en el Parque de la Gente. El museo cuenta con 4,000 metros cuadrados, diseñados para aprovechar toda la luz natural posible. Buen lugar para un público que quiere conocer y apre-

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CHEN Chunlin ‘Dance across 38 parallel ’, 2005. Courtesy of 140 sqm Gallery

ciar el arte contemporáneo chino, así como propuestas más interesantes de países extranjeros. Cerca del parque, en la calle North Maoming Road, encontrarás una mansión colonial que acoge la galería independiente Andrew James. Fundada en Londres, en 2005. Allí, encontrarás los trabajos de los principales artistas de Japón, Corea y China. En esta zona, también podrás visitar la OV Gallery, con un programa diverso de exhibiciones, enfocadas a promover arte emergente, local y foráneo. Y el Centro de Arte Fei Contemporay, espacio sin ánimo de lucro, fundado por el artista Li Xiaofei, con el objetivo de organizar exhibiciones y eventos de arte experimental. Interesante proyecto que además sirve como plataforma para la investigación y el desarrollo de más arte contemporáneo chino. Por si fuera poco, China tiene una feria que acoge lo más interesante de todo el panorama asiático, la SHContemporary es hoy la feria de arte más dinámica de toda Asia. Esta edición se ha celebrado durante los días 9 y 12 de septiembre. Aprovecharon la coincidencia con la Expo Universal para llenar este año las calles de Shangai con obras de arte. El antaño gigante dormido, ahora nos enseña todo su potencial artístico. Arte en plena evolución, cargado de sentimiento y reflexión, arte que nos habla de la historia de este país y de su nueva realidad. A través de propuestas experimentales e innovadoras. Shanghái se ha situado como una ciudad de referencia, en la que podemos disfrutar de arte experimental y de vanguardia. Arte contemporáneo con calidades y cualidades nuevas que no puedes perderte si visitas esta ciudad.

th Maoming Road, you’ll find a colonial mansion that houses the independent gallery Andrew James. It was founded in London, in 2005. You’ll find the work of major artists from Japan, Korea and China. In this area you can also visit the OV Gallery, with a diverse program of exhibitions, focused on promoting emerging, local and foreign artists. Finally, there is the Fei Contemporay Art Center, a nonprofit space founded by the artist Li Xiaofei with the purpose of organizing exhibitions and experimental art events. This interesting project provides a platform for research and development of more contemporary Chinese art. As if this is not enough, China is hosting a fair that displays the most interesting proposals of all the art scene. The SHContemporary is now the most dynamic art fair in Asia. This edition was held during the 9th and 12th of September. Taking advantage of the coincidence with the World Expo 2010, so this year the streets of Shanghai will be covered with artworks. The once-sleeping giant now is shows his artistic potential. It is evolving art, charged with feeling and reflecting on various matters. Art that talks about the history of its country and its new reality, always through means of experimental and innovative proposals. Shanghai has established itself as a city of reference in which we can enjoy experimental and avant-garde art. Contemporary art with new qualities and attributes that you can’t miss if you visit this city.

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LIU Jin ‘Lonely Angel’, 2006. Courtesy of 140sqm Gallery

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“El nuevo arte chino expresa, en muchas ocasiones, rabia y trauma; aunque, también, exalta un nuevo talento y poder, recién descubiertos y que han llevado a China a un crecimiento económico sin parangón”/ “The new Chinese art expresses, in many cases, anger and trauma; but, however, it also celebrates a newly discovered talent and power, which have led China to an unprecedented economic growth”

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New York

ROLLO GALLERY London

MARIAN GOODMAN GALLERY

DIRECTORIO/DIRECTORY

Durante más de 30 años, esta galería ha jugado un papel importantísimo en la introducción de artistas europeos en Estados Unidos. Antes de abrir su galería, Marian Goodman representó y publicó libros de artistas como Richard Artschwager, John Baldessari, Dan Graham, Sol Lewitt, Roy Lichenstein, Claes Oldenburg, Robert Smithson, Andy Warhol, Joseph Beuys, Marcel Broodthaers, Blinky Palermo y Gerhard Richter. Y fue en 1977 cuando Marian Goodman dio el salto y abrió su galería en Nueva York, donde presentó la primera exposición de Marcel Broodthaers en los Estados Unidos (organizada antes de su muerte en 1976). Desde entonces, esta galería ha ido creciendo y consolidándose hasta que, en 1998, tuvo que ser ampliada.

Rollo se estableció en 2005 y rápidamente ganó la atención con su proyecto exterior ‘The Writer’ de Giancarlo Neri, una mesa de 30 metros de alto y una silla instalada en Hampstead Heath durante el verano de 2005. En 2007 la galería se mudó a Londres W1, donde está situada en la actualidad en el número 51 de la Cleveland Street, en el segundo piso y en el espacio del sótano. El cambio es síntoma de la fuerte convicción de los directores de la galería para hacer el arte menos exclusivo y más asequible, llegar a una mayor audiencia. Rollo se dedica a representar arte de gran calidad en todos los formatos, tanto arte abstracto como realista, su tarea constituye una gran contribución para el desarrollo de la historia del arte. Rollo trabaja en colaboración con localizaciones exteriores como The Royal Academy y The Arts Club.

For more than three decades, this gallery has played an important role introducing European artists in the United States. Before opening her gallery, Marian Goodman represented artists like Richard Artschwager, John Baldessari, Dan Graham, Sol Lewitt, Roy Lichenstein, Claes Oldenburg, Robert Smithson, Andy Warhol, Joseph Beuys, Marcel Broodthaers, Blinky Palermo and Gerhard Richter, and published their books. In 1977, Marian Goodman took a leap into the art world and opened her gallery in New York, where she presented Marcel Broodthaers’ first exhibition in the United States (organized before his dead in 1976). Since then, this gallery has been growing and consolidating itself in the art word, and 1998 it had to be expanded.

Rollo was established in 2005 and it quickly called the attention with Giarncarlo Neri’s project ‘The Writer’, a 30 meters tall table and a chair installed in Hapstead Heath during the summer in 2005. In 2007, the gallery moved to London W1, where it is located nowadays in the second story and the basement of 51 Cleveland Street. This change is a result of the strong conviction of its directors to make art less exclusive and more accessible, reaching a wider audience. Rollo represents high quality art in every format, from abstract to realistic art, and its labor represents a great contribution to the development of art history. Rollo works jointly with external locations like The Royal Academy and The Arts Club.

ARTISTAS/ ARTISTS: Eija-Liisa Ahtila, Chantal Akerman, Giovanni Anselmo, John Baldessari, Lothar Baumgarten, Dara Birnbaum, Christian Boltanski, Marcel Broodthaers, Maurizio Cattelan, James Coleman, Tony Cragg, Richard Deacon, Tacita Dean, Tacita Dean, David Goldblatt, Dan Graham, Pierre Huyghe, Cristina Iglesias, Amar Kanwar, William Kentridge...

ARTISTAS/ ARTISTS: Francisca Aninat, Helen Carmel Benigson (Princess Belsize Dollar), Karla Black, Frank Bowling RA, Cecily Brown, Nathalie Djurberz, Tracey Emin, Nadine Feinson, Regina José Galindo, Tiina Heiska, Andrew Hollis, Jessica Lagunas, Sigalit Landau, Sarah Lederman, Claire Morgan, Giancarlo Neri, Rhea O’Neill, Rebecca Stevenson.

DIRECCIÓN/ADRESS: 24 West 57th Street New York, NY

DIRECCIÓN/ADRESS: 51 Cleveland Street, W1T 4JH.

+info: www.davidzwirner.com

+info: www.rolloart.com

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ADN GALERÍA Barcelona

Milán

GALLERIA RUBIN

La galería Rubin fue fundada en 1997 en Milán por James Rubin y Christian Marinotti, ambos cuentan con un pasado consolidado en el mundo del arte. La galería actualmente es dirigida por tres socios, James Rubin, Pierre André Podbielski y Paolo Galli; Christian Marinotti es el consultor. La galería Rubin se centra primordialmente en arte contemporáneo italiano y pintores y escultores contemporáneos con visión para destacar las técnicas artísticas, la excelencia y exaltar el valor manual intrínseco de la creación actual en un contexto contemporáneo. Al hacer esto, la galería intenta alcanzar un equilibrio entre la tradición (genius loci) e innovación. Otro objetivo de la galería es lanzar, con representación exclusiva, a jóvenes talentos italianos, ya sea en Italia o en el mundo, esto al participar en ferias y proyectos conjuntos con otras galerías internacionales.

ADN Galería fue fundada con la voluntad de crear una plataforma híbrida entre mediación comercial y aportación cultural, cuyo objetivo es difundir las tendencias artísticas actuales. Poseen un programa enfocado hacia producciones que priorizan contenido y se postulan como reflejo semántico de las dinámicas contextualizantes en las que se generan. Más allá de la mediación comercial, se comprometen con los artistas para generar redes de apreciación internacionales que fomenten debate sobre las líneas de fuerza de la creación contemporánea, posibilitando el establecimiento de fundamentos sólidos para el desarrollo de sus carreras a través de una política activa de difusión mediática, comunicación on-line y presencia en ferias.

Rubin Gallery was founded in Milan in 1997 by James Rubin and Christian Marinotti, renowned characters in the art world. It is directed by three partners: James Rubin, Pierre André Podbielski and Paolo Galli; with Christian Marinott as the consultant. Rubin Gallery is mainly focused on Italian contemporary art and contemporary painters and sculptors with a vision; they seek to stress artistic techniques, excellence and emphasizing the intrinsic manual value of creation in a contemporary concept. In this way, the gallery tries to find the balance between tradition (genious loci) and innovation. Another main objective is to promote young Italian talents through exclusive delegation, in Italy or around the world, participating in fairs and projects with other international galleries.

ADN Gallery was founded in order to create a hybrid platform between commercial mediation and contribution, with the main objective of promoting nowadays artistic trends. Its program is focused towards productions that have the content as a priority and propose a semantic reflect of the contextualizing dynamics in which they are generated. Besides the commercial mediation, they are committed to the artists, in order to generate international networks that appreciate and promote a debate about the force lines of contemporary creation, allowing the establishments of solid basis for the development of their careers through an active policy of media coverage, on-line communication and a strong presence in fairs.

ARTISTAS/ ARTISTS: Affiliati Peducci/Savini, Gehard Demetz, Wynne Evans, Letizia Fornasieri, Massimo Giannoni, Stefan Hoenerloh, Kika Karadi, Caroline Lejeune, Paola Margherita, Gabriele Memola, Maria Morganti, Tommaso Ottieri, Luca Reffo, Seán Shanahan, Dennis Santella, Lars Teichmann, Luigi Christopher, Veggetti Kanku, Dubravka Vidović, Ilir Zefi

ARTISTAS/ ARTISTS: Carlos Aires, Tobias Bernstrup, Daniel & Geo Fuchs, Bruno Peinado, Judas Arrieta, Santiago Cirugeda, Chus García-Fraile, Concha Pérez, Virginie Barré, Democracia, Shiro Masuyama, Marc Quintana, Kader Benchamma, Igor Eskinja, Eugenio Merino, Federico Solmi.

DIRECCIÓN/ADRESS: Via Bonvesin de la Riva, 5. Milán

DIRECCIÓN/ADRESS: Enric Granados, 49. Barcelona

+info: www.galleriarubin.com

+info: www.adngaleria.com

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