Enero-febrero-2021 Nº 61
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TESSA BARLO 2009, "Quédate en mi memoria". Poemario 2011 "¿Es fiable la Biblia?" Ensayo 2014 "La mujer serpiente" Novela 2018 “I tu vas arribar” Poemari. 2019 “Experiencia mal aplicada” Novela 2019“Experència mal aplicada” Novel.la
2019 “La oscuridad del alma humana” Relatos cortos 2019 “El procés” - Articles
Desde el 2010, publico un boletín cultural- bimestral a través de la red, actualmente con doscientos sus-criptores aproximadamente.
Desde el junio del 2013, colaboró con la revista bimestral "La Vall" de Vallgorguina, escribiendo un artículo de interés actual. ———————————————-
Segundo premio—Relato insólito En Mujeres creativas de Rubí– 2014
Finalista “Certamen Tamariu” En Poesía en catalán—2015
EN AMAZÓN 2
ÍNDICE Bibliografía
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Índice
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María Ugarte
04-05
Lord Byron
06-08
Víctor Hugo
09-11
Libro “Noche de barrio”
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Revista Pulgarcito
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El Romanticismo
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Museo Británico
16-17
Arnold Bócklin
18-19
Amrita Sher-Gil
20-23
El jinete azul
24-25
Ópera Bufa
26-28
Farinelli
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Maria Rallchief
30-31
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María Purificación Ugarte (Segovia, 22 de febrero de 1914-Santo Domingo, República Dominicana, 4 de marzo de 2011) conocida como María Ugarte, es una historiadora, escritora y periodista, la demostración de la enorme pérdida cultural que supuso el exilio republicano, equiparable al retroceso que la dictadura supuso para los derechos de las mujeres.
María era la segunda de los siete hijos habidos en el matrimonio formado por Jerónimo Ugarte, oficial de artillería, y Carmen España. Estudió el bachillerato en Segovia, donde conoció a Antonio Machado. Ya en Madrid, en 1933 se licenció en Historia con premio extraordinario. Ese mismo año participó en el Crucero Universitario por el Mediterráneo, organizado por la Facultad de Filosofía y Letras a iniciativa de Manuel García Morente, su rector.
En aquel legendario crucero, a bordo del buque Ciudad de Cádiz se embarcaron dos centenares de personas, alumnos de distintas facultades, profesores y figuras de la vida artística y cultural española, quienes durante los meses de junio y julio recorrieron los yacimientos arqueológicos del Mediterráneo. Se trataba de un ensayo docente novedoso, en la práctica supuso el fermento de un proceso de renovación cultural que, lamentablemente, frustró el levantamiento militar. El sueño de una generación, como escribirían ya en el siglo XXI Francisco Gracia y Josep M. Fullola.
Allí estaban los estudiantes Salvador Espriu, Fernando Chueca, Luis Díez del Corral, María Luisa Galván, Isabel García Lorca, Esmeralda Gijón, María Luisa Herrera, Julián Marías, Laura de los Ríos Giner, Soledad Ortega Spottorno, Juana Quílez, Luis Rodríguez de Viguri, Antonio Tovar, María Luisa Vázquez de Parga, Jaime Vivens, la propia María y un largo etcétera, junto a los profesores Juan Zaragüeta y Beongoechea, Elías Tormo, Blas Taracena, Hugo Obermaier, Felipe Niño, Gregorio Marañón, Enrique Lafuente Ferrari, Antonio García Bellido, Mercedes Gaibros, Joaquín de Entrambasaguas, Guillermo Díaz-Plaja. Pocas veces podría aplicarse con tal propiedad que en el buque navegaba la crema de la intelectualidad nacional presente y futura, la Edad de Plata de la cultura española.
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Entre 1934 y 1936 María impartió clases de Historia Contemporánea en la nueva Ciudad Universitaria, como ayudante del profesor Pío Zabala. En 1936 se casa con
No le fue fácil abrirse camino en el país de adopción. Empezó dando clases de español, trabajó como periodista de sucesos, impartió un curso de Archivística en la Universidad de Santo Domingo hasta que en 1944 fue designada como jefa de la División de Archivos, Bibliotecas y Mapoteca de la Secretaría de Estado de Relaciones Exteriores y directora del Boletín del Archivo General de la Nación, lo que le permitió descubrir un gran fondo documental de la época colonial.
Constant Brusiloff, lector de ruso en la misma Facultad de Filosofía y Letras, con quien tendría a su única hija, Carmenchu. Terminada la guerra, duda entre permanecer o exiliarse; en 1940 llega a República Dominicana, donde desarrollará la mayor parte de su actividad.
arte dominicano que le valdrán numerosos premios, las máximas distinciones honoríficas y la admisión en sus Academias de Historia y de Ciencias. Está considerada como una de las grandes intelectuales de este periodo en República Dominicana y como la creadora del periodismo cultural en el país. En 2006 recibió el Premio Nacional de Literatura “por su decisiva contribución a la cultura dominicana en los campos de la literatura, la crítica literaria, el periodismo y la investigación histórica”. España esperó al año 1986 para concederle la Orden del Mérito Civil en grado de Comendador. Murió el 4 de marzo de 2011. La cultura está de luto, fallece la escritora María Ugarte, escribió el Diario Libre al día siguiente. En España su nombre seguía siendo ignorado
En 1945 se divorcia de Brusiloff y en 1956 se casa con José Antonio Jiménez Álvarez, de quien enviudaría en 1966. Entonces vuelve al periodismo en el diario El Caribe donde permanece hasta el año 2000 como directora del suplemento cultural. Durante décadas se dedicó a la revalorización del patrimonio artístico y a http://www.meryvarona.es/mariala promoción de la creación cultural del ugarte-historiadora/ país. Ella misma escribiría infinidad de artículos y varios libros sobre historia y el
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(George
Gordon; Londres, Gran Bretaña, 1788 - Missolonghi, actual Grecia, 1824) Poeta británico que figura entre los más emblemáticos representantes del romanticismo europeo. Perteneciente a una familia de la aristocracia de su país, perdió a su padre a los tres años. En 1798, al morir su tío abuelo William, quinto barón Byron, heredó el título y las propiedades. Educado en el Trinity College de Cambridge (etapa en la que curiosamente se distinguió como deportista, a pesar de tener un pie deforme de nacimiento), Lord
Byron vivió una juventud amargada por su cojera y por la tutela de una madre de temperamento irritable. A los dieciocho años publicó su primer libro de poemas, Horas de ocio, y una crítica adversa aparecida en el Edimburgh Review provocó su violenta sátira titulada Bardos ingleses y críticos escoceses, con la que alcanzó cierta notoriedad.
En 1809, al ser declarado mayor de edad, Lord Byron emprendió una serie de viajes en los que recorrió España, Portugal, Grecia y Turquía. A su regreso publicó, como memoria poética de su viaje, los dos primeros cánticos de La peregrinación de Childe Harold, que le valieron rápidamente la fama. El héroe del poema, Childe Harold, parece basado en elementos autobiográficos, aunque sin duda recreados y aumentados para configurar lo que sería el típico héroe byroniano -al que él mismo trató de emular en su vida-, caracterizado por la rebeldía frente a la moral y las convenciones establecidas y marcado por una vaga nostalgia y exaltación de sentimientos, en especial el sufrimiento por un indeterminado pecado original. 6
En 1815 se casó con Anna Isabella Mibanke, con quien tuvo una hija, Augusta Dada, aunque se separaron al cabo de un año. El personaje libertino y amoral que Lord Byron encarnaba frente a la sociedad terminó por volverse contra él, sobre todo a partir de los rumores sobre sus relaciones incestuosas con su hermanastra Augusta, por lo que terminó por abandonar el Reino Unido en 1816, para no regresar jamás y convertirse en poeta errante por Europa.
amorosas con Claire Clairmont. Tras una estancia en Génova, se trasladó a Venecia, donde inició, en 1819, una nueva y turbulenta relación amorosa con la condesa Guiccioli y llevó una vida fastuosa y salpicada de escándalos; más tarde fue a Ravena.
En esta época terminó el cuarto canto de Childe Harold y su Manfredo (1817), que le permitió sostener correspondencia con Goethe, quien diría de él que se trataba del «primer talento de su siglo». En 1819 inició su famoso Don Juan, considerada por muchos como su mejor obra, en la que recrea al mítico personaje en un tono que oscila entre la gravedad y la ironía. En 1822, y junto a los poetas Shelley y Leigh Hunt, fundó en Pisa la revista The Liberal, cuya publicación se interrumpió enseguida debiEn Suiza, de donde había llegado proce- do a la muerte del primero y a la disputa dente de Bélgica, Lord Byron convivió de Byron con Hunt. con el poeta Shelley y sostuvo relaciones
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Orientado cada vez más hacia la causa liberal, en 1823, a raíz de la rebelión de los griegos contra los turcos, Lord Byron reclutó un regimiento para la causa de la independencia griega, aportó sumas económicas importantes y se reunió con los insurgentes en julio de 1823 en Missolonghi. Murió de unas fiebres en esta misma ciudad poco después, a los treinta y seis años.
La fama de que gozó en su época se ha visto reducida en gran medida con el paso de los años y el aumento de la perspectiva histórica. Se ha discutido el valor
literario y sobre todo el carácter innovador de sus composiciones líricas, mientras que su facilidad versificadora y su expresión ágil e incisiva mantienen el interés de sus sátiras y composiciones narrativas. Byron encarnó para sus coetáneos el ideal del héroe romántico, tanto en su obra como en su vida, y como tal fue considerado y admirado por no pocos escritores, José de Espronceda y Gustavo Adolfo Bécquer entre ellos.
https://www.biografiasyvidas.com/ biografia/b/byron.htm
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Víctor Hugo (Besançon, Francia, 1802 - París, 1885) Poeta, dramaturgo y novelista francés considerado el máximo exponente del Romanticismo en su país. La infancia de Víctor Hugo transcurrió en Besançon, salvo dos años (1811-1812) en que residió con su familia en Madrid, donde su padre había sido nombrado comandante general. De temprana vocación literaria, ya en 1816 escribió en un cuaderno escolar: «Quiero ser Chateaubriand o nada».
Odas y poesías diversas. En el prefacio de su drama Cromwell (1827) rechazó las reglas del teatro neoclásico, proclamó el principio de la «libertad en el arte» y definió su tiempo a partir del conflicto entre la tendencia espiritual y el apresamiento en lo carnal del hombre; considerado el manifiesto fundacional del teatro romántico, el texto situó a Víctor Hugo como cabeza del movimiento, y su casa se convirtió en la sede del cenáculo romántico
En 1819 destacó en los Juegos Florales de Toulouse y fundó la revista Le Conservateur littéraire, junto con sus hermanos Abel y Eugène, pero su verdadera introducción en el mundo literario se produjo en 1822, con su primera obra poética: Desde esa nueva posición de jefe de filas del Romanticismo, y secundado por figuras como Alphonse de Lamartine, Alfred de Musset, Charles Nodier o Alfred de Vigny, el virtuosismo poético de Victor Hugo se puso de manifiesto en Las Orientales (1829), que satisfizo el gusto de sus contemporáneos por el exotismo oriental. La censura de su
drama en cinco actos Marion Delorme retrasó su aparición en la escena teatral hasta el estreno de Hernani (1830), obra maestra que triunfó en la Comédie Française. La representación de este drama constituyó un auténtico escándalo, pero significó también la victoria de la joven guardia romántica sobre el viejo clasicismo y marcó un hito en la literatura por su ruptura con las rígidas normas de la tragedia francesa. 9
En 1830 inició una fase de singular fecundidad literaria, en la cual destacaron, además de distintos libros de poesía, su primera gran novela, Nuestra Señora de París, y el drama Ruy Blas. En 1841 ingresó en la Academia Francesa, pero, desanimado por el rotundo fracaso de Los burgraves, abandonó el teatro en 1843. La muerte de su hija Léopoldine, acaecida mientras él estaba de viaje, sumada al desengaño por la traición de su esposa con su amigo Sainte-Beuve, lo sumieron en una honda crisis.
Entregado a una actividad política cada vez más intensa, Victor Hugo fue nombrado par de Francia en 1845. Pese a presentarse a las elecciones de 1848 en apoyo de la candidatura de Napoleón III Bonaparte, sus discursos sobre la miseria, los asuntos de Roma y la ley Falloux anticiparon su ruptura con el Partido Conservador. El 17 de julio de 1851 denunció las ambiciones dictatoriales de Napoleón III y, tras el golpe de Estado, huyó a Bélgica. Si bien es cierto que no publicó ninguna obra entre 1843 y 1851, concibió su novela Los miserables y compuso numerosos poemas que aparecieron posteriormente.
camino de la humanidad hacia la verdad y el bien desde la época bíblica hasta su tiempo; y su novela Los miserables, denuncia de la situación de las clases más humildes.
En 1852 se instaló, con su familia, en Jersey (Reino Unido), de donde pasó en 1856 a Guernesey. Allí permaneció, en su propiedad de Hauteville-House, hasta 1870. Republicano convencido, denunció sin tregua los vicios del régimen conservador de su país y en 1859 rechazó la amnistía que le ofrecía Napoleón III.
De este exilio de veinte años nacieron Los castigos, brillante sarta de poesías satíricas; la trilogía de El fin de Satán, Dios y La leyenda de los siglos, ejemplo de poesía filosófica en la que traza el
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De vuelta a París, tras la caída de Napoleón III (1870), Victor Hugo fue aclamado públicamente y elegido diputado. Fue derrotado en los comicios siguientes, pero en 1876 obtuvo el escaño de senador de París, posición desde la que defendió la amnistía de los partidarios de la Comuna. Sin embargo, desengañado por la política, regresó a Hauteville-House (1872-1873).
aniversario de Hernani; en 1881, su cumpleaños fue celebrado oficialmente y los senadores, en la tribuna, se levantaron sin excepción en su honor. A su muerte, el gobierno francés decretó un día de luto nacional y sus restos fueron trasladados al Panteón. Considerado como uno de los mayores poetas franceses, su influencia posterior sobre Baudelaire, Rimbaud e incluso Mallarmé y los surrealistas es innegable.
El ritmo de su producción disminuía, pero https://www.biografiasyvidas.com/ su prestigio se acrecentaba sin cesar: un biografia/h/hugo_victor.htm banquete conmemoró el quincuagésimo
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Noche de barrio de Luis Ezquerra
oche de Barrio Húmedo: «Barrio Húmedo de León. La sensualidad en las calles. Una noche y un reencuentro de excompañeros de Instituto. Una noche y una oportunidad para Héctor y Perséfone; sus cartas: a todo o nada. Montaraces luchadores en una batalla de imposibles. Amotinados contra su naturaleza, enamorados por lo que son. Perséfone, atractiva y sin rodillas, fogosa y vehemente. Héctor, frío y vacío. Perséfone y Héctor, igual sensibilidad en un orbe tan distinto. Acompañados por dos parejas amigas que, a veces, campean enemigas. Belinda, amiga de sangre de Perséfone, Patroclo de Héctor, y en el desencuentro, el Pelirrojo y Helena. En un entorno que rezuma vidas presentes y pretéritas, el Barrio Húmedo de León, con sus historias, sus dimes y diretes. El entorno condiciona el sentimiento, la plaza San Martín, la calle Matasiete, la plaza Mayor, la plaza del Grano, el cementerio de León, su Catedral, los embates de religión, la moral y los escarceos sensuales y sexuales. Y el mundo se confunde, se malea y surge el turbión humano con sus giros y movimientos desnudos.» 12
En mi opinión; "Este libro es un canto a la buena música, a la buena narrativa. Requiere su tiempo, pero es encantador, tan distinto. No sabría cómo definirlo, lo veo como un canto a la lucha y a la rebeldía. Esa impresión me ha quedado, con un poso de todo un poco. No sé. Pero hay un personaje que me ha roto por dentro, Perséfone. A muerte con ella…" Debe leerse.
Pulgarcito fue una revista de historietas española de periodicidad semanal publicada por la editorial El Gato Negro (luego Bruguera) desde 1921, y retomada en 1987 por Ediciones B, lo que la convierte en la de mayor duración de su mercado tras el TBO, siendo ambas las únicas que sobrevivieron a la Guerra Civil.2 En ella se publicaron las primeras historietas de Carpanta, Las hermanas Gilda, La familia Cebolleta, Zipi y Zape o Mortadelo y Filemón.3
Parte de sus historietas se recopilaron de
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forma monográfica en colecciones como Magos del lápiz (1949) y Colección Olé (1971).
Bruguera editó también las revistas Súper Pulgarcito (1948-1951), que aumentaba el número de páginas, y Gran Pulgarcito (1969-70), que alternaba el material autóctono con historietas foráneas, fundamentalmente francesas.
Pulgarcito era el pequeño de 6 hermanos, que siempre, junto a su gato Medianoche, corría mil aventuras por diferentes lugares. Con esta obra, Jan quería dignificar la literatura infantil, haciendo de estas historietas verdaderas joyas. Pulgarcito estuvo en las carabelas de Colón, en el país de las Maravillas, y en muchísimos cuentos y lugares históricos más.
1790–1880 La rueda vuelve a girar… Después de un periodo racional, sereno, clásico, viene uno desbocado, pasional, subjetivo. Y después del frío neoclasicismo surge el romanticismo como una tormenta después de la calma. El romanticismo se origina paralelamente en Alemania y el Reino Unido cuando un grupo de gentes variopintas deciden que ya están hartas de tanto racionalismo e ilustración. El mundo es más bien lo contrario… irracional. No es sereno ni intelectual. Más bien está lleno de sentimientos, de imperfecciones. Y ahí está la gracia.
La libertad individual es ahora lo importante, y cada uno tiene su propia forma de buscarla. Muy pronto esta idea se extiende por toda Europa (el primer movimiento cultural en hacerlo) y cada país tendrá su particular forma de romanticismo, que se proyecta a su vez en distintas disciplinas artísticas.
Es por eso que nace un culto a la edad media, o mejor aún: sus ruinas (esto incluye temáticas como el ciclo artúrico o sagas de la mitología nórdica). Se valora el folclore, pues la sabiduría popular es una fuente inagotable de inspiración, como también lo es la literatura.
El subjetivismo es un rasgo intrínseco al movimiento. El yo es lo que importa y no esa científica universalidad de la ilustración. En este sentido se exalta la personalidad individual y por consiguiente la originalidad (cada persona debe mostrar lo que la hace única), se empiezan a valorar las tradiciones nacionales, con sus respectivas épocas pasadas de esplendor. Si… Aquí empiezan los nacionalismos en Europa.
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Pero también lo es el exotismo (un romántico debe viajar) o la fantasía y los sueños (viajar con la mente). Los cuadros románticos pueden perfectamente estar poblados de fantasmas, brujas y monstruos.
Surge en esta época una idea interesante: el artista como genio, como creador, como Dios. No tiene mérito imitar la naturaleza. Si es necesario hay que crearla, y es por ello por lo que en el romanticismo se valora la rebeldía. Romper las reglas era muy cool. Y eso incluía suicidarse de amor o de tristeza… o morir de tuberculosis. Un buen romántico debería morir joven.
Finalmente renace el gusto por la naturaleza, pero muy subjetiva. Es así como los paisajes son ahora un género mayor. No interesan descripciones topográficas, sino mostrar emociones humanas a través de dos vertientes principales: lo pintoresco y lo sublime.
https://historia-arte.com/movimientos/romanticismo
Una vez a Liszt le preguntaron cuál era su profesión. El maestro respondió: «Mi profesión, amigo, es desatar tormentas»
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Fue un 15 de enero de 1759, tras la donación, por parte del coleccionista irlandés Sir Hans Sloane, de más de 71.000 objetos
(1660-1753), un médico, naturalista y coleccionista irlandés que donó su enorme colección privada al pueblo británico a cambió El 15 de enero de 1759, ha- de 20.000 libras esterlinas, una cantidad que asumió el ce 254 años, abrió sus puertas en Londres el Mu- Parlamento. A lo largo de su vida, Sloane reunió más seo Británico (British Museum, en inglés), el primer de 71.000 objetos, sobre tomuseo nacional público del do miles de libros y manusmundo. El Museo del Lou- critos, pero también especívre lo hizo en 1793 y el Mu- menes naturales, obras de Durero, antigüedades y maseo del Prado, en 1819. El Museo Británico se fundó el terial etnográfico. En 1757, 7 de enero de 1753, tras la el rey Jorge II donó, ademuerte de Sir Hans Sloane más, la antigua Biblioteca Real, que incluía preciosos
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manuscritos iluminados. La casa Montagu acogió la colección originaria del Museo Británico, una mansión del siglo XVII que fue demolida en 1840 para edificar el edificio actual, de mayores dimensiones. El Museo Británico en una fotografía de 1887, año en que se trasladaron los ejemplares naturales al Museo de Historia Natural. La Sala de Lectura circular, inaugurada en 1857.
La Piedra Rosetta, descubierta en 1799, permitió descifrar los jeroglíficos egipcios. La Piedra Rosetta, una pieza fundamental A comienzos del siglo XIX, el Museo Británico adquirió las piezas que tanta celebridad le han dado y que lo han convertido en uno de los cinco museos más visitados del mundo. En 1802 exhibió la Piedra Rosetta, que permitió descifrar los antiguos jeroglíficos egipcios; en 1805, la colección Townley de escultura clásica, y en 1816, las esculturas del Partenón, donadas por Lord Elgin, que destrozó el antiguo templo griego al llevarse gran parte del friso y varias esculturas, pero que afortunadamente el museo ha conservado en óptimas condiciones
En 1823, el rey Jorge IV donó la biblioteca Friso del Partenón que representa una lude su padre, la Biblioteca del Rey, que cha entre un centauro y un lápita. motivó la construcción del actual edificio ante la falta de espacio. En 1857 se construyó el edificio cuadrangular y la Sala de Lectura circular, que está abierta al público. En el año 2000 se inauguró la última gran ampliación, el Gran Atrio de Isabel II, una enorme cubierta de cristal y acero diseñada por el arquitecto Norman Foster. El Museo Británico ha cerrado sus puertas únicamente en dos ocasiones, durante la primera (1914-1918) y la segunda (1939-1945) guerras mundiales. Los bombardeos sobre Londres que se produjeron durante esta última provocaron daños en la galería Duveen, que alberga la colección del Partenón, pero fue reconstruida y abierta al público en 1962.
https:// historia.nationalgeographic.com.es/a/ inauguracion-
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Arnold Böcklin
Suíza, 1827–1901
Influenciado claramente por el Romanticismo, su pintura recuerda a la de Friedrich, pero también a la de los prerrafaelitas, dado el enorme simbolismo unido a temas mitológicos y fantásticos.
Arnold Böcklin fue un simbolista suizo, deudor del Romanticismo, que influyó en las siguientes generaciones de artistas, no Son habituales en sus pinturas las conssólo en la pintura, sino en la música, el trucciones arquitectónicas clásicas y refecine o el videojuego. rencias continuas a la muerte. Unidas Nacido en Basilea, se asoció a la escuela dan lugar a un extraño y fascinante munde pintura de Düsseldorf donde todos re- do de fantasía que interesó a los futuros conocieron en Böcklin a un estudiante artistas de tendencias más «fúnebres». muy prometedor. De joven viajó por EuroHasta Marcel Duchamp citó a Arnold pa, donde copió las obras de maestros flaBöcklin como su pintor favorito y una mencos y holandeses, y luego a París, gran influencia en su arte. Pero claro, no donde trabajó en el Louvre, y después Ronos podemos fiar de Duchamp… Otros arma, donde encontró el amor. Se casaría tistas como Max Ernst, de Chirico, Dalí o con Angela Rosa Lorenza Pascucci en su paisano H. R. Giger si tienen rasgos 1853 tomados claramente del arte de Böcklin y Fue una temporada en la que se empapó citan al autor como una influencia capita de pintura y empezó a pintar figuras alegóricas y mitológicas inspiradas por la ciudad eterna. Al volver al frío norte ya era https://historia-arte.com/artistas/ un artista distinto, pero siempre que pudo arnold-boecklin regresó a Italia para buscar inspiración.
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Autorretrato con la muerte tocando el violín, 1872. Berlín, Alte Nationalgalerie
La isla de los muertos, su obra maestra. Tercera versión del cuadro, 1883.
El juego de las olas, 1883, Múnich, Neue Pinakothek.
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Amrita Sher-Gil
La pintora Sher-gil, fue una de las pioneras del movimiento moderno en el arte indio. Sher-Gil, nació de un padre indio y una madre húngara. Ella tenía un talento precoz para la pintura que fue notado de manera temprana y se animó en su búsqueda por su tío, Ervin Baktay, un Indologista y pintor. Durante su infancia vivió en diferentes momentos tanto en la India como en Europa. A los 16 años entró a la Escuela de Bellas Artes de París, donde ella fue influenciada por el trabajo de Paul Cézanne, Amedeo Modigliani y Paul Gauguin. En 1934 abandonó París, donde Sher-Gil había comenzado a tener cierto éxito como artista y regresó a la India, inspirada en la idea de que su futuro como pintora estaba en su país.
¿Cómo se desarrolló la vida y obra de Amrita Sher-Gil?
estilo estaba en marcado contraste con el de sus contemporáneos entre ellos, Abanindranath Tagore, que perteneció a la escuela de Bengala, y representó el primer movimiento moderno del arte indio.
En 1937 Sher-Gil emprende una gira por sur de la India, un viaje que forma y moldea su futuro trabajo. Sus obras de ese período, (trilogía de la India del Sur) (Brahmacharis), son diferentes de la modalidad de acuarela realista de la pintura india prevalente en el momento. Igualmente, estas pinturas representan su experimentación con la forma y fueron su primer intento de asimilar el tremendo impacto que hizo en ella las pinturas de la cueva de Ajanta y de Ellora.
En 1938 Sher-Gil regresó a Hungría, En la India, el primer esfuerzo de Sher-Gil donde se casó con su primo Víctor Egan. Por lo que, siempre estuvo dispuesta a exfue encontrar un modo de delimitación apropiada a sus temas hindús. Por lo que, perimentar, buscando inspiración en mifue influenciada en particular por las pin- niaturas de Mughal del siglo XVII, para aplicar su sentido de la composición y el turas murales de las cuevas de Ajanta en la India occidental, ella trató de fusionar su color en el sistema formal que ella había estética con las técnicas de pintura al óleo desarrollado de las pinturas de Ajanta. europeo que había aprendido en París. Su 20
En 1941 Sher-Gil y su esposo se mudaron a Lahore, donde ella murió repentinamente a la edad de 28 años. Sus últimas obras inconclusas revelan un movimiento hacia la abstracción e incorporan colores incluso más ricos que los que se ven en sus obras anteriores. ¿Cuál fue la importancia de la breve vida y obra de Amrita Sher-Gil?
Amrita Sher-Gil se refiere a menudo como la Frida Kahlo de la India por la mezcla de la estética y las formas de arte tradicionales y occidentales. Este hecho hizo de Sher-Gil famosa entre los pintores de la India, las obras de Amrita Sher-Gil han sido declaradas tesoros nacionales del arte por el gobierno de la India. La mayoría de sus pinturas adornan la Galería Nacional de arte moderno de Nueva Delhi. Aun-
que sus pinturas estuvieron sin venderse mientras estaba viva, sus obras fueron luego de su muerte, muy apreciadas, llegando a ser una de las pintoras de la India, más cotizada de todos los tiempos. Amrita Sher-Gil, incorporó los asuntos relacionados con la soberanía y la autodeterminación en su obra, que debían leerse en el contexto colonial. No sólo estaba ella tratando de localizar una identidad para sus súbditos locales a través de su arte sino también para sí misma, ya que tenía que luchar con dos diferentes valores culturales y de tradición artística. Igualmente, Sher-Gil tomó el recurso del neorrealismo, que surgió como respuesta a la modernidad con un enfoque formalista. Por lo que, combinó los estilos locales con el realismo, aunque con un sabor romántico.
¿Cuáles son las obras más relevantes de Amrita Sher-Gil? A continuación, se presentan algunas de las más relevantes obras de esta notable pintora India.
-Tres
muchachas (1935)
En esta pintura las tres mujeres están vistiendo trajes de brillantes colores sentadas como a la espera de algo. Hay una melancolía en sus ojos abatidos y las sombras a su alrededor.
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Autorretrato
Esta obra de Sher-Gil muestra su imagen sonriente, y fue realizado en óleo sobre lienzo, con una dimensión de 72 x 92,5 cm.
Gitanilla Húngara (1932)
Esta pintura de sí misma, fue realizada por SherGil, durante unas vacaciones de verano en el pueblo húngaro de Zebegery. Se encuentra en la Galería Nacional de Arte Moderno (GNAM), de Nueva Delhi y fue pintado en óleo sobre lienzo, con una dimensión de 82 X 54 cm.
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El baño de la Novia (Bride’s Toilet) (1937)
Esta pintura fue realizada en óleo sobre lienzo, con una dimensión de 146 x 88.8 cm, y se encuentra actualmente en la Galería Nacional de Arte Moderno de la India.
https://tiposdearte.com/biografias/biografia-de-amrita-sher-gil-1913-1941-pintora-hungaro-india/
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El origen de este segundo grupo expresionista se dio con la creación de un almanaque que llevaría el nombre de Der Blaue Reiter (El jinete azul), nombre con el que más tarde se identificaría a este grupo de pintores. Éste se había constituido en Múnich en torno a Wassili Kandinsky a finales del año 1910 y sus componentes fueron, aparte del mencionado artista, Franz Marc y August Macke […] Kandinsky siempre estuvo a favor de la idea del arte total que implicaba no rechazar ningún tipo de manifestación, por muy extraña que ésta pudiera parecer. Así, el arte popular, el arte infantil o bien las obras procedentes de Extremo Oriente, de Oceanía o de África sirvieron para ilustrar las páginas del extraordinario Almanaque
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[…] El anuario tuvo gran éxito, pero sus posibilidades de continuación se vieron limitadas por la guerra. Por ese motivo sólo se publicó un número de este. Poco después de fundarse el grupo se relacionaron con el mismo los pintores Paul Klee (suizo) y Alexei von Jawlenski, procedente, como Kandinsky, de Rusia (Cirlot, 1988: 19-30).
Aunque algunos temas tratados por los artistas de Der Blaue Reiter son similares a los del grupo de Die Brücke, la plástica de las obras es bastante diferente. En las pinturas de Der Blaue Reiter aparecen con mayor frecuencia líneas curvas, mientras que las líneas que prevalecen en las obras de El puente son las quebradas, como las usadas por Kirchner y sus colegas. Por otro lado, los colores tienden a ser más suaves y luminosos en lugar de ser oscuros; hasta cierto punto “puede decirse que, en general, la obra de los artistas de Múnich es más lírica” (Fundación J. March, 1993). Es interesante cómo la diversidad de este grupo se contrapone a la homogeneidad de Die Brücke; sin embargo, sus repercusiones fueron otras, ya que la mayoría de los integrantes evolucionaron su obra hacia ámbitos muy diferentes al expresionismo, pues “aunque en sentido estricto no era un movimiento con programa definido, el grupo se orientó más hacia el misticismo y la espiritualidad que la otra gran organización expresionista, Die Brücke. Entre los artistas clave figuraban Marc y Macke, a quienes se unieron Klee y Delaunay en 1912” (AA. VV., 1999: 509).
Al tratarse de un grupo cuyos miembros trabajaban de manera individual e independiente su visión plástica, es bastante más complicado encontrar características formales comunes que permitan identificar las obras como expresionistas en sí mismas, lo que hace que los teóricos del arte, a veces, difieran en la integración de dicho grupo, por lo que en este texto se dará sólo un acercamiento a algunos de ellos.
https:// www.correodelmaestro.com/publico/html5102016/capitulo5/ expresionismo_el_jinete_azul.html 25
Para hablar del nacimiento de la ópera bufa (opera buffa) tenemos que volver al país donde empezó todo: a Italia, y más concretamente a la ciudad de Nápoles.
En el S XVII, Nápoles estaba gobernada por los virreyes españoles que fueron los introductores de la ópera en sus dominios. Ya comentamos que, si bien en la corte de Felipe IV en España no se podía ver ópera, por el elevado coste que suponía, los virreyes en Nápoles sí que podían.
monici y Francesco Provenzale, pero quien realmente alcanzó un gran relieve fue Alessandro Scarlatti (1660-1725), quien, tras triunfar en Roma, se traslada a Nápoles en el año 1683, siendo nombrado maestro de capilla en el virreinato, hecho que contrarió mucho a Provenzale, que también aspiraba al cargo.
La ópera a Nápoles llegó desde Venecia, de la mano del virrey español Oñate, que acogió en su corte a la compañía I Febi Armonici, en los años 1651 o 1652. Así se empezó a crear una escuela napolitana de ópera, con nombres como Francesco Ar-
empresarios napolitanos que vieron que al pueblo llano le gustaba la ópera, pero no le interesaban demasiado ni la mitología ni la antigua historia griega o romana, y el pueblo llano era un amplio sector de público que también merecía tener óperas que fueran de su interés.
La ópera bufa nace por iniciativa de los
En el año 1732, encontramos la obra Lo frate ‘nnamurato de Giovanni Battista Pergolesi, que, aunque también escribió óperas de carácter serio, pasó a la historia de la ópera por ser el autor de un intermezzo cómico: La serva padrona (1733), que se representaba en dos partes en los descansos (intermezzi) de su ópera seria Il prigionero superbo. 26
Hoy en día cuando se va a ver una ópera, en los descansos el público abandona las salas para ir a tomar un refresco, el aire o a charlar con amigos, pero antes no era así. Los cantantes debían descansar, pero el público no estaba cansado y para comer, charlar o pasear no necesitaba salir de la sala, puesto que todo esto lo podía hacer allí mismo ya que no estaba mal visto.
castrati, ni sopranos de primer nivel, ni tan siquiera tenores. En los intermezzi bufos aparecían los bajos y barítonos que apenas tenían cabida en las óperas serias; sopranos y tenores de menos nivel también eran los que actuaban en estas piezas. Un acercamiento a la realidad era también que cada personaje tenía la voz que correspondía a su personaje y a su sexo. Las normas también Precisamente era en estos descansos, cuando se rela- eran mucho más relajadas, y se interpretaban dúos y jaba la tensión dramática trios, algo que no se veía, o de la ópera seria con sus dioses y héroes, era cuando muy raramente, en otro tipo de óperas. se podían ver situaciones cómicas con el pueblo llano En cuanto a las temáticas como protagonista, con los que se trataban temas crítiintermezzi. cos con las modas o cosEn los inicios el idioma em- tumbres locales del momento, se ridiculizaban dipleado era el napolitano, que era el que hablaban los versos tipos de personajes públicos, etc. espectadores y entendían perfectamente. En los intermezzi los cantantes no eran
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Poco a poco, el público se mostraba más proclive a presenciar una ópera completa de carácter bufo. Y así fue como nacieron las óperas bufas. Como reminiscencia de lo que fueron los intermezzi que se representaban en dos actos, las óperas bufas también tenían solamente dos actos, las arias eran más cortas y los temas argumentales por supuesto eran mucho más ligeros. Algunos compositores relevantes en este género de la ópera bufa en Nápoles fueron Adolf Hasse, Leonardo Vinci, Leonardo Leo, Gaetano Latilla, Francesco Corradini, Antonio Caldara y Niccolò Porpora.
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(Andria, Nápoles, Italia, 1705 - Bolonia, id., 1782) Cantante castrato italiano. Perteneciente a una familia aristocrática, su padre Salvatore fue el responsable de su primera educación musical. Como tantos otros niños italianos aspirantes a cantantes, fue castrado en su niñez, y mantuvo la voz de soprano durante toda su vida (no era tenor, en contra de lo que generalmente se cree). Con el tiempo pasó a ser el protegido de una rica familia napolitana, de la cual adoptó el apellido Farinelli.
otros grandes aficionados a la música. Según testimonios de sus contemporáneos, nunca usó de su influencia para intervenir en política, y se dedicó casi exclusivamente a organizar las funciones con que se deleitaba la corte, convirtiéndose en el máximo impulsor de la ópera. Fernando VI le concedió la Orden de Calatrava en 1750.
Al fallecimiento del monarca en 1759, fue desterrado de España por Carlos III; se retiró entonces a Bolonia, que se convirtió en el centro musical y teatral de Italia. Su primera actuación ante el gran público Gluck y Mozart lo visitaron en esta ciutuvo lugar en Nápoles, donde obtuvo un dad, y el célebre franciscano padre Giogran éxito con Angelica e Medoro. Su con- vanni Battista Martini fue su consejero. sagración se produjo tres años después al https:// interpretar en Roma el papel principal de www.biografiasyvidas.com/biografia/f/ Adelaida, y en los años siguientes visitó farinelli.htm los teatros más prestigiosos de Europa. Cantó en Viena, Milán, Venecia, Munich, Londres, París y Versalles, entre otros escenarios. Durante su estancia de tres años en Londres la entonación de su voz alcanzó el máximo nivel de pureza, y se retiró de los escenarios para instalarse de modo permanente en la corte de Felipe V. Llegó a la corte española en 1737, en los últimos años del reinado de Felipe V, y ejerció gran influencia sobre Fernando VI y su esposa, Bárbara de Braganza, uno y 28
Bailarina, profesora y directora artística estadounidense, nacida en Fairfax (Oklahoma) el 24 de enero de 1925 y fallecida en Chicago, Illinois, el 11 de abril de 2013.
de Nijinska, Le Bourgeois Gentilhomme (1944), Danses Concertantes (1944), Ballet Imperial (1944) y Night Shadow (1946) de George Balanchine y Raymonda (1946), en versión de Alexandra Danilova De madre escocesa y padre indio, y Balanchine. jefe de la tribu osage, con tan solo tres años tocaba el piano y con cuatro ya había comenzado sus estudios de danza con Ernest Belcher. Tras el traslado de su familia a Los Angeles, Maria estudió con Bronislava Nijinska y David Lichine. Debutó en Hollywood con Chopin Concerto (1940), de Nijinska. Continuó su formación en la School of American Ballet de Nueva York y se unió al Ballet Russe de Monte Carlo entre 1942 y 1947 y se reincorporó a esta compañía en la temporada 1954-55. Allí conoció al coreógrafo George Balanchine, con quien se casó en 1946, aunque el matrimonio fue anulado en 1951. Durante esta primera etapa de su carrera fue conocida como Betty Tallchief. Con el Ballet Russe de Monte Carlo estrenó: Ancient Russia (1943) y Étude (1943)
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En enero de 1947 fue ascendida a bailarina principal del Ballet Society, y ese mismo año acompañó a Balanchine cuando éste fue invitado a l'Opéra de París y fue la primera americana que bailaba con esta compañía. Fue la estrella en las coreografías de Balanchine: Divertimento (1947), Symphonie Concertante (1947), Symphony in C (1948), Orpheus (1948), Princess Aurora (1948), Firebird (1949), Bourré Fantasque (1949), Prodigal Son (1950), Music and Dance (1951), Pas de Trois (1951), Capriccio Brillant (1951), Caracole (1952), Scotch Symphony (1952), Harlequinade Pas de Deux (1952), Pas de Dix (1955), Allegro Brillante (1956), Gounod Symphony (1958) y Panamerica (1960), así como en Jones Beach (1950), creado en colaboración con Jerome Robbins, y en las versiones de Sylvia Pas de Deux (1950), El Lago de los Cisnes (1951) y Cascanueces (1954). Fue artista invitada del American Ballet Theatre y del Ballet de Hamburgo. En 1952 bailó en España con el New York City Ballet, en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona. Abandonó esta compañía en 1965. Tras ocupar durante un tiempo la dirección del Ballet de Hamburgo, se trasladó a Chicago donde fue profesora y directora artística del Chicago Lyric Opera Ballet a partir de 1975. En 1981 fundó, junto a su hermana Marjorie, el Chicago City Ballet.
Apareció en la película Million Dolar Mermaid (1952), dirigida por Melvin Le Roy y en la vídeo-cinta Dancing for Mr. B: Six Balanchine Ballerinas (1995) de Anne Belle, donde dio a conocer el estilo y la interpretación de algunas de las obras claves del coreógrafo.
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Entre los galardones que recibió a lo largo de su carrera, destaca el Achievement Award Women's National Press Club (1953), el Título de Princesa Honorífica de la Tribu Osage (1953), el Premio Dance Magazine (1960), el Premio Capezio (1965), el Service Award de la Universidad de Oklahoma (1972) y Kennedy Center Honor (1996). Estuvo casada con Henry Paschen Jr. Es autora de su autobiografía, titulada Maria Tallchief: America's Prima Ballerina. http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=tallchief-maria
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http://tessabarlo.bubok.es/ http://www.tessabarlo.com/ http://pensamientosdetessabarlo.blogspot.com http://tessabarlo-literatura.blogspot.com/ https://www.amazon.es/s?i=stripbooks&rh=p_27% 3ATessa+Barlo&ref=dp_byline_sr_book_1
Tessa Barlo nace a partir de entrar en el mundo literario y con el primer libro de poesías. En 2009 Teléfono: 699.053.118 Correo electrónico: Tessabarlo@hotmail.com HTTP: www.tessabarlo.com
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