Abril 2012 by URL Magazine

DIRECTORIO MAGAZINE ABRIIL 2012

Francisco Pérez Mejía “Frasko” Editor en Jefe y RRPP frasko@urlmagazine.com.mx Twitter: @Fraskote

CONTENIDOS ENCORE

06 ¡Vive Latino! 10 Fotografía práctica 12 Proyecto X 14 IQ84 19 A la sombra del muro 26 45 años pelando 30 Dr. Lakra

FEATURES 32 Los Románticos de Zacatecas 46 Vive Latino en imágenes

Sergio Hernández Juárez Dir. Marketing y Comercial sergio@urlmagazine.com.mx Twitter: @sergio810511

Rafa Ledesma Dir. Arte/WebMaster rafa@urlmagazine.com.mx Corrección de Estilo Erika Anallely Francisco Pérez “Frasko” María Cristerna

Publicación de Eventos Pimienthas pimienthas@urlmagazine.com.mx

Diseño Sergio Hernández Juárez Octavio Gaviño Rafa Ledesma (Web)

Colaboradores: Daniel “Jimmy Lurias” Erick Castro Eunice Rugama Frasko Israel Lara Montiel Joel Hernández Juan Manuel López Luis Meixueiro Mich Martínez Mirna Torres Nathaly Soto Pamela Ascencio Patricia Cano Samuel Nava Martínez Selene Tajín Sergio Hernández Shanick Barker Virix Villamor Octavio Gaviño Mabel Quintero Camacho United Rock League es una publicación digital mensual con domicilio en Gabriel Mancera 247 Int. 501, Del Benito Juárez. Prohíbido la reproducción total o parcial por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso de los editores. El contenido y Colaboraciones son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores.

United Rock League Magazine 15 2012 Ejemplar Gratuito

n pleno mes de abril estamos muy “Románticos”. Y no es para menos, ya que en la portada de esta edición tenemos a una de las bandas consentidas del público capitalino integrada por Guicho, Gerber, Toño y Manzanas, que conocemos como Los Románticos de Zacatecas. “Ya Lo Dijo Rufis Taylor”, segundo material discográfico de la banda, marca su regreso a la escena independiente y, al parecer, con mucha fuerza. Joel Hernández tuvo una amena charla con ellos y es en las páginas de esta publicación en las que quedan grabadas un par de anécdotas que nos platicaron. Ya que estamos en eso de los de regresos, tenemos en la recomendación de disco del mes lo nuevo de la agrupación encabezada por Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala: “Noctourniquet” de The Mars Volta. Patricia Cano, colaboradora que nos hace llegar sus letras desde la ciudad de Campeche, nos da sus comentarios sobre las nuevas canciones de la banda originaria de El Paso, Texas. Por otro lado, es inevitable hablar del festival más grande de Latinoamérica, con todo y que se llevó a cabo a finales del mes de marzo. Digamos que el efecto post Vive

Latino encontró cabida en nuestras páginas y, en palabras de Erick Castro, podremos tener una perspectiva de lo que fue su experiencia en 3 días de festival. Además de lo anterior, podrán encontrar una serie de fotos memorables del evento. Los invitamos a darse una vuelta por esta edición de United Rock League Magazine. Disfrútenla, coméntenla, compártanla, critíquenla, sugiéranla, llévenla con ustedes a donde quiera que vayan. Artículos de nuestras secciones Rock Sound, Encore y la Band To Follow del mes, están listos para todos ustedes. Muchas gracias por regresar a darle una hojeada a nuestros pensamientos. Atentamente,

Junta Editorial @urlmagazine.

¡ Vive Latino ! Por: Erick Castro. @ecastroo n festival, tres días y mucha música, fue lo que nos dejo esta edición del Vive Latino, la cual contó con buenas, malas y regulares actuaciones, además de incluir sorpresas y actividades extra musicales a lo largo de la duración del festival. El viernes, que parecía ser el día más débil, en cuanto a la asistencia del público se refiere (por ser día hábil, laboralmente hablando), contó con la actuación de Capo, quien fue el encargado de inaugurar la carpa intolerante Ritmo Peligroso y Atto & The Majestics fueron también de los grupos abridores, quienes desde muy tempranas horas iniciaron las actividades en el escenario principal; los segundos presentaban Bifocal, su más reciente disco, el cual la gente arropó y dio una buena respuesta. Otra de las bandas destacables del primer día fue Denver, banda chilena que con su pop pegajoso hizo bailar a los cientos de “adolecentes” que se encontraban en el

escenario. GG Bros nos sorprendió con la cantidad de gente que presenció su show y bailó al ritmo de su música. GG Bros, de León, Gto, convirtió el escenario en un autentico recinto del brinco, una gran impresión la que nos llevamos. Jumbo y DLD contaron con una increíble cantidad de público. Los regiomontanos, que siguen con la gira de “Alto al Fuego” tuvieron una gran respuesta del respetable, siempre es bueno recordar canciones como “Siento Que”, la cual siempre se tiene en el playlist de una buena borrachera. No lo podrán negar. Por su parte, DLD tuvo la presentación más importante de los últimos años, Familiar y compañía ya se encuentran preparando nuevo disco y el recibimiento que le dio la gente a la banda fue de verdad impresionante; jóvenes coreando a todo pulmón “Por Siempre”, “Suicidio #3” y “Ventura” es algo que no regularmente se ve, al menos en el escenario principal del VL, bien por DLD que se empieza a afianzar de un lugar importante del rock nacional.

Tv On The Radio se llevó la noche, ya que dio una gran presentación, con todo y que gran parte del público esperaba la salida de Zoé. Los originarios de Brooklyn, NY, presentaron sin duda uno de los mejores shows del festival, con una ejecución perfecta y con canciones como “Wolf Like Me” penetraron los oídos de propios y extraños. El momento estelar de esa noche llego: Zoé, que hicieron aparición en escena tras los gritos de los miles de asistentes que se encontraban en el escenario principal. La peculiaridad de este show fue la duplicidad del mismo, ya que presentaron parte de su show unplugged, en donde tuvieron como invitado a Enrique Bunbury y el show “eléctrico”, el cual inició con la voz de León pidiendo paz en el país. Siddhartha inicio las actividades del segundo día en la Carpa Danup, dando una de las mejores presentaciones del festival. El naufrago, inundo el escenario con canciones como “Extraños”, “Camaleón”, “Domingo” y “Control”, canción con la cual cerró una de las mejores presentaciones del día en dicho escenario.

El turno de Astro le puso ritmo al mismo escenario, los chilenos recordaron su paso previo por el Vive Latino, en donde comentaron que no tenían ni el cuarto de gente que se presentó esta vez a presenciarlos. El escenario estaba repleto de gente que bailó con los andinos hasta el cansancio. Carla Morrison, abarrotó el escenario y confirmó una vez más, ser la cantautora del momento. La bajacaliforniana deleitó a sus fanáticos en todo el set, los cuales no pararon de corear sus canciones. El momento emotivo llegó en “Déjenme Llorar”, donde literalmente las lagrimas invadieron los ojos de la interprete, misma que agradeció todo el cariño que el público le demostró en su presentación. En el escenario principal llego una de las presentaciones “más esperadas” del festival y es que el revuelo mediático que causó la visita de Kasabian a nuestro país prometía ser un detonante en el festival, pero fue todo lo contrario. La banda, que dio un gran show, fue precedida por los fantasmas del no ser conocidos en nuestro país. El set de los británicos fue bueno, aunque el audio parecía faltarle potencia, pero canciones como “Days Are Forgotten”, “Shoot The Runner”, “L.S.F.”, “Me Plus One”, “Empire” y “Fire” sonaron de manera perfecta; de lo poco que podemos decir es que los verdaderos fans de la banda, se pudieron ir contentos, ya que fue un set de “hit” tras “hit”. Meighan, Pizzorno y compañía intentaron animar en repetidas ocasiones a un público frío, que en gran parte esperaba la aparición de Café Tacvba; no hay culpables realmente, la banda , que muy poca gente sabía que existía, dio un gran espectáculo. Una pena. El domingo el turno fue para los españoles de Paté de Fuá, quienes desde muy tempranas horas y bajo un sol intenso, dieron un ritmo especial al escenario principal, que estuvo repleto de “ganchos” que te indicaban no salir del mismo.

La Lupita se mostro imponente en su show con las canciones clásicas como “Supersónico” “Pakita Disco”, “Contrabando y Traición” y “Ja,ja,ja”, además de mostrar canciones de su nuevo material discográfico, el cual contiene colaboraciones de varios artistas, incluyendo Ro de Los Liquits. Gogol Bordello fue otro de los grandes shows del Vive Latino, la banda, quien hizo brincar a todo el público presente en el escenario principal, pidió por la liberación de inmigrantes en todo el mundo. Los neoyorquinos le pusieron una chispa especial al escenario, una gran presentación sin duda.

¿Fotografía Práctica o escolarizada? Por: Mirna Torres // @MirnaTF

ace algunos días vino nuevamente a mí la cuestión de: ¿Sólo puedes llamarte fotógrafo porque estudiaste fotografía? Si, ya había mencionado esto en un artículo anterior, pero, el afán de personas de seguir ese “ideal” y mi negatividad a creer esto, me hacen seguir hablando del tema.

En estos últimos días especialmente, me ha tocado escuchar este tipo de afirmaciones, ya sea entre conocidos y extraños, escuchar platicas del de la mesa de lado en el café, en el transporte público, entre algunos conocidos “sabiondos” del tema, redes sociales y demás personas creen firmemente esa “teoría”, yo sigo sin aceptarla. ¿Cómo juzgar a un “fotógrafo” por el simple hecho de donde y cuanto tiempo estudio “fotografía”’? sin siquiera ver su trabajo. ¿Por qué determinar tu si el titulo lo trae “bien o mal” puesto?, ¿Por qué un fotógrafo puede cobrar más o menos dinero por “tener estudios”?, y muchas cuestiones más vienen a mi después de estas charlas escuchadas hacia el oficio de un fotógrafo. Pero principalmente me fije en estas tres.

He visto y escuchado varios comentarios referente al “Yo cobro más porque tengo estudios”, ¿realmente esto te da un valor monetario arriba de otros fotógrafos?, conozco a muchos fotógrafos que no se formaron en una escuela tradicional, sino en su propia escuela: “la práctica” diaria, aprendiendo de sus errores, jugando con la luz, tiempos y moviéndole a su cámara. A mi parecer, la mejor escuela. Hace unos días leí algo que de cierta forma va en la misma línea: “El fotógrafo con entrar gratis al evento debe de conformarse. - Organizador de eventos”. ¿En verdad creen eso? Algunas veces a un fotógrafo no siempre le gusta la banda que tocara, el evento que habrá, y aún así tiene que estar allí debido a su ética y profesión. Agregando éste tipo de afirmaciones, más la prepotencia de algunos fotógrafos (que dicen serlo en teoría, más no en la práctica), llegamos a un punto en el cual lo único que debería de hablar por uno mismo: Tu trabajo. Sin más referencias, sin más papeles, sin más palabras. Tus resultados después de un show, evento, shooting, etc. Es lo que realmente podrá hablar por ti y no el “de dónde vienes”. La sensación que te provoque una fotografía, tanto visual como emocionalmente es lo que realmente te hará crear un juicio de valor sobre un “fotógrafo”.

royecto X es uno de esos largometrajes grabados al estilo casero incluso con imágenes tomadas con teléfonos celulares que te ubican en una realidad cotidiana como si lo estuvieras viviendo en ese momento, sin efectos ni una gran producción la locación es Los Ángeles el típico vecindario gringo en donde 3 amigos adolescentes aprovechan la salida de fin de semana de los padres de uno de ellos y el cumpleaños del mismo para organizar una fiesta en casa con objetivo de darse a notar y dejar de ser los típicos nerds a quienes toda la escuela les aplica bullying.

esa noche, sin muchos ánimos reciben la invitación sin saber si quiera quién es el festejado.

Thomas Mann, Oliver Cooper mejor conocido como “Costa” y Jonathan Daniel Brown “JB”, deciden documentar paso a paso lo que sucede en el día de cumpleaños de Thomas- el típico adolescente hijo único introvertido y sobreprotegido por sus padres; Costa comienza a organizar toda la fiesta enviando mensajes masivos por celular, redes sociales y flyers avisando a toda la escuela del gran evento que les espera

Al llegar la noche comienza a llegar la gente, poco a poco se comienza a llenar el jardín conforme avanzan las horas llega más y más gente, todas las chicas guapas de la escuela están ahí, djs, alcohol, música, comienzan a despertar a lo que será la “Fiesta Épica”.

Al paso del día se enfocan en conseguir algo de mariguana y alcohol para la gran fiesta, Thomas preocupado no está del todo convencido de poder hacerlo, amenazado por sus padres antes de partir tiene toda la responsabilidad del cuidado de su casa y del Mercedes Benz intocable de su padre, Costa en cambio hace todo para tranquilizarlo y convencerlo de que todo estará bien no existirá ningún daño serán muy cuidadosos y no rebasará a las 50 personas el evento.

PROYECTO Por: Virix Villamor // @pecasvil

Ficha: Ya entrada la noche el jardín está en su cupo total sigue llegando la gente, la mascota de la casa “Milo” es el centro de atracción atado a una cuerda jalada por globos, chicas desnudas en la piscina, más y más alcohol, mariguana, un gnomo lleno de éxtasis, gente dentro de la casa, coches llenando la calle, más música, vecinos quejándose, redadas de policías etc. es lo que rompe la línea de una fiesta normal a una fiesta fuera de control ya no hay vuelta atrás con lo que se está viviendo en ese momento…no entraré en más detalles para no quitar sorpresas al momento de que la vean pero eso es solo el principio de lo que cualquier persona en algún momento desearía vivir a esa edad y por qué no…aún más grande. Proyecto X es para no parar de reír en todo el tiempo, por su contenido es apta únicamente para mayores de 18 años que aseguro que hasta a personas de 30 se les antoja hacer una fiesta así, las cosas que ocurren en esa fiesta no tiene límite y no quisieras estar en lugar de Thomas obvio después de la fiesta, durante muchos desearían ser el. Con un soundtrack también bastante recomendable es una película que no puedes dejar de ver .

Project X. Director: Nirma Nourizadeh. Actores: Thomas Mann, Oliver Cooper, Jonathan Daniel Brown. Género: Comedia. País: Estados Unidos. Idioma: Inglés. Año: 2012.

1Q84

Haruki Murakami

Por: Juan Manuel López

uien ha tenido la oportunidad de leer un párrafo de Murakami puede percibir inmediatamente la “textura” de sus palabras, te toma de la mano y te traslada a la novela, la trama, angustia y deseo de entender a los personajes. Crea y te sumerge en una atmósfera que involucra tus sentimientos y describe de una forma muy clara pero a la vez profunda, las experiencias del personaje y su entorno donde se desarrolla la historia, sí, en esta ocasión de una manera “orwelliana”. Tengo es un profesor de matemáticas de edad mediana, que a menudo percibe dentro de su entorno sus “miedos,” los cuales, cambian de manera casi espontánea su camino dentro de un medio normal, como podría parecer para cualquier persona. Inseguro y que fácilmente se da por vencido, sí, así es su personalidad, limita a sus deseos, pero encontrará la “fórmula” para cambiar su modo de vida…Tengo consigue un trabajo de redactor e inclusive escribe reseñas que van desde el cine hasta el horóscopo del día, por cierto, muy acertado al “tuntún”. Está en busca de posicionarse como escritor, para ello pasará por una serie de acontecimientos. Aomame, independiente, extraña, sin una relación estable, en busca de mucho y poco, que llevará a Tengo como daño colateral de sus acciones a un destino común de ambos, sin menos peso el personaje, podría decirse que a la par de Tengo vivirán experiencias, algunas entrelazadas y otras, muy propias de sus actos. Impetuoso y vanguardista dentro de la novela, misma que ambienta con hechos muy claros y cercanos a la realidad. La “escenografía” donde se desarrolla la trama amplia y “robusta” de lugares bien acoplado. Mantiene vivas las sensaciones al leer esta fabulosa novela que se desarrolla en la actualidad. Sin embargo, hay infinidad de matices del pasado que atormentan o impulsan a los personajes para llevar a cabo sus acciones en el presente. Sin duda puedes crear los paisajes, los momentos, la vestimenta del personaje, sus expresiones de manera tan clara en tu mente con la habilidad para escribir de Haruki, que podrás experimentar casi momentáneamente una sensación de estar ahí entre el personaje y su ambiente… Una vez más una excelente experiencia fácil de digerir, pero con sensaciones de gran peso, algunos esperan grandes matices de la obra de G. Orwell, no necesariamente, Murakami cuidadoso de su estilo propio, te traslada a su única y exclusiva forma de transmitir emociones.

LA ALTERIDAD EN EL ESPEJO DE

JOHAN FALKMAN Por: Eunice Rugama || @euni_ceee.

or primera vez en México, el Antiguo Colegio de San Ildefonso presenta más de 90 obras del imaginario plástico de Johan Falkman, artista sueco que reinventa el género del retrato y el estilo expresionista.

Las obras de esta exhibición fueron realizadas entre los años 2003 y 2012, que muestran la mirada plástica de Johan Falkman, quien se ha distinguido por reactualizar el género del retrato y el estilo expresionista enmarcados por la tradición pictórica occidental. Además, este artista ha retratado a personalidades de la sociedad sueca como la actriz Marianne Mörck, connotados médicos de la Universidad de Lund, el actor Lars Humble, o la condesa Eva Thott, entre otros personajes. En esta exposición se presentan las “fantasías” estéticas de Falkman a través de un recorrido de contrastes cromáticos, formales y de espacios composicionales que muestran las implicaciones del retrato: la eternidad, la temporalidad y la inmortalidad. Cabe señalar, que en el año 2008, Johan vino a México y se identificó con las obras de pintores mexicanos como Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, Pablo O´Higgins y Federico Cantú”, señala la investigadora Leticia López Orozco, curadora de la exposición y miembro del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM. Por tal razón, la muestra integra un apartado con seis obras de los artistas José Chávez Morado, Federico Cantú y Arturo Estrada, en el que se muestran las confluencias artísticas que Falkman encontró en creadores mexicanos, principalmente de la primera mitad del siglo XX. Asimismo, se presentan tres obras del artista regiomontano Federico Cantú.

Los retratos pintados por Falkman transitan entre lo real y lo ilusorio, entre lo exacto y lo impreciso, entre lo cercano y lo indiferente. La riqueza cromática de su paleta dota de luz a sus composiciones, la luminosidad impregna de dinamismo sus retratos, en muchos establece un juego de luces y sombras que permiten fijar la vista en ciertos rasgos de los rostros y de la composición. El pintor equilibra o yuxtapone los colores primarios con lo complementarios, para suministrar al ojo del espectador una distinta sensación óptica de la que es en realidad, a través de la luminosidad, matices y saturaciones cromáticas. La exposición Johan Falkman. La alteridad en el espejo, es espacio al fascinante universo de este artista sueco, quien considera que pintar personas es la forma más esencial del arte, porque somos seres humanos, y cada uno de nosotros somos vistos por otros. La muestra permanecerá abierta al público del 23 de marzo al 15 de julio de 2012, en el Antiguo Colegio de San Ildefonso, ubicado en Justo Sierra 16, Centro Histórico. www.sanildefonso.org.mx

Por: Israel Lara Montiel s como siempre, un enorme placer dirigirme a usted, amable lector de URL. Escribimos en esta ocasiĂłn, desde un Cono Sur que se niega a dejar ir un inclemente verano y nos mezquina el alivio que trae consigo la frescura del otoĂąo, pese a la tormenta que amenaza con desatarse mientras su servidor, se entrega a las letras del presente y se deleita con las piezas que recomendaremos mĂĄs adelante.

Es, precisamente, pensando en figuras otoñales y grandes tormentas de talento que salta a mi mente la figura del mítico Roger Waters, pero no es él del que vamos a hablar directamente, aunque tiene mucho que ver en la cuestión que nos ocupará. Antes de entrar en materia directa permítame usted plantearle la cuestión. Es siempre difícil crecer a la sombra de un padre talentoso, por demás deberá ser, si el padre en cuestión es un ícono. Tenemos ejemplos en ámbitos como: deportes, actuación, empresas, no obstante, la gran mayoría nos quedan a deber o no superan el nivel medio. Sin embargo, en nuestra búsqueda de aquellas excepciones que confirmen la regla, tenemos el agrado de presentarles -damas, caballeros, niños y niñas- una propuesta bastante interesante que si bien aún no ha llegado a la plenitud de sus posibilidades, sí cuenta con un futuro prometedor. Se trata de Harry Waters y su “Harry Waters Band”. Recientemente y aprovechando la visita de Waters padre a la Argentina, con motivo de una serie de conciertos que marcaron record en el estadio monumental de River Plate, Harry Waters aprovechó la ola y se montó un show con la “Harry Waters Band” en el ND/ Ateneo, un teatro ubicado en la calle Paraguay de la ciudad de Buenos Aires. La propuesta resultó por demás interesante. Por supuesto, contando con la presencia de

Waters en el concierto con una actitud alabable y plausible de leyenda, y con el acompañamiento de la banda invitada “Sorpresa y Timotteo”, un grupo argentino de tango moderno, de quienes con gusto hablaremos en otra ocasión. Harry Waters se viene desarrollando como tecladista en la banda que acompaña a su padre desde el año dos mil dos. Bien podemos evaluar que no es ningún improvisado, ya que ha contado con participaciones en las giras “In the Flesh”, “Dark Side of the Moon Live” y en el espectáculo “The Wall” con el que el ex Pink Floyd, ha arrancado el dos mil doce. Como si el participar en tales producciones resultara poco, Harry ha estado dedicándose alternativamente, al desarrollo de su propio cuarteto de jazz, en compañía del sax de la misma banda, Ian Ritchie. Si bien se trata de un despegue tardío en que el material lleva cuatro años dando la vuelta sin despegar del todo, para lo que uno podría esperar, el sonido de Waters le podría llevar en un futuro, a tocar en escenarios importantes. De eso no queda en duda, sobre todo, si uno está dispuesto a darle una oportunidad. En lo personal, que conste que no es que le desee triunfos mediocres al joven Waters, me gustaría disfrutar de sus interpretaciones en algún recinto alejado de esas grandes masas que se reúnen muchas veces, víctimas del impacto visual de un apellido o de la corriente que fluye, llevándoles a presenciar, no sin un poco de morbo, el acto del

hijo de una leyenda. No, por el contrario, desearía tener la oportunidad de verle en un bar, sí señores, en un bar. Su interpretación invita a evocar esa atmósfera de humo de cigarrillos, miradas enigmáticas, ritmo embriagante y whisky en la mano que nos lleva, en retrospectiva, a los recintos del jazz clásico de los veintes, como el Cotton Club de Harlem o la escena del “Hot Jazz” de los años veinte en el Chicago de la prohibición. Por supuesto, antes de que los amantes de los monstruos del jazz se lancen a la garganta de su servidor, el muchacho no se encuentra aún a la altura de un Louis Armstrong, Miles Davies o “Bix Beiderbecke” pero eso se consigue como todo, con los años y el trabajo duro. La alineación actual de la “Harry Waters Band” se encuentra compuesta a la forma clásica de cuatro integrantes de las jazz band: Harry Waters- En el piano Ian Ritchie- Saxofon Yarron Stavi- Bajo Matt Holme- Batería Y si bien de los primeros dos podemos darnos una idea de calidad y cualidades, gracias a su participación en la banda de Waters padre, los dos restantes no se quedan atrás. Ambos cuentan con fundamentos sólidos y cualidades que prometen una amalgama de calidad. Los elementos se encuentran, las cualidades... están, el talento es innegable y el estilo, que es de lo más importante en

cualquier proyecto que prometa, es tan único como clásico. Quizá, lo único que podamos reprochar, no directamente a Waters, es la falta de difusión para un género que tanto ha aportado al mundo musical. El nombre del primer y único disco de la banda es “Harry Waters Band”, material recomendable no sólo para quienes amamos el jazz tradicional si no, para aquellos que se interesen en comenzar a conocer el ritmo de los grandes maestros. Anexo a continuación algunas de las páginas web en donde podrán encontrar algo del material de la banda y de cada uno de sus miembros por separado. Anímense muchachos, que el jazz es un lujo que aún podemos disfrutar: http://www.harrywaters.co.uk/ http://matthomedrums.wordpress.com/ Sólo resta desearles una buena primavera en el norte y un delicioso otoño en el sur. Nos despedimos, no sin antes reflexionar sobre si la luz de un joven talento será suficiente para superar la enorme sombra que el muro tira sobre él, superarla será imposible, pero alumbrará su propio camino.

Encore

El Artista Por: Nathaly Soto @nath_wonka

ntes de ver esta película debes tener claro que te vas a sentar una hora y 40 minutos aproximadamente para ver un filme mudo, sí, exactamente como en la época dorada del cine. Esta comedia dramática en blanco y negro ganadora de cinco premios Oscar, incluyendo mejor película, mejor actor para Jean Dujardin, y mejor director para Michel Hazanavicius, toma ventaja de la “moda” que se ha impuesto en estos tiempos: lo retro (los efectos de las cámaras actuales que vienen en blanco y negro o con las manchas y arrugas de fotos y vídeos viejos) y con esa premisa se realiza este filme, como un homenaje a las películas mudas. Cabe resaltar algunas cosas sobre El Artista: La primera es que te brinda la oportunidad de remontarte a esos tiempos, es una experiencia única ir al cine y presenciar algo como esto. La música es por demás excelente y la historia es entretenida y un tanto divertida, hasta me atrevo a decir que lo mejor de ella es el perro. Recuerdo la primera y última vez que intenté ver El Acorazado Potemkin, luchaba con todas mis fuerzas por no quedarme dormida, sin embargo El Artista te mantiene atento todo el tiempo; sin duda es una película que si transfieres su trama a una a color sería muy sosa, pero el concepto de blanco y negro le funciona muy bien. La historia inicia en el año de 1927, George Valentin es un actor famoso del cine mudo, es carismático, ovacionado, guapo, con estilo y dinero, con fans y productores rendidos a sus pies. Un día por azares del destino conoce a Peppy Miller, una fan y bailarina que comienza a tener éxito por su gran belleza y a quien George le da algo especial que la hace diferente a las demás. Llega el momento en el que el productor Al Zimmer le advierte que el cine sonoro es lo nuevo y lo que la gente quiere ver, pero George se rehúsa al cambio y se aferra a la idea de que el cine mudo siempre va a ser lo que a la gente le guste, lo cual representa el inicio del fin para él ya que su carrera va en descenso, su esposa le pide el divorcio, él invierte todo su dinero en una película que nadie quiere ver, Wall Street cae y entonces se va a la ruina, lo único que le queda son su perro y su chofer, quienes están a su lado en todo momento. George necesita aprender a dejar su orgullo de lado y aceptar la ayuda de Peppy quien ahora es la más grande actriz del cine sonoro. Sin duda vale la pena verla por la sola experiencia.

Por: Pamela Ascencio // @heywera

ropuesta joven chilena con rolas frescas que te invitan a un guapachoso baile, con toques ácidos y melodías juguetonas. Una voz original con altos registros vocales, sintetizadores atmosféricos y la guitarra eléctrica que junto con la acústica, hacen la mejor pareja. Pura psicodelia mágica invadiendo Latinoamérica”

¿Quiénes son? Astro, banda chilena reconocida cuyos inicios datan de septiembre del año 2008 y que a mediados del 2009, se posicionaron dentro de la escena independiente local, al tocar en los eventos de mayor importancia de Santiago. La banda está integrada por: Octavio Cavieres, Nicolás Arancibia, Daniel Varas y Andrés Nusser, quienes se destacan por brindar presentaciones en vivo enérgicas y de gran calidad. ¿Qué tocan? La música de Astro suena a una mezcla de un pop psicodélico, rock progresivo y ritmos electrónicos. Este bailable sonido se puede escuchar en sencillos como “Maestro Distorsión”, “Raifilter”, “Ea Dem “ y “Ciervos”. Dentro de las influencias de la banda se pueden destacar sonidos como Deerhunter y Yeasayer. Sin duda alguna, un pop envidiable, bien ejecutado, fino y bailable, con voces agradables al oído y que al final, Astro se convierte en una banda que realiza singles que quedarán marcados de por vida en estaciones de radio, mp3 y sobre todo, en la mente de sus seguidores: el mejor regalo que le puedes dar a tu biblioteca musical. ¿Qué hay que saber de Astro?

En abril del 2009 lanzan su primer EP, “Le Disc de Astrou”, en formato digital a través del sello danés “Wash Dishes”. El disco sorprendió a gran parte de América Latina, por su sonido fresco. Con eso, la banda comenzó su gira internacional a Argentina y Uruguay. A principios del 2010 fueron invitados a participar en el Festival Vive Latino, compartiendo escenario con artistas de talla internacional. El sábado 24 de marzo del 2012, Astro se presentó por segunda vez en la Ciudad de México en el marco del Festival anteriormente nombrado, donde canciones como “Ciervos”, “Panda” y “Maestro Distorsión”, lograron gran recepción del público y excelentes críticas en prensa especializada. Los chilenos participaron en el Hot Festival de Buenos Aires (19 de noviembre 2010), oportunidad en la que compartieron escenario con bandas como Hot Chip, Mika, Scissor Sisters, Phoenix, Girl Talk, entre otras. Después de seguir tocando en gran parte de Chile, en abril del 2011 fueron invitados a participar en la primera versión de Lollapalooza Chile, donde quedó de manifiesto su solidez en el escenario y su gusto por la utilización de diferentes instrumentos y sonoridad. De ahí surge también la invitación a participar en el festival colombiano “Rock al Parque”, el festival gratuito más grande de Latinoamérica.

45 años pelando

l e n ta m e n t e y o b s e r va n do Por: Yiruim || @Yiruim

l 12 de marzo de 1967: la ciudad de Nueva York. El entorno musical se abarrota de amor y paz, psicodélia, hippies y una creciente ola británica. El arte comienza a moldearse en diferentes formas, Andy Warhol da la primicia en The Factory; sería el primer larga duración de la banda, a la cual, decidió acoger y ofrecer sus servicios como productor, artista, promotor y fanático. Se trata del álbum debut de The Velvet Underground, llamado simplemente The Velvet Underground & Nico. Desde sus inicios, la banda sabía que sería todo un reto llegar a un público afuera de los círculos snobs en los que estaban envueltas sus presentaciones; la magia de todo fue, que no les importaba un carajo.

El disco obtuvo un pésimo recibimiento. Debido a las temáticas del mismo, muchas tiendas vetaron el LP, la radio comercial no tocaba ninguna canción de la banda. A pesar de que estaban apadrinados por uno de los artistas mas reconocidos en la época, The Velvet Underground fue un rotundo fracaso para The Factory, aun así, la banda creía en la música que generaba, ese ruido tan único que llegó a desesperar al ingeniero de audio al momento de grabarlos y hacer que dejara la consola grabando y esperar obtener algún resultado remotamente disfrutable, claro que, en una época empapada por amor y paz, el sonido de Velvet resultaba aterrador para los que decían conocer de música. Pasó el tiempo, los músicos marginados y del subterráneo, que años después serían los que llevarían la batuta de ser los que generarían esos nuevos sonidos a seguir, tenían algo en común, todos ellos o si no es que la mayoría, tenían como una de sus mayores influencias el disco debut de The Velvet Underground. Seguramente esa banda que a ti te gusta (si te gusta el rock&roll, claro está) tiene como referente obligado este disco; desde bandas antiquísimas y variadas como son: Suicide, Ramones, Television, Blondie, Kraftwerk, New York Dolls; hasta bandas que probablemente te ha tocado ver en vivo como son los copiadísimos Strokes, The Horrors o Interpol, y así podemos seguir

nombrando y enumerando cientos de bandas, todas ellas con el referente obligado a The Velvet Underground & Nico. Es así como después de 45 años el disco sigue estando vigente, y seguramente lo estará por un largo rato, siendo una de las portadas mas reconocidas en la historia del R&R, siendo un producto de la cultura popular, siendo una obra maestra que en su momento de lanzamiento nadie daba un bledo por ella, siendo The Velvet Undeground la mejor banda de todos los tiempos (en la opinión de este joven entusiasta de crear y disfrutar música nueva). Gracias a todas esas personas que siguen la batuta de Velvet, gracias por no conformarse con solo copiar y pegar, gracias por mantener el espíritu de hacer lo que les gusta y mandar todo lo demás al carajo. El resultado siempre es placentero, aunque sea para ustedes y ¿quién sabe? Tal vez en una de esas, sus creaciones, son referencia de diferentes personas en un futuro no muy lejano Pero sobre todo, gracias Lou, John, Sterling, Maureen, Nico y Andy, gracias por The Velvet Underground & Nico.

y la n oc h e de l per dó n Por:Sergio Hernández || @sergio810511

Foto: Cortesía OCESA

l día del concierto de los changos árticos recordé varias máximas en lo que a conciertos se refiere. Para ser sinceros, asistí al Palacio de los Deportes solamente por una cuestión: darles a los Arctic Monkeys la oportunidad de pagar la deuda que tenían pendiente con el público mexicano después de su pésima actuación de hace dos años. Recordé que para que un concierto se pueda calificar como grandioso, no hace falta un extenso setlist por parte de la banda, más bien debe de haber una convivencia perfecta entre las dos partes de un concierto: el público y la banda. El día 28 de marzo se vivió una perfecta “convivencia”, lo que resultó en un maravilloso concierto por parte de la banda inglesa. No cabe duda que el público en México olvida y perdona muy rápido. Fue tal la entrega que se vivió, que es como si ese terrible intento de concierto de hace dos años nunca hubiera existido. Los changos nos enseñaron su madures al momento de tocar y pararse frente a un escenario casi abarrotado como lo fue ese día en el domo de cobre. Y para dar inicio a esa velada perfecta con una pista como pocas veces se ha visto -atiborrada

de gente-, Alex Turner y compañía saltaron al escenario con “Don’t Sit Down ‘Cause I’ve Moved Your Chair” incluida en su mas reciente disco “Suck It And See”, con lo cual arrebataron al publico un grito que tenían guardado desde hace mucho tiempo. De ahí en adelante todo fue una fiesta. “Library Pictures” y “The View From the Afternoon” sonaron a todo volumen ante un público que no cesaba de brincar en ningún momento. Uno de los instantes máximos del concierto fue “I Bet You Look Good on the Dancefloor” cuando literalmente el Palacio tembló y se rindió ante la banda inglesa. Para esas alturas, el público ya los había perdonado completamente. “When The Sun Goes Down” fue el éxtasis de la noche, cuando la banda y el público dejaron de existir y se unieron en un solo ser. Los Arctic Monkeys tenían al publico a su merced y terminaron su primer parte del concierto. Regresaron solo a rematar con “R U Mine?”, y cerraron el encore con “Fluorescent Adolescent” y “505”, rolas clásicas de la banda. Señores Arctic Monkeys pueden irse en paz, ya que con el público mexicano no tienen deuda alguna y, al contrario, son bienvenidos a regresar las veces que gusten.

Por: Juan Manuel López

na vez que inicias el recorrido para apreciar su trabajo, de forma inmediata interpretas el porqué del “Lakra” sin ser necesariamente razón de su trabajo. Jerónimo López Ramírez quien lleva por nombre artístico Dr. Lakra, expuso más de 70 piezas de su trabajo, mismo que plasma en diferentes impresiones de diferentes culturas y época.

Un trabajo que está sumamente influenciado por las subculturas urbanas, que manifiesta a través del tatuaje en imágenes, dibujos, lienzos de diferentes texturas y objetos infinidad de símbolos, imágenes religiosas, hipersexuales, y otras tantas icónicas de cierta corriente.

Ha explotado a su máxima expresión, a personajes artísticos con tinta, creando nuevos personajes con nuevos significados. Imágenes obscenas, grotescas, que atormentan la obra original, asociadas a ciertas corrientes o épocas.

Durante la exploración de su trabajo se encuentran notablemente lo que podríamos llamar semas de autor, de los cuales, es probable que hayan influenciado su trabajo y tendencias que expresa.

Su creación va desde lienzos grandes hasta pequeñas miniaturas. Cabe destacar que pese a lo que manifiesta en su obra, es muy atractiva la precisión de su trabajo, el uso de tonalidades en su mayoría a mano alzada, y la innumerable variedad de dibujos, líneas, códigos, símbolos mismos que hablan de la gran diversidad e imaginación para plasmar en cada una de sus obras.

Parte esencial de su trabajo es el tatuaje, sin embargo, esta exposición habla de su influencia también del ilustrador Guadalupe Posadas. Influencia muy cargada de la cultura pop de los 80’s, imágenes vintage y una notable subcultura presidiaria que plasma en gran parte de su exposición en la que se puede apreciar roles de pandillas, símbolos característicos de grupos marcados con ciertas tipografías.

Dr. Lakra ha tenido la oportunidad de presentar sus obras en ciudades como Londres, Tokio, Berlín, Los Ángeles, en la ciudad de México y Monterrey, entre otras.

Por: Joel Hernรกndez || @Hero8105

Foto: Frida Escobar

EN MEDIO DEL MP3, EL VINILO RESURGE Por: Samuel Nava Martínez

ctualmente la música es no solo una manera de expresar ideas, emociones y sensaciones, es también un negocio muy lucrativo. La industria musical es tan importante como cualquier otra a nivel global. Así, la forma en que se consume música hoy es muy diferente a lo que ocurría hace años, cuando la venta de casetes o discos compactos era un negocio completamente rentable para los sellos.

Las razones, según argumentan los que saben, es que el sonido analógico se vuelve mas cálido. Esto es, los instrumentos se perciben de una forma distinta, que permite sentir las texturas de los instrumentos. Otro punto importante es el hecho de poseer el objeto físico. Esto hace que el elepé se vuelva, de nuevo, un objeto de culto. Hay que resaltar que en México esta establecida la mayor maquiladora de viniles de américa latina: Retroactivo records. Con un catalogo muy extenso (miles de títulos nacionales e internacionales), han realizado tirajes para grandes consorcios como Warner, Emi o Sony, hasta disqueras independientes como Terrícolas Imbéciles.

El uso de las plataformas digitales ha hecho posible, desde hace unos años, que la descarga de música de manera legal e ilegal modifique el como obtenemos y pensamos la música. Por ejemplo, de un disco cualquiera, la gran mayoría del público sólo ubicara dos o tres sencillos, los cuales obtendrá descargando de internet, ya sea mediante un pago de 12 pesos o recurriendo a alguno de esos sitios en internet que tan perseguidos se han vuelto por las autoridades norteamericanas.

Sin embargo un punto que evita el resurgir del elepé es la poca rentabilidad que significa un tiraje de vinilos, que casi siempre sale un número limitado de copias, así como los costos de estas, muchas veces más altos que los precios de los discos compactos. Pese a esto, lo anterior no evita que el uso y adquisición de vinilos se “popularicen” entre las nuevas generaciones, dispuestas a experimentar “nuevas” formas de percibir la música, pues aunque es menos complicado descargar material de internet, no se obtiene la misma gratificación.

Un punto a favor del formato mp3 es que la forma compacta de los archivos permite tener dentro de un pequeño dispositivo cientos de canciones y álbumes completos. En medio de una sociedad que cambia continuamente su forma de consumir, la forma de distribuir y “adquirir” música también lo hace. Esto hace pensar en que el objeto físico adquiere un valor más emotivo que práctico, aunado a que la compra del artículo físico, la caja de plástico o cartón, hace posible sentir un vínculo mas estrecho con el artista. Sin embargo, si la cuestión es ponerse nostálgicos, existe una forma más efectiva: volver al uso de vinilos.

Tal vez no sea para competir con la venta de compact disc o con las descargas de música digital, pero lo que es un hecho es que el formato en vinyl esta de regreso para fortuna de muchos melómanos nostálgicos que buscan la percepción de sonidos mas orgánicos o el simple hecho de jactarse de que tienen uno en casa. Así que es buen momento para sacar del ropero los antiguos discos de acetato que todavía se conservan, desempolvar el tocadiscos o conseguir la aguja para la consola, pues el vinyl parece ponerse, poco a poco, de moda.

Y es que parece que el vinyl ha resurgido y sino, está muy cerca de conseguirlo. Cada vez es mayor el número de bandas que considera y consigue lanzar sus materiales en formato elepé. Tan solo en México, bandas como La Gusana Ciega, Suave As hell, Juan Cirerol, Los Explosivos o Los Negretes, han apostado a regresar a aquel formato que se volvió un hito de la década de los sesenta.

NOCTOURNIQUET The mars volta Por: Patricia Cano || @maripatti_ esos juegos en los coros y en la misma voz de Cedric. Sin duda el sonido psicodélico que caracteriza a The Mars Volta se hace presente durante todo el disco y nos demuestra porque la mente maestra de Omar Rodriguez-Lopez, la voz de Cedric Bixler-Zavala y la excelente ejecución de todos los músicos que integran a la banda, son la combinación perfecta a la hora de crear un nuevo material. Para los fans de The Mars Volta esta placa hará que se arraiguen aun más a la agrupación y para los que no son tan fans encontrarán un material con una excelente producción, nada pretenciosa y que seguro les dejará un buen sabor de boca.

Después de 3 años sin tener material nuevo de The Mars Volta, poder escuchar “Noctourniquet” se convirtió en un momento preciado para mí. Al dar play a la primera canción “The Whip Hand”, supe que mis oídos no iban a escuchar cualquier cosa; excelentes arreglos de voz al igual que esos juegos con los sonidos provenientes de cada instrumento que rompen con el estereotipo de una melodía perfecta. Así arranca Noctourniquet para después, dar paso a “Aegis”, track que con dos fuertes guitarrazos hace que tus sentidos se preparen para escuchar una canción bien equilibrada con cambios que están en el momento preciso. Si tuviera que nombrar algunas de las joyas que conforman “Noctourniquet” destacaría “Dyslexicon”, “Molochwalker”, las cuales retoman la línea de canciones clásicas de la banda como “L’Via L’Viaquez”, con todo ese derroche de energía. “Trinkets Pale Of Moon” y “Vedamalady” aportan la parte tranquila, dándole ese descanso que todo álbum necesita llevar. Y por último “Noctourniquet”, track que le da nombre al disco, anuncia que el final está cerca siempre con

No hay duda de que “Noctourniquet” se posicionará como uno de los mejores discos del 2012.

Always xiu xiu Por: Shanick Barker || @shanickbarker

“Hi” nos dice la primera canción de este estremecedor material, y es así como nos da la bienvenida el octavo álbum de la banda californiana. Doce temas son los que componen a esta producción, mismos que son únicos entre ellos al hablar de diferentes temas -sobre todo controversiales-, pero de una u otra forma, parecidos entre sí, ya que quieren reflejar una misma cosa: sufrimiento, dolor, depresión, preocupación y cualquier sentimiento referente a los anteriores. No es sorpresa que Jamie Stewart, líder y hasta hace poco único miembro de dicha banda, tenga una imaginación demente para crear tanto letras como música, y esta no es la excepción. Lo demuestra en canciones como “Factory Girl” en donde se hace escuchar una guitarra y percusiones muy marcadas, habla de la forma en que a migrantes orientales tratan como objetos sexuales. ”Gul Mudin” habla melodiosamente de un niño afgano, el cual es asesinado por el ejército de Estados Unidos mientras la música torna digerible e incluso pegajosa. “I love Abortion” es un relato contado a gritos y con sonidos estremecedoramente abominantes y crudos sobre el aborto juvenil. El cierre magnifico que lleva por nombre “Black Drum Machine” es una canción donde el escalofriante sonido de los violines predomina mientras Jamie canta con su desgarradora voz una melodía que habla sobre el incesto y el abuso sexual. Stewart cuenta que este álbum está basado en un versículo bíblico que eligió al azar y al cual le dio una interpretación única y bizarra, diciendo que: “El horror y la belleza se pueden encontrar en un mismo lugar e incluso ser lo mismo” y, en este disco, lo plasma a la perfección. Hacer música con tal complejidad hace que algo estruendoso se vuelva apreciable y que un grito desgarrador y aterrador se vuelva una narración con un mensaje en él. Si lo que quería era que la gente notara que la belleza puede nacer de los lugares mas aterradores y oscuros, lo logró. El disco es muy difícil de digerir e incluso puede disgustar, aun para los gustosos de este género, pero si lo que quieres es escuchar lo que en verdad es Xiu Xiu, “Always” es algo que no te decepcionará.

Paralytic Stalks

Of montreal Por: Joel Hernández || @Hero8105

La mayoría de los discos, al escucharlos por primera vez, te dejan un inmediato “sabor de boca”, bueno o malo, dependiendo de la primera percepción de tus oídos con el sonido. Paralytic Stalks es la última producción discográfica de Of Montreal, banda originaria de Georgia, Estados Unidos, y es de esos discos qué, para poder comprenderlos, se necesita escucharlos más de una vez. Si eres de aquellos que aún consumen CD’s, podrás darte cuenta que el característico psicodélico, es utilizado en todos los aspectos de esta nueva entrega, es decir que va desde el diseño del producto físico hasta el producto sonoro. El álbum está basado en la experimentación musical, combinando toda una serie de melodías que en general transmiten una muy buena y agradable vibra, en combinación con los arreglos creados con cada una de ellas y el tracklist que presenta se compone de nueve largas rolas qué conforme pasan los minutos van aumentando más y más su duración, casi 60 minutos de viaje, en los cuales se expone un estilo pop, que en algunos momentos podría funcionar a manera de un potente alucinógeno. Las nueve rolas que componen a esta producción tienen un desenvolvimiento casi propio, con grandes aires de libertad y sin ninguna estructura impuesta, característica primordial del disco es que no se limita con nada. La voz del vocal, Kevin Barnes, se convierte en otra maravillosa melodía que se combina con cada uno de los sonidos y arreglos musicales, los cuales reflejan una imagen llena de color, psicodelia, experimentación y hasta una extraña mezcla de surrealismo y pop, impregnada sobre un tímido y blanco lienzo. A pesar de la complejidad que reina de inicio a final durante el tiempo que dura el disco, es posible ir encontrando nuevos patrones cada vez que lo escuchamos. Sin duda alguna Paralytic Stalks es un complicado disco al que hay que ponerle una sobredosis de atención, pero que al mismo tiempo te retroalimenta con una extraña y casi mágica reacción.

Ouroboros

The Horror

Redlake Circus Por: Francisco Pérez “Frasko” || @Fraskote

pop.1280 Mich Martínez || @mixapalooza

Guitarras eléctricas. Pedales de efectos. Estos dos elementos son los que más resaltan dentro del primer LP de Pop. 1280 titulado “The Horror”. Como mencioné, los componentes dentro de su sonido son muy obvios; incorporan punk, rock y hasta un poco de industrial.

Tal vez suene a exageración, pero decir que el primer disco de Redlake Circus parece como sacado de un viaje exprés de Maynard James Keenan al Parián de Tlaquepaque, no está tan alejado de la realidad. Parece como si el espíritu de dicho personaje hubiera viajado y sembrado algo en la mente de los integrantes de la banda que vio la luz en Inglaterra, pero cuyos integrantes son orgullo de Guanatos.

Mi primer impacto del disco fue un poco del estilo Joy Division, precisamente por sus temas un tanto “gloom”. Con esto me refiero a música lenta y sentimiento. Es difícil imaginar dicho sonido sin tan sólo ser creado por dos guitarras acústicas y una voz aguda. Estos señores de Nueva York lograron, con una voz grave y ruda y un acompañamiento de riffs de guitarra, bajo y batería, un estilo de “Garage Rock” que se vuelve hasta rock pesado.

Ouroboros es el nombre del disco y está compuesto de 13 tracks que se desenvuelven entre un fino metal progresivo y un poco de instrumental alternativo estruendoso. Después del engañoso intro, que bien nos pudo hacer pensar –si no conociéramos a la bandaque se trataba de un disco con tintes gipsy rock, encontramos “Lucy”, canción que marca la pauta para saber de lo que se trata el álbum. Sobre esa misma tónica avanzamos a tracks posteriores como lo son “Babylon” e “Indara Espirituala”, que mantienen el discurso inicial de riffs-atmósferas de guitarras-voces profundas tirando a desgarradoras.

El disco comienza con la canción “Burn The Worm”. Desde ahí tenemos el tema de odio o arrepentimiento por alguna persona o cosa. Eso, da pie a canciones que dan vueltas con rapidez, de pensar en la canción no sólo como algo melancólico sino como vagaje mental, donde puedes viajar desde los momentos más tristes hasta los más odiosos. El coro de “Nature Boy” -en el cual el vocalista repite la frase “Hips to the Right, Hips to the Left”-, da muestra de un sonido mucho más pesado, en dónde no hay lugar para estar deprimido y más bien, empiezas a brincar frenéticamente por todo el piso en donde te encuentres.

Un momento de paz interior llega con “Xibalba”, pieza instrumental que contrasta en los matices de fúricas progresiones encontradas en melodías previas, pero con el común denominador que significa la potente batería que incluye un imponente juego de platillos.

La canción “Beg Like a human” vuelve a entonar la parte triste y lenta del disco. Ojo: con lentitud no me refiero a estar aburrido, sino riffs de bajo y guitarra que no consisten en BMP (Beats Per Minute) y contener mucho sentimiento. Pero, así como tan fácil bajan el tono de sus canciones, vuelven a subir.

“Canibal” es punto y aparte. Es como si en cualquier historia de tintes vampíricos, cayera del techo de una sala con detalles alegóricos del siglo XVI un baño de sangre sobre una multitud de herederos de Drácula. Sí, tal vez me excedí en la descripción, pero la satisfacción para mis oídos cuando la escuché fue similar a la descripción de ese cuadro y, además, la música se presta para imaginarlo.

Dentro de “West World”, encontré elementos del thrash punk que solían sonar en los años ochentas, parecido a bandas como Agnostic Front o hasta los inicios de The Dead Kennedys. El disco cierra con una canción compuesta de muchísimos sonidos electrónicos y artificiales, junto con las mismas guitarras chillantes y pesadas: “Crime Time”, resume de una manera u otra la manera en que el disco es tan versátil de tener una canción rápida y punk y al mismo tiempo una canción lenta y mucho más sentimental.

No es un disco que pueda digerir cualquier amante de la música. Si tu ipod está invadido por gente pidiendo que la dejen llorar o que no tenga nada que decir en su defensa (ojo: la calidad de esa música es indiscutible y no la pongo en tela de juicio, incluso hasta me gustan un par de esas canciones), tal vez te cueste mucho trabajo disfrutar de “Ouroboros”. Si, en caso contrario, estás dispuesto a navegar por los mares de voces desgarradoras y apabullantes, riffs profundos de guitarra y solos de batería poderosos, su disco se convertirá en uno de esos que escucharás varias veces en el mismo año.

Este disco es altamente recomendable por su sonido rock electrónico y pesado, sobre todo por el movimiento que se encuentra de música industrial en Nueva York -que no es algo nuevo-. Pop. 1280 es una banda que promete mucho dentro del ámbito que mencioné y tras tres Ep’s, han ganado mucha fama a lo largo de los Estados Unidos con fechas próximas hasta en Texas.

A DIFFERENT KIND OF TRUTH van halen

Por: Daniel “Jimmy Lurias”

Reign Of Terror Sleigh Bells Por: Selene Tajín || @selene_tajin

Un disco totalmente esperadísimo, una reunión que causó revuelo. En la página oficial se alcanzaba a leer “Van Halen se reúne con David Lee Roth” y semejante noticia dio pauta para decirle adiós al popero y bienvenido el rudo y rápido Van Halen.

Sleigh Bells regresa este año con su segundo disco titulado “Reign Of Terror”, que hace honor al título. Lanzado en febrero de 2012, conformado por glam metal afeminado, resulta una mezcla fuera de lo común en el género, pero no en el grupo, ya que es algo que han estado practicando desde su anterior disco debut “Treats”.

Muchas veces suele pasar que, con álbumes de famosas reuniones, las expectativas son muy altas, pero la calidad es pésima. De alguna manera parece que alguien hubiera detenido el tiempo en 1984, el momento en que Van Halen le pateaba los traseros a los grupos hard rock buena ondita de esa época y así nomas alguien se le ocurrió la idea de traerlos de vuelta a este 2012 con tremendos solos de guitarras, gritos espectaculares y una batería totalmente demoledora.

Este dúo neuyorkino ,conformado por Derek E. Miller y Alexis Krauss (voz), nos trae 11 temas con guitarras desaliñadas, acompañado con esporádicas apariciones de electrónico, en los cuales se percibe cierto enojo y aparecen preguntas existencialistas, que posiblemente se refieren a la muerte del padre de uno de sus integrantes.

“A Different Kind of Truth” abre con una canción simple pero efectiva. “Tattoo” sirvió como single y como inicio del disco. Adiós a las baladas melosas y aburridas, bienvenidos los chidos riffs. Otras canciones en la que es imposible quedarse quieto son: “She´s The Woman”, “Outta Space” o “You and Your Blues”, frenéticas y rápidas con un doble bombo bastante marcado. “China Town” o “As Is”, son melodías al más puro estilo “Hot For Teacher”. También hay canciones que figuran paisajes con playas soleadas, surf y bikinis, como “Blood and Fire”.

En este LP lo deciden iniciar con un ambiente de concierto, algo fuera de lo común que le da un buen toque. “Reign Of Terror”, es un material de corta duración que, definitivamente, tiene el sello del grupo y lo dejan plasmado casi en la mayoría de sus canciones, por lo que lo hace sonar sencillo. Hasta cierto punto, da la apariencia de un trabajo que no se preocupa por los detalles y ritmos musicales, además de dejar muchos huecos de nuevas propuestas. Creo que la palabra que más podría definir a “Reign of terror” es “distorsión”. Ninguno de los puntos anteriores se encuentra a discusión, ya que es el estilo que el grupo ha manejado desde sus inicios.

El único detalle: se extrañan los coros de Michael Anthony, esos que le daban la esencia a las canciones. Fuera de eso, el dsco es bueno por el simple hecho que entre sus filas contamos con la participación de Eddie Van Halen, músico que redefinió la manera de entender la guitarra eléctrica. Un guitarrista tan espectacular en los solos, como original e imaginativo, despachándose oídos y apantallando a nuevas generaciones que han crecido con la extraña idea de que ser rockero es tener una guitarra conectada a una consola de videojuegos. Y así, sobre esa misma línea, se mantiene el ritmo hasta el final del disco, que incluye un blues endemoniado de nombre “Stay Frosty”. Un álbum de lo menos aburrido. Una vez terminándolo de escuchar te dan ganas de regresarlo otra vez. Si suenan así en CD, ¿cómo sonarán en la famosa gira mundial? Uno de los personajes al que hay que agradecer es a Sammy Hagar, por no haber estado en este famoso regreso. De verdad es de agradecerse.

Decidieron incluir sólo dos baladas: “End of the line” y “Road to hell”, donde se muestra al público la voz aguda de Krauss. Mis recomendaciones son: “Crush”, tema acompañado de un toque femenino y algunos coros. Una buena propuesta para sencillo. Otra canción es “Comeback Kid” la cual fue lanzada como sencillo, donde Krauss luce su voz con un evidente fanatismo al rock con un beat más digerible. Sleigh Bells tiene potencial, estaremos atentos de un siguiente material donde esperamos ver que este par salga de su zona de confort y nos llegue a ofrecer nuevas propuestas.

Descifrando el ZUZU Por: Luis Meixueiro // @el_produc

Fiebre de día de campo.

onforme pasan los años uno se convierte en algo así como una versión amargada de lo que solías ser. Empolvarse, caminar todo el día, aguantar sol y/o lluvia es de esas cosas que cada vez están más fuera de mi agenda. Marzo es época de festivales, y todos tratan de proponer algo más allá de lo que el otro hace. Hubo fines de semana con, hasta 2 eventos en nuestro país. ¿No que no habían conciertos? Algunos sobrevalorados, como es el caso del Vive Latino, que por lo menos antes le echaban más ganas al tratar de justificar a sus bandas internacionales dentro del cartel (el primo de un amigo de ese wey es latino). Los que han crecido en estas épocas de Vive Latino esperan con ansias ese evento, tal vez porque sus papás no estarán con ellos todo un fin de semana y podrán tomar cerveza carísima, a lo mejor porque no tienen nada que hacer, pero aceptémoslo, en su mayoría el cartel es malísimo. Hablar de justo valor en una escena que impone modas es casi imposible. Tal vez las teorías críticas siempre tuvieron razón y la masa es manipulable; puede ser que nuestro país cada vez se estanca más en un tercermundismo y que hemos entrado en una zona de confort que nos mantiene sedados, enajenados sobre lo que quieren que sea y no lo que debe ser. Habremos críticos que nos quejemos en espacios que nos brindan, digo, este mes he aprendido que debo tirar veneno en los espacios que me presten, aunque no es mi estilo, queridos lectores. Me gusta reflexionar sobre lo que sucede, en nuestro país se requiere más eventos de calidad como el 72810, NRMAL, SXSW, y menos fines de semana de campo en autódromos polvosos. Lo digo, mientras admiro mi boleto para el domingo del Vive Latino. Molotov VL2012

Foto: Cortesía OCESA

Francisca Valenzuela VL2012 Foto: Cortesía OCESA

Carla Morrison VL2012 Foto: Cortesía OCESA Deskartes a Kant VL2012 Foto: Cortesía OCESA

Kinky VL2012 Foto: Cortesía OCESA

Encore

Austin TV VL2012 Foto: CortesĂa OCESA

Encore

Zoé VL2012 Foto: Cortesía OCESA

Encore

IMS VL2012 Foto: Cortesía OCESA

Encore Kasabian VL2012 Foto: CortesĂa OCESA

Encore Cafe Tacvba VL2012 Foto: Cortesía OCESA

Encore

TV on the Radio VL2012 Foto: CortesĂa OCESA

Encore

Fatboy Slim VL2012 Foto: CortesĂa OCESA

Encore

Foto: CortesĂa OCESA

Encore