URL Magazine 08/12 by URL Magazine

DIRECTORIO MAGAZINE AGOSTO 2012

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Francisco Pérez Mejía “Frasko” Editor en Jefe frasko@urlmagazine.com.mx

ENCORE

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Eternal Sunshine of the Spotless Mind Faro de Oriente 12 años Lenguas de Oro Invasión Sureña Florence + The Machine

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Colaboradores: Mich Martínez Mirna Torres Nathaly Soto Pamela Ascencio Patricia Cano Samuel Nava Martínez Selene Tajín Shanick Barker Yiruim Israel Lara Montiel

United Rock League es una publicación digital mensual con domicilio en Gabriel Mancera 247 Int. 501, Del Benito Juárez. Prohíbido la reproducción total o parcial por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso de los editores. El contenido y Colaboraciones son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores.

United Rock League Magazine 17 Agoato 2012 Ejemplar Gratuito

Durante estos últimos meses, URL Magazine ha sufrido cambios importantes con el fin de darte una mejor experiencia al momento de “hojear” la revista o visitar nuestra página web. El mes de Agosto está marcado por el rediseño de la página, ya que cumplimos 2 años en línea. Con estos cambios, también cerramos ciclos e iniciamos otros que prometen mucho. Por eso, en esta edición de URL Magazine, tuvimos la oportunidad de entrevistar a los Babasónicos, banda quien a partir de su disco “Jessico”, sufrió un cambio importante en la forma de hacer música, siendo el mencionado material un parte aguas importante en la carrera de un los grupos argentinos más importantes de la última década. Además, en este número también podrás encontrar una plática que tuvimos con Techinicolor Fabrics, banda que será parte del Corona Capital y quienes con su nuevo disco, regresaron al uso de su idioma natal. Dicha variación ayudó a consolidar uno de los proyectos más interesantes en la escena independiente de nuestro país. Muchas gracias por ser parte del camino recorrido y siempre mantenerse al tanto de nuestra evolución como medio de comunicación. Los cambios de agosto, son un paso adelante en nuestra consolidación.

Debo comenzar aclarando que no soy un fan de The Smashing Pumpkins. Por supuesto conozco sus éxitos: “1979”, “Bullet With Butterflies Wings”, “Tonite, Tonite”, “Ava Adore” y uno que otro soundtrack, pero hasta ahí. No son una banda a la que siga con particular devoción y hasta ahora nunca había podido escuchar completo uno solo de sus álbumes; traté algunas veces, pero confieso que inevitablemente llegaba a un punto en que su música me resultaba difícil. Sin embargo reconozco la jerarquía -o fama- de Billy Corgan y por eso decidí dedicarle unos minutos a Oceania, su nueva producción. Eso y el hecho de saber que algunos amigos nunca me perdonarían escribir una reseña sin darle el tiempo que merece. Hasta donde sé, esta pieza es parte de un experimento o proyecto conceptual que pretende desafiar el formato tradicional de producción de un álbum y compila(rá) poco más de 40 canciones, la mayoría compuestas y lanzadas en forma “individual”. Dicho lo anterior... Oceania hace su entrada con “Quasar” y lo primero que viene a la mente es que se trata de un disco energético: guitarras, guitarras y más guitarras, mientras Corgan nos dice “Ride on”. El tema suena muy bien y por algunos minutos pareciera que, en efecto, este álbum será un viaje en montaña rusa. “Panopticon” viene a ser la segunda parte del track abridor, pues logra conservar un poco de ese estilo rockero aunque en un tono más ligero. El siguiente tema, “The Celestials”, es radicalmente más relajado -al menos al principio- y hasta este punto puedo asegurar que, aunque el álbum deja un sutil sabor a glorias pasadas, sí se siente con vida propia.

OCEANIA THE SMASHING PUMPKINS Por: Ramón Sandoval AKA II @lord_cebada.

De hecho los dos siguientes, “Violent Rays” y “My Love Is Winter” , también me resultaron bastante promisorios. Quizá se deba al tono optimista -sí, leíste bien- que los Pumpkins reflejan en esta nueva etapa. Desafortunadamente, poco antes de llegar a la mitad del Oceania la cosa comienza a ponerse rara. En “One Diamond, One Heart” los Smashing comienzan a probar un estilo electro-pop-minimalista que no recuerdo haberles escuchado nunca y el cual, aunque no suena del todo desagradable, parece presagiar la llegada de más rolas “experimentales”, como es el caso de la balada “Pinwheels”. El tema homónimo y “Pale Horse” son más relajados, otro par de baladas que seguro serán objeto de discusión. Habrá quien las considere una genialidad y otros para los que sólo sean rolas intrascendentes o “de relleno”; no desagradan pero tampoco regresan el álbum a sus mejores momentos... hasta que llegan “The Chimera” e “Inkless”, con acordes más familiares y explosivos. Pero acto seguido, los Smashing deciden colocar “Glissandra” y el mood vuelve a decaer. A “Inkless” le toca la tarea de subirlo y aunque no lo consigue por completo, rescata un poco de la magia. Finalmente “Wildflower”, que podría o no aparecer en el disco y no habría diferencia, despide una hora de música que va y viene; a veces eufórica, otras reflexiva pero carente de esa genialidad que tanto he escuchado alabarle a Corgan, situación que parece venir afectando a la banda desde hace algunas producciones. Si bien los Pumpkins no ofrecen nada nuevo en Oceania, este es un disco más ligero y accesible que calquiera de sus materiales previos e incluso puede que hasta sea un álbum “reconfortante”. En lo personal me agradó y puedo agradecer que, aunque fue difícil por momentos, al fin he logrado escuchar un álbum de los Smashing en su totalidad. Y aunque creo que la opinión de los fans estará dividida, veo a Oceania como uno de esos discos cuyos temas ameritan ser escuchados en orden y después al azar; la percepción llega a mejorar... con un poco de tiempo.

Bloom no presenta graduales cambios con respecto a su ya mencionado antecesor, de hecho, esta nueva producción sigue por esa misma línea, dejando en claro la comodidad que el par de músicos sienten al trabajar de esta forma. De hecho, a pesar de que las diez canciones que conforman el disco persiguen una esencia casi totalmente lineal, el ritmo nunca se cae y el viaje siempre es constante.

BLOOM BEACH HOUSE Por:Joel Hernández II @hero9105

Sin duda es un gran reto el que el dueto se impuso sin haberlo planeado. Bloom es la última entrega del dúo integrado por Victoria Legrand y Alex Scally, conocidos en el mundo de la música como Beach House, y es el disco con el cual pretenden superar todo lo logrado con su exitoso Teen Dream del 2010. Beach House es una banda que combina diferentes estilos, aunque están clasificados como dream pop, y es que su música te puede poner a soñar y levitar desde el primer instante en que los escuchas, transportándote a una atmósfera llena de tranquilidad y psicodelia.

El nombre de “Radlands” no es un título del cual les haya tomado mucho trabajo en nombrar, es más bien un título significativo, en cuanto a su crecimiento personal como grupo, un significado de cambio, ya que es el nombre del estudio donde grabaron dicho disco, que los ha hecho cambiar en muchos de los acordes a sus anteriores producciones

El sonido de Bloom te envuelve en una densa y transparente capa de sensibilidad, la cual parece estimular la imaginación al mismo tiempo en el que las melodías van recorriendo el mismo camino de tu andar. La voz femenina da un toque de dulzura y hasta elegancia, mientras que los sonidos generados, tanto del bajo como de las guitarras, teclados y baterías pareciera que se unieran en armonía por sí mismas.

RADLANDS MYSTERY JETS

La banda británica Mystery Jets , después de dos años de descanso llegan con su último disco Radlands, un disco más maduro en comparación a su última producción “Serotonin”, quienes decide realizar su grabación en Texas, muchos críticos los juzgaron ya que por grabar en este país americano podrían adquirir un poco de su influencia musical, no fue una predicción muy alejada al resultado, sin embargo a mi parecer no se pierde en ningún momento el toque británico, ya que en su país, han llegado a ser comparados con la música de Paul Mc Cartney en sus inicios

Quizás el álbum hubiera sido más interesante si éste tuviera por lo menos un fuerte cambio de ritmo, y es que no hay una canción sobre otra, a mi parecer. Pero, en general, Bloom es una buena e interesante entrega, más aún para aquellas personas que gustan de los ritmos acuosos y muy melódicos, además de la calma que puede llegar a generar.

En cada uno de los 11 track se puede escuchar mucho folk, con toques de country sin olvidar la receta básica del indie, en la mayor parte de las canciones se deja observar como pieza clave la guitarra acústica, dando una percepción de un disco más melancólico, sin embargo al escuchar las letras de sus canciones pierdes esta mala percepción ya que incluye tonos y contenidos sarcástico e irónicos El primer sencillo de este álbum “someone purer” se grabó el videoclip, un trabajo sin mucha historia donde aparecen todos los miembros del grupo un poco desaliñados, con sus respectivos instrumentos interpretando dicha canción, en medio de un escenario desértico, sin mucha historia. El hecho que Mistery Jets hayan decidido salir de su terreno natal, muestra una ambición por parte del grupo. No me atrevería a decir que su mejor disco, ya que aunque si tienen el reconocimiento por haber adquirido una madurez, pueden sorprender con un mejor logro, convirtiéndose en un trabajo: interesante.

Con un peculiar sonido del piano y perfecta ejecución vocal, la rusa Regina Spektor nos demuestra en esta nueva producción, porqué 11 años de carrera, la mantienen dentro de las mejores cantautoras. Melodías llenas de melancolía y sentimentalismo, sutiles toques pop pegajosos, romanticismo y una que otra historia convertida en poesía, es lo que en What We Saw From The Cheap Seats podemos escuchar. Siendo un material de 11 grandes temas, después de tres años de ausencia de la rusa, y siendo el sexto álbum en su trayectoria artística. En la producción podemos encontrar nuevos elementos como sintetizadores, percusiones y otras técnicas vocales, ya no es sólo el clásico piano al cual nos tiene acostumbrados. “Small Town Moon”, nos da la bienvenida con una hermosa interpretación y ejecución vocal, pegajosa melodía que te sacude la polilla, leal al sonido del piano, Regina ha creado en este primer tema, una fórmula que inyecta energía. “Oh Marcello” nos engancha con sus arreglos vocales mientras que “Don´t Leave Me (Ne Me Quitte Pas)”, es una explosión de pop bien ejecutado, pegajoso. “Firewood” y “How” son el combo perfecto de las calmaditas pero bonitas, donde la voz de Regina, le roba el protagonismo al piano sin dejarlo de lado, hacen la pareja perfecta. Sin duda, los temas ganadores.

WHAT WE SAW FROM THE CHEAP SEATS REGINA SPEKTOR Por: Pam Ascencio II @heywera

“Patron Saint” hermosa melodía con altos registros de voz y salpicones girly, mientras que “Ballad Of A Politician” y “Open” se convierten en los temas rudos, de sonido dramático, como una obra de teatro donde los tenores dejan el corazón en el escenario y la potencia de sus voces se encapsula en la sala de audiencia. “All The Rowboats”, el primer sencillo desprendido de este material, la mejor carta de presentación por las sorpresas sonoras que podemos captar. Como temas finales, “The Party” y “Jessica”, cierran con broche de oro. Una muy jovial, llena de líricas melosas, mientras la otra, llena de susurros, íntima. Un disco que viene a consolidar a Regina, como la intérprete genuina que conocemos de gran trayectoria, talento que cautiva con su dosis de emotividad, un disco con la esencia Spektor.

El disco más pop de la banda californiana. Endless flowers es un viaje melodioso y armónico, el cual sigue siempre una misma línea, una línea que hace recordar a la icónica banda de Morrisey y a través de la cual los Crocodiles logran encajar a la perfección los saturados sintetizadores y guitarras suaves con la voz de Brandon Welchez. El viaje inicia con la canción que da titulo al disco. Una canción que suena a un pop agradable y digerible, lo cual es la constante en el disco. Otra destacada al inicio es No black clouds for Dee Dee. La línea es siempre la misma. Sin embargo, la atmosfera melodiosa preponderante en el disco se ve interrumpida justo a la mitad del viaje. Inesperadamente, en Hung up on a flower (track numero cinco) se nos lleva al momento psicodélico y de mayor noise dentro del álbum. Después de cuatro minutos del mismo sonido, la canción se sumerge en un oasis de psicodelia y obscuridad.

ENDLESS FLOWERS CROCODILES Por: Samuel Nava Martínez

Es el momento más sobresaliente de un disco cuyo objetivo, seguramente, fue el de explorar y explotar al máximo todo ese sonido pop que la banda puede tener. Y lo consiguieron. Pero ese oasis de psicodelia en medio del disco termina con el siguiente track, My surfing Lucifer (la línea pop melódica del disco continua aquí). Las tres canciones siguientes retoman la línea del álbum y es hasta la última pista, You are forgiven, cuando encontramos un instante, al final del tema, en el que de nuevo se coquetea con el noise y la distorsión, aunque no logra caer de lleno en ella.

King Bono vs. Los Flight Simulators es el segundo disco de la banda capitalina The Plastics Revolution. Previamente esta producción tuvo una presentación el 29 de marzo en el Pasagüero y fue editado en versión física y digital por los sellos independientes Dos Pelícanos e IndieAlliance Records. Como bien se ha dicho el conjunto capitalino nos presentan su segundo material, una producción más experimental, menos cursilerías y más sinceridad pero principalmente rompe todos esos esquemas de música alegre convirtiéndose en ambientes moldeables para el oído humano. Ocho tracks que no pasan de los 6 minutos de duración y de qué al menos tres ya son conocidos por los aguerridos seguidores. Conforme el disco va agarrando ambiente y se encuentra posicionado en el track “Kibera”, que cuenta con un inicio con bastantes sintetizadores, donde el ritmo no le hace el feo para pararse a bailar y demostrar que la vida tiene sentido y es bastante disfrutable hacer el ridículo por 4:42 minutos que dura la rola.

king bono vs flight simulators the plastic revolution

Pero todo lo bueno tiene que terminar y concluye con una rola bastante tranquila llamada “Elefantes”, un disco con demasiada propuesta, diferente a lo que el nuevo sonido indie nos tiene acostumbrado por lo menos para la escena nacional propiamente.

Por: El Jimmy Lurias

Por: Patricia Cano || @MariPatti_

etras llegadoras sobre situaciones comunes, con melodías funk y pop rock hacen de Los Reyna una banda con mucho potencial, una propuesta que a más de uno logrará subirle el ánimo.” – Patricia Cano (blogger).

¿Quiénes son?

Mario Contreras y Axel Dupeyron. Para la segunda mitad del 2012, la evolución de la banda era notable al estar grabando su segundo EP “Intenso” y deciden cambiarse el nombre a Los Reyna, como actualmente se siguen dando a conocer. “Intenso” fue promocionado en estaciones de radio universitarias de todo el país como Radio Ibero (DF) , D99 (Mty), Radio Mexiquense (Edo. Méx.), Radio Anáhuac (DF), así como en diversas estaciones por internet y blogs de contenido musical.

Por ahí del 2007, Eduardo Macías (guitarra) y Maximiliano Hernández (bajo) buscaban armar un proyecto original así que se dieron a la tarea de buscar vocalista hasta dar con Jaime Lozada (voz, guitarra) en el ya obsoleto myspace, ahora con Luis Vázquez (batería) la banda comenzó a ensayar y de pronto ya tenían canciones terminadas. Gracias a la coincidencia de gustos clásicos como The Beatles, Rolling Stones, Fobia, Soda Stereo, Babasónicos y The Cure, Los Reyna empiezan a desarrollar su propio sonido.

Música, música, música…

¿Qué tocan?

“Flamante” tiene un sonido con influencias pop rock y funk muy marcadas, buena composición de instrumentos, voz y letras. “Toloache” da inicio a este álbum con riffs marcados y un tanto pesados así como una batería que mantiene ese paso, al parecer muchos se sentirán identificados con esta situación de estar bajo “el mando” de algún amor. Por otra parte “Tal Cual”, track que funcionó como sencillo de este disco es una canción con guitarras melódicas “cursis” que me hacen recordar a los regiomontanos de Niña, voz y letras más dulces; track bastante digerible para la gente sensible.

Melodías basadas en el pop rock con tintes funk y disco; con letras que transmiten emociones vividas en situaciones comunes como el amor o el desamor (según el cristal con el que se mire). El sonido fresco y alegre motiva a pararse del sillón y hacerle buena cara a la vida. Sin duda una gran ejecución y mezcla de ritmos los cuáles le dan ese sello significativo a estos chilangos. ¿Qué hay que saber? En el 2007, iniciaron bajo el nombre de Gordon’s. A finales de ese año grabaron un E.P. de cinco canciones Rock Pop en Estudio 105 del Estado de México, el cual estuvo bajo la producción de

Po r : N a t h a l y S o t o / / @ N a t h _ Wo n k a a recomendación de este mes se trata de una película de amor…¡Cuan dichosa es la suerte de una inocente virgen! El mundo olvida, el mundo olvidado. ¡Eterno resplandor de una mente sin recuerdos! Cada orador que se acepta y cada deseo que se renuncia. Eternal Sunshine of the Spotless Mind es un un filme tipo comedia dramática americana exhibida en las salas de cine en el 2004, dirigida por el francés Michel Gondry y protagonizada por Jim Carrey y Kate Winslet. Ganó el premio Oscar en la categoría de Mejor Guión Original y tuvo alrededor de 30 premios más. La historia está narrada en una cronología poco común y nos cuenta la historia de un amor entre Joel y Clementine, él está totalmente desconcertado y deprimido al enterarse que Clementine ha borrado todo recuerdo de él a través de un procedimiento científico, ella ya no sabe quien es él ni recuerda absolutamente nada de su tormentosa relación. Víctima del despecho, Joel asiste a la clínica a pedir que se le haga el mismo procedimiento y sacar a Clementine de una vez por todas de su vida y de su corazón,

sin embargo a la mitad del procedimiento se da cuenta que en realidad no la quiere olvidar, que la ama y que ella es todo para él y es cuando comienza una carrera dentro de su mente para escapar en busca de Clementine y evitar que sus recuerdos sean borrados para siempre. Esta es una película que definitivamente JAMÁS debes ver con el corazón roto pues muchos de nosotros en algún momento de nuestras vidas hubiéramos dado lo que fuera porque existiera una alternativa como esta en la vida real, hubiéramos querido poder ir a un lugar como LaCuna Inc. en donde nos borren los recuerdos de aquella relación que nos ha hecho tanto daño. Eterno Resplandor de una Mente sin Recuerdos nos muestra a un Jim Carrey pocas veces visto, me atrevería a decir que es uno de sus mejores papeles, y a una Kate Winslet que no reconocerás, es una película que te encantará y que no dejarás de ver una y otra vez.

Faro de oriente:

años de arte y cultura

Po r : S a m u e l N a v a M a r t í n e z

El pasado mes de junio el Faro de O el mes hubo espectáculos circenses realizados en coordinación con la C pinturas, esculturas e instalaciones e y oficios de oriente.

Para cerrar con broche de oro, el 16 cipal del recinto ubicado entre los me la fiesta fueron los Triciclo Circus Ba tarde la explanada ya lucia llena. Po Los Amantes de Lola, quienes fueron aniversario de la fábrica de artes y o 14

Oriente celebro su aniversario numero doce. Durante todo s, presentaciones de danza, conciertos, muchos de ellos CONACULTA, además de las ya clásicas exposiciones de elaboradas por los mismos alumnos de la fábrica de artes

de junio se llevo a cabo un concierto en la explanada prinetros Acatitla y Peñon Viejo. Los encargados de iniciar con and. Siguieron los Rebel Cats y antes de las cuatro de la osteriormente se presentaron la Maskatesta, los Victorios y n los encargados de dar por finalizada la fiesta, la fiesta de oficios de oriente. 15

Encore

Po r : I s r a e l L a r a M o n t i e l uando cumpla 33 años, me retiro. Ese es el momento en que el que un hombre tiene que dedicarse a otras cosas. No quiero ser una estrella de Rock durante toda mi vida. No me podría imaginar terminando como Elvis Presley tocando en Las Vegas para todas esas amas de casa y todas esas viejas con sus carteras viniendo a verme. Es realmente enfermizo.” Mick Jagger “Depende con quien hables, algunos piensan que los Rolling Stones empezaron con Brown Sugar, otros creen que no había nada antes de Start me Up y otros insisten en que Satisfaction fue nuestro primer disco. Es loco cuando formas parte de algo que ha andado por tanto tiempo y te das cuenta de que eres algo con lo que la gente ha crecido. Un montón de gente no conoce un mundo sin los Rolling Stones. Eres parte de su vida tanto como sus padres, el aparato de tv, el sillón o el aire que respiran. Naciste en un mundo y ahí estaban los Rolling Stones. Realmente es muy difícil de entender.” Keith Richards. ¨Seguiremos tocando hasta que nos caigamos¨ Ron Wood. “El jazz es la música que me gusta hacer. Los Stones son sólo un pasatiempo” Charlie Watts.

Veinte años, se dice fácil, ¿cierto?, ¿Qué tal cincuenta?, sencillo, si, decirlo, escribirlo, se complica un poco más conforme ponemos más raciocinio en la cuestión. No es fácil encontrar algo que deje una huella, que perdure, que trascienda la barrera del tiempo, que quede en el gusto de la gente, generación tras generación, evolucionando a la par de un mundo hundido en la vorágine de la tecnología, las comunicaciones y los medios. Podríamos entrar en materia con un clásico ¨había una vez¨, me tomó pues la licencia y así arranco: Había una vez, en un país lejano, hace mucho tiempo, dos amigos de la infancia que, tras ocurrirles el paso inexorable de las separaciones de la vida, se reencontraron en una estación del metro de una gran ciudad en el año mil novecientos sesenta. Keith y Mick, Richards y Jagger, gestaban entonces el origen de una de las bandas más importantes de la historia del rock, ni que decir de las más longevas, contradiciendo al mismo Jagger que, sin pena ni timidez, declaraba que tenía el anhelo de que la banda durase un año, y he aquí que, cincuenta años después, los Stones siguen girando. La banda fue formada en mil novecientos sesenta y dos, en Londres, por una alineación de seis jóvenes británicos de gran talento y considerable

garra¨: Brian Jones, Mick Jagger, Keith Richards, Ian Stewart, Geoff Bradford y Dick Taylor. Una alineación que sufriría múltiples transformaciones a lo largo de los años hasta transformarse, finalmente, en el legendario cuarteto conformado por Ron Wood, Charlie Watts, Mick Jagger, Keith Richards. Pero eso es adelantarse a los hechos. La piedra fundamental de los Stones, aquella lejana primera aparición formal, se dio el doce de julio de mil novecientos sesenta y dos, de manera, como casi siempre parece ocurrir a los monstruos del rock, fortuita; ¨Blues Incorporated¨ canceló su presentación en el Club Marquee, situación que fue aprovechada por la nueva banda. Jagger, Richards, Jones, Stewart, Chapman, otros citan a Avory, y Taylor, ofrecieron su primer concierto oficial como The Rolling Stones. Tras aquella primera presentación se enmarcaron en una gira por distintos bares londinenses, sin la compañía de Chapman y Taylor, quienes decidieron salir de la agrupación definitivamente. Para el sesenta y tres, tras firmar con Giorgio Gomelsky para tocar cada domingo en el Crawdaddy Club de Richmond, los Stones se encontraron sobre dos grandes pilares que fundamentarían su carrera: el primero, sin duda alguna el cimientode todo éxito en el ámbito musical, fue una gran base de fanáticos entre quienes se podía encontrar a los miembros del otro gran

¨Ruby Tuesday¨ se consolidaron, para el setenta y dos, como la banda de rock más importante del mundo aunque con exitosos materiales que incluyeron los álbumes clásicos ¨Beggars Banquet¨,¨ Let It Bleed¨,¨ Sticky Fingers¨ y Ëxile on Main St¨.Contrariamente, para el periodo siguiente, la banda se vería atascada en una meseta de estancamiento musical y víctimas de un cambio generacional al que sabrían sobreponerse en los próximos años gracias al segundo aire que les infundieron materiales de la calidad de ¨Some Girls¨, Ëmotional Rescue¨ y ¨Tattoo You¨. Afectados por disputas internas, usual en los grupos con gran éxito, verían llegar su segunda etapa de crisis entre el ochenta y tres y el ochenta y ocho, años que, por otra parte, nos dejarían ver el lados solista de Jagger y la calidad musical de Richards y Wood en colaboración con artistas de la talla de Bob Dylan. La ¨Separación¨ virtual de los Stones quedó de manifiesto cuando, en el ochenta y seis, fue lanzado ¨Dirty Work¨, nombre que vino como anillo al dedo para un trabajo que desperdicio la oportunidad mágica de contar con la colaboración de Jimmy Paige gracias a que Jagger se encontraba más dedicado a su carrera como solista Ïncompleto¨ fue la palabra que definió al material, por fortuna para los fans, Los Stones estaban destinados a sobrevivir a esta aparente debacle y ¿Qué mejor manera de hacerlo que entrando al salón de la fama?.

monstruo de la historia, ¨Los Beatles¨ y fue de la mano del periodista Peter Jones y del publicista de los Beatles Andrew Oldham que los Stones firmarían para grabar sus primeros temas en los estudios Ölimpic¨ de Londres. El diecisiete de enero del sesenta y cuatro, mientras realizaban una gira por Inglaterra, publicaron su primer material, ¨The Rolling Stones¨, Aprovechando el impulso comercial de Ï Wanna Be Your Man¨, dicho material ocupó el primer puesto en la lista de los más vendidos del Reino Unido y permaneció en el top de las listas por once semanas. ¨The Rolling Stones No.2¨, Öut of Our Heads¨, Äftermath¨, ¨ Between the Buttons¨ y¨ Their Satanic Majesties Request¨ Marcarían el paso firme y ascendente de los Stones en el periodo entre el sesenta y cinco y el sesenta y ocho, periodo durante el cual ¨Satisfaction¨ se convierte en el sencillo que les catapultaría a la fama mundial y que, con el paso del tiempo, como un buen vino, se convertiría en un tema emblemático del rock de todos los tiempos. Posteriormente, entre el sesenta y ocho y el setenta y siete, los Stones se verían inmersos en una verdadera montaña rusa; partiendo del éxito que les redituaran los éxitos de sencillos como: ¨Satisfaction¨, ¨Let’s Spend The Night Together¨ y

El dieciocho de enero del ochenta y nueve los Rolling Stones, incluidos Mick Taylor, Ian Stewart y Brian Jones, fueron incluidos en el salón de la fama del rock and roll, un pedestal que les estaba destinado por derecho divino y obra terrenal. Este hecho marcó la segunda resurrección de los Stones y les convirtió en una ¨trademark¨ que ha llegado hasta nuestros tiempos como una de las más importantes en el ámbito de espectáculo; soundtracks, películas, documentales, veinticuatro álbumes, doscientos millones de copias vendidas, giras totalmente vendidas y una historia que acompaña al mundo desde su década más significativa son los testigos de lo que el talento, la actitud y el trabajo son capaces de lograr. Como cereza del pastel la banda ha decidido lanzar un libro titulado ¨ The Rolling Stones- 50¨ en el que podremos apreciar material elegido por los propios miembros de la banda incluyendo setecientas imágenes, aproximadamente trescientas en color, que constituyen una colección imperdible para los fanáticos de hueso colorado.

Así pues vaya desde nuestra humilde tribuna una enorme ovación a la banda más longeva del rock, a los rebeldes originales, aplaudan, aplaudan, no dejen de aplaudir a los Stones, felices lenguas de oro… … Ah ¿Y la lengua?; la lengua, para concluir con el mito, no fue obra de Andy Warhol si no del diseñador John Pasche . El diseño fue creado a petición de Jagger, inspirado en un calendario hindú que mostraba a la diosa Kali sin cuerpo, sacando la lengua roja que terminaba en punta. Pero para no desacreditar del todo a quienes

sostenían la otra versión, hemos de reconocer que, lo que si diseñó Warhol fue la portada del disco, enfocándose en un pene marcado hacia la derecha en unos pantalones vaqueros y en la cremallera que lo abría. Por ahora me despido gente, no sin antes recomendar mis dos canciones favoritas de entre el enorme repertorio Stoneniano: ¨ Paint it black¨ y ¨ you can’t always get what you want¨ un par de perlitas que harán recordar a los más grandes, emocionarse a los medianos y aprender a los chicos. Saludo enorme desde del sur del mundo

ún recuerdo cuando en aquel 2009 escuche por primera vez “Kiss With A Fist”, aquella voz me pareció sumamente potente y me atrapo de inmediato, sin embargo no me parecía algo innovador, pues antes ya había escuchado a diversas voces femeninas que poseían gran carácter y fuerza. Cuando le había perdido la pista a “aquella canción”, escuche en la radio un nuevo sencillo que me emociono, pues el sonido de “el arpa” era delirante, su nombre era Dog Days Are Over y los dueños de esa sencilla pero pegajosa canción, eran un proyecto ingles de nombre “Florence and The Machine”.

Con el lanzamiento de su primer álbum titulado Lungs, alcanzaron los primeros puestos de las listas europeas y rápidamente fueron ganando reconocimiento a nivel internacional, pues el álbum llego editado por Island Records a E.U. donde se coloco de inmediato. Lo que trajo una gira de nombre “Lungs Tour”, con la que consiguieron más reconocimiento y atrajeron una gran cantidad de fans. En 2011 se lanza el segundo álbum de nombre “Ceremionials”, que con gran expectativa, este nuevo álbum atrapaba nuevamente a quienes conocimos a la banda desde su disco debut, y nos enamoramos más de esas dulces y fuertes canciones, así como también atraían a nuevos seguidores. Con este segundo disco se han presentado con éxito en diversos festivales de Europa y E.U. En este año 2012 la banda ha tenido mucho trabajo, pues además de seguir con la gira de promoción de “Ceremonials”. El canal de televisión MTV les dio la oportunidad de realizar uno de los famosos unplugged, que contiene temas de los dos discos de estudio, así como también una colaboración con el músico Josh Homme.

Aunque para muchos “Florence and The Machine” es sólo Florence Welch, siempre es bueno saber que detrás de ella existen cinco músicos talentosos que hacen que este proyecto sea posible y sigan madurando de manera conjunta, sin desprestigiar a ningún integrante. Actualmente es bien sabido que la competencia musical es fuerte, pues cada día nos encontramos con nuevas propuestas que de forma independiente se dan a conocer, sin embargo si algo tiene “Florence and The Machine” es esa calidad interpretativa y dinamismo al componer, y estoy segura que este proyecto aún tiene mucho que ofrecer y nuestros oídos estarán esperando a que nuevamente podamos descubrir junto a “La Maquina y Florence” esa gama de sentimientos por explorar.

Por: Pam Ascencio II @heywera fotos: Cortesía Technicolor Fabrics y Fher López II @n3urosonik Agradecimiento especial para: “Muérdeme”

ien se dice que el primer disco de toda banda es para pisar terreno, el segundo para evolucionar, el tercero para consolidarse y del cuarto en adelante, para comprobar el efecto de las 3 anteriores. Technicolor Fabrics, banda oriunda de bella perla tapatía, este año han decidido evolucionar con un segundo disco con una gran sorpresa: un material completamente en español y bajo la producción de Castillo (Jumbo) cuya esencia se puede palpar en la composición. Con la experiencia de haber compartido escenario con bandas como Phoenix, The Whitest Boy Alive, Moby, entre otros, estos músicos continúan marcando camino después de su excelente “Run … The Sun is Burning All Your Hopes” que contó con el talento de Siddhartha en su producción y que en canciones como “Frequency” y “Clouds” pudimos palparlo.

La banda, quien cuenta con un número de seguidores que han aceptado esta evolución y conectado de manera inmediata tanto con las letras y presentaciones, Joaquín Martínez (bajo), Raúl Cabrera (guitarra), Juan Pablo Corcuera (vocalista/ guitarra), Abraham López (batería) y Dan Salazar (synth/keyboards), nos platican un poco sobre el disco, su nuevo sencillo y la historia de la banda. Para quienes no los conocen, platíquenos un poco cómo surgió la banda y un poco de su primer disco.. Abraham: La banda surge en el 2007, poco a poco por así decirlo, primero nos conocimos Juan Pablo y yo, hicimos una especie de dueto que duró 2 meses y de ahí invitamos a Raúl, el guitarrista. Fue como la primera alienación junto con Joaquín y nos integramos entre Enero y Abril mas o menos y ya duro la banda así casi dos años. Después invitamos a Daniel, tecladista de la banda que ni uno de los 4 conocíamos antes pero lo vimos tocar un día, nos gustó mucho su propuesta y lo invitamos ya para cerrar la alineación.

Joaquín: Si, es más directo, las letras. Y nuestros shows creo que con este segundo disco, se han vuelto más directos. Entre la colaboración del primer disco con Siddhartha y este segundo, que contó con la intervención de Castillo (Jumbo)… ¿Cómo han sentido el cambio? ¿Qué esencia tiene uno del otro que alimentó a la banda? Abraham: Fue un proceso muy diferente, creo que Siddhartha se clavó mucho nada mas como en hacer algunas estructuras de canciones y después de grabar, hubo mucho trabajo como de post producción de arreglos y Siddhartha es muy detallista, se clava mucho como en los pequeños detalles que hacen que las canciones suenen muy bien y Castillo es al revés, como que se clavó muchísimo en la composición y en el momento en el que grabamos en el estudio, prácticamente se acabó la

En la promoción de su segundo disco … ¿Cómo ha recibido el público este material, el cambio del inglés al español? Abraham: La verdad muy bien. Desde que compusimos en español, la gente como que se conectó mucho más rápido con las canciones y también nosotros mismos, como que de repente no es lo mismo hablar en inglés de cosas más metafóricas que en español, con un mensaje más claro en el que la gente de repente se conecta más.

chamba, no hubo mucho como trabajo post, la banda fue un poco más cruda, más seria, con instrumentos más reales. Es como el gran contraste, uno muy clavado en los detalles y otro muy clavado con la composición. ¿Y como fue el acercamiento con Castillo? Joaquín: Un show aquí en Guadalajara, le abrimos nosotros a Jumbo en Junio o Julio hace 2 años y fue un por medio de un amigo que nos conectó, nos escuchó y le gustó mucho lo que vio en el show y sin pensarlo, ya estábamos trabajando con él. ¿Ustedes se involucran en el arte del disco? Juan Pablo: Nos involucramos en todo, como en los videos y el arte del disco tratando de cuidar que sea todo un producto integral.

El arte del disco lo hizo Iván Quintero, un amigo de La Paz que radica aquí en Guadalajara y bueno, todo el trabajo del disco está hecho a lápiz y colores y bueno, el primer sencillo lo grabó Chiva, un director de cine del D.F. que es originario de Monterrey que ha hecho videos de Juanes, Belanova, artistas de todo tipo. Ahora estamos promocionando nuestro segundo sencillo que se llama “Nunca Nada”, el primero fue “Fénix”, y este segundo videoclip fue grabado en Madrid España y ahí no salimos nosotros mas bien, son 2 historias paralelas que describen un poco y narran el concepto de la canción más que nada. Platíquenos, un poco sobre el colectivo Mix Le Fun, ¿cómo es su relación, que aportes tienen bandas como Ponyrex o Master Plus para TF?

Abraham: Lo más claro es que compartimos integrantes. En TF está también el proyecto de Raúl que es Yogui. Yo toco en Lost Mapaches y Dan el tecladista, toca en Ponyrex y está Alfredo que toca en los Master Plus y en los Master Plus está Juanjo que es un Lost Mapache y al final. puedes encontrar la relación que hay en todas las bandas. Entonces ha tocado que hagan remixes, de repente ha tocado que gente cante en los proyectos de los otros para hacer colaboraciones y hay mucha reciprocidad por así decirlo en el tema musical, y buscamos mucho apoyarnos entre nosotros, compartiendo contactos y hacer shows juntos. ¿Ese es el fin o por qué fue la creación? Abraham: Fue un grupo de amigos donde se generaron muchas bandas por eso somos una familia y no un colectivo, porque no partió de interés sino que se dio. Joaquín: Además, Mix Le Fun han generado eventos, tanto aquí como fuera y es como una sociedad. ¿Qué sigue después de este tour de promoción del disco, Ideas? Abraham: Estamos a todo promocionando el segundo sencillo, estamos por grabar el tercer videoclip del tercer sencillo.

Aparte de ese tercer sencillo, vamos a regalar una canción del disco como proyecto especial entonces, le vamos a dar realmente fuerte a 4 canciones del disco durante el año. Hoy nos fuimos de compras (risas) fuimos a comprar muchas cosas para empezar a buscar nuevos sonidos entonces, entramos a una nueva racha de composición porque sí queremos grabar un material en este año para el año próximo arrancar desde Febrero con cosas nuevas. Han sido bandas teloneras como Phoenix y The Whitest Boy Alive, ¿una banda ideal que le quisieran abrir y que le falta a TF? Dan: Coldplay o una banda así que a todos nos gusta y que entra en otro nivel o Radiohead, (risas) bajita la mano. Coméntenos algún momento memorable, ya sea con estas bandas internacionales, entre ustedes o de algún show. Abraham: (risas) Acabamos de tener una experiencia hace como un mes en cuanto sucedió dijimos, cuando surja este tipo de preguntas en las entrevistas, va a ser la ganadora. Hace un mes o 20 días estábamos en Mérida, que es una de las plazas más importantes para nosotros porque desde la primera vez que fuimos se generó mucha energía con el público entonces,

ya teníamos más de un año en querer regresar. Por fin movimos un chorro de cosas para hacer este show. Fue sould out se habían acabado los boletos dos días antes del concierto, nunca nos había pasado, había como mucha expectativa; la gente muy emocionada, nosotros también y como 1 hora antes, entró la AFI así con perros y metralletas y todo y cancelaron el show. No pudimos tocar y acabamos unas dos horas después haciendo el acústico en la calle, haz de cuenta en la Minerva, el equivalente a la Minerva pero en Mérida y se vio como unos 100 fans más o menos y fue un momento muy chido como a las 2 de la mañana. Muy mágico por un lado pero también muy desgraciado porque no pudimos hacer el otro show que teníamos muchas ganas. ¿Y a que suena ahorita, en este momento TF? Abraham: Ahorita suena a algo más tropical, algo más movido, más simple un poco más fresco. Dan: Pero tampoco sabemos, realmente en el proceso es donde sabemos. Joaquín: Lo que saquemos de ahora en adelante, los tracks, pueden ser cualquier tipo de música, de sonido.

Por: @Yiruim úsicos, bandas, proyectos, ideas, algunos chilenos han decidido hacer un nicho musical en este país, algunas mas populares que otras, tal vez vean a México como un punto clave en el rock perfecto para la difusión de sus propuestas, estas son variables, el contenido tiene un sello particular en cada uno de los proyectos, pero todos buscan un mismo fin, hacer música, ser escuchados, tener una base de fans en el país y estar rolando por donde los lleve el cambiante sendero del rock.

Conozcan a algunas bandas de Chile que andan haciendo lo suyo en nuestro país, jalando de apoco muchísimos oídos de lo que mas tarde se convierten en fans incondicionales, comencemos por esta travesía de estas bandas sudamericanas. Los Bunkers Una de las bandas mas exitosas de los últimos años en el rock latinoamericano, desde que su disco vida de perros empezó a rolar por nuestro país se han hecho de una base de fans increíblemente fuerte que se ha mantenido gracias a sus actos en vivo en diferentes festivales por todo el país, ellos son de esas bandas que saltan la brecha generacional de la chaviza cotidiana. Pedro Piedra Un cantautor que se ha hecho de un nombre por si mismo, desde su explosión con el sencillo “inteligencia dormida”, aunque tenga diferentes proyectos en su haber, logra capturar la atención gracias a su peculiar estilo de componer, y como los Bunkers, la base de fanáticos va en crecimiento gracias a su participación en diferentes foros nacionales. Gepe Otro solista, multiinstrumentalista, one man band, con un estilo increíble en sus actos en vivo, melancolías y composiciones sencillas que generan espectáculos únicos para quien esta frente al escenario, un chileno contemporáneo de Pedro Piedra, con un poco mas de discreción en la escena del rock nacional, pero no por eso de una calidad menor, créanme cuando les digo que vale totalmente la pena ver a Gepe en vivo, todo un deleite audiovisual.

Fernando Milagros Otro “solista” que no esta en el centro de los reflectores, con un estilo mas folk que los muchachos que acabamos de nombrar, con mas énfasis en lo profundo de las atmósferas y las letras tristes, actualmente promocionando su ultima producción “San Sebastian”; una propuesta elegante y disfrutable para los días de lluvia o atardeceres solitarios, Javiera Mena Esta chica es de las “mas viejas” en la mada de esta ola chilena de principios de los dosmiles, partiendo de un concepto como solista y sabiendo posicionar sencillos empapados de rock dulce rozando el pop, pero de un calibre bastante poderoso, no es la simple chica que hace canciones de amor y desamor dependiendo de lo rosa que quiera matizar sus actos, con 2

producciones en su haber ha demostrado que lo importante en el rock es rolar por donde te lleve la música. Francisca Valenzuela Una chilena que nació y creció en California, multiinstrumentalista, multidisciplinaria que consiguió un éxito arrollador en Chile con su primer material, va muy de la mano con la propuesta de su contemporánea Javiera Mena, sin dejar del lado imprimir un sello muy peculiar a sus producciones con tintes musicales diversos y una calidad enorme, con solamente 2 producciones ha logrado ser un icono del rock en Chile y en México una señorita respetada en el entorno del rock nacional. Astro Una banda relativamente nueva en el mapa, estos chilenos con tan solo una producción en su haber han logrado atraer las miradas de propios y extraños, ya que su sonido sobresale por mucho de sus contemporáneos paisanos Chilenos, con tintes electrónicos y bailables son una promesa bastante fuerte para permanecer en ese basto y a veces cruel campo del rock nacional. Los Denver Un dulce combo de chico y chica, folk suave, letras y atmósferas ligeras, una banda que va rascando muy bien el terreno del publico mexicano, con una participación bastante fluida en la escena nacional han sabido moverse en los círculos capitalinos armando actos en vivo bastante decentes, una dueto que con un estilo dulce logra enganchar a esas orejas que gustan por un caramelo suave en su rock.

Y así podemos citar muchísimas mas bandas, pero esperemos un poco, esperemos a los nuevos chilenos aparecer en la escena, por lo mientras, disfrutemos lo que este país esta exportando para el deguste de nosotros, el siempre fiel y melómano publico nacional.

Por: Erick Castro II @ecastroo fotos: Cortes铆a Babas贸nicos

eintiún años de carrera, 10 discos y la partida de un miembro fundamental en la banda, es lo que marca la historia de una de las bandas de rock argentino más emblemáticas de las últimas décadas. Pero si bien se acierta y pese a los grandes esfuerzos de la banda por sobresalir en la ya lejana década de los 90, los Babasonicos tuvieron un parte aguas, un antes y un después en su historia con la salida de Jessico, disco que marco el sello particular de la banda, con el cual hubo un cambio sonoro bastante marcado y con el cual se apuntalaron a la cima de un éxito bien merecido.

Tal vez a unos les guste su música y a otros no, pero lo que debemos de tomar en cuenta es que Babasonicos se ha convertido en un referente de la escena musical latinoamericana de los últimos tiempo. A continuación les presentamos una plática que tuvimos con Diego “Panza” Castellanos, baterista y miembro fundador del grupo argentino que actualmente promociona “A Propósito”, su ultimo material discográfico

“A propósito” viene a cortar la sequia de 3 años de los Babasonicos sin disco, ¿Cuéntanos sobre el disco?

Diego “Panza” Castellanos: Fue un disco que hicimos bastante rápido, fue bastante el tiempo que tardamos en hacer otro disco y este fue el primer disco con “Carca” (Carlos Hernán Carcacha) tocando el bajo por la partida de “Gabo” (Gabriel Mannelli, fallecido el 12 de enero de 2008 por víctima de la enfermedad de Hodgkin), lo cual fue bastante complicado, pero lo pudimos resolver. Grabamos en nuestro propio estudio, lo estrenamos haciendo el disco y en la mezcla intervino Phill Brown, quien trabaja con nosotros desde el disco “Anoche”, un anglosajón con oído muy especial que nos sabe administrar, pero a grandes detalles fue un disco bastante rápido, incluso llegamos a pensar que saldría antes, pero hubo

algunas complicaciones que lo retrasaron y fue un buen trabajo con el cual tratamos de ir hacia otro rumbo en lo sonoro.

Fue difícil porque era suplir un rol importante y a la vez también es difícil acoplar a otra persona, por el tema de confianza y afinidad. Con “Carca” lo logramos parcialmente, ya que lo que pasa es que el (Carca) no es bajista originalmente, el en su banda es un frontman y tiene otra percepción de lo que es una banda.

En parte se logro, noto yo un nuevo camino en donde podemos volver a arrancar.

La partida de “Gabo”

Sigue siendo difícil, cada vez menos, pero desde la partida de Gabriel, se da un proceso que es de un día para el otro.

DC: No teníamos muchas opciones, abandonar todo o seguir y optamos por seguir, que yo creo fue la decisión más feliz.

Jessico: El antes y el después. DC: El cambio es consecuencia de la evolución de la banda. Igual si uno ve la discografía se puede ver que desde el disco anterior (Miami – 1999), ya se percibe un cambio de rumbo en lo musical y Jessico es como una síntesis que tiene que ver con los cambios que existían en la banda en ese momento, porque en el año 2000 hay un crack económico, la disquera nos devuelve el contrato y de la banda se va Dj Peggyn, con el cual tuvimos como una pelea, se va el manager y quedamos como un año un poco a la deriva, sin saber qué hacer. En los discos anteriores nosotros gozábamos de una situación contractual que nos permitía experimentar más en el estudio y cuando nos enfrentamos a Jessico, no teníamos ningún tipo de presupuesto y lo hicimos todo en una sala de ensayo que construimos. Entonces estábamos volviendo como al principio, pero ya no íbamos hacer un disco como Pasto (1992), porque ya lo habíamos hecho y queríamos proponer una nueva forma de ser directos y sin dudas; necesitábamos como banda llegar a la gente porque si no el siguiente paso era la separación, pero al final como que se dio todo y optamos por hacer una música simple y concreta que no tuviera objeciones. Todos los discos anteriores nos encantaban pero lo que pasaba afuera, a nosotros no nos pasaba demasiado, por sectores algunos, pero no nos permitía vivir como banda.

Caricatura: Luis Silva

¿Escalar al siguiente nivel?. Si, por eso yo creo que es eso, Jessico no fue una casualidad de que pasara, porque ya veníamos tocando una música que permitió que pasara, el sonido había evolucionado y era el cambio de década, nosotros no estábamos en la misma etapa mental de volver a subsistir de nosotros mismos; entonces todo eso se refleja en la música y necesitábamos algo fresco. Los otros discos son muy encerrados en la banda, retrospectivos, con cuestiones bastante herméticas. ¿Renovarse o morir? Claro, entonces en lugar de encerrarnos como banda y cultivar toda esa clase de mística, quisimos hacerlo hacia afuera, algo fresco, espontaneo y concreto. Justamente estuvimos hace poco escuchado el disco e hicimos muchos demos de los temas y seleccionamos los indiscutibles, los perfectos; quedaron algunos afuera y ahora lo vamos a lanzar. Re-mezclamos algunos temas, hicimos unos toques y te darás cuenta que es otro disco, es más parecido a lo que veníamos haciendo antes y eso saldrá ahora, se llamara “Carolo” ¿Será una versión “Deluxe” de Jessico? Si, será Jessico por los 11 años del disco y vendrán los dos cd’s. Además al mismo tiempo saldrá un acetato de Jessico.

El significado de México para los Babasonicos. DC: Es nuestro segundo hogar, nuestra segunda patria. Para nosotros México representa la calidad humana, admiramos mucho a su gente y desde el primer día que estuvimos acá, que fue en el año 1995, no podíamos creer que la gente conociera nuestros temas, que estaban en la misma onda, sintonizando la misma frecuencia. Eso fue increíble. Seguimos viniendo y cada día nos sentimos más como en casa, por una cuestión más de respeto, nosotros le debemos la mitad de nuestra existencia a esta patria. Retomar temas del pasado para las giras. DC: Ya lo teníamos pensando y tomamos algunos temas de Miami y Babasonica (1997), no pudimos llegar más atrás, por ahí se cuela algún tema de Pasto. A veces nos pasa que es difícil retomar los temas de antes, porque teníamos otra energía y ahora es otra cosa, tenemos que actuar de otra manera, ya no es lo mismo que hace 15 años, entonces ya no nos salen los temas. Quizás no es que no salgan, sino que no nos motivan; es como que ya paso, pero hay cositas que vamos agarrando, siempre y continuamente cuando planeamos un show vemos en retrospectiva para ver qué temas se parecen y hay como una especia de links donde se vinculan el trabajo más reciente con discos del pasado.

También estamos muy cansados de que nos digan que como Jessico cambio y que ahora hacemos todos los discos igual, eso nos dicen en Argentina, ya estoy harto de eso (comenta entre risas), ya no importa nada de lo que digan; pero bueno ya no somos los mismo de antes, somos una banda nueva y este año estamos haciendo otro disco nuevo y abriendo las antenas para lo que será este nuevo materia, que esperamos salga este año. Entonces en base a esto ¿Cómo podemos definir “A propósito”?. DC: “A propósito” es un disco que vuelve a indagar un poco en lo que es la banda, es más oscuro o hermético, barroco, muy contrastado y mutante, empecé a escucharlo y me gusta. En discos pasados las canciones eran muy compactas y ahora este disco va mutando en la horizontalidad. Y por último… La unión de canción. ¿Cuál es el objetivo? DC: El objetivo es jugar un poco, salir un poco de la normalidad, eso básicamente es eso; hay una dicotomía en donde nos tomamos la forma de cómo expresarnos en este arte y decir como individuos “debemos ponerlo todo”, tomarlo muy enserio. Por otra parte esto nos lo tomamos muy livianito y no nos comprometemos tanto, es como una especie de juego, entonces en ese juego da para experimentar y cambiar, porque creo que eso es una de las cuestiones por las cuales han pasado 21 años y seguimos con ganas de salir a tocar.

Encore