Julio 2012 by URL Magazine

DIRECTORIO MAGAZINE JUNIO, JULIO 2012

CONTENIDOS

Sergio Hernández Juárez Dirección General sergio@urlmagazine.com.mx Twitter: @sergio810511

Francisco Pérez Mejía “Frasko” Editor en Jefe frasko@urlmagazine.com.mx

ENCORE

Twitter: @Fraskote

Cinema Paradiso Yo en tí, Tú en mí Politicamente Incorrectos Fight The Power El Indie no es un género

Erick Castro

FEATURES Niña Kinky

Coordinador Editorial erick@urlmagazine.com.mx Twitter: @Ecastroo

Rafa Ledesma Dir. Arte/WebMaster rafa@urlmagazine.com.mx

Shanick Mota Relaciones Públicas y Prensa Shanick@urlmagazine.com.mx

Patricia Cano Community Manager pati@urlmagazine.com.mx

Corrección de Estilo Erika Anallely

Publicación de Eventos Pimienthas pimienthas@urlmagazine.com.mx

Diseño Sergio Hernández Juárez Rafa Ledesma

Colaboradores: Mich Martínez Mirna Torres Nathaly Soto Pamela Ascencio Patricia Cano Samuel Nava Martínez Selene Tajín Shanick Barker Yiruim Israel Lara Montiel

United Rock League es una publicación digital mensual con domicilio en Gabriel Mancera 247 Int. 501, Del Benito Juárez. Prohíbido la reproducción total o parcial por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso de los editores. El contenido y Colaboraciones son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores.

United Rock League Magazine 16 Junio-Julio 2012 Ejemplar Gratuito

Por: Francisco Pérez Mejía “Frasko” Editor en Jefe URL Magazine Entre otros hechos que han llamado la atención en últimas fechas, es el surgimiento del movimiento estudiantil #YoSoy132, con el que he de confesar, me siento plenamente identificado. Un reflejo de toda esta situación política que vivimos es el texto que redactó Israel Lara, quien habita por tierras argentinas, pero que mantiene un lazo muy fuerte con el país que lo vio nacer.

El ambiente electoral mantiene tensa la situación del país. Desafortunadamente, México se ha divido en varios bandos, derivado de la preferencia política de cada persona. Algunos se sienten identificados por un candidato, otros por una idea y otros de plano sienten total indiferencia. No obstante todo lo anterior, paradójicamente, la música en México vive uno de sus mejores momentos. Nacen infinidad de bandas todos los días, aunque no todas de buena calidad, siendo sinceros; algunas que ya dábamos por muertas resurgen de entre las cenizas, y cantidades industriales de canciones llegan del extranjero.

Entrevistas, artículos, reseñas, nuestra sección Band To Follow y más, son parte de la presente edición que estará en circulación durante el resto del mes de junio y todo julio, ya que estamos preparando varias sorpresas para agosto, mes en el que la edición online de United Rock League Magazine cumple 2 años de ocupar un gran lugar en el ciberespacio.

Hay bandas que, aún con el paso de los años sobre sus integrantes y las mutaciones que ha vivido últimamente la industria discográfica casi como las que sufre Seth Brundle en el filme “La Mosca”, no paran de hacer música y siguen en la búsqueda constante de lanzar un nuevo sencillo o, incluso, generar un álbum completo de buena calidad. Tal es el caso de nuestra banda en portada Kinky y de sus compañeros regios de Niña, banda de culto en la escena nacional a quienes también entrevistamos para la edición junio-julio de United Rock League Magazine.

Si la vida y el clima político-social actual de nuestro país nos lo permiten, estaremos de vuelta el primero de agosto para traerles nuestra edición mensual llena de información sobre música, artes, política y una que otra cosa más. Las noticias, columnas y reseñas de conciertos, seguirán funcionando como hasta hoy. No se les olvide visitar urlmagazine.com.mx frecuentemente para mantenerse al tanto de dichas publicaciones. ¡Nos leemos en agosto!

Después de que Jack y Meg White anunciaran tras más de una década de vida, la separación de The White Stripes, no creí que este músico nos regalara para Abril del 2012, un magnífico disco solista del cual, puedo considerar para ser nominado dentro de los mejores de este año. Jack nos demuestra que es un músico completo que, además de haber posicionado a TWS como una de las mejores bandas de los últimos años, se integró a nuevos proyectos como The Raconteurs y The Dead Weather, además de dedicarse a la producción se convirtió en una de las personalidades más reconocidas del rock actual. Blunderbuss con 13 temas, bajo el sello discográfico ThirdMan, representa el muy particular estilo de Jack con influencias ya utilizadas en sus proyectos pasados. Un poco de blues, rock de los 70´s y toques country, además de los estruendosos riffs que no se esfumaron del todo y la docilidad que, en cierto punto medio, White nos muestra en este nuevo material. La placa discográfica abre con “Missing pieces”, un tema con unos riffs destacables, más un teclado que me recordó a Ray Manzarek y The Doors.

Jack White BLUNDERBUSS Por: Pamela Ascencio / @heywera

Mientras se iba preparando el terreno, “Sixteen Saltines” nos regala una descarga de guitarra impresionante que, sin duda, está dentro de mis favoritas. Y qué decir de “Freedom at 212”, un riff bien experimentado. “Love interruption”, el primer single que se dio a conocer de este álbum, es el perfecto punto intermedio donde una voz femenina, guitarra acústica en mano y sencillez en los teclados, hacen que te proyectes en la intimidad de una habitación de hotel. “Blunder buss” es el ingrediente llamado country, con un toque de blues. Nombre que lleva el disco y que lo porta de la mejor manera. Un piano, batería y guitarra acústica hacen de “Hypocritical kiss” uno de los temas más armónicos así como “Weep themselves to sleep”, y su atinado solo como co-protagonista de un fabuloso piano. Llegó hasta la octava canción el momento de chasquear los dedos y corear el tema “I’m shakin”, cover a Little Willie John. “Trash tongue talker” donde la estrella es el piano y sin duda, uno de los temas donde disfruto la voz rasposa de White. “Hip (Eponymus) Poor Boy” y “I guess I should go to sleep” son un exquisito platillo de folk mientras que “On and on and on” prepara el terreno de manera serena para despedir este álbum. El álbum cierra con “Take me with you when you go” y una armonía bien marcada entre los instrumentos involucrados, la voz de Jack y voces femeninas. Blunderbuss demuestra el lado versátil de Jack y que apellidarte White, no es sinónimo de guitarrazos, va más allá y significa probar nuevo terreno.

Gossip A JOYFIL NOISE Por:Shanick Barker || @shanickbarker

Después de 3 años de ausencia, Beth Ditto nos vuelve a deleitar con su inigualable voz en este 5° álbum de estudio, que lleva por nombre: Joyful Noise, el cual, le hace justo honor a su nombre. Cargado en su mayoría de synth- pop, junto con un poco de dance rock y toques de funk, es la interesante mezcla que proponen en esta ocasión. El cambio de la banda es un tanto apegado a lo ochentero, ya que la mayoría del disco está repleto de sintetizadores y sonidos característicos que nos recuerdan a esa época, pero se mantienen en la esencia de ser una banda dueña de un sonido imponente, divertido y fiestero.

Entender y gustar de la música de Gossip no es gran cosa, su música es muy digerible, agradable y muy fácil de gustar para todo oído, y esta vez no es la excepción. El disco empieza con algo poco parecido a lo que escucharemos en todo el recorrido de esta producción, pero muy diferente a lo que habíamos escuchado en su último material, Music for Men, “Melody Emergency” es una canción en donde el bajo constante y un suave sonido de sinte acompañan a Ditto, en un sonido rockero con toques bailables e incluso cantables con un coro pegajoso. “Get a Job”, una de las piezas más resaltables, tiene las características ideales para ser un éxito antrero, el sintetizador resalta de todo lo demás haciendo figuras con ritmos ideales para bailar y escuchando en gran parte de la canción la frase “you need to get a job”. Otra canción en donde se ve “envuelta” en sintetizadores y arreglos antaños es “Into the Wild” una balada que fácilmente nos podría transportar a aquellos años.

El primer track, Hold on es su carta de presentación. Una canción que sobresalió en el ranking de Bandcamp, lo que les valió una futura contratación por parte de ATORECORDS, quienes produjeron su disco debut.

ALABAMA SHAKES BOYS & GIRLS

por separado.

Boys & Girls es el nombre del disco debut de la banda Alabama Shakes, compuesto por doce poderosas canciones que rememoran el sonido de las grandes bandas de rock and roll, blues y soul de antaño. Esa, es la esencia de la banda, con una poderosa voz al frente y como fondo, una guitarra igual de fuerte y repetitiva, lleva a las canciones a adquirir el punch suficiente para llamar la atención.

Además del sonido blues y la esencia soul que poseen, la mayor virtud de la banda, y que se refleja todo el tiempo en el disco, es la potente voz de Brittany Howard, quien igual canta y da sentido a una canción de desamor como Heartbreaker, que a una de amor, como lo es, I found you. Durante los doce temas del disco, la intensidad de la voz es la misma, cargando así de pasión todas las canciones.

Por: Samuel Nava Martínez

El productor en esta ocasión, es Brian Higgins (Girls Aloud, Pet Shop Boys). La obra comprueba al cien, que él es la mente “retro vintage” detrás de todo este viaje ochentero, que da por resultado un disco diferente a los anteriores pero que, seguramente, tendrá un recibimiento igual o incluso mejor que los mismos.

Podría considerarse un disco retro en el que la banda busca y consigue lograr un sonido antiguo, y es en ese sonido, donde radica su mayor virtud, pues consigue atrapar al escucha, quien difícilmente puede imaginar, a primera instancia, que se trate del disco debut de una banda. Es un disco cargado de un sentido atemporal y que, en tiempos en los cuales el indie inunda la escena, logra llamar la atención.

El sonido vintage hace de este, un disco muy especial que vale la pena escuchar. Algunos pasajes se caracterizan por pasar del rhythm & blues al sonido gospel, a piezas que parecen baladas, contrastando con melodías más amables y rítmicas. Los riffs de guitarra y las intervenciones del piano o armónica, dependen del estilo de cada canción, sin embargo, cada una tiene sentido

Seguramente, éste será uno de los discos mas reseñados y aparecerá entre los tops de muchas personas, pues ese sonido retro y fuera de lo común, lo hace especial por sí solo.

Dubstep. Un género nada nuevo para el 2012, un género que esta de moda y ante todo lo que más se está escuchando dentro de la música electrónica. Este género comenzó como una mezcla de electrónica con los ritmos del Dub del Reggae y que en los últimos años se ha distorsionado a un sonido totalmente distinto y para algunos, comercial. Infected Mushroom no se quedó atrás, dentro de esta moda nueva y su nuevo disco que salió el pasado 8 de Mayo, éste último, es una fusión de la electrónica un poco más “rock” con el sonido nuevo del Dubstep. Durante casi una hora y media (dependiendo de la versión del disco que tengas) demuestran lo que ha creado el Dubstep en la nueva era de la electrónica, no sólo con sus canciones, sino un par de covers que incluye a Foo Fighters en el track list. Tras ya quince años de carrera dentro de la música electrónica, Infected Mushroom siempre ha sido una banda que se ha propagado por su manera de fusionar la electrónica con ritmos nunca antes utilizados. En un par de rolas sí mantienen este “trademark” y sí se pueden ver las raíces con sonidos parecidos a unos dos o tres discos atrás. Pero comparando con la nueva era de Infected, refiriéndome el disco anterior y el disco nuevo, no han marcado mucho cambio ante las bandas restantes. Un gran ejemplo con las seis o siete rolas que se podrán considerar cono Dubstep dentro de su disco nuevo “Army of Mushrooms”. El dubstep ya no es un género nuevo, es la nueva moda con DJs como Skrillex (que también ha logrado distorsionar la propuesta original del dubstep) o hasta Deadmau5.

INFECTED MUSHROOM ARMY OF MUSHROOMS Por: Mich Martínez || @mixapalooza

Para todo aquel amante del Dubstep y estos nuevos ritmos, este es un disco recomendable, pero tendrían que tomar en cuenta que también es un disco que se puede volver electrónica trance o hasta música industrial (estilo The Prodigy). Sus canciones “U R So Fucked” y “Serve My Thirst” son de las más representativas y las que mantiene el alma original de la banda en movimiento, sin embargo, las demás rolas no se quedan atrás y también son una fusión interesante de ritmos “electrosos”.

Keane llega en esta primavera del 2012, estrenando su cuarta producción “Strangeland” donde se percibe una madurez musical, sin dejar de lado la esencia que los caracteriza desde su primer disco. Este último trabajo fue producido por Dan Grech, quien también ha realizado producciones de Lana Del Rey, Radiohead, Moby, Scissor Sisters, por mencionar algunos, por lo que se puede tener certeza de contar con un trabajo de buena dirección musical. Este conjunto británico, muestra su madurez musical, conservando la esencia que los ha caracterizado. Pero, en esta ocasión, ofrece una habilidad y crecimiento no mostrado en sus anteriores producciones, donde muestran a sus fans que pueden seguir confiando en el grupo, sin dejar su siempre combinación de piano, sintetizadores, con la cual podrán seguir con un crecimiento musical. La banda liderada por Tom Chaplin une 12 piezas que hace recordar su primer álbum “Hopes and Fears”. Desde el primer track, nos hace recordar aquella vieja canción “Somewhrere only we know”, pero con una mejor estética musical, además de agregar un aspecto nuevo, ya que deciden hacer crecer el grupo con la incorporación de Jesse Quin, nuevo bajista, convirtiendo a la banda oficialmente en un cuarteto. Este material producto del brit pop, tiende en la mayoría de las canciones, a dar ánimo, tales como “You are Young” o “Watch how do you go” por mencionar algunas canciones. “Silenced by the night” fue el track que decidieron lanzar como primer sencillo, un tema que definitivamente lleva el sema de Keane en ritmo, voz, instrumentos, del que realizaron el primer videoclip de este disco.

KEANE STRANGELAND Por: Selene Tajín // @ @Selene_Vicsu

El segundo single fue “Disconnected”, del cual se desprende un videoclip interesante, un cortometraje cuya dirección estuvo a cargo de Juan Antonio Bayona (mismo que realizó la dirección del largometraje “El Orfanato”). Este video de Keane, es un cortometraje bien logrado donde muestra una historia de terror/suspenso muy parecida al gran clásico de principio de los ochenta “El Resplandor” dando una vez más, su toque de calidad, no sólo en producir un video con el grupo cantando, sino hacen una verdadera historia con una excelente producción. Finalmente el disco lo cierran con una balada en piano, con un toque inglés muy marcado “Sea fog” dejando un buen final, provocando la sensación de haber escuchado un buen disco que al terminar, puedes volverlo a escuchar sin problema alguno. Una buena noticia que nos tiene Keane es que, después de tres años, deciden regresar a tierras mexicanas. Se publicó en su página oficial que se presentarán el 29 de agosto en Monterrey y 30 de agosto en la ciudad de México de este año, incluyendo a nuestro país en su gira, precisamente para la promoción de “Strangeland”. Esperamos su espectáculo sea de la misma calidad que su disco.

Siempre es emocionante saber que una banda tan buena como Garbage regresa con material nuevo. Not Your Kind Of People es el quinto material de Shirley Manson y compañía después de siete años. Me atrevo a decir, que ha sido uno de los materiales más esperados y no lo digo sólo por los fans, también por aquellos que no lo somos pero recordamos con nostalgia canciones como: “Stupid Girl”, “Only Happy When It Rains” o “Why Do You Love Me”, por mencionar algunas. Escuchar como entrada “Automatic Systematic Habit” emociona, y mucho. Shirley me hizo recordar, con esa voz llena de intensidad, porqué es una de las mejores intérpretes, además, la melodía de las guitarras distorsionadas junto con los sintetizadores realzan la “voz enojada” de Shirley; como en las primeras obras de la banda. “Big Bright World” conserva la esencia de los años noventeros de la banda. “Blood For Poppies” tiene un gran inicio e intervenciones de guitarras distorsionadas, aún así, no es el mejor track. A pesar de ser el sencillo que marcó el regreso de la banda, por un momento, perdí la sensación de una Shirley enojada y ruda. “Not Your Kind Of People”, es la balada y por supuesto, el track que le da nombre al disco. Es una gran opción con una buena ejecución, lo mismo pasa cuando llega “Sugar”. Es raro, pero no malo, escuchar canciones melancólicas de Garbage sin tanto coraje y guitarrazos por todos lados, esa mentada melancolía se ve reflejada en una voz y arreglos bastante suaves a comparación con lo que ya nos tenían acostumbrados.

GARBAGE NOT YOUR KIND OF PEOPLE

Por: Patricia Cano // @MariPatti_

Esta obra solo reafirma el éxito de Garbage, “Felt”, “I Hate Love”, “Battle In Me”, “Man On a Wire” o “The One” son la muestra clara del merecido regreso de la banda. Es como hacer un viaje hasta los 90’s gracias al rock alternativo-industrial-electro que persiste en ésta obra. Garbage cumplió su cometido, después de 7 años, hacer que “Not Your Kind Of People” conservara la esencia de la banda sin que sea una producción pretenciosa es de aplaudirse. A estas alturas, sólo espero que Garbage se presente en nuestro país como pretexto de su retorno a los escenarios.

úsica con potencia que mantiene viva la escena musical española, pintando la soledad y nostalgia de colores brillantes, letras con esencia, frescas, directas, cuyo precio es: Odio París como banda consolidada nacionalmente” – Pamela Ascencio (blogger)

Por: Pamela Ascencio/ @heywera

¿Quiénes son?

Odio París, antes de editar su LP debut, había presentado sus canciones en numerosas salas y festivales de España, destacando entre otros, el San Miguel Primavera Sound, Día de la Música Heineken, Vigo Transforma, Let’s Festival, Palmfest, South Pop Isla Cristina, Loop Festival, Contempopránea, Sonorama, Microsonidos, Embassa’t... y salas como Razzmatazz (Barcelona), Apolo (Barcelona), Ocho y medio (Madrid), entre otras.

Odio París es un quinteto catalán formado aproximadamente hace 3 años. Unidos por el gusto de bandas como Stone Roses, My Bloody Valentine, Jesus & Mary Chain, entre otras. Con una producción debut, la banda está conformada por Oscar (guitarra,voz), Alex (bajo), Marcel (moog, teclados), Víctor (guitarra y voz) y Jaume (bateria). ¿Qué tocan? Un sonido bien cuidado con toques sutiles de pop, acompañado por densas guitarras y melodías perfectamente combinadas. Ruido, canciones a medias y lentas, de influencia anglosajona notoria y sin comparación alguna que hacen de Odio París, una banda auténtica, donde el tecladista es el protagonista, su voz , la fiel compañera y riffs como hijos legítimos, hermanos de un bajo delicioso, sin dejar atrás una guitarra potente con una caja disfrazada de delicadeza.

Música, música, música… “Odio París” es el nombre de su álbum debut que nos regala 10 tracks, los cuales, les darás continua escucha ya que estas líricas y melodías, no pasan desapercibidas, ni tampoco para dejarlas en el rincón de tu biblioteca musical: llegaron para quedarse. El material abre con “Cuando nadie pone un disco” un tema con potentes guitarras, un bajo protagonista y synth que se notan de principio a fin. Este primer track cuenta con un video y con la adaptación de un poema de Pedro Casariego: “Tengo 32 años”.

¿Qué hay que saber? No sería hasta principios del 2011, cuando se editó su debut en formato single de 7”, “cuando nadie pone un disco”. Muy pronto, durante el mes de abril de 2011, editan su LP debut, que ha cosechado un sinfín de parabienes entre la prensa y los aﬁcionados a la música.

PA R A D I S O Po r : N a t h a l y S o t o / / @ N a t h _ Wo n k a

DE ARTE is amigos de URL Magazine y yo pensamos que estaría muy padre hacer una nueva sección en donde les recomendemos películas clásicas para que acompañen esas tardes domingueras de flojera. Es por eso que, la primera película que les recomendaré, es una de mis favoritas: Cinema Paradiso. Bienvenidos! Bienvenidos aquellos que han extraviado en el tiempo la historia de un amor inconcluso; bienvenidos aquellos que dejaron lo conocido y lo familiar en pos de un sueño prometido; bienvenidos esos que pensaron que la distancia y el tiempo eran el mejor paliativo para el dolor y bienvenidos todos los que se han sentido extraños en medio de pueblos conocidos. Para todos ustedes, hay una butaca en el Nuovo Cinema Paradiso. Cinema Paradiso es una película dirigida por Giuseppe Tornatore, estrenada en 1988 y que, además, se convirtió en un clásico cinematográfico mundial, incluso antes de ganar el Oscar a Mejor Película Extranjera.

Salvatore, también llamado Toto, es un niño pobre, travieso y muy inteligente que vive con su mamá y su hermana en el pueblo de Giancaldo, una provincia muy pequeña de Italia. Toto ha perdido a su padre en la guerra y encuentra en Alfredo el cácaro del Cinema Paradiso, una figura paterna. La sala, además de ser la única en el pueblo le sirve a Alfredo para enseñarle a Toto, quien acude cada tarde, lo maravilloso que es el cine, y juntos compartirán, el amor por el séptimo arte. Salvatore crece, deja el pueblo y se convierte en una persona de éxito. Un día, después de 30 años, recibe una llamada con una inesperada noticia que lo hace regresar a Giancaldo, lleno de recuerdos, comienza una nueva aventura, pues se reencuentra con Elena, su amor juvenil. Cinema Paradiso es una película que te hará sentir diferentes emociones, de repente pareciera que estás viendo varias películas al mismo tiempo, no todo será drama y tristeza, te hará reír mucho y pasar momentos que no te imaginarías. Sin duda Cinema Paradiso, paradójicamente, es de las pocas películas que hablan sobre el amor por este arte. Échenle un ojo y me cuentan qué tal…

Hace poco tiempo, tuve la oportunidad de observar una serie de “dobles fotos” que llevan por título: Switcheroo, proyecto de la fotógrafa canadiense Hana Pesut, donde básicamente, se muestra a una pareja (hombre/mujer) intercambiando sus atuendos. Un tema más basado en la identidad. Un proyecto realmente interesante a mi parecer. Lo divertido e ingenioso viene en el momento en que la pareja intercambia su ropa, una metáfora algo relacionada con la ya conocida frase “ponte en mis zapatos,” un juego, donde por al menos algunos instantes, los papeles y el estilo se intercambian y lo “unisex” sale a flote. Adoptar estilos, no es ser simplemente “unisex”, es crearte una imagen sin llegar a crear un disfraz, es lo que de igual forma se propone, en cuanto al mundo de la moda se trata.

YO EN

TÚ EN

omos uno mismo, “me prestas tu chamarra”, “quédatela, te la regalo, se ve mejor en ti”, son sólo algunas de las tantas frases que recuerdo decir al momento de “tomar prestada” alguna prenda de tu pareja, date o amigo (a)… de cierta forma al usar tal prenda, la mayoría de las personas sienten la esencia consigo mismas de la/el dueño de la prenda.

Hana trabaja de tal modo, que logra nificado. La pérdida de identidad, la sociedad, lo que somos, las relacion tomar diferentes enfoques, la unión e den abordar al observar esta gran se

Algunas fotografías realmente lucen las personas no es la mejor opción. N tener como requisito el vivir en Vanc so de selección. ¿A quién no le hubie de uno, nos hubiera encantado, aun siguiente serie de fotos. 14

capturar esos pequeños momentos, pero grandes en sigcreación de un rol, los estereotipos ya marcados por una nes como seres humanos, la cultura de cada persona, el entre dos personas, son muchos de los temas que se pueerie de fotografías.

n mejor que en la original, en otras, un cambio radical en No crean que son personas escogidas al azar, además, de couver (Canadá), éstas, tuvieron que pasar por un proceera gustado participar en dicho proyecto? Al menos a más nque si le mandan un mail, tal vez pueda incluirlos en su 15

uy buen junio tenga usted, estimado lector. Escribo en esta ocasión desde un Cono Sur que parece no querer dejar ir al verano y nos condena a un tibio otoño Y es que el clima, dejando de lado la cuestión del calentamiento global, se ha caldeado bastante en lo que va del año. Que si “Europa gira a la Izquierda”, que si las naciones árabes “Se levantan en conjunto y

dan al traste con la cuestión petrolera”, que Grecia, milenaria y orgullosa cuna de la civilización. “Va para afuera de la Unión Europea”, porque ya no son rentables y porque las facciones políticas de índole radical se han apropiado de la posición de poder para las próximas elecciones, que si “Obama apoya el matrimonio gay y sólo Dios sabe cómo

le afecte el liberalismo este año”, que si nuestro amado México “Gira a la Izquierda, se lo pelea la derecha, se aplana en el centro y al final va rumbo a un giro huracanado”. En fin, la cosa es que estamos viendo una época de cambios comparable a lo que ocurrió allá en el final de los ochentas del siglo pasado, muchos quizá no lo recuerden pero, para

Po r : I s r a e l L a r a M o n t i e l

quienes ya andábamos dando vuelta por el mundo, la Perestroika y la Glasnost, junto con la caída del muro de Berlín, se convirtieron en parteaguas de la forma en que se percibía y se percibe el mundo. ¿Por qué?, ha de preguntarse usted, ¿por qué estoy leyendo esto en mi URL de junio? Bueno, la respuesta es más sencilla de lo que usted cree: El rock, desde su mismo nacimiento, fue considerado un estilo de música que representaba la rebeldía de la juventud. Más tarde, cuando la rebeldía pasó de ser meramente musical y bailable, el rock, en algunas de sus expresiones, se convirtió en un medio de reclamo, en una forma de alzar la voz y exigir ser escuchado. Se convirtió en el grito joven, en una cara más de

de la sabiduría popular. No es extraño entonces, encontrarse con el activismo de rockeros a favor de tal o cual postura, tampoco el encontrarse con sus opiniones en foros masivos. Como ejemplo, tenemos la postura pacifista de los Beatles, el grito que intentaba romper con la represión de las dictaduras latinoamericanas desde los sesentas hasta los ochentas, que dejaron como saldo, a miles de muertos, desaparecidos y a muchos rockeros y cantautores exiliados ante la persecución inclemente que sufrieron, el reclamo social de la movida punk, o más recientemente las declaraciones de Fito Páez, rockero argentino, que declaró, no hace mucho ante la reelección de Mauricio Macri que “le daba asco la mitad de Buenos Aires” en alusión al hecho de que, este porcentaje de la población, fue el que le renovó la confianza al actual jefe de gobierno de la ciudad. O las declaraciones de Tito de “Molotov” acerca de “los acarreados”. La cuestión y la razón fundamental para este artículo, es el hacer una invitación, una invitación a reflexionar. Nadie es digno de llamar suyo algo que otro supo conquistar y que uno no puede defender. Vamos, la cosa es que, a pesar de tener una parte obscura en nuestra historia, México puede contarse entre los pocos países de Latinoamérica, si no es que el único, que no vivió una dictadura en el siglo XX. Así pues, hemos sabido conquistar un régimen democrático, malo o bueno. Es responsabilidad nuestra analizarlo, juzgarlo y, si es necesario, cambiarlo. Es muy fácil tener una actitud conformista. Dejar que el gobierno se encargue de todo, exigir que el mismo se ocupe de nosotros. Esta no es la salida. Las dádivas, el populismo, las medidas temporales que prometen aliviar al pueblo, sin atacar de fondo a los problemas que en realidad, nos afectan, son tan efímeras como el aire en el cerebro de quien las implementa.

La ineptitud de los gobernantes es, también, un tema nuestro. ¿Cómo?, pues si ustedes han escuchado alguna vez el juramento que hacen nuestros gobernantes cuando asumen el poder dice “....si así no lo hiciera, que la nación me lo demande” y, digo yo, si estos señores están conscientes de que sirven a la nación, ¿cómo es que la nación no está consciente de ello?, ¿cómo es que se le da fuero a gente que, la mayoría de las veces no se encuentra al nivel de la labor que le hemos encomendado?, ¿cómo es que alguien promulga una ley para evitar que se impida el libre tránsito y, meses después, es él mismo quien la infringe? ¿Cómo es que un hombre que robó a la nación es libre de caminar por su suelo con total impunidad?

abramos la mente, enterémonos de propuestas serias, maduras y, si no las hay, hagámoslas y seamos nosotros quienes marquen el camino hacia el futuro.

Basta señores, basta de regalar nuestros impuestos, de dejarnos engañar por promesas vanas y populistas. Nada, absolutamente nada, va a ser gratis en la vida. Ninguna promesa infundada debe atraernos, de esas ya estamos llenos. Ningún hombre puede creerse el mesías, ningún hombre debe acceder a la máxima autoridad de la nación a base de engaños. A nadie, nadie que haya traicionado nuestra confianza se le puede premiar con la continuidad. Pensemos señores, despertemos, dejemos de una vez de ser títeres de lo que nos dicen los medios, de lo que dice la internet, de lo que dicen unos de otros. Leamos,

Son algunos ejemplos de cómo el rock, la música, y sus representantes han levantado la voz para algo más que pegar de gritos. Obviamente, no podemos nombrar a todos y cada uno de los títulos que desearíamos recordar. Pero tampoco pretendemos facilitar todo, investiguen también eso, apuesto que, ahí afuera, se encuentra la canción que representa su pensar.

Cierro pues simplemente invitándoles a asistir a las urnas y a hacer oír su voz. Voten, por uno o por otro, por quien les convenza, por quien les proponga algo que les llene, que les impulse a ser mejores, que les ayude a hacer algo bueno por sí mismos y por su país. Dejen que nos escuchen, que sepan lo que somos, que se den cuenta de que queremos salir adelante, aprovechen muchachos y ejerciten la democracia, que bastante fuera de forma se encuentra.

Anímese damita, caballero, estudiante y obrero, ama de casa y doctor, hágase oír, sea, si tiene que serlo, políticamente incorrecto.

pesar que el país está pasando por una situación delicada en muchos aspectos y entornos, aprovecharé el clima político que ha estado empapándonos día y noche para conjuntarlo con lo que a todos nos interesa, la música.

Recurriré a una etiqueta cliché para ilustrar una vez más mi punto; el punk, o más bien, el tener una actitud punk, está muy presente estos días. Muchos dirán que el punk siempre ha estado presente en bandas del subterráneo y en bandas de la corriente principal, tal vez tengan razón, pero a mi parecer, los morritos que tienen su mentalidad en construcción, que no van a monear o a ponchar el gallo sólo por que el 99% de los morros de su edad en su entorno lo hacen, esa persona en particular, es más punk que el que se hace llamar así sólo porque lleva una chamarra de cuero, estoperoles y el cabello tieso y teñido.

Vemos, escuchamos, leemos, nos topamos o a veces estamos en la masa de personas que salen a las calles a escupir la rabia que habían mantenido guardada. Muchos no están satisfechos con el entorno nacional, con los medios, con los de arriba, con el hecho de que se les quiera tratar como niños; son muchos, no hay rango de edades, no hay fricciones entre ellos, todos buscan un objetivo común. A veces, no saben cuál es ese objetivo, solamente quieren hacerse escuchar, y se está demostrando que pocas voces pueden ser ignoradas, pero en conjunto, esas voces van a hacer mucho ruido.

Entiendo que hay muchísimas bandas que llevan años gritando lo que a su parecer está jodido, peleando con guitarras, bajo, baterías, micrófonos y amplificadores, sólo expreso lo que muchísimas bandas de mi generación han dejado de hacer. He aquí el punto de conflicto.

Y bueno, estas breves líneas surgieron para ilustrar un poco y hacer una breve analogía con las bandas y la escena nacional actual, así que comenzaré a escupir esa pequeña rabia que tengo contenida, dirigida a este tema en específico.

¿Donde está la verdadera actitud característica del R&R? ¿Dónde está la catarsis impresa en canciones? ¿Dónde están las voces de mi generación escupiendo lo inconformes que estamos enfrente de un escenario gritando sobre la distorsión y el estruendo de la banda?

Muchas bandas, ya sean las mas contestatarias, las más radicales, las más salvajes en el escenario, las de las letras más soberbias, las que les pinta el dedo medio a cualquiera que se le ponga enfrente, muchas de ellas, créanme, están solo ahí por el rush de juventud. Y precisamente ese es el punto perfecto para no mover el dedo de la yaga, la juventud, esa que con los años unos pierden y otros cuantos la mantienen avivándose en su interior.

En fin, esto fue mi pequeño grito textual empapado del entorno actual y llevado de la mano de la música. Creo firmemente en esta frase de Joey Ramone: “Rock & Roll is the answer”.

Hoy en día ver una actitud en las bandas de tirarse hacia adelante sin frenos, de tener huevos para postrarse frente a un puñado de gente y decir “a la chingada esto” aunque nadie esté atrás de ti para apoyarte, de realmente conocer lo jodido que está tu entorno y lo jodido que te tiene, el actuar con los recursos que tengas y querer hacer llegar esa idea a la gente, es bastante escasa, y me atrevería a decir que es prácticamente nula.

Sin embargo, hay que recordar que el indie no es un género musical, no es un subgénero del rock ni un sonido específico, es una actitud. Una actitud que se basa en el principio de “hazlo tu mismo”, ésta es su principal característica y tal parece, se ha ido perdiendo con el tiempo. Y es que hoy, en los tiempos en los que el consumismo rige todo en este mundo, la industria musical no puede permanecer ajena. Muchas de las llamadas disqueras independientes son compradas por los grandes sellos transnacionales. La esencia del do it by yourself se pierde.

Pero la moda no solo influye en la ropa que nos ponemos, también lo hace en la música que escuchamos. La música atrae a las masas. El rock, como parte de la cultura pop, se convirtió en moda desde sus comienzos, cuando los jóvenes de la década de los sesenta vieron en ese sonido intenso, la música que representaba la rebeldía de su espíritu. Así, la moda hippie de los sesenta cedió su puesto al glam rock y al punk de los setentas, y este a su vez, a la música disco de los ochentas. En los noventas, se suele decir, que el rock entro en decadencia, y fue una banda de New York la que marcaría el camino que seguirían durante todos estos años cientos de bandas: The Strokes.

Como antecedentes del indie, podemos señalar al new wave, el brit pop e incluso al punk. La primera banda considerada independiente fue The Velvet Underground, la mítica banda de Lou Reed que en los años sesenta se convertiría en un hito del subterráneo. Sin alcanzar nunca el éxito comercial, es una banda de culto que ha influido durante décadas, a un sinnúmero de artistas.

Podría decirse que los Strokes fueron los pioneros de ese sonido de guitarras ruidosas pero bien ensambladas, con la línea de bajo y el golpeo de la batería, acompañando letras despreocupadas que reflejan escasa preocupación social. Ese conjunto, es lo que hoy reconocemos como música indie. Fueron el detonante del sonido indie a inicios de los ‘dosmiles’ y que hasta hoy, continúa estando tan de moda.

Por: Erick Castro // @Ecastroo fotos: Cortesía Niña

a historia de Niña es larga, llena de cambios, experimentos, búsquedas y encuentros, se podría escribir un libro al respecto y seguramente algún día se hará, por el momento la mejor manera de explicar esta historia es a través de las canciones, las grandes canciones que son el pilar de Niña y todo lo que rodea a esta singular y maravillosa banda.” Así es como inicia la biografía de Niña en su página web; una banda que con el paso del tiempo, ha equilibrado los obstáculos que el medio musical le ha impuesto para superarlos y anteponerse de cualquier adversidad que está presente. Son casi 10 años de la salida del R.O.C.K. (2003), primer disco de la banda y más de 15 años de trayectoria resumidos en una plática que abarca el crecimiento de una de las agrupaciones más representativas dentro de la verdadera escena “indie” en México.

CHAJOE (CH): Era la segunda vez que se salían integrantes (comenta entre risas). Obviamente la primera vez que pasó fue muy dolorosa, éramos otra banda totalmente, nos dedicábamos a tomar y aparte de eso creo que tocábamos. (Risas) Después de eso, intentamos reagruparnos y éramos como 10, un chorro y terminamos teniendo un “deal” con Suave Records, entonces nos juntábamos más, por lo cual empezamos a tener una banda más formal y fue ahí el primer paso para el cambio, ya que empezábamos a sonar en varios lados y de repente vale madre eso, se salen todos y quedamos Adrián Guardia (ex-guitarrista de la banda) y nos juntamos con Gino, fue donde empezamos hacer todo un poco más en serio. Era como la segunda resurrección zombie de este pedo.

Alejandro Isassi “Chajoe”, Gino Marchetti, Enrique Camacho y Alan Robles son quienes por ahora y por más de una década, representan a la banda que influyó en el movimiento más representativo de la escena rock en Monterrey, la denominada “Avanzada Regia” de la cual, ya conocemos la historia. Cabe mencionar que esta plática comenzó como una entrevista que terminó en charla, gracias a la complicidad de quienes portan la voz de “Chubaca” y sí, ya sabemos tu secreto. Laredo Love. El parte aguas en la historia.

7 alineaciones, muchos músicos y una línea que seguir. CH: Yo creo que las primeras canciones, que las seguimos tocando, fueron tan emblemáticas que esa es la línea, que podamos volver a tocar una canción de 1995 como si fuera ayer y sigue sonando medio vigente porque no “poser”, no se trata de fingir algo que no es, sólo era rock and roll puro y lo puedes reproducir todas las veces que quieras y no hay tanto pedo con el tiempo. Esa es la línea que seguimos, tratar que todas las rolas sean lo más parecidas a un clásico. Alan Robles (AR): También quienes van entrando son fans de Niña y pueden imprimir eso en las rolas que siguen. A mí siempre me gustó la banda y a Camacho también.

CH: Está bien interesante porque dentro de las primeras alineaciones que teníamos estaban los de Kinky, Carlos Pliego y Gil Cerezo, gente de Zurdok como Terracina, El Bitle de Quiero Club, entre más personas, por mencionar algunos. ¿EP´S x LP´s?... El nuevo material de Niña. CH: Es por el sentido de trabajar las cosas como en los años 40’s o 50’s en donde no había toda una producción o dinero suficiente para hacerla, entonces se grababan 4 o 5 canciones y lo sacaban y con el single se vendían. Ahorita creo que desgraciadamente (no generalizo), a mucha gente le da lo mismo si le entregas un EP’ de 7, 3 o 12 canciones; se consume tan rápido por las millones de opciones en música que hay en la actualidad que no importa tanto.

De repente si tenemos fans que se quejan y nos dicen “No me vas a dar una rola cada 6 meses, me tienes a cuenta gotas”, pero la gran mayoría si le dan más canciones, no alcanzan a consumirlo. Entonces aventamos rolas para que la gente se quede con ellas y cada 6 meses se queden con las rolas. Pero ahorita ya estamos en un punto en el cual necesitamos sacar un disco, es más la gente que nos esta reclamando que dejemos de fragmentar las cosas y saquemos un nuevo material de 8 rolas que “alocado” (entre risas). AR: Épico, sujétense. (Más risas). GINO (G): Nos está ayudando Jheivas de AudioExperts, pero la mayoría esta producido por nosotros y es el primer disco que grabamos con la nueva alineación. Está cabrón, esperamos que salga este mes. Monterrey y la escena centralizada en México.

CH: Se puede lidiar esta falta de escena en Monterrey como empezaron todos los géneros, haces una carne asada y los convocas a todos, fiestas chiquitas y la gente se encarga de hacer el resto, lo que sigue es pelear contra un sistema que está establecido para otra cosa. Incluso los que están haciendo eventos grandes ya no saben a qué tirarle, si traen un grupero o si traen “Monster Truck’s”, se la están jugando, no hay nada certero ahorita en Monterrey. AR: Como lo hicieron ustedes antes de la invasión regia (refiriéndose a Niña). Se aventaban carnes asadas y crearon estas fiestas. G: De hecho los Happy-Fest eran en patios de casas. AR: y a esos iban Zurdok y Jumbo. CH: Ahorita si haces una fiesta y le pones en Facebook “No inviten a nadie, va a ver dos barriles, va a ver morras, yo creo que así vuelves a activar la escena en Monterrey. Si quieres volver a lo mismo de tocar en un antro, la gente de entrada ahorita no quiere ir a un antro, les da hueva o

miedo o las dos; pero no les da tanta hueva ir a una fiesta donde saben que es algo privada y que puedan ser interceptados por alguien o algo. AR: Incluso hay eventos que están haciendo eso, la gente de Sonando Claxons, que nos mandan correos y nos invitan a todos los grupos a ir y generar movimiento; sabiendo que hay eventos de rock la gente se puede infectar de eso y tal vez hoy sean pocos, pero pronto va a levantar. CH: No me imagino tener una banda teniendo 20 años, qué pesadilla, nadie va a ir nunca a tu show, te corren de tu casa por tocar, entonces imagínate que difícil. Punkrobot. CH: Este disco es una historia en particular, nos pusieron en regla, antes nos valía madres, no tocábamos con metrónomo; pero en este disco nos topamos con alguien que nos dijo vamos a producir este disco hasta el tope de lo que da para ver como suena y eso fue lo que acabo siendo Punkrobot. Lo producimos como más de 2 meses y tocábamos las canciones tal y como se escuchan en el disco, pero los productores iban y nos veían detenidamente y nos decían los errores que teníamos por mínimos que fueran, aunque fuera un hit en la batería, paraban la rola y la volvíamos a tocar.

Entonces éramos como un equipo, como si estuviéramos entrenando para la NFL o una pendejada así y al final de eso, terminamos tocando algo de lo cual yo ya no estoy tan convencido de que hubiera sido la mejor idea, porque a la vez lo desmadroso y perdido que teníamos en Laredo Love es parte de la magia que tenemos en la banda y haberlo sobreproducido, de repente, a mi me sonaba como a Timbiriche o algo así. Estuvo chido experimentar a su vez estos dos lados que hay, pero definitivamente creo que no lo volveríamos hacer; fue interesante trabajar con esa gente que ahorita los terminamos odiando y quisiéramos matar. G: Sonaba diferente, yo terminé tocando con curita en los dedos, me sangraban los dedos pero había que tocar, me ponía curitas y seguirle dando. Aprendimos cosas muy buenas y cosas muy malas. CH: También fue buena la experiencia de trabajar con Universal. Muy pocas bandas en México pueden decir que trabajaron con EMI y Universal y menos con un año de diferencia entre los discos, creyendo que no hay bronca, pero sí la hay. Vas a pedir apoyo a una disquera y te mientan la madre por estar con la competencia. Es interesante trabajar con dos disqueras, tener productores y terminar con el apoyo de nadie.ww

Entonces todos los que estamos en la música alternativa y le tiramos a ser la “chiflazón” de algún güey, se va a complicar, por eso nuestro fin es darle a la gente, a nuestros fans lo que tenemos, no existe esa gran ambición que tal vez existe en el medio. G: La otra diferencia es que no le debemos nada a nadie. Nadie me puede obligar a tocar algo que no quiero o a un lugar que no quiero. Eso es algo que Niña tiene que muchas bandas no, que es la libertad de hacer lo que quieras. Estoy seguro que hay bandas, que tocan en fechas que ellos no quieren hacer, aportaciones a un disco, a un compilado y más cosas que tal vez no quieran hacer, pero las tienen que hacer, esa es la gran diferencia. El método es el mismo, que la gente conozca tu música de la mejor manera posible. Creo yo que Niña tiene un trato muy directo con sus fans, casi personal; si quieren el disco, les pasamos la clave y eso también ayuda mucho a ésta estrategia de dividir los EP’s. CH: Entre más auténtico seas, te ayuda a tocar en festivales como él Vive Latino o un evento masivo, porque le comunicas a la banda que no eres de mentiras, llegas tocas y eso la gente lo reconoce. Hay casos particulares que se reúnen siempre en cada festival y me pueden gustar, pero yo ya no les creo nada, es como ver una obra de teatro, estas viendo actuar a un güey y cuando nos ves a nosotros, puede ser un desmadre pero ves algo auténtico, real. AR: Yo creo que hay una línea que divide a lo “indie” y a Niña, la banda esta en otro canal.

CH: Incluso hay cosas de Austin Tv que me gustan, que si no los ves, no existen y que no se vende. AR: En el mundo “indie”, existen dos ramas, la que piensa como llegarle a las masas y el otro lado en el que esta Niña, donde no nos interesa ser Shakira, aunque sea el mercado más amplio del mundo, de lo que se trata es de hacer felices a los que les gusta, a los fans y con ellos hay que darle. G: Si no puedes tener una conversación con alguien que te escucha, qué hueva. Ellos se sienten vivos, estas tocando para amigos y hay gente que acarrean y nos ven y les gusta. Solito se hace. Por eso no vivimos de esto (entre risas). El concepto de “Todo mi mundo a color” y el famoso secreto de Chubaca. CH: Todo esto es para no tomarte las cosas tan enserio siempre y pues al menos en la cultura del Norte se da mucho tirar carrilla, desde que te levantas hasta que te duermes, si te toca un día, pues te llueve carrilla y de ahí salen todas estas ideas pendejas para molestar. (Risas) Entonces, realmente si quieres ser popular entre la gente hay varias formas, primero “bullearlos” (bullying) y la otra entretenerlos, entonces entre la búsqueda de la eterna madreada, buscamos la manera de molestarlos y que la gente diga “qué vergas quiso decir”, porque todo lo demás que pasa, lo ignoras y sigues adelante. G: Un amigo me preguntó, “¿Qué pedo, por qué las ardillas?, yo tengo dos en mi casa” y él se sintió identificado con eso.

AR: ¿Pero de qué se trata Chubaca?. Porque vas a tocar y todo el mundo la canta. CH: La historia de Chubaca es muy particular, porque era el güey que tocaba con nosotros antes la guitarra, tenía el pelo corto y le empezó a crecer hasta que llegó el momento que parecía “Chubaca”. Y la rola trata sobre la relación que tenia este güey con una morra y no nos quería contar, pero todos sabíamos. Entonces un día llegó el baterista de ese entonces, que era Chicle, que ahora produce videos, entró al ensayo y nos dijo “Chubaca tiene un secreto”, para esto el guitarrista estaba tocando una rola y enojado dijo “Cállate puñetas, así no se llama” y así se chingó y se quedó el nombre de la canción. (risas) Está con madre porque él la estaba tocando y creía que no sabíamos de qué morra estaba hablando y pues todos nos hacíamos güeyes. Pero bueno en sí, es la eterna madreada, como que siempre nos funciona. ¿Algo más que saber de Niña? CH: Tenemos una página en donde nos pueden hacer donaciones, pueden hacer una matemática simple, por cada diez rolas que descargues del sitio, nos debes como $10 pesos. La página es www.todomimundoacolor.com y si no nos van a donar pues… (Risas) AR: ¡Tabla!... (Risas). Conozcan a Niña, toda su historia y luego juzguen; luego véanos en vivo, porque esta banda en vivo es otra cosa, parte cabezas. Las canciones son mejores en vivo. Así que cuando vean una fecha de Niña vayan que nos vamos a divertir un chorro.