FOTO: CAMBRIA HARKEY
DIRECTORIO Sergio Hernández Juárez Dirección Editorial sergio@urlmagazine.com.mx
Carlos Francisco Pérez Mejía “Frasko” Editor en Jefe frasko@urlmagazine.com.mx
Rafa Ledesma Dir. Arte/WebMaster rafa@urlmagazine.com.mx Erick Castro Coordinador Editorial MTY erick@urlmagazine.com.mx Alejandra Caballero Relaciones Públicas y Prensa Fresale@urlmagazine.com.mx Carolina Calvo Ceja Asistente Editorial Erika Anallely Corrección de Estilo Publicación de Eventos Pimienthas pimienthas@urlmagazine.com.mx
Colaboradores: Mirna Torres Nathaly Soto Patricia Cano Samuel Nava Martínez Selene Tajín Juan Manuel López Ani Atilano Ale Noise Alberto Granados Alfonso Saldaña Daniel “El Jimmy Lurias” David Ovando Gabriel Torres Mariana Pérez Nallely Sanchez Ricardo Ramos Samuel Nava Ivie Laguna Federico Jara Rodrigo Guerrero Octavio Garduño Fernando Castillo
#URLenACL La fiebre de festivales se siente en el cuerpo. No hay vuelta atrás. Uno de los carteles más pesados es el que presentó en este 2013 Austin City Limits (ACL). The Cure, Depeche Mode, Lionel Richie, Kings Of Leon, Muse, Atoms For Peace, Phoenix, Queens Of The Stone Age y varios más, fueron motivos suficiente para considerar en la portada del presente mes al querido ACL. A u s t i n , Te x a s , h a s i d o b a u t i z a d a c o m o l a c a pital mundial de la música en vivo. Y vaya que lo es. Ahí mismo, se lleva a cabo la org a n i z a c i ó n d e S X S W. C o n m á s d e 2 5 0 v e nues para realizar conciertos, entre chicos, medianos y grandes, Austin transpira música en vivo. Austin tiene como industria significativa la de los conciertos. Fue para URL Magazine un honor y un placer llevar para todos ustedes la cobertura en vivo del festival. En este número, encontrarán la reseña de los 3 días, así como diversas opiniones al respecto. Siempre recomendamos a nuestros lectores, que al menos una vez en su vida vayan a un festival, ya sea en México o en el extranjero. Para los que hemos hecho de la música una forma de vida, la experiencia se vuelve adictiva. Los invitamos a leer tenidos del mes en muy grato para todo compartir su opinión to nos apasiona: la la vida misma.
en su totalidad los conésta su publicación. Es el staff de la revista, el en torno a esto que tanmúsica, los conciertos,
Francisco Pérez Mejía, Frasko Editor en Jefe @Fraskote
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Elisyum
Rumbo al #CC Arctic Monkeys
08 La verdad del caso Harry Quebert
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28 Band to Follow
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Especial ACL
El hypie de lo comĂşn
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Escribir de mĂşsica
Entrevista Alejandro Otaola
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Facebook: URLMagazine Twitter: @URLMagazine
#URL REVIEWS ELYSIUM
Por: Sergio Hernández // @sergio810511
Corre el año 2154, la humanidad vive en un futuro caótico, catastrófico, sin esperanza, solo la población mas privilegiada vive en una estación espacial llamada Elysium donde mantienen un estilo de vida sin enfermedades, sin pobreza, un espacio donde el ser humano vive por siempre gracias a la tecnología; con esta premisa el director Sudafricano Neill Blomkamp, quien nos impacto con su opera prima “Sector 9”, nos da la bienvenida a su nuevo largometraje, el resultado a continuación se los platicamos.
La población pobre vive en un planeta sobrepoblado, enfermo, en condiciones de pobreza extrema y controlados por una fuerza policiaca conformada por robots dirigidos desde Elysium, a grandes rasgos, de esto se trata la película protagonizada . por Matt Damon y Jodie Foster, entre otros actores; con estos elementos, Blomkamp nos muestra una película de ciencia ficción apocalíptica bien lograda.
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Elysium, al igual que “Sector 9”, dan una visión de la humanidad bastante cruda, la debacle del planeta se debe a la incapacidad de los gobiernos para dar solución a problemas que vemos en la actualidad, como son los servicios médicos , el reparto desproporcional de la riqueza, la discriminación. La premisa es muy sencilla, en el futuro apocalíptico de Blomkamp, los ricos son los sanos y los pobres son los enfermos y condenados a la muerte. En ciertas partes de la película, esta perspectiva del director acerca del futuro apocalíptico, parece más posibilidad que ficción, con una violencia explícita e incómoda, llevando al espectador a una catarsis visual, donde la mutilación de cuerpo humano se presenta de una manera grotesca, sucia, dolorosa (esto ya nos lo había mostrado en Distrito 9) llevando a sus personajes a situaciones extremas.
No podemos compararla con su ópera prima, aunque tiene bastantes referencias visuales de la misma, y en ciertas ocasiones provoca los mismos sentimientos. El director nos lleva por otro camino y nos muestra a este héroe que no lleva la bandera de ninguna nación o gobierno. Cabe mencionar que las escenas del mundo apocalíptico y sobrepoblado fueron grabadas en nuestro país, específicamente Chimalhuacán y Neza, mientras que las escenas de Elysium fueron grabadas en Canadá. Sin duda es una cinta que vale la pena ver, no se tarden mucho, porque películas como ésta, no duran mucho en cartelera.
Nunca me han entusiasmado mucho las opiniones de Leo Zuckermann (evidentemente él ni sabe quién soy), pero hace poco escuché en radio su recomendación de un libro que ha causado un revuelo impresionante en los países en donde ha sido publicado, tanto por la historia como por la corta edad de su autor; así que con lo poco que escuché me animé a comprarlo.
L #URL REVIEWS
LA VERDAD DEL CASO HARRY QUEBERT
La verdad del caso Harry Quebert, de Joël Dicker (escritor Suizo de apenas 28 años de edad y con sólo otra obra en su carrera), ha sido traducida a 33 idiomas y está arrasando con los premios literarios más prestigiosos del Europa.
Por: Fernando Castillo // @bajomispies
La historia gira en torno a la desaparición de la joven Nola Kellergan de 15 años en un pueblo de Massachusetts y tiene como protagonistas a toda una generación de pueblerinos que aún 30 años después se siguen preguntando qué pudo ser de la chica, hasta que el novel escritor Marcus Goldman, visita a su mentor Harry Quebert y se encarga de desenterrar secretos estremecedores. La novela se sitúa en tres tiempos 1975, año en que Nola desaparece; 1998 año en que Marcus y Harry se conocen y 2008, año en que la historia de la desaparición de un giro para todos insospechado. El manejo de tiempos es espectacular pues más que contar la historia en bloques, va y viene a capricho del autor formando lentamente un rompecabezas complejo en el que todos los personajes en algún momento se vuelven sospechosos. En el fondo, La verdad del caso Harry Quebert narra una historia de amor que a pesar de sus circunstancias no resulta grotesca en ningún momento, lo que demuestra el talento de Dicker y que al menos para este crítico, le hace esperar con anticipación su nuevo trabajo. No dudo que este libro volverá locos a los lectores de Estados Unidos, así que hay que ir anticipando el fenómeno Dicker en ese país, y sin duda una película. Por lo pronto, gracias a Leo Zuckermann.
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La historia generalmente se encarga de mostrar hechos, fechas y nombres hasta que los sucesos quedan prácticamente reducidos a una colección de información estadística. Probablemente se ha escrito de la Segunda Guerra Mundial más que de otros eventos pero en esta ocasión he leído una obra que relata un pasaje distinto relacionado con ese gran conflicto.
L #URL REVIEWS EN EL JARDÍN DE LAS BESTIAS
En el jardín de las bestias de Erik Larson es una minuciosa investigación periodística que describe los años que precedieron a la consolidación del nazismo, teniendo como protagonistas al embajador de Estados Unidos en Alemania, William Dodd, y su familia.
Por: Fernando Castillo // @bajomispies
Me gustó encontrar en el prólogo una serie de preguntas que motivaron al autor a volcarse sobre los años anteriores al periodo más oscuro que ha conocido la civilización moderna: ¿Cómo era la vida en Berlin cuando Hitler fue proclamado canciller?, ¿Qué colores se podían ver en las calles?, ¿Cuáles eran los sonidos y los aromas en esa ciudad aún ignorante de su futuro? Dodd y su familia logran insertarse en un mundo cosmopolita y opulento, en el que poco a poco atestiguan los cambios que dieron paso a la segregación y odio racial contra los judíos de Alemania, así como del temor creciente de que el comunismo se propagara por Europa y por los Estados Unidos. El embajador era un hombre sencillo que fue desacreditado por muchos de sus compañeros del servicio exterior por carecer de medios o conexiones (otras que con el Presidente Roosevelt), obviando incluso sus advertencias de que Hitler estaba en camino a convertirse en un terrible dictador, lo cual invariablemente lleva al lector a preguntarse si las cosas hubieran cambiado de ser Dodd escuchado. En el jardín de las bestias de Erik Larson no es una novela pero se lee como tal. Es una gran opción de lectura para los amantes de la historia contemporánea, y en general para cualquier curioso que se pregunte cómo podrían haber sido las cosas si…
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MÚSICA PARA TODOS:
Texto por: Francisco Pérez Mejía// @fraskote
QOTSA
Foto: Francisco Pérez Mejía
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FOTOS CAMBRIA HARKEY
KINGS OF LEON
FRANZ FERDINAND
ATOMS FOR PEACE
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FOTOS CAMBRIA HARKEY
QOTSA
MUSE
LOCAL NATIVES
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Día 1
VAMPIRE WEEKEND
Para el primer día, comenzamos con la visita al escenario Honda para ver la presentación de una banda relativamente joven, ya que tiene desde 2009 en activo dentro de la industria. The Orwells, originarios de Elmhurst, Illinois, dieron la primer nota importante para esta publicación. Su música, que remite invariablemente a sonidos grunge o garage rock de los noventa, provocó reacción positiva entre la gente que nos dimos cita a su temprana presentación en el festival. El vocalista, de nombre Mario Cuomo (Y no, no es primo de Rivers Cuomo de Weezer), mostró dominio del escenario. En ningún momento lo percibimos achicado, no obstante la poca audiencia durante su presentación. Una labor dura la de abrir todo el festival, pero que se vio recompensada con el aplauso y ovación de los espectadores
WILCO
El ambiente de festival permite brincar de un escenario a otro, con la finalidad de escuchar la mayor cantidad de propuestas que se presentan durante las primeras horas de las jornadas. Entre ese ir y venir, tuvimos oportunidad de escuchar la interesante propuesta folk pop de Dana Falconberry y los sonidos garage-estridentes-rasposos emanados de las fauces de Fidlar, banda originaria de Los Angeles, California. Una grata sorpresa la que nos llevamos al pasar por el escenario Bud Light y escuchar semejante performance. No era nuestra intención ver a esta banda, pero fue inevitable quedarnos un rato a su presentación cuando vimos que el vocalista Zac Carper bajó del escenario, para despertar el frenesí del público en forma directa. Todos bailaban, todos brincaban, todos cantaban y festejaban el acto heroico del cantante que se encontraba entre ellos. Sin temor a equivocarnos, Fidlar se puede convertir, en el mediano plazo, en una de esas bandas insignia para una generación completa. Ojo con estos californianos.
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Las tardes de festival se mueven con relativa rapidez y, cuando menos te das cuenta, ya tienes el tiempo encima. Entre presentaciones de Widowspeak, Smith Westerns y Fun. quienes dicho sea de paso, no les fue tan bien como se esperaría, el tiempo avanzó fugazmente. Al parecer el repertorio de Fun. se basa en el éxito de su gran canción “We Are Young”. Sin ella, la banda seguiría relegada en escenarios pequeños. El tiempo avanzó en forma rápida y, en el escenario Austin Ventures, Jake Bugg se estrenó en este festival. Con algunos problemas técnicos, los cuales fueron recurrentes en este escenario durante los 3 días de festival, el cantante inglés dio sus primeros pasos en suelo texano. La respuesta del público fue grata. El escenario se mostró repleto por las hordas de seguidores que el interprete se ha ganado. Entre las presentaciones de Arctic Monkeys y Vampire Weekend, nos movimos de un escenario a otro hasta asentarnos y prepararnos para la presentación de uno de los más esperados: Queens Of The Stone Age.
La primer jornada de ACL Festival la concluimos con Muse y Depeche Mode. Ambas presentaciones cumplieron con las expec tativa s del público. Éxitos de ambas bandas sonaron. En el caso de Muse, su cierre espectacular con Knights Of Cydonia y en el caso de Depeche Mode la interpretación de I Just Can’t Get Enough, fueron momentos que perdurarán en la memoria de los asistentes.
Con nuevo disco bajo el brazo, la banda liderada por Josh Homme, se encuentra en uno de los momentos más importantes de su carrera. “…Like Clockwork” es un trabajo concebido para ser interpretado en vivo. Las personalidad de Homme y la alineación de ensueño con la que cuenta, son explicación suficiente para entender la potencia en del sonido en directo: Jon Theodore ex The Mars Volta en la batería, Troy Von Leeuwen alguna vez guitarrista de A Perfect Circlee ingeniero de sonido y productor de Korn, Limp Bizkit, Michael Shuman ex Jubilee y Dean Fertita, quien ha tenido actividad con The Dead Weather, The Raconteurs, Eagles Of Death Metal y varios más. Todo sonó impecable. Cada canción posee esa energía que desata euforia y esperanzas para el rock and roll. Muchos se quejan de los alcances mainstream de la banda, pero la realidad es que han abierto puertas para varios. .
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GRIMES
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FOTOS DAVID MEAD GRIMES
THE CURE
DEPECHE MODE
Para el segundo día de actividades en Austin City Limits, nos encontramos con mucho más gente que el día anterior. El tránsito entre escenarios se convirtió en algo más complicado de realizar, pero eso no impidió que buscaramos los mejores espacios para acomodarnos y escuchar propuestas y apreciar a bandas ya consagradas.
Las feromonas impregnaron todo Austin y, con la presencia de Lissie, Deap Vally
PHOENIX
Uno de los motivos principales por los cuales había tanta gente en el lugar tenía nombre y apellido: Robert Smith. Fue increíble ver la cantidad de gente que se desplazaba para ver a la banda que hoy en día cuenta con más de 30 años de trayectoria. A lo anterior, le sumamos el factor Followill de Kings Of Leon y tenemos una combinación explosiva. La vieja escuela y la generación reciente que busca trascender en la historia de la música.
Entre las bandas que pudimos escuchar y que consideramos tienen potencial para desarrollarse en el mercado americano y latino, son las HAIM. Si bien es cierto, al día de hoy ya cuentan con un hype fuerte, no obstante que su historia comenzó a dar notas altas a partir del pasado SXSW. Austin les queda bien a las originarias del Valle de San Fernando en Los Angeles, California. La presencia sobre el escenario con la que cuentan es destacable, aunque por momentos notaban estragos de cansancio por su viaje de Londres al festival. Esto último, no fue razón para detenerlas. En su joven carrera, han comenzado a despuntar, y estamos seguros que seguirán dando de qué hablar.
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ARCTIC MONKEYS
Día 2
FOTOS DAVID MEAD
De Grimes diremos que su performance en vivo dejó mucho que desear. No alcanzamos a visualizar alguna propuesta concreta en su música. Muchas secuencias, poco involucramiento con su público. Desde nuestro punto de vista, no es más que una DJ con aspiraciones.
ción tras canción. La artillería pesada de éxitos como Let’s Go To Bed, Boys Don’t Cry, Close To Me, Fascination Street, entre otras, explotaron en las bocas de los que fielmente entonaban los cánticos como si fueran himonos. Y lo son. Son himnos generacionales.
Para cerrar la noche, tuvimos oportunidad de escuchar 2 horas de una de las bandas más importantes de los últimos años. Embarcado en una gira de decenas de fechas, Robert Smith y compañía, llegaron para presentarse ante miles de fanáticos que no se cansaron de corear canción tras canción al unisono del intérprete británico. La magia que Smith posee sobre el escenario, así como la imponente y poderosísima voz proyectada a través de las bocinas, lograron crear un ambiente de felicidad promiscua: se reproducía can
Mejores actos en vivo que vimos: The Cure, The Joy Formidable, Silversun Pickups Sin comentarios: Grimes, Junip, En ascenso: HAIM, Deap Vally, Lissie
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TAME IMPALA
JAKE BUG
Día 3 Para el tercer y último día de actividades, el ambiente del festival se tornó familiar. Nosotros pensamos que, con la presencia de un artista como lo es Lionel Richie, se prestó la ocasión para convertir la soleada tarde de domingo en un gran día de campo, acompañados de buena música, familia, amigos y con la mejor actitud y buena vibra imperante durante todos los días de evento. Las notas altas del día las tuvimos con Tame Impala, quienes se colocaron como una banda sólida a nivel interpretativo, misma que, con base en ese trabajo realizado, demuestra que no solo es una agrupación de moda, sino que busca ganarse un lugar en los mejores escenarios del mundo. Franz Ferdinand, como lo hemos dicho en anteriores ocasiones, es una gran banda para festivales. Posee todos los elementos que garantizan un gran espectáculo. De hecho, nos extrañó verlos tan temprano. Sin duda alguna, podrían presentarse en un mejor horario con el repertorio y calidad musical que poseen. El mismo Alex
Kapranos, al final de su presentación, lanzó un comentario en ese sentido. Se le notó si no molesto, sí incómodo con el horario. No obstante, el show fue redondo. Éxito tras éxito, para cerrar la presentación con su nuevo sencillo de nombre “Love Illumination”, que va que vuela para convertirse en canción ícono de los originarios de Glasgow, Escocia.
FUN
Entre las bandas que más destacaron, fueron los Phoenix. Esta agrupación francesa que cada día crece y crece más en número de seguidores, puso en claro que sí son una banda digna de aparecer en las letras grandes de los carteles en los festivales internacionales. La gente acaparó el paso entre el escenario Samsung Galaxy y el escenario Bud Light, que fue donde se presentaron los oriundos de Versalles. Los lugares preferentes para ver a Phoenix fueron ocupados por sus más fieles seguidores y al ritmo de Lisztomania, Lasso, Fences, Rally, The Real Thing y muchas más, activaron la adrenalina reservada para brincar y entonar con ímpetu sus canciones. Ya en el ocaso del día, Atoms For Peace y Lionel Richie se encargaron de clausurar las actividades del primer fin de semana de Austin City Limits. La súper banda encabezada por Thom Yorke y Flea demostraron el porqué fueron considerados para cerrar uno de los escenarios principales. La potencia sonora emanada del sistema de audio del escenario AMD, retumbaba en el pecho de los asistentes que, pese a lo reciente que tienen las canciones de la banda, las entonaban a un ritmo semilento, parsimonioso e introspectivo. En todo momento el bajista de los Red Hot Chili Peppers y el vocalista de Radiohead interactuaban con miradas entre ellos, a manera de llevar la vida de las canciones de principio a fin en forma exacta. Gran espectáculo el de Atoms For Peace.
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JIM
QOTSA
GG
N
JOY FORMIDABLE
MMY EAT WORLD
FOTOS: FRASKO PÉREZ 19
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21 PHOENIX
C ESCRIBIR DE MÚSICA O “PUNTO EL QUE NO LE GUSTE” Por: David “Poisson” Martínez // El Showcast Escribir de música resulta casi tan arriesgado como pararte a ojos cerrados en una plaza pública y gritar: “puto el que no le guste”. En serio, hacer recomendaciones musicales puede resultar ofensivo, en primer lugar porque no sabes cuántos espectadores (o escuchas) reciben tu mensaje (lo ideal es tener espectadores, por lo menos uno) y en segunda instancia, porque no sabes qué reacción puede generar tu mensaje.
su material, entre ellos el disco mas reciente llamado REAL. Sabía que eran vatos “bien clavados” y por lo mismo NO esperaba que el encuentro fuera fácil. Una vez más, la anticipación me llevó por el camino equivocado. Quedamos de vernos en su sala de ensayo dentro de 9Corners (una de las casas discográficas mas eclécticas en la ciudad). Llegué 10 minutos tarde y a mi llegada me encontré con 6 personas en un cuarto acústicamente tratado, solo cuatro son miembros de la banda pero todos se reían, dos de ellos “armaban la coperacha” para las caguamas, yo me sentía como el “nuevo” del salón aún cuando todos me trataban como si me conocieran desde antes.
Seguramente existirán aquellos que se caguen de risa, los que se ofendan por lo que dijiste, los que se fijen más en la manera en la que lo dijiste, los que piensen que el puto eres tú y por supuesto, los que pasaron sin escuchar y al verte parado en medio de la plaza gritando, te pongan una moneda en la mano. Entienda usted esta columna entonces como un espacio en el que es más fácil encontrar un relato que un análisis, o una opinión que pretenda ser experta, entiéndase como aquella caja que nunca le llamó la atención y al abrirla descubrió que estaba llena de recuerdos que lo transportaron a lugares en donde nunca estuvo. Y es que, la mayoría de las veces, la música resulta ser así. No se necesitas ser experto para dejarte llevar, para descubrirte en medio de recuerdos que aún no han sido registrados... que tal vez nunca sucedan. . Alguna vez un buen amigo me dijo que ciertos tipos de música (por lo general los más complejos) son como la cerveza, en tu primer encuentro el sabor resulta menos agradable de lo que podrías haber imaginado (a mí me supo a tortilla vieja), pero curiosamente, lo mas probable es que si buscas un segundo encuentro, la causa principal sea el efecto que produjo en ti antes que el “deleite” del paladar... Digamos que mi primer encuentro con SUTRA en la ciudad de Guadalajara resultó igual o mas inesperado. Tenía el antecedente de haber escuchado parte de
La gente seguía riendo, contaban que el baterista de la banda (el Morro) había olvidado sus platillos en una camioneta y estaba tratando de recuperarlos (por eso aún no llegaba). La cita parecía mas una reunión que un ensayo, y yo sospechaba que iba a ser todo lo contrario a lo que había esperado, cinco minutos después “el Morro” había llegado (sin platillos, lo cual nos hizo reír a todos), las caguamas estaban destapadas y cada músico tenía la suya. Cada uno tenía su personalidad, trataba de entender la conexión entre ellos y hasta el momento, el único factor común era su sentido del humor. Los veo a todos y no parecen ser ellos (ni los instrumentos junto a ellos) los que generan tal presión sonora. Incluso sus caras cambian. No están haciendo música, están hablando un lenguaje que les llevó casi trece años desarrollar. Después de tres piezas regresan a su modo humano y aunque no estoy seguro de lo que acaba de pasar, comenzamos la entrevista. REVISA LA ENTREVISTA EN LA WEB DE URL
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RUMBO AL #CC13
Por Andiie Rangel
Lo que inició como un simple pasatiempo y por no tener nada mejor que hacer, se convirtió en un gran fenómeno musical que desde 2006 tiene un gran número de fans alrededor del mundo, al grado de contar ya con cinco álbumes de estudio, y precisamente con motivo de su más reciente disco titulado “AM” 24
lanzado el 9 de septiembre, este artículo va dedicado a Arctic Monkeys, banda inglesa conformada por el vocalista Alex Turner, el guitarrista Jamie Cook, el bajista Nick O’Malley y el baterista Matt Helders. Desde que se escuchó el estreno del sencillo R U Mine? en 2012, no podíamos esperar para sorprendernos con el nuevo material que ya desde entonces se estaba preparando; el álbum que los lanzó a la fama Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not (2006) tiene toques de indie y rock alternativo que encantaron al público, pero sin duda su sonido ha sufrido notables cambios a través de los años, lo que ha ayudado a que sus seguidores no se aburran por escuchar tonadas similares y sigan teniendo gran éxito en todas partes, aunque claro que existen a quienes les gustan más sus primeras canciones pero los cambios siempre traen algo bueno. La portada de este nuevo álbum es muy sencilla, un fondo negro con ondas de sonido blancas, que ya habíamos visto en el estreno del video Do I wanna know?; aun así, capta la esencia de estos sonidos tan vibrantes que promete, con guitarras más fuertes y ligeramente más pesadas.
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En cuanto a las canciones, Alex Turner continúa con letras un poco ambiguas y tal vez personales, siendo eso parte de lo que siempre ha atrapado a su audiencia; I Wanna Be Yours destaca por ser la primera canción de los Arctic que usa una caja de ritmos y está inspirada en un poema de John Cooper Clarke; además, muchos se identificarán con Why’d You Only Call Me When You’re High?, ya que seguramente a varios les ha pasado que les da por llamar a sus amores (prohibidos o no) cuando tienen unas copas encima y es precisamente de lo que habla esta canción. Alex ha declarado que su canción favorita es Arabella, ¿tú ya sabes cuál es la tuya?, en la sección de RockSounds podrán encontrar una reseña más a fondo de este nuevo álbum de los AM.
Presentación #CC13: Domingo 13 de Octubre Escenario Capital 20:40 - 22:10 pm
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#BANDTOFOLLOW
Foto cortesĂa de Aurum
Por: Mirna Torres // @MirnaTF
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Seguramente cuando los escuchen, no podrán olvidar aquellos años de oleada de bandas happy-punk, haciendo cantar y bailar a jóvenes y no tan jóvenes. La banda va creando un sonido en evolución, aunque mantienen esa esencia y sentimiento con el que comenzaron hace ya más de 10 años… Happy punk o no, tendrás esa identificación musical a tus épocas ya pasadas o que aún vives, con letras que sin duda, se te quedan en la cabeza y cantas cuando nadie o muchos no te ven.
Foto cortesía de Aurum
Porque el norte siempre da de que hablar, este mes tenemos a la banda tapatía Aurum quienes desde el 2004 se han posicionado como una de las bandas más reconocidas gracias a la red social MySpace, llevándolos así a firmar con la transnacional Westwood Entertaiment en asociación con Sony Music. .
El disco homónimo de la banda salió a la venta en agosto del 2009, logrando conseguir presencia en los canales de videos más relevantes del país y lograr el número 1 en el top MySpace de Rolling Stone México. Para el 2012, ya tenían un tercer disco bajo la producción de Javier Blake (División Minúscula) y masterizado por Jason Livermore (NOFX, The Ataris, Rise Againts) convirtiéndose en un gran paso para la banda.
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C EL HYPE DE LO COMÚN O COMO ARCADE FIRE LLEGO A MATAR EL BUEN GUSTO Por: Yiru // @Yiruim Cada día que pasa me sorprende la cantidad de gente joven y no tan joven que busca colarse en la infinita isla que conforman los blogs de música en la actualidad, muchos con ideas frescas, muchos con ideas totalmente fuera de contexto y muy pocos con ideas que verdaderamente llaman la atención, pero alguna vez se han preguntado, ¿cuál fue uno de los principales culpables de todo este boom de gente que quiere decir exactamente lo mismo?. La respuesta es algo compleja y depende del punto de vista en el que nos encontremos, pero aquí daré una opinión: he sido un sobreviviente de la generación que alrededor de los 16 años de edad tomaron un instrumento musical como pasatiempo, no como un trabajo, y sé que a la larga dejas de ser un chamaco pretencioso queriendo tocar como los Strokes o deseando ser invitado a un Vive Latino. Transmutas de banda, dejas de tocar covers, te adentras más en la música, gran parte de tu tiempo se va en planear tocadas, generar contactos con bandas locales para generar una
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escena y más adelante darte cuenta que la industria de la música, al menos en este país, es una total tomada de pelo y uno de los entornos donde hay demasiada gente nefasta que solo le interesa vender apariencias, no estoy generalizando, en la escena existen esas personas que ponen el sudor, la sangre y toda su experiencia para generar algo real. Tristemente lo real muy rara vez logra florecer, hablo especialmente de México, en donde una radiodifusora presume un slogan totalmente contrario a lo que en verdad es: “todas las
alternativas” quienes aplican una de las mañas mas viejas en el marketing, vender promesas, no crear realidades; hasta Coca Cola ahora presume de ser un medio que nace de la gente y que va dirigido para la gente, creando su FM por internet. En el aspecto de los blogs que nacen diariamente es el mismo caso. En una semana recibí tres invitaciones para darle like a diferentes páginas en Facebook que intentan ser un blog de música, revise cada uno de ellos tratando de tener una opinión objetiva, no fue sorpresa que esos blogs recurrían a lo que la mayoría de los blogs “especializados”: el viejo y barato recurso del copy-paste. Tal vez el objetivo principal de este tipo de blogs sea llenar de contenido sus secciones; tal vez buscan el patrocinio de algunas marcas de moda; tal vez se les olvidó cómo escribir una reseña, cómo adentrarse en un disco para después
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escribir sobre él, tal vez, solo tal vez, son unos huevones que solo buscan la acreditación para el concierto de moda y citarán lo que se encuentran en Wikipedia para llenar sus textos de paja y caracteres colocados con un ctrl+V, y así llenan renglones y renglones donde el criterio personal y el interés por la música es nulo. Este artículo puede leerse un poco dantesco y pesimista, pero insisto, es una opinión de lo que he identificado a lo largo de mis pocos años en el medio: la generación exponencial de páginas que carecen de un contenido original, el copy-paste que abunda en las páginas nacionales, la pretensión de muchos por estar en los eventos “del momento”, la falta de interés por escuchar y conocer propuestas que no salen en las portadas de la SPIN o del NME, y mucho menos de la Rolling Stone, ¿o de verdad creen que lo nuevo de Arcade fire merece todo el hype que se les está dando actualmente? Y no solo ellos, hablo de decenas de bandas y publicaciones digitales e impresas, si no me creen simplemente abran cualquier blog nacional de mediana fama y noten las diferencias en sus fotos, sus artículos y sus “estilos” de redacción.
LA MAQUINA FUNCIONA DE NUEVO EL REGRESO DE NINE INCH NAILS Por: David Ovando // @Ovandus Veinticuatro años han pasado de la salida de Pretty Hate the Machine, disco que dio a conocer a un joven pueblerino proveniente de Mercer al oeste de Pennsylvania, compuesto, arreglado y llevado a plataforma en su totalidad por ese joven: Michael Trent Reznor. Hoy se ve a lo lejos una placa emblema del industrial, raíces pop con semblantes insanos y enfermos, una variante que en ese momento lo encausó en la aventura que aun continúa. Reznor ha pasado por momentos negros dentro de su vida, se han visto materializadas sus pesadillas con las drogas, luego de trastocar las fibras emocionales dentro de un estado alterado con “Downward Spiral” ingresó en un mundo que ni él conocía, previa y posteriormente a “The Fragile” se refleja cierto trastorno esquizoide, letras desgarradoras con melodías musicalizando una versión del fin de los tiempos. Una poesía en medio de un mundo devastado y sin esperanza, así permaneció.
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Su regreso fue triunfal y anunciado de la mejor forma, el 2005 permanece marcado por las guitarras rasposas del With Teeth, un sonido revitalizado, los posicionaba en un nuevo rumbo, pero aun con la incertidumbre acerca del sano control mental del líder. Hoy se sabe que With Teeth hizo de Nine Inch Nails una especie de validación que se desarrolló lo mejor posible, incluso para lo que estaba por venir. La banda comenzaba a enfocarse y la continuidad era mejor, un sonido semejante a sus primeros discos era evidente, Year Zero; una utopía fatalista que interactuaba y se desarrollaba con todo el aparato tecnológico del momento. Letras escupiendo denuncias y un Reznor enojado con el régimen expuesto por el presidente en turno; George W. Bush. El álbum incitaba el lado más contestatario de cada ser al que se exponía. Un año más tarde llegó The Slip y con él la idea de sacudir su cabeza y deducir que era tiempo de hacer cosas nuevas,
Habían pasado cinco años desde aquel The Slip, durante ese tiempo Trent Reznor implemento un nuevo modelo de vida fuera de la música, ahora tiene dos hijos, Lazarus y Balthazar con quienes pasa buenos momentos, tal vez los mejores en su estancia en la tierra. La ejecución de una nueva forma de vida implica que, Hesitation Marks sea la primera placa de Reznor bajo el yugo del matrimonio, tras contraer nupcias con Mariqueen Maandig. Sin duda una vida que ha sabido mediar, tanto en las labores fuera de lo que compete a una banda, como cuando se está en un entarimado escupiendo I Wanna fuck you like animal. Tal vez sea el alivio de la madurez. Dentro de la aparente inactividad Trent nunca se aisló demasiado, si bien no adquiría un papel protagónico en los proyectos en los que era incluido, se percibía la esencia del músico, How To Destroy Angels es el proyecto creado con su esposa, Mariqueen, Atticus Ross y Rob Sheridan. Con los que logró editar dos EP y un LP de nombre Welcome Oblivion. Todo ello sin mencionar hasta ahora la composición junto a Atticus Ross de la banda sonora de The Social Network en 2010, cuyo trabajo le valió el Óscar. A esto se suma la composición de otro soundtrack de nuevo con Atticus por la versión americana de The Girl With the Dragon Tattoo en 2011 El Halo numero veintiocho ha llegado, Hesitation Marks es el resultado final de un camino que en su momento se tornó bronco y ríspido, tuvieron que pasar infinidad de filtros, en su mayoría ásperos, en especial desde la salida de The Slip, el mejor indicio de que un el receso de la banda era inevitable, el proyecto tenía forzosamente que verse interrumpido, no había otra opción afirma Reznor, simplemente para que hoy se siga con el plan de mantener vivo a Nine Inch Nails.. Luego del anuncio hace algunos meses acerca de la salida de un nuevo material, se ha profundizado en un cuestionamiento, ¿permanece con una especie resentimiento? No hay nada que lo sugiera, pues luego de que Adrian Belew como Rick Avery abandonaron la banda (cosa que a Reznor le restó enfoque hacia el disco en una etapa crucial previa a su salida), aún así ha llevado las cosas a los mejores términos. De pronto se veía comprometido a lidiar con problemas de rencillas y la administración de recursos humanos.
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Aunado a ello, Interscope no sólo fue la disquera con la editó cuatro discos, también significó toda una ola de problemas que generó su estancia, el mejor ejemplo se suscitó luego de no haber coincidido hace años en el precio de venta impuesto a Year Zero en Australia, a lo que Reznor reaccionó exhortando a los fans que robasen su música y mandaran joder a la disquera. A pesar de esto, se afianzó una relación con Jimmy Lovine cofundador de Interscope, con el que ha estado trabajando para desarrollar una plataforma de audio con Beats by Dr. Dre, la reconocida marca de audífonos, la cual está prevista que se active antes de que termine el año, trabajo que Reznor echa en la bandeja de los Hobbies. La llegada de un nuevo disco implica un sinfín de trámites si se firma con una multinacional, en este caso Columbia editó el material bajo licencia de un solo disco. Esto para tratar de darle énfasis a la banda y dejar el tema de marketing que le confiere Null Corporation, su disquera independiente luego de bajarse de Interscope. Rechazar trabajos de producción en discos como “Like Clofwork…” de Queens of the Stone Age, da cuenta del enfoque que se deseaba para Hesitation Marks limitándose solo a colaborar de forma aislada, lo mismo para proyectos como el compilado “Sound City” Para alegría de muchos, Trent Reznor es un personaje tremendamente cedido a su trabajo, ello hace que la máquina de rolas no frene pese a los múltiples problemas con los que se topa en el camino, su creatividad nunca se ha visto comprometida, afirma Reznor, y eso es garantía de música. Hoy la banda comanda un movimiento que parecía extinto, pues a casi más de tres décadas de que surgió el proyecto, no se ha esfumado la vigencia, nuevas generaciones se van adhiriendo, las personas que acuden a los conciertos de la banda en su mayoría son jóvenes, los mismos que cada día se afianzan mas con ella, sinónimo de que las cosas siguen marchando.
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LECCIONES QUE DEJO EL “COMBATE DEL AÑO” Por: Gabriel Torres // @jgtorresa
El pasado 14 de septiembre se llevó a cabo el tan multicitado combate del año entre el estadounidense Floyd Mayweather Jr. y el mexicano Saúl ‘Canelo’ Álvarez, un compromiso que la televisión se encargó de darle dimensiones inimaginables, exaltando la figura del oriundo de Jalisco como la próxima gran figura del pugilismo azteca. El combate llegó y varias lecciones dejó en su desarrollo, con la principal enseñanza que los ídolos falsos son los primeros en caer, a pesar de contar con uno de los mejores aparatos mercadológicos del continente. La inexperiencia de la esquina del ‘Canelo’ fue más que evidente. En primer lugar por aceptar el combate ante las condiciones que impuso Maywearther, empezando por el peso que tuvo que ganar el púgil mexicano, quien fue más lento que el ‘Money’. El cuadrilátero de boxeo debe de tener una superficie mínima de 4.90 y máxima de 6.90 dentro de las cuerdas. A mayor distancia mayor desgaste, por lo que Álvarez demostró que ante blancos más rápidos como Mayweather no pudo conectar una sola serie de golpes que pudieran trastabillar al nacido en Michigan.
Por momentos Maywhather jugó con Alvarez, a quien golpeó a placer y esquivó lo que el mexicano intentó conectar. El ‘Money’ se vió cómodo en el combate, poco faltó para que bailara ante la desesperación del joven jaliciense. Si bien es cierto que la función The One fue una de las funciones más redituables del 2014, con ingresos récord en lo que a audiencias de televisión se refiere, la carrera del ‘Canelo’ quedó lastimada con ésta exhibición, demostrando que al tapatío le queda mucho camino por recorrer, si su propósito deportivo es emular a grandes figuras como Raúl Ratón Macias, Rubén Púas Olivares o Julio César Chavez. Canelo’ pudo haber ganado algo en esta serie de eventos desafortunados, como la experiencia de no precipitarse a comprometerse a combates que son desiguales, pese a tener un aparente peso mediático. Ahora sólo queda reflexionar y ver en un futuro si ambos púgiles se vuelven a ver las caras en los encordados.
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AM ARCTIC MONKEYS
RT,RW,RA FRANZ FERDINAND
Por: Samuel Nava /@stupidtobegin
Por: Por Nayeli Díaz A. // @nayeli_yda
AM, así sin más. Así se titula el quinto disco de los Arctic Monkeys. Un disco que al igual que la banda, no necesita mayor presentación. El sentido de este es el mismo: constantes saltos entre dulces y tranquilas melodías en forma de baladas hacia canciones más fuertes y provocadoras, una característica de los oriundos de Sheffield.
El cuarteto inglés Franz Ferdinand regresa este año con su cuarto material de estudio titulado “Right Thoughts, Right Words, Right Action” que cuenta con 10 temas editados por su disquera Domino Records. Con esta entrega se pueden deducir dos cosas, la primera es que evidentemente se esforzaron para lograr un buen disco, por que sin duda alguna lo es, y la segunda es que pese a todo este esfuerzo se quedan estancados, pues lejos de experimentar con nuevos sonidos se mantienen en su zona de confort.
Con la participación de Josh Homme, Bill Ryder-Jones y Pete Thomas, AM fue producido por James Ford y grabado en los estudios Sage & Sound Recording en Los Ángeles, nuevo hogar de los ingleses. El disco vio la luz el 9 de septiembre y de él se han desprendido los sencillos “R U Mine?”, “Do I wanna Know?” y “Why´d only call me when you´re high?” Si bien el estilo es ya conocido por todos, esta vez el cuarteto logra canalizar diferentes influencias volviéndolas propias, siendo esta su mayor virtud. En “Mad Sounds” recordamos a Lou Reed. Otros temas destacados por la fuerza de los riffs y que contrastan con el ritmo lento y apacible de la mayoría del disco son “Arabella” y el sencillo “R U Mine?”, con el que abre AM y que nos recuerda el sonido de su primer disco, Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not. Un disco que dicen, viene a consolidar el trabajo de la banda y que los posiciona como la banda más importante de su generación. AM es un disco bien logrado, bien producido y con colaboraciones tan importantes como la de Homme, pero que no aporta nada nuevo; es pues, un recordatorio de quiénes son los Arctic Monkeys.
Más detalladamente puedo decir que el sonido de este nuevo material es bueno en tanto que es enérgico, divertido y bastante digerible. Se mantienen en la misma línea dentro del Indie Rock y tiene la cualidad de que desde la primera vez que lo dejas correr por tu reproductor musical terminas repitiendo algunos coritos de canciones como su sencillo “Love Illumination”, “Stand On The Horizon” o “Bullet”, por mencionar algunas, además de que se pueden escuchar acordes bien ensamblados y la característica voz de Alex Kapranos, sin embargo, considero que no se arriesgan demasiado ya que este material no sobresale por encima de sus otras entregas al grado de que por momentos algunas canciones parecieran salidas de sus primeros dos discos, tampoco creo que sea trascendental en la carrera de los británicos, pero eso es algo que sólo se podrá ver con el tiempo y la aceptación de sus escuchas. Si lo que están buscando es algo diferente y arriesgado este no es el disco, pero si por el contrario son fans asiduos de la banda o disfrutan de este estilo musical, entonces es un buen álbum para escuchar y deleitarse.
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WHERE YOU STAN TRAVIS
MELODY CALLING EP THE VACCINES
Por: Selene Victores // @selene_vicsu
Por: Alfonso Saldaña // @poooonch
Después de años de silencio, es éste 2013 cuando regresa la banda escocesa con nuevo disco de estudio Where you stand, con 11 temas en donde no dejaron atrás la buena calidad de britpop que los caracteriza. Placa producida por el mismo Fran Healy (vocalista) en colaboración con Michael Ilbert quien cuenta con una larga trayectoria como productor musical, entre sus trabajos destacan The Hives, The Cardigans, Supergrass, por lo que es sello de buena edición.
The Vaccines es una banda de indie rock formada en Londres el año 2010. Encabezada por Justin Young en voz y guitarra, Freddie Cowan en guitarra, el islandés Árni Hjörvar en bajo y Pete Robertson en batería. La banda británica lanzó el EP Melody Calling y anunció que trabaja en un nuevo álbum para el año que viene.
Travis nos sigue mostrando su caracterizado altibajo de emociones con raciones de alegría y melancolía. En lo particular, me hubiera gustado escuchar algún sonido nuevo, sin embargo sólo retoman la experiencia acumulada en más de 20 años y lo moldean. De este disco ya se desprenden dos cortes de videos musicales, el primero fue el sencillo “Where you stand” y como siguiente single editaron “Moving”, muy atinados por ser los temas más destacados de esta producción. Dentro de su gira incluyeron la visita de Corona Capital, lo cual llenó a México de felicidad, en especial quien gusta del buen rock melancólico. Esperamos que este cuarteto, para su próximo disco, no nos hagan esperar tanto como en este reciente trabajo.
En este EP solo vienen incluidos 4 tracks de los cuales 3 son nuevos y un remix. “Melody Calling” es el primer track, que viene con una propuesta diferente y bastante melódica que puede sonar un poco melosa y muy parecido a lo que hace New Order. A continuación tenemos “Do You Want a Man”, donde podemos escuchar un sonido más pausado aunque sin perder la esencia del track. Por último, nos encontramos con el tema titulado “Everybody´s Gonna Let You Down”. Para mí, este es el tema con un ritmo bastante limpio de guitarras bastante claras y llenas de armonía. Para cerrar con este EP nos entregan un remix del segundo track. De esta manera la banda nos deja con un buen sabor de boca, esperando que para el 2014 llegue su nuevo disco y por supuesto una nueva gira en la que contemplen regresar a nuestro país.
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HESITATION MARKS NIN
MGMT MGMT
Por: David Ovando/@Ovandoous
Por: Iveth Laguna //@trixivie
Siempre que se edita algo nuevo de NIN, se hace un balance predeterminado de sus trabajos anteriores, Hesitation Marks es un disco que aborda diferentes sonidos que han entregado. Al principio les parecerá un álbum flojo y que será difícil captar en una sola sesión todo lo que envuelve éste Halo. “Everything” suena a pop sintético similar a lo que había en Pretty Hate The Machine. Como ya es costumbre en los álbumes de la agrupación, el track uno es un preludio sonoro “The Eater of Dreams” es un filtro para que llegue “Copy of A” e intensifique los sentidos. El disco posee una delgada línea orgánica omitiendo filtros tanto en voces y teclados. Su cerebro identificará de inmediato cuando se topen con un rolón “All Time Low” Inicia con el eco de un muelle de una ciudad industrial en ruinas, los efectos que la acompañan son tremendos y la voz de Reznor se nota en esplendor. “In Two” se suma a lo dicho.
Este año estamos escuchando el resultado de las bandas al regresar al estudio como fue el caso de Babasónicos o Placebo, con resultados agradables tanto para los seguidores de esa música como para quienes apenas los vayan descubriendo.
El disco retoma los principios de la banda, ya que el título procede de una insipiencia de automutilación con el toque y la madurez de Reznor. Otra etapa de la banda ha iniciado y con ello la oscura avaricia sonora que guardamos para consumir lo mejor del industrial.
Llegó el turno de MGMT oriundos de de Middletown (Conecctituc, EUA) con un autotitulado disco sucesor de Congratulations (2010) que por momentos pareciera que es apenas el segundo disco, ya que hay un sonido base que ya los caracteriza. Pero lo interesante de MGMT es que, a pesar de ello, cada canción nueva aporta algo, suena distinto aunque vagamente familiar, y eso hace que escucharlos sea una experiencia agradable. Hasta el momento, han lanzado tres sencillos que sirven para ejemplificar la heterogeneidad “Alien Days”, “Cool Song No. 2” y “Your Life is a Lie”. Diferencias que comienzan en la voz, algo un poco suave y tranquilo para los primeros sencillos y un poco más acelerado, en tono y letra, para el tercero, sin dejar de ser partes de un mismo disco; es decir que cada track complementa lo anterior y para el escucha, amplia la grata experiencia sonora del que sin duda fue un regreso esperado orquestado de tal manera que no decepciona.
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REPEAR AFTER ME
CARTA MAGNA LOS AMIGOS INVISIBLES JAY-Z
Por: Carolina Calvo //@CarolinitaCC
Por: Alfonso Saldaña // @poooonch
A dos años de que nos presentaran su producción “Commercial”, Los Amigos Invisibles continúan la gozadera con su nueva producción: “Repeat after me” que presentaron en abril de este año.
Uno de los representantes más productivos e importantes de la corriente del east coast rap, Jay Z, llega con una nueva entrega de rap, listo para seguir aburriéndote. Claro, como es conocido, este rapero no se destaca por lanzar grandes éxitos o “himnos”, la publicidad que se genera alrededor de él es un gran aliado que le ayuda a vender discos de una manera muy poco entendible a juzgarse por la calidad de los músicos.
Los Amigos demuestran que su estadía de 10 años en Estados Unidos ha dejado huella, cantar en inglés ya es algo natural para ellos, aunque probablemente haya un interés comercial y de expansión. Este álbum, a diferencia de otros, incluye más temas en ese idioma, tales como “Hopeless romance”, “Stay”, “Like everybody else” y “Sex appeal”, inclusive el nombre estuvo inspirado en las clases de inglés que los integrantes tomaron, en donde la frase que más escucharon fue: “Repeat after me”. En la producción participaron el argentino Cachorro López, el francés Dimitri from Paris y el inglés Ray Mang. El álbum se presentó en abril y desde entonces hemos escuchado el sencillo “La que me gusta”, el track más tierno del disco, que a ritmo de soul describe él éxito de un chico al conquistar a una chica. Aún cuando considero que este disco se disfruta de principio a fin, recomiendo ampliamente “Río porque no fue un sueño”; “Stay”, “Corazón tatú” e “Invisible Man”.
Un disco que inicia con el chico del momento: Justin Timberlake y la canción titulada “Holy Grial”. Esta canción suena casi nada a rap y más a cualquier otra cosa que te puedas imaginar, lo curioso es que cuenta con muy buenas colaboraciones de la talla de Rick Ross, Frank Ocean y como era de esperarse, no podía faltar su esposa Beyoncé. Un álbum que podría pasar desapercibido y que podría ser extremadamente útil en caso de insomnio, beats aburridos, monótonos y sin chispa, la lírica plana con pocos versos y muchos coros hacen algo completamente distinto a lo que hacía Jay-Z. Adiós canciones con bajos profundos para ir en el auto a todo volumen, él rap americano poco a poco desaparece y esto nos demuestra porqué.
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EL INFINITO ÚNICO DE UN BINOMIO MUSICAL Por: Alberto Granados // @Altokapo
En una época donde la capacidad de asombro es escasa en el ser humano, Alejandro Otaola e Iraida Noriega llegan con un disco en forma de app, que rompe con muchos esquemas fijos en el mundo y en la industria musical. Un disco sin formato físico que apuesta por la conexión masiva y por transmitir de manera genuina la posibilidad de experimentar con los sonidos creados por los artistas, así como ponerse en el lugar en donde pocas veces se puede tener la sensación de ser el creador único.
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¿Cómo surgió la idea de hacer un disco que a la vez fuera una app en la que laspersonas puedan crear su propia versión de Infinito?
Lo interesante es que cada vez que se abre la app es una presentación única, ya que todas las veces cambia la forma en que se te presenta y la cantidad de mezclas posibles que puedas hacer con las piezas. Es la primera vez que un disco se te presenta con esa similitud al caleidoscopio y le da a la gente la posibilidad de armarlo como ella quiera.
En realidad nunca nos planteamos (Iraida y Alejandro) hacer un disco en formato app, más bien todo fue dándose de manera natural. Una persona nos sugirió que trabajáramos juntos para la clausura de un festival y al estar planeando lo que íbamos a presentar, comencé a tocarle música para ver que le gustaba a ella pero lo que yo le ponía comenzaba a interpretarlo y a cantarlo de la forma en que lo sentía. La primera vez que tocamos fueron los bocetos de los ensayos pero siempre terminaban sonando distinto, parecía que el primer ensayo fue la presentación y la primera presentación el segundo ensayo. Esa se volvió la idea del dueto, tener las mismas ideas de las canciones pero en cada presentación hacer las cosas de distinta manera.
¿Cuál es la forma en la cual distribuyes esta aplicación? Por medio de la AppStore, se encuentra disponible en todo el mundo. Puedes delimitar los lugares donde quieres que aparezca, pero al dejarla libre aparece en todo el mundo y fue muy curioso que checando las últimas descargas había aproximadamente más de 200 que venían de fuera de México, de lugares como Rusia, China, Italia y varias de Estados Unidos, alguien que se la encontró por una recomendación o porque tiene apps similares a esta. En términos de distribución de un disco también es un experimento, ver hasta dónde puedes llegar cuando no dependes de que lo maquilen físicamente y después le hagan promoción para que la gente sepa que está ahí y lo compren.
…Y me parece que es justo eso, transmitirle a las personas que descargan la app las ideas y las cosas que pasaste con Iraida al momento de crear el material para el disco, la leyenda de ‘nunca es el mismo disco 2 veces’ Exacto, lo que está padre de este disco es que más allá de sentir que ya te sabes todo el disco es lo contrario, escuchar qué cosa nueva puedes hacer, la parte derecha de la app te muestra las canciones de la forma en la que se grabaron, eso se pudo haber quitado si me pongo un poco radical y que la gente no tenga la manera de conocer qué es lo que forman las piezas, sería como armar un rompecabezas sin saber que figura forma, normalmente tú te basas en la portada para saber que van a formar todas las piezas y en este caso no sería así.
¿Te interesa crear algún lugar donde ellos puedan subir sus creaciones y compartirlas con los demás usuarios? En este caso siento que tendría que ser algo distinto, la gente tendría que compartir la app y hacerlo más un espacio de convivencia que un lugar para subir la música, porque lo que hay que explotar es el hecho de que a cada persona, cada vez que abre la app se le está mostrando algo único, algo que nadie más verá.
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En PC, Ma
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