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stamos a un mes de que United Rock League cumpla un año de vida. Muchos de ustedes muy probablemente apenas nos hayan conocido, otros tantos a la mitad de este camino y muchos más, desde el inicio del proyecto. A todos por igual, les agradecemos por seguir con nosotros. En lo que va de este infante 2011 podemos decir que hemos tenido visitas importantes de artistas internacionales a México, así como unas que definitivamente han pasado desapercibidas. La actividad en este mes, se intensifica con uno de los festivales estelares que se llevan a cabo en nuestro país: El Vive Latino. En las hojas de esta edición, podrán encontrar un artículo que nos da un panorama de lo que ha sido este evento a lo largo de los años, así como datos de la organización del correspondiente a 2011. Aprovechando el marco que nos otorga el concepto que encierra la palabra “Latino”, les contamos que nuestra entrevista principal del mes es la realizada a un músico que se ha ganado el respeto y reconocimiento de diversos públicos y medios de comunicación de países de Latinoamérica: Gepe, chileno de nacimiento e inspirado en las imágenes del mundo, nos habló un poco de su disco “Audiovisión” y otras cosas, justo antes de un show que dio en la ciudad de Monterrey, Nuevo León. Tenemos mucho que compartir con ustedes este mes. Además de lo antes mencionado, las ya clásicas secciones Rock Sound y Encore. En nuestra edición on line, las Band To Follow varían mucho en cuanto a propuesta musical: Punk, Ska y Rock Alternativo se unen en nuestras hojas virtuales. Eso si, todos ellos mexicanos talentosos. Como cada mes, les agradecemos sigan leyendo nuestros contenidos, esperamos que en un futuro no muy lejano, puedan tener en sus manos físicamente esto que hoy les llega a través de medios electrónicos. Muchas gracias por leernos. Larga vida a la música. Atentamente, Junta Editorial de United Rock League. @unitedrockleague
04.11 Francisco Pérez Mejía “Frasko” Editor en Jefe y RRPP frasko@urlmagazine.com.mx Twitter: @Fraskote
Sergio Hernández Juárez Dir. Eventos y MKT sergio@urlmagazine.com.mx Twitter: @sergio810511
Colaboradores: Viridiana Martínez Villamor Eunice Rugama Juan Manuel López Daniel “Jimmy Lurias” Ulises Díaz Montserrat Vallecillo Samantha Núñez Nadia Ximena James Velásquez Joel Hernández
Rafa Ledesma Dir. Arte/WebMaster rafa@urlmagazine.com.mx
Andrea Becerra Corrección de Estilo Fotos Frida Escobar Santiago Eventos Pimienthas pimienthas@urlmagazine.com.mx
Ozz Zavala Jael Hirata Ortiz Fernando Velasco Carro Erik Ángel Pérez Hernández Erick Castro (Monterrey) Karla Coria (Monterrey) Pamela Ascencio (Morelia/Guadalajara) Luis Antonio Ayala Fuentes (Guadalajara) Israel Lara Colaborador (Argentina) Beatriz Mena Colaboradora (España)
URL Radio Erwin Rodríguez (Gollum) Producción United Rock League es una publicación digital mensual con domicilio en Gabriel Mancera 247 Int. 501, Del Benito Juárez. Prohíbido la reproducción total o parcial por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso de los editores. El contenido y Colaboraciones son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores.
URL Digital Sergio Hernández Juárez United Rock League Magazine 04-11 Abril 2011 Ejemplar Gratuito
CONTENIDOS
VIve Latino 2011
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Marvel vs Campcom 3
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GEPE 13
多Cual es el soundtrack de tu vida?
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entrevista
YEASAYER ROCKSOUND 36
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¿Y tú, vives latino? Por James Velásquez @jamesvelazquez
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l Festival Iberoamericano de Cultura Musical Vive Latino o mejor conocido como Vive Latino celebrara este 8, 9 y 10 de abril su doceava edición en catorce años (recordemos que en el 99 y en el 2002 no se llevó acabo) y con la peculiaridad que es la primer vez que son tres días de pura fiesta y con un tema más prehispánico en el arte del festival resaltando los orígenes latinoamericanos. Esta vez nos sorprenderán con la Carpa Ambulante, que es la presentación del proyecto de cine documental Ambulante que encabezan Diego Luna y Gael García. Una breve historia La ciudad de México, siendo una de las ciudades más grandes del mundo, es un punto de referencia en la cultura y las artes que necesitaba reflejar más la importancia e influencia en América Latina y que mejor forma que demostrarlo que la que se le ocurrió a OCESA, haciendo un festival que reuniera bandas de rock en español. En 1998 se organizó el primer Vive Latino y de la mano de OCESA, Coca-Cola y más patrocinadores el 28 y 29 de noviembre con la participación de 27 bandas de rock en español. Café Tacuba, Molotov, Maldita Vecindad, La Lupita, La Cuca, El Gran Silencio, entre otros tantos fueron la base de este festival y debido a la respuesta de la gente que lleno el Foro Sol se aclamo la continuación de este festival por los años venideros. Los organizadores se tomaron un año para pensar bien la mecánica y la esencia del festival y en 1999 no se realizó, pero debido a la exigencia de los medios y el público se reinició en el 2000 esta vez 11 y 12 de noviembre con la gran participación de The Wailers en el comienzo de un nuevo siglo con nada que perder y mucho que esperar. En las ediciones del 2001(24 de nov), 2003(11 de mayo), 2004(9 de mayo) y 2005(16 de abril) solo hubo un día de festival pero se mantuvo el promedio de número de bandas, además de la presentación de bandas que de alguna forma tenían sangre latina ya sea de nacimiento o en ritmos como The Mars Volta en el 2004 o los Skatalites en el 2005. Ya para el 2006 se regresó al formato original de dos días (13 y 14 de mayo) y ser un festival veraniego que registró la entrada record de 125,000 asistentes y eso porque es la capacidad máxima del Foro Sol.
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En todos los años se han manejado tres escenarios rojo, azul y verde, a veces cambiando de nombre de algún escenario por el patrocinador principal (Coca-Cola, Telefónica Movistar, Cerveza Sol, o Cerveza Indio este año). En el 2001 y 2003 se agregó también la Carpa Electrónica y ahora desde el 2009 se monta la Carpa Intolerante que ha tenido una gran aceptación presentando a bandas de lo más innovadoras, alternativas e independientes, este año es también el inicio de la Carpa Ambulante que redondea un tanto el concepto de la cultura latina con una serie de documentales. Cabe dar un reconocimiento al mercado del Chopo que se traslada de la calle de Aldama hasta el foro sol para ofrecer suvenir de las bandas y más año con año. Vive Latino 2011 Él Vive Latino se ha convertido en el festival más importante de rock en Latinoamérica debido al tamaño y seriedad de las bandas nacionales e internacionales que han desfilado en los escenarios de este festival, unas con más apariciones que otras como Café Tacuba, Fobia, Babasónicos, Charly Montana, Zoe, etc. Pero también ha servido como de plataforma para bandas emergentes que consolidan su carrera presentándose en algún escenario del festival y que ahora atreves de los medios electrónicos y redes sociales ya desde antes cuentan con un importante grupo de fans y que hoy en día forman la mayor parte del cartel del Vive Latino 2011. En esta edición del 2011 más de 100 bandas e intérpretes se presentaran en los 4 escenarios durante los tres días, cada banda tendrá de 25 a 35 minutos promedio para dirigir el viaje, en esta ocasión llama la atención el reencuentro de Caifanes, los grandes The Chemical Brothers, Jane’s Addiction, entre otros, pero mejor denle un vistazo a los horarios y elijan el recorrido sónico que harán en esos tres días, disfrútenlo. Cada año el festival va creciendo, y eso también es en su mayor parte por toda esa banda que compra su boleto, va y brinca, canta, suda y vuelve a sudar, exige a mas bandas y que esas bandas dejen todo arriba del escenario, esta vez se ha extendido a tres días, ojala después ocupe toda una semana y un lugar tan grande en donde quepa más de 500,000 personas dispuestas a conectarse con el medio en paz y armonía y con una mente abierta para disfrutar de las expresiones artísticas que nos presente un Vive Latino futuro. Larga vida al Vive Latino.
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THE CHEMICAL BROTHERS Vive Latino 2011 Escenario Vive Latino Domingo 10 de Abril 22:20 hrs
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sta ocasión hablaremos de un clásico del cine de terror, El Exorcista (The Exorcist) de 1973 dirigida por el realizador William Friedkin, sobre un guion escrito por William Peter Blatty: El exorcista ha sido una de las pocas películas del cine de terror en lograr excelente crítica y un gran número de público, hasta el extremo de convertirse en un clásico de la cinematografía mundial y en un fenómeno cultural. En esta, su edición especial BluRay de 2 discos, librillo de fotografías y biografia de los actores que dieron vida a esta cinta además de una carta personal del director Friedkin, hacen de esta edición la ideal para coleccionistas, con una remasterización en HD y con la imágenes inéditas del Directors Cut y The Theatrical Version, sin duda la claridad de la cinta nos hace revivir momentos que solo una película así a pesar del paso de los años aún nos provoca brincar del asiento. Como bien sabemos la trama de la cinta, Lancaster Merrin (Max Von Sydow), sacerdote y arqueólogo se encuentra en Irak investigando excavaciones, el jesuita entra en pánico al encontrarse con una estatua del Demonio Pazuzu, a su vez en Georgetown, Regan McNeil (Linda Blair) una preadolescente de 12 años comienza a experimentar diversos cambios de personalidad, su madre Chris McNeil (Ellen Burstyn) acude a varios hospitales, clínicas, revisiones de 88 médicos quienes descartan algún caso de esquizofrenia, paranoia o personalidad multiple que pudiera presentar Regan, considerando el hecho a un caso sobrenatural,
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EL EXO Pelicula del mes
ORCISTA
Por Virix Villamor @pecasvil la madre desesperada acude al padre Karras (Jason Miller) quién en conjunto con el padre Merrin llevaran a cabo el ritual mas antiguo de la Iglesia Católica, El Exorcismo. El final de la historia está por demás comentarlo, lo que si mencionaré son algunos de los sucesos ocurridos en el rodaje, una serie de acontecimientos extraños incidieron en la producción de la película. Se incendió uno de los sets de producción, se velaron rollos sin razón aparente, ocurrieron una serie de accidentes laborales a los técnicos del rodaje, fallecieron varios familiares de los actores incluso la Iglesia Católica reprobó algunos pasajes del guión por su tono blasfemo, Linda Blair (Regan McNeil) no destacó en su carrera como actriz, realizó varias cintas pero ninguna reconocida y los únicos premios obtenidos fueron por El Exorcista, fue internada en un hospital psiquiátrico por trastornos mentales. Sin duda, El Exorcista (The Exorcist) después de 38 años sigue siendo, la mejor película de miedo de todos los tiempos, si eres fan de este género cinematográfico y en específico de esta cinta, en definitiva esta edición debe formar parte de tú filmografía.
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ué pasa cuando atravesamos por conflictos realmente fuertes y de ellos nos hablan especialistas, doctores, adultos, que sí bien nos pueden informar, difícilmente pueden llegar a la profundidad de identificarse y comprender nuestro sentir. Así es como surge Instantáneas: “Historias reales, de chicos reales contadas por ellos en documentales de 14 minutos”.
Por Samantha Núñez @unacosapandrosa
IN ST AN TA NE AS CANAL 11
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Una serie de 13 capítulos siempre presentando un tema diferente, respaldada por el gusto de contar historias, es la idea Anna Madero y Alex Roa, sus productores, que sin la pretensión de hacer un programa que revolucione la televisión mexicana buscan realizar un proyecto de perfil social con el fin de crear conciencia. Instantáneas logra conectarse con el espectador al poner en pantalla personas comunes con problemas comunes de los que pocos hablan y muchas veces todos necesitamos escuchar. “Todos ya sabíamos que era el alcohol, el sexo, las drogas a los 15 años, algunos por experiencia propia, otros por haberlo visto en su familia, otros porque lo vieron en sus amigos pero siempre los adultos resultan indiferentes pensando que eso no pasa en su casa, eso no pasa en la vida de sus hijos, entonces el niño termina sin tener con quien hablar”. Esa es la idea, plasmar emociones, mostrar problemas que aparentemente puedan ser distantes en nuestra vida, reflejar una historia que identifique a mas de un espectador, lograr ser una tribuna de “drogadictos anónimos”, “alcohólicos anónimos”, “sexo-adictos anónimos”, hablar un mismo lenguaje para quienes están pasando por lo mismo. “Muchas veces cuando la idea nos la comunica un adulto solemos ignorarla pero cuando lo mismo que nos sucede es contado por otro joven y estamos viendo como afecta su vida podemos llegar reflexionar. No esperamos acabar con las drogas pero si hacer mas conciencia”. Contactar a los jóvenes no ha sido nada fácil pues el objetivo de Instantáneas no es crear morbo o historias de lastima, sino buscar verdaderos Héroes, esta serie no se trata de hablar de drogas, de sexo o de tatuajes se trata de hablar de Héroes, personajes que han luchado contra discriminación, soledad o que siguen luchando contra sus “monstruos”, esos son los personajes que podrás ver en Instantáneas, historias realmente interesantes pero sobretodo personas muy humanas. Si quieres saber todo el proceso para realizar Instantáneas, la evolución y complejidad para realizarlo, no te pierdas la entrevista y espera la segunda temporada los Domingos a la 1:50 p.m. por canal Once.
Por Frasko @fraskote
Entrevista a
En portada
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epe cuyo nombre es Daniel Riveros, es un músico chileno que resaltó de la escena musical de su país con su más reciente álbum publicado en 2010 titulado “Audiovisión”.
Ya con más de cinco años en la escena independiente como solista, recientemente viajó a la ciudad de Austin, Texas (EEUU) para presentar su música bajo el marco del Festival SXSW.
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Posteriormente, emprende el viaje a la ciudad de Monterrey, Nuevo León (México), y es ahí donde nos cruzamos en el camino, justo antes de su presentación en el Café Iguana en un evento organizado por Radio UANL de la mano de Jesús Torres, Daniel Quintanilla y toda la producción que hizo posible el concierto.
¿Cuáles cuales son las diferencias que tienen entre si tus discos?
Fue por que más que algo musical es algo netamente visual, es como si cada canción fuera una fotografía, es como una imagen, una sensación. Básicamente cuando alguien escucha una canción Pop, y quiere decirle a otra persona la impresión que le dio, lo hace comparándola con situaciones de su vida, por ejemplo: “Está canción me recordó esto, o está canción me recordó aquello”. De eso se trata el Pop para mi, de decir que es una Audiovisión, de ver algo y sentirlo y que las dos cosas estén entrecruzadas, que una cosa funcione con la otra, que se potencien entre si.
Cada que he querido grabar un disco lo he hecho por tengo una idea distinta que demostrar, nunca he buscado hacer dos materiales iguales. Cuando hago un álbum es por que tengo las canciones suficientes y por que se me ocurrieron cosas distintas. Por ejemplo: en “5x5” solo quería hacer música, de la forma que fuese. En “Gepinto” quería grabar las canciones que estaba tocando por los años de 2004 y 2005 y que tuvieran que ver con lo que estaba escuchando en ese momento, que era música acústica, música sin muchos elementos y que fuera muy cruda y muy ruda. Con “Hungría” fue más el sentimiento de querer hacer un disco que se pareciera un poco a lo que en su tiempo realizó George Michael, o Sade, con esas influencias. Ya en “Audivisión” quise hacer un disco lo más homogéneo posible y que tuviera muchos arreglos musicales. Cada álbum voy planteando ideas nuevas. Yo creo que son muy distintos uno del otro y no tienen que ver necesariamente con una evolución, sino que más bien con un momento de lo que estoy viviendo. Están conectados de alguna forma, pero no son una de ninguna forma una continuación.
¿Cómo fue el proceso creativo de “Audiovisión”?
Sabemos que estudiaste Diseño, ¿De qué forma influye en tu música esta situación?
La verdad es que desde hace 5 o 6 años que empecé como solista nunca he dejado de hacer canciones. Cuando las componía nunca supe si eran exclusivamente para algún álbum en particular. Las canciones que están en Audiovisión son las que encontré que en ese momento, cuando estaba seleccionando las melodías para el disco, eran las que más se acercaban al concepto que buscaba en el. Muchas de ellas las tuve que arreglar para poderlas incorporar en este material, cambiando la letra o melódicamente. Son canciones que hice durante el 2009 y 2010.
Yo siempre he creído desde muy pequeño, que soy un “Diseñador de Sonido”. Más que ser un músico, soy alguien que ocupa la música para
Esto fue lo que platicamos con Gepe en su visita a tierras regias:
¿Por qué escogiste el nombre de “Audiovisión” para tu último disco?
Si pudieras definir en colores “Audivisión”, ¿cuáles serían? Yo creo que sería algo muy parecido a un barrido de colores, lo que se conoce como tornasol, que va de un color naranja a uno azul.
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proyectar imágenes. Mi forma de aplicar lo que estudié con lo que compongo hasta cierto punto es muy claro, busco generar a través de sonidos algo visual. En “Audivisión” existe un trabajo premeditado, ya que si tiene un diseño de imagen y un “diseño de sonido” que busco proyectar. Me considero un músico que más que preocupar
me netamente por las melodías busca generar ese algo más, como hace Animal Collective que busca ir más allá de los elementos sonoros. Estoy buscando llegar a esa idea que está incluso por encima de la música.
Sobre el viaje a SXSW, ¿Qué fue lo que más te impacto y te marcó en esos días? Yo creo que lo que más me sorprendió fue esa necesidad de hacer “bluff ”, que yo nunca antes había pensado en utilizar, ya que para nosotros los chilenos es difícil tener contacto con los “poderosos” de la industria de la música, y en SXSW estaban todos y me los encontré
caminando y les dije: Este es mi disco, te lo regalo para que lo escuches- así como también los invité a mi presentación. Todo eso fue una experiencia de la cual yo no tenía conciencia y que ahora la tengo después de dicha visita.
Ya para finalizar, ¿qué le dirías a esas bandas que como tú, pertenecen a la escena independiente y lucha día a día por consolidarse? Yo creo que las 3 cosas más importantes son: Confiar absolutamente en el instinto; buscar muchas presentaciones, no importando si tocas para 3, 10 ó 5,000 personas; y por último, estar en silencio, hablar lo menos posible de lo que uno hace y seguir creando música. Uno va encontrando su propio camino.
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¿CUÁL ES EL
SOUNDTRACK
DE TU VIDA?
Por Israel Lara
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uchas veces es sencillo arruinar un buen plato, o una buena idea si es que usted, querido lector, prefiere las cosas en sentido literal. Por otro lado, en más ocasiones de las que uno desearía, se debe voltear a los condimentos adecuados para salvar algo que, de otro modo, resultaría incomible. La referencia culinaria viene a colación dado que en el presente artículo hablaremos de un condimento que le da no solo sal y pimienta al cine, también le da la salsa y más de una vez ha salvado a la película entera. Hablamos, por supuesto, del “soundtrack” o en castellano que es más bonito “pista de sonido”. El cine sonoro, para esclarecer diferencias entre una cosa y otra, es aquel que incorpora en las películas sonido sincronizado o tecnológicamente aparejado con la imagen. Cierto es que todos nosotros conocemos el cine en esta modalidad. No es fácil olvidar esas escenas clásicas en que Norman Bates acuchilla a una hermosa joven en la ducha, apuesto a que su mente llegó de inmediato la pista de “psicosis”, tampoco hemos de olvidar las escenas de Darth Vader caminando mientras la marcha imperial surge sutilmente para, solo después de que he
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mos disfrutado de algunos acordes, rugir anunciando la presencia de uno de los villanos más representativos y ¿Qué decir de cierto escualo que le dio vida a la cancioncilla más usada de las piscinas a nivel mundial?, así es, nos referimos al clásico “Jaws” de Steven Spielberg. Nos hemos de preguntar entonces si el sonido ha representado tanto en la historia del cine ¿Qué pasaba cuando el cine era mudo? Bien; Antes de la existencia del cine sonoro los cineastas y proyectistas se habían preocupado por acompañar a cada pieza con música que llevase al espectador por la aventura que estaba por presenciar. Raras veces se exhibía la película en silencio. Por ejemplo, los hermanos Lumière, en mil ochocientos noventa y siete, contrataron un cuarteto de saxofones para que acompañase a la proyección de la película en su local de París. Hacia el año mil novecientos veintiséis, el cine mudo había alcanzado un gran nivel de desarrollo en cuanto a estética de la imagen y movimiento de la cámara. Había una gran producción cinematográfica en Hollywood y el público se contentaba con las películas producidas. No se exigía que los personajes comenzaran a hablar, ya que la música aportaba el dramatismo necesario a las escenas que se proyectaban en pantalla.
Sin embargo, los esfuerzos para dar voz a la historia no fueron escatimados en primera instancia. Los primeros experimentos con el sonido en el cine llegaron de la mano del físico francés Démeny, quien en mil ochocientos noventa y tres inventó la fotografía parlante. Charles Pathé, combinó fonógrafo y cinematógrafo. En la misma época, León Gaumont desarrolló un sistema de sonorización de películas, que presentó en la Exposición Universal de París de mil novecientos dos. En mil novecientos dieciocho, se patentó el sistema sonoro TriErgon, que permitía la grabación directa en el celuloide. Pero el invento definitivo surgió en mil novecientos veintitrés, el Phonofilm, creado por el ingeniero Lee de Forest, quien resolvió los problemas de sincronización y amplificación de sonido, ya que lo grababa encima de la misma película; así, rodó dieciocho cortos para promocionar la técnica, entre ellos uno de 11 minutos de Concha Piquer, que se considera la primera película sonora en español. No obstante, por falta de financiación el invento se postergó hasta mil novecientos veinticinco, año en que la compañía Western Electric apostó por él. Para mil novecientos veintisiete los estudios Warner se encontraban en una situación financiera delicada y, en un movimiento audaz, apostaron por integrar el nuevo sistema de sonido. Se incorporó por primera vez en una producción comercial titulada “Don Juan” (1926) de Alan Crosland, así como en “Old San Francisco” (1927). En ésta incorporó por primera vez ruidos y efectos sonoros. Sin embargo, la película sonora más exitosa fue “El cantante de jazz” (1927) en la que Al Jolson se inmortalizó pronunciando las palabras inaugurales: “Ustedes aún no han escuchado nada”. Ante el éxito, pronto todos los grandes estudios montaron sus propias películas sonoras, y el cine mudo quedó olvidado.
La aparición del cine sonoro introdujo grandes cambios en la técnica y expresión cinematográfica, por ejemplo: la cámara perdió movilidad quedando relegada a la posición fija del cine primitivo y la imagen perdió su estética cediéndole importancia al diálogo. Los actores también se vieron implicados en este cambio técnico. Algunas grandes estrellas fílmicas de Hollywood vieron naufragar sus carreras ante su mala dicción, su pésima voz o su excesiva mímica. Debido a esto surgieron nuevos actores en su reemplazo. Una película que retrata esta transición del cine mudo al sonoro es el famoso musical “Cantando bajo la lluvia”. Quizás el único de los grandes del cine mudo que siguió haciendo filmes sin sonido fue Charles Chaplin como Tiempos modernos” (1936). Sin embargo, a partir De mil novecientos cuarenta comienza a realizar películas con sonido, la primera de las cuales es “El gran dictador”. El cine sonoro hizo desaparecer la función que cumplía el conjunto musical al acompañar el visionado del cine mudo. El silencio cobra importancia como nuevo elemento dramático desconocido por el cine mudo. Se introduce el concepto de banda sonora. A partir de entonces la banda sonora se transformó en parte fundamental del cine. Pero no todo estaba estaba dicho y fue entonces, siguiendo con la evolución del sonido, que apareció el sistema “Dolby”; El sistema basa su funcionalidad en la reducción de sonido de una banda sonora, en palabras simples y concisas para no entrar del todo en detalles técnicos. La primera película con sonido Dolby fue La naranja mecánica de Stanle Kubrik (1971), Adaptada al cine a partir de la novela homónima de 1962, escrita por Anthony Burgess.
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Que usó la reducción de ruido Dolby en todas las pre-mezclas y masters, si bien en las copias se incluyó una pista sonora óptica convencional. Para mil novecientos noventa y dos Dolby revolucionó de nuevo el sonido con la presentación del Dolby Stereo Digital o simplemente Dolby Digital que fue presentado por primera vez en la película Batman Returns. Se entiende pues, como banda sonora, aquella música tanto vocal como instrumental compuesta expresamente para una película, cumpliendo con la función de potenciar aquellas emociones que, las imágenes, por sí solas, no son capaces de expresar. Pero ya nos hemos desviado suficiente. La banda de sonido a la que nos referimos es a esa que va más allá del sonido incidental, que por sí solo busca reafirmar el clima de una escena determinada.
Existe una relación excepcional entre las películas y sus pistas de sonido. Tras los éxitos de The Beatles y sus películas como El Submarino Amarillo, se dio un boom en los años 60 a 80 de películas que eran sólo vehículos para canciones que luego se vendían en disco. Algunas películas no podían funcionar sin canciones, pero el abuso se volvió desmedido. Por eso, a finales de los setentas, gracias especialmente a la música de John Williams, el algo mayor Alex North y Jerry Goldsmith el cine volvió a utilizar música con fines más interesantes que los meramente comerciales. Ya en los noventas algunos compositores como Tru Takemitsu o Wojek Kylar han contribuido ampliamente a revalorizar el lugar de la composición musical fílmica en el propio medio cinematográfico. Fue entonces que encontramos filmes que van de la mano en calidad y trascendencia. Ejemplo de ello son los multiples trabajos de Enio Morrico
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ne (El bueno, el feo y el malo, La misión, Cinema Paradiso, etc.) o el enorme John Williams John Williams ( Tiburón, Star Wars, Indiana Jones) que han hecho de sus obras el acompañamiento perfecto para verdaderas obras de arte. Por otro lado tenemos a los soundtracks un poco más comerciales, esos que intentan, con heroico afán, rescatar a su compañera fílmica, aunque desgraciadamente no lo logran, un ejemplo claro de esto es la saga “twighlight” que, la verdad sea dicha, no es mala solo como película, no se podía pedir nada de la adaptación de una obra de tan baja calidad. Y entrando en materia. Hemos preparado para ustedes un top ten con los que, dentro del rock en sus varias variantes, son los mejores soundtracks. No están, por respeto a los grandes artistas y películas que les acompañan, en orden. Solo han sido numerados para facilitar su análisis. Desde ya ofrecemos una sincera disculpa por cualquier omisión, será sin intención de agravio, que pueda cometerse.
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top ten de Soundtrakcs:
Sin mas aqui les dejo este
BATMAN Y ROBIN Un caso en que el soundtrack intentó salvar al film. Aunque difícilmente se encuentre la relación entre ambos, la pista de sonido de Batman y Robin debe de ser una de las mejores recopilaciones rockeras de la historia. No solo resultó mejor que el film. Si no que agrupó a verdaderas figuras de la década logrando un trabajo excepcional.
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PULP FICTION Esta es simplemente espectacular, tanto como peculiar. Para aquellos que no gustan del cine de Tarantino resultara difícil apreciar lo que, por lo menos para un servidor, es su obra maestra. Sin embargo, algo que nadie puede negar, sin importar si se gusta o no de la obra de Quentin, es su excelente gusto musical.
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FIEBRE DE SABADO POR LA NOCHE Con está pido comprensión. Si bien la película no parece lo mejor que existe se convirtió en un verdadero clásico gracias a la pista de sonido. Debemos tomar en cuenta que la presencia de Travolta haciendo lo que mejor hace, bailar, significó una mezcla perfecta para el arte de los Bee Gees , quienes llevan la batuta en el soundtrack y marcó el ritmo de la generación de nuestros padres, abuelos en algunos casos.
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EL REY LEÓN Excelentes ambos. Sé que muchos lo consideraran una película para los más peques pero es innegable el alcance, la calidad y el parte aguas que significó en las películas animadas. El sountrack, por su parte, quedó en manos de uno de los grandes maestros del rock, sir Elton se luce en esta pieza.
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CITY OF ANGELS Película clásica de la variedad de Meg Ryan. Un tanto profunda en partes, melosa en extremo en otras, pero que libra la barrera de calidad sobre todo porque en aquel entonces todos amábamos a Meg y porque nos dejó con la sensación de melancolía que, para su servidor, solo un buen film puede dejar
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TARZAN Así es gente, otro clásico animado de gran calidad, no solo por el avance que representó en las técnicas de animación y el renacimiento que significó para el clásico de Edgar Rice Burroughs, si no, por el hecho de que, de nuevo, tenemos a un monstruo del rock encargándose de un soundtrack de alta calidad, diez puntos para el señor Phill Collins.
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FOOTLOOSE Así es señores, Kevin Bacon baila, al menos simula bailar en el film “Footloose”, clásica cinta ochentera sobre la rebeldía y… la pasión por bailar. Bien, el guion no suena impresionante pero la película se transformó en un verdadero hit, trascendiendo el paso de las décadas, en gran parte gracias a un soundtrack que nos otorgó un hit tras otro.
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TRAISNPOTTING Excelente, vivo, crudo, duro. Es el mundo de las adicciones que Trainspotting, adaptación de la novela de Irvine Welsh. Una carta de presentación que nos hizo apreciar el talento de Ewan Mcgregor y que tuvo el placer de ser acompañado por una pista de sonido de alto nivel al estilo Brit. A HARD DAY´S NIGHT No es quizá la pelicula que uno tenga más presente pero apuesto a que es una de las que más vemos a lo largo de la vida, sobre todo aquellos que tenemos padres que gustan de los Beatles. Escrita por Alun Owen y dirigida por Richard Lester, “A Hard Day’s Night” fue filmada en el género “Mockumentary”, es decir un documental ficticio, describiendo un par de días en la vida de los Beatles mientras se encontraban en el pináculo de su carrera. La pista de sonido es una obra de arte.
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FORREST GUMP
Excelente. No hay otra palabra para describir el combo que Forrest Gump le regaló al mundo, engrandeciendo la novela de Winston Groom a niveles insospechados. Una actuación enorme de Tom Hanks, un guion envidiable y la colección de éxitos más grande que he escuchado en un soundtrack llevan a Forrest a posicionarse entre los privilegiados de la historia.
Por Karla Coria @kalitag
Escénica Monterrey
THE SOUNDS
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l martes 22 de Marzo Maja, Felix, Jesper, Johan y Fredrik despegaban del aeropuerto de Nueva York con destino a México; en su cuenta de Twitter anunciaban que Monterrey sería la primera escala, y los followers ya no podíamos esperar que fuera el día siguiente. The Sounds llegaron a México para hacer la primera de un total de cuatro presentaciones que tuvieron lugar en nuestro país. Esta es la segunda ocasión que los suecos pisan tierras regias, luego de presentarse el pasado Agosto en la edición 2010 del Hellow Fest. Esta vez, el Escénica fue el punto de reunión de los fans quienes se desesperaron llegadas las 11 de la noche del miércoles 23 de Marzo, pues la cita había sido desde las 9 p.m. y las ganas de ver y oír a The Sounds clamaban
Foto: Erick Castro
satisfacción, la cual encontrarían luego de 15 minutos cuando finalmente la banda pisó el escenario, y la gente enloqueció al ver a los suecos salir a escena. El lugar, aunque no lució abarrotado, tuvo una buena asistencia y los que estuvimos disfrutamos cada minuto de la hora y media que duró la presentación de la banda. The Sounds derrocharon buena música, estilo, energía y sobre todo actitud. A su vocalista, Maja Ivarsson, no tengo otras palabras para describirla que toda una “badass”, una mujer talentosa, intensa –tuvieron que cambiarle el stand del micrófono que no soportó la energía de la rubia– y que se nota disfruta cada momento que está en escena al igual que el resto de sus compañeros. La banda interactuó constantemente con el público, acercándose, invitándolo a aplaudir, cantar con ellos y pasarla bien. !Are you happy mother fuckers?” “we love you!” “are you guys ready to sing for me?, follow me!” fueron algunas de las frases que hicieron vibrar a los regios y responder a la entrega de la banda en el escenario. Los escandinavos interpretaron rolas de sus tres producciones anteriores; cantamos y bailamos al ritmo de “Painted by numbers”, “No one sleeps when I’m awake”, “Living in America”, “Dorchester Hotel”, entre otras; también llegó el momento romántico de la noche con Rock n’ Roll, donde Ivarsson y Anderberg interpretaron una versión acústica del tema mientras que el resto de la banda tomó un respiro fuera de escena, además nos dieron adelantos de su más reciente producción que viene con un sonido más electrónico, sonó “Better of dead”, que ya se ganó un lugar especial en mi playlist. The Sounds cerró el show con la misma energía con que empezó, interpretando “Hope you’re happy now” y prometiendo su regreso, definitivamente nos dejaron a todos en el Escénica con “Something to die for”, y eso es, disfrutarlos de nuevo en vivo! Mientras esto sucede, podremos gozar de su nueva producción que sale a la venta el próximo 29 de marzo.
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Por Fernando Velazco
LA GLORIA EN TUS MANOS Vida y Drama en el Ring
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istintas son las formas en que el ser humano manifiesta su orgullo por alcanzar el triunfo, la necesidad de perseguir sueños, encontrar la gloria dispuesto a superar los retos ante la adversidad. En el deporte encontramos historias que inspiran al mundo entero, individuos que superaron barreras y obstáculos, dejando un legado de superación, de éxito, de poder, de triunfo. Una manera de conocer estas fascinantes historias es por medio de la industria del Cine, las películas nos transportan de una forma más dinámica a disfrutar lo que el individuo es capaz de sortear, las historias y anécdotas que podemos conocer con el correr del tiempo; nos da la sensación de poder realizar hasta lo imposible, con solo poner algo más que la voluntad, el espíritu de superación y el corazón como el sentimiento del triunfo. En cada disciplina hay hechos reales, películas biográficas como el caso del gran boxeador estadounidense Muhhamad Ali, que desde pequeño sorteó la pobreza, viviendo en un barrio humilde en Louisville, Kentucky, hasta lograr ganar la medalla de oro en las olimpiadas de Roma en 1960. Posteriormente ganó en 3 ocasiones el campeonato mundial de boxeo de los pesos pesados; se negó a alistarse en el ejercito y rechazó la guerra de Vietnam, por lo que le fue despojado su título mundial. Dejó de pelear 4 años pero finalmente un tribunal le otorgo el permiso para continuar su carrera. Will Smith personificó a Cassius Clay -nombre original- y que por su conversión al Islam, adoptó el Nombre de Ali, apodado “The Greatness” (el más Grande). Es una historia digna de ver.
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En el Box, podemos encontrar dramatismo puro. La vida de Rubin Carter, un peleador de raza negra al que apodan “El Huracán”, fue injustamente encarcelado acusado de un crimen que no cometió. Denzel Washington le da vida a éste boxeador. Dicha actuación le valió ser nominado al Oscar. Rubin Carter comentó acerca de esta película, que estando en el plato, le dio escalofríos ver lo real de la filmación, reviví los 20 años que pasé en prisión, -un autentico calabozo- dijo Carter.
Million Dollar Baby (Golpes Del Destino), extraordinaria película del galardonado Clint Eastwood, -por cierto también dirigida y actuada por él- ganó 4 premios Oscar en 2005. La actuación de Hilary Swank (Oscar a mejor actriz) da vida a una camarera de 31 años que desea ser boxeadora. Si no la han visto es mejor que lo hagan, ya que es una excelente película. Y, ¿quién no lloró en 1979 con la película “The Champ”? El campeón con Jon Voight y Faye Dunaway. El papel del hijo del Campeón lo hace de manera extraordinaria Rick Schroder,T.J. Billy (Jon Voight) es un boxeador retirado, alcohólico, con problemas de dinero, separado de su esposa, la cual al ver su situación quiere recuperar a su hijo. Al final la frase de T.J. a su papá: “Despierta Campeón” hizo de ésta película una historia inolvidable. Escenas de gran realismo, el duro sendero del triunfo y del fracaso, la cruda realidad, el pesimismo cotidiano, la biografía de Jack La Motta encarnizada por el magnifico actor Robert De Niro le hizo ganar su segunda estatuilla en Toro Salvaje, película de Martin Scorsese (1980). Un film de amor y Odio, otra forma de ver la cara del pugilismo. Es una película que no debe faltar en la colección. “Cinderella Man”, película donde Russell Crowe da vida a Jim Braddock, pugilista que vivió en los años difíciles de los estados Unidos, los de la depresión entre 19281935. Jim Braddock pelea el 13 de Junio de 1935 contra Max Baer a 15 asaltos. Una película no apto para cardiacos. En antecedente se puede mencionar que dos contendientes de Baer murieron en el ring, por lo que el dramatismo no se hace esperar.
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Gran película no solo por el Box, sino por el amor a su familia, a su amada Mae (Renée Zellweger), su devoción por los amigos y la crudeza de la crisis en que puede caer una sociedad.
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Quien no brincó con las peleas del “Potro Italiano”: Rocky Balboa (Sylvester Stallone) nacido en Filadelfia Pensylvania, afrontó combates contra Apollo Creed, Clubber Lang e Ivan Drago en una pelea donde se recuperó tras caer en diversas ocaciones a la lona. Pelea que se realizó en Rusia en plena Guerra Fría entre la extinta URSS y los Estados Unidos de América. También destaca el amor a su amada Adrianna, con la que tuvo un hijo llamado Robert. Paulie, cuñado pesimista y malhumorado amigo lo acompaña en las diversas secuelas de ésta inolvidable película. En México, ¿quién no conoce al inigualable “Pepe El Toro” (1952)? Dirigida por Ismael Rodriguez, con un gran elenco de la época, la última de la trilogía de a la cual anteceden “Nosotros Los Pobres” y “Ustedes Los Ricos”. No se hace esperar el drama que a éste humilde, pero querido carpintero le persigue durante su vida. Muerta su esposa (Blanca Estela Pavón) y sus 3 hijos, el Torito decide convertirse en boxeador. Con un tono muy peculiar menciona: “más golpes me ha dado la vida” y es así como decide lanzarse al ring, sin técnica ni estilo pero con un gran punch se va ganando el derecho de buscar el campeonato contra el odioso Bobby Galeana ( Wolf Ruvinskis) sin duda una pelea llena de emociones. Amigos aficionados de United Rock League, espero que se preparen unas palomitas y a disfrutar de las peleas que el séptimo arte nos ofrece. Reciban un Saludo afectuoso.
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INDIE-O FEST
2 0 1 1 Por Samantha Núñez @unacosapandrosa
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l Pequeño Gran Festival” llevó acabo su séptima edición la noche del 12 de Marzo en el Polyforum Siqueiros. Con boletos aun en venta y las puertas abiertas desde las 18 horas fue como poco a poco se fueron dando cita todos los asistentes para disfrutar de una noche llena de propuestas y muchas sorpresas. La primera de ellas y la mas grata fue sin duda la banda oriunda de México, Childs, que puntualmente dieron inicio al Indie-o Fest. “Yui”, su primer EP fue el que presentaron, con un sonido que comenzó tranquilo y terminó desbordante, lograron captar la atención de todos los ahí presentes, dejando un muy buen sabor de boca y calentando motores para dar pie a la segunda banda de la noche. Con mas gente en el recinto fue como se abrieron paso los chicos de Estocolmo, The Concretes. Lisa Milberg enamoró a mas de uno con su melodiosa voz y actitud encantadora, pues en mas de una ocasión el grupo manifestó lo feliz que estaban al encontrarse tocando en México, así transcurrió media hora de música, bellos sonidos y una vibra especial que transmitieron The concretes a sus fans, retirándose del escenario con la promesa de volver. El polyforum estaba casi lleno cuando en el escenario subió la tercer artista programada, Zola Jesus. Si tuviéramos que definir su acto
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de la noche del 12 de Marzo, la palabra sería “soberbio” y es que Nika Roza Danilova, de tan solo 21 años se planto en el escenario como ningún otro anteriormente, imponente, majestuosa, audaz y solo fue cuestión de que su voz hiciera contacto con el micrófono para tenernos a todos en la palma de su mano. Una sola chica con energía de diez personas en el escenario, así fue Zola Jesus, una voz impresionante acompañada de un sonido espectacular, moviéndose de un lado a otro en el escenario y sintiendo cada nota que cantaba, así hizo que ninguno de los presentes le quitara la vista desde que inició hasta que dio fin a su participación, para dar paso a las ultimas dos bandas. La banda liderada por Jon Philpot, por fin estaba en el escenario y con ella, gritos y saltos de emoción por parte de todos sus fans, Bear in Heaven estaba en casa, con el Polyforum retumbando fue como estos tres chicos convirtieron, momentáneamente, al Indie-o Fest. 2011 en una fiesta, baile, saltos, risas y gritos se escuchaban y veían bajo el escenario, mientra que arriba no dejaba de ser tan diferente. La media noche se hacía presente y todos ya estaban listos para ver a la banda mas esperada de este festival, con un inicio bastante flojo que se mantuvo un rato, fue como iniciaron The pains of Being Pure at Heart. Por desgracia el audio no ayudó mucho al cuarteto, que se mantuvo serio, y con pequeños detalles en su sonido la mayor parte de su presentación, lo que causo el desalojamiento del lugar por parte de muchas personas antes de que finalizara la banda. Así fue como concluyo esta séptima edición del Pequeño gran festival, Indieo Fest, dejándonos grandes propuestas, grandes emociones y gran incertidumbre por saber que se realizara en el 2012.
Foto: Cortesía Indie-O Fest (c) Carlos Juica
Por Sergio Hernández @sergio810511
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espués de una década de espera y meses llenos de rumores, llega a nuestras consolas en tan esperado “Marvel vs Capcom 3”, esta franquicia de peleas que une los universos del comic y videojuegos por fin esta de regreso con el mismo fuego e intensidad que las entregas pasadas. Sin embargo no todo es bueno, no todos los personajes de juegos anteriores están incluidos en el MVSC 3, Capcom aprendió de errores en entregas pasadas donde los personajes de Marvel acaparaban toda la atención logrando así una experiencia de juego mas completa teniendo uno de los mejores juegos de peleas de todos los tiempo. Para los que no conocen esta serie de videojuegos, les platico rápidamente la mecánica: En MVS C 3 el oponente y tú eligen tres personajes del universo Capcom/ Marvel conformando así un equipo con el único fin de enfrentarse en una batalla llena de fantásticos combos y movimientos finales con mas de 100 posibles combinaciones de golpes, en pocas palabras es: combinaciones simples que te permiten una gran interacción con el juego llevándolo a un nivel en el que simplemente te dejas llevar armónicamente por la acción ante tus ojos.
La elección de personajes, los escenarios y el sonido crean un entorno sorprendente en esta juego, el fácil entendimiento de los controles (sea cual sea la consola en la que juegues) te va adentrando cada vez más en la temática del juego: “Las peleas”. Cabe resaltar que su modalidad de juego en línea es simplemente asombrosa, si quieres encontrar verdaderos retos y pelear contra los mejores, les recomiendo ampliamente este modo de juego y si su única finalidad es pasar un buen rato y soltar uno que otro golpe, el modo Arcade es lo de ustedes, ya que cada uno elije el nivel de dificultad que guste. También es bueno señalar que cada personaje tiene un final diferente y mientras más veces termines el juego en modo Arcade, se desbloquearán diversos elementos del juego. Recomiendo ampliamente MVSC 3. Es un juego bastante divertido y aunque al final perdió algunas temáticas de series anteriores, es una síntesis de emoción y odio a otro nivel, teniendo un gran avance en esta franquicia. La primera vez que lo juegas es increíble, aunque fuera de la temática de las peleas no aporta nada más, te deja perplejo y con sed de otra cosa. Definitivamente esta entrega catapulta nuevamente a esta serie de juegos. Definitivamente uno de los mejores videojuegos del 2011.
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Por Sharon Medina Rojas @Lekarmafatale
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ño con año cientos de skaters se dan cita en Tampa, Florida para presenciar uno de los más grandes concursos de skate del mundo. El Tampa Pro que este año celebra su 17 aniversario tiene como hogar el SkatePark Of Tampa (SPOT ). Solo 91 skaters fueron confirmados para participar, de los cuales solo uno es mexicano: el conocido Mario Saenz rider de DC Shoes. Treinta fueron los semi finalistas y solo doce los ganadores, todos luchando por obtener el primer premio. Como siempre los skaters ya consagrados no hicieron falta. Entre los más conocidos se presentaron: Paul Rodrígez, Dennis Busenitz, Mike Mo Capaldi, Tony Trujillo, Greg Lutzka, Eric Koston, Torey Pudwill, Stefan Janoski, Shane O’Neill, Ryan Sheckler, Peter Ramondetta y Nyjah Huston.
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Durante tres días estos noventa y un competidores destruyeron las rampas del SPOT con miles de trucos esperando impresionar al jurado y ganar el prestigio que te da llegar a obtener el primer lugar. Al final fue Dennis Busenitz quien se llevó la corona al ganar el torneo dejando en segundo lugar a Nyjah Huston y en tercero a Torey Pudwill. La bolsa a repartirse era de 75,000 dólares entre los 12 primeros en “Street” y los 5 mejores “Best Trick”. El primer lugar en “Street” se llevó 20,000 dólares, el segundo 15,000 y el tercero 10,000. En “Best Trick” el primer lugar se llevó 3,000, el segundo 2,000 y el tercero 1,000. SkatePark Of Tampa ha visto nacer a muchos grandes y consagrado a muchos otros a lo largo de estos 17 años. Larga vida al Tampa Pro y a su hogar SPOT.
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Entrevista a
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easayer es un grupo formado en 2006 en Brooklyn, Nueva York. Sus integrantes actuales son: Chris Keating,, Ira Wolf Tufon y Anand Wilder, además de incorporar a otros músicos en vivo como lo son: Jason Trammel y Ahmed Gallab, entre otros. Esta banda llamó mucho la atención de la prensa y medios especializados en el SXSW de 2007 por esa gama de sonidos acústicos y tradicionales que incorporan en el escenario y que se plasmó en su disco “All Hour Cymbals” de 2007.
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En febrero de 2010, publican “Odd Blood”, el cual es un disco que da la vuelta al sonido de su primer producción, incorporando un sonido más pop y muy de la mano con ritmos electrónicos. Tuvimos la oportunidad de platicar con ellos en su reciente visita a México, y esto fue lo que nos dijeron: Primeramente, les preguntamos sobre su background musical, orígenes y formación académica, a lo cual nos comentaron que algunos de ellos realmente no estudiaron música, que más bien fue empírico.
El acercamiento a la música fue diferente para cada uno de ellos. Algunos con base en lo que escuchaban, otros por influencia de sus padres y también los que si tomaron clases de música. En lo que estuvieron de acuerdo los miembros de esta talentosa banda fue en el hecho de que todos los días aprendían música, ya sea con ensayos, en solitario o en su conjunto. Por lo que nos comentaron, entendimos que son importantes los estudios, pero de acuerdo a su experiencia, nos dejaron en claro que no es una limitante el no haber estudiado música para formar un grupo, ya que no todos tienen la oportunidad de tomar clases Posteriormente tocamos el tema de la relación que hay entre los instrumentos tradicionales que usan con los elementos electrónicos, a lo que nos
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contestaron que en la actualidad es prácticamente imposible no mezclarlos. -En estos tiempos no podemos separarnos de las nuevas tecnologías, así como usamos un chelo, incorporamos sintetizadores y teclados-. Con relación a que la temática de su primer disco tiene que ver líricamente con temas oscuros como la enfermedad y la muerte y que ahora en “Odd Blood”, esos tópicos quedaron atrás, nos comentaron que dicho cambio corresponde a que ya no piensan en ellos, que de pronto dijeron –basta de esos temas- y que ahora se dedican a hablar del amor. Nos comentaron que tuvieron un renacimiento lírico y que por eso ahora están enfocados en otros temas. Ya entrados en la plática, preguntamos el por qué decidieron cambiar del sonido tradicionalexperimental que está muy marcado en su primer álbum, a un sonido más acercado al pop en el segundo disco, a lo que nos respondieron que, para el primero, ocuparon guitarras acústicas e interpretaban con un estilo más acercado al folk, pero después dijeron: – esta bien, deshagámonos de las guitarras acústicas y veamos qué podemos hacer con elementos electrónicos y sintetizadores-. -Siempre hemos tenido esos elementos, además
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de que hay muchos géneros musicales que también los incorporan-. La experimentación es algo que ha distinguido a esta agrupación y es un elemento que los ha hecho sobresalir. Esa evolución es clave en la carrera de Yeasayer. Posteriormente, les comentamos que habíamos visto una entrevista que les hicieron en Australia, lugar donde presentaron un cover acústico a la canción “Crazy” de Seal. En dicha entrevista les preguntaron sobre su forma de trabajo, a lo que contestaron que cada quien hace sus cosas por separado y después se juntan a trabajar en el estudio, por lo que nos surgió la duda del por qué de esa situación, a lo que nos contesta- ron: -Podemos hacer muchas cosas estando todos juntos improvisando y realmente son cosas muy buenas, pero te vas a tu casa, empiezas a crear tus propias ideas y al día siguiente se las enseñas a los demás miembros de la banda, y te das cuenta que siempre hay buenas ideas que podemos compartirnos-. Al respecto también nos comentaron que hay ideas creadas en momentos muy personales que no pueden compartir con los demás, y que por ello cada uno debe crear su propia música. Ahondamos en dicho tema preguntado si prefieren trabajar de esa forma, a lo que contestaron que para ellos es una manera diferente de hacer música. Nos platicaron que han estado en bandas donde todos se encierran en un cuarto a
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Cuando les preguntamos por que escogieron el concierto de Bélgica como primer material en vivo y las razones para lanzarlo en vivo nos respondieron que ese concierto era el último de la gira. Estaban entre escoger el de Bélgica o el de Inglaterra, ya que nos cuentan que en ambos tuvieron buenas experiencias, pero que para grabar algo en vivo era mejor el de Bélgica. Nos comentaron que su objetivo fue hacer algo especial, algo más que un disco de estudio. Sobre las razones por las cuales regalaron dicho material a través de su sitio web, nos comentaron que quisieron compartirlo con los seguidores porque saben que les gusta escuchar discos en vivo, además de que piensan que lo importante es que la música llegue a la mayor cantidad de personas posibles, ya que de todas formas siempre ese tipo de cosas las puedes conseguir gratis. -Fue un experimento divertido, ver cuanta gente lo bajaba-. De acuerdo a lo que registró su sitio, el resultado fue que el 93% de las descargas se realizaron de forma gratuita. Nos platicaron que la idea principal era grabar cada concierto de la gira europea y cada noche ponerlo en línea, pero a final de cuentas no se pudo. También señalan que grabar dicho show fue como documentar toda la gira europea.
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Traducción Verónica Luna @ronnie_moon Entrevista Estefanía Salinas Concha @fannyrlz Fotos: Frida Escobar
Entrevista completa en urlmagazine.com.mx
tocar, lo cual piensan es importante y hermoso, pero que si realmente quieren cambiar el sonido e innovar, necesitan aislarse, en sus propias palabras: -perderte en tu mundo, para después juntarte con los demás y escuchar sus experiencias-, -Al realizar ese proceso puedes probar un instrumento raro y hacer algo diferente, para posteriormente ver lo que hemos hecho cada uno y llenarnos de nuevas ideas-.
Poderosos Riffs de guitarra en canciones tales como “Surfing The Warm Industry” y “The Indian ( That Dwells In This Chest)” provocaron euforia en los atentos espectadores, elodía tras melodía los cánticos de los asistentes eran una sola voz, en pocas canciones si no es que en ninguna, se observó al público callado.
Por Frasko @fraskote Foto Rodrigo Jardón
“Danger Bear” de su disco Trespassers de 2010, fue la canción con la que comenzaron el show, generando una atmósfera tranquila, pero con una calidad interpretativa alucinante.
KASHMIR
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andas con la calidad que mostró Kashmir anoche, se agradece visiten México. Puntuales los originarios de Dinamarca acudieron a la cita en el José Cuervo Salón para presentarse ante su público del Distrito Federal.
Algunos cantaban determinadas letras, pero la realidad es que todos interactuaban de una u otra forma con la banda. Fueron momentos que los daneses seguro conservaran en sus mentes. La iluminación impecable, y el audio con pequeños detalles nada extraordinarios, fueron una excelente combinación para poder apreciar el poderío de “Rocket Brothers”, canción con la que cerraron la primera parte del concierto para posteriormente dar paso a un pequeño encore y comenzar nuevamente con “The Afrermath”. En el ocaso del concierto, “Still Boy” y “The Cynic” coronaron una visita a México que ya le debían a sus seguidores, dejándolos más que satisfechos. Un éxito de evento y de las mejores bandas extranjeras que han venido a México durante este 2011 que apenas da sus primeros pasos.
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ROCKSOUND
La catarsis que surge de escuchar este material, y el significado que pareciera mundano a los oídos del escucha, con canciones que son ácidas, con atmósferas lentas y por momentos explosivas, hicieron que la crítica lo nombrara como uno de los mejores discos de la historia del Rock. Datos Curiosos del disco:
-Se dice que al momento de escribir las canciones de este álbum, Cobain escuchaba frecuentemente el trabajo de bandas tales como R.E.M., Pixies, y The Smithereens. -El presupuesto de grabación fue de 65,000 USD. -Fue grabado en Sound City Studios, en Van Nuys, California entre Mayo y Junio de 1991.
NEVERMIND
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l 8 de abril de 1994 un trágico hecho sacudió al mundo de la música: Kurt Cobain, vocalista de Nirvana, fue encontrado muerto en su casa de Seattle
-El productor Butch Vig convenció a Cobain de grabar una doble voz en “In Bloom” bajo el argumento de que John Lennon lo había hecho anteriormente. -Andy Wallace fue el encargado de mezclar el disco. (Había mezclado antes a Slayer). -Se dice que las melodías fueron lo primero que se hizo para posteriormente incorporar las letras.
Kurt fue músico, esposo, papá, líder de una de las bandas legendarias en la historia del Rock e insignia del grunge. Una figura que pese al paso de los años, seguirá siendo el símbolo de la “Generación X”.
-La mayoría de las letras tienen un trasfondo que tienen que ver con la tormentosa relación de Kurt con Tobi Vail.
Este artículo lejos de ser reseña, es un homenaje, recordando un disco que marcó a una generación y que dicho sea de paso, es piedra angular junto con los trabajos realizados por bandas del tamaño de Pearl Jam, Alice In Chains y Soundgarden.
-El bebé de la portada se llama Spencer Elden.
“Nevermind” es un álbum que vio la luz en septiembre de 1991, producido por Butch Vig y lanzado bajo el sello DGC Records. A la fecha se calcula que se han vendido más de 30 millones de copias en el mundo de este material, una cantidad impresionante para un tipo que lo menos que buscaba en un principio era vender tal cantidad de discos.
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-El primer título del disco era “Sheep” y después cambiado a “Nevermind” por idea de Cobain, ya que representaba mejor su forma de ver la vida.
-Cabe mencionar que el señor Vig recientemente trabajó con Dave Grohl, (ex-miembro de Nirvana), para su más reciente producción discográfica con Foo Fighters.
Por Frasko @fraskote
DEVOTCHKA
100 Lovers
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espués de 2 años de trabajo, los integrantes de la banda nativa de Colorado y liderada por Nick Urata, DeVotchKa, regresan en este mes con su nuevo disco titulado 100 Lovers. Con un sonido relajante pero a la vez muy entretenido, la banda ha logrado combinar las melodías de varios instrumentos cómo lo son el violín, la clásica guitarra, trompetas, contrabajo, batería y hasta órganos junto con algunas bases electrónicas para algunas de las rolas. Podemos decir que este par de años le vinieron muy bien a la banda, el sonido es muy fresco y armonioso, con toques de alegría y tonadas pegajosas,
100 Lovers se convierte en una estupenda opción para pasar un muy buen rato escuchando música y fumando un cigarrillo, para los viejos y nuevos oídos un disco que no se puede dejar de escuchar. Esperemos con ansias su próxima visita a México bajo el marco del festival Vive Latino.
Por Joy @Hero9105
Decadadndies
RADIO ANDRÉS
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oca la oportunidad de volver a ponernos regios y voltear al norte para poner atención a la última producción de la banda, Radio Andrés: Decadandies
Como ya muchos saben, 2 integrantes son originarios de Cd. Juárez y otros 2 de Monterrey, amigos que con el paso de los años, comparten más que solo música, crecen juntos y siguen firmes con su proyecto. Su evolución musical, y tiempo les sienta bien, para que ahora muestren su disco, con un conjunto de 12 cortes musicales que suenan a cambio, diversión, fiesta y buena vibra. Sobre este su último disco, aparte de estar disponible en Itunes, lo puedes escuchar en su MySpace. También ha sido lanzado en varias tiendas desde Septiembre del 2010, pero sabemos que la distribución nunca es fácil. También han tenido ya varias tocadas en lugares diversos del DF, y han compartido escenario con bandas tales como Vicente Gayo, Zoé, La Lupita, Natalia Lafourcade, entre otros. En este su “Decadandies” además de mostrar calidad, esfuerzo y dedicación, terminan por ser notorios la cantidad de arreglos a través de sus tracks, encontrando ritmos que hacen que su sello y marca personal sean reconocibles. Alcanzo a identificar varios acordeones en algunas pistas, y también la presencia de metales como tubas o trompetas que le dan diversidad y diversión a los oídos. La aparición de un banjo bien utilizado cuando se debe, y también algunos solos de instrumentos quedan muy acordes a la diversión y goce musical que finalmente se re-muestran en la voz y coros. Por Luis Antonio Ayala Fuentes @laaf86
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juego de guitarras que te hace sonreír cuando escuchas sus canciones. En producciones pasadas se percibía una beat más melancólico. Ahora, con Degeneration Street, la melancolía se ha convertido en canciones melodiosas que te inspiran a seguir escuchando la producción.
THE DEARS
Degeneration street
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he Dears es una banda que se formó en 1995 en Quebec, Montreal Canadá; el género que tocan es Rock Alternativo y el lanzamiento de su primer álbum fue en el 2000, el cual se tituló “End of a Hollywood Bedtime Story”, este álbum tuvo un éxito mediano, debido a que no recibió mucha difusión, a pesar de que la producción fue muy buena.
Los canadienses proponen en Degeneration Street un destino diferente. Piezas como Omega Dog y 5 Chords nos brindan una actitud positiva y mucho dinamismo. Por su parte Lamentation, Galactic Tide y Degeneration Street dan un toque mas melancólico bastante tentador, otra de las rolas que llama mucho la atención es Yesteryear que tiene un sonido bastante noventero combinado con riffs actuales que hacen una composición interesante. Una de las canciones que para mi gusto sobre sale de este material es Blood, escúchenla y den su opinión. Considero que con esta producción The Dears se sitúa nuevamente en el mapa y nos deja ansiosos de conocer que más pueden hacer. Por Monse Vallecillo
Su segundo material lo lanzaron en 2004 “No Cities Left”, casualmente al mismo tiempo Arcade Fire hace su primer lanzamiento, por lo tanto una vez más no tuvo mucha publicidad La quinta producción es Degeneration Street; este álbum fue grabado en Montreal y Los Ángeles por Tony Hoffer y marca un regreso triunfal melódico que se venía escuchando en álbumes como “No Cities Left” y “Gang of Losers”. Sin embargo, este retorno de la banda viene acompañado con una diferencia importante; ya que se escucha con un gran optimismo y
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THE DO
Both Ways Open Jaws Por Ozz Zavala.
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o y es fácil en-
contrar música innovadora, experimental, avantgarde o cualquier cosa “rarita” en internet. El problema es que la mayoría de los discos con estas clasificaciones son poco digeribles, poco expresivos o simplemente aburridos (a menos que estés clavado en esas ondas). The Do trae un álbum que combina perfectamente la búsqueda de nuevas maneras de hacer música y elementos experimentales con música pop, bastante digerible y divertida. Un disco que puedes dejar de fondo o escuchar con atención y no deja de ser agradable. Su debut, A Mouthfull, parecía un jardín de juegos, un montón de elementos revueltos, tan interesantes como entretenidos que dio un buen resultado. Ahora con Both Ways Open Jaws, repiten la fórmula, pero con un aire más “maduro”. Un disco que hay que escuchar. Recomendaciones. Gonna Be Sick, Too Insient, The Calendar y Smash Them All.
CAGE THE ELEPHANT Thank You Happy Birthday
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age The Elephant, banda originaria de los Estados Unidos, específicamente de Bowling Green, Kentucky, nos muestra su segundo trabajo de estudio llamado “Thank You Happy Birthday”, teniendo como resultado un rock bastante “rasposo”, un poco de psicodelia con sus guitarras distorsionadas, un poco de “New Wave” y sin omitir el sello distintivo de esta banda que es su actitud de rebeldía. De la mano de Jay Joyce productor de sus dos discos, y con una agrupación más preparada, se logró superar su disco debut y como resultado tenemos un sonido que muestra madurez y mayor fuerza en cada uno de sus tracks que retratan diferentes temas de la vida cotidiana que van desde una fuerte crítica a los “Hipsters” en “Indy Kidz”, una visión cínica de la injusticia en el mundo retratada en “Always Something” y “Shake Me Down”, hasta temas tristes y melancólicos como “Right Before My Eyes”. Sin duda alguna esta gran banda regresó por la puerta grande, ganando en sonido, madurez, calidad musical y un mejor manejo en la lírica de sus tracks que solo puede ser catalogado como un buen Rock and Roll listo para disfrutarse una y otra vez. Llevamos muy poco camino recorrido en este 2011 pero creo que este disco será al final del año un de los mejores del año. Por Sergio Hernández @sergio810511
SONIC YOUTH Simon Verner A Disparu
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s muy curioso ponerte a platicar con tus amigos y preguntarles “cuales han sido los soundtracks que han influido en su vida, a cuál de ellos les dan más importancia comparado con otros” todos tendrán respuestas diferentes, todos te dirán porque les recuerda a un amor de primavera o a un familiar que ya no está, cada uno de ellos tendrá su motivo y su fundamento, cada uno de nosotros contamos con una película favorita, esa rola que ha pasado de ser tema principal para formar un camino de nuestras vidas y mas que gracioso o triste que la vida nos ha compartido el momento nos pertenece porque cada uno de nosotros le dimos nuestro propio significado. Sonic youth se formó en el año de 1981, Thurston Moore y Kim Gordon se plantearon la necesidad de sacar de su cabeza todos esos ritmos e ideas que desde muy jóvenes los habían inquietado y a todo esto llegaron en su ayuda Steve Shelley y Lee Ronaldo quienes dieron cabida para formar a una de las bandas que han sido consolidadas en el mundo del rock si bien no las más importantes pero si las más influyentes para grupos como “Nirvana” o los mismísimos “Pixies” y que a pesar de las diferentes épocas que les ha tocado llevar encima ellos siguen en pie con la misma fórmula en que el mundo y todos nosotros los hemos conocido haciendo lo que les gusta y valiéndoles un comino en entrar en la “ondita musical moderna”. Simon Verner A Disparu, es un disco demasiado pulido que necesariamente tendrías que escuchar completamente solo, sin ninguna distracción, pianos, guitarras y baterías de acompañamiento demuestran que la película tiene que ser vista para poder saber que pasa, si últimamente has estado decepcionado con lo que el mundo de la música del cine te ha estado ofreciendo es momento que cambies de rumbos y te embarques a toda una travesía musical que por ratos te llevara a momentos de miedo, intriga y alegría.
Por El Jimmy Lurias @jimmy_lurias
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nmediatamente sentí una conexión con esta extraordinaria novela en la cual un hombre que narra en primera persona, relata sus experiencias y qué lo orillo a realizar un viaje y recorrer el camino a Santiago de Compostela, España. Este inicia en la localidad francesa de S. Jean Pied de Port, sin embargo desde Brasil inicia su relato y las pericias que lo llevaron a este camino místico y espiritual, por muchos conocido como una experiencia en la cual podrás encontrarte a ti mismo y tu sanidad interior. Mientras Paulo está en el proceso de convertirse en Maestre de la Orden de RAM (del latín: Regnum, Agnus, Mundi, “Rigor, Amor, Misericordia”), ya a punto de finalizar la ceremonia, Paulo comete un error en su ordenación. Es entonces cuando todo el esfuerzo de años como aprendiz de esta orden se ve empañado. Su Maestre, enfadado, le atribuye la difícil tarea de buscar su espada, elemento de su graduación, por el antiguo Camino de Santiago.
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PEREGRINO
Paulo Cohelo
Por Juan Manuel López @cocoon123
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odo lector sabe que una vez que inicias un libro por recomendación o decisión propia, nos enfrentamos a sentir desde su inicio cierta atracción o rechazo hacia el mismo. Su prologo, introducción, capítulos, dedicación, numero de paginas, tamaño de letra, textura, contenido, sin importar el orden, es lo que nos lleva a formar un vinculo e identificación que desembocan en distintas sensaciones de nuestro ser. Cuando empecé a leer “El Peregrino”,
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Durante su recorrido se encuentra con situaciones que pondrán a prueba su don e inteligencia para controlar y enfrentar de manera correcta las decisiones que debe tomar, mismas que si son acertadas podrá cumplir con su objetivo. Sin lugar a dudas este recorrido está lleno de pruebas que lo enfrentan consigo mismo, el pensamiento, la lógica, el coraje y la espiritualidad, que a través de ella podrá refrendar su error y cumplir primordialmente con su “liberación interior”. Petrus, guía espiritual de Paulo lo pondrá a prueba, constantemente lo cuestionará y obligará a sacar sus demonios internos, reflexionar sobre sus pensamientos y motivaciones, la búsqueda del saber será una vez más un elemento de suma importancia para entender sobre las necesidades del hombre más allá de lo material y las banalidades. Coelho reconocido escritor en esta su primer novela, indudablemente cumple con más que objetivos y reglas que debe seguir. El peregrino es una novela que se queda dentro de ti y en algún momento de tu vida te sentirás lleno de placer al recordar con que detalle ayuda a buscar nuestra paz interna.