URL Magazine Octubre 2011 by URL Magazine

AUSTIN TV

EN PORTADA

DIRECTORIO MAGAZINE SEPTIEMBRE 2011 No. 10

Francisco Pérez Mejía “Frasko” Editor en Jefe y RRPP frasko@urlmagazine.com.mx Twitter: @Fraskote

CONTENIDOS ENCORE 06 10 28 31 32 34 35 52 56 56

Feliz Cuarto de Siglo Media Noche en París Portishead Fotografías con un toque de rock Cómo sobrevivir a Rocktubre Pantalla Total El Hiperrealismo En la línea de golpeo Groove Armada Miss Bala

FEATURES 14 She Wants Revenge 20 Mink 26 El Columpio Asesino 38 Austin TV

ROCKSOUND

Sergio Hernández Juárez Dir. Marketing sergio@urlmagazine.com.mx Twitter: @sergio810511

Rafa Ledesma Dir. Arte/WebMaster rafa@urlmagazine.com.mx Corrección de Estilo Francisco Pérez Mejía

Publicación de Eventos Pimienthas pimienthas@urlmagazine.com.mx

Diseño Sergio Hernández Juárez Rafa Ledesma (Web)

Fotos Frida Escobar Santiago Frasko

Colaboradores: Viridiana Martínez Villamor Nathaly Soto Juan Manuel López Gabriel Torres Karina Luna Mirna Torres Daniel “Jimmy Lurias” Ulises Díaz Montserrat Vallecillo Samantha Núñez Nadia Ximena James Velázquez Joel Hernández Rafael Jóvine Ozz Zavala Fernando Velasco Carro Selene Victores Manuel Laguna (Culiacán) Pamela Ascencio (Guadalajara) Israel Lara Montiel Luis Antonio Ayala Fuentes United Rock League es una publicación digital mensual con domicilio en Gabriel Mancera 247 Int. 501, Del Benito Juárez. Prohíbido la reproducción total o parcial por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso de los editores. El contenido y Colaboraciones son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores.

United Rock League Magazine 10-11 Sepiembre 2011 Ejemplar Gratuito

EDITORIAL

EL ROCK DE OCTUBRE

stamos en el último trimestre del 2011 y la actividad musical se mantiene a tope. En años recientes el mes de octubre se ha convertido en sinónimo de conciertos y festivales. Si bien es cierto que en todo el año hay múltiples presentaciones a lo largo y ancho del país -desafortunadamente en algunas ciudades más que otras-, en octubre por alguna razón los ánimos se elevan y las expectativas crecen. Encontramos conciertos que van desde música rock hasta pop, pasando por música electrónica y metal. Para todos los gustos y para todos los bolsillos una amplia oferta de shows en vivo. Sin lugar a dudas el Corona Capital es el festival que se lleva el mes con la presencia de bandas tan importantes como The Strokes -que regresa a tierras aztecas después de una larga ausencia- y Portishead, banda que por primera vez visita México.

En este mismo número podrán encontrar las entrevistas que hicimos a She Wants Revenge, El Columpio Asesino -otra banda del Festival Corona Capital- y Mink, banda emergente mexicano-guatemalteca, así como nuestras secciones de reseñas de discos -Rock Sound- y nuestra sección Encore. Muchas gracias por visitar urlmagazine.com.mx

¡Feliz Octubre! Junta Editorial United Rock League Magazine @urlmagazine

En dicho festival se presentará Austin TV, banda que aparece en portada. Honor a quien honor merece. Ellos son una de las bandas más importantes de le escena actual. A casi 10 años del nacimiento de Austin TV, United Rock League Magazine platicó con ellos a propósito del lanzamiento de su disco “Caballeros del Albedrío”.

ENCORE

Feliz CUARTO DE SIGLO 6

Por:Israel Lara Montiel desde

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n café en una tarde nublada, una cerveza con los amigos, una tarde de nostalgia. ¿Como juzgar un clásico?. Para mi, siempre hablando desde un punto de vista personal, lo clásico ha llegado a serlo por que reúne una serie de cualidades que le confieren, a lo largo del tiempo, un estatus superior a todo lo que pudiese ser comparable.

ENCORE Un clásico nos ha de dejar, por obligación, huellas. Recuerdos, marcas, cicatrices en la mente, el cuerpo, el corazón. Nos endulza o nos amarga, nos hace reír, nos hace llorar, nos eleva a niveles insospechados, nos hunde en nuestros peores miedos. Pero es fuerte, vivido, permanente. Pero poniendo mano a la obra y dejando la poesía de lado he de pasar a explicar nuestro clásico en cuestión; Hablamos ni más, ni menos que de la música inigualable de “Los Auténticos Decadentes” (LAD). . Dueños de un estilo irreverente, mezcla y fusión que nos deleita con ritmos que van desde la murga hasta la cumbia y el bolero, siendo el ska su principal influencia. Pero hagamos un poco de memoria que los muchachos se lo merecen. Los Decadentes son un grupo argentino formado en mil novecientos ochenta y seis por Gustavo Cucho Parisi, Gustavo Nito Montecchia y Gastón “El francés” Bernardou, a quienes se unieron Jorge Serrano y Daniel Zimbello. Ésta fue la alineación titular de los decadentes para su primera presentación ante los alumnos de quinto grado del colegio San Martín que organizaban una fiesta de fin de cursos. Debutaron exitosamente ante todos sus compañeros tocando Divina decadencia, Skabio, El Jorobadito, Loco (tu forma de ser) y Un Rockabilly; cinco canciones que se repitieron a pedido de la concurrencia. Para mil novecientos ochenta y siete se suman Braulio Aguirre en batería, Chiflo en saxo, Capanga en trompeta, Diego Demarco en guitarra, Edu en percusión y coros, y Pablo Armesto en bajo, a fin de grabar su disco debut titulado “El Milagro Argentino”. Para el noventa y uno el grupo edita Supersónico y dos años más tarde, sale a la venta “Fiesta Monstruo”, ambos discos cargados de hits como: “Ya Me Da igual”, “La Bebida, El Juego y Las Mujeres”,“La Marca de la Gorra” y el tema “Siga el Baile”. Pero lo mejor estaba por venir. En mil novecientos noventa y cinco Los Auténticos Decadentes alcanzaron el éxito allende las fronteras de su país; Con el disco “Mi Vida Loca” que contiene éxitos de la talla de “La Guitarra”,“El Murguero”,“Corazón” y “Diosa”. Para el noventa y siete Los Decadentes se habían convertido en una banda sólida, dueña de un estilo propio que

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les amplió las puertas llevándoles a tocar en el estadio Monumental de Chile, en Uruguay, en Paraguay, Bolivia, Perú, Venezuela, Estados Unidos y España, lugar donde grabaron una versión de “La Guitarra” junto a Andrés Calamaro. Editaron dos discos en éste mismo año; ambos de gran calidad, que incluyeron éxitos como “Los Piratas”, “Cómo Me Voy a Olvidar” y “El Gran Señor”, sencillos desprendidos del disco “¡Cualquiera puede cantar!” en cuya producción participo Gustavo Santaolalla, ganador del premio de la academia -varios años después-. Ese mismo año, salió “Red Hot + Latin”, compilado para recaudar fondos contra el SIDA. LAD grabó junto a la banda Todos Tus Muertos el tema “Gente Que No”, canción que ambas bandas, por separado, tocaban desde sus principios.

La banda ha seguido cosechando éxitos, uno tras otro, y no ha parado de trabajar. Me permito cortar la reseña histórica aquí para dar un salto de diez años. Diez años en los que la calidad de Los Decadentes no ha declinado y que nos permiten festejar su primer cuarto de siglo con el honor -ganado a pulso-, de ser llamada hoy por hoy, una banda clásica dentro de la escena musical latinoamericana.

En febrero del 2000 tocan ante 60,000 personas en el estadio de River junto a la Mona Jiménez y Kapanga en el ciclo: Buenos Aires Vivo. En el mes de Abril del 2001 se van de gira por Estados Unidos. Tocan en el “Festival Argentino de Miami”, junto a figuras cono Celeste Carballo y Pappo. Para septiembre de dos mil uno, con otros dos discos bajo el brazo, la banda llegó a sus quince años y los festeja con shows en El Teatro, con Attaque 77 y Andrés Calamaro. Ese año, LAD editó un compilado de grandes éxitos, cuyo nombre es “Los Reyes de la Canción”. Además de las clásicas grabaciones de los anteriores tres discos de estudio, el mismo incluyó nuevas versiones de temas de sus primeros tres discos. (“La bebida, el juego y las mujeres”, “Auténtica”, “Vení Raquel” y “Skabio” -convertida de canción seudo-ska a canción punk-.

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MEDIA NOCHE EN PARÍS Por: Por Nathaly Soto @nath_wonka

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ace unos días escuché en el radio sobre un estudio social que se hizo en México donde arrojaba datos sobre que a la mayoría de las personas nos hubiera gustado vivir en otro tiempo, en la “época de oro” del país porque no había inseguridad, había más oportunidades, la gente era más feliz, etc. Esta película me hizo recordar mucho ese estudio pues se basa en una premisa en la que la gente no es feliz en la época en la que vive, siempre quiere ir más y más atrás en el tiempo porque creen que ese sería su estilo de vida ideal y la reflexión es muy padre porque nos damos cuenta de que no importa si viviste en la época de oro de algún lugar, siempre vas a querer vivir en otro tiempo. Media Noche en París nos enseña a esta fabulosa ciudad en todo su esplendor y nos hace saber por qué era el sitio de inspiración favorito de pintores, escritores y artistas. La trama comienza cuando el protagonista Gil (Owen Wilson) es un guionista de Hollywood enamorado de los años 20 que vive en California, sin embargo, está harto de eso y quiere intentarlo como escritor de novelas y en ese intento se va de viaje a París con su prometida y los padres de ella. En una noche a solas, mientras caminaba por las calles inmerso en sus pensamientos y en busca de inspiración, se da cuenta de que ese es el lugar de su vida, y que le encantaría mudarse ahí, Gil se ve transportado a un universo que lo lleva su soñada época en donde conoce todo tipo de personajes que jamás hubiera imaginado conocer. Media Noche en París es una película de Woody Allen con el toque cómico que lo caracteriza, comienza con tomas de la hermosa ciudad y una música clásica del lugar, es una historia de amor, pero no de amor entre personas si no de amor por la pasión de tu vida.

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Interview:

SHE WANTS REVENGE 14

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alleyheart”, nuevo material de Justine Warfield y Adam Bravin, mejor conocidos como She Wants Revenge, es un álbum que va más allá de lo musical; es una muestra de lo que hay detrás de ese sonido obscuro y letras crudas, un disco que los mismos autores definen como el más honesto y personal de su carrera. Dos jóvenes que salieron hace algunos años del Valle de San Fernando, reviviendo sus primeras influencias y retomando qué fue lo que los incitó a seguir el camino que los ha traído hasta éste punto en su carrera. United Rock League Magazine (URLM) tuvo la oportunidad de platicar con Adam Bravin, integrante de la banda, quien nos compartió a fondo todo lo que se encuentra detrás de este tercer material, sus sentimientos al respecto y planes a futuro.

Por: Samantha Núñez @unacosapandrosa 15

Features ¿Cómo fue el proceso de grabación de este álbum en contraste con los dos anteriores? Adam: Nosotros venimos de un ambiente de hip-hop que se nota en nuestros primeros dos discos, cuando tú haces una canción de ese género el proceso es otro, mezclas y divides partes, pero cuando escribes una canción, tienes la batería, el bajo, la guitarra y el proceso tiene que cambiar. En éste álbum fue la primera vez que nos involucramos de manera diferente al momento de escribir y grabar, yo tenía el bajo, él la guitarra y empezó a surgir un nuevo progreso como banda, escribimos canciones en la manera tradicional en que se escriben, algo que no habíamos hecho antes. Para mí fue algo totalmente nuevo, yo no sabía cómo se hacía y aprendí mucho durante las grabaciones y trabajando con Justine.

El nombre de su tercer material viene de el Valle de San Fernando, California de donde son originarios, pero anteriormente han mencionado que una de sus influencias como banda es el soundtrack de la película “The Valley Girl” (La Chica del Valle), una historia romántica que toma lugar en el Valle de San Fernando también. ¿Crees que este soundtrack o la historia de la película esta directamente relacionado con “Valleyheart·, con las letras o el sonido menos obscuro en comparación con su trabajo anterior? Adam: De donde nosotros venimos no es un lugar agradable, hoy en día sigue sin serlo y Hollywood, que estaba a poca distancia de nosotros, era como un mundo totalmente diferente. La historia de la película, una chica del Valle que se enamora de un chico de Hollywood, fue realizada cuando nosotros éramos muy jóvenes, fue muy cercana a nuestros corazones, obviamente nosotros salíamos con chicas del Valle pero sabíamos lo que se sentía querer estar con alguien del “otro lado”, alguien del lado de Hollywood.

La parte de “Valley Girl” que más influenció este material, fue el mirar hacia atrás, a la época cuando éramos jóvenes, recordar nuestro primer amor, nuestro primer desamor, nuestro primer “flechazo” con alguien del “lado equivocado” y lo difícil que era el sabernos diferentes. En lo personal, todas esas experiencias que tuve cuando era joven en el Valle de San Fernando, todos esos sentimientos, son los que realmente inspiraron las grandes cosas que di en este disco. .

Ya has trabajado anteriormente con Shirley Manson, ahora que Garbage anunció su regreso al estudio de grabación, les gustaría o tienen planeado hacer algo nuevo con ellos? Adam: Estoy trabajando en un álbum como solista en el cual colaborarán mis cantantes femeninas favoritas, Shirley y yo recientemente hablamos acerca de su participación en el, aún no sé que pueda suceder pero estamos en platicas. Ella es una persona muy importante para nosotros, llegó a nuestras vidas en una época trascendental de nuestra carrera, cuando hicimos el video de “These Things” con ella nosotros éramos una banda que apenas comenzaba y ella nos apoyó, nos dio consejos realmente increíbles viniendo de una banda que ya estaba colocada en la industria musical, no quería que tomáramos malas decisiones, “Déjenme darles unos consejos, no hagan eso, hagan esto, confíen en mi” nos dijo, y lo hicimos y ha sido el mejor consejo que alguien nos ha dado. Shirley es como familia para nosotros, una figura materna en lo que a la industria musical se refiere, podríamos hacer lo que fuera con ella, un video, una canción, toda una gira, incluso ir a tomar café, la queremos demasiado, es una persona increíble.

Sabemos el impacto que causaron con su canción “Tear You Apart” que ya es necesario como un referente cuando alguien habla de ustedes, pero si tuvieras la oportunidad de escoger otra de sus canciones, ¿cuál seria y por qué?

Features Adam: Creo que sería una canción llamada “Rachel” de nuestro segundo álbum, este tema realmente muestra diferentes niveles de la banda, un día hablábamos acerca de lo que una canción realmente representa, no solo representa nuestro amor por la música, nuestro amor por el lado obscuro de la música o en qué esta inspirada. “Rachel” es una canción con ritmo, la gente baila al escucharla pero necesitarías estar detrás de nosotros para saber todas las cosas personales que hay en ella. Es muy importante que la gente entienda, en general, que nuestra música no es solo una cosa u otra, son muchas y diferentes, cada tema que hacemos no es tan simple como parece ser en el escenario o en el disco, tiene demasiadas cosas específicas dentro de ella. A veces pienso en todas las ocasiones que las personas dicen ‘¡Oh She Wants Revenge!, “Tear You Apart” y no creo que entiendan, en realidad, el significado de la canción, no creo que todo lo que hacemos se reduzca a ese tema.

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En alguna entrevista mencionaste que “Valleyheart” te hace sentir más orgulloso que cualquier cosa que has hecho antes como músico, ¿por qué es esto? Adam: Porque yo nunca tomé lecciones para tocar ningún instrumento, aprendí yo solo, nunca había tocado el piano, nunca antes me había sentado y había escrito una canción en la forma en que se debe, entonces cuando miro este álbum pienso: “Wow, escribí canciones reales, no solo puse sonidos juntos basados en lo que sentía”. Hay una forma, una estructura que yo nunca había ocupado. Escuchando este disco veo que realmente pasé de solo tocar música que sonaba bien, a ser parte de todo un proceso en el cual mi compañero es un músico con un talento asombroso. Estoy muy orgulloso de haberme convertido en el músico y compositor que soy ahora.

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MINK

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Texto y Fotos : Francisco Pérez @fraskote

En la búsqueda del “Camino” para trascender desde la independencia. Su propuesta dentro de la naciente industria independiente en México comienza a llamar la atención. La conquista del público de nuestro país no es cosa fácil. Con la oferta tan amplia de artistas y algunos de ellos con el respaldo de un “big label”, tornan la misión de esta banda en una historia muy particular. 21

Features United Rock League Magazine en su afán de documentar lo que pasa en la industria independiente mexicana -sin importar género musical-, buscó una entrevista con los músicos que integran Mink, para escuchar de viva voz su sentir respecto a la escena nacional de la que son parte, así como de su primer trabajo discográfico que lleva por nombre: “Camino”. Llegamos al parque de Coyoacán, lugar tradicional al sur del Distrito Federal para comer un helado en una de sus famosas tiendas, caminar y escuchar música de los ya clásicos señores cilindreros. Una caminata alrededor del parque fue suficiente para que Carol, Alex y Adrián, integrantes de Mink, nos platicaran a detalle varios temas. “Si la música no suena mejor en vivo que en el disco, no te van a ir a ver, y menos puedes hacer de la música un estilo de vida. De los discos no haces dinero” fue el tajante inicio por parte de Alex al platicar de un reciente show de la banda. Después de avanzar unos pasos nos detuvimos para comenzar la entrevista. Lo primero que quisimos saber se relacionó con el tipo de música que hace Mink. ¿Se podría definir como pop? El disco suena muy apegado a ese género, pero en vivo es muy diferente. Se percibe una energía mucho más acercada al rock. Carol, quien es de origen guatemalteco y vocalista de la banda, nos respondió con mucha frescura: “Es muy camaleónica nuestra música. Si hay pop y es evidente, pero ¿quién no lo tiene? Metallica lo tiene. Si se te quedan en tu mente las melodías, son pop. Si suenan en el radio son pop, porque son populares. No obstante, también tenemos rock, timbres de jazz, timbres de electrónico y un poco de trip hop. Tratamos de fusionar ciertas cosas y ciertos estilos. Alex y yo aportamos nuestras influencias y esa mezcla es lo que ves en vivo. Obviamente Adrián, Uriel y Marco aportan su estilo y así se da vida a lo que somos”. Inmediatamente después Adrián tomó la palabra y añadió:“Mink está justo en la raya. Si escuchas mucho rock te puede sonar a pop y viceversa. Estar en esa línea nos permite tocar en diferentes escenarios; por ejemplo: Un día podemos estar con Aleks Syntek y otro día con Calle 13”. Caminamos alrededor del parque en pleno goce de un día nublado. Vimos como la gente poco a poco

comenzó a inundar el lugar, de la misma forma que en un concierto paulatinamente pasa A propósito del público, abordamos el tema de que muchas veces es muy tajante al decir: “esto es pop o esto es rock”. Les comento que en mi percepción muchas veces la audiencia tiende a encasillar lo que escucha dentro de un género. ¿Cómo romper esa barrera? ¿Qué tan complicado es para Mink estar en esa línea? Alex afirma:“De entrada, jamás nos planteamos las cosas en un inicio para que fueran complicadas o fáciles, simple y sencillamente hacemos lo que nos gusta. En mi caso, estaba estudiando arquitectura y me salí para dedicarme a esto y hacer la música que me gusta. Para romper esas barreras no nos queda más que tocar y que nuestra música sea la que abra las puertas. Todos tenemos prejuicios; por ejemplo: el que le gusta el metal, pero en las bodas baila. El que escucha pop igual; se toma dos cervezas y baila “El Caballo de Rodeo”.Todos escuchamos de todo, depende mucho el círculo social. Yo creo que es tiempo de que todos esos prejuicios queden atrás. Claro que nos va a costar trabajo, pero se puede lograr. La muestra es que tocamos en pasagüero, un lugar que es como de “culto” rock, y nos fue bien con todo y la situación que se presentó ese día con Buraka Som Sistema”. La música de Mink ha sido reconocida a nivel internacional. Recientemente su segundo sencillo “Sale Sobrando” de su primer disco “Camino” -producido por el argentino ganador de un premio Grammy, Tweety González-, recibió el premio de segundo lugar en el “John Lennon Songwriting Contest 2011”. Antes de la entrevista me di a la tarea de escuchar su disco. Varias dudas saltaron a mi mente y no dude en planteárselas. Una de ellas fue el porqué decidir grabar un álbum de forma independiente y no con un sello discográfico más grande. Dicho razonamiento en función del perfil del material que, como mencionamos anteriormente, posee características pop. Carol inmediatamente reacciona y contesta: “Este disco tenía muchas oportunidades de entrar en un sello grande, pero cuando eres alguien nuevo y cuando tu vas y buscas a la disquera, en muchas ocasiones, se aprovechan de ti. Cuando empiezas a trabajar y comienzas a ganar tu público y tienes muchas presentaciones va a llegar un momento en que ellos te van a buscar. Ahí puede ser que el acercamiento sea muy distinto y favorecedor para nosotros. Yo veo una

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disquera grande como algo que te puede ayudar a llegar a más gente. Eso sí, no me gustaría para nada que me dijeran tienes que componer de una determinada forma o cantar de cierta manera o vestirte de algún modo en específico. Eso es lo que más me puede molestar”. Mink se define como una banda totalmente independiente: “Si en algo somos afortunados es que nosotros pagamos nuestro disco, lo compusimos como quisimos, tocaron unos músicos increíbles, tuvimos el productor que buscamos, lo grabamos en los países que nosotros elegimos. Nadie nos dijo como hacerlo. En ese sentido, somos libres” comenta Carol. . Ahora bien, ya entrados de lleno en el tema de la música independiente, era necesario que nos platicaran su perspectiva sobre la forma en que se está desarrollando en México. Carol opina que si es muy buen momento el que vivimos, pero que es muy elitista. Entre risas nos comenta: “Para los rockeros somos poperos, para los poperos somos rockeros, para los mainstream somos “indies” y para los “indies” podríamos estar en un sello más grande”. Específicamente en la industria nacional Mink piensa que existen compadrazgos, apoyo entre amigos; por ejemplo: mencionan los premios que organiza la industria independiente, la cual se encarga de reconocer –en su opinión- a los amigos de los amigos. “Nosotros no sonamos en Reactor, no sonamos en Ibero, pero también existimos”. Es la reflexión de Carol Villagrán al respecto. “Hay muchos que necesitan expresarse y que las disqueras no toman en cuenta por que no pueden dejar de lado sus privilegios y la opulencia con la que viven y deben de

Features buscar algo que los pueda seguir manteniendo con esa forma de vida” añadió Adrián. “En México o eres negro o blanco, no hay espacio para grises” nos señala Alex. No obstante lo anterior, ellos opinan que su disco es el que debe de abrir las puertas. Y lo comienza a hacer. En 2007 tuvieron la oportunidad de tocar en el Asia Club de Tokio, Japón. Profetas en tierras ajenas. Respecto a su disco nos platicaron que es un viaje por experiencias personales, que mezcla sueños, vivencias reales y una amplia gama de sentimientos. El fallecimiento de un familiar –como fue el caso de Alex- se nota en algunas de sus creaciones. Carol es la encargada de crear las letras. Nos platican que sus composiciones están plasmadas de su forma de ver la vida; por ejemplo: ¿qué pasaría si mueres hoy? La migración de las personas –como el caso de Carol al dejar su país-. Los sueños como elementos conceptuales para ser retomados en una canción. Mink no es una banda que, después de todo lo escrito en esta entrevista, deba ser encasillada en el género pop. Ellos van más allá. En sus propias palabras: “Gente que disfruta ser libre para hacer música”. Son personas que luchan como cualquier otra para que sus creaciones sean escuchadas por más y más gente, con la finalidad de compartir una forma de pensar, misma que bien podría encajar con el sentimiento de muchos. Para finalizar la entrevista Mink reflexiona que, para que la industria en México crezca, un punto sería que no solo una persona dentro de las estaciones de radio decida que se programa y que no. También opinan que algo de instrucción musical no les caería nada mal: “Hay quienes opinan de música y en su vida han tocado un acorde” Remata Carol.

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EL COLUMPIO Features

Por: Samantha Núñez @unacosapandrosa

Recientemente la escena musical española ha dado gratas sorpresas en lo que a música se refiere, entre ellas se encuentra una peculiar agrupación que surgió en Pamplona por ahí de los años 90’s, con un sonido que va desde lo electrónico y el rock hasta lo punk , mismo que han ido fortaleciendo con el paso de sus tres primeros álbumes: “Columpio Asesino”, “De mi sangre a tus cuchillas” (nombre que se dio por una dedicatoria que hizo Jodorowsky a la banda) y “La Gallina”. Tres discos que lograron consolidar el trabajo de estos músicos para finalmente colocarlos como una de las mejores bandas de España y a nivel internacional con su último material: “Diamantes”. United Rock League Magazine (URLM) pudo platicar con Álbaro Arizaleta -vocalista y uno de los fundadores de esta banda-, acerca de su cuarto álbum: ‘Diamantes’ y su próxima presentación en la Ciudad de México en el Festival Corona Capital . Un álbum que es realmente diferente, retoma la influencia “Jodorowskyana”, que aunque poco tiene que ver en lo musical, el sentido surrealista y místico es aquello que nos inspira al momento de escribir los textos, las letras, pero sobretodo a la hora de enfrentarnos a la música sin ningún tipo de prejuicios, con una mente abierta, comenta Álbaro, haciendo hincapié en lo complicado que puede ser materializar una influencia, pues todo se reduce a una cuestión de actitud ante la música, las letras que hay en cada una de las canciones y ante la vida misma. Sin materializarlas, Álbaro afirma que aquellos que lo influyeron desde un inicio para hacer música siguen siendo los mismos, The Velvet Underground, David Bowie, Pixies, The Clash y Creedence, aunque agrega que han surgido nuevas influencias recientemente como Portishead, The Horrors, Beach House y Animal Colective; en lo musical y en lo lírico resalta la

la literatura de personajes como Manuel Gisbert, un destacado escritor español y Leonard Cohen un poeta, novelista y cantante canadiense. Recientemente se lanzó una edición en México de su material “Diamantes” que cuenta con material inédito y cuatro remezclas de su sencillo “Toro” por bandas como Sussie 4, Rey Pila y Dënver, al igual que un tema nuevo: “Pez en la Ola” que solo había sido lanzado en España como el lado-B en vinilo de su sencillo “Toro”. Álbaro confiesa no haber escuchado lo que sucede en la escena musical actual de México por falta de tiempo comenta que el último material de San Pascualito Rey: “Valiente”, le ha encantado. “Nos sentimos sumamente emocionados por compartir escenario con grandes bandas como Wild Beasts y sobretodo Portishead”, comentó el vocalista de la banda respecto a su visita a México el próximo

ASESINO

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BANDA CORONA CAPITAL

octubre, con la cual dice sentirse satisfecho y sobretodo agradecido con Terrícolas Imbéciles por su participación.. Una banda con un gran disco, lleno de canciones inusuales y con un característico pero gran sonido, ellos son Columpio Asesino.

PORTISHEAD ENCORE

Por Virix Villamor @pecasvil

ENCORE

eth Gibbons, Geoff Barrow y Adrian Utley son originarios de Bristol, Inglaterra, y el mundo los conoce mejor bajo el nombre de Portishead.

Considerándome una seguidora asidua de esta banda -como muchos de ustedes queridos lectores-, comprenderán de lo que hablo cuando me refiero a que Portishead es una de esas agrupaciones que, con la mezcla de varios géneros tales como: Trip Hop, Art Rock y música electrónica se definen y crean una esfera única. La voz de Beth es capaz de transportar a un espacio catártico en donde la música, la letra -todo-, envuelve por completo. En el mes de Octubre se presentarán por primera vez en nuestro país bajo el marco del Festival Corona Capital. Para muchos será la primera vez, por lo que será una experiencia increíble. Portishead es una de esas bandas que no requiere comercializarse ni exhibirse en medios, tener millones de discos editados; ellos van más allá de eso. La sencillez de sus integrantes, así como la originalidad y genialidad de su música son los factores que los hace irremplazables e los coloca como un concepto irrepetible en el gran mundo de la música.

BANDA CORONA CAPITAL

esarrollar una carrera como fotógrafo de bandas de rock te puede llevar a sentir esa maliciosa y vertiginosa vida del rock (situaciones que pocos pueden ver). Tu cámara se convierte en una poderosa herramienta para estar cerca de aquellos músicos que admiras, pero que se tiene que dejar eso de lado si en realidad lo tuyo es llevar esto como una profesión y estilo de vida. Si tu objetivo es querer desarrollar este oficio, se tiene que dejar de lado el comportamiento de “fan” y simplemente convivir con el artista, acercarte a él, con el fin de crear una mejor conexión en cada “click” que hagas. La música ha estado ligada a la fotografía desde aquellos días de rock en los que se daban apenas a conocer The Beatles en la Caverna. Desde fotografías para la presentación de la banda hasta fotografías donde se retrata la euforia vivida en cada presentación, tanto de los músicos como de los fieles asistentes. Una chica sobresaliente en este medio en aquellos años del rock, las drogas y psicodelias que llenaban de euforia a los jóvenes, es Linda Eastman, reconocida por los retratos que tomo de Bob Dylan, Rolling Stones, The Beatles, Janis Joplin, The Mamas & the Papas, Eric Clapton, entre otros. Ella capturaba todo aquello digno de retratarse en la vida de un “rockstar”. Obtenía así escenas sin pretensión, retratos espontáneos, todo aquello que los “simples mortales” no podían presenciar, pero si ver gracias a ella. Una fotógrafa cuyo trabajo ha sido expuesto en más de 50 galerías alrededor del

FOTOGRAFÍAS

ENCORE

Por: Mirna Torres @MirnaTF

mundo; además se hizo un libro con las más de 200 mil fotografías que ella nos muestra. Cada fotografía espera el momento en el que el espectador pueda contemplarla y sea atrapado por ésta, el poder contemplar cada detalle de aquella presentación. No siempre es el músico quien debe ser el protagonista de cada foto, existen diferentes elementos al momento de improvisar y tomar tu cámara frente a un show; puede ir desde el sudor del artista, el setlist que presentó, gestos de euforia, poses, detalles en el escenario, la guitarra con la que tocó, y demás situaciones que se presentan para así poder dejarlas plasmadas y que el espectador pueda dejarse conquistar una vez más por aquel momento.

CON UN

TOQUE DE

ROCK

Aquí en México, un país que cuenta con bastantes museos de todo tipo, solamente contamos con una galería que está dedicada a la fotografía y el rock (Expo Rock Gallery). Como fundador se encuentra Fernando Aceves, quien dijo alguna vez: “la fotografía no retrata la música sino la transporta, y ese es el sentimiento que Expo Rock genera al visitarla”. Como ya había mencionado en mi artículo anterior, reafirmo que la situación de captar una emoción para poder conservarla, se basa en como “la relación del fotógrafo con su cámara debe ser tan fuerte como la de un músico con su instrumento”.

ENCORE

CÓMO SOBREVIVIR A ROCKTUBRE Por: Sergio Hernández @sergio810511

y no morir en el intento

a llegado el mes más rockero del año.Octubre desde hace unos años paso a ser el mes mas importante en cuestión de conciertos en México. Festivales y conciertos individuales por doquier hacen llorar a nuestra cartera año con año, conciertos que terminaremos pagando con nuestros aguinaldos, pero no importa, ¡todo sea por el buen rock!

Recuerden es momento de romper el cochinito por que no es nada barato sobrevivir este mes cargado de buena música y más si no van solos a estos conciertos, así que, buena suerte y que San Rocktubre los lleve a su gloria eterna. Estos son los conciertos que pienso no se deben de perder este año. Corona Capital El mejor festival de la segunda parte del año en el DF. Esta segunda edición nos trae un repertorio de grandes bandas nacionales y extranjeras. Tenemos como cabeza de cartel a The Strokes y Portishead. Otras bandas que se presentan este año son The Rapture, CSS, Santigold, Austin TV, Quiero Club, Moby, Editors entre otras. No cabe duda que será un gran espectáculo el que presenciemos todos los que asistamos el próximo 15 de Octubre a la Curva 4 del Autódromo. Esperemos que este año corrijan los puntos débiles que vimos en su primer edición, como que no se acaben o dejen de vender cervezas; que se mejore el sonido en algunos escenarios; y lo mas importante: que exista la señal de celular. ¿Cuánto cuesta sobrevivir el Corona Capital? Aproximadamente $1,500 pesos por persona, entre estacionamiento o transporte

ENCORE público, comida, souvenir y lo mas importante: ¡las cervezas! Recuerden que si son todos unos caballeros e invitan a su novia, esposa, amante, amiga o conquista, el costo se eleva al doble y más si quieren quedar bien. El Rock Nos Une, 2011 Iniciamos el mes con este gran festival que se llevara a cabo en el Centro de Convenciones de Tlalnepantla, con un cartel que incluyen bandas como Panteón Rococó, La Castañeda, Nortec, DLD, Ely Guerra entre otros. ¿Cuánto dinero necesito? Este es un concierto mas modesto y se necesitara aproximadamente $600 pesos para pasárla “bien”. Esto incluye el transporte, la comida y ¡las chelas!

Amigos Invisibles 7 de Octubre Si se quedaron con las ganas de verlos en sus dos presentaciones en el teatro Metropolitan, esta es su oportunidad. La banda venezolana se presentará en “El Arriba” y promete ser un concierto que pondrá a bailar a todo mundo. Como se los comente, si no los vieron en sus fechas pasadas es imperdible este evento. Costo: $700 pesos es mas que suficiente para este concierto. Otros conciertos en Rocktubre: Caifanes 1 y 2 de Octubre Palacio de los Deportes Costo: $600 pesos mínimo

Hercules & Love Affair 21 de Octubre Voilà Antara $800 pesos Guns n’ Roses. 8 y 19 de octubre Palacio de los Deportes Bring me The Horizon 6 de Octubre El Plaza Condesa Editors 14 de Octubre El Plaza Condesa Brujeria 16 de Octubre Vive Cuervo Salón Kinky 19 de Octubre El Plaza Condesa

Estos son algunos de los conciertos que Rocktubre nos trae este año. Aproximadamente invertirán aproximadamente $10,000 pesos entre entradas y los eventos. A continuación, les dejo unas pequeñas recomendaciones para que sobrevivan este mes. *Asistan a los conciertos que de en verdad tengas ganas de ir, recuerda que no son nada baratos, de lo contrario quedarán en extrema pobreza. ¡Aguas! *Si llevas carro recuerda no tomar, al final vas a ahorrar una lana en el concierto. *Anticipa tus salidas. El tráfico en esta época del año está peor que de costumbre, con todo y que tengamos google maps. *Solo lleva el efectivo que piensas gastarte, si cargas de más te lo gastarás de todas maneras. *Y lo más importante: no te endeudes para ir a los conciertos, recuerda lo más seguro es que estos músicos regresen algún día.

Creo que es todo lo que les puedo aconsejar. Disfruten rocktubre. Recuerden dejar un guardadito, por que Noviembre y Diciembre nos van a dejar en la miseria y la cuesta de Enero del 2012 no va ser nada fácil.

ENCORE

PANTALLA TOTAL Por: Juan Manuel López

eguramente los cinéfilos y no lo tan cinéfilos recordarán la frase celebre dentro de la primer película de la trilogía Matrix: “El desierto de lo real”. Muchos pensamos de que se habla; habrá quienes a la fecha no logramos entender que quieren decir con esto. Jean Baudrillard realiza un análisis e hipótesis extravagante sobre los medios de comunicación, al igual que a las masas o sociedades de acuerdo a su condición y entorno. Un libro que estoy seguro cada párrafo se preguntarán de que habla, una comparación entre sociedades y cuerpos humanos. Se asignan articulaciones, corazón, sangre, venas, huesos, órganos vitales a nuestro comportamiento como sociedad e individuos. Si, también tenemos virus, bacterias; enfermedades que nos vuelven vulnerables y nos fortalecen según los acontecimientos y fenómenos en lo que vivimos. Baudrillard realiza un excelente análisis por temas dentro de Pantalla Total, los cuales están ligados a nuestras acciones como sociedad, cultura y fenómenos que han cambiado y dan nuevo curso a nuestra forma de pensar, de interactuar como individuos, grupos o sociedades conjuntas. Los medios por su parte, como influyen y son parte de un poder social que modifica nuestra cultura. Ahora bien, para entender un poco de lo que nos dice Jean, a continuación cito algunos análisis de ciertos capítulos dentro de esta magna obra y crítica a los medios y sociedad, así como algunos análisis propios.

“Tal es el resultado paradójico que genera una revolución que existe indeterminación, angustia y confusión, pero también otros placeres como elección, pluralidad y democracia”... JB “Desde la detonación en Hiroshima, la nuclearización de los cuerpos sigue a través de y de manera endémica en la irradiación de las imágenes, las redes, los medios y los programas”... JB “En el nuevo orden social-político e intelectual en todas vías y a grandes luces, medios de comunicación y en nuestro entorno la desgracia, miseria, sufrimiento se han convertido en materia prima y la escena primitiva de una sociedad victimal”… JB En “Pantalla Total” una forma de expresar los acontecimientos recientes que han generado los cambios sociales -entre ellos bajo la influencia de los media-, se manifiestan por ejemplo en la ciudad de Nueva York que, a pesar de ser el centro del mundo y sus grandes excentricidades, la masa se ha convertido en zombies que se mueven inconscientemente para dar vida a esta ciudad sin valores, sólo existen banalidades pues no incita a ser o formar una familia, solo deambulan para generar productos. La mundialización de los intercambios pone fin a la universalidad de los valores. Triunfo del pensamiento único sobre el universal. Los valores humanos y democracia circulan como productos universales. Sin embargo y pese a la universalidad y homogenización de estos, surgen frente a este poder fuerzas heterogéneas antagónicas e irreductibles; ejemplo: Japón, que aún con la mundialización de los valores económicos sociales y políticos, conserva arraigadas sus usos y costumbres

ENCORE

EL HIPERREALISMO de Ron Mueck. Por: Eunice Rugama @jessicaeunice.

ablar de hiperrealismo es ver la cotidianidad en gran escala. Rescatar y registrar la vida moderna, desde sus paisajes, los retratos y el desnudo. Ron Mueck, un artista hiperrealista, ofrece en su obra descubrir la diversidad de los seres humanos con sus emociones al desnudo en un tamaño poco convencional.

Este escultor hiperrealista australiano, comenzó su carrera profesional en el cine. Trabajó como realizador de efectos especiales en películas como “Labyrinth” y “The Dark Crystal”; sin embargo, su talento lo llevó a desarrollar creaciones plásticas. No obstante, su incansable búsqueda artística lo llevó a Londres, donde formó su propia empresa de creación de utilería y “animatronics”, que eran utilizados para la industria de la publicidad. Hasta 1996, Mueck no sabía que su obra llegaría a todo el mundo. Esto ocurrió cuando colaboró con su suegra Paula Rego y poco a poco su carrera se dirigió a crear una escalofriante e hiperrealista obra titulada “Dead Dad” (papá muerto), en la que utilizó silicona y otros materiales para reproducir el cuerpo muerto de su padre a dos tercios del tamaño natural. Así, el escultor de cincuenta y tres años, constituyó esculturas que retratan los detalles del cuerpo humano en gran escala, es decir, este artista engrandece los gestos, el cabello, las venas, los poros, las arrugas y hasta la sangre, de tal forma la escultura parece “casi” real, pero con un tamaño por lo regular de cinco metros aproximadamente.

ENCORE Las obras de Mueck están elaboradas con materiales sintéticos y cabello natural, además, de que pueden ser grotescas y perturbadoras por presentar a detalle en situaciones de máxima vulnerabilidad, donde el sentimiento de soledad es fundamental. Además en su mayoría las obras muestran la desnudes de niños, jóvenes, adultos y ancianos. Entre sus obras más significativas se encuentra “Boy”, que fue presentada en 1999 en el “Millenium Dome”, en Londres y en la “Biennale de Venecia”. Ahora, las esculturas hiperrealistas de Mueck llegaron al Antiguo Colegio de San Ildefonso desde el pasado 20 de septiembre, y estarán ahí hasta el 5 de febrero de 2012. El precio de la entrada de miércoles a domingo es de $45 pesos y el martes es gratis. Para más información visita: http://www.sanildefonso.org.mx

ENCORE

A casi 10 años del inicio.

llos son una de las bandas más importantes al día de hoy en México. Pione nocido en nuestro país. Pronto cumplirán diez años de historia.

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Interview

AUSTIN TV

Por: Francisco Pérez @fraskote Fotos: Frida Escobar

eros de la cultura independiente. Su idea musical desafió cualquier género co-

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Features La historia, el concepto, los personajes. Exitosas presentaciones en Sudamérica, Centroamérica y Estados Unidos son parte de sus credenciales. Tres discos de estudio -totalmente conceptuales cada uno-, son el legado que han aportado a la cultura musical de nuestro país. En julio de 2011 presentaron su más reciente producción discográfica teniendo como productor a Emmanuel del Real (Café Tacvba). Caballeros del Albedrío es una de las mejores placas nacionales que han visto la luz en este año. El trayecto para llegar al lugar de la entrevista fue largo. En ese camino recordé una presentación de Austin TV en el Foro Alicia hace muchos años cuando prácticamente iniciaban su carrera. Tener la oportunidad de entrevistarlos para United Rock League Magazine años después, fue algo que como periodista me hizo sentir feliz, como cuando te enteras que pasaste ese examen extremadamente complicado. Por fin llegamos al lugar destinado para la entrevista. Tocamos el timbre. Oímos pasos y alguien acudió a nuestro llamado. Fando –enfundado en su disfraz de caballero- abrió la puerta y nos recibió con una sonrisa que alcanzamos a percibir por encima de la máscara. Entramos a la casa y ahí estaban los personajes, el concepto, la historia. Cierre de ciclos, un descanso y nacimiento de los Caballeros del Albedrío. Como ya lo mencionamos, Austin TV tiene en su historial tres discos de estudio: “La Última Noche del Mundo” (2003),“Fontana Bella” (2007) y su más reciente trabajo titulado “Caballeros del Albedrío” (2011). En verdad pareciera que hubiera transcurrido mucho tiempo desde el lanzamiento de su disco anterior, pero tal y como Fando nos lo mencionó, no fue tanto: “En 2007 lanzamos el disco (Fontana Bella). Estuvimos tocando a finales de dicho año y durante todo 2008. Luego en 2009 descansamos un semestre y a partir de junio de ese mismo año comenzamos a trabajar en el nuevo álbum. En realidad nunca dejamos de tocar; estuvimos en Panamá, Colombia, Argentina, así como en una mini gira por Estados Unidos”. Consideran que en determinado momento es necesario salirse un poco de la escena para que se vaya acumulando la masa creativa. En palabras de Rata: “Tuvimos

que tomarnos ese descanso de seis meses porque no habíamos parado en ocho años”. Posteriormente Chio San nos platicó el significado que tiene para ellos Caballeros del Albedrío: “Es el resultado de muchos meses de trabajo”. Enfatizó en que es un material que está inspirado en dos cosas: el cine y los números. Preguntamos sobre su proceso creativo, a lo que respondieron que, después de los seis meses de descanso que tomaron, llegaron con ideas diferentes tanto musicales como inspiradas en varias películas. Dicho factor marcó una pauta en esa parte de nuestra plática. El proceso creativo comenzó desde el momento en que se encerraron en una casa situada en el bosque de Avándaro. Cada uno aportó conceptos diferentes. Para alimentar su creatividad ponían películas todos los días y de ahí sacaban frases o palabras que les gustaban. Posteriormente, a esas frases les asignaron un número de acuerdo a las letras que vienen en el teclado de los teléfonos. Eso sirvió para realizar el mapéo rítmico y realizar las canciones. Este método fue una forma totalmente nueva de componer para Austin TV, de acuerdo a lo que nos explicó Chio San. ¿Por qué hacerlo así? Muy sencillo: querían que fuera un producto totalmente diferente a sus producciones anteriores. Xnayer nos explica que Caballeros del Albedrío es un disco conceptual que está basado principalmente en los números. Ese es el concepto que engloba todo ya que fue la manera en que se compuso y la forma en que se creó el arte del mismo. La influencia de las películas citadas en el álbum, fueron el elemento que se utilizó para ocupar un espacio que hacía falta y así tener todo englobado. Xnayer resalta que el estar separados por un periodo de tiempo tuvo como consecuencia que al reunirse se tornara difícil llegar a acuerdos en ciertos momentos, pero el cine funcionó como aliciente para unirlos. “A todos nos gustaba y era en lo que estábamos de acuerdo”, añade. Rata retoma la palabra y destaca: “Estuvimos viviendo cinco meses en una casa ubicada en un bosque. Todas las noches se presentaba una película. Algo así como: -Cine Austin presenta-”. Con sus manos nos describió el pequeño tamaño de la televisión donde

Features observaban los filmes. Se reunían los cinco, era el momento de estar juntos, ya que a veces por las mañanas y tardes cada quien por su cuenta realizaba otras actividades: unos leían, otros salían a dar un paseo, tan solo por mencionar algunos ejemplos, pero las noches eran por decirlo de una forma, reuniones familiares.

El sexto Caballero del Albedrío

Después de ver tantas películas durante su encierro, Rata nos comenta que optaron por incluir esa inspiración (películas) en el proceso creativo y como un elemento más que diera vida al disco. Chio San añade: “En algunas ocasiones tan solo tomábamos algunas frases de esas películas que habíamos visto, ya que lo primero que teníamos que tener era el nombre de la canción, para de ahí considerar la numerología y desarrollar los quebrados rítmicos”.

Rata una vez más toma primero la palabra y, con tono solemne, lleno de respeto en su forma de hablar nos establece que el detalle principal fue que les ayudó a aterrizar las ideas de los cinco y llegar a un punto común, con mucho sentido y mucha visión; “Definitivamente él nos fue guiando a llegar a este punto donde nos pidió, por ejemplo, emplear otros instrumentos que no usábamos, como lo pueden escuchar en el disco Hán donde no utilizamos mucho la bateria, sólo hay baterías electrónicas. Otro ejemplo es que Chio utilizó una cantidad muy grande de diferentes tipos de sintetizadores. Meme fue sacando los mejor de nosotros. El logró guiarnos para que todo fluyera”. Totore intervino en la plática y nos comentó: “Todo lo que nos dijo fue muy acertado”. Fando añadió: “Nosotros teníamos una idea y sabíamos hacía dónde íbamos, pero no a que tenía que sonar. En ese sentido, Meme puso su oído”.

Séeb = Rápido. Hán = Lento. Caballeros del Albedrío se divide en dos partes: Séeb y Hán. Cuando les pregunté el significado de cada uno de ellos, Rata tomó la palabra inmediatamente y nos explicó que al momento de iniciar el proceso de composición del álbum no sabían a donde iba a ir el proyecto, lo único que pensaban era que los números serían parte fundamental; según Rata, ellos los fueron llevando. Nos comentó que en algún punto se dieron cuenta que la música que estaban creando tenía esas constantes: o eran canciones con escalas muy rápidas o muy lentas. “No sabíamos que iban a ser dos. Lo único que sabíamos es que queríamos hacer muchísima música. ¡En algún momento dijimos que hasta tres o cuatro! Al final, los números nos llevaron a este lugar”, agrega. Para Xnayer era importante realizar un concepto diferente a lo que habían hecho en Fontana Bella ya que no querían competir ni hacer algo parecido a esa historia con tintes narrativos que lograron a través de un disco en forma de cuento. De acuerdo a la explicación de la banda, los significados de los nombres son los siguientes: Hán quiere decir más lento en chino y Séeb es rápido en maya. Es una constante en Caballeros del Albedrío el utilizar diferentes tipos de lenguas, ya sea en los samplers o en alguna otra cosa, como es el caso de los nombres de ambas partes del material. Rata enfatiza: “El punto fue encontrar con la música un lenguaje único”.

Emmanuel del Real vuelve a participar en la producción. Era mí deber preguntar sobre ese tema: ¿Cómo fue esa intervención y en qué forma los apoyó? ¿Cuál es el detalle más significativo que aporta Meme a este disco?

Jodorowsky y Lynch en la música de Austin TV. En ambas partes de Caballeros del Albedrío encontramos la presencia de varios directores de cine. Aunque existe una gran variedad, dos son recurrentes: Jodorowsky y Lynch. Xnayer afirma que ambos fueron importantes, pero que sin duda la influencia de Jodorowsky es fundamental. Recuerda que estuvieron leyendo el libro de “Psicomagia”, muy en particular las ideas de los actos poéticos que les fascinaron a todos, mismos que quisieron llevar a la práctica. Nos explica que al mismo tiempo vieron las películas con los comentarios del director y agrega: “Fue una grata experiencia que queríamos plasmar en el disco”. Totore y Fando coinciden en el impacto que causaron las películas de ambos directores cuando las vieron por primera vez. Rata añade: “Cuando veo las películas de Lynch y Jodorowsky me siento como cuando un niño ve algo nuevo”. Fando afirma que Austin TV tiene en su música mucho de Lynch y Jodorowsky.

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Features Publicar un disco físicamente en la era de lo digital. El arte que Austin TV utiliza en sus discos es una gran apuesta. Pero, ¿por qué hacerlo justo en una época donde lo digital se ha convertido en la constante? ¿Cuál es el origen de la idea de convertir el empaque en una obra de arte? Rata intervino en forma muy puntual: “Pienso que en Austin todos somos personas de objetos; por ejemplo: Fando colecciona juguetes viejitos y Xnayer tiene una colección de objetos pequeñitos, incluso en algún momento tenía una pared llena de envolturas de dulces. Todos somos así, nos gusta tener las cosas y verlas”. Chio San está convencida de que es muy importante ofrecer algo más, que después de comprar el disco lo abras y veas algo más que una simple foto. “Si se dan cuenta cuando tienes abierto el disco (Caballeros del Albedrío) pareciera que es otra cosa”. También remarca que Austin TV nunca ha sido una banda que venda millones de copias, es más, no es su interés ganar de esas ventas. En sus palabras, están consientes de que la industria en ese sentido no es como antes, por lo que apuestan a ofrecer este material con ese extra: “Algo que nuestros nietos, o tataranietos algún día puedan ver. Queremos que esto quede para la posteridad”. Del no haber lugares donde tocar a nuestros días. Ya para finalizar esta parte de la entrevista, hablamos sobre los cambios que indiscutiblemente ha tenido la escena musical en México desde que Austin TV dio sus primeros pasos. Fando nos comenta que anteriormente no había lugares donde tocar, todos querían que las bandas vendieran los boletos por ellos. Casi nadie hacía propaganda impresa de los eventos y si las hacían eran horrorosas; “Nadie pensaba en el arte y lo que eso conlleva” nos señala. También menciona que en algunos festivales el trato era terrible: “Preguntabas por el baño y te decían: es ese hoyo de ahí. Les preguntabas ¿ahí van a ir todos los del festival? Y te contestaban que sí. Uno se tenía que acostumbrar a esas cosas”. Las risas después de mencionar la anécdota aparecieron, ya que la forma en que lo contó fue muy explícita, incluso alterando su voz simulando ser la persona que le daba las coordenadas del baño. Están consientes de que ahora toda la gente que está involucrada de cierta forma en la música independi-

ente busca hacer las cosas bien y mejor que antes. En su opinión, no se trata ni de ganar más ni de competir, sino de hacer lo que les gusta. Nos comentan que consideran que todas las bandas no solo representan a la escena mexicana, sino a la latinoamericana. Fando señala: “En Centroamérica están muy pendientes de lo que pasa acá, y es por eso que debemos de tomar esa bandera y de igual forma jalar a todos los demás. Ellos todavía no han encontrado esa voz”.Y no es que en aquellos territorios no haya bandas y lugares para tocar, sino que más bien de acuerdo a su apreciación, no existen los medios para dar a conocer las propuestas; no hay ni revistas ni estaciones de radio especializadas, a diferencia de todos los que existen en México. Austin TV es una de las bandas que han impulsado el crecimiento de la escena a la que pertenecen. Mencionan a Porter como otra agrupación que estuvo en ese proceso, pero que por desgracia se quedó en el camino. El público ha sabido reconocer la historia de Austin TV, los quieren y han adoptado como inspiración. El tiempo ha sido aliado. La paciencia, su mayor virtud.

Algunos datos importantes de la entrevista con Austin TV. En noviembre cumplen 10 años de trayectoria. Participaron en la creación de la música para una obra de teatro inglesa que tiene por nombre Nierka. Dicha obra es dirigida por Tupac Martir. Sumando tiempos, el disco tardo en gestarse aproximadamente un año y medio. Séeb significa rápido en Maya. Hán significa más lento en Chino. El diseño y arte del disco Caballeros del Albedrío estuvo a cargo de Trevore Valensuela y

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VELOCIRAPTOR! Kasabian

Por: Francisco Pérez “Fraskote” @fraskote

Ecléctico es sinónimo del álbum “Velociraptor!”, que nos recuerda por esa característica al “Rubber Soul” del cuarteto de Liverpool. Después de su disco “West Ryder Pauper Lunatic Asylum” publicado en 2009, Kasabian dio muestras del trabajo que podía llegar a desarrollar con un álbum soberbio. Tan sólo dos años después tenemos oportunidad de escuchar un nuevo material que lleva por nombre “Velociraptor!”, el cual posee una amplia gama de sonidos e influencias, y que bien puede convertirse en una de las joyas discográficas de 2011. Desde el inicio del álbum con “Let’s Roll Just Like We Used To” se percibe algo diferente a sus anteriores producciones, pese a encontrarse llena de arreglos y melodías muy propias del sonido británico. Es eso lo que despierta aún más el interés y provoca avanzar a los siguientes tracks. Con todo y que la mencionada no es una canción revolucionaria, se vuelve muy agradable al oído. Kasabian es una banda que emplea -casi a la perfección- los cambios rítmicos sobre una misma base melódica y que, con los arreglos utilizados, los coros grabados y esa voz adictiva, envuelven canción tras canción. Grata sorpresa es escuchar “Goddbye Kiss”, balada rítmica que nos remite a esa música que le dio forma a la escena británica y que, con el toque de Kasabian, convierten en una pieza única. La estridencia característica de los originarios de Leicestershire, Inglaterra, se sumerge en campos introspectivos e incluso psicodélicos como lo es la canción “La Fee Verte” e incluso provoca recuerdos de ciertos pasajes del “Sgt. Pepper’s Lonely Heart Club Band” de The Beatles. Tal vez sea una exageración, pero lo ecléctico de Kasabian en Velociraptor! y la calidad con que se nos presenta, son motivos para posicionar el material como uno de los más importantes en esta recta final de 2011.

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TORCHES Foster The People Por: Joy @hero9105

BRIGHTER THAN A THOUSAND SUNS Survival Machines Por: Rafael Jóvine

Como ya he mencionado antes en viejas reseñas, me gusta escuchar un tipo particular de música Hardcore y Metal. Sí, podría decir que soy un poco exigente en ese género. Bueno, no hace mucho tiempo, navegando en la web, Myspace para ser más específico, me encontré con esta banda y para ser honesto, me enamoré de inmediato. En cada una de sus canciones está muy bien presente, no sólo los increíbles breakdowns y poderosos screamos. Por ejemplo, cuando los conocí tenían su EP, y en todo el alboroto era como si hubiera una especie de «Harmonía». No sé como explicarlo mejor, pero fue algo así. No era pura bulla como generalmente muchas bandas y personas entienden que es el metal o la música. No, iba más allá. Desde Walls Made of Glass, la cual desde hoy ha sido una de mis favoritas. Ahora, un contrato con una disquera y un nuevo álbum más tarde, los chicos lo único que han hecho es mejorar. Una prueba de ello es su último disco “Survival Machine”. Con la excelencia un poco más trabajada de su producción anterior, sonido excepcional que encaja perfectamente con la voz áspera y el tono alto de la vocalista Angelika. Todo junto crea un disco espectacular para aquellos que disfrutan del buen metal y hardcore. No podrán dejar de escucharlo una y otra vez, asegurado. No esperes más y ve a: http://brighterthanathousandsuns.bigcartel.com/product/survival-machines-lp-brighter-than-a-thousandsuns y consigue tu copia ahora!

Difícil clasificar a bandas como Foster The People dentro de un género musical en específico, y es que el estilo pop, experimental y hasta psicodélico que este trío originario de Los Ángeles comparte con excelentes bandas como MGMT o Passion Pit, ha ganado terreno en la escena musical independiente a lo largo de todo el mundo. En este 2011, Foster The People nos presenta lo que es su primer disco de estudio titulado Torches. Éste material es el sucesor del EP con el que se dieron a conocer y cuenta con 13 canciones, para mi gusto, excelentemente bien logradas. Su sonido hace referencia a una estampida de amigables y acopladas melodías que corren al lado de pegadizos e inquietos coros, acompañados de una voz que nos transporta, aproximadamente, una o dos décadas en el pasado. Mark Foster, Mark Pontius y Cubbie Fink nos entregan un álbum pop ochentero/noventero, disco que nos demuestra que a pesar de todo lo que ya existe, no hay límite para la experimentación musical y sonora. Pumped Up Kicks, nombre del primer sencillo del disco, es una rola seguramente ya escuchada por todos y considerada como canción de verano. Este primer sencillo ya se ha ganado un par de nominaciones para los MTV Video Music Awards. El segundo sencillo se hace llamar Helena Beat, y al igual que su antecesor, ya cuenta con su videoclip. Sin duda, Torches se convierte en una excelente opción para pasar un rato agradable con los amigos, la novia, el novio o con uno mismo. Disco 100% recomendable.

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IN THE GRACE OF YOUR LOVE The Rapture Por: Pamela Ascencio || @heywera

THE VIRGINS The Virgins Por: Karina Luna @Lunakar

The Virgins es una banda originaria de Nueva York cuyos integrantes son: Donald Cumming (vocalista creador de la banda y escritor de las letras) Wade Oates (gutarrista) Nick Zarin (bajista) y Erik Ratensperger quién se unió a la banda cuando ésta ya había firmado el primer contrato discográfico en 2007. En 2008 fue cuando publicaron su primer álbum homónimo titulado “The Virgins” en donde apareció como portada una carátula muy peculiar de colores en la que se simulaba algo parecido a dulces y vegetales. Claramente se puede escuchar influencia funky y el ya tan conocido indie rock en su material. Claro ejemplo es “Rich Girls”, el sencillo que se desprende de éste álbum y que tuvo gran aceptación entre los medios especializados, ya que transforman la canción en baile. Cinco canciones de este material han sonado en programas como “The Gossip Girl”, con lo que lograron posteriormente ser tesoneros de músicos como Iggy Pop, Sonic Youth y She Wants Revenge, entre otras. En su corta carrera ya fueron parte de festivales musicales tan importantes como lo son Glastonbury y Lollapalooza. Definitivamente es una banda que no debemos perder de vista y esperar su siguiente material, ya que a pesar que llevan unos años sin estrenar álbum, el único que tienen se mantiene vigente en la escena musical. Canciones recomendadas: She’s Expensive y Tenn Lovers.

Después de haberse consolidado como una de las mejores bandas de dance punk con el aclamado álbum titulado “Echoes” (2003), The Rapture vuelve este año con “In The Grace Of Your Love” (2011), material que muestra la evolución de la banda desde aquél 1998, año en el que dio sus primeros pasos. “In the Grace Of Your Love”, es el tercer LP de esta banda neoyorkina que logró mantenerse en el gusto de muchos seguidores de la banda. Un disco que suena fresco para mover los pies. Es un “must” de 11 tracks. No necesariamente el mejor del año, pero si indispensable. “How Deep Is Your Love” es el primer sencillo del álbum, que puede convertirse en otro “himno” de la banda, aunque cabe resaltar que su sencillez por poco manda a este single a la borda, como lo que ocurre con “Blue Bird”, track que pasa totalmente desapercibido. “Come Back To Me” retoma el pulso y da muestras de ser un track con mayor potencial. Lo mismo pasa con “Children”. “ In The Grace Of Your Love” refleja lo mejor del disco, y hace que la canción se vuelva la titular del mismo; uno de los mejores temas, con guitarras sorprendentes que envuelven lo mejor de la banda. Es hasta el último track del disco, “It Takes Time To Be A Man”, en donde The Rapture se consolida ahora como una banda digna de considerarse como un headliner en cualquier festival y hacerle benevolencia. Aunque parezca malo, éste disco es de lo rescatable. Provoca mover los pies al ritmo de cada play que das a cada uno de sus 11 tracks, sin embargo no es el mejor del 2011. En mi opinión le hicieron falta toques más delicados, ponerle mayor proyección a las letras y que no quedarán en esa sencillez la mayoría de las canciones que conforman dicho material discográfico.

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EN LA LĂ?NEA DE GOLPEO Por: Fernando Velasco Carro 52

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espués de meses de negociaciones entre el Sindicato de Jugadores y los dueños de los equipos, se inició la temporada de la NFL. El conflicto laboral se resolvió justo en el mes clave para que pudiéramos tener temporada regular completa. Firmas de jugadores, recortes y una pretemporada al vapor, trajo como resultado en la primera semana, juegos emocionantes, jugadores lesionados y equipos que sorprendieron por la forma en que perdieron su primer partido, esto como resultado por la falta de los entrenamientos en los llamados “minicamps” que ayudan a que los jugadores novatos entiendan el sistema de juego del equipo que los reclutó.

ENCORE

ENCORE También hay jugadores que encuentran en los campos de entrenamiento una nueva oportunidad de buscar el acoplamiento que posiblemente no tuvieron en la temporada anterior. Jugadores veteranos que se preparan de forma física para llegar a la pretemporada y al inicio de Kick Off en la forma adecuada para soportar una larga y desgastante temporada. Lo anterior lo sufrieron varios equipos que la temporada pasada quedaron como campeones divisionales e iniciaron la temporada con dudas en sus aficionados, como el caso de los Acereros de Pittsburgh, los Colts sin Payton Manning, quién será una baja muy sensible para el equipo de Indianapolis; los Jefes de Kansas City, los Gigantes de Nueva York, los Halcones de Atlanta que pronto deberán mostrar su potencial para despejar esas dudas que sus aficionados sintieron después de la semana uno. Hay dos equipos a seguir ésta temporada: los Campeones Green Bay Packers, que demostraron en el juego inaugural contra los Saints de Nueva Orleans que vienen por el bicampeonato, que esta temporada vienen más fuertes ya que la temporada pasada sufrieron bajas sensibles de jugadores titulares y ahora que se encuentran completos se convierten en el equipo más fuerte para buscar el camino al Super Bowl. Otro equipo que demostró poderío fueron los Patriotas de Nueva Inglaterra, con su quarterback estrella: Tom Brady. Serán un equipo que seguramente caminará tranquilo en su división. Contrataron al amigo de los Mexicanos, el famoso Chad OchoCinco que a lado de Wes Welker -sano-, serán una amenaza en la ofensiva. Su defensiva es joven pero muy bien entrenada. Su coach Bill Belichick es un gran estratega y seguramente ajustará el esquema defensivo para no sufrir de más. El estatus de favoritos para los expertos son los Patriotas y los Empacadores de la bahía Verde para disputar el próximo Super Bowl. Esto apenas empieza y la magia de la NFL es que todos los equipos son competitivos, hay algunos muy bien armados que pueden dar pelea como el caso de los Ravens, los Jets de Nueva York, San Diego, los Texanos de Houston por la Conferencia Americana; por la Conferencia Nacional un equipo a seguir por las contrataciones que realizó son las Aguilas

de Filadelfia que, con Michael Vick en los controles, se espera que éste equipo gané la División Este y sea el equipo que le pueda dar pelea a los Empacadore. . Equipos con gran incógnita para ésta temporada son los Vaqueros de Dallas, con un Tony Romo inestable, una línea ofensiva muy joven y sin un perímetro fuerte. Se espera que el equipo de la estrella solitaria tenga una temporada calificada como regular. Buscarán entrar a playoffs pero hasta ahí. Otro equipo en reconstrucción de temporadas pasadas y que se espera que ésta temporada ya de frutos es el de los Leones de Detroit. Sus aficionados esperan que este equipo abandone la mediocridad y sea un equipo contendiente. Los Halcones de Atlanta deben de despertar y demostrar que lo hecho la temporada anterior no fue casualidad. Tendrán una temporada nada fácil porque tienen en su División a los Santos de Nueva Orleans, equipo que quiere volver por sus propios fueros. Por cierto, el equipo de Drew Brees será un equipo muy poderoso a la ofensiva, pero la defensa tendrá que trabajar mucho para lograr ganar la División Sur de la Conferencia Nacional y regresar a la gloria de jugar el partido grande. Amables aficionados, inició la temporada de la NFL 2011-12 y semana a semana estaremos viendo partidos de gran nivel. Volvió la magia, todo está listo para disfrutarlo.

Recuerdos de

ENCORE

GROOVE ARMADA Por: Juan Manuel López

uando hablamos de Groove Armada seguramente pensamos en fiesta, y efectivamente, es una fiesta su último álbum titulado Black Light. Estos ingleses de Cambridge, tuvieron su primer sencillo en 1997: “At the River”. Vale la pena mencionar que en ese año surgieron excelentes álbumes del genero electrónico. Armada logro inmediatamente su reconocimiento en la escena. Después vino “I See You Baby” a la cual se le realizaron excelentes remixes para prender las noches, uno de ellos a manos de Fat Boy Slim y para campañas publicitarias de reconocidas marcas. Andy Cato y Tom Findlay alcanzaron la fama, pero sobre todo lograron el éxito de mantenerse en las listas con excelentes trabajos, presentaciones y colaboraciones en distintos proyectos. También su música ha sido expuesta y utilizada para distintas películas e incluidas evidentemente en soundtracks como el de Lara Croft: Tomb Raider. Con su última producción, “Black Light”, que está compuesta por once tracks dentro de los cuales destacan History, Paper Romance y Time and Space, se reafirman dentro de las listas e indudablemente corroboran su excelente gusto para producir. En este su más reciente álbum pese a el uso de las más conocidas herramientas para crear música, tiene un toque personal que lo lanza a ser un disco digerible con canciones para la pista, pero también para pasar un excelente rato con un toque alternativo, vanguardista y puro. Para los que conocen sus producciones anteriores identificaran ese nuevo ritmo sin perder el sonido que los caracteriza, acompañamientos de voces y “samplers” dotados de energía. Sus géneros usuales como el dance, downtempo y trip hop.

ENCORE

iss Bala, un film dirigido por Gerardo Naranjo, fue dado a conocer a nivel nacional el pasado 5 de septiembre en el mítico Teatro de la Ciudad.

La historia se basa en la situación por la que atraviesa nuestro país con relación al crimen organizado. Dicho argumento se utiliza con el fin de despertar en toda aquella persona que vea la película, una visión realista sobre las consecuencias y miedos de las personas involucradas directamente en ese tipo de sucesos; de allí la narrativa desde el punto de vista de víctima.

La historia se basó en una fotografía donde una mujer concursante de belleza se encuentra rodeada del mundo de las drogas y dinero del narcotráfico. Trasmitida con un lenguaje atropellado en los pocos diálogos que contiene, una forma de mostrar el miedo que mantiene un habitante de ésta urbe ante los crímenes de violencia que se viven día a día.

Por: Mirna Torres @MirnaTF

MISS BALA

El guión se percibe coherente y bien realizado. En la fotografía se puede notar una producción muy bien lograda.

Después de la proyección del film, se llevó a cabo una alfombra roja, seguida de una fiesta, en la cual se contó con la presencia de José María Yazpik, Irene Azuela, Bárbara Mori, Diego Luna, Gael García, además de los protagonistas del largometraje.

Respecto al filme y comentarios sobre éste, se puede decir que ha sido bien recibido por los críticos y colegas del director. Miss Bala es un retrato de lo que pasa en México en estos días, sin llegar a lo grotesco, conservando esa estética que mantiene el buen film.

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UNA VISTA A :

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KANYE WEST Foto: Francisco Pérez “Frasko”@ fraskote

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JAMES BLAKE Foto: Francisco Pérez “Frasko” @fraskote

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STEVIE WONDER Foto: Francisco Pérez “Frasko” @fraskote

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BROKEN SOCIAL SCENE Foto: Francisco Pérez “Frasko” @fraskote

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MARIACHI EL BRONX Foto: Francisco Pérez “Frasko” @fraskote

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