TheBAG - Biennale Arte Guide 2022 - Venice -The Milk of Dreams by Venezia News

59. ESPOSIZIONE INTERNAZIONALE D’ARTE 2022GuideArteBiennale published by Venezia News

Piet Mondrian, Composition et rouge, bleu et blanc : II, 1937. Centre Pompidou, Mnam-CCI, Paris. Photo : © Centre Pompidou, MNAM-CCI / Dist. RMN-GP

4 PENUMBRAKARIMAH ASHADU JAMESHEJONATHASDEANDRADEAZIZHAZARAXIANGYUMASBEDORICHARDSEMILIJASKARNULYTEANAVAZ

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 5 20.04—27.11 2022 FONDAZIONEINBETWEENART DELL’OSPEDALETTOCOMPLESSOFILMVENEZIAPLEASEVISITINBETWEENARTFILM.COMFORTHEDETAILSOF“VANISHINGPOINTS,”THEPUBLICPROGRAMOFPENUMBRAOPENEVERYDAY10AM–6PMTUESDAYCLOSEDFREEENTRY

6 Ph credits: Martino Lombezzi · Alessandra Chemollo

7 Interactive Exhibition Procuratie Vecchie Piazza San Marco 105, Venice Wednesday to Monday Enterthehumansafetynet.org10am-7pmforthefirsttime in the heart of Piazza San Marco at the Procuratie Vecchie and experience the interactive exhibition to discover your strengths

8 In collaborazione con Museum Barberini, Potsdam A Venezia, la mostra è resa possibile dal generoso contributo di Manitou Fund, con un RosemaryspecialeringraziamentoaKevineMcNeely Con il sostegno di INSTITUTIONAL PATRONS I programmi collaterali sono resi possibli da Radio ufficiale Allegrini + Apice + Arper +Eurofood + Florim + HDG + IED + Itago + Mapei + René Caovilla + Rubelli + Swatch Dorsoduro 701, Venezia | guggenheim-venice.it

She is an artist who still has a charge and an extraordinary desire to say and create regardless of fashions or trends, carrying out a very unitary and serious work. p. 40

Since it was conceived by Riccardo Selvatico, the Biennale has always meant to be a meeting place. Our task is to keep the dialogue alive and open on the cultural level, always putting artists at the center of our work so that they can fully express their creativity. p. 15

Katharina Fritsch

Her ‘precarious’ sculpture finds in the fragile collage of simple objects the poetry, of which she is a great representative, being herself a poet. p. 42 213 artists from 58 countries, 180 of them are participating for the first time in the International Exhibition. 1433 works and objects on display, 80 new projects conceived specifically for the Biennale Arte. p. 65

Roberto Cicutto

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 11 59. Esposizione Internazionale d’Arte KEY PERSONS

The Milk of Dreams takes Leonora Carrington’s otherworldly creatures, along with other figures of transformation, as companions on an imaginary journey through the metamorphoses of bodies and definitions of the human. p. 21

History of the Night and Destiny of Comets tells the story of the work itself, a large environmental installation winding through a real path within the Pavilion that essentially deals with two specific moments: on the one hand the present in relation to our way to face the past; on the other hand how we are trying to move towards the future. p. 46

Cecilia Alemani

Cecilia Vicuña

The Milk of Dreams Gian Maria Tosatti Eugenio Viola

12 CHIESA DI SANTA MARIA DEI DERELITTI SALA DELLA MUSICA / SCALA DEL SARDI / FARMACIA PENUMBRA Karimah Ashadu, Jonathas de Andrade, Aziz Hazara, He Xiangyu, Masbedo, James Richards, Emilija Škarnulytė, Ana Vaz curated by Alessandro Rabottini and Leonardo Bigazzi a project by Fondazione In Between Art Film ATRIO MODERNO ALLUVIUM Ramin Haerizadeh, Rokni Haerizadeh, Hesam Rahmanian curated by Samuele Piazza a project by OGR Torino curated by in collaboration with 20 April 27 CastellodeBarbariaeSs.Campo2022NovemberGiovanniPaolo/leTole6691

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 13

Il latte dei sogni prende il titolo da un libro di favole di Leonora Carrington (1917-2011), in cui l’artista Surrealista descrive un mondo magico nel quale la vita viene costantemente reinven tata attraverso il prisma dell’immaginazione e nel quale è concesso cambiare, trasformarsi, diventare altri da sé. È un universo libero e pieno di infinite possibilità, ma è anche l’allego ria di un secolo che impone una pressione intollerabile sull’identità, forzando Carrington a vivere come un’esiliata, rinchiusa in ospedali psichiatrici, perenne oggetto di fascinazione e desiderio ma anche figura di rara forza e mistero, sempre in fuga dalle costrizioni di un’iden tità fissa e coerente. A chi le chiedesse quando fosse nata, Carrington rispondeva che era stata generata dall’incontro tra sua madre e una macchina, in una bizzarra comunione di umano, animale e meccanico che contraddistingue molte delle sue opere.

Il latte dei sogni ]

The Milk of Dreams takes its title from a book by Leonora Carrington (1917-2011), in which the Surrealist artist describes a magical world where life is constantly re-envi sioned through the prism of the imagination. It is a world where everyone can change, be transformed, become something or someone else. The Exhibition takes Leonora Car rington’s otherworldly creatures, along with other figures of transformation, as compan ions on an imaginary journey through the metamorphoses of bodies and definitions of the human. When asked when she was born, Carrington would reply that she was generated by the encounter between her mother and a machine, in a bizarre communion of human, animal and mechanical that is a distinctive sign in many of her works.

59. Esposizione Internazionale d’Arte KEYWORD [

La articontemporaneadevecontemporaneità,diespressioneBiennale,moltepliciesserepiùdellecherappresenta

Una Biennale che immagina nuove armonie, convivenze finora impensabili e soluzioni sorprendenti, proprio perché prendono le distanze dall’antropocentrismo. Un viaggio alla fine del quale non ci sono sconfitti, ma si configurano nuove alleanze generate dal dialogo fra esseri diversi, alcuni forse prodotti anche da macchine, con tutti gli elementi naturali che il nostro Pianeta (e anche altri?) ci presenta. Immergiamoci nel “re-incantesimo del mondo” evocato da Cecilia Alemani. Roberto Cicutto

Presidente La Biennale di Venezia CICUTTO

ROBERTO

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 15

A journey at the end of which there are no losers, but where new alliances are brought forth, generated by a dialogue among different beings, with all the natural elements that our planet (and perhaps others as well) presents to us.

This Biennale imagines new harmonies, hitherto unthinkable cohabitations and surprising solutions, precisely because they distance themselves from anthropocentrism.

Let’s immerse ourselves in the “reenchantment of the world” that Cecilia Alemani evokes. Roberto Cicutto

President of La Biennale di Venezia ROBERTO CICUTTO

59. A MAJESTIC SETTINGFOR CONTEMPORARY CUISINE The inspired and elegant design of the iconic Riva Yacht, blended with our privileged Grand Canal views, make our Riva Lounge the most stylish gathering place in Venice. Discover a reﬁned selection of seasonal signature cocktails, refreshing aperitifs, and premium bubbles, or indulge in Venice’s best Martini prepared table-side from our bespoke Martini cocktail trolley. FOR INFORMATION PLEASE CALL +39 041 794611 OR VISIT THEGRITTIPALACE.COM THE LUXURY COLLECTION HOTELS & RESORTS

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 21 I came stories,bookCarrington’sLeonoraacrosslittleofchildren’sanditwas a real revelation to me. Suddenly it was like I was able to see all my interests, it was like a deep physical intellectual Carrington’ssight. The Milk of Dreams contained in itself everything I was working on: the magic, metamorphosis,the the idea of the clash between man and machine... Feels Cecilialike DREAMSOFMILKTHE Curatrice 59. Esposizione Internazionale d’Arte CECILIA ALEMANI Particolari tratti da Leonora Carrington, The Pleasures of Dagobert, 1945 Private Collection © Leonora Carrington, by SIAE 2022 Courtesy Peggy Guggenheim Collection, Surrealismo e magia. La modernità incantata

Intervista di Marisa Santin e Mariachiara Marzari

ALEMANICECILIAAINTERVISTA

Cecilia Alemani

22 , laurea in Filosofia presso l’Università degli Studi di Milano e Master in studi curatoriali per l’arte contemporanea presso il Bard College di Annan dale-on-Hudson di New York, inizia come curatrice indipen dente collaborando da subito con Tate Modern di Londra e MoMA PS1 di New York. Dal 2009 al 2010 ha diretto lo spa zio sperimentale X Initiative a New York, dove ha organizza to mostre di Keren Cytter, Hans Haacke, Derek Jarman, Tris Vonna-Michell. È New York la città che l’ha vista crescere professionalmente e le ha permesso di sperimentare pro getti inediti e di immediato successo come High Line Art, il programma di arte pubblica presentato dal celebre parco urbano sopraelevato costruito su una ferrovia abbandonata, di cui dal 2011 è la direttrice e capo curatrice. Cecilia Ale mani ha commissionato e prodotto progetti ambiziosi con alcuni degli artisti più influenti del panorama internazionale, tra cui El Anatsui, John Baldessari, Phyllida Barlow, Carol Bove, Sheila Hicks, Rashid Johnson, Barbara Kruger, Faith Ringgold, Ibrahim Mahama, Ed Ruscha, Nari Ward e Adrián Villar Rojas. Ha anche lanciato l’High Line Plinth, un nuo vo programma di opere monumentali inaugurato a giugno 2019. Collabora con diverse riviste tra cui Artforum.com, «Mousse Magazine», «D–La Repubblica». Alla Biennale di Venezia ritorna consapevole del successo ottenuto nel 2017 come curatrice del Padiglione Italia alla 57. Esposizione Internazionale d’Arte, dove ha presentato Il mondo magico e gli artisti Giorgio Andreotta Calò, Adelita Husni-Bey e Roberto Cuoghi, e nel 2020, coordinando i direttori dei settori architettura, danza, teatro, musica e cine ma nella realizzazione della mostra corale sulla storia della Biennale Le muse inquiete Curatrice 59. Esposizione Internazionale d’Arte CECILIA ALEMANI

Portrait

Dupin, 1947 Gertrud V. Parker Collection, Courtesy Gallery Wendi Norris, San Francisco © Estate of Leonora

Negli ultimi anni ci sono state delle importantissime mostre internazionali che hanno avuto il merito di generare una letteratura approfondita attorno ad artiste surrealiste quali, appunto, Leonora Carrington, ma anche Re medios Varo, Leonor Fini e molte altre ancora. Mi sono lasciata traspor tare dalla piacevole riscoperta di queste figure, brave quanto i colleghi uomini ma per varie ragioni non altrettanto riconosciute e apprezzate. Se da tempo già conoscevo la Carrington artista, ho avuto modo qui, duran te la preparazione della Biennale, di appassionarmi anche alla Carrington scrittrice. Ho letto tutti i suoi romanzi e i suoi bellissimi racconti. Uno dei miei preferiti è Il cornetto acustico, con protagoniste due vecchiette che si ribellano all’istituzione dell’ospizio e iniziano a praticare riti magici di stregoneria. È il ritratto di una vecchiaia ribelle e felice come solitamente non si legge nei libri e non si vede nei film, dove invece questa fase cre puscolare dell’esistenza è rappresentata come un mero fine-vita, o come una malattia. Poi mi sono imbattuta nel suo libricino di storie per bambini ed è stato come se tutto ad un tratto acquisisse un senso compiuto, come se mi si fosse improvvisamente spalancata davanti agli occhi una visione fisica ed intellettuale profonda, una rappresentazione visiva di tutti i miei interessi.

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 23

Una mostra concepita in un tempo radicalmente insolito. Lei ha lavorato alla costruzione de Il latte dei sogni fra le pareti della sua casa a New York e riferendosi a quel periodo ha usato l’espressione molto evocativa “intimità da fine del mondo”. Cosa le ha tolto e cosa invece le ha dato in più questa condizione straordinaria nel suo rapporto con gli artisti invitati? È stato davvero molto complicato. Innanzitutto c’è da dire che non ho mai curato una mostra così grande prima d’ora. A questo aspetto si sono aggiunte – ad appena quattro settimane dalla mia nomina – le condizioni assolutamente uniche e straordinarie che tutti co nosciamo bene e che hanno indotto La Biennale a posticipare di un anno la Mostra. Da un punto di vista curatoriale, della ricerca, dello scavo, non posso certo dire che sia stato questo un fattore negativo, anzi. Rispetto ai miei predecessori ho avuto più tempo per studiare, per imparare, per co noscere meglio gli artisti, anche se spesso solo virtualmente. Al contempo, però, ho piena e sofferta consapevolezza di aver mancato uno degli aspetti secondo me più belli ed entusiasmanti di tutto questo processo lavorativo, ovvero viaggiare e incontrare gli artisti, magari anche in Paesi che cono scevo e conosco poco. Purtroppo non l’ho potuto fare. Da questo punto di vista il percorso di costruzione di questa enorme mostra è stato dunque piuttosto complesso e limitante. Sono riuscita comunque a mettere insie me un team di persone che mi ha aiutato a condurre ricerche in zone dove sapevo non sarei potuta arrivare e, anche se non è certo stata la stessa cosa, alla fine ce l’ho fatta. A pochi giorni dall’apertura mi rimane una strana sensazione legata al fatto che non ho potuto vedere tutti i lavori di persona. Alcune delle opere che saranno esposte le ho viste solo in video o in foto e, quindi, posso solo sperare che non ci saranno sorprese! E se dovessero esserci, bene: anche queste faranno parte de Il latte dei sogni Il titolo della mostra, Il latte dei sogni per l’appunto, è tratto da un piccolo libro apparentemente semplice di favole illustrate, da cui però si apre un mondo infinito di suggestioni evocate dall’autrice, l’artista surrealista Leonora Carrington. Qual è il significato pro fondo di questa scelta? Perché proprio la Carrington? Il Surrealismo mi ha affascinato fin dai tempi dell’università, anche se in quell’ambiente decisamente accademico capita di conoscere e studiare principalmente la parte ‘maschile’ di questo straordinario movimento.

- Artists Rights Society (ARS), New York

Leonora Carrington, of Madame Carrington

SOGNIDEILATTEIL

Non l’ho programmata o decisa a tavolino; tutto è nato in modo spontaneo. Ho iniziato a realizzare che esiste un legame con Il mondo magico solo a partire dalla conferenza stampa di presentazione de Il latte dei sogni, ovvero dal momento in cui ho cominciato effettivamente a parlarne. Sono due riflessioni che partono da premesse completamente diverse: il Padiglione Italia aveva un taglio più antropologico, con la presentazione di alcuni rituali specifici italiani illustrati da Ernesto de Martino, mentre in questo caso l’asse curatoriale della mostra si fonda su una concezione più ampia, più articolata e sfaccettata di ciamo. Ma in un certo senso, sì, i due progetti hanno la stessa anima. In entrambi i casi non si tratta di rifugiarsi nell’inconscio o nell’onirico per fuggire dalla realtà, quanto piuttosto di trovare delle metodologie per vivere e per guardare il mondo con un occhio che non sia necessariamente quello occidentale o quello dell’uomo razionale. L’apertura a pratiche sovversive, magiche, indigene – o comunque lontane dal nostro odierno comune sentire – non conduce all’irrazionale, ma al raggiun gimento di un punto di vista che ci permette di leggere e interpretare diversamente ciò che ci circonda. In questo senso sì, il discorso iniziato allora prosegue oggi qui. Il contemporaneo è spesso visto come un’“astronave avulsa” da ciò che l’ha preceduta, come se fosse un’entità fuori dal tempo. In questa mostra lei intende for nire delle chiavi di lettura del fare arte oggi attraverso delle tracce storiche che contribuiscano a rendere più agevole la lettura, la comprensione di quanto realizzato ed esposto dagli artisti selezionati. Ci parli di queste attesissime, intriganti cinque capsule temporali, sorta di stazioni del tempo disseminate nel lungo percorso della mostra. Come mai questa scelta? Ciò che mi premeva era non soltanto guardare alla Biennale e a questa esposizione come a una fotografia degli ultimi due anni di produzione artistica – che comunque la Mostra restituisce grazie alla presenza di tantissimi artisti giovani e di tendenza –, ma anche e più estesamente come a una sorta di “zoom out” che permettesse alla mia mostra e a quelle che l’hanno prece duta di essere parte di un’unica grande storia. Non è sufficiente affermare che la Biennale Arte è l’esposizione d’arte più antica del mondo: è fondamentale essere conse guenti, dare un senso concreto, tangibile a questo assunto creando delle connessioni plausibili tra ciò che si propone oggi e quanto è stato proposto nelle edizioni passate. Molto spesso cito la Biennale Arte del 1948 perché in un certo senso è la “Biennale della rinascita”, arrivata dopo i quattro anni di inter ruzione a causa della Seconda Guerra Mondiale. Un contesto storico certamente diverso rispetto al nostro, sicuramente più tragico, eppure con delle oggettive similitudini, perché anche il tempo che abbiamo vissuto e che stiamo in parte ancora vivendo è espressione di una frattura secca nel flusso ordinario dell’esistenza individuale e collettiva, sociale, il che fa sì che oggi come allora si viva un momento in cui vi è un’urgenza potente ad aprirsi al nuovo e allo stesso tempo una disposi zione naturale a volgersi indietro e a ripensare ai linguaggi che sono stati ignorati, cancellati o censurati negli anni appena trascorsi. Mi interessava quindi inserire l’elemento storico nella conversazione perché in questo periodo si può avvertire nell’aria un fermento culturale proveniente da diverse istituzioni che si stanno interrogando e chiedendo se le proprie collezioni e mostre rappresentino davvero la nostra essenza, o se sia invece necessario riesaminare le circostanze attraverso le quali le opere sono arrivate. È in atto un processo di riscrittura e di reinterrogazione della storia importantissimo che è ciò che rende viva oggi ogni istituzione culturale. Non dobbiamo guar dare alla storia della Biennale come a un monolite, ma prestare attenzione alle omissioni e a ciò che è stato in parte censurato, non necessariamente in maniera conscia. Un approccio che informa un processo che si sta sviluppando e seguendo un po’ in tutto il mondo.

Entriamo quindi in queste capsule storiche, a partire dalle visioni surrealiste e dal dominio del meraviglioso che troviamo nella prima di esse, La culla della strega. Quale il significato di questo recupero simbolico? Quali le linee o i solchi tracciati da queste artiste ancora attuali? Come dicevo il Surrealismo è un interesse che porto avanti da molto tempo. La mia tesi di laurea era incentrata proprio su quegli anni, attorno al ‘29, anche se l’argomento riguardava il filosofo francese Georges Bataille e la sua rivista «Documents», che in realtà era alquanto critica nei confronti del movimento. Oggi mi sembra che ci sia un bel po’ di Surrealismo nell’aria e lo testimoniano le tantissime mostre dedicate al movimento in diversi musei del mondo, dalla TATE al MET. Possiamo dire che qualcosa si sta muovendo ed è un qualcosa di estremamente reale. Basti pensare al clima in cui anche il secondo Surrea lismo è sbocciato, all’inizio della Seconda Guerra Mondiale, un momento di svolta radicalmente reazionario della società europea, un clima che purtroppo abbiamo potuto respirare, pur in proporzioni decisamente più contenute, anche noi negli ultimi anni. Con lo scoppio della tragica e inattesa guerra in Ucraina questa evidenza, questa consonanza si è fatta ancora più drammaticamente tangibile. Può essere uno statement un po’ azzardato, ma forse gli artisti stanno tornando a utilizzare Curatrice 59. Esposizione Internazionale d’Arte CECILIA ALEMANI

Il latte dei sogni conteneva in sé tutto ciò su cui stavo lavo rando: il meraviglioso, la metamorfosi, l’idea dello scontro tra umano e macchina… A quel punto non ho potuto davvero far altro che ‘rubacchiarne’ il titolo e usarlo. Non sono dunque partita né da Leonora Carrington né dal suo libro. Ad un certo punto, a processo avviato, ho semplicemente capito che quello era il titolo giusto.

Se Il latte dei sogni pare essere una sorta di catarsi fi nale, il punto di partenza di questo progetto curatoriale può coincidere in qualche modo con il percorso avviato con Il mondo magico, titolo del Padiglione Italia 2017 da lei curato? Esiste un filo che lega i due progetti? Sono sempre stata molto affascinata da tutto ciò che è legato alla sfera dell’onirico, del magico, dell’inconscio. Tuttavia se esi ste una linea evolutiva tra il progetto del 2017 e quello attuale essa può essersi sviluppata esclusivamente a livello inconscio.

ALEMANICECILIAAINTERVISTA

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 25 SOGNIDEILATTEIL palazzograssi.it Dumas,Marlene ChimeraandTime AntwerpGallery,ZenoandartisttheCourtesycm.300canvas,onOil2020.x100X Palazzo Grassi Venezia 27.03.22 – 08.01.23 Marlene Dumas open-end

Campo S. Salvador 4828, Venezia

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 27 metodologie simili a quelle dei surrealisti proprio perché ci tro viamo in una situazione analoga. Forse la loro non è nemmeno un’appropriazione conscia, ma il ritorno all’introspezione è sicuramente inevitabile in un periodo di grande crisi. Alla fine di due anni di pandemia, durante i quali siamo rimasti bloccati in casa, la cosa più naturale che un artista possa fare è cercare di processare i drammi del mondo attraverso una visione del presente più personale, onirica, surreale. Un percorso nell’arte del Novecento di cui forse non abbiamo in pieno colto la portata nelle sue composite articolazioni, vedi la lezione fondamentale dei movimenti degli anni ’60, che lei propone nella seconda capsula temporale dal titolo Tecnologie dell’incanto. La tecnolo gia e la percezione, il rapporto attivo fra opera e spettatore, temi che proprio ora stiamo indagando nelle nuove frontiere del digitale. In che cosa consiste l’incanto della tecnologia nel tempo di ieri e in quello di oggi? Quando mi riferisco alla tecnologia ne parlo in un’ottica la più vasta possibile; non mi interessano in particolare, che so, la VR o qualsivoglia altra nuova espressione della ricerca digitale. Ciò che mi coinvolge, che stimola la mia curiosità, la mia immagi nazione è invece riflettere sulla fascinazione che l’innovazione tecnologica ha esercitato nel tempo sugli artisti. I mezzi attuali sono ben diversi da quelli degli anni ’60; medesima però è la propulsione che deriva dalle nuove scoperte e che anima gli artisti e le loro menti. Pensiamo all’arte cinetica, all’arte pro grammata, all’introduzione di nuove tecnologie come i compu ter, ma anche all’avvento di nuovi materiali, come il plexiglass o il neon… Tutto questo converge in opere che per noi oggi risultano molto semplici, ma che a quel tempo apparivano incredibilmente contemporanee e futuristiche, perché erano creazioni che usavano la fascinazione delle nuove tecnologie in modo sorprendente. Ho voluto quindi dare spazio a un gruppo di artiste italiane che in quegli anni già riflettevano su un’idea di interfaccia, di membrana, di schermo, di epidermide, concetti che ispirano molti artisti contemporanei. Sono tematiche che si impongono oggi con forza e ho voluto ricondurle a un linguag gio che naturalmente esiste da decenni ma che, soprattutto pensando a queste sei artiste presenti nella capsula – Grazia Varisco, Laura Grisi, Nanda Vigo, Marina Apollonio, Lucia Di Luciano, Dada Maino –, era stato sino ad ora trattato solo marginalmente.

Curatrice 59. Esposizione Internazionale d’Arte CECILIA ALEMANI

Proprio alla luce dei nuovi mezzi digitali che hanno occupato centralmente il nostro tempo come sta cambian do la fruizione dell’arte? Lavoro da dieci anni alla High Line di New York e questo signi fica pensare soprattutto a come comunicare con gli otto milioni di persone che passano di lì non necessariamente perché vogliono visitare un museo, perché sono alla ricerca di arte. Ed è proprio qui che scatta il ruolo del curatore: rendere le opere d’arte comprensibili e fruibili in un contesto in cui chiunque possa avere un suo punto di accesso. Un’opera d’arte funziona quando si apre a tanti punti di vista e a differenti interpretazioni, capaci di ‘solleticare’ l’intelletto e stimolare reazioni forti, anche, perché no, di disgusto. Ciò che conta è che questi lavori ab biano una loro valenza emotiva importante. Questo è il lavoro dell’artista, certo; ma è anche il lavoro del curatore. Il nostro obiettivo è creare dei percorsi che possano essere stimolanti per tutti. La storia della Biennale, già indagata dalla mostra Le muse inquiete, sembra rivestire un ruolo assai rilevante nell’economia complessiva del suo percorso espositivo. Eloquente a riguardo il riferimento alla poesia visiva e concreta della mostra Materializzazione del linguaggio allestita per la Biennale Arte 1978, che ritroviamo ora nella capsula dedicata al Corpo orbita. Come questo lavoro di scavo nei giacimenti dell’ASAC diventa motore per rileggere e riscrivere parti dell’arte del Novecento e quali di queste tracce si ritrovano vive nel nostro presente?

È stato per me un fantastico lusso avere a disposizione un anno di tempo per studiare ed è stato bellissimo scavare nell’Archivio Storico della Biennale (ASAC), anche senza poterci andare fisicamente, purtroppo. Sicuramente il lavoro di ricerca svolto per Le muse inquiete ha influenzato la mia decisione di includere delle opere storiche nella ‘mia’ Biennale, lavori non necessariamente provenienti dall’ASAC, ma in grado tutti comunque di suscitare una riflessione sui diversi cicli della storia della Biennale e su come l’Istituzione in sé abbia reagito Ciò che mi premeva era non soltanto guardare alla Biennale e a questa esposizione come a una fotografia degli ultimi due anni di produzione artistica – che comunque la Mostra restituisce grazie alla presenza di tantissimi artisti giovani e di tendenza –, ma anche come a una sorta di ‘zoom out’ che permettesse alla mia mostra e a quelle che l’hanno preceduta di essere parte di un’unica grande storia

Le cinque capsule presentano quindi temi decisamente forti, che coinvolgono la sfera esistenziale di tutti noi. Ma quando usciremo dalla Biennale saremo più ottimi sti o pessimisti? Un po’ con entrambi gli umori. Non voglio dire che saremo soltanto ottimisti, perché ci saranno dei lavori anche oscuri e perturbanti, però la grande forza dell’arte e degli artisti è quella di digerire la crisi drammatica di questi ultimi anni e di ripro porcela in chiave creativa, in una declinazione più ottimista o più pessimista a seconda delle personali visioni di ciascuno. È un processo di rivisitazione che si traduce in un esercizio importantissimo, anche se poi sta allo spettatore trarne le conclusioni che vuole. Il nostro lavoro è creare le condizioni per poter parlare di questioni urgenti; il fatto che si possa iniziare a confrontarsi, o almeno ad avere una consapevolezza diversa, penso sia davvero fondamentale. È il ruolo della stampa e della letteratura, ma anche quello delle mostre: assorbire i fermenti e le preoccupazioni di ogni epoca e tradurli in modo visivo per il pubblico.

Mi hanno inoltre sempre appassionato molto la Poesia Visiva e la Poesia Concreta, forme d’arte che attraver sano gli ultimi due secoli della nostra storia ma che oggi hanno assunto un valore nuovo. Ho cercato di trasmettere quel tipo di espressione artistica e il dialogo che è capace di instaurare con il contemporaneo attraverso la terza capsula, che racco glie artisti, artiste e scrittrici che a partire dall’‘800 utilizzano forme espanse di linguaggio come strumenti di emancipazione e che con i loro racconti di vita hanno immaginato nuove possi bilità dell’essere.

Nel suo libro The Posthuman (2013) la filosofa Rosi Braidotti dice: «La condizione postumana ci spinge a pensare in modo critico e creativo su chi e cosa stiamo effettivamente diventando». Una delle suggestioni più forti e, potremmo dire, ‘scandalose’ del suo programma, che ritroviamo nell’ultima capsula dal titolo La seduzione di un cyborg, riguarda proprio la fine della centralità dell’essere umano, il suo farsi macchina, terra. Perché questo tema è così urgente?

Cecilia Vicuña e Katharina Fritsch. Cosa rappresentano per lei queste due figure che ha scelto di celebrare con il Leone d’Oro alla carriera? Katharina Fritsch è un’artista incredibile, alla pari di Jeff Koons e Charles Ray, anche se purtroppo non è riconosciuta allo stesso modo, nonostante abbia impresso nella scultura alcune innovazioni di linguaggio se non prima, sicuramente negli stessi anni dei suoi colleghi uomini. È un’artista che ha ancora una carica e una straordinaria voglia di dire e creare senza badare a mode o tendenze, portando avanti un lavoro molto unitario e serio. Cecilia Vicuña lavora con un tipo di scultura che trova nella fragilità dell’assemblaggio di oggetti semplici la poesia di cui è una grandissima esponente, essendo lei stessa poe Curatrice 59. Esposizione Internazionale d’Arte CECILIA

In una mostra che sradica i confini di genere, con una preponderante partecipazione di artiste, in che modo il dato ‘femminile’ ha guidato il suo progetto curatoriale?

28 ai grandi ‘cataclismi’ della storia: guerre, rivoluzioni sociali, inondazioni.

Il pensiero di Donna Haraway, filosofa statunitense, te orica di una branca del pensiero femminista che studia il rapporto tra scienza e identità di genere, accompagna la linea della capsula dedicata a opere che raffigurano dei recipienti, i “vessel”, presumibilmente un riferimento all’oggetto-contenitore in quanto archetipo femminile.

Non penso necessariamente che sia la capsula più femminile o femminista, anzi. È di sicuro la capsula meno storica, nel senso che se le altre in un certo modo sono connesse a un particola re movimento artistico, sia esso il Futurismo, il Surrealismo o il Bauhaus, questa invece è più metaforica. La definirei un’icono logia delle forme-recipiente e dei loro legami simbolici, spirituali e metaforici con la natura, includendo in maniera trasversale opere che vanno dal 1600 in poi. L’idea della capsula dei recipienti ha avuto origine da The Carrier Bag Theory of Fiction, un libretto della visionaria scrittrice di fantascienza Ursula K. Le Guin che ho letto quasi per caso, attirata proprio dalla prefa zione di Donna Haraway. Il testo di Le Guin offre una rilettura molto affascinante dell’origine della tecnologia e, allo stesso tempo, dell’origine della narrazione, della finzione. La prima invenzione tecnologica, dice Le Guin, è da ricercare non più nelle armi utilizzate dall’uomo cacciatore, quanto piuttosto nei contenitori con cui le donne raccoglievano granaglie e semi, tenendoli tra le mani, nella sacca, in un guscio. Il contenitore, quindi, come primo esempio di invenzione tecnologica. Par tendo da questo primo assunto, Le Guin allarga la sua analisi alle grandi narrazioni, come ad esempio quella prometeica o mitologica, che andrebbero riviste proprio perché assomiglia no a grandi borse in cui lettere, frasi e racconti si intersecano simbioticamente.

ALEMANI ALEMANICECILIAAINTERVISTA

L’interesse per il postumano è nato dalle mie letture, ma è evi dente che si tratta di un tema che sta calamitando ampiamente anche l’attenzione degli artisti. Si tratta di tematiche che stanno diventando con insistenza molto attuali. Tutta l’impostazione culturale che abbiamo dato alla nostra società, con l’uomo al centro e al vertice della piramide e tutto il resto sotto di lui, è da riconsiderare alla luce degli ultimi due anni di pandemia, durante i quali la fragilità e la mortalità dei nostri corpi è stata esibita molto chiaramente. È doveroso ricercare un rapporto diverso con le altre persone ma anche con le altre specie e con il mondo che ci circonda, come fossimo arrivati a un punto di non ritorno. E non lo dice solo Rosi Braidotti. Sono ormai molti, infatti, gli intellettuali che sostengono che sia arrivato il momento non soltanto di immaginare, ma anche di attualizzare un rapporto diverso che ci leghi alla natura e alle altre specie. Sta diventando indispensabile fare un passo indietro, renderci conto che non siamo decisamente più al centro del mondo e impostare la nostra esistenza sulla condivisione, sulla simbio si, slegandoci dalle manifestazioni più palesi e preminenti del capitalismo votate a sfruttare senza remora alcuna le risorse del pianeta e della natura. Dobbiamo immaginare un mondo più orizzontale, regolato da rapporti paritari e di coesistenza tra le specie.

- Courtesy La Biennale di Venezia

Le contingenze storiche hanno rimesso spesso al cen tro della discussione l’opportunità di una suddivisione in padiglioni nazionali di una grande mostra internazionale quale è la Biennale. Una struttura che d’altra parte è il nucleo fondante, un po’ la spina dorsale di questa fondamentale esposizione del contemporaneo. Come si trova dentro questa ‘architettura’? Non trovo affatto obsoleta la struttura dei padiglioni nazionali. Abbiamo spesso visto molti Paesi utilizzare il proprio padiglione per parlare di tematiche stringenti e universali. Certo, è una struttura che nasce da una visione delle relazioni internazionali novecentesca; una visione forse obsoleta oggi, certo, ma solo fino a che non assistiamo a un’invasione di un paese da parte di un altro… A quel punto i padiglioni nazionali escono dalla carta, dall’ambito del simbolico e diventano estremamente reali e attuali. Il latte dei sogni è un mondo popolato di storie fantasti che, esseri ibridi e mutanti, un mondo in cui chiunque può trasformarsi. In cosa vorrebbe trasformarsi Cecilia Alemani? Qual è il suo Latte dei sogni ? In cosa vorrei trasformarmi? In questo momento mi verrebbe da dire in una nuvola, per volare su, lontana e leggera in mezzo al silenzio. Mi vedo come un cadavre exquis surrealista, fatto di tanti pezzettini disconnessi che cercano di parlarsi tra di loro ma senza troppo successo. Non saprei dire di preciso qual è il mio Latte dei sogni ; penso sia l’arte ovviamente, il poter ‘sguazzare’ nelle creazioni degli artisti.

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 29 tessa e avendo svolto per decenni il lavoro di editor di poesie sudamericane che sarebbero altrimenti andate perdute. Sono due visioni molto diverse e per certi versi opposte: da un lato la scultura di Fritsch ‘super-prodotta’ anche in modi innovativi, industriali e complessi; dall’altro la scultura ‘precaria’ di Vicuña, che nasce dall’incontro/scontro di piccoli oggetti nella natura, nello spazio pubblico.

SOGNIDEILATTEIL ENG

L’ombra nera e angosciante della guerra sta investendo anche la cultura e l’arte. Il Padiglione russo rimarrà chiuso, ci sarà invece la partecipazione ucraina all’Ar senale. Sono presenti inoltre artisti russi e ucraini nella mostra principale. Si è molto parlato in queste settimane, con toni spesso opposti e conflittuali, circa l’oppor tunità o meno in questo momento così drammatico di coinvolgere istituzioni e artisti provenienti dal territorio, dalla nazione che questa guerra ha scatenato, ossia la Russia. Come si pone di fronte a questo clima assai scivoloso che certamente ci pone tutti di fronte al tema della limitazione della libertà di espressione, libertà di cui l’arte si è sempre nutrita più di qualsiasi altra forma comunicativa? La guerra ci ha messo di fronte ad una situazione drammatica e parlare di arte oggi sembra quasi superficiale e inutile. Sono convinta che gli artisti e le istituzioni artistiche debbano avere la forza di prendere una posizione anche politica, ma credo fer mamente nell’arte come luogo di massima libertà di espressio ne. Forse ci può essere per alcuni una specie di soddisfazione immediata nel censurare l’arte russa in questo momento, come è successo in vari ambiti in questi giorni soprattutto sui canali social, ma si tratta di una soddisfazione effimera; la ‘felicità’ di un secondo di cui poi non resta nulla e che non lascia spazio alla riflessione critica. Più utile e interessante è invece creare spazi di discussione per meglio comprendere la condizione degli artisti coinvolti, la loro posizione, che in questo momento è decisamente difficile. Il caso del Padiglione Russo è un po’ diverso e va ben oltre l’arte, in quanto i Padiglioni e gli artisti che espongono in questi spazi rappresentano istituzionalmente delle nazioni. In questo senso capisco bene, quindi, gli artisti e il curatore del Padiglione Russo che hanno deciso di ritirarsi. Sono riuscita a mettermi in contatto con l’artista russa presente invece nella mostra principale, Zhenya Machneva. Le manca va il visto e purtroppo stava avendo delle enormi difficoltà a lasciare il Paese. Con il Padiglione ucraino siamo in contatto giornaliero e, grazie al cielo, sia il curatore che l’artista, insieme all’opera, sono riusciti a lasciare il Paese. La Biennale li sta aiutando il più possibile. Il Padiglione ci sarà di sicuro e spe riamo di riuscire a fare anche altro, a supportarli in altri modi, perché per quanto possa sembrare futile pensare alla Biennale in un momento del genere, per loro potersi occupare di questo progetto significa ritrovare una quasi normalità in mezzo alla tristezza e alla disperazione. Per quanto possa essere simbo lico, è questo un vero valore per loro. Che il Padiglione ci sia e il poter dare il massimo supporto e la massima solidarietà agli artisti ucraini in questo momento è per noi una priorità.

Photo by Andrea Avezzù

30 Curator 59.International Art Exhibition CECILIA ALEMANI

ALEMANICECILIAWITHINTERVIEW

ENG graduated in Philosophy at the University of Milan and received her Master in Cura torial Studies for Contemporary Art from Bard College, Annandale-on-Hudson, New York. She began her career as an independent curator working with Tate Modern in London and MoMA PS1 in New York. From 2009 to 2010 she directed the experimental space X Initiative in New York, where she organized a lot of exhibitions including Keren Cytter, Hans Haacke, Derek Jarman, Tris VonnaMichell ones. New York is the city which has allowed her to grow professionally and to experiment with new and very successful projects such as High Line Art, the pub lic art program presented in the famous elevated urban park built on a disused railway, she has been director and chief curator of since 2011. Cecilia Alemani has commis sioned and produced ambitious projects with some of the most influential artists on the international scene, including El Anatsui, John Baldessari, Phyllida Barlow, Carol Bove, Sheila Hicks, Rashid Johnson, Barbara Kruger, Faith Ring gold, Ibrahim Mahama, Ed Ruscha, Nari Ward, and Adrián Villar Rojas. She has also launched the High Line Plinth, a new program of large-scale works inaugurated in June 2019. She collaborates with several magazines including Artforum.com, «Mousse Magazine», «D–La Repubblica». She is back at the Venice Biennale after obtaining two great successes in the previous editions: in 2017 as curator of the Italian Pavilion at the 57. International Art Exhibition, where she presented The Magical World and the artists Giorgio Andreotta Calò, Adelita Husni-Bey and Roberto Cuoghi; in 2020 as coordinator of the directors of archi tecture, dance, theater, music and cinema sectors for the exhibition on the Biennale history The disquieting muses.

Cecilia Alemani

An exhibition conceived in a fully unusual time. You worked on the construction of The Milk of Dreams in your house in New York and referring to that period you used the very evocative expression “an end-of-the-world intimacy”. What did your relationship with the invited artists take away from you and what did it give you? It was really very complicated. First of all, it must be said that I have never curated such a large exhibition before. Just four weeks after I was appointed we started to experience the unique and extraordinary conditions that we all know well and that led the Biennale to postpone the Exhibition by one year. From a curatorial and research point of view, I certainly cannot say that this was a negative aspect, all the contrary. Unlike my forerunners I had more time to study, to learn, to know artists better, even if often only virtually. At the same time, however, I am fully and painfully aware of having missed one of the most beautiful and exciting aspects of the whole work process, that is to travel and meet the artists, perhaps even in countries that I knew and know very little. Unfortunately I could not do it. From this point of view, the construction itinerary to this huge exhibition was therefore rather complex and limiting. However, I managed to put to gether a team of people who helped me conduct research in areas where I knew I couldn’t get to, and although it wasn’t the same thing, I finally made it. Just a few days from the opening I have the strange feeling related to the fact that I could not see all the works in first person. I have seen only some videos or photos of some of the works which will be exhibited and, therefore, I can only hope that there will be no surprise! And if there were to be, well: these will also be part of The Milk of Dreams

DREAMSOFMILKTHE

Photo by Andrea Avezzù - Courtesy La Biennale di Venezia

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 31

Let’s talk a bit about these five highly anticipated, fascinating time capsules, a sort of time stations scattered throughout the long journey of the exhibition. How do you explain this choice?

The contemporary is often seen as a “spaceship” detached from what preceded it, as if it were an entity out of time. In this exhibition you want to give people a key to read today’s art through historical traces which help to make it easier to read, understand what has been achieved and exhibited by the selected artists.

The title of the exhibition, The Milk of Dreams precisely, is taken from a small and apparently simple book of illustrated tales which opens on an infinite world of suggestions evoked by the author, the surrealist artist Leonora Carrington. What is the deep meaning of this choice? Why did you choose Carrington herself? Surrealism has fascinated me since my university days, although in that specific academic context you often have to study mainly the ‘male’ side of this extraordinary move ment. In the past few years some very important interna tional surrealist exhibitions played a major role in generat ing an in-depth study about some surrealist women artists such as Leonora Carrington, as well as Remedios Varo, Leonor Fini and many others. I let myself be carried away by the pleasant rediscovery of these artists who are as good as their male colleagues but who are not recognized and appreciated in the same way. I had known Carrington as an artist for some time but during my preparation of the Biennale I had the opportunity to get fond of Carrington as a writer. I read all her novels and her wonderful stories. One of my favorites is The Hearing Trumpet. The main characters are two old women who rebel against the idea of the nurs ing home and begin to practice magical rites of witchcraft. It is the portrait of a rebellious and happy old age we are not used to read in books or see in movies, where usually this last phase of our existence is represented as a mere end-of-life, or as an illness. Then I came across her little book of children’s stories, and it was a real revelation to me: suddenly it was like I was able to see all my interests, it was like a deep physical intellectual sight. The Milk of Dreams contained in itself everything I was working on: the magic, the metamorphosis, the idea of the clash between man and machine... At that point I couldn’t do anything else but ‘steal’ its title and use it. So, I didn’t start from Leonora Carrington or her book. It was like if at some point in the process of preparing the Biennale I simply realized that this was the right title for it. If The Milk of Dreams seems to be a sort of final catharsis, can we say that the starting point of this curatorial project is in some way very similar to the itinerary of The Magical World, the title of the Italian Pavilion 2017 that you curated? Is there a thread that links the two projects? I have always been very fascinated by everything related to the dream, to the magical and unconscious world. However, should there be any evolutive development between the 2017 project and the current one, it may have developed exclusively on an unconscious level. I haven’t planned it, everything started in a very natural way. I began to realize that there is a link with The Magic World only during the press conference for the presentation of The Milk of Dreams, from the moment I actually started talking about it. They are two reflections developing from two completely differ ent ideas: the Italian Pavilion had a more anthropological character presenting some specific Italian rituals illustrated by Ernesto de Martino, on the contrary the curatorial aspect of this exhibition is based on a wider and more articulated idea. Even if in a way, the two projects have the same spirit.

First of all, I wanted the Biennale and this one in particular to be not just a simple picture of the artistic works produced in the last two years but also a sort of “zoom out” allowing my exhibition and the previous ones to be part of a single great story. It is not enough to say that the Biennale is the oldest art exhibition in the world: it is essential to give a concrete, tangible meaning to such a statement by creating some possible links between what it proposes today and what it has proposed in past editions. Very often I mention the Biennale of 1948 because it was in some way the “Bien nale of rebirth” after four years of interruption due to World War II. A historical context which is certainly very different from ours, much more tragic. Yet we can find some com mon elements between that tragic past and our present. In fact, they are both an expression of a sharp rupture in the ordinary flow of our individual and social existence. Today as in that specific moment of our history we need urgently to experience something new and at the same time to go back to those languages which have been ignored, deleted or banned in the last few years. I was therefore interested in speaking also of the historical moment because in this period you can feel a cultural excitement from many institu tions which are wondering whether their own collections and exhibitions really represent our identity, or if we need to re-examine the circumstances the works have come from. An extremely important process of rewriting and requestioning history is underway. This is what makes every cultural institution alive today. We don’t have to look at the Biennale as a monolith, but we have to pay attention to omis sions and to what has been often unconsciously censured. This approach characterizes a process which is developing a bit everywhere all over the world

ALEMANICECILIAWITHINTERVIEW

In both cases it is not a question of seeking refuge in the unconscious or the dreamlike world to escape from reality, but rather of finding some methods to live and to look at the world in a different way than the Western or the rational one. To put into practice something subversive, magical, indigenous, or anyway something which goes beyond our present common feeling doesn’t lead to something irration al but to a different point of view which allow us to interpret in a different way everything surrounding us. This can be considered the common features between the two projects.

Curator 59.International Art Exhibition CECILIA ALEMANI

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 33

In the second time capsule entitled Technologies of Enchantment you propose an itinerary through the twentieth century art of which perhaps we have not grasped the full scope in all its facets, like for instance the essential lesson of the movements in the 1960’s. Technology and perception, the relationship between a work and its audience are all themes that we are now

DREAMSOFMILKTHE

Let’s enter now these historical capsules, starting from the first one The Cradle of the Witch and its surrealist visions. What is the meaning of this symbolic retrieval? What are the imprints left by these women artists who are still so actual? As I said before I have been pursuing an interest in Surreal ism for a long time. My graduation thesis was focused on the year 1929, even if its main subject was the French philoso pher Georges Bataille and his magazine “Documents” which was extremely critical of the Surrealist movement. Today Surrealism seems to be very actual again as shown by the great number of exhibitions on this movement in many mu seums around the world, such as TATE and MET. We can say that something extremely concrete is happening. Let’s think to the context in which also the second Surrealism was born, at the beginning of the World War II. European society was experiencing a highly reactionary turning point, something that unfortunately we have been experiencing again in the past few years, although not on such a large scale. The tragic and unexpected outbreak of the war in Ukraine has made all this even more dramatically tangible. It may sound like a risky statement but maybe artists are using again some methods typical of the Surrealist movement just because we are living in a similar context. Going back to introspection is something unavoidable in a period of crisis. At the end of two years of pandemic which obliged us to stay at home, the most natural thing an artist can do is to try to analyse the world tragedies through a more personal, dreamlike, and surreal vision of the present.

investigating in the new digital frontiers. What did enchantment of technology mean yesterday and what does it mean today? When I refer to technology, I talk about it as broadly as possi ble. I’m not particularly interested in VR or any expression of digital research in particular. What intrigues me, what stimu lates my curiosity and my imagination is the charming power that technological innovation has had over time on artists. The current means are very different from those of the 1960’s but the power of the new discoveries which inspires the artists and their minds is the same. Let’s look at kinetic art, programmed art and at the introduction of new technologies such as computers, but also at the use of new materials, such as plexiglass or neon... All this converges in works that today seem to be very simple, but at that time they were incredibly contemporary and futuristic, because they used in a surpris ing way the charming power of new technologies. I therefore wanted to give space to a group of Italian women artists who in those years were already reflecting on an idea of interface, membrane, screen, epidermis, concepts that inspire many contemporary artists. These are very strong current themes and I wanted to bring them back to a language that has ex isted for decades but that had been so far dealt with only mar ginally, especially as far as these six artists – Grazia Varisco, Laura Grisi, Nanda Vigo, Marina Apollonio, Lucia Di Luciano, Dada Maino – present in the capsule are concerned. How is the enjoyment of art changing with the occur rence of new digital media that have occupied us so much? I have been working for ten years at the High Line in New York and this means first of all to think how to communicate with the eight million people who pass by there not neces sarily because they want to visit a museum but because they are searching for art. And it is here that the curator takes his/ her role, i.e. to make art works understandable and enjoyable in a context where anyone can have their own access. An art

The great strength of art and artists is to digest the dramatic crisis of recent years and to propose it again in a creative key, which will be more optimistic or more pessimistic depending on the personal visions of each one. It is a process of revisiting that takes the form of a very important exercise, even if it is up to the visitor to draw his own conclusions. Our job is to create the conditions to be able to talk about urgent issues

In her book The Posthuman (2013) the philosopher Rosi Braidotti says: “The posthuman condition makes us think critically and creatively about who and what we are actually becoming”. One of the strongest sugges tions of your program, which we find in the last capsule entitled The Seduction of a Cyborg, concerns precisely the end of the centrality of the human being, his becoming a machine, a land. Why is this issue so urgent? My interest in the posthuman comes from my readings, but it is evident that this topic is also widely attracting artists. These are issues that are becoming more and more topical. The cul tural setting of our society, which puts the man at the center and at the top of the pyramid and everything else below him, is to be reconsidered in the light of the last two years of the pandemic which have exhibited very clearly the fragility and mortality of our bodies. We must seek a different relationship with other people but also with other species and with the world around us, as if we had reached a point of no return. And it’s not just Rosi Braidotti who says it. In fact, a lot of intel lectuals now argue that the time has come not only to imag ine, but also to actualize a different relationship linking us to nature and to other species. It is becoming essential to take a step back, to realize that we are no longer at the center of the world and to set our existence on sharing and on symbiosis, disconnecting ourselves from the most obvious and preeminent manifestations of capitalism devoted to exploiting the resources of the planet and nature without any hesitation. We must imagine a more horizontal world, governed by equal relations and coexistence between species.

The thought of the American philosopher Donna Haraway, a theorist of a branch of feminist thought that studies the relationship between science and gender identity, accompanies the line of the capsule dedicated to works that represent containers, the “ves sel”, presumably a reference to the object-container as a female archetype. In an exhibition that roots out gender barriers, with a preponderant participation of female artists, how has the ‘feminine’ aspect guided your curatorial project? I don’t necessarily think it’s the most feminine or feminist cap sule. It is certainly the least historical capsule, in the sense that if the others in a certain way are connected to a particu lar artistic movement, be it Futurism, Surrealism or Bauhaus, this one is more metaphorical. I would call it an iconology of vessel-forms and their symbolic, spiritual and metaphori cal links with nature, including in a transversal way works ranging from 1600 onwards. The idea for the vessel capsule has come from The Carrier Bag Theory of Fiction, a booklet by visionary science fiction writer Ursula K. Le Guin that I read almost by chance because I was lured by Donna Haraway’s preface. Le Guin’s text offers a very fascinating reinterpre tation of the origin of technology and, at the same time, of narration and fiction. The first technological invention, says Le Guin, is no longer to be found in the weapons used by the hunting men, but rather in the containers women used to hold in their hands or in a bag while collecting grains and seeds. Therefore, the container is here seen as the first example of technological invention. Starting from this first assumption, Le Guin expands his analysis to the great narratives, such as the Promethean or the mythological ones, which should be re viewed precisely because they resemble large bags in which letters, phrases and stories intersect symbiotically.

34 work reaches its function when it opens up to many points of views and different interpretations which are capable of ‘tickling’ the intellect and stimulating strong reactions, even one of disgust, why not. What matters is that these art works have their own important emotional value. This is the artist’s work, of course; but it is also the curator’s work. Our goal is to create stimulating paths for everyone.

The history of the Biennale, already investigated by The Disquieted Muses exhibition, seems to play a very important role in the overall economy of your exhibi tion itinerary. The reference to the visual and concrete poetry of the exhibition Materialization of Language set up for the Biennale Arte 1978, that is again found in the capsule dedicated to the Orbiting Body, is revealing in this regard. How does this digging work in the ASAC deposits lead to re-read and re-write parts of twentieth-century art and which of these traces are still present today? It was an extreme privilege for me to have a whole year to carry out my study and it was great experience to dig into the ASAC archives, even unfortunately it was not possible to go there physically. Surely the research work done for The Disquieted Muses influenced my decision to include historical works in ‘my’ Biennale, works which are not necessarily com ing from the ASAC, but which are all able to induce a reflec tion on the different cycles of the history of the Biennale and on how the Institution itself reacted to the great ‘cataclysms’ of history: wars, social revolutions, floods. I have always been very passionate about Visual Poetry and Concrete Poetry as well. These art forms which have spanned the last two cen turies of our history, have taken on a new value today. I tried to convey that kind of artistic expression and the dialogue that it is able to establish with the contemporary through the third capsule, which brings together artists, women artists and women writers who since the ‘800 have used expanded forms of language as a tool of emancipation and who have imagined new ways of being through their life stories.

Curator 59.International Art Exhibition CECILIA ALEMANI

The five capsules therefore present decidedly strong themes, which involve the existential sphere of all of us. But when we leave the Biennale will we be more optimistic or pessimistic? A bit both. I do not want to say that we will only be optimistic, because there will also be dark and disturbing works, but the great strength of art and artists is to digest the dramatic crisis of recent years and to propose it again in a creative key, which will be more optimistic or more pessimistic depending

ALEMANICECILIAWITHINTERVIEW

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 35 DREAMSOFMILKTHE

36 on the personal visions of each one. It is a process of revisit ing that takes the form of a very important exercise, even if it is up to the visitor to draw his own conclusions. Our job is to create the conditions to be able to talk about urgent issues. The fact that we can start to confront, or at least to have a different awareness, I think is essential. The role of the press and literature, as well as of exhibitions is to absorb the tur moil and concerns of each era and translate them into a visual way for the public.

The war has confronted us with a dramatic situation at the point that talking about art today seems almost superficial and useless. I am convinced that artists and artistic institu tions must have the courage to take a political position, but I firmly believe in art as a means of maximum freedom of expression. Maybe some people can feel a sort of immedi ate satisfaction in censoring Russian art at this time, as it has happened in various areas these days especially on social channels, but it is an ephemeral satisfaction; that kind of ‘hap piness’ which lasts just a second and which gives no place to critical reflection. It is much more useful and interesting to create spaces for discussion to better understand the condi tion of the artists involved, their position, which at this time is definitely difficult. The case of the Russian Pavilion is a bit different and goes far beyond art, as the Pavilions and the artists exhibiting in the Biennale spaces institutionally repre sent their own countries. In this sense I can understand very well the artists and the curator of the Russian Pavilion who have decided to withdraw. I managed to get in touch with the Russian artist who is present in the main exhibition, Zhenya Machneva. She couldn’t have her visa yet and unfortunately she was having huge problems to leave her country. We are daily in contact with the Ukrainian Pavilion and, thank good ness, both the curator and the artist, together with their work, have managed to leave their country. The Biennale is doing its best to help them. The Pavilion will certainly be there, and we hope to be able to do something else, to support them in other ways. As futile as it may seem to think of the Biennale at such a time, to be able to deal with this project means for them to recover a certain normality amid sadness and de spair. As symbolic as it may be, this is a real value for them. Our priority currently is to be able to guarantee the presence of the Pavilion as well as to give maximum support and soli darity to Ukrainian artists.

Cecilia Vicuña and Katharina Fritsch. What do these two artists, that you have chosen to reward with the Golden Lion for Lifetime Achievement, represent for you?

Curator 59.International Art Exhibition CECILIA ALEMANI

ALEMANICECILIAWITHINTERVIEW

Historical contingencies have often put back at the center of the debate the opportunity of a division into national pavilions of a major international exhibition such as the Biennale. A structure that on the other hand is a bit the backbone of this major exhibition of contem porary art. How do you fit inside this “architecture”?

Katharina Fritsch is an incredible artist, just like Jeff Koons and Charles Ray, although unfortunately she is not recog nized in the same way, despite having imprinted in sculpture some innovations of language if not before, certainly in the same years as her male colleagues. She is an artist who still has a charge and an extraordinary desire to say and create regardless of fashions or trends, carrying out a very uni tary and serious work. Cecilia Vicuña works with a type of sculpture that finds in the fragile collage of simple objects the poetry, of which she is a great representative, being herself a poet and having worked for decades as an editor of South American poems that would otherwise have been lost. They represent two very different and in some ways opposite visions: on the one hand Fritsch’s sculpture which is ‘superproduced’ also in innovative, industrial and complex ways; on the other hand, Vicuña’s ‘precarious’ sculpture, which is born from the encounter/clash of small objects in nature, in public space. The black and distressing shadow of war is also affecting culture and art. The Russian Pavilion will remain closed, while there will be Ukrainian participation in the Arsenal. Russian and Ukrainian artists are present in the main exhibition. There has been much talk in recent weeks, with often opposite and conflicting ideas, about the opportunity or not in such a dramatic moment to involve institutions and artists from the territory, from the country which has provoked this war, namely Russia. How do you cope with this issue that certainly confronts us with the theme of the limitation of freedom of expression, a freedom art has always fed on more than any other form of communication?

The Milk of Dreams is a world populated by fantastic stories, hybrid and mutant beings, a world where any one can transform. What would Cecilia Alemani wish to turn into? What is your Milk of Dreams? What would I like to turn into? At this moment I would say into a cloud, to fly up, far and light amid silence. I see myself as a surrealist cadavre exquis, made up of many discon nected pieces that try to talk to each other but without too much success. I can’t say exactly what my Milk of Dreams is. I think it’s art of course, it’s to be able to ‘splash around’ in the artists’ works.

I do not find the structure of the national pavilions obsolete at all. We have often seen many countries use their pavilion to talk about urgent and universal issues. Of course, it is a structure that comes from a twentieth-century vision of inter national relations; a vision which is perhaps obsolete today but ceases to be such as soon as we witness an invasion of one country by another ... That’s when the national pavilions leave the sphere of the symbolic and become extremely real and current.

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 37 DREAMSOFMILKTHE Remedios Varo, Simpatía (La rabia del gato), 1955 Collection Eduardo F. Costantini, Buenos Aires. © Artists Rights Society (ARS), New York

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 39 L’Amoureux, 2022 Oil on polished aluminium plate mirror 100 x 180 cm Le Diable, 2022 Oil on polished aluminium plate mirror 100 x 180 cm L’indovino 23 APRIL27 2022NOVEMBER ExhOpeningibition Wednesday, April 20th 2022 6pm – 9pm St George's Anglican Church Campo San Vio, 30123 Venice VE 59th Venice Biennale Republic of San Marino

Tra la fine degli anni ‘70 e nel corso del decennio successivo, infatti, ha realizzato delle minuziose riproduzioni, nella maggior parte dei casi ingrandite, di articoli comuni (vasi, candelieri, statuette kitsch di santi e madonne) o animali (come ad esempio l’elefante, o più precisamente l’elefantessa, esposta ora al Padiglione Centrale) colorati con vivaci tinte monocrome e presentati in differenti combinazioni formali (isolati, in serie o sovrapposti a formare alte colonne).

Francesco Santaniello

Katharina Fritsch

I suoi lavori si configurano pertanto come meccanismi capaci di innescare un processo di destabilizzazione delle certezze e delle consuetudini acquisite attraverso l’esperienza o la cultu ra. Sono certo che molti, sia tra gli abituali frequentatori della Biennale di Venezia per interesse professionale sia tra coloro che la visitano per curiosità, ricordano Rattenkönig (1991-‘93), presentato alla Mostra del 1999 curata da Harald Szeemann.

40 LIONGOLDEN ha avviato la sua ricerca nel clima post-moderno segnato dal ritorno all’immagine e dalla ripresa nomadica di taluni aspetti delle avanguardie, proponendo una riflessione di matrice Neo-pop sugli oggetti, lavorando sulla ripetizione e la manipolazione delle proporzioni.

GOLDEN

Con Tischgesellschaft ( Company at Table ), del 1988, ha este so il suo discorso a situazione di narrazione-comunicazione: ai lati di un lungo tavolo siedono e si fronteggiano due file di trentadue manichini raffiguranti uomini vestiti di nero con le mani appoggiate su una tovaglia rossa e bianca in silente attesa di un pasto che non sarà mai servito. Da allora l’artista ha dimostrato una propensione al monumentale, realizzando anche installazioni complesse di ampio respiro, come nel caso del modello di museo ideale proposto presso il Padiglio ne tedesco alla Biennale del 1995. Iconiche e perturbanti, le sculture di Katharina Fritsch si impongono all’attenzione degli spettatori non soltanto per le dimensioni abnormi dei soggetti e i colori dalle tonalità accese e squillanti, ma soprattutto per il cortocircuito che innescano a livello di percezione sensoriale-intellettiva-mnemonica.

Chi non si è sentito osservato come una sorta di cavia dai topi giganti messi in cerchio con le code intrecciate? Qualcun altro si sarà invece calato certamente nella parte de Il pifferaio magico Visionaria, inquietante, sebbene temperata da una gelida iro nia, e amplificata da echi surreali che evocano visioni oniriche, ricordi d’infanzia o paure ancestrali, la scultura di Katharina Fritsch si è imposta all’attenzione della critica e del pubblico internazionale poiché rispecchia alcuni aspetti del nostro problematico presente. Come ha dimostrato anche con la sua installazione Stilleben alla Biennale del 2011, o con la colloca zione, nell’estate del 2013, di Hahn/Cock (statua di un galletto domestico da cortile alto quasi cinque metri di colore blu ol tremare) in uno dei quattro plinti di Trafalgar Square a Londra.

H er research started in the post-modern climate marked by the return to the image and the revival of certain aspects of the avant-garde, proposing a Neo-pop reflection on objects and working on the repetition and manipu lation of proportions. By the end of the 70’s through the 80’s Katharina Fritsch created meticulous mostly large-scale reproductions of common items (vases, candlesticks, kitsch statuettes of saints and madonnas) or animals (such as the Elephant, now in the Central Pavilion at the Giardini) in bright monochrome colors and displayed in different formal combinations (isolated, in series or overlap ping to form high columns). With Tischgesellschaft (Company at Table, 1988), she experiments a mix of narration and communication: thirty-two man nequins depicting men dressed in black are sitting at a long table facing each other, with their hands resting on a red and white tablecloth while waiting for a meal that will never be served. Since then the artist has shown a penchant for the monumental creating as well some complex installations such as the model of an ideal museum exhibited in the German Pavilion at the 1995 Biennale. Katharina Fritsch’s iconic and disrupting sculptures stand out to the visitors’ attention not only for the abnormal sizes of their subjects and their very bright colours, but above all for a sort of short cir cuit they trigger at a sensory-intellectual-mnemon ic perception level. Her works act therefore like a mechanism capable of triggering a destabilization of certainties and habits which have been acquired through experience or culture. I am sure that many of the Venice Biennale visitors, both those visiting it for professional interest and those visiting it just out of curiosity, remember Rattenkönig (1991-’93), exhibited at the Biennale in 1999 curated by Harald Szeemann. Who has not felt observed as a sort of guinea pig by giant mice crouched in a circle with their tails knotted together? On the other hand someone else did certainly get into the part of The Pied Piper Katharina Fritsch’s sculpture is visionary, disquiet ing, although mitigated by an icy irony and ampli fied by surreal echoes evoking dreamlike visions, childhood memories or ancestral fears. It has come to the attention of critics and international audience because it reflects some aspects of our problem atic present as shown by her installation Stilleben at the 2011 Biennale, or by her Hahn/Cock (a deep blue almost five meters high statue of a domestic courtyard cockerel) she placed on the fourth plinth of Trafalgar Square in summer 2013.

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 41 FRITSCHKATHARINA My work is always on the sculpturebetweenborderlineadetailedandasign Photo Janna Grak Rattenkönig (1993) LION

42 VICUÑACECILIA We need re-enlightento ourselves by our‘seehearing’ownfailures Photo William Jess Laird Leoparda de Ojitos (1977), Collection Beth Rudin DeWoody Courtesy the Artist, Lehmann Maupin, New York, Hong Kong, Seoul, and London © 2022 GOLDEN

Vicuña’s work focuses on connections, weaving and the symbolic role it plays in the Andean culture where fabrics take on a high cultural and symbolic value, conveying new meanings. Using thread and fabric as the main material, the artist not only pro poses weaving as a form of participation belonging to popular culture, but above all she perceives and transmits it as a dynamic model of resistance. Her work, which addresses urgent issues in our con temporary world such as environmental destruc tion, human rights, cultural homogenization, as well as her ‘precarious’ and at the same time intimate and powerful art couldn’t but be chosen and re warded by Cecilia Alemani in this Biennale where women play such an important role.

Luigi Crea I n the mid 1960’s the artist, poet and activist Cecilia Vicuña began to create different and unexpected works and performances in the streets of her hometown, Santiago, Chile. In 1971 she got her first solo show at the National Museum of Fine Arts in Santiago with her work Otoño (Au tumn), consisting in filling up a room with autumn leaves. Her artistic production, from painting to installations, as well as her language investigation are permeated with strong activism, as underlined by the titles of her works that are often real political acts. An example of this is the series of sculptures Arte precario, where she gives voice to the south ern hemisphere, as a challenge to its status of a colonized territory. Precario are installations such as basuritas, objects made of detritus, structures that disappear. Faithful to her Andean origins, Vicuña tries to fight against the image of the colo nized countries created by the West world and does so precisely through the batalla de los signifi cados (battle of meanings) based on her belief that submission and poverty are the consequences of accepting the definitions given by others. Forced into exile after the military coup against the Chilean President Salvador Allende, she spent some time in London as a postgraduate student. In 1975 Vicuña returned to South America, precisely to Bogota where she worked together with some revolutionary theater companies. Her emblematic performance Vaso de leche (1979) dates back to this period. In front of the Government Palace she ties a small rope to a glass full of white paint and pulls it, letting the ‘milk’ spread on the floor. This performance is a reinterpretation of a dramatic story concerning the death of 1,920 children after drinking contaminated milk produced by a Co lombian company. The milk was being diluted with harmful additives in order to increase profits. The performance is a clear denunciation addressing as well the responsibilities of a Government unable to prevent such crimes.

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 43 LIONGOLDEN , artista, poetessa e attivista, durante la seconda metà degli anni ‘60 nelle strade della città natale, Santiago del Cile, inizia a creare diverse e inaspettate opere e performance. Nel 1971 ottiene la prima personale presso il National Museum of Fine Arts di Santiago con il suo lavoro Otoño (Autunno), che consiste nel riempire completamente una stanza di foglie d’autunno. La sua pratica artistica, dalla pittura alle installazioni, e la sua indagine sul linguaggio sono permeate di forte attivismo, come dimostrano i titoli delle sue opere che spesso sono dei veri e propri atti politici. Ne è un esempio la serie di sculture Arte precario, cre ata per dare voce all’emisfero meridionale, in sfida con la sua posizione di territorio colonizzato. Le precario sono installazio ni e basuritas, oggetti composti da detriti, strutture che scom paiono. Di chiara radice andina, Vicuña cerca di combattere la visione data dall’Occidente ai paesi colonizzati e lo fa proprio attraverso la batalla de los significados (battaglia dei significa ti), nella convinzione che la sottomissione e la povertà iniziano con l’accettazione delle definizioni che altri hanno creato. Costretta all’esilio dopo il colpo di stato contro il presidente cileno Salvador Allende, durante il quale è impegnata in un periodo di studio a Londra, nel 1975 Vicuña torna in Sud America, precisamente a Bogotà. Nella capitale colombia na lavora con alcune compagnie teatrali rivoluzionarie ed è proprio a questo periodo che risale l’emblematica perfor mance Vaso de leche (1979). La lotta politica qui segue un filo diverso: davanti al Palazzo del Governo l’artista lega una piccola corda ad un bicchiere pieno di vernice bianca e la tira, lasciando che il ‘latte’ si sparga sul pavimento. La messa in scena reinterpreta la drammatica vicenda di 1.920 bambini morti a causa di latte contaminato prodotto da un’azienda colombiana, latte allungato con additivi nocivi allo scopo di aumentare i profitti. La performance diventa una denuncia che si allarga alle responsabilità di un Governo incapace di evitare simili crimini. Il lavoro di Vicuña si concentra sulle connessioni, sulla tessitu ra e sulla sua funzione simbolica nel linguaggio in un contesto, quello andino, in cui i tessuti assumono un alto valore culturale e simbolico, facendosi portatori di nuovi significati. Utilizzando filo e stoffa come materia principale, l’artista non solo propone la tessitura come forma di partecipazione che scaturisce dalla cultura popolare, ma soprattutto la percepisce e trasmette come un modello dinamico di resistenza. Il suo lavoro, che affronta le preoccupazioni urgenti del mondo contempora neo – distruzione dell’ambiente, diritti umani, omogeneizza zione culturale –, la sua arte ‘precaria’, al contempo intima e potente, non potevano che essere scelti e premiati da Cecilia Alemani in questa Biennale profondamente femminile.

Cecilia Vicuña

LION

44 Hotel Cipriani presents an artistic immersion with Galleria Continua Follow The Art PathMITICO curated by Belmond with Hervé Mikaeloff COOKING THE WORLD SUBODH GUPTA

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 45 To book your experience please www.belmond.com/ciprianivisit Follow The Art PathMITICO in the gardens of CIPRIANI , a Belmond Hotel, Venice

GIAN MARIA TOSATTI

46 Is it better to speak or to die? AndreatoElenaPhoto

EUGENIO VIOLA e GIAN MARIA TOSATTI

TOSATTIMARIAGIANEVIOLAEUGENIOAINTERVISTA

Born in Rome in 1980, he trained in the performance field, an itinerary between architecture and visual arts, creating site-specific environmental installations that have become the hallmark of his work. Between 2008 and 2018 he lived and worked in New York, before moving back to Italy, settling in Naples. He has been appointed Artistic Director of the Rome Quadrennial for 2021-2024. Columnist and journalist for “Il Corriere della Sera” and the magazine “Opera Viva”, he writes essays on art and politics and has recently published, for Postmedia Books, Experience and Reality. Theory and Re flections on the Fifth Dimension. The exhibition at the MADRE in Naples in 2016, curated by Eugenio Viola, was the artist’s first solo show in an Italian public museum.

EUGENIO VIOLA Born in Naples in 1975, he lives in Bogotá, Colombia, where he is the current Head Curator of MAMBO - Museo de Arte Moderno de Bogotá. From 2017 to 2019 he was Senior Curator of PICA – Perth Institute of Contemporary Arts in Perth, Australia. From 2009 to 2016 he was curator at the MADRE Museum in Naples. In 2015 he curated the Estonian Pavilion at 56. International Art Exhibition of the Venice Biennale. He has curated over 70 exhibitions in Italy and abroad and is the author of over 50 catalogues and books. He also writes for a lot of international publications and magazines in particular “Artforum” and “Arte”. Curatore e Artista Padiglione Italia

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 47

EV_Il titolo è arrivato dalla genesi stessa del processo che ha dato vita al progetto, fin da quando ho deciso di coinvolgere Gian Maria nella selezione dei lavori. L’impianto così evocativo del titolo è merito principalmente suo, legato indissolubilmente alle tematiche che volevamo affrontare, in primis il rapporto tra l’uomo e l’ambiente circostante, un ambiente che in questo momento si potrebbe definire “metapandemico” e “farmapornocratico”.

GMT_Il titolo è una possibilità di racconto dell’opera stessa, una grande installazione ambientale che si snoda all’interno del Padiglione attraverso un vero e proprio percorso che tratta essenzial mente due momenti: da una parte il presente, nella declinazione di come affrontiamo il passato; dall’altra come cerchiamo di muoverci verso il futuro.

Un’espressione inglese molto interessante parla di “history faced man”, che potremmo tradurre come “l’uomo dalla faccia istoriata”. Cosa significa questo? Significa proprio che tutte le espe rienze vissute fino a quel momento, materializzate nelle rughe, lo hanno portato ad avere l’aspetto che vediamo oggi. Il suo volto diventa manifesto della sua vita, un manifesto che è pieno del suo passato, dipendente dal suo passato, ma che è espressione autentica, tangibile del presente. Esiste quindi una parte del Padiglione che si riferisce al tempo che stiamo vivendo, un presente che al momento in cui abbiamo iniziato a lavorare non pensavamo potesse corrispondere a una notte così buia, a un buio così pesto: credevamo, infatti, di stare affrontando in quel momento il punto più basso della nostra storia recente, senza immaginare che la tragica dimensione belli ca potesse tornare di così stretta attualità. Naturalmente non ci eravamo illusi che la guerra non esistesse più, ma credevamo che fosse un’eventualità relegata a luoghi della Terra in cui problemi enormi hanno reso le armi quale unico strumento conosciuto per una lotta di sopravvivenza, in aree geografiche in cui mancano i mezzi di sussistenza minimi. Ovviamente non che questo giusti fichi i conflitti bellici che si stanno svolgendo da molti anni in quelle aree; ritengo e riterrò sempre la guerra lo strumento più insensato che possa esistere per risolvere problemi e divergenze in qualsiasi luogo della terra. Di sicuro però non mi aspettavo una guerra del genere nell’Occidente Ognuno di noi deve tirare fuori il coraggio di poter incidere, deve credere fermamente di poterlo fare. Il Padiglione parla di questo, mettendoci di fronte a una sconfitta, su questo non c’è dubbio, ma anche alla possibilità di riscattare questa stessa sconfitta riscrivendo un destino che non può essere prestabilito. La possibilità di cambiare rotta ci viene data continuamente, ogni giorno, più volte al giorno GMT Intervista Mariachiaradi Marzari

Anche quando qui parliamo di storia, non si sta parlando in realtà di passato: credo che l’opera non abbia nulla a che fare con il passato, esattamente come le rughe su di un volto non rap presentano il passato di una persona, ma il suo presente, il risultato delle esperienze che hanno creato la persona che oggi ci troviamo di fronte.

48 Curatore e Artista Padiglione Italia EUGENIO VIOLA e GIAN MARIA TOSATTI TOSATTIMARIAGIANEVIOLAEUGENIOAINTERVISTA

Storia della Notte e Destino delle Comete : quale la genesi del progetto e da dove avete preso ispirazione per questo ‘illuminante’ titolo?

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 49 ITALIAPADIGLIONE

che ha costruito la democrazia ormai diverse centinaia di anni fa, anche se quello che è successo ci fa vedere come parlare di “notte” fosse tristemente appropriato. Quando ci è stato chiesto di realizzare questo Padiglione, confrontandomi con Eugenio abbiamo convenuto che fos se importante, urgente dover parlare del presente. Quindi di “notte”, per l’appunto. Dovendoci concentrare sul tempo che ci è dato vivere oggi, è venuto naturale a me ed Eugenio parlare dell’insostenibilità del nostro stile di vita, dal punto di vista ener getico, ambientale, certo, ma ancora prima dal punto di vista dei nostri sogni, sempre più non sostenibili in chiave futura, non realizzabili. Il Padiglione che avevamo in mente era quindi di chiara prospettiva politica, in grado di affrontare tutti quei temi che oggi ci chiedono di cambiare strada e passo rispetto al cammino che abbiamo intrapreso fin qui. Temi che abbiamo affrontato secondo una logica di interazio ne, anche perché ci è stato chiaro sin da subito che dovevamo cercare di formulare, di elaborare una sintesi alla luce delle dimensioni certo imponenti eppure non sconfinate dello spazio espositivo, circa 2000 metri quadri.

Il mio

Guardando il Padiglione il mio pensiero va al lavoro che avevo fatto a Odessa nel 2020, dal titolo Il mio cuore è vuoto come uno specchio – Episodio di Odessa ; i due progetti sono acco munati da questo aleggiare della morte, da questa “mancata presenza” di persone che restituiscono l’idea di un’umanità arrivata al capolinea. Come potrete vedere, il Padiglione sarà pieno di macchine ferme e potrebbe assolutamente essere associato a uno scenario di guerra, una guerra che ora come ora non sappiamo assolutamente a cosa potrà portarci. Credo che l’opera resti sempre più grande del proprio au tore: chi la realizza è convinto di fare una determinata cosa, ma poi l’opera assorbe da sé e per sé la coscienza dello Zeitgeist, un pensiero collettivo di cui l’autore cerca solo di farsi strumento. cuore è vuoto come uno specchio – Episodio di Odessa Courtesy of Galleria Lia Rumma Milano/Napoli

Quali le radici profonde del vostro sodalizio e come riuscite ad essere complementari nel processo di creazio ne? Come Gian Maria definirebbe il ruolo della curatela di Eugenio nel proprio lavoro e come invece Eugenio spiega la scelta dell’artista Tosatti quale voce unica di un suo pensiero curatoriale? EV_Si è trattata di una scelta dettata direttamente dalla con suetudine lavorativa, che ci vede insieme ormai da diversi anni a diversi livelli. Ci siamo conosciuti nel 2011 a Roma, quando ho visitato una sua installazione ambientale site-specific intito lata Devozioni alla Torre idrica dell’Ospedale San Camillo. Il suo lavoro mi colpì da subito fortemente. Sono convinto che nella sua opera vi siano potenti tratti psicanalitici significativi, visto che spesso i suoi dispositivi sono concepiti per un visitatore alla volta. Un viaggio fisico e metaforico che per ovvi motivi non sarà possibile replicare nel nostro Padiglione. Ricordo che quando incontrai Gian Maria ai Professional Days a Venezia gli dissi: «Se vuoi fare qualcosa a Napoli, lo faremo insieme». Ragazzo perseverante, mi venne poi a trovare a Napoli e mettemmo su questo progetto assolutamente visio nario, confrontandoci senza mai scontrarci; abbiamo entrambi caratteri forti ma ci conosciamo molto bene e la consuetu dine di sicuro ci aiuta molto. Ovviamente non si riduce tutto a una questione di frequentazione: alla base della scelta c’è

_L’esperienza a cui abbiamo pensato ideando il Padiglione è fondamentalmente immersiva. Il lavoro di Gian Maria si è sempre distinto per una forte semantizzazione degli spazi, oltre che dei dispositivi di cui si serve per concretizzare lo spirito Glidell’opera.spazidel Padiglione andranno in questo modo a rievocare quelli descritti ne La Dismissione di Ermanno Rea (Feltrinelli, 2002), che considero l’ultimo romanzo industriale della lette ratura italiana, incentrato sulla dismissione dell’Ilva di Bagnoli, una dismissione da intendersi più estesamente come la demo lizione di tutto un sistema di pensiero. Da un accadimento spe cifico è possibile quindi parlare più ampiamente di un problema che coinvolge la società tutta e le idee che la sorreggono, o l’hanno sorretta, sino a un momento dato. Una disposizione mentale, una visione direi che connota sia questo importante romanzo che la progettualità del Padiglione, a testimonianza del grande potere metaforico peculiare del fare arte. Tra i diversi riferimenti che troviamo nel Padiglione una parte fondamentale la riveste certamente l’opera di Pier Paolo Paso lini, come già peraltro avvenuto in lavori passati di Gian Maria, soprattutto se parliamo del Pasolini distopico e oracolare. In questo caso l’incipit è stato l’articolo intitolato Il vuoto del pote re pubblicato sul «Corriere della Sera» del 1° febbraio 1975, poi diventato celebre come “L’articolo delle lucciole”. Una relazione intellettuale che si concretizza qui in una “Ut pictura poësis” dalla forte connotazione letteraria, caratteristica della ricerca artistica di Gian Maria e della mia indagine curatoriale.

50 Curatore e Artista Padiglione Italia EUGENIO VIOLA e GIAN MARIA TOSATTI TOSATTIMARIAGIANEVIOLAEUGENIOAINTERVISTA

Osservando il vuoto stridente di quanto fatto a Odessa mi trovo a pensare a quello che mi stanno scrivendo in questi giorni gli amici ucraini, descrivendo le fabbriche vuote. Legge vo una dichiarazione di Zelensky, il presidente ucraino, in cui invitava lavoratori e imprenditori a rimanere in Ucraina e andare a lavorare, per strappare giorni di normalità a un Paese che, fermandosi anche dal punto di vista industriale, capitolerebbe in tutto e per tutto. Sembra quasi che la sensibilità che ha dato vita al Padiglione abbia in realtà previsto la guerra ancora prima che scoppiasse, immaginandone gli scenari e le tematiche principali. Per questo motivo non mi considero autore vero e proprio delle mie opere, quanto piuttosto portavoce della sensibilità che le ispira. Alla luce dei fatti attuali, il finale positivo della macchina narrativa del Padiglione secondo voi necessiterebbe di essere cambiato? GMT_Il finale non lo cambierei; mantenerlo tale significa che nell’assurdità di questa situazione ci rendiamo conto di ascoltare soprattutto voci che questa guerra la ripudiano con forza. Ponendoci in una prospettiva più umana che meramente nazionale, intendiamo raccontare un’umanità che può farcela. Abbiamo la possibilità di tornare sui nostri passi, di corregge re i nostri errori. E quindi non vogliamo cambiare il finale, no: è la cosa probabilmente più vera di tutto il nostro racconto. Esistono pagine della nostra storia di cui di sicuro non andiamo fieri, ma si tratta di pagine che nonostante tutto passano, che confermano come l’uomo possa sempre decidere del proprio destino, in qualunque momento. In passato siamo stati capaci di cose meravigliose e lo saremo anche nel futuro. Il messaggio portato avanti dal Padiglione è precisamente que sto: non darsi mai per vinti, non scoraggiarsi mai, non essere mai disillusi, anzi. Il problema principale della nostra genera zione è proprio la disillusione, che spesso si accompagna al concetto di viltà. Ognuno di noi deve tirare fuori il coraggio di poter incidere, deve credere fermamente di poterlo fare. Il Padiglione parla di questo, mettendoci di fronte a una sconfitta, su questo non c’è dubbio, ma anche alla possibilità di riscatta re questa stessa sconfitta riscrivendo un destino che non può essere prestabilito. La possibilità di cambiare rotta ci viene data continuamente, ogni giorno, più volte al giorno. Una frase pronunciata dal portavoce di Putin in questi giorni mi ha molto colpito: «Nel nostro Paese c’è chi sostiene il Presi dente; e poi c’è chi si occupa di cultura». Credo che questa frase dica molto dei tempi che stiamo vivendo. Ci dice, per esempio, che un Paese con un livello di cultura alto è un Paese che strappa i soldati dal campo di battaglia, uno per uno. È un Paese in cui la guerra non è possibile, un Paese in cui le pagine nere della storia non trovano spazio. Non viviamo in un mondo messianico, non arriverà lo Spirito Pentecostale sulle nostre teste a salvarci da questa situazio ne: diventare un Paese migliore richiederà lo sforzo concreto di tutti. Nel nostro quotidiano noi operatori culturali per primi dobbiamo essere in grado di offrire alle persone strade diverse rispetto a quelle primitive dello scontro, fisico e ideologico. Quali le fonti vive e i riferimenti imprescindibili del linguaggio ‘intermediale’ – arte, letteratura, teatro, musica, performance – utilizzato per la costruzione EVdell’opera?

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 51

52 SABINE WEISS LA POESIA DELL’ISTANTE VENEZIA / TRE OCI 11.03.22 > 23.10.22 WeissSabine©1955USAYork,New Tre Oci Giudecca 43, Venezia fermata / stop Zitelle Info tel.+39 041 24 12 332 www.treoci.orginfo@treoci.org Prenotazioni / Booking Call Center 041.0980227Prenotazioni892.101gruppi Organizzata da / Organized by Mostra promossa da / Exhibition promoted by Sponsor tecnici / Technical sponsorpartnerMediaprodotta da / produced by in collaborazione con / in association with con il sostegno di / with the support of

GMT_Sono convinto che per molto tempo in ambito artistico ci sia stato un atteggiamento, dettato da una profonda ignoranza, che imponeva di essere considerati interessanti e originali svin colando la personalità dell’artista da tutto il resto, compreso il luogo di provenienza. Al contrario io penso che l’artista sia una figura caratterizzata da delle radici forti, che poi devono con frontarsi, intrecciarsi con altre. Non esiste una storia dell’arte senza parlare delle città e dei contesti in cui un artista nasce e sviluppa la propria personalità. Esistono artisti che possiamo considerare ‘singolarmente’, avulsi da tutto ciò che li circonda, ma si tratta senza dubbio di eccezioni, figure particolari magari caratterizzate da storie personali molto difficili. Ma le grandi storie dell’arte ci parlano senza ombra di dubbio di città, di luoghi, di relazioni. Napoli ha rappresentato per me una tappa, un incontro fon damentale, in primis con un’eredità culturale fortissima. Una relazione intensa a un punto tale che ho infine deciso poi di an darci anche a vivere. Inutile girarci intorno: noi in Italia abbiamo una città dalla potenza culturale fortissima, vale a dire Milano, ma non possiamo fare a meno di riconoscere come Napoli abbia prodotto a livello nazionale e internazionale la cultura più significativa dell’ultima generazione, praticamente in ogni ambito espressivo. A Napoli è poi legata anche la prima performance veramente potente di Marina Abramovic´, Rhythm 0, andata in scena nella galleria Studio Morra nel 1974. Marina ha costruito innumerevoli progetti nel suo lunghissimo percorso, alcuni dei quali divenuti in tutto e per tutto “storia dell’arte”, una storia che ha visto alcune pagine scritte proprio a Napoli grazie ad alcuni straor dinari protagonisti del contemporaneo con cui io ed Eugenio stessi collaboriamo, come Giuseppe Morra della Fondazione Morra, che ci ha sostenuto anche nella creazione di questo PersonalmentePadiglione. ho sempre negato in maniera netta l’idea di una supposta, asettica originalità che connoterebbe il profilo, il lavoro di un artista a prescindere dal contesto in cui egli si trova a pensare, operare, creare; l’idea di un fantomatico artista che spunta dal nulla, sostenuto dalla forza titanica della propria arte la considero un’emerita cretinata, uno Sturm und Drang molto adolescenziale. Per me l’arte è una storia fatta di persone, di Curatore e Artista Padiglione Italia e

E poi c’è Napoli… «Non ti disunire!», suggerisce Antonio Capuano a Fabietto/Sorrentino in È stata la mano di Dio. Quale imprinting partenopeo rimane fondamentale nel DNA del vostro Padiglione?

EUGENIO VIOLA

Per questo motivo il mio rapporto con i curatori si riduce quasi a zero, a meno che questo rapporto non si trasformi in una col laborazione con un compagno di viaggio con cui condividere una vocazione che superi i confini del rapporto professionale.

la capacità di Gian Maria di trasformare spazi anche tre volte più grandi del Padiglione, come nel caso della mostra Sette Stagioni dello Spirito nel 2016 a Napoli. La sfida più grande di questo progetto che ci vede ora impegnati era trasportare una forza e una coerenza plastico-dinamica negli spazi del Padi glione Italia: una sfida che solo Gian Maria poteva raccogliere e fronteggiare. Tutta ‘colpa’ della sua formazione eccentrica, del suo continuo confronto con gli spazi dell’abitare. Considero Gian Maria una sorta di ‘mistico contemporaneo’: la sua forma zione teatrale lo ha portato a caricare gli spazi di una matrice emozionale che non credo abbia eguali nel panorama artistico contemporaneo, offrendo al visitatore una lunga serie di stimoli da recepire e rielaborare. GMT_Eugenio e io siamo persone dalla temperatura molto diversa, ma mi sono accorto negli anni di quanti elementi di congiunzione ci fossero tra di noi, e molto forti, riferiti agli aspetti più fondanti del nostro percorso biografico e lavorativo. Eugenio è una persona molto calma, io è come se mi trovassi perennemente su una zattera che attraversa un fiume di lava; nonostante queste evidenti difformità, condividiamo tensioni molto forti, di carattere etico, politico, naturalmente culturale. Guardiamo a figure come Pasolini e Ortese non considerandoli ‘solo’ eccellenti narratori della letteratura italiana, ma ritenendoli testimoni di una vocazione morale molto forte, che sentiamo di condividere in pieno. Queste affinità si concretizzano quindi anche nel nostro percorso, che hanno portato me a frequen tare parti del mondo da cui sarebbe meglio stare lontani ed Eugenio a operare in prima linea in un ambiente complicatis simo come il contesto colombiano, nel ruolo di Capo Curatore del MAMBO - Museo de Arte Moderno de Bogotá. È come se fossimo due monaci, molto diversi da un punto di vista caratteriale, ma entrambi devoti alla medesima religio ne. Abbiamo scelto di aderire a una dottrina caratterizzata da regole talmente forti da mettere in secondo piano tutto il resto. Questa ‘religione’ a cui abbiamo deciso di aderire crede fermamente che la cultura possa costituire uno strumento di azione concreta, sulla società e sul presente. Una grande forza costruttiva che non considera importanti persone come me, Eugenio, Pasolini o Ortese, quanto piuttosto le idee e le tensioni che queste stesse persone esprimono, in un percorso di intervento e dialogo col presente che ci rende fratelli. L’incontro con Eugenio è stato importantissimo per me. Ci unisce un rapporto forte e complesso che negli ultimi anni mi ha portato quasi a smettere di lavorare con altri curatori. Non ho problemi ad ammetterlo: non è facile lavorare con me. Tratto materie incandescenti, propongo dei percorsi in cui “non c’è spazio per il turismo”. So che potrebbe suonare inappro priata un’espressione del genere, ma non ne trovo altre: porto il visitatore in “zone di guerra dell’umano”. Chi attraversa questi percorsi lo fa per aiutare, per combattere, per fare qualcosa di concreto, deve avere la vocazione di stare lì. Ormai sono vent’anni che faccio questo mestiere e mi rendo sempre più conto di come la cosa più importante non siano le personalità, quanto l’afflato che si condivide tra soggetti anche diversi tra loro, ma uniti da una forte vocazione, sia essa politi ca, etica, culturale.

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 53 ITALIAPADIGLIONE

GIAN MARIA TOSATTI

EV_Si tratta certamente di un Padiglione a trazione meridiona le, che da Napoli parte, proprio come il nostro sodalizio, che guarda all’area partenopea anche nel riferimento specifico a Rea di cui parlavamo prima. Come Rea parla del particolare per passare poi all’universale, allo stesso modo noi partiamo da Napoli per estenderci all’universale e per successivamente infine ritornarci, a Napoli.

TOSATTIMARIAGIANEVIOLAEUGENIOAINTERVISTA

54 Curatore e Artista Padiglione Italia EUGENIO VIOLA e GIAN MARIA TOSATTI

Credo che l’opera resti sempre più grande del proprio autore: chi la realizza è convinto di fare una determinata cosa, ma poi l’opera assorbe da sé e per sé la coscienza dello Zeitgeist, un pensiero collettivo di cui l’autore cerca solo di farsi strumento. Per questo motivo non mi considero autore vero e proprio delle mie opere, quanto piuttosto portavoce della sensibilità che le ispira

[...]

Photo Maddalena Tartaro

Qual è Il latte dei sogni di Eugenio Viola e Gian Maria Tosatti?

GMT_Per me credo corrisponda alla testimonianza che sempre trovo nelle persone che incontro.

Viaggiare per il mondo mi dà la forza e l’ispirazione per svolgere quello che considero senza ombra di dubbio il lavoro dei miei sogni, l’occupazione che ho scelto di svolgere, non di certo una professio ne che mi sono ritrovato a svolgere per caso. Un lavoro che non si nutre della mia identità, ma della verità che incontro attraverso le persone con cui entro in contatto, una verità che queste persone mi consentono di poter maneggiare e riportare all’interno della mia arte.

EV_Per me Il latte dei sogni si materializza in una galassia di ottimismo. ENG

In quale rapporto il Padiglione Italia si pone rispetto al tema/titolo della Biennale di Cecilia Alemani e come intercetta o interpreta la sua visione di arte in trasformazione?

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 55 ITALIAPADIGLIONE comunità, di città. Per quanto ci riguarda siamo figli della storia di Napoli e del ventunesimo secolo, che a sua volta si poggia sulla storia di Napoli nel ventesimo secolo e via via a ritroso, fino alle sue radici culturali e antropologiche più profonde. Cosa c’è di Napoli nel nostro Padiglione? C’è che, sem plicemente, senza Napoli noi oggi non saremmo qui. Rapporto uomo/natura/territorio/sviluppo/industria.

EV_Ci siamo incontrati per pura coincidenza, come spesso accade. Non eravamo in contatto e non sapevamo su quali tematiche la sua ricerca curatoriale si sarebbe concentrata. Eppure si è creato un dialogo molto stringente tra l’afflato che ha dato vita al nostro Padiglione, una visione nonostante tutto ottimistica e catartica, e il nucleo tematico de Il latte dei sogni, le galassie concettuali che Cecilia Alemani ha costruito attraverso il meccanismo di mutamento, trasformazione e creazione di mondi Ricollegandomipossibili. a quello che diceva Gian Maria, credo che un altro elemento di convergenza tra il no stro progetto e quello della mostra principale della Biennale sia la convinzione che l’arte debba fornire un punto di vista alternativo e complementare alle grandi questioni politiche e morali che ci troviamo ad attraversare in questo momento. Quando la realtà supera l’arte stessa nello scardinare le nostre certezze, ecco che immaginare dei mondi possibili e migliori diventa un atto di resistenza culturale.

GMT_Non è un caso che i veneziani vengano definiti “i napoletani del Nord”. Credo che uno stato d’incertezza corrisponda ad uno stato di veglia per la coscienza. È quando sia mo soddisfatti, appagati e al sicuro che ci dimentichiamo di tutto e non guardiamo più all’esterno, ci addormentiamo. Nell’incertezza ci accorgiamo dell’altro, perché ne abbiamo bisogno; quando siamo incerti ci accorgiamo del valore delle cose, perché ne avvertiamo la precarietà, l’intrinseca fragilità, la concreta possibilità di non disporne più.

Sembra di leggere il destino comune di due città, Napoli e Venezia, le cui sopravvivenze sono legate alle volontà del Vulcano e delle maree. La creatività e la vitalità partenopea hanno dimostrato nel tempo come l’incertezza permanente possa divenire elemento sostanziale nel gestire il presente, mentre per Venezia, luogo d’arte e collettore d’arte, sembra destino di essere un deposito di idee generate altrove. Come può una progettualità artistica e curatoriale inserire elementi di vita oltre il dato fisicamente fugace di un’esposizione? Come possono le incertezze dive nire fondamenta del futuro?

Di recente, parlando del tema della tragedia con il regista teatrale Romeo Castellucci, evidenziavamo proprio come l’arte servisse a bombardare le certezze: è brutto da dire in un momento in cui la realtà sta abbondantemente scavalcando l’arte nell’espletare questo ruolo, ma è la conferma di come l’arte possa risvegliare dal sonno la coscienza delle persone, soprattutto nell’opulento Occidente, sempre più addormentato nelle proprie presunte certezze.

In questa occasione il nostro lavoro entra in contatto con l’incertezza del reale, spingendo le persone a mettere in dubbio tutte le certezze che ci hanno portato fino a qui, sicurezze che riguardano i nostri consumi, abitudini spesso dannose per la vita del pianeta, o che magari hanno a che fare con la con vinzione che non sia così fondamentale dialogare con l’altro, che soverchiare il prossimo con parole e atteggiamenti autoreferenziali e ‘sordi’ sia un’eventualità possibile, ordinaria.

Questo a sua volta si inscrive in quella che credo sia la ricerca curatoriale di Cecilia più ad ampio raggio, visto che il titolo del Padiglione Italia da lei curato nel 2017 era proprio Il mondo magico, uno dei migliori degli ultimi anni, testimonianza a sua volta di come la sua ricerca fosse già coerente con quello che quest’anno presenta in veste di curatrice dell’intera Biennale.

EV_The title is the result of the genesis of the process that led to the project, since I decided to involve Gian Maria in the selection of the works. It’s mainly thanks to him if we chose such an evocative title as inextricably linked to the issues we wanted to address, first of all the relationship between man and his surrounding environment, an environment that at this particular time could be defined as “metapandemic” and “pharmapornocratic”.

Photo CAMO (Camilo

GMT_The title tells the story of the work itself, a large en vironmental installation winding through a real path within the Pavilion that essentially deals with two specific moments: on the one hand the present in relation to our way to face the past; on the other hand how we are trying to move towards the Whenfuture.wetalk about history here, we are not actually talking about the past: I believe that our work has nothing to do with the past, in the same way as the wrinkles on a person’s face do not represent his past, but his present, the result of his experiences that created the person he is today.

History of the Night and Destiny of Comets: what is the genesis of your project and where did you get inspiration for this ‘enlightening’ title?

“History faced man” is a very interesting English expression. What does this mean? It means that all the experiences he has lived up to that moment have materialized in wrinkles giving him his present look. His face becomes a manifesto of his life, a manifesto filled up with his past, relying on his past, but at the same time an authentic, tangible expression of his present. So a part of the Pavilion deals actually with our present time, a present that at the time we started working we did not think could be the equivalent of such a pitched dark night: we believed, in fact, that we were facing at that moment the worst of our recent history, we couldn’t imagine that the tragic dimension of war could become such a topical issue. Of course we had not deluded ourselves that war didn’t exist any longer, but we believed that it was a reality concerning only those geographical areas affected by huge problems and where weapons seem to be the only tool available to struggle for survival. Obviously this doesn’t justify the wars that have been taking place for many years in those areas; I believe that war is the most senseless tool to solve problems and divergences anywhere on earth. But I certainly did not expect that such a war would break in the Western world where democracy was set up several hundred years ago. Unfortunately what has happened shows how talking about “night” was sadly appropriate. When we were asked to create this Pavilion, I agreed with Eugenio that it was urgent to talk about the present, that is to say about “night”. As we had to focus on our present time, we couldn’t but talk about the unsustainability of our lifestyle, not only from an energy and environmental point of view, but also and above all from the point of view of our dreams which will be more and more difficult to achieve. The Pavilion we had in mind had therefore a clear political perspective, being able to address all those issues we have tried to solve so far but that today need to be tackled in a completely different way. I believe Gian Maria is a sort of ‘contemporary mystic’: his stage training has led him to fill his exhibit spaces with an emotional charge which is quite unique in the contemporary art scene, offering the visitor plenty of stimuli to be reprocessed in different ways Delgado Aguilera)

ENG

56 Curator and Artist of Italian Pavilion EUGENIO VIOLA and GIAN MARIA TOSATTI TOSATTIMARIAGIANANDVIOLAEUGENIOWITHINTERVIEW

The main problem of our generation is precisely disillusion ment, which is often accompanied by the concept of coward ice. Each of us must bring out the courage to be able to take positive action, we must firmly believe that we can do it. The Pavilion speaks of this, putting us in front of a defeat, for sure, but also in front of the possibility of redeeming this same When I first met Eugenio I soon realized how important this encounter was to me. We are linked by such a strong and complex relationship that I have almost stopped working with other curators. […] A travel companion with whom I can share a vocation that goes beyond the simple professional relationship

I am firmly convinced that a work is always greater than its author: when you realize a work you are convinced of doing a certain thing, but then your work absorbs by itself and for itself the consciousness of the Zeitgeist, a collective thought where the author is just an instrument to convey it.

We have dealt with these subjects using a logical interaction, also because it was clear that we had to try to formulate, to elaborate a synthesis considering the physical limits of the exhibition space, although its size is really huge, about 2000 square Lookingmeters.atthePavilion, my thoughts go to the work I had done in Odessa in 2020, entitled My heart is empty as a mirror –Odessa episode; the two projects have in common a feeling of death hovering over them, an absence of people telling us that humanity has got to its final destination. When you visit the Pa vilion you will see that it’s full of stationary machinery and that it could easily be associated with a war scenario, a war that, right now, we do not know at all where it will lead us to.

Observing the strident emptiness of my project in Odessa, I find myself thinking about what my Ukrainian friends have been writing to me in the last few days, describing the empty factories. I read a statement by Zelensky, the Ukrainian president, in which he invited workers and entrepreneurs to stay in Ukraine and go to work, to ensure their country a bit of normality so as to prevent its full capitulation. It’s like the sensitivity which gave life to the Pavilion had predicted the war even before it broke out, imagining its main scenarios and themes. This is the reason why I do not consider myself as the real author of my works, but rather the mouthpiece of the sensitivity that inspires them.

GMT_I would not change the end; keeping it means that in the absurdity of this situation we realize that we are listening above all to those who strongly repudiate this war. Placing ourselves in a more human than merely national perspective, we want to give voice to a humanity that can make it. We have the opportunity to retrace our steps, to correct our mistakes. And so we don’t want to change the end, absolutely not: it’s probably the truest aspect of all our story. There are pages in our history we are certainly not proud of, but they are some how accepted anyway, confirming that mankind can always become master of his own destiny, at any time. In the past we have been capable of wonderful things and we will be so in the Thefuture.message of the Pavilion is precisely the following one: never give up, never be discouraged, never be disillusioned.

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 57 PAVILIONITALIAN

Do you think that in the light of the current facts the positive ending of the Pavilion narrative machine would need to be changed?

Photo

Elena Andreato

Among the Pavilion different references, Pier Paolo Pasolini’s work plays a major role as it already did in the past in other works by Gian Maria, especially as far as the dystopian and oracular Pasolini is concerned. In this case the incipit was the article entitled Il vuoto del potere published in the “Corriere della Sera” on February 1, 1975, which later became famous as “The article of the fireflies”. An intellectual relationship that takes shape here in a “Ut pictura poësis” with a strong literary connotation, a main feature of Gian Maria’s artistic research and of my curatorial investigation as well. What are the deep roots of your partnership and how do you manage to be complementary in your creative process? How would Gian Maria define the role of Eugenio’s curatorship in his work and how does Eugenio explain the choice of the artist Tosatti as the unique voice of his curatorial thought? EV_It was a choice dictated directly by our working habit. In fact we have been working together for several years now at different levels. We met in 2011 in Rome, when I visited one of his site-specific environmental installations entitled Devo tions at the Water Tower at San Camillo Hospital. His work immediately impressed me so much. I am convinced that his work has powerful significant psychoanalytic aspects, as his devices are often designed for one visitor at a time. A physi cal and metaphorical journey that for obvious reasons will not be possible to reproduce in our Pavilion. I remember that when I met Gian Maria at the Professional Days in Venice I told him: “If you wish to do something in Naples, we will do it together.” He then came to visit me in Naples and we carried out this absolutely visionary project, confronting each other without ever fighting; we both have strong characters but we know each other very well and our habit to work together certainly helps us a lot. Obviously it’s not only a question of dating: at the base of our choice there is the ability of Gian Maria to transform spaces even three times larger than the Pavilion, as in the case of the exhibition Seven Seasons of the Spirit in 2016 in Naples. The biggest challenge of this project was to bring a strength and a plastic-dynamic coherence in the spaces of the Italian Pavilion: a challenge that only Gian Maria could meet and face. All ‘fault’ of his eccentric formation, of his continuous confrontation with the spaces of living. I believe Gian Maria is a sort of ‘contempo rary mystic’: his stage training has led him to fill his exhibit spaces with an emotional charge which is quite unique in the contemporary art scene, offering the visitor plenty of stimuli to be reprocessed in different ways.

58 Curator and Artist of Italian Pavilion EUGENIO VIOLA and GIAN MARIA TOSATTI TOSATTIMARIAGIANANDVIOLAEUGENIOWITHINTERVIEW

defeat by rewriting a destiny that cannot be pre-established. We are given the opportunity to change the course of our destiny every day and even several times a day.

GMT_Although Eugenio and I, we have very different tempers I have realized over the years that we are linked by a very strong affinity both from a biographical and profes sional point of view. Eugenio is a very calm person, on the contrary I feel like being perpetually on a raft crossing a lava river; despite these clear differences, we share very strong tensions on an ethical, political, and obviously cultural level. We don’t consider persons like Pasolini and Ortese ‘only’ excellent narrators of Italian literature, but we look at them as witnesses of a very strong moral vocation that we fully share. These similarities, which are evident also in our artistic itin erary, have led me to get into contact with some areas in the world it would be better to stay away from and they have led Eugenio to operate in some very difficult context such as the Colombian one, as head curator of MAMBO - Museo de Arte Moderno de Bogotá. It is as if we were two monks, very different in our charac ters but both devoted to the same religion. We have chosen to join a doctrine characterized by very strong rules which overshadow everything else. This ‘religion’ we have decided to join firmly believes that culture can be an instrument to take a concrete action in our society and in our present. It is a constructive force which underlines the importance not of people like me, Eugenio, Pasolini or Ortese but of the ideas and tensions we can express, in our constant dialogue with the Whenpresent.Ifirst met Eugenio I soon realized how important this

A very recent statement by Putin’s spokesman impressed me a lot: “In our country there are those who support the Presi dent; and then there are those who deal with culture.” I be lieve that this sentence tells us a lot about the present times. It tells us, for example, that a country with a high level of culture is a country that snatches soldiers from the battlefield, one by one. It is a country where war is not possible and where the black pages of history have no place. We do not live in a messianic world. The Pentecostal Spirit will not come over us to save us from this situation: if we want to get a better country we all need to make a concrete effort towards it. All people dealing with culture like us must be the first to be able to show people that there are other ways to improve our lives than physical and ideological clash.

_When we designed our Pavilion we wished to realize a fully immersive experience. Gian Maria’s work has always been characterized by a strong semantization of the spaces and of the devices he uses to concretize the spirit of his work. The spaces of the Pavilion will recall those described in La Dismissione by Ermanno Rea (Feltrinelli, 2002), which I consider the last industrial novel of Italian literature, focused on the disposal of the factory Ilva in Bagnoli, a disposal to be understood more extensively as the demolition of a whole thinking system. By starting from a specific event like this one it is then possible to deal more widely with a problem that involves the society as a whole and the ideas that support or have supported it up to a given moment. A mental disposition, a vision I would say, that characterizes both this important novel and the project of the Pavilion, as a proof of the strong metaphorical power peculiar to art making.

What are the living sources and essential references of the ‘intermedial’ language– art, literature, theatre, music, performance – used for the realization of your EVwork?

Naples was an important phase in my career, a fundamental encounter with a very strong cultural heritage. It was such an intense relationship that I finally decided to go and live there. Needless to go around: in Italy we have a city with a very strong cultural power, i.e. Milan, but we have to recognize that Naples has played a major role in the cultural production of the last generation, practically in every cultural field, both at a national and international level.

Relationship between man/nature/territory/development/industry. It looks like we were reading the common destiny of two cities, Naples and Venice, whose survivals are linked to the will of the Volcano and to that of the tides. Neapolitan creativity and vitality have shown over time how permanent uncertainty can be It is as if we were two monks, very different in our characters but both devoted to the same religion. We have chosen to join a doctrine characterized by very strong rules which overshadow everything else. This ‘religion’ we have decided to join firmly believes that culture can be an instrument to take a concrete action in our society and in our present GMT

Naples is also the city where the first strong performance by Marina Abramovic´, Rhythm 0, took place in the Studio Morra gallery in 1974. Marina has carried out countless projects in her long journey, some of which have become in all respects “history of art”. Some pages of this history has been written in Naples thanks to some extraordinary protagonists of the contemporary scene with whom Eugenio and I collaborate, such as Giuseppe Morra of the Morra Foundation, who also supported us in the creation of this Pavilion. Personally I have always clearly denied the idea of a sup posed, aseptic originality that would characterize the profile, the work of an artist regardless of the context in which he thinks, operates and creates; the idea of a phantom artist popping out of nowhere, supported by the titanic force of his art is in my opinion a non-sense, a sort of Sturm und Drang for teenagers. For me, art is a story made up of people, com munities, cities. As far as we are concerned, we are children of the history of Naples and of the twenty-first century, which in turn rests on the history of Naples in the twentieth century and goes gradually backwards to its deepest cultural and anthropological roots. Which is the Neapolitan imprinting in our Pavilion? It’s simply the two of us because without Naples we would not be here today.

GMT_I am convinced that for a long time artists were asked just to be interesting and original without taking into account many other aspects influencing their personality, such as their places of origin. On the contrary, I think that an art ist has strong roots, which have to confront, intertwine with other roots. History of art has always taken into consideration cities and contexts where an artist is born and develops his Somepersonality.artists can be considered ‘individually’ detached from everything that surrounds them maybe because they have very difficult personal stories, but these are undoubtedly exceptions. The most important histories of art have always dealt with cities, places, relationships.

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 59 PAVILIONITALIAN

encounter was to me. We are linked by such a strong and complex relationship that I have almost stopped working with other curators. I know it’s not easy to work with me. I deal with burning issues, I propose itineraries where ‘there is no place for tourism’. I take the visitor to ‘human war zones’, I know that this expression might sound inappropriate, but I can’t find a different one right now. When you decide to go down this road, it’s because you want to help, to fight, to do something tangible, you must have the vocation to be there. I have been doing this job for twenty years now and I real ize more and more that the most important thing is not the personality but the inspiration shared by people who can be different from each other but are linked by a strong vocation, be it political, ethical or cultural. For this reason my relationship with the curators is almost inexistent, unless this relationship turns into a collaboration with a travel companion with whom I can share a vocation that goes beyond the simple professional relationship. And then there’s Naples... “Don’t disunite”! suggests Antonio Capuano to Fabietto/Sorrentino in The hand of God . Which is the fundamental Neapolitan imprinting in the DNA of your Pavilion? EV_It is certainly a Southern traction Pavilion, which is born in Naples, just like our partnership, which looks at the Nea politan area in particular referring to Rea we were talking about before. Just as Rea starts speaking of the individual level to move on to the universal one, in the same way we start from Naples to move on to the universal to finally go back to Naples.

JOSEPH BEUYS FINAMENTE ARTICOLATO Curated by Luca Massimo Barbero in collaboration with 20 APR – 2 OTT 2022 Tutti i giorni 11 - 19 Chiuso il martedì 20 APR – 2 OCT 2022 Every day 11am - 7pm Closed on Tuesdays KlophausUte/MoylandSchlossMuseumStiftung/bpk© ArchivBeuysJoseph/KunststiftungSiemensvonErnstderLeihgabe/

Italian Pavilion EUGENIO VIOLA and GIAN MARIA TOSATTI PAVILIONITALIAN

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 61

Recently, talking about the theme of tragedy with the stage director Romeo Castellucci, we highlighted the role of art in bombarding certainties: it is bad to say this at a time when reality is fully overcoming art in fulfilling this role, but this confirms how art can awaken people’s conscience, more and more asleep in its own alleged certainties especially in the opulent Western world. On this occasion our work comes into contact with the uncer tainty of reality, inviting people to question all the certainties that have led us to the present situation, such as our consump tion, our habits that are often harmful to the planet. These certainties sometimes may have to do with the belief that it is not so important to dialogue with other people or that it’s normal to overwhelm our fellowmen through self-referential words and attitudes. How does the Italian Pavilion relate to the theme/title of Cecilia Alemani’s Biennale and how does it detect or interpret her vision of art under transformation?

GMT_It is no coincidence that the Venetians are called “the Neapolitans of the North”. I believe that a state of uncertainty is strictly linked to a waking state of our consciousness. When we are satisfied, fulfilled and safe we forget everything and look no longer outside our lives, we fall asleep. In a state of uncertainty we notice everything surrounding us because we need it; in lack of certainties we realize the value of things, because we feel their precariousness, their inherent fragility, the real possibil ity of losing them.

come a substantial element in managing the present, while the destiny of a place of art and art collector like Venice seems to be that of a storage of ideas generated elsewhere. How can an artistic and curatorial project introduce elements of life beyond the short existence of an exhibition? How can uncertainties become the foun dations of the future?

EV_We met by pure coincidence, as is often the case. We were not in contact and did not know the themes her curato rial research would focus on. Yet a very intense dialogue has been set up between the inspiration at the base of our Pavilion which after all has an optimistic and cathartic view, and the core theme of The Milk of Dreams, the conceptual galaxies that Cecilia Alemani has built through a mechanism of change, transformation and creation of possible worlds. Going back to what Gian Maria said before, I believe that another common element between our project and that of the main exhibition of the Biennale is the conviction that art must provide an alternative and complementary point of view to the great political and moral issues we are confronting at present. When reality surpasses art itself by undermining our certainties, if we imagine possible and better worlds we make an act of cultural resistance. This in turn is part of what I believe is Cecilia’s most wideranging curatorial research: let’s think to the title of the Italian Pavilion she curated in 2017 The Magical World. This was one of the best in the past few years, which showed how her

GMT_As far as I am concerned I believe that The Milk of Dreams is the evidence I always find in the people I meet. Traveling the world gives me the strength and inspiration to do what I consider to be the job of my dreams, the job I have chosen myself, not a profession I found by chance. A job that is not rooted in my identity, but in the truth I discover through the people I come into contact with, a truth that these people allow me to handle and to bring back within my art. EV_As far as I am concerned The Milk of Dreams materializes in a galaxy of optimism.

Curator and Artist of

Il mio cuore è vuoto come uno specchio – Episodio di Catania, 2018, installazione ambientale, site specific. Courtesy Galleria Lia Rumma, Milano/Napoli research was already consistent with what she proposes this year as curator of the Biennale. What is Eugenio Viola’s and Gian Maria Tosatti’s Milk of Dreams?

There You Are Bulgaria National Pavilion Spazio Ravà | San Polo, 1100 23.04.2022 - 27.11.2022 GuatemalaInclusion National Pavilion SPUMA - Space for the Arts | F.ta San Biagio, Giudecca, 800R 22.04.2022 - 27.11.2022 Tales of Muted Spirits | Dispersed Threads | Twisted Shangri-La Nepal National Pavilion Sant’Anna Project Space | F.ta Sant’Anna, Castello, 994 22.04.2022 - 27.11.2022 Destined SultanateImaginariesofOmanNational Pavilion Artiglierie | Arsenale 23.04.2022 - 27.11.2022 Radiance: They Dream in Time Uganda National Pavilion Palazzo Palumbo Fossati | San Marco, 2597 23.04.2022 - 26.11.2022 Rony Plesl. Trees Grow from the Sky Collateral Event by House České Budějovice Chiesa di S. M. della Visitazione | F.ta Zattere ai Gesuati, Dorsoduro, 919A 22.04.2022Without27.11.2022Women Collateral Event by Visual Research Support Foundation Spiazzi | Calle del Pestrin, Castello, 3865 21.04.2022 - 27.11.2022 Uncombed, Unforeseen, Unconstrained Collateral Event by Parasol Unit Foundation Conservatorio B. Marcello | Campiello Pisani, San Marco, 1910 21.04.2022 - 27.11.2022 PROJECTSBIENNALE

180 exhibition venues | project management | logistics | cost-effective locals suppliers | set up | authorizations | PR & communication | catalogues | events | 24/7 organizing secretariat | curatorship Discover us Discover all Antoni Clavé. Lo Spirito del Guerriero Independent Project by ACP and Antoni Clavé Archives Palazzo Franchetti | San Marco, 2847 22.04.2022 - 23.10.2022 Globalise the Artworld Independent Project by ARTBOX Groups Tana Art Space | F.ta de la Tana, Castello, 2111 08.03.2022 - 31.07.2022 Where Once the Waters Independent Project by David Cass Latteria Moderna | Via Garibaldi, Castello, 1791 18.04.2022 - 24.05.2022 Peter Pan. La nécessité du rêve Independent Project by Fondation Valmont Palazzo Bonvicini | Calle Agnello, San Polo, 2161/A 23.04.2022 - 26.02.2023 Stagione Ticinese, Papiers de Paysages Independent Project by Jacques Martinez SPARC* - Spazio Arte Contemporanea | Campo Santo Stefano, San Marco, 2828A 17.04.2022 - 27.11.2022 KUB in Venice. Otobong Nkanga | Anna Boghiguian Independent Project by Kunsthaus Bregenz Scuola di San Pasquale | Campo San Francesco, Castello 20.04.2022 - 04.07.2022 From Chaos to Harmony Independent Project by SUMUS La Fucina del Futuro | Calle San Lorenzo, San Marco, 5063B 09.04.2022 - 17.07.2022 PROJECTSINDEPENDENT

artiststhirteenandhundredTwo 213 artists from 58 countries, 180 of them are participating for the first time in the 59. International Art Exhibition. The Milk of Dreams presents 1433 works and objects. 80 new projects are conceived specifically for the Biennale Arte 2022.

66 ARTISTS The Milk of Dreams PARTICIPANTS A-Z Noor MirellaBenedettaMariaDjunaJosephineFelipeFireleiBelkisShuvinaiRuthGertrudMarinaÖzlemSophiaMoniraEileenIgshaanCarlaAbuarafehAccardiAdamsAgarAlQadiriAl-Maria*AltınApollonioArndtAsawaAshoonaAyónBáezBaezaBakerBarnesBartuszováBentivoglio in collaboration with Annalisa Egle˙DoraKerstinMarianneLouiseCosimaTomasoMerikokebAlloattiBerhanuBingavonBoninBonnetBrandtBrätschBudorBudvytyte˙ in collaboration with Marija Olšauskaite˙ and Julija Steponaityte˙ Liv SimnikiweBugge Buhlungu* Miriam Cahn Claude Cahun Elaine Cameron-Weir Milly AgnesSoniaLiseValentineLenoraNoahDadamainoJuneMyrlandeIthellAnnaAliGabrielGianninaGiuliaAmbraReginaLeonoraCanaveroCarringtonCassoloBracchiCastagnetti*CenciCensiChaileCherriColemanLaddColquhounConstantCrespoDavisdeBarrosdeSaint-PointDeharmeDelaunayDenes Maya Deren Lucia Di Luciano Ibrahim El-Salahi Sara KapwaniBronwynAllisonIdaBirgitJamianLoïsCharlotteGeumhyungAlettaSaodatTatsuoKudzanai-VioletJacquelineMargueriteTishanShereeGeorgianaRebeccaJessieHannahCharlineLynnFlorenceSheroanaweAnetaRobertKarlaLauraJaneNanRobertoElisaFicreLindaAageIlseKatharinaElsaLeonorCélestinSimoneSafiaJesJadéAlexandraMinnieJanaJaiderAndroChiaraEnricoEnzoEradze*EsbellEulerEvansExterFadojutimiFanFarhatFattalFaustinFinivonFreytag-LoringhovenFritschGarnierGaupGazzeraGhebreyesusGiardinaPapaGildeMontesGoldinGraverolGrisiGroschGrosvenorGrzeszykowskaHakihiiweHenriHershmanLeesonvonHeylHöchHomerFrenchHornHoughtonHovsepianHsuHumeauHumphriesHwami*IkedaIsmailovaJacobsJeongJohannessonMailouJonesJuliano-VillaniJürgenssenKarKatzKatzKiwanga Kiki GabrielleTetsumiBarbaraKogelnikKrugerKudoL’Hirondelle Hill Louise JanisRachildeChristinaGisèleAnuAlexandraJoannaJuliaThaoSolangeSondraElleValentineRosanaVioletaEusapiaPrabhakarAkosuaVirginiaOvartaciMeretPreciousMagdaleneAmyLouiseNadjaMrinaliniSandraSisterDelcyVeraMariaSidselDiegoBrittaJoyceMarujaBayaZhenyaLuYangAntoinetteMinaCandiceLilianeShuangTauHannahSimoneMireCarolynLawlerLazardLeeLeighLevyLewisLiLijnLinLoyLubakiMachnevaMahieddineMalloMansourMarakatt-LabbaMarconMeinecheHansenSibyllaMerianMolnárMorelosGertrudeMorganMujingaMukherjeeNevelsonNimrOdundoOkoyomonOppenheimOvertonAdomaOwusuPachputePalladinoParraPaulinoPenrosePérezPerryPessoaNguyenPhanPhillipsPiotrowskaPiriciPõderPrassinosQuarlesRafa Alice Rahon Carol Rama Paula Rego Edith Rimmington Enif Robert Luiz NikiRosaRoqueRosàdeSaint Phalle Giovanna Sandri Pinaree Sanpitak Aki SandraRemediosGraziaAndraKaariWuRosemarieToyenTourmalineJosefaTeclaBridgetDorotheaEmmaToshikoSophieP.MaryTeresaSableHélèneMariannaEliasAmyLillianandLaviniaAugustaSasamotoSavageSchulzWalterHoldtSchwartzSillmanSimeSimnettSmithElyseSmithSolarEllenSoltStaffTaeuber-ArpTakaezuTalbotTanningTichenorTofanoTolràTrockelTsangUpsonUrsut¸aVariscoVaroVásquezdela Horra Marie MetaRaphaelaMarianneNandaCeciliaVassilieffVicuñaVigoVitaleVogelVauxWarrick Fuller Laura Wheeler Waring Ulla PortiaUnicaZhengFrantzMügeMaryWiggenWigmanYilmazZéphirinBoZürnZvavahera

Noor Abuarafeh BORN 1986, Jerusalem, Israel LIVES&WORKS between Jerusalem, Palestine and Maastricht, The Netherlands L’opera ultra-contemporanea di Noor Abuara feh si focalizza sulla complessità della storia, su come questa viene plasmata, documen tata, trasmessa e compresa, e prende in considerazione la possibilità di ‘tracciare l’as senza’ usando l’immaginazione per colmare le lacune della memoria o per prevedere il futuro. Lavorando con diversi media, tra cui pittura, fotografia, video, installazione e performance itineranti, Abuarafeh attinge da archivi perso nali e pubblici per creare opere socialmente impegnate, spesso basate sul testo, che l’arti sta descrive come forme alternative di libri.

2019 • 13th

2017

•

Among the most dynamic, daring and prolific artists of her generation, which included her friends André Breton, Gertrude Hermes, Dora Maar, Lee Miller, Paul Nash and Man Ray, Eileen Agar in the 30s is one of the leading British exponents of Surrealism and takes part to the International Surreal ist Exhibition in London in 1936. Her unique style easily embraces painting, collage, photography and sculpture; he even goes so far as to create ceremonial hats. Combin ing order and chaos, Hagar’s work blends a vivid abstraction with images of classical art, the natural world, and sexual pleasure.

SIGNS •

• Oil: Beauty and Horror in the Petrol Age, Kunstmuseum Wolfsburg, Germany, 2021 • Theater of Operations: The Gulf Wars 1991–2011, MoMA PS1, New York, USA, 2020 • Glasstress, Palazzo Franchetti, Venice, Italy, 2017

SOGNIDEILATTEIL the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 67

• The Angel of Anarchy, Tate Gallery, London, UK, 1940

Indiscussa protagonista dell’arte astratta dal 1947, anno in cui aderì al gruppo Forma 1 rivendicando il valore estetico della forma pura, Carla Accardi ha elaborato un personale linguaggio basato sulla forza visiva ed espres siva del segno. Un segno-colore reiterato sulle superfici dei dipinti come una sorta di scrittura automatica, che si propaga attraverso anda menti vorticosi o ritmici definendo l’immagine e lo spazio. Un segno-colore che a volte di venta più ampio e si fa forma, autoreferenziale, sempre svincolato da qualsivoglia riferimento mimetico e in continua dialettica con i diffe renti materiali su cui è tracciato. ENG Undisputed protagonist of abstract art since 1947 – the year she joined Forma 1 art group – Carla Accardi elaborated a personal language based on the visual and expressive potential of the sign, a sign/ colour repeated on surfaces as a sort of au tomatic writing that propagates in vortices or rhythms and thus defining images and space. Signs/colours grow larger and, oc casionally, grow into self-referential shapes, with no discernible connection to figuration, and in constant relationship with the under lying material. Carla Accardi. Spazio Ritmo Colore, Museo Carlo Bilotti, Rome, Italy 2011 The Italian Metamorphosis, Guggenheim Mu seum, New York, USA, 1955 24th Venice Biennale, Italy, 1948 Igshaan Adams BORN 1982, Cape Town, South Africa

ENG Noor Abuarafeh’s ultra-contem porary work focuses on the complexity of history, how it is shaped, documented, trans mitted and understood, and considers the possibility of “tracing absence” using imagi nation to fill memory gaps or to predict the future. Working with different media, includ ing painting, photography, video, installa tion, and itinerant performances, Abuarafeh draws from personal and public archives to create socially engaged, often text-based works that the artist describes as alternative forms of books. Biennale, Germany, Moon is a Sun as a , Al Ma’mal Foundation for Contemporary Art, Jeru salem, Israel, Sharjah Biennial, United Arab Emirates, Carla Accardi 1924, Trapani, Italy 2014, Rome, Italy

LIVES&WORKS Cape Town, South Africa La pratica artistica di Igshaan Adams unisce scultura, performance, tessitura e installazio ne. Adams con la sua arte restituisce la sua radicale protesta contro ogni sorta di confine, sia esso razziale, sessuale o religioso, avvi cinandosi alla materia attraverso la propria soggettività. Spesso i riferimenti culturali e religiosi sono accostati a superfici da lui utiliz zate da sempre durante tutto l’arco della sua carriera, come filo, perline, linoleum, spago di cotone, stoffa. ENG Igshaan Adams’ creations are a blend of sculpture, performance, textile art, and installation. His art embodies his radi cal protest any kind of border, be it based on race, sex, or religion. Often, cultural and religious references are put together in mixed-media workboards containing thread, beads, linoleum, cotton twine, cloth.

SIGNS • Allied with Power, Perez Art Museum Miami, Miami, USA, 2020 • Material Insanity, Museum of African Contem porary Art Al Maaden, Marrakech, Marocco, 2019 • In This Imperfect Present Moment , the Seat tle Art Museum, Seattle, USA, 2018 Eileen Agar 1899, Buenos Aires, Argentina 1991, London, UK Tra le artiste più dinamiche, audaci e prolifiche della sua generazione, che includeva gli amici André Breton, Gertrude Hermes, Dora Maar, Lee Miller, Paul Nash e Man Ray, Eileen Agar negli anni ‘30 è una delle principali esponenti britanniche del Surrealismo e partecipa all’E sposizione Internazionale Surrealista di Londra nel 1936. Il suo stile unico abbraccia agilmente pittura, collage, fotografia e scultura; arriverà a creare persino cappelli cerimoniali. Combi nando ordine e caos, il lavoro di Agar fonde una vivida astrazione con le immagini dell’arte classica, del mondo naturale e del piacere sessuale.ENG

• International Surrealist Exhibition, New Burl ington Galleries, London, UK, 1936 Monira Al Qadiri

LIVES&WORKS Berlin, Germany Figlia di Thuraya Al-Baqsami, pioniera dell’arte moderna nel Kuwait degli anni ’60, Monira Al Qadiri nasce in Senegal e cresce in Giappone. Nel 2010 consegue il dottorato in arte multi mediale presso l’Università delle Arti di Tokyo, dove la sua ricerca si concentra sull’estetica della tristezza nella poesia, nella musica, nell’arte e nelle pratiche religiose del Medio Oriente. Attraverso scultura, performance, fo tografia e videoarte, l’opera di Al Qadiri esplo ra, tra umorismo nero e malinconia, tematiche sia personali che sociali, producendo potenti e inquietanti scenari speculativi che guardano al passato, al contempo indagando possibili futuri per le cosiddette “petroculture” e più estesamente per le reti politiche globali.

Returning

• Eileen Agar: Angel of Anarchy, Whitechapel Gallery, London, UK, 2021

SIGNS

•

SIGNS

SIGNS • 11th Berline

Ghost

BORN 1983, Dakar, Senegal

ENG Thuraya Al-Baqsami’s daughter, a pioneer of modern art in Kuwait in the 60s, Monira Al Qadiri was born in Senegal and grew up in Japan. In 2010 she obtained her PhD in Multimedia Art at Tokyo University of Arts, where her research focused on the aesthetics of sadness in poetry, music, art and religious practices of the Middle East. Through sculpture, performance, photogra phy and video-art, Al Qadiri’s work explores both personal and social themes with black humour and melancholy, producing power ful and disturbing speculative scenarios that look to the past, while investigating possible futures for the so-called “petrocultures” and more extensively for global political net works.

2020 • The

The Milk of Dreams PARTICIPANTS

SIGNS • Dal gesto alla forma. Arte europea e ameri cana del dopoguerra nella Collezione Schul hof, Peggy Guggenheim Collection, Venezia, Italy, 2019 • The Illusive Eye, El Museo Del Barrio, New York, USA, 2016 • Arte Programmata e Cinetica, Galleria Nazi onale d'Arte Moderna, Rome, Italy, 2012 Gertrud Arndt 1903, Ratibor (Racibórz), German Empire (present-day Poland) 2000, Darmstadt, Germany Fotografa e designer tedesca, la sua opera è stata riscoperta solo a partire dagli anni ‘80 nonostante sia stata una delle artiste del Bauhaus di maggior talento, conosciuta so prattutto per il design astratto dei suoi tappeti, visivamente spettacolari per il sapiente uso del colore. I primi anni ‘30 sono il suo periodo di maggior attività, quando fotografa se stessa e le sue amiche in una gamma di costumi, ac conciature, espressioni facciali e scenografie che vanno dal severo all’assurdo e al giocoso: i Ritratti in maschera ENG A German photographer and de signer, her work has started to be rediscov ered only in the 80’s although she was one of the most talented Bauhaus artists, known above all for the abstract design of her car pets, visually spectacular for her skillful use of color. The early 30’s were the years when she was most active, when she took pictures of herself and her friends in severe, absurd and playful costumes, hairstyles, face ex pressions and sets: the Masked Portraits.

A-Z ENG

68 ARTISTS

SIGNS • Özlem Altin. Lens, Kunst Meran, Merano, Italy, 2019 • Cathartic ballet , Circus, Berlin, Germany, 2013 • Ianus (My memory of what happened is not what happened) , Fondazione Morra Greco, Naples, Italy, 2010 Marina Apollonio BORN 1940, Trieste, Italy LIVES&WORKS Padua, Italy Tra gli esponenti più rappresentativi del movimento Ottico-Cinetico internazionale, segue i corsi di pittura dell’artista Giuseppe Santomaso all'Accademia di Belle Arti di Ve nezia e si dedica all’industrial graphic design e all’architettura per interni. Insieme ad altri esponenti dell’Optical Art segue un’idea di arte depersonalizzata, che contesta il concet to di astrazione espressiva. Utilizza materiali industriali moderni per creare strutture che nell’osservazione dello spettatore divengono spazi dinamici e fluttuanti.

ENG One of the most important rep resentatives of the international optical/ kinetic movement, Apollonio attended paint ing classes by Giuseppe Santomaso at the Venice Fine Arts Academy to later work on graphic design and interior architecture. Together with other exponents of the Optical Art trend, she adheres to the concept of dep ersonalized art, countering the idea of ex pressional abstraction. The artist used mod ern industrial materials to create structures that, in the viewer’s eye, become dynamic, fluctuating spaces.

SIGNS

An artist, author, and director, Sophia Al-Maria grew up in America and in Qatar before moving to Cairo to study comparative literature at the American Uni versity. Her sources of inspiration are appar ently very diverse, and influence Al-Maria’s multidisciplinary artmaking to include pop culture, anime, Arabic poetry, science fic tion. She works primarily with film and text, and her latest works focus on themes such as technology-driven isolation, consumerism as a neo-religion, and protesting against pol lution and climate change. Cecilia Alemani chose Sophia Al-Maria for the V&A special project at the Pavilion of Applied Arts, Sale d’Armi, Arsenale (see p.47 the GUIDE ).

SIGNS • Beast Type Song, Tate Britain, London, UK, 2019 • Project Room #10, Sophia Al-Maria, Mirror Cookie, Fondazione Pomodoro, Milan, Italy, 2019 • Biennale of Moving Images, Miami, USA, 2017 realizzare il proprio lavoro Özlem Altın scandaglia un impressionante archivio foto grafico accumulato in molti anni, combinando in un denso amalgama immagini trovate e ritagliate in giro con fotografie scattate da lei stessa. Al centro delle opere e delle installa zioni di Altın c’è spesso il corpo, destrutturato, privato della propria identità, spersonalizzato, intercambiabile. Le immagini diventano oggetti entrando in una relazione spaziale con l’instal lazione, il corpo e le proporzioni dell’osserva tore. Trovando connessioni tra i suoi strati di fotomontaggio e inchiostro, l’artista spinge gli spettatori a creare narrazioni riconoscendo ciò che accade tra le immagini.

To realize her work Özlem Altın probes into an impressive photographic archive accumulated over many years, com bining images found and cropped around with pictures taken by herself. Often Altın’s works and installations focus on the body: an unstructured, depersonalized, interchange able body, deprived of its identity. Images become objects create a spatial relationship with the installation, the body and the pro portions of the observer. Finding connec tions between her layers of photomontage and ink, the artist pushes viewers to create narratives by recognizing what’s happening between the images.

• The New Woman Behind the Camera, The Metropolitan Museum of Art, New York, USA, 2021 • Weaver and photographer – Gertrud Arndt , Bauhaus Archive/Museum of Design, Berlin, Germany, 2013 • Gertrud Arndt , Museum Folkwang, Essen, Germany, 1979 Ruth Asawa 1926, Norwalk, USA 2013, San Francisco, USA Scultrice modernista statunitense, Asawa ha associato il proprio nome alle sculture in filo metallico, strutture intrecciate leggere, spesso pendenti dal soffitto, che sembrano fluttuare nello spazio, creando una forma che è ‘dentro e fuori’ allo stesso tempo. Appassionata so stenitrice dell’educazione artistica come espe rienza trasformativa e fortificante, ha promos so attivamente programmi artistici per bambini e ha legato il proprio nome a quello della città di San Francisco, che ospita molti suoi lavori, soprattutto fontane. ENG An American modernist sculptor, Asawa has associated her name with wire sculptures, light woven structures, often hanging from the ceiling, that seem to float in space, creating a form that is ‘inside and out side’ at the same time. A passionate advocate of art education as a transformative and forti fying experience, she has actively promoted art programs for children and has linked her name to the city of San Francisco, which is home to many of her works, especially foun tains.

Sophia Al-Maria

PAVILION OF APPLIED ARTS BORN 1983, Tacoma, USA LIVES&WORKS London, UK Artista, scrittrice e regista, Sophia Al-Maria è cresciuta tra gli Stati Uniti e il Qatar prima di trasferirsi in Egitto per studiare letteratura comparata all'Università americana del Cairo. Le fonti di ispirazione apparentemente dispa rate che informano la pratica multidisciplinare di Al-Maria includono la cultura pop, gli anime, la poesia araba, la fantascienza. Lavorando principalmente con film e testi narrativi, le opere più recenti interessano sempre più temi quali l'isolamento degli individui prodot to dall’utilizzo ossessivo della tecnologia, il consumismo vissuto come neo-religione, la denuncia contro la crisi climatica. Sophia AlMaria è stata scelta da Cecilia Alemani per il progetto speciale V&A al Padiglione delle Arti Applicate, Sale d’Armi, Arsenale (vedi p.47 the ENGGUIDE).

Özlem Altin BORN 1977, Goch, Germany LIVES&WORKS Berlin, Germany Per

70 ARTISTS The Milk of Dreams PARTICIPANTS A-Z ARCHITECTURE SCALA CONTARINI DEL BOVOLO check gioiellinascostidivenezia.it for opening hours info: cultura@fondazioneveneziaservizi.it | +39 0413096605 DISCOVERY COMPLESSO DELL’OSPEDALETTO plan your visit: booking@fondazioneveneziaservizi.it gioiellinascostidivenezia.it ART SALA DELLA MUSICA plan your visit: booking@fondazioneveneziaservizi.it EXPERIENCE CHIESA DI SANTA MARIA DELLE PENITENTI get in touch: art@fondazioneveneziaservizi.it DISCOVERY EXPERIENCEARTARCHITECTURE

ENG Made with collage, décollage and engraving techniques, Felipe Baeza’s works on paper explore the adaptive and resilient nature of the body in danger. Influenced by the experience of displacement and immi gration, Baeza tells stories of marginalized and persecuted peoples drawing inspiration from Mayan mythology and Afrofuturism. The cold and subtle palette of his surreal im ages creates a ghostly and dreamlike, almost spiritual effect. Fragmented, dismembered, dismantled bodies, where vegetation sprouts from their limbs, hint at the trauma of the violence suffered in the past, revealing at the same time, in these places of rupture, a fertile ground for new growth.

assemblaggi

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 71 SOGNIDEILATTEIL SIGNS • Women in Abstraction, Centre Pompidou, Paris, France, 2021 • Ruth Asawa: Drawing in Space, David Zwirner 69th St. New York, USA, 2020 • Ruth Asawa: Life’s Work , Pulitzer Arts Foun dation, Washington, USA, 2018 Shuvinai Ashoona BORN 1961, Kinngait, Canada LIVES&WORKS Kinngait, Nunavut, Canada Artista Inuit di terza generazione, Shuvinai Ashoona è internazionalmente conosciuta per i disegni su larga scala che realizza con penna, inchiostro, matite colorate e bastoncini a olio. I suoi lavori, meticolosamente detta gliati, rievocano i tradizionali motivi dell’arte Inuit, sovvertendone le nozioni stereotipate per incorporarle in una sofisticata iconografia altamente personale. Con immagini che vanno da scene di vita quotidiana osservate dalla sua casa artica a visioni fantastiche e stranianti, i disegni dai colori vivaci di Ashoona brulicano di vita e confondono i confini tra fantasia e realtà, tra passato e futuro. Una personalità eclettica da scoprire nel film documentario di Marica Connolly Ghost Noise (2010).

per

ENG Cuban artist Belkis Ayón, who committed suicide at the age of 32, marked a turning point in the history of latin American engraving art for the exceptional quality of her impressive assemblages of collographs and for the postmodern character of her re search. She bursts onto the global art scene at the age of twenty with her works inspired by the myth of Abakuá, an obscure Afro-Cu ban religious cult reserved for men, which syncretizes with iconographic elements of Catholic religion. The powerful engravings and large-size collographies she realized since the 90s remind us of Belkis’ existential drama and of her country social crisis, a vi sion dominated by a raging censorship, vio lence, intolerance, exclusion, inequalities, control mechanisms and power structures.

The Milk of Dreams PARTICIPANTS A-Z

ENG A third-generation Inuit artist, Shuvinai Ashoona is internationally known for her large-scale drawings realized with pen, ink, colored pencils and oil sticks. Her meticulously detailed works evoke the traditional motifs of Inuit art, subverting ste reotyped notions to incorporate them into a sophisticated, highly personal iconography. With images ranging from scenes of every day life observed from her Arctic house to fantastic and alienating visions, Ashoona’s brightly colored drawings teem with life and blur the boundaries between fantasy and reality, between past and future. An eclectic personality to discover in Marica Connolly’s documentary film Ghost Noise (2010). on to Universes, Glasgow Centre for Contemporary Arts, Scotland, 2020 Gershon Iskowitz Prize 2018, Canada All Our Relation, 18th Biennale of Sydney, Aus tralia, 2012 Belkis Ayón 1967–1999, Havana, Cuba Morta suicida a soli 32 anni, l’artista cubana Belkis Ayón ha segnato una svolta nella sto ria dell’arte dell’incisione latino-americana l’eccezionale qualità dei suoi imponenti di collografie e per il carattere della sua ricerca. Fa irruzione sulla scena artistica globale a vent’anni con opere ispirate dal mito di Abakuá, oscuro culto religioso afrocubano riservato ai soli uomini, che sincretizza con elementi iconografici della religione cattolica. Le potenti incisioni e le col lografie di grande formato realizzate a partire dagli anni ‘90 restituiscono il dramma esisten ziale di Ayón e la crisi sociale del Paese, una visione in cui imperversano censura, violenza, intolleranza, esclusione, disuguaglianze, mec canismi di controllo e strutture di potere.

SIGNS • Belkis Ayón, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain, 2021

•

ENG Mixing painting, sculpture, draw ing and installation, Firelei Báez places pow erful portraits of subjects linked to the Afri can diaspora in a fantastic world suspended in time by imagining fictitious alternative universes dominated by female protagonists. Báez paints on recycled materials, pages of old handbooks, travel journals, biographies. On these surfaces she stratifies the fabric of the past with visions of a newly imagined present, creating a generative and produc tive space «where the bellicose ledger of the past can make way for new accounts of what we hope to become and where individual viewers can look for themselves.” Alpert Award in the Arts, 2020 Immersion into Compounded Time and The Paintings of Firelei Báez , Mennello Museum of American Art, Orlando, USA, 2019 • Future Generation Art Prize, Venice, Italy, 2017 Felipe Baeza BORN 1987, Guanajuato, Mexico LIVES&WORKS New York, USA Realizzati con tecniche di collage, décollage e incisione, i lavori su carta di Felipe Baeza esplorano la natura adattiva e resiliente del corpo in pericolo. Influenzato dall’esperienza dello sfollamento e dell’immigrazione, Baeza narra storie di popoli emarginati e perseguitati attingendo alla mitologia Maya e all’afrofutu rismo. La tavolozza fredda e tenue delle sue immagini surreali crea un effetto spettrale e onirico, quasi spirituale. Corpi frammentati, smembrati, smantellati, dalle cui membra ger moglia vegetazione, alludono al trauma della violenza del passato, rivelando al tempo stes so, in questi luoghi di rottura, un terreno fertile per una nuova crescita.

• Nkame: A Retrospective of Cuban Printmak er Belkis Ayón, Landau Travelling Exhibitions, Los Angeles, USA, 2019 • 45th Venice Biennale, Italy, 1993 Firelei Báez BORN 1981, Santiago de los Caballeros, Dominican Republic LIVES&WORKS New York, USA Mixando pittura, scultura, disegno e installa zione, Firelei Báez proietta potenti ritratti di figure di soggetti legati alla diaspora africana in un regno fantastico sospeso nel tempo, in cui vengono immaginati universi alternativi fittizi dominati da protagoniste femminili. Báez dipinge su materiali di recupero, pagine di vecchi manuali, diari di viaggio, biografie: superfici su cui stratifica il tessuto del passato con visioni di un presente appena immaginato, creando uno spazio generativo e produttivo «dove il bellicoso libro mastro del passato possa far posto a nuovi resoconti di ciò che speriamo di diventare e dove i singoli spettato ri possano cercare se stessi».

SIGNS • Herb

SIGNS • Holding

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SIGNS • Unruly Suspension, Maureen Paley, London, UK, 2021 • Through the Flesh to Elsewhere, The Mistake Room, Los Angeles, USA, 2020 • Felipe Baeza, Maureen Paley, London, UK, 2018 Josephine Baker Saint Louis, USA, 1906 Paris, France 1975 Queer ante litteram, all’inizio del ‘900 Josephi ne Baker, cantante, danzatrice e performer straordinaria, rappresenta l’espressione più scatenata e ottimista di una fisicità positiva e liberata, mai più così potentemente eguaglia ta: seni al vento, gonnellino di banane, ritmi jazz forsennati da ballare in maniera tribale o moderna, sensuale e smaliziata al contempo. Più di mille uomini ne hanno chiesto la mano, qualcuno si è anche suicidato per lei, ma non è tutto qui: spia per la resistenza parigina, mi

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postmoderno

SIGNS •

SIGNS • Zouzou, movie by Marc Allégret, 1934 • Revue, Folies Bergère Music-hall, Paris, France, 1927 • Revue nègre, Théâtre des Champs-Élysées, Paris, France, 1925 Djuna Barnes 1892-1982, New York, USA Autrice di Nightwood (1936), capolavoro nar rativo del modernismo, considerato dalla criti ca letteraria come uno dei romanzi più influenti del XX secolo, Djuna Barnes fu scrittrice e giornalista d’assalto, brutale e raffinata, sa gace e rapace. Modernista, lesbica, vigorosa, austera, piaceva a Truman Capote ma anche a David Foster Wallace. «Genio famelico, tra i pochissimi indifferenti al loro tempo, al pari dei gabbiani che volano alti sopra l’Oceano solo per piombare di quando in quando a rapirgli la sua preda più occulta», scriveva di lei Cristina Campo. Figura chiave dell’ambiente bohémien parigino, Djuna scrisse poco, riuscendo però a catturare e a restituire, con uno sguardo inedito e femminile, gli umori, le attitudini e le inquietudini di una stagione dell’avanguardia europea tanto fervida quanto dissacrante.

ENG Her art and avant-garde mani festos are signed with her first name only to establish her character as a woman free from the patriarchy and from the weight of her husband’s name: Filippo Tommaso Marinetti. An active, wayward woman, she contrib uted to the success of Futurism in America and was herself an icon of Italian futurists. Her Aeropittura depicted her air travels by breaking apart dynamic visions and project ing dizzying perspective in large blue fields, a colour she would always associate with the unconscious.

72 ARTISTS

• An Exciting Discovery: Italian Futurism Exhi bition, Guggenheim Museum, New York, USA, 2014 • Venice Biennale, Italy, 1926, 1930, 1932, 1934, 1935 • Quadriennale, Rome, Italy, 1931, 1935, 1939 Mirella Bentivoglio 1922, Klagenfurt, Austria 2017, Rome, Italy

ENG Starting in the 1960s, Mirella Ben tivoglio developed her research around the verbal/visual expression: Concrete Poetry (the letter-and-words configuration) and Visual Poetry (the images-and-words con figurations). Under a frame of mind inspired by sharing and confrontation, she involved several artists in the creation of art and pro duced many collective exhibitions. One of her first co-creations was one with Annalisa Alloatti, whom she worked with in Stora del monumento of 1968 and 8 situazioni 1 parola of 1971, visualising potential slippage in the linguistic codes following the fragmentation and letter substitution in words.

PARTICIPANTS A-Z

Scelse di firmare le sue opere e i manifesti avanguardisti soltanto con il nome di batte simo per rivendicare i diritti di donna libera dalle consuetudini patriarcali e per non sentirsi condizionata né vincolata dall’ingombrante cognome da sposata. Suo marito era infatti Filippo Tommaso Marinetti. Personalità attiva e volitiva, contribuì alla diffusione del Futuri smo oltreoceano e fu un punto di riferimento importante per i futuristi italiani. Nei modi dell’Aeropittura raccontò visivamente i viaggi compiuti in aereo, destrutturando le forme in dinamiche visioni proiettate verso vertiginose prospettive con ampie distese di blu (quello del mare, dell’oceano o del cielo), colore che assocerà sempre all’inconscio.

Artista slovacca nota per le sculture astratte in gesso bianco, tradizionalmente un materiale ‘preparatorio’, che conferisce quindi all’opera un senso di precarietà, incompiutezza e fra gilità. Servendosi di palloncini di gomma per modellare il gesso, crea forme organiche uni che e irresistibili che ricordano gocce di piog gia, semi, uova, talvolta alludendo al corpo umano che, a partire dagli anni ‘80, fotografa all’aperto per sottolinearne la stretta affinità con la natura. Suoi lavori si trovano al Centre Pompidou, alla Galleria Nazionale Slovacca e alla Tate Modern di Londra. ENG A Slovak artist known for abstract sculptures made of white plaster, traditionally a “preparatory” material, which therefore gives the work a sense of precariousness, in completeness and fragility. Using rubber bal loons to shape the plaster, she creates unique and irresistible organic shapes reminiscent of raindrops, seeds, eggs, sometimes hinting at the human body that, since the eighties, she used to photograph outdoors to emphasize its close affinity with nature. Her works are at the Centre Pompidou, the Slovak National Gallery and the Tate Modern in London. Mária Bartuszová, Tate Modern, London, UK, 2022 • Untitled, 2020, Punta della Dogana, Venice, Italy, 2020 • Mária Bartuszová: Provisional Forms, Mu seum of Modern Art, Warsaw, Poland, 2014 Benedetta 1897, Rome, Italy 1977, Venice, Italy

ENG Queer ante litteram, in the early 1900s Josephine Baker, an extroardinary singer, dancer, and performer represents an unchained, optimistic expression of free, positive physicality that never knew equals: bare breasts, banana skirt, crazed jazz rhythm to dance upon, sensual and sexy.

ENG Author of Nightwood (1936), a mod ernism narrative masterpiece, considered by literary critics as one of the most influen tial novels of the twentieth century, Djuna Barnes was an intrepid writer and journalist, brutal and refined, shrewd and tenacious. She was modernist, lesbian, vigorous, aus tere. Truman Capote and David Foster Wal lace liked her. “Ravenous genius, indifferent to her time, like the seagulls that fly high above the Ocean only to swoop down from time to time to kidnap its most occult prey” wrote Cristina Campo of her. A key figure in the Parisian bohemian milieu, Djuna didn’t write much, but managed to capture and return, with an unprecedented and feminine look, the moods, attitudes and anxieties of a fervent and irreverent season of the Euro pean avant-garde.

SIGNS

BORN 1977, Addis Ababa, Ethiopia LIVES&WORKS Silver Spring, USA Nonostante l’influenza dell’eredità modernista etiope, il lavoro di Merikokeb Berhanu si riflette litante per i diritti dei neri. Ben più di un’icona: un assoluto modello.

SIGNS • Mirella Bentivoglio. L’altra faccia della luna, Istituto Italiano di Cultura, Athens, Greece, 2022 • Post-scriptum. Artiste italiane tra linguaggio e immagine negli anni 60-70, Civiche Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea Palazzo dei Diamanti, Ferrara, Italy, 1998 • Venice Biennale, Italy, 1969, 1972, 1978, 1980, 1986, 1995 Merikokeb Berhanu

In collaboration with ANNALISA ALLOATTI 1926-2000, Turin, Italy Sin dagli anni ‘60 Mirella Bentivoglio ha scelto di sviluppare la sua ricerca nell’ambito dell’e spressione verbo-visiva attraverso la Poesia Concreta (configurazione di lettere e parole) o la Poesia Visiva (coniugazione di immagini e parole). In un’ottica di condivisione e confron to ha coinvolto numerosi artisti nella realizza zione di molte sue opere e ha organizzato mol te collettive. Tra le prime collaborazioni quella con Annalisa Alloatti, con la quale ha realizza to le cartelle Storia del monumento (1968) e 8 situazioni 1 parola (1971), visualizzando i pos sibili slittamenti di senso del codice linguistico mediante la frammentazione e lo spostamento delle lettere di una parola.

Over a thousand men asked her in marriage, some committed suicide over her, and that’s not all: she was a spy for the Paris resistance and a black rights activist. More than an icon: a model.

The Milk of Dreams Maria Bartuszová 1936, Praga, Czechoslovakia (present-day Czech Republic) 1996, Košice, Slovakia

SIGNS • The Book of Repulsive Women. 8 Rhythms and 5 Drawings, 1915 • Ladies Almanack , publication, 1928 • Ryder, publication, 1928

ENG Despite the influence of the Ethiopian modernist heritage, Merikokeb Berhanu’s work is reflected in the works of twentieth-century Western artists’ such as Georgia O’Keeffe and Hilma af Klint, who painted their emotional states follow ing the subconscious and translating their feelings and ideas into abstract symbols. Merikokeb’s practice of representing her own inner world is reminiscent of the sym bolists’ desire to escape from reality by expressing dreams and personal visions through color, form, and composition. The artist crystallizes her perception through abstract shapes and thick backgrounds that are intertwined with recurring recognizable elements, ripe fruits, blooming flowers, styl ized human forms.

ENG Bianca Pucciarelli Menna, who participated in the 1978 Biennale, is the protagonist of an art journey influenced by feminist theory and practice. It shows in her choice of a masculine pseudonym – Tomaso Binga – which she chose to protest male priv ilege. Since 1970, her interest is towards ver bal/visual writing and auditory, visual, and performative poetry. She makes art in writ ing, painting, performing, and researching language to investigate the role of women in life and their relationships with the other sex.

BORN 1979, Hamburg, Germany

SIGNS • Il soggetto imprevisto. 1978 Arte e fem minismo in Italia, Frigoriferi Milanesi, Milan, Italy, 2019 • Anni ‘70/Arte a Roma, Palazzo delle Espo sizioni, Rome, Italy, 2013 • 38th Venice Biennale, Materializzazione del linguaggio, Magazzini del Sale alle Zattere, Italy, 1978 Cosima Von Bonin BORN 1962, Mombasa, Kenya LIVES&WORKS Cologne, Germany

• The Fatigue Empire, Kunsthaus Bregenz, Aus tria, 2010 • Documenta XII, Kassel, Germany, 2007 Louise Bonnet BORN 1970, Geneva, Switzerland LIVES&WORKS Los Angeles, USA Traendo a piene mani dalle forme più comu nicative della storia dell’arte visiva, le figure mostruose dipinte da Louise Bonnet sembrano un incrocio tra una vignetta satirica e l’opera di Salvador Dalí. Queste immagini ci proiettano in un mondo (riflesso?) di deformità, cecità e desolazione. L’artista ferma la bruttezza in un fotogramma che guardiamo da dietro un vetro a specchio: riusciamo a vedere, distaccati, questi mostri senza occhi, ma loro non posso no vedere noi.

ENG Belonging to the post-Kippenberg er generation, Cosima von Bonin is today one of the most prolific and influential artists in Germany and borrows from her forerun ner the strategies of hyperproductivity, rupture, transgression and irony towards the conventions of art, combining them with those of the ideological struggles in the 70s, feminism in the first place. Provocative, ir reverent, drastically pop, von Bonin works with wool and fabrs, wood, film, music and recycled objects, creating works, sculptures, installations and performances that effec tively and humorously address issues related to the sphere of social relations, identities, processes of appropriation.

• Stretching the Body, group exhibition, Fon dazione Sandretto Re Rebaudengo, Turin, Italy, 2021-2022 Marianne Brandt 1893, Chemnitz, Germany 1983, Kirchberg, Germany Designer, pittrice e scultrice tedesca, dopo un inizio come pittrice espressionista studia e lavora nell’ambito del Bauhaus, prima donna a diventare titolare del laboratorio di metallurgia di Weimar. Riconosciuta per la semplicità del design e l’uso poetico delle forme geometri che, come artista industriale ha lavorato per molte aziende creando mobili e oggetti per la casa come posacenere, teiere e orologi, anche se sono le sperimentazioni sulle soluzioni di illuminazione quelle che più la identificano.

LIVES&WORKS New York, USA and Berlin, Germany Nota per le sue composizioni colorate e su larga scala, Kerstin Brätsch utilizza colori ad

•

ENG Brandt is a German designer, painter and sculptor. After starting her ca reer as an expressionist painter she studied and worked within the Bauhaus. She was the first woman to become the owner of the Wei mar metallurgy laboratory. Recognized for the simplicity of her design and the poetic use of geometric shapes, she worked as an industrial artist for many companies creating house furniture and objects such as ashtrays, teapots and clocks, even if she has been dis tinguished for experimenting lighting solu tions.

SIGNS • Denver Art Museum, permanent collection, Denver, USA

• Bauhaus and Beyond, MoMA, New York, USA, 2022 • Marianne Brandt: Fotografien am Bauhaus, Institut für Kunst und Design im Kolkmannhaus, Wuppertal, Germany, 2003 Kerstin Brätsch

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 73 SOGNIDEILATTEIL in quello delle artiste occidentali del XX secolo come Georgia O’Keeffe e Hilma af Klint, che dipingevano i propri stati emotivi seguendo il subconscio e traducendo sentimenti e idee in simboli astratti. La pratica di Merikokeb di rappresentare il proprio mondo interiore ricor da il desiderio dei simbolisti di fuggire dalla realtà esprimendo sogni e visioni personali attraverso il colore, la forma e la composizio ne. L’artista cristallizza la propria percezione attraverso forme astratte e sfondi densi che si intrecciano con elementi riconoscibili ricor renti, frutti maturi, fiori che sbocciano, forme umane stilizzate.

SIGNS WHAT IF IT BARKS? featuring AUTHORITY PURÉE, Petzel Gallery, New York, USA, 2018

ENG Drawing plentifully from the his tory of the most communicationally-inclined forms of visual art, Bonnet’s monstrously ex aggerated anatomies are a political cartoonmeet-Salvador Dalí that tosses the viewer into an uneasy world of (mirroring?) deform ity, blindness, and desolation. The artist freezes ugliness behind a one-way screen: our eyes can access it, but those eyeless fig ures cannot access us.

SIGNS • Beneath the Surface: The Mysteries of Liv ing and Dying, Addis Fine Art Project Space, London, UK, 2019 • Corporeal Contemplation, Addis Fine Art Gal lery, Addis Ababa, Ethiopia, 2016 • Merikokeb Berhanu, Ethiopian National Mu seum, Addis Ababa, Ethiopia, 2011 Tomaso Binga BORN 1931, Salerno, Italy LIVES&WORKS Rome, Italy Già presente alla Biennale di Venezia del 1978, Bianca Pucciarelli Menna è protagonista di un percorso artistico influenzato dal pensiero e dalla prassi femminista, a partire dal nome d’arte al maschile, Tomaso Binga, adottato come una forma di protesta di fronte ai pri vilegi del genere maschile rispetto a quello femminile. Dal 1970 si occupa di scrittura verbo-visiva e di poesia sonora, visiva e per formativa. La sua pratica dell’arte come scrit tura, ma anche l’arte pittorica, le performance e la sua ricerca sul linguaggio indagano il ruolo della donna nella quotidianità e il suo rapporto con l’altro sesso.

Appartenente alla generazione post-Kip penberger, Cosima von Bonin è oggi una delle artiste più prolifiche e influenti della Germania e prende in prestito dal suo predecessore le strategie di iperproduttività, rottura, trasgres sione e ironia nei confronti delle convenzioni dell’arte, combinandole a quelle delle lotte ide ologiche degli anni ‘70, femminismo in primis. Provocatoria, irriverente, drasticamente pop, von Bonin lavora con lana e tessuti, legno, film, musica e oggetti di recupero, realizzando ope re, sculture, installazioni e performance che affrontano efficacemente e con umorismo temi attinenti alla sfera delle relazioni sociali, delle identità, dei processi di appropriazione.

SIGNS

ENG In her performances and videos Egle˙ Budvytyte˙ explores the relationship between body, architecture, environment and audience. The body becomes a tool to challenge coded behaviors, suggesting that everyone’s potential lies in fantasy, which is our only means to achieve freedom. In 2020 she created the video work Songs from the Compost: Mutating Bodies, Imploding Stars, a hypnotic and poetic investigation of symbi otic life in the forest: interdependence, sur render, death, decadence, new life cycles. On that occasion she worked together with Marija Olšauskaite and Julija Steponaityte, who made the performers’ costumes through processes of collaboration with soil insects, composting and rotting the tissues in the ground.

74 ARTISTS

SIGNS

SIGNS •

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ENG Artist Dora Budor plays with the cultural influence of Hollywood to dissemi nate traces of pop culture and create an art space using cross-referenced movie props and other objects. Trained in architecture and design, her goal is to conceptualize the transition between natural and fictional worlds with the use of carefully placed mixed media. At the Biennale, Budor will participate with a creative form of perfor mance art by a team body doubles. I am Gong, Kunsthalle Basel, Switzerland, 2019 Mutations, The High Line, New York, USA, 2017-2018 Dreamlands: Immersive Cinema and Art , 1905-2016, Whitney Museum of American Art, New York, USA, 2016-2017

LIVES&WORKS

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La sua carriera attraversa più di cinque decen ni, operando un capovolgimento del medium della pittura, che da genere tradizionale divie ne strumento per indagare a fondo la storia europea e globale. Nei suoi mondi pittorici, l’artista svizzera spinge per l’abolizione delle norme sociali e si contrappone alla tradiziona le rappresentazione dei ruoli femminili e di ge nere. Dai suoi primi lavori, fortemente influen zati dal femminismo, alle creazioni successive il fulcro della sua pittura è sempre il corpo e la sua incredibile vulnerabilità. Nel corso degli ultimi vent’anni Cahn ha sviluppato una propria iconografia capace di sfruttare il potenziale evocativo del colore al fine di veicolare tema tiche forti quali il conflitto umano, la guerra, alternando scenari reali e mondi interiori.

BORN 1981, Kaunas, Lithuania LIVES&WORKS Vilnius, Lithuania and Amsterdam, The Netherlands In collaboration with MARIJA OLŠAUSKAITE 1989, Vilnius. Lives in Vilnius, Lithuania and New York, USA and JULIJA STEPONAITYT E 1992, Vilnius. Lives in Vilnius, Lithuania and Amsterdam, The Netherlands Nelle sue performance e nei suoi video Egle˙ Budvytyte˙ esplora la relazione che intercorre tra corpo, architettura, ambiente e pubbli co. Il corpo diventa strumento per sfidare comportamenti codificati, suggerendo che il potenziale di ognuno risiede nella fantasia, unico mezzo per raggiungere la libertà. Nel 2020 realizza la video opera Songs from the Compost: Mutating Bodies, Imploding Stars, un’indagine ipnotica e poetica della vita sim biotica nella foresta: interdipendenza, resa, morte, decadenza, nuovi cicli vitali. In questa occasione collabora con Marija Olšauskaite e Julija Steponaityte, che realizzano i costumi dei performer attraverso processi di ‘collabo razione’ con gli insetti del suolo, compostando e facendo marcire i tessuti nel terreno.

SIGNS • Egle˙ Budvytyte˙: Orcas and Volcanos, Mu seum of Contemporary Art Kiasma, Helsinki, Finland, 2018 • Tra ciglia e pensiero, Albumarte, Rome, Italy, 2017 • 19. Biennale di Sidney, Australia, 2014 Liv Bugge BORN 1974, Oslo, Norway LIVES&WORKS Oslo, Norway Liv Bugge usa installazioni in tecnica mista, soprattutto video, per indagare i concetti di violenza e aggressione come forme di energia che possono parimenti costruire e distrugge re. La violenza repressiva confina i carcerati nelle loro celle e lascia dietro di sé le tracce della loro prigionia. Qualsiasi cosa può essere vista in termini di repressione e costrizione del comportamento: colonizzazione, politiche di genere, il naturale processo di fossilizzazione.

ENG Miriam Cahn’s career spans more than five decades, overturning painting as a medium, which from a traditional genre be comes a tool for an in-depth investigation of European and global history. In her pictorial worlds, the Swiss artist enhances the aboli tion of social norms and contrasts with the traditional representation of female and gen der roles. From her early works, strongly in fluenced by feminism, to her later creations she focuses on the body and its incredible vulnerability. Over the last twenty years Cahn has developed her own iconography capable of exploiting the evocative potential of color in order to convey strong themes such as human conflict, war by alternating real scenarios to inner worlds.

LIVES&WORKS Stampa, Switzerland

SIGNS • Fossil

Le installazioni di Liv Bugge includono anche veri fossili per ispirarci a interrogarci su cosa è stato e quali forze hanno represso e compres so la natura in ciò che è rimasto.

ENG Liv Bugge uses mixed media, pri marily video, to investigate the concept of violence and aggression as forms of energy that can both build and destroy. Repres sive violence is what keeps inmates inside their prison cells, leaving behind casts and traces of their confinement. Anything can be viewed in terms of repression and con striction of behaviour: from colonisation and gender to the natural process of fossilisation.

The Milk of Dreams PARTICIPANTS A-Z Egle˙ Budvytyte˙

Bugge’s installations feature actual fossils that make us question what was, and what forces repressed and compressed nature into what is left.

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ENG Known for her colorful and largescale compositions, Kerstin Brätsch makes use of oil paints and a number of other mate rials to investigate the nature of painting in the digital age. With her characteristic paint ings, installations and performances, this German artist explores the themes of col laboration, circulation and the role chance plays in the creation of images. Brätsch often works together with other artists, craftsmen, psychics and shamans, often turning his paintings into glass or marbled works, while experimenting various materials and art forms placed in new contexts. Psychics for Christ , (permanent instal lation), MoMA, New York, USA, 2019 DAS INSTITUT, Serpentine Galleries, London, UK, 2016 August Macke Prize, 2014 Dora Budor BORN 1984, Zagreb, Croatia New York, USA L’artista gioca con l’influenza culturale del cinema americano per disseminare tracce di cultura pop e creare spazi artistici usando riferimenti, oggetti di scena e altre tecniche. Architetta e designer di formazione, l’obiettivo di Dora Budor è concettualizzare la transizione tra mondo naturale e mondo della creazione artistica. L’artista è invitata alla Biennale con un progetto di arte performativa prodotto con la partecipazione di controfigure.

olio e una serie di altri materiali per indagare la natura della pittura nell’era digitale. Con i suoi caratteristici dipinti, con le installazioni e le performance l’artista tedesca esplora i temi della collaborazione, della circolazione e del ruolo giocato dal caso nella creazione delle immagini. Nella sua pratica Brätsch collabora spesso con altri artisti, artigiani, sensitivi e sciamani, spesso trasmutando i suoi dipinti in opere di vetro o marmorizzate, mentre speri menta la collocazione di vari materiali e forme d’arte in nuovi contesti.

• To accept theirs, to make it mine, to wish it for myself, installation, 2018 • Into the Wreck , Kunstnernes Hus / Artist House, Oslo, Norway, 2013 • No Soul for Sale, group exhibition, Tate Mod ern, London, 2010 Miriam Cahn BORN 1949, Basel, Switzerland

• Portrait of Max Ernst , National Galleries of Scotland, c. 1939 • Self Portrait , The Met Fifth Avenue, New York, USA, 1937-1938 Regina Cassolo Bracchi 1894, Mede, Italy 1974, Milan, Italy Con le sue opere l’artista lombarda ha di mostrato che in scultura le masse possono diventare dinamiche proiezioni di piani nello spazio e le forme librarsi con leggerezza per definire un nuovo rapporto pluridimensionale con l’ambiente e il contesto in cui sono inseri te. Tra le massime protagoniste del Futurismo, ha indagato a fondo le possibilità espressive ed estetiche di differenti materiali: stagno, carta vetrata, alluminio, fili di ferro, materie plastiche. Superando il concetto classico di statuaria attraverso incessanti sperimentazio ni, la sua indagine compositiva ed espressiva l’ha portata ad aderire al MAC (Movimento Arte Concreta), proponendo un lessico fatto di sintesi geometrica e lirica astrazione.

SIGNS

Un magnete che ha catturato e fatto propri i fermenti che hanno attraversato il Novecento e la sua lunga vita. Considerata icona della modernità, per la sua incredibile vita, profon damente femminista prima di qualsiasi altra etichetta, la sua arte rende visibili mondi diver si attraverso sogni, miti, esoterismo, alchimia.

SIGNS • 3 Body Configurations. Claude Cahun – Valie Export – Ottonella Mocellin, Fondazione del Monte, Bologna, Italy, 2020 • Dal nulla al sogno. Dada e Surrealismo dalla Collezione del Museo Boijmans Van Beunin gen, Fondazione Ferrero, Alba, Italy, 2018 Elaine Cameron-Weir BORN 1985, Red Deer, Canada LIVES&WORKS New York, USA Lavorando con la tecnica dell’assemblaggio, impiegando sia materiali organici che artificiali a contrasto, l’artista rivisita oggetti recuperati dall’industria militare e scientifica per realiz zare installazioni sperimentali più ampie, in cui inserisce elementi effimeri come fiamme libere, componenti olfattive, variazioni della temperatura, oltre ad oggetti naturali inalterati come conchiglie di vongole giganti. Attraverso il suo lavoro Cameron-Weir indaga le questioni della sopravvivenza umana individuale e col lettiva, disvelando il potenziale di rinnovamen to e trasformazione degli stati dell’essere e delle forme di conoscenza.

After participating in a séance, Ca navero worked on automatic writing of philo sophical messages as dictated by super natural beings, then on automatic drawing, which the artist created every day in a state of deep concentration. Geometrical shapes, perfectly drawn in quick freehand, are punc tuated by simple symbols and combined in a story that can allude to microcosms and macrocosms alike.

• L’aldilà nella tradizione e nella messaggisti ca, publication, Milly Canavero, Agnese Moneta Edizioni, Italy, 2003 • Arte Medianica, publication, Paola Giovetti, Edizioni Mediterranee, Italy, 1983 • I messaggi del fiore, publication, Milly Canav ero and M.V. Bellisai, Edizioni Mediterranee, Italy, 1981 Leonora Carrington 1917, Clayton-le-Woods, UK 2011, Mexico City, Mexico

SIGNS

• El mundo magico de los Mayas, murale, Mexico City, Mexico, 1963

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 75 SOGNIDEILATTEIL SIGNS • ME AS HAPPENING , The Power Plant. Toronto, Canada, 2021 • 49. Venice Biennale, (Das Wilde Lieben, Swiss Pavilion), Italy, 1984 • Documenta 7, Kassel, Germany, 1982 Claude Cahun 1894, Nantes, France 1954, Saint Helier, Jersey, UK Nome d’arte di Lucy Renée Mathilde Schwob, è stata artista, fotografa, attivista e scrittrice, esponente del Surrealismo. Tratto distintivo della sua ricerca è la costante indagine visiva della propria identità, al di là del maschile o del femminile, raccontando se stessa e le infinite possibilità del corpo. Presenza fondamentale nella Parigi surrealista, non smetterà mai di fotografare e fotografarsi anche quando, insie me alla compagna e musa Suzanne Malherbe (in arte Marcel Moore), lascia la capitale per ritirarsi sull’Isola di Jersey. ENG Stage name of Lucy Renée Mathil de Schwob, she was an artist, photographer, activist and writer, an exponent of Surreal ism. A distinctive feature of her research is the constant visual investigation of her own identity, beyond the masculine or the femi nine, telling herself and the infinite possibili ties of the body. A fundamental presence in surrealist Paris, she will never stop photo graphing and taking pictures of herself even when, together with her partner and muse Suzanne Malherbe (aka Marcel Moore), she leaves the capital to settle down in the Island of Jersey.

ENG Working with the assembly tech nique, using both organic and artificial contrasting materials, the artist proposes recycled objects from the military and scien tific industries to realize larger experimental installations, in which she introduces ephem eral elements such as open flames, olfactory components, temperature variations, as well as unaltered natural objects such as giant clam shells. Through her work CameronWeir investigates the issues of individual and collective human survival, unveiling the potential for renewal and transformation of states of being and forms of knowledge.

ENG A magnet that captured and ap propriated the powerful ideas that made the history of the twentieth century and of her own life. She has been considered an icon of modernity, owing to her incredible life, and deeply feminist before anything else. Her art shows a plethora of different worlds by means of dreams, myths, exotericism, alche my. To Leonora Carrington’s eyes, bounda ries do not exist – anything can be turned into art. Although critics mainly consider her a surrealist, she never felt quite attached the label. For her, artistic independence was key, as was her very personal way of making art.

• Il cornetto acustico, (The Ear Trumpet) Adelphi, Milan, Italy, 1984

• Il latte dei sogni, (The Milk of Dreams) Adelphi, Milan, Italy, 2018

Agli occhi di Leonora Carrington niente ha confini, tutto si trasforma in arte. Nonostante la critica la consideri da sempre un’artista sur realista, Leonora non si sentirà mai completa mente parte del movimento. Per lei fu più im portante mantenere una propria indipendenza artistica, un personalissimo modo di fare arte.

ENG With her art, Regina showed how, in sculpture, mass can become dynamic projections of planes onto space, and how shapes can develop the lightness neces sary to establish a new, multi-dimensional relationship with the environment and the context they exist in. One of the protago nists of Futurism, she investigated the aes thetic possibilities of different materials: tin, sandpaper, aluminium, iron wire, plastics. She went beyond the concept of statuary by continually experimenting to later arrive

SIGNS • Exhibit from a dripping personal collection, Dortmunder Kunstverein, Germany, 2018 • Outlooks: Elaine Cameron-Weir, Storm King Art Center, New Windsor, New York, USA, 2018 • Mississippi, Spazio Zero GAMeC, Bergamo, Italy, 2015 Milly Canavero 1920-2010 Genoa, Italy Dopo aver partecipato ad una seduta spiritica si dedica prima alla scrittura automatica di messaggi filosofici trasmessi da entità so prannaturali, poi al disegno automatico: una vasta produzione che l’artista medianica crea ponendosi, con regolarità ogni giorno, in uno stato di concentrazione profonda. Le sue opere si definiscono attraverso figure geome triche tracciate con ammirevole precisione a mano libera in pochi secondi, punteggiate da simboli stilizzati, combinati in un percorso che può alludere talvolta al microcosmo, talaltra al macrocosmo.ENG

A-Z

«Mi interessa il processo, la tra sformazione – dichiara l’artista –, ma ancor più provare a fermare delle cose che sembrano vanificarsi, rendere visibile l’invisibile con un lavoro molto fisico, molto umano».

SIGNS • Baloise

SIGNS

Le installazioni di Cenci sono paesaggi inci dentati dove qualcosa è accaduto e qualcosa potrebbe ancora accadere, ma dove il tempo è cristallizzato: tutto sembra immobile, indefi nito, sospeso in una dimensione altra, di pura osservazione.

ENG The Argentinian artist uses ancient and modern traditions to build a peculiar itinerary touching diverse topics, such as pre-Colombian culture and conceptualism. Anthropology, sacrality, politics, and preColombian culture mix in a critic/poetic blend. Much like an anthropologist does, Chaile studies the context around him, de constructs it, and gives it a new meaning. His art, much of it large-sized, can give voice to a community concealed by official history and by power structures.

ENG How does the integration of ar chaeology and architecture put us into our place in the political world? How does it influence the way we react to natural events?

LIVES&WORKS Paris, France

LIVES&WORKS

76 ARTISTS

SIGNS • L’altra metà dell’avanguardia 1910-1940. Pittrici e scultrici nei movimenti delle avan guardie storiche, Lea Vergine, Il Saggiatore, Milan, Italy, 2005 • Il Dizionario del Futurismo, publication, cu rated by Enzo Godoli, Vallecchi, Florence, Italy, 2001 • Giannina Censi. Danzare il futurismo, Casa d’arte futurista Depero, Rovereto, Italy 1997 Gabriel Chaile BORN 1985, San Miguel de Tucumán, Argentina LIVES&WORKS Buenos Aires, Argentina and Lisbon, Portugal L’artista argentino unisce nel proprio lavoro moderne e antiche tradizioni, costruendo un suo particolare percorso in cui si incrociano tracce ed istanze assai lontane l’una dall’altra, quali la cultura precolombiana e il concettua lismo. L’antropologia, il sacro con i suoi rituali, l’aspetto politico e la cultura precolombiana si fondono in un incontro critico-poetico. Chaile come un antropologo studia il contesto che lo circonda, lo decostruisce e gli dà un nuovo significato. Attraverso le sue opere, spesso di grande formato, riesce a dare voce alle diver se comunità oscurate dalla storia e dalle sue strutture di potere.

ENG A dancer and choreographer, she debuted in classical ballet. After a time in Paris at the Lubov Egorova school, she came back to Milan and, in the 1930s, initi ated a programme of futuristic dance with ‘aerodances’ and ‘tereofances’, which saw her work with Marinetti. At the same time, she introduced a new, anti conventional and modern idea of feminine physicality, differ ent from the lithe, aethereal stereotype com mon in classical ballet. Censi is an essential reference point for Futurism, and for futuris tic dance in particular.

BORN 1976, Beirut, Lebanon

Ali Cherri

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ENG An American artist, after studying sculpture in Paris and Rome she moved to Boston with her husband, where she con tinued her art studies and contributed to the foundation of the local Guild of Artists, exhibiting her works in various contexts. However, it was in Paris that she found her true vocation, devoting herself to the aes thetic care of the soldiers who had suffered serious face mutilations during World War I, modeling for them refined galvanized cop per prostheses that she painted in the same color as the skin. She went on doing this work for almost her entire lifetime, and she received for it the Legion of Honour from the French State. at MAC (Concrete Art Movement) with a lexicon of geometrical synthesis and lyrical abstraction. Regina. Della scultura, Gamec, Bergamo, Italy, 2021 • 22nd Venice Biennale, Italy, 1940 • Museo “Regina”, Castello di Mede, Pavia, Italy Giulia Cenci BORN 1988, Cortona, Italy Cortona, Italy and Amsterdam, The Netherlands Nel suo processo di osservazione Giulia Cenci si focalizza su elementi, siano essi dettagli di prodotti industriali o elementi naturali, capaci di esprimere qualità transitorie, vulnerabilità, promesse e fallimenti dell’operato umano.

Ali Cherri’s installations use video art and objects not to tell a story, but to place view ers in a privileged point of view where they will be able to understand how surrounding spaces will impact the making of any story and any history.

• Soft Water Hard Stone, New Museum Trien nial, New York, USA, 2021

SIGNS •

• Home Beirut. Sounding the Neighbors, group exhibition, MAXXI, Rome, Italy, 2017 • But a Storm Is Blowing from Paradise, group exhibition, Guggenheim Museum, New York, USA, 2016 • 52nd Venice Biennale, Lebanon Pavilion, Italy, 2007 Anna Coleman Ladd 1878, Bryn Mawr, USA 1939, Santa Barbara, USA Artista statunitense, dopo gli studi di scultura a Parigi e Roma si trasferisce a Boston con il marito, dove prosegue gli studi d’arte e contri buisce alla fondazione della locale Gilda degli Artisti, esponendo in vari contesti. È però a Parigi che trova la vera vocazione, dedican dosi alla cura estetica dei soldati che avevano subito gravi mutilazioni al volto durante il primo conflitto mondiale, modellando per loro raffinate protesi in rame zincato, poi dipinte dello stesso colore della pelle. Questo lavoro, proseguito per quasi tutta la vita, le valse la Legion d’Onore dallo Stato francese.

In che modo l’integrazione di archeologia e architettura ci colloca in un dato luogo politi co? In che modo influenza la nostra reazione agli eventi naturali? Le installazioni di Ali Cherri usano video e tecnica mista non per raccon tare una storia, ma per costruire un punto di vista privilegiato che permetta all’osservatore di comprendere come lo spazio circostante determini lo svolgersi di tutte le narrazioni.

ENG In her observation Giulia Cenci focuses on elements, such as details of indus trial products and natural elements, capable of expressing transient qualities, vulner abilities, promises and failures of human work. Cenci’s installations are damaged landscapes where something has happened and something could still happen, but where time is crystallised: everything seems static, indefinite, suspended in a dimension of pure observation. “I am interested in the process, the transformation – declares the artist – but even more in trying to stop things that seem to disappear, in making the invisible visible through a very physical, very human work”. Art Prize, Statements – Art Basel, Switzerland, 2019 • FutuRuins, Palazzo Fortuny, Venice, Italy, 2018 La terra bassa, SpazioA, Pistoia, Italy, 2014 Giannina Censi 1913, Milan, Italy 1995, Voghera, Italy Danzatrice e coreografa, esordisce giovane in opere classiche. Tornata a Milano dopo un periodo di studio a Parigi, dove frequenta la scuola di Lubov Egorova, dà il via negli anni ‘30 ad una stagione di danza futurista con le “aerodanze” e le “tereodanze”, collaborando anche con Marinetti. Apre la strada così ad una nuova idea di fisicità femminile lontana dallo stereotipo leggiadro ed etereo della dan za classica e quindi anticonvenzionale e mo derna. Punto di riferimento imprescindibile per

• Art Basel Cities, Buenos Aires, Argentina, 2018 • Patricia, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Buenos Aires, Argentina, 2017

The Milk of Dreams PARTICIPANTS il Futurismo e in particolare per la danza futuri sta, nonché per la scoperta e la valorizzazione di figure femminili d’avanguardia.

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the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 77 SOGNIDEILATTEIL

SIGNS • Transformative Visions: Works by Haitian Artists from the Permanent Collection, Uni versity of Miami Lowe Art Museum, USA, 2014 • Haiti madi 12 janvye 2010, Flower Museum at UCLA, Los Angeles, USA, 2012 • Ghetto Biennale Exhibition, New York, USA, 2011 June Crespo BORN 1982, Pamplona, Spain LIVES&WORKS Bilbao, Spain La pratica di June Crespo è un’analisi sensua le dei modelli di rappresentazione contempo ranea e un commento delle dinamiche reali e simboliche che avvolgono il corpo femminile, come rivelano le riviste che usa incorporare nei suoi set scultorei. L’interesse di Crespo per le condizioni concrete e fisiche dell’oggetto/ corpo, così come dei contesti immateriali in cui circola e si sposta, mette in discussione la configurazione composita della vita con temporanea: «i miei lavori sono nuove entità, elementi che si autosostengono e che si rela zionano al pubblico in modi diversi o in base al modo in cui uno vuole relazionarsi con essi».

SIGNS • Surrealism Beyond Borders, Tate Modern, London, UK, 2022 • Song of Songs: Representations of the self, spirituality and states of mind in art , Unit London, UK, 2021 • Liverpool Biennial, UK, 2021 Myrlande Constant BORN 1968, Port-au-Prince, Haiti LIVES&WORKS Port-au-Prince, Haiti Pioniera nell’arte delle bandiere vudù, prima di lei pratica riservata esclusivamente agli uomini, Myrlande Constant impara il mestiere da bambina aiutando la madre che lavorava in una fabbrica di abiti da sposa. Dal 1990 Constant inizia a ‘dipingere’ con le perline e a realizzare i suoi Drapo Vodou, diventando la prima artista tessile donna ad aprire un laboratorio ad Haiti e a ottenere un riconosci mento internazionale per il suo lavoro. Grazie alla particolare tecnica del “punto a tamburo” Constant è in grado di realizzare bandiere molto più grandi, pittoriche ed elaborate rispetto ai classici drappi realizzati per le ce rimonie. La maggiore ispirazione per l’artista viene dal padre, sacerdote vudù cristiano, e dagli spiriti che guidano la sua arte, come lei stessa sostiene. ENG A pioneer in the art of voodoo flags, a practice which used to be reserved exclusively for men, Myrlande Constant learns the craft as a child by helping her mother who worked in a wedding dress fac tory. From 1990 Constant began to “paint with beads” and to make her Drapo Vodou, becoming the first female textile artist to open a workshop in Haiti and to obtain inter national recognition for her work. Thanks to the particular technique of the “drum stitch” Constant is able to create flags much larger, much more pictorial and more elaborate than the classic drapes made for ceremonies. She draws her greatest inspiration from her fa ther, a Christian voodoo priest, and from the spirits that guide her art, as she herself says.

SIGNS June Crespo. Helmets, Artium Museum of Contemporary Art of the Basque Country, Spain, 2021 • Foreign Bodies John Coplans e June Cre spo, P420 Gallery, Bologna, Italy, 2018 Critical Eye Award for Plastic Arts, Spain 2018 1930-2004,DadamainoMilan,Italy

SIGNS • Spirit of Serbia, Metropolitan Museum of Art, New York, USA, 1911 Ithell Colquhoun 1906, Shillong, India 1988, Lamorna, UK Mentre troverà molte difficoltà in termini di considerazione nell’ambito del Surrealismo, al quale aderì comunque con costanza, ri scosse al contrario molto interesse nel campo dell’occultismo. Pittrice, ma anche scrittrice e poetessa, iniziata a diversi ordini e discipline esoteriche, applicò le tecniche surrealiste per costruire dei dispositivi visuali finalizzati a rag giungere stati superiori di coscienza. Le pa role chiave per entrare nel suo mondo vanno cercate nella Cabala, nel Buddismo esoterico, nell’Alchimia, nel Druidismo.

ENG June Crespo’s practice is a sensual analysis of the models of contemporary rep resentation and a commentary on the real and symbolic dynamics that envelop the female body, as revealed by the magazines she uses to incorporate into her sculptural sets. Crespo’s interest in the concrete and physical conditions of the object/body, as well as the immaterial contexts in which it moves, questions the composite configura tion of contemporary life: “my works are new entities, self-supporting elements that interact with the public in different ways or according to the way one wants to interact with them».

ENG As it happens, Colquhoun was little considered in the field of Surrealism, even if she strongly professed her interest in it. Rather, she was esteemed in the world of the occult. She was a painter as well as author and poet, initiated to several exoteric disciplines, and applied surrealist tech niques to build visual devices that would al low to reach a higher and higher conscience status. The key words to enter her world are to be found in the Cabala, in exoteric Bud dhism, Alchemy, and Druidism.

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Edoarda Maino, in arte Dadamaino, inizia la sua ricerca nell’ambito del gruppo Azimuth stringendo una profonda amicizia con Piero Manzoni, condividendone la avanguardistica e spregiudicata sperimentazione sui materiali. Prosegue poi il suo percorso creativo con un’indagine di ascendenza spazialista: nei cosiddetti Volumi gli squarci ovoidali delle tele eliminano la materia per porre l’accento sull’i dea di purezza estetica e concettuale. Dagli anni ‘60, con la realizzazione degli Oggetti ot tico-dinamici, si interessa ai fenomeni dell’arte cinetica e della percezione visiva, per tornare poi a una nuova fase concettuale con le serie Alfabeto della mente e Costellazioni, nelle quali segni regolari di matrice minimalista e geometrica tracciano evocativi discorsi visivi.

SIGNS • Dadamaino. Dare tempo allo spazio, A Arte Invernizzi, Milan, Italy, 2019 • Dadamaino. I fatti della vita, Stiftung für Kon struktive und Konkrete Kunst, Zurich, Switzer land, 1995 • 44th Venice Biennale, Italy, 1990 Noah Davis 1983, Seattle, USA 2015, Ojai, USA Noto per i suoi malinconici ritratti di figure nere sfocate incastonate in paesaggi aridi o ombro si, al confine con il surreale, Noah Davis ha re alizzato circa 400 collage, sculture e dipinti in bilico tra reale e onirico, opere in cui l’estetica nera e l’estetica modernista si affrontano e si scontrano. Nel 2012 insieme alla moglie scul trice Karon fonda l’Underground Museum ad Arlington Heights, quartiere operaio afroame ricano e latino di Los Angeles, portando l’arte di qualità museale in una comunità che non ne aveva accesso. Anche dopo la sua scomparsa a soli 32 anni lo spirito di Davis vive intatto nel Museo, ora divenuto non solo una delle desti nazioni più importanti per la black art nel Pae se, ma anche un luogo di incontro e un punto di riferimento cruciale per il quartiere.

ENG Dadamaino, nom de plume of Edoarda Maino, started her research as part of the Azimuth group. She was friends with Piero Manzoni, with whom she shared the avant-gardist, unprejudiced experimenta tional attitude viz. materials. Maino went on in her art journey under the sign of spatialism: in her Volumes, oval-shaped tears on canvases eliminated matter to highlight an ideal of aes thetic and conceptual purity. Starting in the Sixties with her optical-dynamic creations, she grew interested in the kinetic art and vis ual perception phenomena, to later develop a new conceptual phase with series Alfabeto della Mente (‘alphabet of the mind’) and Cos tellazioni, where minimalism and geometry trace suggestive visual discourse.

SIGNS • Samba in the Dark , Anton Kern Gallery, New York, USA, 2020 • Radical Women: Latin American Art , 19601985, Hammer Museum, Los Angeles, USA, 2017 • 17th, 24th and 30th Bienal de São Paulo, Bra zil, 1983, 1998 and 2013

78 ARTISTS

ENG An author involved with Surreal ism, she is considered an example of how the history of culture and relevant cultural play ers must be rewritten. Deharme is more than Breton’s lost love: recent, less stereotypeprone studies show her importance in the way she shaped and directed the arts – far from an image of an innocuous, subservient woman.

Valentine de Saint-Point 1875, Lyon, France 1953, Cairo, Egypt Pittrice, scultrice, danzatrice, all’inizio del ‘900 definisce con Canudo il concetto di Ce rebrismo (arte cerebrale + sensuale). Allieva, modella, musa di Mucha e di Rodin, si impone presto come donna forte e decisamente sui generis. Antifemminista, risponde al misogi no manifesto marinettiano con un Manifesto della Donna Futurista (1912), seguito da uno scandaloso Manifesto della Lussuria (1913), vista, in netto anticipo sul Surrealismo, come energia creatrice liberatoria. Una biografia tumultuosa e piena di svolte, che la porta a risiedere infine in Egitto, laddove si dedicherà prima alla politica e al sociale, poi al sufismo e alla ricerca di sé.

SIGNS

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LIVES&WORKS

A-Z

Nei primi decenni del Novecento fonda a Pa rigi, insieme a Robert, suo compagno d’arte e di vita, il movimento artistico che l’amico poeta Guillaume Apollinaire definirà “Orfismo”.

Da quel momento Sonia percorrerà varie vie dell’astrazione, sublimando il lirismo delle forme geometriche e dei colori in dinamiche e vibranti scomposizioni luministiche di chiara derivazione cubista. Dopo il primo conflitto mondiale inizia a disegnare linee di abbiglia mento, proponendo abiti che rivoluzioneranno il concetto tradizionale di moda femminile, tra sponendo le forme-colore dei motivi aniconici delle tele in stoffe e accessori, tessuti per la casa e complementi d’arredo per diffondere i valori estetici dell’arte nella realtà quotidiana.

L’Agonie de Messaline, staged tragedy, 1907 • Poèmes de la Mer et du Soleil, publication, 1905 • Une tétralogie humaine. L’Œuvre de M. Georges de Porto-Riche, publication, 1904 Lise Deharme 1898, Paris, France 1980, Neuilly-sur-Seine, France Scrittrice coinvolta nel Surrealismo, capore dattrice di «Le Phare de Neuilly», è un esempio di come vada riscritta la storia della cultura e dei suoi personaggi costitutivi. Deharme non è solo l’amore mancato di Breton: studi più recenti e meno stereotipati ne approfondisco no la valenza nel dare una specifica forma e indirizzo allo sviluppo delle arti e ci avvisano di non dare per nulla al mondo per scontato che questa “Dama di Picche”, così il titolo di un suo ritratto di Man Ray, rispondesse al cliché di donna innocua e remissiva. Tutt’altro!

ENG Paris, early 1900s. Together with Robert, her partner in art and life, she found ed the art movement that her poet friend Guillaume Apollinaire called Orphism. Since that moment, Delaunay tried several ways at abstraction, sublimating the lyricism of geo metrical forms and colours in vibrant, dy namic breakdowns of clear Cubist influence.

After World War I, she began designing clothing and revolutionised the concept of womenswear, transposing colour and shape of aniconic motifs of paintings onto fabrics and accessories, linen, and décor, with the goal of imposing aesthetical values in every day life.

ENG A painter, sculptor, dancer, since the early 1900s she has been postulating Cerebrism (cerebral + sensual art) with fel low theoretician Ricciotto Canudo. She was more than the pupil, model, and muse of Mu cha and Rodin: she was a strong woman, one of a kind. An anti-feminist, she responded to Marinetti’s misogynous manifesto with a Manifesto of the Futurist Woman of 1912, followed by a scandalous Manifesto of Lust (1913), seen as liberating, creative energy, well before the inception of Surrealism. An incredible life, full of twists: time in Egypt, in politics, in social activism, Sufiism, and selfresearch.

SIGNS

The Brazilian artist makes visual poetry, a language whose origin dates back to the Brazilian Concrete Poetry movement in the 1950s. Words and images are essential in her art, and the exploration of language takes place in diverse media such as video, performance, photography, and sound in stallation, as in Deve Haver Nada a Ver, which in 2001 earned her an award at the first Rio Arte exhibition at the Museum of Modern Art in Rio de Janeiro.

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SIGNS • Sonia Delaunay, Museum for Kunst / National Gallery of Denmark, Copenhagen, 2022 • Sonia Delaunay. Rhythm and Colour, Bastian Gallery, London, UK, 2021 • Sonia Delaunay. Les couleurs de l’abstraction, MAM, Paris, France, 2015 Agnes Denes BORN 1931, Budapest, Hungary LIVES&WORKS New York, USA Veterana dell’arte concettuale sulla scena di New York, Agnes Denes influenza enorme mente le più moderne tecniche artistiche. Pioniera dell’arte performativa negli anni ‘60, la sua opera Rice/Tree/Burial è considerata uno dei primi progetti di arte ambientale sitespecific e il primo di una serie di suoi progetti di “arte filosofica” creata con gli strumenti dell’architettura del paesaggio e dell’agricol tura. Denes è anche una teorica della filosofia ENG Known for his melancholic por traits of blurred black figures set in arid, shady, almost surreal landscapes, Noah Davis has created about 400 collages, sculp tures and paintings poised between the real and the dreamlike world. In these works black aesthetics and modernist aesthetics face and clash. In 2012, together with his wife Karon, who is a sculptor, he founded the Un derground Museum in Arlington Heights, an African-American and Latino working-class neighbourhood in Los Angeles, bringing museum-quality art to a community that did not have access to it. Even after his death, at the age of only 32, Davis’ spirit is still pre sent in the Museum, which has now become not only one of the most important centres for black art in the country, but also a meeting place and a crucial landmark for the neigh bourhood. • 30 Americans, travelling exhibition, Rubell Family Collection, Miami, USA, 2008-2022 Imitations of Wealth, The Underground Mu seum, Los Angeles, USA, 2015 Re:Collection, Studio Museum in Harlem, New York, USA, 2010 Lenora de Barros 1953, São Paulo, Brazil São Paulo, Brazil L’artista brasiliana è un’esponente della poesia visuale, linguaggio la cui origine risale al mo vimento brasiliano della Poesia Concreta degli anni Cinquanta. La parola unita all’immagine è essenziale nel suo lavoro; l’esplorazione del linguaggio avviene attraverso vari media come video, performance, fotografia, ma anche per mezzo dell’installazione sonora, come Deve Haver Nada a Ver, grazie alla quale è stata premiata nella prima Mostra RioArte del 2001 presso il Museo di Arte Moderna di Rio de Janeiro.ENG

BORN

SIGNS • Il était une Petite Pie, publication, illustrated by Joan Miró, 1928 • Cahier de Curieuse Personne, publication, 1933 • Le Coeur de Pic: trente-deux poèmes pour les enfants, with photographs by Claude Ca hun, 1937 Sonia Delaunay 1885, Odessa, Russian Empire (present-day Ukraine) 1979, Paris, France

The Milk of Dreams PARTICIPANTS

SIGNS •

ENG A protagonist of neo-Avantgardes of kinetic and programmatic art in the early Sixties, Di Luciano founded Gruppo 63 (in 1963) with Lia Drei, Francesco Guerrieri, and Giovanni Pizzo. In the following year, she became one of the founders of Operativo R with Carlo Cerchietti, Franco Di Vito, and Giovanni Pizzo. Lucia Di Luciano’s language shows logical and mathematical rigour in its investigation of visual perception, amplify ing the Cartesian dimensions of pictorial space onto the categories of time. Combina tory series, rhythmical structure, kinetic se quences, and geometrical modules respond to compositions in either black and white or full colour.

SIGNS •

ENG A leading figure of modernism, Ibrahim El-Salahi is above all a great story teller. In his works he combines painting and drawing with motifs from African, Arab and Islamic art contaminating them with West ern references. After graduating from the Slade School of Art in London, he went back to Sudan to teach at the College of Fine and Applied Arts, where he founded the move ment now known as the Khartoum School. He worked as a diplomat for embassies and min istries, but in 1975 he was unjustly impris oned for six months in Sudan. An experience that will deeply mark his existence and that will deeply influence his artistic vision and practice.

SOGNIDEILATTEIL della visione. Alla Biennale parteciperà con delle opere sul rapporto uomo-macchina.

ENG Daughter of a distinguished psy chiatrist, student of Pavlov, she moved with her family to the United States in 1922, where she studied at Syracuse University. During her intense career Deren approaches dance taking part in a tour with Katherine Dunham, thus developing an interest in gesture and movement. She is the first female director to receive a Guggenheim Scholarship. This will allow her to carry out research on voodoo re ligious rites in Haiti which will fully fascinate her. Deren’s first films are characterized by a poetic use of images, linked together ac cording to symbolic and associative criteria, where we can see the influence of surrealist authors such as Luis Buñuel and Jean Coc teau. Her experimental cinema influenced not only the underground cinema of the 50s and 60s, but also the industrial production. The Very Eye of Night , film, 1959 • A Study in Choreography for Camera, film, 1945 Meshes of the Afternoon, film, 1942 Lucia Di Luciano BORN 1933, Syracuse, Italy LIVES&WORKS Formello, Italy Protagonista delle neoavanguardie dell’arte cinetica e programmatica degli anni ‘60 – nel 1963 costituisce il Gruppo 63 con Lia Drei, Francesco Guerrieri e Giovanni Pizzo; l’anno seguente è tra i fondatori dell’Operativo R con Carlo Carchietti, Franco Di Vito e Giovanni Pizzo –, Di Luciano propone un linguaggio di rigore logico-matematico per indagare i feno meni della percezione visiva che ampliano le dimensioni cartesiane dello spazio pittorico nelle categorie del tempo. Serie combinatorie, strutturazioni ritmiche, successioni cinetiche e moduli geometrici in dialettica contrapposizio ne tra bianco e nero, a volte variazioni timbri che di più colori, sono gli elementi generatori delle sue composizioni.

SIGNS • Rice/Tree/Burial, Sullivan County, New York, 1968 • Paradox and Essence (Philosophical Draw ings) , essay, Tau/ma Press, Rome, Italy, 1976 • Venice Biennale, Italy, 1978, 1980, 2001 Maya Deren 1917, Kyiv, Ukraine 1961, New York, USA Figlia di un illustre psichiatra allievo di Pavlov, Maya Deren si trasferisce con la famiglia negli Stati Uniti nel 1922, dove studia alla Syracuse University. Nella sua intensa carriera Deren si avvicina alla danza grazie alla tournée con Ka therine Dunham, durante la quale sviluppa un interesse per il gesto e il movimento. È la prima regista a ricevere una borsa di studio Guggen heim, che impiega per condurre ricerche sui riti religiosi vudù ad Haiti, subendone una fascina zione totalizzante. Le prime pellicole di Deren sono caratterizzate da un uso poetico delle im magini, legate tra loro secondo criteri simbolici e associativi, in cui si scorge l’influsso di autori surrealisti quali Luis Buñuel e Jean Cocteau. Il suo cinema sperimentale ha influenzato non solo le esperienze underground degli anni ‘50 e ‘60, ma anche la produzione industriale.

ENG Undoubtedly one of the most inter esting Italian contemporary female artists, Sara Enrico develops her work with site-spe cific projects. For her installations, she uses expressive techniques such as the juxtaposi tion of different materials. In her paintings, she analyses the constituent elements of painting and exploits the potential of digital technology to survey the canvas, which be come the plastic element in her process of sculptural creation, as do other materials in formal and aesthetical relationship with one another. The Jumpsuit Theme, Mart, Rovereto, Italy 2019 • Greater Torino. Sara Enrico, Fondazione San dretto Re Rebaudengo, Turin, Italy, 2014 VITRINE. 270° - Sara Enrico, GAM, Turin, Italy, 2013

SIGNS • Lucia Di Luciano & Giovanni Pizzo. Pro grammed Art , Museum of Avant-Garde, Za greb, Croatia, 2022 • Sistematiche Operazionali, Galleria Spectra Konkret, Graz, Austria, 2015 • Vibrazioni Cromatiche, Museo Casa Scelsi, Rome, Italy, 2009 Ibrahim El-Salahi BORN 1930, Omdurman, Sudan LIVES&WORKS Oxford, UK Figura di spicco del modernismo, Ibrahim El-Salahi è soprattutto un grande narratore. Nelle sue opere combina pittura e disegno utilizzando motivi dell’arte africana, araba e islamica contaminandoli con riferimenti occi dentali. Completata la laurea presso la Slade School of Art di Londra, ritorna in Sudan per insegnare al College of Fine and Applied Arts, dove fonda il movimento ora noto come la Scuola di Khartoum. Lavora come diplomatico per ambasciate e ministeri, ma nel 1975 viene incarcerato ingiustamente per sei mesi in Su dan, un’esperienza che segnerà profondamen te la sua esistenza e che influenzerà altrettanto profondamente la sua visione e la sua pratica artistiche.

SIGNS • Ibrahim El-Salahi. A Sudanese artist in Ox ford, Ashmolean Museum, Oxford, UK, 2018

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• The Khartoum School: The Making of the Modern Art Movement in Sudan, Sharjah Art Foundation, United Arab Emirates, 2017

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 79

ENG A veteran of conceptual art in New York, Denes’ influence over a wide array of art techniques cannot be overestimated. A pioneer of performative art in the 1960s, her Rice/Tree/Burial is considered one of the first site-specific projects of environmental art, and the first in a series of landscaping and farming ‘philosophical art’ projects by Denes, who is also a renowned theorist in the field of visual philosophy. At Biennale, Denes’ art will be featured in a series on the relationship between man and machine.

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• Ibrahim El-Salahi: A Visionary Modernist , Tate Modern, London, UK, 2013 Sara Enrico BORN 1979, Biella, Italy LIVES&WORKS Turin, Italy Senza dubbio tra le artiste italiane più inte ressanti nel panorama internazionale contem poraneo, Sara Enrico sviluppa il suo lavoro prevalentemente attraverso progetti site spe cific. Per le sue installazioni utilizza vari mezzi espressivi con la giustapposizione di differenti materiali. Nei dipinti analizza gli elementi che costituiscono la pittura (supporti e colori) e sfrutta le possibilità offerte dalle nuove tecno logie digitali per sondare le potenzialità delle superfici pittoriche. La tela diventa inoltre elemento plastico nei processi della creazione scultorea, che coinvolge altre materie poste in relazione estetica e formale tra di esse.

80 ARTISTS The Milk of Dreams PARTICIPANTS A-Z both in technique and themes, which com pounds with the fact that the author had no formal training in art, but is rather a former student of geography. SIGNS • Centre Georges Pompidou, permanent collec tion, Paris, France • Entidades, 34th Bienal de São Paulo, Brazil, 2021 • Carta dos Povos Indígenas ao Capitalismo, performance, Geneva, Switzerland, 2019 Jana Euler BORN 1982, Friedberg, Germany LIVES&WORKS Frankfurt, Germany and Brussels, Belgium I dipinti di Jana Euler, imponenti, provocatori e saturi di colore, sono realizzati modulando diverse tecniche pittoriche che costruiscono un lessico eclettico di stili. Personaggio schivo e sfuggente, Euler riesce invece ad esprimersi tutt’altro che timidamente con i suoi dipinti, che sembrano quasi voler ‘trollare’ lo spet tatore con immagini tanto disturbanti quanto familiari. Anche se lavora principalmente con la figura, le sue forme astratte si concentrano sulla relazione tra psiche e corpo: occhi, orifizi e falli si trasformano in totem mitologici della fluidità. Euler chiede al pubblico di focalizzarsi sul tema dell’identità, sui modi in cui essa vie ne alterata e plasmata da influenze culturali, sociali e tecnologiche.

SIGNS

BORN 1989, Venice Italy LIVES&WORKS Venice, Italy Diplomata presso l'Accademia di Belle Arti di Venezia, riesce grazie a una borsa di studio a proseguire i suoi studi presso la De Montfort University a Leicester, Regno Unito. Nel 2017 vince a Venezia la Collettiva Giovani Artisti del la Fondazione Bevilacqua La Masa; nel 2018 è vincitrice di Lydia! Premio all’Arte Contem poranea Emergente indetto dalla Fondazione Il Lazzaretto, Milano. La sua ricerca pittorica si concentra sull’esplorazione del rapporto tra il sé e l’altro, focalizzandosi sul tema del cor po percepito spesso come entità vulnerabile attraverso differenti stati psicologici: stress, condizioni di pericolo, momenti di intimità.

• Black Folk Artists: Minnie Evans and Bill Traylor, African American Museum, Hemp stead, New York, USA, 1989

ENG An extremely original and very creative painter, set designer and costume designer, belonging to the Russian avantgarde movement, in the early 20th century she attracted the artists of the city to her studio in Kiev, and then became a regular attendee at the Parisian salons alongside important artists such as Picasso, Braque, Apollinaire. She is very active in the fields of painting, which from cubo-futurism turns to constructivism, stage decoration, teaching and decoration of manuscripts.

SIGNS • Venice time case, Galleria Tommaso Calabro, Milan, Italy, 2022 • Selvatico 14 - Atlante dei margini, delle su perfici e dei frammenti, Museo Civico Luigi Varoli, Cotignola, Italy, 2019 • 102ma Collettiva Giovani Artisti e i Borsisti della 101ma Collettiva, Fondazione Bevilacqua La Masa, Venice, Italy, 2019 Jaider Esbell 1979, Normandia, Brazil 2021, São Sebastião, Brazil L’artista/attivista Jaider Esbell usa installazioni e tecnica mista per denunciare lo scontro di culture tra la società capitalista e i popoli nativi americani. Egli stesso è membro del popolo Macuxi, le cui terre sono oggi occupate prin cipalmente dal Brasile, e la sua produzione artistica si rifà alle tradizioni ante-conquista europea sia per tecnica che per temi, il che si combina con la sua mancanza di istruzione formale nel campo specifico della creazione artistica. Esbell è stato infatti studente di geografia e ha lavorato in altri campi prima di dedicarsi all’arte.

ENG A graduate of the Venice Academy of Fine Arts, she later earned a scholarship to further her studies at the De Montfort Uni versity in Leicester, UK. In 2017, she won the first prize at the 101st Collettiva Giovani Ar tisti competition at Fondazione Bevilacqua La Masa. In 2018, she won the Lydia! Award for Emerging Contemporary Art run by Fondazi one Il Lazzaretto, Milan. Her art focuses on the exploration of the relationship between the self and the other and on the theme of the perceived body as a vulnerable entity affected by different psychological states: stress, threat, intimacy.

• Great White Fear, Galerie Neu, Berlin, Ger many, 2019 • The Violence of Gender, JC Contemporary, Hong Kong, 2019 • Inside Sensibility, Whitney Museum of Ameri can Art, New York, USA, 2013 Minnie Evans 1892, Long Creek, USA 1987, Wilmington, USA Colorati, vibranti, surreali, scevri di intellet tualismi o di disposizioni all’autocoscienza, i dipinti e i disegni di Minnie Evans scaturiscono direttamente dal mondo dei sogni dell’artista. Visioni oniriche diurne o notturne si esplicitano nelle opere di quest’artista che ha identificato Dio con la natura, il colore con la sua presenza divina e i sogni con la realtà. Tra i soggetti delle sue opere ci sono antichi saggi, visitatori ancestrali, angeli, demoni, creature chimeri che, ma il motivo centrale ricorrente è un volto umano circondato da una proliferazione di farfalle, occhi, alberi, piante e forme floreali in un paradisiaco giardino dai colori brillanti rac chiuso in una cornice di ritmi curvilinei simile a un ENGcartiglio.Colourful, vibrant, surreal, devoid of intellectualism or dispositions to selfconsciousness, Minnie Evans’ paintings and drawings spring directly from the world of the artist’s dreams. Day or night dreamlike visions are expressed in the works of this art ist who identified God with nature, color with his divine presence and dreams with reality. The subjects of his works are, among others, ancient wise men, ancestral visitors, angels, demons, chimeric creatures, but the recur ring central motif is a human face surrounded by a proliferation of butterflies, eyes, trees, plants and floral shapes in a heavenly bright coloured garden enclosed in a frame of cur vilinear rhythms similar to a cartouche.

• Minnie Evans, Whitney Museum of American Art, New York, USA, 1975 Alexandra Exter 1882, Białystok, Russian Empire (present-day Poland) 1949, Fontenay-aux-Roses, France

Chiara Enzo

SIGNS

ENG Recently deceased artist/activist Jaider Esbell used installation and mixed media art to draw attention to the clash of cultures between capitalist society and the native people of the Americas. A member of the Macuxi people himself, Esbell’s painting production draws from pre-European stock

• Heavenly Visions: the Art of Minnie Evans, North Carolina Museum of Art, Raleigh, USA, 1986

Pittrice di indiscussa originalità e grande costanza creativa, scenografa e costumista, appartenente al movimento dell’Avanguardia russa, nei primi anni del Novecento attira nel proprio studio a Kiev i creativi della città, per poi diventare frequentatrice dei saloni pari gini a fianco di figure del calibro di Picasso, Braque, Apollinaire. Divide la propria attività tra pittura, che dal cubofuturismo si volge al costruttivismo, decorazione scenica, insegna mento e decorazione di manoscritti.

ENG Jana Euler’s paintings, imposing, provocative and full of color, are made by modulating different painting techniques that build up an eclectic set of styles. Al though Euler is a shy and elusive person, she is far from being timid when expressing herself through her paintings. Her paintings almost seem to want to troll the visitor with images which are at the same time disturb ing and familiar. Although she works mainly with the figure, her abstract forms focus on the relationship between psyche and body: eyes, orifices and phalluses are transformed into mythological totems of fluidity. Euler asks her audience to focus on the theme of identity, especially on how it is altered and shaped by cultural, social and technological influences.

ENG Sculptor and painter Simone Fat tal builds traces that mark the routing of her personal life journey. Her favourite sculpting material – clay – is chosen for its ability to be shaped by hand, unlike bronze, which is also used but doesn’t quite feel as close. Seemingly unfinished, her art bears, in fact, the signs of the artist making it. Influence from ancient art is apparent in sculptures and drawings by Fattal, who nurtured her interest in archaeology as she grew up in the Near East.

L’artista, persona non-binaria, utilizza tecniche miste per rappresentare la malleabilità del re ale. Composti biologicamente attivi assurgono a oggetto d’arte per mostrare l’abilità umana di distorcere e piegare, conformare e indirizzare la realtà come meglio crediamo. La superiorità dell’identità personale è affermata sopra la po liticizzazione del corpo sessuato e pigmentato. L’arte mostra la mercificazione dei corpi, della malattia, della salute, della natura.

ENG A pioneer of the visual arts in Tu nisia, as well as an academic and activist for women’s rights, Safia Farhat founded the first Arab-African feminist magazine Faiza and was, in 1966, the first female principal of the Tunis School of Fine Arts. The only woman to be part of the École de Tunis, a move ment of Tunisian, French and Italian painters who moved away from colonialist art to find their roots in Roman archaeological his tory, Islamic and Maghreb architecture and traditional craftsmanship. As co-founder of the modernist design company Zin, Farhat played a key role in upholding the mural tra dition among Tunisian modernists. The art ist’s monumental drawings, characterized by her typical hybrid creatures, are made from ceramic tiles, paint, stone, iron and wool.

SIGNS

SIGNS • L’Ecole de Tunis: an introduction, Galerie El Marsa – Dubai, United Arab Emirates, 2018 • American Pastoral, Art Basel Hong Kong, China, 2018 Simone Fattal

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 81 SOGNIDEILATTEIL SIGNS • The New Spirit in Paris, MoMA, New York, USA, 2022 • Masterpieces of Russian art from American collections, Russian Academy of Fine Arts, Moscow, St. Petersburg, 2018 • Futurismo 100, Mart, Rovereto, Italy, 2009 Jadé Fadojutimi BORN 1993, London LIVES&WORKS London, UK L’artista usa la pittura ad olio come strumento per capire se stessa. I suoi lavori sono infatti una sorta di rappresentazione dello spazio interiore dei suoi pensieri e della sua identità. Formatasi al Royal Art College di Londra, ha passato molto tempo in Giappone, dalla cui estetica ha significativamente attinto nella costruzione del suo repertorio creativo. Co lore vivo e grande energia sono ingredienti essenziali della sua arte. Fadojutimi lavora con bozzetti e disegni prima di passare alla tela; alcuni suoi pezzi sono stati completati in una sola notte. Tra le 25 donne più influenti secon do «Vogue Britain» nel 2021, è la più giovane artista le cui opere, nel 2020, sono riuscite ad entrare nella collezione permanente della Tate Modern.ENG The artist uses abstract oil paint ing as a way to figure out herself in a sort of representation of the inner room of her thoughts and her identity. Educated at the Royal College of Art in London, she spent formative years in Japan, where she sourced local aesthetics into her repertoire. Vibrant colour and energy are the key ingredients in Fadojutimi’s art, who works on sketches and drawings before moving to on-canvas painting, with some pieces being completed overnight. In 2020, she became the youngest female artist whose work has been incorpo rated in the collection at Tate’s. SIGNS • Yet, Another Pathetic Fallacy, Institute of Contemporary Art Miami, USA, 2021-2022 • Liverpool Biennial, UK, 2021 • Jadé Fadojutimi, Pippy Houldsworth Gallery, London, UK, 2017-2018 Jes Fan BORN 1990, Scarborough, Canada LIVES&WORKS New York, USA and Hong Kong

SIGNS • Fix Your Gaze On Saturn’s Rings, Kunsthalle Bergen, Norway, 2020 • Works and Days, MoMA PS1, New York, USA, 2019 • Luogo e Segni, group exhibition, Punta della Dogana, Venice, Italy, 2019 Célestin Faustin 1948, Lafond, Haiti 1981, Pétion-Ville, Haiti Sacerdote vudù e tra i più straordinari artisti haitiani, Cèlestin Faustin studia e si forma con Wilmino Domond, anche se sviluppa ben pre sto uno stile tutto suo, ossessionante, poetico, allucinatorio, surreale ed erotico, guadagnan dosi il titolo di “primo autentico surrealista di Haiti”. La maggior parte dei suoi dipinti racconta storie ambientate nelle foreste e nei terreni agricoli sotto il segno di una profonda angoscia personale e di una forte ambivalenza verso le credenze vudù.

SIGNS • Miami Art Week , Miami Beach, USA, 2020

LIVES&WORKS Paris and Erquy, France La scultrice e pittrice Simone Fattal costruisce tracce che marcano il suo percorso di vita. Il suo materiale preferito, la creta, è da lei scelta per la possibilità di essere foggiata a mano a differenza del bronzo, che è pure usato ma che non è sentito come altrettanto vicino all’at to creativo. Apparentemente non finite, le sue opere portano in sé i segni della creazione. L’influenza dell’arte antica nelle sue sculture e nei suoi disegni è assai evidente. Fattal ha infatti un profondo interesse per l’archeologia, che ha coltivato nei suoi anni formativi nel vi cino Oriente.

ENG The non-binary artist uses mixed media to depict the malleability of the real. Biologically active compounds are promoted to art objects to highlight the human ability to twist and bend, to direct and shape human reality the way we see fit. The supremacy of identity is maintained over the politicization over the gendered, pigmented body. Art shows the commodification of bodies, dis ease, health, and nature.

ENG A voodoo priest and one of the most extraordinary Haitian artists, Célestin Faustin studied and trained with Wilmino Domond, although he soon developed a style of his own, a haunting, poetic, hallucinatory, surreal and erotic one, earning the title of “first authentic surrealist of Haiti”. Most of his paintings tell stories set in forests and farmland revealing a deep personal anguish and a strong ambivalence towards voodoo beliefs.

BORN 1942, Damascus, Syria

• Mother Is a Woman, Empty Gallery, Hong Kong, China, 2018 • Obscure Functions - Experiments in Decolo nizing Melanin, Recess Gallery, New York, USA, 2018 • No Clearance in Niche, Museum of Arts and Design, New York, USA, 2017 Safia Farhat 1924-2004, Radès, Tunisia Pioniera delle arti visive in Tunisia, nonché accademica e attivista per i diritti delle donne, Safia Farhat ha fondato «Faiza», la prima rivi sta femminista arabo-africana, ed è stata nel 1966 la prima direttrice della Scuola di Belle Arti di Tunisi. Unica donna a far parte dell’Éco le de Tunis, movimento di pittori tunisini, francesi e italiani che si discostarono dall’arte colonialista per ritrovare le proprie radici nella storia archeologica romana, nell’architet tura islamica e magrebina e nell’artigianato tradizionale. In qualità di co-fondatrice della società di design modernista Zin, Farhat ha avuto un ruolo chiave nel sostenere la tradi zione murale tra i modernisti tunisini. I disegni monumentali dell’artista, in cui predominano le sue caratteristiche creature ibride, sono realiz zati con piastrelle di ceramica, vernice, pietra, ferro e lana.

SIGNS

• Mázejoavku, artists’ collective, Masi, Norway, 1978 Linda Gazzera 1890, Rome, Italy 1942, São Paulo, Brazil Linda Gazzera fu una medium di cui si hanno pochissime e incerte notizie biografiche. A Torino nei primi anni del ‘900 il medico Enrico Imoda scopre le sue capacità medianiche e comincia a studiarle durante le sedute spiriti che a casa della Marchesa Ruspoli, scattando anche una serie di fotografie per documen tarle. In trance e al buio completo, Gazzera pare in grado di attivare fenomeni di telecinesi, apparizioni luminose, ma soprattutto materia lizzazioni parziali e complete di figure umane. Trasferitasi a Parigi, la sua attività diviene og getto di studio da parte di Charles Richet, che ne parlerà nel libro Thirty Years of Psychical Research

PARTICIPANTS A-Z ENG

ENG She was already a poet when she met in Paris in 1950 Pierre Garnier, a French poet, writer, critic and translator who she would marry. Together with her husband she would join the international experimental movements that from the end of the 50s will modify radically the poetic language in its form and content. From 1960 Ilse and Pierre developed the theory of Spatial Poetry, evolution of Concrete Poetry, and in 1962 they drafted the first Manifesto of Visual and Sound Poetry. Garnier’s spatial poetry is not a closed laboratory, but an open space where the echoes of languages intersect or mix: more than a language of space, spatial po etry reveals the space of language.

82 ARTISTS

SIGNS

Di etnia sami, l’artista è stato uno dei fonda tori in Norvegia del gruppo di Máze (Masi) il cui obiettivo era quello di liberare l’arte sami dagli stereotipi e dall’influenza occidentali e di promuovere politicamente i propri interessi.

• Let the River Flow. The Sovereign Will and the Making of a New Worldliness, Office for Contemporary Art Norway, Oslo, Norway, 2018

The Milk of Dreams A poet and a sculptor, Elsa von Freytag-Loringhoven shared her rejection of preconceived ideas on the making of art with the Dada universe. With her, an avant-gard ist challenge actualized in poetry and readymade art that always showed a kind of meta phorical, visionary style. A pioneer figure in performance art, she turned her own body into a living artwork. Teaspoons used as ear rings, stamps glued to her cheeks, a birthday cake (with lit candles and all) as headgear: an existence dedicated to the erasure of the boundary between life and art.

SIGNS • Leonor Fini, Memorie Triestine, Polo museale del Magazzino 26, Trieste, Italy, 2021 • Leonor Fini l’italienne de Paris, Museo Revol tella, Trieste, 2009 • 17th Venice Biennale, Italy, 1930 Elsa von LoringhovenFreytag1874, Swinemünde (S´winoujs´cie), German Empire (present-day Poland) 1927, Paris, France Poetessa e scultrice, Elsa von FreytagLoringhoven condivise con l’universo Dada la messa in discussione di tutti i preconcetti caratterizzanti il fare-arte. Una sfida avan guardistica che in lei si concretizza attraverso poesie e ready-made realizzati con materiali di scarto, opere sempre connotate da una cifra visionaria metaforica. Figura pionieristica della performance art, trasformò il proprio corpo in opera d’arte vivente. Cucchiaini usati come orecchini, francobolli incollati sulle guance, una torta di compleanno, con tanto di candeli ne accese, al posto del cappello: un’esistenza consacrata all’eliminazione del confine tra vita e arte.

• Intermedia: Archivio di Nuova Scrittura, Museion, Museo d’Arte Moderna e Contempo ranea, Bolzano, Italy, 2020 • Sprachblätter – poésie spatiale. Carlfrie drich Claus und Ilse und Pierre Garnier, The Kunstsammlungen Chemnitz, Germany, 2018 • Blason du corps féminin, publication, collec tion Spatialisme, André Silvaire, 1979 Aage Gaup 1943, Børselv, Sápmi/Northern Norway 2021, Karasjok, Sápmi/Northern Norway

The Baroness Elsa Project , Carleton Univer sity Art Gallery, Ottawa, Canada, 2021 • Dadaglobe Reconstructed, MoMA, New York, USA, 2016 • Baroness Elsa von Freytag-Loringhoven, Francis M. Naumann Fine Art Gallery, New York, USA, 2002 KATHARINA FRITSCH BORN 1956, Essen, Germany LIVES&WORKS Wuppertal and Düsseldorf, Germany Vedi See p.40 Ilse Garnier 1927, Kaiserslautern, Germany 2020, Saisseval, France Già poetessa, a Parigi nel 1950 Ilse incontra Pierre Garnier, poeta, scrittore, critico e tra duttore francese che diventerà suo marito, accanto al quale poi sarà parte integrante di quei movimenti sperimentali internazionali che dalla fine degli anni ‘50 modificheranno alle radici il linguaggio poetico nella forma e nei contenuti. Dal 1960 Ilse e Pierre sviluppano la teoria della Poesia Spaziale, evoluzione della Poesia Concreta, redigendo nel 1962 il primo Manifesto della Poesia Visiva e Sonora. La poesia spaziale di Garnier non è un laboratorio chiuso, bensì uno spazio aperto dove gli echi dei linguaggi si intersecano o si mescolano: più che un linguaggio dello spazio, la poesia spaziale rivela lo spazio del linguaggio.

• Aage Gaup: retrospective, Sami Artist Center Karasjok, Norway, 2014

ENG Of Sámi ethnicity, from northern Scandinavia, artist Aage Gaup was one of the founders of the Máze Group (owing its name to the town of Masi, Norway) which sought to set Sámi art free from Western stereotypes and influence, and to promote Sámi interests politically. Gaup’s art makes light of Western cultural staples such as patriarchy and war, while welcoming parallels with similar situ ations around the world, like the rainforest people in South America.

La produzione artistica di Aage Gaup ironizza su fondamenti culturali occidentali quali il patriarcato e il culto della guerra e, allo stesso tempo, invita a ricercare paralleli con situazio ni di vita prossime a quelle della sua comunità in giro per il mondo, come ad esempio quelle delle popolazioni native della foresta pluviale in Sud America.

Leonor Fini 1907, Buenos Aires, Argentina 1996, Paris, France Marx Ernst la definì “la Furia italiana di Parigi”, Jean Cocteau disse che i suoi dipinti erano l’espressione di un «soprannaturale che era per lei reale». Leonor Fini, raffinata, eclettica, glamour, cosmopolita pittrice autodidatta, nonché scrittrice e scenografa, trasferitasi a Parigi negli anni ’30 entra in contatto con il gruppo dei surrealisti sperimentandone tecniche e alcune tematiche, proponendo l’accostamento fortuito di materiali e immagini disseminate di oggetti dall’enigmatica simbo logia psicanalitica. Le sue esperienze esisten ziali si trasformano nei dipinti della maturità in correlativi visivi, dove ritroviamo gli adorati gatti, le sfingi e le figure degli amanti, o ancora ritratti di donne dalla conturbante bellezza in atmosfere tenebrose.

ENG Max Ernst used to call her ‘the Italian fury in Paris’; Jean Cocteau said her paintings were the expression of ‘something supernatural, though real to her’. Leonor Fini is a refined, eclectic, glamorous, cosmopoli tan self-taught artist, author, and set design er who moved to Paris in the 1930s. She came in contact with the surrealist society by ex perimenting with their techniques and their themes, theorising the serendipitous juxta position of materials and images of objects of enigmatic psychoanalytical symbology. Her existential experience turns into the paint ings of her mature phase as an artist, where we shall find her adored cats, sphynxes, lov ers, and women of perturbing beauty.

SIGNS •

the MAG 59. INTERNAZIONALEESPOSIZIONE 83 SOGNIDEILATTEILBRUCE NAUMAN CONTRAPPOSTO STUDIES PUNTA DELLA DOGANA 2VENEZIA3.05.21– 27.11.22PALAZZOGRASSI.IT#BRUCENAUMANCURATED BY CARLOS BASUALDO AND CAROLINE BOURGEOIS Nauman,Bruce ContrappostowithWalk artisttheofCourtesy1968., 2021IAEbyNaumanBruce©Intermix.ArtsElectronicand BRUCE NAUMAN CONTRAPPOSTO STUDIES PUNTA DELLA DOGANA 2VENEZIA3.05.21– 27.11.22PALAZZOGRASSI.IT#BRUCENAUMANCURATED BY CARLOS BASUALDO AND CAROLINE BOURGEOIS Nauman,Bruce ContrappostowithWalk artisttheofCourtesy1968., 2021IAEbyNaumanBruce©Intermix.ArtsElectronicand

84 ARTISTS The Milk of Dreams PARTICIPANTS A-Z The Vitrine takes care of the Artwork. We take care of the Vitrine. T.info@ott-art.itwww.ottart.itottartvenezia+390415369837

SIGNS • Sirens, Marian Goodman Gallery, London, UK, 2019 • Weekend Plans, Irish Museum of Modern Art, Dublin, Ireland, 2017 • The Ballad of Sexual Dependency, Rencon tres d'Arles, France, 2009 Jane Graverol 1905, Ixelles, Belgium 1984, Fontainebleau, France Figlia dello scrittore e illustratore Alexandre Graverol, Jane inizia a dipingere tra gli anni ‘20 e ‘30 del secolo scorso con l’impronta simbo lista del padre. Si fa conoscere dapprima per le sue nature morte e i paesaggi, ma alla fine degli anni ‘30 entra a far parte del movimento dei surrealisti belgi e inizia a considerare le sue tele come “sogni lucidi e coscienti”. Le frequentazioni con Magritte, Louis Scute naire, Paul Nougé e poi Marcel Mariën, con cui collabora alla rivista d’avanguardia «Les Lèvres nues», non faranno che confermare le sue convinzioni. Figura chiave per lo sviluppo

LIVES&WORKS La Peñita de Jaltemba, Mexico Da adolescente con la sua famiglia si trasfe risce negli Stati Uniti, dove di lì a poco farà parte del movimento artistico chicano a Los Angeles e dintorni. Gil de Montes è stato inclu so nella prestigiosa mostra Hispanic Art negli Stati Uniti: Thirty Contemporary Painters and Sculptors che ha girato il Paese alla fine degli anni '80. Tra i temi delle sue opere figurative e paesaggistiche ci sono le sue origini in Messi co, la vita a Echo Park, l'arte popolare messi cana e la tradizione dei retablos e della pittura ex voto, il tutto restituito in una cifra artistica sospesa tra reale e immaginario. ENG Roberto Gil de Montes moved to America as a boy. In his new country, he would join the Chicano art movements in Southern California. The artist has been in cluded in the prestigious exhibition Hispanic Art in the United States: Thirty Contemporary Painters and Sculptors , which toured the country in the 1980s. His figurative and land scape art shows his native Mexico, his life in Echo Park, Mexican folk art, the tradition of retablos and ex voto art – all in a semi-real, semi-imaginary style.

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SIGNS • Hecho en Mexico, Lora Schlesinger Gallery, Santa Monica, USA, 2014

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 85 SOGNIDEILATTEIL

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ENG Citizen of the world, political refu gee, militant activist for the independence of Eritrea, Ficre Ghebreyesus has populated his works with intricate and eminently per sonal experiences. Working fluidly between abstraction and figuration, Ghebreyesus’ opaque acrylics and oil paintings suggest the non-linear form of dreams, memories and narratives. Momentarily recognizable shapes dissolve into colorful patterns: a shoal of fish take the shape of a group of hu man bodies passing by; a boat appears from intertwined bright colored shapes recalling Eritrean fabrics. His rejection of boundaries and divisions is distilled by his optimistic embrace of an identity and a home that is perpetually in motion.

ENG Art by Elisa Giardina Papa is emi nently existential and at the centre of press ing themes of modernity such as gender, sexuality, work, politics. Some of her latest pieces investigate the possibility of evolving borders in the fields of artificial intelligence and automation. Papa is a graduate of the Milan Polytechnic, an engineering school, received her MFA at the Rhode Island School of Design, and her PhD in Film and Media Studies at UC Berkeley. For this Biennale, Giardina Papa presents a special project at Forte Marghera, Mestre (see p.60 the GUIDE ).

• Arte Latino: Treasures from the Smithsonian American Art Museum, Smithsonian, Wash ington, USA, 2001 Nan Goldin BORN 1953, Washington, USA LIVES&WORKS New York, USA Con la macchina fotografica ha fissato le immagini di ciò che la circondava e delle esperienze che viveva sin da giovanissima, spesso ai margini delle convenzioni di genere e di condotta. Con maturità e sensibilità, e uno stile personale e autobiografico, ha dato forza a temi scottanti: Aids, vissuti LBGTQI+, violen za di genere, dipendenza da farmaci oppioidi.

ENG Nan Golding used her camera to record images of what was around her and of her experience as a young artist, often at the limit of societal expectations. With maturity and sensitivity, and a personal, autobiographical style, she touched press ing themes such as AIDS, LGBTQI+ stories, gender-based violence, opioid addiction. A powerful voice in the art, social, and political world, Nan Golding is known for her heart felt activism and has earned the most impor tant photography awards.

SIGNS Ficre Ghebreyesus. Gate to the Blue, Galerie Lelong & Co. New York, USA, 2020 POLYCHROMASIA: Selected Paintings by Ficre Ghebreyesus, ArtSpace, New Haven, USA, 2013 Carol Schlosberg Prize for Excellence in Painting, USA, 2002 Elisa Giardina Papa BORN 1979, Medicina, Italy LIVES&WORKS New York, USA and Palermo, Italy Le opere di Elisa Giardina Papa affrontano temi di natura eminentemente esistenziali al centro assoluto del nostro presente quali il genere, la sessualità e il lavoro in relazione alla politica; alcuni altri suoi recenti lavori in dagano frontiere futuribili in pieno divenire, tra queste l'intelligenza artificiale e il fenomeno dell'automazione. Laureata presso il Politecni co di Milano, ha conseguito un Master of Fine Arts presso la Rhode Island School of Design e un PhD in Film and Media Studies presso l’University of California Berkeley. Per Biennale 2022, l’artista firma il progetto speciale di For te Marghera, Mestre (vedi p.60 the GUIDE).

The Milk of Dreams

ENG Linda Gazzera was a psychic of which we know very little. In early-1900s Turin, physician Enrico Imoda discovered her psychic abilities and studied them in seances at Marchioness Ruspoli’s house, tak ing pictures to document them. In a state of trance and in total darkness, Gazzera could activate telekinesis phenomena, make light appear, and materialise total or partial hu man figures. After she moved to Paris, her work was studied by Charles Richet, who wrote about it in Thirty Years of Psychical Re search SIGNS • Thirty Years of Psychical Research, publica tion, Charles Richet, 1923 Ficre Ghebreyesus 1962, Asmara, Eritrea 2012, New Haven, USA Cittadino del mondo, rifugiato politico, mili tante attivista per l’indipendenza dell’Eritrea, Ficre Ghebreyesus ha popolato le sue opere di esperienze intricate ed eminentemente perso nali. Operando in modo fluido tra astrazione e figurazione, gli acrilici opachi e i dipinti a olio di Ghebreyesus suggeriscono la forma non lineare di sogni, ricordi e narrazioni. Figure momentaneamente riconoscibili si dissolvono in motivi colorati: un banco di pesci diventa un gruppo di corpi umani in transito; una barca emerge da forme intrecciate dai colori vivaci che riecheggiano tessuti eritrei. Il suo rifiuto per i confini e le divisioni è distillato dal suo ottimista abbraccio di un’identità e di una casa perennemente in movimento.

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• House of Mirrors – Artificial Intelligence as Phantas, HMKV Hartware MedienKunstVerein, Dortmund, Germany, 2022 • Cuerpos-quimeras, Miranda Bosch Gallery, Buenos Aires, Argentina, 2021 • Swipe Right! , IMAL, Brussels, Belgium, 2021 Roberto Gil de Montes

BORN 1950, Guadalajara, Mexico

Una voce potente nel panorama artistico, sociale e politico, connotata da una militanza struggente e poetica che le ha permesso di raggiungere i massimi riconoscimenti interna zionali nel campo della fotografia.

SIGNS

• MEX/LA: Mexican Modernisms in Los Ange les 1930-1985, Museum of Latin American Art, Long Beach, USA, 2013

PARTICIPANTS A-Z

86 ARTISTS

ENG Karla Grosch was the female rep resentative of Bauhaus – at one time, the only female teacher and a close acquaintance of the Klee family. A dancer and physical edu cation instructor, her life was cut short due to her heart failing during a swim, not even 29 years of age. At the Biennale, Grosch is pre sent in the time capsule at the final section of the Corderie with her photography work, which will be used to build a discourse on how our ideas of post-human humanity have been evolving over the last century.

BORN 1971, Sheroana, Venezuela

• Primary Structures, Jewish Museum, New York, USA, 1966

ENG Starting from photography, which she got fond of during her travels with her husband Folco Quilici, from ‘65 she began to devote herself to pop painting. She is the first female artist to use neon in her works, together with industrial materials such as plexiglass and metals, with which she cre ates sliding panels to open like windows in order to appreciate the whole image. Soon her work becomes more conceptual, with a series of works on nature and its phenomena, from the wind to the fog to the rainbow. A pioneer of video-art, her best-known works are The Measuring of Time (1969), where she tries to capture infinitude by counting the grains of sand on a beach, and Wind Speed 40 Knots (1968),in which she attempts to shape the wind.

PARTICIPANTS A-Z SIGNS •

BORN 1974, Warsaw, Poland

ENG Daughter of the writer and illustra tor Alexandre Graverol, Jane began painting between the 1920s and the 1930s following the symbolist imprint of her father. She was first known for her still lives and landscapes, but at the end of the 30s she joined the Bel gian surrealist movement and began to con sider her canvases as “lucid and conscious dreams”. Her acquaintances with Magritte, Louis Scutenaire, Paul Nougé and later with Marcel Mariën, with whom she collaborated on the avant-garde magazine “Les Lèvres nues”, would confirm her convictions. A key figure in the development of Surrealism in Belgium, Graverol offers an original and dreamy version of female sensitivity in paint ing using a figurative technique which is at the same time cold and accurate.

ENG Robert Grosvenor is an American sculptor and photographer known for his surreal architectural sculptures that turn a range of technologies, structures and cultural traditions of the middle of the last century into simple and streamlined forms. His monumental sculptures challenge no tions of balance and imbalance, mass and line, movement and stagnation, revealing the complexities and contradictions of spa tial dynamics. Although his work is based on the aesthetic program of Minimalism, Gros venor ironically resists the cold emblematic austerity of the genre and rather explores the sensuality of materials and the nostalgic qualities of their color and design.

Aneta Grzeszykowska

SIGNS • Mama, Lyles & King Gallery, New York, USA, 2018 • Głowa, Skóra, Twarz / Head, Skin, Face (with Zofia Rydet), Raster, Warsaw, Poland, 2017 • Selfie, Raster Gallery, Warsaw, Poland, 2014 Sheroanawe Hakihiiwe

SIGNS • Glass dance, performance, Volksbühne, Berlin, Germany, 1929 • Metal dance, performance, Volksbühne, Berlin, Germany, 1929 Robert Grosvenor BORN 1937, New York, USA LIVES&WORKS East Patchogue, USA Robert Grosvenor è uno scultore e fotografo americano noto per le sue surreali sculture architettoniche che trasformano una serie di tecnologie, strutture e tradizioni culturali della metà del secolo scorso in forme semplici e snelle. Le sue monumentali sculture sfidano le nozioni di equilibrio e squilibrio, massa e linea, movimento e stagnazione, mettendo a nudo le complessità e le contraddizioni delle dinamiche spaziali. Sebbene il suo lavoro si basi sul programma estetico del Minimalismo, Grosvenor resiste ironicamente alla fredda austerità emblematica del genere ed esplora piuttosto la sensualità dei materiali e le qualità nostalgiche del loro colore e design.

SIGNS • New Works, Galerie Max Hetzler, Paris, France, 2020 • Françoise Lambert Gallery, Milan, Italy, 1974

LIVES&WORKS Mahekototeri and Caracas, Venezuela Artista indigeno dei Yanomami di Sheroana, piccola comunità del fiume Orinoco superiore nell’Amazzonia venezuelana, Hakihiiwei lavora principalmente su carte da disegno fatte a del Surrealismo in Belgio, Graverol offre una versione originale e sognante della sensibilità femminile in pittura, servita da una tecnica fi gurativa al contempo fredda e precisa.

LIVES&WORKS Warsaw, Poland Grzeszykowska è un’artista della cosiddetta “generazione Raster” in Polonia, associata a una delle gallerie più creative del Paese. Nella sua arte combina fotografia, video e tecniche digitali per creare narrazioni me taforiche e simboliche che esplorano i temi dell’intimità, dell’infanzia, dell’autocoscienza e dell’auto-cancellazione. Nelle sue opere l’artista decostruisce volentieri la propria im magine, scomparendo o prendendo in prestito l’identità di qualcun altro, come in Mama, serie fotografica in cui Grzeszykowska si rimuove completamente per sostituirsi con una bam bola-scultura.ENGGrzeszykowska is an artist of the so-called “Raster generation” in Poland, as sociated with one of the most creative galler ies in her country. In her works she combines photography, video and digital techniques to create metaphorical and symbolic narratives that explore the themes of intimacy, child hood, self-consciousness and self-annulment. In her works the artist likes to deconstruct her own image, disappearing or borrowing the identity of someone else, as in Mama, a photographic series in which Grzeszykowska replaces herself with a doll-sculpture.

The Milk of Dreams Laura Grisi. The Measuring of Time, Muzeum Susch, Switzerland, 2021 • Earth Air Fire Water: Elements of Art , Mu seum of Fine Arts, Boston, USA,1971 • 33rd Venice Biennale, invited artist, Italy, 1966 Karla Grosch 1904, Weimar, Germany 1933, Tel Aviv, Mandatory Palestine (present-day Israel) Karla Grosch è stata la figura di riferimento femminile del Bauhaus. Tra le varie cose è sta ta unica insegnante donna e affezionata amica della famiglia Klee. Formatasi come danzatrice e insegnante di educazione fisica, morì pre maturamente per un attacco cardiaco mentre nuotava poco prima del suo ventinovesimo compleanno. Alla Biennale Grosch è presente in una time capsule della sezione finale alle Corderie con alcune fotografie che descrivono come le idee di “umanità post-umana” si sono evolute nel corso dell’ultimo secolo.

SIGNS • Fantastic Women, Louisiana Museum of Mod ern Art, Humlebæk, Denmark, 2020 • Angels of Anarchy: Women Artists and Sur realism, Manchester Art Gallery, UK, 2009 • 27th Venice Biennale, Belgium Pavilion, Italy, 1954 Laura Grisi 1939, Rhodes, Greece 2017, Rome, Italy Partendo dalla fotografia, cui si appassionò durante i viaggi con il marito Folco Quilici, dal ‘65 inizia a dedicarsi alla pittura pop. È la pri ma artista ad utilizzare nelle sue opere il neon, insieme a materiali industriali come plexiglass e metalli, con cui crea pannelli scorrevoli da spostare come finestre per poterne apprez zare l’immagine completa. Presto l’opera si fa più poverista e concettuale, con un nucleo di lavori sulla natura e i suoi fenomeni, dal vento alla nebbia all’arcobaleno. Pioniera della video arte, le sue opere più note sono The Measu ring of Time (1969), in cui cerca di cogliere l’infinito contando i granelli di sabbia di una spiaggia, e Wind Speed 40 Knots (1968), in cui tenta di dare forma al vento.

ENG Literature, pop culture, metaphys ics, and personal life are the primary sourc es of inspiration for the German painter, who is the protagonist – together with her abstract art – of important exhibitions world wide. Her proposition is to “create images that had never been seen before” using a rigorous creative process that subverts the ageing rules of composition, beauty, narra tion. A unique, exuberant, heavy visual lan guage.

SIGNS • The Bones of the World, 11th Berlin Biennale, Germany, 2019 • XII Shanghai Biennale, Power Station of Art, Shanghai, China, 2018 • Puhi Tropao (Estar feliz) , Galería Abra, Cara cas, Venezuela, 2017 Florence Henri 1893, New York, USA 1982, Compiègne, France Prima pianista, poi pittrice e infine fotografa, partecipa alla definizione nel primo ‘900 di un linguaggio avanguardista che darà sostanza e forma al Costruttivismo e al Surrealismo. Adotta anche tecniche sperimentali quali il fotomontaggio, le esposizioni multiple, i foto grammi e i negativi. Fondamentale la poetica dello specchio e dell’assemblaggio che, insie me al tema ricorrente dell’autoritratto, testimo niano una sua peculiare ricerca sulla composi zione, sull’interpretazione e sull’identità.

ENG Visionary artist and director, new media pioneer, she has contributed with her work to legitimize digital art forms. Through video, performance, photography, installa tion, software and net art, Leeson explores the moral and ethical issues raised by a cul ture obsessed with technology and artifice.

ENG Pianist, then painter, and later a photographer, Henri participated in the defi nition of the early twentieth century with an avant-gardists language that would become integral parts of Constructivism and Surreal ism. She also adopted what were at the time experimental techniques such as photomon tage, multiple exposure, and negative film.

In addition to works that have become mile stones in recent art history such as the ficti tious alter ego “Roberta Breitmore”, brought to life in the 70s through performances and photographs, or the installation Lorna and A Room of One’s Own, Leeson signs several cinematographic works, including Teknolust (2002) with Tilda Swinton, which deals in a very fascinating way with the theme of hu man cloning.

• Old Fish New Fish, Museum Dhondt-Dhaen ens, Sint-Martens-Latem, Belgium, 2016 • The Forever Now: Contemporary Painting in an Atemporal World, MoMA, New York, USA, 2014 Hannah Höch 1889, Gotha, Germany 1978, Berlin, Germany Dadaista, partecipa all’invenzione del foto montaggio con cui elabora una poetica e una linea di ricerca originali nei confronti delle costruzioni sociali del genere maschile e fem minile (e androgino). Il suo lavoro offre, tramite la lente destrutturante e ironica del dadaismo, una rappresentazione critica e surreale dei principali scarti storici del Novecento: gli orrori della Prima Guerra mondiale, la Repubblica di Weimar, il Nazismo, la Guerra Fredda, il boom degli anni ‘60.

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SIGNS • Hannah Höch – Revolutionärin der Kunst , Kunsthalle Mannheim, Germany, 2016 • Hannah Höch, Whitechapel Gallery, London, UK, 2014 • The Photomontages of Hannah Höch, MoMA, New York, USA, 1997 Jessie Homer French BORN 1940, New York, USA LIVES&WORKS Mountain Center, USA Dai dipinti a olio di Jessie Homer French, ca ratterizzati da un linguaggio solo in apparenza ingenuo, emerge un’analisi assidua del mondo in cui l’artista si trova immersa. Con pennellate calme, l’artista autodidatta tratta con delicata cura temi esistenziali legati alla morte e alla perdita personale, alla natura e ai cambiamenti climatici, alla vita rurale e alla bellezza dei grandi spazi aperti. Anche i soggetti più oscuri sono caratterizzati da una vitalità formale che dona straordinaria immediatezza alle sue com posizioni agrodolci e antipastorali. Nelle sue opere creazione e distruzione coesistono con esemplare candore e la natura sembra vivere e

SIGNS Florence Henri. Miroir des avant-gardes, 1927-1940, Jeu de Paume, Paris, France, 2015 • Florence Henri, Museo Nazionale Romano Terme di Diocleziano, Roma, Italy, 2015 • Modern Photographs from the Thomas Walther Collection, 1909–1949, MoMA, New York, USA, 2015 Lynn Hershman Leeson

• Charline von Heyl, Galerie Gisela Capitain, Köln, Germany, 2021

SIGNS

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 87 SOGNIDEILATTEIL mano che realizza secondo la tradizione ance strale con fibre autoctone come Shiki e Abaca. La sua pratica e i suoi disegni hanno l’obiettivo di salvaguardare la cosmogonia e la memoria orale del suo popolo. Il lavoro di Hakihiiwe è un’interpretazione personale della tradizione e dell’identità yanoma; i suoi disegni e dipinti parlano di riti e credenze o rivelano osserva zioni della giungla da cui trapela la preoccupa zione per l’ecosistema. ENG Yanomami indigenous artist from Sheroana, a small community of the Upper Orinoco River in the Venezuelan Amazon, Hakihiiwei works mainly on handmade drawing papers that he makes according to ancestral tradition with native fibers such as Shiki and Abaca. His practice and drawings aim at safeguarding the cosmogony and oral memory of his people. Hakihiiwe’s work is a personal interpretation of Yanoma tradi tion and identity; his drawings and paintings speak of rituals and beliefs, of observations of the jungle suggesting some concerns for the ecosystem.

SIGNS • Tania Libre, film, 2017 • Lynn Hershman Leeson: The Agent Ruby Files, SFMOMA, San Francisco, USA, 2013 • Olympia: Fictive Projections and the Myth of the Real Woman, Bitforms Gallery New York, USA, 2007 Charline von Heyl BORN 1960, Magonza, Germany LIVES&WORKS New York, Marfa, USA Letteratura, cultura pop, dottrina metafisica e vissuto personale sono le principali fonti di ispirazione di questa pittrice tedesca, prota gonista con la sua arte astratta di importanti esposizioni in patria e all’estero. Il suo pro posito è quello di “creare immagini mai viste prima” attraverso un processo creativo rigo roso che sovverte lucidamente i codici oramai datati che regolano i concetti di composizione, bellezza, narrazione. Un linguaggio visivo uni co, esuberante, incombente.

BORN 1941, Cleveland, USA LIVES&WORKS San Francisco, USA Artista e regista visionaria, pioniera dei nuovi media, ha contribuito con il suo lavoro a le gittimare le forme d’arte digitale. Attraverso video, performance, fotografia, installazione, software e net art Leeson esplora le questio ni morali ed etiche sollevate da una cultura ossessionata dalla tecnologia e dall’artificio. Oltre ad opere diventate pietre miliari della recente storia dell’arte come l’alter ego fittizio “Roberta Breitmore”, portato in vita negli anni ‘70 attraverso performance e fotografie, o l’installazione Lorna e A Room of One’s Own, Leeson firma diverse opere cinematografiche, tra cui Teknolust (2002) con Tilda Swinton, che riprende in modo affascinante il tema della clonazione umana.

The poetic language of the mirror and of assemblage was essential, together with the recurring theme of self-portrait, which show a peculiar attitude on composition, interpre tation, and identity.

ENG A Dadist, Hannah Höch par ticipated in the invention of photomontage, which she used to work on original research on social construction and gender. Her work shows, through the ironic, deconstructive lens of dada, a critical, surreal representa tion of the most important movements of the 1900s and of the western world: the horrors of World War I, the Weimar Republic, Nazi Germany, the Cold War, and the Economic Miracle.

88 ARTISTS

The Milk of Dreams PARTICIPANTS

• Zeros and Ones, KW Institute for Contempo rary Art, Berlin, Germany, 2021

• Georgiana Houghton. Spirit Drawings, Cour tauld Gallery, London, UK, 2016

• Believe not every spirit, but try the spirits, Monash University, Melbourne, Australia, 2015 • Spirit Drawings in Water Colours, New British Gallery, London, UK, 1871 Sheree Hovsepian BORN 1974, Isfahan, Iran LIVES&WORKS New York, USA Nell’era del digitale Sheree Hovsepian porta in primo piano la matericità e la fisicità della fotografia lavorando con fotocamere a pellico la e carta fotosensibile, utilizzando il proprio corpo insieme a vari oggetti per produrre immagini cerebrali e sensuali. Realizza tutte le sue fotografie in studio e in camera oscura con le tecniche di stampa tradizionali. Contur bante e sottile, il lavoro di Hovsepian riflette una profonda conoscenza della storia e della teoria della fotografia, medium che l’artista al contempo decostruisce, mettendolo continua mente in discussione.

SIGNS

A-Z

SIGNS

• Musing, Halsey McKay Gallery, East Hampton, USA, 2020 • Sheree Hovsepian, Higher Pictures Gallery, New York, USA, 2019 • The Altogether, Monique Meloche Gallery, Chi cago, USA, 2018 Tishan Hsu BORN 1951, Boston, USA LIVES&WORKS New York, USA Autentico precursore, già a metà degli anni ‘80 Tishan Hsu sviluppa una serie di lavori che affrontano le implicazioni dell’uso accelerato della tecnologia e dell’intelligenza artificiale e il loro impatto sul corpo e sulla condizione uma na. Formatosi come architetto al MIT, nella pro pria pratica Hsu possiede una materialità pecu liare, influenzata dalla sua educazione e dalla scena in erba dell’East Village dell’epoca. Scul ture architettoniche, rilievi murali, disegni, lavori multimediali, installazioni e dipinti esaminano quella che l’artista definisce l’“incarnazione della tecnologia”. Un lavoro visionario, profe tico, che incontra oggi finalmente un pubblico in grado di comprendere le istanze indagate dall’artista già oltre trent’anni fa.

ENG A true forerunner, already in the mid-80s Hsu developed a series of works that addressed the implications of the accel erated use of technology and artificial intel ligence and their impact on the body and the human condition. Trained as an architect at MIT, in his practice Hsu possesses a peculiar materiality, influenced by his education and the budding scene of the East Village of the time. Architectural sculptures, wall reliefs, drawings, multimedia works, installations and paintings examine what the artist calls the “embodiment of technology”. A vision ary, prophetic work, which today finally meets an audience able to understand the instances investigated by the artist already over thirty years ago.

SIGNS • West Coast , Massimo de Carlo, London, UK, 2021 • Paintings 1978-2018, Mother’s Tankstation, Dublin, Ireland, 2019 Rebecca Horn BORN 1944, Michelstadt, Germany LIVES&WORKS Odenwald, Germany Scultrice e regista sviluppa il suo lavoro at traverso diversi linguaggi e mezzi espressivi con particolare attenzione alle performance e alle installazioni. Ha indagato nel tempo le differenti possibilità di comunicare attraverso il proprio corpo realizzando body extension con vestiti, bende e oggetti che reinventava no le forme della sua persona. Con sculture meccaniche fatte di piume, tubi e imbuti in cui scorrono sostanze chimiche o apparec chiature composte da oggetti di uso comune, come sbarre di metallo, valigie, forbici, uova, pennelli, violini, crea situazioni stranianti per suggerire sentimenti e ansie che da personali si fanno collettive.

SIGNS

ENG A sculptor and director, Rebecca Horn develops her art using different lan guages and expressive techniques, with a focus on performance and installation art. She investigated, over time, the body’s potential to communicate by building body extensions using clothing, bandages, and objects that would alter the shape of her own body. Using mechanical sculptures made of feathers, pipes, funnels, metal bars, suit cases, scissors, eggs, brushes, violins, she created alienating situations that show how feelings and anxiety can grow from personal to collective.

ENG In the digital age Sheree Hovs epian brings to the fore the materiality and physicality of photography by working with film cameras and photosensitive paper, us ing her body together with various objects to produce cerebral and sensual images. He takes all his photographs in the studio and in the darkroom with traditional printing tech niques. Disturbing and subtle, Hovsepian’s work reflects a deep knowledge of the his tory and theory of photography, a medium that the artist at the same time deconstructs, constantly questioning it.

Jessie Homer French’s oil paint ings, characterised by a language that is only apparently naïve, represent a thorough analysis of the artist’s world. With calm brushstrokes, the self-taught artist treats with delicate care existential themes related to death and personal loss, nature and cli mate change, rural life and the beauty of the great outdoors. Even the darkest subjects are characterised by a formal vitality that gives her sweet and sour compositions an amazing freshness. In her works creation and destruction coexist with exemplary frankness and nature seems to live and thrive despite human interference, giving a sense of remission and hope at the same time.

SIGNS Rebecca Horn. Lo stato dell’anima, Studio Trisorio, Naples, Italy, 2022 • Rebecca Horn. Théâtre des métamorpho ses, Centre Pompidou, Metz, France, 2020 • Rebecca Horn – Fata Morgana, Fondazione Bevilacqua La Masa, Venice, Italy, 2009

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• Tishan Hsu: Liquid Circuit , Hammer Museum – UCLA, Los Angeles, USA, 2020 • A New Generation of 1980s: American Painter and Sculptors, The Metropolitan Museum of Art, New York, USA, 1988 prosperare nonostante le interferenze umane, regalando un senso di remissione e insieme di ENGsperanza.

Georgiana Houghton 1814, Las Palmas, Canary Islands, Spain 1884, London, UK Medium e spiritualista, Georgiana Houghton è stata una figura di spicco del movimento spiritualista inglese di epoca vittoriana. Tra il 1860 e il 1870 realizza una serie sorprendente di acquerelli astratti di straordinaria modernità e bellezza. Può considerarsi la prima artista a sperimentare l’uso del disegno come metodo di canalizzazione delle emozioni per poter esprimere i personali contatti con entità spi rituali. Di grande interesse la corposa teoria di acquerelli complessi e stratificati dal titolo Spirit Drawings : il livello tecnico elevato, i co lori vivaci, le forme fluide di questi lavori antici pano almeno di mezzo secolo l’arte astratta di artisti come Kandinsky. ENG Medium and spiritualist, Geor giana Houghton was a leading figure in the English spiritualist movement of the Victo rian age. Between 1860 and 1870 she created a surprising series of abstract watercolors of extraordinary modernity and beauty. She can be considered the first artist to experi ment with the drawing as a means to channel emotions in order to express personal con tacts with spiritual entities. Her substantial theory of complex and stratified watercolors entitled Spirit Drawings is one of her most in teresting works. The high technical level, the lively colors, the fluid shapes of these works anticipate by half a century the abstract art of artists such as Kandinsky.

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Marguerite Humeau BORN 1986, Cholet, France LIVES&WORKS London, UK L’artista francese si forma al Royal College of Arts, nel dipartimento di Interaction De sign. Dal metodo visionario di progettazione sviluppa un processo creativo che mette in scena l’attraversamento di grandi distanze nel tempo e nello spazio, in un dialogo con forme viventi passate, presenti e sognate al confine tra scienza e finzione. In oltre un decennio di pratica e attraverso varie esposizioni su larga scala ha costruito un suo percorso artistico dai tratti sicuramente originali, connotato da una disposizione decisamente onirica verso la ENGvita. The French artist got her education at the Royal College of Arts. She uses a vi sionary design method to develop her crea tive process and to stage a journey across large distances in space and time, a sort of conversation with ancient and modern living forms and a dream that touches the realm of science and fiction. In over ten years of making art and after a series of large-scale exhibitions, Humeau’s career shows original traits and a beautifully dreamlike outlook on life. The Toronto Biennial Of Art , Toronto, Canada, 2021 Birth Canal exhibition, The New Museum, New York, USA 2018 • Echoes exhibition, Tate Modern, London, UK, 2017 Jacqueline Humphries BORN 1960, New Orleans, USA LIVES&WORKS New York, USA Sopravvissuta alle innumerevoli volte che la pittura è stata dichiarata “morta” negli ultimi decenni, Jacqueline Humphries continua a sostenere che «la pittura si adatta a tutto». L’ha adattata, infatti, al processo creativo atto a generare una forma di arte processuale, non-finita, che gioca col concetto di crea zione e con l’esistenza effimera di un canone stabilito di linguaggi digitali. Alla Biennale le sue opere fungono da base di partenza per un ponte ideale che collegherà artisti di diverse generazioni.ENG A survivor of the many times paint ing had been considered ‘dead’ over the last several decades, the artist maintains “paint ing can adapt to anything” as she comments on how she adapted the technique to a form of processual, never-finished art that plays with the concept of making art as well as with the short-lived existence of an established canon of digital languages. At Biennale, Humphries’ art will serve as part of a con necting bridge through different generations of artists.

SIGNS

SOGNIDEILATTEIL

• Abstraction: Four Painters, Crown Point Press, San Francisco, USA, 2020 • The Electric Comma, V-A-C Foundation, Ven ice, Italy, 2017 • Jacqueline Humphries, Carnegie Museum of Art, Pittsburgh, 2015 Tatsuo Ikeda 1928, Saga, Japan 2020, Tokyo, Japan Creatore di inquietanti e intricati disegni astratti, Tatsuo Ikeda è stato uno dei pionieri della scena d’avanguardia nella Tokyo del do poguerra. Già i primi lavori degli anni ‘50, resi in bianco e nero e in colori tenui, riflettevano la forte presa di posizione dell’artista contro la guerra, come testimoniano le angoscianti serie Anti-Atomic Bomb, Chronicle of Birds and Beasts e Genealogy of Monsters. Selezionato dall’esercito giapponese come pilota kamikaze durante la Seconda Guerra, ma fortunatamen te mai inviato nei voli suicida, Ikeda è stato fortemente influenzato dagli orrori del conflitto, che riecheggiano in opere caratterizzate da una vena surrealista e popolate da minacciose creature che alludono alla catastrofe delle bombe atomiche e ai poteri corruttori del na zionalismo.ENGCreator of disturbing and intricate abstract designs, Tatsuo Ikeda was one of the pioneers of the avant-garde scene in post-war Tokyo. Already the first works of the 50s, rendered in black and white and in soft colors, reflected the strong stance of the artist against the war, as evidenced by the distressing series Anti-Atomic Bomb, Chronicle of Birds and Beasts and Genealogy of Monsters. Selected by the Japanese army as a kamikaze pilot during the Second World War, but fortunately never sent on suicide flights, Ikeda was strongly influenced by the horrors of the conflict, which echo in works characterized by a surrealist vein and popu lated by threatening creatures that allude to the catastrophe of atomic bombs and the cor rupting powers of nationalism.

SIGNS • Tokyo 1955–1970: A New Avant-Garde, MoMA, New York, USA, 2013 • Tatsuo Ikeda, Fergus McCaffrey, New York, USA, 2017 • Yomiuri Indépendant Exhibition, Tokyo Met ropolitan Art Museum, Japan, 1954 Saodat Ismailova BORN 1981, Tashkent, Uzbekistan LIVES&WORKS Tashkent, Uzbekistan and Paris, France Artista e regista di formazione post-sovietica, Saodat Ismailova ha anche frequentato centri d’arte e di formazione in Europa occidentale come il DAAD a Berlino e Fabrica a Treviso. I suoi film sono elegie di un mondo, l’Asia cen trale, che è cambiato radicalmente nel corso del XX secolo. Si tratta di opere introspettive che intendono restituire l’emozionalità degli affetti, in particolare del mondo femminile: Ismailova rivendica orgogliosamente la sua identità di donna uzbeka. Alla Biennale parte ciperà con nuovi video. ENG Artist and filmmaker of postSoviet stock, Ismailova has been a fellow at several art and formation centres in western Europe, such as Berlin’s DAAD Programme and Fabrica in Treviso, Italy. Her films are elegies of a world, Central Asia, that has been going through dramatic changes over the twentieth century; they are introspective and sentimental, and indissolubly linked to her identity as a proud Uzbek woman. At the Biennale, she will participate with video art.

SIGNS • Documenta 15, Kassel, Germany, 2022 • 55th Venice Biennale, Central Asian Pavilion, Italy, 2013 • Centre Georges Pompidou, permanent collec tion, Paris, France Aletta Jacobs 1854, Sappemeer, The Netherlands 1929, Baarn, The Netherlands

SIGNS •

ENG The first woman to get a medical degree in the Netherlands and the first pro fessional physician, Aletta Jacobs has also been a protagonist of the first feminist wave. She defended her and other women’s rights, fighting for their right to vote. As a physician, she opened an office in Amsterdam in 1882 to teach women how to use contraception. She authored several books, including an illustrated book on women’s anatomy.

Nei Paesi Bassi fu la prima donna a laurearsi in Medicina generale e ad esercitare la pro fessione. Fu inoltre una figura di spicco della “prima ondata femminista”: difese i suoi diritti e quelli delle altre donne rivendicando a gran voce il suffragio universale. Come medico, nel 1882 aprì ad Amsterdam una clinica dove aiu tava le donne a usare i contraccettivi. Scrisse diversi libri, tra cui De vrouw. Haar bouw en haar inwendige organen (1898): un volume riccamente illustrato per descrivere in modo chiaro e scientifico il corpo femminile.

SIGNS • Herinneringen van Dr. Aletta H. Jacobs, Van Holkema & Warendorf, Amsterdam, The Nether lands, 1924 • Uit het leven van merkwaardige vrouwen, Van Rossen, Amsterdam, The Netherlands, 1905 • La femme et le féminisme, publication, V. Gi ard & E. Brière, Paris, France, 1900

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 89

SIGNS • Upgrade in Progress

BORN 1980, Seoul, South Korea Seoul, South Korea Coreografa e danzatrice di professione, l’ar tista coreana mescola danza, teatro, video e scultura, incentrando la propria ricerca sul rapporto tra natura e tecnologia. Nelle sue performance Geumhyung Jeong accosta i movimenti del proprio corpo a quelli di biz zarre costruzioni animatroniche che realizza lei stessa, seguendo tutorial e lavorando da autodidatta. Le performance dell’artista sono affollate di oggetti disarticolati e inquietanti, che interagiscono tra loro secondo modalità impreviste e non senza una vena ironica, spin gendo lo spettatore a cercare similitudini e dif ferenze, ridisegnando continuamente i confini dell’umano e del non-umano.

ENG The first African-American woman to graduate from the Boston Museum’s School of Fine Arts, Loïs Mailou Jones was the longest-serving of the artists of the so-called Harlem Renaissance and her works today are three of the most highly rated on the market.

LIVES&WORKS

2016

SIGNS

BORN 1943,

ENG Jürgenssen used the language of Surrealism in her photographs to treat social mores, aesthetical canons, and inter-gender relationships with an ironic language and revolutionary humour. In her art, the private home – the place dedicated to feminine self-care – becomes a place of constriction, while daily objects such as shoes, clothes, stovetops are presented in a way that can be enigmatic, or sarcastic. The body is revealed on stage through the use of masks, natural materials, prosthetics that investigate the psychological and emotional depths of the female mind.

The Milk of Dreams PARTICIPANTS A-Z computer programming and the operation of looms. The binary image resulting from either technology facilitates the work of the artist as she transitions from textile art to computer art. In her tapestries, Johannes son upturns the dominant art canon by using materials and techniques that are tradition ally associated with women and to the arts & crafts world.

SIGNS • Take Me to Another World, Museo Reina Sofía, Madrid, Spain, 2021 • Pression/Imprint , Malmö Konsthall, Malmö, Sweden, 2017 • Incerteza Viva, Biennale San Paolo, Brazil, 2016 Loïs Mailou Jones 1905, Boston, USA 1998, Washington, D.C., USA Prima donna afroamericana a laurearsi alla School of Fine Arts del Boston Museum, Loïs Mailou Jones è stata la più longeva degli artisti del cosiddetto Rinascimento di Harlem e le sue opere oggi sono tre le più quotate sul mer cato. Tra le prime pittrici a combinare forme artistiche tradizionali africane con estetiche e correnti occidentali, dipinse en plain air a Parigi in stile espressionista e poi cubista, e insegnò ad Haiti e alla Howard University di Washington DC, dove sviluppò la sua pratica e assunse il ruolo di mentore per i suoi studenti, difendendo e promuovendo l’arte e gli artisti della comunità nera.

Among the first painters to combine tradi tional African art forms with aesthetics and Western currents, she painted en plain air in Paris in expressionist and then cubist style, taught in Haiti and at Howard University in Washington DC, where she developed her practice and assumed the role of mentor for her students, defending and promoting the art and artists of the black community.

• Les Fétiches, 1938, permanent collection, Smithsonian American Art Museum, Washing ton, USA Jamian Jiuliano-Villani BORN 1987, Newark, USA LIVES&WORKS New York, USA Dipinti – ma non è l’unico mezzo che l’artista utilizza – come giustapposizioni eteroclite, eccitanti, folli, come un gioco di parole reso visivamente, come un rebus. Figure e scenari dai colori vividi, eccellentemente dipinti. Enigmi emozionanti, sogni ebbri, dinamici, estremi, una sfida al gusto e al raziocinio. L’artista si ramma rica che le sue opere non siano più accessibili come un tempo, essendo ormai battute all’asta per centinaia di migliaia di dollari e custodite in collezioni museali di primissimo rilievo.

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Award

2020 • Private Collection: Unperformed Objects, Delfina

SIGNS

ENG A textile artist and a pioneer of graphic art, her work is an example of con ceptual synchrony between the language of art and the language of technology, espe cially as she finds a positive combination of

The Life and Work of Lois Mailou Jones, Mar tha’s Vineyard Museum, Edgartown, USA, 2015

SIGNS

90 ARTISTS

• Reflective Moments, MFA, Boston, USA, 1973-‘74

ENG Paintings – though the artist is more than a painter – as heteroclitic, excit ing, foolish juxtapositions. Almost a word riddle, but made with images. Figures and sceneries of bright colours, painted in per fect fashion. Exciting enigmas and inebri ated, dynamic, extreme dreams, a challenge to taste and to reason. The artist laments how her art is not as accessible as it used to be, since quotations reached the hundreds of thousands of dollars and are now kept in toptier museums.

• Try Explaining How You Feel, Kunsthall Sta vanger, Norway, 2021 • Steak Wars, Pond Society Foundation, Shang hai, China, 2021 • Low Form. Imaginaries and Visions in the Age of Artificial Intelligence, MAXXI, Rome, Italy, 2018 Birgit Jürgenssen 1949, Vienna, Austria 2003, Vienna, Austria Con le sue fotografie ha attinto ai linguaggi del Surrealismo per trattare convenzioni sociali, canoni di bellezza e rapporti tra i sessi con un linguaggio ironico e un umorismo sovversivo.

Geumhyung Jeong

2017 •

ENG Choreographer and dancer by profession, the Korean artist mixes dance, theater, video and sculpture, focusing her research on the relationship between nature and technology. In her performances Geum hyung Jeong combines the movements of her body with those of bizarre animatronic constructions that she realizes herself, fol lowing tutorials and working as a self-taught. The artist’s performances are crowded with disjointed and disturbing objects, which interact with each other in unexpected ways and not without an ironic vein, pushing the viewer to look for similarities and differenc es, continuously redrawing the boundaries of the human and the non-human. , Palazzina dei Giardini, Modena, Italy, Foundation, London, UK, Foundation Missulsang , Charlotte Johannesson Malmö, Sweden LIVES&WORKS Skanör, Sweden Artista tessile e pioniera della grafica digi tale, il suo lavoro è un esempio concreto di sincronia concettuale tra linguaggio artistico e tecnologia, declinata in particolare nella ri cerca di una combinazione virtuosa attraverso l’utilizzo della programmazione informatica per la realizzazione di telai. La natura binaria dell'immagine risultante da entrambe le tec nologie (dove “0” e “1” si sovrappongono a trama e ordito) facilita il passaggio dell'artista dalla tessitura all'arte basata sul computer. Nei suoi arazzi l’artista intende sovvertire il canone artistico predominante attraverso l’utilizzo di un materiale e di una tecnica tradizionalmente associati al mondo femminile e all'artigianato.

Nei suoi lavori l’abitazione privata, vista come luogo deputato alle funzioni femminili, diventa luogo di costrizione, mentre oggetti quotidiani come scarpe, abiti e fornelli vengono presen tati in maniera enigmatica o sarcastica.

• Birgit Jürgenssen, Bank Austria Kunstforum, Vienna, Austria, 2010 • BICASSO Jürgenssen, Galerie Hubert Winter, Vienna, 1994

Il corpo messo in scena è svelato attraverso l’uso di maschere, materiali naturali, protesi, utili a scandagliare le profondità psicologiche ed emotive del femminile.

• Birgit Jürgenssen. Io sono, GAMeC, Ber gamo, Italy, 2019

Sculture,

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 91

dorf, Germany, 2019 Bronwyn Katz BORN 1993, Kimberley, South

SIGNS • Artery, Camden

SIGNS • Salvaged

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Centre London, UK, 2022 •

& Graphics, Gió Marconi, Milan, Italy, 2020 • Maskulinitäten, Bonner Kunstverein,

Ida Kar 1908, Tambov, Russia 1974, London, UK Ida Karamian, di origini armene, subito dopo la Seconda guerra mondiale si trasferisce a Lon dra, dove decide di abbreviare il suo cognome. Aperto uno studio fotografico specializzandosi in ritratti di artisti (scrittori, scultori, pittori, attori e fotografi). Nel fermento culturale lon dinese degli anni ‘50 e ’60 con la forza della sua personalità, e grazie alla sua capacità di trovare l’inquadratura perfetta, ha proposto immagini mai banali e sempre di grande forza espressiva. Tra i suoi progetti più noti Artisti al lavoro : una serie di ritratti di grande intensità nei quali indaga i volti e gli animi, solo per citarne qui alcuni, di Henry Moore, Gino Seve rini, André Breton, Dmitri Shostakovich, JeanPaul Sartre, Le Corbusier.

SOGNIDEILATTEIL

SIGNS • Ficelle, Tanja Wagner Galerie, Berlin, Germany, 2020 • A Primer, Galerie Jérôme Poggi, Paris, France, 2017 • White Gold: Morogoro, Goodman Gallery, Jo hannesburg, South Africa, 2016 Kiki Kogelnik 1935, Graz, Austria 1997, Vienna, Austria Dopo un primo approccio con l’espressio nismo astratto, Kiki Kogelnik si trasferisce a New York nei primi anni ’60 e inizia a dedicarsi a dipinti e installazioni dall’estetica pop, ispi rata dai recenti progressi della robotica e dei viaggi nello spazio. Nella cerchia di Jasper Johns, Roy Lichtenstein e Andy Warhol, Ko gelnik diviene famosa per la serie Hangings, in cui ritagliava le sagome del corpo di amici dal vinile colorato e li appendeva a grucce o rota ie. L’anatomia, la scienza, la tecnologia, il fem minismo sono il fulcro della sua opera: quasi 20 anni prima di The Cyborg Manifesto (1985) di Donna Haraway, Kogelnik sogna un futuro postumano in cui identità e corpi sono costan temente decostruiti, distorti in un desiderio di emancipazione, potere ed energia.

ENG In her artistic approach, Allison Katz embraces the ambiguity of communica tion with a playful, investigative touch and by doing so, she expands the conventional notion of an artist’s ‘style’. Her work exists within a poetic space between mirror and mask, between revealing and concealing what is presented to us. It also focuses on the multiple layers of conscience that reside on the surface and on the subject of a painting. Her goal is to show the stories of images us ing the tension between what is seen and what is not. Art Monograph Düssel Africa South Africa installazioni, video e performance dallo stile astratto e minimalista si confrontano con il concetto di terra come deposito di me moria e con le nozioni di luogo e spazio come esperienze vissute. Utilizzando materiali ritro vati come punto di partenza dei propri lavori, l’approccio dell’artista è regolato da preoccu pazioni formali e da una forte attenzione alla composizione e alla linea. Suo obiettivo è di coinvolgere il visitatore in una riflessione sullo spazio e sui confini, ri-letti e ri-definiti in base alle diverse costruzioni sociali. ENG Sculptures, installations, video art, and performance of abstract, minimal ist style confront the concept of earth as a repository of memories and the notions of place and time as lived experiences. By us ing found objects as the starting point for her art, Katz regulates her creations with formal decisions and attention to compositions and lines. Her goal is to involve the visitor in a reflection on space and borders, read and defined over and over on the basis of differ ent social constructs. Letter, Peres Project, Berlin, Ger many, 2019 A silent line, lives here, Palais de Tokyo, Paris, France, 2018 Groenpunt , Cape Town, South Africa, 2003 Kapwani Kiwanga 1978, Hamilton, Canada LIVES&WORKS Paris, France I suoi studi di Antropologia e Belle Arti si riflettono in lavori di diversa natura, forma e materia: sculture, installazioni, video, foto, performance. Le sue opere sono ispirate da storie marginali, spesso dimenticate, che por tano l’osservatore ad adottare punti di vista mai sperimentati prima. Passato, presente e futuro dialogano tra loro intrecciandosi, con dizionati dagli squilibri derivanti dalla gestione del potere nelle società delle diverse epoche e ENGlatitudini.Her studies of anthropology and fine arts show in the different natures, forms, and shapes of her art: sculptures, installa tions, videos, photographs, performances. Her art always found inspiration in marginal ised, often forgotten, stories, which encour age the viewer to adopt different points of view, never tried before. Pasto, present, and future provoke one another, owing to the unbalance of the management of power in different societies.

•

SIGNS

ENG Ida Karamian moved to London post-WWII, where she took a short form of her surname. She opened a photo shop and specialised in artist’s portraits. In the London cultural world of the Fifties and Sixties, she used the strength of her personality and her ability to find the perfect framing to create images that were always original and always powerful. One of her most famous projects is a series of intense portraits where she scruti nises the faces and the souls of Henry Moore, Gino Severini, André Breton, Dmitri Shosta kovich, Jean-Paul Sartre, Le Corbusier, just to name a few.

LIVES&WORKS Johannesburg,

BORN

ENG After a first approach with abstract expressionism Kiki Kogelnik he moved to New York in the early 60s and began to de vote himself to paintings and installations with a pop aesthetic, inspired by recent ad vances in robotics and space travel. In the circle of Jasper Johns, Roy Lichtenstein and Andy Warhol, Kogelnik became famous for the Hangings series, in which he cut out the silhouettes of the body of friends from color ed vinyl and hung them on hangers or rails. Anatomy, science, technology, feminism are the core of Kogelnik’s work: 20 years before Donna Haraway Kogelnik’s The Cyborg Man ifesto (1985) dreams of a posthuman future in which identities and bodies are constantly deconstructed, distorted into a desire for emancipation, power and energy.

SIGNS • Ida Kar. Bohemian Photographer, The Box, Plymouth, Devon, UK, 2013 • Ida Kar. Bohemian photographer 1908-1974, National Portrait Gallery, London, UK, 2011 • Ida Kar, Whitechapel Gallery, London, UK, 1960 Allison Katz BORN 1980, Montréal, Canada LIVES&WORKS London, UK Nel suo ambito artistico Allison Katz abbraccia l’ambiguità della comunicazione con tocco giocoso e indagatore, espandendo la nozione convenzionale di “stile di firma” di un artista. Il suo lavoro opera in uno spazio poetico tra specchio e maschera, tra rivelare e nascon dere ciò che viene presentato, richiamando l’attenzione sui molteplici strati di coscienza che risiedono nella superficie e nel soggetto di un dipinto. Il suo obiettivo è quello di esprime re le vicissitudini delle immagini concentrando l’occhio e la mente sulla tensione tra ciò che si vede e ciò che viene rivelato.

• The World Goes Pop, Tate Modern, London, UK, 2015 • Austrian Cross of Honour for Science and Art , 1998 • Moonhappening (during the lunar landing of Apollo 11) , Galerie Nächst St. Stephan, Vienna, Austria, 1969

ENG An exponent of the Pictures Gen eration, Lawler’s work has been mostly pho tographs of arts and artists since the 1960s. She focused particularly on the spaces where the works were exhibited and the methods used to create them. The photographer ap propriates images to study their function and their code of representation: film, television, magazines. Important work of hers include paintings hung on museum walls, a private art collection, art galleries, and the visit of a sculpture art show.

• Grand Prize, Second International Young Artists Exhibition, Tokyo, Japan, 1962 Gabrielle L’Hirondelle Hill BORN 1979, Comox, Canada LIVES&WORKS on the unceded territories of the Musqueam, Squamish and Tsleil-Waututh peoples

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Il tabacco, in particolare, è tra i più significativi di questi beni ‘corrotti’, per il suo antico uso da parte di molte delle popolazioni native delle Americhe a fini di benessere fisico e spirituale.

SIGNS Louise Lawler: WHY PICTURES NOW, MoMA, New York, USA, 2017 • Accrochage, Punta della Dogana, Venice, Italy, 2016 • No Drones, Studio Guenzani, Milan, Italy, 2014 Carolyn Lazard BORN 1987, Upland, USA LIVES&WORKS New York and Philadelphia, USA

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ENG A multidisciplinary artist, Carolyn Lazard defines her art through the experi ence of disability and living with various chronic diseases. Through different medi ums, ranging from video to performance, Barbara Kruger

SIGNS • Projects Series, MoMA, New York, USA, 2021 • Four Effigies for the End of Property, College Art Galleries at the University of Saskatchewan, Saskatoon, Canada, 2020 • Money, Unit 17, Vancouver, Canada, 2019 Louise Lawler BORN 1947, Bronxville, USA LIVES&WORKS New York, USA Esponente della Pictures Generation, dagli anni ‘70 in poi i suoi lavori sono focalizzati su fotografie che ritraggono lavori di altri artisti, prestando speciale attenzione agli spazi in cui questi stessi lavori vengono collocati e ai metodi usati per crearli. Si appropria delle im magini per poter prendere in esame le funzioni e i codici della rappresentazione nei film, nella televisione, nelle riviste. Importanti suoi lavori fotografici includono dipinti appesi alle pareti di un museo, una collezione d’arte privata, lavori di installazione di opere in una galleria e sculture in una galleria viste da uno spettatore.

Artista multidisciplinare, Carolyn Lazard de finisce la propria arte attraverso l’esperienza della disabilità e della convivenza con diverse malattie croniche. Attraverso diversi medium, che vanno dal video alla performance, dalla scultura all’installazione, Lazard indaga le dimensioni sociali e politiche dell’assistenza all’intersezione di razza, genere e disabilità.

92 ARTISTS

Born into a family of artists, Tet sumi Kudo between the 50s and 60s is a key figure of the Japanese artistic avant-garde. His work is an open critique of consumerism and political conformism in Japan. In 1962 he moved to France, since then his adopted homeland, where he joined the Nouveau Realisme movement. Over a four-decade career, Kudo has deeply investigated the human experience, questioning in particular the proliferation of mass consumption and the rise of technology. In his sculptures and installations artificial fragments of body are mixed with clocks, thermometers and labo ratory ampoules in a dimension that the artist defines as “New Ecology”: a sort of closed circuit in which ethical values become ex changeable as consumer goods and technol ogy, nature and humanity intersect daily influencing each other.

Per le sue installazioni l’artista colleziona oggetti di rilievo nella storia dell’America del Nord all’epoca della colonizzazione europea.

Focalizzate sui concetti di accessibilità e dipendenza, le opere e le pubblicazioni dell’ar tista statunitense sovvertono la visione della malattia, che diventa lente creativa attraverso la quale immaginare modalità alternative di accessibilità, lavoro e cura.

SIGNS Untitled, Punta della Dogana, Venice, Italy, 2020 • Utopie quotidiane: L’Uomo e i suoi sogni nell’arte dal 1960 ad oggi, PAC, Milan, Italy, 2003 Pollution - Cultivation - Nouvelle écologie, Galerie Mathias Fels, Paris, France, 1971

A-Z di circuito chiuso in cui valori etici divengono scambiabili quanto i beni di consumo e la tecnologia, la natura e l’umanità si intersecano quotidianamente influenzandosi le une con le ENGaltre.

The Milk of Dreams PARTICIPANTS

BORN 1945, Newark, USA LIVES&WORKS Los Angeles, USA Kruger è un'artista che lavora con immagini e parole, rivelando e mettendo in discussione pensieri socialmente radicati nelle pratiche di potere. Dalla metà degli anni Settanta ha giu stapposto i propri testi con immagini ritrovate, in bianco e nero, alle quali abbina delle scritte rosse e nere. Attraverso queste immagini cer ca di mettere in critico rilievo le macchinazioni del capitalismo, con particolare riferimento alle pratiche tutt’altro che corrette della politica e alle urgenti riflessioni sul tema dei generi, temi il più delle volte oggetto di attenzioni ipocrite e convenzionali o comunque sia affrontati in ma niera del tutto superficiale. L’opera dell’artista comprende fotomontaggi e complessi progetti video e sonori, oltre a installazioni collocate negli spazi pubblici. ENG Barbara Kruger works with im ages and words, revealing and questioning thoughts that are socially rooted in power dynamics. Since the mid-1960s, she has been pairing her written work with found images in black and white, which she adds red and black writing onto. Using these images, she tries to criticise the machinations of capitalism, with particular attention given to far-from-fair practices of the political game and to urgent reflections on the themes of gender, which all too often is addressed in disingenuous, conventional, or superficial ways. Kruger’s art includes photomontages and video and sound projects as well as pub lic art.

SIGNS • American Art 1961–2001, Fondazione Palazzo Strozzi, Florence, Italy, 2021 • In the Tower: Barbara Kruger, National Gal lery of Art, Washington, USA, 2016 • Barbara Kruger. Untitled (Blind Eye, Brain Drained, Shattered Skin) , Australian Center for Contemporary Art, Melbourne, 2005 Tetsumi Kudo 1935, Osaka, Japan 1990, Tokyo, Japan Nato in una famiglia di artisti, Tetsumi Kudo tra gli anni ‘50 e ‘60 è una figura chiave dell’avanguardia artistica nipponica. La sua opera è una critica aperta al consumismo e al conformismo politico in Giappone. Nel 1962 si trasferisce in Francia, da allora sua patria d’adozione, dove entra a far parte del movimento Nouveau Réalisme. Lungo quattro decenni di carriera Kudo ha indagato profon damente l’esperienza umana, interrogandosi in particolare sulla proliferazione del consumo di massa e sull’ascesa della tecnologia. Nelle sue sculture e installazioni frammenti artificiali di corpo sono mescolati a orologi, termometri e ampolle da laboratorio in una dimensione che l’artista definisce “Nuova Ecologia”: una sorta

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ENG For her installations, the artist chooses objects that carry meaningful ref erences to the history of the colonisation of North America to show how the colonisers perverted what used to be the local signifi cance of goods, land, and forcefully adapted it to new mores, thus stealing from and sup pressing the local cultures. Tobacco is, in particular, the most significant of such items, due to its ancestral use by many of the native people of the Americas for their spiritual and physical well-being.

L’obiettivo è mostrare come i coloni abbiano corrotto il significato locale di beni e terreni e l’abbiano adattato ai loro usi, in qualche modo sopprimendo le culture locali sottraendo degli elementi per esse identitariamente pregnanti.

VENICEHEUREKAHOTEL 06465240413900T HOTEL-HEUREKA.COM MASTERPLAN-A.COM©COLLAGE: KA!RE-HEU-

94 ARTISTS The Milk of Dreams PARTICIPANTS A-Z

ENG Mire Lee’s works draw on an alien imagery, exude entropic energy, arouse polarizing feelings, seductive and repulsive at the same time. Idiosyncratic and spectacu lar, Lee’s sculptures play on the projections of vorarephilia (desire to eat someone or be eaten), becoming an expression of solidarity with the increasingly suffocating realities of the Anthropocene, a consequence of a carnal and insatiable desire for power. Towels, chains, clay, silicone tubes and steel struc tures come together to form a tactile, primor dial and yet highly mechanized organism, capable of generating fetishistic and erotic drives.

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 95 SOGNIDEILATTEIL from sculpture to installation, Lazard inves tigates the social and political dimensions of care at the intersection of race, gender and disability. Focused on the concepts of ac cessibility and dependence, the works and publications of the American artist subvert the vision of the disease, which becomes a creative lens through which to imagine alter native ways of accessibility, work and care. SIGNS • SYNC, Essex Street Gallery, New York, USA, 2020 • A Recipe for Disaster, Camden Art Centre, London, UK, 2018 • Trigger: Gender as a Tool and a Weapon, New Museum, New York, USA, 2017 Mire Lee BORN 1988, Seoul, South Korea LIVES&WORKS Amsterdam, The Netherlands

SIGNS

• Le nuove frontiere del contemporaneo, group exhibition, Fondazione Coppola, Vicenza, Italy, 2019 • Hannah Levy. Panic Hardware, Mother’s Tankstation, Dublin, Ireland, 2018

ENG A self-taught artist, Tau Lewis uses complex methods of hands-on manufactur ing like sewing, carving, and assemblage to create intricate portrait sculpture and patchwork quilts. Her practice finds its roots in healing from personal, collective, and his torical traumas by means of work. Her crea tions make use of scrap materials found in Toronto, New York, and in Jamaica. Upcycling is a form of material recovery that is about action as well as memory. Portraits depict individuals in her own family as well as im aginary ancestors.

Le opere di Mire Lee attingono ad un imma ginario alieno, trasudano energia entropica, suscitano sentimenti polarizzanti, seducenti e ripugnanti al tempo stesso. Idiosincratiche e spettacolari, le sculture di Lee giocano sulle proiezioni di vorarefilia (desiderio di mangia re qualcuno o essere mangiati), facendosi espressione di solidarietà con le realtà sempre più soffocanti dell’antropocene, conseguenza di un desiderio carnale e insaziabile di potere. Asciugamani, catene, argilla, tubi di silicone e strutture in acciaio si uniscono per formare un organismo tattile, primordiale e tuttavia altamente meccanizzato, in grado di generare pulsioni feticiste ed erotiche.

SIGNS • Simone Leigh, David Kordansky Gallery, Los Angeles, California, USA, 2020 • Psychic Friends Network , Tate Modern, Lon don, UK, 2016 • The Future As Disruption, The Kitchen, New York, USA, 2008 Hannah Levy BORN 1991, New York, USA LIVES&WORKS New York, USA Conturbanti e stranianti gli assemblaggi di Hanna Levy sono realizzati con oggetti con dannati ad esistere in funzione dello scopo per cui l’uomo li ha creati. Spezzando questa schiavitù in una sorta di “purgatorio del de sign”, attrezzature mediche, barre di sicurez za, dispositivi ginnici e corrimano si emancipa no dal binario umano/oggetto. Levy rimuove il corpo dalla relazione ergonomica con l’ogget to, sostituendolo con corpi sintetici in schiuma poliuretanica o gomma. Da un lato inquietanti, le sculture di Levy sono tuttavia un’ode alla sensualità, all’eccitazione per il bello, alle potenzialità erogene del design in un futuro in cui le materie prime saranno sufficientemente sensibili e intelligenti da farsi feticci. ENG Disturbing and alienating, Hanna Levy’s assemblages are made with ob jects condemned to exist according to the purpose for which man created them. By breaking this slavery into a sort of “design purgatory”, medical equipment, safety bars, gymnastic devices and handrails emancipate themselves from the human/ object track. Levy removes the body from the ergonomic relationship with the object, replacing it with synthetic bodies made of polyurethane foam or rubber. On the one hand disturbing, Levy’s sculptures are nev ertheless an ode to sensuality, to the excite ment for beauty, to the erogenous potential of design in a future in which raw materials will be sensitive and intelligent enough to become fetishes.

• Shall we sit, stand or kneel?, Marlborough Chelsea, New York, USA, 2016 Tau Lewis BORN 1993, Toronto, Ontario, Canada LIVES&WORKS New York, USA Artista autodidatta, utilizza metodi complessi di lavorazione manuale come il cucito, l’inta glio e l’assemblaggio per realizzare intricati ritratti scultorei e trapunte patchwork. La sua pratica è radicata nella guarigione da traumi personali, collettivi e storici attraverso il lavo ro. I suoi manufatti sono creati con materiali riciclati a Toronto, New York e in Giamaica.

The Milk of Dreams

SIGNS • HR Giger & Mire Lee, Schinkel Pavillon, Berlin, Germany, 2022 • Carriers, Art Sonje Center, Seoul, South Korea, 2020 • Words were never enough, Lily Robert Gal lery, Paris, France, 2020 Simone Leigh BORN 1967, Chicago, USA LIVES&WORKS New York, USA Simone Leigh crea opere scultoree ispirate all'architettura vernacolare e al corpo femmini le, caratterizzate da materiali e processi asso ciati alle tradizioni artistiche dell'Africa e della diaspora africana. Il suo processo creativo è informato da una tensione etica che guarda a storie di collettività, con riferimento particolare alla comunità delle donne nere. Video e per formance sono gli altri mezzi espressivi scelti dall’artista per parlare della teoria femminista nera, sulla cui mancanza di documentazione interviene colmando lacune con la propria ispirazione.ENGSimone Leigh creates sculptures inspired by vernacular architecture and the female body, featuring different materials and processes typical of the art traditions of Africa and the African diaspora. Her creative process is based on an ethical tension that looks at the history of collectiveness, with particular attention credited to black wom en’s communities. Video and performance are the expressive avenues chosen to speak of black feminist theory, whose lacunae are filled in by the artist using her own inspira tion.

L’upcycling è un atto di recupero che include un’azione e una memoria; i ritratti stessi fanno riferimento sia agli individui della famiglia di appartenenza, che ad antenati immaginari.

SIGNS • Art Basel, Miami, USA, 2019 • Making it work to be together while we can, Jeffrey Stark, New York, USA, 2018 • Ragga NYC: Back to school, MoMA, New York, USA, 2017 Shuang Li BORN 1990, Wuyi Mountains, China LIVES&WORKS Berlin, Germany and Geneve, Switzerland Cresciuta a contatto con la cultura under ground, giocando con la Nintendo e nu trendosi di MySpace e YouTube, nella Cina pre-Millennium Bug. Ha imparato la geografia attraverso il videogioco Uncharted Waters e l’inglese con le canzoni dei My Chemical Romance. Tutte queste tracce formative met tono al centro del suo universo espressivo un lessico pop, in cui supereroi della Marvel dia logano con personaggi di fumetti per bambini, protagonisti di un dialogo mediato dagli studi di Shuang Li in Media e Comunicazione, oltre che in Education and Human Development, portati a termine a New York.

PARTICIPANTS A-Z

•

ENG One of the very rare female Con golese artists known at the beginning of the twentieth century, Antoinette, together with her husband Albert Lubaki and the painter Djilatento, is part of the "Congo Image Mak ers", the first generation of modern Congo lese painters made famous in Europe in the 20s. Antoinette paints quickly, frantically, without a precise model, without worrying about perspective, background, shad ows. Often figurative, sometimes abstract, Lubaki's colourful watercolours immortalise scenes of everyday life, describing nature and animals in a poetical way or narrating local legends and proverbs.

SIGNS • A Hard White Body, a Porous Slip, Logan Center Exhibitions, Chicago, USA, 2018 • Trigger: Gender as a Tool and a Weapon, New Museum of Contemporary Art, New York, USA, 2017 • A Body Reduced to Brilliant Colour, Gas works Gallery, London, UK, 2016 Mina Loy 1882, London, UK 1966, Aspen, USA «Poetessa, pittrice, agente d’arte e dise gnatrice di lampade, nei suoi giri conobbe Hemingway, Cocteau, Gide, Erik Satie, Paul Valéry; fu amica di Gertrude Stein, Marcel Duchamp, Picasso, Bernard Berenson, Eleo nora Duse, Peggy Guggenheim; fece l’amore con Marinetti, Papini ed il boxer-poeta Arthur Cravan, con cui viaggiò in Messico; conqui stò l’ammirazione di T.S. Eliot, Ezra Pound e William Carlos Williams…». Così Carlo An ceschi descrive Mina Loy nel suo libro Poeti nel deserto. Basi Bunting e Mina Loy (2005). Amazzone della poesia del ‘900, la Loy è stata un emblema della “danza dell’intelletto tra le parole”, per la cui definizione Pound coniò un nuovo termine: “logopeia”. ENG «Poet, painter, art agent and lamp designer, in her tours she met Hemingway, Cocteau, Gide, Erik Satie, Paul Valéry; she was friend with Gertrude Stein, Marcel Du champ, Picasso, Bernard Berenson, Eleonora Duse, Peggy Guggenheim; she made love to Marinetti, Papini and the boxer-poet Arthur Cravan, with whom she travelled to Mexico; she won the admiration of T.S. Eliot, Ezra Pound and William Carlos Williams…”. This is how Carlo Anceschi describes Mina Loy in his book Poets in the Desert. Basi Bunting and Mina Loy (2005). Amazon of poetry of the 20th century, Loy was an emblem of the “dance of the intellect among words”. Pound coined a new term to name this concept: “lo gopeia”.

Candice Lin BORN 1979, Concord, USA LIVES&WORKS Los Angeles, USA I lavori di Candice Lin sono spesso multisen soriali, realizzati con materiali organici e attra verso processi naturali inseriti nel processo creativo. Installazioni, sculture, disegni, cera miche e video sono il frutto di commistioni tra materie dalla diversa consistenza, compresi i liquidi, per permettere all’artista di affrontare in maniera critica e soggettiva i temi che più la interessano, in primis la cultura etnografica e la storia della schiavitù e del colonialismo ad ogni latitudine. Grande interesse riveste nel suo lavoro anche la questione di genere, in particolare il continuo svilimento del corpo femminile e la sua mercificazione da parte del le società di tutto il mondo e di tutte le epoche.

96 ARTISTS

ENG Candice Lin’s art is often multisensorial, and is realised with organic mate rial and through natural processes inherent to the creative process. Installations, sculp tures, drawings, ceramic pieces, and video art are born of the contamination among different materials, which the artist uses to confront, in critical fashion, the subjects she holds dearest, especially ethnography and the history of colonialism and slavery at every latitude. Lin is also interested in gender politics, especially the vilification of the female body and its commodification in societies all around the world, and in every epoch.

SIGNS • Beauté Congo – 1926-2015 – Congo Kitoko, Cartier Foundation for Contemporary Art, France, 2016 • Arts Primitifs et Arts Populaires, Centre for Fine Arts, Bruxelles, Belgium, 1929 ENG Born in the pre-Y2K underground culture in China – Shuang Li’s cultural space feeds on Nintendo, MySpace and YouTube. She learned geography thanks to a video game, Uncharted Waters, and English thanks to songs by My Chemical Romance. Her up bringing put at the centre of her expressive universe the language of pop, a universe where Marvel heroes talk to children’s comic books.

ENG A pioneer of the interaction be tween art, science and technology, Oriental philosophy and female mythology, over the past six decades Liliane Lijn has produced an extraordinarily diverse body of work, many of which are now in prestigious collec tions, including the Tate, the British Museum, the V&A in London and the FNAC in Paris. She was the first woman to work with kinetic text, exploring both light and text as early as 1962, as well as being the first female artist to exhibit a work that incorporated an elec tric motor. His practice ranges between the most di verse mediums: from kinetic sculpture to film, passing through text, performance and collage, with which he returns his personal vision of the world in “terms of light and en ergy”.

• Thinking

The Milk of Dreams PARTICIPANTS A-Z

SIGNS • Intro to Civil War, Open Forum, Berlin, Ger many, 2019 • If Only the Cloud Knows, SLEEPCENTER, New York, USA, 2018 • Comment il s’appelle, Lab 47, Beijing, China, 2016 Liliane Lijn BORN 1939, New York, USA LIVES&WORKS London, UK Pioniera dell’interazione tra arte, scienza e tecnologia, filosofia orientale e mitologia fem minile, negli ultimi sei decenni Liliane Lijn ha prodotto un corpus di opere straordinariamen te vario, molte delle quali sono oggi conser vate in prestigiose collezioni, tra cui la Tate, il British Museum, il V&A di Londra e il FNAC di Parigi. È stata la prima donna a lavorare con il testo cinetico, esplorando sia la luce che il testo già nel 1962, oltre ad essere stata la prima artista donna ad esporre un’opera che incorporava un motore elettrico. La sua pratica spazia tra i medium più diversi: dalla scultura cinetica al film, passando per il testo, la performance e il collage, con cui resti tuisce la propria personale visione del mondo in «termini di luce ed energia».

SIGNS • Constructions, Bodley Gallery, New York, 1959 • Feminist Manifesto, publication, 1914 • Free Futurist International Exhibition, Rome, Italy, 1914 Antoinette Lubaki 1895, Bukama, Congo Free State (presentday Democratic Republic of the Congo) d. unknown Tra le rarissime artiste congolesi conosciute all’inizio del XX secolo, Antoinette, insieme al marito Albert Lubaki e al pittore Djilatento, fa parte dei “Congo Image Makers”, prima gene razione di pittori congolesi moderni resa famo sa in Europa negli anni ‘20. Lubaki dipinge ve locemente, freneticamente, senza un modello preciso, senza preoccuparsi della prospettiva, dello sfondo, delle ombre. Spesso figurativi, talvolta astratti, i colorati acquerelli dell’artista immortalano scene di vita quotidiana, raccon tando poeticamente natura e animali o narran do leggende e proverbi locali.

SIGNS I am she, Ordet, Milan, Italy, 2020 Converse Column, permanent installation, Uni versity of Leeds, UK, 2019 Big Concepts for Twenty-First Cen tury British Sculpture, group exhibition, Peggy Guggenheim Collection, Venice, Italy, 2002

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Saint Petersburg), Russia LIVES&WORKS Saint

Lu Yang BORN 1984, Shanghai, China LIVES&WORKS Shanghai, China Lu Yang crea opere esplorando temi e formati che combinano la medicina tradizionale cinese e la spiritualità in rapporto alle culture digitali contemporanee. Attraverso video, installazioni e performance si interroga sulla fluidità della rappresentazione di genere attraverso opere animate in 3D ispirate ai manga giapponesi e alle sottoculture popolari. Affascinata da cor po umano e neurologia, il suo lavoro collega la scienza e la tecnologia con l'estetica attinta dalla cultura giovanile popolare, creando nuo ve visioni future.

• Femme robe jaune et panier, Galerie Maeght, Paris, France, 1947 • Deux femmes fond bleu foncé, Galerie Mae ght, Paris, France, 1946 • Femme à la robe verte, Galerie Maeght, Paris, France, 1940 Maruja Mallo 1902, Viveiro, Spain 1995, Madrid, Spain

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 97 SOGNIDEILATTEIL

ENG Lu Yand creates art by exploring themes and formats that combine traditional Chinese medicine and spirituality in their re lationship with modern digital cultures. Us ing video, installation, and performance art, she questions fluidity in gender representa tion by creating 3D animated art inspired by Japanese manga and popular subcultures. Fascinated with the human body and neurol ogy, her work combines science and tech nology with the aesthetics of pop culture, thus creating original future visions. Lu Yang: Digital Descending Aarhus MedienKunstVer Leningrad (present-day Petersburg, Russia Con il suo telaio da pavimento finlandese Var papuu Zhenya Machneva tesse i suoi arazzi con cotone colorato, lino e filati sintetici cre ando rendering dettagliati di macchinari da lei fotografati in vecchie fabbriche o in porti indu striali abbandonati intorno a San Pietroburgo.

SIGNS • Maruja Mallo. Orden y creación, Guillermo de Osma di Madrid, Spain, 2017

SIGNS •

ein, Dortmund, Germany, 2019 Zhenya Machneva BORN 1988,

• Medalla de Oro de Bellas Artes, Spain, 1982

, ARoS

Quarta di quattordici figli e sorella del celebre scultore Cristino Mallo, Maruja si forma a Ma drid, prima studentessa ammessa alla Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Appartenente alla Generazione del ‘27 insieme a Salvador Dalí, figura per lei di riferimento sia a livello artistico che personale, con Rosa Chacel, María Zambrano e Carmen Conde costituisce il nucleo di una vitale avanguardia spagnola degli anni ’20 al femminile denomi nata Las sinsombrero. Tutte artiste che tra sgredivano per riformare, che inseguendo l’ec centricità vivevano senza limiti. La sua opera, figlia del surrealismo, si compone inizialmente di visioni oniriche e oggetti senza tempo, sog getti che vengono sostituiti col tempo da pae saggi e uomini al lavoro che ben restituiscono la sua simpatia per i ceti meno abbienti e il suo impegno sociale. ENG Fourth of fourteen children and sister of the famous sculptor Cristino Mallo, Maruja trained in Madrid. She was the first female student to be admitted to the Real Ac ademia de Bellas Artes de San Fernando. Be longing to the Generation of '27 together with Salvador Dalí, a very important figure for her both on an artistic and personal level, she founded with Rosa Chacel, María Zambrano and Carmen Conde a vital Spanish feminine avant-garde in the ‘20s called Las sinsombre ro. All these artists transgressed to reform and lived a limitless life in the name of ec centricity. Her work, linked to surrealism, is initially composed of dreamlike visions and timeless objects, subjects that are replaced over time by landscapes and men at work showing her sympathy for the less well-off classes as well as her social commitment.

SIGNS

• Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, permanent collection, Madrid, Spain Joyce Mansour 1928, Bowden, UK 1986, Paris, France Poetessa e scrittrice anglo-egiziana, raffinata e cosmopolita, attratta dalla cultura parigina inizia presto a scrivere in lingua francese. Dal Cairo si trasferisce a Parigi dove entra in contatto con André Breton e con altri artisti surrealisti. Nel 1953 pubblica la sua prima raccolta di poesie, Cris, recensita dalla rivista surrealista «Médium». I suoi versi trasudano una spudorata carica surrealista ed erotica ad esaltare l’amore carnale come liberatoria ener gia vitale. Diverse sue raccolte saranno illu strate da artisti come Pierre Alechinsky, Enrico Baj, Hans Bellmer, Jorge Camacho, Wifredo Lam, Sebastian Matta. ENG An English and Egyptian poet and author, refined, cosmopolitan Mansour loved Parisian culture and elected French as the language of her work. She lived in Cairo before moving to Paris, where she was acquainted with André Breton and with the other surrealists. In 1953, she published her first poetry book, Cris, reviewed in the sur realist magazine Médium. Her poetry reso nate with strong surrealist and erotic power

SIGNS •

Kunstmuseum, Århus, Denmark, 2022 • Bangkok Art Biennale, Bangkok, Thailand, 2020 • Computer Grrrls, Hartware

Liberate dal loro primo scopo e sfacciatamen te antropomorfizzate, le macchine tessute da Machneva divengono testimonianze fanta siose, sfocate e toccanti della scomparsa del potente settore manifatturiero russo dopo la caduta dell’Unione Sovietica. Per Machneva la pratica artigianale dell’arazzo e le sue imma gini di fabbriche sono una forma di resistenza alla produzione di massa e alla velocità del nostro tempo. Paesaggi immaginari di un futu ro ENGpassato.With her Finnish floor loom Var papuu Zhenya Machneva weaves her tapes tries with colored cotton, linen and synthetic yarns creating detailed renderings of ma chinery she photographed in old factories or in abandoned industrial ports around St. Pe tersburg. Released from their first purpose and shamelessly anthropomorphized, the machines woven by Machneva become im aginative, blurred and touching evidences of the disappearance of the powerful Russian manufacturing sector after the fall of the So viet Union. For Machneva the artisanal prac tice of tapestry and its images of factories are a form of resistance to mass production and to the speed of our time. Imaginary land scapes of a future past. What am I doing here?, Mendes Wood DM Gallery, São Paulo, Brazil, 2021 • Reminiscences, Galerie GP & N Vallois, Paris, France, 2020 • Only the past , Vladey Space, Winzavod, Mos cow, Russia, 2018 Baya Mahieddine 1931, Fort de l’Eau (present day Bordj El Kiffan), Algeria 1998, Blida, Algeria Pittrice autodidatta, ad appena 16 anni cattura l’attenzione di Picasso e Matisse, colpiti dalle sue creazioni tanto colorate e spontanee, ge nuinamente ‘infantili’. Utilizzando la tempera come strumento principale, ma realizzando anche lavori in ceramica, Baya Mahieddine raffigura un mondo senza uomini, animato da un immaginario panorama di figure femminili sgargianti e luminose che non è possibile far aderire ad alcun genere o movimento precisi.

I suoi colori brillanti, le forme audaci e le linee fluide riflettono la sua complessa eredità cul turale, la sua identità insieme araba, islamica e ENGfrancese.

A self-taught painter, she was merely sixteen when she caught the eye of Picasso and Matisse with her creations, so colourful, naïve, and genuinely ‘childlike’. By using tempera as her main tool, Baya Mahieddine shows a world with no men, ani mated by an imaginary panorama of female figures bright and shiny, that we cannot label easily. Her gaudy colours, daring shapes, and fluid lines reflect her complex cultural heritage and her identity: Muslim, Arab, and French.

ENG Born into a Calvinist family of painters, engravers and chalcographers, Sibylla Merian, endowed with great talent, curiosity and determination, has access to studies and learns the graphic arts in her fa ther's workshop. Since she was a young girl, fascinated by the collections of flowers and butterflies, she will become one of the great est designers and researchers of insects in history. The most fascinating feature of her work is her progress between rigorous ob servation and detailed recording by graphic means of every detail. In an era hostile to fe male work and intellectual development, Sy billa faces publishing challenges, research expeditions to South America, establishes herself as an entrepreneur, scientist and art ist, also devoting herself to her daughters and their education.

SIGNS • London Short Film Festival, BFI Southbank, London, UK, 2022 • Quadriennale d’arte 2020 FUORI, MACRO Museum of Contemporary Art, Rome, Italy, 2020 • Can a door be fascist?, Institute of Contempo rary Art, London, UK, 2020 Sidsel Meineche Hansen BORN 1981, Ry, Denmark LIVES&WORKS London, UK Lo studio approfondito e la critica della mani polazione e del controllo del corpo umano da parte del capitalismo e del patriarcato sono le istanze principali indagate dall’artista danese, che definisce il proprio lavoro un “tentativo di hackerare il corpo pornografico virtuale”. La commercializzazione della Realtà Virtuale, la colonizzazione dello spazio digitale, la mer cificazione del corpo virtuale, la relazione tra l’avatar, il corpo 3D e l’utente: attraverso opere spesso immersive Meineche Hansen getta una nuova luce sul “lavoro immateriale”, servendo si della storia femminista, della filosofia e della teoria queer per aprire una riflessione critica sulla relazione tra sesso, tecnologia e lavoro riproduttivo.ENG

• Der Raupen wunderbare Verwandelung und sonderbare Blumennahrung, publication, 1679/83 • Neues Blumenbuch, publication, 3 vol, 1675/1680 Vera Molnár BORN 1924, Budapest, Hungary

Marakatt-Labba BORN

LIVES&WORKS

SIGNS • Fälld Skog (Felled Forest) , Nordnorsk Kunst museum, Tromsø, Norway, 2021 • History, 14. Documenta, Kassel, Germany, 2017 • Vi skrev ett brev I, Private collection, 1995 Diego Marcon BORN 1985, Busto Arsizio, Italy Milan, Italy Laureatosi in film editing alla Scuola Civica di Cinema, Televisione e Nuovi Media di Milano, ha conseguito una laurea in Arti Visive all’Uni versità IUAV di Venezia. Il suo lavoro affronta la relazione tra realtà e rappresentazione. La sua è una sperimentazione che si concentra sul linguaggio cinematografico, destrutturando le caratteristiche basilari di generi ben codificati quali musical, cartoon, horror, slapstick come dy. L’artista lavora con disegno, film, video e installazione.ENG

LIVES&WORKS

The in-depth study and critique of the manipulation and control of the human body by capitalism and patriarchy are the main instances investigated by the Danish artist, who calls her work an "attempt to hack the virtual pornographic body". The com mercialization of Virtual Reality, the coloniza tion of digital space, the commodification of the virtual body, the relationship between the avatar, the 3D body and the user: through her immersive works Meineche Hansen sheds a new light on "immaterial work", using femi nist history, philosophy and queer theory to open a debat on the relationship between sex, technology and reproductive work.

SIGNS • Metamorphosis Insectorum Surinamensium, publication, 1705

98 ARTISTS

A true pioneer of computer art since 1968, when she taught herself FOR TRAN to programme an algorithm that rendered one of the earliest examples of digitally-created pattern design. Graphi cal experimentation with the simplest geo metrical shapes earned Molnár a place in the Gotha of the optical art movement. Digital art from the 1970s and 1980s will complement the Biennale’s discourse on the relationship between man and machine. in their exaltation of lust as liberating vital energy. Several of her poetry collections have been illustrated by artists such as Pierre Alechinsky, Enrico Baj, Hans Bellmer, Jorge Camacho, Wifredo Lam, and Sebastian Matta. Trous noirs, publication, Pierre d’Alun, 1986 Les Gisants satisfaits, publication, JeanJacques Pauvert, Paris, France, 1958 Cris, publication, Éd. Seghers, Paris, France, 1953 Britta 1951, Sápmi/NorthernIdivuomaSweden Övre Soppero Sápmi/Northern Sweden Nata e cresciuta nelle regioni più settentrionali della Svezia corrispondenti alla Lapponia, la sua arte tessile e pittorica è strettamente lega ta alla narrativa Sami, una cultura che non co nosce i concetti di “fine, inizio, confine”. I suoi ricami narrativi, come i canti yoik della cultura Sami, ripercorrono ricordi d’infanzia dai confini labili. Opere d’arte in cui il filato si sostituisce al colore disegnando la storia di un popolo poco conosciuto, ancora in cerca di legittima zione nonostante le sue antichissime radici. ENG Born and raised in Lapland, her textile art and paintings are strictly tied to Sami culture, a culture where the concepts of ‘end’, ‘beginning’, and ‘boundary’ seem to have no meaning. Her narrative embroidery work reminds of childhood memories of un certain shape, as do the yoik songs of Sami culture. In her art, thread replaces colour as the main element of a story of a people that is little known and is still looking for legitimiza tion, despite its very ancient history.

SIGNS • Cruising Pavilion: Architecture, Gay Sex and Cruising Culture, Venice Biennale, Italy, 2018 • Real Doll Theatre, KW, Berlin, Germany, 2018 • Second Sex War, Trondheim Kunstmuseum, Norway, 2016 Maria Sibylla Merian 1647, Frankfurt am Main, Free Imperial City of the Holy Roman Empire (present-day Germany) 1717, Amsterdam, Dutch Republic (present-day The Netherlands) Nata in una famiglia calvinista di pittori, in cisori e calcografi, Sibylla Merian, dotata di grande talento, curiosità e determinazione, ha accesso agli studi e impara le arti grafiche nel laboratorio del padre. Fin da ragazzina, affascinata dalle collezioni di fiori e farfalle, diventerà una delle più grandi disegnatrici e ricercatrici di insetti della storia. Il tratto più affascinante della sua opera è il suo incede re tra osservazione rigorosa e registrazione dettagliata con mezzi grafici di ogni dettaglio percepito. In un’epoca ostile al lavoro e allo sviluppo intellettuale femminile, Sybilla affron ta sfide editoriali, spedizioni di ricerca nel Sud America, si afferma come imprenditrice, scien ziata e artista, dedicandosi anche alle figlie e alla loro educazione.

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SIGNS •

LIVES&WORKS Paris, France Una vera pioniera dell’arte elettronica fin dal 1968, anno in cui ha imparato il linguaggio di programmazione FORTRAN per scrivere un algoritmo e con questo creare uno dei primi esempi di motivi geometrici digitali. La speri mentazione grafica con le più semplici figure geometriche è valsa a Vera Molnár un posto di rilievo nella storia dall’Optical art. Alcune sue creazioni digitali degli anni ‘70 e ’80 in mostra affrontano il tema del rapporto uomomacchina.ENG

The Milk of Dreams PARTICIPANTS A-Z experiments on the language of cinema by deconstructing the basal features of wellcodified genres such as musical, cartoon, horror, slapstick using drawings, video, and installation art.

A graduate of film editing at the Scuola Civica in Milan, Marcon earned his BA in Visual Arts at the IUAV University in Venice. He works on the relation between reality and representation. The director

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Le sue opere più recenti evocano la land art, hanno dimensioni monumentali ma entro parametri estetici mini malisti e sono pregne di misticismo e poesia, radicate come sono nelle mitologie indigene e nell’artigianato tradizionale. Le sue installazio ni – labirinti di acciaio e cemento, foreste crea te dal nulla, stanze riempite di terra scolpita –, che fanno riferimento a temi sociali e ambien tali, proiettano forza ed energia attraverso il loro potenziale emotivo: sono sensoriali, odo rano di terriccio e spezie, i colori ‘bruciano’, le forme rapiscono.

ENG A street preacher who became an artist, poet, and musician, Sister Gertrude Morgan was driven throughout her life by visions of God. Her artistic talent was a means to express her religious fervour and illustrate her teachings. Self-taught, Morgan created works of art moved by the Spirit: "Through his blessed hands as he takes my hand and writes... ». Using recycled materi als such as cardboard, window curtains, wood, signs she created her illustrated ser mons, mixing acrylics, poster paint, water colours, wax crayons and ballpoint pen.

LIVES&WORKS Oslo, Norway and Berlin, Germany

ENG Educated in Cartagena, Delcy Morelos began her artistic career as a painter, and later she dedicated herself to large-scale installations inspired by the cosmologies of her indigenous heritage of the Andes and the Amerindian Amazon. Her most recent works evoke land art , have huge dimensions but within minimalist aesthetic parameters and are full of mysticism and poetry which as it’s typical of indigenous my thologies and traditional craftsmanship. Her installations – labyrinths of steel and con crete, forests created out of nothing, rooms filled with carved earth – which refer to social and environmental themes, emanate strength and energy through their emotional potential: they are sensory, they smell of soil and spices, the colors 'burn', the shapes kid nap.

• Spectral Keepers, The Approach Gallery, London, UK, 2021 • Sandra Mujinga: Worldview, Swiss Institute of Contemporary Art, New York, USA, 2021 • SONW – Shadow of New Worlds, Bergen Kun sthall, Norway, 2019 Mrinalini Mukherjee 1949, Bombay (present-day Mumbai), 2015,India New Delhi, India Scultrice impegnata il cui lavoro è caratteriz zato da una pratica intuitiva, Mukherjee esplo ra il divario tra figurazione e astrazione. La na tura è la principale ispirazione per l’artista che integra tecniche artigianali con un vocabolario visivo modernista. Le sue opere, realizzate completamente a mano con fibre e lavorazioni diverse, possiedono forme insolite, misteriose, sessuali e, a volte, grottesche e inquietanti. Imbevute di un’etica potente e contempora nea, le sue sculture si definiscono attraverso l’annullamento della distinzione tra tradizionale e ENGmoderno.

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A committed sculptor whose work is characterised by intuitive practice, Mukherjee explores the gap between figu ration and abstraction. Nature is the main inspiration for the artist who integrates craft techniques with a modernist visual vocabu lary. Her works, made entirely by hand with different fibers and processes, take unusual, mysterious, sexual and, at times, grotesque and disturbing forms. Imbued with a power ful and contemporary ethic, her sculptures go beyond any distinctions between tradi tional and modern.

SIGNS

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 99 SOGNIDEILATTEIL SIGNS • Vera Molnár: Icône 2020, New Murano Gallery, Venice, Italy, 2021 • Thinking Machines: Art and Design in the Computer Age, 1959–1989, MoMA, New York, 2017-2018 • Une Rétrospective (1942-2012) , Musée des Beaux-Arts, Rouen, France, 2012 Delcy Morelos BORN 1967, Tierralta, Colombia LIVES&WORKS Bogotá, Colombia Educata a Cartagena, Delcy Morelos inizia il suo percorso artistico come pittrice, per poi valicare i confini della tela dedicandosi a installazioni su larga scala ispirate alle cosmo logie della sua eredità indigena delle Ande e dell’Amazzonia amerindia.

SIGNS • Moradas (Dwellings) , Galería Santa Fe, Bo gotá, Colombia, 2019 • Tierradentro, Röda Sten Konsthall, Göteborg, Sweden, 2018 • Bosque digerido, Sami Center of Contempo rary Art, Karasjok, Norway, 2017 Sister Gertrude Morgan 1900, LaFayette, USA 1980, New Orleans, USA Predicatrice di strada che divenne artista, poeta e musicista, sorella Gertrude Morgan fu guidata per tutta la vita da visioni di Dio. Il suo talento artistico fu il mezzo per esprimere il suo fervore religioso e illustrare i suoi insegna menti. Autodidatta, Morgan creava opere d’ar te quando lo Spirito la muoveva: «Attraverso le sue mani benedette mentre prende la mia mano e scrive...». Usando materiali di recupero come cartoni, tende da finestra, legno, cartelli creava i suoi sermoni illustrati, mescolando liberamente acrilici, vernice per poster, acque relli, pastelli a cera e penna a sfera.

ENG Working with many different media, including sculpture, video, music, social media, performance, photography, and using the most disparate materials, from delicate fabrics to inner tubes, from rubber to plastic, Sandra Mujinga investigates the limits of rational thought and explores new ways of thinking about the body, identity and representation. Inspired by science fiction literature and Afrofuturism, the Congolese artist creates post-human universes popu lated by mysterious characters, large alien but familiar sculptures, evoking ghostly time travellers from other universes.

Lavorando con molti media differenti, tra cui scultura, video, musica, social media, perfor mance, fotografia, e utilizzando i materiali più disparati, dai delicati tessuti alle camere d’aria, dalla gomma alla plastica, Sandra Mujinga in daga i limiti del pensiero razionale ed esplora nuovi modi di pensare il corpo, l’identità e la rappresentazione. Ispirandosi alla letteratura di fantascienza e all’afrofuturismo, l’artista congolese crea universi post-umani popolati da personaggi misteriosi, sculture di grandi dimensioni aliene ma familiari, che evocano spettrali viaggiatori nel tempo provenienti da universi altri.

• Mrinalini Mukherjee Sculpture, Museum of Modern Art, Oxford, UK, 1994 Nadja 1902, Saint-André-lez-Lille, France 1941, Bailleul, France Figlia di un tipografo e di un’operaia cattolica, Léona Camille Guilaine Delcourt viene educata dal padre che la inizia agli studi e alle arti. Gio vane e ribelle, ma molto fragile, si trasferisce a Parigi poco più che ventenne, dopo aver avuto una figlia senza sposarsi. Incontra André Bre ton per strada, casualmente, il 4 ottobre 1926. Da quell’incontro fatale nasce Nadja, la donna reale che ha amato lo scrittore francese e il personaggio-tentazione del suo capolavoro, tangibile quanto inafferrabile. Nadja è l’auto rappresentazione femminile di Breton, l’incar nazione del Surrealismo. Nadja è tutto questo e molto altro: è l’inizio della parola “speranza” in russo, un sogno di amore e di libertà.

• Phenomenal Nature, The Met Breuer, New York, 2019 • Transfigurations, National Gallery of Modern Art (NGMA), New Delhi, India, 2015

SIGNS Smithsonian American Art Museum, perma nent collection • Tools of Her Ministry: The Art of Sister Ger trude Morgan, American Folk Art Museum, New York, USA, 2004 • Black Folk Art in America, 1930–1980, Cor coran Gallery of Art, Washington, DC, USA, 1982 Sandra Mujinga BORN 1989, Goma, Democratic Republic of the Congo

SINGS

Amy Nimr 1898, Cairo, Egypt 1974, Paris, France

Dopo la tragica perdita dell’unico figlio, Nimr dipinge i quadri più oscuri del suo periodo surrealista, opere incarnate da una sensualità angosciante, segnata da un pessimismo op primente e minaccioso.

• Earthseed, Museum für Moderne Kunst, Frank furt, Germany, 2020 • I Need Help, New York Gallery Real Fine Arts, New York, USA, 2018 • Making me Blush, Quinn Harrelson / Current Projects, Miami, USA, 2018 ENG Daughter of a printer and a Catho lic worker, Léona Camille Guilaine Delcourt was educated by her father who introduced her to the arts. Young and rebellious, but very fragile, she moved to Paris in her early twenties, after having a daughter without being married. She met André Breton on the street, by chance, on October 4, 1926. From that fatal encounter Nadja was born, the real woman the French writer loved and the char acter-temptation of his masterpiece, tangible as well as elusive. Nadja is Breton’s female self-representation, the embodiment of Sur realism. Nadja is all this and much more: it is the beginning of the word “hope” in Russian, a dream of love and freedom.

100 ARTISTS

ENG Raised in a Western intellectual and political environment between Egypt, France and England, Nimr studied at the Slade School of Fine Arts in London and at tended the atelier of the post-impressionist Walter Sickert. Her first paintings are popu lated by long silhouettes, bathers, fisher men, and religious characters. In the '30s she came into contact with Surrealism, first in London, then in Paris with Henry Miller, finally in Cairo, where she joined Art et Lib erté, a movement of artists convinced that Surrealism could face the rise of nationalism. After the tragic loss of her only son, Nimr paints the darkest paintings of her surrealist period, works embodied by a distressing sensuality, marked by an oppressive and threatening pessimism.

SIGNS

The Milk of Dreams PARTICIPANTS A-Z

LIVES&WORKS Farnham, UK Raffinata ceramista, Magdalene Odundo produce opere dalle forme voluttuose e dalle superfici scintillanti. Arrotolati a mano e ra schiati con una zucca, gli oggetti di Odundo sono frutto di un laborioso processo legato alla tradizione della produzione di ceramica nell’Africa sub-sahariana, che contamina con linguaggi appartenenti all’antichità europea per creare un sistema visivo transglobale e transtemporale, moderno ma al contempo antico, africano ma risolutamente occidentale.

SIGNS • J’ai bien des choses à vous dire: les lettres de Nadja à André Breton, presented and an notated by Herman de Vries, Labyrinth, 2010 • Ce n’est pas les images qui me manquent: les dessins de Nadja, presented and anno tated by Herman de Vries, Labyrinth, 2010 • Nadja, André Breton, France, 1928 Louise Nevelson 1899, Pereiaslav, Poltava Governorate of the Russian Empire (present-day Ukraine) 1988, New York, USA Artista storicizzata per le sue emblematiche opere composte con oggetti e pezzi di legno di varie forme e di differenti epoche, tutti re stituenti le tracce del loro uso (modanature sagomate, gambe di sedie e tavoli, balaustre, colonnine), ritrovati per le strade di Manhattan e accumulati, apparentemente in disordine, entro riquadri sovrapposti e affiancati come quelli di una libreria e dipinti uniformemente di nero (1955-1959), bianco (1959-‘60), oppure oro (1960-‘61). Con questi assemblages ha lavorato sul concetto di memoria sia personale (il nonno e il padre erano commercianti di le gnami) sia collettiva (cataloga i relitti di antichi mestieri scartati dalla società del consumo).

Cresciuta in un ambiente intellettuale e politico occidentalizzato tra Egitto, Francia e Inghilter ra, Nimr ha studia alla Slade School of Fine Art di Londra e frequenta lo studio del post-im pressionista Walter Sickert. I suoi primi dipinti sono popolati di figure dalle lunghe silhouette, bagnanti, pescatori, figure religiose. Negli anni ‘30 entra in contatto con il Surrealismo, prima a Londra, poi a Parigi con Henry Miller, infine al Cairo, dove si unisce ad Art et Liberté, movimento di artisti convinti che il Surrealismo potesse affrontare l’ascesa del nazionalismo.

SIGNS • New Work , Salon 94, New York, USA, 2021 • Magdalene Odundo – The Journey of Things, Sainsbury Centre for Visual Arts, Norwich, Eng land; Hepworth Wakefield Museum, Wakefield, England, 2019 • Ceramic Gestures – New Vessels by Magda lene Odundo, USA Tour, 1995 Precious Okoyomon BORN 1993, London, UK LIVES&WORKS New York, USA Angeli, soli e alberi sono figure ricorrenti nei suoi lavori multidisciplinari, installazioni e scul ture dedicate alle tematiche dell’intimità e della religione, intrecciate ai concetti di vita, morte e tempo. L’ispirazione per Precious Okoyomon arriva dalla propria storia personale, dall’in contro con la comunità queer e dal mondo telematico, sempre più specchio che riflette il reale. Peculiare il suo modo di utilizzare le piante per creare installazioni stranianti e av volgenti, in cui la Natura sembra riconquistare spazi che l’uomo ha prepotentemente fatto propri, stravolgendo gli equilibri di potere. ENG Angels, suns, and trees are re curring subjects in her multi-disciplinary artworks – installations and sculptures dedi cated to intimacy, religion, life, death, and time. Their inspiration comes from personal history, the queer community, and the world of the internet – increasingly the mirror of the real one. Also peculiar is Okoyomon’s way to use plants for interesting, captivating installations that show how nature seems to want to take back spaces taken forcibly by man, distorting the right balance of power.

SIGNS • Surrealism in Egypt. Art et liberté, Tate Liver pool, UK, 2014 • Solo exhibition at the Bernheim Jeune, Paris, France, 1926 • Salon d’automne, Paris, France, 1925 Magdalene Odundo BORN 1950, Nairobi, Kenya

«Ho sempre equiparato l’argilla all’umanità che è in noi, fragile come i nostri corpi. Può ribal tarsi. La tieni sulle punte, ma se spingi solo leggermente sul perno sbagliato, ti spezzerà il cuore». (M.O.)

ENG A refined ceramist, Magdalene Odundo produces works with voluptuous shapes and sparkling surfaces. Rolled by hand and scraped with a pumpkin, Odundo's objects are the result of a laborious process linked to the tradition of ceramic production in sub-Saharan Africa. She contaminates these objects with languages belonging to European antiquity to create a transglobal and transtemporal visual system which is modern but at the same time ancient, African but resolutely Western. “I have always com pared clay to humanity within ourselves, be cause it is as fragile as our bodies. It can tip over. You keep it on your tips, but if you push only slightly on the wrong pin, it will break your heart” (M.O.)

ENG A historicized artist figure for her emblematic pieces made with wood scraps (pieces of décor, furniture legs, railings, parapets) found around in Manhattan and hoarded in apparent chaos, Nevelson used these assemblages , wither painted uniformly in black, white, or gold, to analyse the con cept of memory – both personal (her father and grandfather traded in wood) and col lective (the collection of these scraps paid homage to ancient trades, pushed aside by growing consumerist society.

SIGNS • Louise Nevelson. Persistence, Procuratie Vecchie, Venice, Italy, 2022 • Louise Nevelson: A Concentration of Works from the Permanent Collection of The Whit ney Museum of American Art , Stamford, USA, 1987 • 31st Venice Biennale, USA Pavilion, Italy, 1962

SIGNS • My Exhibition, Kunstmuseum, Bern, Germany, 2022 • Reflection of an Era, Museo Picasso, Málaga, Spain, 2020 • Meret Oppenheim. Opere in dialogo da Max Ernst a Mona Hatoum, MASI, Lugano, Switzer land, 2017 Ovartaci 1894, Ebeltoft, Denmark 1985, Risskov, Denmark Pseudonimo di Louis Marcussen, Ovartaci passò gran parte della propria vita in un ospe dale psichiatrico dopo che gli venne diagnosti cata la schizofrenia in seguito ad un abuso di sostanze allucinogene. La sua poetica è stata da sempre orientata al femminile (chiese ed ottenne di cambiare sesso, operandosi a 63 anni), nella vita come nell’arte: era convinto che la figura femminile avesse un potere sal vifico. I soggetti dei suoi dipinti restituiscono questa convinzione, raffigurati al centro di universi fantasiosi caratterizzati da colori vivi e ENGsgargianti.Ovartaci, born Louis Marcussen, spent much of their life in a psychiatric hos pital after a ‘schizophrenia’ diagnosis follow ing drug abuse. Their art has always turned to the feminine (gender affirmation surgery was asked and granted at age 63) both in life and art. Ovartaci was convinced that in female figure was salvation and it showed in the art, where it was depicted at the centre of fantastic universes of bright, vivid colours.

SIGNS •

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 101 SOGNIDEILATTEIL

SIGNS • Alone in the Wilderness, White Cube, Hong Kong, 2020 • Agua viva, Bortolami Galleries, Milan, Italy, 2019 • Sculpture Gardens, Whitney Museum of Amer ican Art, New York, 2016 Akosua Adoma Owusu BORN 1984, Alexandria, USA LIVES&WORKS New York, Cambridge, USA Regista e produttrice, Akosua Adoma Owusu punta a creare con il proprio cinema uno spa zio di consapevolezza nella mente dello spet tatore. La regista esplora con il proprio sguar do le identità contrastanti della comunità degli immigrati afro-americani con un linguaggio da cinema d’essai connotato da uno spiccato utilizzo di mezzi narrativi sperimentali. I suoi film trovano collocazione nei più impor tanti Festival cinematografici come in gallerie e musei di tutto il mondo, affidando al linguaggio dei nuovi media riflessioni attorno al concetto di identità, concentrandosi sull’individuazione delle visioni, delle modalità culturali e sociali più congrue da adottare per risolvere contrasti e contraddizioni che contraddistinguono il no stro quotidiano.

Meret Oppenheim 1913, Berlin, Germany 1985, Basel, Switzerland

Il suo nome è legato a una delle opere più ico niche dell’arte del XX secolo, Le déjeuner en fourrure (1936), ovvero la tazzina di caffè, con tanto di piattino e cucchiaino rivestiti di pellic cia di gazzella della Cina. Il titolo fu partorito da André Breton. È nell’alveo del Surrealismo, infatti, che si svilupperà la ricerca dell’artista, capace di reinventare in maniera paradossale e ironica oggetti di uso comune, reinterpretan doli secondo uno spostamento di significati che suscitano nello spettatore disturbanti e inedite analogie. Oltre che artista, vera musa surrealista, distante dai canoni di una femmi nilità convenzionale. Si spoglierà davanti all’o biettivo di Man Ray. ENG Her name is tied to one of the most iconic pieces of twentieth-century art: Le déjeuner en fourrure (1936), or coffee cup, saucer, and spoon covered in Chinese gazelle fur. The name of the piece had been chosen by André Breton. Oppenheim worked with surrealist art, and reinvented in paradoxical, ironic fashion everyday objects, giving them new interpretation by switching their meaning and causing, in the viewer, disconcerting, even disturbing analogies. She was also a muse, though one far from the canons of conventional feminin ity. She once posed nude for Man Ray.

SIGNS • We Are One Global Festival, Tribeca Film Fes tival, New York, USA, 2020 • Welcome to the Jungle, CCA Wattis Institute, San Francisco, USA, 2019 • L'évènement Akosua Adoma Owusu, Centre Pompidou, Paris, France, 2016 Prabhakar Pachpute BORN 1986, Sasti, India LIVES&WORKS Pune, India L’arte di Prabhakar Pachpute riflette sulle condizioni di lavoro, gli scavi incontrollati, le sempre crescenti disuguaglianze di sviluppo sociale e le politiche fondiarie caratterizzanti la società e il sistema economico indiani. Proveniente da una famiglia di minatori da tre generazioni, i suoi disegni particolareggiati, le sue animazioni e l’uso del carboncino hanno un legame diretto con la materia al centro di questi temi e con le proprie radici familiari. I suoi paesaggi immaginari e le figure ibride che li abitano stanno in equilibrio tra universale e personale, restituendo le complessità insite nelle trasformazioni economiche, sociali e ambientali.ENGPrabhakar Pachpute’s art is a re flection on work conditions, uncontrolled ex cavations, growing social inequalities, and land management policies currently in force in India. The artist comes from a family of miners, and his detailed art, his animations, and his charcoal drawings are tightly related to the material these themes focus on and that is so important in his family history. His fantastic landscapes and the hybrid figures living in them are part universal, part per sonal, thus rendering the complexity inher ent to economic, social, and environmental change. 9. Artes Mundi, National Museum Cardiff, UK, 2020 14. Istanbul Biennal, Turkey, 2015 L’Exigence de la Saudade, Kadist Art Founda tion, Paris, France, 2013

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SIGNS • Ovartaci & the art of madness, Kunsthal Charlottenborg, Copenhagen, Denmark, 2018 Virginia Overton BORN 1971, Nashville, USA LIVES&WORKS New York, USA La sua ‘scultura performativa’ è la risposta dell’artista allo spazio in cui si trova di volta in volta ad operare, la sua reazione agli stimoli spaziali. Una scultura che a volte entra in contrasto con lo spazio stesso suddividen dolo, unendo diverse architetture attraverso materiali elementari, spesso riciclati, associati all’edilizia o all’agricoltura. Installazioni, scul ture e fotografie dallo stile minimale, in cui i difetti non vengono nascosti ma anzi esaltati in quanto tratti distintivi che rendono ogni pezzo unico e irripetibile.

ENG Her ‘performative sculpture’ is the artist’s answer to the space she works in, her reaction to spatial stimuli. A sculpture may contrast space itself by dividing it and mixing different types of architecture using elemental materials, often recycled, com monly associated to construction or agricul ture. Installations, sculptures, and minimalist photographs never hide their flaws – instead, they highlight them as the distinctive traits that make every piece original and unique.

ENG A director and producer, Akosua Adoma Owusu uses cinema to create a space of awareness in the mind of her audience. As a director, she explores the contrasting iden tities of African-American migrant communi ties with an essai film style and the use of ex perimentational narrational techniques. Her films are shown in the most important film festivals as well as in galleries and museums worldwide. The language of new media ex plores the concepts of identity, focusing on the vision and the cultural and social modes that are the most appropriate to solve con trasts and contradictions in our daily lives.

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L’artista visiva brasiliana si distingue per fare dell'immagine un mezzo strutturante del pro prio pensiero visivo, dispiegato attraverso l’u tilizzo di diversi linguaggi. Dagli anni Novanta indaga temi ben poco discussi nella scena artistica brasiliana, come il genere e l'iden tità. Il tutto dalla prospettiva di una donna di colore. L’artista introduce diversi riferimenti che intersecano la sua storia personale con la storia del Brasile; le sue opere contestano le pratiche misogine, presentando uno spazio privilegiato di intersezione con il pensiero femminista.ENG

SIGNS • Violeta Parra – Went to Heaven, docufilm by Andrés Wood, 2011 • Les tapisseries chiliennes de Violeta Parra. Peintures et sculptures, Musée des Arts Déc oratifs of the Louvre gallery, Paris, France, 1964 • Museo Violeta Parra, Santiago, Chile Rosana Paulino BORN 1967, São Paulo, Brazil São Paulo, Brazil

The Brazilian visual artist turns im ages into a structural piece of thought, which unfolds thanks to the use of different lan guages. Since the 1990s, Paulino has investi gated themes that are little discussed in the Brazilian art world, like gender and identity, all from the point of view of a woman of col our. The artist introduces different reference points that collide with her personal story and with the history of Brazil. Her art protests misogyny and presents a privileged space of intersection with feminist thought.

SIGNS • Mad About Surrealism, Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, The Netherlands, 2018 • Dalí, Ernst, Miró, Magritte, Hamburger Kun sthalle, Hamburg, Germany, 2016 Elle Pérez BORN 1989, New York, USA LIVES&WORKS New York, USA Ha lavorato principalmente nella fotografia, raffigurando i soggetti secondo la logica dell’autenticità per eliminare i confini tra docu mentario tradizionale e ritratto. Lavorando a stretto contatto con esponenti della comunità LGBTQIA+, Elle Pérez visua lizza le complessità dell'identità di genere: le cicatrici lasciate sul petto di un soggetto dopo un intervento chirurgico, arti intrecciati dopo un momento di intimità, una fascia per il seno consumata e sbrindellata. Le fotografie ritrag gono le tracce di esperienze queer e riflettono la natura in continua evoluzione dell'identità.

ENG Elle Pérez worked mainly with photography by framing her subjects under the logic of authenticity to erase the bor ders between traditional documentary and portrait. Working in close contact with the LGBTQIA+ community, Pérez visualises the complexity of gender identity: the scars on a chest after surgery, embracing arms in a moment of intimacy, a chest binder worn out and torn apart. These photographs show the traces of queer experiences and reflect na ture in its constant evolution of identity.

SIGNS • Divine, Galerie Neu, Berlin, Germany, 2021 • Body Spray, The Buffalo Institute for Contem porary Art, Buffalo, New York, USA, 2019 • Lovely Dark , Danziger Gallery, New York, USA, 2015 Sondra Perry BORN 1986, Perth Amboy, USA LIVES&WORKS Newark, USA Artista interdisciplinare che fa della videoarte il proprio mezzo prediletto, progetta esperien ze cinematografiche e allestimenti di gallerie incentrate sul tema vivo e ancora non compiu tamente risolto dell’identità nera americana. Lavori che, attraverso un uso mirato del colore e la presenza attiva di voci fuori campo, hanno Eusapia Palladino 1854, Minervino Murge, Italy 1918, Naples, Italy La medium che è riuscita a convincere dell’au tenticità dei propri poteri il maggior numero di scienziati e filosofi, pur suscitando molti dubbi sulla veridicità di queste sue presunte facoltà medianiche. La svolta nella sua vita avviene durante una seduta in cui si documentano fenomeni inspiegabili attribuiti alla sua presen za. Inizia da allora una carriera che la renderà famosa in tutto il mondo, organizzando sedute spiritiche tra Italia, Francia, Germania, Polonia, Russia e Stati Uniti. ENG Palladino is a medium that was able to convince the largest number of sci entists and philosophers of the authenticity of her powers, although many did doubt her claims. The turning point in her life took place during a séance, when inexplicable phenomena were connected to her presence. Since then, she embarked in a career that made her famous worldwide. She officiated seances in Italy, France, Germany, Poland, Russia, and the USA.

SIGNS

SIGNS • My own story, «Cosmopolitan Magazine», 1910 • Psicologia e spiritismo. Impressioni e note critiche sui fenomeni medianici di Eusapia Palladino, Enrico Morselli, 1908 Violeta Parra 1917, San Fabián de Alico, Chile 1967, Santiago, Chile Cantautrice, poetessa e pittrice passionale e inquieta, Violeta Parra è stata una figura fon damentale per il recupero e la diffusione della musica popolare e del folklore cileni. Oltre che al canto e alla composizione musicale si è de dicata alla pittura, alla scultura, al ricamo e alla tessitura di arazzi, per lei “canzoni dipinte”; attività che culmina nel 1964 in un’importante personale al Louvre di Parigi. Tormentata da una depressione che ispira i suoi brani più do lenti e delicati – tra cui Gracias a la vida, con siderato il suo ‘testamento’ – si toglie la vita nel 1967 a Carpa de la Reina, centro di cultura folklorica che rappresenterà il suo più grande sogno e fallimento al medesimo tempo. ENG Singer-songwriter, poet and pas sionate, restless painter, Violeta Parra was a fundamental figure for the recovery and dissemination of Chilean folk music and folklore. In addition to singing and musical composition she has dedicated herself to painting, sculpture, embroidery and tap estry weaving she considered as "painted songs"; activity that culminates in 1964 in an important solo exhibition at the Louvre in Paris. Afflicted by a depression that inspires her most painful and delicate songs – includ ing Gracias a la vida, considered her 'testa ment' – she took her own life in 1967 in Carpa de la Reina, a centre of folk culture that will

La sua poetica riflette l’esperienza della scrit tura automatica, in forte affinità con l’opera del poeta francese Paul Éluard, mentre i collage e le opere pittoriche venivano realizzati con l’uso della tecnica del frottage e del fumage, utilizzate tra gli altri anche da Max Ernst e Sal vador Dalí. Nel suo lavoro riecheggiano tracce dell’allora nascente psicoanalisi, tra paesaggi esotici legati tanto all’immaginario vittoriano quanto al Simbolismo francese.

102 ARTISTS

ENG A multi-faceted figure, Penrose was an author and collage artist of surrealist inspiration. Her art reflected the experi ence of automatic writing and was clearly attuned to that of French poet Paul Éluard. Her collages and paintings display the use of the frottage and fumage techniques, also used by Max Ernst and Salvador Dalí, among others. Also echoing in her art are traces of then-nascent psychoanalysis, whether in the exotic landscape of Victorian inspiration or in the French Symbolism influence.

PARTICIPANTS A-Z

• Mulheres Negras-Obscure Beuaté Du Brésil, Espace Culturel Fort Griffon À Besançon, France, 2014 • Rosana Paulino-A costura da memória, Pina coteca de São Paulo, Brazil, 2018 • Atlântico Vermelho, Padrão dos Descobri mentos, Lisbon, Portugal, 2017 Valentine Penrose 1898, Mont-de-Marsan, France 1978, Chiddingly, UK Figura poliedrica, fu scrittrice e autrice di col lage dalla forte ispirazione surrealista.

LIVES&WORKS

The Milk of Dreams represent her greatest dream and failure at the same time.

SIGNS •

SIGNS • Becoming

SIGNS •

• Being: New Photography, MoMA, New York, USA, 2018 • 10th Berlin Biennale for Contemporary Art , Berlin, Germany, 2018 Alexandra Pirici BORN 1982, Bucharest, Romania LIVES&WORKS Bucharest, Romania Danzatrice di formazione, attraverso l’arte coreutica Alexandra Pirici crea e forma l’am biente intorno allo spettatore, di solito grazie all’aiuto di squadre di performer in interventi che, con il linguaggio di oggi, potremmo chia mare “flash mob”. Nella sua personale visione l’arte è un atto interpretativo che utilizza gli stessi elementi costitutivi della vita reale, ca pace di assorbire gli elementi base della cultu ra – nozioni di confine, umorismo, musica – e di utilizzarli a fini creativi. Una volta resi oggetti e riassemblati, questi frammenti compongono il campo d’azione dell’intersoggettività.

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BORN

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ENG

BORN 1987, Ho Chi Minh, Vietnam LIVES&WORKS Ho Chi Minh, Vietnam Artista multimediale che prende ispirazione dalla letteratura, dalla filosofia e dalla vita quo tidiana per affrontare tematiche ambigue della storia e delle convenzioni del proprio Paese. Thao Nguyen Phan si è formata come pittrice, impegnandosi poi in ambito filmico per con centrare la propria attenzione sulle storie che le convenzioni sociali, culturali e istituzionali evitano di approfondire se non addirittura nascondono. La minaccia rappresentata dalla distruzione e dal consumo eccessivo delle ri sorse della Terra è un tema ricorrente nei suoi progetti.ENG A multimedia artist who takes inspiration from literature, philosophy, and daily life to work on the ambiguities of his tory and of the norms proper to his country. Thao Nguyen Phan was educated as a painter to later work with film. She is interested in all stories that social, cultural, and institutional conventions avoid talking about or actively hide. The threat of excess consumption of the world’s resources it also a recurring theme in her production. Alluvium, Chisenhale Gallery, Lon don, 2020 Poetic Amnesia, Gemäldegalerie, Berlin, Ger 2018 Anywhere Here, Betonsalon, Paris, France, 2016 Julia Phillips BORN 1985, Hamburg, Germany Chicago, USA, Berlin, Germany Ispirate da strumenti e altri oggetti funzionali, le sue sculture sono metafore di esperienze sociali e psicologiche espressioni di una par ticolare attenzione verso le relazioni di potere tra individui o tra un individuo e un’istituzione. Opere che presentano spesso elementi in ce ramica modellati sul corpo stesso dell’artista, con finiture smaltate ottenute cuocendo il ma teriale più volte e a diverse temperature. Molte delle sculture includono elementi ricorrenti, come maniglie o dadi, per incoraggiare lo spettatore a immaginare un’interazione fisica diretta con l'opera.

2018

lery,

ENG References to organic life, pre historic art experimentations, and pulsating dynamism in the shape of outlines, which we recognize as primordial genesis. In her art, the stylization of life takes a character of extreme depth, while offering a peculiar lan guage to read and imagine what takes place in the world. This way, we can appreciate the appearance of species that bear the signs of the mineral, vegetal, and animal realms. Solange Pessoa, Blum & Poe, Los Angeles, USA, 2017 • Solange Pessoa, Mendes Wood DM, São Paulo, Brazil, 2016 Metaflor-Metaflora, Museu Mineiro, Belo Hori zonte, Brazil, 2013

many,

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Poland LIVES&WORKS

•

ENG Piotrowska’s photographs frame subjects in moments of peculiar cultural vulnerability – moments when their actions or poses are unexpected, unseemly, or even unjustifiably violent. The awkward pres ence of human bare existence highlights the inherently flawed, animalistic nature of men. The arrangement of the pictures at exhibitions, occasionally in multiple prints, contributes to this unsettling feeling.

Thao Nguyen Phan

•

MoMA

SIGNS • Art Now: Joanna Piotrowska – All Our False Devices, Tate Britain, London, UK, 2019

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 103 SOGNIDEILATTEIL

LIVES&WORKS

2016 Joanna

ENG Trained as a dancer, Pirici uses choreography to create and shape the envi ronment around us, usually with the help of large crews of performers in what may be called, in today’s terminology, a flash mob. In her view, art is an interpretative act that uses the same constituting elements of real life, and is able to absorb cultural staples such as the notions of boundary, humour, mu

2021 • Failure Detection

Le fotografie di Joanna Piotrowska immortala no soggetti in momenti di particolare ‘vulnera bilità culturale’ in cui le loro pose o azioni sono anomale, inopportune o ingiustificatamente violente. La presenza sgraziata della nuda esistenza umana sottolinea la natura animale e intrinsecamente viziata dell’uomo. La dispo sizione delle fotografie in mostra, a volte in più stampe, contribuisce alla sensazione di turba mento e inquietudine.

but

ENG Inspired by tools and other func tional objects, her sculptures are metaphors of social experiences and psychological ex pressions of a particular attention for power imbalances between individuals or between an individual and an institution. The art comprises ceramic pieces modelled on the artist’s body, with enamelled finishing cured by heating the piece more than once, at dif ferent temperatures. Many of the sculptures include recurring elements, such as handles or dice, to encourage the viewer to imagine a physical interaction with the art. Love and Loss Matthew Marks Gal Los Angeles, USA, , PS1, New York, USA, • Impenetrable Entry, Campoli Presti, London, UK, Piotrowska 1985, Warsaw, Warsaw, Poland and London, UK

come obiettivo prioritario quello di costruire le condizioni migliori per una relazione intima con lo spettatore. Lo spazio digitale coincide con quello fisico, entrambi fanno parte di una prospettiva umana in cui ogni singola persona può codificare sé stessa, libera da preconcetti e costrizioni, in stretto rapporto con la tecno logia e i nuovi media, oggi irrinunciabili com pagni di viaggio. An interdisciplinary artist who makes video art her favourite means of ex pression, Perry designs moving picture ex periences and gallery staging on the theme of black American identity. Her art uses colour and offscreen voice seeks to build better conditions for an intimate relationship with the viewer. The digital space coincides with the physical – both are part of a human perspective where every person can codify themselves, free from preconceived notions or constrictions, in a close relationship with technology and new media. Lineage for a Phantom Zone, Fondation Beyeler, Basel, Switzerland, 2022 Untitled, EFA Project Space, New York, USA, 2017 Graft and Ash for a Three Monitor Worksta tion, Serpentine Galleries, London, UK, 2016 Solange Pessoa BORN 1961, Ferros, Brazil LIVES&WORKS Belo Horizonte, Brazil Oltre ai riferimenti alla vita organica e alle sperimentazioni artistiche preistoriche, ciò che spicca nell'opera di Solange Pessoa è un dina mismo pulsante, che si manifesta in contorni che creano figure in cui riconosciamo il movi mento primordiale della genesi. Nelle sue opere la stilizzazione della vita as sume una profondità estrema, offrendo un linguaggio particolare per leggere e immagina re le cose del mondo. Così vediamo apparire specie che portano segni dei regni minerale, vegetale e animale.

SIGNS • Between

Janis Rafa works mainly with the cinematographic language through feature films, video-essay and video-installations, dedicating herself in recent years also to sculpture and creating artefacts with recov ered objects that have their own particular history and a connection with the humananimal world. Her works, characterised by carefully choreographed scenes, are often permeated by elements of magical realism and explore the symbolic potential of the relationship between humans and other spe cies, reflecting on universal themes such as mortality, coexistence and ecological con sciousness.

SIGNS Alexandra Pirici, solo exhibition, New Museum, New York, USA, 2018 • Threshold a High Line Performance, New York, USA, 2017 • 55th Venice Biennale, Romanian Pavilion (with Manuel Pelmus¸), Italy, 2013 Anu Põder 1947, Kanepi, Estonia 2013, Tallinn, Estonia A lungo poco conosciuta al di fuori del suo paese natale, Anu Põder ha alternato l’inse gnamento all’attività artistica. Al contrario del mainstream sovietico di allora, la scultrice ha sempre preferito materiali leggeri, soffici e facilmente manipolabili per le sue creazioni, anche per poter lavorare da sola, senza aiuti esterni. Le sue sculture rappresentano parti del corpo e composizioni simili a corpi che a volte sembrano create per accogliere l’os servatore come in un abbraccio, altre volte sembrano volerlo repellere in una specie di mostruosità riflessa.

SIGNS • Tate Modern, permanent collection, London, UK • Liverpool Biennial, UK, 2021 • Space for my body. La Galerie Noisy-Le-Sec, Paris, France, 2019 Gisèle Prassinos 1920, Constantinople (present-day Istanbul), Ottoman Empire (present-day 2015,Turkey)Paris, France Giovanissima musa dei circoli surrealisti di Pa rigi, ove venne introdotta dal fratello maggiore Mario, Gisèle Prassinos è ricordata come au trice di scrittura automatica e di testi e poesie raccolti in libri-oggetto completi di illustrazioni. Il “libro d’artista”, o “libro surrealista”, è, in questa accezione, un campo di gioco o di sperimentazione per l’avanguardia artistica del tempo.ENG At only fourteen, a muse for the Surrealist circles in Paris, whereto she was introduced by her older brother Mario, Gisèle Prassinos is remembered as author

104 ARTISTS

ENG A queer cisgender woman, with a black father and a white mother, Christina Quarles approaches life and art using dif ferent perspectives from a point of observa tion that may change, but is always clearly defined. Her art shows this approach in their incorporation of changes of perspectives that break bodies into two pieces and employing outlines that emphasise shapes and generate bidimensional illusions and trompe-l’oeil

SIGNS • Kala azar, first feature fiction film, KNF award at the International Film Festival Rotterdam, 2020

SIGNS

• Female Executioner, Gasworks, London, UK, 2017 • L'impertinent absolu, Petit Palais, Paris, France, 2017 Janis Rafa BORN 1984, Athens, Greece LIVES&WORKS Athens, Greece and Amsterdam, The Netherlands

• Eaten by Non-Humans, Museum Centraal, Utrecht, The Netherlands, 2019 sic and use them to creative ends. Once ob jectified and reassembled, these fragments will be the field of action of intersubjectivity.

The boundaries of the picture are illusory, just like the boundaries of the self.

•

The writing career of Marguerite Eymery, a.k.a. Rachilde, fluctuates between the Decadent movement and literary Mod ernism. It tackles complex themes in coura geous fashion for the time, especially mi sogyny and feminism, which Rachilde treats with no stated militance and no prejudice or preconceived notions, but with authentic, free avant-gardist spirit. Rachilde will also play an essential role in the popularization of Oscar Wilde’s oeuvre, given how the young Wilde was part of her literary club and she was interested in homosexuality – she would challenge the assumption of concepts such as reality and truth as intended by the domi nant mindset.

PARTICIPANTS A-Z

ENG For a long time relatively unknown outside of her native Estonia, Anu Põder al ternated teaching and sculpting throughout her life. Contrary to the mainstream Soviet sculpture of the time, she chose lighter, soft er materials for her creations, and worked mostly on her own, with no outside assis tance. Her art depicts body parts and bodylike contraptions that are meant to either welcome the subject in their embrace, or re pulse them in a sort of mirrored monstrosity.

• Christina Quarles, Frye Art Museum, Seattle, USA, 2022 • Every Silver Lining Has Its Cloud, Pond Soci ety, Shanghai, China, 2019 • Always Brightest Before The Dusk , Pilar Cor rias Gallery, London, UK, 2018 Rachilde 1860, Cros, France 1953, Paris, France Pseudonimo di Marguerite Eymery, la sua attività di scrittrice oscilla tra Decadentismo e Modernismo letterario affrontando tematiche complesse e coraggiose per i tempi, su tutte la misoginia e il femminismo, che Rachilde tratta senza vincoli di adesione ‘militante’, senza pregiudizi o preconcetti, con autentico, liberis simo spirito avanguardista. Giocherà un ruolo molto importante nella diffusione dell’opera di Oscar Wilde, giovanissimo ospite dei suoi sa lotti letterari, rivolgendo la propria attenzione al tema dell’omosessualità, mettendo radi calmente in discussione i concetti di realtà e verità così come intesi dal pensiero dominante dell’epoca.ENG

Janis Rafa lavora prevalentemente con il lin guaggio cinematografico attraverso lungome traggi, video-essay e videoinstallazioni, dedi candosi negli ultimi anni anche alla scultura e realizzando manufatti con oggetti di recupero che hanno una loro storia particolare e una connessione con il mondo umano-animale. Le sue opere, caratterizzate da scene accurata mente coreografate, sono spesso permeate da elementi di realismo magico ed esplorano il potenziale simbolico della relazione tra umani e altre specie, riflettendo su temi universali come mortalità, coesistenza e coscienza eco logica.ENG

SIGNS

• Lacerate, short film commissioned by Fondazi one In Between Art Film for the project Masca rilla 19: Codes of Domestic Violence, 2021

SIGNS • Mon cœur les écoute, publication, 1982 • Brelin le Frou, ou le portrait de famille, publica tion, 1975 • La Sauterelle arthritique, publication, 1935 Christina Quarles BORN 1985, Chicago, USA LIVES&WORKS Los Angeles, USA Donna queer, cis-gender, di padre nero e ma dre bianca, Christina Quarles si approccia alla vita e all’arte mantenendo volutamente vive una pluralità di prospettive utilizzando un pun to di osservazione allo stesso tempo variabile e ben connotato. I suoi quadri riflettono questo approccio raccogliendo sulla tela cambi di prospettiva che frammentano i corpi in due, con linee di contorno che enfatizzano le forme generando illusioni bidimensionali e trompe-l’oeil : i bordi delle tele sono quindi illusori, proprio come i confini del sé.

The Milk of Dreams of automatic writing and of poetry and prose collected in artwork-books, complemented with illustrations. The ‘artist’s book’ or ‘sur realist book’ is, in this sense, a field of play or field of experimentation for the artistic avant-garde of the time.

59. ESPOSIZIONE 105 SOGNIDEILATTEIL

106 ARTISTS • • • • • • • • • • • • • • •

ENG Initially Alice Rahon finds her ar tistic expression through poetry, influenced by the surrealist style of her first husband Wolfgang Paalen, with whom she evokes childhood, infirmity and nostalgia. Mov ing to Mexico, where she made friend with Frida Khalo and Diego Rivera, she began to paint first using watercolours and then oil paints, but also experimenting with other techniques, especially those related to the structure, showing the influence of Rufino Tamayo, the first to use sand and sgraffito. Her primitive, dreamlike and intensely poetic works, with a strong surrealist influ ence, together with those of Carlos Mérida, Gunther Gerzso and Paalen mark the begin ning of abstractionism in Mexico in the 40s.

• The Cruel Stories of Paula Rego, Musée de l’Orangerie, Paris, France, 2018–2019

SIGNS • Poetic Invocations, MOCA – Museum of Contemporary Art North Miami, USA, 2019 • Una surrealista en México (1939-1987) , Mu seo de Arte Moderno, México, 2009 • Exposición antológica, Museo del Palacio de Bellas Artes, Mexico City, Mexico, 1986 Carol Rama 1918-2015, Turin, Italy

A poet, painter, and photographer, Edith Rimmington is an early member of the British Surrealist Group. Her art – automatic writing and drawing – is frequently in their exhibitions and her paintings are noted for the delicateness of the trait and the precision of application. Her subjects are death, the sea, poetic metamorphosis, and unsettling sexual innuendos. Her photographic experi mentation became prominent in her late ca reer, with coastal landscapes being her most frequent subjects.

Un’artista il cui valore è stato riconosciuto solo nella sua maturità e che ha sviluppato, a partire dalla personale sofferenza e in una sua condizione di particolare solitudine, uno stile e una poetica percorsi da tensioni e inquietudini, senza mai però perdere una certa solarità e la sua autentica sincerità. Dai primi lavori ad ac querello fino a lavori dove la ricerca materica includeva oggetti carichi di significato, ha gio cato tra astratto e figurativo, con la sensualità come tema ricorrente che si esprime in ma niera diretta, fuori da ogni forma di malizia e di giudizio. Leone d’Oro nel 2003 alla carriera alla 50. Biennale di Venezia. ENG An artist whose value has been recognized only in her maturity, Carol Rama suffered personally and in solitude, which shows a style imbued with tension and dis quiet, though also a certain sincerity and cheer. From her first works in watercolour to later pieces where she played with the ma terial significance of objects, Rama played with abstract art and figuration, using sensu ality as a recurring theme emerging in obvi ous ways, unprejudiced and naïve. She was awarded the Golden Lion at the 50th Venice Art Biennale.

• International Surrealist Exhibition, Galerie Maeght, Paris, France, 1947 • Surrealist Objects, London Gallery, London, UK, 1937 Enif Robert 1886, Prato, Italy 1974, Bologna, Italy Allieva di Virginia Marini, inizia a recitare in scena da giovanissima in compagnie di prim’ordine con Paolo Colaci e Arturo Falconi. Durante una tournée a Bruxelles conosce Ele onora Duse, della quale diventa con il tempo grande amica e confidente. Nella compagnia della Duse conosce il marito Alfredo Robert, anch’esso attore. Nel 1909 Enif lascia le scene temporaneamente per dedicarsi alla scrittura e si unisce al Movimento Futurista italiano. Oltre agli articoli sulla testata «Italia Futurista» e ad alcuni scritti critici sulla condizione femminile, nel 1919 con Marinetti pubblica il romanzo scandalo Un ventre di donna. Romanzo chi rurgico ENG A pupil of Virginia Marini, she began acting on stage at a very young age within some very important companies with Paolo Colaci and Arturo Falconi. During a tour in Brussels she met Eleonora Duse. The two women became best friends over time. Soon after joining Duse's company she met her husband Alfredo Robert, who was also an actor. In 1909 Enif left the stage temporar ily to devote herself to writing and joined the Italian Futurist Movement. In addition to articles in the newspaper "Italia Futurista" and some critical writings on the condition of women, in 1919 she published the scandal novel Un ventre di donna. Romanzo chirurgico together with Marinetti. SIGNS

Alice Rahon 1904, Chenecey-Buillon, France 1987, Mexico City, Mexico

• Giving Fear a Face, CEART: Centro de Arte Tomás y Valiente, Madrid, Spain, 2019

Inizialmente Alice Rahon trova la propria espressione artistica attraverso la poesia, influenzata dallo stile surrealista del primo marito Wolfgang Paalen, con cui rievoca l’in fanzia, l’infermità e la nostalgia. Trasferitasi in Messico, dove stringe un’importante amicizia con Frida Kahlo e Diego Rivera, inizia a di pingere dapprima servendosi di acquerelli e poi di colori a olio, ma sperimentando anche altre tecniche, in special modo quelle legate alla struttura, mostrando l’influenza di Rufino Tamayo, tra le prime ad utilizzare la sabbia e lo sgraffito. Le sue opere primitive, oniriche e intensamente poetiche, seppur di matrice surrealista, insieme a quelle di Carlos Mérida, Gunther Gerzso e Paalen sanciscono l’inizio dell’astrattismo nel Messico degli anni ‘40.

• Archivio Enif Robert Angiolini 1917-1974, Fondazione Casa Lyda Borelli, Bologna, Italy

The Milk of Dreams PARTICIPANTS

• Fedelissima della Duse: scritti di Enif Angiolini Robert , publication by Luigi Maria Personè, Società Pratese di Storia Patria, 1988 • Un ventre di donna. Romanzo chirurgico, publication, Facchi Editore, Milano, Italy, 1919

• All Too Human: Bacon Freud and a Century of Painting, Tate Britain, London, UK, 2018 Edith Rimmington 1902, Leicester, UK 1986, Bexhill-on-Sea, UK Poetessa, pittrice e fotografa, entra presto a far parte del British Surrealist Group, esponen do regolarmente nelle loro mostre con opere di scrittura e di disegno automatici. I suoi di pinti si distinguono per la delicatezza del tratto e la precisa applicazione, con soggetti legati alla morte e al mare, immagini di metamorfosi poetica che presentano inquietanti elementi sessuali. La sperimentazione fotografica ca ratterizza l’ultima fase della sua carriera, con paesaggi costieri a colori a fare da soggetto ricorrente.ENG

SIGNS

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 107 SOGNIDEILATTEIL

ENG Sourced on details of her own ex traordinary life, on politics, on art history, literature, folk legends, and myth, Rego’s art is an open, circular exploration of human relationships. Her works subvert hierarchies and take into consideration the complexity of human experience and especially women’s experience. Paula Rego is known and rec ognized for her art on the issue of women’s free will and determination, suffering, and survival.

A-Z

SIGNS

• The Oneiroscopist , Vancouver Art Gallery, Vancouver, Canada, 2011

SIGNS • La Passione secondo Carol Rama, GAM Gal leria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea, Turin, Italy, 2016 • Carol Rama – antologica, Fondazione San dretto Re Rebaudengo, Turin, Italy, 2004 • 50th Venice Biennale, Italy, 2003 Paula Rego BORN 1935, Lisbon, Portugal LIVES&WORKS London, UK Attingendo ai dettagli della sua stessa vita, decisamente straordinaria, alla politica e alla storia dell'arte, alla letteratura, alle leggende popolari, ai miti, l'opera di Rego è un'esplora zione aperta e circolare delle relazioni umane. Capovolgendo spesso le gerarchie, i suoi lavori prendono in considerazione la com plessità dell'esperienza umana e l'esperienza delle donne. Nota e riconosciuta per le opere che affrontano con forza gli aspetti del libero arbitrio femminile e della determinazione, della sofferenza e della sopravvivenza.

• Breast Stupa Topiaries, Setouchi Triennale, Honjima, Japan, 2019 • Anything Can Break , Wuzhen International Contemporary Art Exhibition, China, 2016 • Female Power, Museum voor Moderne Kunst Arnhem, The Netherlands, 2013 Luiz Roque

SIGNS

BORN 1931, Salerno, Italy LIVES&WORKS Rome, Italy Attratto dal potere dell'immagine, il lavoro dell’artista brasiliano Luiz Roque attraversa diversi territori, tra questi il genere della fanta scienza, l'eredità del Modernismo, la cultura pop e la biopolitica queer. La plasticità delle immagini che usa nei suoi film ci porta attra verso l'attuale conflitto tra il progresso tecno logico e le relazioni di potere contemporanee. Le opere di Roque abitano uno spazio tra cinema, arte e teoria critica; il tutto nell'ambito di una disputa politica che è insieme reale e immaginaria.ENGAttracted by the power of the im age, Brazilian artist Luiz Roque makes art that wanders into different territories, includ ing science fiction, modernist legacy, pop culture, and queer biopolitics. The plasticity of the images he uses in film takes us to the ongoing conflict between technological pro gress and contemporary power balances. His art lives at the intersection of cinema, art, and critical theory – all in the context of political dispute that is real and imagined at once.

SIGNS • República, Visual Arts Center (VAC), The Uni versity of Texas at Austin, USA, 2021 • Screens Series: Luiz Roque, New Museum, New York, USA, 2019 • Televisão, MAC Niterói, Rio de Janeiro, Brazil, 2018 Rosa Rosà 1884, Vienna, Austria 1978, Rome, Italy Edith von Haynau o la “geniale viennese”, come la definirà Marinetti, diviene nota nella cerchia dei futuristi con lo pseudonimo di Rosa Rosà. Dopo il matrimonio con lo scrittore Ulrico Arnaldi, Rosà si unisce al gruppo fioren tino che gravita attorno all’«Italia futurista» e con i suoi molteplici interessi si avvicina all’o biettivo futurista di rinnovare tutti gli aspetti dell’arte e della vita: scrive un romanzo e varie novelle, realizza una tavola con parole in liber tà, crea dipinti, pastelli, acquerelli, ritratti, illu strazioni e oggetti in ceramica, oltre ad essere attiva nell’allora nascente femminismo. Nel suo romanzo Una donna con tre anime (1918) unisce abilmente princìpi futuristi e temi occul ti attraverso la ricerca fantastica di una nuova identità femminile.

ENG A poet, painter, and artist, Sandri was close to the avant-gardes in the Sixties and Seventies, embracing experimentalism and its potential in literature, art, and music. She worked on painting and concrete poetry to later switch to visual poetry, both as a creator and as a critic. She composed im ages with words on large white spaces, with letters emerging powerfully from them. She also uses painting and graphic art to guide the viewer/reader to the heart of things, be yond meaning, to the essence of sign itself.

ENG Edith von Haynau or the “brilliant Viennese lady”, as Marinetti will call her, is known in the circle of futurists under the pseudonym of Rosa Rosà. After marrying the writer Ulrico Arnaldi, Rosà joined the Florentine group that gravitated around the “Futurist Italy” and approached the futurist goal of renewing all aspects of art and life: she wrote a novel and various stories, she made a table with free words, she created

SIGNS • Grande Esposizione Nazionale Futurista, Milan, Genua, Florence, Italy, 1919 • Non c’è che te! Una donna con tre anime e altre novelle, publication, Facchi Editore, Milan, Italy, 1919 • Sam Dunn è morto. Romanzo futurista, by Bruno Corra (illustrated by Rosa Rosà), Edizioni Futuriste di «Poesia», 1917 Niki de Saint Phalle 1930, Neuilly-sur-Seine, France 2002, La Jolla, USA Contestazione e provocazione segnano l’inizio del suo iter creativo, quando, vicina al Nouve au Réalisme, inizia a inscenare performanceassemblaggi con oggetti di recupero, rottami, statue in gesso (spesso raffiguranti santi e madonne) e borse di plastica piene di vernice alle quali spara con un fucile per far esplodere schizzi di colore ovunque. In seguito realizzerà sculture per le quali è a tutt’oggi universalmen te nota: le “nanas”, figure femminili stilizzate, ma dalle prorompenti forme morbide, che indossano abiti variopinti e sembrano danzare un inno alla vita. A lei si deve anche il Giardino dei Tarocchi, il parco di sculture a Capalbio in Toscana.ENG Protest and provocation mark the beginning of her creative journey, which is close to the Nouveau Réalism movement. Niki de Saint Phalle created assemblages/ performances using scraps, gesso statues, and plastic bags filled with paint, which she would shoot at with a rifle to spray the paint everywhere. She would also create the sculptures that made her famous: the nanas, female figures of voluptuous, soft shapes, that dance in colourful clothing to what seems to be a hymn to life. We also owe her the Giardino dei Tarocchi, a sculpture park in Capalbio, central Italy.

108 ARTISTS

SIGNS • Niki de Saint Phalle - Structures for Life, MoMA PS1, New York, USA, 2021 • Niki de Saint Phalle – Il luogo dei sogni, Castello Aldobrandesco Collacchioni, Capalbio, Italy, 2021 • 43rd Venice Biennale, Italy, 1988 Giovanna Sandri 1923-2002, Rome, Italy Poetessa, pittrice e artista insieme, senza or dine di priorità. Si lega presto alle avanguardie degli anni ‘60 e ‘70 accogliendone gli speri mentalismi e la portata dirompente nella lingua letteraria, nell’arte, nella musica. Si occupa di pittura e poesia concreta, per poi passare alla poesia visiva, in veste di artista e di critica. Compone immagini con le parole su immensi spazi bianchi, da cui le lettere emergono con forza iconica. Si serve di tecniche pittoriche e grafiche per condurre chi guarda/legge al cuore delle cose, oltre il significato, all’essenza stessa del segno.

SIGNS • Giovanna Sandri, Erörtern (occhi/tarocchi per estrarre segni) , Libreria Internazionale OOLP, Turin, 1978 • Giovanna Sandri, alfabeto/albero del tempo, Galleria Civica d’Arte Moderna, Mantova, Italy, 1977 • Quadriennale di Roma, Rome, Italy, 1968 Pinaree Sanpitak BORN 1961, Bangkok, Thailand LIVES&WORKS Bangkok, Thailand Una delle artiste più autorevoli della scena tailandese che ha incentrato la propria attività sull’esplorazione dell’universo femminile e sulle sue infinite potenzialità. Nell’elaborazione dei suoi lavori Pinaree Sanpitak prende spunto dal corpo stesso della donna, descritto nelle sue forme più elementari attraverso la pittura, il disegno, la scultura, l’utilizzo di tessuti e ce ramica, con particolare attenzione alla forma del seno. La sua sensibilità rifugge la rigidità dei dogmi, la staticità dei codici estetici codifi cati, privilegiando l’aspetto spirituale, irriduci bilmente individuale, personale, nel processo creativo.ENG One of the most important artists in the Thai scene, she focuses her work on the exploration of the female universe. In producing her art, Pinaree Sanpitak takes inspiration in the body of women, depicted in its most elemental forms in painting, draw ing, sculpting, and fabric and ceramic art, with particular care given to the shape of the breasts. Her sense for art avoids the rigid ity of dogma and static, codified aesthetical codes. She’d rather privilege the spiritual aspect – individual and personal – in the creative process.

The Milk of Dreams PARTICIPANTS A-Z paintings, pastels, watercolours, portraits, illustrations and ceramic objects. She was active as well in the new feminist movement. In her novel A Woman with Three Souls (1918) she skillfully combines Futurist principles and occult themes through a fantastic search for a new female identity.

ENG Aki Sasamoto is often a performer within her installations, which she builds using everyday objects that she turns into essential elements of her art in theatres, open spaces, and other venues that may not fit the conventional idea of an exhibition area. These installations ask for the partici pation of visitors, seeing as how they take inspiration in the surrounding environment. Sasamoto often cooperated with other artists and scholars, especially mathematicians. Fascinated with food, health, hygiene, and order, she thinks of art as rigorous practice and intricate narration.

Marito e moglie oltre che partner artistici, rivoluzionarono il mondo della danza e della realizzazione dei costumi di scena grazie a creazioni frutto della loro irrefrenabile fantasia, di stampo futuristico e visionario, da loro stessi indossate per esibirsi in coreografie grottesche, ai limiti del masochismo. Votati anima e corpo a questa pratica artistica, si spinsero oltre i confini dell’Espressionismo, in seguito rinnegandolo, e abbracciando l’idea di una società in cui non fosse necessario l’utilizzo del denaro e dove fosse abolita la proprietà privata, una società, insomma, in cui ognuno potesse essere assistito secondo le proprie necessità.

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SIGN • Rock, Paper, Scissors, Capitain Petzel, Berlin, 2021 • Forever Now, MoMA, New York, USA, 2015

Renaissance Woman, Cummer Museum, Jacksonville, USA, 2018 • Augusta Savage, New York Public Library, New York, USA, 1988 • Augusta Savage, Salon d'Automne, Paris, France, 1930 Lavinia Schulz 1896, Lübben (Spreewald), Germany 1924, Hamburg, 1899-1924,WalterGermanyHoldtHamburg,Germany

ENG Partners in art and in life, this husband-and-wife couple revolutionised the world of dance and stage costume thanks to creations of incredible futuristic and vision ary fantasy, which they wore themselves to dance choreographies of grotesque, quasimasochistic style. Extremely committed to this form of art, they pushed themselves to the limits of Expressionism, only to later disavow it, and embrace the idea of a society where money wasn’t needed and private property abolished. A society where each person could have their needs met.

• Toboggan, Museum für Kunst und Gewerbe, Hamburg, Germany, 1920 • Springvieh, Museum für Kunst und Gewerbe, Hamburg, Germany, 1920 • Technik , Museum für Kunst und Gewerbe, Hamburg, Germany, 1920 Lillian Schwartz BORN 1927, Cincinnati, USA LIVES&WORKS New York, USA Pioniera della computer art, da sempre utilizza la tecnologia digitale come parte costitutiva del proprio processo creativo. Dopo aver stu diato pittura in Giappone nell’immediato do poguerra, lavora con le lightboxes, realizzando successivamente sculture cinetiche, stampe al laser, e collaborando alla realizzazione di film animati al computer. Tra le sue fonti di ispirazione l’arte di Leonardo Da Vinci, in par ticolare Gioconda e Ultima cena, al centro di sperimentazioni computerizzate che ne hanno accresciuto il fascino e gli spunti di interesse nel segno dell’interazione dei linguaggi e dei media artistici.

SIGNS

ENG A pioneer of computer art, Lillian Schwartz has always used digital technology as an essential part of her creative process. The artist studied painting in Japan in the late 1940s and worked with lightboxes, kinetic sculptures, laser printing, and computer ani mation. Among her sources of inspiration is Leonardo’s art, especially the Mona Lisa and the Last Supper, which is at the centre of com puterised experimentations under the sign of language interaction in art media.

Aki Sasamoto BORN 1980, Kanagawa, Japan LIVES&WORKS New York, USA Aki Sasamoto si esibisce spesso all’interno delle proprie installazioni, realizzate prenden do oggetti quotidiani che diventano elementi strutturali di opere ospitate da gallerie, ma anche da teatri, open space e altre venues non, per così dire, convenzionali da un punto di vista espositivo. Installazioni che coinvolgo no concretamente gli spettatori, ispirate come sono dall’osservazione dell’ambiente circo stante. Lavori spesso frutto dell’attiva collabo razione con altri artisti e studiosi, in particolare matematici. Affascinata dal cibo, dalla salute, dall’igiene e dall’ordine, la sua arte è frutto di una pratica molto rigorosa restituita da intricati intrecci narrativi.

SIGNS

ENG An African-American sculptor, her attention for the human body shape made her a renowned protagonist of the socalled Harlem Renaissance, an American art movement of the late 1920s. A civil rights activist, she was a victim of discrimination herself (she was denied a scholarship for a residency programme in Paris). A passionate teacher, she founded the Harlem Community Art Center, the alma mater of Jacob Law rence, considered one of the most important African-American painters of all time.

SIGNS • Past in a future tense, Bortolami Gallery, New York, USA, 2019 • Delicate Cycle, SculptureCenter, Long Island City, New York, 2016 • Strange Attractors, Take Ninagawa, Tokyo, Japan, 2011 Augusta Savage 1892, Green Cove Springs, USA 1962, New York, USA Scultrice afro-americana, la sua grande at tenzione alla fisionomia umana la rese una affermata protagonista della cosiddetta Har lem Renaissance, corrente artistica sorta negli Stati Uniti alla fine degli anni ’20. Impegnata attivamente nella lotta per la parità dei diritti, fu vittima di discriminazione (tra cui il rifiuto di una borsa di studio per soggiornare a Parigi), cui rispose con il proprio talento cristallino e un forte impegno nella didattica. Fonderà infatti l’Harlem Community Art Center, dove tra le fila dei suoi studenti emergerà la figura di Jacob Lawrence, considerato il più grande pittore afro-americano di tutti i tempi.

SIGNS

• Proxima Centauri, MoMA, New York, USA, 1968 • After Picasso, Museum of Fine Arts, Budapest, Hungary, 1986 • The Computer Artist's Handbook , 1992 Amy Sillman BORN 1955, Detroit, USA LIVES&WORKS New York, USA Il suo stile pittorico si colloca in equilibrio tra astratto e figurativo. Una pittura stratificata, che si integra con altre tecniche come collage e serigrafia per descrivere forme dai colori sgargianti. I suoi quadri trasmettono ideali legati a flussi di movimento dinamici, che ri mandano alla fisicità della materia riflettendo sul linguaggio e sulla connessione tra diversi elementi.ENG Her style sits at the meeting point of abstraction and figuration. A layered kind of painting that integrates other techniques such as collage and serigraphy to depict brightly-coloured shapes. Her paintings display ideal, dynamic streams of motion that remind of the matter’s physicality while reflecting on the languages that connect the several elements.

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 109 SOGNIDEILATTEIL

• A Shape That Listens: New drawings, Cam poli Presti, Paris, France, 2012 Elias Sime BORN 1968, Addis Ababa, Ethiopia LIVES&WORKS Addis Ababa, Ethiopia Elias Sime intreccia, stratifica e assembla abilmente materiali d’uso quotidiano accu ratamente selezionati, trasformando oggetti comuni in composizioni liriche astratte che suggeriscono topografie, figurazioni e campi

LIVES&WORKS Berlin, Germany

SIGNS • La figlia di Giairo, Lille Métropole Musée d'art moderne, Lille, France, 1913 • Manifesta 13, Marseille, France, 2020 • From India to the Planet Mars: A Study of a Case of Somnambulism with Glossolalia, Theodore Flournoy, 1900 Sable Elyse Smith BORN 1986, Los Angeles, USA LIVES&WORKS New York, USA Artista multidisciplinare e scrittrice, nelle sue fotografie, videoinstallazioni, opere di neonart e sculture si mescolano istanze di pop art e riferimenti a vicende autobiografiche, con particolare attenzione agli aspetti legati alla violenza connessi strettamente alla figura del padre, incarcerato per gran parte della vita dell’artista. Smith si concentra sull'impatto che il sistema carcerario ha sulla vita delle persone prima e durante l'incarcerazione e sui trauma tici effetti di lunga durata che persistono dopo il rilascio sia nella psiche dei detenuti stessi che in quella delle persone a loro vicine.

SIGNS • Tightrope

Ababa, Ethiopia, 2004 Marianna Simnett BORN 1986, London

Argilla, oggetti trovati e simboli umani convivo no, intersecandosi, nel suo lavoro.

A young, multidisciplinary artist, her work ranges from video art to music, to installation, to sculpture. Her research strongly opposed any social and cultural constraints, and her art is the result (or the cause) of catharsis, of a way out from the status quo, an alternative to the conventional world that is often to be discovered using the surreal tool of humour. The goal is to deter mine an effect at a physical, visceral level, an effect that goes beyond what is purely cognitional. Institute of Modern Art, Brisbane, Australia, LAB , Kunsthalle, Zurich, Switzerland,

SIGNS • Creature,

2020 • Jerwood / FVU Award, 2014

ENG A multi-disciplinary artist and au thor, in her photographs, video installation, neon art pieces, and sculptures, she mixes pop art and autobiography, with a prominent focus on the figure of her father, who spent a large part of her life imprisoned. Smith fo cuses on the effect that the prison system has on the lives of individuals and on the longterm traumatic effects that linger in their psyches and in those of their dear ones.

Over the last few years, Teresa Solar devel oped large-scale installations where groups of sister sculptures vary in shape and size, creating complex ecosystems of ideas. Clay, found objects, and human symbols coexist and intersect.

LIVES&WORKS Madrid, Spain

L'immaginario dell’artista si basa sullo studio delle forme e della parola e, per inevitabile, logica estensione, del pensiero. La sua è una pratica piena di parole e piena di organi che creano parole; un lavoro che si esprime in una produzione multidisciplinare incentrata in par ticolare sulla scultura e sul disegno. Negli ultimi anni Solar ha sviluppato installa zioni di grande formato in cui famiglie di scul ture sorelle variano per forma e dimensione, creando complessi ecosistemi di pensiero.

110 ARTISTS

RATS

The Milk of Dreams Smith 1861, Martigny, Switzerland 1929, Ginevra, Switzerland Hélène Smith, pseudonimo di Catherine-Elise Müller, è considerata “la musa della scrittura automatica”, il processo di scrittura di frasi che non arrivano dalla coscienza diretta dello scrittore, ma da altre entità spirituali di cui lo scrittore stesso si fa tramite. Il suo lavoro fu di ispirazione al movimento Surrealista, che la vide quale espressione concreta dell’esistenza di una forza ispiratrice della propria arte. Nella sua attività di medium si dichiarò in contatto con la civiltà marziana, con una produzione scritta che includeva gli alfabeti marziano, sanscrito e uraniano, successivamente rivela tisi il risultato di sue conoscenze latenti con nesse a ricordi. Uno stato a dir poco visionario in cui il potere dell’immaginazione non era però mai del tutto disgiunto dall’esercizio della ragione.ENG Hélène Smith, a pseudonym of Catherine-Elise Müller, is considered the muse of automatic writing, the non-conscious writing process that is believed to originate in spiritual entities that use the writer as a physical medium. Smith’s work inspired the nascent Surrealist movement, which considered her the actual expression of an inspiring force. In her work as a medium, she maintained she was in contact with the Martians and with a written body of work that included Martian, Sanskrit, and Uranian alphabets, which was later proved to be a latent knowledge of hers which he acquired earlier. A quasi-visionary state where the power of imagination was never entirely de tached by the use of reason.

PARTICIPANTS A-Z Hélène

SIGN • or the song spilling out , Carlos/Ishikawa, London, UK, 2019 • Sable Elyse Smith: Ordinary Violence, Queens Museum, New York, USA, 2017 • Trigger: Gender as a Tool and a Weapon, New Museum, New York, USA, 2017 Teresa Solar BORN 1985, Madrid, Spain

ENG The artist’s imagery draws on the study of the shape of words and, consequent ly, of thought. She works with words and word-producing organs, an oeuvre that takes expression in a multi-disciplinary produc tion that focuses on sculpture and drawing.

ENG Elias Sime skillfully weaves, stratifies and carefully assembles selected everyday materials, transforming common objects into abstract lyrical compositions that suggest topographies, figurations and colour fields. He creates complex jobs from electronic components, such as printed cir cuit boards, USB keys, and telecommunica tion cables. His works allude to the tenuity of our interconnected world, to the frictions be tween tradition and progress, human contact and social networks, nature and man-made, physical and virtual presence. , Royal Ontario Museum, Toronto, Canada, 2021 • NOISELESS, James Cohan, New York, USA, 2019 • Min Neber, Istituto Italiano di Cultura, Addis UK Giovane artista con approccio multidisciplina re – spazia dal video alla musica, dall’installa zione alla scultura – la cui ricerca trasgredisce volutamente i confini delle norme sociali e culturali. Il risultato sono opere frutto (o agenti) di catarsi, sorta di via di uscita trasformativa dallo status quo, un’alternativa al mondo con venzionale spesso scovata con gli strumenti surreali dell’umorismo. L’obiettivo è determi nare un impatto a livello fisico, viscerale, un effetto che vada ben oltre il piano puramente cognitivo.ENG

2020 •

SIGNS • Future Generation Art Prize 2021, Pinchu kArtCentre, Kiev Liverpool Biennial, Ukraine, 2021 • Ground Control, Galeria Joan Prats, Barce lona, Spain, 2017 • L’escriptori circular, Centre d’art la Panera, Lleida, Spain, 2016 Mary Ellen Solt 1920, Gilmore City, USA 2007, Santa Clarita, USA Poetessa, saggista, traduttrice, editrice e professoressa, la carriera di Mary Ellen Solt è legata indissolubilmente alla pratica della con crete poetry, nata negli anni ’50 e consistente in immagini i cui tratti sono appunto lettere, elementi tipografici, segni di interpunzione. Forsythia, Lilac e Geranium sono esempi di questi componimenti in cui forma e sostanza di colore. Crea lavori complessi da componen ti elettronici, come circuiti stampati, chiavi usb e cavi per telecomunicazioni. Le sue opere al ludono alla tenuità del nostro mondo intercon nesso, agli attriti tra tradizione e progresso, contatto umano e reti sociali, natura e creato dall’uomo, presenza fisica e virtuale.

SIGNS • Intuition & Reflection: The Ceramics of To shiko Takaezu, Allentown Art Museum, Allen town, USA, 2021

ENG Eminent fluidity characterises her creative process, and allowed her ease of access to abstract art, design, and crafts.

Il punto più alto culmina nelle “forme chiuse” – sculture arrotondate, sferiche o cilindriche, decorate da stesure di smalto espressionisti che – in ceramica, materiale che, soprattutto per merito del lavoro dell’artista, si emancipa dalla tradizione artigiana funzionale assurgen do al più esteso regno delle belle arti.

SIGNS • Sophie Taeuber-Arp: Living Abstraction, MoMA, New York, USA, 2022 • Sophie Taeuber-Arp, Tate Modern Gallery, London, UK, 2021 • Jean Arp & Sophie Taeuber-Arp. Dada e ol tre, Museo Correr, Venice, Italy, 2006 Toshiko Takaezu 1922, Pepeekeo, USA 2011, Honolulu, USA Tra i maggiori artisti astratti del XX secolo, Ta kaezu ha elaborato un personalissimo linguag gio artistico che trae origine dal proprio retro terra multiculturale, giapponese e hawaiano.

SIGNS •

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 111 SOGNIDEILATTEIL coincidono, mettendo in mostra una sensibilità letteraria rigorosa e allo stesso tempo ispirata, capace di assicurare a questa forma d’arte una legittimazione dottrinale fondamentale per la sua fortuna futura.

•

ENG One of the 20th century greatest abstract artists, Takaezu has developed a very personal artistic language coming from his Japanese and Hawaiian background which reaches its highest point in the “closed shapes” – rounded, spherical or cylindrical sculptures, decorated with expressionistic enamel applications – made of ceramic, a material that, thanks to the artist’s work, goes beyond the functional artisan tradition to attain the realm of fine arts.

ENG Talbot has been awarded the eighth edition of the Max Mara Art Prize for Women for the three-year period 20192022. Her work embraces drawing, painting, animation, sculpture and is often autobio graphical. She has always been engaged in a suggestive research in the political, social and collective nuances of subjectivity and she has always dealt with issues ranging from gender inequality to environmental catastrophes becoming the spokesperson of a colorful and dreamlike art which aims at exploring the potential of fabrics.

SIGNS • CIRCA – Piccadilly Lights, Picadilly Circus, London, UK, 2021 • The Age of The Reaper, Galerie Onrust, Am sterdam, The Netherlands, 2020 • Sounders of the Depths, GEM Kunstmuseum, The Hague, The Netherlands, 2020 Dorothea Tanning 1910, Galesburg, USA 2012, New York, USA Pittrice, poetessa e scrittrice, nella sua car riera ha disegnato costumi per balletti e per il teatro dedicandosi anche alla scultura. La sua prima produzione è fortemente influenzata dal Surrealismo, con cui entra in contatto a New York, salvo assistere ad un cambiamento radi cale a metà degli anni ’50, quando afferma lei stessa di aver “rotto lo specchio attraverso il quale aveva visto fino a quel momento”. Foto grafata da leggende come Irving Penn e Man Ray, ha sempre sostenuto il potere salvifico dell’arte nei confronti del genere umano.

ENG Born in 1987, Patrick Staff’s name is already present in the catalogues of Tate Modern and MoMA. The ecological, indus trial faces societies depend on, together with the biological changes caused on human beings by capitalist technology, characterise Staff’s creativity. His art projects take differ ent forms: installation, performance art, and new media. The concept of ‘discipline’, ‘dis sent’, and ‘work’ define his concept of ‘body’ with his personal perspectives, which he renders in visible, intelligible forms for the viewer.

ENG Tanning was a painter, poet, au thor, ballet costume designer, and sculptor. Her early production shows explicit Surreal ist influence, which she came in contact with in New York. The 1950s were the years of a turning point or, in her words, the moment she “broke the mirror she has been see

After her early career in the arts and crafts, she joined the Dada movement with her hus band Jean Arp, demonstrating an impressive talent in working materials such as wood and fabrics. A central figure in the creative pro cess that would bring about the inception of modern design, she would also show a keen interest in architecture.

• Toshiko Takaezu: Heaven and Earth, Racine Art Museum, Racine, Wisconsin, USA, 2005

SIGNS Split snake, Serpentine Galleries, London, UK, 2019 Weed killer, Tate Modern, London, UK, 2017 • It’s soaking, Chisenhale Gallery, London, UK, 2015 Sophie Taeuber-Arp 1889, Davos, Switzerland 1943, Zurich, Switzerland La spiccata fluidità che connota il suo pro cesso creativo le ha permesso, nel corso della sua carriera, di attraversare con grande naturalezza i confini fra arte astratta, design e artigianato. Dopo i primi inizi legati all’artigia nato artistico, aderisce al Dadaismo assieme al marito Jean Arp, dimostrando di possedere uno straordinario talento nella lavorazione di materie quali il legno e i tessuti. Figura centra le nel processo creativo che avrebbe portato alla nascita del moderno design, dimostrerà vivo interesse anche verso l’architettura.

ENG A poet, essayist, translator, pub lisher, and scholar, Mary Ellen Solt’s career is tied to the practice of concrete poetry, born in the 1950s. In concrete poetry, images are made of letters, typographical elements, and punctuation. Forsythia, Lilac, and Ge ranium are examples of this kind of poems, where form and substance coincide and show a kind of literary sense that is at once rigorous and inspired, capable of assuring, for this form of art, the scholarly legitimiza tion that is essential for its future fortune. Beginning or end, Museum of Contemporary Art, Antwerp, Belgium, 2018 • Concrete Poetry: Words and Sounds in Graphic Space, Getty Research Institute, Los Angeles, USA, 2017 • Flowers in Concrete, Fondazione Bonotto, Vicenza, Italy, 1965 P. Staff BORN 1987, Bognor Regis, UK LIVES&WORKS UK, Los Angeles, USA Classe ’87, Patrick Staff è già presente nei ca taloghi permanenti della Tate Modern Gallery e del MoMA di New York. Gli aspetti ecologici e industriali da cui le società sono dipendenti, congiuntamente ai cambiamenti biologici pro dotti sull’essere umano dalla tecnologia ca pitalistica, connotano costitutivamente il suo percorso creativo, la sua progettualità artisti ca, che si concretizza in varie forme e modalità espressive tra installazioni, performance art e new media. I concetti di ‘disciplina’, ‘dissenso’ e ‘lavoro’ definiscono la sua concezione di ‘corpo’ secondo personali visioni prospettiche che l’artista restituisce in forma visibile ed in telligibile al fruitore, al suo pubblico.

• Toshiko Takaezu Retrospective, The National Museum of Modern Art, Kyoto, Japan, 1995 Emma Talbot BORN 1969, Stourbridge, UK LIVES&WORKS London, UK Il lavoro della Talbot, vincitrice dell’ottava edizione del Max Mara Art Prize for Women per il triennio 2019-2022, abbraccia disegno, pittura, animazione, scultura ed è spesso di tratto autobiografico. Da sempre impegnata in una suggestiva ricerca intorno alle sfumature politiche, sociali e collettive della soggettività, occupandosi di temi che spaziano dalla dise guaglianza di genere alle catastrofi ambientali, Talbot è portavoce di un’arte colorata e oniri ca, con una ricerca che mira ad esplorare le potenzialità dei tessuti.

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A farmer of humble origins, with out any artistic training and almost illiter ate, she drew in large formats, illustrated and wrote poems, filled one notebook after another with drawings, messages, visions that were delivered to her by the “beings of light” that connected her to another world. Seer and healer, Josefa Tolrà has never profited from her gifts. She began drawing around the age of sixty, finding in art the only relief after the loss of two children. She will live her whole life in the same place, far from the circles and on the margins of the artistic currents, channeling into her work what she herself called the “fuerza fluídica”.

SIGNS • Worlds in Collision, Alison Jacques Gallery, London, UK, 2020 • Works on Paper, Cavaliero Fine Arts, Basel Art Fair, Basel, Switzerland, 1982 • Sculpture, Galerie Alexandre Iolas, Milan, Italy, 1971 Bridget Tichenor 1917, Paris, France 1990, Mexico City, Mexico Trasferitasi a New York prima della Seconda guerra mondiale, vive con Peggy Guggenheim e frequenta la cerchia degli artisti surrealisti. Dopo aver preso parte a una cerimonia d’ini ziazione azteca si trasferisce in Messico dove si dedica alla pittura, allacciando una stretta amicizia con Leonora Carrington e Remedios Varo. Nei suoi dipinti utilizza una tecnica basa ta su formule di tempera italiana del XVI seco lo che Paul Cadmus le insegna a New York nel 1945. Preparava un fondo di gesso a guscio d’uovo su una tavola di masonite e dipingeva applicando con piccoli pennelli molti smalti a olio trasparenti, producendo una superficie lucida come un gioiello per i suoi soggetti. Ha vissuto in solitudine, nel suo ranch Contembo, circondata dagli animali che aveva adottato. Il mondo onirico che connota le sue opere, popolate da esseri bizzarri spesso racchiusi in gusci a forma d’uovo, trova ispirazione dall’in terazione tra spiriti animali e umani che l’arti sta sente e rielabora interiormente.

ENG Moving to New York before the Second World War, she lived with Peggy Guggenheim and attended the circle of sur realist artists. After taking part in an Aztec initiation ceremony she moved to Mexico where she devoted herself to painting, estab lishing a close friendship with Leonora Car rington and Remedios Varo. In her paintings she uses a technique based on sixteenthcentury Italian tempera formulas that Paul Cadmus taught her in New York in 1945. She prepared an eggshell chalk bottom on a ma sonite board and painted by applying many transparent oil enamels with small brushes, producing a glossy surface like a jewel for her subjects. She lived in solitude, on her Ranch Contembo, surrounded by the ani mals she had adopted. The dreamlike world that characterises her works, populated by bizarre beings often enclosed in egg-shaped shells, finds inspiration from the interaction between animal and human spirits that the artist feels and reworks inwardly.

ENG Transgender activist, director, and author, she works as a queer community ac tivist, fighting to turn obtuse vision and rigid rules on the concept of identity. Many of her films are dreamlike portraits of personalities who had to fight hard to have their identi ties recognised, both from the point of view of personal relationships and of society at large. Tourmaline’s art broadens its vision to the sphere of rights beyond that of the trans community, which is just the tip of a large, composite iceberg floating in a sea of count less identities, each fighting for the freedom to exist and express themselves. ing the world through up to the point.” She modelled for Irving Penn and Man Ray, and has always maintained how art has a salvific power for humans.

SIGNS • In Wonderland: The Surrealist Adventures of Women Artists in Mexico and the United States, LACMA Resnick Pavilion, Los Angeles, USA, 2012

112 ARTISTS

SIGNS • Radical Women: Latin America, Hammer Mu seum, Los Angeles, USA, 2018 • Los accesorios, Banco Nacional de Ahorro y Préstamo, Caracas, Venezuela, 1971 • Enlatados, Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela, 1970 Josefa Tolrà 1880-1959, Cabrils, Spain Contadina di umili origini, senza alcuna forma zione artistica e quasi analfabeta, disegnava in grandi formati, illustrava e scriveva poesie, riempiva un taccuino dopo l’altro con disegni, messaggi, visioni che le venivano recapitati dagli “esseri di luce” che la connettevano ad un altro mondo. Veggente e guaritrice, Josefa Tolrà non ha mai lucrato sui suoi doni. Inizia a disegnare attorno ai sessant’anni, trovando nell’arte l’unico sollievo dopo la perdita di due figli. Vivrà tutta la sua vita nel medesimo luogo, lontano dai circoli e ai margini delle correnti artistiche, incanalando nella sua ope ra quella che lei stessa chiamava la “fuerza fluídica”.ENG

The Milk of Dreams Bridget Bate Tichenor. Retrospective at Museo de la Ciudad de México, Mexico City, Mexico, 2012 • History of Women: Twentieth-Century Art ists in Mexico, Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, Mexico, 2008 Tecla Tofano 1927, Naples, Italy 1995, Caracas, Venezuela Artista e accademica, la carriera multidisci plinare di Tecla Tofano è di fondamentale importanza per la cultura venezuelana del XX secolo. Meglio nota come ceramista, si dedica anche al disegno, all’oreficeria e alla scrittu ra, oltre ad essere una convinta femminista militante nel movimento socialista. La sua carriera si suddivide in due fasi: nella prima (1955-‘63) Tofano produce ceramiche utilita rie; nella seconda (1964-‘77) lavora in modi non tradizionali, infondendo alla ceramica un’autonomia scultorea propria, discostandosi dalla convenzionale idea di bellezza e attratta oppostamente dalla dimensione della bruttez za. I suoi oggetti, dalle forme umoristiche e spesso grottesche, rappresentano la cultura del consumo, i valori borghesi e gli stereotipi di ENGgenere. An artist and academic, Tecla Tofano's multidisciplinary career is of fun damental importance for the Venezuelan culture of the 20th century. Better known as a ceramist, she also devotes herself to drawing, goldsmithing and writing, as well as being a militant feminist in the socialist movement. Her career can be divided into two phases: in the first one (1955-‘63) Tofano produces utilitarian ceramics; in the second one(1964-‘77) she works in non-traditional ways, giving ceramics its own sculptural autonomy, departing from the conventional idea of beauty and attracted by the dimen sion of ugliness. Her objects, characterised by humorous and often grotesque shapes, represent consumer culture, bourgeois val ues and gender stereotypes.

PARTICIPANTS A-Z •

SIGNS • La médium y el poeta, Joan Brossa Founda tion, Barcelona, Spain, 2020 • Alma: Mediums and Visionaries, Es Baluard Museum, Palma de Mallorca, Spain, 2019 • Josefa Tolrà. Dibujo fuerza fluídica, Can Pa lautet, Mataró, Spain, 2014 Tourmaline BORN 1983, Boston, USA LIVES&WORKS New York, USA Attivista, regista e scrittrice transgender, il suo lavoro si concentra sull’impegno e sulle espe rienze di vari esponenti della comunità queer capaci di produrre un forte impatto sul mondo, trasformando ottuse visioni e rigide regole comportamentali innescando un profondo processo di riflessione nella società attorno al concetto di identità. I suoi film sono spesso ritratti sognanti di personalità che hanno dovu to lottare strenuamente per la propria determi nazione identitaria, sia da un punto di vista dei legami personali che da un punto di vista più largamente sociale. Lavori che però allargano la propria visione della sfera dei diritti ben oltre i confini della comunità trans, la quale è solo la punta di un grande, composito iceberg in movimento nel grande mare delle mille identità tutte in lotta per il riconoscimento della propria libertà di esistere e di esprimersi.

“Established history is just a distortion, any way.”

LIVES&WORKS Milan, Italy

SIGNS • An

ENG Born in a town near the RomanianHungarian border, the artist moved to Amer ica in 1997. With her work, she investigates the collective memory of Romanian culture and important personal and cultural issues, such as femininity and folklore. Known for her diverse sculptures of widely different sizes, Ursut¸a uses a vast array of materials, including cardboard and concrete. She also blends traditional sculpting methods with new technology to turn commonly found ob jects and material into evocative sculptures and installations.

ENG A Czech artist who lived mostly in France and who, even back in Prague, was friends with the group of surrealists gathered around André Breton, she – or he, given a distaste for female pronouns – was a precursor of themes that we consider very modern today, both in life – anarchism, queerness – and in art. Toyen innovated cub ism into abstract art with the explicit goal of creating art that would stir up emotions by going beyond the visual. absolute divergence, Musée d’Art Mod erne de Paris, France, 2022 • Archive Toyen, Hamburger Kunsthalle, Ham burg, Germany, 2022 The Dreaming Rebel, National Gallery Prague, Czech Republic, 2021 Rosemarie Trockel 1952, Schwerte, Germany Berlin, Germany Famosa per i suoi “dipinti a maglia” generati a macchina e realizzati con lana, le opere dell’artista tedesca vanno dai disegni alle scul ture, dalle installazioni ai film. Sebbene sia difficile associare uno stile par ticolare al suo lavoro, si possono individuare nelle sue opere alcuni temi prevalenti, tra i quali il ruolo della donna nella società, i marchi e i simboli come significanti sociali e deco razioni, il fascino per gli studi etnografici e scientifici.ENG Famous for her machine-generat ed ‘knitted paintings’, Rosemarie Trockel’s art ranges from drawing to sculpture, instal lation, and film. While associating a particu lar style to her art may not be easy, we can point out a few prevalent themes, such as the role of women in society, brands and sym bols as social decoration, and a fascination for scientific and ethnographic studies.

SIGNS

BORN

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 113 SOGNIDEILATTEIL SIGNS • Happy Birthday Marsha, film, 2018 • Atlantic is a Sea of Bones, film, 2017 • The Personal Things, film, 2016 Toyen 1902, Prague, Austro-Hungarian Empire (present-day Czech Republic) 1980, Paris, France Artista ceca che visse a lungo in Francia e che, anche in patria, ebbe sempre strette relazioni col gruppo di surrealisti francesi radunatasi in torno ad André Breton. Toyen fu precorritrice –o precursore, data la sua avversione per le de sinenze femminili – di temi sorprendentemente moderni sia nel campo della vita, anarchismo e non-conformismo sessuale, che nell’arte, innovando il Cubismo attraverso l’Astrattismo con l'obiettivo esplicito di creare arte che esal tasse l’emozione andando oltre il visivo.

SIGNS • 58th Venice Biennale, Venice, Italy, 2019 • Vanilla Isis, Fondazione Sandretto Re Re baudengo, Torino, Italy, 2018 • Alps, New Museum of Contemporary Art, New York, USA, 2016 Grazia Varisco BORN 1937, Milan, Italy

Grazia Varisco è una figura centrale dell’arte cinetica e programmata sin dai primi anni Sessanta, momento in cui l’artista si unisce al Gruppo T di Milano. É stata uno dei primi artisti che ha esplorato concetti quali il movi mento e i cambiamenti nel tempo, cercando un'interazione diretta con il suo pubblico. Attraverso l'uso di semplici segni geometrici le sue opere abitano lo spazio circostante, creando diverse dimensioni spaziali che sfi dano la percezione dello spettatore disorien tandone i sensi.

LIVES&WORKS

SIGNS •

ENG American artist Kaari Upson worked with a large array of media, includ ing sculpture, video, drawing, and painting. In her work, she mixed autobiographical traumas, fears, and fantasies, and brought to life what may be called ‘Americanness’ or ‘American psyche’. Her ability in evoking vile, infamous images targets the psycholog ical comfort zone of the viewer and connects it with visceral, touching simulations of states of loss and instability. 58th Venice Biennale, Venice, Italy, 2019 • Good Thing You Are not Alone, New Museum, New York, USA, 2017

SIGNS • Stop Painting, Fondazione Prada, Venice, Italy, 2021 • Natures Mortes: Performance, Palais de To kyo, Paris, France, 2021 • Study #14. Oh Mystery Girl 3, David Roberts Art Foundation, London, UK, 2016 Wu Tsang BORN 1982, Worcester, USA LIVES&WORKS Zürich, Switzerland Fare e documentare arte sono due facce della stessa medaglia. La registrazione di una per formance artistica e la performance stessa sono i due estremi di un unico continuum. Wu Tsang documenta le azioni, spontanee e no, del creare arte in comunità emarginate, in par ticolar modo tra minoranze razziali e sessuali. È sua convinzione che l’accuratezza storica e fattuale non sia altro che una leggenda e che non valga quindi la pena di lavorare troppo per ottenerla: «La storia consolidata è comunque una distorsione».

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• MoMA , permanent collection, New York • Wu Tsang: Wildness – the Tanks, Tate Mod ern, London, UK, 2013 • Screening: Wu Tsang, 12th Whitney Biennial, New York, 2012 Kaari Upson 1970, San Bernardino, USA 2021, New York, USA L’artista americana Kaari Upson ha lavorato con un'ampia gamma di media tra cui scultura, video, disegno e pittura. Nel suo lavoro ha mescolato traumi, paure e fantasie autobiogra fiche e collettive e ha portato alla luce quella che potrebbe essere chiamata "americanità" o "psiche americana". L'abile evocazione di immagini turpi da parte dell'artista di San Bernardino ha preso di mira le zone di comfort psicologico degli spettatori, connettendole con suggestioni viscerali e toccanti stati di perdita e instabilità.

• No Man's Land: Women Artists from the Rubell Family Collection, National Museum of Women in the Art, Washington, USA, 2016 Andra Ursut¸a BORN 1979, Salonta, Romania LIVES&WORKS New York, USA Nata in una città sul confine rumeno-unghe rese e approdata negli Stati Uniti nel 1997, l’artista con il suo lavoro indaga le memorie collettive della cultura rumena, affrontando im portanti questioni personali e contemporanee, dal tema della femminilità a quello del folklore. Nota per la sua poliedrica pratica scultorea, la vorando sia a micro che a macro scala, utilizza un'ampia gamma di materiali tra cui cartone e cemento. L'artista fonde i processi scultorei tradizionali e le nuove tecnologie per trasfor mare oggetti e materiali comuni in sculture e installazioni evocative.

ENG Making and documenting art are the two faces of the same coin as we follow an artistic continuum from capturing a per formance on film back to the performance itself. Wu Tsang documents the acts, both spontaneous and non spontaneous, of creat ing art in marginalized communities, espe cially sexual and racial minorities. A credo of hers is that historical, factual accuracy is a myth and forgoing it is of no consequence.

ENG Architect and versatile artis, Nanda Vigo blended architecture, art, and design by experimenting with shapes, ma terials, and technology. The focus of her research is the space/light couple, which he theorised about in her Manifesto Cronotopico of 1964. In her creations, light is a plastic, structural element, though also a chromatic and visual one, which can be shaped to de fine the space and design original perspec tives, both physical and perceptual.

A painter and an integral part of the cultural and artistic life of early-1900s Rive Gauche, Vassilieff studied with Matisse before establishing her own school. Dur ing World War I, she opened her studio to indigent artists – a sort of shelter as well as a house of culture, dance, and music. She came to fame for her portraits, in Cubist style, of dancers, famous friends (Picasso, Cocteau, Matisse) and for her puppets made with scraps. Marie Vassilieff tore down the boundaries between private and public spaces, and between fine and applied arts.

BORN 1948, Santiago, Chile LIVES&WORKS New York, USA Vedi See p.42 Nanda Vigo 1936-2020, Milan, Italy Architetta e artista poliedrica, è stata capace di unire architettura, arte e design sperimen tando continuamente forme, materiali e nuove tecnologie. Il tema centrale della sua ricerca è costituito dal binomio spazio/luce, che ha svi luppato anche a livello teorico pubblicando il Manifesto Cronotopico (1964). Nelle sue opere la luce diventa un elemento plastico-struttura le, ma anche visivo-cromatico, che può essere plasmato per definire ambienti e disegnare nuove prospettive sia fisiche che percettive.

SIGNS

The Milk of Dreams

PARTICIPANTS A-Z

• A Passion for Drawing, The Guerlain Collec tion from the Centre Pompidou Paris, Alber tina Museum Wien, Vienna, Austria, 2019 • Embracing Modernism: Ten Years of Draw ings Acquisitions, The Morgan Library & Mu seum, New York, USA, 2015 • 30th São Paulo Biennial, São Paulo, Brazil, 2012 Marie Vassilieff 1884, Smolensk, Russia 1957, Nogent-sur-Marne, France Pittrice, protagonista rilevante della vita cul turale e artistica della Rive Gauche del primo Novecento, studia con Matisse e fonda l’Acca demia Vassilieff. Durante la Prima Guerra mon diale apre il proprio studio agli artisti indigenti, divenendo ben presto un centro non solo di ristoro, ma anche di cultura, danza e musica. Famosa per i ritratti in stile cubista di danzatori e di amici famosi (Picasso, Cocteau, Matisse), ma anche per i suoi pupazzi assemblati con materiali poveri, abbattendo i confini tra spazio privato e spazio pubblico, tra belle arti e arte applicata.ENG

• Collezione Tacchini. Atto primo – Scultura e opere di carta, Musei di Nervi – Wolfsoniana, Genoa, Italy, 2022 • Pionnières, Musée du Luxembourg, Paris, France, 2022 • Une journée avec Marie Vassilieff, Villa Vassilieff, MABA Fondation des Artistes, No gent-sur-Marne, France, 2019 CECILIA VICUÑA

SIGNS

SIGNS • Light Project , Palazzo Reale, Milan, Italy, 2019 • Arch/arcology, MAXXI, Rome, Italy, 2018 • 40th Venice Biennale, Italy, 1982 Marianne Vitale

114 ARTISTS

BORN 1973, East Rockaway, USA LIVES&WORKS New York, USA Potenza poliedrica del panorama artistico con temporaneo, Marianne Vitale ha una pratica libera che spazia dalle installazioni fantascien tifiche alle performance, dai provocatori video agli omaggi scultorei all’America decaduta. Negli ultimi anni l’artista si è ritagliata una nuova e audace direzione, riecheggiando le angosce che affliggono la storia della frontiera americana con pezzi scultorei che evocano la profonda tensione verso autonomia e libertà ENG Grazia Varisco is a central figure in kinetic and programmable art since the early 1960s, when she joined the Gruppo T in Milan. She was among the first artists to explore motion and changes over time and to look for a direct interaction with the viewer. Using simple geometric signs, her art inhab its the surrounding space and creates dif ferent spatial dimensions that challenge the viewer’s perspective by disorienting their senses.

SIGNS • X Quadriennale Nazionale d’Arte. Aspetti dell’Arte figurativa contemporanea – Nuove ricerche d’immagine, Palazzo delle Esposizio ni, Roma, Italy, 1972 • Arte programmata contemporánea, Museo Español de Arte Contemporàneo, Madrid, Spain, 1970 • 32th Venice Biennale, Italy, 1964 Remedios Varo 1908, Anglès, Spain 1963, Mexico City, Mexico Chiamata affettuosamente “maga” da André Breton, alla sua prematura morte (aveva 55 anni) lasciò un’eredità fortemente femminista. La sua forza visiva deriva dalla relazione tra mondo umano e animale, tra quello onirico e quello magico e alchemico, tra pensiero ra zionale e fantasia. La vasta gamma di simboli ermetici e mistici nei suoi dipinti compon gono quasi un percorso iniziatico, «come se dipingesse con gli occhi piuttosto che con le mani» (Octavio Paz). Popolate da personaggi androgini, le sue opere creano un curioso doppio gioco: l’artista si nasconde dietro ai suoi personaggi, tanto quanto i personaggi si nascondono dietro di lei. ENG Affectionately called ‘the magi cian’ by André Breton, Remedios Varo died at only 55, leaving a bequest of feminist energy. Her visual strength derives from the relationship between human and animal world, between dream and magic, and rea son and fantasy. The vast gamut of hermetic, mystic symbols in her art make up what seems an initiation journey, “as if she painted with her eyes, not with her hands” (Octavio Paz). Populated with androgynous figures, her art seems to play both sides – the artist hides behind her characters as much as the characters hide behind her. Remedios Varo, documentary (25’), Jomí García Ascot, 1967 The Juggler (The Magician) , MoMA, New York, USA, 1956 • Cadavre Exquis (Exquisite Corpse ), collage/ papel, with Esteban Francés, Oscar Domínguez, SFMoMA, San Francisco Museum of Modern Art, USA, 1935

Le opere di Sandra Vásquez de la Horra possono essere descritte come spietate, grottesche e inquietanti: creazioni affollate e attraversate da emozioni contrastanti. Nata nel 1967 in Cile, i tempi del regno del terrore di Pi nochet hanno avuto un forte impatto sulla sua arte. L'eredità culturale dell'artista comprende storie delle popolazioni indigene dell'America Latina, la storia del colonialismo spagnolo e quella della sua famiglia. Sandra Vásquez de la Horra cerca e trova la libertà da questa so cietà attraverso la sua arte, che ha come temi dominanti la morte, la famiglia, le relazioni e la sessualità.ENGArt that can be described as mer ciless, grotesque, and disquieting. Crowded creations of contrasting emotions. Born in Chile in 1967, Pinochet’s ‘terror reign’ had a deep impact on Sandra Vásquez de la Horra’s art. Her cultural heritage includes stories of the native people of Latin America, the history of Spanish colonialism, and the story of her own family. The artist looks for, and finds, freedom from this kind of society by means of her art, whose main themes are death, family, relationships, and sexuality.

SIGNS •

Sandra Vásquez de la Horra

BORN 1967, Viña del Mar, Chile LIVES&WORKS Berlin, Germany

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Raphaela Vogel genera legami tra scultura e video, spazio e ready-made. La sua pratica artistica si esprime in una tensione fisicamente palpabile e in un gioco contrastante tra imma ginazione e scala. Spazi potenti ed energici si evolvono, mettendo a fuoco questioni relative alla soggettività umana, specialmente femmi nile. Peculiare nel proprio processo creativo, Vogel non si avvale mai di collaborazioni o dell’intervento di esperti, acquisendo da sé il know-how necessario per la realizzazione to tale di ogni sua singola opera. ENG Raphaela Vogel creates links be tween sculpture and video, space and readymade. Her artistic practice is expressed in a physically palpable tension and in a contrasting game between imagination and scale. Powerful and energetic spaces focus on issues related to human subjectivity, es pecially the feminine one. Peculiar in her creative process, Vogel never seeks collabo rations or experts’ help, acquiring by herself the know-how for the whole realization of each work.

SIGNS • Danforth Museum, permanent collection, Framingham, USA • America’s Making Exhibition, Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphia, USA, 1920 • Historic Tableaux of the Negroes’ Progress, Negro Building at the Jamestown Tercentennial, USA, 1907 Laura Wheeler Waring 1887, Hartford, USA 1948 Philadelphia, USA Figlia di un reverendo pastore della prima chiesa afroamericana del Connecticut e di un’insegnante e artista dilettante, dopo la laurea nel 1914 alla Pennsylvania Academy of Fine Arts Laura Wheeler Waring ottiene una borsa di studio per poter studiare il Romanti cismo a Parigi. Concentra i suoi sforzi artistici sulla ritrattistica e nel 1927 sarà tra gli artisti esposti nella prima mostra d’arte afroameri cana del paese. Viaggia in seguito per studio altre volte in Europa, ma il suo impegno princi pale rimane sempre quello di contribuire a far sì che gli afroamericani abbiano accesso il più agevolmente e liberamente possibile all’edu cazione artistica. Lavorerà fino alla fine come direttrice del dipartimento d’arte al Cheyney State Teachers College della Pennsylvania.

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• The Atomtheorie, Cinematic Moments, Lon don, UK, 2021 • La Scultura Senza Qualità, Galerie Gregor Staiger, Milan, Italy, 2020 • Straying From The Line, Schinkel Pavillon, Berlin, 2019 Meta Vaux Warrick Fuller 1877, Philadelphia, USA 1968, Framingham, USA Protetta di Auguste Rodin, descritta come «una delle artiste nere più fantasiose della sua generazione», nel corso di tutta la sua carriera ha celebrato i temi dell’afrocentrismo. Prota gonista assoluta del Rinascimento di Harlem, Warrick si dedica alla poesia, alla pittura, alla scenografia e alla scultura, disciplina per la quale diverrà assai nota anche oltreoceano. Adottando uno stile figurativo basato sull’or rore e scegliendo di rappresentare le terribili ingiustizie razziali – tra cui il linciaggio di Mary Turner – Warrick con la propria opera ha af frontato e messo a nudo in maniera stringente e tagliente i traumi sociali degli afroamericani.

ENG The daughter of a reverend, a pas tor of Connecticut’s first African-American church, and a teacher and amateur artist, after graduating in 1914 from the Pennsylva nia Academy of Fine Arts, Waring obtained a scholarship to study Romanticism in Paris. She focused her artistic efforts on portraiture. In 1927 she took part at the first exhibition of African American art ever organized in her country. She traveled several times to Europe for her studies, but her main commitment was to make art education available to African Americans. She worked until her death as di rector of the art department at Cheyney State Teachers College in Pennsylvania.

• The Brooklyn Museum, permanent collection, New York, USA • Philadelphia Museum of Art , permanent col lection, USA • Portraits of Outstanding Americans of Negro Origins, Harmon Foundation, New York, USA, 1944 Ulla Wiggen BORN 1942, Stockholm, Sweden

Pittrice, soggetti ricorrenti delle sue opere sono circuiti elettronici, matrici di circuiti in tegrati e diagrammi schematici: alcuni come rappresentazioni che rivelano connessioni esi stenti; altri come combinazioni di componenti provenienti da fonti diverse, affiancati secondo meccanismi legati all’ispirazione dell’artista.

• Världsatlas, Belenius Gallery, Stockholm, Swe den, 2018 • Moment-Ulla Wiggen, Moderna Museet, Stockholm, Sweden, 2013 • Cybernetic Serendipity. The Computer and the Arts, ICA, London, UK, 1968 Mary Wigman 1886, Hannover, Germany 1973, Berlin, Germany

ENG A multifaceted powerful artist in the contemporary art scene, Marianne Vitale creates works ranging from science fiction installations to performances, from chal lenging videos to sculptural tributes to fallen America. In recent years the artist has taken a bold new direction to echo the anxieties that plague the history of the American fron tier through sculptural works that evoke the deep tension towards autonomy and freedom which this unexplored territory offers. She uses discarded materials to realize architec tural sculptures – barns, tombstones, build ing facades – that she burns, dents, cuts or destroys. • Worthies, permanent installation, Savenay, France, 2019 • Common Crossings, High Line, New York, USA, 2014 • Huey, Dewey & Louie, Kunstraum Innsbruck, Austria, 2013 Raphaela Vogel BORN 1988, Nuremberg, Germany LIVES&WORKS Berlin, Germany

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ENG Protégé of Auguste Rodin, de scribed as "one of the most imaginative black artists of her generation", she has cel ebrated the themes of Afrocentrism through out her career. An absolute protagonist of the Harlem Renaissance, Warrick dedicated herself to poetry, painting, scenography and sculpture, a discipline which will make her known even overseas. Adopting a figurative style based on horror and choosing to repre sent the terrible racial injustices – including Mary Turner’s lynching – Warrick has con fronted and sharply laid bare African Ameri cans’ social sufferings.

I concetti di ‘collegamento’ e ‘interdipenden za’ sono centrali nella sua visione creativa, riferiti tanto agli oggetti quanto alle persone, restituiti in un intrigante equilibrio tra astratto e ENGfigurativo.

Danzatrice e coreografa, studia inizialmente con Émile Jaques-Dalcroze per poi formarsi artisticamente sotto la guida di R. von Laban. Debutta con un assolo di sua creazione nel 1914, affermandosi rapidamente come la più importante esponente della danza moderna

SIGNS

LIVES&WORKS Stockholm, Sweden

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 115 SOGNIDEILATTEIL che tale territorio inesplorato offre. Impiega materiali dismessi per realizzare sculture ar chitettoniche – granai, lapidi, facciate di edifici – che incendia, ammacca, taglia o distrugge.

Painter Ulla Wiggen chooses circuit boards, chip matrixes, and electric diagrams as subjects of her art. Some rep resentations reveal extant connections, oth ers are combinations of differently-sourced components, which she mixes according to her inspiration. The concepts of ‘connection’ and ‘interdependence’ are central in her creative vision – both referring to objects and to people, in an intriguing balance be tween figuration and abstract art.

SIGNS

116 ARTISTS

ENG Over the past decade, Zheng Bo has begun to investigate new forms of intimacy and attention to the natural world. Through works ranging from video, performance, sculpture and workshops, the Chinese artist re-imagines nature in a non-anthropocentric vision of the world. The Pteridophilia film series, which began in 2016, develops the eco-queer theme and its potential, suggesting that interspecies forms of sexuality, between humans and non-humans, may be the key to a more ethi cal awareness of the planet, but also a more general tool for gender politics and sexual identity.

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ENG Writer, artist, lover and docile model of her partner Hans Bellmer, she will end up identifying herself with the transposi tion of the artist's desires, embodying his Poupée, an artificial woman, an assembly of plastic and hidden passions. Zürn's re search is to be placed between Surrealism and Abstractionism, between automatism and geometric precision. Her drawings are amorphous creatures, accurately drawn in very fine lines, a world made of nightmares, chimeras and jellyfish with large human eyes chasing each other in a frantic and gro tesque dream. Drawing and writing was her own way to calm down her delusions and to find a fulfilling dimension to cope with her dissociative episodes and megalomaniac and obsessive thoughts.

• Hans Bellmer & Unica Zürn, Frieze Masters 2014, London, UK

Inizia a dipingere nel 1973 e, pur avendo stu diato con il maestro haitiano Antoine Obin, si allontana presto dalla scuola di Cap-Haitien, al punto da autodidatta. I suoi dipinti sono caratterizzati da colori brillanti, motivi intricati, composizioni compatte, con figure umane raf figurate con teste di animali a restituire la sua visione disincantata e cinica verso la classe dirigente. Altamente creativi, i lavori di Zéphirin sono ispirati alla storia di Haiti, alla politica, alla Bibbia e al vudù. Si descrive come un “animalista storico” e, a differenza di molti pittori haitiani, è solito intitolare i suoi quadri. Tra le sue dichiarate influenze Leonardo da Vinci, James Darwin e il continente perduto di Atlantide.ENG

ENG

• The Man of Jasmine, publication, Atlas, 1994 nel centro Europa. Nel 1920 fonda a Dresda la sua celebre scuola di danza. Dagli anni ‘20 è più volte in tournée in Europa e negli USA con il suo Tanzgruppe, esibendosi anche alle Olimpiadi di Berlino del 1936. Di lì a poco sarà costretta dalle autorità naziste ad abbando nare la sua scuola. Nel dopoguerra insegna a Lipsia e dal 1949 a Berlino Ovest. Capofila del la danza espressionista tedesca, influenzerà fortemente la formazione della modern dance

• Bound: Hans Bellmer & Unica Zürn, Ubu Gal lery, New York, 2012

BORN

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• Frantz Zephirin: Art and Resilience, Indigo Arts Gallery, Philadelphia, USA, 2010 • Home & Beast , Visionary Art Museum, Balti more, USA, 2006-2007 • Gold medal, 3rd Biennal of Caribbean and Central American Painting, The Museum of Modern Art, Santo Domingo, Dominican Repub lic, 1996 Zheng Bo BORN 1974, Beijing, China LIVES&WORKS Lantau Island, Hong Kong

BORN 1968, Cap-Haïtien, Haiti LIVES&WORKS Port-au-Prince, Haiti

A dancer and choreographer, she studied with Émile Jaques-Dalcroze. She was trained artistically by R. von Laban. She de buted with a solo she created herself in 1914, and quickly established herself as the most important exponent of modern dance in Cen tral Europe. In 1920 she founded her famous dance school in Dresden. In the '20s she started to tour Europe and the USA several times with her Tanzgruppe, performing as well at the Berlin Olympics in 1936. Obliged by the Nazi authorities to leave her school, after the war she taught in Leipzig and from 1949 in West Berlin. Leader of German ex pressionist dance, she had a great influence on the development of American modern dance SIGNS Le sacre du printemps (Stravinsky), choreog raphy, Berlin, Germany, 1955 • Carmina Burana (Carl Orff), choreography, Mannheim, Germany, 1954 • Deutsche Tanzkunst , publication, Carl Reiss ner, Dresden, Germany, 1935 Müge Yilmaz 1985, Istanbul, Turkey Amsterdam, The Netherlands L’artista si serve di archetipi culturali per trian golare la posizione dell’essere umano moder no nel suo essere alienato dallo stato di natura e condotto nella Heimat della tecnologia. Que sti oggetti possono derivare dall’archeologia, specialmente archeologia del vicino Oriente, o possono essere moderni amuleti, qualsiasi cosa cui possa venir dato il potere rituale di controllare il nostro futuro. The artist uses cultural archetypes to triangulate the position of human beings as they are being alienated from the state of nature and enter the Heimat of technology. These cultural props can be derived from archaeology – especially Near Eastern find ings – to modern-day amulets: anything can be given the ritualistic power to control the future. Müge Yilmaz: Posterity Hill, Rotterdam, The Netherlands, 2022 Universe Halfway, Kunst im Tunnel, Düssel dorf, Germany, 2018 Shanghai Biennial, Shanghai, China, 2016

ENGstatunitense.

Frantz Zéphirin

He began painting in 1973 and, despite having studied with the Haitian mas ter Antoine Obin, he soon left the school in Cap-Haitien. His paintings are characterized by bright colors, intricate patterns, compact compositions. His human figures are often depicted with animal heads, symbolizing his disenchanted and cynical gaze at the rul ing class. Zéphirin’s highly creative works are inspired by Haiti’s history, politics, the Bible and vudù rites. He describes himself as a “historical animalist” and unlike many Haitian painters, he usually titles his paint ings. He was influenced also by Leonardo da Vinci, James Darwin and the lost continent of Atlantis.

Negli ultimi dieci anni Zheng Bo ha iniziato a indagare nuove forme di intimità e attenzioni verso il mondo naturale. Attraverso opere che spaziano tra video, performance, scultura e workshop, l’artista cinese re-immagina la natura in una visione non antropocentrica del mondo. La serie di film Pteridophilia, iniziata nel 2016, sviluppa il tema eco-queer e le sue potenzialità, suggerendo che le forme di ses sualità interspecie, tra umani e non-umani, possono essere la chiave per una consapevo lezza più etica verso il pianeta, ma anche stru mento di comprensione più ampio in termini di politiche di genere e identità sessuale.

LIVES&WORKS

SIGNS •

The Milk of Dreams PARTICIPANTS A-Z

SIGNS • Liverpool Biennial, UK, 2021 • Manifesta 12 , Palermo, Italy, 2018 • Museo Madre, permanent collection, Naples, Italy Unica Zürn 1916, Berlin, Germany 1970, Paris, France Scrittrice, artista, amante e docile modella del compagno Hans Bellmer, finirà con l’identifi carsi con la trasposizione dei desideri dell’arti sta, incarnandosi nella sua Poupée, una donna artificiale, assemblaggio di plastica e passioni recondite. La ricerca di Zürn si colloca tra Surrealismo e Astrattismo, tra automatismo e rigore geometrico. Nei suoi disegni, creature amorfe, meticolosamente costruite con linee finissime, abita un mondo fatto di incubi, di chimere e meduse con grandi occhi umani che si rincorrono in un sogno concitato e grotte sco. Disegnerà e scriverà per calmare i deliri e per trovare una dimensione appagante in cui affrontare gli episodi dissociativi e i pensieri megalomani e ossessivi che la affliggevano.

ENG In her paintings, Portia Zvavahera gives shape to emotions coming from a realm which goes beyond the real and the conscious world. Her vivid images are root ed in the milestones of earthly existence: life and death, pain and pleasure, isolation and connection, love and loss. Deeply personal visions realised through layers of vibrant colors and decorated patterns similar to veils. Zvavahera’s compositions draw on par ticular traditions of figuration in Zimbabwe: past and present, in dialogue with post-war artistic practices that probe the nature of hu man condition. • Portia Zvavahera: Ndakaoneswa murima, David Zwirner, New York, USA, 2021 • We don’t need another hero,10th Berlin Bien nale, Germany, 2018 • Dudziro: Interrogating the Visions of Reli gious Beliefs, Zimbabwean Pavilion, 55th Ven ice Biennale, Italy, 2013 Simnikiwe Buhlungu BORN 1995, Johannesburg, South Africa LIVES&WORKS Johannesburg, South Africa and Amsterdam, The Netherlands Simnikiwe Buhlungu ha conseguito una laurea in Belle Arti presso l’Università del Witwater srand, a Johannesburg, dove ha co-fondato il collettivo artistico politicamente impegnato Title in Transgression. Al centro dell’indagine di Buhlungu c’è la complessità della produ zione di conoscenza, il modo in cui si diffonde e chi ne è l’artefice. Attraverso film, suoni, in stallazioni e testi, l’artista sudafricana impiega narrazioni e fenomeni quotidiani per condurre gli osservatori a considerazioni metaforiche e teoriche sui modi in cui conosciamo il mondo e lo viviamo.

Andro Eradze

BORN 1993, Gutu, Zimbabwe LIVES&WORKS London, UK Hwami vive contemporaneamente lo Zimbab we dove è nata, il Sudafrica dove è cresciuta, il Regno Unito dove risiede attualmente. Nella sua pratica il tempo e lo spazio collassano, lasciando trapelare una visione profondamen te personale dell’Africa meridionale. Le grandi opere su carta o tela che l’artista realizza tramite l’uso del collage, in combinazione con pittura a olio intensamente pigmentata, seri grafia, pastello o carboncino, sollevano audaci domande sul corpo nero e la sua rappresen tazione, così come sulla sessualità, il genere e la spiritualità. Nel 2019 è stata la più giovane artista a partecipare alla 58. Biennale Arte nel Padiglione dello Zimbabwe. ENG Hwami lives simultaneously in Zimbabwe where she was born, South Africa where she grew up, the United Kingdom where she currently resides. In his practice, time and space collapse, revealing a deeply personal view of southern Africa. The large works on paper or canvas that the artist cre ates through the use of collage, in combina tion with intensely pigmented oil painting, screen printing, pastel or charcoal, raise bold questions about the black body and its representation, as well as about sexuality, gender and spirituality. In 2019 she was the youngest artist to participate in the 58. Bien nale Arte in the Zimbabwe Pavilion.

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 117 SOGNIDEILATTEIL

Ambra Castagnetti BORN 1993, Genoa, Italy LIVES&WORKS Milan, Italy Il lavoro di Castagnetti scaturisce dall’inquietu dine della quotidianità, dal desiderio di trasfor mare la relazione con il nostro stesso corpo e con gli altri esseri viventi che ci circondano.

ENG Castagnetti’s work is inspired by the restlessness of everyday life, by the de sire to change our relationship with our body and with other living beings surrounding us. A desire that takes shape in sculptures, drawings, videos, installations and perfor mances that turn this restlessness into a sort of catharsis, leading to a metamorphosis. In Castagnetti’s work, ceramic and metals are defensive shields for a soft, fragile matter destined to unravel, which becomes alien in its mirroring aspect.

SIGNS

Un desiderio che prende forma in sculture, disegni, video, installazioni e performance che trasformano questo stato di inquietudine in una sorta di catarsi, da cui deriva poi una me tamorfosi. Nell’opera di Castagnetti ceramica e metalli sono scudi difensivi di una materia molle, fragile, destinata a disfarsi, che diviene aliena nel suo aspetto specchiante.

ENG Working mainly with video, pho tography and installation, Andro Eradze focuses on the space between human and non-human perception. Eradze’s hypnotic films, inspired by contemporary theorists of interspecies relations such as Donna Hara way and John Berger, are edited on otherworldly soundtracks and populated by plants and animals, often in tense relationship with an invisible but looming human presence. Investigating between the human and the non-human, Eradze’s work explores count less forms of life.

ENG Simnikiwe Buhlungu holds a bach elor’s degree in Fine Arts from the University of the Witwatersrand, Johannesburg, where he co-founded the politically engaged art collective Title in Transgression. Buhlungu’s investigation focuses on the complexity of knowledge production, how it spreads and who is its creator. Through films, sounds, installations and texts, the South African artist employs everyday narratives and aspects to lead observers to metaphorical and theoreti cal considerations on how we know the world and we live it.

BORN 1993, Tbilisi, Georgia LIVES&WORKS Tbilisi, Georgia Lavorando principalmente con video, fotogra fia e installazione, Andro Eradze si concentra sullo spazio tra la percezione umana e non umana. Gli ipnotici film di Eradze, ispirati da teorici contemporanei delle relazioni interspe cie come Donna Haraway e John Berger, sono montati su colonne sonore ultraterrene e po polati da piante e animali, spesso in tensione con una presenza umana invisibile ma incom bente. Indagando tra l’umano e il non umano, l’opera di Eradze esplora una miriade di forme di vita animata.

Kudzanai-Violet Hwami

BIENNALE COLLEGE ARTE

Portia Zvavahera BORN 1985, Harare, Zimbabwe LIVES&WORKS Harare, Zimbabwe Nei suoi dipinti, Portia Zvavahera dà forma alle emozioni che si manifestano da regni e dimen sioni al di là dei domini del reale e del conscio. Le sue vivide immagini sono radicate nelle pie tre miliari dell’esistenza terrena: vita e morte, dolore e piacere, isolamento e connessione, amore e perdita. Visioni profondamente perso nali realizzate attraverso strati di colori vibranti e motivi decorati simili a veli. Le composizioni di Zvavahera attingono a particolari tradizioni di figurazione nello Zimbabwe passato e pre sente, in dialogo con pratiche artistiche del dopoguerra che sondano la natura della con dizione umana.

118 B B C A ED F G H I

the MAG 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 119

D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE59. published by Venezia News Supplemento n. 1 al n. 262-263 di Aprile-Maggio 2022 del mensile di cultura e spettacolo Venezia News spedizione in A.P. 45% art. 2 comma 20/B - legge 662/96 - DCI-VE

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the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE GIARDINI NATIONAL PARTICIPATIONS 23 SPECIAL PROJECTS 33 ARSENALE NATIONAL PARTICIPATIONS 37 SPECIAL PROJECTS 47 AROUND TOWN NATIONAL PARTICIPATIONS 51 COLLATERAL EVENTS 63 NOT ONLY BIENNALE 75 59. Esposizione Internazionale d’Arte CONTENTS

12 CAFFETTERIAINFOPOINTDEPOSITOBAGAGLICHECKROOMSBARRESTAURANTBOOKSHOPTOILETWI-FIFIRSTAIDEDISONMOBILERECHARGEPOINT GIARDINI IL LATTE DEI SOGNI entrata/entranceSTOPGiardini STOP Giardini Biennale uscita/exit PadiglioneCentrale PavilionStirling ASACBiennaleEducational+Sessions 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 121113 14151716 18 19 26 20 21 22 23 24 25 27 GIARDINI Overview BIENNALE MAP Swatch Faces 2022

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 13 ARSENALE IL LATTE DEI SOGNI Swatch Faces 2022 OfficePress Solo uscita Exit Only delleGiardinoVergini delleTeseVerginialleTeatroTese Isolotto Gaggiandre Sale d’Armi STOPentranceentrataArsenale grFLOOR CollegeBiennale EducationalBiennale SessionBiennale ArtiPadiglioneApplicate 1stFLOOR Free Shuttle Free Shuttle STOP Bacini Corderie Artiglierie 3444 28 39374240453631 53 32 43 4750495138 41 46 3329 30 4835 52 ARSENALE

14 GIARDINI IL LATTE DEI SOGNI PADIGLIONE CENTRALE NATIONAL PARTICIPATIONS (pp. 23-33) 1 AUSTRALIA 2 AUSTRIA 3 BELGIO 4 BRASILE 5 CANADA 6 Repubblica di COREA 7 DANIMARCA 8 EGITTO 9 ESTONIA(Padiglione Paesi Bassi) 10 FINLANDIA(PadiglioneAlvar Aalto) 11 FRANCIA 12 GERMANIA 13 GIAPPONE 14 GRAN BRETAGNA 15 GRECIA 16 ISRAELE 17 PAESI (Finlandia,NORDICINorvegia, Svezia) 18 POLONIA 19 ROMANIA/1 20 SERBIA 21 SPAGNA 22 STATI UNITI D’AMERICA 23 SVIZZERA 24 UNGHERIA 25 URUGUAY 26 Repubblica Bolivariana del VENEZUELA 27 PADIGLIONE VENEZIA ARSENALE IL LATTE DEI SOGNI CORDERIE | ARTIGLIERIE NATIONAL PARTICIPATIONS (pp. 37-47) 28 ALBANIA Artiglierie 29 ARABIA SAUDITA Sale d'Armi 30 ARGENTINA Sale d'Armi 31 CILE Artiglierie 32 CINA Repubblica Popolare Cinese Magazzino delle Vergini 33 EMIRATI ARABI UNITI Sale d'Armi 34 FILIPPINE Artiglierie 35 GHANA Isolotto 36 IRLANDA Artiglierie 37 ISLANDA Artiglierie 38 Repubblica del KOSOVO Artiglierie 39 LETTONIA Artiglierie 40 LIBANO Artiglierie 41 Granducato di LUSSEMBURGO Sale d'Armi 42 MALTA Artiglierie 43 MESSICO Sale d'Armi 44 NUOVA ZELANDA Artiglierie 45 Sultanato dell’OMAN Artiglierie 46 PERÙ Sale d'Armi 47 SINGAPORE Sale d'Armi 48 Repubblica di SLOVENIA Isolotto 49 Repubblica del SUDAFRICA Sale d'Armi 50 TURCHIA Sale d'Armi 51 UCRAINA Sale d'Armi 52 Repubblica dell’UZBEKISTAN Fianco Teatro delle Tese 53 PADIGLIONE ITALIA Tese e Giardino delle Vergini AROUND TOWN NATIONAL PARTICIPATIONS (pp. 51-60) 54 Repubblica ARABA SIRIANA 55 ARMENIA 56 Repubblica dell’AZERBAIJAN 57 Repubblica Popolare del BANGLADESH 58 BOLIVIA 59 BULGARIA 60 Repubblica del CAMERUN 61 CANADA/2 62 COSTA D’AVORIO 63 CROAZIA 64 CUBA 65 GEORGIA 66 GRENADA 67 GUATEMALA 68 Repubblica del KAZAKHSTAN 69 KENYA 70 Repubblica del KIRGHIZISTAN 71 LITUANIA 72 Repubblica MACEDONIAdellaDEL NORD 73 MONGOLIA 74 MONTENEGRO 75 NAMIBIA 76 NEPAL 77 PAESI BASSI 78 PORTOGALLO 79 ROMANIA/2 80 SAN MARINO 81 UGANDA 82 Repubblica dello ZIMBABWE AROUND TOWN COLLATERAL EVENTS (pp. 63-73) 83 ARSENALE DOCKS A lberta Whittle. “deep dive (pause) uncoiling memory” 84 CAMPO DELLA TANA A ngela Su: Arise, Hong Kong in Venice 85 CSDCA A ngels Listening Rachel Lee Hovnanian 86 FONDATION LOUIS VUITTON A POLLO, APOLLO 87 FONDAZIONE DELL’ALBERO D’ORO Bosco Sodi a Palazzo Vendramin Grimani. What Goes Around Comes Around 88 ARSENALE DOCKS Catalonia in Venice_LLIM 89 PALAZZO CONTARINI POLIGNAC C hun Kwang Young. Times Reimagined 90 PALAZZO CAVANIS C laire Tabouret. I Am Spacious, Singing Flesh Biennale & Not Only Biennale EXHIBITIONS D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE59.

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 15 91 PALAZZO LOREDAN Eugen Raportoru. The Abduction from the Seraglio Roma Women. Performative Strategies of Resistance 92 PALAZZO QUERINI Ewa Kuryluk. I, White Kangaroo 93 PALAZZO MORA From Palestine With Art 94 SCUOLA GRANDE DELLA MISERICORDIA Future Generation Art Prize @ Venice 2022 95 PALAZZETTO TITO H a Chong-Hyun 96 BIBLIOTECA MARCIANA H einz Mack - Vibration of Light 97 PALAZZO DELLE PRIGIONI Impossible Dreams 98 FONDAZIONE GIORGIO CINI Kehinde Wiley. An Archaeology of Silence 99 SPAZIO OLIVOLO Lita Albuquerque. Liquid Light 100 PROCURATIE VECCHIE Louise Nevelson. Persistence 101 NEGOZIO OLIVETTI Lucio Fontana / Antony Gormley 102 ARCHIVI DELLA MISERICORDIA Pera + Flora + Fauna The Story of Indigenousness and the Ownership of History 103 PALAZZO ZEN Road of Faith 104 CHIESA SANTA MARIA DELLA VISITAZIONE Rony Plesl. Trees Grow from the Sky 105 PALAZZO TIEPOLO PASSI S tanley Whitney. The Italian Paintings 106 SALONE VERDE Take Your Time 107 FONDAZIONE ERES Tue Greenfort. Medusa Alga Laguna 108 CONSERVATORIO BENEDETTO MARCELLO Uncombed, UnconstrainedUnforeseen, 109 ATELIER MURANESE Vera Molnár. Icône 2020 110 PALAZZO DONÀ BRUSA W ith hands, signs grow 111 ASSOCIAZIONE SPIAZZI W ithout Women 112 CAMPO DELLA TANA Y iiMa Art Group. Allegory of Dreams AROUND TOWN NOT ONLY BIENNALE (pp. 75-104) 113 193 GALLERY Aldo Chaparro + Alia Ali “…or was it a dream?” 114 A PLUS A/1 Ruth Beraha We Will Name Her Tempest 115 A PLUS A/2 SupaStore Venice 116 AKKA PROJECT African Identities Group Exhibition 117 BEL AIR FINE ART Carole RichardFeuermanOrlinski 118 BIBLIOTECA MARCIANA Federica Marangoni Memory. The Light of Time 119 CA’ D’ORO | GALLERIA GIORGIO FRANCHETTI Da Donatello a Alessandro Vittoria 1450-1600 150 anni di scultura nella Repubblica di Venezia 120 CA’ FOSCARI CFZ | CULTURAL FLOW ZONE Lena Herzog. Last Whispers Oratorio for Vanishing Voices, UniversesCollapsingandaFalling Tree 121 CA’ PESARO/1 Afro 1950-1970. Dall’Italia all’America e ritorno 122 CA’ PESARO/2 Raqib PalazzoShawdella Memoria 123 CA’ PESARO/3 Bice Lazzari Fra spazio e misura 124 ABBAZIA DI SAN GIORGIO Ai Weiwei La Commedia Umana 125 CASA DEI TRE OCI Sabine Weiss La poesia dell’istante 126 CASTELLO 780 Martin Weinstein Vedute Palinsesti 127 CASTELLO 925/1 Bobbie Moline-Kramer The Power of One Antonio Pauciulo Artificial Creatures 128 CASTELLO 925/2 Kaethe Kauffman Yoga: Interiore Eterno 129 CHIESA DELLA PIETÀ Carole Feuerman My Stories 130 CHIESA MADONNA DELL’ORTO The Global Supper. A Collective Meditation on Humanity 131 CHIESA SAN SAMUELE Julien Friedler È finita la Commedia 132 CIPRIANI GIUDECCA Subodh Gupta Cooking the World 133 COLLEZIONE PEGGY GUGGENHEIM Surrealismo e magia. La modernità incantata 134 COMPLESSO DELL’OSPEDALETTO/1 PenumbraKarimahAshadu, Jonathas de Andrade, Aziz Hazara, He Xiangyu, Masbedo, James Richards, EmilijaŠkarnulyte˙, Ana Vaz 135 COMPLESSO DELL’OSPEDALETTO/2 ALLUVIUMRaminHaerizadeh, Rokni Haerizadeh, Hesam Rahmanian 136 EUROPEAN CULTURAL CENTRE (ECC) PALAZZO MORA | PALAZZO BEMBO GIARDINI MARINARESSA Personal ReflectionsStructures. 137 FONDACO DEI TEDESCHI Leila StorieAlaouiinvisibili/Unseen Stories 138 FONDACO MARCELLO Wallace Chan. Totem 139 FONDATION VALMONT Peter Pan. La nécessité du rêve 140 FONDATION WILMOTTE Bae LightBien-U.ofGrey/ View of Venice 141 FONDAZIONE BERENGO ART SPACE GLASSTRESS 142 FONDAZIONE BERENGO PALAZZO FRANCHETTI Laurent DreamflowersReypens 143 FONDAZIONE BEVILACQUA LA MASA/1 Francesco Stefanini Nel Tempo. Opere 1972 – 2022 144 FONDAZIONE BEVILACQUA LA MASA/2 Franca L’alfabetoFaccindella bicicletta 145 FONDAZIONE EMILIO E ANNABIANCA VEDOVA Rainer - Vedova. Ora 146 FONDAZIONE PRADA Human Brains It Begins with an Idea 147 FONDAZIONE QUERINI STAMPALIA Danh Vo¯, Isamu Noguchi, Park Seo-Bo SOGNIDEILATTEIL

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 17 Biennale & Not Only Biennale EXHIBITIONS SOGNIDEILATTEIL 148 GALLERIA ALBERTA PANE I owe ClaudeyouCahun / Marcel Moore 149 GALLERIA CATERINA TOGNON Bertozzi&Casoni: istantanee 150 GALLERIA RAVAGNAN Bruno Catalano 151 GALLERIA SAN POLO Lee Maelee. Genesis 152 GALLERIE DELL’ACCADEMIA Anish Kapoor 153 GIARDINI DELLA MARINARESSA Richard Orlinski Solo exhibition 154 IKONA GALLERY/1 Alla ricerca di Fioretta 155 IKONA GALLERY/2 Michèle che raggiunge Max. Gli Halberstadt 156 ISOLA DI SAN GIACOMO IN PALUDO Jota Mombaça 157 ISOLA DI SAN GIORGIO MAGGIORE/1 FontanaArte. Vivere nel vetro 158 ISOLA DI SAN GIORGIO MAGGIORE/2 On Fire 159 ISOLA DI SAN GIORGIO MAGGIORE/3 Kehinde Wiley An Archaeology of Silence 160 ISOLA DI SAN SERVOLO Madnicity Pavilion 2022 Dominik Lejman. Lunatics 161 LA FUCINA DEL FUTURO From Chaos to Harmony Independent Project by SUMUS 162 LA TOLETTA SPAZIO EVENTI Scott Tulay Paolo della Corte Michael Eastman 163 LATTERIA MODERNA David WhereCassOnce the Waters 164 M9 | MUSEO DEL '900 GUSTO! Gli italiani a tavola. 1970-2050 165 MARIGNANA ARTE Maurizio L’insiemeDonzellivuoto 166 MUSEO CORRER Huong Dodinh. Ascension 167 MUSEO D’ARTE ORIENTALE Trame CostumiGiapponesiestoriedel teatro no¯ 168 MUSEO DEL VETRO Tony Cragg. Silicon Dioxide 169 OCEAN SPACE THE SOUL EXPANDING OCEAN #3 Dineo Seshee Bopape. Ocean! What if No Change Is Your Desperate Mission? #4 Diana Policarpo. Ciguatera 170 ORATORIO DI SAN LUDOVICO Mónica de Miranda “no longer with the memory but with its future” 171 PALAZZO CINI Joseph FinamenteBeuysArticolato 172 PALAZZO DIEDO Berggruen Arts & Culture Sterling Ruby. A Project in Four Acts 173 PALAZZO DUCALE Anselm Kiefer Questi scritti, quando verranno bruciati, daranno finalmente un po’ di luce (Andrea Emo) 174 PALAZZO FORTUNY Mariano Fortuny y Madrazo 175 PALAZZO FRANCHETTI/1 Antoni Clavé Lo spirito del guerriero 176 PALAZZO FRANCHETTI/2 Beyond: Emerging Artists 177 PALAZZO FRANCHETTI/3 Biblioteca Morandiana 178 PALAZZO FRANCHETTI/4 Claudine Drai. Présence 179 PALAZZO GRASSI Marlene Dumas. open-end 180 PALAZZO GRIMANI/1 Mary Weatherford The Flaying of Marsyas 181 PALAZZO GRIMANI/2 Georg ArchintoBaselitz 182 PALAZZO LOREDAN Markus Lüpertz 183 PALAZZO MANFRIN Fondazione Anish Kapoor 184 PALAZZO MOCENIGO Es-senze 185 PALAZZO MOROSINI DEL PESTRIN Caroline BoundlessDantheny 186 PROCURATIE VECCHIE The Human Safety Net 187 PUNTA CONTERIE ART GALLERY Forme del bere 188 PUNTA DELLA DOGANA/1 Bruce ContrappostoNauman:Studies 189 PUNTA DELLA DOGANA/2 Dancing Studies 190 RIVA SAN BIASIO Zhanna Kadyrova Palianytsia 191 SCALA CONTARINI DEL BOVOLO/1 Miresi, Maurizio Radici À rebours 192 SCALA CONTARINI DEL BOVOLO/2 Alessandro PostindustrialeRusso 193 SCALA CONTARINI DEL BOVOLO/3 Nello Petrucci. Profili 194 SCUOLA DI SAN PASQUALE KUB in OtobongVeniceNkanga & Anna Boghiguian 195 SCUOLA GRANDE DELLA MISERICORDIA Oscar Murillo 196 SCUOLA GRANDE SAN MARCO Sarah Revoltella. La difesa 197 SPARC* Spazio Arte Contemporanea Jacques Martinez Stagione LandscapesTicinese/Paper 198 SPAZIO BERLENDIS Gwangju Biennale. “to where the flowers are blooming” 199 SPAZIO THETIS 1stgEnkiAnnual METAVERSE Art 200 ST. GEORGE'S ANGLICAN CHURCH Mouna Rebeiz The Soothsayer 201 TANA ART SPACE GlobalizeArtbox.Groupstheartworld 202 ZUECCA PROJECTS Hermann Nitsch, 20th painting action Vienna 1987 – Venice 2022

18 165 93 200 188 146 145 152 133 154 136 139 120 191 82 170 136 138 140 148 113 114 115 116 117 117 119 122 121123 130 131 179 189 202 155 171 153 129 192 193 195 149 151 162 184 167 142 175 176 177 178 174 182 197 150 124 189 104 93 85 87 89 90 91 92 94 95 102 106 108 110 105 74 79 68 57 59 60 60 65 67 70 72 77 78 81 172 183 61 62 GIARDINI, ARSENALE, AROUND TOWN 23 aprile April 27 novembre November 2022 Orari apertura Opening times Giardini e Arsenale 23 aprApr > 25 set Sept 11-19 (ultimo ingresso 18.45) 11 am-7 pm (last admission 6.45 pm) 27 set Sept > 27 novNov 10-18 (ultimo ingresso 17.45) 10 am-6 pm (last admission 5.45 pm) Solo only Arsenale fino until 25 set Sept venerdì e sabato apertura prolungata fino alle ore 20 (ultimo ingresso 19.45) on Fridays and Saturdays extended opening until 8 pm (last admission 7.45 pm) Chiuso il lunedì Closed on Mondays Escluso Exept 25/04, 30/05, 27/06, 25/07, 15/08, 5/09, 19/09, 31/10, 21/11 www.labiennale.org VIAPIAVE VIAFELISATI VIAQUERINI VIACAPPUCCINA ALEARDI CORSODELPOPOLO VIABRENTAVECCHIA VIA ANTONIO DA MESTRE RIVIERAXXSETTEMBRE VIAPALAZZO VIA CARDUCCI VIA POERIO VIAEINAUDIVIACOSTA VIAMESTRINA CIRCONVALLAZIONEVIA DIDONATORIPIAZZASANGUE DIDUOMOMESTRE FERRETTOPIAZZA XXVIIPIAZZAOTTOBRE MESTRE 164 MAPBIENNALE Overview BIENNALE MAP FORTE MARGHERA

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 19 173 188 159 137 166 136 125 169 158 157 180 126 121 118 124 129 127 128 132 189 134 135 160 156 181 186 147 153 192 193 143 144 150 141 168 187 196 195 161 163 185 194 198 124 11284 97 83 86 103 98 88 94 96 99 100101 107 109 111 73 54 55 56 58 63 64 66 69 71 75 76 77 80 82 190 199 201 TOWNAROUND

20 1970�2050aGliGusto!italianitavola.

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 21 M9 Museo del eMassimoa25.9.2225.3>’900curadiMontanariLauraLazzaroniMediapartnerIncollaborazioneconMostraideataeprodottadaM9èunprogettodiMainsponsorCon il supporto diCon il patrocinio di ’900delMuseo-M9 11PascoliG.via MestreVenezia www.m9museum.it info@m9museum.it 0995941041t.

PARTICIPATIONSNATIONAL the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 23

COMMISSIONER The Arts and Culture Division of the Federal Ministry for Arts, Culture, the Civil Service and Sport CURATOR Karola Kraus EXHIBITORS

ENG Performance art, design, fashion, and sui generis sexuality inhabit the ‘place of desire’, paying no respect to whatever hierar chy. Visitors will enter a set created by the Aus trian duo and become performers themselves, provided they leave any conventional modes of thought behind. The portico, which at once links and separates the symmetrical spaces at the Pavilion, makes two opposing visions con front each other and feeds bidirectional com munication of specific, universal languages. A conversation everyone is invited to take part in. www.labiennale.at | biennalekneblscheirl.at

EXHIBITOR Jonathas de Andrade Composta da fotografie, sculture e video, l’installazione di Jonathas de Andrade (1982, Maceió, stato di Alagoas, Brasile) ha come presupposto una serie di modi di dire popolari brasiliani aventi per oggetto parti del corpo uma no. Fonte di ispirazione sono le fiere scientifiche visitate dall’artista da bambino e, in particolare, l’esperienza ‘dentro’ la bambola Eva, una gigan tesca riproduzione in fibra e gommapiuma che, esposta in varie parti del Paese durante gli anni ’80, offriva al pubblico l’occasione di un viag gio immersivo nel corpo umano. L’opera di de Andrade affronta temi riguardanti il mondo del lavoro e l’identità del soggetto contemporaneo, riferiti soprattutto al contesto latinoamericano, con metafore che oscillano tra nostalgia, eroti smo e critica storico-politica.

PARTICIPATIONSNATIONAL National Participations GIARDINI 341

ENG Play is a serious thing. It shows in this series of videos and paintings by Francis Alÿs (Antwerp, 1959), which analyses the be haviour of children as they take part in one of the first creative moments in their lives, the mo ment their personalities begin to relate with the surrounding world. The observation of human behaviour is a constant in Alÿs’s work, which in this case focuses on the social dynamics that interest childhood viz. adult life, showing how children need much fewer resources to adapt the environment to their goals. www.belgianpavilion.be 4 BRASILE With the Heart Coming out of the Mouth COMMISSIONER José Olympio da Veiga Pereira, Fundação Bienal de São Paulo CURATOR Jacopo Crivelli Visconti

ENG “My idea of activating the audience is to remind them that they are alive. That they have a pulse.” One of the most influential Australian artists, Marco Fusinato (Melbourne, 1965) explores the frontiers of art, music com position, and performance art to investigate the dimensions of sound experimentation and visual research. Fusinato is interested in the interaction of opposing forces – noise and silence, order and disorder, purity and con tamination – and stages a visceral experience that puts the focus on the audience. His live performances at the Pavilion will see the artist playing an electric guitar to generate signals and escalate sound and image saturation. australiacouncil.gov.au

2 AUSTRIA Invitation of the Soft Machine and Her Angry Body Parts

COMMISSIONER Australia Council for the Arts CURATOR Alexie Glass-Kantor EXHIBITOR Marco Fusinato

AUSTRALIA Marco DESASTRESFusinato

«La mia idea di ‘stimolare’ il pubblico è quella di ricordargli che è vivo, che ha un cuore pulsan te». Artista australiano tra i più influenti, Marco Fusinato (Melbourne, 1965) esplora il confine tra arte, composizione musicale e performance, indagando la dimensione della sperimentazione sonora connessa alla ricerca visiva. Interessato all’attrito prodotto da tensioni tra forze opposte – rumore e silenzio, ordine e disordine, purezza e contaminazione – Fusinato mette in atto un’e sperienza viscerale che pone al centro dell’ope ra il pubblico, esibendosi dal vivo nel Padiglione con una chitarra elettrica utilizzata come gene ratore di segnali, in un’escalation di saturazione sonora e abbondanza di immagini.

Jakob Lena Knebl, Ashley Hans Scheirl Performance, design, moda e sessualità sui ge neris abitano gli “spazi del desiderio” concepiti da Knebl e Scheirl, senza che tra i diversi ambiti si instaurino gerarchie di sorta. Il visitatore entra nelle scenografie concepite dal duo austriaco diventandone attore attivo, mentre viene invitato a lasciare ogni pensiero convenzionale fuori dall’ingresso. Il portico, che allo stesso tempo collega e separa gli spazi simmetrici del Padi glione, mette in relazione due visioni contrappo ste, alimentando una comunicazione bidirezio nale di linguaggi specifici e insieme universali, in un dialogo che invita l’intero pubblico della Biennale ad esprimersi.

3 BELGIO The Nature of the Game COMMISSIONER Jan Jambon, Minister-president of the Government of Flanders and Flemish Minister for Foreign Affairs, Culture, ICT and Facility Management CURATOR Hilde Teerlinck EXHIBITOR Francis Alÿs Il gioco è una cosa seria. Lo dimostra la serie di video e di dipinti concepiti da Francis Alÿs (1959, Anversa) analizzando il comportamento dei bambini alle prese con uno dei primi atti creativi della vita, nel momento in cui la personalità di ogni individuo inizia a relazionarsi con il mondo circostante. L’osservazione del comportamento umano è una costante del lavoro di Alÿs, che in questo caso concentra la riflessione sulle dina miche sociali che interessano il mondo infantile in contrapposizione all’età adulta, facendo emer gere come da bambini siano necessarie molte meno risorse per adattare ambienti e spazi alle proprie finalità.

24 1

Tubi di vetro che lampeggiano alla presenza di muoni o che trasportano acqua marina pro veniente dalla Corea e da Venezia, estensioni cinetiche che si allungano come nervi lungo la superficie del Padiglione, sculture viventi dai colori cangianti a base di acqua e vermiculite: inoltrandosi nel mondo dei materiali, Yunchul Kim (1970) realizza sette installazioni di grandi dimensioni, interconnesse tra loro come un uni co corpo organico. Le opere invitano i visitatori a entrare in un universo alternativo in cui energia, materia e vita coesistono secondo una poetica cara all’artista, il cui lavoro guarda al complesso intreccio tra gli esseri estendendolo spesso an che al non umano e agli oggetti.

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 25 ENG Photography, sculpture, and vid eo – the installation by Jonathas de Andrade (Maceió, Brazil, 1982) are based on a list of Bra zilian traditional expressions about the human body. Andrade was inspired by science fairs visited as a child – in particular, a visit inside a large female model, Eva, in fibre and foam rubber. Eva had been exhibited all over Brazil in the 1980s, and afforded the experience of a journey inside the body. The artist’s work fo cuses on the world of labour and identity in the modern subject, especially in the Latin Amer ican context, and uses metaphors that range from nostalgia to eroticism and historical-politi cal critique. www.bienal.org.br 5 CANADA/1 2011 ≠ 1848

7 DANIMARCA

Gli spazi del Padiglione accolgono una visione transumana in cui gli elementi di un’idilliaca vita contadina del passato si fondono con strani fe nomeni di fantascienza, restituendo l’immagine inquietante di un presente incerto. Protagonista dell’installazione dell’artista danese Uffe Isolotto (1976) è una famiglia di centauri; entriamo nel loro universo iperrealistico, ne incontriamo gli abitanti, vediamo le loro abitazioni, il loro cibo, i loro effetti personali. Ma cosa c’è oltre l’orizzon te, speranza o tragedia? In un mondo in con tinua evoluzione, la famiglia vive una profonda lotta esistenziale ed ecologica. Chi diventiamo quando il mondo che conosciamo non esiste più? Cerchiamo rifugio in ciò che eravamo o vie di fuga in ciò che potremmo eventualmente diventare?

COMMISSIONER National Gallery of Canada CURATOR Reid Shier EXHIBITOR Stan Douglas Articolato in due sedi, nel Padiglione canadese ai Giardini e presso i Magazzini del Sale n.5, il progetto di Stan Douglas (Vancouver, 1960) delinea – facendo uso di una combinazione di fotografia e videoinstallazione – un parallelo tra i moti che attraversarono l’Europa nel 1848 e quelli che interessarono più latitudini nel 2011, fra cui la Primavera araba, le manifestazioni di Occupy Wall Street negli Stati Uniti e le proteste in Gran Bretagna contro le misure di austerity. La riflessione di Douglas si concentra sulle cau se che generarono questi conflitti e sul modo in cui vennero affrontati dai media e consegnati alla storia, anche attraverso lo sguardo sempre più capillare e incontrollato dei social media. ENG Covering two exhibition venues, the Canadian Pavilion at Giardini and a space at Magazzini del Sale 5, the Biennale project by Stan Douglas (Vancouver, 1960) uses a combi nation of photography and video installation to draw a parallel between the European revolu tions of 1848 and the demonstrations for politi cal change that shook several parts of the world in 2011 – chiefly the Arab Spring, Occupy Wall Street, and protests against austerity measures in the UK. Douglas’s reflections focus on the root causes of these conflicts and on the way they were portrayed by the media and handed over to history, privileging the limitless, perva sive power of social media. www.gallery.ca di COREA Arts Council Korea CURATOR Youngchul Lee EXHIBITOR Yunchul Kim

GIARDINI 7

6 Repubblica

ENG The Pavilion houses a transhuman vision where the elements of idyllic farm life of yore blend with strange sci-fi phenomena, de picting an eerie picture of an unsteady present. The protagonist of Uffe Isolotto’s installation is a centaur family. As we enter their hyperrealistic universe, we will meet its inhabitants, their food, their belongings. What lies, though, be yond the horizon: hope or tragedy? In a world that never stops changing, the family fights an existential and ecological struggle. What do we turn into when the world as we know it is not there anymore? Do we seek solace in what we used to be, or do we look for escape in what we might become? www.kunst.dk 8 EGITTO Eden-Like Garden COMMISSIONER Ministero della CulturaAccademia d’Egitto CURATOR Mohamed Shoukry EXHIBITORS Mohamed Shoukry, Weaam El Masry, Ahmed El Shaer Attivi in diverse discipline – fotografia e anima zione (El Masry), arte digitale (El Shaer) e video scultura (Shoukry) – i tre artisti egiziani presen tano un’installazione dinamica e sperimentale costruita intorno a un’Intelligenza Artificiale mul timediale che imita l’utero, inteso come luogo di nascita, nuovo inizio e connessione spirituale. Il motore dell’Intelligenza Artificiale, alimentato con concetti filosofici ed esistenziali sulla natura dell’universo e la vita dopo la morte, genera im magini in movimento che vengono proiettate su 14 enormi forme organiche rosa sospese al sof fitto, modificando ogni volta l’ambiente sonoro e visivo in funzione del tipo di ‘alimentazione’.

Gyre COMMISSIONER

ENG Glass pipes flash as muons pass by. Others carry seawater from Korea and from Venice. They all are kinetic extensions that stretch, like nerves, all over the Pavilion – liv ing sculptures of dazzling colour made of water and vermiculite. Yunchul Kim (1970) created seven large-scale installations connected with one another as an organic body. The art invites visitors to enter an alternate universe where energy, matter, and life coexist according to an aesthetical canon the artist holds dear: a complex web of existences that extends to the non-human. www.korean-pavilion.or.kr | gyre.space yunchulkim.net We Walked the Earth COMMISSIONER Danish Arts Foundation CURATOR Jacob Lillemose EXHIBITOR Uffe Isolotto

ENG German artist Maria Eichorn (Bam berg, 1962; lives in Berlin) defines her work for the Biennale ‘accessible’, a piece of art that “can be experienced on site both conceptually and physically”. Her artistic production often challenges commercial forms and engages in direct actions that subvert the logic of insti tutions with an almost procedural approach. Under accusation are the incongruities and the flaws of the economic-political systems that control values such as work, time, and individu al and social freedom. www.deutscher-pavillon.org

ENG26 Photographer and animator El Mas ry, digital artist El Shaer, and video sculptor Shoukry present a dynamic, experimental installation built around a multimedia piece of AI that imitates the womb – a place of birth, new beginning, and spiritual connection. The AI engine, which is fed philosophical and exis tential ideas on the nature of the universe and of life after death, generates moving pictures screened on fourteen pink organic shapes hanging off the ceiling. The sound and visual environment changes continuously depending on what the machine is fed. www.edenlikegarden.com 9 ESTONIA 9 (Padiglione Paesi Bassi) Orchidelirium: An Appetite for Abundance COMMISSIONER Maria Arusoo, Estonian Center for Contemporary Art CURATOR Corina L. Apostol EXHIBITORS Kristina Norman, Bita Razavi Con il progetto olandese affidato all’artista Me lanie Bonajo e insediato nella Chiesetta della Misericordia a Cannaregio, il Fondo Mondrian ha affidato all’Estonia gli spazi liberi del Padiglione Rietveld ai Giardini per l’edizione 2022. Traendo ispirazione dagli acquerelli di piante tropicali realizzati nel secolo scorso dall’artista ed esplo ratrice Emily Rosaly Saal durante i suoi viaggi nelle Indie Orientali, le due artiste estoni Kristina Norman (1979) e Bita Razavi (1983) propongono una visione floreale e multiforme della storia co loniale e delle sue problematiche.

GERMANIA

ENG In a low-environmental-impact Pa vilion, an installation by Algerian photographer and video artist Zineb Sedira (Paris, 1963) is inspired by her personal experience, with an art gaze looking at the general picture and influenced by the friendly cooperation, back in the 1960s, of Algeria, France, and Italy in intellectual and artistic fields, which coincided with the utopian visions of the time. The artist questions decolonization, identity, racism, ac ceptance, solidarity, and family. www.if.institutfrancais.com

COMMISSIONER ifa - Institut für Auslandsbeziehungen CURATOR Yilmaz Dziewior EXHIBITOR Maria Eichorn L’artista tedesca Maria Eichorn (Bamberg, 1962; vive a Berlino) definisce il progetto che presenta a Venezia «un’opera accessibile, che può essere esperita sia a livello concettuale sia in loco, a livello fisico e in movimento». La sua produzione artistica sfida spesso le forme commerciali, impegnandosi in azioni dirette che sovvertono la logica delle istituzioni con un approccio quasi processuale. Sotto accusa sono le incongruità e le falle dei sistemi economico-politici che con trollano valori come il lavoro, il tempo, le libertà individuali e sociali.

13 GIAPPONE Dumb Type COMMISSIONER The Japan Foundation EXHIBITORS Dumb Type (Shiro Takatani, Ryuichi Sakamoto, Ken Furudate, Satoshi Hama, Ryo Shiraki, Marihiko Hara, Hiromasa Tomari, Takuya Minami, Yoko Takatani) Dumb Type è un collettivo di artisti provenienti da diverse discipline formatosi a Kyoto nel 1984. Ispirato a principi di collaborazione orizzontale, fluida, non gerarchica, il gruppo presenta un’in stallazione che invita a riflettere attorno al tema della post-verità, cercando di definire come sia possibile affrontare la vita e la morte in una società in cui l’opinione pubblica è guidata dal sentimento dei singoli piuttosto che dall’eviden za dei fatti. ENG Dumb Type is a multi-disciplinary collective that was founded in Kyoto in 1985. Adhering to the principles of horizontal, non-hi erarchical, and fluid collaboration, Dumb Type present an installation that invites us to reflect on the topic of post-truth. It tries to define how it is possible to confront life and death in a society where public opinion is guided by the feelings of the individuals, rather than facts. venezia-biennale-japan.jpf.go.jp

National Participations GIARDINI

ENG Since the Dutch project has been temporarily entrusted to artist Melanie Bonajo at the Chiesetta della Misericordia in Cannar egio, the Mondrian Fund has chosen Estonia for the now-free spaces at the Rietveld Pavilion at Giardini. Taking inspiration from watercol ours of tropical vegetation painted by the late artist and explorer Emily Rosaly Saal during her travels to the East Indies, the two Estonian artists – Kristina Norman (1979) and Bita Razavi (1983) – present a floral, multiform vision of co lonial history and its issues. 10 (Padiglione Alvar Aalto) Watch COMMISSIONER Raija Koli, Frame Finland CURATOR Christina Li EXHIBITOR Pilvi Takala

La videoinstallazione di Pilvi Takala (1981, Hel sinki) prende spunto dall’esperienza che l’artista ha vissuto nel campo della sicurezza privata, lavorando come guardia giurata altamente qua lificata. La sua pratica artistica affronta il tema della sicurezza come concetto e come industria, concentrandosi sulle regole non scritte che defi niscono il nostro comportamento in questo am bito specifico. Quali sono i confini entro i quali un comportamento è definito “accettabile”? Cosa succede se a minacciare la nostra sicurezza è qualcuno o qualcosa che consideriamo affine a noi? ENG Pilvi Takala’s video installation took inspiration from her experience as a security guard. Her art is about security as a concept and as an industry. It focuses on the unwritten rules that define our behaviour in this specific field. What are the boundaries of ‘acceptable’ behaviour? What happens if someone we con sider close and akin to us threatens our safety? www.frame-finland.fi 11 FRANCIA Dreams Have no Titles COMMISSIONER Institut Francais CURATORS Yasmina Reggad, Sam Bardaouil, Till Fellrath EXHIBITOR Zineb Sedira

In un Padiglione a basso impatto ambientale, l’installazione cinematografica della fotografa e video-artista franco-algerina Zineb Sedira (1963, Parigi) prende le mosse da esperienze personali, con uno sguardo artistico rivolto al generale più che al solo privato, ispirandosi al clima favo revole di co-produzioni venutosi a creare nella cinematografia degli anni ‘60 tra Algeria, Francia e Italia. Un sodalizio intellettuale e artistico che coincideva con le utopie di quegli anni. L’artista si interroga intorno a quesiti fondamentali, an cora in larga parte irrisolti e di grande attualità, riguardanti temi come la decolonizzazione, l’identità, il razzismo, l’accettazione dell’altro, la solidarietà, la famiglia.

PARTICIPATIONSNATIONAL

12 Maria Eichorn

www.orchidelirium.ee | www.cca.ee 10 FINLANDIA

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 27

Sonia FeelingBoyce:HerWay

28 14 GRAN BRETAGNA

Punto focale del lavoro artistico di Sonia Boyce (1962, Londra) è l’esplorazione di gesti e com portamenti in grado di generare un potenziale, rivolgendo l’attenzione sul carattere dei soggetti e sulle idee anche politiche che li connaturano. I partecipanti, siano visitatori o collaboratori, sono invitati a riunirsi per parlare, cantare e muoversi ciascuno in base al proprio vissuto, in una sorta di gioco partecipato e collaborativo in cui l’aspetto dell’improvvisazione diviene fonda mentale.

ENG The whole space is taken up by a multimedia installation of video, sound, wall paper, and sculpture. The focal point of Sonia Boyce’s art is the exploration of gestures and behaviours that can generate potential, and on the character of people and ideas – political ideas, too – that characterize them. Partici pants, whether visitors or the Pavilion’s team – are invited to talk, sing, and move about according to their own lived experience in a sort of participated, collaborative game where improvisation is essential. venicebiennale.britishcouncil.org

17 PAESI NORDICI (Norvegia, Finlandia, Svezia)

ENG “The transformation of the Nordic Pavilion into the Sámi Pavilion is an act of in digenous sovereignty”, says the Office for Con temporary Art of Norway-OCA, who entrusted the Pavilion to Sámi artists, a population native of Sápmi, the polar region of Norway, Sweden, Finland, and Russia. As well as being educa tional about the history and culture of the native population, the exhibition is also about the pressing of climate change and perspectives on decolonization. oca.no/thesamipavilion

The Sámi Pavilion COMMISSIONERS Katya García-Antón, Office for Contemporary Art Norway (OCA), Leevi Haapala, Museum of Contemporary Art Kiasma / The Finnish National Gallery, Gitte Ørskou, Moderna Museet CURATORS Katya García-Antón, Liisa-Rávná Finborg e Beaska Niillas EXHIBITORS Pauliina Feodoroff, Máret Ánne Sara, Anders Sunna

15 GRECIA Oedipus in Search of Colonus COMMISSIONER National Gallery - Alexandros Soutsos Museum (represented by Marina Lambraki Plaka) CURATOR Heinz Peter Schwerfel EXHIBITOR Loukia Alavanou

COMMISSIONER Emma Dexter, British Council CURATOR Emma Ridgway EXHIBITOR Sonia Boyce L’intero spazio è occupato da un’installazione multimediale realizzata con il supporto di vi deo, suoni, carte da parati e oggetti scultorei.

«La trasformazione del Padiglione dei Paesi Nor dici nel Padiglione Sámi è un atto di sovranità indigena». Così l’OCA-Office for Contemporary Art Norway ha commentato la decisione di affi dare il progetto per la Biennale a tre artisti sámi, originari del Sápmi, riconoscendo di fatto come un’entità unitaria la vasta area geografica che si estende tra Norvegia, Svezia, Finlandia e la peni sola russa di Kola. Oltre a diffondere storia e cul tura della popolazione nativa, l’esposizione tratta temi urgenti quali l’impatto dei cambiamenti climatici e le prospettive di decolonizzazione.

ENG Based on rigorous research, Ilit Azoulay’s (b. 1972, Jaffa-Tel Aviv; lives and works in Berlin) art is a mix of photography, architecture, sound, video, and performance. It integrates data with narration and alters photographic perspectives to reveal formerly invisible images and new points of view for the audience. Queendom is a series on the concept of sovereignty in art, while the title apparently indicates a reversal of pre-established cus toms. Azoulay also reconfigures its architec tural orientation from West to East—away from a male-centred gaze to female empowerment, and from Eurocentric modernity to Middle Eastern contemporaneity.

PARTICIPATIONSNATIONAL National Participations GIARDINI 1517

Prendendo spunto dalla tragedia di Sofocle Edipo a Colono, il film in VR di Loukia Alavanou (Atene, 1979) ci immerge in un viaggio che inizia 2500 anni fa per arrivare ai nostri giorni. Come fu allora per Edipo, cui il popolo ateniese tentò di negare la sepoltura a Colono, così accade oggi alla comunità Rom insediata in una baraccopoli alla periferia di Atene, ai cui membri, per la mag gior parte privi di cittadinanza, le autorità greche impediscono la sepoltura vicino all’ultimo luogo di residenza. L’allestimento interno del Padi glione è ispirato al lavoro dell’architetto utopista Takis Zenetos per permettere ai visitatori di fruire al meglio di un’opera d’arte poetica, introspettiva e radicale. ENG Inspired by Sophocles’ tragedy Oedipus at Colonus, Loukia Alavanou’s VR mov ie is an immersion in a world that begins 2500 years ago and lives to the present day. As hap pened then for Oedipus, to whom the Atheni ans wanted to deny a resting place in Colonus, so happens today for the Romani community living in a slum outside Athens. Its inhabitants – most of whom do not have Greek citizenship – are denied burial close to home. The inside staging of the Pavilion has been inspired by the work of utopian architect Takis Zenetos to allow visitors a poetic, introspective, and radical ex perience. www.nationalgallery.gr 16 ISRAELE Queendom COMMISSIONERS Michael Gov, Arad Turgeman CURATOR Shelley Harten EXHIBITOR Ilit Azoulay Basate su ricerche e indagini rigorose, le com posizioni di Ilit Azoulay (Giaffa-Tel Aviv, 1972; vive e lavora a Berlino) – un misto di fotografia, elementi architettonici, suono, video e perfor mance – integrano dati acquisiti e narrazione, alterando prospettive fotografiche per svelare immagini invisibili e nuovi punti di osservazione per lo spettatore. Con Queendom l’artista spin ge la riflessione sul concetto di sovranità dell’ar te, mentre già il titolo sembra indicare un rove sciamento di consuetudini prestabilite, a partire da quelle lessicali. Azoulay riconfigura anche la struttura del Padiglione orientandone gli spazi interni da Occidente a Oriente, prendendo così le distanze dall’androcentrismo e dalla moderna centralità dell’Europa a favore di una presa di consapevolezza delle potenzialità del femminile e della contemporaneità del Medio Oriente.

GIARDINI 2018

ENG

Małgorzata Mirga-Tas

ENG Artist and director Adina Pintilie extends the research work that earned her the Golden Bear at the Berlin Festival in 2018. Cele brated by critics and audiences for the refined aesthetics avant-gardist style, Touch Me Not is a film about three people’s issues with physical contact. Today, Pintilie uses art to research the human body as a bearer and symbols of op posing ideas, both in the fields of intimacy and sexuality as well as solidarity between people belonging to the same fragmented country. The artist challenges social and visual conven tions by building a cathedral of the body using a new artistic grammar. www.cathedralofthebody.com Vladimir Nikolic´

www.ignasiaballi.net/Correction

COMMISSIONER Attila Kim CURATORS Cosmin Costinas, Viktor Neumann EXHIBITOR Adina Pintilie

21 SPAGNA Correction COMMISSIONER Ministerio de Asuntos Exteriores, Unión Europea y Cooperación de España. AECID Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo CURATOR Beatriz Espejo EXHIBITOR Ignasi Aballí Il progetto di Ignasi Aballí si articola in due azio ni, entrambe concepite per ovviare ad alcuni errori che l’artista ha rilevato nella concezione del Padiglione spagnolo e nell’idea attraverso la quale viene proposta, comunicata Venezia.

Da un lato Aballí interviene architettonicamente sull’edificio ai Giardini, costruendo delle pareti interne ruotate di dieci gradi rispetto a quelle originali, le quali a loro volta vengono convertite in materiale dismesso. Lo scopo dell’operazione è di allineare la struttura in modo simmetrico rispetto ai padiglioni vicini. La seconda azione di Aballí riguarda la pubblicazione di sei guide inedite di Venezia, che offrono una ‘correzione’ alle guide turistiche della città solitamente pub blicate.

ENG Ignasi Aballí’s project is divided in two sections, each of which tries to rectify errors that, in the artist’s opinion, have been made in creating the Spanish Pavilion and in communicating Venice as a tourist destination.

20 SERBIA Walking with Water COMMISSIONER Marijana Kolaric´ CURATOR Biljana C´ iric´ EXHIBITOR

IG @serbia.pavilion.venice

Per la prima volta nella storia della Biennale un’artista di origini Rom è stata chiamata a rap presentare una partecipazione nazionale. In un hotel abbandonato della natia Zakopane, alle pendici dei monti Tatra in Polonia, Małgorzata Mirga-Tas (1978) ha lavorato ad una monumen tale serie di dodici stoffe trapuntate ( textile ) che guardano idealmente al Salone dei Mesi di Pa lazzo Schifanoia a Ferrara. I panneggi, che evi denziano le influenze reciproche tra cultura Rom, polacca ed europea, mostrano scene di migra zione dei Rom attraverso l’Europa, episodi tratti dalla storia dei Rom visti da una prospettiva fem minile, oltre a diverse scene di vita quotidiana. For the first time in Biennale history, a Romani artist has been chosen to represent a National Participation. In an abandoned hotel in her native mountain city of Zakopane, in southern Poland, Małgorzata Mirga-Tas (1978) worked on a monumental series of twelve quilts that ideally take after the Hall of Seasons at Palazzo Schifanoia in Ferrara, Italy. The dra pery shows the mutual influence of Romani, Polish, and European cultures through scenes depicting the Romani migration around Europe and episodes of Romani history from a female perspective, as well as scenes of daily life. www.labiennale.art.pl Another Me Cathedral of the Body

Celebrato da critica e pubblico per l’estetica raffinata e l’avanguardia stilistica, Touch Me Not, film che parla delle difficoltà di tre persone con il contatto fisico, fece vincere ad Adina Pintilie (Bucarest, 1980) l’Orso d’Oro al Festival di Ber lino nel 2018. Ora la regista rumena prosegue in chiave artistica la sua riflessione sul corpo come portatore e simbolo di concetti contrastanti, legati tanto all’intimità e alla sessualità quanto alla solidarietà tra individui appartenenti al me desimo, frammentato paese. Pintilie sfida così convenzioni sociali e visive, edificando la sua cattedrale del corpo su nuove sintassi e inedite grammatiche espositive.

On one side, the artist worked on the Pavilion at Giardini by building walls that are rotated by ten degrees compared to the existing walls. The goal is to align the structure with neigh bouring pavilions. Aballí’s second action is the publication of six original guides to Venice, which ‘correct’ what tourist guides usually write about the city.

ENG The Serbian project focuses on the relationship people have with technology and nature, specifically with water as both the essential element within our bodies and as an element of union or division between places. Throughout the pandemic, technology has been used both as a means of communication and separation, amplifying the social and eco nomic gap between people – between those who filter their world vision using a screen and those that only have their eyes as an immediate tool for vision.

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 29 18 POLONIA Re-enchanting the World COMMISSIONER Janusz Janowski (from 2022), Hanna Wróblewska (until 2021) / Zache˛taNational Gallery of Art CURATORS Wojciech Szyman´ski, Joanna Warsza EXHIBITORS

19 ROMANIA/1 You Are

Il progetto serbo affronta le relazioni dell’uomo con la tecnologia e con la natura, nello speci fico con l’acqua, sia come elemento principale presente nei nostri corpi, sia come elemento di unione/non divisione tra luoghi. Durante la pandemia la tecnologia è stata allo stesso tem po mezzo di collegamento e di separazione, ampliando il divario sociale ed economico tra individui, tra coloro che filtrano la propria visione del mondo attraverso uno schermo e coloro per i quali gli occhi sono l’unico strumento ottico immediato.

Il tempo scorre alla rovescia nel Padiglione sviz zero, in un controcanto di luci e suoni. In fitto dialogo con le architetture dell’edificio progettato da Bruno Giacometti Latifa Echakhch (Marocco, 1974) ‘orchestra’, in collaborazione con il per cussionista Alexandre Babel, una mostra che muta d’atmosfera di sala in sala, evocando an tichi riti folcloristici e roghi rituali presenti in ogni cultura. Le grandi sculture, velate da un’oscurità incombente, sono parte di un’esperienza avvol gente, di una proposta ritmica e spaziale che offre una percezione più profonda del tempo e del corpo. «Vogliamo – afferma l’artista – che il pubblico lasci l’esposizione con la stessa sen sazione di quando si esce da un concerto. Che senta l’eco di questo ritmo, di quei frammenti di memoria».

www.prohelvetia.chwww.biennials.ch 24 UNGHERIA After Dreams: I Dare to Defy the Damage

COMMISSIONER Julia Fabényi | (Organizator) Ludwig Museum – Museum of Contemporary Art, Budapest CURATOR Mónika Zsikla EXHIBITOR Zsófia Keresztes L’ispirazione per Zsófia Keresztes (Budapest, 1985) arriva da Schopenhauer e dal suo Dilem ma del porcospino, secondo cui più due esseri viventi si avvicinano tra loro e maggiori sono i rischi che questi esseri si feriscano, fisicamente e non solo. Attraverso la scultura l’artista rac conta la vertigine di un’umanità che sceglie di fidarsi e avvicinarsi all’ignoto, anche a rischio di farsi male. Entrare in contatto con culture diffe renti innesca incertezze che ci fanno sentire vivi, in un raffronto costante tra quello che ci hanno insegnato le esperienze del passato e quello che invece immaginiamo, speriamo o temiamo per il futuro.

EXHIBITOR

COMMISSIONER

ENG Time flows backwards in the Swiss Pavilion thanks to a countermelody of lights and sounds. Working with drummer Alexandre Babel, artist Latifa Echakhch orchestrates an exhibition that changes in atmospheres hall after hall, evokes ancient folk rites, and ritual burnings at the stake that are present in every culture. Large sculptures, veiled by oppressive darkness, are part of an all-encompassing ex perience, a rhythmic and spatial moment that offers a perception deeper than time or body can go. “We want – says Echakhch – visitors to leave the exhibition space feeling the same as they would upon leaving a concert hall. They should feel the echo, the fragments of memory.”

25 URUGUAY Persona COMMISSIONER Silvana Bergson CURATORS

CURATORS Alexandre Babel, Francesco Stocchi EXHIBITOR Latifa Echakhch

Laura Malosetti Costa, Pablo Uribe

Tonnellate di stoffa nera nelle bobine, file di maniche nere, strumenti e cartamodelli neri: in una frastornante assenza di colore che evoca un oscuro incubo, Gerardo Goldwasser (Monte video, 1961) propone una riflessione critica sui modi in cui le società coprono ed espongono i corpi e sulle forme con cui ogni essere umano si percepisce come persona, costruendo il proprio aspetto. La storia/memoria familiare diventa l’innesco per parlare di una storia del mondo universale/condivisa. Memoria personale e trau ma sono la chiavi di lettura: tutto, infatti, prende le mosse da un manuale di sartoria tedesco che l’artista ha ereditato dal nonno, un sarto ebreo che grazie alla sua professione, confezionando divise, riuscì a salvarsi da Buchenwald per ap prodare poi Uruguay. ENG Tonnes of black cloth on reels, rows of black sleeves, black tools and sewing pat terns. A deafening lack of colour conjures a dark nightmare as artist Gerardo Goldwasser offers his critique on the way societies clothe and exhibit their bodies, and on the shapes people use to perceive themselves as human as they build their own appearance. Familial stories and memories are the starting point to show a universal, or shared, history of the world. It all begins with a German dressmak ing handbook Goldwasser inherited from his grandfather, a Jewish tailor that, thanks to his ability as a uniform maker, was able to survive Buchenwald and take refuge in Uruguay. www.gub.uy

26 Repubblica Bolivariana del VENEZUELA Earth, Country, House, Body

PARTICIPATIONSNATIONAL

Simone Leigh: Sovereignty Jill Medvedow, Institute of Contemporary Art/Boston CURATOR Eva Respini, Institute of Contemporary Art/Boston EXHIBITOR

National Participations GIARDINI

Simone Leigh Artista affermata e prima donna di colore a rappresentare il Padiglione USA, Simone Leigh (Chicago, 1967) rende omaggio a una lunga storia di collettività, comunanza e cura delle donne nere. Le sue grandi sculture espongono il corpo femminile a una rielaborazione attuata attraverso materiali e processi associati alle tra dizioni artistiche della diaspora africana. La sua pratica scultorea fonde figurazione, astrazione e forme architettoniche, ponendo al centro della riflessione artistica la vita interiore delle donne di colore, cercando di colmare le lacune di quello che l’artista chiama un “archivio incompleto” del pensiero femminista nero.

COMMISSIONER Paola Claudia Posani Urdaneta CURATOR Zacarías García EXHIBITORS Palmira Correa, César Vázquez, Mila Quast, Jorge Recio L’esposizione è permeata dall’idea che un Paese possa somigliare per molti aspetti ad un corpo umano, capace di superare le avversità attra verso l’adattamento fisico e mentale in nome della resilienza; un corpo che regola il proprio comportamento attraverso l’arte, intesa come disciplina che ci guida nel concreto della vita quotidiana. Attraverso le tre opere in mostra ( La casa de Palmira, Dislexia e Sucesos de abril ) gli artisti coinvolti riflettono sul modo in cui i cambiamenti sociali investono il Paese-corpo, sempre più afflitto dalla minaccia della perdita di valori e di coscienza storica, oltre che di indipen denza e autodeterminazione.

23 SVIZZERA The

Gerardo Goldwasser

30 22 STATI UNITI 22 D’AMERICA

ENG Zsófia Keresztes’ exhibition starts with Schopenhauer and his Hedgehog’s dilem ma, which says that the more two living beings get close to one another, the more are the risks that they inadvertently hurt each other, physi cally and otherwise. Using sculpture, the artist shows the confusion of humanity as it tries to trust and walk closer to the unknown, even if it means risking pain. To get in touch with differ ent cultures means engendering uncertainty, which in turn makes us feel alive as we balance what we learn from past experiences and what we imagine, hope, or fear about the future. www.ludwigmuseum.hu

ENG An established artist and the first black woman to represent the USA at Biennale, Simone Leigh pays homage to a long history of community and care of black women, with her sculptures exhibiting the female body in a re-elaboration of materials and processes of the traditions of the African diaspora. Her art practice blends figuration, abstraction, and architecture as it focuses on the inner lives of black women and on completing what Leigh calls an ‘incomplete archive’ of black feminist thought. www.simoneleighvenice2022.org Concert COMMISSIONER Swiss Arts Council Pro Helvetia (Madeleine Schuppli, Sandi Paucic, Rachele Giudici Legittimo)

Scuola di San Pasquale Campo San Francesco, 30122 Castello Venice Wednesday to Monday 1 – 8 pm Tuesday BoghiguianAnna#kunsthausbregenzwww.kunsthaus-bregenz.at/veniceclosedOtobongNkangaKUBinVenice 20 | 04 — 04 | 07 | 2022

Un lavoro potente e originale che ora investe letteralmente Venezia: La descrizione del mondo, il cui titolo riprende quello originale francese de Il milione di Marco Polo, Le devisement du Monde. L’opera è accompagnata ai Giardini da una lettera dell’artista stesso “inviata” a Marco Polo, lettera in cui racconta il suo viaggio all’inverso, dall’Oriente a Venezia, esprimendo la sua personale visione di che cosa sia diventata oggi questa città. La sua ricerca artistica pone al centro la figura umana: protagonisti di questa nuova opera sono Cristoforo Colombo, il Monu mento a Garibaldi, lo stesso Marco Polo, ma anche tutte le persone che Rawanchaikul ha in tervistato, dai ragazzi che lavorano nei ristoranti della città lagunare a quelli che l’hanno scelta come luogo di residenza per studio o vacanza. Si tratta di una “mappatura umana” di Venezia molto pop, colorata e di dimensioni considerevoli. Un’opera grandiosa, infatti, composta da ben 44 elementi distribuiti su 9 strati. All’interno di questa struttura tanti piccoli altoparlanti riproducono la lettera dell’artista tailandese a Marco Polo in lingue diverse: dal thai all’hindu (l’artista è infatti di origini indiane), al francese, all’in glese, all’italiano. Un racconto per immagini e parole di grande impatto emotivo e di altrettanta suggestione.

Navin Rawanchaikul

The exhibition is all about the idea that a country may look similar, in a few ways, to a human body. It can survive hardship thanks to physical and mental adaptation under the concept of resilience. A body can regu late its behaviour using art – here, meaning a discipline that guides us through daily life. Using three artworks, the artists reflect on the way social changes affect the Country/Body, which risks the loss of values and historical conscience, as well as its independence and self-determination.

National

Participations GIARDINI ENG

The Description of the World

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 33 GIARDINI

Le sue opere sono allegre, tuttavia guardandole con attenzione mostrano il background di cui sono espressione. Navin Rawanchaikul (Chiang Mai, 1971), già presente alla Biennale Arte 2011 con Navinland, progetto per il Padiglione della Tailandia, torna quest’anno a Venezia invitato da Swatch che gli ha commissionato l’opera site-specific ai Giardini per il progetto Biennale Faces 2022. L’impatto della globalizzazione, la migrazione, la tensione fra società e individuo e lo sviluppo delle identità culturali sono aspetti della società contemporanea che Rawanchaikul indaga nelle sue opere, rielaborandoli attraverso l’utilizzo di diversi media.

27 PADIGLIONE 27 VENEZIA Alloro COMMISSIONER Maurizio Carlin CURATOR Giovanna Zabotti EXHIBITOR Paolo Fantin e Ophicina, Pino Donaggio, Goldschmied & Chiari, Ottorino De Lucchi, Artefici del nostro tempo Al clima di incertezza che stiamo vivendo, il Padiglione Venezia risponde dedicando la propria mostra al tema della metamorfosi e del cambiamento, di cui la pianta di alloro si fa simbolo concreto ed elemento ricorrente delle diverse opere esposte. Un percorso di trasformazione di cui il visitatore può fare esperienza diretta, attraverso l’arte e la natura, muovendosi all’interno dello spazio secondo un ritmo scandito dalla musica ed entrando in contatto con opere dalla forma eterogenea dedicate in particolare al rappor to tra uomo e ambiente, alle seconde possi bilità che la vita ci offre e alla forza delle don ne. Il percorso si chiude con un sentimento di speranza, attraverso alcuni lavori di giovani artisti dallo sguardo orientato al futuro.

ENG The Venice Pavilion dedicates its exhibition to the themes of change and met amorphosis, symbolized by the laurel tree that is the recurring element in much of the art exhibited. Visitors will be able to expe rience a transformative journey and interact with art and nature as they move about the space. Music will provide the rhythm of the journey as they will appreciate the diversity of the art, especially art about the relation ship between man and environment, about the second chances life offers us, and about the strength of women. The travel ends with hope, crystallized in creations by young artists looking forward to the future. www.comune.venezia.it

ENG His playful, powerful art reveals, if you look deep into it, the peculiar back ground behind its creation. Navin Rawanchaikul (Chiang Mai, 1971) once participated in the 2011 Art Biennale with Navinland, the project at the Thai Pavilion. Rawanchaikul is back in Venice following an invitation extended by Swatch, who commissioned a site-specific art project at Giardini for Biennale Faces 2022. The impact of globalization, migration, tension between society and individual, and the development of cultural identities are aspects of modern society that Rawanchaikul investigates in his art and elaborates in their aesthetical dimension using different media. A strong, original piece of art that is all about Venice. La descrizione del mondo (lit. ‘the de scription of the world’, after the common French title of Marco Polo’s tales Le devisement du monde) is accompanied by a letter the artist wrote to Marco Polo to tell him about a journey that is similar to his – only, in reverse, from the East to Venice. Rawanchaikul describes his personal vision of what has become Venice today. His artistic research focuses on the hu man figure: the protagonists are Christopher Columbus, a statue of Garibaldi, Marco Polo, and all the people the artist interviewed, from local youths working in restaurants to those who elected Venice as place of residence or holiday. A veritable ‘human mapping’ of Ven ice comprising 44 elements on nine layers. Within this structure, many small loudspeakers read the letter to Marco Polo in different languages, from Thai to Hindu (Navin Rawanchai kul is of Indian descent), to French, English, Italian. A story in images and words of great emotional impact and suggestion. Giardini www.swatch.com

PARTICIPATIONSNATIONAL the GUIDEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 37

COMMISSIONER Ministry of Culture CURATOR Adela Demetja EXHIBITOR Lumturie Blloshmi

ENG In the 3-D, multi-channel animated video screened at the Argentinian Pavilion, a team of fantasy characters evolve following the stimuli of the surrounding environment. Using drawings, paintings, and animation, Mónica Heller (Buenos Aires, 1975) creates convolut ed stories populated by human-looking actors that interpret the world under the rubric of fantasy – the ideal, authentic access key to in terpret the real world.

38 28 ALBANIA Lumturie Blloshmi From Scratch

Personalità dalla spiccata sensibilità ironica e satirica, l’artista ha saputo prendere ispirazione dalla quotidianità realizzando un corpus di opere visionarie e fantasiose ora disponibile al pubbli co della Biennale sotto forma di archivio digitale.

The Importance of the Origin Will Be Imported by the Origin of the Substance COMMISSIONER Paula Vázquez CURATOR Alejo Ponce de León EXHIBITOR Mónica Heller

ENG By taking inspiration in his child hood memories and his family’s long history of migration, Muhannad Shono (Riyadh, 1977) ranges from robot to tech art using a versatile, high-impact style. Small-scale drawings alternate with massive sculptures. In Shono’s installation, a sense of freedom that transcends cultural borders is pervasive. It represents the energetic and visionary spirit of modern Saudi Arabia. Sale d’Armi www.saudipavilion.org 30 ARGENTINA

Proiettando negli spazi del Padiglione anche uno dei suoi ultimi lavori, un film sperimentale realizzato in collaborazione con un regista mes sicano, la curatrice Adela Demetja ha voluto così omaggiare a 360 gradi l’artista e il suo sfaccet tato universo creativo.

ENG Self-portraits, photographs, and paintings dating from the 1960s to 2010 will welcome us into the world of Lumturie Blloshmi (1944-2020). The artist used her irony and satirical disposition to take inspi ration from daily life for her visionary, fan tastic art, collected at the Albanian Pavilion in digital form. One of her latest pieces, an experimental film produced with a Mexican director, will be screened locally. Curator Adela Demetja pays homage to an artist and her diverse creative universe. Artiglierie www.tiranaartlab.org

Nel video di animazione-3D multicanale pro iettato nel Padiglione argentino un gruppo di personaggi fantastici subiscono delle trasfor mazioni a partire dall’ambiente che li circonda e dagli oggetti che popolano ambienti che loro stessi hanno costruito. Attraverso disegno, pit tura e animazione 2D e 3D Mónica Heller (Bue nos Aires, 1975) crea fitti intrecci narrativi abitati da personaggi antropomorfi che interpretano il mondo attraverso la fantasia, autentica chiave di lettura del reale per i personaggi e per l’arti sta stessa.

ENG In the native language of the Selk’nam, a population native to Tierra del Fuego and Patagonia, Hol-Hol Tol means ‘heart of the peatlands’. In these times of climate emergency, the Chilean collective project imagines an experimental journey to conserve peatlands, which are the most efficient natural ecosystems for carbon capture and among the least studied. A multi-sensorial installation immerses visitors in the material, ancestral life of these humid environments that are essential to life on earth and to identify the aesthetics of environmental preservation. Artiglierie www.turbatol.org

Autoritratti, fotografie e dipinti realizzati tra gli anni ’60 e il 2010 ci raccontano il mondo di Lumturie Blloshmi (Tirana, 1944), scomparsa nel 2020 per complicazioni legate al Covid.

COMMISSIONER Visual Arts Commission, Ministry of Culture CURATOR Reem Fadda EXHIBITOR Muhannad Shono Traendo ispirazione dai suoi ricordi d’infanzia e dalla lunga storia di migrazione della sua fami glia, Muhannad Shono (Riyadh, 1977) spazia tra robotica e tecnologia con uno stile versatile e impattante, dando vita a disegni intimi di piccolo formato così come a sculture su larga scala. Investita di un senso di libertà che trascende le barriere culturali, l’installazione di Shono intende rappresentare lo spirito energico e visionario dell’odierna Arabia Saudita.

29 ARABIA SAUDITA

National Participations ARSENALE PARTICIPATIONSNATIONAL 302829

The Teaching Tree

Sale d’Armi www.monicahellerbiennale.ar 31 CILE Turba Tol Hol-Hol Tol COMMISSIONER Ximena Moreno CURATOR Camila Marambio EXHIBITORS Ariel Bustamante, Carla Macchiavello, Dominga Stomayor, Alfredo Thiermann Nella lingua dei Selk’nam, una delle popolazioni indigene della Terra del Fuoco in Patagonia, Hol-Hol Tol significa “cuore delle torbiere”. In questo periodo di emergenza climatica globale il progetto collettivo cileno traccia un percorso sperimentale di conservazione delle torbiere. La torbiera è il più efficiente ecosistema naturale di accumulazione del carbonio presente in atmo sfera, benché uno dei meno studiati. Un’instal lazione plurisensoriale immerge il visitatore nella vita materiale e ancestrale di questi ambienti umidi così importanti per la vita del Pianeta allo scopo di identificare un’estetica della conserva zione ambientale.

33 UNITI Mohamed Ahmed Ibrahim: Between Sunrise and Sunset COMMISSIONER Salama bint Hamdan Al Nahyan Foundation CURATOR Maya Allison EXHIBITOR Mohamed Ahmed Ibrahim Composta da forme scultoree astratte e or ganiche a dimensione umana, l’installazione di Mohamed Ahmed Ibrahim (1962), uno dei massimi esponenti dell’arte concettuale emi ratina, interpreta i corpi in relazione alla loro inscindibilità dalla terra. Raggruppate per colori, le sculture incorporano materiali naturali quali caffè, tabacco e foglie di tè, suggerendo con i loro movimenti ondeggianti l’idea di metamorfosi del corpo. L’opera è ispirata dalla profonda vici nanza dell’artista con l’ambiente naturale della sua città natale, Khawr Fakka¯n, nei pressi delle montagne Al Hajar, sulla costa est dell’Emirato di Sharjah. ENG Consisting of human-sized abstract, organic sculptures, the installation by Emirati conceptual artist Mohamed Ahmed Ibrahim (1962) interprets bodies in their inseparable relationship with the earth. Grouped by colour, the sculptures incorporate natural materials such as coffee, tobacco, and tea – their swing ing motions hinting at the idea of corporal met amorphosis. The art has been inspired by the artist’s closeness with the natural environment of his native town, Khawr Fakkaˉn in the Al Hajar mountain range, on the eastern coast of the Sharjah Emirate. Sale d’Armi www.nationalpavilionuae.org

ARSENALE3233

35 GHANA Black Star - The Museum as Freedom COMMISSIONER Akwasi Agyeman, CEO, Ghana Tourism Authority Ministry of Tourism, Arts And Culture

34 FILIPPINE

CURATOR Nana Oforiatta Ayim EXHIBITORS Na Chainkua Reindorf, Diego Araúja, Afroscope Per la sua seconda partecipazione alla Bienna le Arte, il progetto del Ghana si concentra sul concetto di libertà, rivisitando in chiave artistica l’immagine della stella nera presente sulla ban diera nazionale e in molti altri ambiti fortemente rappresentativi del Paese, dai monumenti pub blici alle divise della nazionale di calcio. Amplian done la valenza simbolica a questioni quali il

Nel contesto della cultura tradizionale cinese il termine “scape” può significare “frontiera” e “confine”, ma anche quel “regno spirituale” rag giungibile dalla percezione umana. Il progetto presentato dalla Cina, che utilizza come mezzo il linguaggio artistico dei nuovi media, collega entrambe le accezioni al concetto attuale di “uo mo-tecnologia-natura”, presentando lavori che parlano di una coscienza cosmica simbiotica. Trascendendo i confini del reale, si ristabilisce un modo universale di guardarsi, esplorando la possibilità di progettare un futuro comune per l’umanità. Le opere di tre artisti e un progetto di gruppo, divisi fra l’area giardino e la sala esposi tiva, costruiscono insieme la narrazione spaziale di Meta-Scape. ENG Within the context of traditional Chi nese culture, the term ‘scape’ can mean both ‘border’, ‘boundary’ and ‘spiritual realm’ avail able to human perception. The Chinese project uses the art language of new media to turn the two definitions into one concept of ‘man-tech nology-nature’. The art speaks of a symbiotic cosmic conscience. By traveling beyond the limits of the real, we can learn a universal way to look at ourselves and explore the possibility of designing a common future for humanity. Works by three artists and a group project cover the open area and the exhibition hall. Together, they compose the spatial narration at Meta-Scape Magazzino e Giardino delle Vergini EMIRATI ARABI

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 39 32 CINA 32 (Repubblica Popolare Cinese) Meta-Scape COMMISSIONER China Arts and Entertainment Group Ltd. CURATOR Zhang Zikang EXHIBITORS Liu Jiayu, Wang Yuyang, Xu Lei, Central Academy of Fine Arts (CAFA) Institute of Sci-Tech Arts+Tsinghua Laboratory of Brain and Intelligence (TLBI) Group Project

All of Us Present, This Is Our Gathering COMMISSIONER National Commission for Culture and the Arts (NCCA), Arsenio “Nick” J. Lizaso | (in partnership with) Department of Foreign Affairs (DFA), Office of Deputy Speaker and Congresswoman Legarda CURATORS Yael Buencamino Borromeo, Arvin Flores EXHIBITORS Gerardo Tan, Felicidad A. Prudente, Sammy N. Buhle Seguendo un intento già chiaro dal titolo, che riprende i versi di apertura di un canto tradizio nale della regione degli altipiani (Tutti noi pre senti, questo è il nostro raduno ), l’indagine dei tre artisti filippini si muove tra le forme dell’arte tradizionale e quelle dell’arte contemporanea, presentando una convergenza di espressioni culturali in cui segno, suono e tessuto trovano una nuova dimensione. L’installazione è articola ta in due sezioni: Parlare nella Lingua è un’opera video a due canali che traduce canti tradizionali in pittura performativa utilizzando l’inchiostro di seppia come strumento; Interpretazioni mostra la trasmissione del suono ottenuta da pratiche tradizionali di tessitura, arrangiate tramite video e materiale tessile. ENG The intent is made clear in the title, itself quoting the opening verses of a tradition al highland chant. The three Filipino artists investigate forms of traditional and contempo rary art to show the cultural expression where sign, sound, and cloth converge and find their dimension. The installation is organized in two sections: Speaking in Tongue is a two-channel video art piece that translates traditional songs in a squid ink painting performance; Render ings shows how sound transmission can be obtained with traditional weaving techniques. Artiglierie www.philartsvenicebiennale.org

ISLANDA

37 Perpetual Motion COMMISSIONER Auður Jörundsdóttir, Icelandic Art Center CURATOR Mónica Bello EXHIBITOR Sigurður Guðjónsson Un imponente schermo verticale alto sei metri proietta immagini che si espandono sul pavimen to, arrivando a ‘occupare’ la maggior parte dello spazio disponibile. Il visitatore si ritrova immerso in un tutt’uno visivo, uditivo e spaziale in cui fluiscono e defluiscono in moto perpetuo visioni cupamente ipnotiche e forme astratte in continua evoluzione che richiamano scenari di un pianeta lontano.

40 panafricanismo e l’anticolonialismo, la stella nera diviene il punto di partenza per una riflessione sui miti, la storia e le tradizioni di un Paese che cerca di affrancarsi da pesan ti retaggi del passato e da politiche sociali ancora troppo farraginose.

In un’atmosfera dagli accenti surrealisti, una grande installazione semitubolare ospita dipinti e ricami che raffigurano il quotidiano, con la pre senza di animali, bambini, musicisti, acrobati e architetture immaginarie che creano tra loro delle interazioni poetiche, foriere di nuovi approcci co municativi tra individui e specie. La tessitura dei tappeti, realizzati a mano con la collaborazione di donne di Albania, Kosovo, Burkina Faso e Surina me, richiama metaforicamente l’idea di relazione e costruzione di una comunità. Ai motivi astratti Jakup Ferri (Prishtina, 1981) accosta delle forme geometriche tratte dai disegni realizzati dal figlio, basati sul videogame Animal Crossing ENG A quasi-surrealist atmosphere, a large installation of paintings and embroideries that depict daily life: animals, children, musi cians, acrobats, and fantastic architecture create poetic interactions that foster new communica tive avenues between individuals and species. The texture of rugs, handmade by women from Albania, Kosovo, Burkina Faso, and Suriname, metaphorically reminds of community- and re lationship-building. Jakup Ferri (Prishtina, 1981) blends abstract motifs with drawings made by his son based on videogame Animal Crossing Sale d’Armi www.pavilionofkosovo.com

The Monumentality of the Everyday COMMISSIONER Alisa Gojani-Berisha CURATOR Inke Arns EXHIBITOR Jakup Ferri

LETTONIA Selling Water by the River

ENG The artists share living space in the Latvian city of Aizkraukle, which they recreate here using 300+ art objects – some new, some created over the course of the last twenty years. Ingu¯na Skuja and Melissa D. Braden show a mul ti-level map of the mental, physical, and spiritual dimension of individuality lived within the famili arity of the home. From these very personal emo tions, a larger vision rises, and it traces the story of Latvia focusing on the present-day challenges that its society faces.

National Participations ARSENALE

Artiglierie www.latvianpavilion.lv 40 LIBANO The World in the Image of Man COMMISSIONER/CURATOR Nada Ghandour EXHIBITORS Ayman Baalbaki, Danielle Arbid Attraverso una duplice visione della città di Beirut, Ayman Baalbaki e Danielle Arbid ci accompagnano in un viaggio simbolico che si insinua nelle pieghe più profonde del Libano, un Paese da molti anni al centro di stravolgimenti sociali, economici e politici. Il video di Arbid si moltiplica negli specchi convessi posizionati da Baalbaki in un monumentale gratta cielo in costruzione. Ed è proprio in questa rappre sentazione distorta della capitale, città martire ma anche culla di nuove potenzialità per il futuro, che le trame del progetto libanese confluiscono in una riflessione politica e poetica al tempo stesso.

COMMISSIONER Solvita Krese CURATORS Solvita Krese, Andra Silape¯tere EXHIBITORS Skuja Braden (Ingu¯na Skuja and Melissa D. Braden) Ricreando l’ambiente abitativo che le artiste con dividono nella città lettone di Aizkraukle attraverso più di 300 oggetti, alcuni inediti e altri realizzati nel corso degli ultimi vent’anni, Ingu¯na Skuja e Melissa D. Braden offrono una mappatura a più livelli della dimensione mentale, fisica e spirituale dell’indivi dualità vissuta nell’intimità della casa. Da queste suggestioni profondamente personali emerge una visione più ampia, che ripercorre la storia della nazione baltica concentrandosi infine sulle sfide contemporanee che la società lettone è chiamata ad affrontare.

ENG An imposing vertical screen, six-me ter tall, shows images that extend to the floor and occupy most of the available space. Visitors find themselves immersed in a visual, auditive, and spatial entirety where dark, hypnotic visions and evolving abstract shapes, that seem to recall views of a distant planet, flow in and out. Artiglierie www.icelandicartcenter.is 38 Repubblica del KOSOVO

Isolotto www.ghanainvenice.com 36 IRLANDA Gather COMMISSIONER Culture Ireland CURATORS Temple Bar Gallery + Studios EXHIBITOR Niamh

ENG The eminent interest of Niamh O’Malley is to investigate surfaces, the one element that allows objects and spaces to come into contact. Her art, mainly sculp ture and moving-picture installations, explores the materiality of landscape and conceptual ideas that inform our percep tion of the surrounding environment via physical touch. Touch brings comfort, for it allows us to recognize and establish our presence in the world. O’Malley reflects on the way distance, both physical and sym bolical, can be described, anchored, and contained. Artiglierie www.templebargallery.comwww.irelandatvenice2022.ie

PARTICIPATIONSNATIONAL

ENG A dual vision of the city of Beirut takes us on a symbolic journey that wanders into the deepest corners of Lebanon, a country that has experienced social, economic, and political un rest for years. Arbid’s video multiplies in Baalba ki’s mirrors on a monumental skyscraper under construction. In this distorted representation of Lebanon’s capital city, both a martyr city and a cradle for a promising future, the stories of this art project converge in a political, poetic reflection. Artiglierie

ENG For its second participation in the Art Biennale, Ghana presents a project on the concept of freedom by revisiting the image of the black star in the Ghanaian flag and in national monuments. By amplifying its symbolic value to such questions as Pan-Africanism and anti-colonialism, the black star is the starting point for a reflec tion on the myth, history, and traditions of a country that tries to break free of the lega cy of its past and social policies that cannot seem to work the way they’re intended. O’Malley L’interesse preminente di Niamh O’Malley è quello di indagare le superfici, senza le quali gli oggetti e gli spazi non entrerebbero in dialogo tra loro. Con la sua pratica artistica, rivolta soprattutto alla scultura e alle instal lazioni di immagini in movimento, O’Malley esplora la materialità del paesaggio e le idee concettuali attorno alle quali costruiamo la nostra percezione dell’ambiente circostante tramite il contatto fisico, che genera con forto in quanto ci permette di riconoscere e stabilire la nostra posizione nel mondo. L’ar tista riflette così sul modo in cui le distanze, fisiche e simboliche, possono essere innan zitutto descritte e, in ultima analisi, ancorate e contenute.

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 41 EXHAUSTIONOFFOUNTAINgallery.RoomNakedThebyProducedKyiv,Ukraine MAKOVPAVLO Arsenale,UKRAINIAN23.4—27.11.2022PAVILIONSaled'Armi,building A, 1st oor AСQUA ALTA

TWO CENTURIES OF HOSPITALITY. OVER FIVE CENTURIES OF HERITAGE. Discover the unique legacy of Hotel Danieli, a Luxury Collection Hotel, Venice. This magical storyteller of the city’s historic grandeur has been a refined home to travellers and globetrotters since 1822. Celebrate with us two centuries of hospitality, narrated through the unique exhibition “Hotel Danieli 1822-2022” and through a selection of curated epicurean experiences, heritage tours and cultural events. Until 24 October 2022. FOR INFORMATION AND TO RESERVE CALL +39 041 5226480 OR VISIT HOTELDANIELI.COMliates.aitsorInc.,International,Marriottoftrademarksthearelogosandmarksnames,AllReserved.RightsAllInc.International,Marriott2022© FirenzeAlinari,Alinari-archivioArchiviCollezione:FirenzeAlinari,Archiviobbligatorio:cofotograﬁCreditoca.1920-1930FratelliAlinari,ca.1450VeneziaaSchiavonidegliRivalalungosituatoDandolo),Palazzo(giàDanielidell’Hotelall’internocorteLaACA-F-038924-0000

44 NUOVA ZELANDA Paradise Camp COMMISSIONER Caren Rangi, Creative New Zealand CURATOR Natalie King EXHIBITOR Yuki Kihara Interamente girato a Upolu, Sa¯moa, e realiz zato nell’arco di otto anni con un cast locale e una troupe di oltre ottanta persone, il video di Yuki Kihara (1975) indaga in modo eloquente e provocatorio una serie di questioni critiche che interessano l’isola polinesiana dove l’artista è nata. Con uno sguardo rivolto ai quadri di Gau guin, il film racconta episodi legati all’ecologia e al cambiamento climatico, soffermandosi su aspetti sociali e politici quali la discriminazione delle minoranze locali – in particolare la comuni tà gender fluid Fa’afafine, con la quale l’artista ha lavorato a stretto contatto – e gli effetti dei pro cessi di decolonizzazione sulla comunità.

ENG Entirely shot in Upolu, Samoa, over the course of eight years with a local cast and a film crew of eighty, this video by Yuki Kihara (b. 1975) investigates in provocative fashion critical questions related to the Polynesian is land she was born in. With Gauguin’s paintings in mind, the film shows stories about ecology and climate change that focus on social and political aspects such as discrimination of mi norities – especially the gender fluid Fa’afafine community, which the artist worked closely with –, and the effects of decolonization pro cesses. Artiglierie www.nzatvenice.com NEW ENTRY 45 Sultanato dell’OMAN The Meaning and Idea COMMISSIONER Ministry of Culture, Sports and Youth, His Excellency Sayyid Saeed bin Sultan bin Yarub Al Busaidi CURATOR Aisha Stoby EXHIBITORS Anwar Sonja, Hassan Meer, Budoor Al Riyami, Radhika Al Khimji, Raiya Al Rawahi

Per il suo debutto alla Biennale Arte l’Oman sce glie il Circle Group, un collettivo di artisti fondato sul finire degli anni ’90 da Hassan Meer (Muscat, 1972), un fine e riconosciuto interprete dell’iden tità artistica del Paese. Fotografia, installazioni video e audio, scultura e tessuti ricamati sono i linguaggi espressivi utilizzati dal collettivo per immergere i visitatori in un’esplorazione in pro fondità delle radici estetiche dell’Oman e, più in generale, negli aspetti più simbolici e meno conosciuti della cultura araba.

ENG For its debut at the Art Biennale, Oman chose Circle Group, an artists’ collec tive founded in the late 1990s by Hassan Meer (Muscat, 1972), a renowned interpreter of Oman’s art identity. Photography, video and audio installation, sculpture, and embroidery are the expressive languages used by Circle Group to immerse visitors in a deep explora tion of Omani aesthetics and, more generally, in the most symbolic and less-known aspects of Arabian culture. Artiglierie www.omanpavilion.org

National Participations ARSENALE ARSENALE

La decollazione di San Giovanni Battista, capo lavoro caravaggesco conservato nell’Oratorio della Cattedrale della Valletta, a Malta, viene qui re-immaginato nella forma di un’installazione ci netica immersiva, che sovrappone la narrazione biblica al presente. Seguendo il ritmo percussivo di un canto gregoriano, gocce di acciaio fuso tramite una tecnologia ad induzione cadono da una struttura sovrastante in sette vasche riempite d’acqua, ognuna a rappresentare un soggetto dell’opera di Caravaggio. Il metallo fuso crea una luce vivida e, al contatto con l’acqua, sibila, si contrae e si raffredda, per poi ritirarsi nell’oscurità.

COMMISSIONER Arts Council Malta CURATORS Keith Sciberras, Jeffrey Uslip EXHIBITORS Arcangelo Sassolino, Giuseppe Schembri Bonaci, Brian Schembri

Sale d’Armi www.mudam.com

ENG The Beheading of St John the Baptist is one of Caravaggio’s masterpieces. It is located at the Valletta Cathedral in Malta, and here at the Maltese Pavilion, it is re-imagined in the form of an immersive, kinetic installation that merges biblical narration with the present. Fol lowing the rhythm of Gregorian chant, drops of molten steel fall in seven water-filled vats, one for each of the painting’s subjects. Red-hot metal glows brightly and, as it touches water, it sizzles, shrink, and cools down into darkness. Artiglierie www.artscouncilmalta.org MESSICO Until The Songs Spring COMMISSIONER Diego Sapién CURATORS Catalina Lozano, Mauricio Marcin EXHIBITORS Mariana Castillo Deball, Naomi Rincón Gallardo, Fernando Palma Rodríguez, Santiago Borja Charles

La quattro opere del progetto messicano guar dano al colonialismo come ad una barriera da scardinare, avanzando l’ipotesi di un futuro libero dai meccanismi oppressivi che ancora oggi obbligano una parte della popolazione mondiale a condurre un’esistenza al limite della definizione di “umano”. Installazioni video, danze meccatroniche e installazioni tessili coniugano arte e antropologia per interrogarsi sulle derive contemporanee delle forme di violenza innesca te dal capitalismo.

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 43 41 Granducato di 36 LUSSEMBURGO Faraway So Close COMMISSIONER Ministry of Culture CURATOR Christophe Gallois, Mudam Luxembourg – Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean EXHIBITOR Tina Gillen L’arte di Tina Gillen (Lussemburgo, 1972) si pone a metà strada tra l’astrazione e il figurativo, convogliando l’attenzione sulla relazione che intercorre tra la pittura e il contesto espositivo in cui il dipinto ‘incontra’ il visitatore. Le opere ven gono così collocate all’interno di una scenografia che richiama quella di un set cinematografico, a ribadirne la natura provvisoria, quasi fossero in attesa di essere trasferite altrove da un momen to all’altro. Al centro dello spazio una scultura posta in dialogo con i dipinti invita il visitatore a cambiare punto di vista nell’osservazione del mondo e a utilizzare l’arte come strumento di analisi del reale. ENG Tina Gillen’s art lies midway be tween abstraction and figuration. It draws our attention to the relationship between painting and the exhibition context, where art meets the viewer. Her works are placed in a set that looks like a film studio, highlighting its temporary nature, almost looking as if the art was to be moved elsewhere soon. At the centre of the exhibition space, a sculpture invites visitors to change their point of view on the world and use art as a tool to understand reality.

42 MALTA Diplomazija Astuta

ENG The four pieces on exhibition look at colonialism as a barrier to tear apart, imag ining a future free from the oppressive mode of action that still today forces a sizable part of world population to live an existence that can barely be called ‘human’. Video installations, mechatronic dance, and textile manufacture blend art and anthropology to question the modern instances of capitalism-driven vio lence. Sale d’Armi www.bienaldevenecia.mx

49 Repubblica del 49 SUDAFRICA Into the Light COMMISSIONER Nosipho Nausca-Jean Ngcaba, Ambassador of the Republic of South Africa in Italy CURATOR Amé Bell EXHIBITORS Roger Ballen, Lebohang Kganye, Phumulani Ntuli Il progetto dei tre artisti sudafricani riflette sul recente periodo di oscurità dovuto alla pande mia. L’isolamento ha avuto un impatto negativo su quasi tutti i settori, con le arti particolarmente colpite. Tuttavia, la separazione forzata dalle interazioni sociali di routine ci ha concesso il

Sale

tempo e lo spazio per intraprendere un viaggio introspettivo, riesaminando chi siamo, cosa rap presentiamo e come ci presentiamo al mondo, in un processo che in alcuni di noi ha fatto emer gere verità sotterranee e fondamentali per l’autoidentità e l’espressione artistica individuale.

47 SINGAPORE Pulp III: A Short Biography of the Banished Book COMMISSIONER Rosa Daniel, Chief Executive Officer National Arts Council Singapore CURATOR Ute Meta Bauer EXHIBITOR Shubigi Rao L’artista Shubigi Rao (Mumbai, 1975) porta alla Biennale un’evoluzione del suo decennale lavoro ( Pulp ), in cui convergono le storie di lettori, scrit tori, tipografi, accademici e bibliofili impegnati nella salvaguardia del libro come medium di tra smissione culturale. Di queste figure il progetto mette in risalto il coraggio e la forza di volontà nel voler preservare strumenti di conoscenza che l’avvento dell’era digitale ha rischiato di re legare a forme obsolete e materialmente fragili, soprattutto se abbandonate all’azione del tempo e all’incuria.

44 46 PERÙ Peace Is a Corrosive Promise COMMISSIONER Armando Andrade de Lucio CURATORS Jorge Villarcorta, Viola Varotto EXHIBITOR Herbert Rodriguez Negli anni ’80 in Perù imperversava Sende ro Luminoso, un’organizzazione terrorista di ispirazione maoista che occupò gli ambienti dell’Universidad Nacional Mayor de San Marcos a Lima, puntando a sovvertire l’ordine nazionale peruviano con atti di forza. Il Padiglione espone alcuni resti dei cartelli che l’artista Herbert Rodri guez (1957) creò in quegli anni per le bacheche dell’Università, contrapponendosi ai murales dipinti da Sendero Luminoso. Battendosi sullo stesso terreno, i collage di Rodriguez divennero espressione di un movimento avversario, che pur non assumendo un ruolo politico preciso intendeva contrastare ‘pacificamente’ l’escala tion di violenza in atto nel Paese.

ENG Shubigi Rao (Mumbai, 1975) brings to Biennale an evolution of her decade-long work (Pulp), a collection of stories of readers, writers, printmakers, scholars, and bibliophiles that fight to preserve the book as the medium for cultural exchange. The project highlights the bravery and willpower of these characters as they work to keep forms of knowledge that the digital age risks chalking up to being ob solete and materially fragile, especially if left to little care. d’Armi www.nac.gov.sg Repubblica di SLOVENIA

ENG A universe populated by fantastic creatures and dreamlike landscapes takes the viewer into a place dominated by the sub conscious and by emotions. In line with the surrealist leitmotiv impressed on the Biennale by curator Cecilia Alemani, the Slovenian Pavilion presents a collection of art by Marko Jakše (Ljubljana, 1959) that will show us the several expressive phases of his fantastic, interior, tormented world, where the possible and the impossible coexist beyond the limits of what is real. Isolotto www.mg-lj.si

ENG A project by three South African artists on the recent dark years due to the pandemic. Isolation negatively affected nearly all sectors of human activities, with the arts severely so. However, the forced separation in everyday social interactions allowed us the time and space to embark on an introspective journey to examine who we are, what we rep resent, and how we present to the world, in a process that some of us used to make hidden truths come to light, which are essential for the discovery of one’s identity and artistic expres sion. Sale d’Armi FB @thesouthafricanpavilion

Without a Master COMMISSIONER Aleš Vaupoticˇ CURATOR Robert Simonišek EXHIBITOR Marko Jakše

50 TURCHIA Once upon a time...

Un universo immaginifico, animato da creature fantasiose e paesaggi onirici, conduce l’osserva tore in un regno ai confini della realtà, dominato dal subconscio e dalla sfera emotiva. In linea con la suggestione surrealista che informa il cor pus identitario di questa Biennale firmata Cecilia Alemani, lo spazio sloveno presenta un com pendio della produzione pittorica di Marko Jakše (Lubiana, 1959) degli ultimi decenni al fine di far conoscere al pubblico diverse fasi espressive di questo suo mondo parallelo e fantastico, interio re e tormentato, in cui il possibile e l’impossibile co-esistono oltre i limiti del reale.

ENG Maoist terrorist organization Sen dero Luminoso used to terrorize Peru in the 1980s. Sendero Luminoso occupied the Uni versidad Nacional Mayor de San Marcos, in Lima, with the goal of subverting the existing national order. The Pavilion exhibits what’s left of billboards that artist Herbert Rodriguez (b. 1957) designed for the university in those years as a counterpoint to Sendero Luminoso’s mu rals. By confronting them on the same terrain, Rodriguez’s collages became the expression of a rival movement, that while refusing explicit political connotations, it fought peacefully to contrast the escalation of violence. Sale d’Armi www.pcp.org.pe

COMMISSIONER Istanbul Foundation for Culture and Arts (I KSV) CURATOR Bige Örer EXHIBITOR Füsun Onur Il presente contraddittorio e inquieto che stiamo vivendo è restituito nel Padiglione da una dicoto mia tra gatti e topi, protagonisti di una lotta che li

National Participations ARSENALE PARTICIPATIONSNATIONAL 4651

ENG The Ukrainian Pavilion team be lieves the right to culture is paramount and, with the strong support of the Biennale and of the international art community, was able to be in Venice with a project by Pavlo Makov. The artwork was in Kiev at the time of the first bombing round; it was secured, moved to Venice, and finished here. The Fountain of Ex haustion is a kinetic sculpture made with 78 bronze funnels arranged in pyramid shape and placed over a platform. The water poured in each funnel is separated in two streams and feeds the lower funnels. Only a few drops make it to the bottom, a metaphor of dwin dling natural resources and post-pandemic burnout, social media stress, and the destruc tion brought about by war. Sale d’Armi www.ukrainianpavilion.org

Fortemente convinto che il diritto alla cultura sia irrinunciabile, tenacemente sostenuto dalla Bien nale e dalla comunità artistica internazionale, il team del Padiglione ucraino è riuscito a essere presente alla Biennale con il progetto di Pavlo Makov. L’opera, che si trovava a Kiev durante i primi bombardamenti, è stata messa in sicurez za e verrà completata a Venezia. The Fountain of Exhaustion è una scultura cinetica composta da 78 imbuti di bronzo disposti a piramide e montati su una piattaforma. L’acqua versata in ogni im buto si divide in due flussi, alimentando gli imbuti sottostanti. Solo poche gocce raggiungono il fondo simboleggiando non solo l’esaurimento delle risorse naturali, ma anche il burnout postpandemico, lo stress da social media e l’annichi limento provocato dalle guerre.

Storia della Notte e Destino delle Comete

52 Repubblica dell’ 52 UZBEKISTAN Dixit GardenAlgorizmi:ofKnowledge

The Fountain of Exhaustion.

Acqua alta COMMISSIONER Kateryna Chuyeva, Deputy Minister for European Integration of the Ministry of Culture and Information Policy of Ukraine CURATORS Lizaveta German, Maria Lanko, Borys Filonenko EXHIBITOR Pavlo Makov

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 45 vede contrapposti ad un governo centrale uma no e antropocentrico irrispettoso della natura e dei loro bisogni. Palline da ping pong come teste e colorati vestiti di carta crespa animano questo moderno teatro dei burattini, in cui i fili che go vernano pensieri e movimenti sono invisibili, ma robusti e implacabili. Grazie a una poetica ricca di riferimenti narrativi e autobiografici, Füsun Onur (1938) si conferma un’artista visionaria e una vera pioniera del panorama contemporaneo turco ed internazionale. ENG Our contradictory, restless present is shown in the Turkish Pavilion using a con trast between cats and mice, protagonists of a conflict that sees them opposing a centralized, anthropocentric human government that disre spects nature and their needs. Ping-pong balls as heads and crêpe paper clothing animate a modern puppet theatre – the threads that govern our thoughts and our motions are invis ible, but still strong and powerful. Thanks to a plethora of narrative and autobiographical ref erences, Füsun Onur (b. 1938) proves herself as a visionary artist and a pioneer in the world of contemporary art. Sale d’Armi www.iksv.org/en 51 UCRAINA

COMMISSIONER Gayane Umerova, Art and Culture Development Foundation CURATORS Studio Space Caviar (Joseph Grima, Camilo Oliveira), Sheida Gomashchi EXHIBITORS Charlie Tapp/Abror Zufarov, CCA Lab Muhammad ibn Musa al-Khwarizmi, conside rato il padre dell’algebra, è nato e cresciuto a Khiva, città dell’attuale Uzbekistan. Il termine stesso di “algoritmo”, invenzione responsabile del funzionamento di gran parte dei processi digitali protagonisti assoluti del mondo mo derno, deriva dalla traslitterazione latina del suo cognome e costituisce il nucleo tematico del Padiglione. Un’installazione indoor, che reinterpreta la tradizione millenaria dei giardini persiani e babilonesi, fa riferimento proprio al luogo in cui al-Khwarizmi sviluppò gran parte dei suoi studi più importanti: la Casa della Sa pienza a CompletaBaghdad.ilprogetto un accompagnamento musicale nato dalla collaborazione tra il mu sicista uzbeko Abror Zufarov e l’artista Charli Tapp, oltre a un programma di workshop ed eventi pubblici con artisti, accademici, scrittori e performer. ENG Al-Khwarizmi, the father of al gebra, was born in Khiva, in present-day Uzbekistan. The word ‘algorithm’ comes from the Latin transliteration of his name and is the theme of the Pavilion. An indoor installation reinterprets the thousand-year-old tradition of Persian and Babylonian gardens and refer ences the place where al-Khwarizmi devel oped most of his important studies: the House of Wisdom in Baghdad. Complementing the project is a musical accompaniment by Uz bek musician Abror Zufarov and artist Charli Tapp, as well as a programme of workshops and public events with artists, scholars, au thors, and performers.

Fianco Teatro alle Tese IG @uzbekistan_national_pavilion

ARSENALE

53 PADIGLIONE 53 ITALIA

COMMISSIONER Onofrio Cutaia, Direzione Generale Creatività ContemporaneaMinistero della Cultura CURATOR Eugenio Viola EXHIBITOR Gian Maria Tosatti Grande installazione ambientale site-specific, l’opera si configura come un “dispositivo” estetico complesso che coinvolge media diffe renti - dai riferimenti letterari alle arti visive, dal teatro alla musica e alla performance - e arditi passaggi di percezione. Storia della Notte e Destino delle Comete propone una visione eclatante sul presente, in bilico tra sogni, errori del passato e prospettive del futuro. Il progetto, diviso in un prologo e due atti, narra del difficile equilibrio tra Uomo e Natura, tra sviluppo sostenibile e territorio, tra etica e pro fitto. La prima parte, la Storia della Notte, ripercorre metaforicamente l’a scesa e il declino del grande sogno industriale italiano, dalla metà degli anni ‘60 a oggi, un modello fondato esclusivamente sul profitto che ha prodotto una crescita rapida e tumul tuosa indifferente ai problemi del territorio. Il secondo e ultimo atto, il Destino delle Comete, ossia il destino dell’umanità che ha attraversa to la Terra in una traiettoria rapida e luminosa senza che, in fondo, le fosse garantito di abita re questo pianeta per l’eternità, offre una vera e propria epifania, visionaria e catartica, che diventa spinta propositiva e ottimista per un cambiamento possibile. ENG A large, site-specific installation, this piece is a sort of aesthetical ‘device’ that involves different media – from literary refer ences to visual arts, to theatre, music, and per formance art – and daring perceptual transi tions. History of Night and Destiny of Comets is an impressive vision on the present, balancing dreams, past errors, and future perspectives. The project is divided in a prologue and two acts, and will speak of the difficult balance between humankind and nature, sustainable development and territory, ethics and profits. The first part, History of Night, is a metaphor on the rise and decline of the great Italian indus trial dream, from the 1960s to today, a model based exclusively on profit that engendered growth with little regard to local consequenc es. The second and final act, Destiny of Com ets, is about the fate of humanity as it walks through earth over a quick and bright path without ever having been granted the privi lege of living on Earth forever. The exhibition is a visionary, cathartic epiphany that will turn into optimistic, forward-looking motivation for possible change. Tese e Giardino delle Vergini www.notteecomete.it

46 KAETHE KAUFFMAN VEDUTEPALINSEST I • ARTIFICIAL CREATURES • April 20 - July 10, 2022 April 20 - July 10, 2022 CASTELLO 780 Fondamenta San Giuseppe Sestiere Castello, 780 30122 Venezia + 39 342 947 5913 MARTIN WEINSTEIN BOBBI MOLINEKRAMER PAUCIULOANTONIO• POWER OF ONE • CASTELLO 925 Fondamenta San Giuseppe Sestiere Castello, 925 30122 Venezia +39 348 410 8263 +

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 47

ENG For the sixth time, a productive cooperation between the Biennale and the V&A sponsored a special project at the The Pavilion of Applied Arts, housed in the Sale d’Armi at Arsenale. Biennale curator Cecilia Alemani chose Sophia Al-Maria (p. 68 the MAG ), a Qatari-American author and director who authored a video titled Tiger Strike Red. Al-Maria’s work is the third of a series that includes Beast Type Song (2019) and Tender Point Ruin (2021). Taking inspi ration from a collection of robots at the V&A, the artists was fascinated with the peculiar eroticism of the Tipu’s Tiger, a mechanical sculpture created in the eighteenth centu ry for Sultan Fateh Ali Tipu, a governor in Southern India. The tiger is shown mauling a British soldier. According to Al-Maria, the machine-sculpture shows the revenge sen timent against the colonizer and the sub conscious fantasy of a sexual act, alluded to by the man/beast pair. Padiglione delle Arti Applicate Sale d’Armi www.vam.ac.uk

Crea installazioni con piccoli e delicati materiali, ricercando attraverso di esse il valore della fragilità umana. La sua sfida è dare trasparenza alla materia senza usare materia trasparente. Tre opere sono create con fogli di carta sot tilissimi, tenuti insieme da punti di resina trasparenti, che creano una forma tridimensionale.

ENG A painter in the most traditional sense. Beach No.8 is a bird’seye view on a beach – a place where people keep apart from one another, but are also together, in a sense. Tang Shu creates a quasi-abstract, col our-block veduta.

Da Shanghai a Venezia: aperto nel novembre del 2011, lo Swatch Art Peace Hotel ha ospitato oltre 450 artisti provenienti da 54 paesi. Allo scopo di incoraggiare lo scambio creativo, artisti di tutte le discipline sono invitati a vivere e lavorare all’interno di appartamenti-atelier per un periodo variabile da tre a sei mesi, in uno degli edifici simbolo di Shanghai. Swatch Faces 2022 presenta 5 artisti selezionati da questa residenza unica. ENG Shanghai to Venice: The Swatch Art Peace Hotel opened in 2011 and has since wel comed 450+ artists-in-residency from 54 countries to encourage creative exchange. Swatch Faces 2022 presents five of them.

Tiger Strike Red CURATOR Cecilia Alemani EXHIBITOR Sophia Al-Maria

Shin Hoyoon (Seoul, South Korea, 1975)

Swatch Faces 2022

Sale d’Armi www.swatch.com

Participations ARSENALE ARSENALE

Xue Fei (Chongqing, China,1993) L’artista utilizza materiali compositi come pietre, piastrelle e sabbia, trasfor mandoli in materia pittorica. Fondendo insieme sogni, miti e ricordi della crescita, Xue Fei conduce il pubblico in una visione cosmica e onirica, esprimendo emozioni e desideri interiori in modo figurativo, attraverso i suoi piccoli personaggi.

Per la sesta volta la collaborazione proficua tra La Biennale e The Victoria and Albert Mu seum di Londra ha portato alla realizzazione di un progetto speciale nel Padiglione delle Arti Applicate, ospitato in Arsenale nelle Sale d’Armi. Cecilia Alemani per questo progetto di interazione istituzionale ha scelto Sophia Al-Maria (vedi p.68 the MAG), scrittrice e re gista americana di origine qatariota, che ha ideato un video dal titolo Tiger Strike Red. Il suo lavoro è il terzo di una serie che include le opere Beast Type Song (2019) e Tender Point Ruin (2021). Prendendo ispirazione dal la collezione di automi del Victoria and Albert Museum di Londra, Al-Maria si è accostata al singolare erotismo dell’automa conosciuto come “Tigre di Tippu”. Realizzata per il sulta no Fateh Ali Tipu, che nel XVIII secolo gover nava il Mysore nell’India meridionale, la scul tura meccanica rappresenta una tigre intenta a dilaniare un soldato britannico. Per l’artista l’automa dimostra il desiderio di vendetta nei confronti dell’oppressore colonialista e anche la fantasia subconscia dell’atto sessuale vista attraverso l’allusivo accoppiamento uomobestia.

Marcelot (Potim/Guaratinguetá, Brazil, 1965) Brasiliano, vive a Zurigo, Marcelot è uno scultore che crea delle strutture in acciaio e ceramica, che poi ricopre con la carta, attraversando una serie di tecniche diverse. La materia che utilizza diventa il simbolo stesso dell’ogget to che rappresenta. Nel progetto Ancient of Today usa come mezzo la carta di giornale.

ENG Born in Brazil and residing in Zurich, Marcelot is a sculptor who uses steel, ceramic, and paper and employs different techniques. The ma terial chosen becomes the symbol of the object it actually represents.

Landi (Shenzhen, China, 1991) Collage Garden è un’opera di forte impatto. I colori di questi collage sono quelli dell’infanzia, molto netti e capaci di evocare semplici ricordi. Entrare nel giardino di Landi è un invito alla bellezza e alla felicità pura, quella appunto dei bambini.

National

ENG The artist uses composite materials such as stone, tile, and sand, and turns them into painting apparel. The viewers are taken into a cosmic, dreamlike vision that will welcome their inner feelings and desires.

ENG A strong, impactful piece – the colours in this collages are those of childhood, so clear in their evoking distinct memories. To walk into Lan di’s garden is an invitation into beauty and pure happiness.

Tang Shu (Shanghai, China, 1976) Pittore nel senso più classico del termine. Il suo lavoro sull’isolamento, Beach No.8, parte da una prospettiva a volo d’uccello per ritrarre una spiaggia dove le persone stanno distanti ma allo stesso tempo insieme. Scomponendo gli ombrelloni e le persone in blocchi di colore, Tang Shu rende una visione a tratti astratta.

ENG Installations created with small, delicate materials that depict the fragility of humanity. The challenge is to donate transparency to matter using no transparent medium.

Les Pierrots vuole invece proporre una riflessione sul destino dell'uomo contemporaneo e sulla proie zione dell'immagine di una società disincarnata, persa e nostalgica. I pierrot di Friedler sono robot, simbolo di un’umanità meccanizzata, di una realtà del nostro mondo che mette in dubbio le nostre stesse capacità. La Forêt des Âmes (nove colonne con maschere d'ispirazione africana) invita, invece, alla medita zione ed è simbolo di verticalità. È la prefigurazione di un progetto più ambizioso che vedrà emergere colonne monumentali in vari punti del mondo. Si tratta di un’installazione ambiziosa e partecipativa che genera risposte a un questionario cartaceo che l'artista invita ogni visitatore a compilare. Friedler, attraverso questo particolare progetto artistico, intende infatti raccogliere i fremiti emersi dall'in conscio delle persone, che egli ama esplorare, porgendo sei domande fondamentali per l’essere Leumano.risposte raccolte, preziosamente conservate all’interno delle colonne, costituiranno poi la sostanza stessa dell'opera: ogni colonna materializ zerà un albero, e dalla moltiplicazione degli alberi emergerà una foresta. Una foresta di anime, di cui l'installazione in mostra è l'immagine.

La mostra scandaglia la complessità dell’immagina rio dell’artista belga, impegnato a riflettere su Dolore, Malinconia e Speranza accostando tre poten ti installazioni con tele e fotografie. L’allestimento si sviluppa all’interno della Chiesa di San Samuele dipanandosi tra le componenti maggiori della pianta basilicale: la navata centrale, dove è collocata la suggestiva La Forêt des Âmes, e le due navate laterali, dove a destra campeggia Les Innocents e a sinistra trovano spazio le maschere de Les Pierrots.

Ognuna delle tre tematiche prese in esame è comple mentare alle altre: il risultato è la generazione di un tempo di sospensione meditativa sul senso della vita, della morte e di una possibile redenzione. La scelta di destinare questa indagine all’interno di un luogo dedicato per eccellenza alla ricerca interio re, alla meditazione e alla preghiera non è, dunque, casuale. L’obiettivo di Julien Friedler, infatti, è quello di offrire spunti di riflessione universali, dalla scoperta di sé stessi alla conoscenza dell’altro.

A Les Innocents, che evoca il concetto di prigionia, tocca il compito di porre l’attenzione sul mistero del dolore umano, sulla reclusione, sull’isolamento e sulla ribellione, invitando lo spettatore a una valuta zione approfondita sulla sofferenza che da sempre si riproduce e si ripete nella follia e nella violenza degli uomini.

23 Aprile - 25 Settembre 2022 Chiesa San Samuele, Campo San Samuele, 30124 Venezia VE Julien Friedler È finita la Commedia A cura di Dominique Stella CIMI assdl Associazione PRODUZIONE E ORGANIZZAZIONE CD Studio d’Arte PATROCINIO DI Associazione CIMI IN COLLABORAZIONE CON Spirit of Boz

CATALOGO: Skira | UFFICIO STAMPA: Madagascar Communication | CONTATTI STAMPA: ufficiostampa@madagascarcommunication.it INFO MOSTRA: info@cdstudiodarte.it - tel. 049 864 2526 - www.cdstudiodarte.com

50 Alia Ali / / Aldo Chaparro ...OR WAS IT A DREAM? | 22 April — 22 June Aldo Chaparro + Alia Ali FOLLOWING EXHIBITIONS (Trio Shows) Bara Sketchbook + Derrick Ofosu Boateng + Hassan Hajjaj Idris Habib + Sesse Elangwe + Thandiwe Muriu Dorsoduro 556 • Venice +39 348 257 6878 Paris | Venice World Tour of Contemporary Art 193gallery.com ... OR WAS IT A DREAM 22 April 22 June 2022 10:30 19:00 Da martedi a domenica

PARTICIPATIONSNATIONAL the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 51

52 54 Repubblica 54 ARABA SIRIANA

L’installazione di Andrius Arutiunian (Vilnius, 1991), artista musicale di origini armene-lituane, presenta una serie di oggetti inediti che utiliz zano il suono come elemento principale. Cuore del progetto una composizione intitolata You Do Not Remember Yourself, opera caratterizzata da risonanze naturali che evocano la presenza idealizzata del celebre compositore armeno Ge orges Ivanovicˇ Gurdjieff.

National Participations AROUND TOWN PARTICIPATIONSNATIONAL 6055

The Syrian People: A Common Destiny

ENG The Syrian projects appeal to the traces of one of the oldest civilizations in his tory to affirm the potential of art as a form of resistance against the brutality of war. The art on exhibition, created with different tech niques and materials, are rich both in form and content, and shows diversity of influence as it collects the threads of a common destiny, the destiny of the Syrian population that has been suffering the consequences of fratricidal war for over a decade.

Isola di San Servolo 55 ARMENIA Gharı¯b COMMISSIONER Arayik Khzmalyan, Deputy Minister of Education, Science, Culture and Sport CURATORS Anne Davidian, Elena Sorokina EXHIBITOR Andrius Arutiunian Il titolo Gharı¯b, il cui significato può essere tradotto come “straniero che entra in mezzo a noi”, introduce il tema principale di una mostra che esplora forme di organizzazione di vita, siano esse culturali o prettamente politiche, che restano al di fuori dell’immaginario occidentale.

ENG The word Gharıˉb may be translated as ‘foreigner who lives among us’ and intro duces the main theme of an exhibition that explores different forms of world organization that do not fall within the purview of western culture. An installation by Andrius Arutiunian (Vilnius, Lithuania, 1991) presents a collection of original objects that are all about sound. At the heart of the project, a composition titled You Do Not Remember Yourself uses natural resonance to evoke the idealized presence of famous Armenian composer Georges Ivanovicˇ Gurdjieff. Campo della Tana, Castello 2125 www.gharibpavilion.space 56 Repubblica dell’ 56 AZERBAIJAN Born to Love COMMISSIONER Mammad Ahmadzada, Ambassador of the Republic of Azerbaijan CURATOR Emin Mammadov EXHIBITORS Narmin Israfilova, Infinity, Ramina Saadatkhan, Fidan Novruzova, Fidan Akhundova, Sabiha Khankishiyeva, Agdes Baghirzade

Piazza San Marco Procuratie Vecchie 139-153 www.artecommunications.com

Il tempo scorre rapido, mascherando ciò che c’è di effimero e portando alla luce tutto ciò che invece è vero e necessario. Collegandosi al pen siero del drammaturgo, filosofo, scrittore e poeta bengalese Rabindranath Tagore, incentrato sull’equilibrio tra umanità e natura, l’esposizione mette in evidenza il passaggio dalla sintonia originaria dell’essere umano con l’universo al progressivo disfacimento di tale equilibrio, in un percorso di dipinti e immagini caleidoscopiche articolato in tre diverse sale di Palazzo Pisani Revedin. ENG Time flies. It hides what is shortlived and highlights what is real and neces sary. The exhibition reflects on the thoughts of playwright, philosopher, author, and poet Rabindranath Tagore, focused on the balance between humanity and nature, and shows the transition between the original harmony of human beings and the universe to the undoing of the same, using paintings and kaleidoscopic images in three halls at Palazzo Pisani Revedin.

COMMISSIONER/CURATOR

Palazzo Pisani Revedin, San Marco 4013

Abbiamo certezza di quello che i nostri sensi percepiscono? Stiamo vivendo una vita reale o il mondo in cui abitiamo è una simulazione, assai accurata e coinvolgente, concepita da una civiltà tecnologicamente superiore alla nostra, magari per gioco, per esperimento o per puro caso? A queste domande cercano di rispondere le sette artiste del progetto azero riflettendo sul rapporto tra la coscienza del genere umano e quella dell’Universo che lo circonda. Un’indagine esistenziale attuata attraverso i linguaggi della scultura, della fotografia e del collage. ENG Are we sure of what our senses per ceive? Are we living a real life or a simulation, however accurate and engaging, created by a civilization that is more technologically ad vanced than hours? A game, an experiment, a feat of chance? Seven female artists will try to answer these questions by reflecting on the re lation between the conscience of human beings and that of the universe around us, an existen tial investigation carried out using the language of sculpture, photography, and collage.

Emad Kashout EXHIBITORS

57 Repubblica Popolare del 57 BANGLADESH Time: Mask and Unmask COMMISSIONER Liaquat Ali Lucky CURATOR Viviana Vannucci EXHIBITORS Jamal Uddin Ahmed, Mohammad Iqbal, Harun-Ar-Rashid, Sumon Wahed, Promity Hossain, Mohammad Eunus, Marco Cassarà, Franco Marrocco, Giuseppe Diego Spinelli

Saousan Alzubi, Ismaiel Nasra, Adnan Hamideh, Omran Younis, Aksam Tallaa, Giuseppe Amadio, Marcello Lo Giudice, Lorenzo Puglisi, Hannu Palosuo, Franco Mazzucchelli

Il progetto siriano si appella alle tracce di una civiltà fra le più antiche della storia dell’umanità per ribadire la forza dell’arte come forma di resistenza alla brutalità della guerra. Le opere degli artisti chiamati a rappresentare il Paese, realizzate con una moltitudine di tecniche e dif ferenti materie, hanno il pregio di essere ricche, nella forma e nel contenuto, di una pluralità di influenze attraverso le quali raccogliere le fila di un destino comune : quello del popolo siriano che da oltre un decennio subisce le devastazioni di una guerra fratricida.

Quattro artisti camerunensi e quattro artisti internazionali si confrontano sul terreno delle utopie e dei sogni realizzabili nel progetto d’e sordio del Paese africano alla Biennale Arte. NFT e opere di crypto-art sono poste in stretta relazione con gli spazi espositivi per raccontare al visitatore storie collegate alla Chimera, figura mitologica che attraverso l’arte innalza lo spirito dell’uomo permettendogli di entrare in contatto con il diverso da sé. Immaginando una moltitu dine di mondi possibili, gli artisti hanno il potere di esprimere una fantasia libera da costrizioni e confini, arrivando a cambiare la società in cui viviamo senza dover sottostare a giochi di pote re o logiche di parte.

ENG Four Cameroonian artists and four international artists confront one another on the terrain of utopia and impossible dreams for the first participation of Cameroon at the Venice Art Biennale. Crypto art components and NFTs relate with the exhibition space to tell visitors stories about the Chimera, a mythological figure that, using art, elevates the spirit of man and allows him to get in touch with the Other. By imagining a plurality of different worlds, the artists acquired the power to create fantasies free from constrictions and borders, with the goal of changing one’s society and set oneself free from power play or partisan logics. Liceo Artistico Guggenheim, Dorsoduro 2613 Palazzo Ca’ Bernardo Molon, San Polo 2186 TW @GCA_DAO

ENG Through various media (perfor mance, drawing, video, sculpture, installation) Michail Michailov (Veliko Tarnovo, 1978) cre ates meditative territories where the viewer apprehends unexpected aspects of being. Following the geometry of the rooms, the artist positions the drawings from the Dust to Dust series, in which the dirt is transformed into a work of art in the metaphorical search for the meaning of everyday life. The visual series

Dopo il duro lavoro della terra gli uomini e le donne della Ande sognano e i loro sogni cre ano i fili di una stoffa che conduce alle stelle (in lingua aymara Wara Wara Jawira significa “fiume di stelle”). Espresso attraverso i lavori di ‘assemblaggio’ e tessitura del collettivo Warmi chacha, l’intricato mondo della cosmologia an dina prende forma lungo un percorso a tre livelli: Alaxpacha (Spazio infinito), Akapacha (Terra) e Manqha Pacha (Tempo e spazio delle profondità sotto la terra).

Just Keep on Going instead returns the idea of repetition without end or beginning. Finally, the largest window of the Ravà Space is hidden by Headspacing, a structure that allows only a view from the outside to the inside. Spazio Ravà, San Polo 1100 www.michailmichailov.com

PAVILIONBULGARIANTHEREYOUAREartist:MICHAILMICHAILOVcurator:IRINABATKOVA Spazio Ravà, San Polo 1100 30125 Venezia (near the Rialto Bridge) Pre-opening on 20, 21 and 22 April 23 April–27 November Opening hours:10 am–6 pm

BULGARIA

ENG After a long day of hard work in the fields, Andean men and women dream, and their dream are woven into cloth that will take us to the stars (in the Aymara language, Wara Wara Jawira means ‘river of stars’). Using ‘assembly’ and weaving techniques made by the Warmichacha collective, the intricate world of Andean cosmology comes to life over a three-level itinerary: Alaxpacha (infinite space), Akapacha (Earth), and Manqha Pacha (Time and Space from the depths of the Earth). Artspace4rent, Cannaregio 4120 59 There You Are COMMISSIONER Iara Boubnova CURATOR Irina Batkova EXHIBITOR Michail Michailov Muovendosi al confine tra pratiche diverse quali performance, disegno, video, scultura e installazione, Michail Michailov (Veliko Tarnovo, 1978) crea territori di meditazione in cui indagare aspetti impensati dell’esistenza. In dialogo con le geometrie dell’edificio, Michailov espone in maniera straniante i disegni della serie Dust to Dust, in cui la sporcizia virtuosamente dipinta è trasformata in un’opera d’arte al fine di portare avanti un’indagine metaforica sul senso della quotidianità. La serie visiva Just Keep on Going restituisce invece l’idea della ripetizione senza fine né inizio. Infine, Headspacing, infine, una struttura che occlude del tutto una grande fine stra di Spazio Ravà, tramite apposite aperture permette solo una visione dall’esterno all’interno della ‘scena’, rappresentando simbolicamente la riflessione dell’artista sullo spazio appena creato pieno di raffigurazioni mentali.

NEW ENTRY 60 Repubblica del 60 CAMERUN

53 58 BOLIVIA Wara Wara Jawira COMMISSIONER Roberto Aguilar Quisbert CURATOR/EXHIBITOR Collective Warmichacha

The Time of the Chimeras COMMISSIONER Armand Abanda Maye CURATOR Paul Emmanuel Loga Mahop, Sandro Orlandi Stagl EXHIBITORS Francis Nathan Abiamba (Afran), Angéle Etoundi Essamba, Justine Gaga, Salifou Lindou, Shay Frisch, Umberto Mariani, Matteo Mezzadri, Jorge R. Pombo, NFT (Kevin Abosch, João Angelini, Marco Bertìn (Berxit), Cryptoart Driver, Lana Denina, Alberto Echegaray Guevara, Genesis People, Joachim Hildebrand, Meng Huang, Eduardo Kac, Giulia Kosice, Julio Le Parc, Marina Nuñez, Miguel Soler-Roig, Miguel Ángel Vidal, Burkhard von Harder, Gabe Weis, Clark Winter, Shavonne Wong, Wang Xing, Alessandro Zannier, ZZH)

65 GEORGIA I Pity the Garden COMMISSIONER Magda Guruli CURATORS Vato Urushadze, Khatia Tchokhonelidze, Giorgi Spanderashvili EXHIBITORS Mariam Natroshvili, Detu Jincharadze Un’installazione video e un’esperienza di realtà virtuale immergono il visitatore in un metaforico giardino vuoto che si secca, si incendia e infine muore. I segni della fine si manifestano in un orizzonte infuocato, in una città svuotata dei suoi abitanti, in un cane che latra incatenato ad un muro di parole o negli scaffali di un negozio presi d’assalto dagli insetti. L’uomo è assente: riman gono solo le tracce dei suoi errori irrimediabili quali profonde ferite inferte al Pianeta.

54 61 CANADA/2 2011 ≠ 1848

COMMISSIONER National Gallery of Canada CURATOR Reid Shier EXHIBITOR Stan Douglas Articolato in due sedi, nel Padiglione canadese ai Giardini e presso i Magazzini del Sale 5, il progetto di Stan Douglas (Vancouver, 1960) delinea – facendo uso di una combinazione di fotografia e videoinstallazione – un parallelo tra i moti che attraversarono l’Europa nel 1848 e quelli che interessarono più latitudini nel 2011, fra cui la Primavera araba, le manifestazioni di Occupy Wall Street negli Stati Uniti e le proteste in Gran Bretagna contro le misure di austerity. La riflessione di Douglas si concentra sulle cau se che generarono questi conflitti e sul modo in cui vennero affrontati dai media e consegnati alla storia, anche attraverso lo sguardo sempre più capillare e incontrollato dei social media.

ENG The Ivorian project merges art from six past and present artists who share the com mon goal of tracing a line between memory and destiny to show the essential role African culture has. Dreams create images, myths, and echoes of tradition. They tell a story that can be about one’s life, especially childhood, and can develop the ability to blend together tradition and innovation, memory and vision, for a future that awaits being built. Magazzini del Sale 3, Dorsoduro 264 CROAZIA Untitled (Croatian Pavilion)

ENG The Latin term terra ignota indicated, in ancient cartography, territories that were yet to be discovered. In two words, the limits of our knowledge and man’s desire to go beyond those limits. For a long time, the term hadn’t been used. Today, though, it proves useful for unidentified areas in planets and satellites around the solar system. The three artists of the Cuban project implicitly ask the public: is it more important to discover new territories to conquer beyond our physical capabilities, or to find new ways to live in harmony with people and nature? Isola di San Servolo

ENG A video installation and a VR expe rience will immerse viewers in a metaphorical garden that dries up, catches fire, and dies. The signs of the end show in the blistering

PARTICIPATIONSNATIONAL

ENG Croatia strays from the traditional national pavilion formula based on a per manent exhibition to produce an innovative project that involves a total of thirty artists and authors led by Tomo Savic´-Gecan, an artist who usually does not produce exhibitions at all, but uses empty spaces for performance art. Every morning, five of them will be notified on where and when to go and what kind of perfor mance they shall put in place. All is guided by an artificial intelligence programme. The art will spread out to other Pavilions and all around town in the name of sharing and coexistence.

62 COSTA D’AVORIO The Dreams of a Story

National Participations AROUND TOWN

ENG Covering two exhibition venues, the Canadian Pavilion at Giardini and a space at Magazzini del Sale 5, the Biennale project by Stan Douglas (Vancouver, 1960) uses a combi nation of photography and video installation to draw a parallel between the European revolu tions of 1848 and the demonstrations for politi cal change that shook several parts of the world in 2011 – chiefly the Arab Spring, Occupy Wall Street, and protests against austerity measures in the UK. Douglas’s reflections focus on the root causes of these conflicts and on the way they were portrayed by the media and handed over to history, privileging the limitless, perva sive power of social media. Magazzini del Sale 5, Dorsoduro 262 www.gallery.ca

Via Garibaldi, Castello 1513 FB @CroatianPavilionVenice ProposalsIGNOTAforaNew World COMMISSIONER Norma Rodriguez Derivet CURATOR Nelson Ramirez de Arellano Conde

2022 COMMISSIONER Ministry of Culture and Media of the Republic of Croatia CURATOR Elena Filipovic EXHIBITOR Tomo Savic´-Gecan

COMMISSIONER Henri Koffissé N’koumo CURATORS Massimo Scaringella, Alessandro Romanini EXHIBITORS Frédéric Bruly Bouabré, Abdoulaye Diarrassouba dit Aboudia, Armand Boua, Saint-Etienne Yéanzi dit Yeanzi, Laetitia Ky, Aron Demetz Il progetto ivoriano mette insieme sei artisti del passato e del presente accomunati dalla volontà di tracciare una linea tra memoria e destino, al fine di vedere riconosciuto il ruolo essenziale della cultura africana. I sogni creano spontane amente immagini, miti ed echi di tradizioni orali o scritte e raccontano storie che, riferendosi al vissuto, in particolare all’infanzia, sono in grado di sviluppare, specie nelle nuove generazioni, la capacità di fondere tradizione ed innovazione, memoria e visione, per un domani ancora tutto da costruire.

64 CUBA TERRA

La Croazia rinuncia alla tradizionale formula dei padiglioni nazionali basati su una mostra per manente per rivolgersi ad un progetto innovativo che coinvolge nel complesso un gruppo di trenta artisti e autori guidato, durante tutti e sette i mesi della Biennale, da Tomo Savic´-Gecan, artista che di norma ‘non espone’, utilizzan do in modo performativo gli spazi vuoti. Ogni mattina cinque di loro riceveranno istruzioni via smartphone su quando e dove recarsi e su che tipo di performance mettere in scena sulla base di quanto progettato e gestito da un sistema di intelligenza artificiale. La loro arte si diffonderà negli altri Padiglioni e in tutto il centro storico in nome della condivisione e della convivenza.

EXHIBITORS Rafael Villares, Kcho, Giuseppe Stampone Terra ignota è una locuzione latina che nella cartografia antica indicava i territori sconosciuti in attesa di essere scoperti. Due parole che de finiscono sia i limiti della nostra conoscenza, sia il desiderio insito nell’uomo di superare tali limiti. Dopo un lungo periodo di abbandono, il termine è tornato ad essere utilizzato per descrivere le aree non identificate di pianeti e lune del sistema solare. I tre artisti del progetto cubano, fra cui l’italiano Giuseppe Stampone, pongono al pub blico una domanda su tutte: se sia più importan te scoprire nuovi territori da conquistare al di là dei nostri confini fisici, oppure se sia invece più utile e urgente trovare nuove forme di armonia e di integrazione tra l’uomo e la natura al fine di raggiungere le rive di una nuova definizione di umanità.

RAQIB SHAW PALAZZO DELLA MEMORIA A cura di Sir Norman Rosenthal 22.04 – 25.09.2022 Ca’ GalleriaPesaroInternazionale d’Arte Moderna Santa Croce 2076, 30135 Venezia In collaborazione con White Cube

ENG The guiding idea of the Grenadian space is the reclamation of a right to diversi ty, to multilingualism, multiethnicity, based on literary sources such as the philosophy of Martinican author Édouard Glissant or Shake speare’s immortal words. In one of the most outstanding moments of this performance, artists will stage Shakespeare Mas, a traditional, multi-ethnic representation of pieces from the Julius Ceasar that is usually done in Carriacou Island. This re-enactment represents a unique mix of elements from African, French, English, Scottish, and Italian cultures, exemplifying the process of cultural contamination. Il Giardino Bianco Art Space Via Garibaldi 1814 www.nowgrenada.com COMMISSIONER Felipe Amado Aguilar Marroquin, Minister of Culture CURATOR/EXHIBITOR Christian Escobar “Chrispapita” L’imponente dipinto dell’artista iperrealista Chrispapita – 7 metri di lunghezza per quasi 3 di altezza – domina lo spazio minimalista del pa diglione guatemalteco, introducendo una rifles sione sulla rappresentazione dell’essere umano nella società, le sue relazioni e la sua storia. Fin dal titolo Inclusion mette in luce i valori della multiculturalità su cui si fonda la società del pa ese centramericano, che ha saputo imparare la lezione subita dalle profonde ferite inferte sul suo corpo sociale dalla propria storia rafforzando una spinta volta a costruire e unire, anziché di struggere e allontanare. Ad accompagnare il di pinto, omaggio a grandi muralisti latinoamericani quali Diego Rivera e José Clemente Orozco, una selezione di video prodotti dalla facoltà di cine ma dell’Università Francisco Marroquín proiettati a ciclo continuo.

SPUMA – Space For The Arts Giudecca 800/R www.guatemalapavilion.com 68 Repubblica del 68 KAZAKHSTAN

CentreLAI–PI–CHU–PLEE–LAPAfortheNewGenius COMMISSIONER Meruyert Kaliyeva CURATOR/EXHIBITOR ORTA collective (Alexandra Morozova, Rusten Begenov, Darya Jumelya, Alexander Bakanov, Sabina Kuangaliyeva) Riferendosi al pensiero dell’artista e scrittore Sergey Kalmykov (1891-1967), il Centro per il Nuovo Genio intende aprire a Venezia un “porta le sulla quarta dimensione” articolato in cinque sezioni: Sala d’Ingresso, Sala delle Caramelle, Sala Principale, Cortile e Sala delle Ricerche sul la Morte. La mostra è un’occasione per ricordare

68667071

56 National Participations AROUND TOWN PARTICIPATIONSNATIONAL landscape, a city devoid of people, a car dog howling while chained to a wall of words, the shelves of a store raided by insects. Man is absent – only the traces of his irreparable mis takes are left, like deep wounds in our planet. Spazio Punch, Giudecca 800/O www.ipitythegarden.com 66 GRENADA An Unknown that Does Not Terrify COMMISSIONER Susan Mains CURATOR Daniele Radini Tedeschi EXHIBITORS Cypher Art Collective of Grenada (Oliver Benoit, Billy Gerard Frank, Ian Friday, Asher Mains, Susan Mains, Angus Martin, Samuel Ogilvie), Giancarlo Flati, Identity Collective, Anna Maria Li Gotti, Nino Perrone, Rossella Pezzino de Geronimo, Marialuisa Tadei Idea guida dello spazio di Granada è una rivendicazione del diritto alla diversità, al mul tilinguismo e alla multietnicità ispirata a fonti di matrice letteraria, fra cui l’opera filosofica dello scrittore della Martinica Édouard Glissant o le immortali parole di Shakespeare. In uno dei momenti salienti dell’installazione performativa gli artisti mettono in scena la Shakespeare Mas, una rappresentazione tradizionale di carattere multietnico eseguita nell’isola di Carriacou, durante la quale vengono recitati dei passi del Giulio Cesare. La rievocazione rappresenta una fusione unica di elementi mutuati dalla cultura africana, francese, inglese, scozzese e italiana, incarnando in maniera esemplare il processo di contaminazione tra saperi.

ENG The imposing painting by hyperre alist artist Chrispapita – 7×3 metres – domi nates the minimalist space of the Guatemalan Pavilion and makes us reflect on the rep resentation of the human body in society, its relationship, and its history. The title – Inclusion – highlights the values of multiculturalism – the founding ground of Guatemalan society, which knew how to learn from its history and was able to build and unite instead of destroy and push away. To accompany the painting, itself an homage to great Latin American mural paint ers such as Diego Rivera and José Clemente Orozco, a collection of videos produced by the cinema school of the Francisco Marroquín Uni versity.

67 GUATEMALA Inclusion

72 Repubblica della 72 MACEDONIA 72 DEL NORD Landscape experience

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 57 TOWNAROUND in modo esaustivo la vita e il lavoro di Kalmykov in un viaggio emozionante attraverso la sua stra ordinaria produzione artistica, originale e molto prolifica, caratterizzata da una visione particola re ed eccentrica del mondo, sempre fuori dagli schemi precostituiti della società.

Hydro Space, Giudecca Art Center Giudecca 211/C www.firouzfarmanfarmaian.comwww.gatesofturanofficial.com COMMISSIONER Ke˛stutis Kuizinas CURATOR Neringa Bumbliene˙ EXHIBITOR Robertas Narkus

71 LITUANIA Gut Feeling

L’undaria pinnatifida è un’alga invasiva che dall’Estremo Oriente si è diffusa su larghissima scala e che oggi è presente anche nella laguna di Venezia. L’alga rappresenta una fonte di cibo nutriente, facilmente reperibile e rapidamente rinnovabile che nel progetto lituano assume un valore simbolico e al tempo stesso concreto e propositivo. In collaborazione con un esperto di fermentazione, Robertas Narkus (Vilnius, 1983) ha creato in un campo à l’ancienne nel sestiere di Castello uno spazio sociale che, con l’aiuto di scienziati, artisti, residenti e piccole imprese locali, funziona come un laboratorio di trasfor mazione del prodotto. ENG Algae undaria pinnatifida is an in vasive species that originates in the Far East and is now present in the Venetian Lagoon. The seaweed is nutritious and easily harvested. In the Lithuanian project, it assumes a symbolic, yet concrete and propositional value. By coop erating with experts on fermentation, Robertas Narkus (Vilnius, Lithuania, 1983) created an old-style vegetable orchard – a social space that, thanks to the help of scientists, artists, res idents, and local small business, functions as a processing shop. Campo de le Gate, Castello 3200 www.gutfeeling.xyz

ENG Using a methodological, philosoph ical approach, the Kenyan project investigates the relationships between the participants to a conversation, questioning dynamics such as the role reversal between speaker and listener, and the transformation of subjective reality into shared reality. The overlapping of conversa tion, story, knowledge, and history activates processes that allow us to confront our posi tions, extend our knowledge, and analyze indi vidual and collective experiences.

ENG The multi-sensorial installation by Firouz Farman Farmaian is composed of ten Shirdaks, the traditional white felt rugs used in Kyrgyz yurts. On the rugs, Farmaian drew the flags of ancient Turanian communities, who once lived nomadically around Central Asia. The artist asked for the help of Kyrgyz crafts women, who know how to shrink and matte wool cloth using heat and water pressure. A large dome adds to the installation a magical, almost sacred atmosphere.

è composta

La sovrapposizione tra conversazione, racconto, conoscenza e storia innesca processi che ci permettono di confrontare le nostre posizioni, ampliare le nostre conoscenze e analizzare in profondità esperienze individuali e collettive.

L’installazione multi-sensoriale

ENG With reference to the thought of artist and author Sergey Kalmykov (1891-1967), the Centre for the New Genius intends to open a ‘portal on the fourth dimension’ in Venice. The project comprises five sections and is a chance to get to know the life and work of Kalmykov, who made extraordinary, original, prolific art thanks to his peculiar eccentric vi sion of the world. Spazio Arco, Dorsoduro 1485 www.kazakistanpavilion.com | www.orta.kz Conversation COMMISSIONER Kiprop Lagat CURATOR Jimmy Ogonga EXHIBITORS Dickens Otieno, Syowia Kyambi, Kaloki Nyamai, Wanja Kimani Il progetto keniota indaga le relazioni che inter corrono tra i partecipanti di una conversazione, interrogandosi su dinamiche quali l’interscambio di ruoli tra chi parla e chi ascolta e la trasforma zione di una realtà soggettiva in realtà condivisa.

CURATOR Janet Rady EXHIBITOR Firouz Farman

man

COMMISSIONER Dita Starova Qerimi, National Gallery of the Republic of North Macedonia CURATORS Ana Frangovska, Sanja Kojic Mladenov EXHIBITORS Robert Jankuloski, Monika Moteska

Robert Jankuloski e Monika Moteska si inter rogano sulle tante contraddizioni che hanno segnato la storia della nostra specie fin dalla sua comparsa sulla Terra, ponendosi domande esistenziali e riflettendo sui concetti di “libero arbitrio” e “scelta personale”. Nei loro lavori, soprattutto video e fotografie, i due artisti mo strano una varietà di piante e oggetti distrutti sullo sfondo di paesaggi abbandonati come mo nito sugli effetti irreversibili che lo sfruttamento incontrollato delle risorse naturali del Pianeta sta causando. ENG Robert Jankuloski and Monika Moteska question the contradictions that char acterized the history of our species since its inception on Earth. Their existential research reflects on the concepts of free will and per sonal choice. In their art, especially video and photography, the two artists show different plants and broken objects over a background of abandoned landscapes – a forewarning of the irreversible effects that uncontrolled exploita tion of the planet’s natural resources will cause. Scuola dei Laneri, Santa Croce 113/A www.nationalgallery.mk 73 MONGOLIA A Journey VulnerabilityThrough COMMISSIONER Nomin Chinbat, Minister of Culture of Mongolia; CURATOR Gantuya Badamgarav EXHIBITOR Munkhtsetseg Jalkhaajav Aborto spontaneo, Sogno di gazzella e Impulso della vita sono le tre stanze che mettono il visita tore in contatto con le sculture morbide, i collage e i video realizzati da Munkhtsetseg Jalkhaajav “Mugi” (1967) negli ultimi suoi quindici anni di attività. L’artista dichiara che l’arte è l’unico lin guaggio possibile per esprimere sentimenti quali il dolore e la paura, in un percorso che ruota at torno a concetti quali “reincarnazione” e “guari gione”. Figure di donne e di animali restituiscono il mondo intimo di Mugi, allo stesso tempo fragile e potente, intessuto di collegamenti invisibili ma indissolubili. ENG Miscarriage, Dream of Gazelle, and Pulse of Life are the three halls that allow the visitors to access the soft sculptures, the collag

Fàbrica 33, Cannaregio 5063 70 Repubblica del 70 KIRGHIZISTAN Gates of Turan COMMISSIONER Saltanat Abdyldaevna Amanova Farmaian di Firouz Far Farmaian da dieci Shirdak, tradizionali tappeti di feltro bianco usati nelle yurte kirghise, sui quali l’artista ha disegnato i vessilli di altrettante comunità dell’antica Turan, una vasta regione dell’Asia centrale abitata da tribù nomadi. L’artista si è avvalso della colla borazione di un gruppo di artigiane kirghise abili nel restringere e opacizzare le fibre di lana utilizzando il calore e la pressione dell’acqua. Una monumentale cupola a pozzo aggiunge all’installazione un’atmosfera che richiama uno spazio sacro cerimoniale.

69 KENYA Exercises in

#bestrestaurants#luggagecare#delivery#ondemand Easy does it. Let us do it.

The future has already been and we are remembering it as we imagine it. The Mon tenegrin artist group, diverse for geographical and social origin, composed a sort of sci-fi epic around multi-temporal, inter-generational im ages. Using paintings, installations, crafts, po etry, and archive documents, the artists show the healing potential inherent to art. Palazzo Malipiero, San Marco 3078-3079/A www.montenegropavilion.com

COMMISSIONER Chancellor Kancha Kumar Karmacharya (Nepal Academy of Fine Arts), Sangeeta Thapa (Founder Director Siddhartha Arts Foundation)

COMMISSIONER Marcellinus Swartbooi, Senior Art Education Officer of the Directorate of Arts: Ministry Education, Arts Culture anni fa nel deserto del Namib, il più anti co del mondo, comparvero delle statue fatte di sassi e tondini di ferro, figure umane stilizzate e senza nome identificate solo da una frase e da un numero. Allo stesso modo gli autori del pro getto si celano dietro uno pseudonimo, RENN, rifiutando qualsiasi connotazione di identità. Fondendosi con l’ambiente circostante come parte di un’unica creazione artistica, le sculture diventano una chiave di lettura per riflettere sul rapporto tra opera e luogo che la ospita, oltre che tra opera e fruitore, dal momento che possono essere viste solo da chi si avventuri in questo particolare ambiente ostile e dalla tribù degli Himba, tra le ultime popolazione al mondo a vivere secondo un modello pre-tecnologico.

Chiesetta della Misericordia – Art Events Campo de l’Abazia, Cannaregio 3548 www.mondriaanfonds.nl 78 PORTOGALLO Vampires in Space COMMISSIONER Direção-Geral Das Artes CURATORS João Mourão, Luís Silva EXHIBITOR Pedro Neves Marques Le architetture gotiche di Palazzo Franchetti si trasformano in una futuristica astronave lanciata nello spazio profondo alla ricerca di vampiri. Il viaggio cosmico intrapreso da Pedro Neves Marques (1984) è tuttavia fortemente introspet tivo e invita il visitatore ad affrontare questioni come identità di genere, sessualità, riproduzione e gestazione attraverso installazioni site-specific e video proiezioni. Una riflessione che si riferisce all’umano e al non umano, di cui Marques ap profondisce le dinamiche sociali ed economiche ponendo particolare attenzione a concetti quali violenza, controllo, potere e speranza.

77 PAESI BASSI When the Body Says Yes

ENG Several years ago, in the Namib desert – the world’s oldest – statues made of rocks and rebar showed up. They were crude outlines of nameless human figures, only iden tified by some wording and a number. In the same way, the authors of the Namibian project hid behind a pseudonym, RENN, and refuse to submit to an identity. They blend with the surrounding environment as part of a single art creations as these sculptures become an inter pretation key to reflect on the relationship be tween art and the place it is located as well as between art and viewer, since the sculptures can only be seen in person by adventuring into the hostile lands of the Himba tribes, one of the last population in the world that lives in pre-technological fashion. Isola della Certosa www.biennalenamibia.art NEW ENTRY 76 NEPAL Tales of Muted SpiritsDispersed Shangri-LaThreads-Twisted

CURATOR Marco Furio Ferrario EXHIBITORS RENN Diversi

COMMISSIONER Mondriaan Fund CURATORS Orlando Maaike Gouwenberg, Geir Haraldseth, Soraya Pol EXHIBITOR melanie bonajo Secondo melanie bonajo (Heerlen, 1978; vive e lavora tra Amsterdam e New York) il sentimento è una forma di intelligenza, è il pensare attra verso il tatto. In un ambiente ovattato e isolato rispetto al mondo esterno, l’artista invita a riflet tere sulla percezione dell’intimità e sul senso del tatto come soluzione possibile ed efficace con tro l’epidemia contemporanea della solitudine.

CURATORS Hit Man Gurung, Sheelasha Raj Bhandari EXHIBITOR Ang Tsherin Sherpa (also known as) Tsherin Sherpa Tsherin Sherpa (Kathmandu, 1968), uno dei più importanti artisti contemporanei del Nepal, ha instaurato una proficua collaborazione con molti artisti suoi connazionali per attingere ai materiali frutto di radici comuni, attraverso testimonian ze, linguaggi tramandati e rituali quotidiani. Il passato viene messo in gioco al fine di superare l’immaginario collettivo occidentale viziato da una visione romantica, che inquadra il Nepal e la più ampia regione himalayana come un territorio statico, non toccato dal tempo e dalla moderni tà, intriso di misticismo e sacralità.

ENG Tsherin Sherpa (Kathmandu, Nepal, 1968) is a prominent Nepalese contemporary artist. He initiated a fruitful cooperation with many other Nepalese artists to work on their common roots, testimonies, languages, and rituals so that the past can be used to go be yond the western imagery, which suffers from a romanticized point of view and sees Nepal and the Himalayan region at-large as a static piece of territory, untouched by time and modernity, or a land of mysticism and sacredness.

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 59 National Participations AROUND TOWN TOWNAROUND es, and video art made by Munkhtsetseg Mugi Jalkhaajav (1967) over the last fifteen years of activity. Jalkhaajav states that art is the only lan guage that is capable of conveying feelings as pain or fear. This is shown in an itinerary that revolves around the concepts of reincarnation and healing. Figures of women and animals show what’s inside the artist’s world, at once fragile and powerful, saturated with invisible, yet indissoluble, connections. Calle San Biasio, Castello 2131 www.mongolia-pavilion-venice-biennale.com 74 MONTENEGRO The Art of Holding Hands as We Break Through the Sedimentary Cloud COMMISSIONER Jelena Božovic´ CURATOR Natalija Vujoševic´ EXHIBITORS Dante Buu, Lidija Delic´ & Ivan Šukovic´, Darko Vucˇkovic´, Jelena Tomaševic´, Art Collection of Non-Aligned Countries (Zuzana Chalupova, Rene Portocarrero, unknown author from Iraq and Bernard Matemera) Il futuro è già stato e noi, immaginandolo, lo stiamo ricordando. Il gruppo di artisti del Mon tenegro, eterogeneo per provenienza geografica e sociale, compone una sorta di poema fanta scientifico costruito attorno a immagini multi temporali e intergenerazionali. Attraverso pittura, installazioni, pratiche di artigianato, poesia e documenti di archivio gli artisti evidenziano il potenziale curativo insito nell’arte. ENG

Sant’Anna Project Space One, Castello 994 IG @nepalinvenice

When the Body Says Yes è - nelle sue parole“un incantesimo collettivo, un campo del piacere positivo, un eros queer eco-erotico, un luogo di caos produttivo e di cura reciproca, dove impa riamo a conoscerci attraverso il tatto”.

ENG According to melanie bonajo, feel ings are a kind of intelligence. They equal thinking by means of touch. In a protected environment, isolated from the outside world, the artist invites us to reflect on the percep tion of intimacy and on the sense of touch as a possible, practical solution against the modern loneliness epidemic. When the Body Says Yes is, in their words, “a collective spell, a positive field of pleasure, eco-erotic queer eros, a place of productive chaos and mutual care, where we get to know one another using touch.”

NEW ENTRY 75 NAMIBIA A Bridge to the Desert

and

Forte Marghera, Mestre

The Gothic architecture of Palazzo Franchetti turns into a futuristic spaceship launched into deep space, looking for vam pires. The cosmic journey taken by Pedro Neves Marques is an introspective one, and in vites visitors to question gender identity, sexu ality, reproduction, and pregnancy by means of site-specific installations and video screenings. This reflection will be about the human and the non-human, while Neves Marques reflects on the social and economic dynamics and on the concepts of violence, control, power, and hope. Palazzo Franchetti, San Marco 2847 www.vampiresinspace.pt

The artist challenges social and visual conven tions by building a cathedral of the body using a new artistic grammar. New Gallery of the Romanian Institute for Culture and Humanistic Research Palazzo Correr, Campo Santa Fosca Cannaregio 2214 www.cathedralofthebody.com

80 SAN MARINO Postumano Metamorfico COMMISSIONER Riccardo Varini CURATORS Alessandro Bianchini, Cristian Contini, Roberto Felicetti, Fulvio Granocchia, Pasquale Lettieri, James Putnam, Riccardo Varini; Angela Vettese EXHIBITORS Elisa Cantarelli, Nicoletta Ceccoli, Roberto Paci Dalò, Endless, Michelangelo Galliani, Rosa Mundi, Anne-Cécile Surga, Michele Tombolini

79 ROMANIA/2 You Are Another MeA Cathedral of the Body

www.biennaleveneziasanmarino.com NEW ENTRY 81 UGANDA Radiance:

60 National Participations AROUND TOWN PARTICIPATIONSNATIONAL ENG

COMMISSIONER Attila Kim CURATORS Cosmin Costinas, Viktor Neumann EXHIBITOR Adina Pintilie Celebrato da critica e pubblico per l’estetica raffinata e l’avanguardia stilistica, Touch Me Not, film che parla delle difficoltà di tre persone con il contatto fisico, fece vincere ad Adina Pintilie (Bucarest, 1980) l’Orso d’Oro al Festival di Ber lino nel 2018. Ora la regista rumena prosegue in chiave artistica la sua riflessione sul corpo come portatore e simbolo di concetti contrastanti, legati tanto all’intimità e alla sessualità quanto alla solidarietà tra individui appartenenti al me desimo, frammentato paese. Pintilie sfida così convenzioni sociali e visive, edificando la sua cattedrale del corpo su nuove sintassi e inedite grammatiche espositive.

Gli otto artisti coinvolti si confrontano su temi quali sostenibilità, ecologia, progresso e biotec nologia, ipotizzando nuove forme di esistenza possibile, alla ricerca di un equilibrio tra quello che le nostre capacità concrete ci consentono di modificare e i ‘possibili futuri’ che i nostri sogni ci permettono di immaginare.

Palazzo Palumbo Fossati, San Marco 2597 www.ugandapavilion.org 82 Repubblica dello 82 ZIMBABWE

COMMISSIONER Raphael Chikukwa, National Gallery of Zimbabwe CURATOR Fadzai Veronica Muchemwa EXHIBITORS Wallen Mapondera, Ronald Muchatuta, Kresiah Mukwazhi, Terrence Musekiwa L’imprevisto, il perturbante, il non convenzionale: I Did not Leave a Sign è una mappa esistenziale che fornisce i punti di riferimento per orientarci nel dolore, un manifesto di amore e crisi che eleva la nostra esistenza al di sopra delle paure e delle insicurezze che ci trasformano in esseri disincarnati e scollati dal mondo. La proposta dello Zimbabwe guarda nel profondo di ciascu no di noi e ci sprona a ricercare storie di armonia e ispirazione per far sì che possiamo accogliere nel nostro mondo interiore l’inclusione, la genti lezza, la magia, l’appartenenza.

I Did not Leave a Sign

Istituto Santa Maria della Pietà Calle della Pietà, Castello 3702

ENG The unexpected, the disturbing, the unconventional: I Did not Leave a Sign is an ex istential map that provides the reference point to find our way out of pain, a manifesto of love and crisis that elevates our existence above fear and those uncertainties that can turn us into disembodied beings, detached from the real world. The Zimbabwean project looks into our deepest and encourages us to research stories of harmony and inspirations, so that we can welcome into our world inclusion, kind ness, magic, and a sense of belonging.

ENG Eight artists confront the themes of sustainability, ecology, progress, and biotech nology, speculating about new possible forms of existence and looking for a balance between our capabilities and the possible future that we can make up in our dreams. Palazzo Donà dalle Rose Fondamenta Nove, Cannaregio 5038 They Dream Time COMMISSIONER Naumo Juliana Akoryo CURATOR Shaheen Merali EXHIBITORS Acaye Kerunen, Collin Sekajugo Per mezzo della scomposizione di materiali funzionali e dell’utilizzo di creazioni artigianali Acaye Kerunen riporta l’opera alla sua funzione di narrazione di nuove storie e significati. La sua attenzione è rivolta al lavoro delle donne, custo di del territorio, che assume una forte valenza anche nella salvaguardia stessa dell’ecosistema climatico. Collin Sekajugo si rimette alla cultura popolare manipolando le comuni immagini per rivelarne i pregiudizi intrinsechi conformati ad una visione occidentale, mettendo in luce il capovolgimento antropologico della cultura con temporanea prevalente. Il suo linguaggio è irrive rente, del tutto africano, con esito di teatro puro.

ENG By breaking down functional materi als and using artisanal creations, Acaye Keru nen gives art back its narrative function. Her attention is focused on the work of women, the guardians of territory, and their work’s value in safeguarding the climate and the ecosystem. Collin Sekajugo refers to popular culture as he manipulates everyday images to reveal inher ent prejudice due to western vision, all while highlighting the anthropological inversion of prevalent modern culture. His language is purposefully disrespectful and very African –resulting in theatre-like art experience.

Elisa Giardina Papa Spetta ad Elisa Giardina Papa, (vedi p.85 the MAG), artista italiana i cui lavori affrontano i temi di genere e della sessualità, il compito di realizzare l’intervento specifico a Forte Mar ghera nella Polveriera austriaca. Il suo lavoro intreccia tradizioni siciliane e contro-scenari moderni e post-apocalittici ambientati a Gi bellina Nuova (TP). ENG Italian artist Elisa Giardina Papa (p.85 the MAG ) confronts the themes of gender and sexuality in her site-specific project at Forte Marghera, in the Austrian Armoury building. Her work draws on Sicil ian tradition and modern post-apocalyptic counter-sceneries and is set in the town of Gibellina Nuova, in the far southwest of Italy.

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 61 Maelee Lee: Genesis Curated by Dr. Thalia Vrachopoulos 19.04 > 28.06.2022 Galleria San Polo, Ruga Vecchia S. Giovanni San Polo 387 - Venice Visiting hours: Tuesday- Sunday h. 11am-6pm (Mon closed) Opening: 19th April h. 6pm leemaelee.works

EVENTSCOLLATERAL the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 63

ORGANIZED BY Fondation Louis Vuitton Abituata con i suoi interventi, ampi e spettaco lari, a indagare le potenzialità della pittura ben oltre i limiti di una cornice o di una tela, anche questa volta Katharina Grosse abbraccia pareti e pavimenti offrendo ai visitatori un ambiente rivestito di nero, dal quale emerge l’immagine delle sue mani stampate su una maglia metallica nel momento in cui l’atto creativo mescola i con fini tra corpo e materia colorata. Nel contesto veneziano di acqua e bagliori, la fluidità del me tallo e la vivacità cromatica dell’opera si caricano di intensità in un mondo onirico in cui i visitatori confondono realtà e illusione.

64 83 ARSENALE DOCKS Alberta Whittle. “deep dive (pause) uncoiling memory” ORGANIZED BY Scotland + Venice Lavorando con arazzi, film e sculture, Alberta Whittle crea un ambiente immersivo che invita a rallentare e, attingendo alla sua doppia anima barbadiana e scozzese, a esplorare temi provo catori, dalla sostenibilità, alla decolonizzazione, alla brutalità della polizia. Attraverso un collage di immagini, materiali e forme, l’installazione restituisce l’impegno semantico dell’artista nell’analizzare criticità storiche e contemporanee insieme delle nostre società quali il razzismo, il colonialismo, la migrazione, individuando nell’auto-compassione e nella cura collettiva le disposizioni, i metodi chiave per combattere l’“anti-nero”.

Collateral Events AROUND TOWN EVENTSCOLLATERAL

Castello 2126 (fronte ingresso Arsenale) 2022.vbexhibitions.hk | www.mplus.org.hk www.hkadc.org.hk 85 CSDCA Angels Listening Rachel Lee Hovnanian ORGANIZED BY Centro Studi e Documentazione della Cultura Armena Sette angeli di grandi dimensioni in bronzo bian co resi muti con due pezzi di nastro sulla bocca e collocati intorno a un confessionale d’argento riempiono un ambiente che è al tempo stesso spazio espositivo e meditativo. Gli spettatori sono invitati a scrivere i propri pensieri più intimi e privati su nastri che vengono poi affidati al segreto del confessionale insieme al suono di una campana del risveglio. Un atto performativo di sollievo emotivo che spinge alla riflessione su questioni urgenti legate all’identità, alla cono scenza e al tempo, ma anche all’esperienza e alle relazioni interpersonali.

ENG Used to make wide-ranging, spec tacular interventions, and to investigate the potential of painting beyond the limits of a frame or a piece of canvas, Katharina Grosse embraced walls and floors as she prepared an all-black environment. From it, printed on iron mail, is the image of her hands in the moment when artistic creation blurs the border be tween body and colour. In the Venetian contest of water and glare, the fluidity of metal and the colourful liveliness of art load in intensity with in a world of dreams that blends reality with illusion. Calle del Ridotto, San Marco 1353

FONDAZIONEDELL’ALBERO D’ORO Bosco Sodi a Palazzo Vendramin Grimani. What Goes Around Comes Around

ORGANIZED BY Fondazione dell’Albero d’Oro L’artista messicano Bosco Sodi (1970) ha lavo rato alle opere in mostra direttamente a Palazzo Vendramin Grimani in una speciale residenza che gli ha permesso di ‘assorbire’ l’atmosfera della grande arte e storia di Venezia. La scintilla iniziale del progetto è stata la cocciniglia, il pig mento rosso intenso e vibrante ricavato da un parassita delle piante, originario del Messico e dell’America Centrale, che raggiunse l’Europa e Venezia nella prima metà del 1500 divenendo uno dei colori pregiati utilizzati dai Maestri più importanti dell’arte rinascimentale veneziana, in primis Tiziano naturalmente. Il colore rosso (e il nero), quindi, rappresenta il legame profondo che unisce la collezione antica del Palazzo alle opere create da Bosco Sodi. La mostra è curata da Daniela Ferretti, Dakin Hart. ENG Mexican artist Bosco Sodi worked on the art exhibited right here at Palazzo Ven dramin Grimani, in a special resindency that allowed him to ‘absorb’ the atmosphere of the great art and history of Venice. The project was initiated around the bright red pigment made from scale insect, a plant parasite originating from Central America that reached Europe, and Venice, in the early 1500s. Soon, the great est artists of the Venetian Renaissance learned to employ the pigment in their art. The colour red (and black) represent the strong link that unites the ancient art collection at the Palazzo with Sodi’s art. Palazzo Vendramin Grimani, San Polo 2033 www.fondazionealberodoro.org

ENG Using tapestry, film, and sculpture, Alberta Whittle creates an immersive envi ronment that invites us to slow down. Whittle draws from her Barbadian and Scottish identi ties to explore provoking themes, from sustain ability to decolonization to police brutality. Us ing a collage of images, materials, and shape, her installation renders the artist’s semantic commitment to analyze historical and modern situations in our societies such as racism, colo nialism, migration. Whittle finds in self-empa thy and in collective caretaking the disposition and key methods to fight anti-blackness. Docks Cantieri Cucchini San Pietro di Castello 40 www.scotlandandvenice.com

86 FONDATION LOUIS VUITTON APOLLO, APOLLO

ORGANIZED BY M+, West Kowloon Cultural District Authority and Hong Kong Arts Development Council Conosciuta per i suoi gotici disegni biomorfici, i ricami con i capelli e i suoi pseudo-documentari, Angela Su è protagonista della monografica presentata da M+ e curata da Freya Chou. Ispi randosi alla levitazione, metafora organizzativa presente in tutta la sua opera, l’artista assume le sembianze di un alterego fittizio per esplorare le infinite valenze culturali e politiche del librarsi in aria. Fulcro della mostra, The Magnificent Levi tation Act of Lauren O è uno pseudo-documen tario che narra la storia di una donna convinta di poter levitare e del suo coinvolgimento con un movimento pacifista chiamato Laden Raven. Intrecciando realtà e finzione, Angela Su crea un mondo ibrido, alternativo, un Latte dei sogni dove esplorare idee ed esperienze che non pos sono essere affrontate altrimenti. ENG Known for her Gothic biomorphic drawings, hair embroidery, and mockumen taries, Angela Su’s monograph is presented by M+ and curated by Freya Chou. Inspired by levitation, a metaphor that is present in all her work, the artist dons a fictitious persona to explore the limitless cultural and political po tential of being able to float mid-air. The focus of the exhibition, The Magnificent Levitation Act of Lauren O, is a mockumentary about a woman who believes she is able to levitate and her involvement with a pacifist movement called Laden Raven. A mix of truth and fiction, Su’s world is hybrid, alternative, a Milk of Dreams where one can explore ideas and experiences that would be otherwise impossible.

CAMPO DELLA TANA Angela Su: Arise, Hong Kong in Venice

ENG Seven large-scale white bronze angels are shut up with pieces of tape on their mouths. They are placed around a silver confessional within what is an exhibition and meditation area at once. Visitors are invited to write down their most private thoughts onto tapes that will be entrusted to the confessional together with the sound of a bell. An act that is of emotional relief and pushes us to reflect on the topics of identity, knowledge, and time, as well as about experience and interpersonal relationships. Loggia della Temanza, Dorsoduro 1602 www.rachelleehovnanian.com

ORGANIZED BY ERIAC European Roma Institute for Arts and Culture Raportoru, tra i più importanti artisti visivi rumeni della sua generazione, ha realizzato una serie di installazioni site-specific composte da numerosi oggetti di uso domestico che incarnano signi ficati e narrazioni che rimandano alla cultura e alla storia Rom, mentre una selezione di dipinti ripercorre il percorso accidentato dei tappeti

Un sistema di pompaggio che attinge acqua dal Canale di San Pietro trasportandola in un sistema tubolare di vetro, serbatoi e creazioni sferiche dove rilascia il fango dell’alveo per poi restituirla al luogo d’origine. Un organismo che utilizza l’acqua e il vetro per interagire con i sub strati passati e presenti di Venezia. LLIM (limo) è una performance interpretata dalla materia, è una riflessione su acqua e vetro quali elementi indissolubili, due facce di uno stesso paesaggio che è insieme naturale e culturale.

ENG After a solid thirty years experience on the theme of the interconnection between living beings and the socio-ecological values of their relationships, the artist has created an “aesthetic laboratory” including 40 large re liefs, sculptures and installations on mulberry paper. An example of ecological reproduction thanks to the particular resistance to time of a material which is able to survive thousands of years. The context of the exhibition is further characterized by the site-specific architectural structure Hanji House designed by Stefano Boeri which investigates in an original way the role of art and architecture in relation to the dramatic contemporary issues of climate change and biodiversity decline.

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 65 88 ARSENALE DOCKS Catalonia in Venice_LLIM ORGANIZED BY Institut Ramon Llull

hun

Dorsoduro 874 www.timesreimagined.com 90 PALAZZO CAVANIS Claire Tabouret. I Am Spacious, Singing Flesh

ORGANIZED BY ABA Fundación Almine Y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte Venticinque opere, appartenenti per lo più all’ul timo decennio della multiforme pratica dell’ar tista francese, costruiscono una stupefacente personale che esplora trasformazioni multiple – del sé, dell’altro, delle identità collettive, della lotta, della liberazione, del rifugio – raccontan do storie di soggettività erranti connotate da una sorta di materialismo magico attraverso dipinti, sculture, video e lavori su carta. Con un linguaggio enigmatico di rituali e ripetizioni, am plificato dalla presenza di alcuni antichi oggetti devozionali, Tabouret dispiega misteriosi stati di coscienza immergendo l’identità individuale in forze più ampie.

Forte di un’esperienza trentennale sul tema dell’interconnessione tra gli esseri viventi e i valori socio-ecologici delle loro relazioni, l’artista ha creato un “laboratorio estetico” in cui sono contenuti 40 grandi rilievi, sculture e installa zioni realizzati su carta di gelso. Un esempio di riproduzione e circolazione ecologica grazie alla particolare resistenza al tempo di un materiale di durata millenaria. Il contesto della mostra è ulte riormente e qualificatamente caratterizzato dalla struttura architettonica site-specific Hanji House progettata da Stefano Boeri, capace di indagare in maniera originale sul ruolo dell’arte e dell’ar chitettura in rapporto ai temi drammaticamente contemporanei del cambiamento climatico e del declino della biodiversità.

ENG Twenty-five pieces, mostly made in the last decade, make up an amazing personal exhibition that explore multiple transformations – of the self, of the other, of collective identities, of struggle, of liberation, of refuge – and tell stories of wandering subjectivities permeated by some sort of magical materialism. Paintings, sculptures, video art, and paper art show an enigmatic language of ritual and repetitions, amplified by the presence of ancient religious items. Tabouret unfolds mysterious states of conscience by immersing individual identity into stronger forces. Dorsoduro 920 www.fabarte.org 91 PALAZZO LOREDAN Eugen Raportoru. The Abduction from the Seraglio Roma Women. Performative Strategies of Resistance

CONTARINIPALAZZO

ENG A pumping system takes water from the San Pietro Canal and routes it through glass pipes and tanks, where it releases its silt content before being channeled back where it came from. This organism uses water and glass to interact with the past and present substrata of Venice. LLIM (Catalan for ‘silt’) is a perfor mance on matter and a reflection on water and glass as two elements that cannot exist without one another, two faces of the same landscape that is natural and cultural at once. Docks Cantieri Cucchini San Pietro di Castello 40 www.llull.cat | www.llim.llull.cat 89 POLIGNAC C Kwang Young Times Reimagined ORGANIZED BY Boghossian Foundation

TOWNAROUND908791

93 PALAZZO MORA From

ENG Ewa Kuryuluk (1946) is a peak exponent of Polish hyperrealism. She is an award-winning author and poet and, most importantly, a pioneer of textile art installation. She has been using this material since the late 1970s to express, in an individual and peculiar fashion, her own body, by preserving its story in a short-living installation made with scraps of raw cotton, silk reels, time, and air. The title of the exhibition comes from a 1979 installation, a manifesto for the self-identification of the artist as a member of a community that recognizes no genres. Calle Lunga San Barnaba, Dorsoduro 2691 www.starakfoundation.org Palestine With Art ORGANIZED BY Palestine Museum US Nove ritratti di figure palestinesi di rilievo in arte e letteratura; una mappa storica della Palestina lungo tutto il pavimento; un albero di ulivo con le chiavi delle case dei rifugiati palestinesi che recla ma il diritto di fare ritorno nel Paese; un’installa zione audio che trasmette la registrazione di storie palestinesi, accompagnate da un flusso continuo di musica tradizionale: 19 artisti, residenti in patria o all’estero, con i loro interventi raccontano come si struttura il linguaggio artistico contemporaneo in Palestina, tra dipinti, installazioni, sculture e fotografie.

ENG Raportoru is one of the most impor tant Romanian visual artists of his generation. He created a series of site-specific installations composed of household items that embody meanings and narrations about Romani culture. Paintings trace the difficult journey of oriental rugs into Eastern European homes. Raportoru’s art will be presented beside that of a collective of Romani female artists and intellectuals –twice a minority, they offer their reflections on alternative perspectives on the theme of ab duction. Veneto di Scienze, Lettere ed Arti Campo Santo Stefano, San Marco BY Starak Family Foundation Kuryluk (1946) è una rappresentante di spicco dell’iperrealismo polacco, scrittrice e poetessa pluripremiata e, soprattutto, pioniera dell’installazione tessile. È con questo materiale, infatti, che alla fine degli anni ’70 trova una sua espressione formale individuale e riconoscibile, lavorando con tessuti che raffigurano il suo corpo, conservando la sua storia in installazioni effimere e personali fatte di ritagli di cotone grezzo, bobine di seta, tempo e aria. Dà il titolo alla mostra un’installazione del 1979, manifesto per l’autoidentificazione della figura di artista in quanto membro di una comunità senza vincoli di genere.

ENG Nine portraits of prominent Palestinian figures in art and literature; a historical map of Palestine on the floor; an olive tree with the keys to the houses of Palestinian refugees claiming the right to return to the country; an audio installation with the recording of Palestinian stories, accom panied by traditional music: 19 artists, living at home or abroad, tell the contemporary artistic language in Palestine through their paintings, installations, sculptures and photographs. Cannaregio 3659 www.palestinemuseum.us 94 SCUOLA GRANDE DELLA MISERICORDIA Future Generation Art Prize @ Venice 2022 ORGANIZED BY Victor Pinchuk Foundation WHEN Fino Until 7 agosto August Questo riconoscimento, dedicato alla scoperta di nuove generazioni di artisti, brilla nel panorama contemporaneo per la dimensione globale e il meccanismo aperto e democratico che ne regola la selezione. Supportato da un board compren dente personalità come Jeff Koons, Miuccia Pra da, Damien Hirst e Takashi Murakami, è organiz zato dalla Victor Pinchuk Foundation, fondazione filantropica internazionale privata e apartitica con sede in Ucraina, creata nel 2006 dall’uomo d’affari e filantropo Victor Pinchuk.

66 orientali nelle case dell’Europa dell’est. Il lavoro di Raportoru si affianca a quello di un collettivo di donne artiste e intellettuali Rom che, da una scomoda posizione di doppia minoranza, riflet tono, offrendo prospettive alternative, sul tema principale del “rapimento”.

ORGANIZED BY Kukje Art and Culture Foundation WHEN Fino Until 24 agosto August Poco più di venti opere sintetizzano la parabo la artistica di Ha Chong-Hyun, Maestro dell’ar te Dansaekhwa, dando testimonianza dei diversi materiali e metodi da lui sperimentati negli ultimi sei decenni. Dalle opere astratte dei primi anni ’60, legate al movimento infor male coreano, alla riscoperta dell’arte decora tiva tradizionale del Dancheong ; dall’acclama ta serie Conjunction, in cui il colore a olio viene spinto dal retro al fronte facendolo passare per la trama della tela grezza ( bae-ap-bub ), ai lavori più recenti, la mostra cattura non solo l’infinita energia creativa e sperimentale dell’artista, ma anche il suo ruolo pionieristico nello sviluppo dell’arte coreana.

Dorsoduro 2826 www.kukjeacf.com 96

2945 www.eriac.org | www.eriac.org/abduction 92 PALAZZO QUERINI Ewa Kuryluk I, White Kangaroo ORGANIZED

Ha Chong-Hyun

Ewa

95 TITO

Istituto

PALAZZETTO

ENG The Future Generation Art Prize is the only prize for the young generation of artists with a global dimension and guided by an open, free, and democratic application process (online). Supported by an eminent board, a distinguished jury, and an outstanding selection committee, the Prize brings together the best of the art world to champion a new generation of artists. The Victor Pinchuk Foundation, an international, private and non-partisan philanthropic foundation based in Ukraine, was established in 2006 by business man and philanthropist Victor Pinchuk. Cannaregio 3599/A futuregenerationartprize.orgwww.pinchukfund.org

BIBLIOTECA MARCIANA Heinz VibrationMackof Light ORGANIZED BY Biblioteca Nazionale Marciana WHEN Fino Until 17luglio July Le sale monumentali della Marciana ospita no sette opere su tela di grandi dimensioni, nei toni del nero, grigio e bianco – tra cui Il giardino dell’Eden, 6 metri per 3,5 di campi di colore dall’effetto ipnotico –, otto stele riflettenti e parzialmente rotanti in alluminio satinato e acciaio lucido, una scultura a specchio alta quattro metri. Heinz Mack, fondatore del Gruppo ZERO, 90 anni, conti nua nel suo lavoro a sviscerare il tema della luce. In questa affascinante retrospettiva lo fa attraverso il principio di rotazione: la luce nello spazio non solo viene catturata e resti tuita olisticamente, ma a volte smaterializza anche gli oggetti stessi.

ENG Just over twenty works summarize the artistic parable of Ha Chong-Hyun, Mas ter of Dansaekhwa art, showing the different materials and methods he experimented in the last six decades. From the abstract works of the early 60s, linked to the Korean informal movement, to the rediscovery of the traditional decorative art of the Dancheong ; from the acclaimed Conjunction series, where the oil color is pushed from the back of the texture of the raw canvas (bae-ap-bub), to the most recent works, the exhibition cap tures not only the artist’s infinite creative and experimental energy, but also his pioneering role in the development of Korean art.

Collateral Events AROUND TOWN EVENTSCOLLATERAL

68 KAETHE KAUFFMAN YOGA: INTERIORE ETERNO July 15 - November 13, 2022 CASTELLO 925 Fondamenta San Giuseppe Sestiere Castello, 925 30122 Venezia +39 348 410 8263

Piazza

97 PALAZZO DELLE PRIGIONI Impossible Dreams

ORGANIZED BY Taipei Fine Arts Museum of Taiwan Sogni “non ancora possibili”, che custodiscono al proprio interno la forza della speranza di ve dersi realizzati in un futuro non lontano. In un pianeta in continua evoluzione, stravolto da una pandemia e segnato da ritmi rallentati, la partecipazione di Taiwan alla Biennale di Ve nezia 2022 si delinea come una miscellanea di opere selezionate per le precedenti edizioni, ar ticolandosi in due sezioni: esposizione di opere d’arte e performance ed eventi pubblici, pensati per essere visti come piattaforme interagenti che parlano tra loro, stimolati l’uno dai materiali dell’altro. Una presentazione dei contesti e delle prospettive culturali taiwanesi attraverso un’ampia gamma di opere contemporanee che risponde alle urgenze della storia, della società e della vita quotidiana. ENG “Not yet possible” dreams, which preserve within themselves the strong hope of being realized in a near future. In a constantly evolving planet, upset by a pandemic and marked by slowed rhythms, Taiwan’s partici pation in the Venice Biennale 2022 is outlined as a miscellany of works selected for previous editions, divided into two sections: exhibition of works of art and performances and public events, designed to be seen as interacting plat forms that talk to each other, stimulated by each other’s materials. A presentation of Taiwanese cultural contexts and perspectives through a wide range of contemporary works that re spond to the urgencies of history, society and everyday life.

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE

98 FONDAZIONE GIORGIO CINI Kehinde Wiley An Archaeology of Silence ORGANIZED BY Musée d’Orsay WHEN Fino Until 24luglio

ENG A multi-screen installation starring a 25th century astronaut crossing emotional landscapes made up of personal memories, the duty of a mission to be carried out and the fragility of a human being crushed by his own destiny. The film is the second act of a trilogy and it was born from a concrete collaboration with craftsmen in Venetian territory, from glassblowers to farmers and beekeepers, in order to carry forward into the future the Italian traditional crafts making them evolve over time from ancient myths to futuristic visions.

Marco

San Pietro di Castello 59/C www.bardola.org

ORGANIZED BY bardoLA L’installazione multischermo di Lita Albuquerque (Santa Monica, California, 1946) ha per protago nista un’astronauta del 25° secolo impegnata ad attraversare paesaggi emotivi in cui si mesco lano ricordi personali, il dovere di una missione da compiere e le fragilità di un essere umano schiacciato dal proprio destino. Il film, secondo atto di una trilogia, nasce dalla collaborazione concreta con realtà artigianali del territorio ve neziano, dai soffiatori del vetro ad agricoltori e apicoltori, al fine di poter trasportare nel futuro i mestieri della tradizione italiana facendoli evolve re nel tempo, tra miti antichi e visioni futuristiche. Il progetto è curato da Elizabeta Betinski e Nevil le Wakefield.

100 PROCURATIE VECCHIE Louise PersistenceNevelson

ORGANIZED BY The Louise Nevelson Foundation WHEN Fino Until 11settembre September Nove sale e oltre sessanta lavori prodotti dagli anni ‘50 agli anni ‘80. A sessant’anni dalla parte cipazione dell’artista alla Biennale Arte del 1962, in cui venne chiamata a rappresentare gli Stati Uniti, Louise Nevelson (Kiev, 1899-New York, 1988), figura rivoluzionaria dell’astrazione ameri cana, torna a Venezia con un’ampia ed articolata esposizione. Profondamente legate ai risultati del Cubismo e del Costruttivismo, le opere di Nevelson incorporano combinazioni inaspettate di forma e materia. In mostra le iconiche e mo numentali sculture dipinte insieme a importanti collage, opere-manifesto della sua instancabile sperimentazione sullo spazio. La mostra è cura ta da Julia Bryan-Wilson. ENG Nine halls and sixty artworks from the 1950s to the 1980s. Sixty years after Louise Nevelson’s last Biennale participation in 1962, where she represented the United States, this revolutionary artist, a protagonist in American abstract art, is back in Venice with a large, articulate exhibition. Deeply indebted to the outcomes of Cubism and Constructivism, Nev elson’s art embeds unexpected combinations of shapes and matter. On exhibition, the iconic, monumental painted sculptures and collages, the manifesto of her passionate experimenta tion on space. Piazza San Marco (ingresso da San Marco 1218/B) www.louisenevelsonvenice.com

ENG Seven large works on canvas, in shades of black, gray and white – including The Garden of Eden, 6 meters by 3.5 of color fields with a hypnotic effect – eight reflective and partially rotating stelae in satin aluminum and polished steel, a four-meter-high mirror sculp ture. Heinz Mack, founder of the ZERO Group, 90 years old, goes scrutinizing the theme of light in his works. In this fascinating retrospec tive it does so through the principle of rotation: light in space is not only captured and returned holistically, but sometimes also dematerializes the objects themselves. San 7 bibliotecanazionalemarciana.cultura.gov.it

Castello 4209 www.tfam.museum July Grazie alla tecnologia, oggigiorno i video e le immagini degli assassinii subiti da persone di colore sono accessibili da chiunque. Queste morti, spietate e inutili, sono il punto di partenza della riflessione artistica di Wiley che, da ame ricano, parte dal suo paese per descrivere una realtà globale. I suoi ritratti inediti raffigurano giovani uomini e donne di colore in pose che, desunte dalla tradizione pittorica occidentale, ce li mostrano vulnerabili. Una vulnerabilità che però racconta al contempo una storia di soprav vivenza e resilienza, in cui i protagonisti sono restituiti in qualità di paradigmi di resistenza alla sopraffazione. La mostra è curata da Christophe Leribault. ENG Nowadays, thanks to technology, videos and images of black people being mur dered can be seen by anyone. These ruthless and useless deaths are the starting point for Wiley’s artistic reflection. He starts from his own country – the USA - to describe a global reality. His portraits depict young black men and women in poses that, drawn from the West ern pictorial tradition, show them vulnerable. A vulnerability that, however, tells a story of survival and resilience, in which the protag onists are seen as paradigms of resistance to oppression. Isola di San Giorgio Maggiore www.musee-orsay.fr | www.cini.it 99 SPAZIO OLIVOLO Lita LiquidAlbuquerqueLight

Collateral Events AROUND TOWN TOWNAROUND 100

and the

The exhibition focuses on the indig enous peoples of Malaysia and their habitat, and shows how both are affected by Western culture and habits, responsible for the climate change that afflicts them.

Pera + Flora + Fauna The Story of

102 ARCHIVI

Campo de l’Abazia, Cannaregio 3549 www.portipoh.com.my 103 PALAZZO ZEN Road of Faith

ENG

Rony Plesl Trees Grow from the Sky

Un dialogo tra la complessità del segno nell’o pera di Lucio Fontana, fondatore del movimento spazialista, e la relazione tra spazio e corpo nel lavoro di uno tra i più acclamati e articolati scul tori contemporanei, Antony Gormley. La mostra indaga la straordinaria inventiva e complessità del lavoro dei due artisti ponendo l’accento sull’importanza del rapporto tra la dimensione spazio-temporale e la ricerca sulla tensione se gnica, unitamente a una nuova concezione dello spazio, sottolineata magistralmente dall’ambien te disegnato da Carlo Scarpa che la ospita.

The environmental theme is reworked in a multidisciplinary way by various Malaysian artists and collectives, starting from the visual suggestions offered by the state of Perak, with its flora, fauna and historical heritage. Among cinema, sound, sculpture and new media visi tors can also attend three performances on site. One of them explores the healing of the physi cal and spiritual body through movements and sounds based on traditional Malaysian rituals.

ORGANIZED BY House of Art Ceske Budejovice

ORGANIZED BY Fondazione EMGdotART Ocean Bloom, Ode to the Nymph of the Luo Ri ver e With the Immutable of the Absolute sono le tre sezioni di una mostra concepita come auten tico percorso di risveglio della coscienza attra verso l’arte, la filosofia e la scienza. Carta di riso, inchiostro, sabbia e tecnologia VR sono i mezzi usati per concretizzare un approccio all’arte che guarda all’uomo e al suo rapporto con la tec nologia e la natura, riflettendo sul cambiamento del proprio corpo in relazione all’ambiente circo stante. Un dialogo tra la concezione umanistica orientale e occidentale, a partire dalle epoche e dai bisogni più primitivi. ENG Ocean Bloom, Ode to the Nymph of the Luo River and With the Immutable of the Absolute are the three sections of an exhibition conceived as an authentic path to the awaken ing of consciousness through art, philosophy and science. Rice paper, ink, sand and VR tech nology are the means used for an approach to art which looks at man and his relationship with technology and nature, reflecting on the change of his body in relation to the surround ing environment. A dialogue between Eastern and Western humanistic philosophies, starting from the most primitive eras and needs.

Eretti al centro della navata, tre grandi alberi in cristallo puro alludono alla tesi francescana della complementarietà tra natura e uomo. I tronchi sono autentiche impronte di alberi vivi, la cui perfezione è accentuata dal carattere tattile del materiale, mentre la superficie luminosa e traslu cida invita a guardarvi dentro. L’ultimo albero in fondo alla chiesa, una linea orizzontale che inter seca il paesaggio, per l’intero tronco di lucente vetro all’uranio color smeraldo è ricoperto da un bassorilievo di corpi di Gesù Cristo. Monoliti di vetro attraverso le cui pareti brillano questioni essenziali dell’esistenza umana.

Cannaregio 4924 www.emgdotart.org 104 CHIESA SANTA MARIA DELLA VISITAZIONE

ENG Trained by Murano master glass makers, Rony Plesl (1965, lives and works in Prague) exhibits an installation presenting a preview of an innovative glass melting technol ogy. Three large pure crystal trees standing in the center of the nave hint at the Franciscan

70 Collateral Events AROUND TOWN EVENTSCOLLATERAL 101 NEGOZIO OLIVETTI Lucio Fontana / Antony Gormley ORGANIZED BY Associazione Arte Continua

ENG A conversation between the com plexity of sign in the art by Lucio Fontana, the founder of the Spatialist movement, and the relationship between body and space in the art of one of the most renowned contemporary sculptors, Antony Gormley. This exhibition, curated by Luca Massimo Barbero, investigates the extraordinary inventiveness and the com plexity in the works of two artists by highlight ing the importance of the spatial and temporal dimensions and the research on the power of sign, together with a new conception of space that is given its deserved prominence in the space designed by architect Carlo Scarpa. Piazza San Marco 101 www.artecontinua.org MISERICORDIADELLA Indigenousness Ownership History ORGANIZED BY PORTPeople of Remarkable Talents Focus della mostra sono le popolazioni au toctone della Malesia e il loro habitat e come entrambi vengano influenzati dalla cultura occi dentale e dalle sue abitudini, che sono la causa del cambiamento climatico che li affligge. Il tema ambientale viene rielaborato in chiave multidi sciplinare da diversi artisti e collettivi, a partire dagli stimoli visivi offerti dello stato di Perak, con la sua flora, la sua fauna e i suoi beni storici. Tra cinema, audio, scultura e nuovi media anche tre performance in loco, una delle quali esplora la guarigione del corpo fisico e spirituale attraverso movimenti e rumori basati su rituali tradizionali indigeni.

105101

Formatosi con i maestri vetrai muranesi, Rony Plesl (1965, vive e lavora a Praga) espone un’in stallazione realizzata con un’innovativa tecnolo gia di fusione del vetro presentata in anteprima.

San Polo 2774 www.buffaloakg.org

CONSERVATORIOBENEDETTOMARCELLO

La produzione artistica realizzata in Italia nel corso degli ultimi tre decenni attraverso dipinti di grandi e più piccole dimensioni, opere su carta e taccuini d’artista, di cui molti inediti. Un’occasione per irradiare una nuova luce sui processi creativi e le sperimentazioni dell’artista. Disposti attorno al salone centrale del Palazzo i lavori in mostra vengono presentati in modo da favorire un dialogo con l’estetica dell’ambiente, incluse le parti affrescate da Andrea Meldola, lo Schiavone.

ENG Eleven international visual artists ex plore the concept of entropy applied to the con temporary in the collective exhibit presented by Parasol Unit. Darren Almond, Oliver Beer, Rana Begum with Hyetal, Julian Charrière, Da vid Claerbout, Bharti Kher, Arghavan Khosravi, Teresa Margolles, Si On, Martin Puryear and Rayyane Tabet using different media try to find an answer to the urgent demands that threaten our world. Just as in thermodynamics entropy increases to become dangerous under the pressure of external conditions, so in our Planet entropy, caused by our own wicked existence, can create irreversible damage. Fully aware of this, the artists strive with a critical sense and impartiality to highlight some of the main prob lems on this subject in the hope of reopening a new door towards a more livable future.

108

Tue

ORGANIZED BY Accademia d’Ungheria in Roma

ORGANIZED BY Buffalo AKG Art Museum

107

109 ATELIER MURANESE Vera Molnár. Icône 2020

Campiello Pisani, San Marco 2810 www.parasol-unit.org

ENG On show the artist’s works he real ized in Italy over the last three decades includ ing paintings of large and smaller sizes, works on paper and artist’s notebooks, many of them are exhibited for the first time. An opportuni ty to shed a new light on the artist’s creative processes and experimentations. Arranged around the central hall of the Palace, the works on display are presented in such a way as to encourage a dialogue with the aesthetics of the environment, including the parts frescoed by Andrea Meldola, the Schiavone.

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 71 TOWNAROUND thesis of the complementarity between nature and man. The trunks are authentic imprints of living trees, whose perfection is accentuated by the tactile feature of the material they are made of. Their bright and translucent surfaces invites you to look inside. The last tree at the bottom of the church is a horizontal line that in tersects the landscape, its trunk of shiny emer ald uranium glass is covered with a bas-relief of bodies of Jesus Christ. Essential questions concerning human existence shine through the walls of these glass monoliths. Fondamenta Zattere ai Gesuati Dorsoduro 919/A www.dumumenicb.cz/en/www.ronypleslbiennale.com 105 PALAZZO TIEPOLO PASSI Stanley Whitney The Italian Paintings

ENG The starting point of the exhibition is to enhance a reflection on the restrictions im posed by the pandemic and on the suspension of collective and individual time that has char acterized the pandemic two-year period, ques tioning the relationship between human, time and matter. The artist’s intervention is aimed at deconstructing, shaping, molding, sculpting, painting the material put aside or discarded with the intention of bringing it back to poetic life and to a new moral relationship with the human. Individual time is slowed down to the advantage of collective time, which becomes an instrument of knowledge in a daily life that is often absent and superficial. della Regina, Santa Croce 2258 www.nomasfoundation.com FONDAZIONE ERES MedusaGreenfortAlgaLaguna

Calle

ENG Curator Francesca Franco brings to Venice the first glass sculpture made by Vera

Your

ORGANIZED BY ERES Stiftung L’installazione dell’artista concettuale danese Tue Greenfort (Holbæk, 1973) esplora le profon dità della Laguna, portando al centro dell’espo sizione le diverse specie che popolano l’ecosi stema veneziano, sempre più caratterizzato da equilibri precari. L’innata capacità di Greenfort di creare macro e micro-cosmi spinge il visitatore ad interrogarsi sull’importanza cruciale rivestita nel contesto ambientale particolarissimo della laguna veneziana da organismi quali alghe e meduse. Attraverso questo evento collaterale la Fondazione ERES prosegue nella propria mission di promozione e incoraggiamento del dialogo tra scienza e arte. ENG The installation by the Danish conceptual artist explores the depths of the lagoon, bringing to the center of the exhibition the different species that inhabit the Venetian ecosystem, increasingly characterized by precarious balances. Greenfort’s innate ability to create macro and micro-cosmos invites the visitor to question the crucial importance of organisms such as algae and jellyfish in the very particular environmental context of the Venetian lagoon. Through this collateral event, the ERES Foundation continues in its mission of promoting and encouraging dialogue between science and art. Ca’ Sarasina, Castello 1228 www.eres-stiftung.de

La curatrice Francesca Franco porta a Venezia la prima scultura in vetro realizzata da Vera Molnár in quasi 80 anni di carriera. Schizzi pre paratori, grafiche e dipinti su tela documentano il processo creativo di un’artista pioniera dell’arte digitale e algoritmica, approdata a queste forme espressive dopo una lunga e profonda forma zione tradizionale. Un lavoro che nasce dalla straordinaria collaborazione tra un’artista unica nel suo genere e una storica famiglia di vetrai di Murano, portatori di una tradizione risalente al 1291, quindi di un sapere e di una cultura arti gianale millenari.

106 SALONE VERDE Take Time ORGANIZED BY Nomas Foundation Lo spunto della mostra è lo stimolo alla riflessio ne sulle restrizioni imposte dalla pandemia e sul la sospensione del tempo collettivo e individuale che ha caratterizzato il biennio pandemico, interrogandosi sul rapporto tra umano, tempo e materia. L’intervento dell’artista è volto a scom porre, forgiare, plasmare, scolpire, dipingere la materia posta a margine o scartata con l’intendi mento di riportarla a vita poetica e ad un nuovo rapporto morale con l’umano. Viene rallentato il tempo individuale e si attraversa il tempo collet tivo, il quale diviene strumento di conoscenza in una quotidianità spesso assente e superficiale.

Uncombed, UnconstrainedUnforeseen, ORGANIZED BY Parasol unit foundation for contemporary art Utilizzando diversi media undici artisti visivi internazionali esplorano il concetto di entropia applicato al contemporaneo cercando di trovare una risposta alle urgenti istanze che minacciano il nostro mondo e la vita su di esso. Esattamen te come nella termodinamica, dove l’entropia aumenta fino a diventare pericolosa sotto la pressione di condizioni esterne, così anche per il nostro Pianeta l’entropia, causata dalla nostra stessa scellerata esistenza, può creare un danno irreversibile. Pienamente consapevoli di ciò, gli artisti si sforzano con senso critico e imparzialità di evidenziare alcuni dei problemi sostanziali a riguardo nella speranza di riaprire una breccia nuova, più vivibile verso il futuro.

72 in orientalbarspametropolehappens...whereandsecrets,venice...atmospheresmagicflavours...nothingbychancehotel&wellness&bistrotRivadegliSchiavoni4149-30122VeneziaItalyT.+390415205044|venice@hotelmetropole.com | hotelmetropole.com

Molnár in almost 80 years of career. Preparato ry sketches, graphics and paintings on canvas document the creative process of a pioneer artist of digital and algorithmic art, who started to use these expressive forms after a long and hard traditional training. This work is the result of an extraordinary col laboration between a unique artist and a his toric family of Murano glassmakers, carrying a tradition dating back to 1291 and passing down a millenary knowledge and artisan culture. New Murano Gallery Calle Alvise Vivarini 6, Murano www.ateliermuranese.comculture.hu/it/roma

ENG An allegory on the relationship between human beings and their environ ment, between living art and documentation. Collective YiiMa (‘twins’), founded in 2019 by artists Ung Vai Meng and Chan Hin Io, displays an original, dreamlike creative vision and the richness and complexity of the places and stories of Macao. Behind it, tangible traces in forms of sculpture, photography, video, and performance art. Allegory of Dreams is a vis ually powerful portrait of the challenges we face in the modern cultural milieu.

ORGANIZED BY Fundación Odalys, Signum Foundation Quattro giovani artisti – Ruth Gómez, Nuria Mora, Daniel Muñoz e Sixe Paredes – si sono ispirati alla famosa Grotta di Altamira in Spa gna con i suoi dipinti preistorici per sviluppare quattro differenti proposte di installazione sitespecific. Traendo spunto dalla cavità rupestre considerata una sorta di Cappella Sistina del Paleolitico Superiore, ogni artista ha costruito la propria opera in una sala del Palazzo. Le installazioni si espandono sulle pareti, sui pa vimenti e sulle finestre dell’edificio trecentesco. Un insieme di micro-narrazioni legate al territorio personale di ciascun artista, sviluppate in un luogo terzo caratterizzato da una propria, pecu liare storia.

ENG Four young artists – Ruth Gómez, Nuria Mora, Daniel Muñoz and Sixe Paredes –were inspired by the famous Altamira Cave in Spain with its prehistoric paintings to develop four different site-specific installation propos als. Inspired by this cave considered as a sort of Sistine Chapel of the Upper Paleolithic, each artist has built his own work in a room of the Palace. The installations expand on the walls, floors and windows of the fourteenth-century building. A set of micro-narratives linked to the personal territory of each artist, developed in a “third place” characterized by its own, pecu liar history. San Polo 2177 www.signum.art.pl | www.odalys.com BY Visual Research Support Foundation L’artista ucraina Zinaida si trovava a Venezia per un sopralluogo quando è iniziata l’invasione russa nel suo Paese. Alcune delle opere previste sono rimaste a Kiev, ma nonostante le enormi difficoltà il suo progetto si svolgerà regolar mente. Un’installazione multimediale nata sui Carpazi ucraini, dove l’artista ha filmato pastori alle prese con le avversità ambientali nella cura del loro gregge di pecore: una vita per certi aspetti monastica, di isolamento e sacrificio in cui, secondo l’artista, l’essere umano rivela la propria natura più autentica. Video e fotografia si alternano nel descrivere un ambiente caratte rizzato dall’assenza di donne, dalla commistione di mito e folklore, da convenzioni tradizionali che mettono in evidenza un contesto culturale ricco di squilibrio e contraddizioni.

110 PALAZZO DONÀ BRUSA With hands, signs grow

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 73 Collateral Events AROUND TOWN TOWNAROUND

112 CAMPO DELLA TANA Y iiMa Art Group.

ORGANIZED BY The Macao Museum of Art WHEN Fino Until 20ottobre October Un’allegoria che descrive il rapporto tra gli esseri umani e l’ambiente in cui vivono, tra arte viva e documentazione. Il collettivo YiiMa (termine che significa “gemelli”), fondato nel 2019 dagli artisti Ung Vai Meng e Chan Hin Io, possiede un’originale visione creativa che rein terpreta in chiave onirica la ricchezza e la com plessità dei luoghi e delle narrazioni di Macao, lasciando tuttavia dietro di sé tracce tangibili in forma di scultura, fotografia, video e arte per formativa. Allegory of Dreams è un ritratto dal potente impatto visivo delle sfide poste dall’am biente culturale contemporaneo.

111 ASSOCIAZIONE SPIAZZI Without Women ORGANIZED

Calle del Pestrin, Castello 3856 en.vrsf.online

Video and photography take turns describing an environment characterized by the absence of women, by the mixture of myth and folklore, by traditional conventions that highlight a cul tural context characterized by a lack of balance and by contradictions. The major role played by man within society and the relationships between human beings from different back grounds are the guidelines of a reflection that finds in art the best ground for debate.

ENG A multimedia installation born in the Ukrainian Carpathians, where the artist Zinaida filmed shepherds struggling with en vironmental hazards while taking care of their flock of sheep: a life almost monastic made of isolation and privations which, according to the artist, allows the human being to reveal his most authentic nature.

Allegory of Dreams

Castello 2126/A (fronte ingresso Arsenale) www.mam.gov.mo 112

BIENNALEONLYNOT the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 75

Venice WHEN 1-25 settembre September

116 AKKA PROJECT African Identities Group Exhibition WHEN 23 aprile April-27 novembre November Prima edizione di African Identities, mostra incentrata sulla scena dell’arte dei paesi dell’A frica orientale Kenya, Uganda, Zimbabwe, Mozambico. Ogni territorio è caratterizzato da una propria unicità distintiva: i migliori artisti espressioni di questa multiforme teoria di identità culturali operano nella scena contem poranea sperimentando magistralmente nuovi soggetti, stili e materiali. Contando su moltepli ci gruppi etnici, su diverse culture, talenti e stili, AKKA Project mira a presentare e raccogliere questi artisti, tra cui vi sono insieme talenti affermati e giovani emergenti, sotto lo stesso tetto, dando loro un’occasione per costruire un nuovo terreno di dialogo, di interazione con esperienze prossime ma al contempo altre.

www.aplusa.it 115 A PLUS

Un progetto di Sarah Staton curato in colla borazione con la School for Curatorial Studies di Venezia. Una piattaforma di scambio dove opere d’arte, edizioni e multipli, lavori di artisti emergenti e di artisti affermati, vengono pre sentati in un’esposizione in continuo divenire. Ospitata a intermittenza da gallerie, musei e spazi d’arte indipendenti in tutto il mondo, Su paStore approda quest’anno per la prima volta a Venezia.

ENG Aldo Chaparro is a Mexican artist whose work focuses in the use of sculpture and painting to explore form through void, matter and the human body. Using elements commonly used for construction, he creates forms in balance by manipulating and subtracting matter. Alia Ali is a multimedia artist of Yemeni, Bosnian, American and descent. She travelled to sixty-seven coun tries, lived in seven, and grew up being exposed to five languages. Her most comfortable mode of communication is photography, video, and installation art. Her visual language vibrates and reveals the experiences that have shaped her. Zattere, Dorsoduro 556 www.193gallery.com 15luglio July

76 113 193 GALLERY Aldo Chaparro + Alia Ali “…or was it a dream?” WHEN 20 aprile April-22 settembre September Aldo Chaparro è un artista messicano il cui la voro si concentra sull’uso della scultura e della pittura per esplorare la forma attraverso il vuoto, la materia e il corpo umano. Utilizzando elementi comunemente usati per la costruzione, crea forme in equilibrio manipolando e sottraendo ma teria. Alia Ali è un’artista multimediale di origine yemenita, bosniaca, americana. I suoi mezzi di comunicazione privilegiati sono la fotografia, il video e l’installazione. Ha viaggiato in più di ses santa paesi, vissuto in sette e cresciuta tra cinque lingue diverse, un background che l’ha portata a elaborare il suo linguaggio visivo vibrante.

Not Only Biennale AROUND TOWN BIENNALEONLYNOT 118113119

ENG The first edition of African Identities, an exhibition centred on East Africa: Kenya, Uganda, Zimbabwe, Mozambico. Each terri tory is dominated by its uniqueness, and its artists developed original paths of experi mentation on subjects, styles, materials. With so many ethnic groups, cultures, talents, and stylistic approaches, AKKA Project’s goal is to present these artists and make them come together under the same roof, fostering what will be an interesting and fruitful conversation on art. Ca’ del Duca, Corte Duca Sforza San Marco 3052 www.akkaproject.com

San Marco 3073 www.aplusa.it

114 A PLUS A/1 Ruth Beraha We Will Name Her Tempest WHEN Fino Until

ENG A project by Sarah Staton curated in cooperation with the School for Curatori al Studies of Venice. An exchange platform where art and artists, both established and emerging, are presented in a continuously evolving exhibition. Placed alternately in gal leries, museums, and independent art spaces around the world, SupaStore is in Venice for the first time.

Il pubblico si muove tra i resti di un luogo di culto immaginario: uno scheletro di metallo che richia ma l’architettura di una cattedrale. Il desiderio dell’artista di sottrarsi allo sguardo violento e prevaricatore del potere si declina in una serie di installazioni sonore e scultoree inedite, proprie di una distopia iconoclasta. Una riflessione sul potere dello sguardo e sul dominio delle immagini nella società contemporanea che nasce dal desiderio di sottrarsi a questo stesso sistema di potere. ENG Visitors will walk around the ruins of an imaginary place of worship. A metal skeleton reminds of the architecture of a cathedral. The artist wishes himself away from the violent, bossy gaze of power, shown in original sound and sculpture installations that seem to belong to an iconoclastic dystopia. A reflection on the power of gaze and on the power of images in modern society that stems from the desire to distance oneself from the system. San Marco 3073 A/2 SupaStore

Le immagini prodotte dal cinema, dalla televi sione e dalla pubblicità, gli oggetti commerciali di una società consumistica e i nuovi idoli creati dai mass media e dai social diventano i prota gonisti di una nuova espressione figurativa che parte dalla pop art ‘storica’ per arrivare a un contemporaneo ugualmente pop, coloratissimo e iperrealista, che concilia la realtà effimera, l’immagine, con il linguaggio dell’arte e le sue forme di espressione più avanzate. Ne sono due esempi esclusivi, dagli esiti profondamente diversi, le sculture di Carole Feuerman e quelle di Richard Orlinski.

WHEN 22 aprile April-30 ottobre October Donatello, Antonio Rizzo, Pietro, Tullio e Antonio Lombardo, fino a Jacopo Sansovino e Alessan dro Vittoria: le opere sottolineano la varietà in terpretativa della tecnica scultorea, la ricchezza di materiali usati, le potenzialità espressive e le declinazioni estetiche all’interno di un contesto storico-artistico che troppo spesso predilige, nel discorso su Venezia, la pittura. La mostra restituisce i momenti più significativi di una vicenda ampia e diramata, assai più di ciò che convenzionalmente si immagina e si ritiene, quale fu quella della produzione scultorea in ambito veneto dal primo Rinascimento alla tar da Maniera. ENG Donatello, Antonio Rizzo, Pietro, Tul lio and Antonio Lombardo, up to Jacopo Sanso vino and Alessandro Vittoria. Art highlights the interpretative variability of sculpture, the rich ness of material, the expressive potential and the different aesthetical values within a histori cal and artistic context that all too often favours, as far as Venetian history is concerned, paint ing. The exhibition shows the most meaningful moments of a story that is, in fact, much bigger and intricate: the story of Venetian sculpture from the early Renaissance to late Mannerism. Calle Ca’ d’Oro, Cannaregio 3934 www.cadoro.org

77 117 BEL AIR FINE ART

Carole RichardFeuermanOrlinski

Piazza San Marco 7 119 CA’ D’ORO |

Da Donatello a Alessandro Vittoria 1450-1600 150 anni di scultura nella Repubblica di Venezia

23 aprile April-27novembre

ENG Images coming from cinema, TV, and advertisement, the merchandise that is proper of consumerist society and the new mass and social media-created idols are the protagonists of a new figurative expression that belongs to the world of ‘historic’ pop art. The outcome: a new contemporary that is just as pop, colourful and hyperrealist, and one that will reconcile short-lived reality and image with the language of art in its most advanced forms of expression. Two exclusive examples, though very different from one another, are the sculptures by Carole Feuerman and by Richard Orlinski. Calle dello Spezier, San Marco 2765 Dorsoduro 728 www.belairfineart.com 118 BIBLIOTECA MARCIANA Federica Marangoni Memory. The Light of Time

WHEN November

ENG Venetian artist and multimedia pioneer Federica Marangoni orchestrated, in the Sansovino Hall of the Marciana National Library, an installation of mixed media, video, and neon light that stages a conversation be tween sixteenth-century architecture and in tangible technological light. This powerful mix of physicality and virtuality certainly makes the painter and sculptor (b. 1940) an avant-garde artist. This itinerary has been produced at an international level, between Venice, New York, and Milan, where Marangoni has been experi menting with new ideas, signs, and materials. GALLERIA GIORGIO FRANCHETTI

WHEN Fino Until 27 novembre November Artista veneziana, pioniera del multimediale, Federica Marangoni costruisce nella Sala Sansoviniana, attraverso opere mixed-media, video e luci al neon, un dialogo tra architettura cinquecentesca e intangibile luce tecnologica. È questo potente mix tra fisicità e virtualità che fa della pittrice, scultrice e autrice di instal lazioni, classe 1940, un’artista decisamente all’avanguardia. Un percorso costruito in lunghi decenni a livello internazionale, operando in particolare tra Venezia, New York e Milano, in cui Marangoni ha sempre sperimentato con continuità ed assiduità attraverso un processo di ricerca inesausto attorno a nuove idee, nuovi segni, nuovi materiali.

78 around the world, the show pays homage to an artist who is well represented in the collections of Ca’ Pesaro, exploring the relationship that developed in the 50s between Italian art and American abstract expressionism and action painting. Galleria Internazionale d’Arte Moderna Santa Croce 2076 www.capesaro.visitmuve.it 120 CA’ FOSCARI CFZ | CULTURAL ZONE Lena Herzog. Last Whispers for Vanishing Voices, UniversesCollapsingandaFalling

Fra spazio e misura

Tree

settembre September

Oratorio

Galleria Internazionale d’Arte Moderna (Sale Dom Pérignon), Santa Croce 2076 www.capesaro.visitmuve.it 123 CA’ PESARO/3 Bice Lazzari

WHEN 21 aprile April-30 luglio July Ogni due settimane il mondo perde una lingua. A una velocità inedita, maggiore di quella che contraddistingue l’estinzione crescente di molte specie animali e vegetali, la nostra diversità linguistica – forse il mezzo più importante della conoscenza di sé - si sta erodendo. Lena Herzog, fotografa e artista americana multidisciplinare e concettuale, presenta Last Whispers, un progetto esperienziale e immersi vo dedicato all’estinzione di massa delle lingue.

Prima personale in Italia interamente dedicata alla visione trasgressiva dell’artista londinese di origini indiane Raqib Shaw (Calcutta, India, 1974). Lo spettatore si trova davanti a un film in bilico tra fantasia e opulenza e a dodici dipinti pieni di dettagli intricati, colori saturi e superfici ingioiellate, che mascherano la natura intensa mente violenta di queste immagini. La mostra attraversa tempo e spazio, accompagnando lo spettatore in un sorprendente viaggio autobio grafico che va dalla Venezia dei maestri rinasci mentali alla Londra moderna, fino ad arrivare alla terra natale dell’artista, il Kashmir.

WHEN 21 aprile April-23 ottobre October L’America fu per Afro Basaldella, uno dei grandi protagonisti della pittura italiana del secondo Novecento, un grande campo di prova e di incontro con la compagine della scuola di New York, tra cui Jackson Pollock, Willem de Kooning e Arshile Gorky. Con quarantacinque capolavori, provenienti da collezioni e musei internazionali, si rende omaggio a un autore ben rappresentato anche nelle collezioni di Ca’ Pesaro, esplorando la relazione che negli anni ‘50 si è instaurata tra l’arte italiana e quella statunitense dell’Espressionismo astratto e dell’Action painting. ENG America has been a great testing ground for Afro Basaldella, one of the great protagonists of Italian painting of the second half of the twentieth century, and gave him the opportunity to meet members of the New York school, including Jackson Pollock, Willem de Kooning, and Arshile Gorky. With forty-five masterpieces from collections and museums -25

Un’estinzione silente, perché è proprio il silenzio la forma che essa assume. Lena Herzog dà voce a questa sparizione muta con un lavoro corale, profondamente moderno e al contempo tradizionale.

ENG Italian premiere for Indian-British artist Raqib Shaw (Kolkata, 1974). Visitors will be introduced to his transgressive vision on art by means of a film of fantastic, opulent in spiration and twelve paintings full of intricate details, saturated colours, and bejewelled sur faces that mask the intensively violent nature of the subjects. The exhibition explores time and space, taking the viewer on an autobio graphical journey that goes from Renaissance Venice to modern London to Shaw’s native land, Kashmir.

FLOW

WHEN 22 aprile April –23 ottobre October Piccola ma preziosa ricognizione della pittura di Bice Lazzari (Venezia, 1900-Roma, 1981) nel periodo di passaggio dall’Informale al Minima lismo astratto fra la metà degli anni ‘60 e la fine degli anni ‘70. Il segno, ripetuto ossessivamente e ritmicamente sulla tela monocroma e sulla gri glia compositiva, pur nella sua scarna sempli cità geometrica conserva un afflato lirico unico e originale. Queste opere della maturità sono perfetti equilibri formali in cui il segno scandisce ritmicamente il campo della tela imprigionando l’occhio dello spettatore nella relazione fra spa zio, tempo e misura. ENG Small, though precious recognition of the art by Bice Lazzari (Venice, 1900-Rome, 1981) in the timeframe that goes from Informal Art to Abstract Minimalism between the mid1960s and the late 1970s. The sign is repeated obsessively and rhythmically on monochrome canvas; the compositional grid, in its bare ge ometric simplicity, preserves lyrical elan that is unique and original. These mature pieces are perfect formal balances where the sign artic

ENG American multidisciplinary, con ceptual artist and photographer Lena Herzog launched Last Whispers, an experiential, im mersive project dedicated to language mass extinction. A silent extinction, for silence is the form it eventually takes. Herzog gives voice to what has been silenced via a choral work that is, at once, deeply modern and traditional. Tesa 1, Zattere al Ponte Lungo Dorsoduro 1392 www.unive.it 121 CA’ PESARO/1 Afro 1950-1970. Dall’Italia all’America e ritorno

122 CA’ PESARO/2 Raqib PalazzoShawdella Memoria WHEN 22 aprile April

Not Only Biennale AROUND TOWN 122120BIENNALEONLYNOT

ENG A large retrospective on Sabine Weiss (1924-2021), one of the most outstanding French humanist photographers, together with Robert Doisneau, Willy Ronis, Edouard Boubat, Brassaï, and Izis. The sole female photographer in the post-war period who worked for so long and in such different fields in the profession – from photo features to artist’s portrait, to fashion, to street photography, to travel. Weiss actively participated in the curation of this ex hibition by sharing her personal archives held in Paris to help tell the amazing stories behind her work. Giudecca 43 www.treoci.org CASTELLO 780 Martin Weinstein

124 ABBAZIA

Not Only Biennale AROUND TOWN BIENNALEONLYNOT 125126124

126

80 125 CASA DEI TRE OCI

ENG Upon first look, Martin Weinstein’s paintings seem to take their roots in traditional landscape painting, though they depict per ceptions that grow into an individual record of space and being. These combined images have been painted over several sessions. The final layer, which ends up on their back, is an abstract panel that acts as the support for the figurative layers on top of it, alluding to the ultimate unknown that is the basis of all per ception. These multiple acrylic sheets record a timeframe, an experience, and a memory, and acknowledge that these perceptions are, in fact, illusions. Fondamenta San Giuseppe, Castello 780 www.crosscontemporaryprojects.com ulates the field of the canvas and captures our look into the relationship between space, time, and measure. Galleria Internazionale d’Arte Moderna Santa Croce 2076 www.capesaro.visitmuve.it DI SAN GIORGIO Ai Weiwei La Commedia Umana WHEN 28 agosto August 27 novembre November Composta da oltre duemila pezzi di vetro sof fiato e fuso, La Commedia Umana è un lampa dario dalle dimensioni colossali (oltre sei metri di larghezza per circa nove di altezza) risultato di una collaborazione di tre anni tra il celeberri mo artista e attivista cinese e i maestri vetrai di Berengo Studio. Pur essendo un lavoro iniziato ben prima dello scoppio della pandemia, la sua incombente cascata di ossa, teschi e organi non può che assumere una materica dimen sione simbolica della tragica perdita di vite re gistrata in tutto il mondo in questo drammatico periodo. Ai Weiwei invia un chiaro messaggio sulla mutevolezza della vita, invitandoci tutti a riflettere su quale futuro intendiamo disegnare, comunicando un’urgente e profonda necessità di rivedere e riconsiderare i nostri stili, le nostre modalità di vita presenti. ENG A series of new works in glass by the world-renown activist and artist create a contemporary dialogue with the historical Venetian palazzo. Among these new site-spe cific works we find The Human Comedy, a chandelier of colossal dimensions that is the result of a three-year collaboration between the famous Chinese artist and Berengo Stu dio’s master craftsmen. A dramatic cascade of bones, skulls, and organs becomes a striking monument to the lives lost over the course of the pandemic through which Ai Weiwei sends a clear message about the mutability of life while encouraging us to think of the future. Isola di San Giorgio Maggiore www.fondazioneberengo.orgwww.berengo.com

Sabine Weiss La poesia dell’istante WHEN Fino Until 23 ottobre October Ampia retrospettiva dedicata a Sabine Weiss (1924-2021), tra le maggiori rappresentanti della fotografia umanista francese insieme a Robert Doisneau, Willy Ronis, Edouard Boubat, Bras saï e Izis. Unica donna del dopoguerra ad aver esercitato questa professione così a lungo e in tutti i campi della fotografia - dai reportage ai ritratti di artisti, dalla moda agli scatti di strada, con particolare attenzione ai volti dei bambini, fino ai numerosi resoconti visivi di viaggi - Sa bine Weiss ha potuto partecipare attivamente alla costruzione di questo percorso espositivo, aprendo i suoi archivi personali conservati a Parigi, strumento indispensabile per poter raccontare la sua straordinaria storia e il suo lavoro.

Vedute Palinsesti WHEN 20 aprile April-10 luglio July A prima vista radicati nella tradizione del pae saggio, i dipinti di Martin Weinstein rappresen tano percezioni che insieme diventano una regi strazione individuale dello spazio e dell’essere. Le immagini combinate sono infatti dipinte in più sessioni di osservazione e pittura. Lo strato finale, posizionato nella parte posteriore, è un pannello astratto che supporta gli strati realistici sopra, a significare l’ultima inconoscibilità della realtà che è alla base di ogni percezione. Questi fogli multipli di acrilico registrano un periodo di tempo, esperienza e memoria e riconoscono che tutte queste percezioni sono illusorie.

Kaethe Kauffman Yoga: Interiore Eterno WHEN 15 luglio

www.crosscontemporaryprojects.com TOWNAROUND129131

ENG Hawaii-based artist Kaethe Kauffman’s exhibition Yoga: Interiore Eterno is an installation of silk prints that document both physical motion and meditative stasis. Using a string dipped in paint, the artist ties threads around a hand, knee, elbow, or torso, and when the body part flexes, the motion is recorded in print. This act of mark ing and exposure is documented by Kauffman’s photographs, which are digitally replicated, coloured, then hand-painted. San Giuseppe, Castello 925

Fondamenta

The Global Supper. A Collective Meditation on Humanity WHEN Fino Until 15 luglio July L’attacco violento alla democrazia, all’umanità e alla sua libertà richiede che ogni Paese si sieda a un tavolo per trovare soluzioni praticabili per la pace, la sostenibilità e la salvaguardia del nostro pianeta. Ispirandosi all’Ultima Cena di Jacopo Tintoretto, l’artista californiana Lilli Muller ha creato lunghi tavoli da pranzo appa recchiati con oltre 195 coperti unici, ciascuno dei quali rappresenta i paesi del mondo invitati a partecipare. Il coperto prevede un piatto da portata personalizzato, un bicchiere riempito di vino rosso al livello riferito al PIL di ogni paese, una tovaglietta all’americana cucita con un em blema che rappresenta ogni paese.

Carole Feuerman Stories WHEN 20 aprile April-27 novembre November

-13 novembre

Carole Feuerman, artista americana pionie ra dell’iperrealismo, mette in mostra la sua incredibile carriera lunga cinque decenni. Interprete per eccellenza del corpo femmi nile, Feuerman evoca, attraverso un rinato candore, gli anni della sua infanzia passati a Long Island, così come la sua fascinazione per l’acqua e il nuoto. Le sue nuotatrici, colte nell’attimo di una quiete sospesa che dona alle figure afflato poetico e perfezione con temporanea, mutuano dal passato la forza della bellezza e conservano la proporzione della grande scultura classica.

130 CHIESA

ENG A violent attack on democracy, hu manity, and freedom demands that every coun try sit at a table to find practical, useful solu tions for peace, sustainability, and safeguard of the planet. Inspired by Tintoretto’s Last Supper, Californian artist Lilli Muller created long lunch tables set for 195 – as many as there are coun tries in the world. A personalised plate and a glass of red wine, filled in proportion to the country’s GDP, are set at each place. Chiesa della Madonna dell’Orto (Chiostro) Cannaregio 3512 www.lillimuller.com 131 CHIESA SAN SAMUELE Julien Friedler È finita la Commedia

WHEN 23 aprile April-25 settembre September L’artista belga, figura singolare nel panorama dell’arte contemporanea per il suo passato letterario e la sua formazione come psicanali sta, si fa portatore di una visione umanista. Tre potenti installazioni con tele e fotografie sono rappresentazioni complesse del suo immagi nario, della sua riflessione su pulsioni profonde dell’animo umano quali il dolore, la malinconia, la speranza. Il risultato è la generazione di un tempo di sospensione meditativa sul senso della vita, della morte e di una possibile reden zione. L’obiettivo di Julien Friedler è infatti quello di offrire spunti di riflessione universali, dalla scoperta di sé alla conoscenza dell’altro.

128 CASTELLO

Bobbie Moline-Kramer

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 81 129 CHIESA DELLA PIETÀ

ENG The Belgian artist, a peculiar fig ure in the modern art world for his classical education and his training as a psychoanalyst, is the bearer of a humanist vision. Three powerful canvases-and-photography instal lations represent his complex imagery and his reflections on pain, melancholy, and hope.

ENG An American pioneer of hyperre alist art, Carole Feuerman introduces us to her five-decade-long career. An exquisite interpreter of the female body, Feuerman evokes the candour of her childhood visits to Long Island and her fascination for water and swimming. Her swimmers, portrayed in a moment of rest that bestow unto them a sense of poetry and modern perfection, adopt aes thetical canons from the past and preserve the proportion of classical sculpture. Chiesa della Pietà (cappella) Riva degli Schiavoni, Castello 3701 Bel Air Fine Art – Venice Calle dello Spezier, San Marco 2765 www.belairfineart.comwww.artecommunications.com DELL’ORTOMADONNA

The Power of One Antonio Pauciulo Artificial Creatures WHEN 20 aprile April-10 luglio July L’artista californiano Bobbie Moline-Kramer pre senta un’installazione che abbraccia sia il tempo che lo spazio, combinando i fatti con il mistici smo, la mitologia con la matematica e la tecnica tradizionale rinascimentale con la tecnologia di stampa informatica del XXI secolo. Nel lavoro di Antonio Pauciulo l’atto di dipingere è un processo performativo per creare e distruggere l’immagine, al fine di consentire l’accumulo di immagini impre viste all’interno del dipinto. Un tipo di pittura che è una sorta di “creatura artificiale”. ENG Californian artist Bobbie Mo line-Kramer presents an installation that embrac es both time and space by combining facts with mysticism, myth with mathematics, and tradition al renaissance techniques with modern computer printing. In Antonio Pauciulo’s work, the act of painting is a performative process that creates and destroys the image to allow for more, unac counted-for images to pile up on the painting. This kind of art is an ‘artificial creature’ of sorts. San Giuseppe, Castello 925 www.crosscontemporaryprojects.com 925/2 July November L’installazione dell’artista hawaiana Kaethe Kauffman è formata da stampe su seta che do cumentano sia il movimento fisico che la stasi meditativa. Usando un filo imbevuto di vernice l’artista lega il filamento attorno a una mano, un ginocchio, un gomito o un busto; quando la parte del corpo è flessa il movimento viene registrato come una sorta di stampa. Questo atto di marca tura ed esposizione è documentato dalle immagi ni fotografiche di Kauffman, ripetute digitalmente e colorate, disegnate a mano in una varietà di media e stampate su seta proprio come i grandi stendardi trovati nei templi buddisti.

127 CASTELLO 925/1

ENG Taking inspiration from Venice’s at mosphere and the hybrid architecture of the Os pedaletto and Santa Maria dei Derelitti Church, Penumbra stages a reflection both on moving as a space of material and metaphorical trans formation, and on the conditions to make them visible, i.e., an almost total absence of light.

133

A partire dall’interpretazione fisica del concetto di “semi-oscurità”, la mostra ne estende il signi ficato alle molte zone d’ombra, di incertezza e di trasformazione che costellano il nostro presente.

Not Only Biennale AROUND TOWN BIENNALEONLYNOT 134132133135

COLLEZIONE GUGGENHEIMPEGGY

The result is the generation of a suspensive, meditative time on the meaning of life, death, and redemption. Friedler’s goal is to promote universal reflection, from self-discovery to mutual understanding. Campo San Samuele, San Marco www.julienfriedler.com cdstudiodarte.it aprile -27 novembre November Subodh Gupta mette in mostra la condivisione determinata dai rituali e dal simbolismo del consumo e della preparazione del cibo. Un’in stallazione composta da utensili in alluminio usati che pendono delicatamente da lenze da pesca trasparenti crea il riparo poroso e strut turato per la performance, in cui il cibo viene preparato dall’artista e consumato dallo ‘spet tatore’. Questi vasi logori, scartati dai loro uten ti precedenti, testimoniano storie e narrazioni individuali di utilità passata. Insieme gli utensili racchiudono un nuovo spazio rituale collettivo, alludendo sia a destini vissuti soggettivamente che a destini cosmologici comuni.

Curated by Alessandro Rabottini and Leonardo Bigazzi, Penumbra features eight original video installations commissioned to Karimah Ashadu (1985, UK), Jonathas de Andrade (1982, Brazil), Aziz Hazara (1992, Afghanistan), He Xiangyu (1986, China), Masbedo (Nicolò Massazza, 1973 and Iacopo Bedogni, 1970, Italy), James Richards (1983, UK), Emilija Škarnulyte˙ (1987, Lithuania), and Ana Vaz (1986, Brazil). All works are pro duced by Fondazione In Between Art Film. Ospedaletto Contemporaneo Barbaria de le Tole, Castello 6691 www.inbetweenartfilm.com

Belmond Hotel Cipriani, Giudecca 10

Curata da Alessandro Rabottini e Leonardo Bigazzi, la mostra presenta otto nuove video installazioni commissionate a Karimah Ashadu, Jonathas de Andrade, Aziz Hazara, He Xiangyu, Masbedo, James Richards, Emilija Škarnulyte˙ e Ana Vaz. Tutte le opere sono prodotte dalla Fon dazione In Between Art Film.

132 CIPRIANI GIUDECCA Subodh Gupta Cooking the World WHEN 23

ENG Subodh Gupta’s worked on the rit uals and symbolism of food consumption and preparation. The installation is accompanied by a cooking and eating performance: food will be prepared by the artist and eaten by the ‘viewer’. Worn-out vessels, discarded by previous users, show individual stories and past utility. Together, the utensils embody a new, collective ritual space, alluding both to subjectively lived fates and to communal cos mological destinies.

Surrealismo e magia. La modernità incantata WHEN 9 aprile April-26 settembre September Peggy Guggenheim alla fine degli anni ‘30 del ventesimo secolo è considerata una delle col lezioniste più vivaci del Surrealismo. È in quegli anni che la mecenate acquisisce familiarità con il movimento e presto diventa intima amica di Max Ernst e André Breton. Con oltre venti artisti e sessanta opere circa, il cuore dell’e sposizione è espressione dello straordinario patrimonio di opere surrealiste della Collezione Peggy Guggenheim: dalla pittura metafisica di Giorgio de Chirico, datata intorno al 1915, a dipinti iconici come La vestizione della sposa (1940) di Max Ernst e Gli amanti (1947) di Victor Brauner, al simbolismo occulto delle ultime opere di Leonora Carrington e Remedios Varo.

82 ENG In the late 1930s, Peggy Guggenheim was considered one of the sharpest collectors of surrealist art. In those years, the art lover grew familiar with the movement and especially with Max Ernst and André Breton. Over twenty artists and about sixty pieces – the focus of the exhibi tion is the unparalleled corpus of surrealist art belonging to the Peggy Guggenheim collection, from Giorgio De Chirico’s metaphysical art to iconic pieces such as Max Ernst’s Robing of the Bride, Victor Brauner’s Lovers, to the occult symbolism of the late Leonora Carrington and Remedios Varo. Palazzo Venier dei Leoni, Dorsoduro 701 www.guggenheim-venice.it 134 COMPLESSODELL’OSPEDALETTO/1 KarimahPenumbraAshadu, Jonathas de Andrade, Aziz Hazara, He Xiangyu, Masbedo, James Richards, Emilija Škarnulyte˙, Ana Vaz WHEN 20 aprile April-27 novembre November Ispirata all’atmosfera rarefatta di Venezia e all’ar chitettura ibrida del Complesso dell’Ospeda letto e della Chiesa di Santa Maria dei Derelitti, Penumbra mette in scena una riflessione sulle immagini in movimento come spazio di trasfor mazione materiale e metaforica e sulle condizioni necessarie alla loro visione.

April

Il titolo ALLUVIUM rimanda all’argilla, alla ghiaia e al limo depositati dall’acqua corrente, richia mando la materialità dei dipinti presentati in mostra e del loro supporto fisico in terracotta. Metaforicamente ALLUVIUM si riferisce anche ai resti di un flusso più astratto: i detriti lasciati dallo scorrere di notizie, immagini culturali e storia che gli artisti setacciano e scansionano e da cui pescano materiali sedimentati, raccolti per guadagnare nuova vita in un atto di resi stenza e creazione di una contro-narrazione, una riscrittura che traccia una registrazione alternativa dei nostri tempi, creando un nuovo immaginario. In mostra sculture in ferro che reggono una serie di piatti in terracotta dipinti dai tre artisti, composizioni e costellazioni in delicato equilibrio.

135 COMPLESSODELL’OSPEDALETTO/2

StoriesStorieAlaouiinvisibili/Unseen

Calle del Fontego dei Tedeschi Rialto (accanto al Ponte)

TOWNAROUND 136137

RaminALLUVIUMHaerizadeh, Rokni Haerizadeh, Hesam Rahmanian WHEN 20 aprile April-27 novembre November OGR Torino torna a Venezia invitando il trio di artisti iraniani Ramin Haerizadeh, Rokni Haeri zadeh e Hesam Rahmanian a creare un nuovo progetto site-specific a cura di Samuele Piazza.

136 EUROPEAN CULTURAL CENTRE (ECC) PALAZZO MORA | PALAZZO BEMBO GIARDINI MARINARESSA Personal ReflectionsStructures.

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE

ENG OGR Torino returns to Venice to present a trio of Iranian artists Ramin Haeriza deh, Rokni Haerizadeh, and Hesam Rahmanian and their new site-specific project curated by Samuele Piazza. The title ALLUVIUM refers to clay, silt, or gravel deposits left behind by run ning water, and it can be interpreted in several ways. It reminds of the materiality of the paint ings and their physical support made of earth, though it can also be read as a metaphor of the remnants of a more abstract flow: the debris left behind by the flow of news and of history, which the artists look for, collect, and parse to give new life to, in an act of cultural resistance and counter-narrative creation. Iron sculptures hold a set of painted terracotta plates, compo sitions and constellations hovering mid-air, in delicate balance.

Ospedaletto Contemporaneo Barbaria de le Tole, Castello 6691 www.ogrtorino.it

WHEN 23 aprile April-27 novembre La sesta edizione di Personal Structures, or ganizzata da European Cultural Centre, ruota attorno all’idea di reflections, ‘riflessioni’, sottoli neandone il duplice significato di episodi visibili percepiti dagli occhi e di atto mentale derivante dall’azione del ponderare con la mente. La piattaforma espositiva internazionale, con una selezione di quasi 200 artisti, fotografi e scul tori, emergenti e affermati, oltre a progetti di istituzioni accademiche, musei e gallerie, offre un punto di vista privilegiato sul tema principale della mostra, trasformando Personal Structures in un progetto eterogeneo e potente che inco raggia il dialogo su idee e pensieri attuali nel campo dell’arte contemporanea nel contesto di Time Space Existence The sixth edition of the biennial con temporary art exhibition Personal Structures, produced by the European Cultural Centre, revolves around the idea of reflections [re·flec· tion | ri-'flek-sh ən], showing its dual meaning of visible episode perceived by the eyes and mental phenomenon of thinking and pondering with the mind. A group of internationally re nowned and emerging artists, photographers, sculptors, and academic institutions portray their views on the main theme of the exhibition, turning Personal Structures into a heterogene ous and stimulating show that encourages a dialogue on current developments, ideas, and thoughts in the contemporary art field within the context of Time Space Existence Palazzo Mora, Strada Nova Cannaregio 3659 Palazzo Bembo, Riva del Carbon San Marco 4793 Giardini della Marinaressa Riva dei Sette Martiri, Castello www.personalstructures.com 137 FONDACO DEI TEDESCHI Leila

ENG

November

WHEN 20 aprile April-27 novembre November Leila Alaoui (1982-2016), fotografa e videoar tista franco-marocchina, ha dedicato la sua vita alla sensibilizzazione pubblica sui temi dell’identità, della diversità culturale e della mi grazione nell’area del Mediterraneo. Due instal lazioni di grande impatto visivo compongono la mostra: Les Marocains restituisce un ritratto corale del suo paese d’origine reso attraverso una serie di gigantografie dei suoi abitanti; Crossings racconta il viaggio intrapreso dai mi granti subsahariani per raggiungere il Marocco e le coste europee. Un mix di immagini e video che ricostruiscono il vissuto dei migranti, resti tuendone il trauma collettivo. ENG Moroccan photographer and video artist Leila Alaoui dedicated her life to promot ing public awareness on the themes of identity, cultural diversity, and migration in the Mediter ranean. Two visually impressive installations make up the exhibition. Les Marocains is a choral portrait of her home country shown in a series of large-scale prints. Crossings is the story of the journey Sub-Saharan migrants take to reach Morocco, and then Europe. A mix of images and videos shows the migrants’ lives and their collective trauma.

84 An artistic spirit Setting the mood from evening until early morning with its avant-garde selection of art-inspired cocktails, Arts Bar celebrates the city’s artistic and cultural legacy with an outlook to the future. Discover its exquisite collection of serves the best address in Venice. For information, please visit artsbarvenice.com or call +39 041 240 0001 San Marco 2159, 30124, Venice, Italy affiliates.itsorInc.,International,Marriottoftrademarksthearelogosandmarksnames,AllReserved.RightsAllInc.International,Marriott©2021

ENG A timeless Neverland to escape to with the company of Peter Pan, the forever child. Curated by Francesca Giubilei and Luca Berta, the exhibition captures the vision of artists Stephanie Blake, Didier and Valentine Guillon, Silvano Rubino, and Isao, which share Jimmie Durham, Jaume Plensa, Thomas Schüt te, Ai Weiwei, Robert Wilson, Erwin Wurm.

Not Only Biennale AROUND TOWN 140141 TOWNAROUND

Bae Bien-U. Light of Grey/ View of Venice WHEN 21 aprile April-27 novembre November «Sono uno che fugge, mi nascondo nel pae saggio». Bae Bien-U (Yosu, Sud Corea, 1950) ha trascorso le ultime quattro stagioni a Venezia per “dipingere con la luce”, in altre parole, foto grafare. «Quello che desidero catturare con la mia macchina fotografica [analogica] è questo cupo calore della natura e dei suoi vicoli, com presi i passaggi attraverso le distese di fango e acqua della Laguna». Light of Grey, a cura di Jean-Michel Wilmotte, raccoglie 15 fotografie della serie View of Venice ENG “I am one who runs away; I hide in the landscape.” Beu Bien-U (b. Yosu, South Korea, 1950) spent the last four seasons in Venice to “paint with light” – or, in other words, to photograph. “What I want to capture with my [film] camera is the dark warmth of nature and its little alleys, including the landscape of mud and water of the Venetian Lagoon.” Light of Grey, curated by Jean-Michel Wilmotte, is a collection of fifteen pictures from the View of Venice series. Fondamenta de l’Abazia Cannaregio 3560 www.fondationwilmotte.com

ENG An abandoned glass furnace on the island of Murano sets the stage for an ambitious exhibition that explores the infinite creative po tential of glass. Renowned artists of international fame experiment with the medium thanks to original collaborations with the master glass blowers at Berengo Studio in Murano. The result is GLASSTRESS, a unique collective exhibition by Adriano Berengo that eludes Venetian ste reotypes by demonstrating the place of glass within the world of contemporary art. Campiello della Pescheria 4, Murano www.fondazioneberengo.orgwww.glasstress.org

Una vecchia fornace abbandonata trasformata in uno spazio contemporaneo è il luogo perfetto per una mostra ambiziosa che esplora le infinite possibilità creative del vetro. Artisti di fama in ternazionale ‘fondono’ la propria arte in questa materia pura e ancestrale grazie alle sapienti mani dei maestri vetrai di Berengo Studio. Il risultato di questo incontro è GLASSTRESS, progetto ideato da Adriano Berengo che sfugge agli stereotipi associati alla tradizione vetraria, ampliando vorticosamente i confini dell’arte contemporanea. L’edizione 2022 vede protago nisti tra gli altri Vanessa Beecroft, Chiara Dynys, 138 FONDACO MARCELLO Wallace Chan. Totem WHEN 20 aprile April-23 ottobre October Wallace Chan (1956) ricerca la spettacolarità non attraverso una singola opera, ma nella re lazione di interdipendenza tra le sue molteplici parti. Una volta scomposta, l’integrità della scultura come forma unica viene meno, sug gerendo la fragilità e l’imminente collasso di un ordine precostituito. L’operazione simboleggia la frammentazione sociale e l’incertezza oggi sperimentate nel mondo. Totem è un’installa zione composta da molteplici elementi facenti parte di un’unica scultura in titanio, A Dialogue Between Materials and Time, Titans XIV, origi nariamente alta dieci metri, scomposta e posi zionata nelle sue diverse parti sul pavimento del Fondaco. ENG Wallace Chan is after spectacular ity – not by merely using a single piece, but using the interdependence of many. Once taken apart, the integrity of the sculpture as a self-contained form is not there anymore, allud ing to the fragility and imminent collapse of an established order. The operation symbolises social fragmentation and the uncertainty of our times. Totem is an installation that comprises many different pieces, all part of a single tita nium sculpture, A Dialogue Between Materials and Time, Titans XIV, originally ten metres large, now broken up, with each piece placed around the Fondaco. Calle del Traghetto, San Marco 3415 www.wallace-chan.com

141 FONDAZIONEBERENGOART SPACE GLASSTRESS WHEN 2 giugno June -27 novembre November

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE

139 FONDATION VALMONT Peter Pan. La nécessité du rêve WHEN 23 aprile April-26 febbraio February Una Neverland senza tempo, dove poter scappare in compagnia di Peter Pan, l’eterno bambino. A cura di Francesca Giubilei e Luca Berta, la mostra cattura lo sguardo degli artisti Stephanie Blake, Didier e Valentine Guillon, Silvano Rubino, Isao, legati tra loro dallo stesso medium, l’immagine in movimento. Quattro lavori su un tema afferente alla figura di Peter Pan declinati con la massima libertà in visioni contemporanee. Ospite d’onore della mostra l’artista Gayle Chong Kwan. A conclusione del percorso espositivo viene proposta la proie zione del film Barry Lyndon di Stanley Kubrick (1975), un personaggio cinematografico legato all’idea di eterno bambino.

140 FONDATION WILMOTTE

a common medium, the moving picture. Four pieces on the figure of Peter Pan, adapted to contemporary vision in total freedom of artistic expression. The guest of honour at the exhibi tion will be artist Gayle Chong Kwan. Ending the presentation is the screening of Stanley Kubrick’s Barry Lyndon of 1975, a cinema char acter that is also about an eternal child. Palazzo Bonvicini, Calle Agnello San Polo 2161/A www.fondationvalmont.com

86 Vaporetto: Ca’D’Oro -Canal Grande-Laguna VenetaMadonna dell’Orto Calle C’à d’Oro 6 7 5 3 ab1 a b 1 2 4 WILMOTTE FOUNDATION Fondamenta dell’Abbazia, Cannaregio 3560 30121 Venezia Open : 10:00 am-1:30 pm - 2:00pm-6:00 pm Closed on Monday and bank holidays Vaporetto: Ca’D’Oro-Madonna dell’Orto T: +39 041 476 1160 - fondaco@wilmotte.fr 7 6 5 4 3 2 1 B A B 1 2 3 4 5 6 7 WF WF A Vaporetto : Ca’D’Oro Vaporetto : Madonna dell’Orto Calle Ca’ d’Oro FondamentaSt.Nuova Misericordia Fondamenta S.Felice Fondamenta dell’ Abbazia Fondamenta Contarini Ramo I WilmottePiaveFoundation BAE BIEN-U VIEW OF VENICE LIghT OF grEy 21.4.2022 - 27.11.2022 www.galerierx.comwww.fondationwilmotte.com WIlMOtte FOuNDAtION

WHEN 2 giugno June settembre September Affascinato dalla semplicità e dalla tranquillità che emana dalle cose di tutti i giorni, Laurent Reypens utilizza nelle sue opere sempre la stessa ciotola del produttore di ceramiche belga Royal Boch. Questa ciotola costituisce il filo condutto re delle sue creazioni e funge da sua grafia. La ripetizione di questo elemento conferisce ai suoi lavori l’astrazione e la dinamica necessarie per restituire l’identità, la cifra artistica della sua poeti ca. I fiori in queste composizioni floreali non sono fiori. Sono le ciotole a diventare fiori. Per la crea zione delle sue opere dal 2014 l’artista collabora con Berengo Studio. ENG Fascinated by the simplicity and serenity that emanates from everyday objects, the artist always uses the same bowl from Bel gian pottery maker Royal Boch. The bowl is the leitmotif in Laurent Reypens’ creations. The repetition of this element bestows his paintings and sculptures with much-needed abstraction and dynamism. These flowers are not flowers –they are bowls that turn into flowers. Since 2014, Reypens has been collaborating with Berengo Studio to create work in glass. San Marco 2847 www.berengo.com LA MASA/1 Francesco Stefanini Nel Tempo. Opere 1972 –2022 WHEN 12 giugno June -10 luglio July La mostra presenta un percorso cronologico che si sviluppa in forma contraria, partendo dagli ulti mi dipinti dell’artista toscano trapiantato in Veneto per poi approdare ai cicli degli anni ‘80 e ‘90, aprendo contestualmente una finestra sui lavori degli anni ‘70. In questo suo perdersi e ritrovarsi all’interno dei differenti decenni, Stefanini procede a un’immersione nella stupefatta sospensione del tempo reale, un gioco di specchi dove si riflettono luci e ombre del suo immaginario poetico. ENG The exhibition is a story, in reverse chronological order, that starts with the last paint ings by Stefanini to end with the series created in the Eighties and Nineties, which in turn open a window on the emblems of the 1970s. In this los ing his own way only to find it again at a later point through the decades, Stefanini immerses into a bewildering suspension of real time, a game of mirrors that reflect the lights – and the shadows –of his poetic imagery. Galleria di Piazza San Marco San Marco 71/C www.bevilacqualamasa.it

142 FONDAZIONE BERENGO | PALAZZO FRANCHETTI Laurent DreamflowersReypens

145 EMILIO E ANNABIANCA VEDOVA

FONDAZIONE

ENG Impromptu metaphysics of col our and minimalist sign is the conceptual alphabet of Franca Faccin, an artist known for the iconic synthetism of her bicycles – the standard bearers of existence. Harmony and energy of aesthetic and ideological language touch the figurative, the abstract, and the in formal, a sort of code of repeated graphisms of oriental taste and western soul. Galleria di Piazza San Marco San Marco 71/C www.bevilacqualamasa.it

-15

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 87 144 FONDAZIONEBEVILACQUA LA MASA/2 Franca L’alfabetoFaccindella bicicletta WHEN 21 agosto August 27 novembre November L’estemporanea metafisica del colore e del segno minimalista di Franca Faccin, ovvero l’alfabeto concettuale e mediterraneo del “libero girovagare in pittura” di un’artista nota per il sintetismo iconico delle sue biciclette, portabandiera assoluto dell’esistere, nell’im maginaria altalena sinusoidale e spezzata dei suoi giri di freni e campanelli. L’armonia e l’energia di un linguaggio estetico ed ideo logico emozionale tra il figurativo, l’astratto e l’informale, impenetrabile codice di grafismi reiterati di sapore orientale ma con un’anima occidentale.

Rainer - Vedova. Ora WHEN 23 aprile April-30 ottobre October Arnulf Rainer (Baden, Vienna, 1929) e Emilio Vedova (Venezia, 1919-2006), al netto dei loro distinti tratti generazionali e formativi, erano legati da una lunga amicizia e condividevano una concezione dell’esperienza artistica intesa nella sua essenza di contatto responsabile con le vicende del proprio tempo. Curata da Helmut Friedel e Fabrizio Gazzarri, Ora costi tuisce un’occasione inedita di incontro tra le opere di due protagonisti della ricerca artistica europea del secondo dopoguerra in bilico tra Astrattismo e Informale, dove l’arte è gestualità, materia, segno. ENG Arnulf Rainer and Emilio Vedova, while different in generation and education, shared a long friendship and a similar view on art, meant to be a responsible contact with the real world. Curated by Helmut Friedel and Fabrizio Gazzarri, Ora (lit. ‘now’) is an original chance to meet the art of two protagonists of artistic research in post-WWII Europe, midway between the Abstract and the Informal, where art is gesture, matter, sign. Magazzino del Sale e Spazio Vedova Zattere 266 www.fondazionevedova.org 146 FONDAZIONE PRADA Human Brains

It Begins with an Idea WHEN 24 aprile April-27 novembre November In linea con la sua consolidata, profonda ri cerca sul contemporaneo, Fondazione Prada lancia ancora una volta un’intrigante sfida culturale presentando una mostra focalizzata sugli studi del cervello umano. L’esposizione è il risultato di una complessa ricerca sviluppata nell’ambito del progetto multidisciplinare Hu man Brains, avviato nel novembre del 2020, in cui si sono sperimentate modalità inclusive di scambio tra scienziati e studiosi di vari campi e una comunità più ampia di studenti, ricer catori e semplici persone interessate al tema. La mostra rappresenta un tentativo di tradurre in una forma espositiva immersiva la storia dello studio del pensiero umano, restituendo lo stato attuale delle ricerche nel campo delle neuroscienze. ENG Fondazione Prada welcomes an in-depth cultural challenge by hosting an exhibition on the advance of studies on the human brain. The exhibition is the result of Human Brains, a multidisciplinary research started in November 2020 that worked on the exchange between scientists and schol ars in different fields and a larger commu

TOWNAROUND Not Only Biennale AROUND TOWN 145142

143 FONDAZIONEBEVILACQUA

Not Only Biennale AROUND TOWN BIENNALEONLYNOT

150 GALLERIA RAVAGNAN

ENG Bruno Catalano was born in Mo rocco in 1960. In 1975, he and his family were forced into exile. Landed in Marseille to begin a new life, the pain of the exile lives neverthe less on in his memories. Catalano worked as a sailor, then electrician, and by age 30 he met art and clay sculpture. He acquainted himself with maestros such as Rodin, Giacometti, César. He graduated from clay to bronze and began sculpting larger and larger subjects: his ‘travellers’ framed a minute before leaving home. Galleria Ravagnan was founded by Lu ciano Ravagnan in 1967 and today, it is run by his children Carlo and Chiara. Piazza San Marco 50/A Dorsoduro 686 www.ravagnangallery.com

ENG Photographs and books by Surre alist artist and writer Claude Cahun (France, 1894-1954) are exhibited for the first time. This is an important project that highlights the exceptional research conducted by Claude Ca hun (born Lucy Schwob) who, together with her half-sister and life partner Marcel Moore (born Suzanne Malherbe), anticipated discussions on themes of extreme relevance in contemporary society, such as gender and identity. Calle dei Guardiani, Dorsoduro 2403/H www.albertapane.com Bertozzi&Casoni: istantanee WHEN 20 aprile April-30 luglio July Insieme da oltre trent’anni, Bertozzi & Casoni confermano la loro abilità nella lavorazione della ceramica policroma. L’iperrealismo for male incontra il surrealismo compositivo nella maestria esecutiva dei due artisti che elevano e nobilitano l’utilizzo di questa tecnica nell’arte contemporanea. L’uso del colore, lucente e nitido, si applica tanto agli elementi della natura – animali soprattutto, ma anche piante, ossa, teschi – quanto a scarti e a veri e propri rifiuti. Non prive di una forte ironia, queste sculture sono una riflessione sul nostro modo di vivere e consumare, sullo scorrere del tempo e sulle macerie che creiamo.

Bruno Catalano

Corte Barozzi, San Marco 2158 www.caterinatognon.com nity of students, researchers, and experts. The exhibition is an attempt to translate into the language of immersive art the history of the study of thought by presenting the cur rent status of neuroscientific research. Ca’ Corner della Regina, Santa Croce 2215 www.fondazioneprada.org

148 GALLERIA ALBERTA PANE I owe ClaudeyouCahun / Marcel Moore

88 temi di grande attualità nella società, quali il genere e l’identità.

Bruno Catalano nasce in Marocco nel 1960. Nel 1975 è costretto all’esilio con la sua fami glia. Sbarcato a Marsiglia con la speranza di ricominciare una nuova vita, conserva nella me moria il dolore del proprio sradicamento. Prima marinaio, poi elettricista, a 30 anni incontra l’ar te e la scultura in argilla attraverso lo studio di Maestri come Rodin, Giacometti, César. Evolve dall’argilla al bronzo e scolpisce personaggi sempre più grandi: i suoi “viaggiatori” colti nell’attimo sospeso della partenza. Fondata da Luciano Ravagnan nel 1967, la Galleria oggi è sotto la direzione dei figli Chiara e Carlo, capaci di mantenere viva l’attenzione puntuale del padre nei confronti dell’arte moderna e contem poranea.

151 GALLERIA SAN POLO Lee Maelee. Genesis WHEN 19 aprile April-28 giugno June Genesis nasce dalla ricerca di Lee Maelee (Repubblica di Corea, 1963) attorno ai temi più profondi che riguardano l’essere umano e la sua storia, a tutto ciò che è legato all’esistenza e all’essere. Le sue opere vogliono rappresen tare un medium tra il passato, il presente e il futuro, una sorta di veicolo della memoria col lettiva. L’esposizione, curata da Thalia Vracho poulos, raccoglie un insieme di trentasei dipinti realizzati trascrivendo in polvere d’oro a 24k frasi dalla Genesi della Bibbia e da altre fonti re ligiose non cristiane, tradotte in diverse lingue, Latino, Greco, Ebraico, Inglese e Coreano. ENG Genesis shows the research work of Lee Maelee (South Korea, 1963), focused on the deepest questions that concern human beings, history, and anything about existence and being. Her art is a medium between past, present, and future – a sort of vehicle of collec tive memory. The exhibition, curated by Thalia Vrachopoulos, is a collection of thirty-six paint

ENG Known for his sensitivity viz. space and time, collective and personal history, Danh Voˉ has been invited to permeate the maze-like architecture at Fondazione Querini with his vision using ancient and modern elements in a never-ending journey through time. Together with Chiara Bertola, Danh Voˉ is both artist and curator of the exhibition. He created this art as a form of dialogue with art by Park Seo-Bo (1931), the initiator of Korean art movement Dansaekhwa (monochrome painting) and Isami Noguchi, a Japanese-American sculptor, archi tect, and designer. Campo Santa Maria Formosa, Castello 5252 www.querinistampalia.org

ENG After thirty years of art work to gether, Bertozzi & Casoni prove once again their ability in polychrome ceramic art. Formal hyperrealism meets compositional surrealism in art that elevates this particular modern art technique. The use of colour, shiny and bright, is used on both natural subjects – mostly an imals, though also plants, bones, skulls – and scrap, all the way to outright waste. These sculptures show, not without irony, a reflection on the way we live and consume, on the flowing of time and the waste we leave behind.

Danh Vo¯, Isamu Noguchi, Park Seo-Bo WHEN 20 aprile April-27 novembre November Conosciuto per la sua sensibilità nei confronti dello spazio e del tempo, del concetto di storia personale e collettiva, Danh Vo¯ è stato invitato a pervadere con la sua visione l’architettura labirintica della Fondazione Querini dove una fitta teoria di elementi antichi, moderni e con temporanei si susseguono in un emozionante viaggio nei secoli. Affiancato da Chiara Bertola, Danh Vo¯, nella doppia veste di artista e curato re, pone in dialogo la sua pratica artistica con l’opera di Park Seo-Bo (1931), iniziatore del movimento artistico coreano Dansaekhwa (pit tura monocroma), e di Isamu Noguchi, scultore, architetto, designer e scenografo statunitense di origini giapponesi.

WHEN 21 aprile April-27 agosto August Claude Cahun (nata Lucy Schwob, Francia, 1894-1954), artista surrealista complessa ed enigmatica, la cui opera di estrema contem poraneità spazia tra più medium: fotografia, scrittura, collage, scultura, travestimento, tra sformazione, performance, teatro. Fotografie e libri compongono il corpus di una mostra/ progetto che mira a mettere in luce l’ecceziona le ricerca di Cahun che, insieme alla sorellastra e compagna di vita Marcel Moore (alla nascita Suzanne Malherbe), ha anticipato riflessioni su

149 GALLERIACATERINA TOGNON

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QUERINIFONDAZIONESTAMPALIA

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 89 ings, showing transcripts of verses in several languages, from Genesis and other non-Chris tian religious sources, written in gold powder. Ruga vecchia San Giovanni Rialto, San Polo 387 www.leemaelee.works

Ampia retrospettiva che esplora lo sviluppo del linguaggio visivo unico di Anish Kapoor (Mum bai, India, 1954), considerato uno degli artisti contemporanei più influenti. Le sue opere in staurano un dialogo visivo e dinamico con l’arte medievale e rinascimentale della collezione del le Gallerie. Per la prima volta vengono esposti anche nuovi lavori fortemente innovativi, creati utilizzando la nanotecnologia del carbonio. Queste nuove opere sviluppano ulteriormente il linguaggio delle prime sculture di Kapoor, che esplorano la condizione di ciò che l’artista ha definito il “non-oggetto”.

ENG A large retrospective explores the development of Anish Kapoor’s unique visual language. Kapoor (Mumbai, 1954) is consid ered one of the most influential contemporary artists. His art creates a visual, dynamic con versation with medieval and renaissance art that is part of the Accademia’s collection. For the first time, new and original art, created using carbon nanotechnology, is included in the exhibition. This new art develops further the language of Kapoor’s earlier sculpture to explore the condition of what the artist refers to as the ‘non-object’. Campo della Carità, Dorsoduro 1050 www.gallerieaccademia.it

153 DELLAGIARDINIMARINARESSA

Richard Orlinski

152 DELL’ACCADEMIAGALLERIE

Solo exhibition WHEN 21 aprile April-27 novembre November Richard Orlinski (Parigi, 1966) presenta ai Giardini della Marinaressa dodici sculture mo numentali che sublimano la realtà per creare opere d’arte vive, belle e senza tempo, capaci di suscitare meraviglia. È nel 2004 che Orlinski decide di dedicarsi completamente all’arte. Intriso di cultura pop, l’artista crea un universo colorato ispirato agli animali più selvaggi e agli oggetti iconici che hanno segnato diverse ge nerazioni. ENG Richard Orlinski presents twelve monumental sculptures that sublimate reality to create living pieces of art, beautiful and timeless, art to marvel at. Back in 2004, Orlinski decided to dedicate his life to art. Imbued in pop art, the artist created a colourful universe inspired by wild animals and iconic objects that many generations will be familiar with. European Cultural Centre, Giardini della Marinaressa, Riva dei Sette Martiri Bel Air Fine Art Gallery, Dorsoduro 728 www.belairfineart.com

ENG Venetian painter Serena Nono undertakes a historical and religious discov ery journey together with her cousin, Randy Schoenberg, to explore her grandfather Ar nold Schoenberg’s Jewish roots in Vienna and Prague, all the way back to the founding fami lies of the Venetian Jewish district. Campo del Ghetto Nuovo, Cannaregio 2909 www.ikonavenezia.com 155 IKONA GALLERY/2 Michèle che raggiunge Max. Gli Halberstadt WHEN 28 agosto August-30 ottobre October Max Halberstadt (1882-1940) è stato uno dei fotografi ritrattisti più famosi nella Amburgo degli anni ‘20 del Novecento. La sua popolarità è do vuta, non da ultimo, alle fotografie iconiche del suocero Sigmund Freud, divenute presto i ritratti ufficiali del padre della psicoanalisi ancora oggi utilizzate in tutte le pubblicazioni che lo riguarda no. Nonostante ciò, il nome di Max Halberstadt è purtroppo quasi dimenticato oggi. Indagando sul cognome e sulla storia paterna, Michèle Hal berstadt intraprende un intrigante viaggio verso la riscoperta di una figura tutt’altro che margina le nella storia della fotografia tedesca.

ENG Max Halberstadt has been one of the most famous portrait photographers in 1920s Hamburg. His popularity was due to the iconic photographs he took of his father-in-law, Sig mund Freud. Today, those photographs are the official portraits of the father of psychoanalysis and have been published worldwide. Alas, Halberstadt’s name is virtually unknown today. Michèle Halberstadt investigates her surname, paternal history, and Max’s career. Campo del Ghetto Nuovo, Cannaregio 2909 www.ikonavenezia.com

TOWNAROUND152151147153

Anish Kapoor

154 IKONA GALLERY/1 Alla ricerca di Fioretta WHEN 8 maggio May-7 agosto August La pittrice veneziana Serena Nono intraprende un viaggio di scoperta storica e religiosa con suo cugino, l’avvocato Randy Schoenberg, esplo rando le profonde radici ebraiche di suo nonno, il compositore Arnold Schoenberg, in un viaggio che attraversando Vienna e Praga giunge sino alle soglie delle famiglie fondatrici dell’antico Ghetto ebraico di Venezia.

WHEN 20 aprile April-9 ottobre October

ENG A critical retrospective curated by Christian Larsen on glass décor produced by Milan-based company FontanaArte. An indepth scan of the creative repertoire authored by four great art directors: Gio Ponti (19321933), Pietro Chiesa (1933-1948), Max Ingrand

ENG An original investigation on the use of fire as a means of artistic creations in post-WWII Avant-Garde and the way artists learned to appropriate both the destructive and generative power of fire. Six artists over six sections: Yves Klein, Alberto Burri, Arman, Jan nis Kounellis, Pier Paolo Calzolari, and Claudio Parmiggiani. Fire is the protagonist and medi um of an innovation that involves the transform ative process of pictorial and plastic language. Fondazione Giorgio Cini www.cini.it

ENG A personal exhibition on American artist Kehinde Wiley curated by Christophe Leribault. A collection of original monumental paintings and sculptures shines a light on the brutality of the colonial past – both American and global. The starting point of Wiley’s art reflection is death, merciless and useless, in his native country, which becomes a vivid met aphor of a global reality. New portraits show young men and women of colour in vulnerable positions, telling a story of survival and resil ience and revealing what beauty can emerge from tragedy.

ENG A space of art projects and site-spe cific installations for theatre, music, cinema, ar chitecture, research, study, and performance: Fondazione Sandretto Re Rebaudengo turns thirty and celebrates in Venice by opening its fourth modern art and culture space. The first exhibition in town will be a personal portrait of Brazilian artist Jota Mombaça (Natal, 1991), curated by Hans Ulrich Obrist. An interdisci plinary artist, Mombaça researches and shows the relationship between monstrosity and humanity, queer studies, anticolonialism, vio lence redistribution, and visionary narrations. Fondazione Sandretto Re Rebaudengo Laguna Nord fsrr.org 157 ISOLA DI SAN GIORGIO MAGGIORE/1 VivereFontanaArte.nelvetro

Le Stanze del Vetro www.lestanzedelvetro.org

ISOLA DI SAN GIACOMO IN PALUDO Jota Mombaça WHEN 20 aprile April-27 novembre November

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WHEN 4 aprile April-31 luglio July Una retrospettiva critica, a cura di Christian Larsen, sugli arredi in vetro della leggendaria azienda milanese FontanaArte attraverso una scansione del repertorio creativo e dei periodi di produzione dei quattro grandi direttori artisti ci: Gio Ponti (1932-1933), Pietro Chiesa (19331948), Max Ingrand (1954-1967) e Gae Aulenti (1979-1996). Con 85 pezzi tra i più eccezionali della produzione di FontanaArte la mostra si concentra sulle possibilità poetiche del vetro in lastre, un materiale industriale lavorato da tanti designer e artisti che hanno collaborato con l’azienda milanese nel corso della sua storia.

Un nuovo, straordinario spazio immerso nell’at mosfera sospesa e magica della Laguna Nord dedicato a progetti artistici e installazioni sitespecific pluridisciplinari, tra teatro, musica, ci nema, architettura, ricerca, studio e performan ce. La Fondazione Sandretto Re Rebaudengo compie trent’anni e per festeggiarli adeguata mente apre in Laguna il suo quarto spazio de dicato all’arte e alla cultura del presente. Mostra inaugurale la personale dell’artista brasiliano Jota Mombaça (Natal, 1991), curata da Hans Ulrich Obrist. Artista interdisciplinare, la sua ri cerca si concentra sul rapporto tra mostruosità e umanità, su studi queer, anticonialismo, redi stribuzione della violenza e narrativa visionaria.

158 ISOLA DI SAN GIORGIO MAGGIORE/2 On Fire WHEN 22 aprile April-24 luglio July Indagine originale sull’uso del fuoco come mez zo di creazione artistica tra le avanguardie del secondo dopoguerra che riuscirono ad appro priarsi degli effetti sia distruttori che generatori del fuoco, impiegandolo su diversi materiali. Attraverso sei sezioni e sei artisti – Yves Klein, Alberto Burri, Arman, Jannis Kounellis, Pier Pa olo Calzolari e Claudio Parmiggiani – il fuoco è il protagonista sensibile e il medium di una inno vazione dello stesso processo trasformativo del loro linguaggio pittorico e plastico. La mostra si concentra nel suo articolato percorso sul lavoro di ciascuno dei sei artisti, mettendone in evidenza le diverse modalità di utilizzo dell’ele mento fuoco.

159 ISOLA DI SAN GIORGIO MAGGIORE/3 Kehinde Wiley An Archaeology of Silence WHEN 22 aprileApril-24 luglioJuly Personale dell’artista americano Kehinde Wiley, a cura di Christophe Leribault. Una serie di dipinti e sculture monumentali inediti mettono in luce la brutalità del passato coloniale, ameri cano e globale. Il punto di partenza della rifles sione artistica di Wiley sono le morti, spietate e inutili, nel suo paese d’origine, che diventano un’incisiva metafora di una realtà globale. I nuovi ritratti mostrano giovani uomini e donne neri in posizioni di vulnerabilità che raccontano una storia di sopravvivenza e resilienza, rivelan do la bellezza che può emergere anche dalla tragedia.

90 (1954-1967), and Gae Aulenti (1979-1996). With over 85 pieces chosen from the most outstand ing in FontanaArte’s production, the exhibition focuses on the poetic potential of glass slabs, an industrial product that many at FontanaArte worked with over time.

Fondazione Giorgio Cini www.cini.it

Not Only Biennale AROUND TOWN BIENNALEONLYNOT 164157161

Scott WHEN 22 aprile April-22 giugno June Paolo della Corte WHEN 1-31 July Michael Eastman WHEN 3 settembre September 28 ottobre October Uno spazio inedito – il deposito di libri de La Toletta – dedicato esclusivamente alla fotogra fia, con opere di grandi Maestri del Novecento e del contemporaneo. Per Scott Tulay la luce è impegnata nella definizione dello spazio o nella smaterializzazione del paesaggio o degli ele menti architettonici raffigurati. Ricerca estetica e naturalezza sono gli elementi fondamentali della forma/ritratto di Paolo Della Corte. Le esplorazioni di Michael Eastman della forma architettonica e delle trame del decadimento creano narrazioni misteriose sul tempo e sul luogo. ENG A new space – the book warehouse at Toletta – dedicated wholly to photography, with pieces by great twentieth-century pho tographers and some more recent ones. For Scott Tulay, light either defines space or dema terializes landscape and architecture. Aesthet ical research and naturality are the essential elements in Paolo Della Corte’s shape/portrait photographs. Michael Eastman’s exploration of the architectural shape or of the coming about of decay create mysterious stories on time and places. Fondamenta de Borgo, Dorsoduro 1134 www.tolettaeventi.com MODERNA David WhereCassOnce the Waters WHEN 18 aprile April-24 maggio May I livelli del mare si stanno alzando e alcuni territori in particolare - Venezia in primis, ad esempio - stanno vivendo con drammaticità e preoccupazione il costante progredire del fenomeno. L’artista David Cass da tempo lavora a un progetto che cerca di scoprire quanto i mari più vicini ai nostri luoghi di nascita siano 160 DI SAN SERVOLO WHEN 21 aprile April-30 maggio May

ISOLA

Via Garibaldi, Castello 1791 www.davidcass.art 164 M9 | MUSEO DEL '900 GUSTO! Gli italiani a tavola. 1970-2050 WHEN Fino Until 25 settembre September Un viaggio lungo ottant’anni nella gastronomia italiana attraverso oggetti, immagini e attività esperienziali che ha come obiettivo la narrazio ne della simbiotica relazione tra gli italiani e il cibo. Una connessione radicalmente trasforma tasi negli ultimi decenni che, nelle intenzioni dei curatori, disegna una traiettoria per indagare passato e presente al fine di immaginare cosa ci potrà riservare il futuro. Al centro della rifles sione la parola “gusto”, perché meglio di ogni altra rappresenta quella mescola tra piacere individuale, condivisione collettiva, fenomeno culturale e segno scientifico.

TOWNAROUND

ENG An eighty-year journey into Italian cuisine: objects, images, experiences that will narrate the symbiotic relationship between Italians and food. A connection so radically changed over the last few decades that, in the intention of the curators, it can shed some light into past and present, so as to imagine what the future might hold. At the centre of this reflection is the word gusto (both ‘taste’ and ‘flavour’), representing that mix of individual pleasure, collective sharing, cultural phenomenon, and scientific sign.

Tulay

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 91 our consciences through the works of three international artists: VAL - Valérie Goutard, Sébastien Lilli, and Brigitte Moreau Serre. The exhibition is based on the rich symbology behind the number 7: The three artists offer us three different and complementary illustrations that address the heart, mind, and body with a recurring presence of the number 7. Calle San Lorenzo, Castello 5063/B www.sumus.community 162 LA SPAZIOTOLETTAEVENTI

Via Giovanni Pascoli 11, Mestre www.m9museum.it

ENG We know that sea levels are rising. However, due to different factors, the rate of rise around the world is not even. Some loca tions – Venice, for example – experience more dramatic changes in sea level and more fre quent flooding. In an effort to bring home – to personalise – this significant topic and offer re latable figures, artist David Cass is working on a project that seeks to discover how much the seas closest to our birthplaces have changed, relative to land, across our lifetimes. Based on long-term local measurements, Cass will pres ent sea-level readings specific to each of us.

ENG A ‘concept pavilion’ on the theme of folly at San Servolo Island, where a psy chiatric hospital once stood. Polish artist Dominik Lejman (Gdan´sk, 1969) is the first guest artist at, and also co-founder of, Madnicity Pavilion, together with Richard Hallward, Bianca O’Brien, and Mario Caeiro. Eleven installations and performances pop ulate the halls and gardens at San Servolo to trace the story of repression, reclusion, and the meaning of folly in a society that believes to be sane, though instead shows it only fun nelled folly into even crazier dynamics. Isola di San Servolo IG @madnicitypavilion

161 LA FUCINA DEL FUTURO

Madnicity Pavilion 2022 Dominik Lejman. Lunatics

ENG La Fucina is an old disused foundry and is now the headquarters of Sumus, a foun dation created in 2020 to build innovative and futuristic ideas and projects for the future of Venice. From Chaos to Harmony explores the transformative potential of art in awakening mutati nel corso della nostra vita. Basandosi su misurazioni locali a lungo termine raccolte da varie organizzazioni oceanografiche, l’obiettivo di Cass è di presentare in maniera poetica let ture del livello del mare specifiche per ognuno di noi.

From Chaos to Harmony Independent Project by SUMUS WHEN 9 aprile April-17 luglio July La Fucina è un’antica fonderia in disuso, dive nuta ora la sede di Sumus, fondazione creata nel 2020 per forgiare idee e progetti innovativi e futuristici con al centro Venezia, luogo cardine del futuro. From Chaos to Harmony esplora il potenziale trasformativo dell’arte nel risvegliare le nostre coscienze attraverso le opere di tre artisti internazionali: VAL - Valérie Goutard, Sébastien Lilli e Brigitte Moreau Serre. Ba sandosi sulla ricca simbologia che sta dietro al numero 7, i tre artisti propongono tre opere diverse e complementari che affrontano le sfere del cuore, della mente e del corpo.

luglio

Un concept pavilion sul tema della follia nell’I sola di San Servolo, luogo la cui storia ancora recente è stata connotata da confinamenti ed esclusioni. Il polacco Dominik Lejman (Danzica, 1969) è il primo artista in mostra in questo “padiglione dei disturbi mentali”, nonché co-fondatore del Madnicity Pavilion stesso congiuntamente a Richard Hallward, Bianca O’Brien e Mario Caeiro. Undici installazioni e interventi performativi, distribuiti negli spazi e nei giardini dell’Isola, ripercorrono la storia della repressione e della reclusione, ma soprattutto il senso della follia in una società che si crede sana e che invece dimostra di aver solo indiriz zato la pazzia in dinamiche ancora più folli.

163 LATTERIA

Ca’ Pesaro (terzo piano), Santa Croce 2076

165 MARIGNANA ARTE Maurizio L’insiemeDonzellivuoto WHEN 9 aprile April-23 luglio July

WHEN

169

THE SOUL EXPANDING

ENG In his art, Vietnamese artist Huong Dodinh questions the concepts of light and line using a unique, personal technique – layered painting and geometrical shapes – thus gifting the canvas with a sense of depth and density that reveal evanescent brightness. In Ascen sion, the artist took possession of space by de signing an installation using fourteen paintings, each three-metre tall, placed in a triangular pattern around a wooden sculpture, a Madonna della Misericordia from the fifteenth century. We are invited to enter the heart of the art. Sala delle Quattro Porte, Piazza San Marco www.correr.visitmuve.it

Tony Cragg. Silicon Dioxide

#3OCEANDineo

In una dinamica contrastante, dove l’oggetto ar tistico si situa in uno spazio indefinito tra i poli di chiarezza ed evanescenza, in bilico tra presenza e assenza, finito e infinito, immanenza e trascen denza, Maurizio Donzelli porta avanti la sua au tonoma ricerca volta in primo luogo a risvegliare lo sguardo dell’osservatore. Questi, attraverso le opere esposte, è invitato a interrogarne il mistero a dispetto dell’evidenza della loro presenza, per provare a raggiungere quell’oltre continuamente sfuggente su cui si fondano le ragioni dell’espe rienza estetica più profonda.

Seshee Bopape. Ocean! What if No Change Is Your Desperate Mission? #4 Diana Policarpo. Ciguatera

WHEN 9 aprile April-2 ottobre October Due nuovi capitoli del ciclo espositivo biennale

166 MUSEO

The Soul Expanding Ocean, curated by Chus Martínez. Although independent, the ex hibitions of South African artist Dineo Seshee Bopape and Portuguese artist Diana Policarpo are connected by many common ideas, which give voice and presence to the Ocean as a re

WHEN Fino Until 21 agosto August Una quarantina di opere, alcune totalmente inedite, compongono la personale di Tony Cragg, a cura di Berengo Studio. L’allestimento ripercorre le tappe più significative del percorso dell’artista inglese, con anche sei assemblages, storici lavori di grandi dimensioni dove Cragg accosta oggetti e accumula piccoli gruppi di cose. Il quadro offerto dalla selezione di scul ture in mostra riproduce con fedeltà la visione artistica di Cragg e la sua capacità, unica, di comunicare attraverso il vetro, materiale del quale ha sempre saputo valorizzare le geome trie intrinseche.

92 167 MUSEO ORIENTALED’ARTE Trame CostumiGiapponesiestoriedel teatro no¯ WHEN 26 marzo March-3 luglio July Dipinti, stampe, documenti, costumi, strumenti musicali e maschere raccontano una delle più celebri forme teatrali giapponesi, il teatro no¯ che, grazie al 13. Festival Internazionale del Te atro de La Biennale di Venezia, nel 1954 arrivò per la prima volta in Europa. La gran parte degli oggetti e delle opere esposte fanno parte della collezione del Museo, a sua volta costituita per lo più dalla raccolta del principe Enrico di Borbone-Parma. La messinscena contempo ranea dei drammi viene evocata attraverso la documentazione fotografica di Fabio Massimo Fioravanti, che dal 1989 porta avanti un lavoro sul teatro no¯. ENG Paintings, prints, documents, cos tumes, musical instruments, and masks tell the story of one of the most celebrated forms of Japanese theatre, noˉ, which arrived in Europe thanks to Biennale in 1954. Most of the items and art on exhibition are part of the Museum’s collection, itself deriving for the most part from that of Prince Henry of Borbone-Parma. The modern staging of plays is shown in photo doc umentation by Fabio Massimo Fioravanti, who has been working on noˉ since 1989.

ENG A contrasting dynamic where the art object finds itself in an unidentified space between the opposing poles of clarity and eva nescence, balanced between presence and ab sence, finite and infinite, immanence and tran scendence. Maurizio Donzelli researches ways to wake up our eyes. We are invited to question the mystery of art despite its obvious presence to try and get to the unattainable beyond, where the deepest aesthetical reasons lie. Rio Terà dei Catecumeni, Dorsoduro 141 www.marignanaarte.it CORRER Huong Dodinh. Ascension 23 aprile April-6 novembre November Nel suo lavoro Huong Dodinh, artista di origine vietnamita e parigina di adozione, interroga i concetti di luce e linea attraverso una tecnica unica e personale – più strati di pittura e di forme geometriche –, donando alle tele una profondità e una particolare densità che le permettono di rivelare al meglio la luminosità evanescente delle sue opere. In Ascension l’ar tista ha preso possesso dello spazio ideando e progettando una installazione che comprende quattordici dipinti, ciascuno alto tre metri, col locati secondo uno schema triangolare attorno alla scultura lignea della Madonna della Miseri cordia (XV secolo).

168 MUSEO DEL VETRO

The Soul Expanding Ocean a cura di Chus Martínez: Ocean! What if No Change Is Your Desperate Mission? dell’artista sudafricana Dineo Seshee Bopape, e Ciguatera dell’artista portoghese Diana Policarpo, pur essendo tra loro indipendenti, danno voce e corpo all’O ceano quale depositario di storie coloniali le cui narrazioni intrecciano passato, presente e futuro. Le due installazioni accompagnano il visitatore in un’esperienza che vuole annullare la separazione cristallina e immutabile che di sgiunge natura e cultura, cultura e mito, scienza e fede. ENG Ocean Space opens the fourth exhibition season of the two-year exhibition cycle

Not Only Biennale AROUND TOWN BIENNALEONLYNOT 168169

ENG The first exhibition dedicated to Tony Cragg’s use of glass and his first in Murano. This unique solo show brings together artworks in glass from the artist’s extensive archive as well as debuting a series of new works made in collaboration with the glass masters of Berengo Studio. Together with preparatory sketches and watercolours the sculptures on display demon strate Cragg’s singular artistic language and his enduring fascination for the medium of glass. Fondamenta Giustinian 8, Murano www.museovetro.visitmuve.it OCEAN SPACE

the GUIDED’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 93 sabatovenezianightart18giugno 2022sabatovenezianightarwww.artnightvenezia.itt18giugno 2022 venezianightart Dm+B&Associati

WHEN 20 aprile April-2 ottobre October La Galleria di Palazzo Cini riapre con una stra ordinaria selezione di circa 40 opere del mae stro dell’arte concettuale, uno dei più importanti artisti del XX secolo, Joseph Beuys. La mostra dossier focalizza l’attenzione su due importanti temi di ricerca dell’artista: il primo, l’indagine sul corpo e sulla figura umana e il secondo, l’importante e simbolico ruolo che l’immagine animale riveste nel panorama creativo di Jo seph Beuys. Sono esposte opere fondamentali

172 PALAZZO DIEDO

Berggruen Arts & Culture

Sterling Ruby. A Project in Four Acts

ENG A personal exhibition on Mónica de Miranda, curated by Paula Nascimento and promoted by Beyond Entropy Africa and Nuova Icona. The exhibition is a collection of multi media art, including photography, video, and an installation authored by the Angolan-Portu guese artist, whose interdisciplinary research investigates the convergence of politics, identi ty, gender, memory, and places as well as intri cated identity-building processes. At the centre of the project is video Path to the Stars (2022), inspired by Agostinho Neto’s epic of the same name, shot along the river Kwanza, Angola’s longest. Calle dei Vecchi, Dorsoduro 2552

ENG The Galleria at Palazzo Cini open with an amazing selection of about forty pieces by a maestro of conceptual art, Jospeh Beuys, considered one of the most important artists of the twentieth century. The exhibition focuses on two important research themes: the investi gation on human body and figure and the im portant, symbolic role that animal figures have in Beuys’ creativity. These fundamental pieces have been created in the late 1940s and early 1950s. There will also be a meaningful selec tion of drawings and paintings on paper. Campo San Vio, Dorsoduro 864 www.palazzocini.it pository of colonial histories. Both installations guide an experience that invites visitors to come to terms with breaking off with the idea of an immutable separation between nature and culture, culture and myth, science and belief. Ocean Space, Chiesa di San Lorenzo Castello 5069 www.ocean-space.org

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE

95 eseguite già alla fine degli anni ‘40 e primi anni ’50, nonché una significativa e selezionata serie di importanti opere su carta e disegni.

WHEN 20 aprile April-27 novembre November Esponente di una storica famiglia attiva nell’arte europea del Novecento, Nicolas Berggruen ha acquisito Palazzo Diedo come sede della Berggruen Arts & Culture. Mostre, installazioni, simposi e un programma di artist-in-residence saranno ospitati da qui in avanti nel Palazzo, che aprirà ufficialmente nel 2024 sotto la dire zione artistica di Mario Codognato. Per dare vita a Palazzo Diedo durante la fase di restauro e per dare un primo segnale di questa nuova progettualità artistica nel cuore del sestiere di Cannaregio, Berggruen Arts & Culture inaugura in concomitanza con la Biennale le sue resi denze d’artista con Sterling Ruby (1972), che lavorando con un’ampia gamma di media, dai più tradizionali ai meno convenzionali, ha creato l’installazione A Project in Four Acts ENG An exponent of a historical art fam ily, Nicolas Berggruen established Berggruen Arts & Culture at Palazzo Diedo. Exhibitions, installations, conventions, and an art residency programme will start in 2024 under the guid ance of Mario Codognato. The first resident artist will be Sterling Ruby (b. 1972), who works with a large array of different media, from the traditional to the unconventional. His upcoming installation is A Project in Four Acts Santa Fosca, Cannaregio 2386 www.berggruen.org 173 PALAZZO DUCALE

171 PALAZZO CINI

Anselm Kiefer Questi scritti, quando verranno bruciati, daranno finalmente un po’ di luce (Andrea Emo) WHEN Fino Until 29 ottobre October Anselm Kiefer ha creato un ciclo di dipinti mo numentali che formano un’installazione pensata appositamente per lo spazio e la magnificenza della Sala dello Scrutinio, un’opera in serrato confronto con le trentatré tele monumentali del soffitto e con la valenza eroica dell’intero ciclo decorativo del Palazzo. L’artista rappresenta un microcosmo di memoria collettiva incapsu lando visivamente un’ampia gamma di allusioni culturali, letterarie e filosofiche e sottolineando il nodale ruolo dell’arte contemporanea sul ter reno della riflessione attorno a temi di valenza universale. ENG Anselm Kiefer created a series of monumental paintings for an installation designed specifically for the majesty and opulence of the Sala dello Scrutinio. The art

170 ORATORIO DI SAN LUDOVICO Mónica de Miranda “no longer with the memory but with its future” WHEN 20 aprile April-29 maggio May Mostra personale dell’artista Mónica de Miran da, a cura di Paula Nascimento e promossa da Beyond Entropy Africa e Nuova Icona. Un cor po di opere multimediali inedite, fra cui fotogra fie, video e un’installazione, firmate dall’artista portoghese di origine angolana la cui ricerca in terdisciplinare indaga convergenze tra politica, identità, gender, memoria e luoghi, così come gli intrecci della costruzione di un’identità con le proprie personali geografie affettive. Al centro del progetto il video Path to the Stars (2022), ispirato al poema omonimo di Agostinho Neto e girato sulle rive del fiume Kwanza, il più lungo dell’Angola.

TOWNAROUND Not Only Biennale AROUND TOWN 173171

Joseph FinamenteBeuysArticolato

WHEN 20 aprile April-22 maggio May Una mostra, curata da Dyala Nusseibeh, che racconta un programma internazionale di sostegno agli artisti promosso da Abu Dhabi Art. Beyond: Emerging Artists invita infatti curatori locali e internazionali a lavorare con artisti emergenti degli Emirati Arabi Uniti in un programma annuale, incoraggiandoli ad affinare le loro competenze e la loro pratica. Gli artisti partecipanti ricevono un budget e un soste gno curatoriale per creare nuove opere che possano essere decisive per il loro percorso e riconoscimento artistici, lavori che saranno poi esposti nel circuito di Abu Dhabi Art.

Not Only Biennale AROUND TOWN BIENNALEONLYNOT

WHEN 22 aprile April-23 ottobre October Antoni Clavé (1913-2005) è tra gli artisti che hanno fornito una delle interpretazioni più riuscite e originali di come attraversare il con fine tra figurazione e astrazione. La mostra, attraverso il filtro del tema del guerriero, offre l’opportunità di indagare la ricerca del grande maestro spagnolo attraverso l’evoluzione del suo stile. È infatti, questo del guerriero, un tema ricorrente nella sua ricerca e compare già nel 1958 in primo luogo nei suoi dipinti, per poi

Beyond: Emerging Artists

WHEN 21 aprile April-15 maggio May Claudine Drai, raffinata artista francese, da sempre indaga il rapporto tra materia e immate riale, tra presenza e assenza. Il nuovo progetto inedito Présence coinvolge il genio cinemato grafico di Wim Wenders, unendo Palazzo Gras si a ACP - Palazzo Franchetti: a Palazzo Grassi viene presentata un’installazione del grande regista tedesco che esplora il mondo bianco, trasparente e fragile di Claudine Drai, ad ACP – Palazzo Franchetti vengono esposte le opere dell’artista francese.

ENG Claudine Drai, refined French art ist, has always investigated the relationship between the material and the immaterial, be tween presence and absence. Her new project Présence involves film by the great German di rector Wim Wenders. While in Palazzo Grassi, an installation by Wenders will explore Clau dine Vrai’s white, transparent, fragile world, ACP – Palazzo Franchetti will exhibit Drai’s art itself. ACP (secondo piano), San Marco 2842 www.acp-palazzofranchetti.com

174 PALAZZO FORTUNY Mariano Fortuny y Madrazo WHEN Permanent Riapre la casa museo di Mariano Fortuny y Madrazo e della moglie Henriette Nigrin, musa ispiratrice e abile imprenditrice, che assieme al marito diede un’impronta indelebile a quel mondo fortuniano fatto di incantevoli tessuti stampati, abiti in plissé su seta e impalpabili scialli portati come sari indiani dalle più sedu centi femmes fatales della Belle Epoque. Dipin ti, abiti, tessuti, colori e tinture, archivi fotografici e opere della collezione personale, documenti e brevetti, opere di artisti ed amici che al tempo giungevano a Venezia, convivono e trovano nuova luce a Palazzo Pesaro degli Orfei, visita bile ora tutto l’anno in un percorso espositivo permanente.

175 PALAZZO FRANCHETTI/1 Antoni Clavé Lo spirito del guerriero

ACP (secondo piano), San Marco 2842 www.acp-palazzofranchetti.com

WHEN Da From 21 aprile April L’attività pluriennale di studio, ricerca e pro mozione condotta con dedizione da Galleria d’Arte Maggiore g.a.m. di Bologna sull’opera di Giorgio Morandi ha portato alla raccolta di una grande varietà di materiale bibliografico, ora riunito in una nuova biblioteca interamente de dicata al grande maestro del Novecento. Espo sta anche una vasta selezione di sue acqueforti e opere su carta, insieme ad alcune opere di artisti contemporanei quali Sissi, Bertozzi & Casoni e Luigi Ontani realizzate come omaggio, in modalità di dialogo con le sue opere, al ma estro felsineo.

ENG The multi-year activity of study, re search, and promotion carried out by Galleria d’Arte Maggiore on Giorgio Morandi’s art re sulted in the collection of a large volume of bib liography, today kept in a library dedicated to the Maestro. Also on exhibition is a large selec tion of etchings and art on paper by Morandi, together with art by contemporary artists such as Sissi, Bertozzi & Casoni, and Luigi Ontani, created as an homage to Morandi.

Claudine Drai. Présence

ENG The museum-house of Mariano For tuny y Madrazo and his wife Henriette Nigrin, his muse and a talented entrepreneur respon sible for what we know as the ‘Fortunyan’ world of amazing printed fabrics, plissé silk clothing, and lighter-than-air shawls worn like Indian saris by the sexiest femmes fatales in the Belle Époque. Paintings, clothes, fabrics, colours, dyes, photographs, art collections, documents, patents – all lives together at Palazzo Pesaro degli Orfei, open year-round. Palazzo Pesaro degli Orfei, San Marco 3958 www.fortuny.visitmuve.it

177 PALAZZO FRANCHETTI/3 Biblioteca Morandiana

96 acquisire sostanza e volume e popolare così anche il mondo delle sue sculture. I dipinti spa ziano proprio dal 1958 fino agli anni ‘90, inclusi alcuni imprescindibili lavori già esposti nel Padiglione Spagnolo alla Biennale di Venezia del 1984. ENG Antoni Clavé is an artist who sup plied one of the most original and effective interpretations as to how to cross the border between figuration and abstraction. This exhi bition uses the figure of the warrior to investi gate Clavé’s research and the evolution of his style. The warrior is a recurring theme in his art and has shown up since 1958 in his paint ings, and later in his sculptures. Paintings on exhibition cover the 1958-to-late-1990s period and include art formerly exhibited at the Span ish Pavilion at the 1984 Biennale.

ENG An exhibition curated by Dyala Nusseibeh that tells the story of an international programme to support artists, promoted by Abu Dhabi Art. Beyond: Emerging Artists invites local and international curators to work with new talents from the United Arab Emirates in a yearly programme, encouraging them to per fect their skills and their practice. Participating artists will be assigned a budget and a curator to create new art that will be decisive for their growth and their involvement in the Abu Dhabi Art circuit.

ACP (primo piano), San Marco 2842 www.acp-palazzofranchetti.com

176 PALAZZO FRANCHETTI/2

ACP (primo piano), San Marco 2842 www.abudhabiart.ae will relate to the thirty-three paintings on the ceiling and with the heroism that pervades wholly the décor in the Palazzo. Kiefer depicts a microcosm of collective memory and visually encapsulates a large range of cultural, literary, and philosophical allusions, highlighting the role of contemporary art in the reflection on universal themes. This goes beyond Venice and opens to the state of current philosophical speculations. Sala dello Scrutinio, Piazzetta San Marco palazzoducale.visitmuve.it

178 PALAZZO FRANCHETTI/4

181 PALAZZO GRIMANI/2 Georg ArchintoBaselitz

Mary Weatherford

Castello 4858/A www.polomusealeveneto.beniculturali.it

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 97 to kiss, from innocence to guilt, from violence to tenderness. All is played on a duality that is shown in the size of the paintings, alternating different rhythms and perspectives. The artist seems to be present beside each artwork, almost showing how the meaning of the piece goes beyond the image on to the next one in a continuous stream, where the end is an open beginning. Campo San Samuele, San Marco 3231 www.palazzograssi.it 180 PALAZZO GRIMANI/1

TOWNAROUND 179

ENG Cycle The Flaying of Marsyas has been inspired by Titian’s masterpiece of the same name, dated 1570-76 and today kept at the Archdiocese Museum in Kromeˇrˇíž, Czechia. Mary Weatherford pays homage to the distinctive light of Venice and Titian’s original palette as well as Flashe paint and neon light to mimic the appearance of ancient canvas. Weatherford responds to Titian’s art by translating the violent character of the story in a more spontaneous form, also alluding to des tiny, hubris, and the relationship between the human and the divine.

ENG Markus Lüpertz was born in 1941 in Reichenberg in Germany. His prolific output draws on a multitude of references to history, myths and the great figures of art history. His large-format canvases blend figuration and ab straction, simplifying shapes and enlarging the details of the motifs he depicts, which originate from different registers and periods. Istituto Veneto di Scienze, Lettere ed Arti Campo Santo Stefano, San Marco 2945 www.istitutoveneto.it 183 PALAZZO MANFRIN Fondazione Anish Kapoor WHEN 20 aprile April-9 ottobre October Palazzo Priuli Manfrin presenta un’architettura quasi unica nel panorama veneziano, con una imponente facciata senza ornamenti, prototipo di un proto-razionalismo. Acquistato nel 1788 dal conte Girolamo Manfrin, il palazzo divenne ben presto custode della sua incredibile colle zione di opere d’arte, tra cui La Vecchia e La Tempesta di Giorgione, ora alle Gallerie dell’Ac cademia. Scelto da Anish Kapoor come sede della sua nuova Fondazione, il Palazzo apre le porte in occasione della grande retrospettiva

ENG Not a retrospective, but a perspec tive: the life and art of Marlene Dumas (Cape Town, 1953) are depicted in a raw, heartfelt representation of the human body. One hun dred painting, some very new, converse with one another along several halls where one steps from death to life, from despair to love nigmatico ritratto del Cardinale Filippo Archinto che Tiziano realizzò nel 1558. Introducendo la sensibilità dei Maestri antichi in un contesto contemporaneo, i dipinti di Baselitz confermano l’interesse per le tecniche di incisione e per il tema della mortalità umana.

182 PALAZZO LOREDAN Markus Lüpertz WHEN 20 aprile April-7 agosto August La prolifica produzione di Markus Lüpertz (1941, Reichenberg, Germania) attinge a una moltitudine di riferimenti alla storia, ai miti e ai grandi personaggi della storia dell’arte. Si col loca tra figurazione e astrazione, semplifica la forma e ingrandisce i particolari dei motivi che rappresenta – provenienti da registri e periodi diversi – su tele di formato molto grande.

Castello 4858/A www.polomusealeveneto.beniculturali.it

179 PALAZZO GRASSI Marlene Dumas. open-end

ENG Georg Baselitz pays homage to Venice and Venetian art by re-establishing historical continuity on one side, and showing the breach with celebrated Renaissance-era portrait art and its modern equivalents on the other. The title of the exhibition and the twelve paintings installed at Sala del Portego allude to an enigmatic portrait of Cardinal Filippo Archinto, painted by Titian in 1558. By translat ing the art of ancient maestros into a modern context, Baselitz’s art proves the artist’s interest for engraving and for the theme of human mor tality.

WHEN 27 marzo March-8 gennaio January, 2023 Non una retrospettiva ma una prospettiva: la vita e l’arte di Marlene Dumas (Città del Capo, Sudafrica, 1953) vengono raccontate in una cruda e al contempo partecipata rappresen tazione del corpo umano. Cento dipinti, tra cui le ultime opere realizzate, messi in dialogo tra loro in stanze in cui si passa dalla morte alla vita, dalla disperazione all’amore e al bacio, dall’innocenza alla colpa, dalla violenza alla tenerezza. Tutto è giocato su una dualità resa anche dalla dimensione dei dipinti stessi, che alternano con ritmo prospettive diverse e sem pre aperte. L’artista, non solo attraverso le sue opere, sembra essere presente, accanto a ogni dipinto, a sottolineare come il significato di un singolo quadro vada oltre l’immagine che resti tuisce, come esso sia legato all’altro accanto e a quello successivo in un flusso vitale continuo, dove la fine ( end ) è comunque sempre un inizio ( open ), come recita il titolo dell’esposizione.

WHEN Fino Until 27 novembre November Georg Baselitz (Kamenz, Germania, 1938) rende omaggio a Venezia e alla sua arte da una parte evidenziando, stabilendo una continuità storica, dall’altra segnalando una rottura, uno scarto deciso tra la celebrata ritrattistica rina scimentale e i suoi equivalenti contemporanei. Il titolo della mostra e le dodici tele realizzate per la Sala del Portego fanno riferimento all’e

The Flaying of Marsyas WHEN 20 aprile April-27 novembre November Il ciclo The Flaying of Marsyas è ispirato al grande capolavoro omonimo di Tiziano del 1570-76 La Punizione di Marsia, oggi conser vato nel Museo Arcivescovile di Kromeˇrˇíž nella Repubblica Ceca. Mary Weatherford (1963, Ojai, California; vive e lavora a Los Angeles), ispirandosi alla delicata tavolozza del pittore cadorino e rendendo omaggio alla caratteristica luce di Venezia, utilizza la vernice Flashe e luci al neon per restituire l’effetto della tela antica. L’artista risponde alla composizione di Tiziano traducendo il carattere violento del suo tema mitologico in forma più spontanea, alludendo anch’essa al destino, all’alterigia e al rapporto tra l’umano e il divino.

184 PALAZZO MOCENIGO Es-senze WHEN 21 aprile April-11 settembre September Una generazione di significativi esponenti della scena creativa contemporanea internazionale hanno individuato nel profumo e nell’olfatto i motivi di ispirazione per le loro creazioni.

Mircea Cantor, Mateusz Chorobski, Jason Dodge, Bruna Esposito, Eva Marisaldi, Florian Mermin, Giuseppe Penone, Paola Pivi, Namsal Siedlecki, Achraf Touloub, Nico Vascellari, Luca Vitone are different in their education and culture, though sharing an attitude for re search, each their own, in alternative, uncom mon directions. Santa Croce 1992 mocenigo.visitmuve.it

186 PROCURATIE VECCHIE

attraverso il generoso gesto pittorico esperienze apparentemente lontane. Per vent’anni l’artista esplora l’India. Nel 2011 trascorre cinque anni a Chennai accanto al maestro Jean-François Lesage e alle ricamatrici di Vastrakala. Nel 2019 attraversa l’oceano per approdare alla Tonnara di Scopello in Sicilia. Riparte alla volta di Venezia e qui trascorre i due anni della pandemia. Nelle continue esplorazioni di luoghi e dimensioni Dantheny si libera dal superfluo per porsi in una dimensione intima ed essenziale, potente e catartica. Uno stato emotivo, più largamente esistenziale diremmo, che trova piena corri spondenza nei suoi ultimi lavori qui in mostra. ENG Caroline Dantheny’s erratic jour ney paints an archipelago that covers infinite distances and, by means of the pictorial ges ture, makes one of experiences that are only apparently unrelated. For over twenty years, the artist has been exploring India. In 2011, she spent five years in Chennai with maestro JeanFrançois Lesage and Vastrakala embroiderers. In 2019, Dantheny crossed the ocean to visit Sicily. Then, she left again for Venice, where she spent the pandemic years. As she travels and explores, Dantheny frees herself from the excess to find an intimate, essential dimension whose cathartic potential flows out into her art. Calle del Pestrin, Castello 6140 www.carolinedantheny.com dell’artista ospitata alle Gallerie dell’Accademia, creando un magnifico gioco di corrispondenze tra una sede e l’altra, tra passato e futuro, tra arte antica e contemporanea. ENG Palazzo Priuli Manfrin’s architecture is unique in Venice: an imposing, bare façade looks like a prototype of Rationalism. Acquired in 1788 by count Girolamo Manfrin, the palazzo was soon to become the house of his incredi ble collection of art, including Giorgione’s Old Woman and The Tempest, which now are kept at Gallerie dell’Accademia. Chosen by Anish Kapoor as the site for his new foundation, the Palazzo opens its doors with a large retrospec tive on Kapoor housed at Gallerie dell’Acca demia – an interesting correspondence be tween the two, between past and present, and ancient and modern art.

Promosse da Generali, le Procuratie Vecchie diventano la casa di The Human Safety Net, un luogo di dialogo e di scambio di idee per supe rare le principali sfide sociali del mondo odierno e ispirare i visitatori ad agire per liberare il poten ziale delle persone che vivono in condizioni di vulnerabilità. Uno spazio aperto a tutti, che sup porta pienamente il progetto di rendere Venezia la capitale mondiale della sostenibilità.

98 Not Only Biennale AROUND TOWN BIENNALEONLYNOT

The Human Safety Net WHEN Da From 8 aprile April L’iconico palazzo delle Procuratie Vecchie in Piazza San Marco riapre le sue porte dopo un complesso lavoro di restauro durato cinque anni ad opera dello studio David Chipperfield Archi tects Milan, il cui progetto riflette e amplifica la visione unica degli spazi svelando e valorizzan do il patrimonio dell’edificio, chiamato ad una nuova missione sociale di respiro internazionale.

185 PALAZZO MOROSINI DEL PESTRIN Caroline BoundlessDantheny WHEN 17 aprile April-31 luglio July Il viaggio erratico di Caroline Dantheny disegna un arcipelago che copre distanze infinite e lega

ENG The iconic Procuratie Vecchie pal ace at St. Mark’s is open again after lengthy renovation works carried out under the guid ance of David Chipperfield Architects Milan. Their plan reflects and amplifies the unique vision of these spaces by revealing the palaz zo’s beautiful heritage, given their new social mission. Under the auspices of the Generali insurance group, the Procuratie Vecchie is to become the home of The Human Safety Net, a place of dialogue and exchange to fight the challenges of the modern world and inspire visitors to act to liberate the potential in vul nerable people. A space that will be open to everybody and that supports Venice as the world capital of sustainability.

Mircea Cantor, Mateusz Chorobski, Jason Dodge, Bruna Esposito, Eva Marisaldi, Florian Mermin, Giuseppe Penone, Paola Pivi, Namsal Siedlecki, Achraf Touloub, Nico Vascellari, Luca Vitone sono autori diversi per cultura e sintassi, ma associati da un comune orientamento che li induce a esplorare, ciascuno a proprio modo, una dimensione creativa alternativa a quelle, per così dire, più convenzionali.

ENG A tribute to a small object and its great, fascinating potential. The drinking glass is the focus of this exhibition, both as a de sign endeavour and as an object of daily use. Shapes, details, manufacturing, types, and a 186

Piazza San Marco (ingresso da San Marco 1218/B) www.thehumansafetynet.org

PUNTA CONTERIE ART GALLERY

Forme del bere WHEN 23 aprile April-31 dicembre December Un tributo a un “piccolo” oggetto e alle sue molteplici, possibili e affascinanti declinazioni. Il bicchiere contemporaneo al centro di una mostra come tema progettuale e oggetto del quotidiano. Forme e dettagli, attenzioni di de sign, tecniche di realizzazione, diverse tipologie e un materiale di elezione, il vetro. Tra i bicchieri in mostra, oggetti a firma di: Achille Castiglioni, Aldo Cibic, Joe Colombo, Adolf Loos, Alessan dro Mendini, Carlo Moretti, Roberto Sambonet, Alvaro Siza, Tapio Wirkkala.

ENG A generation of meaningful expo nents on the modern creative scene found in scent and smell the inspiration for their art.

187

Fondamenta Venier, Cannaregio 342 www.anishkapoor.com

ENG Miresi is an Italian artist who lives and works in Berlin. She composes installations with paintings, photographs, and music that will take viewers into a world of different perception. Maurizio Radici shows rich, articulated imagery and decidedly gestural painting – rapid though intentional execution, precise sequences, almost private performances using graphite, acrylic, and ink for a non-existing audience. San Marco 4303 www.gioiellinascostidivenezia.it

Not Only Biennale AROUND TOWN 188189

WHEN Fino Until 27 novembre November Una delle personalità più significative del pa norama artistico internazionale, vincitore del Leone d’Oro alla Biennale di Venezia nel 2009, Bruce Nauman (1941, Indiana, USA) presenta un percorso espositivo inedito, in grado di portare nuova luce sulla propria produzione, affiancando a lavori storici opere più recenti, alcune delle quali inedite. Al centro dell’indagine della mostra la serie di installazioni video realiz zate dall’artista negli ultimi anni, a partire dalla rivisitazione di uno dei primi lavori in cui Nau man sperimentava l’uso performativo del corpo attraverso le immagini in movimento, il celebre Walk with Contrapposto del 1968.

ENG One of the most important person alities in the international art world, awarded the Golden Lion at the 2009 Biennale, Bruce Nauman presents an original exhibition that will show his art under a different light. Both old and new art will be exhibited, with some original pieces. At the centre of the exhibition is a series of video installations produced by Nauman over the last several years, starting with a reinterpretation of one of his earliest pieces, where he experimented with body performance and moving picture – the famous Walk with Contrapposto of 1968. Dorsoduro 2 www.palazzograssi.it

B ENG ruce Nauman dedicated his re search to body motion using a pioneer use of performance art, sound experimentation, and new media. Carlos Basualdo and Caroline Bourgeois curated Bruce Nauman: Contrappos to Studies and invited international choreogra phers to develop an ad-hoc programme that will pair with Nauman’s art. William Forsythe, Lenio Kaklea, Ralph Lemon, and Pam Tanowitz designed four pieces of performance art to be shown in different spaces at the Pinault Collec tion in Venice.

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 101 TOWNAROUND

WHEN 7 settembre September 6 novembre November Miresi, artista italiana che vive e lavora a Berlino, compone installazioni dove pittura, fotografia e musica conducono lo spettatore verso una diversa percezione estetica. Maurizio Radici offre un immaginario davvero ricco ed articolato per mezzo di una pittura fortemente gestuale, fatta di esecuzioni rapide ma intenzionali, una precisa sequenza di gesti pittorici che si susseguono con sapienza, quasi fossero delle performance privatissime per una platea inesistente, dove si mescolano grafite, colori acrilici e inchiostri.

190 RIVA SAN BIASIO

Castello 2145 www.galleriacontinua.com 191 SCALA CONTARINI DEL BOVOLO/1 Miresi, Maurizio RadiciÀ rebours

Dorsoduro 2 Palazzo Grassi | Teatrino Grassi | Chiesa dei Santi Cosma e Damiano www.palazzograssi.it material above all: glass. Of the several drink ing vessels on exhibition, there will be pieces by Achille Castiglioni, Aldo Cibic, Joe Colom bo, Adolf Loos, Alessandro Mendini, Carlo Moretti, Roberto Sambonet, Alvaro Siza, Tapio Wirkkala. InGalleria, Fondamenta Giustinian 1 Murano www.puntaconterie.com

spazi della Pinault Collection, con il coinvolgi mento di sound-designer e performer.

188 PUNTA DELLA DOGANA/1 Bruce ContrappostoNauman:Studies

WHEN 20 aprile April-11 settembre September Nuovo progetto dell’artista ucraina Zhanna Kadyrova (Brovary, Kiev, 1981), Palianytsia signi fica pane. All’inizio della guerra che la Russia ha scatenato contro l’Ucraina la parola “palianytsia” è divenuta un potente simbolo identitario, dato che gli occupanti russi non sono in grado di pronunciarla correttamente. “Palianytsia” è uno shibboleth, che distingue inequivocabilmente gli amici dai nemici. Il progetto è ispirato alla regio ne della Transcarpazia, dove l’artista soggiorna temporaneamente con il suo coautore Denis Ruban dopo aver visto la sua famiglia fuggire in Germania. «Ogni gesto artistico ci rende visibili e fa sentire la nostra voce!». (Zhanna Kadyrova)

189 PUNTA DELLA DOGANA/2 Dancing Studies WHEN 2 aprile April-19 giugno June Bruce Nauman ha dedicato la sua ricerca al corpo in movimento attraverso l’uso pionieri stico della performance, nonché attraverso la sperimentazione sonora e l’uso di nuovi media. Carlos Basualdo e Caroline Bourgeois, curatori della mostra Bruce Nauman: Contrapposto Studies, hanno deciso di invitare importanti co reografi internazionali a sviluppare un progetto ad hoc in dialogo con l’opera di Bruce Nauman. William Forsythe, Lenio Kaklea, Ralph Lemon e Pam Tanowitz hanno progettato quattro azioni performative inedite, in programma in diversi

Zhanna Kadyrova Palianytsia

ENG A new project by Ukrainian artist Zhanna Kadyrova. Palianytsia is a type of bread and, since the Russian invasion of Ukraine, the word has become a shibboleth, a word used to tell ethnic groups apart as Russians will pro nounce it differently than locals. The project has been inspired by living in Transcarpathia, a region in western Ukraine where the artist lived with co-author Denis Ruban. “Art makes us vis ible and will make our voices heard.” (Zhanna Kadyrova)

WHEN 21 aprile April-12 giugno June Alessandro Russo, che conserva il saldo lega me con la tradizione della pittura del passato in una perfetta unione di antico e moderno, è il poeta che racconta una storia che non c’è più ma che continua a vivere nelle inquadrature prorompenti dei suoi paesaggi. La ricerca del fotografo offre un viaggio sospeso tra luoghi prossimi tanto affollati quanto solitari e desti nazioni lontane e deserte, in cui l’umanità si nasconde nei resti di un’architettura postindu striale. ENG Alessandro Russo preserves a strong relationship with ancient art in a perfect synthesis of old and new. He is the poet who tells a story that isn’t there anymore, yet keeps on living in the imposing frames of post-indus trial landscapes. The photographer’s research is a journey on close, crowded, solitary spaces and far away, deserted places where humanity hides. San Marco 4303 www.alessandrorusso.com

193 SCALA CONTARINI DEL BOVOLO/3 Nello Petrucci. Profili WHEN 16 giugno June -26 agosto August La sovrapposizione di diversi strati di manifesti o locandine vengono progressivamente strap pati per ottenere la sintesi desiderata. Un viag gio nella nostra storia recente sul fronte della comunicazione visiva che ci accompagna fino al caos frammentato della contemporaneità, immersa nell’affastellamento orizzontale della comunicazione globale. Nello Petrucci presenta il suo “décollage”. ENG Posters and bills are layered upon one another and then torn to achieve the right mix: our history, its temporal depths, moder nity, and a pile-up of global communication. Nello Petrucci presents his décollage San Marco 4303 www.nellopetrucci.com

200194198

Alessandro PostindustrialeRusso

195 SCUOLA GRANDE DELLA MISERICORDIA

ENG A Colombian artist, Murillo partic ipated in the 2015 Biennale and was awarded the Turner Prize in 2019. He offers a large, interactive collection born of a collaboration

ENG To celebrate their twenty-five years of business, Kunsthaus Bregenz opened a tem porary hub dedicated to modern art and mutual dialogue among artists. Anna Boghiguian and Otobong Nkanga, whose art is currently exhibited at KUB, are the grantors of this ideal Bregenz-Venice bridge with two original and quite different pieces of art. The monumental, sparkling tapestry by Otobong Nkanga creates a view on the deepest sea, showing worry about environmental crises. Anna Boghiguian denounces social and political conflicts using a strange, yet extraordinary giant-sized chess board.

102 Not Only Biennale AROUND TOWN BIENNALEONLYNOT 194 SCUOLA DI SAN PASQUALE

Oscar Murillo WHEN 17 settembre September 27 novembre November Artista colombiano (1986) già presente alla Biennale Arte 2015 e tra i vincitori del Turner Prize 2019, Oscar Murillo offre qui una selezio ne ampia e interattiva del progetto collaborativo avviato nel 2013 Frequencies, che ha visto fissare sui banchi delle classi di 350 scuole di oltre 34 paesi in tutto il mondo tele bianche d’artista. Gli studenti, tra i 10 e i 16 anni, sono stati invitati a disegnare, scrivere e ‘segnare’ liberamente le tele per un periodo di 6 mesi nel contesto delle proprie attività quotidiane. Le tele risultate formano una collezione monumen tale di oltre 40.000 singoli esemplari.

192 SCALA CONTARINI DEL BOVOLO/2

KUB in Venice Otobong Nkanga & Anna Boghiguian WHEN 20aprile April-4 luglio July Per festeggiare il venticinquesimo anno di at tività, Kunsthaus Bregenz apre un temporary hub dedicato al contemporaneo e al dialogo tra artisti. Anna Boghiguian e Otobong Nkanga, at tualmente in mostra a KUB, sono le testimoni di questo ponte Bregenz-Venezia con due opere originali e diversissime. Il monumentale arazzo scintillante di Otobong Nkanga crea una vista sul mare profondo, manifestando la preoccu pante crisi ambientale che attanaglia il pianeta terra. La denuncia dei conflitti sociali e politici che attraversano quotidianamente il mondo viene resa da Anna Boghiguian attraverso una bizzarra e al contempo straordinaria partita a scacchi di grandi dimensioni.

Campo San Francesco della Vigna Castello 2786 www.kunsthaus-bregenz.at/venice

ENG Sarah Revoltella has the ability to use and master different forms of communica tion to build a narrative that knows the present very well. She researched and developed projects that take different, unexpected, and always original forms. La difesa (‘defence’) is a mirror armour sculpted in glass – fragile, in its essence – that reveals the vulnerability of our defence strategies, from the personal to the general. Defence cannot exist as preparing for conflict, but in the development of the potential of research, both in thought and in the arts.

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 103 TOWNAROUND zione e colore puro per avvicinarsi al processo di metamorfosi. ENG Ticino – the Italian-speaking Swiss region north of Milan – is dear to the artist, who lived there, and is the place where his inner self, his thought, and his being converged. Pa per Landscapes are made of paper and suggest ideas, feelings, impressions. The exhibition is a sort of participated choreography between art and visitors. Martinez’s art is not strictly about composition and pure colour, rather, it is about metamorphosis. Campo Santo Stefano, San Marco 2828/A www.jacquesmartinez.com 198 SPAZIO BERLENDIS Gwangju Biennale. “to where the flowers are blooming” WHEN 20 aprile April-27 Novembre November Il titolo è tratto dalla frase «dove sbocciano i fiori» del romanzo di Han Kang Atti umani (Adelphi, 2017), che affronta il trauma ancora vivido vissuto nel maggio 1980 a Gwangju e si interroga su quali ricordi storici debbano essere trattenuti. La mostra esplora la volontà delle comunità di elevarsi al di sopra dei ricordi persi stenti e dei sentimenti di angoscia causati dalle tragedie storiche per procedere verso un mon do migliore. Tre le sezioni: la prima dedicata all’eredità spirituale del Movimento di Democra tizzazione 5.18; la seconda alla storia, ai ricordi, ai traumi e al patrimonio spirituale della città; la terza all’attivismo dei nostri giorni.

ENG Not an entirely virtual exhibition, though one based on a virtual-real model of interaction. It will showcase a new curatorial model, too, an innovative approach, and will offer expansion capabilities and further in teraction between art, artists, and the public. Throughout its opening days, the exhibition will be linked to a network of international col lective events.

The Soothsayer (l’indovino) è un viaggio sim bolico e metaforico che si ispira al personaggio del Giulio Cesare di Shakespeare che avvertì l’imperatore del suo assassinio, ma che fu igno rato e chiamato “sognatore”. Artista libanesecanadese, Mouna Rebeiz (1957) utilizza l’idea della premonizione per interrogarsi sull’impro babile punto di incontro tra l’intelligenza arti ficiale e il futuro dell’essere umano. Tre opere dialogano a livello simbolico e metaforico tra loro costituendo un set performativo: un mae stoso insieme composto da 22 Arcani Maggiori rivisitati dei Tarocchi di Marsiglia, un puzzle di pezzi colorati e una scultura totemica astratta.

Cannaregio 6301 www.gwangjubiennale.org 199 SPAZIO THETIS 1stgEnkiAnnual METAVERSE Art WHEN 27 aprile April-27 novembre November Non una mostra completamente virtuale, ma basata su un modello di interazione virtualereale, interattivo e connesso, ma anche fisico e in presenza. La mostra offre un nuovo modello curatoriale, un approccio espositivo innovativo, offrendo possibilità di continuo ampliamento e started in 2013, Frequencies. The artist places white canvases in 350 schools in 34 countries. Students, ages 10 to 16, were invited to paint, write, and use the canvases as they pleased over six months. In total, the collection com prises over 40,000 pieces.

ENG The title is adopted from a sentence in Han Kang’s Human Acts and questions how historic memories can be preserved. The ex hibition explores the community’s intention to elevate above memories that still hurt and feel ings of anxiety caused by tragedy to walk to wards a better future. Three sections: one ded icated to the spiritual heritage of the Gwangju Uprising democratisation movement, one on the stories, memories, trauma, and spirit of the city, one on modern activism.

Jacques Martinez Stagione LandscapesTicinese/Paper

Mouna Rebeiz

www.sarahrevoltella.com

Ingresso Ospedale Civile, Campo dei Santi Giovanni e Paolo, Castello 6777

197 SPARC*SpazioArte Contemporanea

WHEN 15 aprile April-27 novembre November In questa duplice dimensione geografica, il Ticino – territorio vissuto dall’artista, diventato punto di convergenza del suo io, del suo pen siero, del suo essere – e i Paper Landscapes –paesaggi di carta che suggeriscono idee, sen timenti, impressioni di paesaggi –, si sviluppa il lavoro di Jacques Martinez qui dispiegato in un percorso espositivo che vuole tramutarsi in una coreografia partecipata tra opere e visitatori. La sua pratica tende a mettere da parte composi interazione tra opere, artisti e pubblico. Durante il periodo espositivo la mostra sarà collegata a un network di eventi collettivi a livello interna zionale.

Officina Lamierini e Tesa 106 Arsenale Nord www.annualmetaverseart.com 200 ST. ANGLICANGEORGE’SCHURCH

ENG The Soothsayer is a symbolic, meta phorical journey inspired by the character in Shakespeare’s Julius Caesar that forewarned the emperor of his murder, but was not be lieved and called a ‘dreamer’. Lebanese-Ca nadian artist Mouna Rebeiz (1957) uses the concept of premonition to question the unlikely meeting point between artificial intelligence and the future of humankind. Three pieces converse – symbolically, metaphorically – in what is a kind of majestic performance art set composed of revisited Major Arcana, a jigsaw puzzle, and an abstract totem sculpture. Campo San Vio, Dorsoduro www.mounarebeiz.com

Cannaregio 3599/A 196 SCUOLA GRANDE SAN MARCO Sarah Revoltella. La difesa WHEN 21 aprile April-10 settembre September Sarah Revoltella possiede la capacità di utiliz zare con grande padronanza di mezzi forme di comunicazione diverse per costruire una narrativa attenta del presente. La sua ricerca la porta a sviluppare progetti che assumono forme imprevedibili e sempre nuove. La difesa è un’armatura specchiata, scultura in vetro per definizione “fragile”, che rivela la vulnerabilità delle nostre strategie difensive, sia in termini individuali che di collettività, irrompendo este ticamente come elemento di valorizzazione. La difesa non può essere nella messa a punto di ulteriori conflitti, ma nello sviluppo di cantieri volti a promuovere le potenzialità della ricerca, del pensiero e delle Arti.

The Soothsayer WHEN 23 aprile April-27 novembre November

104 mcarthurglen.it/noventadipiave MY FAVOURITE BRANDS FOR UP TO 70% LESS the most exclusive collections the delight of a masterpiece THIS IS THE ART OF SHOPPING. discover it in Noventa di Piave. UP TO 70% LESS, ALL YEAR ROUND

201 ART SPACE

GlobalizeArtbox.Groupstheartworld

Hermann Nitsch, 20th painting action Vienna 1987 – Venice 2022 WHEN 19 aprile April-20 luglio July Una grande mostra dell’artista Hermann Nitsch (Vienna, 1938) incentrata su 20. malaktion, ovvero la ventesima azione pittorica originaria mente creata e presentata da Nitsch presso il Wiener Secession di Vienna nel 1987. Questa imponente painting action comprende 52 opere, tra cui il dipinto più grande che l’artista abbia mai realizzato durante la sua carriera (20 metri di lunghezza). La 20. malaktion dimostra l’inces sante e irrefrenabile ricerca dell’artista austriaco verso i confini labili e indistinti della libertà: una miscela intrisa di sacro e profano, di reale e sim bolico, di furia scatenata e gesti delicati.

ENG A large exhibition dedicated to artist Hermann Nitsch, centred on 20. Malaktion, i.e. the twentieth ‘pictorial event’ originally created and presented by Nitsch at the Wiener Seces sion in Vienna in 1987. This impressive painting action comprises 52 pieces, including the larg est the artist ever created at about 20 metres in length. 20. Malaktion shows the continuous, unstoppable research conducted by the Aus trian artist toward the fragile, blurred borders of freedom: an indistinct mix of sacred and profane, of real and symbolic, of uncontainable fury and delicate gestures. Oficine, Giudecca 800 www.zueccaprojects.org

ENG This year’s Artbox Expo in Venice is a take on the theme “Globalise the artworld”. On one hand, the five-month exhibition will feature art by contemporary emerging interna tional artists. On the other, the exhibition does justice to the theme by actively integrating new technologies that contribute to globalisation, such as digitally displayed art, virtual reality, and the digital presentation of NFTs that show the effects the internet and blockchains may have on art. Fondamenta de la Tana, Castello 2109/A it.biennaleartexpo.com

TANA

the GUIDE 59. D’ARTEINTERNAZIONALEESPOSIZIONE 105

202 ZUECCA PROJECTS

published by Venezia News Magazine guida di Venezia e del Veneto Supplemento al periodico Venezia News n.262-263 Aprile-Maggio 2022 - Anno XXVI Aut. del Tribunale di Venezia n. 1245 del 4/12/1996 Venezia, 13 aprile 2022 Recapito redazionale Cannaregio 563/E - 30121 Venezia tel. www.venezianews.itredazione@venezianews.it041.2377739 Stampa di©ViaWWW.TIPOGRAFIACOLORAMA.COMGarda,13-SanDonàdiPiave(VE)EdizioniVeneziaNewsMassimoBran Not Only Biennale AROUND TOWN 202201 VENEZIA NEWS Direttore responsabile Massimo Bran Direzione organizzativa Paola Marchetti Relazioni esterne e coordinamento editoriale Mariachiara Marzari Redazione Marisa Santin, Chiara Sciascia, Davide Carbone Speciali Fabio Marzari Grafica Luca Zanatta Traduzioni Andrea Falco Distribuzione Michele Negrisolo Guida Spirituale “Il più grande”, Muhammad Alì THE BAG Biennale Arte Guide Direzione editoriale Massimo Bran Coordinamento redazionale Mariachiara Marzari, Marisa Santin Direzione organizzativa Paola Marchetti Grafica Luca Zanatta Redazione Davide Carbone, Andrea Falco, Fabio Marzari, Chiara Sciascia, Livia Sartori di Borgoricco, Luigi Crea Consulenza sezioni speciali Massimo Michele Greco, Francesco Santaniello Traduzioni Patrizia Bran, Andrea Falco Si ringraziano Cristiana Costanzo, Claudia Gioia, Francesca Buccaro e tutto lo staff dell’ufficio stampa Flavia Fossa Margutti e tutto lo staff dell’ufficio Attività Editoriali e Web Un ringraziamento particolare a Roberto Bianconi Copertine © Catherine Cordasco | Illustration TOWNAROUND

WHEN Fino Until 31 luglio July ArtBox Expo presenta diverse opere di artisti contemporanei emergenti da tutto il mondo chiamati ad affrontare in una mostra collettiva il tema della globalizzazione del mondo dell’arte. La mostra stessa rende giustizia al tema andan do ad integrare attivamente le nuove tecnologie che contribuiscono alla globalizzazione, come ad esempio opere d’arte esposte digitalmente, realtà virtuale e la presentazione di NFT digitali che descrivono l’impatto di internet e le possibi lità offerte dalla blockchain.