VERLAG FÜR MODERNE KUNST Fall 2018

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VFMK.ORG/BLOG

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HUBERTUS HAMM, “PORTRAIT IV”, 2016, PHOTOGRAPH, © HUBERTUS HAMM, BILDRECHT, VIENNA (FROM: “THOMAS ZAUNSCHIRM. NARCISSUS AND GOLDEN BACKGROUND. THE COMPLETION OF THE PORTRAIT”)

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LA NILSSON

My Life in Opera

EDITOR Birgit Nilsson Foundation PREFACE Georg Solti TEXT Birgit Nilsson AFTERWORD Peggy Tueller DETAILS English, Hardcover, reprint, 2nd edition, 308 pages, 56 ills. in b/w EURO 28,– ISBN 978-3-903228-25-2 PUBLISHED

The reprint of the autobiography of the opera legend Birgit Nilsson is accompanied by the comprehensive coffee table book “Birgit Nilsson 100–An Homage”.

From her humble roots in rural Sweden to her artistic triumphs in Stockholm, Bayreuth, Milan, and the Metropolitan Opera House, this memoir reveals the personality behind one of the great voices of the past century.

The book details her rise to international stardom and her long and illustrious career. “I hope to tell my readers something about my long life, forty years of which were devoted to a career in singing!” (Birgit Nilsson)

Die Neuauflage der Autobiografie der Opernlegende Birgit Nilsson begleitet den umfassenden Bildband „Birgit Nilsson 100 – An Homage“. Diese Memoiren zeigen die Persönlichkeit hinter einer der größten Stimmen des vergangenen Jahrhunderts. Der Bogen spannt sich von einfachen Verhältnissen im ländlichen Schweden bis hin zu ihren künstlerischen Triumphen in Stockholm, Bayreuth, in Mailand und im Metropolitan Opera House.

Detailliert schildert das Buch ihren Aufstieg zum internationalen Star und ihre lange und glanzvolle Karriere. „Ich hoffe, meinen Lesern etwas über mein langes Leben erzählen zu können, von dem 40 Jahre einer Karriere als Sängerin gewidmet waren!“ (Birgit Nilsson)

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BIRGIT NILSSON 100 EDITOR Rutbert Reisch for the Birgit Nilsson Foundation TEXTS Gabriel Bacquier, Peter Blaha, Rupert Christiansen, Plácido Domingo, Jens Malte Fischer, Mirella Freni, Richard Gaddes, Elvio Giudici, Clemens Hellsberg, Marilyn Horne, Speight Jenkins, Stefan Johansson, Brian Large, James Levine, Christa Ludwig, J. F. Mastroianni, Martha Mödl, John Mordler, Riccardo Muti, Otto Schenk, Valerie Solti, Nina Stemme, Paul Thomason, Sir John Tooley, Barry Tucker, Astrid Varnay, Edgar Vincent, Eva WagnerPasquier, Zachary Woolfe DESIGN Simon Walterer for Rosebud, Vienna

An Homage DETAILS English, Hardcover with Box, 30 × 24 cm, 712 pages, 560 ills. in color and b/w EURO 100,– ISBN 978-3-903153-92-9 PUBLISHED

Oft als die letzte wahre Wagnerianerin bezeichnet, war Birgit Nilsson „eine der großartigsten Opernsängerinnen aller Zeiten“, so Plácido Domingo. Die herausragende neue 712-seitige Monografie ist eine Hommage an die schwedische Sopranistin. Mit speziellen Details – wie einem leinengebundenen Schuber mit Magnetverschluss und einem herausnehmbaren Faksimile der 500-Kronen-Banknote mit dem Porträt von Birgit Nilsson – ausgestattet, wurde sie nach den höchstmöglichen Druckstandards produziert.

Neben zahlreichen Fotografien, die das Vermächtnis von Nilssons bahnbrechender Rollendarbietung aufzeigen, enthält sie Tribute vieler heute führender Koryphäen sowie einen Überblick über Nilssons Karriere durch Artikel, Rezensionen und Nachrufe.

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Often referred to as the last of the true Wagnerians, Nilsson was “one of the most magnificent opera singers of all time,” according to Plácido Domingo. The exquisite new 712-page homage to the Swedish soprano is produced to the highest possible printing standards, with special details like a clothbound, magnetized slipcase and a removable facsimile of the 500 Swedish krona banknote with Nilsson’s portrait on it.

With extensive photographs tracing the legacy of Nilsson’s seminal roles, it contains tributes from many of today’s leading luminaries, plus an overview of Nilsson’s career through articles, reviews and obituaries.

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BIRGIT NILSSON, METROPOLITAN OPERA, NEW YORK, RETURN TO THE MET, NOV. 4, 1979 © BETH BERGMAN

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There is a 12-pound coffee-table book recounting her career. The imposing new book explores her legacy over 712 pages of photographs and essays.

Michael Cooper, New York Times

At first sight, “Birgit Nilsson 100–An Homage” looks– and feels–like a doorstop, a giant brick containing a 712-page hardback book charting her career. It’s a heavy weight tribute, a coffee table book that requires the sturdiest of coffee tables to support it.

Once released from its linen-clad casing, the book is a fascinating chronicle of Nilsson’s career. There’s a touching introduction by Rutbert Reisch, President of the Birgit Nilsson Foundation and a man who knew Nilsson personally. It reveals facets of her character, such as her refusal to publicly admit to her cancer: “I could not stand the thought of being pitied.” Reisch enigmatically describes her as “complex not complicated”.

The volume also includes beautifully reproduced newspaper clippings of reviews from throughout her career, along with articles and a series of obituaries. There’s even a facsimile of the 500 Swedish kronor banknote issued in her honour in 2016. You’d need roughly twice that to purchase this tribute–£100 is the recommended retail price–but it’s bound to offer hours of pleasure to committed Nilssonites in the opera world.

Bachtrack

Ein kolossaler Band würdigt die schwedische Sopranistin Birgit Nilsson, die vor hundert Jahren geboren wurde.

Jürgen Kesting, Frankfurter Allgemeine Zeitung

Birgit Nilsson was a complex, self-determined diva with a phenomenal voice of steel and fire, who rose from a simple farming background to become one of the most impressive cultural figures of the 20th century.

In short, Birgit Nilsson wasn’t just a great artist, she was a musical force of nature whose artistry was complemented by keen business acumen. The limited edition centennial book presents Nilsson’s life and career through personal reminiscences contributed by her numerous colleagues and the vast body of music journalism she inspired. Hundreds of articles, interviews, performance reviews, essays and tributes—many photographically reproduced from the original American and international publications—are organized chronologically by themes relevant to Nilsson’s life and work. Lavishly illustrated, this sumptuous tome invites you to lose yourself in its 712 pages. It’s a delight to peruse, though an index would have made it an even better research tool.

Nevertheless, in this young century, when many have never even known the likes of a Birgit Nilsson, these tributes constitute an invaluable legacy.

Barrymore Laurence Scherer, Wall Street Journal

So erscheint zum Geburtstag im Verlag für moderne Kunst ein 712 Seiten umfassender Monumentalband mit Fotografien und Artikeln.

Salzburger Nachrichten

Im Buch „Birgit Nilsson 100–An Homage“ wird die unsterbliche Wagner-Heroine, die mit sehr viel Humor gesegnet war, auf 712 Seiten gewürdigt.

560 Abbildungen, Zeitungsausschnitte, Zeittafeln, Opernauftritte und seltene Privataufnahmen zeigen alle Facetten der Nilsson. Ausführlich werden ihre Auftritte von 1946 bis 1984 in Wien (mehr als 200-mal), Bayreuth, Buenos Aires, Mailand, London oder New York dokumentiert. Zu Wort kommen dabei auch Freun­ de und Kollegen der Künstlerin, die etwa von dem großen Otto Schenk (wie von vielen anderen auch) schlicht als „wahrhaftiges Wunder“ bezeichnet wird.

Aber auch Ausnahmesänger Plácido Domingo, Star­ dirigent Riccardo Muti, Ex-Vorstand Clemens Hellsberg im Namen der Wiener Philharmoniker sowie die schwe­ dische Topsopranistin Nina Stemme erinnern sich an ihre vielen Begegnungen mit der unvergessenen Nilsson.

Peter Jarolin, Kurier

Benjamin Ivry, Opera Now

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THOMAS RUFF, “PHG.02_I”, 2013, PHOTOGRAPH, © THOMAS RUFF, BILDRECHT, VIENNA, COURTESY DAVID ZWIRNER

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NO TWO ALIKE Karl Blossfeldt, Francis Bruguière, Thomas Ruff

DETAILS Paperback, approx.

160 pages (double volume), 57 ills. in color

EDITOR Ulrike Meyer Stump TEXTS Edward Juler, Anne McCauley, Ulrike Meyer Stump, Kevin Moore DESIGN Müller & Wesse, Stephan Müller

EURO 32,– ISBN 978-3-903228-87-0 PUBLISHED IN SEPTEMBER 2018

Die Gegenüberstellung von Biomorphismus bei Blossfeldt und Abstraktion bei Bruguière eröffnet eine neue Perspektive auf die Bedeutung der Fotografie für die britische Moderne. Thomas Ruff hat schon immer ein großes Interesse für die Geschichte der Fotografie gehegt und eine besondere Affinität für Blossfeldts Werk gezeigt, insbesondere mit seiner Serie „Negatives“. Bruguières abstrakte Lichtkompositionen lassen hingegen einen starken formalen Bezug zu Ruffs Fotogrammen erkennen. „No Two Alike“ thematisiert das diesen drei Künstlern gemeinsame Interesse an der Variation als Gestaltungsprinzip und unterstreicht den Gedanken, dass ihre Werke jeweils eine Variante der anderen darstellen.

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Exhibition: Contemporary Arts Center, Cincinnati 21.9.2018–13.1.2019

„No Two Alike“ begleitet eine von Ulrike Meyer Stump für das Contemporary Arts Center in Cincinnati kuratierte Ausstellung, die als Teil der FotoFocus Biennial 2018 dem übergreifenden Thema „Open Archive“ nachgeht.

Sie präsentiert Werke aus den „Photograms“- und „Negatives“-Serien des zeitgenössischen Künstlers Thomas Ruff mit der Reinszenierung einer historischen Ausstellung, bei der sich 1929 die Pflanzenfotografien von Karl Blossfeldt und die abstrakten Lichtkompositionen von Francis Bruguière in der Warren Gallery in London begegnet sind.

“No Two Alike” documents an exhibition curated by Ulrike Meyer Stump for the Contemporary Arts Center in Cincinnati as part of the 2018 FotoFocus Biennial, with its general theme “Open Archive”. The exhibition restages the historic encounter between Karl Blossfeldt’s plant photographs and Francis Bruguière’s light designs held at the Warren Gallery in London in 1929 and juxtaposes it with the “Photograms” and “Negatives” series by contemporary artist Thomas Ruff.

The combination of Blossfeldt’s biomorphism and Bruguière’s abstraction offers clues for the understanding of British Modernism as well as insight into the role photography and photobooks played in the British avantgarde. Throughout his career, Thomas Ruff has expressed great interest in the history of photography and has repeatedly shown a special affinity with Blossfeldt (particularly in his “Negatives” series); Bruguière’s abstract light compositions, on the other hand, have strong formal ties to Ruff’s photograms.

“No Two Alike” expresses the three artists’ mutual interest in the variant as a creative principle, also advancing the idea that each of these bodies of work presents a variant of the other.

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LOYS EGG / PETER WEIBEL Bibliotheca Insomnia 1978–1979 EDITORS Loys Egg, Peter Weibel TEXT Peter Weibel DESIGN Loys Egg DETAILS German/English, Hardcover, 31 × 26 cm, 272 pages, approx. 400 ills.

EURO 29,– ISBN 978-3-903228-86-3 PUBLISHED

Die Künstler Peter Weibel und Loys Egg verbindet eine langjährige Freundschaft, die in vielen gemeinsamen Projekten ihren Niederschlag fand. 1978/79 entstand „Bibliotheca Insomnia“.

The artists Peter Weibel and Loys Egg enjoy a longstanding friendship, which has resulted in many collaborative projects. Their “Bibliotheca Insomnia” dates from 1978-79.

Mit dem Ziel, die Ausdrucksfähigkeit der traditionellen Malerei zu erneuern, schufen sie ein Konvolut von rund 170 Blättern, eine Bibliothek, die weder aus Bildern noch aus Büchern besteht, sondern aus Bildwerken.

Die Prinzipien Partizipation und Interaktivität spielen eine entscheidende Rolle, wenn die Arbeit des jeweils andern durch materialhafte Überarbeitungen und „Wortsprache“ angereichert und so die traditionelle formale Zeichensprache erweitert wird. „Das Spiel der Repräsentation löst sich auf in eine Kunst über Kunst“ (Peter Weibel).

Aiming to renew the expressiveness of traditional painting, they created a body of around 170 works on paper, a library that consists neither of pictures nor books, but of pictorial works. The principles of participation and interactivity play a crucial role, as the work by the one artist was augmented in different media and with text by the other, thus expanding the traditional formal visual language to create a peinture conceptuelle and peinture parole. “The game of representation dissolves into an art over art” (Peter Weibel).

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ERWIN WURM

peace & plenty

EDITORS Kunstmuseum Luzern, Albertina, Vienna DESIGN Great, Vienna DETAILS Paperback with dust jacket, 30 × 23 cm, 504 pages, 447 ills. in color

EURO 49,80 ISBN 978-3-903228-71-9 PUBLISHED

Die 447 Zeichnungen mit Bleistift, Farbstift, Kugelschreiber, als Aquarelle oder Collagen sind Reflexion, Weltkommentar und Ideenspeicher. Thematisch gleichen sie einem Tagebuch, tauchen darin doch Menschen auf, mit denen Erwin Wurm in Kontakt ist, Künstlerfreunde, die Familie, aber auch Selbstporträts und aktuelle Projekte, seien dies Ideen zu den „One Minute Sculptures“ oder Zeichnungen von Wohnwagen und Lastwagen für sein Biennale-Projekt in Venedig 2017.

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Exhibitions: Kunstmuseum Luzern 9.6.–23.9.2018 Albertina, Wien 21.11.2018–31.3.2019

Erwin Wurm zeichnet fast täglich, ob daheim oder auf Reisen. Dabei arbeitet er mit dem vor Ort verfügbaren Papier, in verschiedenen Qualitäten und Formaten. „peace & plenty“ verweist auf diese Situation – so heißt nämlich das Hotel in George Town / Great Exuma, in dem unzählige Zeichnungen entstanden – wie auf den Umfang des Konvoluts.

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Erwin Wurm draws almost every day, be it when he is at home or on the road. He works with easily available paper in various qualities and formats. “peace & plenty”, also the name of the hotel in George Town / Great Exuma where many of the drawings were done refers both to the situation and to the sheer amount of the drawings.

447 works on paper, in pencil, crayon, ballpoint pen or as watercolors and collages, are reflections, commentaries on the world, storehouses of ideas. Thematically, they resemble a diary, given that people turn up in them with whom Erwin Wurm is in contact, artist-friends, family, but also self-portraits and current projects, be that ideas for “One Minute Sculptures” or drawings of caravans and trucks for his project for the 2017 Venice Biennale.

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VICTOR VASARELY, “FUGUE”, 1958–1960, STÄDEL MUSEUM, FRANKFURT AM MAIN, BILDRECHT, VIENNA

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VICTOR VASARELY

In the Labyrinth of Modernism EDITOR Martin Engler TEXTS Jana Baumann, Martin Engler, Michael Gauthier, Györgyi Imre, Valerie Hillings DESIGN Harald Pridgar DETAILS Hardcover, 26 × 26 cm, 240 pages, 210 ills. in colour

EURO 34,90 English Edition: ISBN 978-3-903228-59-7 German Edition: ISBN 978-3-903228-60-3 PUBLISHED IN SEPTEMBER 2018

Mit über 100 Werken aus europäischen und US-amerikanischen Sammlungen wird die Durchdringung und gegenseitige Beeinflussung von Alltag und Kunst in seinem Werk, der fortschreitende Übergang zwischen der Ästhetik von Pop und Moderne sichtbar gemacht. So ermöglicht die Publikation nicht nur die Begegnung mit einem der ersten Pop-Art-Künstler Europas, sondern darüber hinaus auch mit einer neuen Geschichte des Projekts Moderne, welches das gesamte 20. Jahrhundert durchzieht.

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Exhibition: Städel Museum, Frankfurt am Main 26.9.2018–13.1.2019

Der Mitbegründer und Hauptvertreter der Op-Art Victor Vasarely verbindet die Kunst der Moderne mit der Gegenwart, die ästhetisch enorm produktive Zeit zwischen den beiden Weltkriegen mit den Avantgarden der Nachkriegsmoderne. Sein Œuvre erstreckt sich über mehr als sechs Jahrzehnte und integriert unterschiedlichste Stile und Einflüsse: Vasarely war Werbegrafiker und Künstler, zentrale Figur der französischen Nachkriegskunst mit ungarischer Herkunft und Wurzeln im Bauhaus der 1920er Jahre. „Im Labyrinth der Moderne“ stellt Victor Vasarely, der allzu gerne auf seine die Sinne verwirrende Op-Art reduziert wird, in seiner Rolle als eine der zentralen Figuren der Moderne heraus.

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The co-founder and leading exponent of op art, Victor Vasarely, provides a link between modernism and con­ temporary art, between the enormously productive aesthetic output of the interwar years and the avant-gardes of post-war modernism. His work extends across more than six decades, integrating an extremely broad range of styles and influences: Vasarely was a graphic de­ signer and artist, a central figure in post-war French art with a Hungarian background and roots in the Bauhaus of the 1920s. “In the Labyrinth of Modernism” highlights Victor Vasarely, who is all too frequently reduced to his op art output and its bewildering impact on the senses, in his role as one of the central figures of modernism.

With more than 100 works from European and US-American collections the publication reveals the mutual pen­ etration between and influence of everyday life and art in his work and the continuous crossover between the pop and modernist aesthetics. In this way it enables the reader to encounter not only one of Europe’s first exponents of pop art but also a new history of the modernist project as it extended throughout the twentieth century.

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SHIRIN NESHAT, INSTALLATION VIEW, KUNSTRAUM DORNBIRN, 2018, PHOTO: © STEFAN HAUER; SHIRIN NESHAT, “ILLUSIONS AND MIRRORS”, 2018, FILM STILL, PHOTO: © SHIRIN NESHAT, COURTESY GLADSTONE GALLERY

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SHIRIN NESHAT

Dreamers Trilogy

EDITORS Kunstraum Dornbirn, Thomas Häusle TEXT AND TALK Gerald Matt DESIGN Proxi Design, proxi.me DETAILS German/English, Hardcover, 25 × 21 cm, 140 pages, 89 ills. in b/w

EURO 26,– ISBN 978-3-903228-89-4 PUBLISHED

Die im Iran geborene und in New York lebende, international renommierte Künstlerin Shirin Neshat beschäftigt sich seit Jahrzehnten mit der gesellschaftlichen und politischen Situation ihrer Heimat mit besonderem Blick auf die Stellung der Frau in islamischen Gesellschaften.

She was born in Iran and now lives in New York: for decades, the internationally renowned artist Shirin Neshat has addressed the social and political situation in her native country with a special focus on the status of women in Islamic societies.

Auf die immer wieder geübte Kritik an der Schönheit und Perfektion ihrer Arbeiten entgegnet die Künstlerin in einem Interview mit Gerald Matt anlässlich der Ausstellung im Kunstraum Dornbirn: „Mir geht es um mehr als Schönheit, eigentlich um Poesie. Als Iranerin bin ich einerseits tief verwurzelt in der Schönheit einer allegorisch-poetischen Sprache, andererseits dem Einfluss von Politik, Gewalt, Unterdrückung und Brutalität ausgesetzt. Schönheit und Poesie sind für mich auch eine Antwort, eine Form des Widerstandes gegen die allgegenwärtige Gewalt. Auch wenn sich meine Arbeit auf die politische Dunkelheit, Gewalt, Unterdrückung und auf Schmerz bezieht, steht demgegenüber stets eine unglaubliche Poesie, Ästhetik und Harmonie der Menschen, die uns an die Humanität in uns allen erinnert.

Das hat nichts mit Dekoration zu tun, sondern vielmehr auch mit einem Paradox tief in mir selbst.“

In response to the repeated criticism about the beauty and perfection in her works in an interview with Gerald Matt in connection with the exhibition in Kunstraum Dornbirn she insisted: “I am not merely concerned with beauty, actually it is more about poetry. As an Iranian woman I am on the one hand deeply rooted in the beauty of allegorical, poetic language and on the other hand exposed to the influence of politics, violence, suppres­ sion and brutality. Beauty and poetry are also an answer for me, a means of opposing the violence everywhere.

Even though my work refers to political darkness, violence, oppression and pain this is always contrasted to an incredible poetry, aesthetics and harmony inherent in people that reminds us of the humanity in all of us. That has nothing to do with decoration but is rather connect­ ed with a deep lying paradox within myself.”

In Kunstraum Dornbirn three video works from the artist’s current series were shown: “Illusions & Mirrors,” 2013; “Roja,” 2016; “Sarah,” 2016.

Im Kunstraum Dornbirn wurden drei Videoarbeiten aus aktuellen Werkserien gezeigt: „Illusions & Mirrors“, 2013; „Roja“, 2016; „Sarah“, 2016.

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Thannhauser Händler, Sammler, Stifter

SEDIMENT ALL TITLES PUBLISHED

ZERO ist gut für Dich

sediment Nr. 11 EURO 15,– ISBN 978-3-938821-61-9

Um ’67 – Rudolf Zwirner und die frühen Jahre des Kunstmarkt Köln

sediment Nr. 10 EURO 15,– ISBN 978-3-93882-125-1

sediment Nr. 12 EURO 15,– ISBN 978-3-938821-98-5

Erhard Klein Vollkonzentriert

Wolf Vostell auf Straßen und Plätzen ... durch die Galerien

sediment Nr. 13 EURO 15,– ISBN 978-3-939738-08-4

Joseph Beuys Wir betreten den Kunstmarkt

sediment Nr. 14 EURO 15,– ISBN 978-3-939738-61-9

Heiner Stachelhaus

sediment Nr. 16 EURO 20,– ISBN 978-3-941185-15-9

sediment Nr. 17 EURO 20,– ISBN 978-3-941185-69-2

Am Anfang war das Informel

Allan Kaprow in Deutschland Wärme- und Kälteeinheiten

sediment Nr. 18 EURO 20,– ISBN 978-3-86984-045-1

Galerie Heiner Friedrich

sediment Nr. 19 EURO 20,– ISBN 978-3-86984-191-5

Kasper König The Formative Years

sediment Nr. 21/22 EURO 29,– ISBN 978-3-86984-444-2

sediment Nr. 23/24 EURO 29,– ISBN 978-3-86984-066-6

Wie die Pop Art nach Deutschland kam

Galerie Springer Berlin 1948–1998

sediment Nr. 25/26 EURO 29,– ISBN 978-3-903004-10-8

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sediment Nr. 27 EURO 20,– ISBN 978-3-903153-35-6

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THE KÖLN SHOW

EDITOR Zentralarchiv für deutsche und internationale Kunstmarktforschung e.V. PREFACE Klaus Gerrit Friese TEXTS Helga Behn, Brigitte Jacobs van Renswou, Nadine Oberste-Hetbleck INTERVIEWS Helga Behn with Monika Sprüth, Philipp Fernandes do Brito with Daniel Buchholz, Philipp Fernandes do Brito with Markus M Schneider, Günter Herzog with Christian Nagel, Brigitte Jacobs van Renswou with Gisela Capitain, Brigitte Jacobs van Renswou with Esther Schipper, Nadine Oberste-Hetbleck with Isabelle Graw

DETAILS German, Paperback, 28 × 18 cm, 192 pages, approx.

160 ills. in b/w EURO 29,– ISBN 978-3-903228-83-2 PUBLISHED

1989. Die Mauer war gefallen und damit auch Kölns Status als Kunstmetropole, Berlin sollte wieder Hauptstadt werden, der Kunstmarkt stürzte aus dem Gold­ rausch in eine Finanzkrise, die Kunst in eine Sinnkrise, die Neunziger hatten begonnen. Trotzdem und gerade deshalb: Köln in den Neunzigern „was the best place to be“, so der Künstler Josef Strau in seinem Essay „The Non-Productive Attitude“ (2006).

Für seine diesjährige, opulent bebilderte Zeitreise hat das ZADIK die Koordinaten auf den heute besonders in Amerika tradierten Mythos der Kölner Kunstszene der 1990er Jahre gesetzt. Es besucht dort die Menschen und Ereignisse, die transeuropäische und transatlantische Brücken bauten und kunstprogrammatische Weichen stellten für unsere Gegenwart und lässt die Zeit der zum Teil in harter Kneipenarbeit erwirtschafteten künstlerischen Selbstreflexivität, der Kontextkunst und Institutionskritik wieder lebendig werden.

Exhibition: ZADIK 4.5.–28.9.2018

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1989. The Wall had come down and Cologne had lost its status as art metropolis, for Berlin was to become Germany’s capital once more; the art market went from gold rush to financial crisis, the 1990s had begun.

Nonetheless and perhaps precisely because of the crisis: In the 1990s, Cologne “was the best place to be” or so claimed artist Josef Strau in his 2006 essay “The Non-Productive Attitude”.

For this year’s opulently illustrated journey back in time the documentary has set its sights on Cologne’s art scene in the 1990s. The editor frequents the people and events that built trans-European and trans-Atlantic bridges and laid the programmatic foundations for art today—and recaptures the era of artistic self-reflection obtained in occasionally hard pub sessions, context art and institutional critique.

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EPHEMERAL SPACE The Lenikus Collection

EDITOR The Lenikus Collection, Angela E. Akbari TEXTS Angela E. Akbari, Gerald Bast, Erich Bernard, Eva Blimlinger, Georg Diez, Severin Dünser, Christian Fink, Synne Genzmer, Daniel Grúň, Georgia Holz, Elsy Lahner, Emanuel Layr, Gabriele Lenikus, Martin Lenikus, Abraham Orden, Cosima Rainer, Barbara Reisinger, Luise Reitstätter, Veronika Rudorfer, Barbara Rüdiger, Nina Schedlmayer, Janwillem Schrofer, Jasper Sharp, Eva Maria Stadler, Francesco Stocchi, Vitus Weh DESIGN Christian Schienerl D/AD

DETAILS English with a German appendix, Hardcover, 30 × 30 cm, 380 pages, approx. 400 ills. in color EURO 58,– ISBN 978-3-903228-07-8 PUBLISHED

Die Publikation bietet einen Überblick über das breite Spektrum des langjährigen Engagements der Lenikus-Gruppe in der Wiener Kunstszene. Sie blickt zurück auf 25 Jahre Sammeltätigkeit sowie 15 Jahre der Förderung junger Kunst und ist gleichzeitig ein Ausgangspunkt zur Diskussion über das Potenzial kultureller Förderung durch Zwischennutzungen: Die Verfügbarkeit von Räumen ist ein wesentlicher Schlüssel für die Entwicklung von künstlerischen und kreativen Szenen in Wien. Den Leerstand zu aktivieren und in ein pulsierendes Zentrum für Austausch und künstlerische Produktionsformen zu verwandeln, war von Beginn an ein Schwerpunkt des privaten kulturellen Engagements der Lenikus-Gruppe.

Die Publikation reflektiert mit wissenschaftlichen Essays, Berichten von konkreten Projekten und Interviews Themen wie Raum für kreatives Schaffen, Artist-inResidence-Programme und Zwischennutzungen. Beiträge und Ausstellungsdokumentationen verschränken sich mit einer Auswahl von Werken der Sammlung Lenikus. Die gezeigten Werke offenbaren einerseits den persönlichen Geschmack von Gabriele und Martin Lenikus, gleichzeitig werden Tendenzen in der Wiener Kunstszene sichtbar und können somit im internationalen Umfeld verortet werden.

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The publication offers an overview of the broad spectrum of the Lenikus Group’s longstanding involvement in the Vienna art scene. It looks back over 25 years of collecting and 15 years of promoting young artists while simultaneously providing a starting point for discussions about the potential of promoting culture through interim use. After all, the availability of space is fundamental to the development of the artistic and creative scenes in Vienna. One major aim of the private cultural efforts of the Lenikus Group from the outset has been to put vacant spaces and buildings to use and create a vibrant centre for exchange and for artistic forms of production.

Featuring academic essays, reports on specific projects and interviews the publication reflects on topics such as space for creative activity, artist in residence programmes and interim use. Articles and reports on exhibitions are interlaced with a selection of works from the Lenikus collection. While the presented works reveal the personal taste of Gabriele and Martin Lenikus they also shed light on tendencies in the Vienna art scene and, hence, enable these to be placed in their international context.

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DAS LETZTE KAPITEL Die Bankiersfamilie Schmidt und ihr Unternehmen EDITOR Karl Gerhard Schmidt TEXTS Franz Baur, Hartmut Bergemann, Gerd Otto, Udo Rettberg, Bernd Rödl, Dieter Schelzel, Karl Gerhard Schmidt, Ralf Sziegoleit DESIGN Timo Reger

DETAILS German, Hardcover, 25 × 18 cm, 280 pages, 46 ills. in b/w EURO 26,– ISBN 978-3-903228-51-1 PUBLISHED

This book tells the story of a private bank. It is not a monumental family epic, but a colorful kaleidoscope of analyses and observations. A collection of stories, reports and anecdotes about a flourishing bank, about exciting visions and the incredible rise of the online broker Consors.

Dieses Buch erzählt die Geschichte eines Privatbankhauses: kein monumentales Familienepos, sondern ein farbiges Kaleidoskop von Analysen und Betrachtungen.

Eine Sammlung von Geschichten, Berichten und Anekdoten über eine florierende Bank, über spannende Visionen und den unglaublichen Aufstieg des Online-Brokers Consors.

The book also shows how a merciless financial world brings about the demise of a family enterprise. It is not a whistle-blowing book, nor is it a cheap reckoning. Instead, it provides a clear view of the world of the financial industry and its protagonists: people you wouldn’t want to have a drink with. Family history and contemporary events interweave to create a distinctive image while at the same time reflecting universal changes in an exemplary way.

(Franz Baur)

Das Buch zeigt auch, wie eine mitleidlose Finanzwelt einem Familienunternehmen den Untergang bringt. Kein Enthüllungsbuch und keine billige Abrechnung, aber freie Sicht auf die Welt der Finanzindustrie und deren Protagonisten, mit denen man kein Glas Wein trinken möchte. Familien- und Zeitgeschichte verweben sich zu einem unverwechselbaren Bild und spiegeln doch exemplarisch allgemeine Veränderungen wider.

(Franz Baur)

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LES ÉDITION KMD SOME OF THE PUBLISHED TITLES

Didier Semin Duchamp: The Paradigm of the Cartoon

Helen Molesworth Duchamp: By Hand, Even EURO 20,– ISBN 978-3-903153-98-1

EURO 25,– ISBN 978-3-903004-56-6

Caroline Bachmann, Ralf Beil, Stefan Banz (eds) La Broyeuse de chocolat

The Kings of The B’s: Jean Luc Godard & Roger Corman

EURO 20,– ISBN 978-3-86984-416-9

EURO 20,– ISBN 978-3-86984-423-7

Louis Michel Eilshemius und sein Einfluss auf Marcel Duchamp

Besides, it’s always the others who die

EURO 35,– ISBN 978-3-903131-12-5

Marcel Duchamp: Étant donnés

EURO 20,– ISBN 978-3-86984-080-2

EURO 20,– ISBN 978-3-86984-500-5

Das Wespennest ist eine Kathedrale Ein Gespräch mit Jean-Christophe Ammann Rrose to the Occasion Ein Gespräch mit John Cage

Jeff Wall: Mit dem Auge des Geistes

EURO 20,– ISBN 978-3-86984-385-8

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EURO 20,– ISBN 978-3-86984-240-0

EURO 20,– ISBN 978-3-86984-078-9

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STEFAN BANZ ONE ROCK UPON ANOTHER Essays Marcel Duchamp, Jules Verne, Max Bill, Joseph Beuys, Fischli | Weiss und Ai Weiwei

EDITOR Les Éditions KMD TEXT Stefan Banz DESIGN Stefan Banz DETAILS German/English/French, Hardcover, 21 × 16 cm, 416 pages, 80 ills. in color

In his captivating essays the renowned Duchamp expert Stefan Banz explains, among other things, why it was not Walter Hopps who mounted Duchamp’s first solo exhibition in a public institution but Max Bill, or what exactly Joseph Beuys had misunderstood about Duchamp when he performed “The Silence of Marcel Duchamp is Overrated”, or how Fischli | Weiss appropriated Duchamp’s unrealized idea for a work titled “Équilibre”, or that Ai Weiwei cites Duchamp in almost all his major works, and the tremendous influence that Jules Verne had on the artistic approach of this great avant-gardist.

Der bekannte Duchamp-Spezialist führt in seinen spannenden Essays unter anderem aus, warum nicht Walter Hopps, sondern Max Bill Duchamps erste Einzelausstellung in einer öffentlichen Institution organisierte, was genau Joseph Beuys missverstanden hatte, als er „Das Schweigen von Marcel Duchamp wird überbewertet“ aufführte, auf welche Weise Fischli | Weiss Duchamps unrealisierte Werkidee „Équilibre“ als eigene künstle­ rische Arbeit umsetzten, weshalb Ai Weiwei in fast allen seinen wichtigen Werken Duchamp zitiert oder welchen Einfluss Jules Verne auf das künstlerische Konzept dieses großen Avantgardisten hatte.

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EURO 35,– ISBN 978-3-903228-62-7 PUBLISHED

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LOUIS MICHEL EILSHEMIUS SIX MUSICAL MOODS

DETAILS German/English, Hardcover incl. CD, 160 pages, 72 ills. in color

EDITOR Stefan Banz TEXTS Stefan Banz, Sven Daigger, Louis Michel Eilshemius, Roberto Ohrt DESIGN Stefan Banz

EURO 28,– ISBN 978-3-903228-92-4 PUBLISHED IN SEPTEMBER 2018

„Six Musical Moods“ beschäftigt sich als erste Publika­ tion überhaupt mit dem unbekannten musikalischen Werk des 1917 von Marcel Duchamp entdeckten amerikanischen Malers Louis Michel E ­ ilshemius.

“Six Musical Moods” is the very first publication to have as its theme the unknown musical oeuvre of the American painter ­Louis Michel Eilshemius, who was discovered by Marcel Duchamp in 1917.

Seine wenigen heute noch greifbaren Kompositionen sind — wie seine Gemälde und Zeichnungen — von leichter und romantischer Wärme und von berührendem Liebreiz und bewegen sich leichtfüßig zwischen altmodischem Flair und vorwärts­gewandter Dreistigkeit. Indem er zum Beispiel Notenfolgen aus der Musikgeschichte extrapoliert und neu zusammensetzt, ent­wickelt er ein freches Kompositionsverfahren, wie wir es eigentlich erst seit dem Sampling der 1970er Jahre kennen.

Those few compositions of his that are still in existence are—like his paintings and drawings—pervaded by a light-hearted, romantic warmth and affection, fleetingly alternating between old-fashioned flair and futuristic audacity. This he achieved, for example, by extrapolating and rearranging sequences of musical notes from the history of music in order to create perky compositions of the kind known to us only since the emergence of sampling in the late 1970s.

Die junge Pianistin Imke Lichtwark hat diese unbekannten Stücke virtuos und mit Verve im ­Kammermusiksaal der Hochschule für Musik und Theater in Rostock eingespielt. Die Publi­kation enthält zudem Texte von Roberto Ohrt, Sven ­Daigger, Stefan Banz und von Louis Michel Eilshemius selbst.

The young pianist Imke Lichtwark recorded these unknown pieces with verve and virtuosity in the Chamber Music Hall of the Rostock Academy of Music and Drama. The publication also includes texts by Roberto Ohrt, Sven ­Daigger, Stefan Banz, and by Louis Michel Eilshemius himself.

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MICHAEL R. TAYLOR PERCY RAINFORD: DUCHAMP’S “INVISIBLE” PHOTOGRAPHER

EDITOR Stefan Banz TEXT Michael R. Taylor DESIGN Stefan Banz DETAILS English, 16 × 11 cm, 136 pages

Euro 20,– ISBN 978-3-903131-50-7 PUBLISHED IN WINTER 2018

This book is the first publication to focus on the work of the Jamaican-born, American photographer Percy Rainford.

Between 1945 and 1956, Rainford collaborated on a number of art projects with Marcel Duchamp. Rainford began his career in the early 1930s as a photographer of fine art for catalogs and other publications, working for major museums in New York, including the Whitney Museum and the Metropolitan Museum of Art, as well as artists, who often needed high quality reproductions of their paintings and sculpture when applying for fellowships. After meeting Kiesler and Duchamp, Rainford’s work began to transcend its documentary impulse and the photographs he made in the 1940s and 1950s reflect his newfound interest in modernist experimentation. Although virtually unknown today, Rainford was a highly respected artist during this period and this book, which is drawn from extensive archival research and interviews with the artist’s family, is intended to showcase the work of this remarkable avantgarde photographer, while also shedding new light on his collaborations with Duchamp and Kiesler.

Dieses Buch ist die erste Publikation, die sich auf die Arbeit des in Jamaika geborenen amerikanischen Fotografen Percy Rainford konzentriert. Zwischen 1945 und 1956 arbeitete Rainford an einer Reihe von Kunstprojekten mit Marcel Duchamp zusammen. Er begann seine Karriere in den frühen 1930er Jahren als Reprofotograf bildender Kunst für Kataloge und andere Publikationen. Er war sowohl für große Museen in New York, darunter das Whitney Museum und das Metropolitan Museum of Art, tätig als auch für Künstler, die oft qualitativ hochwertige Reproduktionen ihrer Gemälde und Skulpturen brauchten, wenn sie sich für ein Stipendium bewerben wollten. Nach der Begegnung mit Duchamp und Frederick Kiesler im Januar 1945 begann Rainfords Arbeit über den dokumentarischen Impuls hinauszugehen und die Fotografien, die er in den 1940er und 1950er Jahren machte, spiegeln sein neu entdecktes Interesse an modernistischen Experimenten wider. Obwohl heute nahezu unbekannt, war Rainford ein hoch anerkannter Künstler seiner Zeit. Die Publikation, der umfangreiche Archivrecherchen und Interviews mit der Familie des Künstlers zugrunde liegen, zeigt das Werk dieses bemerkenswerten Avantgarde-Fotografen und wirft gleichzeitig ein neues Licht auf seine Zusammenarbeit mit Duchamp und Kiesler.

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LAURIANNE BIXHAIN

On the Other End EDITORS Laurianne Bixhain, Silvia Jaklitsch TEXTS Laurianne Bixhain, Mathieu Buytaers, Kerstin Thalau, Soenke Zehle DESIGN Müller & Wesse, Stephan Müller DETAILS German/English/French, Paperback, 40 pages, 6 ills. in b/w

EURO 18,– ISBN 978-3-903228-90-0 PUBLISHED

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Exhibition: Les Rencontres de la Photographie d’Arles 2.9.–23.9.2018

Aus der Distanz betrachtet, offenbart ein kompaktes Ensemble bestimmte Analogien, die sich aus der Fülle der Details herausheben: die Arts-and-Crafts-Fassade der Büros einer ehemaligen Fabrik für Industrieanlagen – 2000 wurde sie in einen der Komplexe der Multimedia City in Montreal integriert –, ein Blumenarrangement auf einer Fensterbank, eine Werbetafel für eine Heilquelle auf einem Boot, welches im Alten Hafen vor Anker liegt, ein bei Nacht fotografierter Autoscheinwerfer, ein Holzgatter auf der Rückseite einer früheren Schmiede und eine behelfsmäßige Reparaturwerkstatt am Ufer des Lachine Canal.

The distant view of a succinct ensemble reveals points of correspondence emerging between details: the Arts & Crafts facade of the offices of a former factory for industrial appliances – integrated since 2000 in one of the complexes of the Multimedia City in Montreal –, a floral arrangement on a window sill, a billboard for a spa on a boat moored at the Old Port, a car headlight photographed at night, a wooden fence at the back of a former forge, and a makeshift repair workshop on the banks of the Lachine Canal.

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EDITOR Volker Dienst, architektur in progress TEXTS Hannah Bruckmüller, Wojciech Czaja, Erik Czejka, Barbara Feller, Brigitte Groihofer, Tobias Hagleitner, Roman Höllbacher, Manuela Hötzl, Anne Isopp, Petra Kickenweitz, Gretl Köfler, Franziska Leeb, Isabella Marboe, Christine Müller, Maik Novotny, Arno Ritter, Rosa Schaberl, Bettina Schlorhaufer, Heidrun Schlögl, Robert Temel, Kanokwan Trakulyingcharoen EDITORIAL BOARD Manuela Hötzl, redaktionsbuero architektur EDITING Erik Czejka, Rosa Schaberl BOARD Barbara Feller, Christine Müller DESIGN studio VIE DETAILS German/English, Paperback, 21 x 29 cm, 352 pages (double volume)

HERZBLUT

150 Positionen zur Architektur in und um Österreich architektur in progress 1997–2017

EURO 49,90 ISBN 978-3-903228-98-6 PUBLISHED IN DECEMBER 2018

Die hochwertige, zweibändige Publikation bietet einen Überblick über jene 150 Top-Architekturbüros, die in den letzten 20 Jahren im Rahmen von „architektur in progress“ vorgestellt wurden.

The high-quality, two-volume publication offers an overview of those 150 top architectural offices that were presented as part of ‘architektur in progress’ during the course of the past 20 years.

Die Vielfalt der Positionen soll einen breiten Querschnitt über das zeitgenössische Architekturgeschehen in und um Österreich zwischen 1997 und 2017 ermöglichen.

The diversity of the positions should enable readers to understand the breadth of the contemporary architecture scene in and around Austria between 1997 and 2017.

Der erste Band wird die Teams von A bis K, der zweite Band jene von L bis Z umfassen. Jedes Team bzw. jede/r Vortragende wird auf einer Doppelseite mit ihrem/ seinem „Herzblut-Projekt“ präsentiert. Renommierte Architekturkritiker und Journalisten aus ganz Österreich portraitieren die Architekturbüros, ihre persönlichen Haltungen und speziellen Arbeitsweisen. Ergänzend werden Statements von ehemaligen Teammitgliedern und Kommentare zur Szene von Roland Gnaiger oder Laurids Ortner veröffentlicht. Die Bände zeigen einen sowohl umfassenden wie spezifischen Blick auf eine heterogene Architekturszene mit ihren Protagonisten und Projekten der letzten 20 Jahre.

The first volume will include the teams from A to K and the second those from L to Z. Each team and speaker is presented on a double spread alongside their “Herzblut Project”. Well-known architectural critics and journalists from across Austria portray the architectural offices, their personal approaches and special ways of working. These are complemented by statements from former members of the teams and commentaries on the scene by Roland Gnaiger and Laurids Ortner. The two volumes offer a comprehensive yet specific view of a heterogeneous architecture scene and its protagonists and projects of the last 20 years.

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BILDSTEIN | GLATZ

NR.1 DESIGN Doppelnull DETAILS German/English, Hardcover, 28 × 24 cm, 256 pages, 166 ills. in color

EDITORS Stefanie Hoch, Markus Landert, Kunstmuseum Thurgau Kartause Ittingen, Warth TEXTS Katharina Ammann, Adrian Dürrwang, Stefanie Hoch, Markus Landert, Fiona Liewehr, Helga Rietz

EURO 38,– ISBN 978-3-903228-73-3 PUBLISHED

Doch bei näherer Betrachtung wird klar, dass sich das Kunstwerk nicht zur Begehung eignet und vielmehr ein Gedankenspiel in Bewegung kommen soll. LOOP vor dem Kunstmuseum kann als Gebilde zwischen Bau­ experiment und Denkfigur, Verheißung und Verweigerung, Spektakel und Ironie betrachtet werden.

Matthias Bildstein und Philippe Glatz bedienen sich in ihrem Werk der formalen Sprache von Sport- und Freizeitindustrie, um sie in die bildende Kunst zu überführen.

Das gemeinsame Schaffen des Künstlerduos umfasst neben überdimensional großen Konstruktionen und Gemälden in öffentlichen und musealen Räumen auch kleinere Skulpturen, Multiples oder Installationen wie etwa eine Minigolfanlage mit Hindernissen.

Die aktuelle Monografie schaut mehr als 15 Jahre zurück und dokumentiert die wichtigsten skulpturalen und in­ stallativen Arbeiten des Künstlerduos.

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Exhibition: Kunstmuseum Thurgau, Kartause Ittingen 21.5.2017–21.5.2020

Der zweifache Überschlag des Künstlerduos Bildstein | Glatz vor dem Kloster hebt sich mit seinen leuchtenden Farben von der ländlichen Idylle im Hintergrund ab. Die spektakuläre Form und die starken Farbkontraste erinnern an Vergnügungsparks. Ist auch in der Kartause Ittingen das Streben nach spirituellen Erfahrungen durch die Suche nach dem ultimativen Adrenalinrausch abgelöst worden?

Thanks to its bright colors alone the double loop in front of the monastery created by artist duo Bildstein | Glatz stands out against the rural idyll. Its spectacular shape and strongly contrasting colors recall amusement parks.

Has the striving for spiritual experiences in the charterhouse in Ittingen also been replaced by the search for the ultimate adrenaline kick?

On closer inspection it becomes evident, however, that the artwork is not a walk-through installation but is rather intended to provoke a mind game. LOOP in front of the art museum can be regarded as something that oscillates between building experiment and intellectual figure, promise and rejection, spectacle and irony.

In their work Matthias Bildstein and Philippe Glatz avail themselves of the formal language used in the sports and leisure industry only to transfer it to visual arts. The joint oeuvre by the duo not only embraces larger-thanlife sized constructions and paintings in public and museum settings, but also smaller sculptures, multiples or installations such as a crazy golf course with obstacles.

This monograph looks back at over 15 years and documents the most important sculptural and installation-based works by the artist duo.

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ZUR TOPOLOGIE DES ATELIERS IN VORARLBERG

DESIGN GREAT, Vienna DETAILS German, Hardcover, 24 × 16 cm, 80 pages, 53 ills. in b/w

EDITORS vorarlberg museum, Claudia Voit PREFACE Harald Gfader, Claudia Voit TEXTS Alexandra Grausam, Brigitte Kemmann, Jörn Schafaff

Euro 22,– ISBN 978-3-903228-57-3 PUBLISHED

The studio: “traditionally the place at which production manifests itself in a concrete space. No other situation and no other arena focuses questions of interrelationships between artistic practices, conceptions of self, and biographies with such intensity in the interplay with and as a function of specific social parameters.” (Claudia Voit)

Das Atelier: „… traditionellerweise derjenige Ort, an dem sich die Produktion an einem konkreten Ort manifestiert. Kein Ort und kein Raum bündelt in solcher Intensität Fragen nach den Zusammenhängen zwischen künstlerischen Praktiken, Selbstverständnissen und Biografien im Wechselspiel mit und in Abhängigkeiten von konkreten gesellschaftlichen Rahmenbedingungen.“ (Claudia Voit)

The present volume addresses the basic social and economic conditions for art production in the Austrian state of Vorarlberg. It is based on a series of conversations as well as written interviews with artists living and working in Vorarlberg. The regional observations are expanded to include a historical and an international perspective through the two projects being presented at *5ünfstern (St. Gallen) and das weisse haus (Vienna), both of which address the discursive exchange among artists beyond institutions.

Das vorliegende Buch thematisiert die gesellschaftlichen, ökonomischen und sozialen Rahmenbedingungen der Kunstproduktion in Vorarlberg. Es basiert auf einer Reihe von Gesprächen sowie einer schriftlichen Befragung von in Vorarlberg lebenden und arbeitenden Künstlerinnen und Künstlern. Die regionalen Beobachtungen werden um eine historische und internationale Perspektive erweitert, indem die beiden Projekte *5ünfstern (St. Gallen) und das weisse haus (Wien) vorgestellt werden, die den diskursiven Austausch unter Künstlerinnen und Künstlern abseits von Institutionen zum Anliegen haben.

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ANNA BARRIBALL

EDITOR CentrePasquArt, Biel/ Bienne TEXT Margaret Iversen CONVERSATION Anna Barriball and Felicity Lunn DESIGN Herman Lelie DETAILS German/English/ French, Hardcover, 30 × 26 cm, 158 pages, 86 ills. in color EURO 28,– ISBN 978-3-903228-76-4 PUBLISHED

Die britische Künstlerin Anna Barriball realisiert Zeichnungen, Skulpturen und Videos, welche die verborgenen Bedeutungen im Alltäglichen und im Übersehenen freilegen.

Für ihre Zeichnungen architektonischer Elemente wie Türen, Fenster und Mauern überträgt sie strukturreiche Oberflächen als Abdruck auf Papier. Dieser zeitintensive Prozess resultiert in reliefartigen Bildern, welche die Dreidimensionalität des ursprünglichen Materials bewahren. Die Wechselwirkung zwischen Objekt und Fläche ist auch eine Eigenschaft ihrer Skulpturen, für die sie ihren eigenen Körper mit Tuschezeichnungen eingewickelt hat. Eine jüngste Entwicklung in Barriballs Werk ist die Zuwendung zu leuchtenden Farbspektren. Die Ränder ihrer Zeichnungen sind von fluoreszierendem Glühen durchzogen und fließende Farbebenen überfluten ihre Videos. Die Transformation von Texturen sowie die Andeutung von Atmosphäre und Stimmung entfalten sich in einer Bildsprache, die das Innenleben der Dinge, die uns umgeben, offenbart.

The British artist Anna Barriball makes drawings, sculptures and videos that reveal hidden meanings in the eve­ ryday and overlooked.

For her drawings of architectural elements, such as doors, windows and walls, she transfers the textured surface into an impression of the object on paper. This time-consuming process results in relief-like images that retain the three-dimensionality of the original material.

This relationship between the object and the flat surface also characterises the sculptures she formed by wrapping ink drawings around her own body. A recent development is Barriball’s introduction of luminous color, developing from the fluorescent glows added to the edges of drawings to the flooding of videos with colored tints. This indication of atmosphere or mood continues her subtle transformation of the textures of the domestic environment into a dense language of their inner life.

The book shows works from 2006 until today.

Das Buch zeigt Arbeiten aus den Jahren von 2006 bis heute.

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VIK MUNIZ

Verso

EDITORS Stella Rollig, Harald Krejci PREFACE Stella Rollig TEXTS Harald Krejci, Stefan Lehner, Monika Mayer, Vik Muniz DESIGN Willi Schmid

DETAILS German/English, Paperback, 29 × 23 cm, 78 pages, 37 ills. in color, 16 ills. in b/w EURO 19,– ISBN 978-3-903228-74-0 PUBLISHED

Exhibition: Belvedere, Wien 21.3. –17.6.2018

Für den in New York und Rio de Janeiro lebenden Künstler Vik Muniz ist die Rückseite jedes Gemäldes einzigartig. Fasziniert von der intimen, verdeckten, oft verschlüsselten Art und Weise, wie sich die Geschichte über die Rückseite vermittelt, fertigt er originalgetreue, dreidimensionale Nachbildungen von ihnen an. Indem er die berühmtesten Werke der Kunstgeschichte als Objekte nachbaut, macht er Installationen aus ihnen und verdeutlicht damit die Produktionsweise, da Muniz etwas ausstellt, das das Publikum sonst nicht zu Gesicht bekommt.

The question of what there is on the back of a picture is very closely bound up with the question of exactly what art is and how the “aura” of a work of art changes with each new context. Showing the back of the images turns the exhibition room inside out and invites the viewer to reconsider his attitude to museums and the things on show inside them.

Die Frage, was sich auf der Rückseite eines Bildes befindet, knüpft eng an die Frage an, was Kunst eigentlich ist und wie sich die „Aura“ eines Kunstwerks mit jedem neuen Kontext ändert. Ein Verso stülpt den Ausstellungsraum um und bringt das Publikum dazu, seine Einstellung zu Museen und und den Dingen, die diese beherbergen, zu überdenken.

Two of the Belvedere’s most important works, Gustav Klimt’s “The Kiss” and Egon Schiele’s “The Embrace”, form the subject of Vik Muniz’ series “Verso”.

Mit Gustav Klimts „Kuss“ und Egon Schieles „Umarmung“ reihen sich nun zwei Hauptwerke des Belvedere in Vik Muniz’ Serie „Verso“ ein.

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For Vik Muniz, an artist who is based in New York and Rio de Janeiro, the back of every painting is unique. Fascinated by the intimate, concealed and often cryptic way that history is reflected in paintings’ backs, he produces perfect, three-dimensional copies of them. When he reproduces the most famous works from the history of art as objects he transforms them into installations and reveals how they were made; after all, what he is exhibiting is something to which audiences would otherwise never be privy.

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GERARD BYRNE

A Late Evening in the Future EDITORS Sven Anderson, Gerard Byrne, Peter Maybury TEXTS Sven Anderson, Maeve Connolly, Adrian Martin, Maria Muhle, Tirdad Zolghadr DESIGN Peter Maybury DETAILS German, French/English, Hardcover, 30 × 30 cm, 78 pages, numerous ills. in color

EURO 35,– German/English Edition: ISBN 978-3-903131-01-9 French/English Edition: ISBN 978-3-903228-67-2 PUBLISHED

Nach zahlreichen Einzelausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen bot „A Late Evening in the Future“ 2014 im FRAC des Pays de la Loire und 2015 im Kunstmuseum St.Gallen erstmals die Möglichkeit zu einer vertieften Begegnung mit dem Werk eines herausragenden Vertreters der Gegenwartskunst. Dabei verweist der Titel auf die unterschiedlichen Zeitebenen, die in Byrnes raumgreifenden Arbeiten aufeinandertreffen, um gleichsam Gegenwart zu konstituieren. Der Installation seiner komplexen Multimedia-Werke gilt dabei das grundlegende Interesse des Künstlers: Seine Inszenierungen nähern sich in räumlicher Strukturierung und zeitlichem Ablauf performativen Arbeiten.

Following numerous solo exhibitions and the participation in group shows, Byrne’s “A Late Evening in the Future”, shown in 2014 at the FRAC des Pays de la Loire and in 2015 at the Kunstmuseum St.Gallen, presented the first opportunity for a more in-depth encounter with the work of an outstanding representative of contemporary art.

Here the title points to the different time levels that clash in Byrne’s expansive works in order to “create” the pre­ sent as it were. The artist’s primary interest here is the installation of complex multimedia pieces: his presentations go far beyond the usual conventions of multimedia works, and in terms of spatial structure and temporal sequencing are closer to a piece of performance art.

Die in enger Zusammenarbeit von Künstler und Grafiker Peter Maybury gestaltete, reich bebilderte Publikation thematisiert insbesondere diesen Aspekt der Inszenierung und eröffnet mit Beiträgen von Maeve Connolly und Tirdad Zolghadr einen Einblick in ein eigenwilliges künstlerisches Œuvre, das es in seiner inhaltlichen Vielschichtigkeit noch zu entdecken gilt.

The lavishly illustrated publication that is the fruit of close cooperation between the artist and graphic designer Peter Maybury focuses particularly on this aspect of the presentation, and with essays by Maeve Connolly and Tirdad Zolghadr offers key insights into a unique body of work that given the multifaceted nature of its content leaves much more to be discovered.

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THE CAMERA IS CRUEL

Model Arbus Goldin EDITORS Daniel Jelitzka, Gerald A. Matt PREFACE Peter Coeln, Daniel Jelitzka, Roland Jörg TEXTS Astrid Mahler, Gerald A. Matt, Franziska Mecklenburg, Rebekka Reuter DESIGN moodley brand identity; Johanna Pötsch, Gerd Schicketanz, Marlies Aringer

DETAILS German/English, Hardcover, 132 pages, 35 ills. in color and b/w EURO 26,– ISBN 978-3-903228-94-8 PUBLISHED IN JUNE 2018

Sie interessierten sich für die sozialen Dimensionen des Zusammenlebens, für die Randfiguren der Gesellschaft, für außergewöhnliche Persönlichkeiten und Exzentrisches. Sie warfen mit ihrem Kameraauge einen ganz persönlichen Blick auf den Menschen und seine disparaten Lebenswelten und hinterfragten damit immer wieder die Gültigkeit des Normativen und der Konventionen. Ihre Werke sind – stellvertretend für drei Generationen – einerseits Ausdruck ihrer Zeit und der unterschiedlichen Milieus, in denen sie sich bewegten, andererseits auch Hommagen an die Vielfalt des Seins und dessen unterschiedliche Erscheinungen.

Exhibition: FLATZ Museum, Dornbirn 7.4.–30.6.2018

Die drei großen Fotografinnen Lisette Model, Diane Arbus und Nan Goldin hielten das gesellschaftliche Leben Amerikas, in dem sich als Einwanderungsland bis heute die Welt spiegelt, in unterschiedlichen Phasen des 20. Jahrhunderts fest.

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They were interested in the social dimensions of coexis­tence, in those living on the margins of society, in extraordinary personalities and in the eccentric. With the lenses of their cameras they cast a highly per­sonal glance at people and their disparate living environments as a means of repeatedly questioning the validity of norms and conventions. As representatives of three generations their work is, on the one hand, an expression of their time and the different milieus in which they moved and, on the other hand, a homage to the diversity of existence and its many manifestations.

Although works by Model, Arbus and Goldin have appeared alongside each other in a range of thematic exhibitions this show in the FLATZ Museum Dornbirn and the WestLicht photo gallery, Vienna is the first to bring together a selection of key works in an exclusive joint presentation of the work of the three “grandes dames” of American photographic history.

Obwohl Werke Models, Arbus’ und Goldins in verschiedenen thematischen Ausstellungen aufeinandertrafen, verbindet diese Ausstellung erstmals bedeutende ausgewählte Werke in einer exklusiven Zusammenschau der drei „Grandes Dames“ der amerikanischen Fotografiegeschichte im FLATZ Museum Dornbirn und im Fotomuseum WestLicht, Wien.

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The three great women photographers Lisette Model, Diane Arbus and Nan Goldin recorded the social life of America which, as a land of immigration, remains to this day a reflection of the wider world, during different phases of the 20th century.

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JUDITH FEGERL

in charge DETAILS German/English, Paperback, 26 × 22 cm, 80 pages, 34 ills. in color

EDITORS Judith Fegerl, Nina Tabassomi TEXTS Alexandra Grausam, Simone Menegoi, Nina Tabassomi DESIGN grafisches Büro

EURO 20,– ISBN 978­-3­-903228-­85-­6 PUBLISHED

Judith Fegerl fordert das Vorgegebene heraus. Ihre Skulpturen schalten sich ein in die Texturen und Strukturen des Materials, aus dem sie gemacht sind, und in die Räume, in denen sie gezeigt werden. Mit feinem Gespür für die unterschwelligen Spannungen in vermeintlichen Einheiten – wie in Metallstangen, dem Ausstellungsraum oder dem institutionellen Körper – lässt sie diese die Leitung übernehmen.

Die Künstlerin sucht nicht nach einfachen Lösungen, sondern schmiedet Komplikationen. Ihre Arbeitsprozesse bringen Brüche und Risse hervor, um Anlass zu neuen Konfigurationen zu geben. Zarte Aluminiumstäbe werden zersägt, wieder aneinandergeschweißt, mittels Klebeband in einen größeren Verband eingefügt und aufgerichtet. Glänzende Prothesen und räumliche Zeichnungen durchqueren und durchdringen verletzlich, elegant und brutal das TAXISPALAIS – festgehalten in der nun vorliegenden monografischen Publikation „in charge“.

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Judith Fegerl contests the given. Remodeling the materials’ structures and textures, her sculptures often take the shape of spatial interventions. With great sensibility for the undercurrents of tension in supposedly simple unities—such as metal rods, the exhibition space, the institutional body—the artist lets these tensions take the lead.

The artist is not looking for easy solutions, but forges complications instead. Judith Fegerl’s working pro­ cesses cause cracks and fissures just to provide occasions for new configurations. Delicate aluminum poles are cut up, welded back together, lined up and stabilized into vertical position by means of adhesive paper tape.

Glimmering prostheses and spatial drawings cross and permeate the TAXISPALAIS—vulnerable, graceful and brutal at the same time—captured in the monograph “in charge” that has now been published.

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NILBAR GÜRES˛

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EDITORS LENTOS Kunstmuseum Linz, Silvia Eiblmayr, Hemma Schmutz PREFACE Hemma Schmutz TEXTS Lauren Cornell, Silvia Eiblmayr DESIGN Schienerl D/AD

DETAILS German/English, Paperback, 96 pages, 76 ills. in color EURO 20,– ISBN 978-3-903228-88-7 PUBLISHED

In ihren Fotografien, Collagen, Objekten und Videos setzt sich Güres˛ mit Klischees gesellschaftlicher Sichtbarkeit von Frauen in unterschiedlichen kulturellen Feldern auseinander, sei es in ihrem Herkunftsland Türkei oder in Brasilien. Sie entwirft und inszeniert witzig her­ ausfordernde Gegenbilder und -figuren, mit denen sie die gängigen Rollenzuweisungen unterläuft. Hintergründig bringt sie zugleich die Abwehrhaltung der westlichen Gesellschaft gegenüber den Kleidervorschriften religiös geprägter Kulturen ins Spiel. Ihre Bilder und Objekte sind von hoher sinnlicher Materialität, merkwürdig rätselhaft, vielfach mit erotischem Inhalt aufgeladen und führen in eine vielschichtige, widersprüchliche und auch nachdenklich stimmende andere Wirklichkeit.

Exhibition: LENTOS Kunstmuseum Linz 15.6.–10.9.2018

Die Kunst von Nilbar Güres˛ fasziniert durch einen einzigartigen poetischen und humorvollen Erfindungsreichtum, der immer auch einen kritisch-politischen Aspekt innehat.

What is fascinating about Nilbar Güres˛’s art is the unique poetic and humorous inventiveness that always also has a critical and political underside.

In her photographs, collages, objects and videos, Güres˛ explores clichés of the social visibility of women in different cultural fields, whether in Turkey, her country of origin, or in Brazil. She sketches out and stages humorously challenging counter-images and -figures, in which she subverts conventional role attributions. At the same time, she subtly brings into play the defensive attitude of western society toward the dress codes of cultures influenced by religion. Her pictures and objects evince a high degree of sensuous materiality, are strangely puzzling, often charged with eroticism, and lead into a multifaceted, contradictory reality that prompts reflection.

The retrospective is comprised of works dating to the period between 2006 and today and includes four productions created especially for this exhibition.

Die Publikation erscheint anlässlich der Retrospektive im LENTOS Kunstmuseum Linz, die Werke von 2006 bis heute und vier eigens für die Ausstellung entstandene Arbeiten umfasst.

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THOMAS ZAUNSCHIRM NARZISS UND GOLDGRUND / NARCISSUS AND THE GOLDEN BACKGROUND Die Vollendung des Portraits / The completion of the portrait HUBERTUS HAMM PORTRAIT IV

EDITOR Hubertus Hamm TEXT Thomas Zaunschirm DESIGN Roland Althammer DETAILS German/English, Hardcover, 22 × 16 cm, 236 pages, 38 ills. in color

EURO 28,– German Edition: ISBN 978-3-903228-64-1 English Edition: ISBN 978-3-903228-65-8

Hubertus Hamm setzt sich in seinen Werken mit den Parametern der Fotografie auseinander. Ein zentrales Sujet in seinem Schaffen ist die intensive und zuweilen kritische Beschäftigung mit dem fotografischen Porträt, die in dem Werk „Portrait IV“ von 2016 gipfelt.

The works of Hubertus Hamm investigate the parameters of photography. A central subject in his oeuvre is an in-depth and sometimes critical preoccupation with the photographic portrait that comes to a head in the installation “Portrait IV” (2016).

Für den Kunstwissenschaftler Thomas Zaunschirm ist diese Installation, sein „epochales Werk“: eine Holzstele mit dem ersten goldenen Spiegel der Kunstgeschichte. „Das minimalistische, einfach wirkende Werk ist einerseits das Bestreben, die Grenzen der Fotografie zu erweitern. Andererseits setzt das Verständnis dieser Installation mit der 18 kg schweren Platte aus 24-karätigem Gold die Kenntnis der Geschichte(n) des Sehens (Bewusstseins), der Perspektive (des Raumes), des Spiegels, des Porträts, des Goldes und seines (Geld-) Wertes voraus.“

The art historian Thomas Zaunschirm positions this installation, that features a timber stele with the first golden mirror in the history of art, as Hamm’s “epoch-­ making” work: “On the one hand, the minimalistic, simply effective work embodies the quest to broaden the boundaries of photography. On the other hand, this installation with its 18 kg sheet of 24-carat gold presupposes some knowledge of the history/histories of seeing (awareness), perspective (space), the mirror and the portrait as well as gold and its value.”

Ganz im Sinne des Renaissance-Theoretikers Leon Battista Alberti, bezieht sich der Titel der Publikation sowohl auf Narziss und somit auf das Motiv der Spiegelung als Ursprung der Kunst, als auch auf das damit einhergehende Ende des in der Malerei des Mittelalters üblichen Goldgrunds.

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In the spirit of the Renaissance theorist Leon Battista Alberti the title “Narziss und Goldgrund” (Narcissus and Gold Ground) refers to both Narcissus–the motif of reflection as the origin of art–and the associated end of the gold ground of the Middle Ages.

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LAWRENCE CARROLL

As the Noise Falls Away

EDITORS Annegret Laabs and Uwe Gellner TEXTS David Carrier, Uwe Gellner, Terry Myers DESIGN Fraser Muggeridge studio, London

DETAILS German/English, Hardcover, 114 pages, numerous ills. in color EURO 30,– ISBN 978-3-903228-77-1 PUBLISHED IN JULY 2018

Few artists and even fewer painters work with the observation of the inconspicuous like Lawrence Carroll. His art emerges from a series of highly sensitive processes in which personal perception, the hand of the artist, the painting materials and the place of presentation come together in aesthetic harmony. In this process the search for personal clues merges into the creation of new ones which can be seen as distillations of his ideas and formative actions for the image.

Wenige Künstler und noch weniger Maler agieren aus der Beobachtung des Unscheinbaren, wie Lawrence Carroll. Seine Kunst entsteht aus einer Folge von hoch sensitiven Abläufen, in denen die eigene Wahrnehmung, die gestaltende Hand, das verwendete Malmaterial und der Ort der Präsentation zusammenlaufen, sich ästhetisch im Einklang binden. In diesem Prozess geht die persönliche Spurensuche in das Auslegen eigener Spuren über, die als Kondensat seiner Gedanken und formenden Handlungen für das Bild zu verstehen sind.

This publication documents a selection of works specifically compiled by the artist for the historic spaces of the Kloster Unser Lieben Frauen art museum Magdeburg.

Paintings from the early phase of his work encounter current work groups. The unusual group the “Magdeburg paintings” was specially created for the exhibition.

Diese Publikation dokumentiert eine vom Künstler speziell für die historischen Räume im Kunstmuseum Kloster Unser Lieben Frauen Magdeburg zusammengestellte Werkauswahl. Bilder aus der Frühphase seines Schaffens begegnen aktuellen Werkgruppen. Speziell entstanden ist die ungewöhnliche Werkgruppe der „Magdeburg paintings“.

Texts by David Carrier, Pittsburgh and Terry Myers, Chicago and a long Interview with the artist carried out

by Uwe Gellner accompany black + white and color photographs by Hans-Wulf Kunze in the book designed

by Fraser Muggeridge, London.

Texte von David Carrier, Pittsburgh, und Terry Myers, Chicago, sowie ein längeres Interview des Künstlers, das Uwe Gellner führte, begleiten das von Hans-Wulf Kunze in Schwarzweiß und Farbe fotografierte und von Fraser Muggeridge, London, gestaltete Buch.

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MAJA VUKOJE fuels 'n' frumps Maja Vukoje fuels ‘n’ frumps

ISBN 978-3-903228-84-9

fuels ‘n’ frumps EDITOR Sandro Droschl, Künstlerhaus, Halle für Kunst & Medien (KM—Graz) TEXT Chris Sharp DESIGN Nik Thoenen, Maia Gusberti DETAILS German / English, Swiss Brochure, 25 × 19 cm, 120 pages, 64 ills. in color

EURO 22,– ISBN 978-3-903228-84-9 PUBLISHED IN JUNE 2018

Maja Vukoje ist eine der wesentlichen in Österreich lebenden Kunstschaffenden, denen im Bereich der Malerei eine herausragende Position zukommt. Der Katalog gibt einen Überblick über die Produktion der letzten fünf Jahre, die zunehmend eine genuine Sprache der Malerei erkennen lässt.

Das malerische Œuvre von Vukoje basiert auf der Auseinandersetzung mit politischen Themenschwerpunkten wie Postkolonialismus, Gender und Populärkultur. Die daraus resultierende Vermischung von Wirklichkeiten setzt sie in einer komplexen und doch einfach zugänglichen Bildsprache um.

In ihren aktuellen Arbeiten wählt sie einen eher analytischen Zugang um Fragestellungen der Repräsentation. Mit dem metaphorischen Sujet der Vogelscheuche (Paul Klee, 1935) nimmt der Titel der Publikation „fuels ‘n’ frumps“ Anleihen am traditionellen Genrebild der Darstellung von Körpern und den sie umgebenden Objekten, deren Verfasstheit, Materialität und (An-)Triebskräfte die Künstlerin in politisch unübersichtlichen Zeiten zur Diskussion stellt.

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Maja Vukoje is one of the key artists living in Austria to occupy a prominent position in the field of painting. The catalog offers an overview of her artistic production of the past five years in which one can increasingly recognise a genuine pictorial language.

Vukoje’s artistic work is based on her investigation of such political subjects as post-colonialism, gender and popular culture. She translates the resulting mixture of realities into a complex and yet simply accessible imagery.

She has selected a somewhat analytical approach to questions of representation for her current works.

Adopting the metaphorical subject of the scarecrow (Paul Klee, 1935) the title of the publication “fuels ‘n’ frumps” borrows from the traditional genre painting of the representation of bodies and the objects surrounding them, whose disposition, materiality and drive are put up for discussion by the artist in such politically confusing times.

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PETER JELLITSCH

Automatic Writing & Everything Else EDITORS Peter Jellitsch, Birgit Lauda Art Foundation TEXTS Joseph Becker, Sandra Petrasevic DESIGN Ines Cox DETAILS English, Hardcover, 31 × 24 cm, 160 pages, 116 ills. in color

EURO 32,– ISBN 978-3-903228-81-8 PUBLISHED

In seinem zweiten monografischen Katalog beschäftigt sich Peter Jellitsch mit der Weiterführung seiner Data Drawings – Zeichnungen, die anhand der DownloadGeschwindigkeiten von Wi-Fi Routern erzeugt werden.

In his second monographic catalog Peter Jellitsch addresses the continuation of his Data Drawings—drawings produced with the help of the download speeds of Wi-Fi routers.

In der Publikation kombiniert der Künstler eine Auswahl dieser aktuellen Werke mit einem experimentellen Teil, Peter Jellitsch spricht von „Everything Else“. Unterteilt in vier Kapitel wird alles aus dem Studio-Alltag des Künstlers sichtbar gemacht, was normalerweise nicht gezeigt werden würde. So bekommen kleine Skizzenblätter und Doodles, die während Telefonaten entstehen, plötzlich die Aufmerksamkeit eines eigenständigen Werkes.

In the publication the artist combines a selection of these current works with an experimental part, Peter Jellitsch speaks of “Everything Else”. Every aspect of everyday life in the artist’s studio that is not normally shown is rendered visible, divided into four chapters. In this way the sketches and doodles produced during telephone conversations suddenly receive the same attention as stand-alone works.

Der Katalog erscheint in Zusammenarbeit mit der Birgit Lauda Art Foundation.

The catalog appears in cooperation with the Birgit Lauda Art Foundation.

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ANNETTE & ERASMUS SCHRÖTER

Montevideo DETAILS German, Hardcover, 25 × 20 cm, 168 pages, numerous ills. in color

EDITORS Alfred Weidinger on behalf of Stadt Leipzig, Peter Kruska, Stadtgalerie Kiel TEXTS Andreas Höll, Uwe Kolbe, Katja Lange-Müller, Kai Uwe Schierz, Wolfgang Ullrich DESIGN arc, Leipzig/Berlin

EURO 29,– ISBN 978-3-903228-69-6 PUBLISHED

Es werden sowohl die Beziehungen und Schnittmengen wie auch die jeweilige Eigenständigkeit der künstlerischen Positionen deutlich. Der Titel „Montevideo“ versteht sich nicht als ein Hinweis auf die Hauptstadt Uruguays, er spielt vielmehr mit der Kraft des Wortes, bei dem auch die Dimension des Visuellen und Medialen anklingt.

Ihre vielschichtige Auseinandersetzung mit sozialen Rollen- und Geschlechter-Stereotypen wird durch die ambitionierten Sammlungen weiter vertieft, die Annette und Erasmus Schröter in vielen Jahren zusammengetragen haben. Die Objekte der Alltagskultur sind eng mit Schaffen und Biografie der Künstler verbunden – und reflektieren thematisch-atmosphärische oder formale Aussagen ihrer Gemälde, Papierschnitte oder Fotografien.

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Exhibition: Stadtgalerie Kiel 9.6.–9.9.2018

Die gemeinsame Publikation von Annette und Erasmus Schröter entstand anlässlich einer Ausstellung im Museum der bildenden Künste Leipzig und zeigt ausgewählte Werkgruppen aus dem umfangreichen Schaffen des Künstlerpaares, die beide an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig studierten.

The joint publication by Annette and Erasmus Schröter accompanied an exhibition at Museum der bildenden Künste Leipzig. It features selected work groups from the extensive oeuvre of the artist couple, who both studied at the Academy of Fine Arts in Leipzig.

Both the relationships between the two artistic positions, their overlaps and their respective individuality are revealed. The title “Montevideo” is not to be seen as a reference to the capital of Uruguay, rather it plays with the energy of the word itself, which also echoes dimensions of the visual and media.

Their multi-layered analysis of social roles and gender stereotypes is further deepened by the ambitious collections Annette and Erasmus Schröter have compiled over the course of many years. The objects of everyday culture are closely linked to the artists’ work and biographies – and reflect the topical, atmospheric and formal statements made by their paintings, papercuts, and photographs.

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MICHAEL SCHMID

Quotation Marks

EDITOR Kunstverein Springhornhof e.V. TEXT Yuki Higashino DESIGN Christian Heinz, bueroheinz DETAILS German/English, Paperback, 168 pages, 9 ills. in color and 51 b/w

Euro 25,– ISBN 978-3-903228-75-7 PUBLISHED

In den Fotografien von Michael Schmid sind die Motive unmissverständlich. Für seine Darstellungen wählt er oftmals Dinge des Alltags wie ein Blatt Papier, einen Herd, eine Lampe, einen Tisch. Nichts lenkt von deren Präsenz ab, eine Konzentration auf das Wesentliche.

The themes of Michael Schmid’s photographs are entirely unambiguous. He often chooses everyday things for his images such as a piece of paper, a cooker, a lamp, a table. Nothing distracts from their presence, the focus is placed on the essential.

Jedes einzelne Bild ist von Michael Schmid mit großer Sorgfalt inszeniert und komponiert. Yuki Higashino versteht seine Arbeiten als eine Fortsetzung der bildnerischen Strategie des Konzeptualismus, „die sich durch ihr Stummbleiben und ihre hartnäckige Weigerung auszeichnet, ‚Kunstfotografie‘ zu produzieren – was keineswegs bedeutet, dass sie Geschick und Können vermissen ließe.“ Michael Schmid sieht die Fotografie „als Mittel zum Zweck, das ihm maßvolles Denken ermöglicht.“

Every one of Michael Schmid’s images is staged and composed with great care. Yuki Higashino believes Schmid’s works continue the artistic strategy of Conceptualism “which is characterized by its staying-silent and its stubborn refusal to produce ‘art photography’– which in no way means that it lacks aptitude and skill.”

Michael Schmid regards photography “as a means to an end that allows me to engage in temperate thought.”

With its two titles the publication “Quotation Marks” or „ “ appears as both a catalog and an artist’s book and accompanies Michael Schmid’s work via photography and pictorial representation into physical space and then back into the form of a book. The architecture of a book and the exhibition space are reflected in the structural elements of the photographic medium.

Die Publikation „Quotation Marks“ oder „ “ erscheint mit zwei Titeln zugleich als Katalog und Künstlerbuch und führt die Arbeit von Michael Schmid über Fotografie und Repräsentation vom Bild in den Raum und von dort zurück in die Buchform. Die Architektur eines Buches und des Ausstellungsraums spiegeln sich in strukturellen Elementen des fotografischen Mediums.

“Quotation Marks” is being published on the occasion of the exhibition “Moment” at Kunstverein Springhornhof.

„Quotation Marks“ erscheint anlässlich der Ausstellung „Moment“ im Kunstverein Springhornhof.

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IN DIE STADT ARTISTS: Ruth Anderwald + Leonhard Grond, Alfredo Barsuglia, BartolomeyBittmann, Hubert Blanz, Sabine Bitter & Helmut Weber, Catrin Bolt, Mateja Bučar, Gisela Erlacher, Lionel Favre, Andreas Fogarasi, Marlene Hausegger, Heidrun Holzfeind, Sonia Leimer, Ernst Logar, Nika Oblak & Primož Novak, Stefan Oláh/Sebastian Hackenschmidt, Manuela Mark, Gerhard Maurer, Julian Palacz, Isa Rosenberger, Evelin Stermitz, Jochen Traar, Julian Turner, Kay Walkowiak, Malte Wandel, Lois Weinberger, Nicole Weniger, Anna Witt, WochenKlausur

EDITOR Christine WetzlingerGrundnig/Museum Moderner Kunst Kärnten PREFACE Christine Wetzlinger-Grundnig TEXTS Brigitte Felderer, Magdalena Felice, Sebastian Hackenschmidt, Christine Haupt-Stummer, Christine Huber, Dominik Kamalzadeh, Andreas Krištof, Evelin Stermitz, Astrid Wege DESIGN Alice Burger DETAILS German/English, Paperback, 27 × 23 cm, 198 pages, 140 ills. in color and b/w EURO 28,– ISBN 978-3-903228-47-4 PUBLISHED

Das Motiv der Stadt ist für die künstlerische Produktion ein unerschöpflicher Fundus und Nährboden: Der urbane Raum ist nicht die Summe des Gebauten, sondern ein gesellschaftlicher Raum, der sich kontinuierlich produziert und entwickelt, bedingt durch wechselnde und oftmals divergierende politische, ökonomische, soziale und kulturelle Interessen. Dieser Zustand des Werdens und Sichveränderns wird im umfangreichen Katalog der Ausstellung „In die Stadt“ aus künstlerischer Perspektive geschildert. Anhand eines fiktionalen Porträts einer Stadt wird die Frage gestellt, welche Bedingungen und Situationen für die Stimmung darin verantwortlich sind.

Nicht konventionelle Ordnungen und Kategorisierungen von Stadt, sondern assoziative Begriffe ermöglichen eine andere Form der Erzählung über Urbanität und die Atmosphäre von Stadt.

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The city as a theme is an inexhaustible treasure trove and a source of inspiration for the creation of art. The urban space itself is far more than the sum of its buildings, for it is a social space, one that is constantly growing and developing and that is conditioned by changing and often divergent political, economic, social and cultural interests. This state of constant evolution and change is documented from the artist’s perspective in the substantial exhibition catalog “In die Stadt”. Using the fictional portrait of a city, the exhibition explored what conditions and situations are responsible for the mood there. Rejecting conventional ways of organizing and categorizing cities and using associative terms allows for a different form of narrative about the urban sphere and the atmosphere of the city.

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DEJAN KALUDJEROVIĆ

Conversations

EDITOR Dejan Kaludjerović TEXTS Anastasia Blokhina, Ilya Budraitskis, Zoran Erić, Séamus Kealy, Beral Madra, Jelena Petrović, Mohammad Salemy, Maayan Sheleff, Klaus Speidel

DESIGN Monika Lang DETAILS English, Hardcover, 28 × 21 cm, 142 pages, 82 ills. in color EURO 25,– ISBN 978-3-903228-61-0 PUBLISHED

Exhibition: Weltmuseum Wien 25.10.2017–30.9.2018

Zwischen 2013 und 2017 interviewte Dejan Kaludjerović Kinder im Alter von sechs bis zehn Jahren mit einer Reihe von einfachen, aber provokativen Fragen. Jedes Interview fand im Kontext der Residenzen statt, die der Künstler in Russland, Aserbaidschan, Israel, im Iran und seinen „Heimatländern“ Österreich und Serbien hatte.

Für die Ausstellung im Weltmuseum Wien wurden diese Interviews neu zusammengefügt und bearbeitet, woraus eine Gesamtanalyse entstanden ist. Jedes Spiel, das der Künstler für jeden originalen Kontext erstellt hat (Sandkasten, Murmeln, Würfel usw.), wurde für die Ausstellung neu kreiert. Das Ergebnis mündet in die Form eines beunruhigenden Spielplatzes mit einer Art unsichtbaren Performance.

The publication combines all the presentations and documents the artist’s unusual sociological research and provides an overview of this work lasting several years.

Die Publikation führt alle Ausstellungen zusammen und dokumentiert das ungewöhnliche soziologische Forschungsprojekt des Künstlers und gibt zugleich eine Übersicht seiner jahrelangen Forschungs- und Produktionsarbeit.

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Between 2013 and 2017 Dejan Kaludjerović interviewed children aged six to ten years old, each time asking a set of simple, but provocative questions. Each interview took place in the context of residencies the artist held in Russia, Azerbaiijan, Israel, Iran and his “native” countries Austria and Serbia. For the exhibition in Weltmuseum Vienna he then edited these interviews and fused to create an overall analysis. Each game the artist made for each original context (sandbox, marbles, blocks, etc.) was remade for the exhibition and presented in an unsettling playground that stages some kind of invisible performance.

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70 Jahre Künstlergruppe »Der Kreis« Ein Längsschnitt durch die Kunst in Nürnberg seit 1947 EDITORS Andrea Dippel, Matthias Strobel, KunstKulturQuartier PREFACE Andrea Dippel TEXTS Andrea Dippel, Giorgio Hupfer, Volker Koch, Christian Mückl DESIGN Wolfgang Gillitzer and Sabine Weiß, www.gillitzer.net

DETAILS German, Paperback, 24 × 17 cm, 128 pages, numerous ills. in color EURO 29,– ISBN 978-3-903228-17-7 PUBLISHED

Zwischen den Farben Inge Gutbrod / Markus Kornberger DETAILS German, Paperback, 24 × 17 cm, 112 pages, numerous ills. in color

EDITORS Andrea Dippel, Matthias Strobel, KunstKulturQuartier TEXTS Helmut Braun, Günter Braunsberg, Andrea Dippel, Barbara Leicht DESIGN Wolfgang Gillitzer, www.gillitzer.net

EURO 29,– ISBN 978-3-903004-71-9 PUBLISHED

In den Raum

DETAILS German, Paperback, 24 × 17 cm, 112 pages, numerous ills. in color

EDITORS Andrea Dippel and Matthias Strobel, KunstKulturQuartier PREFACE Ulrich Maly TEXTS Nina Daebel, Andrea Dippel, Ralf Schekira DESIGN Wolfgang Gillitzer and Sabine Weiß, www.gillitzer.net

EURO 29,– ISBN 978-3-90322-878-8 PUBLISHED

Utensilien aus unserer Privatsphäre Reiner Bergmann / Reiner Zitta

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EDITORS Andrea Dippel, Matthias Strobel, KunstKulturQuartier PREFACE Matthias Strobel TEXTS Andrea Dippel, Julia Lehner, Barbara Leicht, Ruth Negendanck, Claus Pese, Susann Scholl DESIGN Wolfgang Gillitzer and Sabine Weiß, www.gillitzer.net

DETAILS German, Paperback, 24 × 17 cm, 256 pages, numerous ills. in color EURO 20,– ISBN 978-3-903153-41-7 PUBLISHED

Giorgio Hupfer Du sollst Dir kein Bild machen

DETAILS German, Paperback, 24 × 17 cm, 112 pages, numerous ills. in color

EDITORS Andrea Dippel, Matthias Strobel PREFACE Andrea Dippel TEXTS Amely Deiss, Annelie Pohlen, Simone Schimpf, Ludwig Seyfarth DESIGN Wolfgang Gillitzer, Lucie Huster

EURO 29,– ISBN 978-3-903131-72-9 PUBLISHED

Im Gleichgewicht Karin Blum / Meide Büdel

EDITOR Der KREIS e.V. PREFACE Matthias Strobel TEXTS Michaela Biet, Meide Büdel, Herwig Graef, Hanns Herpich, Peter Kampehl, Thomas May, Uli Obermeyer, Christian Rösner, Florian Tuercke, Wilhelm Uhlig et al.

DESIGN Carola Zechner DETAILS German, Paperback, 24 × 17 cm, 156 pages, numerous ills. in color EURO 10,– ISBN 978-3-903153-70-7 PUBLISHED

Urbane Zukunft Werke aus der Sammlung der wbg und aus städtischem Besitz DETAILS German, Paperback, 24 × 17 cm, 112 pages, numerous ills. in color

EDITORS Andrea Dippel, Matthias Strobel, KunstKulturQuartier TEXTS Andrea Dippel, Axel Feuß, Susann Scholl, Bernd Zachow DESIGN Wolfgang Gillitzer, www.gillitzer.net

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EURO 29,– ISBN 978-3-86984-532-6 PUBLISHED

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GREGOR SCHMOLL

Ist Eros der eben jetzt von mir beobachtete Planet?

EDITOR Gregor Schmoll PREFACE Gregor Schmoll TEXT Martin Prinzhorn, Ruth Horak, Margareta Sandhofer, Andreas Spiegl, Franz Thalmair, et al.

DESIGN SCHIENERL D/AD DETAILS Paperback,134 pages, numerous ills. in b/w

approx. EURO 25,– ISBN 978-3-903228-20-7 PUBLISHED IN JUNE 2018

Die Publikation „Ist Eros der eben jetzt von mir beobachtete Planet?“, der Titel ist einem Brief Gottlob Freges an Ludwig Wittgenstein entnommen, thematisiert – ausgehend vom 100-jährigen Jubiläum der „Logisch-philosophischen Abhandlung“ und angelehnt an die briefliche Auseinandersetzung dieser beiden einflussreichen Philosophen – das Verhältnis von Wahrnehmung, Zeichen (Sprache), Form und „Wirklichkeit“.

The publication is entitled “Ist Eros der eben jetzt von mir beobachtete Planet?”–which translates as: “Is Eros the planet just observed by me?”–after a question Gottlob Frege asked Ludwig Wittgenstein, and marks the 100th anniversary of the “Tractatus Logico-Philosophicus” by addressing the relationship of perception, symbol (language), form and “reality” based on the written correspondence between the two philosophers.

Sie vereint dreizehn herausragende Arbeiten aus den Genres Film, Video, Skulptur, Zeichnung, Fotografie, Malerei, Grafik von österreichischen Künstlerinnen und Künstlern der jungen und jüngeren Generation, die sich konzeptionell innerhalb der Tradition dieser analytischen Problemstellungen verorten lassen. Frage nach der Abbildbarkeit der „Wirklichkeit“, nach „Sinn“ und „Bedeutung“ des Gezeigten und den daraus resultierenden Folgen bzw. Widersprüchen stehen im Fokus, wobei nicht versucht wird, eine Antwort zu finden, sondern vielmehr der Blick auf die Vielschichtigkeit und Aktualität der Fragestellungen gerichtet bleibt. Zudem werden die Briefe Gottlob Freges erstmals im Faksimile gezeigt.

It brings together thirteen exceptional works of film, video, sculpture, drawing, photography, painting and print by young and emerging Austrian artists who conceptually explore the above analytical line of questioning in their own work. The focus is on the possibility of representing “reality,” as well as on questions of the “sense” and “meaning” of what is portrayed, and the resulting consequences or contradictions, not necessarily in an attempt to find an answer, but rather with attention firmly directed towards the complexity and topicality of the questions. In addition, Gottlob Frege’s letters will be shown in facsimile for the first time.

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BURHAN DOĞANÇAY

Zeichen an der Wand DETAILS German, Paperback, 21 × 15 cm, 64 pages, 42 ills. in color and b/w

EDITOR Fritz Emslander for Museum Morsbroich PREFACE Markus Heinzelmann TEXTS Burcu Dogramaci, Fritz Emslander DESIGN Wigel, Munich

EURO 18,– ISBN 978-3-903228-72-6 PUBLISHED

Für den Künstler Burhan Doğançay offenbarte sich an den städtischen Wänden das ganze Spektrum des menschlichen Daseins. Sein Leben lang war er fasziniert von den manchmal nur mehr sehr bruchstückhaften, teils direkten, teils geheimnisvollen Botschaften an den Fassaden der unterschiedlichsten Orte der Welt, darunter seine Geburtsstadt Istanbul und seine spätere Wahlheimat New York. Sein fotografisches Langzeitprojekt „Walls of the World“ bildete das Archiv seiner seit 1963 in Malerei und Collagen künstlerisch bearbeiteten Plakate, Graffitis und Schilder.

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Exhibition: Museum Morsbroich 18.3.– 26.8.2018

„Die Wände, die mich anziehen, wurden von der Natur und von den Menschen bearbeitet, so dass sie ein Spiegel ihres jeweiligen Umfelds sind. Es sind sprechende Wände, auf denen Menschen ihre Frustrationen und Hoffnungen zum Ausdruck bringen.“ (Doğançay, 2008)

“The walls that appeal to me have been shaped by nature and by humans, meaning that they reflect their surroundings. These walls are eloquent, people have formulated their frustrations and their hopes on them.”

(Doğançay, 2008) For artist Burhan Doğançay urban walls reflect the entire spectrum of human existence. Throughout his life he was fascinated by the sometimes only very fragmentary and sometimes downright cryptic messages on the façades in all kinds of different places throughout the world, including Istanbul, the town of where he was born, and in New York, where he later settled. His long-term photographic project “Walls of the World” form the archive for the posters, graffiti and signs which he modified through his art, painting them and making collages with them as of 1963.

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KLODIN ERB

EDITOR CentrePasquArt, Biel/ Bienne TEXT Cathérine Hug DESIGN Katarina Lang DETAILS German/English/French, Paperback, 33 × 24 cm, 62 pages, 25 ills. in color

EURO 25,– ISBN 978-3-903228-45-0 PUBLISHED

Just like our standard alphabet, Klodin Erb’s “Alphabet der Heiligen” (Alphabet of the saints) is made up of 26 letters. She approached the work (creating all the pages simultaneously) like a musician on a sound mixer, sampling all the individual elements to form something larger akin to a melody. Another important aspect for Erb is the composition’s feel on a sensory level: the transience of the newspaper paper, the various textures of the different sorts of collaged paper... They enable a highly personalized reading, by allowing observers various combination options. This foundation for a potential language evolved from a sense of personal urgency—with this cycle she investigates such questions as “Where do we come from, and where are we going?” and “Where do we stand right now?” In this way she also responded to Google’s merger with eight multinational firms to become a supremely powerful corporation by the name of Alphabet Inc.

26 Buchstaben bilden Klodin Erbs „Alphabet der Heiligen“, genau wie im realen Leben. Im Schaffensprozess – alle Blätter sind zeitgleich entstanden – hat sie wie eine Musikerin die Einzelelemente zu einem größeren Ganzen, zu einer Art Melodie gesampelt. Als sinnliche Erfahrung ist Erb auch die Haptik ihrer kombinatorischen Arbeit wichtig, wie etwa die Flüchtigkeit des Zeitungspapiers und das Texturspektrum der collagierten Papierarten. Den Betrachtenden bietet sie so die Möglichkeit einer ganz individualisierten Lektüre. Dieses Fundament einer potenziellen Sprache entstand aus einer persönlichen Dringlichkeit Erbs – mit dem Zyklus ging sie Fragen wie „Woher kommen wir, wohin gehen wir“ und „Wo stehen wir gerade“ nach und reagierte so auf den Zusammenschluss von Google mit acht multinationalen Unternehmen zu einem übermächtigen Konzern unter dem Namen Alphabet Inc. Das Künstlerbuch erschien anlässlich der Ausstellung „Klodin Erb: Die Wolfslaterne“ im Kunsthaus Pasquart Biel.

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This publication accompanied the exhibition “Klodin Erb: Die Wolfslaterne” at Kunsthaus Pasquart, Biel.

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HANNES MLENEK

Der Erreger HAM 2013 / 2017 DETAILS German/English, Hardcover, 31 × 30 cm, 238 pages, numerous ills. in color and b/w

EDITOR Hannes Mlenek TEXTS Silvie Aigner, Hans-Jürgen Heinrichs, Maria Rennhofer, Franz Smola, Almuth Spiegler, Peter Weiermair DESIGN Gottfried Moritz

EURO 38,– ISBN 978-3-903228-58-0 PUBLISHED

„Es ist mir bewusst, dass das große Format meine Kraft ist, da kann ich mich körperlich voll austoben.“ (Hannes Mlenek)

“I am aware that the large format is my power; there I have an entirely free rein in a physical sense.” (Hannes Mlenek)

Hannes Mleneks neues Buch überwältigt durch sein Format und die erstmalige Zusammenführung seiner performativen Projekte. 2016 ist der Künstler in eines der Wiener „Praterateliers“ gezogen. Der großzügige mehrgeschossige Raum ist wie geschaffen für die Präsentation seiner großformatigen Arbeiten und zur Entwicklung performativer Projekte wie das aktuelle spartenübergreifende „Projekt ARCHE“ in und um sein Atelier oder „Medusa*Expedit“ und „Medusa*ODE“, eine Malperformance des Künstlers, die 2015 und 2016 in Wien zur Aufführung kam. Neben den installativen Umsetzungen zeigt die Publikation neueste Arbeiten Mleneks.

Hannes Mlenek’s new book is an impressive feat—thanks to its format and the fact that this is the first collection of his performance-based projects. The artist moved into one of Vienna’s “Prater studios” in 2016. The large, multistory space is ideal for presenting his large-format pieces and for developing performance-based projects such as the current interdisciplinary “Project ARCHE” in and around his studio or “Medusa*Expedit” and “Medusa*ODE”, a painting performance by the artist in 2015 and 2016 in Vienna. In addition to his installation-based projects, the publication features Mlenek’s latest works.

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HANNSJÖRG VOTH

Acrylbilder 1969–1973

PREFACE Eva Kraus TEXT Armin Zweite DESIGN Timo Reger DETAILS German, Paperback, 24 × 17 cm, 76 pages, 41 ills. in color

EURO 18,– ISBN 978-3-903228-18-4 PUBLISHED

Hannsjörg Voth ist vor allem durch seine großen, architektonischen Skulpturen in der marokkanischen Wüste bekannt geworden. Der in München lebende Künstler schenkte dem Neuen Museum in Nürnberg sein gesamtes malerisches Frühwerk der Jahre von 1969 bis 1973.

Munich-based artist Hannsjörg Voth came to fame primarily for his large architectural sculptures in the Moroccan desert. The artist has donated all his early pain­ tings from the years 1969 to 1973 to Neues Museum in Nuremberg.

Kühl, verführerisch makellos und glatt in Acryl gemalt, erscheinen seine eingeschnürten Extremitäten bis heute als Sinnbilder für Repression: „Ich möchte die Unfreiheit und Zwänge in der bürokratisch-technokratischen Gesellschaft demonstrieren, der kapitalistischen Bewusstseinsindustrie entgegenwirken. […] Ich versuche, vorgefundene Gegenstände wie Bandagen, Korsetts, Leibriemen, Sauerstoffmasken, Lifejackets – Utensilien zur Überwindung menschlichen Unvermögens – genau abzumalen, sie in ihrer Wertigkeit zu verändern, ihre Realität assoziativ zu überhöhen und sie funktionsfremd zu machen.” (1971) Voths zwischen Warenästhetik und Fetisch angesiedelte Bildmetaphern überraschen durch ihre künstlerische wie gesellschaftliche Aktualität.

Executed in acrylic paint his cool, seductively flawless and smooth tightly-laced extremities still come across as symbols of repression: “My aim is to demonstrate the lack of freedom and constraints in our bureaucra­ tic, technocratic society, and counteract the cultivation of a capitalist consciousness. […] I attempt to precisely render found items such as bandages, corsets, belts, oxygen masks, life jackets–utensils intended to deal with human incompetence, to heighten their reality through association and alienate their original function.” (1971) Voth’s visual metaphors straddle consumer aesthetics and fetishes, astonishing us both with their artistic and social relevance.

The catalog is being published to mark the presentation of the Collection in Neues Museum – Staatliches Museum für Kunst und Design Nürnberg.

Der Katalog erschien anlässlich der Sammlungspräsentation im Neuen Museum – Staatliches Museum für Kunst und Design Nürnberg.

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MATTHIAS WOLLGAST

The Steps with no Name

DETAILS Paperback, 26 × 18 cm, 78 pages, 175 ills. in b/w

EDITOR Matthias Wollgast TEXTS Stephan Berg, Jan Bonny, Grischka Petri, Maximilian Rauschenbach, Barbara J. Scheuermann DESIGN Edi Winarni

EURO 18,– ISBN 978-3-903228-79-5 PUBLISHED

In seinen künstlerischen Arbeiten setzt Wollgast verschiedenste Darstellungsformate ein. Er spielt mit fließenden Grenzen zwischen Realität und Fiktion und stellt Erzählungen mit jeweils unterschiedlichen Zusammenhängen her. Dabei beschäftigen Wollgast Fragen der Konstruktion der Vergangenheit sowie der Autorschaft, vor allem wie und von wem geistiges Eigentum generiert wird.

Publikation spielt in Wollgasts Werk eine zentrale Rolle. Der Katalog, der anlässlich seiner im Jahr 2018 im Kunstmuseum Bonn realisierten Ausstellung „The Steps with no Name” erscheint, kann dabei als ein Kulminationspunkt seiner künstlerischen Projekte verstanden werden.

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Exhibition: Kunstmuseum Bonn 18.4.–24.6.2018

„Obwohl ich mich nicht unbedingt primär als Maler oder Zeichner sehe, bin ich selbst das wichtigste Werkzeug und Instrument meiner Werke”, äußerte sich Matthias Wollgast, Laureat des Bonner Kunstpreises 2017. In seinem Schaffen setzt sich der Künstler mit der Abhängigkeit der Kunst von ihrem jeweiligen medialen und inhaltlichen Status auseinander. Daran interessiert ihn, wie er selbst sagt, vor allem der Wechsel zwischen Kontextualisierung, (Ent-)Wertung und Zuschreibung.

“Even though I don’t necessarily see myself primarily as a painter or artist, I myself am the most important tool and instrument of my works”, explained Matthias Wollgast, winner of the 2017 BONN ART AWARD. In his oeuvre the artist addresses art’s dependence on its respective media and content status. And as he himself emphasizes he is above all interested in the alternation between contextualization, (de)valuation and ascription.

Wollgast employs a wide variety of different representational formats in his art. He experiments with fluid divisions between reality and fiction, and creates narratives with different contexts. And he is preoccupied with issues relating to the construction of the past but also authorship—in particular how intellectual property is generated and by whom.

Publication plays a central role in Wollgast’s work, and in this context the catalog published on the occasion of his exhibition “The Steps with no Name” 2018 in Kunstmuseum Bonn can be seen as a culmination of his artistic projects.

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JANA SCHRÖDER

Spontacts and Kinkrustations Paperback in transparent PVCjacket, 30 × 24 cm, 192 pages, 161 ills.

EDITORS Christian Malycha, Inci Yilmaz TEXTS Christian Malycha, Clemens Rathe, Inci Yilmaz DESIGN Studio Martin Steiner DETAILS German/English,

Euro 28,– ISBN 978-3-903228-63-4 PUBLISHED

On the occasion of her first institutional solo exhibition at Kunstverein Reutlingen, this book is a complete, albeit preliminary catalog raisonné of Jana Schröder’s paintings and works on paper from 2011 to 2017: an index which, in terms of chronological austerity, presents the seriality as well as the non-interchangeability of her individually found painterly figures.

Anlässlich ihrer ersten institutionellen Einzelausstellung im Kunstverein Reutlingen erschien ein Werkverzeichnis von Jana Schröders „Spontacts“: ein indexikalisches Verzeichnis der von 2011 bis 2017 entstandenen Gemälde und Papierarbeiten, das in seiner chronolo­ gischen und gestalterischen Strenge sowohl die Serialität ihrer Arbeitsweise als auch die Unverwechselbarkeit der einzelnen malerischen Formfindungen aufzeigt.

In scriptural “recordings”, sweeping layers, columns, lines, frames or finely structured webs Jana Schröder records the movements her hand makes. And proves for all the apparent seriality that in actual fact every painting, every drawing relies on its own experience, and views itself as an individual indexical symbol: The indelible pencil makes its mark directly on the canvas or a sheet of paper and starting with blue changes in color to violet before slowly fading to a light ochre shade.

Between grace and fragility, fully conscious of the design and renunciation of control Jana Schröder blends these transient traces of human presence and once again places them in a palpably physical context of space and time.

In skripturalen „Aufzeichnungen“, schwungvollen Lagen, Kolonnen, Zeilen, Rastern oder fein rhythmisierten Gespinsten notiert Jana Schröder die Gesten ihrer Hand.

Und zeigt durch die scheinbare Serialität hindurch auf, dass jedes Gemälde, jede Zeichnung vielmehr mit eigener Erfahrung ausholt und sich als individuelles indexikalisches Zeichen fasst: unmittelbar auf der Leinwand oder einem Bogen Papier, in die der verwendete Kopierstift einzieht und von anfänglichem Blau über Violett hin zu leichtem Ocker langsam ausbleicht.

Zwischen Anmut und Brüchigkeit, im vollen Bewusstsein von Gestaltung und aufgegebener Kontrolle vermischt Jana Schröder diese vergänglichen Spuren menschlicher Anwesenheit und bringt sie von Neuem in einen spürbar körperlichen Bezug von Raum und Zeit.

Jana Schröder has developed an utterly independent position within both her generation and the overarching international art world.

Jana Schröder hat sich eine äußerst eigenständige malerische Position in ihrer Generation sowie im internationalen Kontext erarbeitet.

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ELISABETH STRÄSSLE

Derborence Malerei und Zeichnung TEXTS Sibylle Omlin, Christoph Vögele DESIGN Elisabeth Schwarzenbeck DETAILS German, Paperback, 24 × 20 cm, 72 pages, numerous ills. in color

Euro 28,– ISBN 978-3-903228-80-1 PUBLISHED

Darum sind auch alle Werke erst im Atelier entstanden.

Bei den Zeichnungen handelt es sich um tägliche Übungen, in denen sie das Erlebte evoziert und den schmalen Grat zwischen gegenständlicher Vorstellung und ungegenständlicher Erscheinung sucht. Zu den Merkmalen ihres Schaffens gehört die Angleichung der Medien: Lassen viele Gemälde an Zeichnungen und Aquarelle denken, wirken einige der pastos bemalten, als riesige Tücher direkt an die Wand fixierten Leinwände fast wie Skulpturen.

Die Publikation ist anlässlich der ersten musealen Einzelausstellung Elisabeth Strässles im Kunstmuseum Solothurn erschienen.

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Exhibition: Kunstmuseum Solothurn 28.4.–22.7.2018

Mit dem Titel „Derborence“ bezieht sich die Schweizerin Elisabeth Strässle mit ihren neuesten Werken auf den gleichnamigen Roman von Charles-Ferdinand Ramuz.

Während Ramuz den Bergsturz von 1714 in der Region Les Diablerets literarisch verarbeitet, üben die Spuren des Sturzes eine Faszination auf die Künstlerin aus. Ihr geht es nicht um ein realistisches Abbild der durch die Katastrophe verwüsteten Landschaft, sondern um ein subjektives Erinnern.

In choosing the title “Derborence” for her latest works Swiss artist Elisabeth Strässle addresses the novel of the same name by Charles-Ferdinand Ramuz. While Ramuz uses literature as a means of portraying the landslide in 1714 in the Les Diablerets region, the impact of the incident fascinates Strässle enough to create a subjective recollection of the catastrophe rather than seeking to depict it realistically.

This explains why all the works were first created in her studio. The drawings represent daily exercises in which she attempts to strike a balance between the representational idea and non-representational appearance.

One characteristic of her work is the blurring of media she employs: While many oil paintings recall drawings or watercolors some of the enormous canvases affixed directly to the wall are painted in such an impasto style as to almost resemble sculptures.

The publication appeared to mark Elisabeth Strässle’s first solo exhibition in a museum, namely Kunstmuseum Solothurn.

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WOLFGANG FLAD

more or everything

EDITORS Atelier Wolfgang Flad, Sylvia van der Woude TEXTS Thomas Hirsch, Seth D. Pevnick, Vincent Schmidt DESIGN Michaela Binder

DETAILS German/English, Paperback, 27 × 21 cm, 190 pages, 176 ills. in color EURO 20,– ISBN 978-3-903228-49-8 PUBLISHED

In 2016, Berlin-based sculptor Wolfgang Flad installed a “suspended abstraction” in the towering atrium of the Tampa Museum of Art in Florida. “Kiss and Tell” consists of 30 winding forms that create a coherent whole and can be interpreted in a wide variety of ways according to mood, perspective or the incidence of light. “More or everything” documents the evolution of this largescale installation, which was exhibited in Tampa for two years, and, by means of numerous sketches, exhibition views and photos, provides an insight into the sculptor’s oeuvre and working methods. The presentation of additional works highlights their unquestionable distance to classic figuration and simultaneously, in their complexity, they can be understood in the context of the history of sculpture as a whole. Wolfgang Flad’s works pose the question as to what extent sculpture as a haptic medium contributes to our awareness of today’s ultra-smooth virtual world.

2016 installiert der in Berlin lebende Bildhauer Wolfgang Flad eine „schwebende Abstraktion“ in das hochragende Atrium des Tampa Museums of Art in Florida. „Kiss and Tell“ besteht aus 30 gewundenen Formen, die eine Einheit bilden und Freiraum lassen für die verschiedensten Interpretationen, je nach Stimmung, Blickwinkel oder Lichteinfall. „more or everything“ dokumentiert die Entstehung dieser Großinstallation, die zwei Jahre in Tampa zu sehen war, und gewährt durch zahlreiche Skizzen, Ausstellungsansichten und Fotos Einblick in das Werk und die Arbeitsprozesse des Bildhauers. Durch die Vorstellung weiterer Werke wird ihre entschiedene Distanz zur klassischen Figuration deutlich, und zugleich lassen sie sich in ihrer Vielschichtigkeit aus der Geschichte der Bildhauerkunst heraus begreifen. Wolfgang Flads Arbeiten stellen die Frage, wie sehr Skulptur als haptisches Medium zur Bewusstwerdung der heutigen, nivelliert glatten, virtuellen Welt beiträgt.

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BLACKBRIDGE OFF空间 Anna Hofbauer / Bianca Regl DESIGN Dominik Hruza studio, Vienna DETAILS English/Chinese, Paperback, 24 × 17 cm, 540 pages, numerous ills. in color

EDITORS Anna Hofbauer, Bianca Regl PREFACE Clemens Roesch TEXTS Ami Barak, Meta Marina Beeck, Katerina Černy et al.

CONTRIBUTIONS Sonja Alhäuser, Ole Aselmann, Hannes Boeck et al.

EURO 29,– ISBN 978-3-903228-46-7 PUBLISHED

Die Publikation „BLACKBRIDGE OFF空间“ bietet einen umfassenden Einblick in die achtjährige Arbeit des gleichnamigen Ausstellungsraumes im Stadtteil Heiqiao in Beijing von 2010 bis zum Abriss des Areals 2017.

The publication “BLACKBRIDGE OFF空间“ offers a comprehensive look at the homonymous exhibition space’s eight years of operation in the Heiqiao district of Beijing, from 2010 until the demolition of the area in 2017.

Sie ist eine Sammlung von Texten und Bildern aus dieser Zeit, die sich von einem Überblick über das Areal, über die Arbeiten der eingeladenen Künstlerinnen und Künstler zu den von ihnen realisierten Ausstellungsprojekten spannt.

It is a collection of texts and images from this time, extending from an overview of the area to the work of the invited artists and the exhibitions they realized in the Heiqiao venue.

Mit Beiträgen von: Ami Barak, Meta Marina Beeck, Katerina Černy, 鲍栋 Bao Dong, Sebastian Gladstone, Manuela Lietti, 卢迎华 Carol Yinghua Lu, 吕静静 Lü Jingjing, Clemens Roesch, Matthias Schamp, Paul Smith, Marcus Steinweg, Tim Stüttgen, 谢墨凛 Xie Molin, 谷 泉, 马轲, 徐赫, 朱贤巍 谷泉, 马轲, 徐赫 & 朱贤巍 \ Gu Quan, Ma Ke, Xu He & Zhu Xianwei

With contributions by Ami Barak, Meta Marina Beeck, Katerina Černy, 鲍栋 Bao Dong, Sebastian Gladstone, Manuela Lietti, 卢迎华 Carol Yinghua Lu, 吕静静 Lü Jingjing, Clemens Roesch, Matthias Schamp, Paul Smith, Marcus Steinweg, Tim Stüttgen, 谢墨凛 Xie Molin, 谷 泉, 马轲, 徐赫, 朱贤巍 谷泉, 马轲, 徐赫 & 朱贤巍 \ Gu Quan, Ma Ke, Xu He & Zhu Xianwei

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UNDER 30 Junge Schweizer Kunst Kiefer Hablitzel Preis 2017. XIII Edition EDITORS Kiefer Hablitzel Stiftung, Ernst Göhner Stiftung, Museo d’arte della Svizzera italiana, Lugano PREFACE Judith Welter TEXT Elio Schenini DESIGN Sidi Vanetti

DETAILS German/Italian, Paperback, 24 × 17 cm, 104 pages, 88 ills. in color EURO 25,– ISBN 978-3-903228-28-3 PUBLISHED

The Kiefer Hablitzel Foundation is one of the most important Swiss foundations for the promotion of young cultural talents and bestows annual awards on young, up-and-coming artists under the age of 30 as part of its promotion program. Following a multi-stage selection process, the prizewinners were invited to the Swiss Art Awards during Art Basel. A renowned jury selects the award winners who in the exhibition “unter 30” [under 30] are also given the opportunity to present new works in an institutional context.

Die Kiefer Hablitzel Stiftung ist eine der bedeutendsten Schweizer Stiftungen für die Förderung des kulturellen Nachwuchses. Im Rahmen ihres Förderprogramms richtet die Stiftung alljährlich einen Wettbewerb für bildende Künstlerinnen und Künstler unter 30 Jahren aus.

Nach einem mehrstufigen Auswahlverfahren durch eine professionelle Jury werden die Preisträgerinnen und Preisträger bei den Swiss Art Awards während der Art Basel vorgestellt und anschließend mit einer neuen Arbeit in einer Ausstellung in einem Schweizer Museum präsentiert.

The prize winners of 2017 are: Gritli Faulhaber, Gilles Jacot, Judith Kakon, Marta Margnetti, Flavio Merlo, Noha Mokhtar, Ben Rosenthal, Alan Schmalz, Hannah Weinberger, Urban Zellweger.

Die Gewinner von 2017 sind: Gritli Faulhaber, Gilles Jacot, Judith Kakon, Marta Margnetti, Flavio Merlo, Noha Mokhtar, Ben Rosenthal, Alan Schmalz, Hannah Weinberger, Urban Zellweger.

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DEI EX MACHINA Martin & The evil eyes of Nur. A Retrospective Catalogue of Works DETAILS German/English, Paperback, 21 × 19 cm, 175 pages, 160 ills. in color

EDITOR Nora Kurzweil PREFACE Nora Kurzweil TEXTS Karin Cerny, Georgia Holz, Sabine Kienzer, Chris Standfest, Katherina Zakravsky DESIGN Theresa Pichler

EURO 25,– ISBN 978-3-903228-53-5 PUBLISHED

Von 2009 bis 2013 waren Nora Kurzweil, Daniel Massow und Wolfgang Tragseiler unter dem Namen „Martin & The evil eyes of Nur“ als Künstlerkollektiv tätig. Während dieser kurzen, aber produktiven Zeit sind zahlreiche (Musik-)Performances, Video- und Fotoarbeiten entstanden.

Ihre präzisen Inszenierungen zwischen queerer Performance, Pop, Cabaret und Parodie setzten sich mit männlichen Rollenbildern, Emanzipation und dem Starkult der Popkultur auseinander. Aus dieser Zeit existiert eine Fülle an Foto- und Archivmaterial sowie Konzepte unrealisiert gebliebener Projekte, die nun in Buchform zugänglich gemacht werden.

Die vorliegende Publikation ist ein Werkkatalog, der gleichzeitig Performance als vergängliches Medium dokumentiert und MATEEONs Schaffen anhand von Textbeiträgen, Forschung und Diskurs zugänglich macht und in eine Szene einbettet.

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From 2009 to 2013 Nora Kurzweil, Daniel Massow and Wolfgang Tragseiler operated as an artist collective under the name “Martin & The evil eyes of Nur”. During this short but highly productive time they created numerous (musical) performances, video pieces and photographic works.

Their precise enactments oscillated between queer performance, Pop, cabaret and parody and addressed male role models, emancipation and the star cult of Pop culture. A wealth of photographic and archive material exists from this period, as well as concepts of unrealized projects, which are now being made accessible in book form.

This publication is a retrospective catalog raisonné that simultaneously documents performance as an ephemeral medium and provides an insight into MATEEON’s creative work by way of reflective essays, research and discourse, thus contextualizing it.

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SIMONE CARNEIRO

EXSCTA

EDITOR Simone Carneiro TEXT Synne Genzmer DESIGN Ismini Adami DETAILS German/English, Paperback, 22 × 15 cm, 350 pages, 171 ills. in color

EURO 30,– ISBN 978-3-903153-97-4 PUBLISHED

One leafs through Simone Carneiro’s book as if it were a three-dimensional body composed of a theoretically infinite number of layers of psychedelic or geometrical abstract images with isolated allusions to medial fig­ uration. Their origin cannot be explained through purely formal observation.

Durch das Buch von Simone Carneiro blättert es sich wie durch einen dreidimensionalen Körper, der sich aus theoretisch unendlich vielen Schichten psychedelischoder geometrisch-abstrakter Bilder mit vereinzelten Andeutungen figurativ-medialer Gegenständlichkeit zusammensetzt. Durch eine rein formale Betrachtung lässt sich ihr Ursprung aber nicht erklären.

The selection of images published under the enigmatic title “Exscta” can be read as a condensed insight into Simone Carneiro’s method of working. Specifically, her work is based on experiments with various devices and the possibilities of generating pictorial motifs, which on the one hand expand the aspects of control and chance in the artistic process and on the other question and explore the relationship between visual abstraction and technology.

Die unter dem geheimnisvollen Titel „Exscta“ veröffentlichte Bildauswahl kann als komprimierter Einblick in die Arbeitsweise von Simone Carneiro verstanden werden.

Diese basiert auf Experimenten mit unterschiedlichen Apparaten und den Möglichkeiten, Bildmotive zu erzeugen, die einerseits die Momente von Steuerung und Zufall im künstlerischen Prozess erweitern und andererseits das Verhältnis von visueller Abstraktion und Technologie befragen und erforschen.

The abstract image is placed in a new contemporary context and connected to the world we live in, which is increasingly dominated by computers and machinery.

Das abstrakte Bild wird zeitgenössisch neu verortet und an unsere Lebenswelt, die zunehmend von der Maschine geprägt wird, gebunden.

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VOLKER MÄRZ Horizontalist Der Affe fällt nicht weit vom Stamm EDITOR Volker März TEXT Volker März DESIGN Volker März, Carola Wilkens DETAILS German, Paperback, 24 × 17 cm, 280 pages, 320 ills. in color

EURO 30,– ISBN 978-3-903228-68-9 PUBLISHED

Ausgangspunkt seines speziell für das Gerhard-MarcksHaus in Bremen und das Berliner Georg Kolbe Museum entwickelten Projektes ist ein von ihm geschriebener und reich illustrierter Künstlerroman: Sein fiktionalisiertes Alter Ego, Franz Mai, blickt auf sein Leben zurück.

Als nachdenklicher Junge in Mannheim aufgewachsen und in Bayern groß geworden, beobachtet der Heranwachsende staunend den oft nur schweigenden Umgang mit der nationalsozialistischen Vergangenheit. Aus der staunenden Verstörung des Kindes entwickelt sich ein erhebliches Misstrauen als Erwachsener, schließlich die Ablehnung überlieferter Deutungen und Regeln und der sie begleitenden Herrschaftsformen und ihrer selbstverständlichen Ausgrenzungen.

Der Protagonist zieht schließlich nach Berlin, um dort als politischer Künstler zu arbeiten und seinen immer wiederkehrenden Fragen nachzugehen. Die Erzählung von Volker März liest sich wie ein Drehbuch, in welchem rea­ listische und phantastische Figuren aufeinandertreffen, verschiedene Stimmungen erzeugen und Erinnerungsbilder wachrufen.

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Exhibition: Georg Kolbe Museum, Berlin 23.6.–2.9.2018

Anders als viele zeitgenössische Künstler betreibt der in Berlin lebende Volker März politisch motivierte Kunst nicht konzeptuell, sondern erzählerisch.

Unlike many other contemporary artists, Berlin-resident Volker März opts to take a narrative approach to his politically motivated art rather than a conceptual one.

The starting point for his project developed especially for the Gerhard-Marcks Haus in Bremen and Georg Kolbe Museum in Berlin is an artist book that he both wrote and richly illustrated: His fictionalized alter ego Franz Mai looks back on his life. After spending a pensive boyhood in Mannheim, Mai comes of age in Bavaria and it is here that the adolescent is astonished by what he sees as an often silent acceptance of the country’s Nazi past. The astonished confusion he feels as a child develops into outright mistrust as an adult, and finally he not only rejects the accepted interpretations and rules, but also the forms of rule that accompany them and the exclusions they take for granted.

Finally, the protagonist moves to Berlin to work there as a political artist and explore these recurrent issues. The narrative by Volker März reads like a script in which realistic figures encounter imaginary ones, different moods are generated and recollections evoked.

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FRANKLIN GRÜBL MARGE

EDITOR Manfred Grübl TEXTS Petra Noll-Hammerstiel, Franz Thalmair DETAILS German, Paperback, 28 × 21 cm, 66 pages, 120 ills. in color and b/w

EURO 24,– ISBN 978-3-903228-52-8 PUBLISHED

“Manfred Grübl’s expanded concept of art certainly does challenge us. Aiming to turn the exhibition space into a lively, social one, he breaks with the traditional order of the operational system of art and causes creative confusion in the usual protagonists: curators, organizers and the art-viewing public.” (Petra Noll-Hammerstiel)

„Er fordert uns heraus, der erweiterte Kunstbegriff des Manfred Grübl. In seinem Anliegen, den Ausstellungsraum als sozialen, lebendigen Raum zu gestalten, durchbricht er die traditionellen Ordnungen des Betriebssystems Kunst und sorgt für kreative Verwirrung bei den üblichen Protagonistinnen und Protagonisten: Kuratorinnen und Kuratoren, Veranstalterinnen und Veranstaltern und Kunstpublikum.“ (Petra Noll-Hammerstiel).

His intervention in, or rather his circumvention of, the rather rigorous conditions of participation in the art business are at the heart of his practice and require personal initiative, as well as sometimes complicity, from those involved.

Sein Intervenieren beziehungsweise das Unterlaufen der recht rigorosen Teilnahmebedingungen des Kunstbetriebs stehen im Zentrum und erfordern von den Involvierten Eigeninitiative, mitunter auch Komplizenschaft.

“Franklin Grübl Marge” brings together Manfred Grübl’s interventions, actions, installations and objects of recent years and documents his exhibition “Für Saalfelden,” which was on view at Kunsthaus Nexus in 2017/18. For the town of Saalfelden he not only created art pieces for the viewers to engage with (as previously too), but also worked with and for the inhabitants.

„Franklin Grübl Marge“ führt Manfred Grübls Interventionen, Aktionen, Installationen und Objekte der letzten Jahre zusammen und dokumentiert seine Ausstellung „Für Saalfelden“, die 2017/18 im Kunsthaus Nexus zu sehen war. Für Saalfelden hat er nicht nur wie bisher für das Kunstpublikum künstlerisch gearbeitet, sondern mit den und für die Menschen vor Ort.

In March 2018 Manfred Grübl was awarded the Großer Kunstpreis des Landes Salzburg.

Manfred Grübl wurde im März 2018 der Große Kunstpreis des Landes Salzburg verliehen.

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Rainer Prohaska Relations 2006–2018

DETAILS English, Paperback, 30 × 21 cm, 160 pages, numerous ills. in color

EDITORS Sebastian Jobst, Anna Resch TEXTS Sebastian Jobst, Bianca Regl, Anna Resch et al.

DESIGN Konnektom & Sebastian Krüger / Rosebud

EURO 22,– ISBN 978-3-86984-067-3 PUBLISHED IN SEPTEMBER 2018

Rainer Prohaskas Arbeiten im öffentlichen Raum verwandeln Dörfer in dekonstruierte Wohnungen, öffentliche Plätze in Kommunikationsräume und Shopping Malls in partizipative Großküchen.

Rainer Prohaska’s works in the public realm transform villages into deconstructed apartments, public squares into communication spaces and shopping malls into participative large-scale kitchens.

Die dabei entstehenden Objekte, Interventionen und Installationen aktivieren spezielle Orte, verändern die Wahrnehmung der Betrachtenden und lassen diese oftmals an prozessorientierten Arbeiten teilhaben. Die Erkundung ganzer Regionen, wie etwa die Metropole Peking oder die Kulturlandschaft der Donau, unternimmt er mit von ihm gebauten mobilen Objekten, je nach geografischer Situation zu Land oder zu Wasser.

The resulting objects, interventions and installations activate special places and alter the perception of observers, often allowing them to participate in the process-oriented works. He undertakes the investigation of entire regions such as the metropolis of Beijing or the cultural landscape of the Danube–on land or water depending upon the geographical situation–using mobile objects that he himself has built.

„Relations“ bietet einen Rückblick auf das Schaffen des Künstlers der Jahre 2006–2018. Die umfangreiche fotografische Dokumentation ordnet sich nach vier Hauptaspekten seines Werks: „Culinary Communication“, „Spatial Hacking“, „Explorations“ und „Technology“. Begleitet wird diese von Skizzen und projektbezogenen Grafiken, die mit einem eigens vom Künstler entwickelten Druckverfahren hergestellt wurden.

“Relations” offers a retrospective of the artist’s work from the years 2006–2018. The extensive photographic documentation is organised in line with four main aspects of his output: “Culinary Communication”, “Spatial Hacking”, “Explorations” and “Technology”. This is accompanied by sketches and project-related images produced with the help of a printing method developed by the artist.

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KUNST IM ÖFFENTLICHEN RAUM WIEN 4 Public Art Vienna 2014 2015 2016 EDITORS Kunst im öffentlichen Raum GmbH PREFACE Michael Ludwig, Andreas Mailath-Pokorny, Martina Taig, Maria Vassilakou TEXTS Eva Maria Stadler, Mechtild Widrich DESIGN Designstudio 3007, Eva Dranaz and Jochen Fill

DETAILS German/English, Hardcover, 264 pages, numerous ills. in color EURO 29,– ISBN 978-3-903153-17-2 PUBLISHED

The fourth volume in the series on art in Vienna’s public space offers a survey of the manifold projects realized and initiated by KÖR GmbH in the years 2014 to 2016.

Mechtild Widrich’s and Eva Maria Stadler’s introductory contributions shed light on how such works deeply configure and inform the cityscape and critically reflect the transformation of the public sphere.

Der vierte Band der Reihe über Kunst im öffentlichen Raum Wien stellt die vielfältigen Projekte vor, die in den Jahren 2014 bis 2016 von der KÖR GmbH realisiert und initiiert wurden. Die einleitenden Beiträge von Mechtild Widrich und Eva Maria Stadler legen dar, wie das Stadtbild vom Zentrum bis hin zur Peripherie durch solche Arbeiten nachhaltig gestaltet und geprägt wird, und reflektieren kritisch den Wandel der Öffentlichkeit.

Artists: Nevin Aladağ, Oliver August, Ruth Beckermann, Julien Berthier, Catrin Bolt, Rüdiger Carl, Victoria Coeln, Julius Deutschbauer / Klaus Pobitzer, Claudia Larcher / Peter Roehsler / Laura Skocek / Anna Watzinger / Peter Zolly, Aldo Giannotti, Oliver Hangl, Marlene Hausegger, Désirée Heusl / Lis Eich, Simon Janssen, Sven-Åke Johansson, Jörg Jozwiak, Leopold Kessler, Barbis Ruder, Lia Sáile, Axel Stockburger, Iv Toshain / Anna Ceeh, Simone Zaugg, et al.

Künstlerinnen und Künstler: Nevin Aladağ, Oliver August, Ruth Beckermann, Julien Berthier, Catrin Bolt, Rüdiger Carl, Victoria Coeln, Julius Deutschbauer / Klaus Pobitzer, Claudia Larcher / Peter Roehsler / Laura Skocek / Anna Watzinger / Peter Zolly, Aldo Giannotti, Oliver Hangl, Marlene Hausegger, Désirée Heusl / Lis Eich, Simon Janssen, Sven-Åke Johansson, Jörg Jozwiak, Leopold Kessler, Barbis Ruder, Lia Sáile, Axel Stockburger, Iv Toshain / Anna Ceeh, Simone Zaugg, u.a.

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KUNSTRAUM

MAGIC CIRCLE DETAILS German/English, Paperback, 21 × 15 cm, 64 pages, 15 ills. in color and b/w

EDITORS Katharina Brandl, Daniela Brugger, Christiane Krejs PREFACE Christiane Krejs TEXTS Katharina Brandl, Daniela Brugger, Chantal Küng, Linda Stupart DESIGN Wolfgang Gosch

EURO 24,– ISBN 978-3-903228-43-6 PUBLISHED

Die Publikation „Magic Circle“ fragt nach den Hintergründen der gegenwärtigen queer-feministischen Rezeption von Hexen-Praxen in der Gegenwartskunst.

The publication “Magic Circle” looks at the background to the current queer-feminist reception of witches’ practices in contemporary art.

Die Künstlerinnen greifen mit ihren Arbeiten auf die feministischen Aneignungen des Hexenbegriffes in den 1970er Jahren zurück, beziehen aber auch mit dem erneuten Aufkommen von „witchcraft“ in zeitgenössischen feministischen und künstlerischen Bewegungen popkulturelle Strömungen mit ein.

In their work the artists draw on the feminist appropriation of the term “witch” in the 1970s, while also incorporating popular culture trends through reference to the renewed emergence of “witchcraft” in contemporary feminist and artistic movements.

Bei der Faszination an Hexen geht es um die Figur einer mächtigen Frau, es geht um die Einschreibung in eine Geschichte, die sowohl eine Unterdrückungs- als auch eine Ermächtigungsgeschichte ist. Die Werke treten ideell in einen Dialog mit der aktivistisch motivierten Rezeption der Hexe in den 1970er Jahren, legen aber dennoch ihren Schwerpunkt auf die heutige Relevanz des Themas, indem Facetten wie Technologiegeschichte, Popkultur, Wissensstrukturen und gesellschaftliche Ausschlussmechanismen aufgegriffen werden.

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The fascination with witches hinges on the figure of a powerful woman, as well as on the way the figure can become part of a narrative of both oppression and empowerment. Conceptually, the works enter into dialogue with the reception of the witch in the 1970s, which was motivated by notions of activism, while also placing emphasis on the current relevance of the topic through touching upon facets ranging from technological history, pop culture, structures of knowledge and social mechanisms of exclusion.

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NIEDEROESTERREICH THE TWO HALVES OF MARTHA WILSON’S BRAIN EDITORS Christiane Krejs, Felicitas Thun-Hohenstein PREFACE Christiane Krejs CONVERSATION Martha Wilson and Felicitas ThunHohenstein TEXT Berenice Pahl

DESIGN Wolfgang Gosch DETAILS German/English, Paperback, 64 pages, 57 ills. in color and b/w EURO 24,– ISBN 978-3-903228-91-7 PUBLISHED

„The Two Halves of Martha Wilson’s Brain“ veranschaulicht, dass Martha Wilson, die Künstlerin, und Martha Wilson, die Gründerin/Direktorin von Franklin Furnace, nicht nur für zwei Hälften eines Weltverständnisses stehen, sondern dass die von ihr gewählten Handlungsräume als sich gegenseitig konstituierende, voneinander untrennbare Elemente einer künstlerischen Praxis zu sehen sind. Über mehr als vier Dekaden hat Martha Wilson damit in ihren vielfältigen miteinander verwobenen Rollen und Funktionen beständig die Grenzen im Gefüge künstlerischer Ausdrucksformen erweitert und die Geschichte(n) von Performancekunst, Feminismus und Alternative Spaces geprägt.

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Exhibition: Georg Kunstraum Niederoesterreich 8.6.–28.7.2018

Der Kunstraum Niederoesterreich zeigt das umfangreiche Schaffen der Performance-Künstlerin Martha Wilson.

Das begleitende Buch „The Two Halves of Martha Wilson’s Brain“ beleuchtet zwei wichtige Seiten dieser sprühenden Künstlerin und Performance-Pionierin: Zu sehen ist eine Auswahl Wilsons eigener Arbeiten, mit denen sie auf subversive und originelle Weise seit den 1970er Jahren in Kunst und Politik interveniert. Der zweite wesentliche Bereich von Wilsons Tätigkeit ist das von ihr im Jahr 1976 gegründete „Franklin Furnace Archive, Inc.“.

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Kunstraum Niederoesterreich is showcasing the extensive œuvre of performance artist Martha Wilson. The accompanying book “The Two Halves of Martha Wilson’s Brain” illuminates two important sides to this spirited artist and performance pioneer: Firstly, it includes a selection of Wilson’s own works, through which she has been intervening in the worlds of arts and politics in subversive and original ways since the 1970s. The second integral part of Wilson’s practice is the “Franklin Furnace Archive, Inc.,” which she founded in the year 1976.

“The Two Halves of Martha Wilson’s Brain“ illustrates that Martha Wilson, the artist, and Martha Wilson, the founder and director of Franklin Furnace, not only represent two parts of one world view—her chosen fields of activity must also be seen as mutually constituting, inseparable facets of an artistic practice. Over more than four decades Martha Wilson has relentlessly pushed the borders of artistic expression in her various interwoven roles and functions, while shaping the (hi)stories of performance art, feminism, and alternative art spaces.

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ELMAR TRENKWALDER

EDITORS Kunstraum Dornbirn, Thomas Häusle TEXTS Fréderic Bodet, Christian Derout INTERVIEW Herta Pümpel with Elmar Trenkwalder DESIGN Bizzarri & Rodriguez, Paris DETAILS Paperback, approx.

130 pages, numerous ills. in color

Engel über Licht und Schatten – vom erlösenden Schweigen der Form

Der Katalog zeigt neben zahlreichen Ausstellungsansichten im Kunstraum Dornbirn auch frühere Arbeiten und ausgewählte Ausstellungsorte aus den Jahren 2012–2018 sowie Zeichnungen des Künstlers.

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Exhibition: Kunstraum Dornbirn 14.9–2.12.2018

Elmar Trenkwalders monumentale Keramikskulpturen erinnern in ihrer Struktur ebenso sehr an prunkvolle Barock- und Rokokoarchitekturen wie an indische Tempel oder spätgotische Ornamente. Die von Details überbordenden Gebilde sind jedoch keine sakralen „Heiligenschreine“, sondern utopische Bilder – Kosmen, deren Gestalten aus einer Welt der Fantasie, des Unterbewusstseins und der Träume entstammen könnten. Die architektonischen Gebilde verschmelzen mit biomorphen Formen aus der Natur, in denen vegetabile Wucherungen und menschliche Körperfragmente vorkommen.

EURO 28,– ISBN 978-3-903228-97-9 PUBLISHED IN FALL 2018 Elmar Trenkwalder, exhibition view, Ècole des Beaux arts, Paris, 2014, photo: © Nicolas Brasseur

The structure of Elmar Trenkwalder’s monumental ceramic sculptures recalls ostentatious baroque and rococo buildings just as much as Indian temples or late-gothic ornaments. However, even though they overflow with details, these objects are not sacred “holy shrines”, but utopian pictorial universes whose forms could be derived from a world of fantasy, subconsciousness and dreams. The architectural figures merge with biomorphic forms taken from the natural world which feature proliferating vegetation and fragments of the human body.

Alongside numerous views of the exhibition in Kunstraum Dornbirn the catalog also features earlier works and selected exhibitions from 2012 to 2018 as well as drawings by the artist.

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DORNBIRN ALJOSCHA A BIOLOGY OF HAPPINESS EDITORS Kunstraum Dornbirn, Thomas Häusle TEXT Thomas Wolfgang Kuhn INTERVIEW Thomas Häusle and Herta Pümpel with Aljoscha DESIGN proxi.me

DETAILS German/English, Paperback, 27 × 21 cm, 92 pages, 14 ills. in color EURO 20,– ISBN 978-3-903228-66-5 PUBLISHED

Seemingly weightless pieces of pink-tinted acrylic glass float through the room. Artist Aljoscha created this impressive and extensive installation at Kunstraum Dornbirn. In his work, Aljoscha interweaves threads from science, art and philosophy.

Durch einen großen Raum schweben scheinbar schwerelose Teile aus rosa pigmentiertem Acrylglas. Der Künstler Aljoscha hat diese beeindruckende, raumgreifende Installation im Kunstraum Dornbirn geschaffen.

Aljoscha führt in seinen Arbeiten die Stränge von Wissenschaft, Kunst und Philosophie zusammen und bezeichnet seine Kunst als Biofuturismus oder Bioism: „Bioism ist mein persönliches Statement und Manifest.

Die ästhetischen Merkmale des Bioismus lösen zwar eine Flut an Assoziationen im Bereich der Natur, Biologie und Organik aus, besitzen jedoch keine konkreten Vorbilder in der Umwelt. Denn es handelt sich um eine konzeptuelle und gestalterische Neuschöpfung ebenso wie um eine biofuturistische Neukunstausrichtung. Der Bioismus dient als utopisches Modell von neuartigen, erdachten Lebensformen. Hier wird ‚die Erfindung von der Form als Wesen‘ manifestiert, womit nicht nur neue, auratische und singuläre Ästhetiken, sondern eine vollkommen neue zukunftsweisende Gesamtidentität erschaffen wird.“

He calls what he does Biofuturism or Bioism: “Bioism is my personal statement and manifesto. While the aesthetic characteristics of Bioism trigger a flood of associations related to the realm of nature, biology and organic matter, they are not in fact based on actual role models in our environment. Instead, the pieces are concerned with creating something new conceptually and creatively, as well as finding a new artistic approach based on Biofuturism. Bioism serves as a utopian paradigm for novel, fictional life forms. ‘The invention of form as essence and creature’ is manifest here, giving rise not only to auratic and singular aesthetic worlds, but also to a new, future-oriented overall identity,” is how Aljoscha put it in an interview.

“A biology of happiness” is what he calls his organism, a “manifesto of happiness and beauty as an antidote to our existence fraught as it is with fears and phobias.”

„Eine Biologie des Glücks“ nennt er seinen Organismus, ein „Glücks- und Schönheitsmanifest als Gegenmittel für unser von Ängsten und Phobien beherrschtes Dasein“.

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ALJOSCHA, INSTALLATION VIEW, KUNSTRAUM DORNBIRN, 2018, PHOTO: © ALJOSCHA (FROM: “ALJOSCHA. A BIOLOGY OF HAPPINESS”)

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MANFRED GRÜBL, INSTALLATION VIEW, KUNSTHAUS NEXUS, SAALFELDEN, PHOTO: © BARBARA ZIEGELBÖCK (FROM “FRANKLIN GRÜBL MARGE”)

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SEE PAGE 31

NILBAR GÜREŞ, “OVERHEAD” FROM THE SERIES “TRABZONE”, 2010, PHOTOGRAPH, PHOTO: © GALERIE MARTIN JANDA (FROM: “NILBAR GÜREŞ. OVERHEAD”)

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ANNA BARRIBALL, “SILVER DOOR WITH FIRE RED”, 2011, PHOTOGRAPH, © ANNA BARRIBALL (FROM: “ANNA BARRIBALL”)

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SEE PAGE 38

RUTH ANDERWALD + LEONHARD GROND, “NOTES ON A COAST”, 2003–2007, © GROND + ANDERWALD, BILDRECHT, VIENNA (FROM: “IN DIE STADT”)

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MARTHA WILSON, “THE GODDESS”, 1974, PHOTO: © VICTOR HAYES (FROM: “THE TWO HALVES OF MARTHA WILSON’S BRAIN”)

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BILDSTEIN | GLATZ, “LOOP”, INSTALLATION VIEW, KUNSTMUSEUM THURGAU, KARTAUSE ITTINGEN, 2017, © BILDSTEIN | GLATZ, BILDRECHT, VIENNA (FROM: “NR.1”)

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SEE PAGE 47

JANA SCHRÖDER, “SPONTACTS PQN1”, 2017, © JANA SCHRÖDER, COURTESY NATALIA HUG, COLOGNE; NINO MIER GALLERY, LOS ANGELES; T293, ROME, PHOTO: JOHANNES BENDZULLA (FROM: “JANA SCHRÖDER. SPONTACTS AND KINKRUSTATIONS”)

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PETER JELLITSCH, “NEED HELP IDENTIFYING AT&T EQUIPMENT”, © PETER JELLITSCH (FROM: “PETER JELLITSCH. AUTOMATIC WRITING & ANYTHING ELSE”)

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SEE PAGE 46

MATTHIAS WOLLGAST, “THE ARTIST COUPLE ANNA POTAPOVA AND VLADIMIR VECHTOMOV”, © MATTHIAS WOLLGAST (FROM: “MATTHIAS WOLLGAST. THE STEPS WITH NO NAME”)

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JONATHAN MEESE DANIEL RICHTER TAL R THE MEN WHO FELL FROM EARTH PUBLISHER Harpune Verlag EDITORS Harpune Verlag and Holstebro Kunstmuseums Forlag TEXT Roberto Ohrt PHOTOGRAPHY Anna Breit, Hanna Putz DESIGN Studio Martin Steiner

DETAILS German, Hardcover, 130 pages, 94 ills. in color EURO 35,– ISBN 978-3-903153-96-7 PUBLISHED

Jonathan Meese, Daniel Richter und Tal R gehören zu den Schwergewichten der internationalen Kunstszene.

Nun haben sie sich zusammengetan, um gemeinsam ein großangelegtes Projekt für das Holstebro Kunstmuseum zu erschaffen.

Jonathan Meese, Daniel Richter, und Tal R sind Zeitgenossen, und in ihrer Kunst arbeiten alle drei neo-figurativ und neo-expressiv. Jeder von ihnen hat in traditionellen Genres gearbeitet, sich aber auch in neue, eher skulpturale, theatralisch-performative und installative Formen vorgewagt und mit ihnen experimentiert. Im Kollektiv stehen nun viel Humor, existenzieller Pathos und Protest auf dem Spiel.

Die drei Künstler sind nicht nur Kollegen, sondern auch persönlich befreundet. In der Vergangenheit haben sie bereits paarweise an künstlerischen Projekten gearbeitet, aber sie sind noch nie als Trio zusammengekommen um ein gemeinsames Werk zu kreieren. Die Ausstellung „The Men Who Fell from Earth“ ist ein Gesamtkunstwerk der ganz besonderen Sorte, erschaffen im Geiste künstlerischer Kollegialität und Freundschaft.

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Jonathan Meese, Daniel Richter and Tal R ranks among contemporary art’s international heavyweights. Now they have collaborated on a large-scale joint project for Holstebro Kunstmuseum.

Jonathan Meese, Daniel Richter, and Tal R are contemporaries, having in common a neo-figurative and neo-expressive approach to art-making. Individually, each artist has worked within traditional genres, but has also ventured into and experimented with ever new, more sculptural, theatrical-performative and installation-like forms.

Collectively, there is much humor and existential pathos and protest at stake.

They are not just colleagues but also personal friends.

In the past, they have co-produced artistic projects by pairs, but never have all three come together to create a common project. The exhibition “The Men Who Fell” from Earth is a total staging of extremely rare character, created in the strong spirit of artistic collegiality and friendship.

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JÜRGEN MESSENSEE Herz der Welt

GEORG BASELITZ / ALBERT OEHLEN

EDITOR Harpune Verlag CONVERSATION Albert Oehlen and Georg Baselitz DESIGN Martin Steiner DETAILS German/English, Hardcover, 30 × 24 cm, 72 pages, 20 ills. in color

EDITOR Harpune Verlag DETAILS German/English, Paperback, 43 × 31 cm, numerous ills. in color EURO 35,– ISBN 978-3-903153-44-8 PUBLISHED

EURO 28,– ISBN 978-3-903131-67-5 PUBLISHED

TAL R Flamingo Flametti

JONATHAN MEESE Drawings

EDITORS Sarah Bogner and Josef Zekoff, Harpune Verlag TEXT Axel Heil DESIGN Raphael Drechsel, GREAT DETAILS German/ English, Paperback, 27 × 19 cm, 64 pages, ills. in b/w

EDITOR Harpune Verlag TEXT Robert Ohrt DETAILS German/ English, Paperback, 19 × 25 cm, 64 pages, ills. in color EURO 20,– ISBN 978-3-903004-55-9 PUBLISHED

EURO 28,– ISBN 978-3-903131-25-5 PUBLISHED

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ANDRÉ

Galeria Mário Sequeira, Braga EDITOR Harpune Verlag TEXT Steffen Krüger PHOTOGRAPHY Marco Mendes DETAILS English, Paperback, 40 × 33 cm, 8 pages, 15 ills.

EURO 26,– ISBN 978-3-903153-09-7 PUBLISHED

Mier Gallery, Los Angeles

EURO 26,– ISBN 978-3-903153-08-0 PUBLISHED

EDITOR Harpune Verlag DETAILS English, Paperback, 40 × 29 cm, 10 pages, 5 ills.

Metro Pictures, New York 2017

EURO 26,– ISBN 978-3-903153-07-3 PUBLISHED

EDITOR Harpune Verlag DETAILS English, Paperback, 40 × 34 cm, 20 pages, 9 ills.

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André Butzer

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Metro Pictures, New York 2017

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BUTZER

EDITORS Christian Malycha, Josef Zekoff PHOTOGRAPHY Roman März, Holger Niehaus DESIGN Studio Martin Steiner DETAILS German, Hardcover, 34 × 24 cm, 24 pages, 10 ills. in color

EURO 30,– ISBN 978-3-903153-73-8 PUBLISHED

„... und sah den Frieden des Himmels“ EDITOR Ansgar Reiß TEXTS Tom Biber, Friedrich Hölderlin, Sarah Lorenz, Ansgar Reiß, Dieter Storz PHOTOGRAPHY Steffen Krüger DESIGN Martin Steiner

DETAILS German, Paperback, 28 × 21 cm, 128 pages, numerous ills. in color EURO 29,60 ISBN 978-3-903153-25-7 PUBLISHED

Selected press releases, letters, interviews, texts, poems 1999–2017 EDITOR Alexander Linn TEXTS Agathe Bellomann Fine Art, André Butzer, Steffen Krüger CONVERSATIONS Ashok Adiceam, Rudolf Augstein, Benjamin Budde, Paul Carey-Kent, Boris Dahlem, Max Dax, Berthold Rei., Philipp Schwab, E. Seifermann, Russell Tyler, Sebastian

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Wehlings, Thomas Winkler et al.

DESIGN Book Book, Berlin DETAILS German/English/French, Paperback, 20 × 15 cm, 192 pages EURO 15,– ISBN 978-3-903153-82-0 PUBLISHED

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VFMK DISTRIBUTES starfruit publications ALL TITLES PUBLISHED

Bekennerschreiben

Ganz Nürnberg war in einem Rausch Die Pokalsieger erzählen

Essays, Reden, Kommentare, Interviews und Polemiken

PARTICIPATING ARTISTS Gerhard Falkner, Julius von Bismarck EURO 32,– ISBN 978-3-922895-30-5

Faunenschnitt

PARTICIPATING ARTISTS Maren Zimmermann, Katharina Fritsch EURO 25,– ISBN 978-3-922895-31-2

PARTICIPATING ARTISTS Joshua Groß, Hannah Gebauer EURO 24,– ISBN 978-3-922895-29-9

Psychonautikon Prenzlauer Berg PARTICIPATING ARTISTS Bert Papenfuß, Ronald Lippok EURO 21,– ISBN 978-3-922895-27-5

Ignatien Elegien am Rande des Nervenzusammenbruchs

PARTICIPATING ARTISTS Kathrin Röggla, Oliver Grajewksi EURO 18,– ISBN 978-3-922895-20-6

Magische Rosinen Die Geschichte von Mascarpone und Sahra Wagenknecht Novelle aus dem Spätkapitalismus PARTICIPATING ARTISTS Joshua Groß, Philippe Gerlach EURO 17,90 ISBN 978-3-922895-25-1

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PARTICIPATING ARTISTS Peter Waterhouse, Nanne Meyer EURO 28,– ISBN 978-3-922895-28-2

tokio, rückwärtstagebuch

PARTICIPATING ARTISTS Gerhard Falkner, Yves Netzhammer EURO 19,90 ISBN 978-3-922895-26-8

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Die Auswandernden

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Der Trost von Telefonzellen PARTICIPATING ARTISTS Joshua Groß, Philippe Gerlach EURO 24,– ISBN 978-3-92289-524-4

Verbotene Verbesserungen PARTICIPATING ARTISTS Dietmar Dath, Heike Aumüller EURO 24,– ISBN 978-3-922895-23-7

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ANN COTTEN

FAST DUMM Essays von on the road EDITOR Manfred Rothenberger in cooperation with Institut für moderne Kunst Nürnberg PHOTOGRAPHY Ann Cotten DESIGN Timo Reger

DETAILS German, Hardcover, 21 × 14 cm, 248 pages, 17 ills. in color, 9 ills. in b/w EURO 25,– ISBN 978-3-922895-32-9 PUBLISHED

With “FAST DUMM” Ann Cotten, whom Paul Jandl has termed the “smartest and most difficult poet working in the German language today”, provides further evidence of her challenging investigations of reality. A multi-layered book on journeys and reflections, a loosely organized collection of essays, poems, and photographs, as well as renderings of sections of work by Cotten’s favorite authors.

Mit „FAST DUMM“ legt Ann Cotten, die „klügste und schwierigste Dichterin in deutscher Sprache“ (Paul Jandl), ein weiteres Zeugnis ihrer herausfordernden Wirklichkeitserkundungen vor. Ein vielschichtiges Reise- und Reflexionsbuch, ein lose organisierter Verbund aus Essays, Gedichten und Fotografien sowie Übertragungen von Lieblingsautoren Cottens.

Das Erzählgerüst dieses traumwandelnden Trips durch die ambivalenten Seelen- und Gegenwartsverhältnisse verschiedener klimatischer und politischer Zonen bilden Ann Cottens Berichte über eine Reise durch die USA kurz nach der Wahl von Donald Trump zum 45. Präsidenten der Vereinigten Staaten. Cotten beschreibt ein verwüstetes, elendes Land voller wundgelegener Konflikte, sozialer Klüfte und innerer Verwerfungen.

Ann Cotten’s accounts of her travels through the US shortly after Donald Trump was elected 45th President of the United States form the narrative framework to this dream-like trip, during which we encounter the ambivalent circumstances acting on the soul and the present moment in different climactic and political zones. Cotten describes a harried, wretched country full of severe conflicts, social divisions, and intrinsic fault lines.

Wie um ihre USA-Essays in Gegenwirklichkeiten zu verankern, hat Ann Cotten davor, dazwischen und danach andere Texte eingefügt: einen Bericht über die Teilnahme an einem bizarren Symposion in Moskau samt dem dafür gebuchten kunsthistorischen Vortrag, die bereits erwähnten Gedichte und Fotografien, eine Rückblende nach Wien, wo die Autorin ihren Arbeitsalltag kritisch überprüft, und nicht zuletzt ein Gutachten über „FAST DUMM“ aus der Zukunft.

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Ann Cotten has included other texts before, in between and after these accounts, as though to anchor her American essays in counter-realities: a report on her participation in a bizarre symposium in Moscow along with the entire art historical lecture she was booked to hold there, the previously mentioned poems and photographs, a flashback to Vienna, in which the author critically questions her daily work routine, and finally also an assessment of “FAST DUMM” from the future.

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VFMK DISTRIBUTES 100 HÄUSER ALL TITLES PUBLISHED

100 FERIEN Häuser 2017 100 FERIEN Häuser 2017 Österreich & Schweiz Österreich & Schweiz

EDITOR 100 Medien GmbH Medien TEXTS Rosanna Atzara, Erik Czejka, Isabella Diessl, Manuela Hötzl, Martina Powell, Rosa Schaberl, Sonja Schneider, Hannah Stadlober, Lukas Weber DESIGN Rosebud DETAILS German, Paperback, 33 × 23 cm, 176 pages, numerous ills. in color

EDITOR 100 Medien GmbH TEXTS Rosanna Atzara, Isabella Diessl, Erik Czejka, Manuela Hötzl, Martina Powell, Rosa Schaberl, Sonja Schneider, Hannah Stadlober, Lukas Weber DESIGN Rosebud DETAILS German, Paperback, 33 × 23 cm, 176 pages, numerous ills. in color EURO 14,90 ISBN 978-3-903153-76-9

EURO 14,90 ISBN 978-3-903153-75-2

100 WORKING SPACES Ausgabe 2016 / 2017

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100 WORKING SPACES Ausgabe 2016 / 2017

EDITOR 100 Medien GmbH TEXTS Isabella Diessl, Andreas Fox, Manuela Hötzl, Magdalena Jöchler, Valentin Ladstätter, Carlos Oberlerchner, Martina Powell, Rosa Schaberl, Theresa Stiny, Peter Suwandschieff DESIGN Rosebud DETAILS German, Paperback 33 × 23 cm, 208 pages, numerous ills. in color

EDITOR 100 Medien GmbH TEXTS Rosanna Atzara, Erik Czejka, Isabella Diessl, Julia Gmeiner, Manuela Hötzl, Beatrix Kouba, Michaela Putz, Rosa Schaberl, Sonja Schneider, Theresa Stiny, Sven Winkler DESIGN Rosebud DETAILS German, Paperback, 33 × 23 cm, 212 pages, numerous ills. in color

EURO 14,90 ISBN 978-3-903131-79-8

EURO 14,90 ISBN 978-3-903228-30-6

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EDITOR 100 Medien GmbH TEXTS Erik Czejka, Julia Gmeiner, Eva Habison, Manuela Hötzl, Andreas Maurer, Maik Novotny, Marc Peschke, Michaela Putz, Julia Riefenstahl, Rosa Schaberl, Sonja Schneider, Claudia Tschabuschnig, Jan Zimmermann DESIGN Christina Bianchi, Andreas Rubatscher Rosebud DETAILS German, Paperback, 33 × 23 cm, 216 pages, numerous ills. in color

100 ÖSTERREICHISCHE HÄUSER

Ausgabe 2018

EURO 14,90 ISBN 978-3-903228-95-5 PUBLISHED

“100 AUSTRIAN Buildings” is the only magazine that presents the diversity of the country’s intrinsic architecture. In 2018 the focus “CLIMATE-SPACE & TAKING STOCK” demonstrates that know-how is embodied in not only the overall concept but also the details. Building materials and technology enhance our architecture—and our environment. The focus “I’M FROM AUSTRIA” offers a brief excursion that shows that building abroad can often be accompanied by humorous anecdotes.

Seven buildings, from Croatia to Texas.

„100 ÖSTERREICHISCHE Häuser“ präsentiert als einziges Magazin die Vielfalt länderspezifischer Baukultur. 2018 wird dem Schwerpunkt „KLIMA-RAUM & BESTANDSAUFNAHME“ gezeigt, dass Know-how nicht nur im Gesamtkonzept deutlich wird, sondern auch im Detail steckt. Baustoffe, Materialien und Techniken machen unsere Architektur – und Umwelt – besser.

Einen kleinen Ausflug gönnt man sich mit dem Fokus „I‘M FROM AUSTRIA“, in dem gezeigt wird, dass Bauen im Ausland manchmal mit lustigen Anekdoten einhergehen kann. Sieben Häuser, von Kroatien bis Texas.

100 DEUTSCHE HÄUSER

EDITOR 100 Medien GmbH TEXTS Rosanna Atzara, Erik Czejka, Julia Gmeiner, Manuela Hötzl, Andreas Maurer, Marc Peschke, Michaela Putz, Julia Riefenstahl, Tanja Rose, Rosa Schaberl, Sonja Schneider, Ina Volkmer DESIGN Rosebud GmbH DETAILS German, Paperback, 33 x 23 cm, 200 pages, numerous ills. in color EURO 14,90 ISBN 978-3-903228-70-2 PUBLISHED

Ausgabe 2017 / 2018

“100 DEUTSCHE Häuser” presents the 100 most outstanding projects by the 100 best architecture studios.

Wood as a material forms the focus of our 2017 / 2018 edition, while we also showcase the trend towards sharing with the key topic “multi-family dwellings”: living cooperatively, not together.

„100 DEUTSCHE Häuser“ präsentiert die ausgezeichnetsten 100 Projekte der 100 besten Architekturbüros.

In der Ausgabe 2017 / 2018 legen wir den Fokus auf das Material Holz und zeigen mit dem Schwerpunktthema „Mehrfamilienhäuser“ den Trend zum Teilen: Wohnraum gemeinsam, nicht zusammen.

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EVERYDAY BAG

DESIGN Glein DETAILS body W = 35 cm, H = 29 cm, D = 15 cm handles H = 30 cm, 100% cowhide (ITA), press stud fastening (CH), inside pocket, handmade and fairly produced in Croatia (EU) MATERIAL suede and smooth leather COLORS nude, black, blue, coral RRP Recommended Retail Price approx. EURO 199,–

Limited Edition Spring 2018

REFERENCE Art.-No. 9120087790388 nude Art.-No. 9120087790395 black Art.-No. 9120087790401 blue Art.-No. 9120087790418 coral

The Everyday Bag was created in close collaboration with GLEIN. The Vienna-based label aims to create beau­tiful contemporary products that are manufactured in the region and sold at fair prices.

The Everyday Bag with its minimalistic look is very versatile and was developed for everyday use. Made from two different materials in nuanced colors it harmonizes with almost every outfit. With its inside compartment it further provides space for all of the important little things in life. An absolutely useful and durable accessory that will accompany you for a long time.

Die Everyday Bag ist in enger Zusammenarbeit mit GLEIN entstanden. Das in Wien ansässige Label hat zum Ziel, schöne zeitgemäße Produkte zu kreieren, die re­ gional handgefertigt und zu fairen Preisen erhältlich sind.

Die Everyday Bag im Minimal Look ist vielseitig und für den täglichen Gebrauch entwickelt worden. Aus zwei unterschiedlichen, farblich nuancierten Materialien hergestellt, passt sie zu fast jedem Outfit. Mit einem Innenfach bietet sie außerdem Platz für alle wichtigen Kleinigkeiten im Leben. Ein absolut sinnvolles und langlebiges Accessoire.

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VfmK Verlag für moderne Kunst GmbH Salmgasse 4a 1030 Vienna Austria www.vfmk.org hello@vfmk.org Phone: +43-1-5354970-15

MANAGING DIRECTOR AND PUBLISHER Silvia Jaklitsch SENIOR PUBLISHERS Ralf Herms Manfred Rothenberger Karl Gerhard Schmidt SALES Esther Karner MARKETING & PRESS Dajana Dorfmayr Katharina Drechsel-Pötz PROJECT MANAGEMENT Sonja Gruber

SALES COOPERATIONS WITH starfruit publications, starfruit-publications.de Harpune Verlag, harpune.at 100 Häuser, 100haeuser.de

DISTRIBUTION

REPRESENTATIVES

EUROPE (except Switzerland) LKG Leipziger Kommissions- und Großbuchhandelsgesellschaft mbH An der Südspitze 1–12 04571 Rötha Germany Phone +49-34206-65205 Fax +49-34206-651734 ronja.kiso@lkg-service.de www.lkg-va.de

GERMANY and AUSTRIA Stefan Schempp Verlagsvertretungen Wilhelmstraße 32 80801 Munich Germany Phone +49-89-23077737 Fax +49-89-23077738 stefan.schempp@mnet-mail.de

GREAT BRITAIN Cornerhouse Publications 2 Tony Wilson Place, First Street Manchester M15 4FN Great Britain Phone +44-161-212 3468 publications@homemcr.org www.cornerhousepublications.org WORLDWIDE Artbook / D. A. P. 75 Broad Street Suite 630 New York, NY 10004 USA Phone +1-212-6271999 Fax +1-212-6279484 enadel@dapinc.com www.artbook.com

FOR BERLIN, HAMBURG, NORTH GERMANY, NRW Stefan Schempp in cooperation with: Michael Klein c/o Vertreterbüro Würzburg Huebergasse 1 97070 Würzburg Germany Phone: +49-931-17405 klein@vertreterbuero-wuerzburg.de ITALY, SPAIN, PORTUGAL, GREECE & CYPRUS Bookport Associates Ltd via Luigi Salma, 7 20094 Corsico (MI) Italy Phone +39-02-4510-3601 Fax +39-02-4510-6426 bookport@bookport.it SWITZERLAND Markus Wieser Kasinostraße 18 8032 Zürich Switzerland Phone +41-44-2603605 Fax +41-44-2603606 wieser@bluewin.ch

VERLAG FÜR MODERNE KUNST