VFMK Spring 2021

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HIGHLIGHTS

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BIRGIT BRENNER „Ich werfe Bilder in die Welt und sage, so könnte man die Dinge sehen.“ Birgit Brenner

Jemanden Fragen “I project images into the world and say, this is how you could see things.” Birgit Brenner Injustice, violence, failure, promises of happiness and surveillance are just a few of the topics Birgit Brenner deals with in her socially critical works and which she condenses with images and text. In her drawings, largescale installations and videos, she addresses the fact that her protagonists are trapped in a wide variety of living conditions, full of constraints and disappointments, often underlined with irony and black humor. Experiences of fear, despair and death have their say.

EXHIBITION 24.10.2020 – 25.5.2021 Städtische Galerie Wolfsburg

Birgit Brenner

EDITOR Susanne Pfleger TEXTS Susanne Kleine, Susanne Pfleger, Anke Sterneborg CONVERSATION Anke Sterneborg with Birgit Brenner

Jemanden Fragen

ädtische Galerie Wolfsburg

DESIGN Huelsenberg Studio with Niklas Sagebiel DETAILS German / English, Hardcover with coffered ceiling, 184 pages, 34 × 22.5 cm, about 72 ills. in color + 160 film stills

Verlag für moderne Kunst

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Brenner adds text collages to her works, which could also come from our everyday lives: “Selbst Schuld” (“Your own guilt”), “Die Tränen falsch, der Kummer echt” (“The tears false, the grief real”) or “I Wish I had A Vision” can be read there. As the winner of the Wolfsburg Art Prize “Junge Stadt sieht Junge Kunst,” Birgit Brenner shows new video works as well as an extensive installation in her exhibition. The catalog created in context shows a selection of her works from 2014 to 2020.

Ich, Gott und die Welt 100 Tage –100 Werke –100 Autoren

100 Tage – 100 Werke – 100 Autoren

Ihren Werken fügt Brenner Textcollagen hinzu, die auch aus unserem Alltag stammen könnten: „Selbst Schuld“, „Die Tränen falsch, der Kummer echt“ oder „I Wish I had A Vision“, sind da zu lesen. Als Preisträgerin des Wolfsburger Kunstpreises „Junge Stadt sieht Junge Kunst“ zeigt Birgit Brenner in ihrer Ausstellung neue Videoarbeiten sowie eine raumgreifende Installation. Das im Kontext entstehende Buch zeigt eine Auswahl ihrer Werke aus den Jahren 2014 bis 2020.

But Brenner also looks at current political situations and social developments.

ICH, GOTT & DIE WELT

Ungerechtigkeit, Gewalt, Scheitern, Glücksversprechen und Überwachung sind nur einige der Themen, mit denen sich Birgit Brenner in ihren gesellschaftskritischen Werken auseinandersetzt und die sie mit Bild und Text verdichtet. In ihren Zeichnungen, raumgreifenden Installationen und Videos thematisiert sie, oftmals ironisch unterfüttert und mit schwarzem Humor, das Gefangensein ihrer Protagonist_innen in unterschiedlichsten Lebensverhältnissen, voller Zwänge und Enttäuschungen.

Erfahrungen von Angst,

Verzweiflung und Tod kommen zu Wort. Brenner wirft aber auch den Blick auf aktuelle politische Situationen und gesellschaftliche Entwicklungen.

TIMM ULRICHS

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ICH, GOTT & DIE WELT

EDITOR Matthias Reichelt for Haus am Lützowplatz (HaL), Berlin PREFACE Marc Wellmann TEXTS Matthias Reichelt, Bernhard Holecek, 100 authors, Timm Ulrichs CONVERSATION Matthias Reichelt with Timm Ulrichs

Birgit Brenner, Köln, 2016, courtesy Galerie EIGEN + ART Leipzig/Berlin, Photo © Uwe Walter, Berlin

DESIGN Jürgen W. Lisken, Kommunikationstransfer, Berlin DETAILS German, Hardcover, 28 × 28 cm, 264 pages, numerous ills. in color and b / w

EURO 39.– ISBN 978-3-903320-99-4 PUBLISHED

EURO 35.– ISBN 978-3-903320-69-7 PUBLISHED

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Timm Ulrichs, Die weißen Flecken meiner KörperLandschaft. Kennzeichnung der mir damals direkt sichtbaren Bereiche meines Körpers, 1968, Photo © Marli + Bert Schell, Wiesbaden, 1971

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100 Tage – 100 Werke – 100 Autoren

Anlässlich seines 80. Geburtstags hält Timm Ulrichs inne und lässt sein bisheriges Werk beispielhaft anhand von 100 ausgewählten und von 100 Autor_innen kommentierten Exponaten im Haus am Lützowplatz Berlin Revue passieren. Das streng formalisierte Ausstellungskonzept sieht bei seiner Eröffnung einen leeren Raum vor, der sich ab dem folgenden Tag um jeweils ein Werk füllen wird. Die sich so über einen Zeitraum von exakt 100 Tagen akkumulierende Ausstellung bricht mit den üblichen Konventionen des Kunstbetriebs und verdreht sie auf der Zeitachse um 180 Grad. Am Ende liegt das 100-fache und in täglichen Tranchen gelüftete Geheimnis in Gestalt eines Buches zum Erwerb bereit.

Seit 1960 entwickelt Ulrichs Ideen und materialisiert diese zu Werken. Im Laufe der Zeit hat er einen beachtlichen Fundus geschaffen, aus dem er immer wieder schöpft. Er macht sich zum Maß aller Dinge, erforscht und vermisst sich, setzt sich Pars pro Toto für die Menschheit ins Verhältnis zu Gesellschaft, Natur und Universum.

EXHIBITION 7.3.– 2.8.2020 Haus am Lützowplatz, Berlin

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On the occasion of his 80th birthday, Timm Ulrichs is pausing and reviewing his oeuvre created up to now with 100 selected works, commented upon by 100 authors, at the Haus am Lützowplatz in Berlin. The strictly formalized exhibition concept envisions at its opening an empty space to which will be added one work each successive day. The exhibition thereby accumulating over exactly 100 days departs from the customary conventions of the art world and twists them 180 degrees on the temporal axis. At the end there is a hundredfold secret, disclosed in daily segments and available for purchase in the shape of a book.

Ever since 1960, Ulrichs has been developing ideas and giving them material form. Over time he has created a considerable body of works from which he draws repeatedly. He makes himself the measure of all things, explores and measures himself, sets himself pars pro toto as a representative of humanity into relationship with society, nature and the universe.

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MIRIAM STURZENEGGER

EDITOR Kunsthaus Centre d’art Pasquart Biel / Bienne TEXTS Michael Bracewell, Felicity Lunn

Bodytronic

DESIGN Maeve Redmond DETAILS English / German / French, Softcover, 112 pages + 8 pages cover, 28 × 21.5 cm, numerous ills. in color

Die schottische Künstlerin France-Lise McGurn malt auf Leinwand und direkt auf Wände, Böden wie Decken von Ausstellungsräumen und verbindet beides oft zu einem vereinnahmenden Erlebnis. Für ihre künstlerische Arbeit greift sie auf ein gesammeltes Archiv von Bildern aus Filmen, ClubFlyern und Magazinen sowie auf ihre eigenen Erfahrungen zurück, die vom Leben in einer Stadt, von Partys und Träumen bis hin zu Mutterschaft und weiblicher Sexualität reichen. „Bodytronic“ verweist auf das Rhythmische, die Trance und den bewegenden Körper. Auf den Wänden formieren sich Linien zu Figuren, einzelne Körperteile schweben ungezwungen über die Oberfläche und kombinieren gehängte Leinwände mit Wandmalerei.

Die schnellen Pinselstriche und wiederkehrenden Farbflecken beleben den Raum mit Suggestionen von Lust, ständiger Bewegung und der

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France-Lise McGurn, Bodytronic, 2020, Kunsthaus Centre d’art Pasquart, Biel / Bienne, courtesy the artist and Simon Lee Gallery, Photo © Stefan Rohner

EXHIBITION 19.9.– 22.11.2020 Kunsthaus Centre d’art Pasquart Biel / Bienne

EURO 30.– ISBN 978-3-903796-07-2 PUBLISHED

vielschichtigen Beschaffenheit zeitgenössischer Erfahrung.

McGurns archetypische Figuren deuten auf die Anonymität des Stadtlebens und gleichzeitig auf eine seltsame Intimität urbaner Nähe.

The Scottish artist France-Lise McGurn paints on canvases as well as directly on the walls of exhibition spaces, often combining the two to create an immersive experience.

In her work she draws on a collected archive of images from films, club flyers and magazines, as well as her own experiences, ranging from life in a city, partying and dreams of motherhood and female sexuality. “Bodytronic” refers to the rhythmic, the trance and the moving body. Individual body parts float unrestrained across the different surfaces, connecting the canvases with the wall painting they are directly placed onto. The swift brushstrokes and repeated

Die Einzelausstellung und die begleitende Publikation zeigen eine Auswahl neuer Werke, welche France-Lise McGurn während des COVID-19-Lockdowns produzierte. Das Eingeschlossensein hat ihr die Kluft zwischen privatem und öffentlichem Leben vor Augen geführt, insbesondere die Reaktion auf bestimmte Verhaltensweisen.

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marks spill freely across canvases onto surrounding surfaces, animating the space with suggestions of pleasure, continual motion and the layered quality of contemporary experience. McGurn’s archetypal figures suggest both the distance of city life and the strange intimacy of urban connection.

The solo exhibition and accompanying publication show a selection of new works that McGurn produced during the COVID-19 lockdown.

Confinement has highlighted for her the gap between private and public lives, specifically the response to certain kinds of behavior.

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Das künstlerische Interesse der Manor Kunstpreisträgerin Miriam Sturzenegger gilt Material, Materie und gebautem Raum. In ihrer Beschäftigung mit Räumen und Architekturen fokussiert sie sich auf die Substanz von Werkstoffen, Beschaffenheit von Belägen oder materialinhärente Energien, richtet ihren Blick auf Technologien der Verarbeitung oder den alltäglichen Gebrauch von Material. Diese der Materie eingeschriebenen Eigenschaften bestimmen die künstlerische Formbildung mit. Über die Umwertung und Transformation skulpturaler und materieller Merkmale werden Werke konsequent in der Reduktion entwickelt und erinnern dabei oft an architektonische Elemente.

Ausgehend von einer längerfristigen Auseinandersetzung mit der Ausstellungsumgebung basieren die Arbeiten auf raumbildenden Prozessen und Zusammenhängen und können etwa als organisierende Eingriffe in den Raum, als Verschiebung oder als Ablagerung gelesen werden. Die Ausstellung zeigt eine Kombination von ortsspezifischen Interventionen, neu produzierten Werkgruppen und ausgewählten bestehenden Arbeiten. Miriam Sturzenegger lebt in Bern und arbeitet in Emmenbrücke in der Schweiz.

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Miriam Sturzenegger

Reliefenergie Miriam Sturzenegger Reliefenergie

FRANCE-LISE MCGURN

The artistic interests of the Manor Award winner Miriam Sturzenegger concern material, matter and the built environment. In her preoccupation with spaces and architecture she focuses on the substance of construction materials, the quality of surfaces or the energies inherent in materials, looks at treatment technologies or the everyday use of material.

These features inscribed in the material contribute to determining the artistic form. Via a re-evaluation and transformation of sculptural and material features works are consistently developed in terms of a reduction and in doing so frequently recall architectural elements.

Arising from a longer-term preoccupation with the exhibition environment, the works are based on space-forming processes and connections and can be read for example as organising interventions in the space, as a displacement or layering. The exhibition presents a combination of site-specific interventions, newly produced groups of work and selected existing works.

Miriam Sturzenegger lives in Bern and works in Emmenbrücke, Switzerland.

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Kunsthaus Centre d’art Pasquart Verlag für moderne Kunst

EDITOR Kunsthaus Centre d’art Pasquart Biel / Bienne TEXTS Gabrielle Schaad, Nadia Veronese, Felicity Lunn DESIGN PIN (Samuel Bänziger, Rosario Florio, Larissa Kasper) DETAILS German/French/English, Softcover, 208 pages, 29.7 × 21 cm, numerous ills. in color

EURO 32.– ISBN 978-3-903796-06-5 PUBLISHED

Miriam Sturzenegger, What Remains (Black Line), 2020, Kunsthaus Centre d’art Pasquart, Biel / Bienne, Photo © Stefan Rohner

EXHIBITION 19.9.– 22.11.2020 Kunsthaus Centre d’art Pasquart Biel / Bienne

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KEVIN COYNE

FRANZ DOBLER

The Crazy World of Kevin Coyne – Künstler und Rockpoet Die Monografie „The Crazy World of Kevin Coyne“ würdigt erstmals Leben und Werk des britischen Rock-Poeten, Musikers und Künstlers Kevin Coyne (1944 – 2004).

The monograph “The Crazy World of Kevin Coyne” for the first time pays tribute to the life and work of the British rock poet, musician and artist Kevin Coyne (1944 – 2004).

Geboren 1944 in Derby begeisterte sich Coyne schon früh für Musik und Malerei.

Mitte der 1960er-Jahre arbeitete er zunächst als Kunsttherapeut in einer psychiatrischen Klinik, später als Sozialarbeiter mit Drogensüchtigen. „Diese Erfahrungen lehrten mich, dass die Welt kein fairer Ort ist“ (Coyne), sie beeinflussten nachhaltig seine Musik, seine Malerei und seine Texte, die sich vornehmlich mit den Ausgestoßenen und Vergessenen der Gesellschaft beschäftigen.

Born in Derby in 1944, Coyne took an early interest in music and painting. In the mid-1960s, he first worked as an art therapist in a psychiatric clinic and later as a social worker with drug addicts. “These experiences taught me that the world is not a fair place” (Coyne); they had a lasting influence on his music, his painting and his texts, which deal primarily with the outcast and forgotten of society.

Neben einem ausführlichen biografischen Essay von Steffen Radlmaier enthält dieses Buch Aufsätze zu den verschiedenen Facetten von Coynes vielfältigem Werk, zahlreiche zum Teil erstmals veröffentlichte Fotografien, eine Auswahl seiner Bilder und Zeichnungen, Interviews, Gedichte und Songtexte sowie einen umfassenden bibliografischen Apparat.

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Kevin Coyne, Artaud, 1990, Giacometti, 1992, publication view, Photo © starfruit publications, 2020

EDITOR Steffen Radlmaier, Michael Bader (KunstKulturQuartier Nürnberg), Manfred Rothenberger (Institut für moderne Kunst Nürnberg) TEXTS Karl Bruckmaier, Kevin Coyne, Fitzgerald Kusz, Paul Morley, Christian Mückl, Petra Nossek-Bock, Steffen Radlmaier, Susan Scholl, Richie Unterberger DESIGN Timo Reger DETAILS German, Hardcover, 21 × 14 cm, 384 pages, 140 ills. in color, 68 ills in b / w

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EURO 28.– ISBN 978-3-922895-40-4 PUBLISHED

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In addition to a detailed biographical essay by Steffen Radlmaier, this book contains essays on the various facets of Coyne’s diverse work, numerous photographs, some of which have been published for the first time, a selection of his pictures and drawings, interviews, poems and song texts, and a comprehensive bibliographic apparatus.

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The writer, DJ and music connoisseur Franz Dobler has not studied at any institute of literature but, or maybe because of that, writes very good poems.

This book contains 35 new poems and everything from Dobler’s first two volumes of poetry “Ich fühlte mich stark wie die Braut im Rosa-Luxemburg-T-Shirt” (2009) and “Jesse James und andere Westerngedichte” (1991).

Ich will doch immer nur kriegen was ich haben will

Der Schriftsteller, DJ und Musik-Kenner Franz Dobler hat an keinem Literaturinstitut studiert und schreibt trotzdem oder gerade deshalb sehr gute Gedichte. Dieses Buch enthält 35 neue Gedichte und alles aus Doblers ersten zwei Gedichtbänden „Ich fühlte mich stark wie die Braut im RosaLuxemburg-T-Shirt“ (2009) und “Jesse James und andere Westerngedichte” (1991).

Drink bleiben“ (Heiko Werning). Das ist selten in der deutschsprachigen Lyrik.

Juliane Lieberts Schwarz-WeißFotografien spielen dazu die passende Begleitmusik. Es sind schnelle Shots aus der urbanen Prärie – aus architektonischen, gesellschaftlichen und mentalen Randzonen. In einem dieses Buch abschließenden Gespräch mit Herausgeber Manfred Rothenberger denkt Franz Dobler nach über das Rauchen, den Räuber Mathias Kneißl, Lyrik für die Gartenabteilung eines Baumarkts, ausgewählte Arschlöcher und den Tod.

Doblers Gedichte winden keine Metaphern-Kränze, sondern sind geprägt von Widerspruch und Witz, von Gefühl und Härte, vom Schmerz über den Lauf der Welt. Einer der letzten Wildläufer im deutschen Literaturbetrieb bringt die Dinge auf den Punkt, zeigt poetisch und politisch Kante, schont nichts und niemanden, und am allerwenigsten sich selbst. Man hat das Gefühl, da ist jemand, „mit dem man gern mal einen trinken würde, obwohl man weiß, es wird nicht bei einem

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EDITOR Manfred Rothenberger TEXTS Franz Dobler DESIGN Timo Reger DETAILS German, Hardcover, 21 × 14 cm, 288 pages, 47 ills in b / w

EURO 25.– ISBN 978-3-922895-39-8 PUBLISHED

Gedichte 1991– 2020

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Dobler’s poems do not wind wreaths of metaphors, but they evince conflict and wit, feeling and hardship, pain over the course of the world. One of the last renegades in the German literary scene gets things to the point, poetically and politically shows edges, spares nothing and nobody, and least himself.

One has the feeling that there is someone “with whom you’d like to have a drink, even when you know, it won’t just be one drink” (Heiko Werning). That is rare in German-language poetry.

Juliane Liebert’s black and white photographs are the suitable accompanying music.

They are quick shots from the urban prairie—from architectural, social and mental fringes. In one of the book’s concluding conversation with Manfred Rothenberger, Franz Dobler thinks about smoking, the robber Mathias Kneißl, poetry for the gardening section of a building-supply store, selected assholes and death.

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FUSSBALL ALS NAHTODERFAHRUNG EDITOR Manfred Rothenberger TEXT Oliver Fritsch DESIGN Timo Reger DETAILS German, Hardcover, 21× 14 cm, 184 pages, 51 ills. in color, 6 ills. in b / w

Roland: Das wusste ich nicht. War es falsch von mir, dir das Ma-

Fast jeder hat eins zuhause – auch wenn er das oftmals nicht mehr bemerkt, denn Provisorien schleichen sich nicht nur in unser Leben, sie machen es sich darin auch gerne gemütlich. Obwohl sie meist nur zur vorübergehenden Behebung eines Missstandes erfunden wurden, bleiben sie nicht selten für immer.

radona-Shirt zu schenken?

Oliver: Nein, das war ja Jahre später, ich trage es noch immer.

Als Erwachsener weiß ich: Maradona war der Größte aller Zeiten.

Mir fällt noch ein Ereignis aus meiner Zeit als Trainer ein. 2011 war ich mit der SV Blankenese im Abstiegskampf der Landesliga Hammonia Hamburg. In den letzten Spieltag gingen wir mit drei Punkten und acht Toren Vorsprung, das hätte unser Konkurrent, der HEBC aus Eimsbüttel, unter normalen Umständen nicht aufholen können. Wir hätten uns sogar eine knappe Niederlage leisten können. Doch während die zweite Halbzeit begann, erfuhren wir, dass der HEBC rasch von 2:0 auf 5:0, endlich auf 8:0 erhöhte.

Also genau auf das Ergebnis, was ihnen half und uns unter Zugzwang setzte. Gottseidank glichen wir noch zum 1:1 aus und kamen mit dem Schrecken davon. Wir feierten allerdings gar nicht, niemandem war danach. Alle wussten: Auf dem anderen Platz war es nicht mit rechten Dingen zugegangen, da wurde geschoben, vermutlich mit ein paar Bierkisten.

Roland: Es ist nicht ungewöhnlich im Amateurfußball, dass am letzten Spieltag seltsame Dinge passieren.

Konstantinos Mavropanos, Photo © Daniel Marr, 2020

Das Relegationsspiel zwischen dem FC Ingolstadt und dem 1.

FC Nürnberg am 11. Juli 2020 Am Abend des 11. Juli 2020 um kurz vor 20.10 Uhr stand der 1. FC Nürnberg vor dem Abgrund. Zu dieser Zeit lief das Relegationsrückspiel in Ingolstadt. Allen Club-Fans war klar: Der Sturz in die Dritte Liga wäre nicht nur eine sportliche Niederlage, sondern könnte den völligen wirtschaftlichen Zusammenbruch des Vereins bedeuten. Als die Nachspielzeit abgelaufen war und Nürnberg noch ein letzter Angriff gestattet wurde, geschah Wundersames. In der 96. Spielminute schoss Fabian Schleusener mit seinem ersten Tor für den 1. FC Nürnberg das 3:1. Nürnberg war gerettet, in allerletzter Sekunde. Was folgte, war ein einziger Schrei und ein Chaos der Gefühle. Zwar ging das Spiel letztlich für Nürnberg gut aus, aber es war kein Erfolg, der Freude und Leichtigkeit

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EURO 25.– ISBN 978-3-922895-42-8 PUBLISHED

Oliver: Wenn man selbst betrogen wird, fühlt sich das schal an, selbst bei einem Happy End. An diesem Abend konnte ich kaum schlafen, ich fühlte mich ein paar Tage wie durchgekaut.

Almost everyone has one at home — even if they are not noticed anymore, because provisional solutions not only creep into our lives, they also like to make themselves comfortable in them. Although they were mostly only invented to temporarily remedy a problem, they often remain forever.

Roland: Wie viel auf der bis Zehn reichenden Ingolstadt-Skala?

Oliver: Sechs. Ingolstadt war tatsächlich das intensivste Fußballerlebnis meines Lebens. Auch Michael Wiesinger erzählte mir, 32

auslöste. Bereits im Moment des Jubels ergriffen von den Club-Fans seltsame Gefühle Besitz – Trauer, Schmerz, Wut und eine große Leere.

Mikael Ishak

The relegation game between FC Ingolstadt and 1. FC Nürnberg on July 11, 2020 On the evening of July 11, 2020, shortly before 8:10 p.m., 1. FC Nürnberg was facing the abyss. At that time the relegation second leg was running in Ingolstadt. It was clear to all club fans: the fall into the third division would not only be a sporting defeat, but could mean the complete economic collapse of the club.

When stoppage time was up and Nuremberg was allowed one last attack, something miraculous happened. In the 96th minute of the game, Fabian Schleusener scored the 3 – 1 with his first goal for 1. FC Nürnberg. Nuremberg was saved, at the very last second. What followed was a single scream and a chaos of emotions. In the end, the game ended well for Nuremberg, but it was not a success that brought

Der Autor Oliver Fritsch, Sportjournalist für Zeit Online und Roland Wittner sprechen über das kollektive Leidenserlebnis Ingolstadt, das Dasein als Club-Fan, verschiedene Begleiterscheinungen des modernen Fußballs, kathartische Abgründe und natürlich das rettende Tor. Es ist ein therapeutisches Buch, eine Art schriftlicher Stuhlkreis – nicht nur für die Autoren und die Club-Fans, sondern für alle Sportbegeisterten, die wissen wollen, was der Fußball mit uns Menschen macht.

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Mikael Ishak, Photo © Daniel Marr, 2020

joy and ease. Even at the moment of cheering, the club fans were gripped by strange feelings — sadness, pain, anger and a great emptiness.

The author Oliver Fritsch, sports journalist for Zeit Online, and Roland Wittner talk about the collective distressing experience in Ingolstadt, the existence as a club fan, various side effects of modern football, cathartic abysses and of course the saving goal. It is a therapeutic book, a kind of written sharing circle — not just for the authors and club fans, but for all sports enthusiasts who want to know what football does to us humans.

Unterhemd, courtesy Sandra Danicke, 2020, Photo © Helmut Wielpütz

Seit vielen Jahren sammelt Sandra Danicke Fotos von Alltagsprovisorien. Einige hat sie selbst entdeckt, andere stammen von Freunden. Seit zwei Jahren schicken auch die Leser_innen ihrer Kolumne in der Frankfurter Rundschau Bilder ihrer eigenen Konstruktionen.

Die Lösungen, die die Menschen finden, um ihren Alltag zu erleichtern, sind häufig so kreativ, dass man staunend den Hut ziehen möchte. Manches ist zweckentfremdet, anderes eigens gebastelt, immer jedoch wurden Dinge verwendet, die gerade zur Hand waren: ein Kleiderbügel, der als Schminkspiegelhalterung dient, ein alter Damenpump, der eine Tür aufhält, eine Bierflasche, die ein Jackett beschwert, um es zu glätten – individuelle Kreationen für den Augenblick. Oder für den Rest des Lebens.

Für Immer Leben mit Provisorien

Sandra Danicke

Für immer

Leben mit Provisorien

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EDITOR Sandra Danicke TEXT Sandra Danicke, Joseph Grigely DESIGN Guido Stazinski DETAILS German, Paperback, 200 pages, 20 × 14 cm, about 300 ills. in color

Sandra Danicke has been collecting photos of everyday provisional solutions for many years. Some she discovered herself, others come from friends. For two years now, the readers of her column in the Frankfurter Rundschau have also been sending pictures of their own constructions.

The solutions that people find to make their everyday lives easier are often so creative that you want to take off your hat in amazement. Some things are diverted, others specially made, but things that were just at hand are always used: a clothes hanger that serves as a make-up mirror holder, an old lady’s pump that holds a door open, a beer bottle that weighs down a jacket to smooth it out — individual creations for the moment. Or for the rest of your life.

EURO 25.– ISBN 978-3-903796-57-7 PUBLISHED IN FEBRUARY

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DORE MEYER-VAX

LINDA BILDA EDITOR Andrea Dippel, Kunstvilla im KunstKulturQuartier TEXTS Ewald Arenz, Andrea Dippel, Nora Gomringer, Lothar Lang, Dore Meyer-Vax, Sabine Weigand, Inge Weinke, Bernd Zachow

Engangierte Kunst „Malenswert ist vor allem der Mensch. Was ist das aber für ein Mensch?“ lautete das künstlerische Credo der Nürnberger Malerin und Grafikerin Dore Meyer-Vax, die in den 1920er-Jahren u.a. bei Max Körner in Nürnberg sowie bei Rudolf Emil Weiß und Karl Hofer in Berlin studiert hat.

Nach 1945 thematisierte sie zunächst die Erfahrung des Nationalsozialismus und des Zweiten Weltkriegs in Sinnbildern von zerstörten Städten und traumatisierten Menschen.

Ende der 1960er-Jahre wandte sich Meyer-Vax verstärkt dem Zeitgeschehen zu und schuf ein beeindruckendes Œuvre politischer Grafik. Daneben wurden Mutter-Kind-Szenen ein bevorzugtes Motiv der kinderlos gebliebenen Künstlerin.

Außerdem wirkte Dore MeyerVax im Bereich Kunst am Bau.

“Above all, people are worthy of being painted. But what kind of being is that?” was the artistic credo of the Nuremberg painter and graphic artist Dore Meyer-Vax, who in the 1920s, among others, studied with Max Körner in Nuremberg and with Rudolf Emil Weiß and Karl Hofer in Berlin. After 1945, she first addressed the experience of National Socialism and the Second World War in symbols of destroyed cities and traumatized people. At the end of the 1960s, Meyer-Vax turned increasingly to contemporary events and created an impressive oeuvre of political graphics. In addition, motherand-child scenes became a preferred motif for the artist, who remained childless. Dore Meyer-Vax also worked in the field of art in architecture.

DESIGN Wolfgang Gillitzer DETAILS German, Paperback, 24 × 16.5 cm, 129 Ills. in color

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LINDA BILDA

EDITORS ARTCLUB WIEN Kunstverein, Christoph Schäfer, Hemma Schmutz TEXTS Sabeth Buchmann, Alice Creischer, Stephan Dillemuth, Silvia Eiblmayr, Ariane Müller, Christoph Schäfer, Hemma Schmutz, Andreas Siekmann

EURO 27.– ISBN 978-3-903320-38-3 PUBLISHED

DESIGN Abteilung eins, Teresa Teufl and Hannah Zinöcker DETAILS German, Paperback, 194 pages, 271 × 22 cm, ca. 95 in color

EXHIBITION 11.11.2020.– 7.3.2021 Lentos Kunstmuseum Linz

Dore Meyer-Vax in her atelier apartment, Jochensteinstr.35, Photo © unknown, 1973

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Linda Bilda, Caro Diario, 2000, courtesy estate Linda Bilda, Photo © Ralf-Bodo Kliem, 2020

EURO 29.– ISBN 978-3-903796-39-3 PUBLISHED

The richly illustrated catalog documents for the first time the work of an artist who remained loyal to figuration as an expression of political creative drive throughout her life.

Der reich bebilderte Katalog dokumentiert erstmals das Schaffen einer Künstlerin, die der Figuration als Ausdruck politischen Gestaltungswillens zeit ihres Lebens treu blieb.

Amor vincit omnia

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Die Wiener Künstlerin Linda Bilda intervenierte bereits früh mit unerschrockenen Aktionen im öffentlichen Raum, gründete mehrere Zeitschriften, produzierte Comics, anmaßende Malereien, organisierte Leseund Diskussions-Zirkel, schrieb Manifeste, erfand neue Bildtechniken für den öffentlichen Raum und hielt als Erfinderin Patente für ein von ihr entwickeltes Leuchtglas. Ihre Arbeit ringt um eine „emanzipatorische Bildpolitik“.

Die Dringlichkeit und der Anspruch auf gesellschaftliche Veränderungen in den unterschiedlichen Werksträngen der Künstlerin sollen in diesem ersten umfassenden Sammelband aufgezeigt werden. Die vorliegende Publikation erscheint zeitgleich zur Retrospektive im Lentos Kunstmuseum Linz.

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The Viennese artist Linda Bilda intervened early on in her career in public space with her fearless activities. She founded several journals, produced comics and provocative paintings, organized reading and discussion circles, invented new open-air imaging techniques and held international patents for a major invention, which she called light-glass.

In her work, she strives for an “emancipatory pictorial policy.”

The urgency and the claim for social changes in the artist’s diverse strands of work are to be shown in this first comprehensive anthology. The present publication appears at the same time as the retrospective in the Lentos Art Museum Linz.

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PIA BECKMANN

CHRISTIAN SCHIENERL “There are many things that we don’t see or perceive and which still have a strong influence on us in life.” (Winfried Muthesius)

free Perspektiven auf die Freiheit

EDITOR Pia Beckmann PREFACES Hans-Michael Borgas, Pia Beckmann TEXTS Sabine Emmrich, Julia Hackober, Friederike Haupt, Philo Holland, Vivian Kube, Andreas Nentwich, Uli Rothfuss, Angelina Schülke, Christoph Tannert, Pauline Weller PERSONAL STORIES Anke B., Erika Beck, René Dexheimer, Uta Eisenhardt, Ronny Hemmann, Muhterem Konal, Sabine Schummy CONVERSATION Pia Beckmann with Winfried Muthesius ARTWORK Winfried Muthesius

„Es gibt viele Dinge, die wir nicht sehen oder nicht wahrnehmen und die uns im Leben dennoch stark beeinflussen.“ (Winfried Muthesius) Was bedeutet uns Freiheit?

Kann sie an Diffamierung grenzen? Wann geraten Gerichte an ihre Grenzen?

Stärkt Protest demokratische Freiheitsrechte in Zeiten einer Pandemie? Können wir wieder so vorurteilsfrei werden wie ein Kind? Wie frei ist die Generation der Millenials eigentlich? Werden die Seufzer der Opfer und Täter im Gold lautlos verwahrt?

Kann Kunst und Kultur den Menschen besser machen?

Was hat Freiheit mit Kreativität zu tun? Diesen Fragen gehen namhafte Autor_innen im Alter von 17 bis 64 Jahren aus ihrer Perspektive nach.

DESIGN Gerd Beck Design DETAILS German, Paperback, 160 pages, 24 × 17 cm, 48 ills. in color

EURO 24.– ISBN 978-3-903796-13-3 PUBLISHED

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What does freedom mean to us? Can it border on defamation? When do courts reach their limits? Does protest strengthen democratic freedoms in times of pandemic?

Can we become as free of prejudice as a child again?

How free is the millennial generation? Are the sighs of the victims and perpetrators silently kept in gold? Can art and culture make people better? What does freedom have to do with creativity? Well-known authors between the ages of 17 and 64 investigate these questions from their perspective.

von Menschen, die ihre persönliche Geschichte mit der Herausgeberin geteilt haben und das, was Freisein für sie bedeutet: von der Strafrichterin, über die BlattgoldBeschneiderin bis hin zum Sanitäter.

At the same time, individual fates are targeted. Seven portraits tell of people who shared their personal story with the editor and what freedom means to them: from the criminal judge to the gold foil cutter and the paramedic.

Bereichernd beim Lesen sind Muthesius’ Kunstfotografien von seiner Installation „free“, die sich durchgängig durch die vorgestellten Schicksale und Sichtweisen ziehen und Inspiration zum Weiterdenken entfalten. Das Buch ist der Anfang einer Diskussion über Freiheit, die mit allen Interessierten fortgesetzt wird.

Muthesius’ art photographs from his installation “free” are enriching while reading them.

They accompany the presented fates and perspectives and develop inspiration for further thinking. The book is the beginning of a discussion about freedom that will continue with all interested parties.

Gleichzeitig werden einzelne Schicksale ins Visier genommen. Sieben Porträts erzählen

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Wie ich bis heute Abend die Erderhitzung stoppe und ab morgen nachhaltig lebe …

JETZT „JETZT“ ist ein Schulbuch für Freitage: Wissenschaftliche Grundlagen, Ursachen und Auswir­kungen der Klimakrise werden leicht verständlich dargestellt. Dem Autor auf der Spur durch seinen Alltag entdecken wir gigantische ökologische Fußabdrücke, wie wir sie alle hinterlassen – und erfahren, was wir tun können, um sie zu verkleinern.

Doch wie wichtig individuelle Lebensstiländerungen auch sind, längst reichen diese nicht mehr, um eine so umfassende Wende herbeizuführen, wie sie von der Wissenschaft als unumgänglich beschrieben wird: Nur noch wenige Jahre verbleiben, um weltweite Treibhausgasemissionen massiv zu reduzieren und damit die Erd­erhitzung auf 1,5 – 2 °C einzudämmen. Gelingt das nicht, ­werden wir alle Kontrolle über die Entwicklung des Klimas und unseres lebendigen Planeten verlieren. Erstmals stehen nun viele von uns als Erden­­bürger_innen vereint für eine bessere Welt für alle auf einem Planeten ein – im Wissen, dass Lösungen für die Krise vorhanden sind, „JETZT“ aber auch in die Tat umgesetzt werden müssen.

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How I Will Stop Global Warming by Tonight and Live Sustainably Ever After …

EDITOR + TEXTS Christian Schienerl DESIGN SCHIENERL D/AD, Vienna DETAILS German and English edition, Softcover, 216 pages, 22 × 22 cm, approx. 200 ills. in color EURO 18.– ISBN 978-3-903796-03-4 German edition ISBN 978-3-903796-02-7 English edition PUBLISHED

Ein Bilderbuch zu Wissenschaft und Alltag der Klimakrise

NOW “NOW” is a textbook for Fridays: It explains the scientific basics, causes and impacts of the climate crisis in layman’s terms. Following the author through a typical day of his, the book explores what gigantic Ecologi­cal Foot­prints we leave behind in our everyday lives — and what we can do to shrink them.

But as important as individual lifestyle c ­ hoices may be, they will not suffice to bring about the kind of transformative change that science warns us has become indispensable: Only a few years remain to substantially curb global greenhouse gas emissions and thereby limit global warming to 1.5 – 2 °C. Should we fail at this, we will lose all control over how the climate and our living planet will evolve. But for the first time many of us now stand united as Earth citizens in a fight for a better world for all on one planet Earth—aware that solutions to the crisis are already at hand, but “NOW” also need to be put into action.

A Visual Guide to the Science and Everydayness of the Climate Crisis

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STORMY WEATHER

DURST

Künstler_innen/artists: Susanna Flock & Leonhard Müllner, Fragmentin (David Colombini, Marc Dubois & Laura Perrenoud), Stefan Karrer, Till Langschied, Marc Lee, Yein Lee, Christiane Peschek, Total Refusal (Robin Klengel, Leonhard Müllner & Michael Stumpf), Christoph Wachter & Mathias Jud

Susanna Flock & Leonhard Müllner, Morgenerst Abendletzt, 2019, Photo © Jürgen Grünwald

Die Metapher wie auch die Realität der Wolke, der Cloud, sind in unserem Alltag allgegenwärtig. Sie ist nicht nur der Ort, an dem Daten gespeichert werden, sondern auch – mit Cloud-Computing, Cloud-Gaming oder Cloud-Streaming – der Ort, an den die zentralen Funktionen der Rechenleistung und lernende künstliche Intelligenzen migriert sind. Die Cloud ist kein Ordner zur Ablage, sondern unser Superhirn. Das Ausstellungsprojekt „Stormy Weather“ befragt das Verhältnis der menschengemachten Wolken unserer Gegenwart zu Mensch, Klima und Politik.

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The metaphor and the reality of the cloud are omnipresent in our daily lives. It is not only the place where data are stored but also — by cloud computing, cloud gaming, or cloud streaming — the place where the central functions of computational power and auto-learning artificial intelligence have migrated to. The cloud is not a storage folder — it is our super brain. The exhibition project “Stormy Weather” questions the relationship between the human-made clouds of our present to humans, climate and politics.

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EURO 18.– ISBN 978-3-903796-15-7 PUBLISHED

EDITOR Katharina Brandl, Claire Hoffmann TEXTS Katharina Brandl, Claire Hoffmann, Christoph Wachter, Mathias Jud

EXHIBITION 24.9.2020 – 21.11.2020 Kunstraum Niederoesterreich

Mit Inkater Haar, Lauren Huret, Céline Manz, Alexandra Meyer, Sarah Rechberger, Katharina Swoboda, Anne Cathrin Ulikowski, kuratiert von Alice Wilke.

What drives us, where do our fears and cravings manifest?

The figure of the vampire — and its main drive, thirst — stands pars pro toto for these questions and as a mirror of mechanisms at work in our society.

The dictate of productivity forces us to feed the system with our own vitality: a thirst that can never be satisfied, for every temporary appeasement only produces a new desire.

This liquid nature of our time and its transformative potential are the focus of the exhibition “DURST.” The presented artistic positions explore vampirism as a broad semantic field and reveal its essential characteristics.

With Inka ter Haar, Lauren Huret, Céline Manz, Alexandra Meyer, Sarah Rechberger, Katharina Swoboda, Anne Cathrin Ulikowski, curated by Alice Wilke.

EDITOR Katharina Brandl, Alice Wilke TEXTS Alice Wilke, Maren Mayer-Schwieger, Katharina Brandl

EURO 18.– ISBN 978-3-903320-73-4 PUBLISHED

DESIGN Wolfgang Gosch DETAILS German / English, Paperback, 21 × 14.8 cm, 64 pages, 24 ills. in color

EXHIBITION 1.7.– 14.8. 2020 Kunstraum Niederoesterreich

6.12.2020 – 24.1.2021 Centre Culturel Suisse, Paris

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DESIGN Wolfgang Gosch DETAILS English/French, Paperback, 21 × 14.8 cm, 72 pages, 26 ills. in color

Was treibt uns voran, worin artikulieren sich unsere Ängste und Lüste? Die Figur der Vampir_innen – und Durst als ihr Haupttrieb – steht als Pars pro Toto für diese Fragestellungen und als Spiegel für Mechanismen innerhalb unserer Gesellschaft. Das Diktat der Produktivität hält uns an, das System mit unserer Vitalität zu nähren: ein Durst, der nie gestillt werden kann, weil jede zwischenzeitliche Befriedigung neues Verlangen erzeugt.

Dieser liquide Wesenszustand unserer Zeit und sein transformatorisches Potential stehen im Mittelpunkt der Ausstellung „DURST“, die Vampirismus als semantisches Feld begreift und seine wesentlichen Merkmale untersucht.

Christiane Peschek, above us retouched sky, from the series Fields, 2020

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Inka ter Haar, The Garden, 2019, Photo © courtesy the artist

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GÉZA PERNECZKY

HOFSTETTER KURT

The Art of Reflection Conceptual Photography, 1970 –1975 GÉZA PERNECZKY

Géza Perneczky ist ein Protagonist der ungarischen Konzeptkunst und Teil der ungarischen Neo-Avantgarde.

1970 emigrierte der Künstler, Kunsthistoriker, Kunstkritiker und Autor nach Köln, wo er bis heute lebt und arbeitet. Die von Patrick Urwyler herausgegebene Publikation ist die erste umfassende Präsentation von Géza Perneczkys konzeptueller Fotografie, die er in den Jahren 1970 – 75 als Dissident in Deutschland realisierte. Die Erfahrungen aus dieser Zeit und Perneczkys Selbstverständnis als Künstler und Kunsthistoriker prägen diese frühen Arbeiten.

In seinem einleitenden Aufsatz, beschreibt der Kunsthistoriker Dávid Fehér Perneczky treffend als „critic of art“ und „artist of critique“, seine konzeptuelle Praxis entsprechend als „The Art of Reflection“.

GÉZA PERNECZKY

THE ART OF REFLECTION

The Art of Reflection Conceptual Photography 1970–75

EDITOR Patrick Urwyler TEXTS David Féher, Géza Pernecky, Patrick Urwyler DESIGN illustregrafik.ch DETAILS English, Hardcover, 180 pages, 30.3 × 21.5 cm, 233 ills. in color and b / w

Géza Perneczky is a protagonist of Hungarian conceptual art and part of the Hungarian Neo-Avant-Garde. In 1970 the artist, art historian, art critic and author emigrated to Cologne, where he lives and works until today. Edited by Patrick Urwyler, this publication is the first comprehensive presentation of Géza Perneczky’s conceptual photography, realized by the artist between 1970 – 75 as a dissident in Germany. The experiences of this period and Perneczky’s self-conception as an artist and art historian characterize these early works.

In his introductory essay the art historian Dávid Fehér aptly describes Perneczky as a “critic of art” and “artist of critique,” his conceptual practice correspondingly as “The Art of Reflection.”

EURO 38.– ISBN 978-3-903796-01-0 PUBLISHED

Géza Perneczky’s works can be found in collections such as The Metropolitan ­Museum of Art (New York), The Museum of Modern Art (New York), San Francisco Museum of Modern Art, Centre Pompidou (Paris) and Ludwig Museum (Budapest).

Géza Perneczkys Werke sind heute in renommierten Museumssammlungen wie dem Metropolitan ­Museum of Art (New York), The Museum of Modern Art (New York), San Francisco Museum of Modern Art, Centre Pompidou (Paris) und dem Ludwig Museum (Budapest) vertreten.

2020 wurde dem Konzept-, Medienkünstler und Komponist Hofstetter Kurt der Österreichische Kunstpreis – Medienkunst (Staatspreis der Republik Österreich) für sein international anerkanntes Gesamtwerk verliehen. Aus diesem Anlass stellt Hofstetter seinen aktuellen Werkzyklus der „X-tense Images“ und „X-stills“ vor. Eingebettet in dem von der Künstlerin und Kunsthistorikerin Barbara Doser enzyklopädisch Werkerschließenden Essay, lassen sich diese Arbeiten als „Ambient Media Art“ verstehen, an deren Beginn 1993 seine und Österreichs erste permanente Video-Computerkunst-Installation im öffentlichen Raum steht.

Verführt von der in Unendlichkeiten denkenden philosophischen Mathematik gelingt es Hofstetter wiederholt, neue Kunstformen zu entwickeln.

Die „Ambient Tactile Art“ etwa oder die „Supersymmetrische Komposition“ vermittelt über irrationale Strukturen Kunst.

Bazon Brock nennt Hofstetter einen „Magier der irrationalen, also theoretischen Kunst“ und unternimmt in seinem Textbeitrag einen „Spaziergang durch die blühenden Gärten der Theorien“.

Ich schaue in den Himmel um mich zu erden

In 2020 the composer, concept and media artist Hofstetter Kurt was awarded the Austrian Art Prize — Media Art (State Prize of the Republic of Austria) for his internationally recognized oeuvre. On this occasion, Hofstetter presents his current work cycle of “X-tense Images” and “X-stills.” Embedded in the essay, in which the artist and art historian Barbara Doser encyclopaedically reveals the artist’s work, they can be understood as “Ambient Media Art,” which began in 1993 with his and Austria‘s first permanent video computer art installation in public space.

Seduced by philosophical mathematics that think in infinity, Hofstetter repeatedly succeeds in developing new art forms. The “Ambient Tactile Art” or the “Supersymmetrical Composition” convey art through irrational structures.

Bazon Brock calls Hofstetter a “magician of irrational, i.e. theoretical art” and in his text he undertakes a “walk through the blossoming gardens of theories.”

I look up to the sky to ground myself

EDITOR Philipp Konzett TEXTS Barbara Doser, Bazon Brock DESIGN Barbara Doser, Hofstetter Kurt DETAILS German / English, Hardcover, approx. 300 pages, 29.7 × 23.5 cm, approx.

200 ills. in color

EURO 38.– ISBN 978-3-903796-54-6 PUBLISHED IN FEBRUARY

Géza Pernecky, Art Bubbles, no. 1, 1972, Photo © courtesy the artist

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Verlag für moderne Kunst

EURO 28.– ISBN 978-3-903796-37-9 PUBLISHED

Kunstraum Dornbirn

Das Atelier Van Lieshout wurde vom Bildhauer, Maler und Visionär Joep Van Lieshout 1995 gegründet. Nach seinem Abschluss an der Rotterdamer Kunstakademie wurde Van Lieshout schnell mit Projekten bekannt, die sich im Zwischenbereich zwischen angewandtem Design und dem nicht funktionalen künstlerischen Bereich ansiedelten.

EXHIBITION 4.9.– 8.11.2020 Kunstraum Dornbirn

Die Arbeiten des Atelier Van Lieshout umfassen die Disziplinen Installation, Bildhauerei, Architektur, Möbeldesign und Happening. Ihre interdisziplinäre Praxis beschäftigt sich mit dem Zerlegen und NeuDefinieren von Systemen in gesellschaftlichen, politischen und wirtschaftlichen Zusammenhängen ebenso wie im menschlichen Körper. Dabei werden die Grenzen zwischen Kunst, Design und Architektur laufend überschritten und die Schnittpunkte zwischen Funktion und Fiktion, Zerstörung und Kreation ausgelotet.

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Im Zentrum der Schau im Kunstraum Dornbirn steht das monumentale Werk „Pendulum“, eine mechanische überdimensionale, tickende Uhr, die den unwiderruflichen Lauf der Zeit und damit der eigenen Lebenszeit widerspiegelt. In direkter Verbindung mit „Pendulum“ stehen maschinenhafte Werke, die ihre Arbeit der Veränderung und Zerstörung verrichten.

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The Atelier Van Lieshout was founded by the sculptor, painter and visionary Joep Van Lieshout in 1995. After graduating from the Rotterdam Art Academy, Van Lieshout quickly became known for projects that can be situated in the in-between area of applied design and the non-functional artistic realm.

are thereby constantly being crossed and the intersections between function and fiction, destruction and creation explored.

The center of the show at Kunstraum Dornbirn is the monumental work “Pendulum”, an oversized, ticking mechanical clock that reflects the irrevocable passage of time and thus our own lifetimes.

In direct connection with it, other machine-like works perform their labor of change and destruction.

Atelier Van Lieshout works in the disciplines of installation, sculpture, architecture and happenings. Its interdisciplinary practice consists in dismantling and redefining systems in social, political and economic contexts, and in the human body. The boundaries between art, design and architecture

Atelier Van Lieshout, exhibition view, The Clock Which Will Solve Every Problem in the World, 2020, Photo © Darko Todorovic

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BIG

Erwin Erwin Erwin

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The Clock Which Will Solve Every Problem in the World

EXHIBITION 11.6.– 16.8.2020 Kunstraum Dornbirn

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DESIGN proxi.me DETAILS German / English, Paperback, 208 pages, 22.5 × 17 cm, 101 ills. in color

Im Kunstraum Dornbirn präsentierte Erwin Wurm unter dem Titel „BIG“ eine Auswahl an Arbeiten aus der Serie der „FAT SCULPTURES“. Sein bekannt ironischer Zugriff auf Modeartikel, Gebrauchsgegenstände, Lebensmittel, Autos und Häuser lässt die Arbeiten zu signifikanten Statements unseres Konsumverhaltens werden, die humorvoll, hintergründig und streckenweise sarkastisch kommentiert werden. Im Katalog dokumentiert „Humor ist auch eine Waffe“ – ein aufschlussreiches Gespräch von Erwin Wurm mit Gerald Matt – wie alles begann.

Künstler und Kunsttheoretiker Bazon Brock geht in seinem Beitrag der Frage der „Karikatur als Vermittlung des Wahren durch das Falsche, des Heilen durch das Kaputte, des Schönen durch das Hässliche, des Guten durch das Böse“ nach und analysiert Erwin Wurm als Kundschafter der Geschichte der Karikaturistik über Leonardo, Picasso und Kippenberger hinaus.

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Atelier Van The Clock Lieshout Which Will Solve Every Problem in the World

The Clock which will Solve Every Problem in the World

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EDITOR Kunstraum Dornbirn, Thomas Häusle TEXTS Edo Dijksterhuis, Thomas Häusle

ERWIN WURM Wurm

ATELIER VAN LIESHOUT

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In the Kunstraum Dornbirn Erwin Wurm presented a selection of works from the “FAT SCULPTURES” series under the title “BIG.” His wellknown ironic access to fashion items, everyday objects, groceries, cars and houses turns the works into significant statements of our consumer behavior, which are commented on in a humorous, profound and sometimes sarcastic way. With “Humor is also a weapon” — an informative conversation between Erwin Wurm and Gerald Matt — the catalog documents how it all began. In his contribution, artist and art theorist Bazon Brock explores the question of “caricature as the mediation of the true through the false, the healing through the broken, the beautiful through the ugly, the good through the bad” and analyzes Erwin Wurm as a scout of the history of the caricatures well beyond Leonardo, Picasso and Kippenberger.

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Erwin Wurm, Fat House, 2003 and Fat Mini, 2018, courtesy Galerie Thaddaeus Ropac, Photo © Darko Todorovic

EDITOR Kunstraum Dornbirn, Thomas Häusle TEXTS Bazon Brock, Gerald Matt

EURO 24.– ISBN 978-3-903796-36-2 PUBLISHED

DESIGN proxi.me DETAILS German / English, Slipcase with three booklets and 14 picture cards, 92 pages, 24 × 17 cm, 14 ills. in color

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Drawing Notes, Sculptures and Objects

Michał Budny: Drawing Notes, 2000–2020

EDITOR Kunstmuseum Luzern TEXTS Fanni Fetzer, Łukasz Gorczyca and Marek Troszyński

Michał Budny: Sculptures and Objects, 2010–2020

Michał Budny Drawing Notes, 2000–2020

Verlag fűr moderne Kunst

DESIGN Jakub de Barbaro DETAILS German/English, Hardcover, 27.8 × 24 cm, 2 books: 111 pages, 119 ills. in color; 100 pages, 46 ills. in color

EXHIBITION 31.10.2020 – 31.1.2021 Kunstmuseum Luzern

The double publication “Michał Budny. Drawing Notes, Sculptures and Objects” brings together the current work of the Polish artist Michał Budny. Three extensive articles by Fanni Fetzer, Łukasz Gorczyca and Marek Troszyński talk about his graphic work as well as the haptic and poetic quality of Budny’s objects.

places and relationships. The artist is interested in the nature of spaces, their volume and the clash of different materials. His rhythmic drawings and fragile sculptures are often site-specific and always convey an atmosphere, a memory or a feeling.

The double publication shows over a hundred illustrations of works on paper. A comprehensive documentation of objects provides a deeper understanding of his work.

At the beginning of Budny’s work process there is a close observation of emotions,

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Kodritsch hat ausgehend von seinen Huldigungen an die Flora und die Malereigeschichte Porträts angefertigt und eine neue Serie von Bastarden gemalt, die er in Analogie zur Entstehungszeit von Dadds Masterpiece „The Fairy Feller‘s

Master-Stroke“ mit barocken und viktorianischen Frisuren ausgestattet hat. Bastards sind nicht nur Charakterköpfe par excellence, bei denen Hunde eine Stellvertreterfunktion für den Menschen einnehmen, sie sind auch im Stil klassischer Porträts gemalt. Die barocke Haarpracht, die klassische Ikonografie des Brustbildes, die eine lange kunsthistorische Tradition evoziert und das Sujet der vermenschlichten Hunde zeigen nicht nur eine profunde Kenntnis der Kunst- und Kulturgeschichte, sondern auch des Künstlers beißenden Spott an elitären gesellschaftlichen Konventionen und Ritualen.

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The fairy bastard’s master-stroke EDITOR Ronald Kodritsch TEXT Roman Grabner DESIGN Maria Krobath DETAILS German / English, Paperback, 100 pages, 28 × 20 cm, 60 ills. in color

The fairy bastard’s master-stroke Ronald Kodritsch

Ronald Kodritsch has struck again and with masterly brushstrokes he has created a new series of works in which irony and ingenuity abound. He has adopted the most treasured motif of the amateur and Sunday painter and painted a series of floral still lifes that oscillates between kitsch and avant-garde, romanticism and abstraction, appropriation and originality.

EURO 48.– ISBN 978-3-903796-27-0 PUBLISHED IN JANUARY

Michał Budny Sculptures and Objects, 2010–2020

Verlag fűr moderne Kunst

Ronald Kodritsch hat wieder zugeschlagen und mit meisterlichem Pinselstrich eine neue Werkserie geschaffen, bei der er nicht mit Ironie und Ingenium spart. Er hat sich der Hobbyund Sonntagsmaler liebstem Motiv angenommen und eine Serie von Blumenstillleben gemalt, die zwischen Kitsch und Avantgarde, Romantik und Abstraktion, Appropriation und Originalität oszillieren.

R O N A L D KO D R I T S C H

Die Doppelpublikation „Michał Budny. Drawing Notes, Sculptures and Objects“ vereint das aktuelle Schaffen des polnischen Künstlers Michał Budny. Drei umfangreiche Textbeiträge von Fanni Fetzer, Łukasz Gorczyca und Marek Troszyński sprechen über sein zeichnerisches Schaffen sowie die haptische und poetische Qualität von Budnys Objekten.

Am Anfang von Budnys Arbeitsprozess steht die genaue Beobachtung von Emotionen, Orten und Beziehungen. Der Künstler interessiert sich für die Beschaffenheit von Räumen, für ihr Volumen und das Aufeinandertreffen verschiedener Materialien. Seine rhythmischen Zeichnungen und fragilen Skulpturen sind oft ortsspezifisch und vermitteln immer auch eine Atmosphäre, eine Erinnerung oder ein Gefühl. Die Doppelpublikation zeigt über hundert Abbildungen von Arbeiten auf Papier. Eine umfassende Dokumentation von Objekten vermittelt ein vertieftes Verständnis seines Werkes.

RONALD KODRITSCH

The fairy bastard’s master-stroke

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Ronald Kodritsch, Bastards, 2020, Photo © Alexandra Eizinger, Ronald Kodritsch

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Starting as homages to flora and the history of painting, Kodritsch has made portraits and painted a new series of bastards, which he has furnished with Baroque and Victorian hairstyles analogous to the time Richard Dadd’s

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EURO 24.– ISBN 978-3-903796-26-3 PUBLISHED

masterpiece “The Fairy Feller’s Master-Stroke” was made.

Bastards are not only character heads par excellence, whereby the dogs take on a substitute function for humans, they are also painted in the style of classic portraits. The baroque head of hair, the classic iconography of the bust, which evokes a long art-historical tradition, and the subject of the humanized dogs show not only a profound knowledge of art and cultural history, but also the artist’s biting mockery of elitist social conventions and rituals.

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KARIN FERRARI

EDITOR Karin Ferrari TEXT Bernhard Garnicnig

JULIA FUCHS Karin Ferraris Morphologie der kapitalistischen Architektur enthüllt die Dächer von New York City als verborgene Verbindung zwischen dem Städtischen und dem Himmlischen.

Karin Ferrari’s morphology of capitalist architecture unveils New York City’s rooftops as hidden links between the urban and the celestial. Defying what existing architectural theory tells us, this dazzling visual analysis of New York City reintroduces the world’s most famous skyscrapers as platforms for otherworldly activity between the sacred and the profane, the vernacular and the commercial.

‘The best thing to happen to New York City’s architectural discourse since Ghostbusters.’

The Watchers

DESIGN Trash Magic Studio DETAILS English, Paperback, 13 × 21 cm, 300 pages, 300 ills. in color

your Body is yours.

TAKE IT

Your body is yours.

Take it

Diese schillernde visuelle Analyse von New York City widersetzt sich den Aussagen der bestehenden Architekturtheorie und führt die berühmtesten Wolkenkratzer der Welt als Plattformen für jenseitige Aktivitäten zwischen Heiligem und Profanem, Umgangssprache und Werbung wieder ein.

VERLAG FÜR MODERNE KUNST

Rooftop Temples of New York City

EURO 18.– ISBN 978-3-903796-22-5 PUBLISHED

COVER | Buchdeckel

EDITOR Julia Fuchs TEXTS Andrea Braidt, Julia Fuchs, Elisabeth Priedl, Ruby Sircar, Annie Sprinkle, Beth Stevens, Christopher Wurmdobler Karin Ferrari’s morphology of capitalist architecture unveils New York City’s rooftops as hidden links between the urban and the celestial.

EURO 30.– ISBN 978-3-903796-40-9 PUBLISHED

DESIGN Rita Neulinger DETAILS German / English, Hardcover, 152 pages, 30 × 24 cm, 249 ills. in color

In ihrer Arbeit „Your body is yours. Take it“ setzt Julia Fuchs sich mit der Hinterfragung und Brechung binärer Geschlechtszuschreibungen und heteronormativer Machtsysteme auseinander. Die Modelle inszenieren sich im Spiegel selbst und auch die Fotografin bleibt im Spiegel sichtbar.

Begleitet wird die Arbeit von Texten von Andrea Braidt, Julia Fuchs, Elisabeth Priedl, Ruby Sircar, Annie Sprinkle, Beth Stevens, Christopher Wurmdobler, die sich mit dem Thema Akt und queerer Körper auseinandersetzen.

Defying what existing architectural theory tells us, this dazzling visual analysis of New York City reintroduces the world’s most famous skyscrapers as platforms for otherworldly activity between the sacred and the profane, the vernacular and the commercial.

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A lot of shame and ascriptions are related to the naked body, even though we all have it. It is a home to our self. Looking at itself and the body of others is and always has been of interest.

In her work “Your body is yours.

Take it,” Julia Fuchs deals with the questioning and breaking of binary gender attributions and heteronormative power systems. The models stage themselves in the mirror and the photographer remains visible in the mirror. The work is accompanied by texts by Andrea Braidt, Julia Fuchs, Elisabeth Priedl, Ruby Sircar, Annie Sprinkle, Beth Stevens, Christopher Wurmdobler, who deal with the topic of nudes and queer bodies.

From the series, Your body is yours. Take it.

Photo © Julia Fuchs

Karin Ferrari, from Rooftop Temples of New York City, 2020, Photo © courtesy the artist

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Der nackte Körper ist mit so viel Scham und Zuschreibungen belegt und das, obwohl wir ihn alle haben.

Er ist das Zuhause für unser ich. Ihn und den Körper anderer zu betrachten, ist und war immer von Interesse.

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LEO KANDL Der Iran ist nicht erst in der rezenten Entwicklung ein ständiges Thema für die globale Politik und den konfliktreichen Nahen Osten: 40 Jahre islamische Republik, Atomvertrag, Erdöl, Sanktionen, Repressionen gegen BürgerrechtsKämpfer_innen, Friedensprozess etc.

Iran is a continuous topic for global politics and the conflict-ridden Middle East, not only in the recent development: 40 years of Islamic Republic, nuclear treaty, oil, sanctions, repression against civil rights fighters, peace process, etc.

TALISA LALLAI AUTOSOLE Facing Iran

In “Facing Iran,” over a period of many years, the artist as documentarist engages in the frictions with the so-called Western world and with modernity, but also in the finer facets and interstices of the country. Kandl visited and portrayed Iran in three trips in 2003, 2006 and 2012 and makes them tangible in this publication between diary and reportage.

In „Facing Iran“ führte sich der Künstler als Dokumentarist über einen Zeitraum von vielen Jahren die Reibungen mit der sogenannten Westlichen Welt und der Moderne vor Augen, aber auch feinere Facetten und Zwischenräume des Landes.

Kandl besuchte und porträtierte den Iran in drei Reisen 2003, 2006 und 2012 und macht diese in der vorliegenden Publikation zwischen Tagebuch und Reportage zugänglich.

Ich war wirklich wie im Traum, wie in einem Traume, wo man sich auf irgend etwas besinnen will, was man ebenfalls geträumt hat. Ich betrachtete abwechselnd die Häuser und die Menschen, und ich meinte fast, diese Häuser hätte ich einst in ihren besseren Tagen gesehen, als ihre hübschen Malereien noch farbig glänzten, als die goldenen Zierrathen an den Fensterfriesen noch nicht so geschwärzt waren, und als die marmorne Madonna, die das Kind auf dem Arme trägt, noch ihren wunderschönen Kopf aufhatte, den jetzt die bilderstürmende Zeit so pöbelhaft abgebrochen. Auch die Gesichter der alten Frauen schienen mir so bekannt, es kam mir vor, als wären sie herausgeschnitten aus jenen altitalienischen Gemälden, die ich eins als Knabe in der Düsseldorfer Gallerie gesehen habe. Ebenfalls die Männer schienen mir so längst vergessen wohlbekannt, und sie schauten mich an mit ernsten Augen, wie aus der Tiefe eines Jahrtausends.

Autosole Talisa Lallai

EDITOR Talisa Lallai TEXT Thomas Seelig DESIGN Thomas Spallek DETAILS German / English, Paperback, 178 pages, 21× 15.5 cm, 87 ills. in color

A U T O S O L E TALISA LALLAI

EURO 25.– ISBN 978-3-903320-98-7 PUBLISHED

Verlag für moderne Kunst

AUTOSOLE

TALISA LALLAI

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Talisa Lallai_Autosole_155x210mm_Umschlag.indd 1,3

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Die Landschaft und das Licht, aber auch der Bezug zur Gegenwart veränderten sich mit jedem Kilometer, der uns in Richtung Süden führte. Die Kontraste wurden klarer, die Farben der Felder und Sträucher hatten deutlichere Kontur und auch der Himmel strahlte bei Weitsicht nicht immer nur blau.

Ausgehend vom Gardasee hat Talisa Lallai die historische Route der Grand Tour als Startpunkt ihrer fotografischen Erkundung im Jahr 2019 definiert. Wohl wissend, dass die damalig Reisenden von Johann Wolfgang von Goethe bis Heinrich Heine bereits am Start ihrer Italienreise im Norden von der Schönheit und Erhabenheit der Landschaft und ihrer Parks überwältigt waren. Die Künstlerin situiert ihr Werk im Windschatten der historischen Reiseerzählungen und bewegt sich auf ihrer Route gen Süden entlang der in der Literatur verzeichneten Orte. (Thomas Seelig)

The landscape and the light, as well as the relationship to the present, changed with every kilometer that took us further south. Contrasts were clearer, the colors of fields and hedges had clearer contours, and from far away even the sky was not always just blue.

Beginning with Lake Garda, Talisa Lallai defined the historic route of the Grand Tour as the starting point for her photographic research in the year 2019, well knowing that travelers from those days, from Johann Wolfgang von Goethe to Heinrich Heine, had already been overwhelmed by the beauty and sublimity of the landscape and its parks at the very start of their Italian journeys in the north. The artist situated her work in the wake of historic travel narratives and journeyed along her route toward the south through the towns described in the literature. (Thomas Seelig)

EURO 28.– ISBN 978-3-903796-55-3 PUBLISHED IN FEBRUARY

EDITOR Leo Kandl INTRODUCTION Leo Kandl TEXT Walter Posch DIARY Leo Kandl DESIGN Dieter Auracher DETAILS German / English / Farsi, 26.5 × 20 cm, 152 pages, 125 ills. in color, 22 ills. in b / w Leo Kandl, Children of a School Class, close to Shiraz, 2003, courtesy the artist

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Talisa Lallai, Casa del Cinghiale, Pompei, Campania, 2020 Photo © courtesy the artist

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MARGRET WIBMER

Shiny Shiny LIQUID LOFT

Es sind Bilder von Scheinwelten, in denen sich die Körper der Performer_innen spiegeln, gedacht – möglicherweise – als Gegenwelten, künstliche Paradiese, utopische Landschaften, getaktet in einer Zeitlichkeit, die eine Gegen­ wart in Feedbackschleifen unablässig auf­spaltet, und die somit in der vorliegenden Buchpublikation „Shiny Shiny“ jenes Moment aufgreifen, das in der Kunst der österreichischen Performance Company Liquid Loft wesentlich ist. Die malerischen fotografischen Ansichten, die während der choreografischen Produktions­arbeit entstanden sind, unterstreichen hier ein­mal mehr die originäre Signatur ihrer Arbeiten. Autor_innen aus den Bereichen Tanz, Theater, Film, Musik, Architektur wurden eingeladen, sich in ihren Texten assoziativ mit den Ideen­welten von Liquid Loft auseinanderzusetzen und in diesem Sinn den Blick auf den zeitgenössischen Tanz zu erweitern.

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These are images of illusory worlds in which the bodies of the performers are reflected, conceived — perhaps — as counterworlds, ar­tificial paradises, utopian landscapes, synchro­nized in a temporality that incessantly splits the present into feedback loops, and which in this publication “Shiny Shiny,” thus capture the very moment that is fundamental to the art of the Austrian performance company Liquid Loft.

The picturesque photographic images, shot during the choreographic production work, serve to further underscore the original hall­mark of their work.

Authors from the disciplines of dance, theater, film, music and architecture have been invited to engage associatively in their texts with Liquid Loft’s universe of ideas and, in that sense, to expand the view of contemporary dance.

EDITOR Liquid Loft TEXTS Lorenzo De Chiffre, Thomas Edlinger, Stefan Grissemann, Irmela Kästner, Uwe Mattheiß, KT Zakravksy SOUND Andreas Berger via Download Code

EURO 25.– ISBN 978-3-903796-12-6 PUBLISHED

DESIGN metaphor: Natalie Dietrich, Michael Jung DETAILS German/English, Hardcover, 120 pages, 22 × 29 cm, numerous ills. in color

Liquid Loft, Deep Dish, 2013, Photo © Chris Haring

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In ihrer multimedialen Arbeit „Relay“ unternimmt die Künstlerin Margret Wibmer anhand individueller Performances vor einer Kamera eine Untersuchung der Beziehung zwischen Körper, Objekt und (digitalem) Raum.

Elf Teilnehmer_innen, alle aus dem Freundeskreis der Künstlerin, interpretieren ein von Wibmer speziell für diese Intervention geschaffenes textiles Objekt. Die ständiger Veränderung unterworfenen Formen von Körpern und textilem Objekt wirken gleichermaßen skulptural und dramatisch und machen durch Bewegung, Material und Medium intrinsische Prozesse sichtbar. Der menschliche Körper und die menschliche Erfahrung – physisch und emotional ebenso wie sozial – bilden seit mehr als zwanzig Jahren einen Schwerpunkt in der künstlerischen Praxis von Margret Wibmer. Unter Zuhilfenahme unterschiedlicher Medien wie Performance, Video, Fotografie und Textilien erforscht sie die

Position des menschlichen Körpers im Verhältnis zu einem sich ständig verändernden digitalen Umfeld und die Bedeutung des menschlichen Körpers in der Schaffung von Wissen.

In her multimedia work “Relay” visual artist Margret Wibmer analyzes the relationship between body, object and (digital) space through individual performances in front of a camera. Eleven participants, all close friends of the artist, interpret a textile object that was created by Wibmer for the purpose of the intervention. The ever-changing shapes of body and textile are both sculptural and dramatic, revealing intrinsic

processes through movement, material and media. For more than twenty years the human body and experience — physical, emotional as well as social — have played a central role in Margret Wibmer’s artistic practice. Using various media such as performance, video, photography and textiles, she investigates the position of the human body in relation to the ever-changing digital environment and the meaning

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Das Video und diese Publikation sind in enger Zusammenarbeit mit Buchgestalterin Isabelle Vigier, Komponist Robert Poss und Videoproduzent Florian Krepcik entstanden. Mit einem Text der Künstlerin Marianna Maruyama und einem Interview, das die Autorin Magdalena Kröner mit Margret Wibmer geführt hat. Das Video kann über einen im Buch enthaltenen QR-Code abgerufen werden. Margret Wibmers Werke befinden sich in privaten und öffentlichen Sammlungen und waren unter anderen im Palais de Tokyo / Paris, Oude Kerk / Amsterdam, KAI 10 – Arthena Foundation / Düsseldorf and RMIT Design Hub / Melbourne ausgestellt und aufgeführt.

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RELAY

EDITOR Margret Wibmer POEM Marianna Maruyama INTERVIEW Magdalena Kröner with Margret Wibmer VIDEO Florian Krepcik SOUND Robert Poss DESIGN Isabelle Vigier DETAILS German / English, Paperback, 84 pages, 26 × 21.6 cm, 64 ills. in color, video via QR code

EURO 24.– ISBN 978-3-903320-93-2 COLLECTORS EDITION Ltd. Ed. 20 – Publication together with a signed and limitededition photographic print in a handmade box.

PUBLISHED

of the human environment and the meaning of the human body in the creation of knowledge.

This publication and the video have been realized in close collaboration with book designer Isabelle Vigier, composer Robert Poss, and video producer Florian Krepcik.

With a text by artist Marianna Maruyama, and an interview with Margret Wibmer by writer

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Magdalena Kröner. The video is made accessible via a QR code inside the book. Margret Wibmer’s works are included in private and public collections and have been exhibited and performed in venues such as Palais de Tokyo / Paris, Oude Kerk / Amsterdam, KAI 10 – Arthena Foundation / Düsseldorf and RMIT Design Hub in Melbourne.

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NICHOLAS BUSSMANN

Nicholas Bussmann, exhibition view, Amelica, TAXISPALAIS Kunsthalle Tirol, 2018, Photo © Günter Kresser

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EDITOR Nicholas Bussmann, Nina Tabassomi TEXTS Vinit Agarwal, Lindy Annis, Garnette Cadogan, Philippe Cerf, jee chan, Yun-han Chang, Jo-hsin Chen, Freya Chou, Communist Lost Soul Capital O, Damien Desamory, Franz Friedrich, Michael Guggenheim, Karin Harrasser, Stefan Heidenreich, Hannah Hurtzig, Yan Jun, Alexander Klose, NaP, Natascha Sadr Haghighian, Els Silvrants-Barclay, Nina Tabassomi, Tim Tetzner

In the beginning there was an instruction, initiating a moment of play which took the form of a book; a book that emerged out of a solo exhibition held

by Nicholas Bussmann at the TAXISPALAIS Kunsthalle Tirol.

Several games and “plays” were staged in the exhibition, where repetitions of repetitions were repeated again and then again. How can the practice of the artist be translated into the form of a book? Bussmann answered this question by incorporating his generative model of programmatic instruction to the book itself.

The elements that typically form Bussmann’s games remain at play here. The reiteration of world-building, as with the sung news or the series of iterative texts in an artist book, let flash in their collision the idea of a bigger picture — not yet drawn, uncannily complex and heterotopic, but nonetheless a powerful stance for imaginative action.

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DESIGN Tim Tetzner / www.circumscription.cc DETAILS German / English / Chinese (Mandarin, Cantonese), Paperback, 120 pages, 27 × 21 cm, 60 in color

EURO 18.– ISBN 978-3-903320-79-6 PUBLISHED

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Patterns In der deutschen Sprache besitzt der Terminus Muster eine doppelte Bedeutung und meint sowohl das ornamentale und sich wiederholende Muster als auch das Phänomen der beispielhaften Repräsentanz für einen Bereich oder eine Gruppe. In diesem letzteren Sinne umfasst die Auswahl der hier gezeigten Werke beispielhafte und wichtige Arbeiten Sven Kaldens aus einem Zeitraum von mehr als 20 Jahren. Bei der Zusammenstellung war es wichtig, die thematischen und ästhetischen Verbindungen und Schnittpunkte herauszuarbeiten.

Fragmentierung, Auflösung und Vereinzelung sind zentrale Aspekte, die immer wieder aufgegriffen werden. Des Weiteren spielen mediale Referenzen, insbesondere zur Filmgeschichte, und künstlerische Vorbilder wichtige Rollen. Sven Kaldens Ansatz, gesellschaftliche Konflikte anhand einfacher Formen, Muster oder Vorlagen herauszuarbeiten, führt zu einem Spannungsverhältnis, in dem sich die offene Form und der gesellschaftspolitische Kontext gegenseitig aufladen und erweitern.

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The German word for pattern (Muster) has a double meaning and is used to describe both the ornamental and repetitive pattern as well as something that is representative of an entire field or group. In this latter definition, the works chosen and shown here can be understood as exemplary and important works by Sven Kalden from a period covering more than 20 years. When compiling these, it was important to bring out the thematic and aesthetic links and points of intersection between the works.

Sven Kalden, Patterns (shirt), 2018, Photo © Bernhard Draz

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NICHOLAS BUSSMANN

Fragmentation, dissolution and isolation are central aspects that are explored again and again. Furthermore, references to the media, in particular cinematic history and artistic role models, were also of significance. Sven Kalden’s approach, which takes a closer look at social conflicts using simple forms, patterns or templates, results in a tension-packed relationship. The free form and the socio-political context interact in such a way as to mutually charge and enhance one another.

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SVEN K A LDE N

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NICHOLASBUSSMANNINSTRUCTIONS

Instructions

Am Anfang gab es eine Anleitung, die einen Moment des Spielens in Form eines Buches initiierte; ein Buch, das aus einer Einzelausstellung von Nicholas Bussmann in der TAXISPALAIS Kunsthalle Tirol hervorgegangen ist. In der Ausstellung wurden mehrere Spiele und ‚Theaterstücke‘ inszeniert, bei denen Wiederholungen von Wiederholungen immer wieder wiederholt wurden. Wie kann die Praxis des Künstlers in die Form eines Buches übersetzt werden?

Bussmann beantwortete diese Frage, indem er sein generatives Modell des programmatischen Unterrichts in das Buch selbst einbezog. Die Elemente, die typischerweise Bussmanns Spiele ausmachen, bleiben hier im Spiel. Die Wiederholung des Weltaufbaus, wie bei den gesungenen Nachrichten oder der Reihe iterativer Texte in einem Künstlerbuch, ließ in ihrer Kollision die Idee eines größeren Bildes aufblitzen – noch nicht gezeichnet, unheimlich komplex und heterotop, aber dennoch eine starke Position für imaginatives Handeln.

SVEN KALDEN

EDITOR Matthias Reichelt TEXTS Boris Abel, Shlomit Baumann, Rainer Mausfeld, Matthias Reichelt, Bernd Senf, Sabine Winkler DESIGN Michael Rudolph DETAILS German / English, Paperback with A1 size poster, 128 pages, 31 × 21 cm, 71 ills. in color

EURO 26.– ISBN 978-3-903320-66-6 PUBLISHED IN JANUARY

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Fremd genug 2020

EXHIBITION 22.2. – 26.7.2020 Bündner Kunstmuseum Chur

EDITOR Stephan Kunz TEXTS Katalin Deér, Stephan Kunz DESIGN Thomas Rhyner DETAILS German, Paperback, 56 pages, 33 × 25 cm, 29 ills. in color

Für die Präsentation im Bündner Kunstmuseum konnten die Künstlerin Katalin Deér und der Architekt Lukas Furrer gewonnen werden, die eine eigene Struktur in den Ausstellungs-

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In ihren multimedialen Arbeiten wird das performative Knüpfen und Verbinden zur künstlerischen Mnemotechnik, zu einer individuellen, kollektiven und vor allem transgenerationalen Erinnerungsarbeit. Aus verlorenen Geschichten, Dingen und Objekten arrangiert Silvina Der Meguerditchian lebendige Archive, schafft Texturen der Erinnerung, die als Stoff für neue Zugehörigkeiten Handlungsräume für eine hoffnungsvollere

EURO 30.– ISBN 978-3-903320-86-4 PUBLISHED

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Erica Pedretti is an exceptional phenomenon in Swiss art and literature. Alongside her successes as a writer, she has created an independent oeuvre as a visual artist, which can be rediscovered today.

Erica Pedretti was born 1930 in Sternberg. She moved to Switzerland in 1946. In Zürich she trained as a silversmith and created her first early small-size works, which anticipate her light and airy objects of later years. Erica Pedretti moved into the limelight as a visual artist for the first time in the 1970s with her “Flügelwesen” (winged creatures) and from these developed a large family of associative bird- or fish-like objects. These she juxtaposed

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with skeletal structures that seem to be reduced to an elemental core. Parallel to these an extremely fine oeuvre of drawings emerges, which emphasises the intimate character of this work and reveals individual visual worlds.

For the presentation at the Art Museum Graubünden the artist Katalin Deér and the architect Lukas Furrer could be won over. They have built their own structure into the exhibition space and have thus created a specific frame and special choreography for the fragile works. This publication is dedicated to the idiosyncratic presentation of the works and reveals the contemporaneity of the 90-year-old artist.

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Zukunft und ein anderes Miteinander eröffnen.

dabei drei medial unterschiedliche Werkgruppen heraus und beschreiben Arbeiten, die aufgrund der aktuellen gesellschaftlichen Veränderungen, aber auch im Kontext von Diskursen wie der ‚Memory Culture‘ von großer gesellschaftlicher Relevanz sind.

Während die Arbeiten Der Meguerditchians in den letzten Jahren in zahlreichen internationalen Ausstellungen und auf Biennalen gezeigt wurden, bietet die vorliegende Publikation erstmals die Möglichkeit, das vielfältige Werk der Künstlerin als ein zusammenhängendes Narrativ vorzustellen. Der Katalog „Fruitful Threads“ greift

VERLAG FÜR MODERNE KUNST

EDITOR Silvina Der Meguerditchian TEXTS Ingo Arend, Marianne Hirsch, Barbara Höffer, Joanna PfaffCzarnecka, Ça ğla Ilk, Silvina Der Meguerditchian

Fruitful Threads

EURO 29.– ISBN 978-3-903796-25-6 PUBLISHED

Silvina Der Meguerditchian, Mens sana en corpore sano, 2018, Photo © the artist

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Fruitful Threads

raum bauten und so einen spezifischen Rahmen und eine besondere Choreografie für die fragilen Werke geschaffen haben. Der eigenwilligen Präsentation der Werke ist diese Publikation gewidmet und offenbart die Zeitgenossenschaft der heute 90-jährigen Künstlerin.

Silvina Der Meguerditchian

Erica Pedretti ist eine Ausnahmeerscheinung in der Schweizer Kunst und Literatur. Neben ihren Erfolgen als Schriftstellerin hat sie als bildende Künstlerin ein eigenständiges Werk geschaffen, das heute neu entdeckt werden kann. Erica Pedretti wurde 1930 in Sternberg geboren. Sie übersiedelte 1946 in die Schweiz. In Zürich ließ sie sich zur Silberschmiedin ausbilden und schuf erste frühe kleinformatige Werke, die ihre leichten und luftigen Objekte der späteren Jahre vorwegnehmen. Nach einem längeren Aufenthalt in New York lebte sie mit ihrem Mann, dem Maler Gian Pedretti, und ihren fünf Kindern im Engadin und am Bielersee.

Mit ihren „Flügelwesen“ trat Erica Pedretti in den 1970erJahren erstmals als bildende Künstlerin an die Öffentlichkeit und entwickelte daraus eine große Familie von assoziationsreichen vogel- oder fischähnlichen Objekten. Diesen stellte sie skelettartige Strukturen gegenüber, die auf Wesenskerne reduziert scheinen. Parallel dazu ist ein äußerst feines zeichnerisches Werk entstanden, das den intimen und privaten Charakter dieses Schaffens betont und individuelle Bildwelten zu Tage fördert.

Silvina Der Meguerditchian Fruitful Threads

SILVINA DER MEGUERDITCHIAN

ERICA PEDRETTI

In her multimedia works, the performative knotting and connecting becomes artistic mnemonics, an individual, collective and, above all, transgenerational memory work.

Silvina Der Meguerditchian arranges living archives from lost stories, things and objects, creates textures of memory, which, as material for new affiliations, open up scope for a more hopeful future and a different coexistence.

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DESIGN Delia Keller / Gestaltung Berlin DETAILS English / German, Hardcover, 176 pages, 28 × 22 cm, 125 ills. in color

While the works of the artist have been shown in numerous international exhibitions and biennials, this publication offers the opportunity to present the artist’s diverse work as a cohesive narrative. The “Fruitful Threads” catalog picks out three groups of works with different media and describes works of great social relevance due to current social changes and in the context of discourses such as ‘memory culture.’

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KUNST & ALPHABET DES ANARCHISTISCHEN AMATEURS

GUERILLA DER AUFKLÄRUNG Durch die Jahre lassen sich Beispiele aus der künstlerischen Praxis finden, die belegen, dass Künstler_innen lautstark und bildmächtig ihre Stimme erhoben haben. „Guerilla der Aufklärung“ befasste sich in vier Ausstellungen kritisch mit aktuellen Aspekten rückwärtsgewandter Politik: Antihumanismus, illiberalen Tendenzen, Antifeminismus und Rassismus. Etliche der rund 50 künstlerischen Beiträge machen auf Gegenstrategien aufmerksam und kommunizieren Werte wie Solidarität, Mitbestimmung, Gerechtigkeit und Vielfalt.

der Journalist und Autor Can Dündar in der Streitschrift „Tut was! / Bir sey yap! – Plädoyer für eine aktive Demokratie / Aktif demokrasi için çaǧrı“.

Künstler_innen, die damit angesprochen sind, setzen ihre Mittel ein, um politische wie soziale Vorgänge zu analysieren, die Aufmerksamkeit auf wenig Beachtetes zu lenken, gegen Fehlentwicklungen zu protestieren aber auch oppositionelle Sichtweisen vorzutragen und liberal-demokratisches bis herrschaftsfreies Denken und Handeln zu befördern.

DESIGN Christian Bretter DETAILS German / English, Paperback, 192 pages, 22.3 × 16.8 cm, 116 ills. in color

Guerrilla of Enlightenment

Over the years, there has always been evidence of artistic practice proving that artists raise their voices loudly and with powerful images. In the frame of four exhibitions, “Guerrilla of Enlightenment” critically examined current aspects of retrograde politics: anti-humanism, illiberal tendencies, anti-feminism and racism.

Many of the around 50 artistic contributions draw attention to counter strategies and communicate values such as solidarity, co-determination, justice and diversity.

Csaba Nemes, Occupy Monument, 2018, Photo © Thomas Raggam

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Guerilla der Aufklärung

EURO 24.– ISBN 978-3-903320-94-9 PUBLISHED

Die in diesem Band dokumentierte Ausstellungsreihe war von der Überzeugung getragen, dass künstlerisches Schaffen in der Lage ist, zu positiven Veränderungen in der Gesellschaft beizutragen. „Die Kultur ist zu einer bedeutenden Bastion demokratischen Widerstands geworden.“, schreibt

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EURO 16.– ISBN 978-3-903796-56-0 PUBLISHED IN JANUARY

EDITORS Margarethe Makovec and Anton Lederer / < rotor > Zentrum für zeitgenössische Kunst TEXTS Herbert Müller-Guttenbrunn DESIGN Margit Steidl / Studiolo M DETAILS German / English, Paperback, 112 pages, 16 × 10.7 cm, 50 ills. in color

contributing to positive changes in society. “Culture has become a major bastion of democratic resistance,” writes the journalist and author Can Dündar in the pamphlet “Tut was! / Bir sey yap! — Plädoyer für eine aktive Demokratie / Aktif demokrasi için çaǧrı.” Artists who are addressed in this way use their means to analyze political and social processes, to draw attention to little-noticed issues, to protest against undesirable developments, but also to present oppositional views and to promote liberal-democratic to domination-free thinking and acting.

The exhibition series documented in this volume was based on the conviction that artistic creation is capable of

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The Anarchistic Amateur’s Art & Alphabet

EDITORS Margarethe Makovec and Anton Lederer TEXTS Radka Denemarková, Nava Ebrahimi, Olga Flor, Elife Krasniqi, Robert Misik, Margarethe Makovec and Anton Lederer

„M wie Menschen: Künftige Insassen von Särgen, die noch eine Zeit lang umherlaufen und allerhand Schabernack treiben dürfen.“ So lautet eine der vielen Begriffsdefinitionen des Schriftstellers und Herausgebers Herbert Müller-Guttenbrunn (1887 –1945). „Kunst & Alphabet des anarchistischen Amateurs“ bringt rund 50 seiner scharfsinnigen und vielfach aktuellen „Aphorismen, Sentenzen und Betrachtungen“ mit Werken bildender Künstler_innen in Verbindung: Ingo Abeska, Iris Andraschek, bankleer, Blue Noses Group, Nayarí Castillo, Christian Eisenberger, Memed Erdener, Veza Fernández / Christina Lederhaas, Aldo Giannotti, Johannes Gierlinger, Anne Glassner, G.R.A.M., Michael Heindl, Andreas Heller, Johanna Hierzegger, Anita Hofer / Reni Hofmüller, Katrin Hornek – um einmal alle bis zum Buchstaben H zu nennen.

“M for people: future inmates of coffins who are allowed to run around for a while and do all sorts of jokes.” This is one of hundreds of definitions of terms from the “Alphabet of the anarchist amateur” by Herbert Müller-Guttenbrunn (1887 –1945). “The Anarchistic Amateur’s Art & Alphabet” collects around 50 of his astute, sometimes capricious but often highly topical “aphorisms, sentences and reflections” and connects them with works by visual artists: Ingo Abeska, Iris Andraschek, bankleer, Blue Noses Group, Nayarí Castillo, Christian Eisenberger, Memed Erdener, Veza Fernández / Christina Lederhaas, Aldo Giannotti, Johannes Gierlinger, Anne Glassner, G.R.A.M., Michael Heindl, Andreas Heller, Johanna Hierzegger, Anita Hofer / Reni Hofmüller, Katrin Hornek − to name all of them up to the letter H.

Anne Glassner, Der Schlaf der Vernunft – Selbstbildnis, 2017, courtesy the artist

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HANNES SCHÜPBACH & STEPHEN WATTS

CLAUDIO MOSER Gegen Osten. Werke 1995 bis 2020

Explosion der Wörter Explosion of Words Die zweiteilige Publikation umfasst:

The two-part publication includes:

Hannes Schüpbach: Explosion of Words / Explosion der Wörter. Gewidmet Stephen Watts.

Mit einem Textbeitrag von Jo Catling

Hannes Schüpbach: Explosion of Words / Explosion der Wörter. Dedicated to Stephen Watts. With an essay by Jo Catling

Stephen Watts: Explosion of Words / Explosion der Wörter.

19 Gedichte. Mit deutschen Übersetzungen von Hannes Schüpbach

Hannes Schüpbach, Explosion of Words / Explosion der Wörter, 2020, courtesy the artist

Stephen Watts: Explosion of Words / Explosion der Wörter.

19 Poems. With German translations by Hannes Schüpbach Central to the themes of the Swiss artist Hannes Schüpbach are the moments from which art is created. With his latest work, “Explosion of Words,” a cinematographic photo installation extending frieze-like over 24 meters, he responds to the lived spaces of the poet and language activist Stephen Watts, who is based in London and works between extensive research on poetry and his own contributions as a poet to the ongoing “explosion of words.” As a part of this project, Hannes Schüpbach has translated a selection of Stephen Watts’ poetry into German.

Ein zentrales Thema des Schweizer Künstlers Hannes Schüpbach sind die Momente, aus denen Kunst entsteht.

Mit seinem neusten Werk, “Explosion der Wörter”, einer kinematographischen Fotoinstallation, die sich friesartig über 24 Meter ausdehnt, antwortet er auf den Existenzraum des in London lebenden Dichters und Sprachaktivisten Stephen Watts zwischen ausufernder Forschung über Dichtung und eigenen Beiträgen als Dichter zur „Explosion der Wörter“. Als Teil dieses Projekts hat Hannes Schüpbach eine Auswahl von Stephen Watts’ Gedichten ins Deutsche übersetzt.

Claudio Moser gehört zu den bedeutendsten Schweizer Künstlern seiner Genera­tion, dessen Schaffen früh entdeckt wurde. Das Kunstmuseum Solothurn ermöglicht nun mit einer breiten Werkauswahl aus 25 Schaffensjahren einen retrospektiven Überblick. Neben einer reichen Zahl von Fotografien, mit denen der Künstler bekannt geworden ist, sind auch Skulpturen und Malereien sowie ein neuer 16mm-Film zu sehen.

Die vorliegende Publikation vermittelt die Solothurner Ausstellung und darüber hinaus die künstlerische Haltung von Claudio Moser.

Mit Textbeiträgen von Robin Byland, Séverine Fromaigeat, Barbara von Flüe und Christoph Vögele in Deutsch, Französisch und Englisch sind mehrere Stimmen verschiedener Generationen versammelt. So ergänzen sich verschiedene Blickpunkte auf das Schaffen von Claudio Moser. Die ganzheitliche grafische Gestaltung des Katalogs, die in visuell sinnlichen, thematischen Feldern gedacht ist, entspricht seiner künstlerischen Grundhaltung.

EURO 32.– ISBN 978-3-903796-50-8 PUBLISHED IN JANUARY

EDITOR Hannes Schüpbach TEXTS Stephen Watts, Hannes Schüpbach, Jo Catling

Claudio Moser: Gegen Osten.

Werke von 1995 bis 2020

Kunstmuseum Solothurn

EDITOR Kunstmuseum Solothurn TEXTS Robin Byland, Séverine Fromaigeat, Barbara von Flüe, Christoph Vögele DESIGN Anne Hoffmann Graphic Design DETAILS German / English / French, Paperback, 228 pages, 30 × 24.5 cm, 162 ills. in color, 32 ills. in b / w

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DESIGN Great Design, Vienna DETAILS English /German, 2 volumes, totally 192 pages, 26 × 19.5 cm, 33 ills. in color

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This publication conveys the Solothurn exhibition and also the artistic attitude of Claudio Moser. With essays by Robin Byland, Séverine Fromaigeat, Barbara von Flüe and Christoph Vögele in German, French and English, several voices from different generations are gathered. Different perspectives on the work of Claudio Moser complement each other.

The holistic graphic design of the catalog, which is conceived in visually sensual, thematic fields, corresponds to his basic artistic attitude.

EURO 39.– ISBN 978-3-903796-49-2 PUBLISHED IN JANUARY

EXHIBITION 23.1.–11.4.2021 Kunstmuseum Solothurn

Claudio Moser, Avenue de la Forêt, 2019/2020, courtesy the artist

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Claudio Moser is one of the most important Swiss artists of his generation, whose work was discovered early on.

The Solothurn Art Museum now provides a retrospective overview with a broad selection of works from 25 years of creativity. In addition to a large number of photographs with which the artist became known, sculptures and paintings as well as a new 16mm film can be seen.

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OLIVER ROSS

ADAM JANKOWSKI „Malerei im Zeitalter des Düsenflugzeugs, der Atombombe und eben der bemannten Weltraumfahrt … muss anders aussehen als davor: alles Strahlung … und ein Pinsel mit Düsenantrieb aus dem Kompressor.“ (Adam Jankowski, 1972)

Oliver Ross, environment view, Hard Edge Hippie Brain, White Trash Contemporary, Hamburg, 2007, Photo © Oliver Ross

EURO 35.– ISBN 978-3-903796-19-5 German edition ISBN 978-3-903796-23-2 English edition PUBLISHED

EDITOR Oliver Ross TEXTS Anna Blume Jr., Bernhard Johannes Blume, Wolf Jahn, Oliver Ross, Hermann Schmitz, Ludwig Seyfarth DESIGN Oliver Ross DETAILS German and English edition, Hardcover, 279 pages, 28 × 22 cm, 269 ills. in color

Monografie 1991–2019 Monograph 1991–2019 Die Kunst von Oliver Ross pulsiert zwischen Chaos und Ordnung, Bewegung und Fixation, groß und klein, high and low. Was ist Raum, was soll die Seele sein, wer sind die anderen und was wollen wir hier tun? Wozu ist die Kunst gut? Der Entwicklung dieser ontologischen Fragen und Verhältnisse spürt die erste Monografie von Oliver Ross nach. Dabei werden tradierte Codes unserer Kultur im Trivialen gefunden, das Banale wird zur Kunst. Die Welt von Ross oszilliert zwischen Programm (Text) und materieller Beschaffenheit: Muster und Cluster. Und die Farben bereiten den Formen Freude!

Oliver Ross’s art pulsates between chaos and order, movement and fixation, big and small, high and low. What is space, what should the soul be, who are the others and what do we want to do here? What is art good for?

The first monograph by Oliver Ross traces the development of these ontological questions and relationships. Traditional codes of our culture are found in the trivial, the banal becomes art. Ross’ world oscillates between program (text) and material quality: patterns and clusters. And the colors bring joy to the shapes!

Oliver Ross, view, Innenweltdetektor, 2017, Photo © Fred Dott

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Der in Hamburg und Berlin arbeitende österreichische Maler Adam Jankowski untersucht in seiner Bildforschung den Entwurf eines Realismus, der in seiner Bildsprache Abstraktion und Realistik vereinigt, da es für ihn „um den großen Zusammenhang und nicht um die große Verblendung“ geht.

Das vom Künstler gestaltete Katalogbuch „The Real World“ stellt die aktuelle Phase des Schaffens des Malers vor, also seine Bildserien „Windows to Eternity“ und „Radiation d’Orphée“, und konfrontiert diese mit zentralen Arbeiten aus seiner malerischen Frühzeit, die – nach der HiroshimaTragödie – von dem Thema der naturzerstörerischen Atomstrahlung geprägt waren.

“Painting in the age of jet planes, atomic bombs and manned space travel … must look different than before: everything is radiation … and a brush with a jet propulsion from the compressor.” (Adam Jankowski, 1972) The Austrian painter Adam Jankowski, who works in Hamburg and Berlin, in his visual research examines the concept of a realism that unites abstraction and realism in his visual language, since for him it is “about the big context and not about the big delusion.”

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ADAM JANKOWSKI

The Real World PAINTING 1970-2020

The catalog book “The Real World” designed by the artist presents the current phase of the painter’s work, that is, his series of images “Windows to Eternity” and “Radiation d’Orphée,” and confronts them with central works from his early painterly period, which — after the Hiroshima tragedy — were shaped by the theme of the destructive atomic radiation.

EXHIBITION 25.2.–1.3.2021 Barlach Halle K Hamburg

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The Real World

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Verlag für moderne Kunst

EDITOR Studio Adam Jankowski Hamburg TEXTS Adam Jankowski, Kornelia Koepsell DESIGN Adam Jankowski DETAILS German, Paperback, 56 pages, 29.7× 23 cm, 36 ills. in color

EURO 15.– ISBN 978-3-903796-42-3 PUBLISHED IN FEBRUARY

Painting 1970 –2020

Adam Jankowski in Atelier Hamburg St. Pauli, 2018, Photo © the artist

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DAVE BOPP Schicht um Schicht, Form um Form entwickelt Dave Bopp seine ungegenständlichen Kompositionen. Es entsteht ein oszillierender Kosmos, üppig und doch filigran. Die Farben leuchten, die Formen wuchern, der Detailreichtum lädt ein, sich zu verlieren. Ist da nicht ein Berg, ein Blatt, ein Körperteil?

Bilder kommen auf und vergehen. Alles wirbelt und fließt.

Malerei nah an der visuellen Überforderung. Dave Bopps Werke erobern den Raum: Sie sind begehbar, hängen über den Köpfen und strapazieren die Dimensionen der Wände.

In der Ausstellung ist der Raum die Grenze und die Grenze das Ziel.

Headroom

EURO 25.– ISBN 978-3-903320-91-8 PUBLISHED

EDITOR Julian Denzler for Kunstverein Friedrichshafen TEXTS Julian Denzler, Anne Vieth

U5 Layer by layer, form by form, Dave Bopp develops his non-representational compositions. The result is an oscillating cosmos, lush and yet filigree. The colors shine, the forms proliferate, the richness of detail invites you to get lost. Isn’t there a mountain, a leaf, a body part? Images come and go. Everything swirls and flows. Painting close to visual overload. Dave Bopp’s works conquer the space: They are accessible, hang overhead and strain the dimensions of the walls. In the exhibition, space is the limit and the limit is the aim.

Diese Monografie des Künstlerkollektivs U5 umfasst die ersten dreizehn Jahre ihrer künstlerischen Praxis. Das assoziative und simultane Denken im Entstehungsprozess war für dieses Buches zentral. Die Texte des Künstlers und Kunstkritikers Christian Egger, der Kunsthistorikerin Nina Zschocke und der Kulturwissenschaftlerin und Kuratorin Helene Romakin, die sich mit der Bedeutung von kollaborativer Praxis und Autorschaft, Digitalität und Materialästhetik auseinandersetzen, bilden den kunsttheoretischen Rahmen für das kollektive Werk von U5.

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The publication “Headroom” appears on the occasion of Dave Bopp’s first institutional overview show at the Kunstverein Friedrichshafen and collects works from 2012 to 2020.

Die Publikation „Headroom“ erscheint anlässlich Dave Bopps erster institutioneller Überblicksschau im Kunstverein Friedrichshafen und versammelt Arbeiten von 2012 bis 2020.

Das enorme Archiv an Bildern, die von U5 gesammelt wurden, ist ein Kernelement dieser Publikation. Die Bilder erscheinen in visuellen Kategorien, die von den Autor_innen als Ergänzung zu den Texten vorgeschlagen wurden. Die Künstlerseiten wurden von U5 als Reaktion auf den Buchherstellungsprozess gestaltet und illustrieren das tiefe Eintauchen in das eigene Archiv.

DESIGN Studio Nicolas Zupfer DETAILS German / English, Paperback, 96 pages, 28 × 24 cm, 87 ills. in color

This monograph by the artist collective U5 covers the first thirteen years of their artistic practice. The associative and simultaneous thinking in the creation process was central to this book. The texts of the artist and art critic Christian Egger, the art historian Nina Zschocke and the cultural scientist and curator Helene Romakin, who deal with the importance of collaborative practice and authorship, digitality and material aesthetics, form the art-theoretical framework for the collective work of U5.

The enormous archive of images collected by U5 is a core element of this publication. The images appear in visual categories suggested by the authors to complement the texts. The artist pages were designed by U5 in response to the book production process and illustrate the deep immersion into their own archive.

U5, The Internet, 2010, Photo © the artists

EXHIBITION 14.7.–1.9.2019 Kunstverein Friedrichshafen

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EDITOR Helene Romakin and U5 TEXTS Christian Egger, Helene Romakin, Nina Zschocke, U5

EURO 35.– ISBN 978-3-903796-58-4 PUBLISHED IN JANUARY

DESIGN Karin Holzfeind DETAILS English, Paperback, 184 pages, 34 × 24 cm, about 1000 ills. in color and in b / w

Dave Bopp, Sundown, 2019, Photo © the artist

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MARTINA STECKHOLZER

Martina Steckholzer, Maresi, The Readers, 2020, courtesy the artist, Photo © Rudolf Steckholzer

EDITORS Angelika Burtscher, Martina Steckholzer TEXTS Jurriaan Benschop, Eckardt Lindner, Elisabeth Schäfer, Angela Stief, Stephen Zepke

Martina Steckholzer

DESIGN Lupo Burtscher, IT (Angelika Burtscher, Linsey Dolleman, Daniele Lupo) DETAILS German / English, Paperback, 256 pages, 31× 22 cm, 548 ills. in color

ISOLDE LOOCK

Dokumentarisch, dekonstruktiv und poetisch ist die Malerei bei Martina Steckholzer. In großformatigen Raumbildern schaut sie auf Ausstellungsarchitekturen und Bühnen des zeitgenössischen Diskurses.

Steckholzer entleert, abstrahiert und generiert Raum. Sie verwendet dazu das minimalste Tool der Malerei: Pigment, dicht oder fließend im Auftrag.

With Martina Steckholzer painting is documentary, deconstructive and poetic. In large-format room images, she looks at exhibition architecture and stagings of contemporary discourse. Steckholzer empties, abstracts and generates space. To do this, she uses the most minimal tool in painting: pigment, dense or flowing on the surface.

Leer wie sie sind, werden die Bildräume zu offenen Stages und ahnender dokumentarischer Spur. Eine affirmative und projektive Art der Institutionskritik zeichnet sich ab.

In und durch Malerei begreift Martina Steckholzer die Kunst, die Zeit, die Anderen. Zum Gemalten schreibt sie bruchstückhafte Texte und stellt sie je nach Ausstellungskontext den Bildwerken bei.

Empty as they are, the picture spaces become open stages and foreboding documentary traces. An affirmative and projective type of institutional criticism is emerging. Martina Steckholzer understands art, time and others in and through painting. Steckholzer writes fragmentary texts for the painting and adds them to the pictures depending on the exhibition context.

Erstmals seit 20 Jahren legt Steckholzer ein Buch vor. Sie führt das Format Buch und Medium Malerei behutsam zusammen und gibt den großformatigen Malereien im Buchraum neuen Bildraum.

Am Buchende ordnet ein Index 400 Bildwerke zu einem prismatischen Überblick.

For the first time in 20 years, Steckholzer is presenting a publication. She carefully merges the format of the book and the medium of painting and renders new visual space to the large-format paintings in the book space. At the end of the book, an index arranges 400 pictorial works into a prismatic overview.

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DESIGN Marion Kliesch DETAILS German, Linen Hardcover, 2 volumes in 1 purchase,164 +160 pages, 23.5 × 16.9 cm, 129 ills. in color

EURO 32.– ISBN 978-3-903320-47-5 PUBLISHED

HENRY LAMPE Künstlerpublikation in 2 Bänden HENRY: Who is Henry Vol. 1 „Porträt eines Unbekannten“ Isolde Loock erklärt die Wohnung ihres verstorbenen Freundes zum ‚objet trouvé‘, alles bleibt im Originalzustand.

Sie lädt sieben Künstler_innen ein, dort jeweils eine Zeitlang zu wohnen, um sich ein Bild von ihm zu machen, das „Porträt eines Unbekannten“.

LAMPE: Who is Henry Vol. 2 „Porträt eines Freundes“ In ihrem „Porträt eines Freundes“ benutzt Isolde Loock die Fotos und Schätzwerte eines vereidigten Versteigerers vom Inventar der Wohnung. Dieser merkantilen Sichtweise

EURO 32.– ISBN 978-3-903796-05-8 PUBLISHED

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EDITOR Isolde Loock with Anne Thurmann-Jajes, Zentrum für Künstlerpublikationen at Weserburg Museum für moderne Kunst TEXT Anne Thurmann-Jajes PORTRAITS Achim Bertenburg, Claudia Cristoffel, Craig Havens, Isolde Loock, M. O. Rüdiger, Sandy Volz, Doris Weinberger, Sabine Wewer CONVERSATION Wolfgang Ullrich with Isolde Loock

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stellt sie persönliche Notizen und Tagebucheinträge des Verstorbenen als imaginiertes Selbstporträt gegenüber.

Das Buch HENRY gehört zu dem Buch LAMPE wie der Vorname zum Nachnamen einer Person. Legt man die beiden Bücher nebeneinander und schlägt sie wahllos auf, entfaltet sich der Charme eines unerwarteten Zwiegesprächs. Jene Gegenwart des Außergewöhnlichen im Gewöhnlichen. Ein Vexierspiel zwischen fremdem Blick und Selbstbetrachtung.

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HENRY: Who is Henry Vol. 1 “Porträt eines Unbekannten”

entries of the deceased as an imagined self-portrait.

Isolde Loock declares her late friend’s apartment as an ’objet trouvé,‘ everything remains in its original condition. She invites seven artists to live there for a while in order to get an idea of him, the “Porträt eines Unbekannten.”

The book HENRY belongs to the book LAMPE like the first name to the last name of a person. If you place the two books side by side and open them indiscriminately, the charm of an unexpected dialogue unfolds. That presence of the extraordinary in the ordinary. A puzzle game between a look of a stranger and self-reflection.

LAMPE: Who is Henry Vol. 2 “Porträt eines Freundes” In her “Porträt eines Freundes” she uses the photos and estimates of a sworn auctioneer from the inventory of the apartment. She contrasts this mercantile perspective with personal notes and diary

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THOMAS STURM

OSKAR GAWELL

Der österreichische Künstler Thomas Sturm ist zu den großen europäischen Museen gereist, hat wie andere Touristen auch die Bilder der Alten Meister angeschaut und fotografiert, aber zurück in seinem Berliner Atelier Seltsames mit den Fotografien angestellt. Was hat er dort getan? Was ist auf den Bildern jetzt zu sehen, neu zu sehen, anders zu sehen, vielleicht auch: nicht mehr zu sehen? Warum noch einmal: die Alten Meister, und überhaupt: wann ist ein Künstler alt?

Thomas Sturm, BelliniSturm, 2019, Private Collection, Berlin

Alter Meister

EDITOR Christoph Narholz, Wolfgang Ullrich TEXTS Christoph Narholz, Wolfgang Ullrich DESIGN serialattitude.com DETAILS German / English, Hardcover, 64 pages, 30 × 22 cm, about 38 ills. in color

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Thomas Sturm hat in Linz und Berlin studiert, an zahlreichen Orten auf verschiedenen Kontinenten ausgestellt, ist in öffentlichen und privaten Sammlungen vertreten, und lebt nach Köln, Wiesbaden und Stipendienaufenthalten in Los Angeles und Brasilien heute in Charlottenburg.

Wolfgang Ullrich lives as a freelance author and cultural scientist in Leipzig. For a long time he has engaged with art that deals with existing art and reinterprets, transforms or supplements it.

Wolfgang Ullrich lebt als freier Autor und Kulturwissenschaftler in Leipzig. Er beschäftigt sich schon länger gerade auch mit Kunst, die sich mit bereits bestehender Kunst auseinandersetzt und diese neu interpretiert, transformiert oder ergänzt.

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Der lyrische Expressionist

Christoph Narholz is an author and teaches at the Institute of Theater Studies at the University of Munich. He has known Thomas Sturm since his youth and takes a personal look at his friend’s actionist interventions in the canon of European painting.

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Der aus Ostpreußen, dem heutigen Polen, stammende Maler Oskar Gawell hat ein beeindruckendes Lebenswerk geschaffen – und ist dennoch wenig bekannt. Bei der ersten Ausstellung der Freien Secession Berlin 1914 hingen seine Werke neben Max Oppenheimer und Pablo Picasso; heute sind sie in Archiven von Privatsammlungen sowie dem Belvedere, der Albertina und dem Leopold Museum in Wien.

EDITOR Wolfgang Schwägerl TEXTS Agnes Waldstein, Christian Bauer, Nikolaus Kratzer

Als Schüler von Lovis Corinth, Vertrauter der Brücke-Künstler und Mitglied der Wiener Secession nimmt der 1938 nach Wien geflüchtete Gawell einen bedeutenden Platz in der Kunstwelt der österreichischen Nachkriegszeit ein. Trotz konsequenter Anwendung unterschiedlicher Techniken, Prägung durch verschiedene künstlerische Strömungen und steter Weiterentwicklung seines Stils zeigen seine Werke unverwechselbaren Charakter.

DESIGN Christoph Fuchs DETAILS German / English, Hardcover, 312 pages, 28.5 × 22 cm, 180 ills. in color

Der vorliegende Band erweckt Werk und Werdegang des Künstlers Oskar Gawell zu neuem Leben.

Thomas Sturm studied in Linz and Berlin, exhibited in numerous places on different continents, is represented in public and private collections, and now, after Cologne, Wiesbaden and scholarship stays in Los Angeles and Brazil, lives in Charlottenburg.

Christoph Narholz ist Autor und unterrichtet am theaterwissenschaftlichen Institut der Universität München. Er kennt Thomas Sturm seit der Jugend und wirft einen persönlichen Blick auf die aktionistischen Interventionen seines Freundes am Kanon der europäischen Malerei.

EURO 25.– ISBN 978-3-903796-59-1 PUBLISHED IN FEBRUARY

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The Austrian artist Thomas Sturm traveled to the major European museums, looked at and photographed the paintings of the Old Masters like other tourists, but did strange things with the photographs back in his Berlin studio. What did he do there? What can now be seen in the paintings, seen in a new way, seen differently, maybe also: not to be seen anymore? Why again: the old masters, and anyway: when is an artist old?

Der lyrische Expressionist The Lyrical Expressionist

Oskar Gawell, Selbstbildnis, about 1930, courtesy Dorotheum, Vienna

Born in East Prussia, now Poland, the painter Oskar Gawell produced a powerful and impressive body of work that remains largely unknown today.

The first exhibition of the Free Secession in Berlin in 1914 showed his works hanging alongside those of Max Oppenheimer and Pablo Picasso; now they are in the archives of private collections and in the Belvedere, Albertina and Leopold Museum in Vienna.

Gawell — a student of Lovis Corinth, confidant of the artist group Die Brücke and member of the Vienna Secession — fled to Vienna in 1938 and became an important figure in the post-war Austrian art world. For all the artist’s constant use of different techniques, absorbed influence from various artistic movements and continued stylistic development, his paintings retain an utterly distinct quality and character.

The present volume breathes new life into artist Oskar Gawell’s work and career.

The Lyrical Expressionist

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EURO 34.– ISBN 978-3-903796-08-9 PUBLISHED IN FEBRUARY

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LUO YANG Luo Yang gilt als Shooting Star der aktuellen chinesischen Fotoszene. Das vorliegende Buch vereint wesentliche Beispiele aus ihren beiden Werkserien „GIRLS“ und „YOUTH“.

Luo Yang is considered the shooting star of the current Chinese photo scene. This book combines essential examples from her two work series “GIRLS” and “YOUTH.”

Seit 2007 entstand die umfangreiche Serie „GIRLS“, eine sehr persönliche Auseinandersetzung der Fotografin mit Frauen ihrer Generation. Ob vor den Kulissen chinesischer Megastädte oder in intimen Settings im privaten Umfeld, die jungen Frauen präsentieren sich selbstbewusst und individuell, wirken gleichzeitig aber verletzlich und fragil, abseits traditioneller weiblicher Rollenbilder und überkommener Klischees.

Since 2007 the extensive series “GIRLS” has been created, a very personal examination by the photographer of women of her generation.

Whether against the backdrop of Chinese megacities or in intimate settings in the private environment, the young women present themselves confident and individual, but at the same time appearing vulnerable and fragile, apart from traditional female role models and traditional clichés.

In der Serie „YOUTH“ beschäftigt sich Luo Yang seit 2019 mit Jugendlichen der Generation Z, also der in den späten 1990er Jahren und um 2000 Geborenen. Fluide Geschlechterzuordnungen werden darin ebenso deutlich wie die Suche nach individuellem Ausdruck zwischen kreativer Inszenierung und authentischem Körpergefühl. Luo Yang zeichnet das einfühlsame Bild der urbanen chinesischen Jugend auf der Suche nach Orientierung und Identität.

In the series “YOUTH,” Luo Yang has been working with young people of Generation Z since 2019, i.e. those born in the late 1990s and around 2000. Fluid gender assignments become just as apparent as the search for individual expression between creative staging and authentic body feeling. Luo Yang paints the sensitive picture of the urban Chinese youth in search of orientation and identity.

EXHIBITION 21.10.2020 – 21.2.2021 FC-Francisco Carolinum, Linz

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NORBERT SCHWONTKOWSKI

Norbert Schwontkowski, Chinesische Botschaft, 1996, Sammlung Böckmann, Photo © Neues Museum Nürnberg, Annette Kradisch EDITOR Alfred Weidinger for OÖ Landes-Kultur GmbH, Gabriele Spindler TEXT Ulrike Matzer DESIGN Studio ES, Vienna DETAILS German / English, Hardcover, 120 pages, 25 × 19.5 cm, 100 ills. in color

Youth, Girls Selected Works

Five Women in Japan Paintings from the Böckmann Collection

EURO 24.– ISBN 978-3-903796-41-6 PUBLISHED

EDITOR Neues Museum Nürnberg TEXTS Thomas Heyden, Eva Kraus, Olaf Metzel DESIGN Timo Reger, Nuremberg DETAILS German / English, Paperback, 66 pages, 24 × 17 cm, 32 ills. in color

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Er ist ein Künstler für Kenner: Die Gemälde Norbert Schwontkowskis sind vornehm zurückhaltend und höchst poetisch. Abseits aller Strömungen kultivierte der Bremer Maler eine figürliche Kunst der leisen Töne, die tiefe Einblicke in die Absurdität der Existenz ermöglicht. Feiner Humor wirft sein versöhnliches Licht auf die wie isoliert erscheinenden Szenen und Szenerien. Auch im kleinsten Format ist die Welt von Schwontkowski noch weit und faszinierend fremd.

Das Neue Museum Nürnberg besitzt 19 Gemälde Schwontkowskis aus der Sammlung Böckmann. Sie führen tief hinein in das private Universum des Künstlers, der als begnadeter Kolorist die Nuancen selbst der schmutzigsten und düstersten Farbtöne zelebrierte. Neben einer Einführung von Thomas Heyden hat Olaf Metzel eine Erinnerung an den von ihm geschätzten Künstlerkollegen und Freund beigesteuert: „Norbert balancierte auf dem schmalen Grat zwischen Illustration, Narration und Statements, die durch den Titel noch ‚untermalt‘ wurden.“

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The Neues Museum Nürnberg owns 19 paintings by Schwontkowski from the Böckmann collection. They lead deep into the private universe of the artist who, as a gifted colorist, celebrated the nuances of even the dirtiest and darkest hues. In addition to an introduction by Thomas Heyden, Olaf Metzel contributed a memory of his esteemed artist colleague and friend: “Norbert trod a fine line between illustration, narration and statements, which were ‘underscored’ by the titles.”

EXHIBITION from 6.2.2021 Neues Museum Nürnberg

EURO 18.– Chinesische Botschaft, 1996 ISBN 978-3-903796-52-2 Chinese Message / Embassy PUBLISHED IN FEBRUARY

Luo Yang, Xiao Jie, YOUTH, 2019, courtesy the artist

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He is an artist for connoisseurs: Norbert Schwontkowski‘s paintings are elegantly reserved and highly poetic.

Aside from all trends, the painter from Bremen cultivated a figurative art of soft tones, which enables deep insights into the absurdity of existence.

Fine humor throws its conciliatory light on the seemingly isolated scenes and sceneries.

Even in the smallest format, Schwontkowski‘s world is vast and fascinatingly foreign.

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SAMMLUNG PLOIL

TÄTER IM BILD

Der Welt (m)eine Ordnung geben.

Die Sammlung Ernst Ploil – Eine Auswahl EXHIBITION 1.7.2020 – 28.2.2021 Landesgalerie Niederösterreich

Der Welt Sammlung Ernst Ploil Eine Auswahl

EDITOR Christian Bauer, Herbert Giese TEXTS Christian Bauer, Herbert Giese, Ernst Ploil, Alexandra Sattler, HansPeter Wipplinger DESIGN Katharina Griesbacher / Studio Riebenbauer DETAILS German/English, Hardcover, 25.5 × 21 cm, 232 pages, approx. 180 ills. in color

(m)eine

Ordnung geben

Landesgalerie Niederösterreich

EURO 26.90 ISBN 978-3-903320-78-9 German Cover Edition ISBN 978-3-903320-95-6 English Cover Edition PUBLISHED

„Der Welt (m)eine Ordnung geben“ beschreibt die Sammeltätigkeit des Wiener Anwalts Ernst Ploil, der sich seit einem halben Jahrhundert intensiv mit bildender wie mit angewandter Kunst befasst.

Ein methodischer Weg von Ploil ist das Aufspüren von Gemeinsamkeiten, ein anderer ist die Beschäftigung mit dem Gegensätzlichen, und einen dritten Untersuchungsansatz bietet die symbolistische Erzählung, deren – oft versteckte – Inhalte zu unterschiedlichen Interpretationen führen. Daraus entstand eine spartenübergreifende Sammlung österreichischer wie internationaler Kunst.

Ausgewählt und erworben, um Antworten zu finden auf die ewige Frage: Worum geht es in der Kunst?

“Creating (My) Order in the World” aptly describes the collecting activity of the Viennese lawyer Ernst Ploil, who for the past half century has devoted himself extensively to both fine and applied art. One methodical approach taken by Ploil is the detection of commonalities, another is the exploration of antithesis, and a third is offered by the symbolistic narrative, whose frequently concealed subject matter can lead to a variety of interpretations. The result is a boundary-transcending collection of both Austrian and international art — selected and acquired in order to find answers to the eternal question: What is art all about?

Creating (My) Order in the World.

Selected Works from the Ernst Ploil Collection

Arnulf Rainer, Proportion, 1953, courtesy Collection Ernst Ploil, Vienna © Arnulf Rainer, Photo: Christoph Fuchs

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Betrachtungen zwischen Kunstgeschichte und Kriminologie

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Das Museum ist kein Ponyhof.

Denn die Kunst offenbart in ihren Bildern eine Fülle von kriminellen Taten. Nicht selten wird der Betrachter unmittelbar Zeuge skandalöser Handlungen und mörderischer Verbrechen. Ein Vater vergreift sich an seinen Töchtern, eine nackte Frau erhebt ihr Schwert gegen ihren hilflos am Boden liegenden Liebhaber. Doch nicht immer sind die „Täter im Bild“ eindeutig zu identifizieren.

Und nicht alles was unmoralisch oder verwerflich ist, ist auch strafbar. Mit kriminologischem Spürsinn diskutieren die Autorinnen Fragen der Moral und Strafbarkeit und spannen dabei einen Bogen von der Kunst des 17. Jahrhunderts über die Avantgarde bis zur Gegenwart.

The museum is not a pony farm. Because art reveals a wealth of criminal acts in its pictures. It is not uncommon for the viewer to witness scandalous acts and murderous crimes directly. A father assaults his daughters, a naked woman raises her sword at her lover lying helplessly on the ground. But the “perpetrators in the picture” cannot always be clearly identified. And not everything that is immoral or reprehensible is also punishable. With a keen sense of criminology, the authors discuss questions of morality and criminal liability, spanning the art of the 17th century through the avant-garde to the present day.

Günther Uecker, Der weiße Schrei, 1991, Staatliches Museum Schwerin, Photo © Staatliche Schlösser, Gärten und Kunstsammlungen Mecklenburg-Vorpommern, Gabriele Bröcker

EDITOR Katharina Uhl, Staatliche Schlösser, Gärten und Kunstsammlungen M-V TEXTS Katharina Uhl, Ulrike Tabbert DESIGN + ILLUSTRATIONS Leonard Ermel DETAILS German, Hardcover, 86 pages, 23 × 16.5 cm, 26 ills. in color

EURO 24.– ISBN 978-3-903796-24-9 PUBLISHED

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ALDO GIANNOTTI

PUBLIC ART 2018 – 2019

Kunst im öffentlichen Raum Steiermark VIRAL 2 Jahre, 35 Projekte, 9 Autor_innen, internationale Künstler_innen, ungezählte Kooperationen vernetzen die Steiermark und thematisieren in einem Schwerpunkt ihre Grenzsituationen und Grenzen überhaupt.

Aldo Giannotti, Drive in Museum, 2020, courtesy the artist

Aldo Giannottis Buch „Viral“ ist eine Reflexion über den Lockdown während der Pandemie 2020. Seine Kunstwerke sammeln die Stimmungen und Momente chaotischer und sich schnell verändernder lokaler und globaler Strategien, politischer Tendenzen und gesellschaftlicher Herausforderungen. In Bezug auf sein eigenes Leben ist der Alltag von Einschränkungen und einem wachsenden Gefühl der Unsicherheit geprägt. Von abgesagten Ausstellungen bis hin zu übermäßigem Einkauf von Lebensmitteln zeigen Giannottis Zeichnungen den allmählichen Wechsel von einer sozialen Norm zur anderen.

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Aldo Giannotti’s book “Viral” is a reflection on the lockdown during the 2020 pandemic. His artworks collect the moods and moments of chaotic and rapidly changing local and global strategies, political tendencies and societal challenges. Relating to his own life, everyday routine is shaped by restrictions and a growing sense of insecurity.

From cancelled exhibitions to excessive food shopping, Giannotti’s drawings reveal the gradual shift from one social norm to another.

EDITOR Aldo Giannotti in collaboration with Kunsthaus Graz DESIGN Katherine Batliner DETAILS English, Leporello, 70 pages, 21 × 14.8 cm, 70 graphic ills.

EURO 20.– ISBN 978-3-903796-17-1 PUBLISHED

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Das zum vierten Mal zweijährlich erscheinende Jahrbuch des Instituts für Kunst im öffentlichen Raum bietet einen gewohnt vielfältigen Überblick über das Programm der Jahre 2018 und 2019.

Das reiche Spektrum reicht von großen, mehrtägigen (Kunst-) Festivals wie Transborders, Kunst-Rundfahrten bis zu kleinen feinen Vermittlungsaktionen wie der Nachtführung zum Sculpture Day 2019, reiht aber auch Kurzfilmwettbewerbe genauso wie Installationen von skulpturalen Werken in der ganzen Steiermark.

2 years, 35 projects, 9 authors, international artists, countless collaborations connect Styria and thematically focus its borderline situations and borders in general.

EURO 29.– ISBN 978-3-903796-21-8 PUBLISHED

The yearbook of the Institute for Art in Public Space, which is published for the fourth time biennially, offers the already familiar manifold review of the program from 2018 and 2019.

EDITOR Elisabeth Fiedler TEXTS Elisabeth Fiedler, Dževad Karahasan, Helmut Konrad, Charlotte MalterreBarthes, Philipp Sattler, Heidrun Primas, Branimir Stojanović, Milica Tomić / Dubravka Sekulić DESIGN Atelier Neubacher DETAILS German / English, Hardcover, 352 pages, 26 × 21 cm, 489 ills. in color

The rich spectrum ranges from large, (art) festivals lasting several days such as Transborders, art tours as well as small, fine mediation activities such as the night tour for Sculpture Day 2019, but also includes short film competitions as well as installations of sculptural works throughout Styria.

Alfredo Barsuglia, Alfredo Barsuglia, Mariainsel, 2018, Photo © Wasser Biennale

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SOMETHING BETWEEN US Something Between Us

DESIGN Nicolas Zupfer DETAILS German / English, Paperback, 112 pages, 22.5 × 16.5 cm, 73 ills. in color

Andrea Winkler, Short Lets Considered (SBU), 2020, courtesy the artist, Photo © D. Aebi

EXHIBITIONS 6.3. –2.8.2020 KAI 10 | Arthena Foundation Düsseldorf

EURO 26.– ISBN 978-3-903320-85-7 PUBLISHED

16.10.21–23.01.2022 Kunsthalle Nürnberg Aristotle characterized the human being as a ‘Zoon politikon,’ a social as well as political creature that enters into interpersonal relationships. Even today, despite an increasingly individualized society, humans maintain complex, reciprocal relationships with their environment. Partnerships, family relationships, friendships and other emotional bonds define an intertwined mesh of relations.

The international group

Mit Kirstin Burckhardt, Miriam Cahn, Teboho Edkins, Vivian Greven, Luzia Hürzeler, Alice Musiol, Warren Neidich, Stefan Panhans, Sibylle Springer, Thomas Taube, Andrea Winkler

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exhibition “Something Between Us” addresses the topic of the human being as a social animal, as ‘Zoon politikon.’ It investigates the anthropological constants of interpersonal relationships, such as love, empathy, emotional security, caring and safety, on the one hand, and yet, on the other hand, there is hate, fixation on roles, dependency, reprimand and discrimination. “Something Between Us” also explores in

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Der Katalog präsentiert zahlreiche zwischen 2015 und 2020 neu erworbene Werke der Sammlungen von Wiener Städtische und Wiener Städtische Versicherungsverein.

The catalog presents numerous works from the collections of Wiener Städtische and Wiener Städtische Versicherungsverein, newly acquired between 2015 and 2020.

Die Verknüpfung der Positionen führt zu Überlegungen, die vom Wiener Ringturm – Sitz von Unternehmen und Sammlungen – bis hin zu Mechanismen und Begriffen reichen, deren Ineinandergreifen nicht nur die Analyse der Werke, sondern auch eine Betrachtung unserer Gegenwart ermöglichen soll.

The linking of the positions leads to considerations that range from the Vienna Ringturm — the seat of the companies and collections — to mechanisms and concepts, the conjunction of which not only enables the analysis of the works, but also a contemplation of our present.

Daniela Kostova, video-stills, Fixing Reality, 2003

which way the complex structures of interaction and reciprocity are changing in our digital age.

ANAMARIJA BATISTA BENJAMIN BUTLER TATJANA DANNEBERG STANISLAV FILKO RICHARD FLEISSNER RUDOLF HAUSNER ANNA HOFBAUER HERTHA HURNAUS TILLMAN KAISER DANIELA KOSTOVA JAMES LEWIS MICHAIL MICHAILOV JAROMÍR NOVOTNÝ NICK OBERTHALER MICHAEL PART RUDOLF POLANSZKY MATHIAS PÖSCHL ANJA RONACHER PHILIPP TIMISCHL MAJA VUKOJE MARTIN WALDE LOIS WEINBERGER

ORTLOS

Die internationale Gruppenausstellung „Something Between Us“ thematisiert den Menschen als Gemeinschaftswesen, als ‚Zoon politikon‘.

Dabei blickt die Ausstellung auf die anthropologischen Konstanten zwischenmenschlicher Beziehungen: Liebe, Empathie, Geborgenheit, Fürsorge und Sicherheit einerseits, andererseits aber auch Hass, Rollenfixierung, Abhängigkeit, Maßregelung und Ausgrenzung. Auch fragt „Something Between Us“ danach, wie sich die vertrackten Strukturen des Miteinanders im digitalen Zeitalter verändern.

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EDITOR Kunsthalle Nürnberg, KAI 10 | ARTHENA FOUNDATION PREFACE Monika Schnetkamp, Ellen Seifermann TEXTS Ludwig Seyfarth, Harriet Zilch

SELBST BESTIMMT

Aristoteles charakterisierte den Menschen als ‚Zoon politikon‘, als soziales wie politisches Lebewesen, das zwischenmenschliche Verbindungen eingeht, weil ihm Gemeinschaft ein grundlegendes Bedürfnis ist. Auch heute steht der Mensch, trotz einer zunehmend individualisierten Gesell­schaft, mit seinem Umfeld in einem komplexen, wechselseitigen Abhängig­ keitsverhältnis. Partnerschaften, Verwandt­schaftsbeziehung, Freundschaften und andere emotionale Bindungen definieren ein verschlungenes Beziehungs­geflecht.

SELBSTBESTIMMT ORTLOS

With Kirstin Burckhardt, Miriam Cahn, Teboho Edkins, Vivian Greven, Luzia Hürzeler, Alice Musiol, Warren Neidich, Stefan Panhans, Sibylle Springer, Thomas Taube, Andrea Winkler

EDITOR Philippe Batka TEXTS Philippe Batka, Anamarija Battista, Anna Hofbauer DESIGN Bueronardin – visuelle Kommunikation DETAILS German/English, Paperback, 27 × 22 cm, 128 pages, 61 ills. in color

EURO 26.– ISBN 978-3-903320-70-3 PUBLISHED Daniela Kostova, video-stills, Fixing Reality, 2003

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BEYOND THE BLACK ATLANTIC

Die Thematisierung der westlich-eurozentrischen, oftmals von Vorurteilen behafteten Vorstellung von ‚Blackness‘ hat in den vergangenen Jahren aufgrund vielschichtiger Ereignisse weltweit an Aktualität und Brisanz hinzugewonnen. Überwunden geglaubte soziale Konflikte innerhalb westlicher Gesellschaften – wie beispielsweise in den USA – haben ein neues Bewusstsein bei den Akteur_innen der Black Community geweckt und gleichzeitig die Vorstellung einer globalen, polyphonen Schwarzen Kultur, des ‚Black Atlantic‘, in den Fokus gerückt. Der ‚Black Atlantic‘ wurde als Begriff vom englischen Soziologen Paul Gilroy 1993 eingeführt.

Sein Buch „The Black Atlantic: Modernity and Double-Consciousness“ gilt als Schlüsselwerk der zeitgenössischen Forschung zur Kultur und Politik der afrikanischen Diaspora in der westlichen Welt.

als Vertreter_innen ihrer Community rezipiert und damit marginalisiert. Diese Publikation will unterschiedliche künstlerische Positionen zeigen, die Fragen aufwerfen, die für die Mehrheitsgesellschaft relevant sind: Vielschichtigkeit von Identitäten, die Ambivalenz von Sichtbarkeit und Transparenz, die Verdrängung von Geschichte im Unterrichtswesen, um nur einige wenige zu nennen. Sie entstehen vor dem Hintergrund des ‚Black Atlantic‘, weisen aber formal und inhaltlich darüber hinaus.

EXHIBITION 15.2.–1.6.2020 Kunstverein Hannover

Schwarze Kultur ist gemeinschaftsstiftend, weil sie koloniale Amnesie hinterfragt und damit ein radikales Umdenken unserer westlichen Gesellschaften einfordert. Allzu oft wurden und werden schwarze Künstler_Innen eindimensional

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EDITOR Kunstverein Hannover TEXTS Roberto Conduru, Katja Gentric, Isabelle Graw, El Hadji Malick Ndiaye, Barbara Vinken, Christoph Singler, Kathleen Rahn and Sergey Harutoonian DESIGN Studio S / M / L, Berlin DETAILS German/English, Hardcover, 98 pages, 22 × 28 cm, 55 ills. in color

A groundswell of complex events around the globe has made discussion surrounding the Western Eurocentric, often prejudiced notion of ‘Blackness’ even more relevant and controversial in recent years.

Social conflicts in Western societies that were long thought to have been overcome — such as those in the United States, for example — have sparked new awareness among members of the Black community and simultaneously brought the idea of a global, polyphonic Black culture (the ‘Black Atlantic’) to the fore.

Coined in the year 1993 by British sociologist Paul Gilroy his book “The Black Atlantic: Modernity and Double-Consciousness” is considered a key work of contemporary research on the culture and politics of the african diaspora in the western world.

Spuren und MaSken der Flucht Künstler/innen der Ausstellung Osman Ahmed ȹʃ Õ ·ʃ ·Õ¥ µ¥ʃ ·¨ʃȹʃP ¾¨ ʃ<áÕÜ ʃ ·¨ʃȹʃ · ʃ ·µáÑ ¨ʃȹʃ4¥ · ʃ

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EURO 35.– ISBN 978-3-903320-84-0 PUBLISHED

Sandra Mujinga Paulo Nazareth Tschabalala Self Kemang Wa Lehulere Beyond the Black Atlantic

EURO 24.90 ISBN 978-3-903320-89-5 German cover edition ISBN 978-3-903796-16-4 English cover edition PUBLISHED

EDITOR Christian Bauer, Günther Oberhollenzer, Georg Traska TEXTS Monika Mokre, Günther Oberhollenzer, Barbara Pumhösel, Julya Rabinowich, Georg Traska DESIGN Johanna Uhrmann DETAILS German / English, Softcover, 21 × 25.5 cm, 192 pages, numerous ills. in color

Verlag für moderne Kunst

Kunstverein Hannover

range of artistic positions that address issues relevant to society, including the complexity of identities, the ambivalence of visibility and transparency, and the repression of history in educational settings, to name just a few. Though the works can be considered against the historical background of the ‘Black Atlantic,’ they also point far beyond it in terms of both form and content.

Black culture is communitybuilding, questions colonial amnesia and calls for a radical rethinking of our Western societies. All too often, Black artists have been regarded one-dimensionally as representatives of their community, a factor that has contributed to their marginalization. This publication aims to show a

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Österreich war immer wieder Fluchtziel. Die Geflohenen wurden aufgenommen als Verfolgte und abgewehrt als »Fremde«. Je nach Standpunkt änderten sich die Ikonografien der Flucht. Wechselnde Identitäten einer Person, ihre Masken und die mentalen Brücken zwischen dem Hier und Dort werden zum künstlerischen Gegenstand: Erinnerungen, Phantasmen, Spuren und Dokumente. In der Ausstellung werden Werke von vor allem in Österreich lebenden Künstler/innen vorgestellt, die den Umgang mit Flucht, Migration und Vorurteilen thematisieren, ihre eigene Fluchterfahrung ganz unterschiedlich bearbeiten oder als Label der Identifizierung zurückweisen.

Spuren und MaSken der Flucht

Sandra Mujinga, Paulo Nazareth, Tschabalala Self, Kemang Wa Lehulere

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Lena Lapschina, AUSLÄNDER/INLÄNDER, 2000, Photo © Lena Lapschina

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Österreich war immer wieder Fluchtziel. Die Geflohenen wurden aufgenommen als Verfolgte und abgewehrt als ‚Fremde‘.

Je nach Standpunkt änderten sich die Ikonografien der Flucht.

Wechselnde Identitäten einer Person, ihre Masken und die mentalen Brücken zwischen dem Hier und Dort werden zum künstlerischen Gegenstand: Erinnerungen, Phantasmen, Spuren und Dokumente. In der Ausstellung, kuratiert von Günther Oberhollenzer und Georg Traska, werden Werke von vor allem in Österreich lebenden Künstler_innen vorgestellt, die den Umgang mit Flucht, Migration und Vorurteilen thematisieren, ihre eigene Fluchterfahrung ganz unterschiedlich bearbeiten oder als Label der Identifizierung zurückweisen.

Austria has repeatedly been a destination for refugees who were received as persecuted individuals and rejected as ‘aliens.’ The iconographies of flight changed as a function of the respective point of view. Changing identities of an individual, their masks, and the mental bridges between ‘here’ and ‘back there’ become the subject of artistic creation: memories, phantasms, traces and documents. The exhibition, curated by Günther Oberhollenzer and Georg Traska, presents works by artists, most of them living in Austria, who explore the issues of fleeing, migration and prejudice, who process their own experience of flight in different ways or refuse to accept it as a label of identification.

With Osman Ahmed, Basel Alsheakh Ali, Rania Mustafa Ali, Alaa Alkurdi, Khaled Barakeh, Jakov Bararon, István Bielik, Franz Blaha, Tanja Boukal, Sepp Brudermann & Anabel Rodriguez, Eva Brunner-Szabo, Robert Capa, Ramesch Daha, Danica Daki ć, Adel Dauood, Friedemann Derschmidt, Mehmet Emir, Olga Georgieva, Rolf Gillhausen, Patricio Handl, Robert Jelinek, Anna Jermolaewa,

Dora Kallmus, Lena Lapschina, Vadim Kosmatschof, Evelyn Kreinecker, Erich Lessing, Camila Lobos, Klaus Mosettig, Lisl Ponger, Florian Rainer, Faek Rasul, Zbyněk Sekal, Deborah Sengl, Alena Vadura-Bilek, Nina Werzhbinskaja-Rabinowich, Linda Zahra and Carl Zahraddnik.

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THE BIG SLEEP

SPACES OF NO CONTROL

4th Artists’ Biennial at Haus der Kunst / 4. Biennale der Künstler im Haus der Kunst „The Big Sleep“ der Ausstellungstitel bezieht sich auf Raymond Chandlers Kriminalroman und den legendären Film Noir. Schlaf und Tod, Pause, Stillstand, Bedrohung, Unklarheit, Ängste – diese Aspekte sind virulent und gewinnen 2020 erstaunliche Aktualität, ebenso die Beteiligung vieler US-amerikanischer Künstler_innen an der Ausstellung. Das Haus der Kunst wird Schauplatz einer Inszenierung, die mit Dämmerung und Dunkelheit, Licht und Schatten spielt. Mit einführenden Essays, mit Künstlertexten und Ausstellungsansichten ermöglicht der Katalog ein tiefes Eintauchen in „The Big Sleep“.

EURO 25.– ISBN 978-3-903796-38-6 PUBLISHED

Die Publikation erscheint anlässlich der 4. Biennale der Künstler im Haus der Kunst, kuratiert von Cornelia Oßwald Hoffmann, in Zusammenarbeit mit Birthe Blauth und Peter Gregorio.

EDITOR Cornelia OßwaldHoffmann / Künstlerverbund im Haus der Kunst München e.V. EDITORIAL TEAM Katharina M. Rohmeder, Cornelia Oßwald-Hoffmann, Albert Coers TEXTS Cornelia Oßwald-Hoffmann, Johannes Wende, Ory Dessau, John Buffalo Mailer, Peter Gregorio, Berkan Karpat, Katharina M. Rohmeder, Matthias Kunz, Veronika Veit, Birthe Blauth, Louise Manifold, Alexander Steig, Amit Goffer, Dagmar Pachtner, Lena von Geyso, Tanja Hemm, Albert Coers, Carlotta Brunetti, Sabine Dorothee Lehner DESIGN Pirmin Veit, Munich DETAILS German / English, Paperback, 108 pages, 26 × 21 cm, 50 ills. in color

“The Big Sleep” — the exhibition title refers to Raymond Chandler’s detective novel and the legendary Film Noir. Sleep and death, pause, standstill, threats, ambiguity, fears — these aspects are widespread and gained astonishing topicality in 2020, as does the participation of many American artists in the exhibition. The Haus der Kunst becomes the setting for a production that plays with twilight and darkness, light and shadow. With introductory essays, artist texts and exhibition views, the catalog allows you to immerse yourself deeply in “The Big Sleep.”

The publication appears on the occasion of the 4th Biennale of Artists at Haus der Kunst, curated by Cornelia Oßwald Hoffmann, in collaboration with Birthe Blauth and Peter Gregorio.

EXHIBITION 19.7.– 8.9.2019 4. Biennale der Künstler Haus der Kunst München

Adidal Abou-Chamat, Miya Ando, Birthe Blauth, Carlotta Brunetti, Jutta Burkhardt, Albert Coers, Judith Egger, Manuel Eitner, Amit Goffer, Peter Gregorio, Tanja Hemm, Magdalena Jetelová, Alexander Kluge / Thomas Thiede, Kyung-Lim Lee, Vera Lossau, Louise Manifold, Nina Annabelle Märkl, Paul McCarthy, Marilyn Minter, Edie Monetti, Herbert Nauderer, Dagmar Pachtner, Laurie Palmer, Susanne Pittroff, Michael Sailstorfer, Tschabalala Self, Leslie Thornton, toffaha, Timm Ulrichs, Veronika Veit

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In den letzten Jahrzehnten haben sich der öffentliche Raum und die Architektur aufgrund der modernen Technologie und ihres Einflusses auf die Gentrifizierung drastisch verändert.

Die Präzision der Technologie erfordert keine Urheberschaft mehr oder eine reale Person, die den Abzug drückt, um die Realität zu dokumentieren. Je fortschrittlicher die Technologie wird, desto mehr Kontrolle haben Investoren im Besitz der Stadtplanung und desto mehr außer Kontrolle geraten die Bürger_innen in ihren öffentlichen Räumen. In diesem Fall wurden New York und andere Großstädte aufgrund dieser kommunalen Veränderungen, die eine permanente Kontrolle erfordern und von kapitalistischen Trends geprägt sind, einer permanenten künstlerischen Prüfung unterzogen.

Der Ausstellungskatalog „Spaces of No Control“ zeigt Künstler_innen, die die Geschichte bestimmter Orte untersuchen, um eine Erzählung über die bestimmenden architektonischen und sozialen Eindrücke der Stadtstruktur zu erstellen. Der Kern dieser Show besteht aus fotografischen Untersuchungen von Städten und ihren sozialen Schichten, die dann in andere Medien übertragen werden, um zu reflektieren, wie man mit dieser neuen Realität umgeht.

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EDITOR Walter Seidl for Austrian Cultural Forum New York TEXTS Jeff Derksen, Francesca Gavin, Michael Haider, Simon Rees, Walter Seidl DESIGN Simon Assefi DETAILS English, Paperback, 48 pages, 21× 14.8 cm, numerous ills. in color

EURO 14.– ISBN 978-3-903796-53-9 PUBLISHED IN JANUARY

Sabine Bitter/Helmut Weber, Performing Publicness, 2020, courtesy the artists

Over the past decades, public space and architecture have changed drastically as a result of modern technology and its influence in gentrification. The precision of technology no longer requires authorship or a real person pulling the trigger in order to document reality.

The more advanced technology becomes, the more in control investors become in ownership of urban planning, and the more out of control citizens are in their public spaces. In this case, New York and other large cities have been under constant artistic scrutiny as a result of these municipal changes that call for permanent control and are marked by capitalist trends.

Edited by Walter Seidl

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The exhibition catalog “Spaces of No Control” features artists who examine the histories of specific places to create a narrative on the defining architectural and social impressions of the urban structure. The core of this show is formulated by photographic examinations of cities and their social strata, which are then transferred into other media to reflect on how to come to terms with this new reality.

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KIEFER HABLITZEL Der Kiefer Hablitzel Kunstpreis wird seit 1951 schweizerischen Künstler_innen verliehen.

Nichts ist im Jahre 2020 so, wie es bis anhin war. Als im Sommer 2020 feststand, dass der Wettbewerb mit der Präsentation im Rahmen der Swiss Art Awards nicht durchgeführt werden kann, waren Covid-19 und die daraus resultierenden neuen Umstände bereits Alltag geworden.

Kader Attia, Juan Pérez Agirregoikoa, Cian Dayrit, Edith Dekyndt, Kyungah Ham, Magdalena Kita, Ellen Lesperance, Hana Miletić

Göhner Kunstpreis 2020

Zum ersten Mal in der Geschichte des Preises werden 2020 keine Kiefer Hablitzel | Göhner Kunstpreisträger_innen ausgezeichnet. Als Zeichen der Solidarität, die unter den aktuellen Umständen besonders für jüngere Kunstschaffende wichtig ist, wurde entschieden, das diesjährige Preisgeld zwischen allen 17 nominierten Künstler_innen zu verteilen.

Anstelle einer Ausstellung der Preisträger_innen erhalten alle Nominierten zudem die Gelegenheit, ihre Werke im Kunsthaus Langenthal zu zeigen, und sind Teil dieser Publikation.

Jessy Razafimandimby, installation view, Mon père est jardinier et ma mère est fleuriste, 2018, HEAD, Geneva

EDITOR Kiefer Hablitzel Stiftung, Ernst Göhner Stiftung PREFACE Judith Welter TEXTS Mitchell Anderson, Simon Buckley, Elias Carella, Angelo Custodio, Neïla Czermak, Olga Hohmann, Deborah Joyce Holman & Mohamed Almusibli, Roman Kurzmeyer, Elise Lammer, Sylvain Menetrey, Federico Nicolao, Cecilie Nørgaard, Georgia Sagri, Aziz Sohail, Zoe Stillpass, Gaia Vincensini, Joel White DESIGN Karin Minger DETAILS German / English / French, Paperback, 148 pages, 24 × 17 cm, 102 ills. in color

EURO 20.– ISBN 978-3-903796-46-1 PUBLISHED IN FEBRUARY

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ACTIVE THREADS

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The Kiefer Hablitzel Art Prize has been awarded to Swiss artists since 1951. Nothing is the same in 2020 as it has been before. When it became clear in summer 2020 that the competition with the presentation as part of the Swiss Art Awards could not be carried out, Covid-19 and the new circumstances resulting from it had already become everyday life.

decided to distribute this year’s prize money between all 17 nominated artists. Instead of an exhibition of the award winners, all nominees also have the opportunity to show their works at the Kunsthaus Langenthal and are part of this publication.

For the first time in the history of the award, there will be no Kiefer Hablitzel | Göhner Art Prize winners honored. As a sign of solidarity, which is particularly important for younger artists under the current circumstances, it was

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EXHIBITION 4.2.–11.4.2021 Kunsthaus Langenthal

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Die internationale Gruppenausstellung „Active Threads“ geht der sozialen und politischen Bedeutung von Textilien in der heutigen Zeit nach. Sie thematisiert, dass stoffliche Gewebe auch in unserer digitalen Gegenwart extrem wirksame Kommunikationsmittel sind. Das Projekt streift geopolitische Konflikte, latente und offenkundige postkoloniale Wunden sowie Beispiele von zivilem Protest, aber auch Motive der Fankultur.

Dabei zeigt sich, in welch vielfältiger Weise Textilien zu Katalysatoren geschichtlicher und kultureller Prozesse werden können. Textilien verbinden Menschen und Dinge, vernetzen Kulturen und Geografien, verknüpfen Unverbundenes oder Zerstörtes, stiften Identität und Gemeinschaft und fördern kollektive Erfahrungen kommen zum Einsatz, wenn politische Ordnungen in Frage gestellt werden. Die acht internationalen Künstler_innen stellen in ihren Arbeiten die so häufig gebrauchte Metapher des ‚Sozialen Bands‘ auf den Prüfstand und reflektieren heutige Formen gesellschaftlichen Zusammenlebens.

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The international group exhibition “Active Threads” examines the social and political importance of textiles today. It addresses the fact that material fabrics are extremely effective means of communication even in our digital present. The project touches on geopolitical conflicts, latent and obvious post-colonial wounds as well as examples of civil protest, but also motifs of fan culture.

This shows the many ways in which textiles can become catalysts for historical and cultural processes. Textiles connect people and things, network cultures and geographies, connect the unconnected or destroyed, create identity and community and promote collective experiences. Experiences are also used when political systems are called into question. In their work, the eight international artists challenge the frequently used metaphor of the “social bond” and reflect on today’s forms of social coexistence.

EURO 24.– ISBN 978-3-903796-43-0 PUBLISHED IN MARCH

EDITOR KAI 10 | ARTHENA FOUNDATION, Julia Höner TEXTS Marion Eisele, Katharina Hohenhörst, Julia Höner, Sabine Maria Schmidt, Monika Schnetkamp, Ludwig Seyfarth, Christel Vesters DESIGN Adeline Morlon DETAILS English / German, Paperback, 144 pages, 21.5 × 14 cm, approx. 50 ills. in color

Juan Pérez Agirregoikoa, detail, Inner Beauty, 2010, courtesy the artist and Galerie Marietta Clages, Cologne

EXHIBITION February – May, 2021 KAI 10 | ARTHENA FOUNDATION

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GEGENWARTEN | PRESENCES

ATELIER LE BALTO NADJABußmann, BUTTENDORF EDITORS Frédéric ANETTA MONA CHIŞA & LUCIA TK ÁČOVÁ Florian Matzner,ELSE Sarah (TWIN) GABRIEL SHILPA GUPTA PATRICIA KAERSENHOUT Sigmund TEXTS the artists KLUB SOLITAER MISCHA KUBALL and Ravi Agarwal, PHILIPJeanette KOJO METZ HENRIKE NAUMANN Brabenetz, Frédéric Bußmann, OLAF NICOLAI OBSERVATORIUM Regina Dathe, OOZE Frank& MARJETICA Eckhardt,POTRČ LYDIA OURAHMANE COLLECTIVE Florian Matzner,PENG! Vanessa ROMAN SIGNER WELTECHO MIT OSCAR Müller, Zeran Osman, Juliane ANNA WITT TOBIAS ZIELONY Peil, Friederike ZONA Sigler, D Sarah VERLAG FÜR MODERNE KUNST

Sigmund, Samira Yildirim PHOTOS Roman Mensing

ISBN 9-783903-320000

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DESIGN Buerau Est (Leipzig / Paris) DETAILS German/English, Paperback, 288 pages, 31 × 24 cm, approx 250 ills. in color

GEGENWARTEN I PRESENCES

Mischa Kuball, Lobe der Menschheit/Human Praise, 2020, Photo © Roman Mensing

GEGENWARTEN PRESENCES

Chemnitz: Once one of the richest industrial cities in Germany in the 19th and early 20th centuries, after National Socialism it became the model city of GDR socialism, today a synonym for social tensions and political conflicts: Chemnitz — a city that has lived disruptions like no other throughout its historical development. Disruptions that are still visible today and have inscribed themselves in the disparate urban landscape.

“Gegenwarten | Presences” is an exhibition project that took place in the public space of Chemnitz in summer 2020 and responds precisely to this.

Projects by 20 international artists and collectives are shown, who deal with the respective social, political and urban issues of the city in their site-specific works — interventions and sculptures, installations and performances.

Gezeigt werden Projekte von 20 internationalen Künstler_innen und Kollektiven, die sich in ihren ortsspezifischen Arbeiten – Interventionen und Skulpturen, Installationen und Performances – mit den jeweiligen gesellschaftlichen, politischen und urbanen Fragen der Stadt auseinandersetzen.

KUNST STADT CHEMNITZ

EURO 38.– ISBN 978-3-903320-00-0 PUBLISHED

EXHIBITION 15.8.– 25.10.2020 Öffentlicher Raum der Stadt Chemnitz

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Chemnitz: Einst eine der reichsten Industriestädte im Deutschland des 19. und frühen 20. Jahrhunderts, nach dem Nationalsozialismus dann Vorzeigestadt des DDR-Sozialismus, heute ein Synonym als Austragungsort sozialer Spannungen und politischer Konflikte: Chemnitz – eine Stadt, die wie kaum eine andere Brüche in ihrer historischen Entwicklung durchlebt hat. Brüche, die bis heute sichtbar sind und sich in die disparate Stadtlandschaft eingeschrieben haben. „Gegenwarten | Presences“ ist ein Ausstellungsprojekt, das im Sommer 2020 im öffentlichen Raum von Chemnitz statt­fand und genau darauf reagiert.

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Mit „Atmoism – Gestaltete Atmosphären“ widmet das Kunstgewerbemuseum dem bedeutenden Designer Hermann August Weizenegger eine große Einzelausstellung.

Gezeigt werden 25 bühnenbildartige Interventionen, die eigens für diese Ausstellung entworfen wurden. Im Dialog mit der gesamten Dauerausstellung eröffnen sie zugleich Möglichkeitsräume, wie zukünftig Exponate präsentiert und kontextualisiert und wie atmosphärische Rundgänge und Erlebniswelten für die Besucher_innen im Museum geschaffen werden könnten.

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EDITOR Kunstgewerbemuseum – Staatliche Museen zu Berlin, Claudia Banz TEXTS Claudia Banz, Lennart Franz, Kaja Ninnis, Patricia Ribault, Thomas Wagner

Weizenegger erklärt: „Als Designer gestalte ich diese Räume des Handelns. Der Nutzer wiederum erhält die Chance, eine kognitive, emotionale und persönliche Bindung zum Gegenstand herzustellen, er erfährt etwas über den Herstellungskontext und darüber hinaus. Bei ihm entsteht Bewusstsein für die bestehenden Produktionsbedingungen, vielleicht sogar Verantwortung. So schafft Gestaltung kulturellen und gesellschaftlichen Mehrwert.“

Mit/with atelier le balto, Nadja Buttendorf, Anetta Mona Chişa & Lucia Tkáčová, Else Gabriel, Shilpa Gupta, Patricia Kaersenhout, Klub Solitaer e.V., Mischa Kuball, Philip Metz, Henrike Naumann, Olaf Nicolai, Observatorium, Ooze Architects + Marjetica Potrč, Lydia Ourahmane, Peng! Collective, Roman Signer, Weltecho, Anna Witt, Tobias Zielony, ZONA D.

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Gestaltete Atmosphären Eine Ausstellung von Hermann August Weizenegger

DESIGN Michi Schnaus DETAILS German, Hardcover, 194 pages, 26.5 × 20 cm, numerous ills. in color

EURO 35.– ISBN 978-3-903320-97-0 PUBLISHED

With “Atmoism – Gestaltete Atmosphären,” the Kunstgewerbemuseum is holding the first major solo exhibition on the work of influential designer Hermann August Weizenegger. On display are 25 interventions, reminiscent of set designs, which Weizenegger has produced especially for the exhibition. In a dialogue with the permanent exhibition of the Kunstgewerbemuseum, they also open up spheres of possibility for how exhibits might be presented and contextualized in the future, as well as how atmospheric tours and experiential worlds can be created for visitors.

Weizenegger explains that “as a designer, I create spaces of action. The user, for their part, receives the opportunity to produce a cognitive, emotional and personal connection to the object, learning something about the context of production and its life thereafter. The user develops an awareness for the existing production conditions, perhaps even a sense of responsibility. This is what makes up the social and cultural value of design.”

EXHIBITION 12.9.2020 –10.1.2021 Kunstgewerbemuseum Berlin

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MANAGING DIRECTOR AND PUBLISHER Silvia Jaklitsch ASSISTING MANAGING DIRECTOR HEAD OF PROJECT MANAGEMENT & SALES Julia Bromirski HEAD OF PROGRAM & EDITING Gabrielle Cram HEAD OF MARKETING & CONTROLLING Claudia Wolf CONCEPTION VFMK BOUTIQUE, EVENTS Dajana Dorfmayr, Florent Souly SALES COOPERATIONS WITH starfruit publications, starfruit-­publications.de Harpune Verlag, harpune.at 100 Häuser, 100haeuser.de PAMPAM Publishing

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