VERLAG FÜR MODERNE KUNST by Verlag für moderne Kunst

Fr端hling / Spring 2015

We are #art book lovers . Bald erh채ltlich / Available soon www.vfmk.org

Alles wie immer neu. All new as ever. Dieses Frühjahrsprogramm ist ein ganz besonderes: Wir präsentieren Ihnen darin nicht nur unser neues Programm, sondern auch einen neuen Verlag für moderne Kunst. Nach vier Jahrzehnten ereignisreicher Verlagsgeschichte zieht sich Dr. Karl Gerhard Schmidt als Verleger zurück. Unser neuer Standort ist Wien. Zusammen mit Ralf Herms sowie unseren Mitgesellschaftern Manfred Rothenberger und Dr. Karl Gerhard Schmidt als Senior Editors und Michael Wuerges als Managing Partner führe ich als Verlegerin die Verlagsgeschäfte fort. Trotz des Neustarts gibt es Konstanten, die unverändert geblieben sind, wie unser kompromissloses Bekenntnis zum Zeitgenössischen, das unser Programm auch in Zukunft charakterisieren wird. In den Fokus stellen wir die Bezüge zwischen Kunst, Gesellschaft und kulturellen Phänomenen, die uns heute beschäftigen und ihren Ausdruck auch in Bereichen wie Design, Architektur, Theater, Film und Literatur finden. Unser weltweites Vertriebsnetz werden wir nicht nur bewahren, sondern kontinuierlich weiter ausbauen. Die Eigenständigkeit des Verlags gibt uns eine Unabhängigkeit, die wir auch dazu nutzen werden, neue Kooperationen und Geschäftsfelder zu erschließen. Unser besonderes Ziel bleibt jedoch nach wie vor, neben etablierten Positionen auch Künstlern am Beginn ihrer Karriere einen Platz in unserem Programm zu ermöglichen. Mein ganz persönlicher Dank gilt Herrn Dr. Schmidt und insbesondere auch der bisherigen Verlagsleiterin, Martina Buder, die uns auch zukünftig als freie Mitarbeiterin mit ihrer Kompetenz und Erfahrung unterstützen wird. Ich freue mich auf inspirierende Begegnungen und spannende neue Buchprojekte.

This spring program is a very special one, for in it we present to you not only our new program, but also a new Verlag für moderne Kunst. After four eventful decades at the publishing house, Dr. Karl Gerhard Schmidt is stepping down as publisher. We are now based in Vienna. Together with Ralf Herms and our co-partners Manfred Rothenberger and Dr. Karl Gerhard Schmidt as Senior Editors and Michael Wuerges as Managing Partner Partner I shall be continuing the publishing business as Publisher. Despite the new beginning there are unchanging constants, such as our uncompromising commitment to the contemporary, which will continue to characterize our program in future. We are to focus on the links between art, society and cultural phenomena that occupy us today and find expression in such areas as design, architecture, theater, film and literature. We will not only maintain our global distribution network, but continually expand it. The publishing house’s autonomy gives us an independence that we will also use to establish new collaborations and business fields. Our greatest goal shall however remain to offer artists at the beginning of their career a place in our program, alongside established positions. I personally wish to thank Dr. Schmidt and in particular also the publishing manager to date, Martina Buder, who is to continue supporting us with her expertise and experience on a freelance basis in future. I look forward to inspiring encounters, stimulating discussions and exciting new book projects!

Herzlich Ihre / Best regards Silvia Jaklitsch

Olaf Otto Becker Sonja Braas Balthasar Burkhard Jordi Colomer Ulrike Crespo

Elger Esser Bernhard Fuchs Hamish Fulton Andreas Gursky Axel Hütte Julie Monaco Walter Niedermayr Thomas Ruff Jörg Sasse Margherita Spiluttini

Ausstellung / Exhibition Kunstforum Wien 11.2.–26.4.2015

1) Andreas Gursky, „James Bond Island II“, 2007; C-Print, 307 x 223,3 cm, © Andreas Gursky / VG Bild-Kunst, Bonn & Bildrecht, Wien, 2014, Photo: Courtesy Sprüth Magers Berlin London 2) Jordi Colomer, „En la Pampa (The Pink Bag)“, 2008, Sammlung HypoVereinsbank, Member of UniCredit, VG Bild-Kunst, Bonn, 2014 3) Axel Hütte, „Tokyo 2“, Japan, 2010, Courtesy Galerie Nikolaus Ruzicska, Salzburg & Axel Hütte / Skira

mit / with Thomas Struth Frank Thiel

Landscape in my Mind Landscape photography today. From Hamish Fulton to Andreas Gursky

„Landscape in my Mind“ ist eine BilderReise durch die Landschaftsräume der aktuellen Kunstfotografie. Die Ausstellung vereint aktuelle Positionen der internationalen Landschaftsfotografie. Landschaft, stets ein Beziehungsgeflecht zwischen Mensch und Natur, zeigt sich als mentale Projektionsebene der Wahrnehmung unserer nahen und fernen Umgebung. Die Kunstwerke fungieren als „verzerrter“ Spiegel der gesehenen Realität; sie sind keine reinen Dokumentationen mittels Kameraklick, sondern hybride Tableaus zwischen Fiktion und Abstraktion, Metaphern des Blicks auf die Welt und

“Landscape in my Mind” is a pictorial darüber hinaus. Diese Fotografien journey through the landscapes of sind zumeist „mit der Kamera gemalte current art photography. The catalog Bilder“ im großen Format, die das covers the whole gamut of current Selbstbewusstsein der Neuen Fotograpositions in international landscape fie ausstrahlen. Effekte der Unschärfe photography. Always a network of sowie kompositorische Qualitäten steiconnections between man and nature gern den malerischen und piktorialen landscape presents itself as a mental Wert des Tableaus. Die Roland Barth’sche Formel der Foto- projection level of the perception of our surroundings – both close and distant. grafie „So ist es gewesen“ löst sich im weiten Feld der Manipulation und Fik- The works of art function as “distorted” mirrors of perceived reality; they are tion auf. Landschaftsfotografie als malerische Konstruktion der Wirklichkeit. not pure documentations produced at the click of a camera but hybrid tableaus between fiction and abstraction, metaphors of the view of the world and beyond. Typically, the photographs are “pictures painted with the camera” in large format, which exude the self-confidence of New Photography. Blurring effects and compositional qualities enhance the tableau’s painterly and pictorial value. Roland Barthes’ pronouncement on photography that “this is how it was” is annulled given the full spectrum of manipulation and fiction. Landscape photography as a painterly construction of reality. 3

Landscape in my Mind Editors Ingried Brugger, Florian Steininger for Kunstforum Wien Preface Ingried Brugger Texts Roland Lippuner, Lisa Ortner-Kreil, Christoph Ransmayr, Florian Steininger Details 176 pages, 60 ills. in color, Hardcover, 29,7 x 28,2 cm Euro 38,– ISBN 978-3-86984-520-3

Apparatus 22 Cloed Priscilla Baumgartner Alexander Blank Bless Célio Braga Beatrice Brovia Úna Burke / COOP HIMMELB(L)AU Cooper & Gorfer Corinne Day A K Dolven Fantich & Young franzthomaspeter Jean Paul Gaultier Bob Goedewaagen Meg Grant / Anja Hertenberger Luise Gypser Yoshiki Hishinuma Joanna Hogg Barbara í Gongini

Robert Jelinek / Sabotage Birgit Jürgenssen Rei Kawakubo / Comme des Garçons Kora Keller SHOWstudio / Nick Knight Kobakant Manon Kündig Kirstin Lamb Maskull Lasserre Delaine Le Bas Martin Margiela / Maison Martin Margiela Märta Mattsson Alexander McQueen Issey Miyake NOKI (aka Dr NOKI) Micha Payer + Martin Gabriel Michael Petri Carol Christian Poell Q Hisashi Shibata Ute Rakob / Louise Richardson / Daniele Tamagni Juergen Teller Ivonne Thein Katja Then Walter Van Beirendonck Imme van der Haak Iris van Herpen Viktor&Rolf Käthe Wenzel Bernhard Willhelm Heimo Zobernig

1) Bernhard Willhelm, Collection Women S/S 2013, 3D animation: Geoffrey Lillemon, photo: Petrovsky&Ramone, © Bernhard Willhelm 2) Kirstin Lamb, „Ennui“, 2010, Courtesy Darger HQ Gallery 3) Walter Van Beirendonck, Outfit from „Hand on Heart“ collection, A/W 2011–2012. MoMu — Fashion Museum Province of Antwerp, photo: Dan Lecca, courtesy Walter Van Beirendonck 4) Corinne Day, „Kate 1990“, 2006, courtesy The Estate of Corinne Day and Gimpel Fils 5) Mariana Fantich and Dominic Young, Apex Predator male shoes, 2010, © Fantich & Young 6) Daniele Tamagni, „Vive la sape #2“, 2008, courtesy Kristin Hjellgjerde, London, © daniele tamagni

mit / with

Love & Loss Mode und Vergänglichkeit

In den 1980er-Jahren ziehen neue Inhalte und eine revolutionäre Ästhetik in die Welt der westlichen Mode ein. Die Suche nach Authentizität, Melancholie als Haltung sowie kühne Formexperimente waren bis dahin der bildenden Kunst vorbehalten. Nun werden sie in der Mode aufgegriffen. Radikal erfinden Galionsfiguren wie Martin Margiela und Rei Kawakubo den Schönheitsbegriff in der Mode neu. Deformation und Verschleiß werden unter ihren Händen zu aufregenden Stilmitteln. Die heute im Mainstream etablierten zerschlissenen Jeans haben in Entwürfen von Maison Martin Margiela und Comme des Garçons ihre Geburtsstunde erlebt. Mode wird zum Spiegel, in dem der Mensch die eigene Sterblichkeit erblickt. Sie betont die Spuren der Zeit, preist die Vergänglichkeit und flirtet mit dem Tod.

Der Katalog feiert Schönheit und Abgründiges, poetische Momente und schwarzen Humor. Er präsentiert ModedesignerInnen gemeinsam mit bildenden KünstlerInnen, High und Street Fashion, Fotografien, Videos, Skulpturen und Installationen.

In the 1980s new content and a revolutionary new aesthetic made their first appearance in the world of Western fashion. Features such as the search for authenticity, melancholy as a pervasive attitude, and bold formal experiments

had been exclusively reserved to the fine arts until then. Now they were taken up by fashion. Martin Margiela, Rei Kawakubo and other outstanding designers subjected the concept of beauty in fashion to a radical makeover, where deformation and wear and tear become exciting stylistic devices. The torn jeans that are a staple of mainstream fashion these days first saw the light of day in designs by Maison Martin Margiela and Comme des Garçons. Fashion becomes a mirror in which we come face to face with our own mortality. It emphasizes the traces of time, praises transience and flirts with death. The catalog celebrates beauty and the abyss, poetical moments and black humour. It presents fashion designers together with exponents of the visual arts, High Fashion and Street Fashion, photographs, videos, sculptures and installations.

Ausstellung / Exhibition Lentos Kunstmuseum Linz 13.3. – 7.6.2015

Love & Loss. Mode und Vergänglichkeit Editor Kunstmuseum Linz, Stella Rollig und Ursula Guttmann Texts Ursula Guttmann, Thomas Macho, Stella Rollig and Barbara Vinken Interviews with Cooper & Gorfer and Nick Knight/SHOWstudio with Kristen McMenamy Details 160 pages, numerous ills. in color, Paperback Euro 29,– ISBN 978-3-903004-01-6

1) Sudarshan Shetty, „From here to there and back again“, 2009, 275 x 183 x 183 cm, © Courtesy Galerie Krinzinger, Vienna 2) Alf Löhr, „The Art of battling Giants“, 2013, 400 x 300 cm, © Alf Löhr; Photo: Paul Schöpfer, Cologne 3) Sudarshan Shetty, „Listen outside this house“, 2009, 152 x 280 x 56 cm, © Courtesy Galerie Krinzinger, Vienna

Reise nach Indien A Passage to India

„Ich möchte das wahre Indien sehen“, heißt es in Edward Morgan Forsters Roman „Auf der Suche nach Indien“. Doch was ist das „wahre Indien“? Jeder hat eine andere Vorstellung davon, die durch Erfahrungen mit der indischen Kultur im heimischen Umfeld oder durch Reisen auf den Subkontinent, den aktuell weit über eine Milliarde Menschen bevölkern, entstanden ist.

Künstler wie Sakshi Gupta, Alf Löhr, Renate Graf, Sudarshan Shetty oder Thomas Florschuetz lassen den Betrachter ihrer Arbeiten das Land neu entdecken und schicken ihn auf eine visuelle Reise, die ihn Unerwartetes genauso wie Altbekanntes in einem zeitgenössischen Kontext aufspüren lässt. Ihre unterschiedlichen Blickwinkel auf Indien, die durch Kunst Ausdruck finden, ergeben ein buntes Potpourri, das die Facetten Indiens reflektiert.

“I want to see the real India,” we read in E. M. Forster’s “A Passage to India”. But what is the “true India”? Everyone has their own idea of it, shaped by experiences with Indian culture at home or by travel in the sub-continent that at present has a population well in excess of one billion. Artists such as Sakshi Gupta, Alf Löhr, Renate Graf, Sudarshan Shetty and Thomas Florschuetz allow viewers to rediscover the country through their works, sending us on a visual trip that serves up both the familiar and the unexpected in a contemporary context. Their different takes on India, expressed through art, together offer a colorful potpourri that duly reflects India’s countless different facets.

Ausstellung / Exhibition Kunstmuseum Schwerin, 27.2. – 14.6.2015 2

Reise nach Indien. A Passage to India Editors Dirk Blübaum, Gerhard Graulich, Adina Christine Rösch Text Gerhard Graulich, Adina Christine Rösch, Gayatri Sinha Design Carsten Best & Susanne Schwarz, Hamburg Details German / English, 136 pages, numerous ills. in color, Hardcover Euro 30,– ISBN 978-3-86984-552-4 (German Edition), 978-3-86984-554-8 (English Edition)

1) Wohnhaus W, Architektur: Ulrich Langensteiner Architekten, Fotos: Ulrich Langensteiner Architekten 2) Dupli Casa, Ludwigsburg, 2008, Architekt: J端rgen Mayer H 3) Haus F, Architektur: FINCK Architekten, Fotos: Thomas Sixt Finckh 4) S(ch)austall, Ramsen, 2004, Architekten: naumann.architektur, Stuttgart

Deutschland: 19.90 € Österreich: 19,90 € Schweiz: 29,90 sfr

9 78 395 0 2470 2 2

100 deutsche Häuser

0 Die 10 en , tivst in nova ten und ns moder öh nl ic hsten ew r au ßerg r na m ha fte H äuse kten aus Arch ite ch la nd . D euts

Ausgabe 2014 / 15

erscheint / published Mai 2015

spannenden Geschichten der Häuser und ihrer Entstehung erzählen renommierte Autorinnen und Autoren.

Die 100 innovativsten, modernsten und außergewöhnlichsten Häuser namhafter Architekten aus Deutschland. Das Magazin präsentiert die herausragendesten Häuser – von klein bis groß, von sachlich bis cool, von Holz bis Beton – aus vielen Städten, Regionen und Ländern Deutschlands. In ihrer unglaublichen Vielfalt zeigen die Beispiele nicht nur das breite Spektrum und die außergewöhnliche Qualität der gesamten bundesdeutschen Baukultur, sondern geben ebenso Einblick in Wohnträume und die Lebenskonzepte ihrer Bewohner: Die

The 100 most innovative, modern, and extraordinary houses designed by wellknown architects from Germany. The magazine presents the very best houses —from small to large, functional to cool, from timber to concrete — in many

different cities, regions, and states in Germany. The incredible variety of the examples shown not only illustrates the wide range and exceptional quality of architecture in Germany as a whole, but also offers an insight into the housing dreams and life concepts of the people who live in these houses: well-known writers tell the exciting stories of the houses and how they came to be built.

ebenfalls erhältlich / also availabe

100 deutsche Häuser, 2015/16 Editor REDAKTIONSBUERO ARCHITEKTUR, Manuela Hötzl Design Rosebud, Inc. Details German, 184 pages, numerous ills. in color, Paperback, 33 x 23 cm Euro 19,90 ISBN 978-3-86984-534-0

100 österreichische Häuser, 2014/15 German / English, 184 p., Pb., Euro 14,90 ISBN 978-3-86984-515-9

Rannva Kunoy At first glance the paintings of Rannva Kunoy (born 1975, Faroe Islands) seem to consist of a simple monochrome surface on which an interplay between scratch marks and the ghostly frames is staged. On closer inspection a three-dimensional, almost holographic quality comes to light. The shimmering colors and sweeping shapes reinforce the impression that the images give rise to something that never quite becomes tangible. The series is shown alongside another group of works featuring compositions that have bizarre intimations. The arrangement of the lines however never presents a clear motif. Die Gemälde von Rannva Kunoy (* 1975, Färöer-Inseln) scheinen auf den ersten Blick aus einer einfachen monochromen Oberfläche zu bestehen, in welcher ein Wechselspiel zwischen Kratzspuren und den geisterhaften Rahmungen stattfindet. Bei näherer Betrachtung zeigt sich eine dreidimensionale, fast holografische Qualität. Die schillernden Farben und die schwungvollen Formen intensivieren den Eindruck, dass die Bilder etwas entstehen lassen, was

nie ganz fassbar wird. Die Serie wird neben einer weiteren Werkgruppe gezeigt, deren Kompositionen skurrile Andeutungen suggerieren. Die Anordnung der Striche stellt jedoch nie ein eindeutiges Motiv dar.

Ausstellung / Exhibition 1.2. – 5.4.2015 Kunsthaus CentrePasquArt, Biel / Bienne

Rannva Kunoy Editor Felicity Lunn for Kunsthaus CentrePasquArt, Biel / Bienne Felicity Lunn design PrillViecoliCremer Details 36 pages, Hardcover

Text

Euro 26,– ISBN 978-3-86984-551-7

Roger Hiorns

Roger Hiorns (* 1975, Birmingham, GB) ist ein führender Künstler seiner Generation. Im Jahr 2009 wurde er für den renommierten Turner Prize nominiert. Die Schau im Kunsthaus CentrePasquArt, die anschließend in der Galerie Rudolfinum, Prag, präsentiert wird, ist seine bisher umfangreichste Einzelausstellung. Die Installationen und Skulpturen von Roger Hiorns generieren und besetzen Lücken zwischen abweichenden Ideen: zwischen Konstruktion und Destruktion, Theologischem und

Technologischem, Temporärem und Permanenz, autoritärer Kontrolle und Spontanität. Seine Arbeit ist von einer funktionalen materiellen Präsenz geprägt, die jedoch immer mit einem Sinn für das Imaginäre, das Poetische oder das Esoterische kombiniert ist. Roger Hiorns (born 1975, Birmingham, UK) is a leading artist of his generation. In 2009 he was nominated for the renowned Turner Prize. The exhibition at Kunsthaus CentrePasquArt, which will subsequently be presented at Galerie Rudolfinum, Prague, is his largest solo show to date.

Roger Hiorns’ installations and sculptures generate and fill gaps between disparate ideas: between construction and destruction, theology and technology, temporariness and permanence, authoritarian control and spontaneity. His work is shaped by a functional material presence, which however is always combined with a sense of the imaginary, poetic or esoteric.

Ausstellung / Exhibition 1.2. – 5.4.2015 Kunsthaus CentrePasquArt, Biel / Bienne

Roger Hiorns Editor Felicity Lunn for Kunsthaus CentrePasquArt, Biel / Bienne JJ Charlesworth, David Korecky Interview Felicity Lunn with the artist Design Felix Weigand Details French / German / English, ca. 120 pages, Hardcover Euro 32,– ISBN 978-3-86984-550-0

Texts

Gesichter Ein Motiv zwischen Figur, Porträt und Maske

Videobild, in der Fotografie, als Skulptur, als Zeichnung, in der Malerei oder in der Installation. In the world of art, the theme of the face has not always been uncontroversial. Although in terms of the history of art it is closely associated with the well-respected genre and long tradition of portraiture, in the 20th century in particular, it was not only abstract strategies that were looked for in the art of portraiture. In the art-related terminology of the 1960s and 1970s, the portrayal of the human figure was generally considered taboo and was 2 rejected as too anecdotal or narrative. This catalogue explores the strategies anekdotisch oder narrativ tabuisiert and methods by means of which the und abgelehnt. Der Katalog fragt face gradually started to become an nach Strategien und Wegen, auf welche Weise das Motiv des Gesichts acceptable subject for artists as of the ab den 1980er-Jahren wieder verstärkt 1980s. Nowadays, various different figurative motifs including the face, Eingang in die künstlerische Praxis independent of its function as a portrait, finden kann. Heutzutage treten verschiedenste figürliche Motive und are making a reappearance in many damit auch das Gesicht, unabhängig different guises, be this as video images, in photography, as sculptures and von seiner Porträtfunktion, wieder drawings, in paintings or in installations. vielfältig in Erscheinung, sei es im

Gesichter. Ein Motiv zwischen Figur, Porträt und Maske Editor Neues Museum Nürnberg – Staatliches Museum für Kunst und Design Preface Eva Kraus Text Melitta Kliege Details German, 72 pages, numerous ills. in color, Paperback Euro 18,– ISBN ISBN 978-3-903004-04-7

1) Gillian Wearing, „Me as Claude Cahun Holding a Mask“, 2012, © Gillian Wearing, photo: Sammlung Goetz 2) Julian Opie, „Imogen“, 2013, © VG Bild-Kunst, Bonn

Das Motiv des Gesichts war in der Kunst als Träger subjektiver Inhalte nicht immer unumstritten. In der Geschichte der Kunst ist es zwar eng mit der traditionsreichen und angesehenen Gattung des Porträts verbunden, doch gerade im 20. Jahrhundert werden nicht nur abstrakte Strategien in der Bildniskunst gesucht. In den Kunstbegriffen der 1960er- und 70er-Jahre wird die Darstellung der menschlichen Figur generell als zu

Gerhard Richter Ausschnitt / Detail

1) „Schädel mit Kerze“, 1983, Leihgabe aus Privatsammlung, © Gerhard Richter, 2014, Foto: Neues Museum (Annette Kradisch) 2) Abstraktes Bild, 1991, CR: 750–2, Öl auf Leinwand, 260 x 200 cm, Collection Böckmann

Werke aus der Sammlung Böckmann / Paintings from the Böckmann Collection

1969’s “Seestück (bewölkt)” [Seascape (Cloudy)], “Schädel mit Kerze” [Skull with Candle] (1983), a painting with the feel of an Old Master to it, and a whole series of abstract pictures, all the way to “Decke” [Blanket] (1988), altmeisterlich anmutende Gemälde painted over the second version of „Schädel mit Kerze“ (1983) und eine his work “Erhängte” [Hanged] and ganze Reihe abstrakter Bilder bis hin zu „Decke“ (1988), das als Übermalung produced in connection with his der zweiten Version des Gemäldes „Er- extensive cycle on the Red Army Faction hängte“ zum Umfeld des großen RAF- “18. Oktober 1977” [October 18, 1977]. Zyklus „18. Oktober 1977“ gehört. 1

Mit den Werken aus der Sammlung Böckmann verfügt das Neue Museum Nürnberg nun über die drittgrößte Sammlung an Werken von Gerhard Richter weltweit und stellt die vom Künstler selbst eingerichtete Hängung in dieser Publikation erstmalig vor. Viele prominente Gemälde vereinen sich zu einem großen Panorama: vom „Waldstück“, einem verwischten Fotobild aus dem Jahr 1965, und dem Farbtafelbild „Sechs Farben“ (1966) über das „Seestück (bewölkt)“ von 1969, das

Thanks to the large number of paintings received from the Böckmann Collection, the Neues Museum now boasts the world’s third-largest collection of works by Gerhard Richter—designed by the artist himself—that it is proudly presenting for the first time in this publication. A large number of wellknown paintings have been brought together to form a great panorama— from “Waldstück” [Forest Piece], a blurred snapshot dating from 1965, and the colored panel painting “Sechs Farben” [Six Colors] (1966) through

Gerhard Richter. Ausschnitt / Detail Editor Neues Museum State Museum of Art and Design in Nuremberg Preface Eva Kraus Texts Caroline Fuchs, Thomas Heyden, Angelika Nollert Details 60 pages, 40 ills. in color, 28 x 30 cm, Hardcover Euro 28,– ISBN 978-3-86984-529-6

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1) „Ohne Titel“, 1999, Dispersionsfarbe, Pressspan, 125 x 125 x 60 cm, Courtesy Galerie Bärbel Grässlin, Frankfurt, © VG Bild-Kunst, Bonn, 2014 2) „Ohne Titel“, 2012, Tape, Dispersion, Acryl, Kryptonit, Polyester, Stahl, 187 x 89 x 62 cm, Foto: Archiv HZ, © VG Bild-Kunst, Bonn, 2014 3) „Ohne Titel“, 2012, Pressspan, MDF, OSB, Holz etc., 250 x 69,5 x 59 cm, Foto: Archiv HZ, © VG Bild-Kunst, Bonn, 2014 4) „Ohne Titel“, 2014 (Detail), Karton, Holzleim, Kunstharzlack, Sperrholz, 215 x 88 x 77 cm, Foto: Archiv HZ, © VG Bild-Kunst, Bonn, 2014 5) „Ohne Titel“, 2014, Acryl auf Leinwand, 200 x 200 cm, © VG Bild-Kunst, Bonn, 2014

HZ2002-012b ohne Titel, 2002 Aufprojektionsfolie, Aluminium-Spannrahmen 180 × 180 cm EA Heimo Zobernig, Palacio de Velázquez, Museo Reina Sofía, Madrid, E: 8.11.2012, 9.11.2012–15.4.2013 EA Heimo Zobernig, Kunsthaus Graz, E: 6.6.2013, 7.6.–1.9.2013

HZ2003-009 ohne Titel, 2003 Papierklebeband, Styropor, Draht 40 × 40 × 40 cm AB Haupt- und Nebenwege, Galerie Christian Nagel, Köln, E: 27.6.2003, 28.6.–15.8.2003 EA Heimo Zobernig, Kunstverein Braunschweig, E: 24.11.2005, 26.11.2005–12.2.2006

HZ2003-048 ohne Titel, 2003 Acryl, Leinwand 200 × 200 cm EA Galerie Meyer Kainer, Wien, E: 25.11.2003 AB Who’s afraid of red, yellow and blue? Positionen der Farbfeldmalerei, Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, E: 20.7.2007, 21.7.– 30.9.2007 AB Paradise Lost – Holidays in Hell, Centro Cultural Andratx, Mallorca, E: 3.4.2010, 3.4.– 24.6.2010 EA Heimo Zobernig, Palacio de Velázquez, Museo Reina Sofía, Madrid, E: 8.11.2012, 9.11.2012–15.4.2013 EA Heimo Zobernig, Kunsthaus Graz, E: 6.6.2013, 7.6.–1.9.2013 HZ2006-105 ohne Titel, 2006 Glasgranulat, Dispersion, Holz 20 × 20 cm HZ2007-091b ohne Titel, 2007 Regal, Plexiglasspiegel 202 × 80 × 28 cm EA Galerie Meyer Kainer, Wien, E: 13.11.2007, 14.11.2007–10.1.2008 EA Heimo Zobernig and the Tate Collection, Tate St Ives, Cornwall, E: 3.10.2008, 4.10.2008–11.1.2009 EA Heimo Zobernig. Total Design, MAK, Wien, 21.10.2008 – 29.3.2009 AB Art hits Design. TWILIGHT ZONE, Kunstraum NOE, Wien, E: 8.5.2009, 9.5.– 27.6.2009 AB Dan Graham, Heimo Zobernig, Galerie Christine Mayer, München, E: 7.2.2014, 8.2.– 22.3.2014

100 × 150 × 50 cm Gestell ohne Funktion. EA Galerie Micheline Szwajcer, E: 27.1.2011, 28.1.–12.3.2011

HZ2009-068 ohne Titel, 2009 Acryl, videoblau, greenbox Trevira Television CS Gewebe 100 × 100 cm Zusammengenähtes videoblau und greenbox Trevira Television CS Gewebe, welches in Video-Aufnahmestudios für die Chroma-Key-Technik Verwendung findet, ist das Trägermaterial eines monochromen Bildes. Die Acrylfarbe (Titanweiß) wurde in vielen Schichten aufgetragen. HZ2011-096 ohne Titel, 2011 Spiegelglas, Stahl, 5 Stühle (HZ1999-031) 74 × 122,5 × 102,3 cm Entstand ursprünglich für den Eingangsbereich eines Sammlermuseums. Der Tisch ist auf dessen Architektur bezogen.

HZ2012-045 ohne Titel, 2012 Sprinklergaze, silberbeschichtetes Polyethylen, Holz 200 × 280 × 4 cm Support-Objekt aus den Materialien der Skulptur, die in den Ausstellungen unExhibit, EA-Generali Foundation, Wien 2011, und Yvonne Rainer. Raum, Körper, Sprache, Museum Ludwig, Köln 2012, zu sehen war.

HZ2012-081 ohne Titel, 2012 Dispersion, Pressspan 45 × 45 × 360 cm Edition 10/10 Sitzbank. Der Prototyp entstand für das STUDIO in der Tate St Ives, Cornwall, 2008. Kleinere Varianten entstanden schon um 1990. 1992 z.B. wurden Sitzbänke zunächst als Teil der Einrichtung im Kunstverein München gezeigt und anschließend in diversen Installationen ausgestellt. AB V, Kunstverein München, 10.3.– 9.4.1992 EA Neue Galerie Graz, E: 1.3.1993, 2.3.– 21.3.1993 AB check in, Museum für Gegenwartskunst, Basel, E: 3.10.1997, 4.10.1997– 8.3.1998. EA Heimo Zobernig and the Tate Collection, Tate St Ives, Cornwall, E: 3.10.2008, 4.10.2008–11.1.2009 EA Heimo Zobernig, Palacio de Velázquez, Museo Reina Sofía, Madrid, E: 8.11.2012, 9.11.2012–15.4.2013 EA Galerie Bärbel Grässlin, Frankfurt/Main, E: 18.1.2013, 19.1.– 2.3.2013 EA Heimo Zobernig, Kunsthaus Graz, E: 6.6.2013, 7.6.–1.9.2013 EA Büro Weltausstellung und Kunstraum am Schauplatz, ein Projekt der Wiener Art Foundation, Wien, E: 7.9.2013, 8.9.– 30.9.2013 AB Dan Graham, Heimo Zobernig, Galerie Christine Mayer, München, E: 7.2.2014, 8.2.– 22.3.2014

Mit seinem vielfältigen, gattungsübergreifenden Schaffen nimmt Heimo Zobernig (* 1958 in Mauthen, Österreich) eine zentrale Position in der zeitgenössischen Kunst ein. Die Produktion des in Wien lebenden Künstlers umfasst Malerei, Skulptur, Architektur, Grafik- und Möbeldesign sowie Video, Performance und Musik. Für seine Objekte und räumlichen Eingriffe gebraucht er oft einfache, alltägliche Materialien wie Pappe, MDF, Pressspanplatten, Styropor, Leinen, Molton, Dispersionsfarbe, Leuchtstoffröhren etc. Das unprätentiöse Material gepaart mit einer einfachen, geometrischen Formensprache trägt zu dem nüchternen, pragmatischen Eindruck von Zobernigs Arbeiten bei, mit denen er einen umfassenden Fragenkatalog zu Aspekten der Kunst des 20. Jahrhunderts formuliert. Dabei geht es um Formen der Abstraktion, die Möglichkeit von Malerei und Skulptur ebenso wie um Fragen der Präsentation, den Ausstellungskontext oder das Verhältnis von Funktionalität und Autonomie. Zobernigs offener HZ2007-109 ohne Titel, 2007 Schalungsplatte, Stahl

EA Galerie Bärbel Grässlin, Frankfurt/Main, E: 18.1.2013, 19.1.– 2.3.2013

ist in der kestnergesellschaft das erste einer neuen Reihe von Malerei aus den Jahren 2013 und 2014.

HZ2012-091 ohne Titel, 2012 Pressspan 140 × 132 × 132 cm Diese Skulptur ist eine Paraphrase einer drehbaren Bar von Christoph Meier, welche 2012 in der Galerie Emanuel Layr anlässlich der Präsentation BLACK PAGES ausgestellt war. Die Arbeit von Christoph Meier wiederum bezog sich auf die hier ebenfalls angeführte Arbeit HZ1999-087. EA Galerie Bärbel Grässlin, Frankfurt/Main, E: 18.1.2013, 19.1.– 2.3.2013

HZ2013-087 ohne Titel 2013 Acryl, Leinwand 200 × 200 cm

HZ2012-092 ohne Titel, 2012 Pressspan 125 × 155 × 75 cm Diese Skulptur ist eine Variation auf HZ1999-087, wie sie für den Gebrauch praktischer sein könnte. EA Galerie Bärbel Grässlin, Frankfurt/Main, E: 18.1.2013, 19.1.– 2.3.2013

HZ2012-093 ohne Titel, 2012 Styropor, Holz, zementgebundene Spanplatte 192 × 124,5 × 127 cm Diese Skulptur besteht aus diversen Materialien, die für die Konzeption und den Bau eines Displays (Vitrine/ Sockel) zur Präsentation eines Raummodells von Erich Buchholz verwendet wurden. Das Raummodell war im Besitz der in Australien lebenden Tochter Buchholz’. Durch die Vermittlung von David Pestorius kam es in die Daimler Art Collection nach Berlin. EA Galerie Bärbel Grässlin, Frankfurt/Main, E: 18.1.2013, 19.1.– 2.3.2013

HZ2012-109 ohne Titel, 2012 Pressspan, MDF, OSB, Holz etc. 250 × 69,5 × 59,5 cm Regal-Objekte dieser Art entstehen seit dem Jahr 2003. Sie bestehen aus verschiedenen zusammengesetzten und ineinandergefügten Teilen, die sich gegenseitig Stabilität geben. Sie sind aus verschiedenstem Plattenmaterial gefertigt und folgen den unterschiedlichsten Möglichkeiten, die Proportionen redundant als Konstruktionsfolgen zu nutzen. HZ2012-123 ohne Titel, 2012 Tape, Dispersion, Acryl, Kryptonite, Polyester, Stahl 187 × 89 × 62 cm 2003 zeigte Heimo Zobernig in der Galerie Nagel Berlin auf dem Boden verteilte Fragmente von Schaufensterpuppen. Aus diesen Teilen entstanden 2012 mehrere, aus disparaten Teilen zusammengesetzte Skulpturen. Diese werden 2014 zum ersten Mal im Luxemburger Mudam, in der kestnergesellschaft, Hannover, und in der Petzel Gallery, New York, gezeigt.

Heimo Zobernig Mudam Luxembourg kestnergesellschaft

Heimo Zobernig

Ein videoblau Trevira Television CS Gewebe, welches in Video-Aufnahmestudios für die Chroma-Key-Technik Verwendung findet, ist das Trägermaterial eines monochromen Bildes. Die Acrylfarbe (Titanweiß) wurde in vielen Schichten aufgetragen. EA Galerie Christian Nagel, Köln, E: 8.9.2000, 9.9.– 21.10.2000 AB Ordnung und Verführung, Haus Konstruktiv Zürich, E: 5.4.2006, 6.4.–1.8.2006 AB Zuordnungsprobleme, Galerie Johann König, Berlin, E: 2.4.2008, 3.– 29.4.2008

HZ2013-095 ohne Titel 2013 Acryl, Leinwand 200 × 200 cm HZ2013-100 ohne Titel 2013 Acryl, Leinwand 200 × 200 cm HZ2013-112 ohne Titel 2013 Acryl, Leinwand 200 × 200 cm HZ2014-003 ohne Titel 2014 Karton, Holzleim, Kunstharzlack, Sperrholz Skulptur: 104 × 74 × 72 cm Kiste: 111 × 88 × 77 cm Die Skulptur aus rund 1.000 Kartonrollen wurde nach zweijähriger Arbeit im Jänner 2014 fertiggestellt.

HZ1983-039 ohne Titel, 1983 Acryl, Eiche 78,5 × 90,3 × 73,4 cm Dieser Tisch wurde 1983 als Objekt und Skulptur erkannt. AB Universität für angewandte Kunst Wien, 1983 EA Galerie Micheline Szwajcer, E: 27.1.2011, 28.1.–12.3.2011 HZ1986-113 ohne Titel, 1986 Kunstharzlack, Leinen, Karton 21 × 30 × 4 cm Das Bild ist ein Ding, rundum Oberfläche. HZ1987-087c ohne Titel, 1987 Öl, Leinwand 60 × 60 cm Eines der ersten monochromen Bilder aus der Reihe der Farbenlehre. HZ1988-013 ohne Titel, 1988 Dispersion, Pressspan 100 × 50 × 50 cm Diese Skulptur ist die erste Version eines inkompletten Sockels und entstand aus der Konfrontation Skulptur – Abbild, einer fotografischen Situation im Atelier. AB Broken Neon, Galerie Christoph Dürr, München, 4.2.–12.3.1988 EA Galerie Christoph Dürr, München, E: 17.3.1988, 13.3.–16.4.1988 EA Msgr. Otto Mauer Preis 1993, Verleihung 10.11.1993 AB Formalismus, Österreichische Galerie im Oberen Belvedere, Wien, 3.12.1997– 8.2.1998

HZ2014-011 ohne Titel 2014 Acryl, Leinwand 200 × 200 cm HZ2014-017 ohne Titel 2014 Acryl, Leinwand 200 × 200 cm

HZ1988-096 ohne Titel, 1988 Öl, Leinwand 60 × 60 cm Die ursprüngliche Malerei zeigte neun quadratische Flächen in dunklen Farben. Sie wurde einige Jahre später schwarz übermalt.

HZ2014-018 ohne Titel 2014 Acryl, Leinwand 200 × 200 cm HZ2014-047 ohne Titel 2014 Acryl, Leinwand 200 × 200 cm

HZ1991-043 ohne Titel, 1991 Dispersion, Pressspan, Holz 100 × 100 × 12 cm EA N, Galerie Peter Pakesch, Wien, E: 4.9.1991, 5.9.– 5.10.1991

HZ2014-053 ohne Titel 2014 Acryl, Leinwand 200 × 200 cm Mudam Luxemburg / Luxembourg kestnergesellschaft Verlag für moderne Kunst Nürnberg

Ansatz ist geprägt durch einen skeptischen Optimismus in Bezug auf das Erbe der Moderne, aber auch durch ungebrochene Neugierde, Experimentierlust und trockenen Humor.

HZ2012-090 ohne Titel, 2012 Pressspan 137,5 × 137,5 × 66 cm Diese Skulptur ist ein um 10% vergrößerter Nachbau der Arbeit HZ1999-087. Dadurch wird das Skulpturale betont.

Heimo Zobernig

HZ2013-006 ohne Titel 2013 Acryl, Leinwand 200 × 200 cm Dieses Bild ist das letzte der im Mudam gezeigten chronologischen Reihe von monochromen Bildern und

Heimo Zobernig (* 1958 in Mauthen, Austria) occupies a central position in contemporary art with his diverse, genrespanning work. The artist, who lives in Vienna, works with painting, sculpture, architecture, graphic and furniture design, video, performance, and music. He often uses everyday materials such

HZ1993-005 ohne Titel, 1993 Karton, Holzleim 360 × 5 × 5 cm Die Skulptur wurde zum ersten Mal in der Klasse Michelangelo Pistoletto in den Bildhauerateliers der Akademie der bildenden Künste Wien ausgestellt. Die Ausstellung in den frisch renovierten Räumen sollte den inhaltlichen Neubeginn mit Pistolettos Professur markieren. Zobernig wurde als Special Guest zu einer Präsentation eingeladen. Die Arbeit ist unter anderem eine Anspielung auf die biomorphen Säulen-Skulpturen von Joannis Avramidis. Avramidis, Pistolettos Vorgänger, war ein Schüler Fritz Wotrubas. Beide, Wotruba und

Avramidis, haben die österreichische Skulptur nach 1945 entscheidend geprägt. Seit 2000 unterrichtet Heimo Zobernig als Nachfolger von Michelangelo Pistoletto an der Akademie der bildenden Künste Wien. AB Renovierte Räume, Meisterklasse Pistoletto, Akademie der bildenden Künste Wien, E: 26.1.1993, 27.1.– 29.1.1993 EA Neue Galerie Graz, E: 1.3.1993, 1.3.– 21.3.1993 EA Kunsthalle Basel, E: 4.4.2003, 5.4.– 23.6.2003 EA Heimo Zobernig and the Tate Collection, Tate St Ives, Cornwall, E: 3.10.2008, 4.10.2008–11.1.2009 EA Heimo Zobernig and the Collection of the Calouste Gulbenkian Foundation, Centre of Modern Art, Fundação Calouste Gulbenkian, Lissabon, E: 10.2.2009, 11.2.– 24.5.2009 HZ1993-016 ohne Titel, 1993 grundierte Leinwand, Aluminium-Spannrahmen 190 × 640 cm Dieses in der Mitte geteilte Bild bezieht sich in seinen Dimensionen auf Bildformate von Barnett Newman. EA Neue Galerie Graz, E: 1.3.1993, 1.3.– 21.3.1993 AB Viennese Story, Wiener Secession, Wien, E: 14.12.1993, 15.12.1993 – 23.1.1994 AB Re:MODERN, k/haus, Wien, E: 19.5.2005, 20.5.–11.9.2005 EA Heimo Zobernig, Palacio de Velázquez, Museo Reina Sofía, Madrid, E: 8.11.2012, 9.11.2012–15.4.2013 EA Heimo Zobernig, Kunsthaus Graz, E: 6.6.2013, 7.6.–1.9.2013 HZ1993-062s ohne Titel, 1993 Dispersion, Leinwand 43 × 43 cm Dieses Bild ist Teil einer Edition (13/13, 7 schwarze und 6 weiße Exemplare), die anlässlich der letzten Ausstellung nach 13 Jahren Galerie Peter Pakesch entstanden ist. Sie bezieht sich mit der 13 auf das Entstehungsjahr des Bildmotivs für das Schwarze Quadrat von Kasimir Malewitsch und in der Größe auf eine der diversen realisierten Bildversionen. EA Galerie Peter Pakesch, Wien, E: 29.9.1993, 30.9.– 30.10.1993 AB 10 Jahre Trabant, Trabant, Wien, E: 18.9.1997, 18.9.– 31.12.1997 EA Simon Lee Gallery, London, E: 13.10.2009, 14.10.– 21.11.2009 EA Galerie Christian Nagel, Berlin, E: 30.4.2010, 1.5.– 5.6.2010 HZ1993-062w ohne Titel, 1993 Dispersion, Leinwand 43 × 43 cm Dieses Bild ist Teil einer Edition (13/13, 7 schwarze und 6 weiße Exemplare), die anlässlich der letzten Ausstellung nach 13 Jahren Galerie Peter Pakesch entstanden ist. Sie bezieht sich mit der 13 auf das Entstehungsjahr des Bildmotivs für das Schwarze Quadrat von Kasimir Malewitsch und in der Größe auf eine der diversen realisierten Bildversionen. EA Galerie Peter Pakesch, Wien, E: 29.9.1993, 30.9.– 30.10.1993 AB Wider Bild Gegen Wart. Positionen zu einem politischen Diskurs, Raum Aktueller Kunst Martin Janda, Wien, E: 16.3.2000, 17.3.– 29.4.2000

HZ1995-029a ohne Titel, 1995 grundierte Leinwand, Aluminium-Sp Aufhängewinkel 150 × 200 cm Die Bildgröße entspricht in den Prop dieser Zeit gängigen Videoformat 3:4 einem Abstand zur Wand gehängt un schwebenden Eindruck. EA Wiener Secession, Wien, E: 25. 26.7.– 27.8.1995 AB Formalismus, Österreichische G Belvedere, Wien, 3.12.1997– 8.2.1998 AB Austria Exposición Arquitectura CAAC, Sevilla, 17.12.1998 – 4.2.1999 EA Haus der Kunst, Budweis, E: 27 28.11.– 30.12.2007 EA Heimo Zobernig and the Tate C St Ives, Cornwall, E: 3.10.2008, 4.10. EA Heimo Zobernig and the Collec Calouste Gulbenkian Foundation, Ce Fundação Calouste Gulbenkian, Liss 11.2.– 24.5.2009

HZ1997-023b ohne Titel, 1997 Acryllack, MDF 110 × 110 × 70 cm Die Arbeit war während der docume documenta-Halle in Kassel als Infoth zur Net Art Section in Verwendung. D als Skulptur gezeigt. AB documenta X, Kassel, 21.6.– 28 AB Formalismus, Österreichische G Belvedere, Wien, 3.12.1997 – 8.2.1998 EA Kunsthalle Basel, E: 4.4.2003, 5 EA MAK, Wien, 21.10.2008 – 29.3.2 AB Franz West. Wo ist mein Achter E: 22.2.2013, 23.2.– 26.5.2013

HZ1997-040a ohne Titel, 1997 grundierte Leinwand 225 × 300 cm Die Bildgröße entspricht in den Prop dieser Zeit gängigen Videoformat 3:4 zu HZ1995-029a. Die Arbeit ist in ein gehängt und vermittelt so einen schw AB check in, Museum für Gegenwa E: 3.10.1997, 4.10.– 8.3.1998 EA Heimo Zobernig, Palacio de Ve Reina Sofía, Madrid, E: 8.11.2012, 9.1 EA Heimo Zobernig, Kunsthaus Gr 7.6.–1.9.2013

HZ1997-061 ohne Titel, 1997 Stahl, Rollen 90 × 66 × 55 cm Dieses Objekt ist eines von zwei rollb die auf einer Plattform von Franz We zwei Stühlen für zwei Musiker und zw Performance-Bühne dienten. Durch drehbaren und zwei fixierten Rollen nur störrisch bewegen.

as cardboard, styrofoam, pressboard, linen, and fluorescent lights to create his objects and spatial interventions. The unpretentious material, coupled with a simple, geometric use of forms, contributes to the soberly pragmatic impression. His work focuses on forms of abstraction, the possibility of painting and sculpture, as well as questions about presentation or the relationship between functionality and autonomy. Zobernig’s approach is marked by a skeptical optimism toward the legacy of modernism, but also by an unbroken curiosity, experimentalism, and a dry humor.

Katalog zu den Einzelausstellungen in der kestnergesellschaft Hannover und im MUDAM Luxemburg

Heimo Zobernig Editor Heinrich Dietz, Clément Minighetti Texts Heinrich Dietz, Helmut Draxler, Veit Görner, Enrico Lunghi, Clément Minighetti Details German / English, 96 pages, numerous ills. in color, Paperback, 29,7 x 21cm Euro 26,– ISBN 978-3-86984-540-1

EA Simon Lee Gallery, London, E: 14.10.– 21.11.2009

Maya Zack The Shabbat Room

The Shabbat Room, Jewish Museum Vienna, 2013

Isidor Kaufmann (1853–1921) zählt zu den wichtigsten Malern des jüdischen Genrebildes. 1899 richtet er für das vier Jahre zuvor gegründete Jüdische Museum Wien eine sogenannte „Gute Stube“ ein. Der Raum sollte Nicht-Juden eine Vorstellung vom Schabbat als Familienfeiertag sowie den assimilierten Juden im Wien um 1900 eine nostalgische Erinnerung bieten. Die gewaltsame Schließung durch die Nationalsozialisten führte 1938 zur Zerschlagung des Museums inklusive der „Guten Stube“. Ursprünglich waren darin 122 Gegenstände zu sehen, davon sind heute nur

noch zehn Objekte übrig. Die in Israel —intended on the one hand to show non-Jewish audiences Shabbat as a geborene Künstlerin Maya Zack hat family celebration, but also provided a eine Rauminstallation geschaffen, die nostalgic space of cultural orientation, rest, die zerstörte „Gute Stube“ von Isidor and relaxation for Jews inhabiting the Kaufmann neu interpretiert. Dieses contradictory world of fin-de-siècle Vienna. zeitgenössische Kunstwerk verbindet The Jewish Museum Vienna still holds a und hinterfragt auf eindrückliche few objects and a photographic document Weise die Geschichte des alten Jüdiof this space, which was destroyed by the schen Museums mit der Gegenwart. Nazis in 1938. Using both the objects and the visual material as a basis, and The starting point for Maya Zack’s work with the help of digital technology, was Isidor Kaufmann’s “Gute Stube” Maya Zack developed a photographic, (Shabbat Room) from 1899. Created spatial installation that reenvisions and for the first Jewish Museum Vienna, reinterprets this important, forgotten place Kaufmann’s spatial installation—a at the turn of the century. revolutionary museum intervention

Maya Zack. The Shabbat Room Herausgeber Danielle Spera, Werner Hanak-Lettner Editor Jewish Museum, Vienna Texts Klaus Davidowicz, Christoph Habres, Ruth Kara-Ivanov Kaniel, Werner Hanak-Lettner Interview Danielle Spera with Maya Zack Details German / English, 112 pages, 70 ills. in color Hardcover, 29,7 x 22 cm Euro 29,– ISBN 978-3-86984-519-7

Buy What You Like. 86 Tips, thoughts and quotes of wisdom on collecting Chinese Contemporary Art

Die Idee des Buches basiert auf einer einfachen Frage: „Was sollte man beim Kauf von chinesischer Gegenwartskunst beachten, haben Sie Tipps und kluge Ratschläge?“ Die Antworten stammen von den wichtigen Akteuren auf dem internationalen Parkett: von Kritikern, Händlern, Beratern und Kuratoren. Gemeinsam ist den Autoren das große Engagement, die Expertise und Leidenschaft für zeitgenössische chinesische Kunst. Dieses Buch ist ein unerlässlicher Leitfaden und Navigator durch die aktuelle Kunstszene. Es ist ein Geschichtenerzähler, ein wertvolles Kompendium und eine Fibel voller Erfahrungen und Know-how von Insidern, die in der Kunstbranche arbeiten, diese prägen und bestimmen. In jedem Fall unverzichtbarer Ratgeber für alle Sammler!

The idea of this book is based on a simple question: “What are your tips, thoughts, or words of wisdom on collecting Chinese contemporary art?” While some writers contribute from their institutional background, others approach the topic from a market perspective, while others still from a connoisseur’s and collector’s point of view. But the underlying element of all contributors is obviously their strong engagement, connection, and passion for Chinese contemporary art—and most often for collecting it. This publication can serve as a guidebook and navigator. It is a storyteller, a source of wisdom, and a documentation of the experiences and expertise of people who are shaping, making, and working in the scene.

BUY WHAT YOU LIKE. Tips, Thoughts and Words of Wisdom. 70 collectors, experts and insiders sharing their view on collecting Chinese Contemporary Art EDITOR Christoph Noe Text Lin Han, Lorenz Helbling, Sylvain Levy, Lars Nittve, Budi Tek, Phil Tinari, Kelly Ying Zhu Zhu, Qiao Zhibing Details English, 172 pages, Paperback EUR 18,90 ISBN: 978-3-86984-547-0

Art Collector Report The Latest Facts and Findings on the Global Art Collector Scene Macht den Kunstmarkt übersichtlicher. — Monopol Der „Art Collector Report“ gibt Antworten auf Schlüsselfragen zur globalen Kunstsammlerszene!

Art to sell? You probably need Larry’s List. — FAD

The „Art Collector Report“ addresses and answers key questions on the global collector scene!

• Who are these private contemporary • Wer sind die privaten Sammler A service with obvious art collectors? zeitgenössischer Kunst? appeal for dealers. • What artists do they collect? • Welche Künstler sammeln sie? — The New York Observer • Which city in the world has the • Welche Stadt verfügt weltweit highest density of contemporary art über die größte Dichte an KunstLarry’s List is aiming collectors? Which country? sammlern im Bereich zeitgenössito elucidate the mysterious • Why does Germany almost have scher Kunst? Welches Land? global art collectors. as many private art museums as • Warum gibt es in Deutschland fast — Forbes the US? so viele private Kunstmuseen wie in • What are the future trends for den USA? Das radikalste Kunst-Start-up. the global collector scene? • Welche Trends zeichnen sich für — tip, Berlin die Zukunft der globalen Sammler szene ab? Die größte Datenbank zu Kunstsammlern. — Art Magazine

Larry’s List is a daily research tool for art dealers, galleries or also collectors to learn more about private collections. — Sylvain Levy, Collector The site provides contact information about collectors in more than 70 countries. — Bloomberg Art Collector Report. The Latest Facts and Findings on the Global Art Collector Scene Editor and Texts Larry’s List Ltd., Christoph Noe, Magnus Resch, Lasse Steiner Details English, 72 pages, Paperback Euro 38,– ISBN 978-386984-530-2 (available as e-book: www.artbook.com)

… Was ist Kunst? … Das Projekt „... Was ist Kunst? ...“ stellt die 1978 von Raša Todosijevic´ in der gleichnamigen Performancereihe aufgeworfene Frage erneut. Wie das Unbeantwortetbleiben jener vor rund 35 Jahren bis zur Erschöpfung wiederholten existenziellen Frage immer auch für eine Aktivierung der Künstlerrolle im Kunstdiskurs plädierte, ging die Ausstellung vor dem Hintergrund der massiv veränderten Territorial- und Kulturbeziehungen in Südosteuropa nach. Der Katalog dokumentiert mit Fotos von Markus Krottendorfer die Ausstellung im Künstlerhaus, Halle für Kunst & Medien. Weiterführende Essays von Suzana Milevska, Marina Gržinic und Antonia Majâca wagen kunsthistorische Rückblicke auf einstige

herausragende südosteuropäische Beiträge wie jene der slowenischen Künstlerbewegung OHO. Auch wird die Vernetzung von Kunst- und Lebensformen auf transnationaler, kollektiver Basis à la IRWIN zu künstlerischen Praxen im ehemaligen sozialistischen Jugoslawien in Bezug gesetzt. Ein weiterer Fokus liegt auf den Herausforderungen, vor denen die aktuelle Kunstszene der im politischen Übergang befindlichen postkommunistischen Staaten in Osteuropa steht. The project “... Was ist Kunst? ...” takes a fresh stance at Raša Todosijevic´’s 1978 performance series of the same name. The exhibition examines how the unanswered element of that existential question repeated to the

point of exhaustion around 35 years ago argues the case for an activation of the artist’s role in art discourse against the background of the massively changed territorial and cultural relationships in South-East Europe. The catalogue uses photos by Markus Krottendorfer to document the exhibition in the Künstlerhaus, Halle für Kunst & Medien in Graz. Additional essays by Suzana Milevska, Marina Gržinic and Antonia Majâca offer art-historical retrospectives of erstwhile outstanding Southern European contributions such as the Slovenian artists’ movement OHO. The interlinking of forms of art and ways of life on a transnational, collective basis along the lines of IRWIN is also positioned in relation to practices in the former socialist Yugoslavia. Another point of focus are the challenges faced by the current art scene in Eastern Europe’s post-communist states as they undergo political transition.

… Was ist Kunst? … Resuming Fragmented Histories EDITOR Sandro Droschl; Künstlerhaus, Halle für Kunst & Medien / Graz) TEXT Marina Gržinic, Antonia Majâca, Suzana Milevska DESIGN Nik Thoenen, Maia Gusberti Details German / English, 180 pages, numerous ills. in color, Paperback, 23 x 17 cm Euro 32,– ISBN 978-3-86984-509-8

… Was ist Kunst? … Resuming Fragmented Histories, 2013, Ausstellungsansicht, Künstlerhaus KM–, Foto: Markus Krottendorfer

Resuming Fragmented Histories

subREAL

This publication is the fi

prezentare sistematică a activității

comprehensive presenta

grupului subREAL ce constă într-o

subREAL’s work, consist

subREAL

Această publicație oferă prima

mare varietate de instalații și proiecte fotografice provocatoare din punct de vedere politic și conceptual. Apariția cărții a fost determinată de interesul reînnoit față de contribuția subREAL la arta contemporană de după 1989, în contextul unor inițiative mai largi de regândire a relațiilor culturale între Est și Vest.

Es handelt sich um die erste umfassende Dokumentation der Arbeiten der Künstlergruppe subREAL, die in der großen Retrospektive im Bukarester Museum für Gegenwartskunst (MNAC The National Museum of Contemporary Art) zu sehen gewesen war. subREAL, das sind Ca˘lin Dan, Iosif Király und Dan Miha˘ltianu, kombiniert die Mittel der Installation und des Environments mit Formen der Aktionskunst und des Happenings. Die Multimediainstallationen und fotografischen Projekte, die im Buch vorgestellt werden, sind konzeptuell herausragend und politisch motiviert und weisen eine starke

soziopolitische Prägung auf. Zum ersten Mal liegt nun ein Überblick über die gesamte künstlerische Entwicklung vor – von der subREALGründung im Sommer 1990 bis zum heutigen Tag. This book is the first comprehensive presentation of those works by the group of artists subREAL that featured in the major retrospective in the National Museum of Contemporary Art (MNAC) in Bucharest. SubREAL consists of Calin Dan, Iosif Király and Dan Miha˘ltianu and combines installations and environments with forms of action art and happenings. The multimedia

range of conceptually c

politically engaged insta photographic projects.

was made necessary by

interest in subREAL’s co

subREAL

erscheint / published April 2015

installations and photographic projects featured in the book are conceptually outstanding and politically motivated and reveal a strong socio-political character. For the first time ever this book provides an overview of the group’s entire artistic development, from its founding in the summer of 1990 to the present day.

subREAL Editor Magda Radu for the National Museum for Contemporary Art in Bucharest Text Zoran Eri´c, Dan Miha˘ltianu, Cristian Nae, Anca Oroveanu, Magda Radu, Sven Spieker Details English / Romanian, 248 pages, numerous ills. in color, Paperback, 28 x 23,5 cm ca. 28,– Euro 978-3-86984-545-6

to the art of the post-W

the context of the curre

for redesigning the cult relations between East

Ausstellung / Exhibition 29.3. – 12.8.2015 Kunstmuseum Thurgau, Kartause Ittingen

Das Universum des André Robillard The Universe of André Robillard André Robillard gehört zu den bekanntesten Künstlern der Art brut. Seit über einem halben Jahrhundert baut er aus Abfall erschreckend faszinierende Welten der Fantasie: Alte Metallteile, ausgediente Glühbirnen und fragmentierte Apparate verwandeln sich in Waffen, Sputniks und Tierskulpturen. André Robillard begann 1964 aus Fundstücken und Klebeband Gewehre zu basteln. Der Künstler und Kunsttheoretiker Jean Dubuffet wurde auf die bizarren Objekte aufmerksam und nahm sie in seine wegweisende Sammlung mit Kunst von Außenseitern auf. Begeistert von den Weltraummissionen der USA und der UdSSR konstruierte Robillard Raketen, Ufos und andere Raumfahrzeuge. Seine Assemblagen faszinieren, nicht nur, weil sie zugleich verspielt, poetisch und brutal sind. Sie bilden Universen, die auf hintergründige Weise die Geschichte des 20. Jahrhunderts reflektieren.

Mit diesem umfassenden Katalog lässt sich ein tiefer Einblick in André Robillards Kosmos zwischen Naivität, Gewalt und Kreativität gewinnen. André Robillard is one of the most famous exponents of Art Brut. For more than 50 years now, he has been constructing frighteningly fascinating fantasy worlds out of garbage, with old metal parts, spent light bulbs and fragmentary gadgets being transformed into weapons, sputniks and animal sculptures. André Robillard started assembling his own guns from found objects and sticky tape back in 1964.

The Artist and art theorist Jean Dubuffet noticed these strange objects and included them in his trailblazing collection of outsider art. Excited by the Russian and American space missions, he started building rockets, UFOs and other space vehicles. Robillard’s assemblages are fascinating not only because they are at once playful, poetic and brutal. They also form universes which, in a mysterious way, mirror the history of the 20th century. This comprehensive book provides extensive insights into Robillard’s cosmos with its strong elements of naivety, violence and creativity.

Das Universum des André Robillard. The Universe of André Robillard Editor Markus Landert and Stefanie Hoch, Kunstmuseum Thurgau Text Stefanie Hoch, Markus Landert, Frédéric Lux Design Urs Stuber Details German / English, 96 pages, numerous ills. in color, Paperback Euro 26,– ISBN 978-3-903004-00-9

Ausstellung / Exhibition Rudolf-Scharpf-Galerie, Projektgalerie des Wilhelm-Hack-Museums 14.3. – 17.5.2015

Sandra Kranich Short Ride in a Fast Machine

Licht und Feuer sind wichtige Gestaltungsmittel der Skulpturen, Bilder und Installationen von Sandra Kranich (* 1971). Die ausgebildete Feuerwerkerin gestaltet ihre Arbeiten mit pyrotechnischen Hilfsmitteln, als integraler Bestandteil des Schaffensprozesses. Der Einsatz von Pyrotechnik zielt nicht allein auf das kurzfristige Spektakel ab, sondern ist über den Moment hinaus Bild definierend und bestimmend: Durch das Abbrennen des Feuerwerks durchlaufen die Arbeiten unterschiedliche Metamorphosen des Bildwerdens, wie beispielsweise vom konstruktivistisch anmutenden Wandrelief zur flüchtigen Lichtkomposition im Raum zum „verschmauchten“ informellen Gemälde. Der Katalog präsentiert einen faszinierenden Einblick in Sandra Kranichs künstlerisches Schaffen der letzten 15 Jahre und veranschaulicht dabei einen Werkbegriff, in dem Konstruktion und Destruktion, Kontrolle und Zufall aufs Engste miteinander verbunden sind.

Light and fire are crucial elements Sandra Kranich uses in creating her sculptures, images and installations. The trained pyrotechnician (* 1971) uses pyrotechnics in her works as an integral component of the artistic process. Pyrotechnics are not merely employed to achieve a short-lived spectacle, but define and determine the aesthetics beyond the moment of ignition: When the fireworks are ignited, the works undergo various

pictorial transformations, morphing say from a constructivist-looking wall relief to a transient light composition and then to a “smoky, powder-coated” informal painting. The catalog presents a fascinating insight into Sandra Kranich’s work of the last 15 years illustrating a concept of work in which construction and destruction, control and chance are very closely connected with one another.

Sandra Kranich. Short Ride in a Fast Machine Editor Wilhelm-Hack-Museum Astrid Ihle Design Harald Pridgar Details German / English, 112 pages, Softcover Euro 25,— ISBN 978-3-903004-06-1

Text

Leuchtstoffröhren, Spülmittelflaschen oder Blechdosen: Für Reiner Bergmann (* 1950 in Nürnberg, lebt und arbeitet in Fürth) und Reiner Zitta (* 1944 in Buchelsdorf / Sudetenland, lebt und arbeitet in Pühlheim bei Altdorf) spielt das Arbeiten mit gefundenem Material und ausrangierten Gegenständen eine wesentliche Rolle. Ihr Schaffen berührt dabei immer wieder das Thema der Zweit- und Drittverwendung von Dingen, die zuvor aus dem Verwertungskreislauf herausgefallen sind. In einem Akt des Recycelns wird der vormals autonome Gegenstand in eine neue künstlerische Erzählung eingebunden, sodass der ursprüngliche Kontext häufig

fallen off the recycling belt a second or third time. In an act of recycling, they insert previously independent objects into a new artistic narrative, so much so that the original context is frequently virtually unrecognizable. Tracing the footsteps of Marcel Duchamp, Reiner Bergmann and Reiner Zitta lend everyday objects new levels of meaning and at the same time provide ironic commentaries on the consumerist affluent and throwaway society.

kaum mehr zu erahnen ist. Auf den Spuren von Marcel Duchamp verleihen Reiner Bergmann und Reiner Zitta Alltagsobjekten neue Sinnebenen und liefern zugleich ironische Kommentare zur konsumorientierten Wohlstands- und Wegwerfgesellschaft. Neon tubes, detergent bottles or tin cans: For Reiner Bergmann (* 1950 in Nuremberg, lives and works in Fürth) and Reiner Zitta (* 1944 in Buchelsdorf / Sudetenland, lives and works in Pühlheim nr. Altdorf ) the use of found materials and discarded objects plays a key role in their creative output. Their oeuvre repeatedly touches on the subject of reusing things that have

Reiner Bergmann / Reiner Zitta. Utensilien aus unserer Privatsphäre Editor Andrea Dippel und Matthias Strobel Andrea Dippel, Axel Feuß, Susann Scholl, Bernd Zachow Designer Wolfgang Gillitzer and Lucie Huster Details German, 112 pages, Paperback Euro 29,– ISBN 978-3-86984-532-6

Texts

2) Reiner Bergmann, „Putzstelle“, 2005, © Reiner Bergmann, photo: Stephan Minx, Nürnberg

Utensilien aus unserer Privatsphäre

1) Reiner Zitta, „Stationäres Flugmobil“, 2012/14, © Reiner Zitta, photo: Stephan Minx, Nürnberg

Reiner Bergmann / Reiner Zitta

40 Jahre / Years Verlag f체r moderne Kunst Ausgew채hlte Highlights aus unserer Backlist Selected Hightlights from our backlist

Liebe Freunde und Kunden des Verlags, liebe Künstler und Buchhändler, Dear Friends and Clients of the Verlag für moderne Kunst, dear Artists and Booksellers, den Verlag für moderne Kunst habe ich 1974 in 1974 I established the Verlag für moderne zusammen mit Eugen Leipold gegründet. Kunst together with Eugen Leipold, who died Dieser verstarb allerdings allzu früh. Seit much too soon. Since 2001 I have been dedicating dem Jahr 2001 habe ich mich ganz meinem myself wholly to my publishing house and have Verlag verschrieben und wurde ein engagierter become a committed and enthusiastic publisher, und begeisterter Verleger, so wie ich mich just like, as a private banker, I had dedicated zuvor als Privatbankier unseren Kunden und myself to our clients and our staff, and to building Mitarbeitern und dem Aufbau des Bankhauses the banking house. Last year the publishing house gewidmet habe. Im vergangenen Jahr konnte celebrated its 40th anniversary. der Verlag sein 40-jähriges Bestehen feiern. Now that I am retiring as a publisher, I am looking back, Nun ziehe ich mich als Verleger zurück und blicke with great pleasure, on a multitude of wonderful encounters mit großer Freude auf unendlich viele Begegnungen mit with artists, art mediators, directors of museums, art halls Künstlern, Kunstvermittlern, Museums-, Kunsthallen- und and art societies, printers, graphic designers, and of course Kunstvereinsdirektoren, Druckern, Grafikern und natürbooksellers and the readers of our books. These delightful lich den Buchhändlern und den Lesern unserer Bücher. moments have kept me alert. I have vivid memories of a Diese wunderbaren Momente haben mich wach und inter- number of things, e.g. my friendship with Tadeusz Kantor. In essiert gehalten. Manches wird in der Erinnerung lebendig, 1988 I published “Kantor. ein Reisender”, a book presenting his so z. B. die Freundschaft mit Tadeusz Kantor. 1988 brachte complete literary oeuvre up to then. A lot of these writings had ich den Band „Kantor. ein Reisender“ heraus, in dem sein previously gone unpublished; we made them available for the damaliges schriftstellerisches Gesamtwerk vereint war. first time. Thus we published Yoshimoto Nara in 2001, long Vieles hiervon war bis dahin unveröffentlicht und erschien before his great international career took off. erstmalig bei uns. So publizierten wir Yoshimoto Nara im Numerous other names come to my mind: Richard Jahr 2001, lange vor seiner großen internationalen Karriere. Artschwager, William S. Burroughs, Francesco Clemente, Zahlreiche andere Namen kommen mir in den Sinn: General Idea, Robert Gober, Keith Haring, Emily Jacir, Richard Artschwager, William S. Burroughs, Francesco Kiki Kogelnik, Robert Mangold, Marilyn Manson, Gordon Clemente, General Idea, Robert Gober, Keith Haring, Emily Matta-Clark, Carlo Mollino, Yves Netzhammer, Tony Cragg, Jacir, Kiki Kogelnik, Robert Mangold, Marilyn Manson, Daniel Buren, Julian Opie and, last but not least, Hannsjörg Gordon Matta-Clark, Carlo Mollino, Yves Netzhammer, Voth. In addition, we also published important theory and Tony Cragg, Daniel Buren, Julian Opie und nicht zuletzt themed volumes, for example on “Arte Povera”, “Light Boxes”, Hannsjörg Voth. Daneben erschienen wichtige Theorie“net. Art”, as well as “Kunst nach der Wissenschaft”. und Themenbände, wie „Arte Povera“, „Light Boxes“, I am more than happy that Silvia Jaklitsch as managing „net.art“ sowie „Kunst nach der Wissenschaft“. director will continue the publishing work in cooperation Ich bin überaus glücklich, dass Silvia Jaklitsch als with Ralf Herms, Manfred Rothenberger and me. Thus, my Verlegerin gemeinsam mit Ralf Herms, Manfred RothenVerlag für moderne Kunst in Nuremberg will keep going berger und mir die Verlagsarbeit fortsetzen wird. Mein strong after being reestablished in Vienna, on its way into a Nürnberger Verlag für moderne Kunst findet also mit der promising future. From my heart I would like to thank all Neugründung in Wien seine kraftvolle Weiterführung those people who have been by my side over the last years, and und vielversprechende Zukunft. Ich danke von Herzen I wish every success to the Verlag für moderne Kunst in Vienna, allen, die mich in den vergangenen Jahren begleitet haben, to which I will gladly contribute in the future, too. und wünsche dem Verlag für moderne Kunst in Wien allen Erfolg, zu dem ich auch zukünftig gerne beitragen werde. Herzlich Ihr / warm regards

Karl Gerhard Schmidt

Sibylle Zehle

Jürgen Rose Jürgen Rose hat als Regisseur, Bühnen- und Kostümbildner an weit über 300 Inszenierungen mitgewirkt. Sibylle Zehle hat Roses große Bühnenerfolge jahrzehntelang verfolgt. Entstanden ist das farbige Porträt eines Ausnahmekünstlers unserer Zeit. Jürgen Roses Leben ist nicht nur ein Gesamtkunstwerk. Es ist auch ein Stück bundesrepublikanischer Kulturgeschichte.

Jürgen Rose has been involved in considerably more than 300 productions as a director and set and costume designer. Sibylle Zehle has been following Rose’s great successes on the stage for decades now. What emerges is a colored portrait of an exceptional contemporary artist. Jürgen Rose’s life is not only a work of art in itself; it is also a piece of German cultural history.

Jürgen Rose Editor & text Sibylle Zehle Details German, 480 pages, numerous ills. in color, Hardcover, 31 × 24 cm Euro 78,– ISBN 978-3-86984-433-6

Ceija Stojka Selbst der Tod hat Angst vor Auschwitz Even death is afraid of Auschwitz Ceija Stojka (1933 – 2013), Angehörige der zu den Roma zählenden Gruppe der Lovara, wurde als Zehnjährige nach Auschwitz deportiert. Der schätzungsweise 250 Blätter umfassende Zyklus von Zeichnungen und Gouachen ist ein eindrucksvolles künstlerisches Narrativ über die Verfolgung und den Genozid an den Roma und Sinti im Nationalsozialismus.

Ceija Stojka (1933 — 2013), a member of a Roma group, was deported to Auschwitz at ten years old. The cycle of drawings and gouaches comprises approximately 250 pages. It offers an impressive artistic narrative of the persecution and genocide of the Roma and Sinti under the Nazis and is being published as completely as possible in this book.

Ceija Stojka. Selbst der Tod hat Angst vor Auschwitz / Even death is afraid of Auschwitz Details German / English / Romany, 472 pages, Hardcover, incl. DVD with 2 films by Karin Berger, 27 x 21 cm Euro 39,80 ISBN 978-3-86984-083-3

Von Zero An Die Kunstsammlung der DB Stiftung

Ein Großteil der Kunstwerke aus der Sammlung Stinnes ist in den 1960erund 70er-Jahren entstanden und dokumentiert und reflektiert in besonderer, breit gefächerter Weise die spezifische historische Situation der bundesrepublikanischen Nachkriegszeit. Die Kunstsammlung, die 2003 mit dem Verkauf der Stinnes AG in den Besitz der Deutschen Bahn übergegangen ist, umfasst etwa 300 Werke – größtenteils Gemälde – von etwa 80 Künstlern der Geburtsjahrgänge von 1903 bis 1966. In dem instruktiven Sammlungsüberblick bilden die ZERO-Künstler Otto Piene, Heinz Mack und Günther Uecker mit ihren Nachfolgern den herausragenden Schwerpunkt.

DiE kuNstsAmmluNg DER DB stiftuNg

A main part of the artworks from the Stinnes art collection dates back to the sixties and seventies and it documents and reflects the specific historic situation of the post-war era in the Federal Republic of Germany in a special, broadly based way. The art collection which passed into the German Railway’s ownership in 2003, when Stinnes AG was sold, comprises 300 works of art— mostly paintings—by about 80 artists born between 1903 and 1966. The instructive overview of the collection puts its main focus on the ZERO artists Otto Piene, Hans Mack, and Günther Uecker and their successors.

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Von Zero An. Die Kunstsammlung der DB Stiftung Editor Russalka Nikolov Foreword Rüdiger Grube Preface Russalka Nikolov Texts Karen Michels Details German, 168 pages, 90 ills. in color Hardcover, 28 x 21 cm ca. Euro 28,– ISBN 978-3-86984-531-9

1) Adolf Luther, „Licht und Materie“, verm. 1987, Installation mit konkaven Spiegelflächen, 76,8 x 77 cm 2) Heinz Mack, „Monk 64“, 1964, Stahldruck, 107 x 77 cm, © Bild-Kunst, Bonn, 2014 3) Otto Piene, „Fließendes Schwarz auf Blau“, 1970er-Jahre, Farbserigrafie, 68 x 98 cm, © Bild-Kunst, Bonn, 2014 4) Anton Stankowski, „Strahlenkreuz“, 1962, Öl auf Leinwand, 90,4 x 90,4 cm

VON ZERO AN

Hong Kong Artists 20 Portraits English, 224 p., Flexcover

Made in Germany Zwei. Internationale Kunst in Deutschland German / English 272 p., Pb.

Euro 35,– ISBN 978-3-86984-322-3

Euro 35,– ISBN 978-3-86984-334-6

David Maljkovic, 2003–2013 German / English, 92 p., Pb.

Candida Höfer, Haus Ludwig German / English, 96 p., Hc.,

Euro 28,– ISBN 978-3-86984-060-4

Euro 24,– ISBN 978-3-86984-347-6

Jonathan Meese. Erznahrung German, 120 p., Hc.

Ulrike Ottinger. Weltbilder German / English, 144 p., Hc.

Euro 14,95 ISBN 978-3-86984-231-8

Euro 34,– ISBN 978-3-86984-425-1

Tilo Schulz German / English, 128 p., Pb.,

Architektonika German / English, 184 p., Pb.,

Euro 32,– ISBN 978-3-86984-511-1

Euro 39,90 ISBN 978-3-86984-397-1

Eyes Wide Open Stanley Kubrick als Fotograf German, 208 p., Hc., Euro 14,99

Off the Wall! Bildräume und Raumbilder German / English, 178 p., Hc., Euro 34,–

ISBN 978-3-86984-069-7

ISBN 978-3-86984-502-9

Chambres de luxe Künstler als Hoteliers und Gäste German / English, 116 p., Hc.,

Very funny! +rosebud magazine no. 7 English, 600 p., Pb.

Euro 39,– ISBN 978-3-86984-476-3

Euro 35,– ISBN 978-3-941185-74-6

Christian Höhn

Der Künstler-Fotograf Christian Höhn ist für seine beeindruckenden Arbeiten über „Megacitys“ bekannt: großformatige, hyperrealistisch anmutende Bilder, die Monumentalität, aber auch Anonymität und Entfremdung der Menschen in den Megametropolen von Mexiko-Stadt bis Schanghai vermitteln. Für das DB Museum hat sich Höhn auf die Reise in fünf Kontinente gemacht und dort Bahnhofsbauten porträtiert, die an legendären Strecken liegen oder Schauplätze der Weltliteratur abgegeben

O N E S TAT I O N

CHRISTIAN HÖHN

One Station

CHRISTIAN HÖHN

haben: in St. Petersburg und New York, in Mumbai und Peking, aber auch am Matterhorn und im australischen Outback. Eine beeindruckende Reise durch Raum und Zeit, durch Mythen, Literatur und Geschichten, die in dieser Zusammenstellung wohl einmalig in der Welt sein dürfte. The artist/photographer Christian Höhn is famous for his impressive works on “megacities”: large-format, hyper-realistic pictures that provide the impression of monumentality, anonymity and

alienation of people in mega metropolises from Mexico City to Shanghai. For the DB Museum he traveled five continents to portray railway station buildings located along legendary routes and famous places of world literature: in St. Petersburg and New York, in Mumbai and Beijing but also on the Matterhorn and in the Australian Outback. An impressive journey through space and time, myths, literature, and history, which in this composition is probably unique throughout the world.

Christian Höhn. One Station Editor DB Museum / DB Stiftung Photographs Christian Höhn Rolf Sachsse, Janina Hoffmann, Rainer Mertens Details German, 60 pages, 14 photographs in color, 11 historical ills., Hardcover, 23 x 29,5 cm ca. Euro 20,– ISBN 978-3-86984-539-5

Texts

Rainer Ganahl I wanna be Alfred Jarry German / English, 128 p., Hc. Euro 28,–

Karin Sander. Gebrauchsbilder German / English, 304 p., 138 ills., Hc., Euro 35,–

Peter Noever chronisch obsessiv German, 800 p., Pb. Euro 14,95

Dieter Meier In Conversation German, 192 p., Pb., Euro 35,–

ISBN 978-3-86984-235-6

ISBN 978-3-940748-76-8

ISBN 978-3-86984-458-9

Jeff Wall Marcel Duchamp.: Étant donnés German / English / French, 152 p., Hc., Euro 20,–

Image Machine Andy Warhol & Photography English, 200 p., Swiss Brochure, Euro 30,–

re.act. feminism a performing archive English, 320 p., Pb.,

ISBN 978-3-86984-500-5

ISBN 978-3-86984-316-2

ISBN 978-3-86984-318-6

Gordon Matta-Clark Moment to Moment: Space German edition, 208 p., Pb., Euro 28,– ISBN 978-3-86984-109-0

Euro 29,– ISBN 978-3-86984-460-2

Dorothee Golz Digitale Gemälde Digital Paintings

Kleider in Bewegung Mode im Film German, 168 p., Pb., Euro 28,– ISBN 978-3-86984-497-8

Manfred Pernice. Que-Sah German / English, 240 p., Pb., Euro 38,– ISBN 978-3-94074-853-9

Dorothee Golz. Digitale Gemälde German / English, 96 p., Hc., Euro 28,– ISBN 978-3-86984-065-9

Olaf Nicolai. Mirador, Rodakis, Samani German / English, three booklets in plastic foil, Euro 30,– ISBN 978-3-86984-033-8

200 mm

Caro Suerkemper In heißer Lieb’ gebraten German / English, 100 p., Hb.

Die moderne Architektur in Island in der ersten Hälfte des 20. Jhdts German, 448 p., Hc.,

Euro 24,80 ISBN 978-3-86984-400-8

Euro 58,– ISBN 978-3-86984-266-0

back 240 mm

13,5

cover 240 mm / Museumsausgabe

Austrian Heartbeats. Reiseführer für aktuelle Musik aus Österreich German, 224 p., Pb., Euro 9,–

Luca Faccio. Common Ground German / English, 224 p., Hc., Euro 38,–

ISBN 978-3-86984-492-3

ISBN 978-3-86984-474-9

Michael Wallraff. Vertikaler öffentlicher Raum / Vertical Public Space German / English 176 p., Pb. Euro 28,–

Die Damen German / English, 256 p., Pb., Euro 29,90 ISBN 978-3-86984-446-6

ISBN 978-3-86984-258-5

Flappe 200 mm

Fotos. Österreichische Fotografie von den 1930ern bis heute German / English, 272 p., Pb., Euro 35,–

Gironcoli: Context German / English, 220 p., Pb. Euro 38,– ISBN 978-3-86984-437-4

ISBN 978-3-86984-403-9

Marcel Dzama, Augustin Rebetez, U5 German / English, 3 booklets à 80 p. in cardbox, Euro 35,–

Markus Schinwald German / English, 144 p., Pb. Euro 30,– ISBN 978-3-86984-236-3

ISBN 978-3-86984-092-5 Schutzumschlag auf MultiArtGloss, 135 g + Glanzfolie), 4C

Miroslav Tichý. Bilder von mehr bis minder schönen Frauen German / English, 152 p., num. ills. in color, Euro 24,80

Smoky Pokership. Raum, Kunst, Ausstellung, Transformation, Performance German / English, 220 p., Pb., Euro 35,–

ISBN 978-3-86984-096-3

ISBN 978-3-86984-413-8

Werkmonografie und Werkverzeichnis

Andreas von Weizsäcker

Andreas von Weizsäcker Werkmonografie und Werkverzeichnis

Andreas von Weizsäcker Werkmonografie und Werkverzeichnis Andreas von Weizsäcker (1956 – 2008) gehört zu den herausragenden Bildhauern der Gegenwart. Er hat sich besonders der deutschen Zeitgeschichte zugewandt. Diese mit umfangreichem Bildmaterial ausgestattete Monografie nähert sich den einzelnen, teils raumfüllenden Werken in differenziert analytischen Ansichten, verbindet diese kontextuell miteinander und verdeutlicht den Reichtum der Ideen und Gedanken.

Andreas von Weizsäcker (1956 — 2008) is one of the outstanding contemporary sculptors. He has particularly addressed modern German history. This monograph, which features comprehensive image material, looks at the individual, sometimes room-sized works from differentiated, analytical points of view, then brings these together in context and clarifies the richness of the ideas and concepts.

Andreas von Weizsäcker. Werkmonografie und Werkverzeichnis Editors Sabrina Hohmann, Thomas Hirsch Texts Jean-Christophe Ammann, Anni Bardon, Thomas Hirsch, Sabrina Hohmann, Bernhart Schwenk Details German, 328 pages, Hardcover Euro 68,– ISBN 978-3-86984-081-9

Unendlicher Spaß Infinite Jest

Ausformungen, die Verortung des Ichs, Depression, Sinnentleerung oder auch Absurdität, Irrationalität und eine bis ins Tödliche führende Ironie werden zur Diskussion gestellt.

Similarly to the narrative structure of David Foster Wallace’s 1996 novel “Infinite Jest”, from which it takes its name, the exhibition examines the various different challenges the “I” is now Analog der Erzählstruktur des titelconfronted with: Themes such as addiction gebenden Jahrhundertromans von in its enormous variety of manifestations, David Foster Wallace’ „Unendlicher the placing of the “I”, depression, Spaß“ werden die unterschiedlichen emptying of meaning or even absurdity, Anforderungen betrachtet, die an das Ich heute gestellt werden: Themen wie irrationality and an irony that leads to the deathly are set up for discussion. Sucht in ihren unterschiedlichsten Unendlicher Spaß. Infinite Jest Editors Matthias Ulrich, Max Hollein Preface Max Hollein Matthias Ulrich, Lars Bang Larsen, Alex Danchev Details German / English, 480 pages, Hardcover Euro 38,– ISBN 978-3-86984-093-2

Texts

Vielen Dank! Thank You!

Mo(ve)ment Silvia Bächli, Heinz Breloh, Anna Huber, David Reed

1) Silvia Bächli, „o. T.“, Gouache, 2010

2) Anna Huber, „déjà vus“, 2012, Video, ca. 45 min.

„Mo(ve)ment“ nimmt entscheidende Grundlagen des Kunst-Machens in den Blick und bricht diese mit ebensolchen Grundlagen des KunstSehens. Bewegung und Augenblick sind dabei wörtlich wie metaphorisch zu verstehen. Zunächst und vor allem markieren sie polare Zustände eines körperlichen Handelns. Die Hand, die den Strich aufs Papier setzt, in den feuchten Ton greift, sich als Spur im Raum oder mit dem Pinsel über die Leinwand bewegt. Bewegung und Augenblick sind zugleich auch Grundvoraussetzungen jedes gedanklichen Prozesses.

both literal and metaphorical terms. „Mo(ve)ment“ führt vier künstlerische Primarily, and above all, they mark Positionen zusammen, die zunächst polar conditions of physical action. The nur ihre absolut elementare Geste hand that places a line on paper, that im jeweiligen Medium verbindet: die shapes the soft, moist clay, that moves Zeichnerin Silvia Bächli (* 1956, lebt as a trace through space or with a brush in Basel und Paris), den Bildhauer across a canvas. Movement and the Heinz Breloh († 2000 in Köln), die Tänzerin und Choreografin Anna Hu- eye’s shutter speed are, at the same time also, the preconditions of any thinking ber (* 1965, lebt in Bern und Berlin) process. und den Maler David Reed (* 1946, “Mo(ve)ment” conjoins four artistic lebt in New York). positions which, initially, are connected only by the absolutely elementary “Mo(ve)ment” focuses on some decisive gestures of their individual media – elementals of art-making and mashes drawings by Silvia Bächli, plaster and them up against similar kinds of clay sculptures by Heinz Breloh, dance basics of art-seeing. Movement and the by Anna Huber and paintings by moment, the twinkling of an eye, will David Reed. need to be understood in this process as

Mo(ve)ment. Silvia Bächli, Heinz Breloh, Anna Huber, David Reed Editor Wolfgang Fetz for Magazin4 – Bregenzer Kunstverein Text Jörg van den Berg Design Ulrike von Dewitz Details German / English, 116 pages, numerous ills. in color, Paperback ca. Euro 30,– ISBN 978-3-86984-549-4

The Abecedarium of the Artist’s Death by Moussa Kone

Mehr als jeder andere Beruf ist der des Künstlers einer Vielzahl von Gefahren ausgesetzt, die das Ende der Karriere bedeuten können. Moussa Kone schildert in 26 Zeichnungen tragische Ereignisse aus dem Alltag eines Künstlers. Das Künstlerbuch ist ein Memento mori und eine Hommage an den amerikanischen Zeichner Edward Gorey, das von jedem Kunststudenten – und dessen Angehörigen – gelesen werden sollte. More than any other profession the artist is exposed to a variety of dangers which could cause the sudden end of a career. Moussa Kone portrays tragic examples of this from everyday artistic life through 26 drawings of testified moments. The book is a Memento mori and a homage to the American drawer Edward Gorey, demonstrating the precarious position of the artist, which every art student — and his parents — should have read.

The Abecedarium of the Artist’s Death Concept and Text Moussa Kone Details English, 56 pages, Hardcover, 14 x 16,5 cm, Euro 18,50 ISBN 978-3-86984-527-2

1) Jeff Wall, „Young man wet with rain“, 2011, Silbergelatine-Abzug, 149,6 x 275,2 cm, Courtesy: der Künstler 2) Neo Rauch, „Schach“, 2012, Tuschestift, Filzstift auf Papier, 21 x 29,6 cm, Privatsammlung, © VG Bild-Kunst, Bonn, 2014, Courtesy Galerie EIGEN + ART Leipzig/Berlin, David Zwirner, New York/London, Foto: Uwe Walter, Berlin

Andreas Gursky, Neo Rauch, Jeff Wall Drei der bedeutendsten Künstler der Gegenwart treffen zum ersten Mal aufeinander: die Fotokünstler Andreas Gursky (* 1955) und Jeff Wall (* 1946) sowie der Maler Neo Rauch (* 1960). Querverbindungen in ihrem umfangreichen Schaffen bilden den Ausgangspunkt für diese ungewöhnliche Zusammenführung. An ausgewählten Werken wird deutlich, wie die drei Künstler in je eigenen Ansätzen an die Tradition des figurativen Bildes anknüpfen, diese entscheidend weiterentwickeln und aktualisieren.

Three of today’s most important artists meet for the first time: the photographers Andreas Gursky (* 1955) and Jeff Wall (* 1946) and the painter Neo Rauch (* 1960). Connections between their wide-ranging oeuvres form the point of departure for this unusual encounter. Select works show how the three artists engage with, push forward, and rethink the tradition of the figurative picture, each in their own way.

Andreas Gursky, Neo Rauch, Jeff Wall Publisher Veit Görner, Heinrich Dietz Texts Heinrich Dietz, Veit Görner, Anna Gritz, Aaron Peck, Erik Verhagen Details German / English, 96 pages, numerous ills. in color and b/w, Hardcover, 30 x 23 cm Euro 38,– ISBN 978-3-86984-513-5

Marieta Chirulescu Für ihre künstlerische Arbeit nutzt Marieta Chirulescu analoge Techniken der Malerei wie Öl auf Leinwand, mit diesen kombiniert sie jedoch oft Bilder, die durch digitale Arbeitsweisen entstanden sind, wie kopierte oder auch gescannte Blätter. Es entstehen abstrakte Bilder mit einer ebenso zarten wie manchmal organischen Anmutung, die manchmal geometrische Farbfeldkompositionen ablesen lassen. Durch den Verzicht auf einen Titel eröffnen die Arbeiten Marieta Chirulescus vielfältige Assoziationen. Marieta Chirulescu absolvierte ihr Studium der freien Kunst an den Kunstakademien in Budapest und

Nürnberg und präsentierte ihre künstlerische Arbeit in Einzelausstellungen in der Kunsthalle Mainz und im Kunstverein Nürnberg und in Gruppenausstellungen wie „Made in Germany Zwei“ in Hannover sowie im Museum Folkwang in Essen. Marieta Chirulescu uses analog painting techniques such as oil on canvas in her art work, often also combining these with images made in digital work processes such as copied or scanned pages. The resulting abstract

ETA uLES u pieces appear delicate and at times organic; sometimes they also feature geometric color field compositions. By forgoing titles, Marieta Chirulescu’s works open up diverse associations. Marieta Chirulescu studied at the Academy of Fine Arts Nuremberg and Hungarian University of Fine Arts in Budapest. She has presented her work in solo shows at Kunsthalle Mainz and Kunstverein Nürnberg and in group shows such as “Made in Germany Zwei” in Hanover and at Museum Folkwang in Essen.

Katalog zum Lingener Kunstpreis 2014 Marieta Chirulescu EDITOR Meike Behm, Kunsthalle Lingen TEXTS Marc Prince, Meike Behm DESIGN Yvonne Quirmbach Details German / English, 112 pages, numerous ills. in color, Paperback Euro 26,– ISBN 978-3-86984-548-7

Marus˘a Sagadin MMXV

Das Buch versammelt sieben ausgewählte Installationen aus den Jahren 2009–2014, die durch zahlreiche Fotografien, Skizzen und Videostills begleitet werden. Darin werden zum ersten Mal die Lyrics der installativen als auch performativen Text-SoundArbeiten schriftlich dokumentiert und ins Englische übersetzt. Essays zu Arbeits- und Themenkreisen Sagadins rahmen die visuelle Narration der Buchsequenz. Maruša Sagadin hat Architektur in Graz und Bildhauerei an der Akademie der bildenden Künste Wien

studiert, wo sie im Fachbereich für performative Kunst und Bildhauerei seit 2011 auch unterrichtet. Ihre Arbeit kreist um Befragungen von Zeichensystemen und ihrer Formensprache, die der Architektur sowie Pop- und Subkultur entnommen sind. This monograph assembles seven selected installations dating from between 2009 and 2014, accompanied by a large number of photographs, sketches and video stills. In the book the lyrics of both her installations and her performance

text/sound work are documented in writing and translated into English. Additional essays on Sagadin’s work and the topics she addresses frame the visual narration that unfolds in this book. Maruša Sagadin studied architecture in Graz and sculpture at the Academy of Fine Arts Vienna, where she teaches performative arts and sculpture since 2011. Her work revolves around investigations of sign systems and their formal language, which are taken from architecture as well as pop and subcultural sources.

Maruša Sagadin. ©MMXV Editors Christian Hoffelner, Maruša Sagadin Texts Christiane Erharter, Dirck Möllmann, Astrid Wagner Design CH Studio Details English, 176 pages, numerous ills. in color, Paperback with flaps Euro 24,– ISBN 978-3-86984-543-2

Martin Arnold Gross Anatomies

Die neue Publikation von Martin Arnold ist die erste umfassende Monografie, die seine künstlerische Entwicklung dokumentiert und dabei einen Schwerpunkt auf die Cartoon-Filme der letzten Jahre legt. Sie thematisiert sowohl die formalen Merkmale der Arbeiten als auch deren diskursive Positionierung zu Fragen wie „Cel-Animation“, „Wiederholung“

und „Auslöschung“. Es geht auch um die Darstellbarkeit filmischer Arbeiten in Buchform. Martin Arnold hat speziell für dieses Medium eine Bildsequenz entwickelt. Martin Arnold’s latest publication is the first comprehensive monograph to document his artistic development, focusing on the cartoon films created in

recent years. It presents both the formal characteristics of his works and their discursive positioning as far as issues such as “cel animation”, “repetition,” and “disappearance” are concerned. It also deals with the question of how to present filmic works in a book. Martin Arnold has created an image sequence specifically for this medium.

Martin Arnold Gross Anatomies Texts Kirsty Bell, James Leo Cahill Interview Angela Stief with Martin Arnold Details English, 96 pages, numerous ills. in color, Hardcover Euro 28,– ISBN 978-3-86984-524-1

Werner Schrödl Snooky Games

In Werner Schrödl’s works moments of irritating, enigmatic, even eerie elements unfold—they are pictorial spaces full of mystical atmosphere. With great elaboration he arranges scenarios that are recorded on film or photograph. They

are always interventions into interior or exterior spaces, for instance when he manipulates the forest silhouette by lengthening the trees, or hems in a monumental balloon in the former concourse of the Vienna Südbahnhof railway station. In the current work series it is the all-embracing light that directs the scenario, transforming far-reaching stretches of countryside, historical architecture, and persons and creating a sensation hovering between dream and reality.

Werner Schrödl. Snooky Games Editor Kunstforum Wien Preface Ingried Brugger Texts Lisa Ortner-Kreil, Florian Steininger Interview with Werner Schrödl Details 112 pages, numerous ills. in color, Hardcover, 22 x 16,5 cm Euro 28,– ISBN 978-3-86984-521-0

2) „40,000 Candela (Heads)“, LCD-Screen, 2014

aktuellen Werkserie übernimmt das allumstrahlende Licht die Regie über das Szenario, verwandelt weitläufige Landstriche, historische Architekturen und Personen in ein Ereignis zwischen Traum und Wirklichkeit.

1) „o. T.“, 2003

Werner Schrödl schafft Momente des Irritierenden, Rätselhaften, ja auch des Unheimlichen – Bildräume voll mystischer Atmosphäre. Mit großem Aufwand arrangiert der Künstler die Szenerien, die filmisch oder fotografisch festgehalten werden. Es sind stets Interventionen in Innen- oder Außenräumen, wenn er etwa die Waldsilhouette mittels Baumverlängerung manipuliert oder einen monumentalen Ballon in die ehemalige Halle des Wiener Südbahnhofs einfasst. In der

Wolfgang Lehrner The Vision of a City Vienna Could be. VIE CEE

Ausgehend von seinem Lebensmittelpunkt Wien bereiste Wolfgang Lehrner in den letzten Jahren Städte, die nicht länger als eine Bus-Tagesreise von Wien entfernt liegen und in historischen, kulturellen, wirtschaftlichen und verkehrstechnischen Aspekten eine Gemeinsamkeit mit Wien aufweisen. Entstanden sind zahlreiche Fotografien und Videos von Städten, die auf den ersten Blick nicht

eindeutig zu lokalisieren sind, jedoch Wien sein könnten. Wolfgang Lehrners Arbeiten sind kosmopolitische Untersuchungen, die Veränderungen und Bedeutung von Gemeinsamkeiten und Gegensätzlichkeiten von urbanen Räumen, Metropolen und deren Vernetzung im kulturellen, sozioökonomischen, historischen und metaphysischen Sinne thematisieren und hinterfragen.

Wolfgang Lehrner. The Vision of a City Vienna Could be. VIE CEE Editor Cornelis van Almsick Text Cornelis van Almsick, Jade Niklai Interviews Kristina Kulakova with Wolfgang Lehrner Details Englisch, 127 pages, Linen, 21 × 19 cm Euro 26,– ISBN 978-3-86984-100-7

Starting out from his home city of Vienna, Wolfgang Lehrner has spent the last few years traveling through cities that are no further away than a one-day bus trip from Vienna, and which share common ground with the city in terms of their historical, cultural, economic and transportation aspects. The result: a range of photos and videos of cities that are not immediately placeable at first glance. Wolfgang Lehrner’s works are cosmopolitan investigations that focus on and examine the changes and significance of commonalities and contrasts between urban spaces, metropolises and their interlinking in the cultural, socio-economic, historic and metaphysical sense.

VALIE EXPORT

Michael Hakimi Michael Höpfner Birgit Jürgenssen Sonia Leimer Christian Mayer Friederike Pezold Alfons Schilling Nora Schultz Nadim Vardag Peter Weibel Heimo Zobernig

photography as sculpture sculpture as photography

From two- to three-dimensionality, between photography and sculpture: Galerie OstLicht takes the medium of photography out of its frame and expands it into space. Classic pieces of photo and media art meet new works, some of which have been developed specifically for this exhibition. It presents artistic positions from the late 1960s to the present that enter into a dialog and examine the interaction of a photographic approach with sculptural and spatial aspects.

With works by Will Benedict, Clegg & Guttmann, Kerstin Cmelka, VALIE EXPORT, Michael Hakimi, Michael Höpfner, Birgit Jürgenssen, Sonia Leimer, Christian Mayer, Friederike Pezold, Alfons Schilling, Nora Schultz, Nadim Vardag, Peter Weibel, and Heimo Zobernig.

2D23D. Photography as Sculpture / Sculpture as Photography Editors Martin Guttmann, Rebekka Reuter, Galerie OstLicht Text Christian Egger, Heike Eipeldauer, Luigi Fassi, Marina Faust, Martin Guttmann, Sophie Haslinger, Michael Höpfner, Naoko Kaltschmidt, Fabian Knierim, Kristina Marberger, Johanna Pröll, Rebekka Reuter, Marie Röbl, Peter Weibel, Heimo Zobernig Details German / English, 136 pages, numerous ills. in color, Paperback Euro 22,– ISBN 978-3-86984-522-7

3) Nora Schultz, „Parrots“, 2007/2014

30.09.14 14:13

2) Kerstin Cmelka, „The Individualists“, 2012

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Zwischen Fotografie und Skulptur bewegen sich die präsentierten Werke, greifen in den Raum und setzen in Gang. Bei aller Differenz, thematisch wie ästhetisch höchst eigen und prominent, eint sie eine Reflexion der menschlichen Wahrnehmung und ihrer medialen Vermittlung, die sie ausloten, übertreiben, durchkreuzen und unterlaufen. Von den späten 1960er-Jahren bis heute treten künstlerische Positionen in einen Dialog, die das Fotografische im Zusammenspiel mit skulpturalen und räumlichen Facetten verhandeln.

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1) Heimo Zobernig, „Ohne Titel“, 1986/2014, VG Bild-Kunst, Bonn, 2014

Photography as Sculpture Sculpture as Photography

Will Benedict Clegg & Guttmann Kerstin Cmelka

2D23D

KMD – Kunsthalle Marcel Duchamp The Forestay Museum of Art

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-241-7

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-328-5

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-240-0

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-294-3

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-327-8

Euro 20,–ISBN 978-3-86984-416-9

Euro 20,– ISBN 978-86984-062-8

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-080-2

Marcel Duchamp verbrachte 1946 zusammen mit einer seiner Geliebten, Mary Reynolds, fünf Wochen in der Schweiz und davon fünf Tage am Genfer See. Er wohnte im Hotel Bellevue in Bellevue bei Chexbres, genau im Zentrum des Lavaux. Duchamp war beeindruckt vom Wasserfall Le Forestay und beschloss, ihn zum landschaftlichen Hintergrund seiner berühmten letzten Arbeit „Etant donnés“ zu machen. Als Hommage an den einflussreichen Künstler haben Caroline Bachmann und Stefan Banz an diesem Ort den Verein Kunsthalle Marcel Duchamp, Cully ins Leben gerufen. Und das hier laut der Initiatoren geschaffene „kleinste Museum der Welt“ bekommt nun eine eigene Publikationsreihe: große Künstler im Kleinformat, in Anlehnung an Marcel Duchamps „Schachtel im Koffer“.

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-500-5

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-078-9

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-356-8

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-239-4

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-326-1

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-385-8

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-423-7

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-465-7

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-079-6

Thilo Westermann Vanitas

Thilo Westermanns Buntstiftzeichnungen und Hinterglasmalereien sind im vorliegenden Künstlerbuch in Originalgröße wiedergegeben. Die abgebildeten Detailvergrößerungen entsprechen in Größenverhältnis und Punktstärke den großformatigen Diasec-Unikaten, die Westermann nach Fertigstellung von seinen Hinterglasmalereien drucken lässt.Neben kunsttheoretischen Texten werden diese Werkabbildungen ergänzt durch Ausstellungsansichten sowie Bilder der Fotoserie „Dispositive“, die zwischen der Wiedergabe realer Hängesituationen und fingiertem Arrangement changieren. Das Konzept des Buches sowie die Zusammenstellung der Bildfolgen stammen vom Künstler selbst.

In addition to theoretical art essays, these illustrations of his work are also supplemented by views of exhibitions as well as images from the photo series entitled „Dispositive“ — these oscillate between presenting real hangings of the works and faked arrangements. It was the artist himself who developed the book concept and decided the sequences of images. In this artist’s book Thilo Westermann’s color pencil drawings and reverse plexi paintings are reproduced in their original size. The enlargements of details presented here correspond in terms of ratios and dot size to the large-format Diasec oneoff prints that Westermann has produced after completing his reverse plexi paintings.

Thilo Westermann. Vanitas Editor Institut für moderne Kunst Nürnberg and Oechsner Galerie Concept and Design Thilo Westermann Text Christin Müller, Aoife Rosenmeyer, Martin Thierer Details German / English, 168 pages, Hardcover, Linen, 33 x 24,5 cm Euro 38,– ISBN 978-3-86984-503-6

Letizia Werth Pencil, Cotton, Dust

berühmten Worte „a rose is a rose“ beim Kehren des Atelierbodens mit Staub entstehen lässt. Im Buch sind außerdem Werths Staubgärten und Staubzuchten dokumentiert.

The book shows three series of drawings by Letizia Werth. The artist frequently works with image material she has come across, which she translates and reinterprets in various different media

in her artistic production. Alongside the drawings, Letizia Werth also creates so-called dust works in the form of images, objects, and installations. The latest work from this series, which began in 2002, is a film that shows the artist using a broom to form the famous phrase „a rose is a rose“ in dust on the floor of the workshop. The book also documents Werth’s dust garden and dust cultivation.

Das Buch zeigt drei Zeichnungsserien von Letizia Werth: Die Künstlerin arbeitet häufig mit vorgefundenem Bildmaterial, das sie in verschiedene Medien übersetzt und neu interpretiert. Neben den Zeichnungen macht Letizia Werth Staubarbeiten – in Form von Bildern, Objekten und Installationen. Das jüngste Werk aus dieser seit 2002 andauernden Reihe ist ein Video, das die Künstlerin zeigt, wie sie mit einem Besen die

Letizia Werth. Pencil, Cotton, Dust Texts Maria Christine Holter, Elsy Lahner Layout Karin Holzfeind Details German / English, 72 pages, Paperback Euro 28,– ISBN 978-3-86984-507-4

Arnd Kaestner do not bend

arnd kaestner

do not bend

erscheint / published April 2015

Arnd Kaestner. do not bend. Zeichnungen und Pigmentprints Texts Anke Hervol, Birgit Szepanski Design Brigitte Schaller Details German / English, 112 pages, Paperback ca. Euro 25,– ISBN 978-3-903004-02-3

1) „o. T.“, india ink and colored pen on paper, 1990

2) „o. T.“, acrylic on paper, 1998

3) „Here We Have Good Environment“, wall drawing, 2001

“Do Not Bend” by Arnd Kaestner shows a cross-section of the artist’s drawings and pigment prints created between 1990 and 2013; they play a laconic game with our conventional perception of space and objects. Kaestner works with various methods and artistic means in order to remove the temptation to 1 classify what has been seen as sculpture or architecture. In so doing, he makes it „Do Not Bend“ des Künstlers Arnd impossible for the observer to identify Kaestner zeigt einen Querschnitt things, structures, numbers or language seiner zwischen 1990 und 2013 systems, thus challenging his perception. entstandenen Zeichnungen und Arnd Kaestner (* 1961 in Hamburg) Pigmentprints, die ein lakonisches Spiel mit unserer gängigen Raum- und lives and works in Berlin. Gegenstandswahrnehmung treiben. Kaestner arbeitet mit unterschiedlichen Methoden und künstlerischen Mitteln, um der Versuchung, das Gesehene als Skulptur oder als Architektur einzuordnen, entgegenzuwirken. Er verunmöglicht dadurch das Identifizieren von Dingen, Bauten, Zahlen oder Sprachsystemen und fordert damit die Wahrnehmung seiner Betrachter heraus. Arnd Kaestner, (* 1961 in Hamburg) lebt und arbeitet in Berlin.

Albrecht Schnider Helmhaus Zürich Verlag für moderne Kunst Nürnberg

Albrecht Schnider

Albrecht Schnider Helmhaus Zürich Verlag für moderne Kunst Nürnberg

In der monografischen Publikation zeigt der Künstler Albrecht Schnider einen eindrucksvollen Querschnitt seines künstlerischen Schaffens. Zu sehen sind seine figurativen sowie gegenstandslosen Papierarbeiten, sorgfältig erarbeitete Linienzeichnungen, Landschaftsentwürfe oder seine neuen Typografiestudien. Diese teils älteren, teils auch neu überarbeiteten

Blätter dienen dem Künstler oft zur Ideenfindung, zur direkten Umsetzung und „Klärung“ für seine präzisen Malereien in Öl oder Acryl auf Leinwand. Albrecht Schniders Werke sind in vielen wichtigen Privat- und Museumssammlungen vertreten und ausgestellt worden. Albrecht Schnider lebt und arbeitet seit 1998 in Berlin. The monograph shows an impressive selection of the manifold oeuvre by Albrecht Schnider: his figurative as well as abstract paper works, meticulously

crafted line drawings, landscape drafts, or his latest typographical sketches. These, partly older, but also newly reworked sheets often help the artist in generating ideas, in clearing the way to and directly implementing his precise paintings in oil or acrylics on canvas. Albrecht Schnider has exhibited and has a permanent representation in many renowned private and museum collections. He has been living and working in Berlin since 1998.

Albrecht Schnider Editor Helmhaus Zürich Text and Concept Simon Maurer, Peter Zimmermann Details German / English, 140 pages, Hardcover Euro 35,– ISBN 978-3-86984-533-3

1) „Erdling“, 2009, 2014 Fort de Schoenenbourg, exhibition view: Underground, photo: Victorine Müller 2) „Durchströmung II“, 2004, Museum Bellerive, Zürich, exhibition „Body Extensions. Wie wir den Körper erweitern“, 2004 / mudac, Lausanne, exhibition „Body Extensions. How we extend the body“, 2004, photo: FBM Studio Mancia/Bodmer 3) „Ballon stratosphérique“, 2008, Kunsthalle zone contemporaine Olivier Fahrni, Niederwangen, exhibition view „Wild at Heart“, 2012, photo: Mike Niederhauser 4) „Häutung“, 2003, Seedamm Kulturzentrum, photo: Yvonne Scarabello

Victorine Müller A Moment in Time

Die umfassende Monografie mit Werkverzeichnis von 1994 bis 2014 widmet sich dem facettenreichen Werk von Victorine Müller aus den letzten zwanzig Jahren. Sie behandelt sowohl umfangreich die performativen als auch die daraus hervorgegangenen installativen und objekthaften Arbeiten sowie Videoarbeiten und Skulpturen, die zueinander in Beziehung gesetzt werden. Damit liegt der erste Querschnitt durch das gesamte Schaffensspektrum vor, der Victorine Müllers künstlerisches Werk dokumentiert und mit Textbeiträgen von

einem Philosophen, einem Theologen, Kunsthistorikern und mit Gesprächen mit Künstlerkollegen, Kuratoren und Kunstkritikern innerhalb der neueren und neuesten Kunstgeschichte konzeptualisiert. The comprehensive monograph with its catalogue of works covering 1994–2014 is dedicated to the multifaceted work of Victorine Müller from the last 20 years. It comprehensively covers both the

performative as well as the resulting installative and object-like works as well as video works and sculptures that are positioned in relation to one another. Thus, the first cross-section spans the entire creative spectrum and documents Victorine Müller’s artistic work, using text contributions from philosophers, theologists and art historians, along with interviews with artist colleagues, curators and art critics, to contextualize it within recent and the most recent art history.

Victorine Müller. A Moment in Time EDITOR Dolores Denaro TEXT Dolores Denaro, Charlotte Hug, Birgit Kempker, Gerhard J. Lischka, Heinrich Lüber, Gabrielle Obrist, Sibylle Omlin, Jay Pather, Jens Schlieter, Susanne Schneemann, Peter J. Schneemann, Vreni Spieser, Hans Christoph von Tavel, Konrad Tobler, Margrit Tröhler, Annelise Zwez Details German / English, ca. 240 pages with flaps, 28 x 23 cm, incl. DVD with documentaries and performances Euro 40,– ISBN 978-3-86984-506-7

Oliver Dorfer 08/14

Bei Oliver Dorfer treffen Populärkultur und Kunstgeschichte aufeinander: Er verarbeitet die alltägliche Bilderflut und bearbeitet sie in der Tradition des Pop durch eine Stilisierung, die an japanische Mangas oder bestimmte Codes der Street Art erinnert. Die Semantik der Fumettis und der Werbelogos ist eine klare Fortführung jener Massenästhetik, mit der Künstler der Kunsthistorie wie Johns, Rosenquist

und Warhol experimentierten und mit der noch heute zahlreiche Künstler arbeiten. Oliver Dorfer’s work unites popular culture and art history: he works on the commonplace barrage of images with a view to their everyday dimension, processing them in the tradition of pop by creating stylizations that recall Japanese mangas or certain codes

used in street art. The semantics of his fumetti and ad logos clearly continues the kind of mass aesthetics that artists such as Johns, Rosenquist, and Warhol experimented with in the course of art history and that is still used by a large number of artists today.

Oliver Dorfer. 08/14 Editor Galerie Ernst Hilger, Oliver Dorfer Texts John Cima, Katrin Sophie Dworczak, Martin Hochleitner, Jeanette Zwingenberger Details German / English, 208 pages, 130 ills. in color, Hardcover, 27 x 22,5 cm Euro 35,– ISBN 978-3-86984-536-4

Daniel Egg Information Stream

Das Künstlerbuch von Daniel Egg wird aus Anlass von dessen neuer Arbeit Information Stream auf der BIX Fassade des Kunsthauses Graz herausgegeben. Die Texte gehen den sprachlichen Phantasmagorien des Wiener Künstlers aus unterschiedlichen Perspektiven auf den Grund und untersuchen seinen Umgang mit visueller Sprache bzw. sein semantisches Formenvokabular, das sich im Rauch manifestiert. Es ist zugleich eine Auseinandersetzung mit den sozialen Codes rund um das Rauchen, das vom intellektuellen Gestus der 1920erJahre bis zum Widerwillen des letzten Jahrzehnts alle Assoziationen in sich trägt. Das Buch enthält Abbildungen der gesamten Serie bestehend aus Film, Fotografie und Lichtinstallation.

The artist book by Daniel Egg is published on the occasion of his latest work Information Stream on the BIX facade of Kunsthaus Graz. The texts examine the linguistic phantasmagorias of the Viennese artist from various perspectives and explore both the way he uses visual language and his semantic vocabulary that manifests itself in smoke. The book also deals with the social codes of smoking and the associations connected with it ranging from the intellectual habitus of the 1920s to the antipathy to smoking that emerged in the last decade. It contains illustrations of the entire series consisting of film, photography, and light installations.

Daniel Egg. Information Stream Editors Peter Pakesch, Katrin Bucher Trantow Texts Katrin Bucher Trantow, Günther Holler-Schuster, Veit Loers, Thomas Mießgang, Franz Thalmair Details German / English, 144 pages, 100 ills., Paperback with flaps, 25 x 20 cm Euro 29,90 ISBN 978-3-86984-526-5

Volker März Fremde Früchte

Mit Texten, Bildern und Fotografien geht Volker März auf die Reise, um dem transatlantischen und arabomuslimischen Sklavenhandel auf den Grund zu gehen. Moderne Sklaverei, Rassismus und hochzivilisierter Kannibalismus sind die bewegenden Themen, die der Künstler in seinen neuen Arbeiten auf bekannt liebevolle und bitterböse Art umsetzt. „Volker März, so müsste man die siebte These der Benjamin’schen Geschichtsphilosophie paraphrasieren, „rückt nach Maßgabe des Möglichen von dem Prozess der Überlieferung ab. Er betrachtet es als seine Aufgabe, die Geschichte gegen den Strich zu bürsten“. Dabei geht es ihm offensichtlich um Verhältnisse. Um Größenverhältnisse zwischen der besitzergreifenden Vergangenheit und unserer Gegenwart. Auch um Größenverhältnisse in der Kunst, deren metaphysische Reste von den März’schen Spielzeugfiguren verwundert betrachtet und dekonstruiert werden: Sie werden

kleingemacht. Es geht tatsächlich um unangemessene Antworten auf unangemessene Verhältnisse. Und darum, die Toten für einen Moment lang aufzuwecken. Mit einem Witz.“ (Prof. Stefan Krankenhagen, „Der Engel der Geschichte hat rote Ohren“, aus der Publikation: „Leben mit Auschwitz – danach“) Volker März goes on a trip, using texts, images and photographs, tracing the transatlantic and Arab-Muslim slave

Volker März. Fremde Früchte Text Volker März Details German, 140 pages, numerous ills. in color, Hardcover, 23 x 16 cm ca. Euro 24,– ISBN 978-3-903004-07-8

trade. Modern slavery, racism and highly-civilized cannibalism are moving themes that the artist addresses in his new work in his typically loving and bitingly witty art. “Volker März, to paraphrase Walter Benjamin’s seventh thesis on the philosophy of history, “dissociates himself from the process of tradition wherever possible. He regards it as his task to brush history against the grain.” He is obviously interested in relationships. In relationships of scale between the past that tries to seize hold of us and our present. And in relationships of scale in art, whose metaphysical remnants are watched with astonishment by März’s toy figures and then deconstructed by them: rendered small. The focus is indeed on inappropriate answers to inappropriate relationships. And on bringing the dead to life for a moment. With a joke.” (Prof. Stefan Krankenhagen, “Der Engel der Geschichte hat rote Ohren”, from the publication: “Leben mit Auschwitz – danach”)

Public Art Vienna I–III Public Art Vienna I: Aufbrüche – Werke – Interventionen 2004 – 2007 German / English, 212 p., Hc.

1) Ines Doujak, „Mahnwache“, 2010, Morzinplatz, Vienna, 2010, photo: Ulrike Wagendorfer, 2010 2) Clegg & Guttmann, „The Open History Library“, 2010, campus of the University of Vienna, court 1 (Passage to Court 7), 1090 Vienna, photo: Rosemarie Burgstaller, 2010

Euro 30,– ISBN 978-3-86984-188-5

„KÖR Kunst im öffentlichen Raum Wien“ versteht Kunst im öffentlichen Raum nicht als Dekor, sondern als Angebot zur Auseinandersetzung mit Inhalten und ästhetischen Setzungen sowie als symbolische Markierung bislang kulturabstinenter Territorien. Es geht außerdem um gesellschafts“KÖR Public Art Vienna” does not see art politische Fragestellungen und die Reflexion des Potenzials der Kunst im in the public space as mere adornment, but as a means of examining specific öffentlichen Raum in Wien selbst. themes and aesthetic focuses, as well Die vorgestellten Publikationen illustrieren das breite Spektrum der Kunst- as the symbolic marking of territories that previously abstained from projekte aus den Jahren 2004 bis 2013 in Wien, die dank der Initiative durch cultural involvement. It is also about sociopolitical issues and reflecting on die KÖR GmbH möglich wurden. the potential of art in the public space in Vienna itself. These publications illustrate the broad spectrum of art projects in Vienna from 2004 to 2013.

Public Art Vienna II: Kunst im öffentlichen Raum Wien 2007 – 2010 Details German / English, 264 p., Hc. Euro 29,– ISBN 978-3-86984-059-8

Public Art Vienna III: Kunst im öffentlichen Raum Wien 2010 – 2013 Details German / English, 264 p., Hc. Euro 29,– ISBN 978-3-86984-514-2

Public Art

Die Welt scheint aus den Fugen: turbokapitalistische Geldindustrie, fundamentalreligiöse Machtkämpfe, politisch unüberschaubare Realitäten bei gleichzeitiger Prekarisierung und aberwitziger Bereicherung. Einerseits gibt es den Wunsch nach einer menschenwürdigen Gesellschaft, andererseits das immer stärker empfundene Ausgeliefertsein an überkomplexe Systeme. Kunst im öffentlichen Raum steht im Zeichen von Bewusstseinsschaffung für alle Positionen von Öffentlichkeit. Sie stellt zeitgemäße Fragen, die Diskussionen anregen und immer neue und brisante Debatten nach sich ziehen. Die politische Ermöglichung ist auch als Seismograf eines demokratischen Verständnisses und als wesentlicher Beitrag zu dessen Entwicklung zu sehen. Darum geht es in diesem Buch, das die Projekte des Grazer Instituts für Kunst im öffentlichen Raum Steiermark aus den Jahren 2012 und 2013 vorstellt.

The world appears to be unhinged: a turbo-capitalist moneymaking industry, power struggles between religious fundamentalists, convoluted political realities accompanied by increased precariousness and sometimes ludicrous personal enrichment. Although there is a desire for society to be worthy of humans, this goes hand in hand with a sense of being at the mercy of overcomplicated systems which instead of generating a public sphere for debate are acting in an increasingly opaque manner and constitute surveillance. The force driving art in the public space is to create an

awareness of all the positions based on a notion of the public sphere. Its aim is to ask necessary and timely questions that will provoke discussions and are bound to result in heated debates. The political facilitation of art in the public space can also be read as a seismograph of the state of democracy and as a fundamental contribution to its development. This is what this book is concerned with when it presents the projects instigated by Graz’s Institute for Art in the Public Space in Styria from the years 2012 and 2013.

Public Art. Kunst im öffentlichen Raum Steiermark 2012 – 2013 EDITORS Elisabeth Fiedler, Dirck Möllmann Elisabeth Fiedler, Dirck Möllmann, Markus Bogensberger, Reinhard Braun, Christian Egger, Krist Gruijthuijsen, Veronica Kaup-Hasler, Barbara Pichler Design Atelier Neubacher Details German / English, 248 pages, numerous ills. in color, Hardcover Euro 29,– ISBN 978-3-86984-546-3

TEXTS

1) Markus Jeschaunig, „Linienflug Graz–Maribor“, 6.10.2012, Fahrt mit Luftschiff / ride by airship 2) Catrin Bolt, „Lauftext Mahnmal“, 9.11.2013 – 30.09.2015, etwa 800 m langes Schriftband in Straßenfarbe von der Radetzkystraße 8 bis zum Griesplatz 2 nearly / 800 m text-strip in road paint from Radetzkystraße 8 to Griesplatz 2, Graz

Kunst im öffentlichen Raum Steiermark

Barbara Holub /

planning unplanned Darf Kunst eine Funktion haben?

planning unplanned Darf Kunst eine Funktion haben? Towards a new function of art in society

Symbolcover

Christine Hohenbüchler

erscheint / published April 2015

Towards a new function of art in society Seit der Finanzkrise entwickeln sich zunehmend (neue) ökonomische Modelle, die auf einem gemeinwirtschaftlichen Interesse basieren und eine Neubetrachtung unseres Wertesystems einfordern. In der Stadtentwicklung übernahmen in den letzten 15 Jahren im Kontext von Deindustrialisierung, Deregulierung und Privatisierung neben Architekten und Urbanisten zunehmend auch Künstler eine zentrale Rolle bei der Umstrukturierung. Im nun vorliegenden Buch analysiert Barbara Holub zusammen mit namhaften internationalen Praktikern und Theoretikern aus Kunst, Urbanismus, Philosophie, Anthropologie und Soziologie sowie Politikern und Verwaltungsbeamten, welche Bedeutung künstlerisch-urbane Praktiken im Kontext einer verstärkt investorenorientierten (Stadt-)Planung zukommt, und lotet die Möglichkeiten

der neuen, transdisziplinären Rolle des Urban Practitioner aus. The financial crisis has spawned a raft of (new) economic models based on cooperative interests and calling for a reconsideration of our values system. Within the context of deindustrialization, deregulation and privatization in urban planning in the last 15 years not only architects and urban planners but increasingly artists are assuming a key role in restructuring cities. In this book Barbara Holub together with international practitioners and theorists from art, urbanism, philosophy, anthropology and sociology but also politicians and administration officers explores the significance of artistic practices counteracting the investororiented (urban) planning and examines what options are offered by the new, transdisciplinary role of urban practitioner.

Barbara Holub / Christine Hohenbüchler. planning unplanned Darf Kunst eine Funktion haben? Towards a new function of art in society Editor Barbara Holub, Christine Hohenbüchler Texts Markus Ambach, Anette Baldauf, Regina Bittner, Valentin Diakonov, Stefan Gruber, Christine and Irene Hohenbüchler, Barbara Holub, Grant Kester, Torange Khonsari, Elke Krasny, Osservatorio Urbano / lungomare, Paul Rajakovics, Jane Rendell, Mick Wilson, Georg Winter, Yvette Masson-Zanussi et al. Design Rosebud, Inc. Details German / English, 208 pages, Paperback, 26 x 19 cm Euro 38,– ISBN 978-3-86984-063-5

Denkn Vormn Arbaitn Das Buch bietet einen erfrischend unpädagogischen Einblick in Kunst- und Architekturvermittlung für Kinder. Als künstlerisches Postprocessing einer mehrtägigen Auseinandersetzung mit den Themen „Architektur der Moderne“ und „Jacques Tati“ visualisiert dieses liebevoll gestaltete Buch die Abläufe und Ergebnisse, die 18 Kinder, zwei Künstlerinnen, einen Künstler und zwei Kuratorinnen innerhalb des Unternehmens EVN beschäftigten. Auf Basis der firmeneigenen Sammlung für zeitgenössische Kunst entwickeln die Kinder von

and findings that occupied 18 children, three artists and two curators within the company EVN. On the basis of the company’s own contemporary art collection the children of staff members develop new models for office culture. Perhaps an alternative to the conventional manner of viewing art? In any case an enjoyable (illustrated) read for people with a penchant for spaces and art who like to think outside the box. Mitarbeiterinnen und Mitarbeitern neue Modelle von Bürokultur. Vielleicht eine Alternative zur konventionellen Kunstbetrachtung? Auf alle Fälle eine vergnügliche Bild-Lektüre für Menschen mit einem Faible für Räume und Kunst, die gerne um die Ecke denken. The book offers a refreshing insight into art and architecture education for children that dispenses with any preachy tone. By way of artistic post-processing of an investigation of the themes of “Modern Age architecture” and “Jacques Tati” lasting several days, this lovingly designed book illustrates the processes

Denkn Vormn Arbaitn Editor evn sammlung, Maria Enzersdorf Artistic contributions Carola Dertnig, Niklas Lichti, Astrid Wagner Text Eva Maria Stadler, Heike Maier-Rieper Details German, 159 pages, Hardcover Euro 12,50 ISBN 978-3-86984-517-3

Kathrina Dankl

Produktkultur abseits von Beige, Best und Gold

Gehstöcke von Sabi

„Design Diversity“ widmet sich der Frage, inwieweit Design als Disziplin das heutige Bild des Alterns mitgestaltet. Dabei wird untersucht, ob individueller „Stil“ durch stigmatisierende Produkte gestört und somit „das Altern durch Kultur“ gefördert wird. Produkte können als aktive Vermittler von Beziehungen zwischen Menschen betrachtet werden. Dinge sind in soziale Strukturen eingebettet und fungieren als Instrumente einer Bedeutungsübertragung – durch Ererbtes, eine Geschenkkultur, ein Tauschritual oder ein Veräußerungsritual –, wie die verschiedenen Disziplinen gezeigt haben. Folglich ist eine Erkundung der Dinge und der Vorgehensweisen, wie diese das Leben begleiten, wesentlich für ein Verständnis dessen, was Altern für den Einzelnen bedeutet, und somit auch für das Design, das Menschen schließlich mit intuitiv benutzbaren und sinnvollen Produkten, Services und Systemen ausstatten möchte.

“Design Diversity” discusses the role of the design discipline in coconstructing contemporary images of ageing. It questions whether an individual “style” is interrupted by stigmatizing products and therefore supports a process of being “aged by culture.” Products can be seen as active agents, mediating relationships between people. Things are embedded in social structures and work as instruments for meaning transfer, enacted in kinship, gift cultures, exchange rituals, divestment rituals as shown across disciplines. Consequently, an exploration of the things and practices that accompany life will be essential for an understanding of what getting older means for the individual and thus for the discipline of design, which after all aims to offer people with intuitive and meaningful products, services, and systems.

Kathrina Dankl. Design Diversity. Produktkultur abseits von Beige, Best und Gold EDITOR Kathrina Dankl, TEXTS Ari Seth Cohen, Quentin de Coster, Kathrina Dankl, Joel Derksen, Gabriele Galimberti, Clara Gaggero Westaway, Claus Hansen, Barbara Heim, Helmut Herglotz, Ilyanna Kerr, Simon Kinneir, Andreas Krištof, Francesca Lanzavecchia, Franziska Mayer, Martin Meier, Ferdinand Piatnik, Peter und Rita Reisenthel, Katie Schon, Hunn Wai DETAILS German, 96 pages, numerous ills. in color, Paperback Euro 24,– ISBN 978-3-86984-535-7

Gerhard Falkner / Yves Netzhammer

Ignatien Elegien am Rande des Nervenzusammenbruchs

beunruhigenden wie berührenden Piktogrammen des 21. Jahrhunderts, sublimen Wegweisern zu den Kernfragen unserer Existenz. With this collection of “Elegien am Rande des Nervenzusammenbruchs”, poet Gerhard Falkner, whom Gustav Seibt described in Sueddeutsche Zeitung

as “one of the most magical creators of German”, transgresses all lyrical convention and wanders deep into the interior of the mind. Falkner’s “Ignatien” are accompanied by works by artist Yves Netzhammer, 21st-century pictograms that are as unsettling as they are touching, sublime pointers to the key questions of life today.

Mit dieser Sammlung von „Elegien am Rande des Nervenzusammenbruchs“ überquert der Dichter Gerhard Falkner, „einer der großen deutschen Sprachzauberer“ (Gustav Seibt, SZ), die Borderline aller lyrischen Konvention und wandert tief hinein in die Innenräume des Ichs. Falkners „Ignatien“ werden begleitet von den Arbeiten des Künstlers Yves Netzhammer, ebenso Yves Netzhammer. Ignatien. Elegien am Rande des Nervenzusammenbruchs Herausgeber Manfred Rothenberger, Constantin Lieb und Institut für moderne Kunst Nürnberg TEXT Gerhard Falkner ABBILDUNGEN Yves Netzhammer design Timo Reger Übersetzung Ann Cotten, Jeremy Gaines Details Deutsch / Englisch, 128 Seiten mit zahlreichen Farbabbildungen, Hardcover, 21,5 x 15 cm Euro 19,90 ISBN 978-3-922895-26-8

Joshua Groß / Philippe Gerlach

Magische Rosinen Die Geschichte von Mascarpone und Sahra Wagenknecht Novelle aus dem Spätkapitalismus „Eines der beeindruckendsten Debüts der letzten Jahre“ nannte der Bayerische Rundfunk den Erstlingsroman „Der Trost von Telefonzellen“ von Joshua Groß – „eine literarische Entdeckung“ vermeldeten die Nürnberger Nachrichten, einen „Coming-of-beatRoman“ der Kulturblog apfelknecht.de. Nun erscheint das zweite Buch von Joshua Groß: die Novelle „Magische Rosinen“, erneut mit Fotografien von Philippe Gerlach. Der kleinkriminelle Musikfetischist Mascarpone und die stolz-kühne Sahra Wagenknecht, furchtlose Verfechterin einer radikalen gesellschaftlichen Sehnsucht, verfallen einander und erkennen, dass Utopien durchaus real werden können. Sie machen sich auf die Suche nach den magischen Rosinen – einem Wundermittel zur Befreiung des menschlichen Bewusstseins. Ob diese magischen Rosinen überhaupt existieren, ist fraglich. Sahra Wagenknecht: „Niemand glaubt an ihre Existenz, aber jeder will sie

haben.“ Der Magnetismus, der Mascarpone und Wagenknecht verbindet, führt sie auf einen wilden Trip nach New York, wo es zum Showdown kommt zwischen unbeugsamen Surfmusikern, wilden Revolutionären und haltlosen Bösewichtern. Magische Rosinen pendelt zwischen zeitkritischen Fragestellungen und comichaftem Trash – es ist der Versuch, durch inhaltliche Überspitzung die Bedingungen gesellschaftlicher

Veränderung zu hinterfragen. Während Joshua Groß in seiner Novelle auf Untergrundmythen zurückgreift, auf Verschwörungstheorien, Splatter, William S. Burroughs, Surfmusik und Kapitalismuskritik, konfrontiert Philippe Gerlach den Betrachter mit Bildern von sturmverwüsteten amerikanischen Städten, die sich ebenso unweigerlich wie unostentativ mit der Geschichte von Joshua Groß verbinden.

Joshua Groß / Philippe Gerlach. Magische Rosinen Die Geschichte von Mascarpone und Sahra Wagenknecht Novelle aus dem Spätkapitalismus Herausgeber Manfred Rothenberger und Institut für moderne Kunst Nürnberg design Timo Reger Text Joshua Groß Fotografien Philippe Gerlach Details 96 Seiten mit 16 doppelseitigen Schwarz-Weiß-Abbildungen, Hardcover, 21,5 x 15 cm Euro 17,90 ISBN 978-3-922895-25-1

sediment Zentralarchiv des internationalen Kunsthandels e. V. ZADIK

Band 8 Euro 15,– ISBN 978-3-938821-27-5

Band 9 Euro 15,– ISBN 978-3-938821-28-2

Band 11 Euro 15,– ISBN 978-3-938821-61-9

Band 12 Euro 15,– ISBN 978-3-938821-98-5

Band 13 Euro 15,– ISBN 978-3-939738-08-4

Band 14 Euro 15,– ISBN 978-3-939738-61-9

Band 15 Euro 15,– ISBN 978-3-939738-90-9

Band 16 Euro 20,– ISBN 978-3-941185-15-9

Band 17 Euro 20,– ISBN 978-3-941185-69-2

Band 18 Euro 20,– ISBN 978-3-86984-045-1

Band 19 Euro 20,– ISBN 978-3-86984-191-5

Im Mediapark 7 D-50670 Köln Tel (0049) (0)221 2 01 98 71 Fax (0049) (0)221 2 01 98 69 www.zadik.info info@zadik.info

21 22 2013

Kasper König – die formativen Jahre

Zentralarchiv des internationalen Kunsthandels e.V. ZADIK in Kooperation mit der SK Stiftung Kultur der Sparkasse KölnBonn

sediment

Band 10 Euro 15,– ISBN 978-3-938821-25-1

ISSN 1438-9495

Band 20 Euro 20,– ISBN 978-3-86984-298-1

ISBN 978-3-86984-444-2

Band 21/22 Euro 29,– ISBN 978-3-86984-444-2

sediment Mitteilungen zur Geschichte des Kunsthandels

Heft 23 24 · 2014

Z E N T R A LA RC H I V D E S I N T E R N AT I O N A L E N K U N ST H A N D E L S Z A D I K

29,– EURO

Kasper König The Formative Years

Kasp er Kö n ig – d ie f o r m at iven J ah re

VERLAG FÜR MODERNE KUNST NÜRNBERG

Band 23/24 Euro 29,– ISBN 978-3-86984-066-6

www.vfmk.org

Bald: Die neue Website zum neuen Verlag f端r moderne Kunst / Soon: the new website for the new Verlag f端r moderne Kunst

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Titel / title: Marusa Sagadin, „Wo ist unser Niveau Herr Perrault?“, sculpture with turntable, record, rapm Wood, paint, plastic pipe, metal, turntables, amplifiers, speakers; Sculpture: 170 × 90 cm, Record/rap: 7˝, photo: Anna Barfuss Diese Seite / this page: Arnd Kaestner, aus / from: „24 Variations“, Pigmentprint 75 x 105 cm, 2013

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Deutschland Ost, West,