whynot magazine #23 by whynot magazine

ISSN 2309-4109

#23

TEXTOS Daniel Ruzo: Mozo, rock con cabernet p.56 Diana Panez: Visión tridimensional p.18 / Ahora es nunca, todo es nada p.39 Jhony Carhuallanqui: Papá Chacalón, entre la frustración y la esperanza p.52 Jorge Jaime: Richard Avedon p.43 Jorge Salcedo: De Tokio Blues a Ojos de pez abisal p.28 José Avellaneda: Nuestro lado salvaje desfallece siempre sobre terciopelos negros p.24 Kattya Lázaro: La sensualidad de Cerati p.41 Manuel Perales: Los instrumentos musicales más antiguos en el valle del Mantaro p.4 Ricardo Rodríguez: Buenos Aires, la ciudad de la furia p.9 / Tu cicatriz en mí p.36 Roberto Loayza: Biopics p.20 / Bocanada p.40 Robhert Pimentel: Internet p.23 / El vinilo está de vuelta p.30 Sandro Bossio: Ventriloquía p.16 Ulises Gutiérrez: Un hombre alado extraña la tierra p.34 ILUSTRACIONES Daniel Rojas: p.42 Steven Cerrón: p.33

« MERECES LO QUE SUEÑAS » Gustavo Adrián Cerati Clark

LOS INSTRUMENTOS MUSICALES MÁS ANTIGUOS EN EL VALLE DEL MANTARO por: Manuel Perales

En los Andes antiguos, como en muchas otras partes del mundo, la música constituyó un elemento sumamente importante en la vida de las personas, puesto que se hallaba presente tanto en actos de naturaleza pública como privada, incluyendo los distintos ritos de paso que marcaban la transición de una persona de un estatus determinado a otro. En los Andes peruanos las evidencias de instrumentos musicales se remontan a tiempos previos al nacimiento de Cristo, teniéndose como ejemplos notables de dicho tipo de artefactos a las 32 flautas tubulares horizontales con decoración incisa recuperadas en Caral y que fueron elaboradas en hueso de pelícano, así como también a los magníficos veinte ejemplares de caracolas de la especie Strombus galeatus procedentes de Chavín de Huántar, también decoradas con incisiones y que fueron modificadas para su uso como una especie de trompetas.

En el caso del valle del Mantaro, los vestigios materiales que indicarían el desarrollo de la música en tiempos precoloniales son aún bastante escasos, aunque sí tienen una antigüedad notable. En ese sentido, debe mencionarse los hallazgos hechos por Luis Cáceres, Henoch Loayza y Lucio Villanes en el sitio arqueológico de San Juan Pata en Jauja, donde estos investigadores lograron recuperar los restos de instrumentos musicales aerófonos hechos a base de arcilla, como los fragmentos de un silbato y de dos especies de “flautas de pan”. En el primer caso, el silbato reportado tiene aparentemente la forma de un camélido y contaba con al menos tres orificios. En cuanto a las posibles “flautas de pan”, éstas poseen un aspecto tabular alargado, presentando cada una de ellas dos orificios internos elaborados probablemente con cañas vegetales cuando la arcilla se encontraba aún fresca.

Según los autores antes mencionados, los instrumentos musicales que se acaban de describir corresponderían a los tiempos del periodo Intermedio Temprano, habiéndose fabricado probablemente entre los años 300 y 500 después de Cristo, en una época en la que la ganadería de camélidos era un pilar importante de la economía de las comunidades de aquel entonces, al menos hacia Jauja y la parte norte del valle del Mantaro. Como se dijo anteriormente, si bien estos instrumentos musicales podrían considerarse por el momento como los más antiguos en la región, esto no quita la posibilidad de que existan otros restos más tempranos. Por ejemplo, también en Jauja se ha recuperado hace algún tiempo una flauta tubular horizontal corta con tres orificios y hecha en hueso, en tanto que en el distrito de Chongos Bajo se ha reportado el hallazgo de un pequeño silbato negro con

la representación escultórica de un mono. La antigüedad de estos vestigios no es clara por el momento, aunque en el caso del silbato negro éste parece datar de la época Huari, dentro del periodo Horizonte Medio (600 - 1000 años después de Cristo). Como vemos, está todavía pendiente un estudio serio y profundo acerca de la música en el valle del Mantaro durante los tiempos precoloniales. Si bien dicha tarea es absolutamente viable, su éxito se ve amenazado por el saqueo de nuestro patrimonio cultural –léase huaqueo– y el tráfico ilegal de piezas arqueológicas. Definitivamente, el estudio de las prácticas musicales de nuestros antepasados constituye una excelente ventana para acercarnos a sus formas de vida y su cultura en general, así como también para construir propuestas originales que permitan renovar la música en nuestro medio.

LA CIUDAD DE LA FURIA Por: Ricardo RodrĂguez Un breve recorrido por la ciudad de Gustavo Cerati

Por: Sandro Bossio Estoy harto de esta vida de espectáculo, de aplausos hipócritas y vítores fingidos, de las flores marchitas ofrendadas después de cada función. Estoy harto del público, que fuma y goza sin siquiera entender la filosofía de mis parlamentos; harto de los apuntadores, de los iluminadores, de los guionistas; realmente harto de toda esta parafernalia sin sentido. Pero me encuentro más harto, muchísimo más, del muñeco, de ese asqueroso pedazo de madera vestido de actor, con traje de gala y corbata de pajarita, que todas las noches interpreta al ventrílocuo y me sienta sobre sus piernas para preguntarme una serie de estupideces.

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por: Diana Panez

Sí, claro, usas las gafas 3D para disfrutar una película en el cine (y algunos afortunados también en casa) pero no sabes cómo funcionan, cuándo las inventaron o a quién se le ocurrió. Yo tampoco, así que vamos, aprendamos juntos. El pionero francés de la fotografía en color Louis Ducos du Hauron, patentó en 1891 como “anaglifo” a las primeras gafas para ver imágenes planas en tres dimensiones, llamadas también gafas anaglifo, las gafas 3D que ahora usamos. Ya, sí, y ¿Cómo funcionan? Basadas en el fenómeno de síntesis de la visión binocular, ¿en español?

el efecto de ver una sola imagen a pesar de que cada ojo tiene su propio punto de vista de cualquier objeto, llamada también “fusión binocular”. Entonces gracias a la superposición de dos imágenes con colores complementarios (rojo y azul usualmente) movidas ligeramente una respecto a la otra, para percibir el efecto de profundidad entre ellas, las gafas disponen de una lente roja para el ojo izquierdo y una lente verde para el derecho, pues así llegan dos imágenes diferentes al cerebro que se encarga de fusionarlas, generando la sensación de tridimensionalidad. ¡Buen trabajo, cerebro! ¡Gracias Lou!

por: Roberto Loayza

Conforme los años pasan y notamos que vamos a seguir inundados de cine y música hasta el fin de nuestros días dejamos de lado los rankings, o la soberbia manía de tildar películas o discos de mejor o peor que tal o cual, definitivamente no sabemos nada, no hemos visto ni oído nada del total de obras que se han hecho, moriremos ignorantes. Y en esta ocasión, debido al carácter melómano que adquiere whynot magazine vamos a recordar algunas películas basadas en la vida de grandes exponentes de la música popular que se nos vienen a la mente. The Doors (1991) de Oliver Stone: Chirriante como solo Stone podía serlo, aquí nos sumergimos en un viaje de ácido con una interpretación magistral de Val Kilmer como el “Rey Lagarto”. Es cierto, mucho de lo que se cuenta en la cinta no es más que mito y leyenda, pero el filme se mantiene en buena forma, más de dos décadas después.

La Bamba (1987) de Luis Valdez: El casi desconocido Valdez realizó este correcto film para contarnos la vida de Ritchie Valens (Lou Diamond Philips) quien prácticamente inventó el Rock Latino con su versión de ese Jarocho legendario que da nombre a la película, lástima que murió bastante joven en un accidente aéreo que también se llevó a la luminaria Buddy Holly (hay una cinta, superior a ésta, con Gary Busey: The Buddy Holly Story). Gran Bola de Fuego (1989) de Jim McBride: Aún en actividad Jerry Lee Lewis (aquí Dennis Quaid) es una de las figuras que ayudó a dar forma al rock&roll, pero además de eso tuvo una vida atribulada y azarosa debido a la facilidad que tenía para meterse en problemas, como el casarse con su prima adolescente, por ejemplo. Esta cinta no ha envejecido muy bien pero Winona Ryder, en los albores de su mayoría de edad, paga el tiempo invertido.

La Vie En Rose (2007) de Olivier Dahan: Esta película hubiera pasado sin mucha gloria si no hubiera sido por que la hermosa Marion Cotillard entregó el alma al interpretar a la más grande cantante que Francia haya obsequiado. Édith Piaf y su legado son incalculables y aquí la vemos reencarnada, ni más, ni menos. Ray (2004) de Taylor Hackford: Otra interpretación notable, esta vez del oscarizado (al igual que la Cotillard) Jamie Foxx. A pesar de sus yerros y un toque de ingenuidad se ve con bastante agrado debido a su vistosidad, su elegancia, las inmortales canciones de Ray Charles Robinson y, claro, la performance principal, una mimetización casi perfecta. El genio de Georgia tuvo que lidiar con muchos demonios personales y este filme se encarga de mostrarlos.

Johnny & June - Pasión y locura (2005) de James Mangold: Parábola sobre la vida y pasión del gran Johnny Cash y su compañera de, casi, toda la vida June Carter. Una química extraordinaria en las actuaciones de Joaquin Phoenix y Reese Whiterspoon (quien se “roba” el show) en una película bastante decente sobre el hombre de negro que agarraba la guitarra como un fusil. Bird (1988) de Clint Eastwood: Dejamos para el final esta joya no tan conocida del maestro Eastwood sobre la trágica vida de Charlie Parker, uno de los más grandes músicos de jazz que hayan existido. Si Cortázar nos hubiera acompañado unos años más hubiera disfrutado hasta el éxtasis con la soberbia interpretación de Forest Whitaker como ese hermoso y triste “pájaro” silbador.

Internet

Si en el PerĂş vivieran solo 100 personas, habrĂan: 61 39 usuarios Fuente: Indicadores del desarrollo mundial 2013. Grupo del Banco Mundial

Durante aquellas noches de amor y destrucción, de pasiones absurdas y alucinaciones nihilistas, alguien colocó All tomorrow’s parties e hice una pausa. Probablemente empecé una especie de éxodo introspectivo en el que adivinaba e inventaba frases mientras dejaba que ese martilleo sobrecogedor y sombrío, alimentado por la voz de Nico y los rasgueos infrecuentes de guitarra que se asemejaban a lijas tratando de destruirla, hagan su trabajo. Era la primera vez que escuchaba a The Velvet Underground y ya me había perdido en ese fluido etéreo pero vigorizante, era de ese tipo de canciones que puedes poner al despertar con resaca y tener la convicción de que sigue siendo un día perfecto. Así empecé mi viaje con Lou Reed. Desnudé mi alma una vez más ante Berlin, su tercer álbum ya en solitario y el menos caótico, pues entre la profundidad de sus composiciones y sus ácidos susurros, capaz de escupir los poemas más brutales del rock and roll, yo encontré parte de mi tao. Luego de eso, sólo

puedo decir que escuchar a Lou Reed y leer a Bukowsky es el mix perfecto para cualquiera que quiera desmitificar a la humanidad, a entender que todos somos personajes extraños como aquellos ángeles caídos que habitan los versos de Lou en canciones como Run,run,run o Walk on the wild side. En la decadencia urbana habitamos, es por eso tal vez que escuchar a Reed es tan atemporal como ácida y tan ácida como energizante, es entrar al lado más salvaje y de pronto encontrar atmósferas mucho más tórridas, suficiente como para quitarle el veneno a los días oscuros. Acuérdate de este track list: ‘Coney Island Baby’, ‘Perfect Day’, ‘Heroin’, ‘Berlin’, ‘The Bed’. A un año de su partida probablemente debería mencionar de cómo revolucionó el rock and roll o sobre su influencia inagotable en la música, el teatro, el cine, etc. pero no. Esta es mi versión de Lou Reed y cada quien tiene la suya, es un suceso inevitable que afecta a los artistas más cercanos. (José Avellaneda)

«No quiero cumplir los 30 años, por eso dibujo como niño. Soy publicista aunque a veces mantengo un poco de ética. Estudié diseño gráfico desde los 15 años y ahora soy director de arte para una agencia de publicidad española».

DE TOKIO BLUES A OJOS DE PEZ ABISAL por: Jorge Salcedo

Ojos de pez abisal de Ulises Gutiérrez y Tokio Blues (Norwegian Wood) de Haruki Murakami, son dos novelas esencialmente ligadas a la música. En la novela de Murakami, por ejemplo, Toru Watanabe, un ejecutivo de 37 años, escucha casualmente mientras aterriza en un aeropuerto europeo una vieja canción de The Beatles, y la música le hace retroceder a su juventud, al turbulento Tokio de finales de los sesenta. Toru recuerda, con una mezcla de melancolía y desasosiego, a la inestable y misteriosa Naoko, la novia de su mejor —y único— amigo de la adolescencia, Kizuki. El suicidio de éste les distancia durante un año hasta que se reencuentran en la universidad. Inician allí una relación íntima; sin embargo, la frágil salud mental de Naoko se resiente y

la internan en un centro de reposo. Al poco, Toru se enamora de Midori, una joven activa y resuelta. Indeciso, sumido en dudas y temores, experimenta el deslumbramiento y el desengaño allá donde todo parece cobrar sentido: el sexo, el amor y la muerte. La situación, para él, para los tres, se ha vuelto insostenible; ninguno parece capaz de alcanzar el delicado equilibrio entre las esperanzas juveniles y la necesidad de encontrar un lugar en el mundo. Ojos de pez abisal, la novela de Ulises Gutiérrez es una historia con muchos significados y cuyo eje central es la música. Ojos de pez abisal es una bella historia de amor pero también de esperanza en medio de la oscuridad, todo ello acompañado de un inmejorable soundtrack.

Un viejo ritual

Desde hace algunos años, el disco de vinilo está teniendo un considerable aumento, tanto en difusión como en ventas. Algunas personas encontraron en el vinilo una forma distinta para escuchar música. Otros atraídos por lo vintage, por su sonido o por el ritual de poner la aguja sobre el vinilo y despertar sensaciones perdidas. Así no todo se reduce a la música, sino a interactuar con ella.

¿Cómo se hacen? Después de grabar y mezclar con tecnología análoga, se transcriben copias literales de las ondas sonoras en discos de aluminio.

Estos discos tienen protuberancias que a través de estampadoras, moldean las ondas sonoras en las ranuras de los discos de vinil.

Importancia de la aguja

La aguja recoge las variaciones de frecuencia acústica de los bordes de las ranuras para crear sonido cuando el disco gira.

Surcos ampliados

La inscripción de las ondas de sonido se pueden ver dentro de los surcos de los vinilos.

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Sonidos fluidos

La amplitud (grado de movimiento de las moléculas de aire en la onda de sonido) en un sistema analógico es suave e ininterrumpida, lo que resulta en un sonido sin comprimir. por: Robhert Pimentel

Jules Worms. ParĂs, Francia. Siglo XIX.

UN HOMBRE ALADO EXTRAÑA LA TIERRA Por: Ulises Gutiérrez

Me habían robado todo. Eran como las diez de noche, acababa de llegar a Lima desde Huancayo después de casi cinco meses por causa de una huelga en la UNI, y en mi pequeño cuarto alquilado de estudiante, en El Retablo (Comas) sólo quedaban unos cuantos libros en el suelo, una silla y un colchón. Pregunté a los vecinos qué había pasado y como siempre, nadie sabía nada, nadie había visto nada, nadie había oído nada; aún no terminaba mi primer día en Lima y ya me había quedado sin cama, sin mesa, sin habitación. Era setiembre de 1988, me acuerdo, mes y año del “paquetazo” que nos mató de hambre e hiperinflación; pero también, mes y año del lanzamiento del Doble Vida de Soda Stereo. Lo recuerdo porque aquella noche, echado sobre el colchón frío y sin frazadas, mirando el vacío gigante de aquel rincón de Lima, desde el pequeño radiograbador que había traído conmigo desde Huancayo, llegó “La ciudad de furia”. Me verás caer como un ave de presa/me verás caer sobre terrazas desiertas. Me prendí de las letras. En la oscuridad de las cuatro paredes, maldiciendo mi suerte y mi pobreza, preguntándome qué iba a hacer mañana, dónde iba a dormir, qué iba hacer sin dinero para comprar mis cosas, me llegó aquella melodía dramática, conmovedora y tan real para mí. Me verás caer como una flecha salvaje/me verás caer entre vuelos fugaces. Sonaron también “Lo que sangra”, “Día común”, “Corazón delator”; lo último de Soda Stereo, como anunciaba el de la radio y sentí lo mismo. ¿Cuál es el mejor álbum de Soda? Para mí es el Doble Vida porque aun hoy, cuando alguna de esas canciones me atrapa en la oscuridad de un pub, en la pantalla de un karaoke, en el concierto de una discoteca, me acuerdo de aquella noche como el abrazo autista de la soledad, la música y la poesía. La pobreza, el arte y yo solos. Me verás volver. Un hombre alado extraña la tierra.

por: Ricardo RodrĂguez

Entre interminables conversaciones un amigo me decía: “Lo único seguro que tenemos al nacer es la muerte, es hacia dónde todos nos dirigimos”. Y es ahí, cuando sucede, que la permanencia de nuestros actos en este mundo se quedará viajando en los espacios de la memoria: de cuatro, cinco o miles de personas. Cerati, terminó un largo sueño el 4 de setiembre, esa mañana cuando vivíamos las últimas semanas de invierno, los celulares comenzaron a sonar; llamadas y mensajes de texto entre las personas que se querían, que compartían un pasado, perdimos parte de nuestras vidas, Gustavo había dejado de respirar, lo sentíamos tan personal, como el tío que se va, el primo que no regresa, el hermano que no escucharás. Entre la poca concentración y el trabajo imaginaba el debut de Soda Stereo, con todos esos televisores como fondo del escenario con la imagen intermitente al no recibir ningún canal, que luego se apagarían uno a uno, de a poco, hasta apagar el último esa mañana.

Cerati fue el principal artífice del éxito de Soda, con el constante cambio de concepto de disco en disco, con no repetir las mismas fórmulas, todo gracias al espíritu inquieto por alterar los sonidos, la búsqueda para deshacerse de lo convencional, por desear y anhelar eso a lo que llamamos y usamos como cliché: “Evolución musical”. Sólo que lo de Gustavo nunca fue un cliché, si recorremos la discografía de Soda Stereo y luego por su carrera solista, encontramos a muchos artistas dentro de un solo cuerpo. Los primeros discos de Soda, si bien guardaban éxitos que desataron la “sodamanía” en Latinoamérica con canciones que toda una generación bailó, cantó y saltó; muchas de ellas no terminaban de ser obras de mayor trascendencia musical, pero donde podían reconocerse recursos que luego se convertirían en base para la historia del grupo con mayor éxito y trayectoria en nuestra región. Confieso que la etapa que más me gusta de Cerati es la que viene a partir de Colores Santos. Un disco interpersonal y cósmico, con-

cebido junto a Daniel Melero, significó el cambio más importante de su carrera en 1992. “Me parece que una de las mejores cosas que observé es que la música, lo que produjo este disco, los entusiasmó a Charly y a Zeta también muchísimo. O sea: fueron los primeros fans de lo que pasó” (Cerati en primera persona). A partir de ahí vendría lo mejor de Soda: Dynamo y Sueño Stereo. El primero podría entenderse como el mejor disco de Soda, y Sueño Stereo sería la continuación del punto creativo más alto de la banda. La historia de Soda con la separación que todos conocemos, llegó después de un inclasificable Unplugged para la cadena MTV, esta presentación sirvió para escuchar algunos temas nuevos y versiones que rozarían el cielo, como “Té para tres”, con el solo de “Cementerio Club” de Spinetta y “Génesis” de Vox Dei, donde quedó registrado una de las mejores ejecuciones de Gustavo en la guitarra. Después de Colores Santos, y entre la producción de Soda, Cerati inició su etapa solista,

que terminaría con 5 discos en estudio: Amor Amarillo, Bocana, Siempre es Hoy, Ahí Vamos y Fuerza Natural. Además de 11 Episodios Sinfónicos, proyecto que llevó a los arreglos de viento y de cuerda la música de este espíritu inquieto. Cada álbum fue muy diverso, el concepto de los discos estaban alejados uno del otro, y es ahí donde escuchamos la etapa más madura del músico argentino. Hablar de lo que hay en cada una nos demandaría mucho tiempo y espacio. Títulos como: “Puente”, “Verbo Carne”, “Bocanada”, “Raíz”, “Me quedo aquí”, son pequeños latidos de los más de 100 títulos que llegó desde ese corazón creativo. (¿Y por qué no, delator?). Quizás, cabría decir que Gustavo, en su individualidad compositiva creó con su carrera emociones que sobrepasan la trascendencia musical, influyó en toda una generación, a nivel, poético, sonoro y melódico, se situó en lo más alto del rock latinoamericano, a la altura de Luis Alberto Spinetta y Charly García, siendo este último el único vivo de ese trío de genialidad desbordante. Gracias Gustavo. Gracias por venir.

AHORA ES NUNCA,

TODO ES NADA

Con doce años iniciaba el primer año de colegio, mi primer mejor amigo: el minicomponente. Refugiada en la música de los primeros síntomas de la pubertad escuché mucho, de todo, desde los vinilos de Steve Wonder de papá, hasta los casetes de rancheras de mamá. Debo agradecer a ambos. Es así que mientras mis compañeritas del colegio de “señoritas” donde estudiaba empezaban las primeras páginas de sus historias de amores furtivos con Octavio o Juan, yo conocí a Gustavo. Porque escuché que me llevaría para que lo lleve, y me dejé llevar; pues me insinuaba de que ese algo entre él y yo era único y le creí; porque llegó justo a tiempo, para rescatarme de la realidad y distraer a la

pubertad. Ahora estoy segura, el soundtrack de mi pubertad tenía color: Amarillo. El poco anunciado disco (que pretendía no alarmar a los fans de Soda) publicado en 1993, tiene a un Cerati experimental, electrónico y natural. Un disco necesario, un disco dedicado a Benito, que incluye Pulsar, canción armada a partir de los latidos del corazón de su hijo, aún en el vientre de Cecilia. Además de Lisa (el nombre de su segunda hija) que en Amor Amarillo hace referencia a un pez. Gustavo me previno en acordes sobre las falsas sombras de la noche y me ayudó a colocar los rombos en mi habitación. Y es verdad. (Diana Panez)

Siendo fan a muerte de la vertiente del rock “Argento” de Spinetta, Charly y Fito, la música de Cerati con los Soda nunca llamó mi atención, ya que prejuiciosamente los colocaba en el mismo saco de gente como los Enanitos Verdes. Con el tiempo y el disco Sueño Stereo esa percepción cambió por completo. Sin embargo no me esperaba que el advenimiento del disco que marcó oficialmente la ruptura de la “Trilogía del Rock” fuera una de las mejores obras que haya salido por mis audífonos. Bocanada vio la luz en 1998 y desde la locura percusiva de “Tabú”, pasando por el bolero trip hop que da nombre al disco (…en la esfera vagamos indiferentes por el espacio que dejó), la bellísima y poética “Puente” (… desordené átomos tuyos para hacerte aparecer), el desarmante “Perdonar es Divino” (… si en mis ojos hay diluvios en los tuyos leo destino) y la aterradora y celestial “Verbo Carne” (… pequeño Cristo 3D, ¿podrás salvarme ésta vez?). Setenta minutos de un viaje inolvidable con lluvia electrónica, exquisito pop y ese genio rockero; firma indeleble de un enorme cantante, eximio guitarrista y brillante compositor que decidió cruzar ese anhelado puente no hace mucho, dejándonos a su legión de fans una herida que no deja de sangrar. (Roberto Loayza)

LA SENSUALIDAD DE CERATI El Perú de los ochenta estuvo marcado musicalmente por el rock subte, música de protesta y anarquista, reflejo de la situación política que pasaba nuestro país. Paralelamente, desde Argentina un greñudo Gustavo Cerati presentaba, junto a Soda Stereo, una propuesta diferente; su música era coqueta, muy guitarrera, colindando entre el rock y el pop, texturizada con su voz. Ya como solista la sensualidad de sus canciones era parte de su sello personal. Imposible negarle un paseo inmoral. Bajo un riff de guitarra electrónica comulgan juntos el deseo, la seducción, el placer y la libertad del cuerpo (esa que perdió en 4 años de coma). Desde las entrevistas a los shows en vivo, Cerati era un seductor consciente de su capacidad para conquistar. La figura del hombre en llamas, “herencia” del iconoclasta Charly García y la poesía de Spinetta acompañaron su trabajo hedonista, buscó siempre la perfección del sonido, el placer, inmerso en un imperio (de los sentidos musicales). Primó en él las formas estéticas, influencia de su educación como publicista. Gustavo Cerati nos ha enseñado a desear, más nunca sabremos el desenlace de aquel continúa del videoclip Deja Vu, pero ya que, solo sabemos que “La poesía (su música), es la única verdad, sacar belleza de este caos es virtud” y sí que lo ha logrado. (Kattya Lázaro)

« ME PASÉ LA VIDA IMAGINÁNDOTE, NO ES MOMENTO PARA SER COBARDE » Gustavo Adrián Cerati Clark

RICHARD AVEDON (Nueva York, 1923 – Texas, 2004) Fue uno de los más importantes retratistas del siglo pasado, nadie como él para desentrañar la psicología y profundidad emocional de sus personajes en fotografías poderosas, a pesar de sus “fondos neutros”, que se convirtieron en su sello personal.

Richard Avedon, autorretrato. Provo, Utah, Estados Unidos. 20 de agosto de 1980.

Sean Penn, actor. San Francisco, Estados Unidos. 2004

Dovima, modelo. Cirque d'Hiver, Paris, Francia. Agosto de 1955.

Ezra Pound, poeta. Casa de William Carlos Williams, Rutherford, Nueva Jersey, Estados Unidos.30 de junio de 1958.

Bob Dylan, mĂşsico. Central Park, Nueva York, Estados Unidos. 10 de febrero de 1965.

John Lennon, Paul McCartney, George Harrison, Ringo Starr. The Beatles. Londres, Inglaterra. 11 de agosto de 1967.

Marilyn Monroe, actriz. Nueva York, Estados Unidos. 6 de mayo de 1957.

«Entera Celebración; libro de poesía amatoria que viene a ser una isla solitaria en un mar donde muchos pierden la brújula.» Gerardo Garcíarosales

la esperanza รณn y i c a r ust la fr por: Jhony Carhuallanqui e r t en

En los sesentas Lima estaba poblada por poco más de un millón y medio de habitantes y hacia los noventa ya superaba los seis millones en lo que se ha considerado, un galopante, desesperante y asfixiante crecimiento poblacional que irrumpió en cerros y arenales para convertirlos en refugios de migrantes que, impulsados por el deseo de superación (primero) y asustados por la violencia interna (luego), convirtieron a la capital en una literal “Lima, la Horrible”, aunque no precisamente en la idea de Salazar Bondy. Esta situación originó varios fenómenos sociales, en los que destaca la apropiación y fusión de ritmos musicales como el surgimiento de la música Tropical Andina o simplemente la música Chicha que no es otra cosa que la cumbia colombiana interpretada vocal e instrumentalmente al estilo andino, ese estilo cargado de sentimiento contagiante que es igual de apasionado en la alegría como intenso en el sufrimiento.

Los Destellos, Los Shapis, Los Mirlos, el Grupo Guinda (por mencionar algunos), alborotaban improvisados escenarios como estacionamientos, canchones, lozas deportivas, plazas, mercadillos, coliseos y estadios que, se convertían en el limbo de obreros, “natachas”, ambulantes, emolienteros, desempleados y desesperados que exhalaban la nostalgia a ese terruño tan distante y presente que sólo Lorenzo Palacios Quispe, Chacalón, canalizaría a través de sus interpretaciones, “cuando Chacalón cantaba, los cerros bajaban”. Los locutores lo bautizaron como el “Faraón de la Cumbia”, provenía de la Victoria, del cerro San Cosme y representaba “al muchacho provinciano que se levanta bien temprano con sus hermanos para ir a trabajar”, representaba la rara dicotomía de frustración y esperanza de sus simpatizantes, representaba a las barriadas, asentamientos humanos o pueblos jóvenes donde entre piedra, arena y esteras se había enraizado la “nueva Lima”, la Lima del

migrante que escapaba de su martirio abstraído en su melodía, no en vano su entierro congregó a cerca de 60 mil admiradores, con aires de devotos. Este estilo musical se vinculó a la violencia, producto de los frecuentes botellazos con los cuales terminan las disputas de amor afloradas, y es que el amor traicionero traía tanto sufrimiento que los “achorados” bailando simulaban con el dedo índice portar “chavetas” que terminaban rasgando la muñeca para figurar la insignificancia de la vida sin el ser amado mientras gritaban desentonados: “Que dolor siento en mi corazón, es por ti, te quiero amor, te quiero…”. Para algunos representaba la sumisión a Chacalón que ante situaciones como estas, no dudaba en dar un sermón, con carajos incluido. Fue “aguatero” de burdel, “campana”, lustrabotas, humitero, “pájaro frutero”, ayudante de cocina, de zapatería (un “mil oficios”).

Estuvo en la cárcel y amó a una sola mujer, Dora Puente, tuvo 7 hijos y su nombre artístico fue casual, porque Alfonso Escalante (uno de sus catorce medios hermanos), era vocalista del Grupo Celeste y se hacía llamar Chacal, tras su renuncia, Lorenzo sería su reemplazo: “si tu hermano era chacal, entonces tú serás Chacalón”, pues era más “llenito”; posteriormente dejó el grupo para fundar La Nueva Crema. Años previos, incursionó sin éxito en la música folklórica como “Chinito de los Andes”, interpretando canciones de Víctor Alberto Gil Mallma, “Picaflor de los Andes”. Hoy la música de marginales o migrantes se impone en todas las clases sociales (si existen) y forma parte de esta extraña identidad que es la peruana, donde Chacalón no fue el único, pero fue uno de los insignes representantes que ayudó a hacer más digerible la indiferencia de la Lima racista que hoy disfruta esta melodía plenamente.

Porque no sabemos con quĂŠ personajes nos vamos a encontrar Conducido por Jorge Salcedo

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por: Daniel Ruzo

Dicen que la lengua es un órgano torpe, capaz de detectar sólo cinco sensaciones de sabor: dulce, salado, amargo, ácido y umami (sabroso en japonés). Pero la gente cree que la lengua es muy sensible, al fin Mistura entra por la boca, ¿verdad? La realidad es que el ‘gusto’ comienza inhalándose por la nariz (según los científicos el 90%). Y eso que no estamos considerando la vista, que muchas veces es la primera en reconocer lo que se acerca al olfato. Al servir vino, primero examinamos el color, luego olemos y recién catamos. Si la cristalería, la temperatura o los perfumes afectan nuestra percepción del sabor de un vino, ¿por qué no la música? Wine Enthusiast, aconseja degustar vinos de Burdeos con música clásica por su armonía y balance; o escuchar rock clásico bebiendo Shiraz australiano, por su profundidad y cuerpo. El reconocido chef Joe Bastianich de

Nueva York ofreció una cena de seis tiempos, maridando platillos, vinos y canciones de Led Zeppelin. Instó a ‘degustar con sus oídos y escuchar con sus bocas’. En California, la bodega Notaviva, cree haber redefinido la experiencia vinícola. Produce un Voignier fermentado en toneles de acero, con notas cítricas, vivaz y ligero, que conjuga bien con guitarra acústica; mientras otro Voignier fermentado en barrica, más complejo y suave, sabe mejor con música New Age en piano. Un estudio en la Universidad Heriot-Watt anotó que al tomar vino escuchando la ópera “Carmina Burana”, la descripción era de ‘potente e intenso’; otro grupo que escuchaba el “Cascanueces” de Tchaikovsky describió el mismo vino como ‘sutil y refinado’. Concluyeron que la música tenía un efecto consistente en la percepción de los vinos. Por supuesto que hablamos de lo más subjetivo de nuestro ser, experimentemos y salud.

Dirección y Fotografía

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AGRADECIMIENTOS Manuel Perales, Ricardo Rodríguez,

Sandro Bossio, Roberto Loayza, José Avellaneda, Jorge Salcedo, Steven Cerrón, Ulises Gutiérrez, Kattya Lázaro, Daniel Rojas, Daniel Ruzo, Ronald Inga.

Portada: Josué Sánchez Cerrón Contraportada: Jorge Jaime Valdez Administración

DIANA PANEZ

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JHONY CARHUALLANQUI jhony@whynotmagazine.pe

TIPOGRAFÍA Títulos: Chelsea (sans-serif). Creada por Antonio Rodrigues Jr. www.antoniorodriguesjr.com Revista bimensual - Tiraje 5000 ejemplares Precio de venta: S/.2.00 FREMC Inversiones E.I.R.L. www.whynotmagazine.pe - f/whynotmagazine Huancayo - Perú / 2014

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