Edicion 15

revista

FEBRERO 2015 / ED. 15

DESDE ADENTRO/ COLORIZACIÓN: TEXTURA y color

7+1: ALGO MÁS QUE CINE/ whiplash: al ritmo de los golpes y la obsesión

RESEÑAS/ still alice: el arte de perder maps to the stars

JULIANNE MOORE

EDITORIAL

la grandeza que no vio el oscar A tan solo unos días de la ceremonia de entrega de premios de la Academia edición 87ª, el "gremio" cinéfilo comienza a perder la cabeza, ya muchos tienen a sus favoritos, sus predicciones y hasta surgen concursos alrededor del evento, sin duda la entrega de los premios Oscar es una de las más famosas pero entre tanto ruido salta una pregunta: ¿Son realmente tan importantes éstos premios? veamos un poco atrás y juzguen ustedes mismos.

Piensa en algunos de los directores más importantes de la historia del cine, quizá ¿Ingmar Bergman?, ¿Alfred Hitchcock?, ¿Akira Kurosawa?, ¿David Lynch?, ¿Stanley Kubrick? o quizá ¿Charles Chaplin?, por mencionar algunos. ¿Estamos de acuerdo en que son algunos de los más importantes directores en la historia del cine? y éstos señores no solo comparten ésta categoría sino que también comparten una singular característica: ninguno de ellos ganó nunca un Oscar por su dirección. ¿Curioso no? Vamos a ver un poco más: Charles Chaplin: Su labor como cineasta es de las más brillantes que podemos encontrar, un artista completo en todo el sentido de la palabra, sin embargo su filmografía no cuenta con ningún Oscar ni como director, ni como actor ni como guionista. Un Oscar honorifico años mas tarde, un reconocimiento que viéndolo desde éste punto de vista a mi me parecería casi ofensivo y un Oscar por la música de Candilejas.

Stanley Kubrick: Con solo trece títulos en su filmografía, Kubrick abordó una gran variedad de géneros que además marcaron un antes y un después, sin embargo, solo en 1969 ganó un Oscar ¡POR EFECTOS ESPECIALES! de su película (que hoy en día es toda una referencia) 2001: Una odisea espacial.

Orson Welles: Hablemos solo de su opera prima "Citizen Kane" considera como la mejor película en la historia del cine si embargo en su momento, a pesar de estar nominada n las categorías de mejor película y mejor director, solo obtuvo el premio a mejor guion, premio que se convirtió en el primero y último para éste gran director. ¡Qué verde era mi valle! (How Green Was My Valley) de John Ford, fue la responsable de arrebatarle el galardón en las categorías a mejor director y mejor película.

Ingmar Bergman: Hoy en día es considerado uno de los directores mas influyentes, con grandes producciones icónicas como lo son El séptimo sello y Fresas Salvajes (entre muchas otras), pero, a pesar de esto nunca pasó de ser un nominado en la academia, solamente le fue otorgado un Oscar honorífico en 1971.

la información que logra alcanzar la altura necesaria para ser vista, debe pasar por un filtro totalmente convenenciero

Podría seguir con una lista tremenda de directores que hoy son grandes columnas del séptimo arte y que sin embargo no obtuvieron nunca éste premio, puede usted darse a la tarea de indagar un poco más sobre el asunto y sin duda quedará con la boca abierta. Entonces, quizá podamos responder a la interrogante: ¿Son los Oscar tan importantes para el séptimo arte? ¿Cuál ha sido su huella? ustedes deciden.

Eileen Gamboa Navarro Directora editorial www.revistazona7.com

CONTENIDO 7+1: ALGO MÁS QUE CINE/ whiplash: golpes y obsesión 6 precisión mortal: héroe o villano? 8 DESDE ADENTRO/ la colorización: textura y color 10 BIO 7/ julianne moore 18 still alice: el arte de perder 22 ZONA TERROR/ american mary 24 CINE ASIÁTICO/ORIENTAL the heroic trio 26

DEL CINE A LA REALIDAD/ the interview 30 ANIMACIÓN/ makoto shinkai 34 MUSICA EN EL CINE/ the hours 38 ARCHIVO 7/ stan brakhage 42

EXTRAS maps to the stars 28 cuando pasan las cigueñas 37 hannibal 40

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7+1: ALGO MAS QUE CINE Tú, sí, el que lee este artículo, te pregunto: ¿eres el mejor en lo que haces? Te debo de decir “buen trabajo”. ¿Has detenido tus sueños por algo o alguien más?, ¿cuánto te has obsesionado por ello?, siempre nos pasa en la vida diaria, pero me di cuenta que a veces no reaccionamos ante esos golpes o elecciones que nos da la vida, destino o como lo quieras llamar y tiempo después nos arrepentimos.

Pero creo que todos necesitamos un maestro como Terence Fletcher, ya que todos somos Andrew Neyman. ¿No lo crees?

Una película del año 2014 que ha dado de qué hablar en este 2015, y que lleva buen camino para los Oscar. Cinta estadounidense de música –jazz– y mucho drama, escrita y dirigida por Damien Chazelle. La historia del filme nos cuenta la vida de Andrew Neyman (Miles Teller), un baterista joven y prometedor que se matricula en el conservatorio de música feroz donde sus sueños de grandeza son cuidados por Terence Fletcher (J.K Simmons), un director de música y villano perfeccionista que no se detendrá ante nada para darse cuenta del talento potencial de un estudiante. ¿Por qué te hablo de “Whiplash”? Cabe destacar que fue aclamado por la crítica en su estreno en la noche de apertura del Festival de Cine de Sundance 2014, y que para este servidor es una lección de vida –sí, es que no quieres escuchar los sermones de papá y mamá y quieres que la vida te golpee en las pelotas o mente como no tienes idea– siempre he dicho que las respuestas –a veces– de la vida están en las películas o las mejores frases que podemos ocupar con la gente a nuestro alrededor. “Whiplash” nos da una sintonía de desesperación, de asfixia, y el ritmo nunca baja o se detiene; necesita de una agresividad para sostener la nota y el tiempo que el villano quiere, y necesita para contar una historia desgarradora –el villano es la vida misma o las situaciones–, el tiempo será crucial para que la nota no se pierda en el trayecto.

Pero esa obsesión de Fletcher por presionar a sus estudiantes para sacar lo mejor de sí, ¿es sana o insana?

A veces, para conseguir lo que más quieres, tienes que dejar algunas cosas…

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-NO HAY DOS PEORES PALABRAS EN NUESTRO IDIOMA MÁS DAÑINAS QUE "BUEN TRABAJO".

Les compartiré algo y es que para llegar a donde estoy ahorita fue difícil, tenía muchos sueños que poco a poco se van cumpliendo y es que en mi vida tengo un Terence Fletcher –mi padre, pero no tan violento como el de la película, aunque sí fuerte con sus palabras–. Para mí, esta cinta es un aprendizaje de vida y que nos ayuda a ordenar lo que en realidad queremos de ella. ¿Cuál es tu sueño frustrado?, ¿cuál fue tu meta realizada por la cual lloraste?, ¿te ha dado un gran golpe la vida?

Para todos aquellos que ya vimos la película, quise adaptar un poco la escena de la cachetada como si Andrew y Fletcher estuvieran ensayando solos y cabe decir que el resultado puede ser mayor y más enérgico.

AL YL

REVISTA ZONA 7 ¡CON ESA BOFETADA APRENDERÁS A NO ARRUINAR MI BANDA! -El maestro Terence Fletcher se acerca a Andrew¿Por qué supones que te arrojé una silla, Neyman? -Andrew le contesta- No...No sé -seguro que sabes- responde Terence. ¿El tiempo? -dice Andrew-. ¿Te estabas acelerando o estabas lento? -con un tono grave sostiene las palabras Terence- No...No sé -algo preocupado por la respuesta Andrew le responde a Terence-. Es ahí cuando Terence le pide que comience a contar.

Andrew comienza a contar -Cinco, seis-. En eso, una mirada se hace presente en el rostro de Terence, y abofetea a Andrew y le grita -¡En 4, maldición! ¡Mírame!

Un dos tres cuatro, un dos tres cuatro, un dos tres cuatro -sigue contando-. Ahora, ¿Te estabas apurando o estabas lento? -pregunta Terence a Andrew-. No sé -responde Andrew-, es entonces que Terence le pide de nuevo al joven contar. Cuando termina de repetir dos veces la secuencia el maldito maestro le pregunta -¿Acelerado o lento?-. Seguro de sí mismo, Andrew le responde a Terence- Acelerado.

Con un tono de voz grave Terence le dice a Andrew -¡Ah, entonces sabes la diferencia!. Si deliberadamente arruinas mi banda te mataré como a un cerdo. Ahora, ¿eres un acelerado o un lento? ¡¿O VAS A TOCAR A MI MALDITO TIEMPO?!.

A ti te agradezco lector, por leer estas palabras, por tomarte un poco de tu tiempo y recomendar esta y las secciones de este pequeño mundo que enmarca palabras del cine.

Pero necesito que me digan, ¿iba lento o rápido?, ¿sentiste mis palabras reales o falsas?, ¿qué quieres de la vida?, ¿has

sentido el calor e impacto de una verdadera cachetada?, puedo preguntarte muchas cosas y sabrás o no darme respuesta, pero te digo que esas “pequeñas” opciones que nos da la vida, son las cuales nos definen como personas. Presiónate a tu manera y para decir siempre ante los obstáculos: “Lo real es que siempre soy yo y siempre día a día peleo…”

La obsesión y pasión es buena, pero siempre debe de mostrar respuestas positivas, nunca negativas. Un guion increíble en pantalla grande, con brillantes actuaciones que desafía tu lugar en el asiento y que sirve para catapultar tu adrenalina hasta el final, solamente tienes un momento de respirar y recuperarte, ya que todo esto gira en torno a una canción y ritmo, el cual tarde o temprano llega a su fin.

Si has llegado hasta este final, cabe decir que siempre trato de ser exacto con mis palabras y apoyarme de algunas otras.

Pero cuando de consejo se trata soy el más amenazante, más peleador y agresivo – consejos buenos, nunca malos– de nueva cuenta agradecerte por leer este artículo y te digo a ti lector o lectora…

“BUEN TRABAJO”

L RITMO DE LOS GOLPES LA OBSESIÓN 7

7+1: ALGO MAS QUE CINE

“Déjame hacerte una pregunta, Chris… ¿Te sorprenderías si te dijera que la marina te ha adjudicado más de 160 muertes? ¿Alguna vez piensas que puedes haber visto cosas o hecho cosas allí que desearías no haber hecho?” ¿Cuál es su definición de héroe?

Muchos dirán que es alguien con superpoderes, fuerte, que use máscara o venga de otro mundo. Pero que tan alejados estamos de estas palabras dichas por el director de esta cinta, Clint Eastwood: “Creo que un héroe es alguien que va más allá de sólo ayudar a sus compañeros en la batalla; más bien es alguien que salva a una persona de un edificio en llamas”. Cualquiera podría ser la definición de héroe, pero ¿cuál es la definición de villano?, creo que aquél que con una sola bala puede matar a 160 personas o más –disculpen, esa no era la definición de villano– era llamarlo “patriota”. ¿De qué trata “American Sniper” o Francotirador?, esta cinta es dirigida por Clint Eastwood y protagonizada por Bradley Cooper y nos cuenta la historia de Chris Kyle, el tirador más letal en la historia de la milicia estadounidense. Te preguntarás, antes que nada: ¿Quién es Chris Kyle?, fue el autor de 160 muertes de casi 255 probables. Tras haber sobrevivido cuatro turnos de servicio en Irak, el 12 de Febrero de 2013, fue asesinado al recibir un disparo en un campo de armas cerca de su casa, en Texas, por parte de un marino problemático al que había ayudado antes. Si quieres saber más de este personaje y soldado SEAL 8

REVISTA ZONA 7

PRECISIÓN MORTAL: ¿HÉROE O VILLANO? checa la autobiografía American Sniper: The Autobiography of the Most Lethal Sniper in U.S Military History.

Luego de ya leer lo de arriba y conocer más del letal francotirador Kyle que lleva en ejecución esta película e historia verdadera, vamos a ir desde lo más importante, el director que estaría a cargo del proyecto antes de Eastwood y el protagonista y un punto de vista de este servidor. Pero te lo digo –y no es para sorprenderte–, no puedo definir este filme como tal, ya que esta película en lo personal me genera un conflicto, no me muestra un héroe como tal, ni un villano; la película es muy patriota y muchos no van a encajar bien con esta cinta.

Originalmente Steven Spielberg estaba a cargo de la dirección de este proyecto, pero en la preproducción este lo dejó y fue reemplazado por Clint Eastwood, quien imaginó la historia como si fuera un western. Pero esta película nos engaña de tal forma que nos muestra valores y una esencia de tranquilidad e historias, de los soldados durante la guerra que quizás uno nunca entienda, y el espectador como tal. La película no se estanca ahí, en ese precipicio de moralidad y decencia.

Y no digo que eso sea malo, pero esta película necesita llevar un ritmo más allá del ya mencionado.

Creo que Clint Eastwood tenía que recorrer también “los demonios” de los soldados y aquí sabemos para dónde va la cinta, nos muestra las cicatrices y todos los delirios, culpabilidades, odio, furia

y el lado oscuro de estas personas; los cuestionamientos y planteamientos que ellos tienen durante la vida diaria, lo cual sucede al volver a casa, lo que conocemos como “daño moral”. La pregunta que te hago a ti es, ¿consideras esta historia como un cliché?, ¿algo que no haya contado Hollywood antes? El filme suele ser demasiado patriota –y cómo no, si nos cuenta algo a lo cual nosotros no somos allegados o puede que no importe– el propio filme cae con una soga al cuello y considera a Kyle como un héroe –hasta el personaje es ciego o cree que hace las cosas demasiado bien, para considerarse como alguien valioso para lo que hace– pero aquí se arman los juicios de valor que tú como lector darás, que sabrás cómo responderlos al ver la mecánica del filme, pero lo más importante ¿el director puede considerar a Kyle como un héroe de verdad? Solo tú tienes la respuesta.

MI BALA Y PUNTERÍA: Una película bélica –aunque algunos estemos cansados de ellas pero en este año, nos sorprendimos con esta y “Fury”– que fulminó a varias cintas y rompió record de taquilla al estrenarse en enero antes de los Premios Oscar, la cual tuvo muchas críticas por parte de algunos actores y directores. Muchos dicen que sirve como propaganda, otros dicen que es letal y hasta Michelle Obama defendió el film.

Por mi parte tengo que decir que este film no me disgustó, pero tam-

poco forma parte de lo máximo en mi biblioteca de cine, comprendo los traumas de la guerra pero no encuentro algo claro aún. Un pobre héroe -¿o villano?- aún no puedo definirlo, pero sabemos que al final Chris Kyle terminó –quizás- pagando todas aquellas muertes que realizó, como dice en la cinta; si algún día era llamado a cuentas respondería por esas muertes.

Una película que te recomiendo si el actor es de tu agrado, el director no te ha decepcionado y quieres saber más sobre esta historia y eres amante de este tipo de cintas en que el personaje se ve envuelto en demonios y sucesos de cuestionamiento. No falla para nada y antes de los Oscar puedes comenzar a armar tu quiniela, pensando en las palabras que mes con mes te escribo o pensar en lo que tus ojos vieron.

Por último, un ejercicio experimental: Si tú hubieras sido Chris Kyle y te reconocieran por tantas muertes y ser el francotirador más letal de EE.UU. y trajeras muchas muertes en mente y conflictos, ¿qué hubieras hecho, para liberarte?, ¿qué desearías no haber hecho? Bradley Cooper me da una fuerte impresión, por su cambio de papel radical y no quedarse como el chico bonito de Hollywood, mirar hacia otros lados y saber que tiene un peso enorme entre manos. ¿Qué sucederá el 22 de Febrero en los Premios Oscar?, algo similar a “Argo” o “12 Años de Esclavitud”, ¿será que EE.UU. no se perdona aún?

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DESDE ADENTRO

COLOR

IZACIÓN: El tratamiento del color es uno de los puntos importantes del tratamiento fotográfico de una película. Como ya habíamos explorado en las anteriores ediciones sobre la dirección artística, el color construye desde la psicología del personaje hasta la atmosfera de una situación o escena. El color y su buen tratamiento es sin duda alguna uno de los logros más importantes a obtener por el director de fotografía, si su fotografía enmarca un correcto, vistoso y magnífico trabajo de color, le dará carácter a la película y a los personajes, y alcanzará uno de los desafíos más complejos del trabajo de un director de fotografía. Lograrlo no es fácil, es un trabajo que depende de técnica, estilo y talento.

Como el pintor es a sus pinceles y pinturas, el fotógrafo es a su cámara, sus luces y sus filtros, pero también a su computador y su programa de colorización. A continuación exploraremos como el director de fotografía da las últimas pinceladas a su trabajo.

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textura y color COLOR ANTES DE LA COLORIZACIÓN:

LA LUZ:

En el reciente documental “la sal de la tierra” (2014), el director Wim Wenders explora el trabajo del fotógrafo brasileño Sebastião Salgado.

Mientras transcurre su cuidadoso estudio sobre el trabajo de Salgado, Wenders dice esta frase: “Un fotógrafo es, literalmente, alguien que dibuja con la luz, alguien que escribe y reescribe el mundo con luces y sombras”. Aunque el trabajo de un fotógrafo es muy diferente al de un director de fotografía (Quien tuvo que haber aprendido fotografía fija, incluso, haber sido fotógrafo), esta regla también aplica para el director de fotografía. “Pintar con luz y escribir el mundo con luces y sombras”, además de “Crear cuadros en movimiento”, cosa que hace de su trabajo uno de los más complejos artes de todos, que se depara entre los saberes técnicos y los artísticos.

El trabajo correcto de las luces le sirve al director de fotografía para “resaltar colores y texturas”, y no solo para ello, le sirve para construir toda la atmosfera de una escena y para concretar su propuesta fotográfica trabajada durante la pre-producción con el director de la película). La luz que se va a usar y su uso es concretado por estos dos a partir de la realización de un documento hecho en pre-producción conocido como “planos de diseño y movimiento de luces” en el que hacen planos en los que se concreten que luces necesitaran, como estarán puestas en el set y que movimientos tendrán (Si la luz se spotea (difumina), se apaga, se enciende, se acerca a los personajes, etc). Además de que también se concretan los filtros a usar.

La luz va más allá de crear y resaltar colores. El director de fotografía

la usa (o debe usarla) con el mismo norte con el que trabaja un pintor, la luz debe reflejar los sentimientos de los personajes y ubicarlos en el lugar donde están y debe dar a entender que sucede en ese lugar, cosa conocida como “Atmosfera”, que en cine es un trabajo que depende del director de la película para ser consolidada bajo uno de sus mayores logros en dirección; pero de ello hablaremos después.

El director y el director de fotografía determinan el tratamiento de la luz para la creación de atmosfera de las escenas de una película.

Para ello deciden qué “temperatura de color” escoger para las luces, si hay presencia de “filtros” en ellas, de qué tipo son los filtros y su cometido con las luz, los “valores de los encuadres” de los planos, los “desplazamientos del plano” (Si hay movimiento de cámara o hay 11

DESDE ADENTRO planos estáticos). Acordando todo esto, durante el rodaje el director de fotografía trabaja en función de construir la fotografía y el carácter de la escena que el director quiere. Estos puntos se realizan bajo la meta de lograr lo propuesto bajo los parámetros del estilo visual y narrativo del director (no aplica para el cine de industria, donde estos parámetros se construyen bajo una serie de “clichés” para la fácil mirada de los espectadores, a diferencia del cine de autor donde todo tiene un valor narrativo y estilístico).

Con lo anterior, una escena de terror logra dar miedo, una escena de acción logra emocionar, una escena erótica logra cautivar (excitar) y una escena romántica logra enamorar. Si no lo logra es porque el director no tomo las decisiones correctas y el fotógrafo no lo aconsejo.

El director de fotografía aprende a construir atmosferas con la luz y a mostrar los sentimientos de los personajes con la luz a partir de una compleja investigación en un arte hermano del cine y la fotografía, “la pintura”. El director de fotografía explora el mundo de la pintura desde la edad de piedra hasta la contemporánea para saber de qué manera un ser humano “responde a la luz”. Como diría más adelante en documental de Wenders el mismísimo Salgado, “Un fotógrafo”: “Podemos poner a muchos fotógrafos en un mismo sitio, siempre sacaran fotos muy diferentes, cada uno tiene su manera de ver, cada uno en función de su historia”.

Mejor no lo pudo haber dicho Salgado, esto aplica a la perfección en la fotografía cinematográfica, ya que depende de la realización de una narrativa, de una película con una historia y personajes. La fotografía debe estar construida en función de la historia de estos personajes, de su psicología, del lugar del que viene y en el que habitan. Por tal motivo, las películas muestra tanto de una cultura como cualquier otra muestra artística, y algunas películas de ciencia ficción y fantasía son tan difíciles de hacer, porque tiene que ser construidas desde cero, con una compleja investigación, ya que no tiene de que cultura basarse concretamente. La luz natural es diferente en Costa Rica a como lo es en Bolivia y esta a su vez es diferente a la de Mauritania y está a la de Australia. Y es diferente la luz natural del desierto de victoria en el centro de Australia a la de la isla de Tasmania al sur. Esto ha definido cómo miran los pintores de estos lugares y también los fotógrafos y pasa a representar sus pensamientos en lo que plasman. Esto también construye atmosfera cinematográfica.

Sven Nykvist, el sueco considerado uno de los mejores directores de fotografía de la historia del cine, y colaborador de Ingmar Bergman, dijo en una entrevista que se le hizo en 1998 (Peter Ettedgui, cinematography Screencraft, 1998) que siempre le inquietó el mundo de “la luz”, los tipos de luz que podía usar, desde la pesada, hasta la enferma, desde la pálida, hasta la otoñal, y que fue junto

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con Bergman que experimentaron sus usos en muchas de sus películas y se dieron cuenta que “los actores reaccionan a las luces y ello puede mejorar o destrozar una actuación”. La mente humana es consciente de todos los aspectos psicológicos de una escena (y no es necesario leer a Freud para saberlo), hasta el espectador menos culto sabe qué color debe haber en el vestuario y cómo este color es resaltado por la luz o qué temperatura de color es la que tiene una escena; estas cosas cuentan todo sobre la psicología del personaje.

REVISTA ZONA 7 EL COLOR

Uno de los proyectos mas destacados de Sven Nykvist junto con ingmar berrman fue en la pelicula "Gritos y Ssurros" donde el color rojo mantiene predominancia durane todo el metraje y el uso de la luz es meticulosamente trabajado

El tratamiento cromático de una película se determina desde dirección y dirección de fotografía en sus propuestas y en todo lo que trabajen en pre-producción (cosa de la que hablamos en una pasada edición en La dirección de fotografía. Perfil y trabajo antes de rodar.) Y depende de los diseños de arte y de las “paletas de colores” determinadas en conjunto con el director de arte para realizarse durante el rodaje. Aun así hay puntos que tiene que tener en cuenta el director de fotografía para realizar un fiel y completo trabajo de color. Primero, depende de si decidieron que la película estuviese hecha en monocromo (“Blanco y negro”) o a color, luego depende de la “temperatura de color” que decidieron y del tratamiento de esta a partir de la “curvatura de color”, luego pasa a tener lugar los diseños de iluminación y luces y después los “filtros” a usar, todo ello para concretar el tratamiento del color durante el rodaje antes de su última pincelada en la post-producción.

PALETA DE COLORES La diseñan el director de fotografía y el director de arte, para que el director de arte condicione todo el diseño de arte a partir de los colores y texturas que se concretaron. Comienzan por hacer un estudio del guion, el género, los personajes, la época, los lugares y las situaciones, a partir de ellos comienzan un estudio de referentes en películas parecidas y definen sus propuestas de paleta de color a partir de estas películas.

Luego comienzan a determinar las características del color de la película, dándole una caracterización que puede ser original basado en cómo se realizaron sus referentes, (Ejemplo: El cine noe-noir (1975-hoy) toma como referente las películas Noir de los 50’s, pero fotográficamente tiene características distintas como lo hace David Fincher en casi todas sus películas) o puede ser fiel a los referentes sin ninguna nueva característica (Ejemplo: Las películas de Quentin Tarantino que son homenajes a sus películas favoritas que van desde el Spaguetti Western de los 60’s hasta el cine de acción y de artes marciales de los 70’s, las características fotográficas de sus películas son muy fieles a las de sus referentes) Antes de dejar una paleta final. Ambos directores de departamento deben realizar “pruebas de cámara” procedimiento por el cual probaran distintas cámaras y escogerán una dependiendo del look de imagen, su trabajo con los colores y con la interpretación de las texturas que ellos quieran obtener y qué curva de color les sirve. Y con todo esto construyen una tabla de escena por escena de la película con los colores que se usarán tanto en los objetos de arte como en los filtros que darán los colores a las luces.

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DESDE ADENTRO TEMPERTATURA DE COLOR Es la característica de color que tiene el espectro luminoso (luz) emitido por un cuerpo negro (reflector, lámpara, bombilla, etc) que calienta a una temperatura determinada. Es medida en grados kelvin debido a que la temperatura de color de un reflector depende de la temperatura en la que calienta el reflector, a esto se debe la nomenclatura de una luz en grados kelvin, porque depende de la temperatura con la que trabaja el cuerpo negro, esto hace más roja la luz de un cuerpo negro cuya fuente es de pocos grados kelvin, y más azul la que cuenta con una fuente de más grados kelvin.

Estas son algunas de las fuentes lumínicas que dan una temperatura de color determinada en escena: • 1700º K: Luz de una cerilla • 1850º K: Luz de vela • 2800º K: Luz incandescente o de tungsteno (iluminación doméstica convencional) • 3000º K: tungsteno (con lámpara halógena) • 4000º–4500º K: Lámpara de mercurio • 2700º K hasta los 10000 K: Luz Fluorescente (aproximado) • 5500º K: Luz de día, flash electrónico (aproximado) • 5780º K: Temperatura de color de la luz del sol pura • 6420º K: Lámpara de Xenón • 9300º K: Pantalla de televisión convencional (CRT) • 28000º–30000º K: Relámpago Además de las fuentes de iluminación, se les puede manipular los Settings de temperatura de color a las cámaras, con lo cual la cámara hará un balance de la temperatura de color de las fuentes de luz y los blancos puros para medir la intensidad de la luces y consolidar la temperatura de color que se desea. A este procedimiento lo llamamos “balance de blancos”, el cual se debe hacer cuando hay distintas fuentes de luz de diferente temperatura de color, ya que regula y balancea la temperatura de color de todas las luces impidiendo que la iluminación de la fotografía se vea con distintos colores. De no balancearse se verá con un look parecido al de muchos manchones en una pintura y de no ser una propuesta fotografía se denotará como un error.

Curvatura de color: Después de escogida la temperatura de color con la que se va a filmar y de ser balanceadas las fuentes de luz, se procede a hacer un seteo o setting de cámara llamado curvatura de color, en la que el director de fotografía determinará con qué curva de color trabajará a cámara. Las cámaras de cine trabajan bajo los parámetros de las “curvas de color de Kruithof”, la cual determina las zonas en las que se combinan los factores de luminancia y temperatura de color y consolida los aspectos del color de la imagen. En cine la nomenclatura dada a las curvas de color van de “S-log 1” hasta “S-log 3” siendo S-log 1 una curva de color que trabaja los colores en bajas temperaturas de color (colores cálidos) y S-log 3 una curva que trabaja los colores en altas temperaturas (colores fríos).

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En la película de los hermanos Cohen " Fargo" se usa una temperatura de color fria, para acentuar mas la atmósfera del film, lo que se hace tambien en " El bueno el malo y el Feo" pero con la intención contraria: transmitir una sensación de calor.

REVISTA ZONA 7 FILTROS

LA COLORIZACIÓN

No solo las luces que se usan determinan las temperaturas de color condicionadas, también se utilizan filtros; tanto en luces como en la cámara, para condicionar las temperaturas de color, la resonancia de color, y cómo recibe la cámara los colores.

El director de fotografía determina qué filtros usan las luces, pueden ser “filtros difusores” para quitarles intensidad a las luces o convertirlas en luces opacas, o darles más potencia, “filtros de color” para cambiar el color de la luz y la temperatura de color en casa de que no se cuente con armonía de temperatura de color en los reflectores usados, o “filtros cosméticos” para pieles, que sirven para iluminar distintas pieles que son difíciles de iluminar (las muy oscuras o las muy blancas) los cuales vienen en todos los tonos de piel humana registradas ya que puede ser todo un problema balancear las potencias de las luces cuando se cuenta con un reparto de personas de distintas razas.

Los filtros de cámara condicionan y protegen los objetivos (lentes) y emparejan las desigualdades lumínicas en escena. Van desde los filtros “ND” que protegen la óptica y emparejan las condiciones lumínicas con los lentes, o el filtro que es obligatorio usar, el “UV” que protege la óptica y el sensor de la cámara de los rayos solares. O también filtros cosméticos que empajan la luz y le dan el color deseado.

La última labor del director de fotografía se da cuando al terminar el proceso de rodaje comenzó la “post-producción”.

Proceso en el cual se hace el montaje de la película, el montaje de sonido, los efectos especiales y visuales, la colorización o “ETALONAJE”, los créditos y el empaquetamiento gráfico y se da por terminada la película.

La labor del director de fotografía durante la post-producción es solo una, pero es en la que destaca su trajo, la última pincelada que recibe el nombre de “ETALONAJE” en el mundo profesional, pero todos le dicen “colorización”. Este procedimiento se resumiría en palabras cómicas como “photoshopiar la película” y es algo así. Se basa en hacer una “corrección de color del material final” o “corte final” de la película.

Comienza justo cuando se termina la labor de montaje de los planos de la película y el montajista entrega el corte final que se va a distribuir; pero, falta editar sonido, colorizar, hacer efectos visuales y pegar créditos. Con la entrega del corte final, el director de fotografía junto con el director y un equipo especializado de Etalonadores toman el corte final, los estudian para saber en qué escenas y en qué momentos de estas hay que hacer ajustes complejos de color por problemas con luz, y comienzan a etalonar o colorizar.

La totalidad del corte debe ser colorizado. Aunque el trabajo en rodaje en cuanto a tratamiento del color debe ser lo más responsable, siempre se dan ciertos problemas por corregir, entre ellos el más común es balancear las intensidades lumínicas entre planos para que no hayan saltos de luminosidad.

Si no se hace esto entonces se corre el riesgo de que uno de los planos de una escena esté más iluminado que los demás y esto desconcierte al espectador, porque entonces se da a entender que el cambio de luz evidencia un cambio de tiempo, cosa que no es cierta y solo evidencia un error. Además de balancear iluminación de planos hay que resaltar e igualar textuUna correcta elección de tempreratura de color es clave en el proeso de una pelicula, como se puede apreciar en los cambios que hay en el fotograma de "Skyfall" (centro)

el director de fotografía Robert Richarson durante el rodaje de la película "Bastardos sin gloria" dirigida por Quentin Tarantino haciendo uso de la grua con cámara en el set 15

DESDE ADENTRO ras entre planos, y que en rodaje hay cuidado de las texturas pero no de que en todos los planos se conciban igual, en colorización se resaltan las que no quedaron igual de resaltadas y se igualan las que quedaron demasiado resaltadas, esto siempre suele suceder con las pieles, el cabello, las plumas y todo fluido animal debido a que cambian a medida que pasa el día y los maquillistas no pueden parar el rodaje para maquillar, por eso se dice que la colorización es otra capa de maquillaje. También en colorización se agregan efectos de color y luz, tales como brillos, flers de luz, desaturación de colores o saturaciones, etc.

Además, si se trabajó con una cámara que da como resultado una imagen “lavada”, es decir, como si todos los colores estuviesen parejos, lo que pasa es que estas cámaras guardan la información de color para que los softwares de colorización descompriman esta información. De no hacerse la correcta colorización de un material como este, la imagen quedará plana (y esto es cine, no televisión). Esto sucede con las cámaras de cine digital, sobre todo por las fabricadas por la marca Sony, así que cuando trabaje con una Sony o con una réflex le es obligatorio colorizar.

Entre los Sofwares más usados y sofisticados para etalonaje están e Davinci Resolve, el Magic Bullet, de la suite de Adobe está el adobe Speed grade. Entregado el trabajo de etalonaje se comienza a realizar el acoplamiento de sonido con imagen los créditos y por último el render final. Y lista la película y aquí acaba el laborioso, complicado y muy bello trabajo del director de fotografía y de su departamento.

Próximamente: La asistencia de dirección durante la pre-producción.

Muestra de un fotograma "lavado" (arriba) y otro ya corregido(abajo) 16

Luego de filmado, el material pasa por una correción de color,: aqui un fotograma antes (izq) y después (ider) del proceso para la pelicula "El discurso del rey"

REVISTA ZONA 7

FRASES DE PELíCULA Como actores, todas nuestras edades están ahí para que todos lo vean - no se puede ocultar nada, de verdad. Y es una especie de alivio. Esta es mi edad, así me veo sin maquillaje - a quién le importa? Esa cultura de la juventud -de mentir sobre su edad - todo es negación de la muerte de todos modos. julianne Moore 17

BIO 7

La actriz Julianne Moore ha recibido grandes elogios para abordar personajes inusuales y difíciles. Tuvo una infancia transitoria, moviéndose de un lugar a otro debido al servicio militar de su padre.

Siempre cambiante de escuelas y presa de los matones que se burlaban de su rostro J

ulie Anne Smith nació el 3 de diciembre de 1960 en Fayetteville, Carolina del Norte.

La actriz "Julianne Moore" ha recibido grandes elogios para abordar personajes inusuales y difíciles. Tuvo una infancia transitoria, moviéndose de un lugar a otro debido al servicio militar de su padre. Siempre cambiante de escuelas y presa de los matones que se burlaban de su rostro "Cuando tenía 7 años, estos niños en el callejón detrás de nuestra casa en Omaha me llamaron "Freckleface Strawberry.

Odiaba mis pecas y odiaba ese nombre " le explicó a Redbook .

Después de asistir a la escuela secundaria en Alemania, Moore volvió a los Estados Unidos para estudiar en la Universidad de Boston. Se graduó de la Escuela de la Universidad de las Artes Escénicas en 1983 y pronto se trasladó a la ciudad de Nueva York para entrar en el mundo del teatro.

En 1985, Moore obtuvo su primer papel importante de la televisión: Interpretó a Fran18

nie Hughes en la telenovela As the World Turns durante varios años, tomando al mismo tiempo el doble papel de la hermana gemela de su personaje, Sabrina.

Moore ganó un Premio Daytime Emmy por su trabajo en el drama.

En 1990, hizo su debut en la película Cuentos de la cripta. Moore, sin embargo, ganó más atención por su papel secundario en La mano que mece la cuna (1992).

Su carrera parecía retomar un nuevo impulso en esta época.

En 1993, Moore apareció en cuatro películas de variada calidad y éxito. Ella apareció en el fracaso dramático de Madonna El cuerpo del delito , así como la historia romántica peculiar Benny & Joon con Johnny Depp y Mary Stuart Masterson. Moore también tuvo un papel en El fugitivo , un drama criminal protagonizado por Harrison Ford, en 1993. Ese mismo año, ella apareció en de Robert Altman Short Cuts , basada en los relatos de Raymond Carver.

Moore participó en una obra de teatro clásico en 1994 de Vania en la calle 42. Dirigida por Louis Malle, la película ofrece una visión diferente de los actores que realizan la obra de Anton Chéjov Tío Vania . Moore volvió a demostrar

sus talentos dramáticos en el drama independiente de Todd Haynes Segura(1995). Ella interpreta a una mujer que lucha con una enfermedad desconocida, posiblemente causada por factores ambientales.

En 1997, Moore protagonizó la superproducción taquillera de Steven Spielberg El mundo perdido: Jurassic Park con Jeff Goldblum. Ella también obtuvo su primera nominación al Oscar ese mismo año a la mejor actriz de reparto en Boogie Nights . En esta película de Paul Thomas Anderson sobre películas para adultos, Moore jugó una estrella porno llamada Amber Waves.

Moore continuó trabajando con cineastas interesantes, apareciendo con Ethan Coen en El gran Lebowski (1998). Aunque no es un éxito de taquilla, esta comedia poco convencional protagonizada por Jeff Bridges se ha convertido en un clásico de culto.

Moore trabajó en una de las películas más terroríficas del cine ese mismo año, apareciendo en un remake de Alfred Hitchcock "Psycho" . Ella también tomó el puesto de agente del FBI Clarice Starling en la película de Ridley Scott, Hannibal (2001). Jodie Foster ha-

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JULIANNE MOORE

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BIO 7

bía originado la parte en El silencio de los corderos (1991).

En 2002, Moore ganó grandes elogios por dos papeles convincentes: en Lejos del cielo , que interpreta a una madre cuya vida de ensueño se rompe inesperadamente. Dennis Quaid interpreta a su marido, que lucha con su sexualidad. En cuanto a las horas , Moore retrata otra ama de casa de 1950. Esta vez, su personaje sí misma contempla liberar de sus ataduras suburbanas.

Una de las actrices más bien considerados de su generación, Moore ha seguido para hacer frente a una mezcla diversa de papeles interesantes. Ella y Annette Bening interpretó a una pareja de lesbianas en el 2010 la comedia dramática independiente Los chicos están bien . La pareja se encuentra con el donante de esperma (Mark Ruffalo), quien fue padre de sus dos hijos en esta película aclamada por la crítica.

En la pequeña pantalla, Moore tuvo un papel recurrente como el ex amigo de la secundaria de Alec Baldwin en la exitosa sitcom 30 Rock alrededor de este tiempo.

En 2012, Moore dio otra actuación convincente en la pequeña pantalla.

Ella ganó elogios de la crítica por su interpretación en el clavo de la ex can20

didata a la vicepresidencia Sarah Palin en la televisión de la película Game Change. El papel de la vida real dio a Moore su victoria con el premio Emmy. Ese mismo año, Moore apareció en dos películas dramáticas: Lo que Maisie sabía y Being Flynn .

Moore también participó en el remake de Carrie (2013), con Chloë Moretz en el papel protagonista. Basada en la novela best-seller de Stephen King,Carrie cuenta la historia de un adolescente atormentado que obtiene su venganza. Moore interpreta a la madre de Carrie en la película 2014 vio a su co-protagonista en la película de suspenso avión sin escalas y de ciencia-ficción en el éxito de taquilla: Los Juegos del Hambre: Sinsajo - Parte 1. Mientras cosechaba gran ruido por su papel principal en el drama "Mapas a las Estrellas" Fue nominada a un Globo de Oro a la vez para mapas y el aclamado drama Still Alice, y ganóel Globo de este último. Moore también ha recibido una nominación al Oscar por su papel en Still Alice, en la que representa a un profesora de lingüística diagnosticada con la enfermedad de Alzheimer.

Además de actuar, Moore ha encontrado un gran éxito como autor de libros para niños. Ella sacó de sus propias experiencias para escribir Freckleface Strawberry , que fue publicado en 2007. En 2009, Moore publicó un artículo de seguimiento, "Freckleface Strawberry" y el Dodgeball Bully .

Moore está casada con el director Bart Freundlich, viven juntos en la ciudad de Nueva York con sus dos hijos, Caleb y Liv. Moore estuvo casada previamente con el actor John Gould Rubin.

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¿sabías que?

Julianne trabajó como camarera en Nueva York en 1983, hasta interpretar a Frannie y Sabrina Hughes en la telenovela "As the World Turns", trabajo por el que fue galardonada con el Emmy.

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EXTRAS/ RESEÑA

Lo mejor: Julianne Moore Lo peor: El tratamiento superficial

del entorno.

Calificación:

Para Julianne Moore: Para la película:

¿Recomendada? Sí, absolutamente.

Porque a pesar de lo malo, el trabajo de Moore es tan radiante que hace que todo lo demás funcione.

La poetisa Elizabeth Bishoponce escribió: “No es difícil dominar el arte de perder, tantas cosas parecen destinadas a perderse que la pérdida de estas cosas no constituye un desastre.”

Dirigida por Richard Glatzer y Wash Westmoreland, “Still Alice” (Siempre Alice) es una película estadounidense basada en una novela de Lisa Genova que relata la historia de la exitosa profesora de lingüística de la Universidad de Columbia, Alice Howland (Julianne Moore), la cual se entera que se encuentra en la etapa inicial de la enfermedad de Alzheimer.

Nos encontramos ante una película sumamente sobria pero que, pese a ello, nos conduce por pensamientos escalofriantes y crudos que giran en torno a una situación de la que nadie está a salvo: la muerte. Pero no solo es la muerte, sino la peor de ellas, se trata de la desintegración de una vida que lentamente y sin remedio va perdiendo todo su sentido, un camino que cada minuto se hace más oscuro, y donde todo aquello construido a través del tiempo se resume a nada en un abrir y cerrar de ojos. Alice se entrega a los brazos de su enfermedad, sabiendo que no existe nada que se pueda hacer contra ella, pero lo hace de una manera valiente, viviendo el ahora y enfrentándose a la vida y a los daños colaterales que su situación traerá inevitablemente a su familia, y dándonos un mensaje que nos invita a reflexionar sobre lo que es verdaderamente importante en la vida.

Glatzer y Westmoreland forman un matrimonio que hasta ahora no posee ningún gran acierto, incluyendo su más reciente trabajo "Still Alice", que 22

STIL ALIC

a pesar de lograr su objetivo, su éxito recae en la espectacular interpretación de Julianne Moore. Por otra parte, la música está bien utilizada y apropiada para la historia, acentuando los momentos dramáticos que inevitablemente nos saca alguna lágrima o al menos un nudo en la garganta. Fuera de ahí la película no posee un tratamiento digno de alabanza, no es más que un cliché de cine dramático.

Los personajes secundarios se encuentran totalmente descuidados, solamente rellenando un espacio y poniendo una alfombra para que pase Julianne Moore robándose el show.

LL CE:

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el arte de perder

En conclusión, “Still Alice” es Julianne Moore.

Es ella y su maravillosa interpretación lo que nos hace adentrarnos en primera persona a una tragedia tan dolorosa como lo es la enfermedad de Alzheimer, para que al final comprendamos (con un monólogo brillante) que todo tiene que ver con el amor.

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ZONA TERROR

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El primer elemento a destacar es la iluminación, la gran peculiaridad de esta película es que transcurre casi siempre bajo la luz del sol; de un sol isleño, con mar y costas. Esto es raro en una película de terror ya que el impacto no proviene de lo que acecha en la oscuridad sino de aquello que vemos claramente 24

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¿Hasta dónde estarías dispuesto a llegar para sentirte bien con tu cuerpo?

Desde que tenemos conciencia como especie, hemos existido en una constante batalla con las enfermedades, el malestar que representa una enfermedad, es algo que se trata de evitar a toda costa, ya sea con mercurio o antibióticos, es natural que la figura de aquella persona que nos brinda mejoría se vea como a un ángel salvador, ya sea al médico brujo o al cirujano.

En el cine de terror la figura del doctor puede ser particularmente abominable, desde aquel maligno ser que usa a seres vivos para experimentos de ética cuestionable, hasta aquél que profana cadáveres para sus planes nuestro salvador se convierte en la peor pesadilla, la integridad física de las personas que aparecen en nuestra pantalla corre peligro por una de las persona que debería cuidarla. ¿Pero a qué se debe esta pequeña introducción sobre el por qué usar a médicos en el cine? Porque la película de este mes, “American Mary”, tiene como protagonista a una médico, mejor dicho, una aspirante a cirujana como protagonista (y puede ser vista como antagonista), sin embargo, aún nos espera un giro interesante a la figura del médico maligno, Mary comienza un viaje de descubrimiento en el que veremos lo que una persona puede llegar a ser capaz para sentirse bien consigo misma físicamente hablando, y no hablamos de cirugías “estéticas” (Al final la estética es algo subjetivo ¿no?), siendo más directos, Mary por diversos motivos termina usando sus habilidades en el mundo de las modificaciones corporales.

Una modificación corporal puede ir desde un simple piercing en la nariz hasta una

bifurcación de lengua o la deformación/amputación de un miembro, los fines van desde simbolismos religiosos hasta mero capricho de la persona.

El giro que se le da a la trama va por muchos lugares, explora un poco el torture (de una manera sutil, pero que llena nuestra curiosidad), no será un show de morbo digno de cintas como “Tusk” o las guinea pig, “American Mary” nos lleva de la mano a través de cada una de las etapas de su nueva existencia y los retos que la protagonista debe afrontar, un camino muy bien hecho, con unas notables actuaciones que no pueden dejar de ser elogiadas, y unos personajes queribles, como Betty, y que dan su perspectiva sobre la modificación corporal para hacernos entender a nosotros cómo es que se siente ser parte completa de ese mundo.

La historia se desenvuelve bien, en todos los frentes, hay que aclarar que no deja cabos sueltos pero tampoco es una trama lineal y predecible que se centra solo en el hecho de que Mary se dedica a las modificaciones.

Hay un par de guiños al sistema de justicia americano (se entiende que Mary es inmigrante), e inclusive a la lucha por la personalidad.

La fotografía está muy bien cuidada, luminosa aún en lugares muy oscuros, las actuaciones, sobre todo la de Isabelle en su Papel de Mary, son memorables. Pero hay que dejar en claro algo, si bien la película aprovecha el tema y lo usa, no será un espectáculo de sangre, tripas, deformidades y modificaciones corporales, como nos ha malacostumbrado un poco el cine actual.

Recomendable.

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CINE ASIÁTICO/ORIENTAL

the heroic trio El Trio Heroico, formado por tres mujeres diferentes y que tienen algo más en común que solo la habilidad de pelear, unirán fuerzas y juntas preservarán la paz del mundo. ¿Por qué ver “The Heroic Trio”? Por su historia; una alternativa de acción y heroínas; por su elenco, actores consagrados de Asia y porque es de Hong Kong, filme con un estilo y sello únicos.

El cine de hongkonés se caracteriza por implementar kung fu en algunas de sus cintas, mezclando este elemento con diversos géneros como en “The Heroic Trio”; increíble historia de acción, artes marciales y drama, es como “The Charlie's Angels” de Hong Kong. Conocí esta película gracias al canal de tv de paga I-SAT, la estaban pasando una mañana de algún día de fin de semana, y me enganchó desde su comienzo. Poco a poco me empezó a gustar cada vez más el cine oriental.

La historia gira en torno a nuestras tres protagonistas, encarnando Anita Mui a Tung, Maggie Cheung a Chat y Michelle Yeoh a Ching, ambas con algo en común, la habilidad de pelear. Tung es un ama de casa felizmente casada con un importante agente de policía, pero que oculta algo, ella es una heroína pero nadie lo sabe, la conocen como Wonder Woman, ni siquiera su esposo, con el cual lleva una relación amorosa lo sabe. Chat es una joven descarriada 26

que por medio de sus habilidades saca provecho de la policía, capturando delincuentes a cambio de dinero, algo así como una cazarrecompensas.

Ching es una joven que pertenece a una secta y sirve a un líder maniaco que tratar de conquistar el mundo, ella es mala y pareciera que no tiene sentimientos, pero al tratar de robar algo por medio de un engaño que le lleva tiempo, se enamora y poco a poco se despiertan los sentimientos de ella, muriendo poco a poco su insensibilidad. Dos de las tres tuvieron contacto en su infancia, eran amigas que separaron en contra de su voluntad porque una era inútil y solo se quedó la más fuerte, pero años más tarde se reencontraron, todo debido a los atentados que empiezan a ocurrir ¿A quiénes me estaré refiriendo? .Las tres se unen para enfrentar al enemigo, el líder maniaco mencionado anteriormente, enfrentándose a poderosos rivales, todo con tal de rescatar a inocentes bebes que se ven implícitos en el caso, y salvaguardar la paz en la Tierra.

La película no fue realizada con mucho presupuesto, pero con los pocos recursos sacan adelante la historia, la banda sonora queda a cargo de la misma protagonista ya se compone de un repertorio interpretado por la actriz y cantante Anita Mui. La escenografía da la impresión de estar en un tiempo de crisis. Puede parecer una película cutre pero va más allá de eso, simplemente es maravillosa.

Personalmente es una de mis películas favoritas, te invito a verla y disfrutarla, que la analices y decidas si te gusta o no, y más si eres amante del cine oriental.

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El cine de hongkonés se caracteriza por implementar kung fu en algunas de sus cintas, mezclando este elemento con diversos géneros como en “The Heroic Trio”; increíble historia de acción, artes marciales y drama, es como “The Charlie's Angels” de Hong Kong.

Desafortunadamente, la película “Lola” no tiene el reconocimiento que se bso: es “Dong San Xiaparteaguas (The Heroic Trio)” merece, pero sinFang dudas del País: Hong Kong Año: 1993 denominado nuevo cine mexicano Director: Johnnie To 27

EXTRAS/ RESEÑA

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stars David Alejandro Martínez

Con atributos estéticos que parecen recordar al espectador a lo mejor de Lynch, la última cinta del director canadiense apuesta por el absurdo en su mejor y más inescrupulosa variante. Una historia que nos ubica en el mundo sórdido dominado por bajas pasiones y completamente narcisista del Hollywood actual, con seriedad anímica plena que se contrapone a un guion irreverente hasta más no poder, emplea una poco modesta colección de personajes muy bien caracterizados, interpretados por actores conocidos, que irónicamente tienen poco en común a excepción de las experiencias grotescas e inhumanas que han compuesto sus vidas.

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represe infravalo REVISTA ZONA 7 El personaje de Havannah no es realista como el de “Still Alice”.

Todo lo contrario. Es lo más inaudito y postmoderno asociable con literatura rosa. Havannah conecta materialmente las demás perspectivas de la historia, y es la que testifica, en última instancia, lo que Cronenberg y Wagner realmente hacen: un homenaje solemne al mal gusto, que sólo pudo ser excelente o terrible.

Aventurarse a esta cinta como un espectador impersonal puede constituir un reto para su debida apreciación. A pocos minutos de empezar la película, el guion de Bruce Wagner ha hecho ya tantas referencias que sobrepasan el nivel de la ridiculez absoluta, que quien vea la obra solo puede dudar del montaje sobrio y casi fantasmagórico del que hace uso Cronenberg. Mia Wasikowska interpreta a Agatha, una joven con un pasado misterioso que se introduce en Los Ángeles con la finalidad de conocer y entablar relaciones con los famosos, eventualmente convirtiéndose en ayudante personal de Havannah Sagrand (interpretada espléndidamente por Julianne Moore), a través de un contacto poco ortodoxo hecho posible por Carrie Fisher. Sí, Carrie Fisher. Wagner aprovecha para parodiar desde el interior del mundo vital de Hollywood a la realización de producciones contemporáneas, y el estilo de vida de personalidades conocidas. El guion hace baluarte de la sátira como un recurso a la vez sutil y a la vez descarado: ¿quién no ha oído de cómo Carrie Fisher maltrata a sus colaboradores? ¿Ahora, según Wagner, Hollywood depende enteramente de Carrie Fisher? ¿Pudiera haber una suposición más ridícula?

El guion de Wagner es, en todo sentido, la estrella de “Maps to the Stars”. Incluso actores de poca consideración en lo que a su carrera profesional se refiere, como Robert Pattinson, brillan gracias a la complejidad que aporta el escritor a sus personajes. Las bajas pasiones que comparten estos se convierten, gradualmente, en el tema central de la película: incesto, psicopatía, alucinaciones, complejos de superioridad, espiritualismo, alcanzan un parecido tan estrecho en la medida que los diálogos de Wagner proporcionan más detalles. Los traumas de los personajes se convierten en fantasmas omnipresentes que los exceden a éstos y acechan a unos y otros constantemente. Si los personajes superaran su natural egoísmo y desprecio por el mundo que les admira y atestigua, pudieran darse cuenta del evidente y escalofriante parecido que tienen en común.

Además de la indiscriminada y ocurrente pluma de Wagner, es la actuación del mismo grosor que brinda Julianne Moore la que realmente propele la obra. Trastornada, humilladora de sí misma, inconsciente, desquiciada e impulsiva, Havannah Sagrand personifica todos los bemoles del estrellato hollywoodense que la historia tan sardónicamente plantea. Quizá incorpora elementos realistas que ejerzan un peso aparte, pero Moore desemboca una maestría actoral interpretando un personaje tan particu-

larmente difícil y multidimensional.

Su trabajo en “Still Alice” del mismo año es admirable por el alto nivel de profesionalismo y compromiso que ella brinda, pero en “Maps to the Stars”, Moore posibilita que el tratamiento satírico de Cronenberg y Wagner convenza.

El personaje de Havannah no es realista como el de “Still Alice”.

Todo lo contrario. Es lo más inaudito y postmoderno asociable con literatura rosa. Havannah conecta materialmente las demás perspectivas de la historia, y es la que testifica, en última instancia, lo que Cronenberg y Wagner realmente hacen: un homenaje solemne al mal gusto, que sólo pudo ser excelente o terrible.

Acompañada de una banda sonora atmosférica compuesta por Howard Shore que recuerda a Trent Reznor y Atticus Ross, “Maps to the Stars” es un ejemplo sublime del absurdismo como enfoque cinematográfico. Con una destreza argumental literaria y compleja aunque no se presente como tal, el último filme de Cronenberg es lo más cercano a un “Mullholand Drive” hecho por alguien que no sea Lynch. Estéticamente, resuena con estrépito como un divertidísimo ejercicio creativo que deja mucho para la imaginación, los prejuicios y los sentidos.

bso: “Huai Nu Hai” País: Taiwan Año: 2012 Director: Jingting Weng 29

DEL CINE A LA REALIDAD

Nos odian porque no pueden ser nosotros

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Se podría decir que “The Interview” es una espada de doble filo, porque satiriza tanto al gobierno norcoreano como al intervencionismo estadounidense. ¿Será una obra maestra? ¿El “El Gran Dictador” del Siglo XXI? ¡Ni en pedo! por AARÓN MARISCAL Esta cinta, dirigida por Evan Goldberg y Seth Rogen, y protagonizada por este último y James Franco, es una de las más polémicas del 2014, pero ya todos conocemos el contexto de su estreno y las amenazas de Corea del Norte, además de los ciberataques a Sony atribuidos a hackers norcoreanos, así que no se tocará el tema en este artículo. Lo que sí se verá será una especie de comparación entre lo que se muestra en la película y lo que hay en la vida real. Ligera e insignificante alerta de spoilers.

David Skylark (James Franco) y Aaron Rapoport (Seth Rogen) trabajan en un programa de televisión donde entrevistan a personalidades famosas (y hasta les hacen decir pendejadas). Un día, les llega la gran oportunidad de entrevistar al mariscal Kim Jong-Un, líder de la República Democrática de Corea, mejor conocida como Corea del Norte. En eso, unos agentes de la CIA son enviados a su casa y les encomiendan la misión de acabar con la vida del dictador asiático en su travesía al lugar de la entrevista. Entonces, ambos aceptan y viajan al país para hacer su cometido, sin embargo, habrá un gran conflicto entre la fidelidad al plan por parte de Aaron y la amistad con Kim por parte de David.

Se podría decir que “The Interview” es una espada de doble filo, porque satiriza tanto al gobierno norcoreano como al intervencionismo estadounidense. ¿Será una obra maestra? ¿El “El Gran Dictador” del Siglo XXI? ¡Ni en pedo! Como muchos dicen, es una peli idiota, pero tan idiota que da risa, por algo es de comedia. Eso sí, hay ciertas cosas que vale la pena analizar respecto a la situación real de los dos países atacados por la sátira de este filme.

Corea del Norte es una república bananera castrochavista comandada por un dictador gordinflón al que todo el mundo odia. O al menos eso es lo que esperabas que diga, ¿verdad? Pues para tu sorpresa, las cosas no son tan así. En realidad, el sistema de este país asiático tira más para nacionalista que para comunista.

La filosofía Juche (llámesele “socialismo norcoreano”) está plasmada en un símbolo símbolo que consiste en la unión de 3 objetos: la hoz, que representa a los campesinos, el martillo, que representa a los obreros, y el pincel, que representa a los intelectuales. Los coreanos del norte mantienen sus tradiciones y costumbres más vivas que los coreanos del sur (a quienes vemos más occidentalizados y “modernizados”, sobretodo con esto del K-pop y la cirugía plástica), pero los medios de comunicación solo nos muestran militares dispuestos a matar en nombre del comunismo. Además, se nos cuenta que Kim Jong-Un mata de hambre a su pueblo, pero lo que pocos saben es que muchas de estas referencias datan de la hambruna de los 90s que se sufrió en este país luego de sufrir fuertes inundaciones, y que desde 2012 el mismo vive un período de relativa prosperidad a nivel tecnológico, cultural y social.

La República Democrática de Corea, como todos sabrán, dispone de armamento nuclear, y Estados Unidos presiona para que se la sancione, pero, ¿por qué no presiona también para que se sancione a Israel (otro país nacionalista con una raza homogénea, por cierto)? Parece que estamos otra vez ante un ajedrez geopolítico donde hay aliados de un bando y de otro, pero dudo que se desate una Tercera Guerra Mundial pronto, ya que primero habría que superar la Segunda Guerra Fría en la que estamos inmersos. .

En fin, ¡basta de palabrería seudointelectual! Esto no es un análisis geopolítico sino comparativo, así 31

DEL CINE A LA REALIDAD que, continuando con el tema, hace falta mencionar que la canción del final de la película (“Wind of Change”, de Scorpions) da a pensar que los que hicieron la película odian al socialismo, lo cual parece demostrarnos que se burlan más de Corea del Norte que de Estados Unidos. A pesar de ello, podemos notar también que en esta cinta hay una burla hacia el hecho de que Estados Unidos se crea el juez del mundo al intentar eliminar a los líderes que no están alineados con su ideología política. En la realidad tenemos como ejemplos de este intervencionismo a la artificial y fracasada Primavera Árabe en Medio Oriente, el Euromaidán en Ucrania, las dictaduras latinoamericanas en el siglo XX, etcétera.

Y volviendo a lo de los norcoreanos, ¿serán tan malos como nos los pintan? Eso depende de la percepción de cada uno. Si tu postura es más “globalizadora-judeomasónica”, deberías odiar a este país con toda tu alma por ser tan poco considerado con los

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extranjeros. En cambio, si te atrae más lo nacionalista, deberías amarlo, ya que es el mejor lugar para vivir para su gente mas no para los extranjeros, puesto que se centra más en desarrollar lo autóctono que en querer imitar al vecino.

A todo esto, ¿cuál sería el veredicto sobre “The Interview”? Pues nomás que es una peli divertida, de hecho a mí me gustó, ¡tremendo desmadre el que hizo el dúo cómico interpretando a los protagonistas! Aunque, me pareció idiota que haya quien diga “¡tienes que ver esta película precisamente porque Kim no quiere que la veas!”, si yo la veo es porque quiero y ya, no porque quiera enojar a un gordinflón que ni conozco y que vive al otro lado del mundo. Lo cierto es que el asunto de esta cinta y el de Charlie Hebdo dieron de qué hablar respecto a la libertad de expresión. “¡Todos tenemos derecho a expresarnos libremente!”, balbucean algunas ratas seudodemocráticas por ahí, que seguramente no dirían lo mismo si alguien enseñara a sus hijos a faltarles el respeto, ¿no protegemos, pues, nosotros a las personas que más queremos de la propaganda enemiga, de lo que podría cambiarlos para mal?

Así es, y además hay una delgada línea entre libertad y libertinaje.

Deberíamos reflexionar mejor e investigar bien antes de tachar a países como Corea del Norte de “atrasados” y “con ideas de la Edad Media”.

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FRASES DE PELÍCULA

• "Una vez un pajarito estaba en pleno invierno, en el campo, medio congelado a punto de morir agonizando en el suelo. Entonces vino una vaca y se le cagó encima. La mierda, al estar calentita, le salvó de morir congelado. El pajarito contento empezó a cantar, feliz por estar vivo. Entonces un gato que pasaba por allí escuchó el canto y buscó en la mierda, encontrando al pajarito y se lo comió.

Moraleja: no todo el que se caga en ti es siempre tu enemigo, ni aquel que te saca de la mierda es siempre tu amigo, y si estás calentito y contento estés donde estés, ¡mantén la boca cerrada!".

Julianne Moore (Asesinos) 33

EXTRAS/ RESEĂ‘A

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makoto shinkai

por dennis osorio

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"En verdad todavía no sé lo que significa madurar. Aun así, si en el futuro se presenta la oportunidad de volvernos a ver, para ese entonces me gustaría haberme convertido en una persona de la cual puedas sentirte orgulloso/a de conocer."

Esa es una de las muchas frases tan significativas que nos regala uno de los grandes genios de la animación japonesa en la actualidad, Makoto Shinkai (nacido en 1973) es un director, animador y mangaka que ha ido adquiriendo reconocimiento y popularidad gracias a sus habilidades únicas con la animación digital. Estas habilidades lo hacen capaz de presentar los paisajes y escenarios más hermosos que, junto con su ingenio, se mezclan para narrar historias sobre diversos temas ligados generalmente a lo cotidiano y las relaciones interpersonales.

La frase del inicio representa muy bien los temas recurrentes de Shinkai en sus obras.

Desde diferentes puntos de vista, se explora el aspecto sobre seguir adelante y superar una situación dolorosa, o los caminos separados en representación de los términos de la comunicación y la distancia.

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Makoto Shinkai tomó el gusto por el manganime cuando aún estaba en secundaria siendo él un gran admirador de los directores Hayao Miyazaki y Hideaki Anno.

Shinkai decidió estudiar literatura japonesa en la universidad y ha mencionado que entre sus principales influencias se encuentran los libros de Arthur C. Clarke y los del escritor japonés Haruki Murakami.

SUS COMIENZOS Y FILMOGRAFÍA Se inició en el mundo de la animación cuando trabajaba para una compañía de videojuegos llamada Nihon Falcom, conocida por títulos como The Legend of Heroes y Ys, de los que luego sería el encargado de crear los videos de apertura así como los que produciría en el futuro para la compañía Midori.

En su tiempo libre, mientras aun trabajaba para la compañía Nihon, Shinkai decidió hacer sus propias animaciones y fue así como en 1999 concibió dos cortometrajes usando solamente una Mac y software como Photoshop, LightWave y After Effects. El primer corto fue llamado "Other Worlds" y el segundo "She And Her Cat". Él mismo dibujó los storyboards, escribió el guión, los diálogos, y junto con su novia, Miko Shinohara, prestaron sus voces para los personajes.

La música estuvo a cargo de su amigo y compañero Atsushi Shirakawa conocido como Tenmon quien luego sería la persona designada para componer la mayoría de bandas sonoras de su filmografía.

En el 2002 Shinkai decidió dar el siguiente paso y renunciar a su trabajo para dedicarse a crear, desde la sala de su casa, una OVA de 25 minutos llamada "Voices Of A Distant Star" que en definitiva sería la animación que le abriría las puertas para poder convertirse en un director reconocido.

Luego de recibir varios premios fue contratado por el estudio ComixWave Inc. y en el 2004, con un staff compuesto por 30 artistas y animadores, hizo su primer largometraje oficial: "The Place We Promised In Our Early Days".

En síntesis, todos sus trabajos retratan temas similares, a veces haciendo uso de elementos futurísticos (Voices of a Distant Star), de ciencia ficción (The Place we Promised in our Early Days) y fantasía (“Children Who Chase Lost Voices” del 2011, que fue su tributo a Miyazaki); sin embargo fue en el 2007 cuando creó su Magnum opus, la película en la que deja de lado cualquier elemento fantasioso y hace algo 100% realista con lo que muchos se identificarían.

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5 Centímetros por segundo.

Con este mediometraje de presupuesto muy limitado, Makoto Shinkai demuestra su talento para narrar, crear bellos escenarios y contar una historia memorable donde el romance, la animación y la vida real se solapan.

Pocos directores son capaces de hacer algo tan sencillo, simbólico y perdurable con un guión que no tiene más de 2 ó 3 líneas de longitud. Podría decirse que, en ese aspecto, Makoto Shinkai me resulta similar a directores como Richard Linklater en la profundidad de lo simple y cotidiano, y a un grande como Orson Welles en relación a que cada detalle es importante; esto queda más que claro en su película del 2013: "The Garden Of Words", donde la lluvia no es tan solo un elemento expresivo, sino un personaje más.

Aparte de sus filmes, Makoto Shinkai también ha hecho varios cortometrajes y colaborado con comerciales para el periódico local Shinano Mainichi Shinbun, la Corporación Taisei y para el centro educativo Z-Kai. En conclusión, ante la ausencia de Ghibli y/o Miyazaki, recomiendo bastante la filmografía de este director, que se ha convertido en uno de los que más crea expectativa al anunciar un nuevo título. De paso, aprovecho para recomendar el trabajo de otros directores talentosos como: Satoshi Kon, Mamoru Hosoda, Ishida Hiroyasu y Yasuhiro Yoshiura.

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CUANDO PASAN LAS CIGUEÑAS “Por lo cielos vuelan, como naves, las grullas felices…

Tras sus picos largos, van esas aves blancas y grises” Cuando pasan las cigüeñas” (1957) fue una de las primeras películas que vi este año, y aunque admito que al comienzo me mantuve un poco receloso por la temática tan manoseada que existe en rodar un romance en medio de una guerra, terminé gratamente sorprendido; y es que Mikhail Kalatozov hace un trabajo magnifico detrás de cámaras.

La historia es simple, una pareja de enamorados pasea por las calles de Moscú cuando ven pasar un grupo de grullas sobre el cielo ruso, ella las contempla y recita unos versos. Unos días más tarde la guerra llega a sus puertas, con lo que Boris decide alistarse en el ejército, poniendo así los intereses nacionales sobre los personales. Pero kalatozov no solo nos cuenta la historia de dos amantes, nos cuenta como la guerra afecta sus vidas, como las destruye, las aprieta, las explota.

Particularmente no puedo dejar de recomendar este pequeño gran drama bélico, que incluso se alzo con la Palma de Oro en Cannes. Curiosa es la forma en que llego al festival, pues no es un secreto como

las relaciones internacionales post segunda guerra mundial (guerra fría) afectaron la forma en que se veía el cine proveniente de tal o cual país. Pero gracias a una serie de eventos gratamente afortunados, la cinta llegó y ganó.

Podría continuar escribiendo un poco más pero mi madre me apremia para realizar otras actividades. Probablemente este es mi último párrafo así que no puede dejar de recomendar esta película a cualquiera que guste de los dramas bélicos; y no solo a ellos, al que le encante el cine en blanco y negro también lo maravillará.

Incluso a esos ortodoxos que desean la perfecta combinación entre forma y fondo, ya que a pesar de algunos bajones en el guión, el final inyecta vitalidad a la cinta.

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MÚSICA EN EL CINE

Las horas, título original: “The hours”, una película de 2002 dirigida por Stephen Daldry que relata el día de tres mujeres que viven en diferente época pero que comparten ese mismo sentimiento de amargura y desilusión hacia la vida pese a que éstas sean comunes e invariables, para lo cual Philip Glass el compositor a cargo, nos va narrando por medio de la música esta misma trama llegando a parecer por momentos que la música es un reloj que no se detiene por las mismas estructuras reincidentes musicales. Al inicio el cello presenta una melodía apacible que logra evocar cierta tristeza y desesperanza, así haciendo que la imagen, dialogo, música y las increíbles actuaciones de Nicole Kidman, Meryl Streep y Julianne Moore logren tener la carga dramática requerida.

Las frases musicales son cortas con algunas variaciones durante la obra y de un pulso constante el cual no cesa durante todo el filme llegando así a un estado de pesimismo y melancolía en su máxima expresión hasta el clímax, la economía en el lenguaje musical es muy palpable desde la primera pieza siendo así, un movimiento lento y plácido; incluso en esencia algo somero.

La banda sonora estuvo nominada a los premios Oscar, Golden Globe y los BAFTA logrando ganar este último; ese mismo año estuvo nominada junto con otras obras de gran peso tales como El pianista, Chicago, Gangs of New York y Atrápame si puedes, de las cuales sólo “Las horas” y “Atrápame si puedes” lograron estar nominada para los Golden Globe y los premios Oscar pero en esa ocasión la banda sonora ganadora fue de la película “Frida”.

Les recomiendo ampliamente esta película que cuenta con una considerable complejidad narrativa, si desean pasar una tarde de reflexión y continuar con dicha cavilación escuchen por separado la música para disfrutar de cada nota cuidadosamente representada.

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Philip Glass ha sido catalogado como un compositor minimalista por la iteración de las frases musicales en su creación, ausencia de ornamentos y la sencillez de la melodía.

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las horas La banda sonora estuvo nominada a los premios Oscar, Golden Globe y los BAFTA logrando ganar este Ăşltimo; ese mismo aĂąo estuvo nominada junto con otras obras de gran peso.

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EXTRAS/ RESEÑA

Hay iconos cinematográficos que provocan tal expectación que con solo pronunciar su nombre producen un escalofrío. Uno de ellos es el psiquiatra criminalista “Hannibal Lecter" (el Drácula del siglo XXI según Stephen King), más conocido por Hanibal el caníbal. Aquel que hace realidad la fantasía inconfesable de acabar con sus enemigos comiéndoselos (literalmente), y cuya inteligencia prodigiosa hace temblar a todo ser humano.

Han pasado 10 años, tanto delante como detrás de las cámaras, del film estremecedor de Jonathan Demme, y se publica la novela de Thomas Harris que continúa las andanzas de este manipulador antopófago. Pronto se comprarían los derechos cinematográficos para poner de nuevo en el candelero al magistral Anthony Hopkins, con el personaje que hizo suyo de todas las maneras posibles, orientando el gusto, el tacto, el olfato y el oído a este depredador refinado. Si el mal se distinguía por su inteligencia, ya tenía a Hannibal Lecter como uno de sus mejores exponentes.

Otra historia fue el rechazo de Jonathan Demme, del que tomó el relevo un Ridley Scott resucitado tras su Gladiador rompedor, que dio con una manera visceral, elegante a la par que bohemia forma de darle una continuación a la 'Saga Lecteriana'. Pero si algo resultó efectivo en esta secuela de lujo, fue la elección para poder sustituir a la némesis justiciera de este particularísimo 'mad doctor'.

Al dejar vacante Jodie Foster su oscarizado papel de esforzada novata del F.B.I. en la esperada secuela, es en esta ocasión una eficaz, volcada y fuerza de la naturaleza femenina en el cuerpo y maneras de una magistral Julianne 40

Moore quien consagró de nuevo a Clarice Starling, mostrando una profesionalidad y dureza adquiridas a lo largo de los años para desempeñar su trabajo, con la dedicación que le siguen inspirando los gritos de los corderos para ser salvados. Pero aquí los enemigos están también engrosando las filas de la ley, y con el único propósito de atrapar al caníbal, y a sabiendas de la relación que entabló 'Starling' con 'Lecter', debido a una misión fallida de nuestra heroína, desde las altas esferas del F.B.I. (corrompido), se la pone contra las cuerdas para que aparezca 'Hannibal' al rescate poniendo como cebo a 'Clarice' bajo las maquinaciones del millonario de Mason Verger (la única víctima de 'Lecter' superviviente 'a sus cuidados', y que interpretó un irreconocible Gary Oldman pareciéndose descaradamente en su deformidad a Michael Jackson).

Con esta atrapante premisa argumental y el telón de fondo de la excepcional ciudad de Florencia, Ridley Scott articuló una secuela impactante dotándola de un estilo propio, descarnado a la par que elegante, y en la que me quedo de entre sus numerosos logros visuales, narrativos e interpretativos, con la recordadísima cena final, en la que la casquería encéfala culinaria de 'Lecter' provocaba arcadas de disgusto en una inofensiva Starling, sometida por la inteligencia de aquel que le declara su amor, no correspondido en el cine y que sí lo fue en el libro, de un 'Hopkins' enfrentado y enamorado a una 'Moore' entregada al cumplimiento de la ley mientras sonaba la inolvidable banda sonora de Hans Zimmer, que trasmitía a la perfección las motivaciones del caníbal protocolario por antonomasia.

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hannibal por cristobal jimenez calvo

Hay iconos cinematográficos que provocan tal expectación que con solo pronunciar su nombre producen un escalofrío.

Uno de ellos es el psiquiatra criminalista

“Hannibal Lecter"

(el Drácula del siglo XXI según Stephen King),

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Stan Brakhage nació con el nombre de Robert Sanders en un orfanato de Kansas City, Misuri, el 14 de enero de 1933, y fue adoptado dos semanas más tarde por Ludwig y Clara Brakhage, quienes le dieron el nombre de James Stanley. Actuó en la radio como niño soprano, cursó la enseñanza secundaria en Denver y dejó los estudios en Darmouth a los dos meses de empezar. Al principio de su carrera se dejó influir por personajes como Jean Cocteau y los neorrealistas italianos, pero, tras su llegada a Nueva York, en 1954, evolucionó hacia la floreciente escena cinematográfica de vanguardia, inspirándose en artistas y cineastas como Maya Deren, Marie Menken y Joseph Cornell, con quien colaboró en diversas ocasiones.

Como la obra de muchos radicales artísticos, la suya se describe a menudo como lo que no es: trabajando en un medio fotográfico más comúnmente definido por la narración de historias y la reproducción de objetos y acontecimientos del mundo real, Brakhage realizó películas que normalmente carecían de argumento, a menudo no eran figurativas y a veces prescindían incluso por completo de la fotografía. Con pocas excepciones, sus películas estaban hechas también sin sonido, ya que consideraba que éste podría disminuir la intensidad de la experiencia visual.

La obra de Brakhage es tan notable por su variedad como por su cantidad: Muchas de sus cutrocientas películas (que van de los 9 segundos de duración de “Eye Myth” (1967) a las 4 horas y media de “The Art of Vision” (1961-1965) siempre crean una tensión perceptiva que incita al espectador a cambiar sus esquemas de comprensión de las imágenes, incluyen meditaciones sobre la sexualidad y la vida doméstica, así como composiciones completamente abstractas realizadas mediante el rayado, el tintado y otros tipos de alteraciones del propio celuloide. En “Mothlight” (1963) introdujo

En una carrera que comenzó en la década de 1950, Brakhage realizó unas cuatrocientas películas, entre su primera película, “Interim”, en 1952 y su última, “The Chinese Series”, en 2003, año de su muerte. También escribió y enseñó extensamente sobre cine.

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brakhage

L CINE

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ARCHIVO 7 hojas, pétalos y porciones de insectos entre bandas de cinta perforada, y después transfirió sus imágenes al cine.

Precisamente pintar el celuloide fue una de las técnicas experimentales con la que Brakhage llevó a cabo esa “enseñanza visual”. Y es que la innovación es el común denominador en su obra. Pintar y/o rayar la superficie del celuloide, reemplazar la película por cinta transparente, un montaje precipitado o el collage (Mothlight 1963, uno de los más sugerentes) fueron técnicas que el cineasta empleó en su personal investigación de la naturaleza del cine. De ahí que sus películas nos planteen una nueva forma de entender las imágenes al cuestionar nuestra forma de acercarnos a ellas.

Brakhage tambien fue uno de los pioneros y principales exponentes radicales y experimentales dentro del nuevo cine americano de las décadas de 1960 o 1970, liderado por Jonas Mekas y otros veintidos directores independientes, el cual es una corriente de cineastas estadounidenses que desde finales de los cincuenta defiende la independencia económica y estética del cine de Hollywood.

Cabe recalcar que Brakhage es un personaje que a lo largo de su carrera fue un gran icono en el cine estadounidense experimental gracias a que carecía de narrativa y el montaje experimental que lo hacía único en su forma de hacer y ver el celuloide, quien, hablando del arte, definió la postura que deberíamos optar frente a su trabajo cuando dijo que “el arte es un pasatiempo difícil y (que eso, precisamente) es lo más hermoso que tiene”. Y es que para Brakhage la dificultad (de comprensión) del arte no era un contratiempo sino un aliciente.

Por ello, la postura que debería tomar el espectador y el cineasta ante una forma desconocida de expresión artística es la de quien se esfuerza “por comprender y desvelar los enigmas y la complejidad del cine poético”. Estas breves notas son uno de los resultados del esfuerzo que exige el cine de Stan Brakhage.

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colaboracion de: aar贸n mariscal

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crédi t Dirección: Eileen Gamboa Redacción: Edición y corrección:

José Bueno/aarón mariscal/

raul flores creACIÓN DE CONTENIDO:

césar quintana /eduardo vázquez Artículos: eduardo Vázquez Desde Adentro: Leonardo Mancilla Zona Terror: David Gomez ojo seriéfilo: alexander loaiza del cine a la realidad: aarón mariscal cine asiático/oriental: andrés H. romero archivo 7: cesar quintana Diseño: Katerin Dueñas.

7+1: algo mas que cine :

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