Edicion 24

CATE BLANCHETT

LAS DECISIONES DE DIRECCIÓN:

LA COMPOSICIÓN /20

ed. 24 AGITSI 2016

¿Qué hace que un actor o actriz sea grande? ¿Serán lo años que se logra mantener en la pantalla, o quizá los Óscar que sume a su trayectoria? ¿Qué tan amplia sea la gama de sus personajes o incluso la extravagancia de estos? Por suerte para nosotros, escribimos para un público que conoce la respuesta, y es por eso que cada vez que dedicamos nuestra revista a uno de estos artistas, tratamos de ofrecerles lo mejor de lo mejor.

Este mes no podía ser la excepción, e incluso nos pusimos un poco más elegantes, trayéndoles a uno de los más grandes exponentes del gremio en la actualidad.

Entonces... ¿Qué será lo que hace grande a Cate Blanchett? ¿Será su elegancia, su belleza, su madurez, su equilibrio? ¿La perfección con la que interpreta cada personaje, sin importar si este es una gran dama elfa, un hombre, una furiosa reina, unas gemelas muy opuestas o una lesbiana en los años 50? ¿O quizá su impecable trayectoria? ¿O los múltiples premios y nominaciones

Editorial: Esta publicación, es editada sin ningun fin de lucro, el contenido de los artículos es responsabilidad de los autores.

Las personas mencionadas, asi como marcas e imágenes utilizadas en el diseño de la revista son usadas únicamente con fines editoriales para ilustrar los artículos y noticias de los filmes mencionados, de los cuales sus derechos de autor pertencen a sus dueños respectivos.

que ha logrado alcanzar?

Lo cierto es que Blanchett es un sello de garantía. Una artista que en la que podemos confiar y que sabemos que, como pocos hoy en día, nos regalará un trabajo de altura. Sumamente profesional, limpio, creíble y muchas otras características la identifican y que hacen que roce con la perfección.

Esperamos que disfruten de una nueva edición de Zona 7, dedicada a la que considero como la perfección hecha mujer. ¡Búscanos en las redes sociales y cuéntanos tu opinion! ¡Hasta la próxima!

Eileen Gamboa N. Directora Editorial. editorial@revistazona7.com

Dirección Eileen Gamboa Editores Aarón Mariscal, Raul Flores Redacción Altair Vázquez Enrique Borbón Leonardo Mancilla David Gómez Belén Banega Diseño Editorial Katherin Dueñas, Ruth Perez, Aarón Mariscal Fotografías Distintas fuentes de internet.

contenıdo LAS DECISIONES DE DIRECCIÓN: LA COMPOSICIÓN/8 BIO: CATE BLANCHETT/20 BASKIN: ¿HAS VISTO UNA PELÍCULA DE TERROR TURCA? / 24 PONTYPOOL: CALLA O MUERE /26 EL CINE MUERE: ¡LARGA VIDA AL CINE/TV!/12 TOP 7: PELCULAS DE CATE BLANCHETT/34 TIEFLAND /36 CAROL: O DE CÓMO EL CINE QUEER PASÓ A SER SOLO CINE /38

SOBRE NOSOTROS Somos una revista mensual, que tiene como fin exclusivo, la difusión de información útil y práctica sobre el cine, dirigida especialmente a ésas personas amantes del séptimo arte con deseo de aprender más, de una manera práctica y de fácil comprensión.

Aprovechando las plataformas web y las redes sociales traemos hasta usted una revista gratuita y de fácil acceso, sin dejar de lado la excelencia en cada detalle.

Nuestro equipo cuenta con personas de diferentes paises de Latinoamérica, entre ellos Perú, Colombia, México, Bolivia, Guatemala, Costa Rica, Argentina y Uruguay.

Bienvenido a nuestra zona, la zona del séptimo arte

LA COMPOSICIÓN USOS Y TIPOS DE Ejemplo del uso de las formas rectas en planos quietos (Blade Runner, Ridley Scott, 1982)

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DESDE ADENTRO

N, TERCERA PARTE: E COMPOSICIÓN. omo comentábamos en la pasada edición, el cómo componer imágenes para cine se basa en entender muy bien que cuenta la película; encontrar el tema de la película, y en guiar la mirada del espectador; que tanto imagen y sonido le dan información al espectador para que este siga la historia. Ambos factores le dan poder a la narrativa de la película, permiten conectar al espectador con algo más que la historia que les es contada. La manera como están compuestos los planos de una película le permiten al director construir en el espectador un descreimiento de la realidad, introducirlo en la película y que este sienta que está de viaje. De lograrlo, el director ha cumplido con una tarea muy difícil de realizar. Aquí la continuación de nuestro especial de tres partes sobre la

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1.) Tipos de composición en cine: composición.

El punto de partida para determinar la composición de un plano es determinar el punto de máximo interés en el plano, teniendo en cuenta todos los elementos que constituyen la construcción del plano que explicamos en la pasada edición. Sabiendo el elemento de máximo interés del plano se pasa a pensar en el lugar del plano donde estará ubicado y de qué manera estará distribuida, la zona donde repose el elemento será el punto clave del plano. El lugar y la forma de este punto clave, o de estos puntos clave en caso de que la composición sea más compleja depende de varias clasificaciones.

Los tipos o clases de composición dependen de dos factores.

La forma, es decir la forma de la composición en el encuadre, si está construida por lineamientos curvos o rectos, por lo general, en planos quietos, sin ningún emplazamiento, las características

de la forma de la composición tiene lineamientos rectos, y cuando el plano tiene movimiento, los lineamientos son curvos. El segundo factor es lo que se busca expresar, en este punto se piensa por los elementos distribuidos en el plano, si existe uno de máximo interés (como en la gran mayoría de composiciones), o si existe una igualdad de interés, cosa que sucede mucho en planos donde se ubican a dos o más personajes denominados two shot, three shot, etc. O donde todos los elementos distribuíos en el encuadre dan al espectador una información igual de importante.

Teniendo en cuantos estos dos parámetros, estos son los tipos de composición más usados en cine.

Motívese a utilizarlos y a dejar de lado las composiciones más con-

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vencionales:

1- Composición en cuadro (Composición sencilla): Composición con solo un punto de interés en el encuadre. En la mayoría de veces es un primer plano con limitada profundidad de campo para darle forma y volumen al elemento de máximo interés, también se usa en todos los demás valores de plano conservando a un solo elemento de máximo interés reposando sobre alguno de los tercios o en el centro del encuadre.

Punto de máximo interés (Primer plano de Abraham Lincoln, en Lincoln de Steven Spielberg, 2012) reposa sobre el tercio derecho.

Composición mixta: La expresión de Alexander es retratada en un primer plano, que al ser además un over shoulder del personaje del padrastro y al estar compuesto en punto céntrico del plano, lleva la mirada hacia la expresión creando la percepción de que es un primer primerísimo plano del ojo de Alexander. Ejemplo de como una buena composición engaña la mirada. (Fanny y Alexander, Ingmar Bergman, 1982)

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EN LA MAYORÍA DE VECES ES UN PRIMER PLANO CON LIMITADA PROFUNDIDAD DE CAMPO PARA DARLE FORMA Y VOLUMEN AL ELEMENTO DE MÁXIMO INTERÉS, TAMBIÉN SE USA EN TODOS LOS DEMÁS VALORES DE PLANO CONSERVANDO A UN SOLO ELEMENTO DE MÁXIMO INTERÉS REPOSANDO SOBRE ALGUNO DE LOS TERCIOS O EN EL CENTRO DEL ENCUADRE. Ejemplo del uso de las formas rectas en planos quietos (Blade Runner, Ridley Scott, 1982) Gran primer plano en 2001, la odisea del espacio (Stanley Kubrick, 1968) es un claro ejemplo de la más sencilla composición en cuadro.

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2- Composición en ángulo: La mirada del espectador reposa en alguno de los cuatro ángulos del encuadre porque el o los puntos de máximo interés se ubican allí. Composición de gran complejidad en la que se expresa mediante el espacio vacío que queda en el centro, en la que se debe tener cuidado en caso de que haya movimiento para que la recomposición del encuadre sea armoniosa y no se descomponga.

Punto de máximo interés reposa en el anglo superior derecho, manteniendo el interés en el personaje mientras que las demás zonas del cuadro están en armonía por color y textura, guiando la mirada de inmediato al personaje.

(The Fall, Tarsem, 2006) Punto de máximo interés reposa en el anglo inferior izquier-

do, manteniendo extremo interés en esta zona a pesar de que el fondo está lleno de otros elementos (Ida, Pawel Pawlikowski, 2013).

Composición en ángulo con dos puntos de máximo interés. El primero, el que más resalta, el personaje de Alexandria, que guía el interés del espectador hacia lo que ella mira, el segundo punto de interés ubicado en el ángulo superior izquierdo. Ejemplo de composición mix-

LA MIRADA DEL ESPECTADOR REPOSA EN ALGUNO DE LOS CUATRO ÁNGULOS DEL ENCUADRE PORQUE EL O LOS PUNTOS DE MÁXIMO INTERÉS SE UBICAN ALLÍ. COMPOSICIÓN DE GRAN COMPLEJIDAD EN LA QUE SE EXPRESA MEDIANTE EL ESPACIO VACÍO QUE QUEDA EN EL CENTRO,

fotogramas de The fall (Tarsem 2006) e Ida, Pawel Pawlikowski, 2013).

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ta (The Fall, Tarsem, 2006)

3- Composición en triangulo:

Composición con tres puntos de máximo interés ubicados en los vértices del triángulo que estos tres construyen. La mirada del espectador es concentrada hacia el vértice y es despertada por la psicología con la que se utiliza este plano, en la que el elemento puesto en el vértice superior tiene predominancia sobre los elementos en los vértices inferiores, el espectador siente interés por observar todo el cuadro.

Composición triangular construida por las dos montañas y los dos jinetes reposando en el vértice superior que está al revés. Las líneas de las montañas guían la atención hacia ambos personajes.

(Lawrence de Arabia, David Lean, 1962) El ratio de luz del escenario donde da el discurso Charles Foster Kane construyen los dos vértices inferiores del triángulo que siguen con el público en las butacas. El vértice superior contiene el rostro y el apellido del personaje mostrándolo como el punto de máximo interés (Ciudadano Kane, Orson Wells, 1941)

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fotogramas usando composición en triangulo: ciudadno kane (Orson Welles, 1941) y Lawrence de arabia (David Lean, 1962) (inf. der) Fotogramas usando composicón circular: lo que el viento se llevó (Víctor Fleming, Sam Wood, George Cukor, 1939) y Ojos bien cerrados, (Stanley Kubrick, 1999) (inf. izq)

4- Composición círculo:

en

Composición poco usual en la que existe un elemento central de máximo interés rodeado de otros elementos a su alrededor. Por lo general está ubicado en el centro del plano, pero también puede alojarse sobre uno de los tercios.

Composición mixta, llena de elementos pero solo con uno de máximo interés, la personaje vestida de blanco con sombrero con texturas rugosas, que se resalta por el círculo construido por hombres vestidos de gris, negro y marrón con texturas lisas a su alrededor. Un ejemplo de como el color y la textura son elementos importantes en la composición. (Lo que el viento se llevó, Víctor Fleming, Sam Wood, George Cukor, 1939) Los personajes con túnica negra construyen un círculo perfectamente simétrico que es posible de ser apreciado gracias el ángulo y perspectiva usados. Desde un picado nuestra mirada es conducida hacía en interior del círculo, donde la luz es más directa y los personajes usan túnica de colores más claros, siendo el que usa túnica roja y el que no usa mascara los máximos puntos de interés.

(Ojos bien cerrados, Stanley Kubrick, 1999) Primer primerísimo plano del pie rodeado por las manos, ejemplo de una composición circular que no parte de contrastar con color y textura para guiar la mirada. (El árbol de la vida, Terrece Malick, 2011)

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5- Composición en curva o en “S”:

Composición compleja, la distribución de los elementos en encuadre debe ser armoniosa para llevar la mirada a través de distintos términos de la imagen sin molestar al ojo. El espectador realiza el recorrido a través de todos los elementos encuadrados donde todos tienen igualdad de interés.

Los elementos están distribuidos alineados de tal manera que el ojo haga un recorrido en curva.

Composición usada en la mayoría de los casos en planos generales donde los puntos de interés son una multitud de objetos o personajes. En este ejemplo el ojo hace un acercamiento desde los caballos y carros de término más profundo de la imagen, atravesando por las personas de negro en los términos más cercanos, para acercarse a primer término donde su viaje en curva termina encontrando a los religiosos de vestido blanco. (Days of heaven, Terrence Malick, 1978) Uso en planos cortos. Debido a que no hay muchos elementos en planos más cortos, la curva se da por como estén puestos los elementos en el plano. Aquí es la pequeña curvatura del brazo la que nos lleva a hacer un viaje desde el rostro del personaje por su brazo hasta la mariposa que se posa en su mano. En este plano hay recomposición, ya que la cámara se acerca a la mano quedando en primer primerísimo plano. (El árbol de la vida, Terrence Malick, 2011)

6- Composición en “Z”:

Composición que también le pide al espectador hacer un recorrido a través de los elementos en puestos en el cuadro, tal como la composición curva.

En este caso los elementos de máximo interés se ubican en línea recta, unos sobre el primer tercio suprior y otros sobre el segundo tercio inferior. Alguno de los dos grupos tiene una predominancia en tamaño con respecto al otro, lo que lleva a hacer un rápido viaje en forma de zeta. Está composición excita la mirada del espectador por el movimiento que hace y porque la lleva a través de todo el cuadro.

Los rostros de las hermanas y la mucama sobre en primer tercio horizontal superior es por donde comienza el viaje de la mirada. La que baja y recorre el cuerpo de la hermana enferma que está en constante movimiento.

Los rostros son elementos de interés predominantes por su tamaño y dan la sensación de profundidad. (Gritos y susurros, Ingmar Bergman, 1972) Composición no recta. Aunque el plano está perfectamente recto, la composición en él está angulada, el viaje en zeta que hace el ojo comienza en el fondo donde se libra la batalla, sube hacia las montañas, baja y sube hasta encontrarse con el personaje.

El cambio de perspectivas a través de los términos da una sensación de profundidad que el espectador siente. (Lawrence de Arabia, David Lean, 1962)

7- Composición

en

fotogramas de arriba hacia abajo de Lawrence de arabia (David Lean, 1962) , el arbol de la vida, Days of heaven, (Terrence Malick, (2011 , 1978) y Gritos y susurros (Ingmar Bergman, 1972)

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Cruz:

Composición en la que los elementos en cuadro están dispuestos formando una “T” o una cruz, a veces una “Y”. En la gran mayoría de veces se compone mixtamente de primeros planos y planos medios de personajes hablando o moviéndose, por lo que provoca concentración e interés en el espectador.

El punto de máximo interés es Jep Gambardella, quien compone como si fuera la línea vertical de la cruz, la línea horizontal son las manos que están en constante movimiento al igual que la cámara, llevando el interés del espectador hasta el personaje. (La gran belleza, Paolo Sorrentino, 2013) Tres puntos de máximo interés en los que tres personaje en plano medio están distribuidos de tal manera que el personaje del centro es la línea vertical de la cruz y los rostros de los personajes a ambos lados componen la línea horizontal de esta. (El hombre de Londres, Bela Tarr, 2007) Lo que construye las composiciones, los elementos de máximo interés son figuras, de las cuales hay dos tipos: las figuras reales, que el espectador reconoce por existir en nuestra realidad y de las cuales hay que tener cuidado para que el espectador tenga de ellas una percepción igual a la que tiene de ellas en la realidad. Ejemplo; un rostro humano, de tener una forma extraña en una película el espectador se distancia de lo que ve.

Y las figuras abstractas, o no reales, con estas figuras hay que ter cuidado ya que al no ser de la realidad el espectador se puede confundir, hay que presentarlas y representarlas como figuras que habitan solo en el universo de la película.

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2.) Principios básicos de composición: En los distintos tipos de composición usados en cine se manejan una serie de principios básicos con los cuales los tres constructores de la imagen de una película determinan si la composición usada en un plano es de verdad la más apropiada respecto a lo que se narra en ese plano. Estos principios básicos se tienen a la mano cada vez que se procede a representar algo en imagen y en sonido para lograr una buena composición:

fotogramas de arriba hacia abajo de La gran belleza, (Paolo Sorrentino, 2013) y El hombre de Londres, (Bela Tarr, 2007) usando composición en Cruz

• Unidad: Un cuadro o encuadre cuenta una historia. Todos los elementos en el (iluminación, color, textura, personajes, acción, música, situación) se relacionan en pro de lo que se narra.

• Variedad: Riqueza en los elementos de composición. Buena construcción de la forma, el tamaño, las texturas, los colores, etc.

• Armonía: Debe existir convivencia entre unidad y variedad.

• Balance: Simetría y cuidado con el punto de máximo interés. Que este resalte en el encuadre, pero sin desequilibrar en encuadre y sin hacer que tal plano este fuera de relación con los otros planos de la escena.

• Ritmo: manera como la mirada mira los elementos. Relacionada con la puesta en serie (el montaje) qué relación hay entre plano y plano al acoplarlos.

• Paso: cuando los objetos se mueve dentro del encuadre o cuando la cámara se mueve, se debe tener cuidado con el paso de estos movimientos para que la observación del espectador no sea incomoda.

• Proporción: medida física de las cosas.

• Énfasis: las partes importantes del encuadre deben atraer al ojo a través de una buena distribución de los elementos, y una especial atención de la unidad y la variedad en esta zona del cuadro.

• Dominancia: Tema del plano, dado por el tema general de la película y el tema que se trate en la escena. El plano debe mostrar el de que trata la escena empleando algún tipo de composición que le sirva.

• Continuidad: Relación entre los planos de una escena, que los elementos (color, texturas, forma, iluminación) en ellos sean continuos y no salten.

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3.)

Uso de la composición en narrativa cinematográfica: A simple vista, rodar un plano con todo lo explicado en nuestras tres últimas ediciones puede ser un proceso de gran ingenio, pero si no se piensa en cómo se verá después de la post-producción tal vez la totalidad del proceso desde la pre-producción sea en vano. El cine no solo es imagen en sucesión que da sensación de movimiento, también es montaje, el montaje también es movimiento, pero depende de que todo dentro de él, imagen, sonido y efectos estén en equilibrio. Si una película tiene, un buen guion y se rueda de tal manera que sea bella visualmente en todos sus planos se ha logrado algo importante. Pero para que la belleza puesta en los planos sirva, hay que saber que uso tiene el crear buenas composiciones.

• Generar atmosferas: Todos los elementos dentro del plano logran crear atmosfera si son bien empleados y equilibrados, la iluminación y el color junto al sonido puede crear sensaciones que afecten al espectador. La atmosfera es la mezcla resultante de utilizar todos estos elementos y va directamente a la emoción.

Y como todos sabemos, una película con emoción es una película bien dirigida. La emoción también da información respecto a la narrativa, pero es en otro aspecto que también radica en la atmosfera donde la historia de la película toma fuerza. Es en el intelecto de la información que esta contenga y como se le da al espectador a través de las atmosferas. Ejemplo:

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en una escena en la que un investigador resuelve el problema que siguió en toda la película, si tal escena no tiene atmosfera pasa a ser banal, y por más increíble que resulte lo que el investigador encuentra, si no hay emoción a través de color y la iluminación, al espectador no le parecerá la gran cosa.

Ese es el problema con muchas películas, no tienen atmosfera.

• Deleitar al espectador: Puede que suene duro, pero la gran mayoría de espectadores que van a cine poco van a museos o a obras de teatro. La composición de la imagen y la composición sonora de las películas mejor dirigidas son literalmente cuadros pictóricos en movimiento. Algunas películas son de tal belleza que se pueden comparar al trabajo artesanal que requiere la pintura, la escultura, la arquitectura, el teatro, la danza y la música, solo por mencionar algunas artes. Él espectador que va a cine tal vez no sapa mucho de arte o de teoría estética, pero es inherente al ser humano reconocer la belleza cuando es testigo de ella. Un espectador agradece cuando una película es una experiencia diferente por lo que cuenta, y agradece el doble cuando además de contar algo genial lo hace a través de la belleza. He ahí el éxito de películas actuales de alto presupuesto pero que no son Block busters y de películas pequeñas que han atraído publico solo porque el tráiler los hipnotizo con sus imágenes.

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fotogramas de arriba hacia abajo de Blade Runner, (Ridley Scott, 1982) y Let the right one in, (Tomas Alfredson, 2008)

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“Ansiedad, pesadillas y un colapso nervioso. Hay sólo una cantidad de traumas que una persona puede aguantar antes de que la lleven a la calle y empiece a gritar.”

JEANETTE “JASMINE” FRANCIS -BLUE JASMINE

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BIO 7

CATE BLANCHETT” COMENZÓ A HACERSE UN NOMBRE POR SÍ MISMA EN EL TEATRO POCO DESPUÉS DE GRADUARSE EN EL INSTITUTO NACIONAL DE ARTE DRAMÁTICO DE AUSTRALIA EN 1992.

atherine Elise Blanchett nació en Melbourne, Australia, el 14 de mayo de 1969, “Cate Blanchett” comenzó a hacerse un nombre por sí misma en el teatro poco después de graduarse en el Instituto Nacional de Arte Dramático de Australia en 1992. Ella ganó rápidamente papeles con la Sydney Theater Company.

Blanchett ganó el Premio Revelación del Círculo de Críticos de Teatro de Sydney en 1993. También recibió elogios de la crítica por sus papeles en producciones como Hamlet , la tempestad y la gaviota .

Blanchett fue a aterrizar en varias series de televisión australiana y americana, y luego hizo su debut en el cine en los

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Estados Unidos de 1997 con “Paradise Road”, sobre un grupo de mujeres detenidas en Japón durante la Segunda Guerra Mundial.

Más tarde, ese año, ella agarró la atención de Hollywood con su actuación junto a Ralph Fiennes en Oscar y Lucinda (1997). En 1998, la representación que la llevó al Globo de Oro fue Queen Elizabeth I en Elizabeth obtuvo la actriz su primera nominación al premio de la Academia con 29 años.

Blanchett tuvo un excelente rendimiento de reparto en 1999 con El talento de Mr. Ripley , una película también con Matt Damon , Gwyneth Paltrow y Jude Law . A continuación, en 2000, interpretó a una mujer psíquica en una pequeña ciudad del sur en el thriller The Gift , protagonizada junto a Katie Holmes y Greg Kinnear . Al año siguiente, Blanchett co-protagonizó junto a Bruce Willis y Billy Bob Thornton bandidos , y con Kevin Spacey y Julianne Moore en The Shipping News . Además, ella encabezó el drama de época de la Segunda Guerra Mundial Charlotte Gray , interpretando a una mujer británica que se introduce en el movimiento de resistencia francesa.

Al año siguiente, Blanchett apareció en la primera entrega de El Señor de los Anillos franquicia, dirigida por Peter Jackson y basada en la novela de JRR Tolkien . Ella desempeñó el papel de Galadriel en La comunidad del anillo (2001).

Blanchett regresó al personaje en la segunda y tercera entrega de la trilogía (el reencuentro con Elijah Wood , Ian McKellen , Orlando Bloom y Liv Tyler , entre otros recurrentes del reparto): Las dos torres (2002), y El retorno del rey (2003).

En 2005, Blanchett obtuvo su mayor galardón cinematográfico hasta la fecha: Obtuvo un Oscar a la mejor actriz de reparto por su

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interpretación de Katharine Hepburn en el Howard Hughes película biográfica The Aviator , dirigida por Martin Scorsese .

Dos años más tarde, Blanchett regresó a uno de sus personajes más famosos, la reina Isabel, en la película Elizabeth: La edad de oro (2007).Recogiendo un capítulo más adelante en la vida de Isabel I, la película explora cómo la reina maneja las amenazas a su gobierno y su relación con el explorador Sir Walter Raleigh . Blanchett ganó Screen Actors Guild Award, Golden Globe y nominaciones a los Oscar por su actuación.

Ese mismo año, la actriz tomó otra interpretación legendaria: Era

2014, esta vez a la mejor actriz, por su apasionante rendimiento en Blue Jasmine (2013). Ella actuó en la película junto a Sally Hawkins , Alec Baldwin y Annie McNamara.

Blanchett nuevamente mostró sus habilidades extraordinarias como actriz, que presenta un personaje que habita en un mundo artificial de prestigio social y el glamour en un intento de escapar de su pasado.

En 2008, Blanchett y su marido, el guionista Andrew Upton, fueron nombrados directores co-artístico de la Sydney Theater Company, sirviendo como tal durante varias temporadas, También actuó en va-

BIO 7

rias producciones que incluyeron de Jean Genet Las criadas , que apareció en el 2014 Festival del Lincoln Center en Nueva York.

Después de haber co-protagonizado en de 2014 el drama de la Segunda Guerra Mundial Los monumentos de los hombres y la película de animación Cómo entrenar a tu dragón 2 , Blanchett una vez más toma un papel icónico, esta vez como la malvada madrastra en la adaptación del 2015 de película no animada de Disney del cuento de Cenicienta , dirigida por Kenneth Branagh.

Blanchett también se reunió con el director de Haynes en otro drama para la temporada 2015, Carol

, en la que interpreta a un ama de casa que se envuelve en una relación sentimental con una vendedora de tienda ( Rooney Mara ). El proyecto fue adaptada de una novela de 1952 (originalmente titulada El precio de la sal ) por Patricia Highsmith. Tanto Blanchett y Mara recibieron nominaciones al Globo de Oro como mejor actriz. El filme terminaría recibiendo nominaciones adicionales en las categorías de mejor drama, dirección, entre otras. Ambas mujeres también recibieron nominaciones de la Academia por su trabajo, marcando así la séptima nominación al Oscar

de Blanchett.

VIDA PERSONAL

Blanchett y Upton tienen tres hijos: Dashiell John (nacido en 2001), Robert Romano (nacido en 2004) e Ignacio Martín (nacido en 2008), adoptaron una niña llamada Edith a principios de 2015.

Blanchett y Upton se conocieron y se casaron en 1997 .

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BASKIN Por: David Gómez

ago la pregunta, porque Baskin es de las pocas películas de género que conozco con esa nacionalidad y esa es la primera particularidad que encontraremos.

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El terror está en un auge y es cada vez más frecuente encontrarnos con producciones de género que tengan lugares de origen distintos a los que estamos acostumbrados; producciones eslavas latinoamericanas y asiáticas empiezan a salir por todos lados, para mostrarnos una visión más profunda sobre la perspectiva cultural del miedo que se tiene localmente: Fantasmas, asesinos y monstruos, todos con sus particularidades, lejos de una versión estereotipada de la cultura predominante. Recorremos bosques franceses, calles latinoamericanas, santuarios asiáticos con la naturalidad que los locales lo hacen, sin un misticismo agregado por parte de los turistas/víctimas de turno y sin la idea de rareza y misticismos que nos traen los directores, porque son actos que no son presentes en su cultura.

Cerrando este comentario ¿En serio era necesario que Eli Roth, en “Green Inferno”, dedicara esa escena contacto-visual tenso con todo y pieza musical incluida a un hombre partiendo un coco con un machete en un mercado peruano?

“Baskin” es una cinta muy completa, pero peca en algunos detalles argumentales; hay muchos cabos sueltos y partes en las que la explicación es nula. Si quieres disfrutar de una cinta cuya trama sea el punto fuerte, creo que deberías alejarte de esta.

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La musicalización es correcta, muy buena y en muchas partes se vale de elementos sonoros para crear su atmósfera, lo cual es acertado. Los personajes no están muy bien desarrollados, pero tampoco es necesario profundizar tanto… Aunque sí se hubiera agradecido el no contar con personajes tan planos o que estos generaran algún tipo de emoción por lo menos; el antagonista tiene un encanto que hay que destacaewr.

La primera advertencia que hay que hacerse:

“Baskin” es una cinta fuerte, no apta para cualquier espectador, pues la cosa es que la película pasa de un terror psicológico a un terror más crudo y físico en segundos. En partes, la emoción se concentra en un torture puro, pero en vez de dar descanso o tregua, esta salta hacia otros sentidos: oscuridad, silencio, ruido. ¿Habrá algún jumpscare? El jugar con estas tendencias sorprendentemente le funciona. El espacio pasa de un lugar claustrofóbico y sin escape a una gigantesca caverna de lo nauseabundo, toda una joya en la construcción del ambiente.

Aunque la secuencia final puede decepcionar y mucho, es de las mejores películas de terror que encontrarás si le encuentras el ritmo y le das una oportunidad, aunque es fuerte. Deberán verla bajo su propio riesgo.

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ZONA TERROR

¿HAS VISTO UNA PELÍCULA DE TERROR TURCA?

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Pontypool:

ALLA O MUERE. Por: Evelyn Perea n el universo del cine, la temática de infectados se repite hasta el hartazgo. Estas personas, que tras ser mordidas o casi despedazadas, corren a mil por hora en busca de carne fresca, se han vuelto cliché y ningún director ha aportado nada nuevo para ver en estas cintas antes novedosas. Pero de lo monótono siempre surge algo diferente. Este es el caso de “Pontypool” conocida en español como “Frecuencia Macabra”.

Este film sumamente original es del año 2008 y está basado en un exitoso best-seller “Pontypool Changes Everything” escrito por Tony Burgess. La dirección corre de la mano de Bruce McDonald (“Killer Wave”, “My Babysitter's a Vampire”) que sabe cómo hacerlo, acompañado además de un excelente reparto. Pasemos un poco sobre qué va.

La película nos sitúa en la pequeña localidad de Pontypool, ubicada en Canadá. En una radio local, el personal de la emisora despierta a sus vecinos con inquietantes noticias que tienen su-

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cesos en dicho lugar. Ésta premisa conduce al espectador a una situación donde cada segundo se vuelve más intensa y sobre el final se descubre lo mórbido de la situación. Los primeros veinte minutos de película se hacen un poco densos (Casi parece un radio teatro) pero después todo se vuelve extraño; pasa a la acción y por momentos tiene escenas con un dejo de comicidad. Cabe destacar lo original de la infección. El extraño virus que desata el caos en la ciudad de Pontypool se transmite a través del sonido que se articula en las palabras.

Sin duda, una película para ver un sábado en la noche, con ánimos de sorprenderse un poco.

Con actuaciones muy buenas, efectos también muy buenos, y lo mejor de todo, un sonido de lo más exquisito para una historia que se sale de lo común.

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Nuestras vidas estรกn puestas delante de nosotros, un amanecer perpetuo.

- Carol Aird

EL CINE MUERE, ¡LARGA VIDA AL CINE/TV! Por: Enrique Borbón

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l teatro cinematográfico o la sala de cine es, para muchos, el único lugar donde las películas deben ser vistas; las butacas num eradas, la pantalla gigante plateada, el sistema de sonido que reverbera por tus huesos. Se le llamó alguna vez al cine ‘el sueño colectivo’: decenas de ojos en la oscuridad, todos mirando a la misma pantalla, viviendo la misma experiencia, soñando el sueño. Suena maravilloso, y lo es, pero el cine, este cine, está acercándose poco a

poco a un evento catastrófico que podría acabar con la era del teatro…y eso no es algo malo.

TV, el hermano menor del cine

Los primeros shows en televisión no tenían contenido original, eran en su mayoría versiones con visuales de viejos programas de radio, shows de baile u operetas.

Algunos de los cortos de Warner Brothers empezaron a transmitirse por los televisores estadouniden-

ses. No fue sino hasta los ‘50 que las grandes cadenas empezaron a surgir, y con ello, shows hechos especialmente para la televisión.

Los talk shows y los sitcoms eran algo completamente diferente a lo que se veía en el cine (pero no en la radio): series largas con una narrativa que se cerraba en pequeñas dosis, pero que podían llegar a contar historias igual de largas o más que una película, volviéndose así más similares a una novela que a un filme.

ANIMACIÓN

INTERNET HA PERMITIDO ALGO QUE NUNCA ANTES SE HABÍA PODIDO, O AL MENOS NO SE PODÍA PARA TODOS: VER Y VOLVER A VER ALGO EN ORDEN.

La TV crece

Mientras avanzaba el tiempo, el contenido televisivo se volvía cada vez más especializado. Además de los ciclos de noticias de 24 horas las series, empezaban a tener presupuestos gigantescos comparados con sus predecesores, por ejemplo, MASH en los ‘70. Durante los ‘80 e inicios de los ’90, los sitcoms que junto con las series animadas conocidas popularmente como “SATAMs” (Sábado por la mañana) pululaban en el mercado televisivo. Producciones de presupuesto bajo (todo podía grabarse en un estudio personalizado) pero de grandes ganancias.

En 1998 ocurrió un hito televisivo de manos de la productora HBO: una serie centrada en la vida cosmopolita de una joven soltera; por supuesto, hablamos de Sex & the City. El show protagonizado por

Sarah Jessica Parker rompió con todos los paradigmas morales de lo que se podía transmitir en televisión, mostrando una vida completamente desarraigada de los morales estadounidenses clásicos.

La serie, por supuesto, fue un éxito arrasador: continuó hasta 2004 y tuvo 2 películas con charlas para una tercera.

En 1999 HBO volvió a romper con todas las reglas de lo preestablecido y transmitió The Sopranos, un drama sobre la vida del mafioso Tony Soprano, interpretado magistralmente por James Gandolfini. La televisión, que había sido puesta como un medio masivo apto para todas las edades y con producciones bajas-medias, se estaba convirtiendo en el hogar de los mejores contenidos disponibles.

Películas de 12 horas

Del lado de las películas, en 2001 se estrena Harry Potter y la Piedra Filosofal. Basada en el libro homónimo la película, fue uno de los éxitos taquilleros de ese año. En 2002 se estrena la secuela: Harry Potter y la Cámara de los Secretos. Este proceso continuaría hasta 2011 con la salida de Harry Potter y las Reliquias de la Muerte pt. 2, la octava película de la saga. Cabe destacar que cuando se estrenó la primera, las novelas no habían terminado su publicación (iban por el cuarto tomo). Es aquí donde el mundo del cine da uno de los primeros guiños a la idea de historias serializadas. Si bien ya había filmes con un gran número de secuelas (Como Star Wars/Trek) todas eran pensadas como películas individuales primero y capítulos de una historia más grande en segunda.

LA SERIALIZACIÓN ES LA FORMA DEL FUTURO DE HACER CINE. UNA FORMA MUY DIFERENTE DE HACER LAS COSAS QUE SE ACERCA MÁS A LA TELEVISIÓN. Harry Potter sería diferente, con cada película siendo una aventura individual que construye al gran final de Las Reliquias de la Muerte.

Adelantémonos unos 9 años hacia el 2008. Aquí, dos cosas muy importantes ocurren: en el verano se estrena la película Iron-Man e inicia la primera temporada de Breaking Bad. Ambas cosas con una sorprendente popularidad, pero no una clara relevancia en la cultura pop (parecerá imposible ahora, pero una semana antes del estreno de Iron Man, a nadie le importaba Iron Man), fue en lo que se convirtieron lo que provocó que se voltearan las cabezas. Breaking Bad arrasaría todos los Emmys, mientras que Iron Man sería una de las películas más taquilleras de ese año; pero las cosas no terminan ahí, como dice la frase cliché de película: este apenas era el comienzo.

Resulta que Iron Man no solo era una comedia de acción ligeramente arriba del promedio, no. Una escena después de los créditos sorprendió, una movida no desconocida pero sí extraña por parte de un gran estudio, en la que se anunciaba que esta solo era la primera de una saga de filmes de

superhéroes, y que culminaría en un filme presentando a Los Vengadores, los héroes más poderosos del planeta. Sorprendentemente fueron capaces de seguir con su promesa, y en 2012 el filme prometido salió acompañado de críticas altamente favorables (92% en Rotten Tomatoes) y con una aceptación del público universal, es a la fecha el filme más taquillero de Marvel Studios.

Y Breaking Bad? Su primera temporada recibió críticas muy positivas, pero no fue sino hasta la 3ra. y 4ta. en la que alcanzó el estatus que la hizo relevante. El show protagonizado por Bryan Cranston y Aaron Paul se volvió un fenómeno pop nunca antes visto en la televisión dramática: todo el mundo hablaba de él, de sus personajes y eventos. A la fecha, ya años después de su último episodio, se siguen compartiendo sus imágenes y se sigue usando (y abusando) de su iconografía. La serie spin off Better Call Saul también tiene una fuerte presencia, tanto en los círculos críticos como populares.

Tanto fue el atractivo y la calidad de la serie de Vince Gilligan, que desde su salida se habla de una nueva era dorada de la televisión.

¿Pero qué tiene que ver una cosa con la otra? Se preguntarán muchos. Estos son mundos completamente distintos, o más bien, lo eran. Iron Man y el universo cinematográfico de Marvel lograron algo que parecía imposible: crearon una historia serializada, con distintos personajes en un mundo cohesivo y completo que sigue hasta este momento con 13 películas, 3 series de televisión y una decena de cortos.

El lenguaje cinematográfico usado en las películas de Marvel, repletas de cameos, personajes recurrentes, y una continuidad rígida que termina en un bombástico final, cada cuántas películas nos recuerda mucho a la manera en que funciona una temporada de una serie de televisión, solo que aquí los han llamado fases; sigue llevando a lo mismo.

Detrás del universo Marvel hay muchos otros, y parecen indicar que todos los estudios quieren crear un universo fílmico similar. Universal quiere hacer una serie de monstruos, Columbia está preparando un universo que combinará los mundos de 21 Jump Street y Men in Black, y claro, también está Warner con su universo basado en los cómics de la popular publicadora DC. La serialización es la forma del futuro de hacer cine. Una forma muy diferente de hacer las cosas que se acerca más a la televisión. Mientras tanto, en la tele…

EN LA TELEVISIÓN PRE-INTERNET NO SE ACOSTUMBRABA QUE LOS CAPÍTULOS ESTUVIERAN PERFECTAMENTE SERIALIZADOS, PORQUE LO MÁS PROBABLE ES QUE FUERA IMPOSIBLE PARA EL ESPECTADOR PROMEDIO VERLOS EN ORDEN.

Tronos y capas

En Abril de 2011, en HBO, la cadena ya antes mencionada por su innovación y alta calidad de contenido, estrenó la serie de fantasía Game of Thrones. Basada en una serie de novelas de George R.R. Martin, ha sido condecorada cada vez con nominaciones al Emmy y es la serie más vista de todo el planeta. Una cosa que se ha alabado mucho de GoT es el uso que le dan a su amplísimo presupuesto. Muchos la han igualado a una producción hollywoodense y el lenguaje que usa es más propio al de una película, en especial en sus climáticos momentos de acción.

Es así que, ahora, en 2016, tenemos a nuestras las 2 producciones culturales más influyentes y populares: Una serie de películas que se comportan como una enorme serie de televisión y una serie de televisión con el lenguaje y presupuesto de una producción hollywoodense. Los caminos se han vuelto a encontrar.

Un universo de posibilidades

¿Que provocó este fenómeno? ¿Que provocó que el cine y la TV se estén difuminando en un solo ente? Respuesta corta: Netflix.

Respuesta larga: Internet ha permitido algo que nunca antes se había podido, o al menos no se podía para todos, ver y volver a ver algo en orden. En la televisión pre-internet no se acostumbraba que los capítulos estuvieran perfectamente serializados, porque lo más probable es que fuera imposible para el espectador promedio verlos en orden. Para las grandes historias se iba al cine pero la película se veía normalmente una sola vez, así que tenía que ser un mensaje que llegara directo, claro.

Hablo de cine hollywoodense, popular, de consumo.

Pero ahora, con todo el entretenimiento siempre a tu disposición, hasta un espectador promedio

puede ver una serie en orden, y en el aspecto del cine, con cada nueva película hay un ejército de fanáticos listo para destazar el filme en busca de secretos y pistas para próximas secuelas, spin offs y cameos de Stan Lee. Por un lado, esto ha permitido que se cuenten historias como nunca antes, pero por otro, se están perdiendo algunas de las grandes tradiciones cinematográficas. El teatro como la figura sagrada del cine está siendo lentamente sustituido por la comparativamente pequeña pantalla de la computadora; la magia y la fantasía se han perdido un poco.

El panorama del cine/TV es ahora uno extraño. El avance de los servicios de streaming no se detiene, algunas películas se han serializado (como 10 Cloverfield Lane), y series de televisión como Westworld y True Detective absorben con su provocativa belleza. Es un panorama interesante, donde las paredes del teatro se desvanecen poco a poco, lo que está detrás de ella es aún un misterio, pero creo que puedo hablar por todos al decir: «Me muero por saber qué es».

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TOP 7

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Peliculas de Cate Blanchett 1. Blue Jasmine 2. Carol 3. The Aviator 4. Elizabeth 5. The curious Case of Benjamin Button 6. Babel 7. Notes on a Scandal

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TIEFLAND Por: Aarón Mariscal eis años en preproducción, cuatro siendo rodada y diez en posproducción, así fue el proceso de realización de Tiefland, una de las películas con el récord de mayor tiempo en ser elaborada. Oficialmente, Leni Riefenstahl había comenzado el proyecto en 1934, con el fin de adaptar la ópera homónima de Eugen d’Albert, adaptada a su vez de la obra teatral catalana Terra Baixa, de Àngel Guimerà. Sin embargo, diversas interrupciones se han ido presentando en su camino, como encargos filmográficos más rentables (Sieg das Glaubens, Triumph des Willens,

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Olympia) o conflictos con las autoridades (el hecho de que el gobierno francés le haya decomisado los negativos de lo que ya tenía producido de Tiefland, y que luego parte del material se haya perdido).

Para suerte de la directora, aunque ya un poco tarde, casi diez años después del triunfo de los Aliados en la Segunda Guerra Mundial, se estrenó aquel filme que tantos años había tomado, y con el que quería reivindicar su pasión por las historias ‘del campo’ y el espíritu montañista, inclinación que ya había demostrado en sus comienzos, con Das Blaue Nicht. Muchos críticos ven esto como una catarsis que ella quiso liberar luego de tanta opresión de ‘los malvados nazis’. ¿Tendrán razón? Nunca se sabrá, los seres

humanos no podemos introducirnos en la mente de otros para conocer lo que piensan, ni siquiera en los fallecidos como ella; empero, personalmente, he notado que le puso más ganas a sus filmes ‘propagandísticos’ que a los de iniciativa personal como este.

La historia tiene como protagonistas a dos vidas paralelas. Una es la de Marta, gitana encontrada por don Sebastián, marqués de Roccabruna, hombre posesivo que la toma como su amante, aun en pleno compromiso matrimonial con doña Alicia, señora de alta alcurnia como él, cuya familia le otorgaría, en consecuencia, algo de dinero para poder pagar sus deudas.

Otra es la de Pedro, campesino

DEL CINE A LA REALIDAD

puro y duro, pastor de ovejas, que al empezar el filme es mostrado en una escena poética donde estrangula a un lobo feroz que acechaba a su rebaño.

Pedro se siente algo cansado de estar solo, y luego de presenciar la llegada de Marta a un local (donde ella decide bailar para hombres de mala pinta), en un enfoque de cámara simbólico que le da menos importancia que Sebastián (ambos la observaban maravillados desde la puerta), idealiza la figura de la mujer, como la compañía que había estado necesitado todo ese tiempo de vida semiermitaña. Don Sebastián es retratado como un villano plano y sin un disfraz tan implícito de intenciones: se niega cruelmente a dotar de agua a los campesinos que alquilan sus terrenos, actúa con tosquedad hacia una Marta indefensa y también plana, e incluso le prohíbe a ella ayudar a los paisanos en el pago del alquiler.

Curiosamente, este relato ha sido ‘españolizado’, lo que se evidencia en cambios de nombre (como ‘Pedro’ en vez del catalán original ‘Manelic’), música de castañuelas y utilización de expresiones en castellano (como el “¡buenos días”, o el “karramba!” mal y graciosamente pronunciado por los lacayos de Sebastián cuando encuentran a Marta en la casa de Pedro).

El vestuario se acomoda a las zonas rurales españolas de la época, y el aspecto físico de los gitanos también, aunque su uso como extras ha sido muy cuestionado, con delirios imaginativos como: “¡Esa directora hija de fruta obligaba a la gente de los campos de concentración a actuar para ella mientras los maltrataba! ¡Maldita nazi!”

Para algunos críticos, esta cinta maneja un desarrollo argumental predecible, una premisa común y corriente, y una sensación de aburrimiento que hace que no valga

la pena verla. Sin embargo, para otros, como Ángel Quintana y Margarida Casacuberta, profesores expertos en narrativa, constituye un objeto de análisis muy interesante y del que se pueden rescatar muchos elementos míticos, tales como el espíritu del Völkisch alemán. Precisamente ‘tiefland’ significa ‘tierras bajas’ o ‘valles’, lugar donde simbólicamente se asienta todo lo mundano y la decadencia de la sociedad (según el filme), mientras que en lo alto, donde habitan Pedro y los paisanos montañeses, se encuentra lo puro, el vínculo sagrado del hombre con la naturaleza.

Helma Sanders, cineasta alemana, pone en la mesa de debate el cierto nivel de silencio que ha habido respecto a Tiefland: «¿Cómo es posible que, después de cincuenta años, el miedo de encarar este filme es todavía tan grande, que solo el rechazo a verlo es considerado una actitud correcta por los intelectuales alemanes?»

Y es que Leni Riefenstahl es una de las muchas víctimas de la hipocresía institucional izquierdista, que se ha apoderado del mundo desde el fin de la Segunda Guerra Mundial: “Toda persona ligada al partido de los nazis debe ser amedrentada por ‘crímenes de guerra’ a más no poder, mientras que a los comunistas no se les debe tocar un pelo (por más asesinatos que haya cometido su partido)”. Ojalá la crítica se vaya desligando cada vez más de estos sesgos ideológicos, para enfocarse en análisis más objetivos a obras del séptimo arte y no caer en condenas del tipo “ah, ese director era socio de Fulano; por tanto, su película debe ser una mierda”.

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"LO INTERESANTE DE 'CAROL' ES QUE NO ES UNA PELÍCULA SOBRE SI LA SOCIEDAD ACEPTARÁ LOS SENTIMIENTOS DE THERESE POR UNA MUJER, SINO SOBRE SI ESTA MUJER REGRESARÁ SU AMOR O NO. ESA ES, TAMBIÉN, LA RAZÓN DE QUE LA PELÍCULA FUE CASI COMPLETAMENTE IGNORADA POR LA ACADEMIA."

Por: Bela Valladares ara muchos, fue una sorpresa cuando Carol fue omitida en las categorías de Mejor Director y Mejor Película por La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Fue más la sorpresa cuando el filme regresó a casa sin haber siquiera tocado un Oscar. Para muchos fue una sorpresa, pero había quienes ya lo veían venir, porque, según se ha dicho, Carol fue rechazada por los premios Oscar por la misma razón que fue escrita.

Cuando Patricia Highsmith escribió The Price of Salt (re-titulada Carol unos años más tarde), lo hizo en consecuencia al hartazgo que ella y muchas mujeres más experimentaban por la pseudo literatura lésbica del momento, en donde siempre la lesbiana terminaba muerta, en prisión, o regresando con el hombre que, por cierto, servía de antagonista en la historia. Basta, dijo la Highsmith a estos cuentos de folletín.

"Cuando a una actriz heterosexual le toca interpretar a una lesbiana, todo mundo quiere saber cuál es su preparación o si ya ha estado con mujeres antes. Mil cosas. A mí eso me parece ridículo, ¿Por qué si, por ejemplo, me toca interpretar a una reportera, nadie me pregunta si me metí a un periódico o fui a la escuela de periodismo?"

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−Todd Haynes, −Dijo Cate Blanchett en una entrevista, durante la promoción previa al estreno de Carol.

Considerada la primera novela lésbica con un final feliz, tuvieron que pasar más de 60 años para que The Price of Salt llegara a la gran pantalla; no pudo haber sido antes y que bueno que no fue después, porque con todo y todo, esta película llega para ser un antes y después en la historia del Cine Queer. ¿Una película donde ambas protagonistas son mujeres? ¿Una película donde ninguna de las mujeres sufre por un hombre? Y además de todo ¿Una película donde ser homosexual no acarrea un trágico final shakesperiano? Esa es Carol, y esa es la diferencia que tiene con otras cintas como The Kids Are All Right o The Hours, donde, a pesar de todo, la importancia del hombre tiene peso en pantalla.

¿QUÉ SIGNIFICA ESTO? "Lo interesante de 'Carol' es que no es una película sobre si la sociedad aceptará los sentimientos de Therese por una mujer, sino sobre si esta mujer regresará su amor o no. Esa es, también, la razón de que la película fue casi completamente ignorada por la Academia."

−Dijo Todd Haynes, director del filme.

Lo que esto significa es, que la película fue demasiado transgresora para su género (de nuevo, hay que pensar en otras cintas como The Kids Are All Right, The Color Purple o Brokeback Mountain) por el simple hecho de que lo abandona completamente. Carol no llegó a salas de cine como una “película gay”. Llegó como una película.

Fue gracias a la magnífica adaptación novela-a-guión de Phyllis Nagy, a la precisa dirección de Haynes y a las tremendas actuaciones de Cate Blanchett y Rooney Mara, que esta película logró ser el fenómeno que es.

Enhorabuena para ellos y las pro-

AROL

EXTRAS/RESEÑA

O DE CÓMO EL CINE QUEER PASÓ A SER SÓLO CINE

ductoras, porque Carol está siendo un parte-aguas decisivo para que las “películas gay” dejen de ser sólo para el público LGBTQ, para que dejen de llamar “cine gay” al cine hecho por homosexuales o que cuente la historia de homosexuales. Para que simplemente sea “cine”. Para que retratar el día a día de un gay o una lesbiana deje de ser un tabú en la gran pantalla. Un tema de interés morboso.

De Carol van a hablar futuros cineastas, futuros críticos, futuros actores y futuros miembros de la audiencia, como la película que dio un gran salto a que el “cine gay” fuera “cine” a secas.

Ya bien lo dijo la Blanchett: -Carol no es una película sobre amor homosexual. Carol es una película sobre amor.Bela en Twitter: @BelaValladares

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