ed. 27 OCTUBRE 2017
Allá por el 2001 se estrenó aquel hermoso cuento utópico de Jean Pierre Jeunet, que reflejaba lo más puro e inocente del ser humano. “Son tiempos difíciles para los soladores”, es una de las frases de esta bella película que se ha quedado por años impregnada en mi memoria. Tan fresca, tan viva, tan real... Después de una larga ausencia, es normal que se comiencen a preguntar: ¿qué ha sucedido? Y apresuradamente se escapan por mis labios aquella frase. Es difícil que un sueño sobreviva en un mundo en el que todo es fugaz. Sin embargo, hay que seguir golpeando la roca, hay que seguir intentando, luchando. Hay que entregar todo y un poco más porque aunque los tiempos siempre han sido y serán difíciles para los soñadores, pero siempre hay uno que otro sueño que logra escapar de las redes del fracaso y triunfar. Por eso seguimos aquí, seguimos a delante con la esperanza que todo nuestro trabajo y el amor que ponemos en cada página de nuestra revista, sea bien recibida por ustedes. A vos, lector: Te invito a dedicar unos minutos a nuestro trabajo. Prometo que no te vas a arrepentir. Y a vos, realizador: te invito a acercarte a nosotros y formar parte de un equipo que sueña con elevar la cultura cinematográfica. Para los soñadores, son tiempos difíciles, mas no imposibles.
Eileen Gamboa N. Directora Editorial. editorial@revistazona7.com
Editorial: Esta publicación, es editada sin ningun fin de lucro, el contenido de los artículos es responsabilidad de los autores. Las personas mencionadas, asi como marcas e imágenes utilizadas en el diseño de la revista son usadas únicamente con fines editoriales para ilustrar los artículos y noticias de los filmes mencionados, de los cuales sus derechos de autor pertencen a sus dueños respectivos.
Dirección Eileen Gamboa Editores Aarón Mariscal, Raúl Flores Redacción Altair Vázquez Evelyn Perea Daniel Fonseca Víctor Hugo Rotaheche Belén Banega Diseño Editorial Katherin Dueñas, Ruth Pérez Fotografías Distintas fuentes de internet.
contenıdo LA LEYENDA DEL REY ARTURO / 4 LIBRO VRS. PELÍCULA: PONIENDO LOS PUNTOS SOBRE LAS IES EN EL DEBATE FAVORITO DE INTERNET/ 6 NO NOS LIBRES DEL MAL /9 RED STATE /10 T2: TRANSPOITTING 2/12 HACKSAW RIDGE /14 GET OUT / 16 TODOS DEBERÍAN VER: HOT FUZZ /18 MOTHER! DE DARREN ARONOFSKY /20 LA PROMESA /24
SOBRE NOSOTROS Somos una revista mensual, que tiene como fin exclusivo, la difusión de información útil y práctica sobre el cine, dirigida especialmente a ésas personas amantes del séptimo arte con deseo de aprender más, de una manera práctica y de fácil comprensión. Aprovechando las plataformas web y las redes sociales traemos hasta usted una revista gratuita y de fácil acceso, sin dejar de lado la excelencia en cada detalle. Nuestro equipo cuenta con personas de diferentes paises de Latinoamérica, entre ellos Perú, Colombia, México, Bolivia, Guatemala, Costa Rica, Argentina y Uruguay. Bienvenido a nuestra zona, la zona del séptimo arte
Por: Eduardo Vázquez “Cuéntame una historia. Con todos los detalles…” Es bien sabido que la historia de cualquier cuento, leyenda o mito puede alterarse a favor o en contra. Y la verdad, la sabremos si la vemos, escuchamos y vivimos por nosotros mismos. Lo anterior nos lleva a mencionar que el género de acción en el cine, ha ido mutando, cambiando de aspecto y tonalidades con el paso del tiempo, así como un barco navegando con direcciones bastante arriesgadas. Te preguntarás (Quizás sí o no) ¿Por qué comenzar con esa ligera introducción? bueno, al final de cuentas serán los puntos sobresalientes esta reseña. Guy Ritchie de nueva cuenta vuelve a la silla del director y con su toque específico: Nada más y nada menos quiere hacer ruido y lo logra, ¿Pero a qué costo? Con un elenco respetable, su esencia y acción constante y vertiginosa ¿Será que esta leyenda merece ser contada o es mejor que se pierda en las páginas de algún libro?
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-LA HISTORIA COMIENZA
Tenemos dos opciones: Amar u odiar la nueva cinta de Guy Ritchie. Así de fácil y así de sencillo. Puede que el director consiga explotar todo su potencial o parte de ello con esta cinta (Ya hablaremos de esto más adelante) y que se marca como un blockbuster con el sello de Hollywood. Desde Snatch, The Man From U.N.C.L.E, Lock Stock and Two Smoking Barrels, Rock ‘N Rolla y Sherlock Holmes por mencionar algunas, vemos su destacada astucia, esencia y forma de desenvolverse en pantalla grande con un presupuesto justo. Pero con la cinta de La Leyenda de la Espada queda comprobado que Ritchie quiere montarse (Con gran presupuesto) en el negocio de los grandes blockbusters; y tengo que decirte que lo hace de una manera soberbia y vertiginosa, pero que no lleva para nada la marca de ser algo épico en el repertorio del director.
7+1 MÁS ALLÁ DEL CINE
Las actuaciones no son muy brillantes, pero el elenco y nombres como Charlie Hunnam y Jude Law son la fortaleza de la trama y son quienes más tiempo tendrán en pantalla (Obviamente). Pero podremos contar los defectos y virtudes de sus personajes y actuaciones que no llegan a ser muy buenas, aunque tampoco tan malas. Contando con más elenco, serán apoyados para que la historia avance de manera estratégica y no haya tiempo para otras cosas, más que para la acción y lo envolvente que se va a querer volver la cinta. La clásica pelea de la luz contra la oscuridad, el bien contra el mal se hace presente en esta historia, para nada compleja, que durante dos horas de duración nos llevará por el clásico “Camino del héroe”, siendo destacable en un producto visual de su categoría. Te dije que llega a un punto en el que amas o no la cinta, pero te lo digo hasta este punto: Si amas a Guy Ritchie no esperes nada sorprendente
de este nuevo trabajo; solamente espera una bomba de tiempo que va a ir detonando poco a poco, demostrando que es un fan service muy arriesgado. ¿Por qué fan service? Por el simple hecho de que el director consigue explotar todo su potencial o parte de él, con la cinta de una manera cardíaca y desenfrenada, aunque esto no quiere decir que te vaya a asombrar, maravillar o sorprender, ya que puedes terminar enojado, solamente si eres fan acérrimo del director. Pero, si no eres fan y quieres buen entretenimiento sin casi esperar mucho a cambio, la cinta es para ti. Podemos gozar de una leyenda “cambiada”, así como de un entretenimiento para fin de semana. Un punto (En lo personal) es su edición arriesgada, valiente, para contar algo sobresaturado de la esencia del director en su respectiva toma, secuencias y demás, y que provoca que la pantalla se llene de sonidos, explosiones, tomas bruscas, rápidas y violentas que le dan ese sentido (Aunque se lea raro) como marca personal a esta cinta. El score, vuelve las secuencias o escenas en algo épico, pero no de lo mejor del séptimo arte y tampoco como un aporte al mismo. Hay que mencionar de igual manera, que de entrada lleva el sello de blockbuster y es ahí que todo se vuelve fácil de responder. Nos cuestionamos un poco la narración, lo que ocasiona que quede un vacío ligero luego de terminar de ver la película. Los efectos le ayudan y se deja respaldar por algunas otras cosas más, pero la creación del director explota a cada momento, sin encontrar un freno para levantarse
sin heridas con su narración plana. Como espectador, te sentirás algo abrumado con tanta secuencia de acción y tomas, una mayor que la otra para tratar de adentrarte más a la acción. Nos quiere llegar de manera ruidosa y créeme que lo hace, pero no caerá en el gusto de todos los espectadores y te repito, puede que la ames u odies pero todo depende del “mood” con el que entres a la sala.
LA LEYENDA DE LA ESPADA
DICE: Durante su proyección en pantalla grande, puedes gozar de un entretenimiento genial ya sea para fin de semana o bien que no haya algo más relevante en cartelera. Aunque podrías esperar a que salga en Blu-Ray y DVD para verla, ya que no aporta nada increíble al género y no se coloca para temerle como algo épico en el pedestal, campo de guerra de algún enemigo en la taquilla. Por otra parte, la edición, score y tomas nos gusten o no harán vibrar a más de uno en su asiento (No lo tomen como albur o algo malo) y captarán nuestra atención con el ya clásico sello del director. No esperes algo sumamente sorprendente de la cinta y más si eres fan del director, ya que puedes sentirte traicionado o sumamente feliz por el trabajo final. Pero si eres un espectador convencional que le gusta el cine y quiere ver lo nuevo de la cartelera, solamente disfruta de algo cargado de acción, groserías, chistes, sarcasmos, tonos grises, oscuros, tomas violentas, cámara temblorosa y más.
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LIBRO VRS. PELÍC PONIENDO LOS PUNTOS SOBRE LAS ÍES EN EL DEBATE FAVORITO DE INTERNET Por: Daniel Fonseca.
¿Qué es mejor, el libro o la película?
Odio esa pregunta. Pero la he respondido más veces de las que me gustaría admitir. “No es tan simple” digo yo. ¿Es mejor el tercer movimiento de la ópera de Wagner La cabalgata de las Valquirias o es mejor el óleo de J. C. Dollam con el mismo nombre? Ambas obras representan el mismo evento, un grupo de mujeres montadas sobre caballos alados desciende del cielo para llevarse al Walhalla a los guerreros caídos en combate. La ópera lo hace utilizando la música y el libreto y la pintura utilizando el color y la forma. En síntesis, ambas utilizando los lenguajes básicos de su medio que son, obviamente, totalmente distintos. Está es la primera barrera para juzgar si una obra es mejor o peor que una obra similar (o adaptada, en este caso) que otra de un medio diferente: Lenguajes distintos. Mientras que en cine utiliza el plano y el montaje, la literatura hace uso del lenguaje escrito. Hasta este punto parecería que la discusión es tonta, que un poco sí. “Son medios distinto con lenguajes distintos y no se pueden comparar”. Sí... pero no. Aquí es buena idea reconocer dos elementos claves que tienen en común estos dos medios. La primera es su cualidad narrativa, ambos basados en el acto de contar una historia, denominado en narratología como storytelling y la segunda es la naturaleza propia de su arte: La capacidad de generar una respuesta emocional. Una historia es definida como un conjunto de acontecimientos que se relatan, siguiendo la fórmula más clásica de inicio, desarrollo y final. La ópera “La valquiria” es narrativa, tiene un inicio, un desarrollo y un final. Pero la pintura no, por si misma no nos cuenta que está pasando y necesitaríamos el contexto del nombre de la obra o la explicación de un tercero para conocer qué es lo que sucede en ella. A partir de este punto podemos empezar a hacer comparaciones,
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CULA:
ESPECIAL The Shining es una historia sobre una familia disfuncional que se muda a un hotel de temporada para que el padre, Jack Torrence, trabaje como guardia durante los meses de invierno. El hotel ejerce una influencia maligna sobre Jack con el objetivo de que mate a su familia, más específicamente a su hijo poseedor de un peculiar talento conocido como El resplandor. Esta es la trama resumida tanto del libro de Stephen King como de la película de Stanley Kubrick y podemos empezar a compararlas gracias a ese rasgo en común. La historia de King es un drama familiar. Se toma muchas páginas para desarrollar a sus cuatro personajes –el hotel incluido– y sus relaciones. La obra de Kubrick es sobre la locura, la ira y la perversión.
Aquí Jack deja de ser un padre en conflicto consigo mismo a un psicópata listo para atacar. King nos muestra esa aura maligna que envuelve al hotel a través de una narración pausada y asfixiante mientras nos cuenta los terribles acontecimientos ocurridos en aquellas habitaciones muchos años atrás. Kubrick, por otro lado, se vale de la repetición y la disrupción. Las famosas secuencias de Danny recorriendo el Overlook una y otra vez hasta descubrir un cambio tan ligero como perturbador como puede ser descubrir una puerta que siempre estuvo cerrada, abierta. El argumento sigue siendo el mismo, pero cada autor plasma su visión para explorar los temas que a él le interesan. King lo hizo con la familia y el alcoholismo y lo que intentaba plasma Kubrick aún sigue siendo tema de debate ¿Es acaso una historia sobre la masacre de los pueblos nativo americanos a manos de los ingleses o es sobre la conspiración del alunizaje? Tantas interpretaciones coherentes significan buen storytelling. Este es un punto importante que el espectador suele olvidar: La película y el libro son dos obras distintas e independientes. La película puede estar basada en otra obra, pero al final, todo producto cinematográfico es la interpretación de su director sobre un guión y el guión adaptado es la interpretación del guionista sobre la obra original.
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Eso resultando en visiones de autor totalmente distintas o incluso contrarias. Mientras que Watchmen, la novela gráfica de Alan Moore, es una deconstrucción de la figura del superhéroe clásico sintetizando su tema en la pregunta “¿Quién vigila a los vigilantes?”, la película de Zack Snyder es una obra sobre antihéroes y figuras trágicas en una historia sobre si el fin justifica los medios. Aquí surge un problema para el cine, el libro tiene más tiempo. Más tiempo para desarrollar a sus personajes, su historia, su mundo. Tiene más tiempo para incluir más detalles que enriquezcan la narración y tienen más facilidad de que el lector note esos pequeños detalles colocados a propósito. Kubrick era un perfeccionista y nada se veía en pantalla a menos que el quisiera pero ¿Acaso alguien notó el libro de Sociología que tenía Domino, la prostituta de Eyes Wide Shut, en su habitación? Y aunque parezca que todo está perdido para el séptimo arte, surge otro elemento en común entre estos medios, el más obvio quizá pero a la vez el más importante: Ambos son arte y como tal, buscan y son capaces de evocar sentimientos al espectador. Wagner decía que el obra de arte definitiva, o lo que él llamó Gesamtkunstwerk (Obra de arte total), es aquella obra que mezcla las artes escénicas, visuales y la música y junta todo eso para conseguir la inmersión y una respuesta emocional más grande que ningún otro arte al espectador.
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Gracias al montaje, Francis Ford Coppola en El Padrino es capaz de crear la escena del bautismo del ahijado de Michael Corleone y superponerla a las escenas de los asesinatos de sus enemigos “Michael ¿renuncias a Satanás?”. El libro narra ambos eventos de forma separada sin lograr el mismo peso dramático que tiene la película. De la misma manera que no tendría la escena final del libro La lista de Schindler sin ver la magistral actuación Liam Neeson sollozando “Pude salvar a uno más”. Ni nos emocionamos tanto con las bellas y mágicas imágenes que narra el libro El castillo vagabundo de la misma manera que lo hacemos al ver la prodigiosa obra de Hayao Miyazaki. El cine, al igual que la ópera y el teatro en su día se corona como el arte capaz de evocar sentimientos al espectador
con mayor facilidad. Es el triunfo de la imagen sobre la palabra. Después de todo son muchos elementos a considerar y no existe una respuesta universalmente aplicable, al fin y al cabo es una experiencia personal, subjetiva e intransferible. Pero se puede hacer un avance y salir de los dogmas, las ideas prejuiciosas y los debates obstinados de internet entre los lo conocía antes de que fuera popular y quienes llegan por primera vez a una obra sin interesarse ni un poco por la original. ¿Qué es mejor, el libro o la película? Bueno, no es tan simple pero, parafraseando a Chéjov, al final las obras de arte se dividen entre las que nos gustan y las que no.
RESEÑA
NO NOS LIBRES DEL MAL Por: Belén Banega Francia, 1971. Tres años después de los asesinatos de Tate y LaBianca a manos de los seguidores de Charles Manson en Estados Unidos. Todavía en pleno hervor (Y pánico) por las sectas, adoradores del diablo, las semillas del mal. Nadie está a salvo, ni el cine. Dentro de este marco histórico Joël Séria nos ilumina con su “Mais ne nous delivrez pas du mal” (No nos libres del mal), un film blasfemo y nihilista que lleva bien puesta la bandera de la perversión; un film que debe ser visto reivindicando su condición de obra de arte. La película en cuestión gira en torno a las inquietudes de “Anne” y “Lore”. Mejores amigas, adolescentes, adineradas y aburridas. Una premisa que muy bien funcionaría para un film de Sofía Coppola, si el guión hubiese sido ideado por Isidore Ducasse, y su Maldoror fuesen dos ninfas del infierno. J. Séria sabe tener una sensibilidad para lo siniestro, que logra dejar
sin aire hasta al espectador más osado. Personalmente me obsesiona pensar en la construcción de las obras malditas y ésta, sin dudas, es una de ellas. Desde lo superficial podemos destacar la adoración al demonio, la sexualidad explícita, la violencia, la manipulación, pero ¿Dónde radica la verdadera belleza de este film? Sin dudas, en la forma que utiliza el director para articular una narrativa dónde las protagonistas son dos jóvenes atractivas que encarnan lo siniestro, lo cual no debe ser descubierto. Ahí está la perla: En el origen del mal; en lo que no queremos ver ¿O acaso no nos dejan? Bajo esta premisa, más de treinta años después, acostumbrados (Quizás no lo suficiente) a alejarnos del estereotipo de la bruja de la Edad Media, gracias a filmes como “Anticristo” o la más reciente “The Witch”. Fue sin dudas esta película, la que supo sentar las bases desde la más pura irreverencia y rebeldía, para la deconstrucción de arquetipos obsoletos que de
ninguna manera enriquecían el lenguaje cinematográfico. Estas brujas no asustan a los niños; estas brujas asustan a los padres, a los profesores, a los delincuentes, a todos aquellos que temen ver su maldad frente al espejo. Los atan, los amordazan y los obligan a observar su lascivo reflejo durante 101 minutos. Cabe destacar que la cinematografía trabajada es impecable (Fotografía a cargo de Marcel Combes), así como también los climas musicales creados por Claude Germain y Dominique Ney, que saben transportarnos a universos barrocos del calibre de maestros como Dario Argento en “Inferno”. Si hay algo más para decir es que este film no es pretencioso, y de allí nace su grandeza. Una joya basada en el mismo asesinato que dio pie a las “Criaturas celestiales” de Peter Jackson, pero exorcizando toda sensiblería.
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DISPARE POR SUS PECADOS Por: Evelyn Perea Red State (La secta, 2011), es la décima película de Kevin Smith. Los conocedores de su estilo saben que sus películas combinan lo cotidiano, lo natural y lo realista. Éste es un cine callejero, urbano, adolescente y brillante, que empezó con una producción independiente en el año ‘94, con Clerks. Después de cintas como ‘Vaya par de polis’ y ‘¿Hacemos una porno?, Smith casi pierde su brutal humor. Es por eso que decide apostar por el género fantástico sin perder el sentido del humor que es su herramienta fuerte. Kevin Smith es de esas figuras del cine moderno que no suele pasar en alto por los festivales importantes de cine independiente, porque bien o mal, es un cineasta que rompe moldes y fórmulas en cada uno de sus films. Con Red State actualiza su viejo cine, arriesgándose a cometer errores. ¨Red State¨ nos ofrece una historia de sectas religiosas, torturas y humor, algo nuevo en la trayectoria del director y que veremos más seguido en su filmografía.
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Tres adolescentes con las hormonas al rojo vivo contestan a un anuncio de una mujer madura que busca sexo. Los tres jóvenes se lanzan a la carretera para satisfacer sus urgencias libidinosas. Pero lo que comienza como una fantasía da un oscuro giro cuando se enfrentan a una terrorífica fuerza “fundamentalista cristiana” con una agenda mortal. El filme hasta cierto punto es engañoso, ya que parece querer contarnos algo diferente a su estilo, pero eso no pasa, puesto que la película tiene los suficientes ingredientes como para que se reconozca a su autor. El camino que el director/guionista sigue en ¨La secta¨ ilusiona, no voy a decir que no. Se lo ve maduro, serio, pero el trayecto se va deformando hasta pasar a ser una comedia negra realista, de esas que a Kevin Smith le encanta hacer. Las sectas religiosas son una realidad de la sociedad, algo que sucede, y entonces ¨Red state¨ aprovecha esa cuota de realismo aplicándole varios rebotes de chis-
tes ácidos que atacan a la religión, la sexualidad y la misma sociedad. Film sumamente raro de visionar, que cambia demasiado de registro, del thriller/terror, a la acción más pura y dura -llena de tiroteos- (que no son más que el intento de Smith por ridiculizar las situaciones y la trama en sí), hasta terminar en una comedia negra que deja pensando. La película es totalmente independiente, con bastante violencia y acción, pero a pesar de todo eso nunca obtiene un ritmo descontrolado ni despampanante. Lo mejor de la película es Michael Parks, con diálogos llenos de brillantez y pasión, en un papel que le va perfecto. La labor de Kevin Smith en este largometraje es capaz de limpiar cualquier borrón de su carrera, y para los actores también. Un comienzo muy de Kevin Smith, entre colegas, un desarrollo apabullante y explosivo, y un final sublime. Quizás más de uno, luego de verla, se quede con la sensación de que falta algo, pero de todas maneras no deja de ser una obra interesante y arriesgada. Punto para Kevin Smith.
ZONA TERROR
RED STATE 11
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Por:Eduardo Vázquez "Elige la vida. Elige un empleo. Elige una carrera. Elige una familia… ¿Y las razones? No hay razones. ¿Quién necesita razones cuando tienes heroína?" Me encuentro detrás de un escritorio, viendo una pantalla de computadora con una luz que me lastima por llevar cinco horas pegado a ella, siendo acompañado por el soundtrack de Trainspotting 2 (escuchando un remix de “Lust for Life”, de Iggy Pop) que me regaló una amiga, y que disfruto mientras escribo esto que tienes en tus manos. Justo al lado de mi mano izquierda, hay un café tibio y mi chamarra en el respaldo de la silla. Te preguntarás por qué demonios te cuento lo que hago: solamente por pretender ser esclavo de algo que no quiero, al mismo tiempo que analizo a diario aquellas palabras que dijo Renton… “Elige la vida. Elige un empleo…” Créeme, querido lector o lectora: a diario esa filosofía viene a mi mente. Al parecer, nunca me había cuestionado mucho las cosas hasta que escuché esas palabras. Yo era un chico de diez años cuando conocí Trainspotting (muy chico, dirán algunos, para conocer esa joyita de cinta), pero las palabras llegaron a mi vida cuando más las necesitaba. Es ahí que viene a mi mente que a cierta edad (actual) la volví a ver ¡y vaya!, me fascinó y me hizo enamorar de cada detalle, espacio, color, sabor, personaje y ambiente.
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Justamente he llegado hasta aquí, y estoy escuchando “Silk”, de Wolf Alice, una canción del soundtrack que me permite hablarte sobre la nostalgia, la enseñanza que la cinta me dio y volvió a cambiar mi vida, la manera en que todo llega a mí y lo percibo. Acá entre nos, me perdí hace tiempo. ¿Por qué?, yo tenía una pareja y por azares del destino terminamos, algo muy curioso, pues había amor, pero todo se fue de la noche a la mañana. Es ahí que me comencé a cuestionar muchas cosas y salieron a flotes demonios, pensamientos e ideas que me ayudarían a tomar un camino. Salía muy temprano a caminar a las calles de una ajetreada ciudad y me dije: “Luego de haberte dejado caer, que te hayas descuidado, es hora de elegir la vida…” Soy un nostálgico de lo peor, así como un aventurero, sarcástico y genial amigo. La dotación completa que puedo esperar de mí.
T2, de Danny Boyle, me dijo, susurrando a mi oído, que en cualquier punto de tu vida puedes volver adonde todo comenzó, cuestionarte muchas cosas o nada y así mismo regresar para hacer las cosas bien sin cambiar nada y disfrutar. Aprender tarde de tus errores y logros, volver a ver a aquellos viejos amigos, escribir cartas que nunca hiciste, relatando lo mejor de tu vida o peor con personajes ficticios o reales, inventar aventuras para parecer alguien importante o decir la verdad y ser cruelmente aceptado, pero con la confianza de que el silencio no te lastimará y solamente te reconfortara con un fuerte abrazo o apretón de manos verdadero. Nos invita a ser viajeros del mundo o de nuestro propio camino, incluyendo a alguien más o ninguno, pero que lo disfrutemos de la forma que sea. Corriendo, deteniéndote para respirar y caminar cuando creas que es necesario.
RESEÑA
El tiempo es nuestro mejor aliado o enemigo, pero como explorador… “Elige la vida. Elige Facebook, Twitter, Instagram y espera a que a alguien en algún lugar le importe…” ¿cuánto tiempo nos sumergimos en esa vida cibernética?, ¿cuánto hablamos con la pantalla?, es algo contradictorio y difícil de decir, ¿no?. “Elige buscar viejos amores deseando haberlo hecho todo diferente. Y elige ver como la historia se repite”. Buscar esos viejos amores, es una tarea difícil, pero la nostalgia desde cualquier punto te llama. Creo que en algún tiempo lo haré, no deseo que haya sido todo diferente, pues de serlo así, no estarías leyendo estas palabras. Podemos repetir la historia, pero hacer que dure más.
Queda más que demostrado que Boyle, se fue a la segura, le apostó a la nostalgia y no cambió nada, no quiso arriesgarse a lo grande y al final, T2 es un discurso de aquellos niños, jóvenes olvidados hace tiempo atrás y que simplemente queremos, volver a soñar, realizar todo bien con la esperanza de que habrá algo esperándonos al final de esa cima. Podemos ser el bueno, malo de la historia o el que cambiará la vida de alguien para luego marcharse. La nostalgia por todo lo que he hecho hasta este momento y que me lleva a estar en el lugar en el que estoy ahora, me carcome a preguntarme siempre: ¿qué hubiera pasado si?, ¿por qué no hiciste esto? De una forma extraña, para mi alma, agradezco que aquellos jóvenes, historia, director se hayan reunido veinte años luego para mostrarnos qué ha sido de su vida, cómo el destino les ha cobrado factura y lograr regresar con algo que debía girar en sí mismo de nueva cuenta, para contarnos un final y aliviar nuestras voces. Creo que es hora de acabar, de ya no darle más vueltas a este asunto. Miro el reloj de la computadora y se ha ido tiempo de mi vida, pero no importa ya que las
palabras aquí impregnadas me han gustado escribirlas para ti, para ellos o para todo el mundo.
¡DESPIERTA Y ELIGE ALGO EN TU VIDA! “Elige tu futuro. Elige los realities, humillar a putas, vídeos porno. Elige un contrato de trabajo sin horas definidas, un viaje de dos horas al trabajo y elige lo mismo para tus hijos, pero peor y ahogar el dolor con una dosis desconocida de una droga desconocida hecha en la cocina de alguien, y luego toma un profundo respiro. Si eres un adicto. Sé un adicto. Pero se adicto a otra cosa. Elige a la gente que quieres. Elige tu futuro. Elige la vida...” Yo soy adicto a mi vida, amigos, momentos y escribir, todo viene y se va por algo, pero me lleva a un futuro, porque estoy eligiendo respirar y vivir. Voy a tomar mi mochila y caminar, respirando poco a poco sobre las vías de esta vida para sonreírle y seguir avanzando.
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Por: Aarón Mariscal En una época en que los millenials nos estamos acostumbrando a la paz, este es un filme indudablemente necesario para recordarnos cómo fue que aquella se consiguió, y que el mundo no es un lugar bonito donde van a aceptar nuestros “emprendimientos” e “independización” así como así. Nos enseñará a valorar a los héroes de guerra, a los excombatientes, a los que dieron su vida por hacer de este un mundo mejor, pero sobre todo, a los que se rajaron el culo para seguir sus convicciones y no matar una sola alma. ‘Hacksaw Ridge’ cuenta la historia real de Desmond Doss, un enclenque con habilidades innatas de médico que tiene la voluntad de servir en el ejército, pero que termina por error yendo con los cuerpos de combate. Pero además, debe abandonar al amor de su vida, a quien acaba de conocer, y a quien no sabe si podrá volver a ver. Y para rematar, es fielmente cristiano: férreo adventista del séptimo día. No quiere matar y está en un grupo que sí quiere. Quiere ayudar a su país, pero no quiere luchar contra el enemigo. Sus convicciones constituirán el obstáculo principal para servir en el ejército, pero le ayudarán a demostrar fortaleza ante las peores situaciones posibles. Muchos hateos vriyantes se rehúsan a reconocer la calidad de esta obra cinematográfica, por supuestamente promover un adoctrinamiento religioso anticuado, retrógrada, arcaico, neolítico y medieval del Paleolítico Inferior. No, pedazos de estiércol, este producto narrativo no les echa en la cara que tienen que ser cristianos para salvarse. El cristianismo no es siquiera el impulsor de su trama. Es más, si nos remontamos a las escenas donde los superiores del protagonista se retractan de
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HACKSAW
RIDGE
DEL CINE A LA REALIDAD
Es verdad, ‘Hacksaw Ridge’ sigue el arquetipo del monomito del héroe, la idea de que el prota tiene que vencer y derrotar a los malos, para así seguir su camino y llegar a la cima de la pirámide de las necesidades de Maslow: la autorerrealización. Sin embargo, ello no es para nada un obstáculo en el disfrute de esta cinta.
su desconfianza en él, notaremos que ellos no terminan convirtiéndose al cristianismo adventista, tampoco llorando o con musiquita dramática que los haga abrazar al chico y suplicarle misericordia por haberle hecho bullying. El bullying es una constante a lo largo del desarrollo argumental. Es más, ni siquiera es bullying, es simplemente comportamiento militar, motivación con dureza, algo característico de la época. Será bueno o malo, pero así fue, así funcionó, y este filme respeta eso con absoluta normalidad. Muestra las relaciones entre los personajes de modo que uno incluso llega a identificarse con los matones, esos que quieren obligar a Desmond a dejar su pacifismo de porra y tomar un rifle de una puñetera vez. Pero al final entendemos por qué Desmond hace lo que hace, cómo ayudan sus acciones al triunfo de su bando y cómo es posible en-
tablar nuevas interacciones de respeto mutuo entre los militares, basándose en la ruptura del orden marcial para buscar la paz. Sí, es verdad, ‘Hacksaw Ridge’ sigue el arquetipo del monomito del héroe, la idea de que el prota tiene que vencer y derrotar a los malos, para así seguir su camino y llegar a la cima de la pirámide de las necesidades de Maslow: la autorerrealización. Sin embargo, ello no es para nada un obstáculo en el disfrute de esta cinta, recordemos que hay una gran diferencia entre un arquetipo y un cliché. Obviamente también hay clichés: el padre borracho que golpea a su esposa, la chica que cae ante los coqueteos de un galán sin razón aparente, etc., pero tampoco impactan mucho en la calidad de esta obra. Con respecto a las actuaciones, los personajes en general están muy bien ejecutados (Desmond, su padre Tom, Smitty, el sargento Howell, etc.). Sin embargo, solo como comentario personal, Andrew Garfield tiene un rostro re-millenial que me dieron ganas de golpear a lo largo del filme. La típica carita tonta del jovenzuelo con cejas arqueadas y boca abierta. Sí, esto no tiene nada que ver, pero tenía que desquitarme. ¡Pinches new-age y su look de melómanos de electro-pop y jopo de Jimmy Neutrón! A fin de cuentas, si bien cuenta con escenas de batalla algo innecesariamente largas, esta película es un manjar para el que quiera disfrutar de buen cine bélico. ¿Habla bien o mal del cristianismo? Mal por cómo tratan al prota, pero bien por cómo él avanza hacia sus metas a pesar de las burlas. No obstante, no te echa la religión como un pastel en la cara, sino que te inspira a valorar lo que se logró en el pasado, y a los héroes que destacaron allí.
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Por: Eduardo Vázquez De un tiempo hacía acá, me he cuestionado hoy en día en que ha fallado el género de terror y me respondo al instante, es porque ya no hay algo nuevo en la industria y se cosecha más de lo mismo. Pero no podemos culpar que entre tanto slasher, gore y soft porn ellos tienen mucho en juego para esforzarse y dar un producto bueno sin caer en los clichés que envuelve al género. Y de aquí, partimos para aplaudir lo que han realizado para el thriller, lo psicológico y todo lo que envuelve a esas dos palabras, ¿acaso no recuerdan Gone Girl de David Fincher o Sev7n?, lo digo por mencionar los últimos trabajos que me han cautivado y puesto a pensar, durante la trama y el vistazo que le damos.
-BIENVENIDO A LA FAMILIA
¿Cuánta carga psicológica, política (en algunos casos) crítica social y demás, puede tener un filme de suspenso?. Es difícil de responder en ocasiones está pregunta, pero cabe destacar que depende de cada director y guion llevado a la pantalla grande. Y la verdad, es que el cine a veces tiene las respuestas a la vida (y apuesto, que más de uno lo ha pensado así) y sabemos que el cine en conjunto con el arte, se alimenta poco o mucho de nuestra vida real y con un sentido; a veces sorprendente. ¡Huye! (Get Out) marca un antes y después en el género pero sin demoler grandes joyas del cine, ya clásicas en el terreno claro. Así que Jordan Peele, el director de la cinta busca experimentar por primera vez con su ópera prima en este terreno del suspenso y vaya, que lo hace demasiado bien. Peele entiende cada emoción de la vida real y la calca con buena puntería (aunque con algunos fallos ligeros) y los hace sentir muy vivos en pantalla grande.
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¿De qué te habló?, bueno es la claustrofobia, miedo, amor, ansiedad, impotencia, discriminación y más, creó que el director no pierde las tablas y se la jugó muy en grande con este proyecto de autor verdadero. La película en manos de Peele es pesimista, violenta, gris pero sobre todo esto, llega a ser verdadera y un reflejo, muy preciso de lo que vive un país hoy en día, al igual que la sociedad o sociedades en algunas partes del mundo.
¡Y la verdad Peele acierta y mueve muy bien las cartas que tiene!, su ópera prima no trastabillea y todo lo maneja con el tono que debe ser, ¿cuál?, solamente impecable y todo su anterior trabajo de comeCabe destacar que las tomas diante no lo traiciona para nada son las correctas, la cámara se en- aquí y se coloca el humor, al punto cuentra en su sitio correcto y no exacto que requiere la historia y pretende despegarse de ahí para desarrollo. romper las reglas que poco a poco Todo esto en cuestión, nos atese van estableciendo en la cinta. rrará poco a poco para el trayecLa música se acompaña y entre- to final, uno pensaría que la cinta laza, la esencia que queda adhoc apuesta por los grandes clichés, y que cada minuto que avanza la pero omite los ya que eso no abunhistoria, se añade unas verdaderas da aquí, y ese final pudo tener más actuaciones muy honestas, sensi- peso, ser más contundente, arriesbles que se entregan a cada paso gado; pero se emplea bien para y nos llegan a poner la piel de ga- calmar nuestra crisis y terminar de llina o ponernos en sus zapatos. manera “bien”.
RESEÑA
¿Aporta algo al género?, la verdad que sí y mucho. En verdad la historia es (quizás no tanto) original y conseguirá que más de uno mire al estudio, director, actores; ya sabe poner sus reglas, límites que la vuelven retorcida, curiosa en su desarrollo pero refleja, los estragos de algo crudamente verdadero en el mundo de la política. Aunque el avance pinta unos colores sumamente provocativos, la cinta nos quita esa magia para explotar su increíble potencial y deslumbrarnos en pantalla para decir: ¡ALTO AL RACISMO! Es una patada directa en las bolas, (como dirían algunas personas) pero no peca de ser atrevida y Peele, se arriesga con este thriller
bien manejado que tiene mucho para decir con los subtextos, simbología y trasfondo posible que la rodea.
-¿ES BLACK MIRROR?
Mientras observaba la cinta, el actor Daniel Kaluuya me pareció muy conocido. ¿De dónde?, nada más y nada menos que de la serie británica Black Mirror y aquél segundo episodio de nombre: Fifteen Million Merits. Y te preguntarás, ¿esto qué tiene que ver con la cinta? Bueno, podríamos decir que es un episodio especial de la serie, se inspiró en ella Peele para hacer la cinta o en pocas palabras algo especial, hasta el punto que les puedo mencionar “El Hombre Ilustrado” de Ray Bradbury.
Y no me cansare de mencionarte repetidas veces que la historia, es un thriller agudo, audaz que no nos da miedo, pero se atreve a contarnos muchas cosas, con muchas sensaciones y se inspira de algunas cintas más para perturbarnos por el mensaje de racismo que da. Al igual que la serie Black Mirror, Get Out funciona como un desafío para causar terror social que no necesita más que una terrible realidad reflejada aquí, en la realidad.
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TODOS DEBERIAN VER
Por Titulo: Hot Fuzz (Arma Fatal) País: Reino Unido Género: Policial/Comedia Negra Año: 2007 Duración: 121 minutos aprox. Dirección: Edgard Wright Protagonistas: Simon Pegg y Nick Frost
Por: Víctor Hugo Rotaheche Protagonizada por Simon Pegg (Muertos de Risa, Corre gordo corre) y Nick Frost (Muertos de risa, Una noche en el fin del mundo) Hot Fuzz ofrece una fuerte dosis de comedia y acción a granel. Ambientada en una aldea londinense llamada Sandford las colisiones de transito comienzan a inquietar al nuevo sargento de policía Nicholas Angel (Pegg) quién ha sido reasignado para encarnar la figura de la ley por esos lugares. Lo que parece ser un lugar tranquilo y conservador esconde muchos secretos que se irán develando con el correr de los minutos. Si bien estamos acostumbrados a que el mercado de cine de acción lo domine Hollywood con sus viejos y familiares tanques de adrenalina, esta propuesta ligada a estos dos actores británicos deja un buen sabor de boca. Se nos presenta una trama atractiva, personajes que se destacan y escenas que parodian éxitos comerciales de la talla de Bad Boys, Punto de quiebra o Arma Mortal. El guionista y el director se toman en broma los clichés de las persecuciones, los tiroteos, pero acerca
una nueva perspectiva respecto al papeleo que realizan los policías. En ninguna película vemos el tedioso trabajo que significa clasificar, tomar apuntes, y rellenar planillas una detrás de la otra. Hot Fuzz nos muestra lo que para el Sargento Angel significa el verdadero labor de ser policía de una manera amena y divertida, casi a la par de las demás escenas repletas de acción y comedia. Este film contiene diversos y fructíferos elementos que hacen de sus 121 minutos de duración un gran disfrute. Aún más sin seguimos un pequeño juego llamado “¿Dónde está el cameo? Algo que puede llegar a sorprender al espectador distraído ya que tenemos figuras de la talla de Peter Jackson, Cate Blanchet, Davy Jones, Steve Coogan, entre otros. Una gran pieza de la dupla Frost-Pegg para pasarla bien. Comentario del director: sí, va a ser como la trilogía Tres Colores de Krzysztof Kieślowski, pero con tres sabores.” En relación a un pregunta de un periodista respecto a la seguidilla de sabores de helados Corneto que aparece en la anterior película Muertos de risa. No es de extrañar la respuesta ya que Muertos de risa, Arma fatal y Una noche en el fin del mundo componen una gran obra dividida en tres partes.
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MOTHER!
Ana Gabriela Brenes/
Escribir, reiterando lo dicho por Aronofsky, es inútil y hasta redundante. No comprendo por qué hubo la necesidad de dar el “glosario” de simbolismos de una película que no siento tan compleja en la construcción de los roles de sus personajes y argumento. Incluso sea la interpretación del ciclo artístico como la del fanatismo religioso y abordaje de pasajes bíblicos, ambas pueden ser lecturas válidas y hasta complementarias. Parte del encanto de una obra artística es la motivación que se le da al lector, de profundizar e indagar sobre los significantes que se le presentan, si esa parte es explicada, no solo muestra cierta inseguridad de su autor y castración al lector de sus propias conclusiones, guiándosele a caer a lo que al autor desea de forma unilateral. La obra artística, una vez puesta al público, rompe su cordón umbilical con el autor en el sentido interpretativo, y será su lector quien la valida, la renueva, la contradice, y produce posturas que resultan del proceso comunicativo entre la obra y el nuevo lector. Arofonsky muestra claras influencias, según mi opinión, de movimientos artísticos muy marcados, como lo son el prerrafaelismo, simbolismo y surrealismo, en distintos porcentajes y aportes. Algo que me parece curioso, es la insistencia en el Glosario Aranofsky de que Lawrence es la Madre Tierra, cuando desde la iconografía de los afiches nos muestra dos facetas distintas. Por un lado, un personaje rodeado que flora y organicidad (algo que nunca se presenta en la película) y uno evocando la imagen de la Virgen Dolorosa hasta
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con piel de cerámica y resquebrajada, mucho más acorde con otras imágenes de inspiración durante la película como es el momento de la lactancia del bebé, en una clara referencia a la Virgen de la Leche. Asimismo, su relación matrimonial carente del coito, y únicamente dado una única vez para la concepción del hijo, en referencia a la Virgen María, engendrada por Dios. Lawrence es una estampa prerrafaelista, el color y largo de sus cabellos, sus vestidos, sus facciones, pueden ser encontrados en obras de Rosetti y Lord Alfred Tennyson, por ejemplo. La luz que transmite su personaje y la luminosidad en la casa, algo típico de los cuadros del prerrafaelismo, quienes aplicaban una capa de blanco a la base de sus cuadros para iluminar el color que se colocara de forma posterior, algo que igualmente Lawrence realiza para pintar las paredes de la casa, mezclando el color de forma antigua con ocres y pigmentos, alquimia de la pintura de siglos anteriores. La naturaleza no está presente en el paraíso construido por la Creación, por quien para mí también encarna Lawrence, el alma de la humanidad universal. La naturaleza está existente fuera de la casa y aun así no de forma libre sino “púdica” y cortada. Nunca hay presencia alguna de flora o fauna en toda la película, ni en ninguna parte del paraíso. Se sigue una creación antropocéntrica, típica del renacimiento que coloca al hombre como punto central de la creación, y todo se construye alrededor del hombre. Incluso la figura de Dios, donde en un inicio el hombre es creado a semejanza de él (muy cu-
rioso un Ed Harris, fumador, alcohólico, mal nutrido, y falto de consideración… ¿a semejanza de él?), o a Dios lo terminamos construyendo a nuestra semejanza y conveniencia? En el simbolismo anti realista y naturalista, abogan por la espiritualidad, la imaginación y los sueños. Poe, uno de los grandes escritores que influenciaron al movimiento, le aporta la inspiración a la película de su cuento ‘El Corazón Delator’. Un asesinato encubierto y enterrado bajo las tablas del piso, pero el corazón late bajo las tablas, y es oído por su acometedor, obligándolo a confesar, y ser descubierto. En ‘Mother!’, un corazón late en los interiores de una casa y hace saber a su creadora que está siendo dañado, y un corazón sangra en las tablas de un piso donde hubo un asesinato. Verlaine, poeta fundador del grupo Los poetas malditos, expuso que la genialidad de los poetas es su maldición, alejándolos de las personas y abrazar el hermetismo, a entregarse a tendencias autodestructivas como consecuencia de sus dotes literarios. Mallarmé, la figura más representativa del simbolismo, después de publicar uno de sus libros, reunía semana a semana decenas de seguidores del movimiento en su casa. Guiños de todo esto, son claros en el papel de Bardem, que como escritor se aleja para reencontrar su inspiración y las demás situaciones posteriores. Se ha mencionado una inspiración del surrealismo, Buñuel, y más claramente ‘El Ángel Exterminador’. Similitudes muy literales y casi a modo de homenaje. Buñuel puede dormir paz en su tumba, motivaciones muy acertadas
RESEÑA
o Mother!’ ha sido abalada y odiada, ha creado sus ateos, sus fanáticos, sus agnósticos y sus escépticos… tanto como su argumento, y siento su intención precisamente a este punto, y diría que logrado con éxito total. Es definitivamente una propuesta interesante, que dará mucho de qué hablar siempre.
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en su uso y colocadas muy bien en su guión. Hiperbolizada la sensación de claustrofobia, hacinamiento, descontrol y desesperación en cuotas sabias y bien distribuidas hasta llegar a un clímax apocalíptico, digno de Sodoma y Gomorra y las escenas de Moisés de De Mille en la escena del Becerro de Oro; ligado a todas las situaciones de fanatismos y sectas, y las impresionantes situaciones en las que han terminado muchísimas de ellas. Donde se repite, el vacío de la humanidad, y la construcción de divinidades a conveniencia del ser humano, su ego, su vanidad, y la idolatría de imágenes.
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Se habló por ahí de que la película es misógina. Y lo es en cierta forma y no veo el comentario tan fuera de lugar. La religión judeo-cristiana-católica, no está provista de personajes de autoridad religiosa de mujeres, los hombres que siguieron a Jesús fueron designados apóstoles y encargados de disipar la religión en la humanidad, en cambio las mujeres relegadas a papeles menores, secundarios, y solo la Virgen ligeramente en un nivel superior, pero es una mujer la que trae el pecado, la que aún hoy en día, somos más “satanizadas” por nuestros comportamientos y cuando alzamos la voz para defender
nuestros derechos; y sigue sin existir en las estructuras religiosas de este tipo, autoridades de género femenino. Lawrence es la esposa, la ignorada por todos, la que sirve sólo como envase de procreación y servidumbre, la que tiene que soportar sacrificar y dar todo, incluso sus momentos más especiales son castrados por los eventos del escritor, su esposo, Dios. Es golpeada, torturada y tachada de prostituta, y se ve en la necesidad de inmolarse para acabar una cadena imparable de hechos, porque Dios ama ser alabado, elogiado, bajo cualquier forma posible, por más tóxica y enferma que esta sea, y todos sin importar qué hicieron,
¿La historia fue la ficción del escritor y sus ciclos creativos? ¿La historia son los ciclos interminables a los que estamos atrapados el ser humano desde hace siglos? ¿Es una interpretación bíblica en la modernidad? deben ser perdonados. Ella, solo será otra más que muere y entrega lo último que tiene de valor y será como las demás… polvo. ¿La historia fue la ficción del escritor y sus ciclos creativos? ¿La historia son los ciclos interminables a los que estamos atrapados el ser humano desde hace siglos? ¿Es una interpretación bíblica en la modernidad? Pero lo que se siente seguro y obvio es la denuncia de la ceguera de la humanidad, ante los riesgos de religiones y moralidad manipulada al interés del ser humano, y dioses que mutan sus principios y sus “mandamientos” según la necesidad del momento. ¿Necesitaremos el elixir de la madre para poder soportar este mundo? ¿Qué es? Beata Beatriz, es un retrato idealizado, espiritual y simbólico de la bella mujer de Rossetti, Elizabeth Siddal. Fue la modelo de muchos otros pintores prerrafaelistas porque poseía una belleza y un aire entre altivo y dulce que cautivó a todos los miembros del grupo, convirtiéndola en el arquetipo femenino del prerrafaelismo. Rossetti y Lizzy se casaron en 1860, pero ella se suicida trágicamente dos años después por una sobredosis de láudano, después de dar a luz a un niño muerto. El láudano (del neolatín labdanum y éste del latín ladănvm a su vez del griego antiguo λάδανον) es una tintura alcohólica de opio, una preparación compuesta por vino blanco, azafrán, clavo, canela y otras sustancias además de opio; usada con fines medicinales en una gran variedad de drogas patentadas durante el siglo XIX. Se usaba comúnmente para reducir cualquier tipo
de dolor, adormecer o ansiedad. Uno de sus envases más tradicionales, es muy similar al elixir de Lawrence, el cual ella deja a raíz de su embarazo. Si fuera algo natural, inofensivo, no habría razón de descontinuar su uso. Nuevamente las coincidencias con el prerrafaelismo podrían no ser casuales. ‘Mother!’ ha sido abalada y odiada, ha creado sus ateos, sus fanáticos, sus agnósticos y sus escépticos… tanto como su argumento, y siento su intención precisamente a este punto, y diría que logrado con éxito total. Es definitivamente una propuesta interesante, que dará mucho de qué hablar siem-
pre. Pero espero que ante todo sirva para movernos a una seria reflexión sobre la forma en que el ser humano maneja sus creencias, y demos a la Madre Tierra el lugar que claramente hemos olvidado que tiene en nuestra evolución y futuro.
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La Promesa: Una historia de amor, en tiempos de guerra Por: Eduardo Vázquez De entrada debes saber que no me gustan los dramas, no es mi target. Pero al encontrarme con esta cinta y un elenco que bien podría respaldar lo que nos cuenta de manera segura y certera, he llegado a una conclusión… ¡Me he enamorado de una forma extraña de este género, porque los demás eran placeres o gustos culposos! Si bien o mal, pude haber aplaudido y ovacionado la cinta en cuestión, supe directamente que se encontraba basada en hechos reales y ahí yacía un silencio, un enorme silencio. Es así que me cuestione ¿Qué busco en un drama? ¿Qué es interesante para el espectador que le cuenten en pantalla? Y como los dramas no son lo mío, haré un esfuerzo por decirte (O escribirte, mejor) los puntos buenos y malos que existen en lo nuevo de Terry George. Así que te preguntaré: ¿La promesa nos hará llegar al final de la historia o será mejor romperla sin saber la respuesta?
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