Edición 21 by Zona 7

LEONARDO DICAPRIO

ZONA 7

ed. 21 DICIEMBRE 2015

DISEÑO: KATHERIN DUEÑAS / RUTH PÉREZ

EDITORIAL

¡Adiós 2015! Llega el momento de despedir un año que definitivamente nos ha traído muchas emociones, hemos tenido la oportunidad de conocer muchas personas y participar de eventos muy enriquecedores. La familia de Zona 7 crece día con día y también nuestro compromiso con ella. Es la segunda vez que tenemos la dicha de despedir un año, agradecidos por todo el trabajo de un equipo que no descansa y por el apoyo tan increíble de parte de nuestros lectores. Respecto al cine, el 2015 no ha sido particularmente bueno, sin embargo, ha sido un año lleno de sagas, secuelas y conclusiones de franquicias muy importantes. En este sentido, será recordado por películas claves que, buenas o malas, son significativas. Para nuestro último acto del año, decidimos rendirle homenaje a un actor que sin duda ha dado mucho de qué hablar a través de su carrera, prácticamente podríamos decir que lo conocemos

desde que es un muchachito y le hemos visto evolucionar de manera increíble, convirtiéndose en uno de los actores más importantes en la actualidad: Leonardo DiCaprio. A punto de estrenar una película que pinta excelente, al lado del ganador al Óscar a mejor director en el presente año (Alejandro González Iñárritu) y posiblemente en una nueva carrera hacia el Óscar, creímos que era un buen momento (y esperamos que buen augurio) de dedicarle una edición a este gran actor. De esta manera les decimos ¡hasta pronto!, nos leemos el año siguiente, con nuevos proyectos, nuevas metas y sobre todo: ¡Con mucho cine! Eileen Gamboa Directora Editorial www.revistazona7.com www.elieengamboa.com editorial@revistazona7.com

CONTENIDO 7+1: ALGO MÁS QUE CINE/ open windows 6 el renacido: ¿podrá ser el tiempo de dicaprio? 8 DESDE ADENTRO/ la Dirección: la labor creadora 10

ARCHIVO 7 / hedy lamarr 28 DEL CINE A LA REALIDAD/ olympia 32

EXTRAS

CINE ASIÁTICO/ ORIENTAL / yeong 14

leonardo dicaprio: camino 26 al óscar

BIO 7/ Leonardo dicaprio 16

la isla siniestra 32 "leo" no necesita un oscar 34

OJO SERIÉFILO/ hannibal: el arte de lo macabro 20

sobre nosotros Somos una revista mensual, que tiene como fin exclusivo, la difusión de información útil y práctica sobre el cine, dirigida especialmente a ésas personas amantes del séptimo arte con deseo de aprender más, de una manera práctica y de fácil comprensión. Aprovechando las plataformas web y las redes sociales traemos hasta usted una revista gratuita y de fácil acceso, sin dejar de lado la excelencia en cada detalle. Nuestro equipo cuenta con personas de diferentes paises de Latinoamérica, entre ellos Perú, Colombia, México, Bolivia, Guatemala, Costa Rica, Argentina y Uruguay.

Bienvenido a nuestra zona, la zona del séptimo arte

OPEN WINDOWS

¡INNOVADOR EJERCIC Por: Eduardo Vázquez Una producción de España y E.U. de

la que me terminé enamorando, en la cual encontré muchas cosas para debrayarme en este artículo. No es que me haya llamado la atención por Elijah Wood, ni por quien estaba en la dirección que es Nacho Vigalondo (Extraterrestre) aunque su trabajo es de respetarse. ¡Obviamente fue por la ex actriz porno, escritora y DJ… Sasha Grey! (Hace tiempo no la veía en una película con ropa). Es una película imperdible de ella. Pero me estoy adelantando a los hechos, comencemos por lo más simple. Por si andas perdido en la sinopsis, bueno ahí te va: La historia nos centra con el personaje Nick Chambers –un web master de un sitio dedicado a la actriz Jill Goddard (Sasha Grey)- que tras resultar ganador de un concurso para conocerla, recibe un mensaje de quien dice ser su manager: “La cita ha sido cancelada”. Molesto por la noticia, Nick se descubre víctima de

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7+1: ALGO MAS QUE CINE

CIO DE STREAMING CINÉFILO! su propio morbo cuando el supuesto manager le da la oportunidad de desquitarse, haciéndolo del control no sólo del celular de Jill y de las cámaras de vigilancia del hotel, sino también de su laptop. El final pondrá de cabeza el mundo virtual… ¿Qué tan apegados estamos hoy en día a las redes sociales, a la tecnología?, ¿Cuánto dependemos de un dispositivo inteligente? ¿Seguimos interactuando como antes? Cabe decir que Nacho Vigalondo tiene escuela; la película llega a ser en un momento absurda, pero delirante y acompañada de cosas tecno, punk y thriller que le hacen un claro tributo a aquellas películas clásicas de suspenso. Recordemos “La Ventana Indiscreta” o “La Soga”; pero también recordemos el ya sobreexplotado “found footage” (que la jefa en la revista o encargados en edición me ayuden a checar cuantas veces he hablado de ese recurso cinematográfico) que en realidad sirve mucho para la pantalla grande, ya que te sientes como el usuario Nick Chambers. La cinta tiene muchos recursos para recordarnos cada pieza fundamental del suspenso, adaptado a nuestra era moderna. El espectador va a saciar sus más bajos instintos, su vouyerismo, deseos y fantasías con Jill Goddard. Los cinéfilos tendremos a la orden del día el plano secuencia y nuestras pupilas se van a dilatar, ya que es el recurso de pantalla. Ante todo esto, hay una crítica para la generación de los niños Facebook en nuestros días; una información que el espectador casual no podrá ver al instante pero alguien observador y sigiloso sí. Eso pienso yo.

ro del “YA ME TIENE HASTA LA MADRE” found footage, pero a muchos guionistas o productores les cansa el pensar y Vigalondo les cierra la boca. No falta imaginación en Hollywood, lo que falta son las ganas. Se demuestra que no se cae en los clichés y tropiezos del cine en los que se acostumbra a caer siempre. Por supuesto que hay acción, pero nos olvidamos de eso durante los 100 minutos de película, pues pasa a un segundo término y deja que el suspenso abarque de una manera brutal la mente del espectador y la pantalla.

“MI PERSECUCIÓN VIRTUAL”

Elijah Wood nos demuestra que puede hacer algo refrescante y diferente, de correr riesgos por un personaje, de plantarse en los zapatos y suelo. Y Sasha Grey me sorprende, ya que su personaje es la típica actriz problemática y de mala actitud con los reporteros, más en el trasfondo de ese personaje tengo que decir que yo quería ser Nick Chambers para ver todo lo que él veía, pero también conocer que ella es esa clásica celebridad vigilada por los reporteros, que invaden su privacidad con tal de obtener la nota perfecta y además ser la que está en peligro.

Un final que puede o no dejar satisfecho a más de uno, pero que no veía desde “Saw: Juego del Miedo”. A esa altura está el final.

Bueno, ¿Qué tanto crece nuestra obsesión por algo? ¿Cómo juzgamos a alguien solamente por verlo en pantalla? ¿Qué tan vacía es nuestra vida para tener que recurrir a interactuar por una pantalla? ¿Cuántas películas descargamos por día? Nosotros somos inocentes al ver la película, pero cabe recalcar que el giro que ésta da en los últimos minutos es algo brutal, sorprendente y no es de esperarse; si te lo pierdes, ya no entiendes toda la cinta… posiblemente.

Así que si quieres debatir, sígueme en twitter: @EdKiller

¿Qué pasa si te digo que durante la cinta estás realizando un ejercicio contigo mismo? Bueno, todo lo ya mostrado en esta cinta, desde la tecnología, puede rayar en un filme al estilo “Blade Runner” o “Swordfish” por así decirlo. La única conexión que tendrás con la película es la laptop, en la cual aparte de ver todo, te conectará con la historia, personajes y música. ¿Qué enseñanza nos deja la película?

El director Vigalondo demuestra que con “Los Cronocrímenes” y “Extraterrestre” puede darle vuelta al géne-

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EL RENACIDO:

¿PODRÁ SER EL TIEMPO DE DICAPRIO?

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7+1: ALGO MAS QUE CINE

Ver los posters de “The Revenant”, me hizo recordar (en lo más claro de mi mente) aquella película de sobrevivencia sobre un tipo rudo que quiere morir pero no lo dejan y que a la vez tiene que guiar a un grupo para sobrevivir los ataques de una manada de lobos. Por: Eduardo Vázquez Torres Desde mi punto de vista, aún no encajo o no encuentro un amor total por la entrega de los premios Oscar. Lo digo por el aspecto de que me han fallado en algunas entregas bastante malas. Pero hay que ver el lado bueno (si es que lo hay, ya que soy un Grinch): Vienen las vísperas navideñas y Alejandro “Son Of A Bitch” Iñárritu, escribió y adaptó un guión de la novela de Michael Punke. Cabe mencionar que también tenemos un cast brillante, pero ¿Podrá DiCaprio salir avante y victorioso esa noche de los premios? Ver los posters de “The Revenant”, me hizo recordar (en lo más claro de mi mente) aquella película de sobrevivencia sobre un tipo rudo que quiere morir pero no lo dejan y que a la vez tiene que guiar a un grupo para sobrevivir los ataques de una manada de lobos. ¿Sabes a cuál me refiero? Una película que me fascinó demasiado, que es dirigida por Joe Carnahan y se llama “The Grey”, igual adaptada de una novela. Me remonté a esta cinta ya que hay algo similar; hombres que buscan una redención, ganar una batalla, sobrevivir a un infierno. ¿Hollywood no se ha cansado, de contarnos la misma historia? Al parecer, no… No es que me enoje o me enfurezca, pero siento que lo más original y que va muy bien es que uno adapte algo ya escrito, le quite algunas partes para poner nuevas y haga un éxito con un cast brutal, genial. Pero ante todo esto, hay una historia detrás de esta historia. ¿Sabías que todo esto empezó en agosto de 2001 cuando Akiva Goldsman compró los derechos para adaptar el escrito o novela de Punke con la intención de producir la película?

Se pensaba en aquel tiempo que Park Chan-Wook dirigiera la película con el actor Samuel L. Jackson como protagonista, pero ese proyecto no prosperó. Se pensó en otro segundo director John Hillcoat y un nuevo protagonista (para muchos amado y otros odiado) Christian Bale, pero lamentablemente tampoco se llevó a cabo. ¿Crees que aquí acaba todo? Pues no. El mes de agosto del año 2011 el director mexicano Alejandro González Iñárritu se puso en sintonía para treparse a este proyecto. Nada iba a ser fácil, pero la tercera era la vencida; con todos sus pros y contras, en abril de 2014, tras varios retrasos de producción debido a otros proyectos, Iñárritu comenzaba la filmación de “The Revenant” y el papel protagónico era para Leonardo DiCaprio. Todo esto me lo comentó un maestro, lo busqué por Internet y tenía toda la razón; cabe aclarar que lo tenía que compartir con ustedes. Pero ya estoy leyendo o pensando en todos los haters o fans que llegará a tener: ¡NO HAS HABLADO DE DICAPRIO, MALDITO! Tranquilos, que tenía que llegar a ese camino, para explicarles qué es lo que yo siento sobre ése actor cuando lo veo en pantalla. Lo han y no han sabido dirigir; tanto ha parecido querer ganar esa estatuilla del Oscar, que ahí está el error que no ve. Tanto se esfuerza por hacer que La Academia lo aprecie y note, que ese es su peor error. Aunque déjenme decirles que a mí me han gustado mucho sus papeles en “Lobo de Wall Street” e “Infiltrados”, papeles que valen mucho la pena, tengo que admitir como Jack en “Titanic” no es de mi agrado, pero -¡Rose, Jack si cabía en la tabla!-. Atrasé mucho esta publicación, porque

tuve que ver algunas actuaciones de DiCaprio para tener bases sobre las cuales escribir este artículo y sigo insistente en lo mismo: Hay algo que no cuaja, que no gusta de este actor, a pesar de su brutal y misteriosa actuación en “La Isla Siniestra” (de esas películas favoritas en el top). Me disponía a ver “Sicario”: Tierra de Nadie” y colocaron un avance de “El Renacido” antes de comenzar la cinta… ¡QUEDÉ MARAVILLADO! Había visto el tráiler por Internet, pero no fue de mi atención. Pero verlo en la sala de cine fue brutal; majestuosas tomas que se hacen presentes en el avance, diálogos certeros, una película que va a tener de todo un poco. ¡El Chivo quiere otra estatuilla! Entonces, ¿Me gusta o no DiCaprio como actor? Con “The Revenant” puede ganar mi aprecio y que lo coloque en la quiniela para que no falle y de ser así, no importa; demostró que puede hacer papeles diferentes con una buena dirección. Este mi punto de vista, pero quiero debatirlo con ustedes. Las preguntas son: ¿Podrá ser este el año de Leonardo DiCaprio? ¿Podrá Iñárritu hacer que Leo gane una estatuilla?

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7+1: ALGO MAS QUE CINE

LA DIRECCIÓN:

La labor creadora por: Leonardo Mancilla “Quien esté en condiciones de pensar en imágenes cinematográficas, hágase director de cine”. Y es justamente esto lo que hace un director de cine; su labor se basa en la creación de la imagen de una película y todo lo que ella contiene. Uno podría imaginar toda la serie de hechos personales que llevaron a Andrei Tarkovsky a concluir en una sola frase lo que significaba para él ser director de cine y qué se necesitaba para llegar a serlo, pero es algo que solo él entendería y de lo que cualquier otra persona de la profesión solo puede especular, porque esta es una profesión donde no se encuentran iguales, todos son diferentes en sus decisiones en set y visiones sobre el mundo. Ya lo explicaba el escritor y director estadounidense David Mamet con la frase que nombra a uno de sus libros más conocidos: “Una profesión de putas”. Y es justamente esto lo que es la realización cinematográfica: una profesión de sacrificios, de conocimiento de la condición humana y en la que no cualquiera puede trabajar. Dirigir en cine de industria o en cine de autor (siguiendo las clasificaciones generales que se hacen del carácter de las películas) tiene bastas diferencias, pero el trabajo se basa en los mismos parámetros, solo que en cada casa existen distintas dificultades, posibilidades y restricciones. Esta es la profesión en la que la única escuela que existe es la de ver cine y tomar la cámara. El cine se aprende a hacer viéndolo y haciéndolo, no existen más formulas; y en este punto analizaremos todos lo que un director aprende al tomar la cámara. Esto es la dirección de cine.

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Dorothy Faye Dunaway, Johnny Depp y Emir Kusturica en un descanso durante la película Arizona Dream (1993)

La cabeza de equipo Entre la industria y la independencia Tanto en el cine de industria –Conocido popularmente como “Cine comercial”, aunque en algunos casos la clasificación “industria” también da cabida a películas de autor de alto presupuesto- como en el cine independiente – En la mayoría de los casos es “cine de autor” o popularmente conocido como “cine arte”- la cabeza creativa del equipo es el director. El director es básicamente “la cabeza de las cabezas de equipo”. Su labor consiste en dirigir a las cabezas de equipo casi exclusivamente (Directores de arte, fotografía, sonidista, diseñador sonoro, creador de efectos especiales, montajista, primer asistente de dirección y productor general) y al equipo actoral, pero entre ellos sólo a los actores principales y a los secundarios. En el cine de industria el director es la cabeza creativa del grupo, pero no tiene el cargo más importante, pues aquí es el productor la persona más importante: es quien compra los derechos del guión (que en la mayoría de los casos en películas de industria es de un escritor diferente al director), contrata a todo el equipo, incluyendo al director, a quien le da un contrato y le impone características de la película y tiempos de entrega de cortes

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y de finalización del film, es decir, le coarta libertades de creación. Aunque aquí la paga es buena, el director pasa de tener total dominio de las labores creativas a sólo determinar lo que el productor quiere para que la película tenga éxito. En el cine de autor la labor del director ya es otra cosa. En la gran mayoría de los casos también escribe el guión o hace el montaje (sea en equipo o sólo); por hacer alguna de estas labores en conjunto con su labor de director se le puede ubicar como autor. Además, la película está financiada de manera independiente, es decir, que no está vinculada a ningún gran estudio o productora que la financie y la distribuya. Los productores son cabezas de su departamento, pero la cabeza de todos los departamentos es el director. La razón de ser del film es artística y no comercial, aunque depende del provecho que le quiera sacar el director. Aquí el director decide todo sobre la imagen que quiere ver construida en la película, no sigue los parámetros que le impongan, se puede salir de las características de la imagen del cine convencional y en conjunto con sus directores de fotografía y arte, construir la imagen más apropiada para la película.

Cabe aclarar que esta clasificación cambia de país en país. Lo explicado aquí sigue al carácter de la producción audiovisual en Estados Unidos y Latinoamérica; en Europa y Asia muchas películas de autor son muy comerciales y en algunos casos no existe tal división de carácter económico. El Perfil del director Como ya fue descrito antes, el director es la cabeza creativa del equipo; su labor se basa en la toma de decisiones conversando con las cabezas de equipo. Nunca tiene un carácter radical y autocrático, pues esto solo haría que nadie quisiera trabajar con él en el futuro y aunque mucho se ha dicho de la fama de algunos directores por su carácter y dura manera de ser, la verdad es que o suelen ser mitos construidos por el tiempo y alimentados por hechos desafortunados en las carreras de ciertos directores o son anécdotas contadas por actores por los métodos de actuación que emplean ciertos directores. Pero aquí hay que separar algo: el director dirige actores de una forma diferente a como dirigió a su equipo técnico, ya que tiene que comunicarse diferente por ser profesiones diferentes con lenguajes diferentes y por lo tanto

7+1: ALGO MAS QUE CINE métodos de dirección diferentes.

sar.

Y con lo anterior llegamos a otra característica de un director: “Lo fundamental de la comunicación”. En un set trabajan muchas personas (De 15 a 2,000 según la película y el tamaño de la producción que se esté haciendo) todas de profesiones muy diferentes, por lo cual el director tiene que conocer muy bien a cada persona, su profesión y de qué manera puede comunicarse con ella para tomar decisiones.

Directores hay de todos los géneros, razas, nacionalidades e ideologías. No hay un perfil definido de un director de cine; puede ser desde la persona más extrovertida hasta la más penosa, desde la más simpática hasta la más seria. Lo único que se le pide a un director es que tenga la capacidad de imaginar imágenes cinematográficas y de poder transmitir sus ideas a un equipo para poder hacerlas realidad. Aunque cabe decir que la palabra “realidad” es la última con la que se puede definir al cine.

“La toma de decisiones” es un factor determinante en el éxito de la realización de una película, que bien puede depender de todo el equipo, pero que recae directamente sobre el director, por lo que su palabra es determinante en lo que se decida hacer. Pero antes de hablar, un director debe saber “escuchar”; escuchar a todo su equipo y saber valorar cada idea. Esta es ante todo una profesión humana, donde el valor recae en contar historias sobre humanos y para humanos; la gran mayoría de directores de éxito han entendido esto y su trabajo se basa simplemente en este aspecto, más allá de cualquier intención pretenciosa de la que se les pueda acu-

Serguéi Eisenstein, Nikolái Cherkásov y el equipo técnico durante la grabación de Iván Grozny (1944)

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JEONG A veces la adversidad vivida puede hacer que nuestro corazón y espíritu se hagan tan fuertes como el acero, como a la protagonista de nuestro filme de hoy; una anciana fuerte y que a pesar del dolor y las circunstancias difíciles, supo salir adelante. por: Andrés H Romero Mi Corazón” (Título en México) o “Todo por Amor” (Título en Argentina) es una grandiosa película de drama, con la cual me topé un día en televisión pública; una de aquellas geniales películas que no son tan comerciales o conocidas y solo las podemos disfrutar en TV pública, siendo así como las descubríamos en este medio no tan popular y nos enganchábamos en su trama. El filme comienza con una anciana sentada en un pastizal, esperando a alguien y muy atenta a una parada de autobús, mientras comienza a recordar episodios de su vida desde que era apenas una jovencita. Ella recuerda cuando de pequeña fue casada con un mocoso apenas unos años más pequeño, aquellos momentos donde su suegra (a la que llamaba madre) era muy cruel y aleccionaba con castigos físicos, así como aquella canción que recitaba para sentirse mejor y desahogarse en momentos no gratos. También recuerda un episodio de su vida donde es una joven adulta ya liberada de aquel matrimonio arreglado, en el que conoce al amor de su vida. Durante las etapas de su vida ella va viviendo situaciones muy difíciles que la ponen en aprietos o pagando un precio doloroso y en donde conoce a gente que sería muy importante para ella y que cambiaría su vida para siempre. Si quieres conocer más de la historia no esperes más y busca este filme.

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La película tiene una esencia muy bonita, pero debo admitir que me llegó al corazón y derramé un par de lágrimas en los momentos más tristes y desgarradores. El filme tiene un par de momentos graciosos, aunque jamás pierde el hilo en cuanto al género de la misma. Los personajes son muy naturales y los escenarios en donde se filmó fueron en su mayoría paisajes naturales, la trama te remonta justo a la época que va recordando nuestra protagonista. Está de más decir que tiene una banda sonora preciosa. Yo como amante del cine oriental te recomiendo bastante está película, que estoy seguro la podrá disfrutar cualquier tipo de público, no solo por ser un filme un tanto raro y poco conocido, sino porque su historia se resume en ser simplemente hermosa.

Notas al lector: La película se encuentra desde hace un tiempo en la plataforma de videos YouTube, lo comento ya que es casi imposible conseguir el material en físico u otros medios.

"Jeong (My Heart)” País: Corea del Sur Año: 2003 Director: Yun Jae-yeon

CINE ASIÁTICO/ORIENTAL

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Nació el 11 de noviembre de 1974 en Los Ángeles, California, Leonardo Wilhelm DiCaprio es el único hijo de Irmelin y George DiCaprio. Sus padres se divorciaron cuando él era todavía un niño. DiCaprio fue criado principalmente por su madre, una secretaria legal nacida en Alemania.

A pesar del divorcio de sus padres, Leonardo DiCaprio se mantuvo cerca de su padre, un dibujante de cómics y distribuidor. Con sus padres instándole, Leonardo exploró su lado creativo. Él desarrolló un interés en actuar desde el principio. "Me encantó la imitación de la gente ... Me encantaba bromear un poco con mis padres y la creación de diferentes personajes. Me gustaba hacer mis propias pequeñas parodias hechas en casa", dijo DiCaprio. Pero no tuvo mucho éxito en Hollywood hasta que llegó a su adolescencia. A principios de la década de 1990, DiCaprio comenzó el trabajo regular de la televisión. Sus primeros créditos incluyen apariciones especiales en programas como ”The New Lassie” y “Roseanne”. Él consiguió un papel en la comedia dramática de la Familia pero el espectáculo resultó efímero, DiCaprio se habría reunido también con Tobey Maguire al hacer la serie. Los dos han mantenido una amistad desde entonces. En 1991, DiCaprio dio un salto hacia adelante cuando fue elegido como un semi-regular en la comedia familiar Los problemas crecen con Kirk Cameron y Alan Thicke. Hizo su debut en el cine en los de bajo presupuesto de terror Critters 3 de ese mismo año. Pero DiCaprio realmente demostró por primera vez su talento como actor serio

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dos años más tarde. Demostrando a las críticas de que era más que un adolescente simplemente guapo, DiCaprio protagonizó junto a Robert De Niro en “This Boy's Life”. La película se adentró en la difícil relación entre un niño y su padrastro abusivo en esta adaptación de las memorias de Tobias Wolff. DiCaprio impresionó a los críticos.

de la rica y hermosa Rose (Winslet) a bordo. La pareja se enfrenta peligro no sólo desde el prometido de Rose (Billy Zane), sino también del barco en sí después de que choca contra un iceberg. El presupuesto de producción de la película superó más de $ 200 millones, y fue, en su momento, la película más cara que jamás se ha hecho.

DiCaprio volvió la cabeza de nuevo con su interpretación en "¿A Quien ama Gilbert Grape?" (1993), con Johnny Depp. Su retrato de un niño con discapacidad mental le valió una nominación al Oscar al mejor actor de reparto. Los elogios que recibió de esta película solidificaron la reputación de DiCaprio como un actor dotado.

Titanic se convirtió tanto en un éxito de crítica y público, obtuvo 14 nominaciones al Oscar y ganó 11, llevándose a casa tales honores distintivos como Mejor Película y Mejor Director. Fue la primera película que llegó a la marca de mil millones de dólares en ventas internacionales.

Después de recibir su primera nominación al Oscar, DiCaprio continuó con proyectos de cine interesantes y diversos. Fue protagonista en el 1995 en “Diario de un rebelde” y trabajó con Russell Crowe, Sharon Stone y Gene Hackman ese mismo año. Otra historia de amor trágico que ayudó a impulsar la carrera de DiCaprio a un nuevo nivel en 1997 fue la que co-protagonizó junto a Kate Winslet “Titanic” de James Cameron. La historia de finales de siglo sobre el hundimiento del trasatlántico legendario Titanic. En la película, interpreta a Jack, un artista pobre que se enamora

El éxito de la película también mostró que DiCaprio podría manejar roles protagonistas tradicionales de Hollywood. Rápidamente se convirtió en una celebridad de fama mundial con un público creciente de admiradores. Su encanto y buena apariencia juvenil le ayudaron a hacer parte de la lista de las"50 personas más bellas" -en 1997 y 1998. Después de Titanic, DiCaprio tenía un poco de caída en la carrera. Tanto El hombre de la máscara de hierro (1998) y La Playa (2000) demostró ser decepciones tanto financiera como artísticamente. Pero DiCaprio pronto

BIO 7

LEONARDO

DICAPRIO ZONA 7 DIC 2015

El aviador (2004), DiCaprio asumió el reto de jugar uno de los empresarios más famosos de América. Él recibió otra nominación al Oscar por su interpretación del excéntrico y posteriormente recluido Howard Hughes. DiCaprio continuó impresionando crítica y público por igual con sus papeles atrevidos.

se recuperó. Demostró su rango como actor en dos películas notables: "Atrápame si puedes" y "Gangs of New York". Esta última película sirvió como el primero de muchos proyectos que DiCaprio tendría con el afamado director Martin Scorsese. En El aviador (2004), DiCaprio asumió el reto de jugar uno de los empresarios más famosos de América. Él recibió otra nominación al Oscar por su interpretación del excéntrico y posteriormente recluido Howard Hughes. DiCaprio continuó impresionando crítica y público por igual con sus papeles atrevidos. En 2006 protagonizó un par de películas bien recibidas Diamante de sangre y los difuntos. DiCaprio obtuvo su tercera nominación al Oscar por Blood Diamond, un thriller dramático sobre la búsqueda de una piedra preciosa en la guerra en Sierra Leona. Para la convincente saga de crimen Martin Scorsese dirigió-La Departed, co-protagonizó junto a Matt Damon y Jack Nicholson. Winslet en Revolutionary Road, una película tensa sobre una pareja suburbana de 1950 que lucha por capear una miríada de problemas personales. Exploró un futuro fantástico en la película de Christopher Nolan: Inception (2010) donde la tecnología permite a las personas invadir los sueños de los demás. Ese mismo año, DiCaprio protagonizó el thriller de Martin Scorsese “Shutter Island”.

En 2012, apareció como un propietario de esclavos, en el filme de Quentin Tarantino “Django Unchained”, también protagonizada por Jamie Foxx, Kerry Washington y Christoph Waltz. DiCaprio también volvió a hacer equipo con Baz Luhrmann para jugar uno de los personajes más fascinantes Es protagonista de la adaptación del clásico de F. Scott Fitzgerald El gran Gatsby, junto con Carey Mulligan y Tobey Maguire. DiCaprio volvió a trabajar con Martin Scorsese en el drama de 2013 El lobo de Wall Street, basada en las memorias de Jordan Belfort, quien ganó notoriedad por estafar a los inversores mientras se llenan sus bolsillos en la década de 1990. La interpretación de DiCaprio de Belfort le valió un Globo de Oro al mejor actor, junto con su cuarta nominación al Oscar. Jonah Hill y Matthew McConaughey también protagonizaron la película.

DiCaprio tomó otra figura famosa en el drama biográfico 2011 "J. Edgar". Di-

En 2014 DiCaprio fue elegido para interpretar el papel principal en la

En 2008 se reunió con DiCaprio Kate

rigida por Clint Eastwood, la película explora la vida de J. Edgar Hoover que dirigía el FBI durante casi cinco décadas. Para prepararse para el papel, DiCaprio realizó una extensa investigación. Visitó muchos de guaridas de Hoover en Washington, DC "A mí me gusta jugar figuras históricas, simplemente porque hay tanta increíblemente diversa información interesante acerca de un personaje cuando se puede investigar su vida. Muchas de las cosas que nunca sería capaz de compensar como escritor ", explicó a Back Stage.

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película de suspenso occidental The Revenant. En agosto 2015 Martin Scorsese y DiCaprio anunciaron que estarían asociados una vez más para trabajar en la adaptación cinematográfica de Erik Larson de El diablo en la Ciudad Blanca, en la que DiCaprio jugaría el papel del asesino en serie del siglo 19, HH Holmes. DiCaprio ha demostrado su pasión por los temas ambientales. En 2000 se organizó una celebración del Día de la Tierra, así entrevistó el presidente Bill Clinton para un segmento de la televisión sobre el calentamiento global. También ha servido en las juntas de World Wildlife Fund, el Consejo de Defensa de Recursos Naturales, y el Fondo Internacional para el Bienestar Animal. En 2007 un documental sobre el medio ambiente, que escribió DiCaprio y narrado, debutó. Además, el actor es uno de los fundadores de El Fondo DiCaprio Leonardo en California Community Foundation, una organización sin fines de lucro que apoya y aporta conocimiento a numerosas causas ambientales. El actor también ha continuado su colaboración permanente con Netflix para producir documentales que se centran principalmente en cuestiones ambientales y de conservación.

BIO 7

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EL AR

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OJO SERÍEFILO

ANNIBAL:

RTE DE LO MACABRO por: Alexander Loaiza En 1981, el apenas emergente escritor Thomas Harris, e inspirado tras conocer a un médico de una cárcel en Monterrey, publica su primer novela del monstruoso psiquiatra caníbal, Red Dragon. Este fue adaptado al cine por primera vez en 1986 de la mano del director Michael Mann, con la mal lograda Manhunter; pero no sería hasta que escribiera la obra maestra The Silence of the Lambs y fuera llevada al cine por el director Jonathan Demme, en 1991, que el terrorífico doctor alcanzara la fama mundial, y aún hoy se considera uno de los villanos más grandes de la historia del cine, en parte gracias a la magistral interpretación de Anthony Hopkins. Harris ha escrito a la fecha 4 novelas del caníbal y 5 han sido los filmes sobre este, sumándose los directores Ridley Scott con Hannibal, Brett Ratner con Red Dragon y Peter Webber con Hannibal Rising, pero ningún filme es tan representativo como el de Demme. El hartazgo de producciones no acaba ahí, porque en el 2013 el productor y guionista Bryan Fuller crea una serie única en su especie, y que captaría la atención de una audiencia –incluyéndome- que no está acostumbrada a ver este tipo de productos, en una cadena abierta como lo es NBC. De hecho, Hannibal es una excepción a la regla, porque hasta para un canal premium hubiese sido arriesgado involucrarse. Tal es el caso, que los fieles seguidores sabemos la zozobra mantenida por su cancelación, siendo de naturaleza conclusiva cada tempo-

rada, hasta que NBC decidió que era suficiente para una serie que nunca fue suficiente, y no renovar más en plena tercera temporada, cambiando inclusive el horario de emisión a causa de la desfavorable audiencia que venía presentando. Un acto mezquino, a mi parecer. La serie entonces se basa durante las tres temporadas en los caracteres de la novela Red Dragon, adaptándola libremente a la época actual donde el jefe de la Unidad de Ciencias del Comportamiento del FBI, Jack Crawford (Laurence Fishburne), solicita la ayuda del famoso agente Will Graham (Hugh Dancy), con el fin de resolver el caso de un asesino en serie. Graham es conocido por su particular habilidad de analizar escenas del crimen y perfiles psicológicos, pero es inestable debido al trastorno que sufre (él mismo define que se encuentra entre el Asperger y autismo) y a la vez habilidad que este le otorga, por lo que será necesaria la intervención de un psiquiatra, quién mejor que el prestigioso Dr. Lecter (Mads Mikkelsen), siendo a partir de aquí donde se desarrolla la dualidad de ambos y lo más interesante de la serie. Pero, debo aclarar que si bien toma como premisa el procedimental policíaco, no es estrictamente una serie de ese tipo. Lo utiliza como hilo conductor de la narración, sí, principalmente la primera y segunda temporada, pero Hannibal es más que eso: su método va más enfocado hacía el thriller psicológico y lo surrealista con algunas

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dosis de gore, conocida es la admiración de Fuller por el cine de David Lynch y Kubrick, influencia notable de ambos en el contexto de la serie. Antes de existir dicha adaptación, era casi impensable que un nuevo actor viniera a “sustituir” al enigmático y sadista doctor caníbal encarnado por Anthony Hopkins, una silla que no compartió por años, hasta que llegó Mads Mikkelsen. Personalmente, y tomando referencia de cómo Thomas Harris describe a su personaje, Mikkelsen, quien es de origen danés, y sumado a los rasgos físicos que posee, realiza una interpretación soberbia que logra representar tan cercanamente al Hannibal literario que imagino, aportándole además un tono “humano”, contrario al de Hopkins. Esto es importante aclarar sin intención de desmeritar la brillante labor del británico; de hecho, me resulta incómodo definir una respuesta a la pregunta inevitable de: ¿Cuál es mejor? Ambos actores recrean un Hannibal de distintas épocas, con estilo propio, por lo que ya no existe uno solo en la historia, sino dos. En cada episodio, Hannibal es sinónimo de la más alta aristocracia, vestido de costosos trajes, un hombre brillante, de gustos refinados y de un sutil humor negro, que no soporta la descortesía de las personas, poseedor de una impecable habilidad culinaria que deja como aprendices a los concursantes de Master Chef. Tal es la importancia de esta característica en el personaje, que la serie en cada episodio lleva por título el nombre de un platillo diferente, desde los de origen francés en la primera temporada, hasta el japonés en la segunda e italiano en la primer mitad de la tercera. Sin duda, el apartado de la serie no es apto para paladares veganos, porque, como dice el doctor en uno de los primeros episodios: “nada aquí es vegetariano”; aunque también podría ser repulsivo para los gustosos de platillos carnívoros, sabiéndose la procedencia de estos, a pesar de ello resulta sumamente agradable a la vista las obras de arte con que deleita a sus “privilegiados” invitados. Detrás de ese excelso intelecto y una imagen pulcra se esconde la monstruosa mente de un psicópata perfecto, Hannibal siempre ha caminado entre lo mejor y lo peor, resultando una personalidad terroríficamente atrayente, y la serie logra transmitirlo

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OJO SERÍEFILO

Antes de existir dicha adaptación, era casi impensable que un nuevo actor viniera a “sustituir” al enigmático y sadista doctor caníbal encarnado por Anthony Hopkins, una silla que no compartió por años, hasta que llegó Mads Mikkelsen.

su rostro. Dante en sus revelaciones describe al ángel caído como un ser que devora almas. Posteriormente, en “Primavera”, Will mantiene conversación con Abigail en una capilla, y esta le dice que Hannibal juega a ser Dios, pero él sonríe con ironía y le responde que el psicópata no quiere ser Dios, se divierte desafiándolo. Así, vemos que por medio de Dante él mismo se define astutamente como el mal encarnado, y Will lo reafirma ante la ingenuidad de Abigail. Dicho esto, durante las tres temporadas somos participes del juego macabro que Hannibal desarrolla contra sus víctimas, desde el FBI hasta sus propios pacientes y colegas, pero ninguno es tan fascinante como el que ejecuta contra Will y la manera en que este se va quebrando mentalmente, al punto de hacer cada vez mayores sus alucinaciones cargadas de imágenes oníricas. Hugh Dancy logra de manera impresionante reflejar los temores de su personaje, resultando a veces perturbador. Si Hannibal no existiera, pensaríamos que Will era realmente el destripador de Chesapeake, por eso la serie juega con ese planteamiento y los dos personajes se muestran como reflejo del otro, siendo el desenlace

de la tercera temporada el más justo para ambos. Es así como de momento Hannibal concluye su camino por la TV. Durante tres años contemplé una de las mejores series que han pasado por la parrilla televisiva: su puesta en escena, uno de los sellos característicos, inigualable y obsesiva al detalle. Por ella pasaron directores de gran renombre como Guillermo Navarro (colaborador en fotografía de Guillermo del Toro); ni qué decir de su reparto principal, impecable en todo sentido. Aplaudir la labor de las últimas adiciones en la tercera temporada, tanto de Richard Armitage como Joe Anderson, ambos espectaculares sin nada que envidiar a sus homólogos de los filmes, así como la magnética banda sonora de Brian Reitzell, que siempre acompañó a la serie. Hannibal fue operística, como la define el propio Bryan Fuller, un tipo al que se le debe toda esta reinvención del personaje y su universo, del que espero, encuentre buen puerto para regresar.

con creces. Basta con el primer episodio para saber quién es el autor de los inquietantes crímenes, víctimas ejecutadas como si fueran pinturas en lienzo (algunas en tributo a The Silence of the Lambs). La violencia acá no es gratuita, es estilizada y con un propósito, además de no pasar desapercibida por el espectador claro, es mostrar la perspectiva de un hombre que se vanagloria de la muerte y ve en ella arte, dominio, redención. Dentro de ese contexto, hay ciertos momentos clave que definen al personaje en la tercera temporada y, advierto de spoilers para quien no la haya visto, uno de ellos se presenta en “Antipasto”, cuando Hannibal y Bedelia (Gillian Anderson) se encuentran en su amada Florencia, cuna del arte y el Renacimiento. Este es invitado a impartir una conferencia sobre Dante, su mayor inspiración, en ella habla sobre el infierno y las mutilaciones que sufren quien comete traición, mientras una imagen de Lucifer es proyectada y se impregna en

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por: Liliana García Corría el año del 1919, filmes como A Day's Pleasure y Sunnyside del gran Charles Chaplin lograban ver la luz. La primera de estas con medias opiniones a comparación de la segunda, que fue mejor recibida por los críticos. En fin, una muy pero muy pequeña introducción para hablar sobre un film que también vio la luz en este mismo año. Austriaco y director cinematográfico, Richard Oswald, produjo, dirigió y escribió la mayor parte de su filmografía, llevando también adaptaciones literarias como El retrato de Dorian Grey y La vuelta al mundo en 80 días al 7° arte. Alemán y médico, Magnus Hirschfeld fue pionero en la teoría de un “tercer sexo” entre hombre y mujer, en hablar sobre el travestismo y el erotismo, además de sus grandes aportes sobre las necesidades y formación de identidades sexuales de los humanos, convirtiéndose así en el principal referente de la sexología. Oswald y Hirschfeld daban a conocer al mundo en este año Anders als die Andern (diferente a los demás), filme que en 1920, al introducir de nuevo la censura en Alemania, fue prohibida para todo público a excepción de investigadores y médicos que la utilizaban con fines científicos.

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¿Y el porqué de su censura? Bueno, Anders als die Andern cinta muda y de las primeras en llevar la homosexualidad a la pantalla grande, fue un grito de información y libertad mandado a callar por el párrafo 175 del código penal alemán, que rigió al país del 1 de enero 1872 hasta el 11 de junio de 1994. En dicho párrafo quedaban estrictamente penados los actos homosexuales entre hombres, donde los castigos iban de 6 semanas a un día con pena máxima de 6 meses y cadena perpetua de reputación destruida, siendo señalado y humillado peor que un criminal. Cineasta y médico, expertos en sus ramas se dieron a la tarea de escribir un guion donde Hirschfeld se interpretó a sí mismo en la cinta, además de financiarla por medio de su institución Institut für Sexualwissenschaft (Instituto para la ciencia sexual) con fines educativos, teniendo la firme intención de lograr eliminar el párrafo 175, el cual había acabado socialmente con la vida de muchos hombres debido a la deshonra pública llevando a muchos de ellos al suicidio, convirtiendo a Hirschfeld en activista defensor de los derechos homosexuales. cinta en blanco y negro narra la historia del doloroso amor entre un exitoso violinista y su joven aprendiz, un genuino sentimiento castigado ante

los ojos de la sociedad, de la norma jurídica y de sus padres; un amor que termina por separarse debido a las amenazas de un chantajista (situación muy común en ese tiempo), una preferencia condenada que acabará con la vida del famoso violinista Paul Körner interpretado nada más y nada menos que por Conrad Veidt, tal vez lo recuerden por películas como El Gabinete del DR. Caligari y Casablanca (léase esto último con voz de Troy Mcclure de los Simpson). No es que Oswald y Hirschfeld estuviesen adelantados a su tiempo debido a los grandes aportes que dieron, el primero en el cine y el segundo siendo pionero en materia sexualidad y homosexualidad humana, sino que el tratar estos temas siempre ha sido delicado para cualquier sociedad en cualquier tiempo. Si bien los avances médicos, científicos y nuevas tecnologías han revolucionado el pensamiento humano, y donde los años de lucha han logrado una igualdad de la que cualquier ser humano es merecedor por el simple hecho de existir en el planeta, en algunas partes del mundo, algunos grupos sociales y religiones siguen señalando a las personas con diferente orientación sexual, siguen siendo apartados y humillándos. Tal vez la homosexualidad sigua siendo un tabú hoy en día.

EXTRA/ RESEÑA

¿De verdad el amor solo debe ser entre hombre y mujer? ¿De verdad el sexo solo debe ser entre hombre y mujer? Vive y deja vivir. Anders als die Andern Dirección y producción: Richard Oswald Guion: Richard Oswald y Magnus Hirschfeld Fotografía: Max Fassbender Protagonistas: Conrad Veidt, Magnus Hirschfeld, Fritz Schulz, Anita Berber, Reinhold Schünzel.

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LEONARDO DICAPRIO

camino al óscar por: Katherin Dueñas Las primeras impresiones de The revenant, la nueva película de Leonardo Dicaprio han salido a la luz y aunque aún pocos críticos la ponen como una conteniente a vencer en la cateogria principal, casi unánimemente han estado deacuerdo con que tanto Leonardo Dicaprio como Emmanuel lubezky (dirección de fotografía) tendrán su nominación asegurada, asi que aprovechando la ocasión hare un pequeño análisis sobre la carrera de dicaprio en los oscars y sus opciones este año. Hay un nivel alto de expectativa con este proyecto, y para Leo hasta ahora todo parece indicar que sus mayores rivales a vencer serán Michael Fassbender por su trabajo en “Jobs” y Eddie Reddymaine por “The Danish Girl. Ambos tienen distintos aspectos que los pueden impulsar en la carrera, como lo es el interpretar a personajes históricos, pero el poco parecido físico, y fracaso en taquilla del primero y el ser el más reciente ganador, con un personaje francamente igual de oscar. friendly que el del año pasado del segundo son factores que no ayudarán mucho. Ahora, si hablamos de Leonardo él se ha caracterizado por ser un actor muy versátil y ambicioso, lo que ha demostrado con los años. Debuto como estrella internacional al entrar a ese pequeño proyecto independiente de james cameron llamado titanic, y desde ese momento no ha cesado de trabajar con directores como Steven Spielberg, Sam Mendes, Baz luhrmann, Christopher Nolan, Ridley Scott, Quentin Tarantino entre otros, destacando a Martin Scorsese, que le ha dado dos de sus 4 nominaciones en 5 colaboraciones hechas.

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Aunque el éxito internacional con "titanic" lo encasilló a ser el eterno actor-modelo cara bonita que no se toma en serio, el lo que hizo fue involucrarse en proyectos que le interesasen y lo retaran como actor, sus trabajos en “Gangs of New York”, “The Departed” y “Django Unchained” todos fueron excelentes y sin embargo no lograron nominación, todos en detrimento de otros compañeros de reparto, cayendo ante a Daniel-Day Lewis, Jack Nicholson y Christoph waltz respectivamente, (este último aunque hizo un buen trabajo, su papel me resultó muy parecido a su anterior interpretación del general Hans Landa y no debió ser nominada en cambio de Leonardo.

“The Revenant” dirigida por Alejandro González Iñárritu, con la dirección de fotografía a cargo de Emmanuel Lubezky, y protagonizada por Leonardo cuenta la historia de Hugh Glass, un explorador luego de ser atacado por un oso es dejado a su suerte por sus compañeros que lo creian muerto, pero el hombre sobrevive y va en busca de venganza.

EXTRA/ RESEÑA

Ya hablando de sus nominaciones, en ocasiones es cuestión de suerte, muchos actores han ganado su premio de manera más fácil porque la competencia no estaba muy cerrarda ese año en particular y desafortunadamente para leo, en las oportunidades en las que ha logrado nominación, sus rivales han presentado trabajos ciertamente más destacables o con más favor de la crítica, y en especial quiero mencionar cuando fue nominado por Blood Diamond; ese año pudo haber tenido doble nominación por the departed, con la que en mi opinión hubiera tenido más oportunidad de ganar, y en su último intento con the Wolf of wallstreet, aunque su actuación tenia lo necesario para ganar, le jugaron en su contra que su película dividió a la crítica, y que Mathew MC conahey presentó

una actuación y pelicula ciertamente mas… amigable i unánimemente aceptada, lo que definitivamente inclinó la balanza a su favor. Este año sin embargo, en la categoría de actor principal no ha aparecido un claro favorito hasta ahora, y aunque las primeras impresiones muestran que la película será de alto contenido violento y el papel de leo se va a centrar más en el lenguaje corporal (será una película de pocos diálogos) solo queda esperar a que “the revenant” sea revelado y sabremos si esta vez es la vencida para Leo.

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HEDY LAMARR (Hedwig Eva Maria Kiesler; Viena, 1915 - Miami, 2000)

por: César Quintana Actriz austriaca. Hija de un banquero de origen ucraniano y de una pianista de ascendencia húngara, su infancia transcurrió en reputados internados de Austria y Suiza, donde adquirió una sólida formación que completó con las clases particulares que recibía de institutrices y profesores personales. Su temprana pasión por el arte dramático logró convencer a su progenitor y con el apoyo familiar se matriculó en la prestigiosa escuela del director de escena Max Reinhardt. Contratada por la Metro Goldwyn Mayer, la todavía jovencísima Hedwing Kiesler se convirtió en Hedy Lamarr, nombre elegido por Louis B. Mayer en homenaje a la estrella del cine mudo Barbara La Marr. La productora transformó en elegancia el incontestable atractivo de la actriz y, redimida del escándalo, "la más bella" debutó en el cine estadounidense con Argel (1938), un drama romántico de John Cromwell donde compartió cartel con Charles Boyer, uno de los galanes de la época. Después de la Segunda Guerra Mundial, la carrera de la actriz comenzó a estancarse y la Metro decidió prescindir de ella. Desafortunadamente, rechazó protagonizar películas como Casablanca o Luz que

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agoniza y sus trabajos no pasaron de aceptables hasta que en 1949 aceptó participar en la superproducción de Cecil B. DeMille, Sansón y Dalila, junto a Victor Mature. La película fue un rotundo éxito y supuso la primera colaboración de Lamarr con la productora Paramount.

Alejada de la industria, pasó apuros económicos y fue testigo de la subasta de todos los bienes de su casa de Beverly Hills. En 1966 fue acusada de robo en un supermercado y, aunque finalmente salió absuelta, la publicación ese mismo año de su autobiografía Ecstasy and Me no contribuyó a mejorar la imagen de quien había sido una de las mujeres más bellas de la historia del cine. El libro recogía con minucioso detalle los escándalos amorosos y sexuales de la actriz y, aunque Lamarr demandó a la editora por falsear su azarosa vida sentimental, Hollywood le dio definitivamente la espalda. A pesar de su gran carrera y la decaída de la misma, a Hedy Lamarr se le conoce mundialmente por ser la primera mujer que hizo un desnudo en el cine para la película Ecstasy, dirigida por Gustav Machaty en 1932. También simuló el primer orgasmo de la historia del cine. Por ambas razones, la película estuvo censurada en varios países durante años, pero terminó siendo un éxito total en los países donde no se censuró. Considerada en su tiempo como la mujer más bella del mundo, pasó a la historia no sólo por su indudable aportación al séptimo arte sino también por sus descubrimientos en el campo de la defensa militar y las telecomunicaciones. Enemiga confesa del régimen nazi, durante la Segunda Guerra Mundial ideó, junto a su amigo el compositor George Antheil, el llamado "espectro expandido", una técnica de conmutación de frecuencias que luego se usó para proteger la dirección de misiles, y que todavía hoy tiene aplicación armamentística.

ARCHIVO 7

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OLYMPIA por: Aarón Mariscal Corría el año 1936 cuando una mujer llamada Leni Riefenstahl dirigía la documentación de un evento extraordinario. ¡Eran las olimpiadas de verano en Berlín! Ciudad que había sido elegida como sede cinco años antes, cuando nadie se imaginaba que un hombre cambiaría por completo la percepción de los demás sobre Alemania. Estos juegos resaltaron particularmente por el contexto político de la época. Voces llenas de júbilo en algunas partes del mundo, comunistas refunfuñando en algunas otras, incluso intentos de boicot por parte de organizaciones judías, ¡el mundo se quería volver loco! Con todo, estas olimpiadas dejaron un legado muy importante y digno de analizar, que es el de ser las primeras documentadas con imágenes en movimiento, tanto en televisión como en cine. Filmada en 2 partes (Fest der Völker y Fest der Schöhnheit) y estrenada en 1938, luego de cuidadosas decisiones de corte y montaje, “Olympia” representa no solo un hito histórico en los avances técnicos del registro de la realidad, sino también un himno a la belleza, específicamente la del ser humano. Para deleitarnos con su contenido hay que primero liberarnos de todo prejuicio contra su “intención propagandística”, más obvia que mandada a hacer; es decir, verla con ojos cinéfilos, no amarillistas.

ta con habilidad la gloria de participar en juegos deportivos. ¡Honor! ¡Respetabilidad! ¡Esfuerzo! ¡Ah! Valores tan dignos de resaltar, pero que hoy en día parecen perderse cada vez más y más. Además, hay que destacar que este es un desnudo con buenas intenciones, no como las payasadas pornográficas que vemos en otros filmes y que solo buscan generar lo mismo que algunas series de anime: fan service. Luego de eso, viene la inauguración de los Juegos Olímpicos, donde vemos a los participantes de los distintos países marchando. Algunos hacen el saludo romano (mal llamado “saludo nazi”) porque sus naciones se rigen bajo un sistema aliado al alemán, mientras que otros simplemente hacen un saludo militar o miran al Führer, quién sabe si con desprecio o simpatía. Una vez acabada la “previa”, podemos al fin contemplar la acción de los diversos deportes allí presentes: lanzamiento de disco, lanzamiento de jabalina, carrera de obstáculos, santo con pértiga, maratón etc. En cuanto a esto último, es interesante ver correr a Juan Carlos Zabala, de Argentina, ¡un país latinoamericano presente en las primeras olimpiadas registradas con imágenes en movimiento! Definitivamente algo digno de celebrar.

La precisión de los encuadres y la cámara lenta presentes en esta parte son realmente impresionantes, pues nos permiten apreciar la grandeza de estos La primera parte, que se traduce deportes con total comodidad. A veces como “Festival de las naciones”, co- se intercalan tomas de gente que llegó mienza con imágenes de la Antigua a apoyar a su país en el estadio olímpiGrecia: sus estatuas, sus jugadores, co, o también de sus rostros llenos de sus edificios…Todo un festín artístico, expectativa por lo que va a ocurrir. mostrando un desnudo masculino y femenino que, si bien es parcial, retra-

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La segunda parte, traducida como “Festival de la belleza”, comienza con tomas de la naturaleza, acercándose a los campos de entrenamiento de cada delegación, sean alemanes, japoneses, italianos o estadounidenses. Después, se nos presentan las competencias de gimnasia, yate, esgrima, boxeo, disparo, equitación, fútbol, natación y demás. Las tomas de los clavados acuáticos son lo más destacable de esta parte, ya que pareciera que los nadadores no caen hacia ningún lado en algunas ocasiones: simplemente se los ve dando vueltas en el aire de manera majestuosa, y desde algunos puntos de vista de la cámara pareciera que estuvieran cayendo hacia arriba. En fin, lo cierto es que “Olympia” es un plato degustable en su estética, y lamentablemente muchos evitan apreciarlo por miedo a ser llamados “nazis”, como si elogiar una película los convirtiera automáticamente en lamebotas de Hitler. La presencia de hombres y mujeres llenos de energía dota a este documental de una gracia única, que nos sirve de ventana al pasado, para ver cuánta pasión sentía en aquel entonces la gente por el deporte; y no es que hoy se lo promueva menos, sino que se hace más propaganda al sedentarismo, y uno como no-deportista se siente algo humillado luego de ver esta película. Como conclusión, es necesario hacer hincapié en el síndrome de culpabilidad que padecen muchos críticos de cine, analistas y demás personas que escriben y hablan sobre estos temas desde diversos campos del conocimiento. Cada vez que alguien se refiere a un evento relacionado con

MÁS ALLÁ DEL CINE

la Alemania Nacionalsocialista o la Italia Fascista, pareciera que por obligación tiene que mencionar algún insulto o calificativo despectivo hacia estos regímenes, como si estuviera prohibido hablar bien de ellos, aunque sea de alguna mínima cosa buena que hayan hecho. Frases como: “No es mi intención elogiar al régimen nazi, pero esta película…” o “a pesar de tal y cual medida social durante este gobierno, no debemos olvidar el Holocausto…” se han vuelto tan comunes, que quienes las mencionan parecen discos rayados sin criterio ni capacidad de cuestionamiento. Esto no quiere decir que debamos

Frases como: “No es mi intención elogiar al régimen nazi, pero esta película…” o “a pesar de tal y cual medida social durante este gobierno, no debemos olvidar el Holocausto…” se han vuelto tan comunes, que quienes las mencionan parecen discos rayados sin criterio ni capacidad de cuestionamiento.

alabar a estos regímenes nacionalistas, sino más bien tratar de ser objetivos y no meter una cuchara política donde no da, o si la metemos, investigar un poco para averiguar la verdad; uno llega a descubrir cosas interesantes que no nos cuentan en la escuela *cof cof, el mito de los jabones y las cámaras de gas, cof cof*. ¡He aquí, unas olimpiadas tan heteropatriarcales! Donde las mujeres compiten con total libertad y entusiasmo. ¡He aquí, unas olimpiadas tan racistas! Donde tratan a un negro, Jesse Owens, mejor que en su propio país. Por cierto, en lo referente a este último, pronto se estrenará “Race”; habrá que ver si este filme relata las cosas tal y como sucedieron o si es más propaganda “desnazificadora”.

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SHUTTER

ISLAND Director: Martin Scorsese | USA | 2010 | Suspenso, Intriga Protagonistas: Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Michelle Williams Calificación: 9/10

Por: Daniel Granados Sinopsis: En el verano de 1954, los agentes judiciales Teddy Daniels (DiCaprio) y Chuck Aule (Ruffalo) son destinados a una remota isla del puerto de Boston para investigar la desaparición de una peligrosa asesina (Mortimer) que estaba recluida en el hospital psiquiátrico Ashecliffe, un centro penitenciario para criminales perturbados dirigido por el siniestro doctor John Cawley (Kingsley). Pronto descubrirán que el centro guarda muchos secretos y que la isla esconde algo más peligroso que los pacientes.

El maestro Scorsese explora nuevos campos con un thriller que incluso roza con el terror psicológico, siempre haciendo uso de su manera de narrar y posicionamiento de cámara. Esta vez toma prisionera la mente de su protagonista y expone su fragilidad al punto de ver irreconocible la realidad que lo rodea. El producto final obtiene varios logros: suspenso

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bien logrado gracias a la claustrofobia que se logra imprimir, la edición va develando cada enigma conforme avanza su metraje y la música es esencial en cada escena. También cuenta con una fotografía y ambientación pulidas para el relato. La actuación de DiCaprio, que logra uno de sus mejores trabajos, es soberbia. También cabe destacar a Emily Mortimer, Jackie Earl Haley y a Ben Kingsley; sin embargo Mark Ruffalo se ve un poco opacado por Leo. En otro orden de aspectos, la música se interrumpe abruptamente en algunas escenas. No obstante, Scorsese logra perpetuar un excelente ejercicio dentro del género suspenso y thriller psicológico. Incluso se nota un poco cierto homenaje a “El Resplandor” de Stanley Kubrick.

EXTRA/ RESEÑA

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“LEO” NO NECESITA UN OSCAR por: Aarón Mariscal

por: Cristóbal Jiménez Calvo El próximo estreno de “The Revenant” de Alejandro González Iñárritu, no hace sino confirmar la supremacía de Leonardo DiCaprio. Trabajar en reiteradas ocasiones con Scorsese, le ha dado a Leonardo una estabilidad en cuanto a calidad actoral, que puede permitirse mezclar lo comercial con la excelencia cinematográfica, sin que se vea dañada su imagen. La solidez y veteranía de autores como Clint Eastwood, el gusto contemporáneo echando la vista atrás con el western de la mano del alocado Tarantino y el reconocimiento al colaborar en maravillas de ensueño como “Inception” de Christopher Nolan entre otros, asientan una carrera que no siempre ha sido del gusto y del reconocimiento general. Después de “Titanic”, la película que lo encumbró a los cielos del celuloide, había un miedo general tanto de la crítica especializada como del gran público, que hacía pensar que la carrera de DiCaprio pudiera de alguna manera hundirse; “La Playa” y “El hombre de la máscara de hierro” parecían hacer ver de algún modo, que la trayectoria del novel y carismático actor a pesar de brindar entretenimiento, adolecían del tirón suficiente para alejarse de la profunda sombra alargada que proyectaba el gigantesco transatlántico hundido. Pero el malestar fue efímero y las cábalas que auguraban un futuro en pena para Leo, en un Hollywood que sume en la profundidad a todo aquél que sube tan alto siendo tan joven y guapo, no se cumplieron afortunadamente. “Atrápame si puedes” de Spielberg y “Gangs of New York” en el año 2002 revitalizaron al actor, dándole poco

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después la que a mi parecer es su mejor interpretación: “El Aviador”, una magnífica posesión de la biografía de Howard Hughes, que debido a su obsesión, obcecación y maneras de maniático me sorprendieron gratamente. “Diamantes de sangre” e “Infiltrados” (otra vez con Scorsese), dan las ganas irrefutables de premiar con un Oscar a tan afamado genio de la interpretación, pero el premio se le resiste y si en el alejado año de 1993 por “¿A quién ama Gilbert Grape?” ya hubo una nominación al Oscar, tuvo que pasar mucho tiempo para que lo nominaran de nuevo. No importa, quizá vuelvan a nominarle el presente año (casi lo doy por seguro), pero como ya he dicho en el título de este escrito...'Leo' no necesita un Oscar. Tiene el reconocimiento en todo el mundo de lo que realmente es, un gran, gran actor, que seguirá deleitándonos con su arte.

EXTRA/ RESEÑA

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Top 7 Leonardo Dicaprio 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7.

What's eating Gilbert Grape The Wolf of Wall Street, The aviator Shutter island The departed This boy's life Catch me if you can

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