ESPECIAL: PREMIOS DE LA ACADEMIA
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ed. 27 MARZO 2017
Entre el amor, el odio y el caos se llevó a cabo el pasado domingo, la 89.ª entrega de los premios de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood (Los premios Óscar). En una gala que definitivamente quedará impregnada en nuestro recuerdo, más que cualquier otra en los últimos años. Estoy segura que no era la única que esperaba que este año todo fuera más predecible de lo que normalmente es. La película La la land del joven cineasta Damien Chazelle, tenía aparentemente cautivado y convencido a todo el gremio y tanta fue su alabanza que estábamos seguros de que se robaría el show. Y bueno, no estuvimos tan equivocados en este sentido, aunque no fue para nada de la forma en que nos imaginamos. A estas alturas ya se ha hablado tanto del tema, se han dado explicaciones, disculpas, teorías, bromas y hasta “memes” que ya está de más entrar en detalles. Incluso las personas que no se consideran “cinéfilos” saben lo que sucedió, así que no hablaré de eso una vez más. Sin embargo, toda esta serie de acontecimientos me llevó a una conclusión relativamente importante. Respondió a una pregunta que me he hecho una y otra vez, cada año cuando se acercan los susodichos premios e incluso después de que pasan: ¿Por qué rayos los sigo viendo? Si me cansan tato sus discursos moralistas y sus novelas, ¿por qué los sigo viendo? Si sus favoritismos y predecibles resultados motivados por todo menos la calidad cinematográfica, cada año me hacen arrancarme el cabello, ¿por qué los sigo viendo? Si no me dan gracia los chistes forzados y el poco sutil montaje de cada una de las partes que caracterizan el show... Bueno, la reciente entrega de los Óscar me dejó muy claro el hecho de que necesitamos esto. Necesitamos ver la cara de nuestra querida Meryl
Editorial: Esta publicación, es editada sin ningun fin de lucro, el contenido de los artículos es responsabilidad de los autores. Las personas mencionadas, asi como marcas e imágenes utilizadas en el diseño de la revista son usadas únicamente con fines editoriales para ilustrar los artículos y noticias de los filmes mencionados, de los cuales sus derechos de autor pertencen a sus dueños respectivos.
Streep cuando hacen otro chiste sobre sus nominaciones. Necesitamos ver a un Leonardo DiCaprio superando “la maldición” e incluso entregando una estatuilla. Necesitamos el discurso de un ganador que enfrenta una lucha verdadera y no puede presentarse a retirar su premio, sin importar lo importante que este sea. Lo necesitamos porque es nuestro “charco”, son parte de nuestro mundo, de nuestra pasión y de alguna manera nos sentimos como en una extraña reunión familiar. Necesitamos ver a Michael J. Fox desfilando por el escenario. Necesitamos ver a Martin sentado por ahí. El aplauso de Nicole Kidman y a Brie Larson armándose una novela al entregar un premio. Y definitivamente, ¡necesitamos ver cómo se equivocan de ganador al presentar el premio más importante de la noche! ¿Cómo perderse esto? ¡Es absolutamente necesario reírse o llorar en ese momento, hacer la misma cara de asombro que todos y cada uno de los que estaban en el público y de los miles de cinéfilos que están frente a una pantalla viendo lo mismo, desde cualquier parte del mundo! Por eso y un poco más, dedicamos esta edición al absurdo pero cautivador mal que son los Óscar.
Eileen Gamboa N. Directora Editorial. editorial@revistazona7.com
Dirección Eileen Gamboa Editores Aarón Mariscal, Raúl Flores Redacción Altair Vázquez Enrique Borbón Leonardo Mancilla David Gómez Diseño Editorial Katherin Dueñas, Ruth Pérez Fotografías Distintas fuentes de internet.
contenıdo LA GRAN MURALLA / 4 ODIO Y AMO LOS PREMIOS DE LA ACADEMIA / 6 SALINEUILOE /8 ANÁLSIS DE CATEGORÍA: PELÍCULA EXTRANJERA /10 LA LA LAND: ¿SE LO MERECE?/24 EL PACTO /27 LAND OF MINE / 28 ACE IN THE HOLE /31 ELLOS SOLO QUIEREN VIVIR /32
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“NO REVELEMOS NADA AL MUNDO EXTERIOR... BUENO, SÍ” Por: Eduardo Vázquez ste tipo de cine puede ser un rotundo éxito o gran fracaso, y en el peor de los casos, simplemente pasar desapercibida. Zhang Yimou toma la dirección de esta cinta, trayendo consigo un elenco y colaboración chino-estadounidense con grandes cargas y despliegues de efectos visuales. Una historia (aparentemente) de dos mundos que chocan, para volverse una arma visualmente poderosa y que nos dice con sus propias palabras: “No revelemos nada al mundo exterior”. Aunque la pregunta que me hizo recorrer los kilómetros de la muralla fue la siguiente, y la hago directo a ustedes: ¿En verdad queremos saber ese secreto que esconde la Gran Muralla o simplemente ignoraremos la historia de lucha que hay en esos muros y la cambiaremos?
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CONOCIENDO LA MURALLA
No hay competencia mayor para Godzilla, Titanes del Pacifico ni King Kong con este filme, así que no podemos temblar aún. Pero ha llegado una nueva apuesta cinematográfica por parte de dos mundos. Cabe destacar y aclarar que este tipo de cine no es muy bien recibido por algunos espectadores, pues pareciera que es un objeto de culto que nadie, a veces, llega a entender o disfrutar como un verdadero fan lo hace. “La Gran Muralla” es una historia que no llega a romper o quitarle su corona a otras cintas, pero que nos lleva
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CRÍTI GRAN
de la mano en una historia no compleja. Cada personaje/actor cumple su función vital para alimentar la cinta, el ritmo, la trama y escenarios, aunque a veces se les olvide. La fantasía, lo bélico y colorido se mezclan desde el comienzo. El director y el guión nos marcan el ritmo apresurado que la cinta nos quiere contar, sin detenerse ni mirar atrás, algo así como una mediana montaña rusa, a veces de parque de diversiones, y otras, de feria de pueblo. Aunque, ante tanto ajetreo, tendremos una pequeña laguna casi a la mitad del filme que nos hará estirarnos, bostezar en el asiento o tronarnos el cuello, pero eso no la vuelve mala. Quiero decir que nos permite descansar de toda la acción, colores y demás, para profundizar en la humanidad, y la historia que hay alrededor, y se va tejiendo poco a poco para armar la batalla final.
Aun así, nos enfrascamos en un gran camino de principio a fin. El final dicta de no ser tan épico para una historia así, y desplegada como algo épico, pero que en su ejecución falla. No obstante, algunos nos vamos a sumergir tanto en esa parte final para destruir al enemigo en cuestión, que intentaremos ver alguna solución clara o mejor dicho muy fácil, aunque pensaremos en un cierre épico. Pero al final, es una cinta buena que no es épica, aunque tampoco mala.
LOS GUERREROS
La dirección de Zhang Yimou en este proyecto es pan comido. Y nos regala una historia que no necesita mayor ciencia ni complejidad, pero necesita ser dirigida con suma habilidad y que parezca un juego de niños. La dirección parece buena y
ICA: LA N MURALLA acertada. Las secuencias buscan entretener nuestra pupila con colores llamativos, CGI necesario y muy explotado con un despliegue de acción que atascará la pantalla en esos momentos necesarios. Podría decirse que existe un pecado, ya que esto depende mucho del estilo visual de la cinta, para tener su esencia propia e intentar entretenernos. Para mí, la cinta fue una combinación de western y ese “camino samurái”. Algo fantástico, aunque no llega a ser lo mejor de Zhang en su arsenal, pero coloca una firma y sello más. Un guión y cinta que fueron concebidas únicamente para ser contempladas por nuestra mirada, la pantalla se verá empapada de magia visual, algunos gag´s y muchos colores.
*SPOILER*
* Ahora, las actuaciones se enfocan en darnos algo bueno, y marcarnos el lugar que ocupara cada personaje durante el desarrollo de la trama e historia. Matt Damon, y Jing Tian quedan perfectos para los roles establecidos. De una u otra forma, uno puede conectar con ellos e imaginar cómo terminará “la historia de amor” que se siembra. ¡Pero cuidado con lo que ves!, ya que nada es lo que parece, y fue una buena estrategia el no apresurarnos con eso. Pedro Pascal llega a tener un papel algo importante en la primera parte de la trama, para llegar a la mitad siendo un poco el antagonista moral de la historia, pero puede que de un momento a otro te olvides de lo que hace ahí realmente, pero salga a relucir con algunos gag´s. Ni hablar de Willem Dafoe, que por momentos parece estar ahí y no
dentro de la cinta, algo olvidado si sabemos quién es el actor y los trabajos que ha realizado.*
EL RESULTADO: Nos trae una cultura, la acción militar de época, con mucha fantasía de por medio. Zhang no busca reinventar algo o venir a imponer respeto ante los demás kaiju´s de la pantalla grande, pero sí a hacerse notar de nueva cuenta, por su dirección, arte y más. Una historia excesiva en algunas cosas, pero entretenida visualmente. No será un hit, pero sirve para buscar algo diferente en cartelera ante la lluvia de los premios Oscar. LA ÚLTIMA Y NOS VAMOS: Y con esto queda demostrado que el actor Matt Damon ya no debe ser rescatado en una cinta en la que lleve su nombre, todo lo anterior lo preparó para esta pelea final.
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Por: Eduardo Vázquez ¡Ya huele o ya se quemó la temporada de premios! (y lo digo más o menos, de por cuando vayas leyendo este artículo ande cerca o lejana la fecha), pero algunos cinéfilos saben que la noche más importante del cine llega una vez al año. Y debemos de estar preparados para algunas cosas, ¿qué?. Jimmy Kimmel será el host de la noche, a su vez La La Land de Chazelle arrasará con su película del año y habrá unos cuantos diálogos, discursos en contra de Trump por no dejar, así como algunos momentos memorables o bochornosos. Y aquí radica en que debo decir que… ¡ODIO ESTOS PREMIOS DEL 2017! Bueno, amo y odio la entrega de este año. Te voy a explicar primero mi enojo, para que entiendas porque mis palabras se dejan llevar por la pasión de esas dos palabras, así como lanzar unos cuantos datos curiosos y andes atento de la entrega y no te dejes engañar. A veces, los números son engañosos por más que los sumemos o restemos, pero sabías que solamente la academia necesita considerar 335 votos para obtener una simple y mortal decisión como “Mejor Película” y de igual forma (con menor cantidad de votos) 194 para “Mejor actor, actriz y para los actores de reparto”. ¿Lo sabías? Para los críticos especializados y mortales como yo, comienza (desde que se anuncian las películas nominadas al Oscar) la guerra cinéfila que todos esperan para ver quién es el actor y actriz del momento, quien tiene mucho ego, buen ojo, crítica acertada o mala, pero sobre todo; cual es la película más comentada de la temporada. Y ahora con las redes sociales, no se hace esperar que todos sean críticos profesionales e inunden o inundemos la industria del cine. Yo
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ODIO Y AMO LOS PREMIOS D ACADEMIA no seré tan profesional ni tan conocido, pero hay que tener tantita madre de lo que se habla y ser humilde en todo momento, honesto en tus análisis, crítica y comentarios; pues por algo las distribuidoras, productoras confían en nosotros para escribir, decir o grabar y que llegue al público en general. Nunca, nunca miren por encima del hombro a las demás personas que llegan al medio, nunca sabemos que vuelta puede dar la vida y esto hasta cierto punto, es igual de aplicable en la entrega de los premio oscar. ¿Queda entendido qué quiero decir con esto? ¡Bueno, si no es así, puedo explicarte el trasfondo con otra pregunta!, ¿listos?
¿¡ALGUIEN SABE HACÍA DÓNDE SE DIRIGE ESTA NUEVA ENTREGA!?.
En verdad, los años pasados ya hubiera hecho mi quiniela, ya tendría todo lleno y vería los sujetos probables para competir contra ellos. Pero, ¡oh, sorpresa!, no tengo nada y si lo tengo, solamente son seis ternas. He fallado como cinéfilo y este año me odio. La Academia ha cambiado su estrategia de juego con las películas, actores y demás que abundan en las ternas, es ahí que me pongo a pensar en aquella escena de Ryan Gosling en La La Land, cantando en el muelle, casi solo la canción de “City of Stars” y pienso que es extraño que este año haya fallado y este perdido. Aunque, la sorpresa fue genial (eso mismo de lo que me quejo), junto con varios lectores y fans servirá para ver con otros ojos las películas y los mismos premios.
tos personajes, historias, efectos, sonidos, guiones y demás hay pasión que se desborda. Llegamos a la recta final en que buscamos disfrutar con quiniela en mano, botana y personas toda esa emoción en un día. Olvidemos lo malo y que venga lo bueno a nuestros ojos, oídos.
DE LA A Van a decir, y ya los leo por redes sociales: ¡La Academia antes era chévere!, mi pregunta será: “¿Cuándo lo fue?, ha sido entretenida o llena de sorpresas, pero nunca chévere. Y esto se debe a algunos robos, películas o cortometrajes que se quedaron junto con actores y directores en el camino” Pero ante todo este despapaye y despilfarro de enojo sin sentido. Podemos ver con nuevos ojos este evento si quieren o se sienten como yo, por no saber para dónde va o qué sentido lleva. Lo digo porque aquí pueden resurgir muchas cosas, algo así como Mel Gibson con Hacksaw Ridge y que esperemos uno que otro discurso político y den en el clavo justo para añadir algo especial a la noche.
Agradezco el haber encontrado una pasión, lugar para hablarles de lo que más me gusta. Con esto quiero decirte a ti cinéfilo, sigue disfrutando cine, siente a los personajes, deja que la música llegue directo a tus oídos, imagina, sueña y alcanza lo que quieras, por algo se empieza. ¿No?.
Y además, debo decir que me quede (no ciego) pero si pobre de tanto cine que vi, y que a los pocos días de salir la nueva edición de la revista, no alcanzó a hablar de todo. Pero resumen rápido es que algunas cintas fueron buenas, otras malas y otras me terminaron sorprendiendo y tuve que visitar la sala de cine algunas veces. Admito que si llegaste a este punto de la crítica, te lo agradezco, pero era grande mi enojo, pero el amor (ando muy peleado con el) pero será muy resumido con palabras exactas y especiales. En esta época del año, es cuando uno puede disfrutar de la temporada en la cual puedes ser más tú (aunque, lo puedes hacer todo el año y me refiero a ser cinéfilo), entre tan-
¿Por qué amo y odio esto?, me ha hecho tener muchos sentimientos encontrados, me ha sacado de mis casillas, pero sobre todo eso me ha ayudado poco a poco a subir de escalón a escalón por lo que más quiero y heme aquí, esto es un escalón de tantos que vienen. Amo el cine, pero odio que a veces lo amo tanto y fallo en querer quedar bien con el pero visualmente una pantalla, proyectos honestos, bien logrados y que me aferran al asiento me hacen querer y pedir más cine. No nos queda más que disfrutar de mucho cine, premios y tributos por qué no, de lo que venga con respecto al séptimo arte y más si somos cinéfilos. Algunos dicen que no es real, solamente algo de ficción más, pero mi pregunta para ellos es: ¿Acaso no lo real es aquello que nos eriza la piel, envuelve y nos sentimos parte de ello? Ya lo diría por ahí alguien, que me ha enseñado mucho desde lejos, pero no he tenido aún la dicha de conocerlo, pero es: ¡EL AMOR AL CINE NOS UNE!
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SALINEUILOE EL DESARROLLO EN CADA HISTORIA ES MUY FLUIDO Y CREÍBLE; LAS DECISIONES TOMADAS Y LOS MOTIVOS EXPUESTOS MAGISTRALMENTE, MÁS LA ATMÓSFERA QUE EL DIRECTOR (YON-HO SON) CREA ALREDEDOR DE CADA PERSONAJE, ESTÁ HECHA DE MARAVILLA. Por: David Alrejandro Gómez Arriaga a apertura del cine asiático en mercados occidentales, amplía nuestra visión sobre esas culturas que tan ajenas nos parecen, provocando choques, conflictos dentro del espectador y de igual forma, nos ayudan a comprender todos los matices que tienen cada una de las culturas en el lejano oriente. La difusión que el año pasado tuvieron cintas como “Train To Busan” o “Midnight Station” es prueba de ello. “Salineuiloe” tiene un estilo y temática distintos; “Salineuiloe” es un filme policíaco, que tiene muchos toques de suspenso y momentos de tensión. La parte en la que desarrolla de maravilla es en el guión, en las decisiones de cada personaje y la conclusión/ cierre a nivel personal de cada uno de ellos. Tenemos a un misterioso asesino en serie, cuyas víctimas son jóvenes mujeres. Luego de un golpe de suerte, el detective Tae-Soo, un policía perezoso y desobligado, logra encontrar al responsable (Kang-Cheon). ¿Un buen final eh? Para nada, sólo es el inicio de la película. El guión se desarrolla unos años posterior a la captura del asesino; es una genialidad el llevar una cinta policial que profundiza en las repercusiones de las vidas de los personajes más que en la cacería/captura. El asesino, Kang-Cheon se roba cada escena en la que aparece; es un villano digno, que destila maldad, sin motivo, ni identidad. No tie-
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nen nada que pedirles a algunos villanos icónicos del cine occidental. El desarrollo en cada historia es muy fluido y creíble; las decisiones tomadas y los motivos expuestos magistralmente, más la atmósfera que el director (Yon-Ho Son) crea alrededor de cada personaje, está hecha de maravilla. Destaca la forma en que se transmiten los sentimientos a través de imágenes, desde una desesperanza absoluta hasta la satisfacción de la búsqueda. Claro que se nota la herencia de Chan Woo Park dentro de la película: Temas como la venganza, la justicia (O ausencia de la misma) en algunas escenas, son claramente homenajes a la “Trilogía de la venganza” y eso, precisamente, es algo que juega en contra de la película. Las comparaciones con cualquier parte de la trilogía son inevitables y pocas películas pueden salir bien paradas confrontadas con esas obras, consideradas de lo mejor del cine coreano de las últimas décadas. “Salineuiloe” no es una cinta única, pero si es una obra bien ejecutada, realizada de manera casi impecable y que cumple con diversos públicos ¿Quieres toques de terror? ¿Acción? ¿Suspenso? Ve de inmediato a degustar esta pieza.
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MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA, HOLLYWOOD Y… LOS DEMÁS Por: Leonardo Mancilla Más de 80 países, multitud de idiomas de los cinco continentes, cine de todos los géneros, cine de autor y de entretenimiento. Sólo un requisito primordial: No ser una producción estadounidense. Desde la vigésima edición de los premios de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood celebrados en 1947 la industria cinematográfica de mayor dominio económico en el mundo comenzó a otorgar un premio honorifico a la producción de mejor calidad cuya financiación y realización no estuviese relacionada con ella. La mención honorifica a la mejor película no estadounidense del año se convirtió nueve años más tarde en una categoría más dentro de la premiación anual más importante de Hollywood y por ende pasó a ser reglamentada. Al día de hoy, 69 años después de que la italiana “Sciuscià” de Vittorio de Sica lograra el primer galardón honorifico y 60 desde que el también italiano Federico Fellini venciera en la primera pugna de nominados con la mítica “La Strada”, la categoría de mejor película extranjera o de mejor película de habla no inglesa, ha captado la atención del público estadounidense y también se ha visto inmersa en multitud de polémicas. Aquí un análisis de la categoría y sus competidoras en la edición número 89 a celebrarse en este 2017.
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"La elección casi nunca es la mejor, pero si la más Americana"
En contexto: En octubre de 2016 se cerró el plazo dado por La Academia de Hollywood para que las sociedades cinematográficas de cada país - en algunos casos los ministerios de cultura y/o educación, en otros las academias de cine nacionales, etc. – escogieran y enviaran su representante para competir en la categoría a mejor película de habla no inglesa en la versión número 89 de los Oscars. Un total de 85 películas de los cinco continentes fueron admitidas por el comité seleccionador, batiendo los records anteriores de 83 representantes en 2014 y 2013. La categoría cuenta con un reglamento de selección distinto al de las demás categorías, el cual la convierte en lo que podemos denominar “Un mundialito cinematográfico”, en el cual, como en el fútbol, no siempre clasifican las más esperadas, hay un montón de sorpresas y desaciertos, siempre hay una clara favorita que resulta ganando y lo más indigente, todo se queda en Europa o en Latinoamérica, con algunas históricas excepciones en Asia y África. Cabe anotar que Estados Unidos no participa, a pesar de que este pías produzca películas en idiomas distintos al inglés. No participa por ser el país de origen de La Academia, a diferencia de otros países de habla inglesa, como el Reino Unido que ya ha sido nominado en dos ocasiones, Irlanda que en 2015 pasó el corte de 9 películas preseleccionadas, Nueva Zelanda, Australia (Más adelante explicamos su caso) y Canadá quien ha aspirado al premio 7 veces y lo ha ganado una vez. Además, las 85 películas seleccionadas pueden aspirar a los demás premios, siempre y cuando cumplan con los requisitos de La Academia: Ser estrenadas en algún cine del Condado de Hollywood antes del 31 de diciembre. Como todos ustedes sabrán, son pocas las películas extranjeras que consiguen un trato de distribución que les cumpla tal deseo, por lo cual de las 85 seleccionadas, menos de 20 tienen distribución para estrenarse en Estados Unidos antes de la fecha, por lo que no todas pueden aspirar a categorías como “Mejor película” o “Mejor actriz” o “Mejor guión” a pesar de que lo puedan ganar por su calidad.
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"Muchos de los directores y actores de películas nominadas y ganadoras en esta categoría se mudan después a Hollywood para fortalecer esta industria"
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un premio que destaca lo mejor del cine en habla en inglesa, enfatizándose en el de producción hollywoodense y del cine independiente estadounidense y que funciona como muestra de cómo funciona la industria en ese país, aunque también tenga fallos en premiar lo más destacado de su año cinematográfico. Para resumir, desde el 2006 La Academia convoca a dos comités: Uno en Los Ángeles, de 40 académicos en su mayoría voluntarios que comprueban que han visto la mayoría de las 85 películas (En el 2017) y escoge por votación a 6 pre-seleccionadas. El otro comité está integrado por 10 académicos de Nueva York, determinados por La Academia como expertos en el ramo –Con vastos conocimientos en historia del cine de todo el mundo- quienes “Sí” miran todas las películas (85) y pre-seleccionan, podríamos decir que rescatan a 3 títulos no presentes en la lista presentada por los 40 académicos voluntarios y que según ellos merezcan ser reconocidos por su calidad cinematográfica a pesar de ser poco conocidos. Así se conforma la pre-selección de 9 películas. Luego ambos comités se reúnen para ver las 9 películas preseleccionadas en maratón constante y analizar cuáles son las 5 que merecen la nominación. La elección casi nunca es la mejor, pero si la más “Americana” Teniendo en cuenta lo anterior, pasamos a preguntarnos ¿Es la elección de cada país la película más representativa de este? Podemos observar un caso específico: El de un país nórdico que ha aspirado al premio en 12 ocasiones, lo ha ganado tres veces y que en la última década ha dejado a todos boquiabiertos con su casi perfecta selección de película, que encaja perfectamente con el gusto del académico Estadounidense y que este año repite noZona 7 / ed 26
minación. 5 nominaciones en 7 años dejan bien parada a Dinamarca, que comenzó la presente década ganando el premio por “En un Mejor Mundo” de Susanne Bier y que en los 7 años que llevamos de esta década ha superado la preselección de 9 aspirantes en 6 ocasiones (Sólo en 2014 quedó fuera); “6 de 7”, de las cuales sólo en 2012 quedó fuera de la nominación por la comedia “Superclásico” Ole Christina Madsen quedando en 5 nominaciones en 7 años, números casi perfectos para los daneses y en esta edición vuelve a estar nominada por “Tierra de Minas” de Martin Zandvliet. ¿A qué se debe el amor de la academia estadounidense por las películas danesas? Para responder a esa pregunta tenemos que echar un vistazo rápido a la historia del cine danés, en el que predomina un género en especial: “El melodrama”. Ya lo conocerán muy bien los fans del movimiento cinematográfico (De origen danés) “Dogma 95”, en el que los jóvenes Vinterberg (Nominado en 2,013 por “La Cacería”) y Von Trier (Poco ha filmado en danés, ama el inglés pero nunca ha tocado suelo Estadounidense) rompían con todas las reglas de gramática audiovisual pero recurrían a todas las codificaciones del melodrama familiar saturado. El país de Søren Kierkegaard, frío y actualmente pacífico, denota en su narrativa un aprecio por los melodramas extremistas, distintos del melodrama latinoamericano, en el que la vida es alienada por la pobreza y la desigualdad; se centran en hablar sobre cuestiones complejas de la vida humana como la pederastia, el incesto, la violación sexual, la guerra, la justicia, el odio y la venganza. Dinamarca ha narrado tales temas desde que el primer cinematógrafo llegó a Copenhague, pero siempre de manera vanguardista y con estilos propios del cine de autor, lo cual no resultaba muy del gusto
de los académicos estadounidenses. Los
hitos del cine de autor danés han sido seleccionados por la academia de cine danesa pero nunca nominados al óscar por estas razones. Lo que ha hecho la academia de cine danesa en la presente década es seleccionar películas fieles al contexto danés, pero sin estilo ni tonos vanguardistas, más bien siguiendo las tradiciones del cine convencional estadounidense; sus películas parecen estadounidenses y es por esto que han sido tan exitosos en las preselecciones y nominaciones. Lo mismo ha comenzado a suceder en todos los comités de selección europeos: Han dejado de lado el estilo cinematográfico de sus países y han comenzado a seleccionar películas algo más convencionales y del gusto estadounidense. ¿En dónde quedan los años en los que La Academia dejaba
tales prejuicios con el cine de autor de lado y premiaba a Fellini, Truffaut, Kurosawa, Buñuel, Bergman, Tati, De Sica y muchos otros? Pues aún continúan, pero no en las nominaciones ni en las preselecciones; donde dominan las películas europeas de corte estadounidense, sino en la película a premiar, por esa razón en la presente década han ganado “Una separación” en 2011, “Amor” en 2012, “La Gran Belleza” en 2013, “Ida” en 2014 y “El hijo de Saúl” en 2015, todas películas de autor. Sólo en 2010 “En un Mejor Mundo” ganó sin ser una película de autor por encima de “Incendios” y “Canino” que si lo eran pero que se mostraban como películas demasiado transgresoras para el gusto académico.
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Aquí tenemos que decir que la categoría exis-
te por su contexto histórico, pero no es muy popular; muchos académicos no la votan porque no ven películas extranjeras, incluso para La Academia es difícil encontrar 40 voluntarios entre 6,000 miembros para formar parte del comité de selección. Todo esto resulta contraproducente, ya que muchos de los directores y actores de películas nominadas y ganadoras en esta categoría se mudan después a Hollywood para fortalecer esta industria, siendo los casos más recientes el de Denis Villeneuve, nominado en 2010 por “Incendios” representando a Canadá y este años nominado como mejor director por “Arrival”, el de la misma Susanne Bier, quien le ganó (Injustamente) a Villeneuve con “En un mejor mundo” y que ya ha hecho varias películas en Hollywood. O el Caso de Alejandro González Iñárritu, dos veces nominado
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por películas de habla no inglesa (Amores perros y Biutiful) y quien ha ganado ya dos Oscars a mejor director. Sólo podemos decir que esta categoría cosecha gran parte de lo mejor del cine estadounidense, “los extranjeros”. Mucho se ha criticado a las listas de preselección de 9 películas; se ha dicho que son “Muy europeas” ya que siempre hay un dominio de películas europeas y poca presencia de películas de los demás continentes. También se les ha criticado por dejar fuera a grandes favoritas para ganar el premio y también por pre-seleccionar películas cuya calidad es muy cuestionada. Podríamos hablar sobre muchos casos, pero solo analizaremos la lista de este año ya que es una muestra de lo que ha pasado en los años anteriores.
Pre-seleccionadas:
Toni Erdmann Maren Ade, Alemania Mi vida como un calabacín Claude Barras, Suiza Tierra Minada Matias Zandvliet, Dinamarca La negativa del Rey Erik Poppe, Noruega Un hombre llamado Ove Hannes Holm, Suecia Paraíso Andrei Konchalovsky, Rusia El Cliente Asghard Farhadi, Irán Tanna Martin Butler, Bentley Dean, Australia Sólo es el fin del mundo Xavier Dolan, Canadá Las críticas (Una vez más) no se hicieron esperar. En primer lugar ¿Dónde estaban las muy comentadas “Elle” de Francia, “Julieta” de España, “Neruda” de Chile, “Fuego en el Mar” de Italia, “Desde allá” de Venezuela, etc.? ¿Por qué no hay ninguna representante latinoamericana en un momento tan bueno para la cinematografía de esta parte del continente? Luego, el mismo comentario sucinto de años anteriores: ¿Por qué 6 películas europeas? subrayando la dominancia del cine europeo en la categoría. Para muchos, Europa está teniendo demasiada atención por películas que siguen los cánones del cine estadounidense con películas ligeras. Esto lo podemos ver con la selección de “Un hombre llamado Ove” una comedia ligera, “La negativa del rey” un drama histórico de (Este punto nunca falla) la segunda guerra mundial y “Tierra minada” una película bélica. Las tres, como ya lo decíamos anteriormente, parecen estadounidenses. Por otra parte, las otras tres pre-seleccionadas europeas no molestaron tanto, las tres son películas de autor europeo. También
hay comedia, pero fuera de las codificaciones del género, quedó la gran favorita: “Toni Erdmann”. Tal vez a manera de homenaje a un director ruso que también tuvo sus momentos en Hollywood, aparece en la lista “Paraíso” de Andrei Konchalovsky, aunque mucho se especuló que sus parecidos con la ya premiada “Ida” le quitaran esperanzas de nominación. Y la grata sorpresa “Mi vida como un calabacín”, una de las películas de animación con mejores comentarios del año, que luego sería nominada en la categoría de mejor largometraje de animación, nos mostraba que el comité estaba libre de prejuicios con las películas animadas. Sin presencia de Latinoamérica, aparecían tres películas de tres continentes distintos, sólo tres. La iraní “El Cliente” con el regreso de Farhadi a su país y la ahora alternativa a Toni Erdmann. La gran sorpresa de la desconocida “Tanna” de Australia, un romance prohibido sucedido en una de las islas de Vanuatu donde dos indígenas de distintas tribus se enamoran, ponía a muchos a imaginar
la primera nominación para el continente Oceánico y para una lengua del pacifico sur-occidental. Pero, tal vez, la crítica más suscitada al comité le llegó por su preselección de una de las películas de autor con peores críticas del año; para muchos la preselección de “Sólo es el fin del mundo” del canadiense Xavier Dolan era una broma, para otros era una forma con la que La Academia pedía perdón a Dolan por no haberlo nominado por su anterior película, “Mommy”, una de las polémica de la preselección de 2014.
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Especulación:
Al público nunca se le da a conocer cuáles son las 6 películas preseleccionadas por los 40 voluntarios y cuáles son las 3 preseleccionadas (Rescatadas) por los expertos, pero para muchos es más que obvio. El año pasado La Academia sorprendía con la solitaria presencia de “El abrazo de la serpiente” como única representante latinoamericana en la preselección, pero es que en un año tan bueno para el cine latinoamericano (El Clan, El Club, ¿A qué horas ella vuelve?, Ixcanul) sólo una entró. También hubo una sola asiática, “Theeb” de Jordania; las otras 7 fueron europeas. Para esa edición no era difícil especular que “El abrazo de la serpiente” y “Theeb” fueron rescatadas por el comité de 10 expertos, mientras que los 40 voluntarios escogieron a 6 europeas. La tercera que rescató en comité de expertos debió haber sido la irlandesa “Viva”, película en español acontecida en La Habana. Sólo “El Abrazo de la Serpiente” y “Theeb” fueron nominadas. Este año se especula que las rescatadas por los expertos fueron “Tanna”, “El Cliente” y “Mi vida como un calabacín”. Al igual que el año pasado, solo dos de ellas fueron nominadas, lo que nos lleva a pensar que a la hora de nominar, el comité de expertos escoge a dos películas y el de voluntarios a las otras 3. El voto por la ganadora, depende de un sistema distinto. En esta instancia ya pueden votar los 6,000 académicos, quienes nunca han dado sorpresa y votan a la favorita, en muchas ocasiones sin haber visto esta, ni a las otras 4 nominadas, dejándose llevar por las campañas promocionales. Las Nominadas: Toni Erdmann Maren Ade, Alemania Tierra Minada Matias Zandvliet, Dinamarca Un hombre llamado Ove Hannes Holm, Suecia El Cliente Asghar Farhadi, Irán Tanna Martin Butler, Bentley Dean, Australia
El temor de muchos, acerca de que Dolan fuera nominado por su peor película no se hizo realidad; tampoco lo fue el deseo de otros de que “Mi vida como un calabacín” fuera nominada. Aun así las nominadas ya eran casi seguras unos días antes:
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Toni Erdmann Maren Ade, Alemania
La ganadora del premio FRIPRESCI del 2016, también es la favorita para ganar el Oscar, aunque no por mucho. Es una comedia con dos contras: No es una comedia con los códigos del género. Esta no es una comedia visual, es decir, no hay un solo chiste en el que se recurra a algún recurso visual (Zoom in, zoom out, match cut, disolvencia, música, risas, etc.) para acentuar el chiste (Véase películas de los Hermanos Marx, Los Hermanos Coen o Los Simpson). Los chistes y situaciones cómicas en esta película son mostrados como momentos normales, no como sucede en las comedias estadounidenses en las que si se recurre a muchas estrategias visuales para hacer reír. Esto ha levantado amores y odios por esta película, pero cabe decir que es una buena característica de la misma, ya que no nos muestra las situaciones cómicas (Que son muchas y muy geniales) como momentos exagerados o imposibles de darse en la realidad, sino como momentos simples que si nos pueden pasar, tal y como lo hacía el “Teatro del absurdo en mitades del siglo XX. Por otro lado un componente que juega a su favor es la muy bien compuesta relación entre hija y padre, un tema que se repite en todos los contextos y en todos los países y que aquí es evocado a la perfección. El drama de un padre queriendo enseñarle a su hija adulta de que se trata la felicidad le dará puntos por su evocación original de un tema que nos interesa a todos lo que tenemos padre y son padre. El otro factor en contra es su duración. Dura 2 horas 40 minutos, posiblemente no muchos académicos lleguen a ver su conmovedor final y no la voten. Aun así sigue siendo la favorita a llevarse el Oscar (sería el cuarto Oscar alemán) y es por el momento una de las pocas comedias alemanas de éxito mundial.
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Tierra Minada Matias Zandvliet, Dinamarca La gran alternativa a “Toni Erdmann” es una película bélica que tampoco sigue muchas de las codificaciones de su género, pero que no lo transgrede como si lo hace el film de Maren Ade. “Tierra Minada” se sitúa en el post-conflicto de la Segunda Guerra Mundial, inmediatamente después que las tropas alemanas comienzan su retirada de Dinamarca. La película es un drama muy fiel históricamente y desconocido para muchos: La desactivación de más de un millón de minas de tierra en la costa de Dinamarca, puestas allí por el ejército alemán, ya que los altos mandos pensaron que la invasión aliada fijaría como punto de entrada la costa noroccidental danesa. Los obligados a desactivar las bombas fueron muchos los soldados de las diezmadas tropas alemanas que quedaron en Dinamarca acabada la guerra, más de 15 mil niños y adolescentes. Este es un melodrama típicamente danés (Como ya lo analizábamos anteriormente) que además tienen a otro factor de su lado, ya que es una película sobre un drama desconocido de la Segunda Guerra Mundial, lo cual le da puntos, tal como el drama de los Sonderkommandos le ayudó a “El hijo de Saúl” para ganar el año pasado.
Un hombre llamado Ove Hannes Holm, Suecia
La ligera y muy entretenida “Un hombre llamado Ove” también es alternativa a “Toni Erdmann” ya que comparten género y esta película le resultará más cómoda a muchos académicos. La vida de Ove, un anciano huraño que en cada intento de suicidio ve un fragmento muy importante de su vida, nos lleva a reflexionar sobre el lugar que ocupamos actualmente en nuestras vidas y el que ocuparemos cuando envejezcamos. La película está reforzada por una segunda nominación a mejor maquillaje y peluquería, lo que le da puntos, porque eso indica que muchos más académicos la han visto y la verán. Además trata de forma minuciosa, a manera de subtrama, un tema que en nuestros días es clave a la hora de ganar premios: La “inmigración”. Una comedia sencilla que está obteniendo muy buena taquilla en Estados Unidos y en países de Latinoamérica y que ya fue muy taquillera en Europa. Sin duda alguna le quitó el puesto en la nominación a “Mi vida como un calabacín”, que se conforma ahora con la nominación a mejor película animada.
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El Cliente Asghard Farhadi, Irán El ganador de este premio en 2011 por la adorada “Una separación”, Asghard Farhadi, vuelve a filmar en su país una adaptación a manera de trasposición de “Muerte de un vendedor” del estadounidense Arthur Miller. El resultado es una de las mejores películas del año, otro drama social con atmósfera de thriller psicológico, que cuestiona la actual realidad política en Irán. En esta, se nos narra la búsqueda de Emad (Un hombre de Teherán) por la verdad tras un ataque contra su esposa, Rana, acontecido en su nuevo apartamento. Farhadi nos muestra dos personajes en una situación compleja, dentro de un contexto donde las
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interrogantes son prácticamente imposibles de responder. De no ser porque Farhadi ya lo ganó hace 5 años y por el estado actual de las relaciones entre Irán y Estados Unidos, cosa que afecta mucho a las ganadoras y nominadas en esta categoría, esta sería la alternativa total a “Toni Erdmann” e incluso, la plena favorita. Aun así, la película es tan compleja y tan misteriosa que puede llevar a casa el segundo Oscar para Irán.
Tanna Martin Butler, Bentley Dean, Australia La gran sorpresa de la preselección, llega de un continente que nunca antes había sido nominado y del que poco cine se ha visto. Resulta algo triste que una película que narra una historia enteramente de La Republica de Vanuatu sea representante de Australia por ser totalmente financiada por este país, tal como sucedió el año pasado con la francesa “Mustang”, una historia y una realización enteramente turca, pero financiación francesa. Aun así, será para muchos el primer acercamiento con el país oceánico y con una lengua oceánica. Por primera vez en Hollywood una película en lengua oceánica es nominada a un premio. La gran rescatada por el comité de expertos, nos narra una nada singular relación de amor imposible, poco parecida a la occidental tradición tragicómica de “Romeo y Julieta”. “Tanna” nos muestra un amor imposible que no se desespera en el desamparo y que resulta ser más trágica que cualquier romance de Shakespeare. Con un desarrollo envuelto en el “¿Qué sería si pudiéramos estar juntos?” mucho más dramático y menos cliché que el que nos muestra la gran nominada “La La Land”, sin duda alguna es la cara opuesta de la moneda. Esta sería una gran ganadora, aunque sea realmente una película muy pequeña y con muchos errores de realización. Su nominación, nos lleva a pensar que el comité de expertos de La Academia va a comenzar a nominar en lo sucesivo a una película en lengua aborigen y que esté en peligro de desaparecer, cosa que ha hecho pocas veces (En 2000 con la nominación de la Nepalí “Himalaya”) y que tal vez, sólo tal vez, “El Abrazo de la Serpiente” fue la película con la que se convencieron de la importancia de rescatar lenguas a punto de desaparecer (El Abrazo de la Serpiente tiene diálogos en nueve
lenguas, cinco de ellas aborígenes). Recordemos que esta es solo una teoría. Aun así, “Tanna” con pocas posibilidades de ganar, tiene con que dar la sorpresa que pudo haber dado “El Abrazo de la Serpiente” el año pasado y que no pudo dar por tener como contrincante a una película humanizadora de alta calidad sobre El Holocausto. “Tanna” tiene cuatro contrincantes en casi empate para ganar y puede acarrear votos dispuestos a dar un mensaje sobre las lenguas aborígenes.
Apuestas: Hasta aquí llega este análisis de la categoría de “Mejor película extranjera”. Nuestra resolución final teniendo en cuenta todo lo anterior es compleja de hacer, pero estos son nuestros resultados y predicciones: Va a ganar: Toni Erdmann Podrían ganar: Tierra Minada” o “El Cliente Podrían dar la sorpresa: Un hombre llamado Ove o Tanna La que queremos que gane: “Tanna” Deberían estar nominadas: Neruda (Chile) y Elle (Francia)
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Como todos ya hemos de saber, La La land ha llegado al record histórico de películas nominadas al Oscar, con 14 nominaciones en 13 categorías, colocándose así junto a otras obras favoritas de la Academia, como Todo sobre Eva y Titanic. Pero… ¿realmente se lo merece?
Por: Enrique Borbón a entrega de los premios de la Academia siempre ha sido el origen de incontables controversias y debates. Uno de esos momentos se dio en 1994, cuando Forrest Gump, de Robert Zemeckis, ganó Mejor Película pese a estar nominada junto a Pulp Fiction y The Shawshank Redemption, dos filmes que pasarían a ser clásicos modernos. O el año pasado, cuando todos los nominados a las categorías principales eran gente de origen étnico blanco pese a una fuerte presencia de cine hecho por personas de color, tales como Creed, de Ryan Coogler, y Straight Outta Compton, de F. Gary Gray. Gracias a estos y otros incidentes, tales como la victoria de Shakespeare in Love contra Saving Private Ryan, Crash sobre Brokeback Mountain y The King’s Speech sobre Social Network han logrado generar un sentimiento de antipatía u oposición hacia la entrega de premios. Se habla popularmente del “Oscar bait” (carnada de Oscar), películas diseñadas específicamente para apelar a los votantes del Oscar (en su mayoría blancos de mediana edad o más avanzada).
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ANATOMÍA DE UN OSCAR BAIT Hablar de la industria del entretenimiento, glorificar Hollywood, presentar un tema social de manera no agresiva, ser una biopic y ser un musical son solo algunos de los tropos relacionados al Oscar bait, y La La Land cumple con todos, con excepción de ser una biopic. Cuenta la historia de amor de dos artistas intentando sobrevivir en Los Ángeles, incluye un torrente de referencias a la ciudad de las estrellas (“La La Land” incluso es una forma de llamar a Los Ángeles), tiene números musicales vastos y coloridos que nos recuerdan a los grandes clásicos de Hollywood como West Side Story, una cinematografía moderna con un uso constante del plano secuencia, favorito de la Academia, vista antes en filmes como Birdman o The Revenant. Lo interesante del filme es que, pese a tener todos los elementos de una Oscar bait, no da la sensación de SER uno. Tal vez se deba a la completa sinceridad y pasión con la que el filme está hecho. La La Land es sincera, tal vez hasta un punto excesivo;
esta sinceridad proviene del corazón de la película. Su director, Damien Chazelle, es una persona perceptiblemente enamorada con el Hollywood clásico. Las referencias y cuadros similares se hacen notar a través de toda la obra. La historia de amor se convierte en un marco ideal, donde las emociones son fuertes y las pasiones honestas. Chazelle tiene una versión muy sanitizada del amor, el mundo del espectáculo y las personas que lo habitan. Es sorprendente cómo una película centrada en relaciones en pleno 2016 no tiene una sola mención de sexo: en el mundo mágico de La La Land se expresa todo en baile, canción o con un vinil de jazz de fondo. En La La Land todo es posible, quieras o no.
LA FANTASÍA PERFECTA Tanta sacarina probablemente asustará a algunos espectadores. El cine hollywoodense moderno nos ha entrenado a tomar estos sueños y convertirlos en dolorosa
LA LA¿SE LOLAND MERECE?
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realidad. En un año que la historia juzgará como desastroso, una fantasía de amor debería ser la menor de nuestras preocupaciones, y sin embargo La La Land se siente como una obra que solo pudo haber encontrado su éxito en 2016. Y no lo digo solo por sus golpes de modernidad (la primera gran escena de baile en pareja es interrumpida por un iPhone, hay chistes de Prius y bandas tributo de los 80’s). No. La La Land es un escape, una forma de olvidar los problemas que nos asolan. Todo el mundo se encuentra ahora en una encrucijada, y si el cine es un escape de la realidad, una ventana a un mundo perfecto, entonces La La Land es la película más necesaria en un año que
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no ofrecía mucho confort, sobre todo para las artes.
¿SE MERECE EL OSCAR?
Como mencioné al principio del artículo, las decisiones de los jueces de la Academia nunca han sido acertadas cuando se piensa en lo que el Oscar simboliza para muchos: un reconocimiento al filme que mueva más hacia adelante a la forma cinematográfica. En ese sentido, no, La La Land no se merece la estatuilla dorada. Su mirada permanece plantada firmemente hacía atrás; su cinematografía, aunque brillante no hace más que ser un greatest hits de los últimos 60 años de cine. Su historia, pese a ser encantadora, carece del brillo y el pulido que sus rivales poseen, y que incluso la anterior obra de Chazelle (Whiplash) poseía. Si estos fueran los criterios, La La Land perdería ante la increíble Moonlight, de Barry Jenkins, o incluso la a atrapante Arrival, de Denis Villenueve. Pero… ¿Quién dijo que esto significaban los Oscares? A fin de cuentas, el Oscar es un premio de la industria, de todo el gremio de la ciudad de las estre-
llas reuniéndose para felicitarse a sí mismos. La Academia siempre ha sido nostálgica. Un sueño, y no cualquier sueño, el sueño. Volverse una estrella, mirar a las estrellas y hacerte uno con ellas, este amor por el sueño del estrellato es lo que finalmente le dará a La La Land su lugar en la cultura popular y su tiempo en el podio del teatro Dolby. La La Land puede no ser la película perfecta, ni siquiera tan buena; puede no adelantar la forma cinematográfica, pero es la cristalización total de los ideales de Hollywood. La perfecta Oscareable
ZONA TERROR
EL PACTO PARA RECORDAR: VER A CASPER VAN DIEN HACIENDO UN BUEN TRABAJO, MUY ALEJADO DEL TIPO DE CINE AL QUE AHORA NOS TIENE ACOSTUMBRADOS. VAMOS MEJORANDO. Por: Evelyn Perea En algunas familias, los secretos son una bomba de tiempo. Casi siempre estos salen a la luz luego del fallecimiento de algunos de los padres. Y todo se complica cuando los hijos descubren que ese secreto viene cargado de oscuridad. Sencillamente esta es la premisa de El pacto (2012, The pact). La película está basada en un cortometraje del año 2011, que, recomiendo, ya que es un leve vistazo de lo que es el filme en sí. Ambos están dirigidos por Nicholas McCarthy. La trama es sencilla, pero lo que la diferencia del resto es la acertada forma con que McCarthy dirigió la cinta, sin terminar olvidada en el rincón de un videoclub. La historia en sí no descubre nada nuevo, sin embargo, presenta un guión cuidado, donde no abundan los errores típicos dentro de la temática, y cuyas actuaciones llegan a lo notable, ayudadas por una fotografía y ambientación excelentes, que no distingue entre la noche y el día, hecho que nos hace estar alerta hasta el final. La Banda Sonora también ayuda muchísimo en los momentos más convenientes. Los efectos de sonido están correctos, no ostentan en ningún momento. Lo cierto es que la película bebe de otras fuentes, lo cual podría resultar reiterativo. No obstante, sabe conjugar todo lo que muestra y plasmar un resultado más que decente. La trama engancha, es cierto que el
cinéfilo curtido en cine de terror se verá venir lo que acontece con antelación, pero ello no afecta demasiado ya que eso está compensado con buenas dosis de tensión y un par de sustos bien planeados. Recomendada especialmente a los fans de las temáticas sobrenaturales con espíritus por medio y psicokiller. Una cinta de bajo presupuesto (con aire independiente), que consigue entretenernos e incluso atenazarnos, que no se hace pesada y que airea un género algo viciado. A mí me ha sorprendido gratamente, y la verdad es que voy a seguir la pista de su director. Por último, no aconsejo ver la segunda parte, ya que es una “secuela que no funciona”, del montón. Atenerse a las consecuencias.
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DEL CINE A LA REALIDAD
Dos millones de minas terrestres, dos mil alemanes (buena parte de ellos adolescentes), su misión: hacerlas desaparecer de las costas de Dinamarca. El resultado: la mitad de ellos muertos, con heridas graves y “leves” (denominación usada incluso para mutilaciones de brazos y piernas). Por primera vez en 70 años, “los malvados nazis” no son tan malvados en una peli de éxito internacional.
Por: Aarón Mariscal Dos millones de minas terrestres, dos mil alemanes (buena parte de ellos adolescentes), su misión: hacerlas desaparecer de las costas de Dinamarca. El resultado: la mitad de ellos muertos, con heridas graves y “leves” (denominación usada incluso para mutilaciones de brazos y piernas). Por primera vez en 70 años, “los malvados nazis” no son tan malvados en una peli de éxito internacional. Dirigida por Martin Zandvliet, Land of Mine (Under Sandet en su idioma original) no es un filme antibélico del montón, es un bitchslap directo al bando de los Países Aliados de la Segunda Guerra Mundial (SGM), impulsores de nuestra sociedad moderna, que se vanaglorian de ser los salvadores de la humanidad.
Mayo de 1945, la SGM acabó, pero las enemistades internacionales continúan, y el sargento Carl Rasmussen se desquita de su ira golpeando soldados alemanes que avanzan en fila como prisioneros de guerra. Tiempo después, se descubre que los nazis instalaron minas a lo largo de las costas occidentales de Dinamarca, y para ello se los obliga a desenterrarlas, por cojudos. Mentira, supuestamente porque solo ellos conocen el mejor método para sacarlas más o menos rápido. ¿Qué hay de malo en ello? La inclusión de muchachos inocentes en tan peligrosa tarea. Resulta que a Carl se le asigna la tutoría de unos jóvenes de aquel bando, a los que maltrata como perros por haber ocupado salvajemente su país, pero con quienes termina encariñándose. Para colmo, el danés tendrá que lidiar con sus superiores, que le intentarán lavar el cerebro para alejarlo de sus pupilos.
¿Por qué esta obra llegó al punto de ser nominada Mejor Película Extranjera a los Oscar a pesar de tratarse de nazis y no mencionar el Holocausto judío, como obligatoriamente parece que debe hacerlo toda cinta que trate temas así? Uno, porque no respalda la ideología alemana de la época, se enfoca en unos pocos de los muchos individuos. Dos, porque no se trata de alemanes adultos conscientes de su visión política, sino de pequeños mancebos que solo quieren abrazar a sus mamás y que el sufrimiento acabe. Tres, porque un crimen de guerra es un puto crimen de guerra, y ya era hora de que lo reconozcan y se dejen de hipocresía anti-Eje. Cuatro, porque hay una tendencia política muy interesante en Europa por estas épocas, que consiste en abandonar los tabúes civiles y cuestionar la historia de la nación propia de cada uno.
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El director de este filme, en una entrevista publicada por la web IndieWire, aseguró que había llevado a cabo un largo proceso de investigación, y que además observaba en un cementerio los nombres y edades de los soldados alemanes caídos en aquel evento. «La marcha de la muerte caminando sobre minas, eso sucedió; algunos pueblerinos llegaron a verlo como un picnic», dijo. Además, el cineasta reconoció que su trabajo fue polémico, y que ha estado recibiendo correos con mensajes de odio. En los medios de comunicación se lo calificaba de ‘no lo suficientemente patriótico’, pero Zandvliet replicó que lo suyo no era una cuestión de patriotismo, sino de las cosas terribles que suceden después de cualquier guerra. El cineasta continúa: «Es nuestra responsabilidad asegurarnos de no convertirnos en los monstruos que enfrentamos, de tratarnos bien el uno al otro. Es de naturaleza humana desear venganza después de que algo terrible ocurre: el odio sale a flote. No estoy diciendo que los abrazos salvarán al mundo, pero realmente necesitas detenerte a pensar sobre tu reac-
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ción, ¿es la mejor?» Con respecto al poco éxito que ha tenido la cinta en Alemania, Zandvliet expresó su decepción: «Soy uno de los primeros en hacer de los monstruos unos humanos, ellos (los alemanes) están todavía avergonzados, no están listos para eso». Como era de esperarse, no falta el judío que prefiere mantener la desconfianza. Nir Levitan, del diario israelí Haaretz, trata de alivianar la responsabilidad de los Aliados sobre este crimen contra muchachos del Eje. En un artículo, indicó que hay debate sobre si los alemanes eran realmente jóvenes inocentes, o soldados con experiencia que habían participado en las “atrocidades nazis”. Señaló además que, según el testimonio de Knud Christiansen, quien fue parte del equipo danés que supervisó la limpieza de minas, «los soldados alemanes fueron voluntarios para la misión, porque creyeron que eso les ayudaría a regresar a Alemania cuanto antes, y recibieron incentivos, como mejor comida y un pequeño salario». El ejército danés violó la Convención de Ginebra, de 1929, que establecía que no se podía usar prisioneros de guerra en misiones
peligrosas. ¿Cómo lo eludieron los altos mandos daneses? Lavándose las manos: sus prisioneros figuraban como “personas que se entregaron voluntariamente al enemigo”. Pero claro, debemos creerles, porque, vamos, después de todo, eran héroes que luchaban por la libertad y la democracia. ¡Japoneses cochinos!, merecían las bombas nucleares. ¡Italianos cochinos!, merecían la destrucción de sus ciudades. Inglaterra no, Inglaterra buena. Francia no, Francia hermosa. Dinamarca no, Dinamarca bella. En la guerra todos salen perdiendo, y mal que mal, siempre es bueno reconocer no solo los aciertos, sino también los errores, y no solo los ajenos, sino también los propios. A los perdedores ya se les dio demasiada tunda, ya sabemos lo que pasó. En narrativa, las historias diferentes son las que vale la pena contar, y esta, la de Land of Mine, es definitivamente una historia que valió la pena contar.
Por: Rafael Chipana En una época en que los medios de comunicación de cualquier tipo aumentan sin cesar y la calidad y reputación de muchos de ellos son dudosas, debemos reflexionar sobre el consentimiento que damos a la consecuente proliferación del amarillismo que desvergonzadamente puede enarbolar la ultrajada bandera de la libertad de expresión para justificarse, pero solo tienen el objetivo de hacerse eco entre los incautos y lucrar en el proceso, desinformando, tergiversando o magnificando el contenido de la supuesta información, mientras nosotros no hacemos valer nuestro derecho a la calidad de la información. El cine no fue ajeno a esta problemática, de hecho lo trató hace ya mucho tiempo con una crudeza sin par. Kirk Douglas interpreta a Chuck Tatum, un periodista de desmedida ambición y sin escrúpulos capaz de vender el alma de su madre al mismísimo Lucifer para obtener una exclusiva. Luego de ser despedido varias veces de periódicos importantes, cae miserablemente en un pequeño periódico local de un pueblo de Nuevo México. Durante una de sus habituales coberturas locales, se entera que un lugareño ha quedado atrapado por un derrumbe en el interior de una cueva, en su intento de saquear las reliquias pertenecientes a los nativos que dominaron el lugar en otra época. Tatum ve la oportunidad perfecta para aplicar su particular estilo de narrar los eventos y arrastrar en el camino de la ambición a su joven fotógrafo, al sheriff del pueblo, al equipo de rescate y finalmente a la insensible esposa del desafortunado hombre atrapado.
ACE IN THE HOLE “¿Sabes lo primero que aprendí? ¡Las malas noticias venden más!” Aún cuando el rescate puede ser resuelto de forma sencilla, Tatum convence a todos en efectuar el rescate a su manera, prometiéndoles beneficios y así alargar el tiempo que le permitirá explotar la noticia para su beneficio hasta el último centavo. Esta repugnante actitud le posibilita magnificar la noticia para capturar la atención del público a nivel nacional y lograr su solidaridad, transformándolo en un gigantesco carnaval. Para él, este es el trampolín que nuevamente lo catapultará a la fama y a las grandes ligas del periodismo, donde el pondrá el precio por esta y futuras exclusivas. De esta forma, el desolado paisaje donde se desarrolla el evento se convierte en una parafernalia de incautos, curiosos, morbosos y buitres. Todos los involucrados
sacan el máximo provecho a costa de este hecho, reflejado desde las breves escenas que muestran el destartalado letrero donde se anuncia el cada vez mayor precio que se cobra para acceder al lugar, hasta el parque de diversiones que se instala en las cercanías del accidente. Tatum llega a la máxima obsesión y trata a toda costa de alargar el tiempo que tomará su forma de rescate para negociar mejor su precio ante sus antiguos jefes que lo aborrecen, pero saben reconocer, como él, que las malas noticias bien condimentadas venden más. El director, Billy Wilder, resuelve con maestría esta problemática y en el camino nos deja una profunda reflexión acerca de la calidad de la información que consumimos, más aún en esta actual era de las comunicaciones.
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Por: Alan E. Rejón Mares. n los últimos veinte años, una vasta cantidad de aparatos y herramientas han aparecido en el mercado a partir del acelerado avance tecnológico. Teléfonos celulares, computadoras portátiles, sistemas de redes inalámbricas, etcétera, son cosas que en el pasado sólo habitaban en el mundo de la ciencia ficción. Es por eso que es fácil comprender que las generaciones nacidas antes de estas invenciones se nieguen a entenderlas y aceptarlas en sus vidas diarias, o que intentar hacerlo puede traerles experiencias frustrantes. Alvin Toffler en los años 70’s llamó a esto ‘El shock del futuro’ y lo define como la percepción personal de “Demasiado cambio en un período de tiempo demasiado corto”.
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“ PERO ¿CÓMO LA GENTE REACCIONA A ESTE MIEDO GENERACIONAL? EN LA FICCIÓN PODEMOS ENCONTRARNOS CON EL PADRE DE EDIPO QUIEN DESPUÉS DE QUE EL ORÁCULO PREDIJERA SU MUERTE, DECIDE ABANDONAR A SU PROPIO HIJO EN EL MONTE CITERÓN “ Pero ¿Cómo la gente reacciona a este miedo generacional? En la ficción podemos encontrarnos con el padre de Edipo quien después de que el oráculo predijera su muerte, decide abandonar a su propio hijo en el monte Citerón; mientras en la realidad, existen múltiples casos de empresarios viejos no permitiendo que jóvenes recién egresados entren a sus negocios. Este problema es el principal tema de la película “The Girl with All the Gifts” del subgénero zombi, dirigida por Colm McCarthy, en la cual nos encontramos un mundo distópico en donde la humanidad ha sido aniquilada casi por completo por un virus trasmitido por un hongo. La historia gira en torno a Melanie, una niña que al nacer con la infección es capaz de tener el mismo comportamiento que Zona 7 / ed 26
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ELLO SOL QUIERE VIV
un ser humano y quien es uno de los tantos conejillos de indias en una base militar que quiere encontrar la cura para la epidemia. En este lugar un gran grupo de niños con las mismas características son utilizados en los experimentos llevados a cabo. Al inicio de la cinta se nos muestra a estos siendo dirigidos a un cuarto que funge como salón de clases, en donde una maestra llamada Justineau, quien aún ve humanidad en ellos, les lee, entre otras cosas, el “Mito de Pandora”. Más tarde se nos presenta a la Dra. Caldwell, la encargada de los experimentos, quien le hace preguntas de lógica a Melanie para probar su sanidad mental. Cuando llega el
turno de Melanie para ser diseccionada por la doctora, la base es atacada, lo que los obliga a escapar junto a la maestra y un grupo de militares.
Es afuera donde la película comienza a hacer hincapié en sus temas, el más notable es la percepción del bien y el mal. En algún momento de la cinta Justineau tiene una plática con un sargento quien le dice “Yo nunca he conocido a una persona buena o mala, todos hacen lo que tienen que hacer”. Y esa es parte de la tesis de la obra, la cual comunica a través de los deseos y miedos de sus personajes. Es el espectador quien decide si estos son malvados o no, si el deseo de Caldwell por salvar a su raza ase-
OS LO EN VIR
sinando a una niña es aceptable, o si una niña abriendo la caja de pandora, liberando el hongo en el aire para sobrevivir, lo es. El otro tema es el ya mencionado: En algún punto de la trama Melanie se encuentra con otro grupo de niños, que alejados de una sociedad establecida crean una propia y que a ojos de los adultos pareciera primitiva. Estos infantes son quienes al final del metraje le quitan la vida a Caldwell, la generación pasada. Minutos antes a esto la doctora tiene una discusión con Melanie en la que acepta que ellos también están vivos, que su generación es el futuro. Por lo que Melanie decide liberar las esporas en
el aire quemando las vainas que las contienen, lo cual significa el fin del mundo para el “ser humano”. McCarthy también propone su tesis mediante otras herramientas cinematográficas, por ejemplo, las que utiliza en los momentos en que a Melanie se le tiene permitido pasearse por la ciudad para encontrar comida: Ella juega con lo que encuentra a su paso y camina entre los infectados como parte de los suyos. La ambientación está llena de verdes por la flora que ha crecido en la ciudad, la fotografía se vuelve preciosista con su uso de la luz natural, mientras se resalta por un score que nos evoca a lo sacro.
Finalmente, la genialidad del film se encuentra en la forma en que el director retoma el género zombi a lo que era en su concepción: Una crítica social. Pero si bien tanto su personaje como él, saben que las nuevas generaciones son las que prevalecen, entienden que es importante aprender de las pasadas. En la última escena, luego de liberar las esporas, vemos a Melanie manteniendo en orden a los niños para que escuchen las clases de Justineau.
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