ESPECIAL: FILM NOIR
ZONA 7
ed. 18 JULIO 2015
RESEÑAS/ the killers
EDITORIAL
entre cal y cigarri
llejones illos
En los años 30 comenzó a desarrollarse en los Estados Unidos una situación social donde imperaba una gran corrupción bien disfrazada de moralidad puritana y de etiqueta. Para entonces el cine policial comenzó a tomar una forma más fatalista, con gánster y estéticas sombrías (muy influenciado del expresionismo alemán), que mostraba la situación que atravesaba el país de manera cruda, convirtiéndose de paso en una forma de crítica social. A este nuevo "conjunto" se le comienza a encasillar, para luego ser llamado como género "cine negro", expresión que utiliza por primera vez un renombrado crítico de la época y que proviene del término francés "film noir". Con obras como “Scarface” (1932), el género se consolida, para luego llegar a su mayor apogeo entre los años 40 con películas como “El Halcón Maltés”, “Perdición”, “La mujer del cuadro”, entre otras. Se dice que el cine negro decayó en los años 50, sin embargo, aún en la actualidad podemos disfrutar de grandes películas que conservan sus características, las cuales son (según Robert Ebert) las siguientes: - La noche juega un papel protagónico. - En ningún momento nos da indicios de un final feliz. - Las sombras, callejones, y la soledad, son elementos que siempre están presentes. - Cigarros. - Las relaciones siempre van hacia el fracaso o la muerte. Entre otras.
Eileen Gamboa Navarro Directora editorial www.revistazona7.com www.eileengamboa.jimdo.com
CONTENIDO 7+1: ALGO MÁS QUE CINE/ la locura perfecta desata la furia en el camino 6
DEL CINE A LA REALIDAD/ el día que murió el silenciio 24
DESDE ADENTRO/ el scrpt: el encargado de la continuidad 8
ANIMACIÓN/ over the garden wall 26 el libro de la vida 28
TOP 7/ film noir 18
EXTRAS
ZONA TERROR/ the killers 26 20 as the gods will el blanco y negro en nuestros dias 34 the shining (parte1) 22
sobre nosotros Somos una revista mensual, que tiene como fin exclusivo, la difusión de información útil y práctica sobre el cine, dirigida especialmente a ésas personas amantes del séptimo arte con deseo de aprender más, de una manera práctica y de fácil comprensión. Aprovechando las plataformas web y las redes sociales traemos hasta usted una revista gratuita y de fácil acceso, sin dejar de lado la excelencia en cada detalle. Nuestro equipo cuenta con personas de diferentes paises de Latinoamérica, entre ellos Perú, Colombia, México, Bolivia, Guatemala, Costa Rica, Argentina y Uruguay.
Bienvenido a nuestra zona, la zona del séptimo arte
LA LOCURA PERFECTA LA FURIA EN EL CAMIN ¿Cuál es tu paraíso perfecto?,
¿cuál es tu camino hacia la locura perfecta?, ¿quién sería tu copiloto o bolsa de sangre?, ¿el cielo o infierno tu lugar para descansar?, ¿pelearías por agua?, ¿cómo sobrevivirías? Las preguntas más elementales –y no, no les voy a decir Watson- que el visionario, lunático, genio y maldito loco George Miller plantea en la cinta que sorprendió a propios y extraños su visión de un mundo dominado por los locos –nada alejado de la realidad, déjame te digo- en esta cinta, hay de todo un poco; un personaje trastornado por su pasado, mucha testosterona femenina, agresividad y locura masculina, ideas errantes, política, religión y demás. El chiste de este artículo no es criticar la película y decir que si los efectos, el director, los actores –bueno, puede que se me escape- pero analizaremos esos contextos agresivos y locos de la cinta. ¿Están listos? Tengo que decir, que el inicio de la cinta hasta que sale el título oficial de la película en pantalla, me encanta y me tuvo aferrado al asiento, ¿por qué lo digo? Alguien notó que la locura, se veía grandiosamente reflejada en pantalla. Es cuando Max se libera de “los blanquitos” antes de que lo marquen –cual toro fuera- y corre, ese movimiento rápido, fluidez a la cámara y actores me parece grotesco, aterrador y acertado. Me preguntaron al ir a ver la película, ¿cuál es tu locura perfecta? –tomando en cuenta lo sucedido en la cinta- algo equivalente a lo de Miller, pero más explícito –así que por favor, nunca me dejen gra-
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bar algo que haya estado o esté en mi mente- pero llevando poco a poco el camino, me doy cuenta que tenemos un personaje callado, agresivo y con un oscuro pasado. Este tipo de personajes, son mis favoritos, descubres mucho más de ellos con su silencio y suelen interpretar mejor lo que el director o guionistas pueden ocultarnos. Aunque tengo que ser sincero, las mujeres………¡ROMPEN MADRES EN ESTA PELÍCULA! “Furiosa” el personaje perfecto a tener en cuenta, la cual puede madrearse a un hombre sin pestañear, puede ser la mujer que cualquier hombre no desearía toparse en un callejón oscuro. Entonces, ¿qué poder predomina en ese mundo de locos, el de las mujeres o el de los hombres?, ¿aun así, podríamos coexistir todos juntos, sin tratar de matarnos? Vaya, ahora todo o algunas cosas de la cinta son bizarras, extrañas, agresivas, geniales y cabe decir que la película esconde muchos subtextos. La religión no es de mi agrado, pero sumamente la respeto porque no soy la única mente que puede o no decir que está bien o mal. Pero vaya que aquí en el mundo de tormentas de sangre, arena, batallas de agua, se oculta o contraponen dos paraísos magníficos. ¿Han escuchado del famoso Valhalla? Aquí tenemos algo sorprendente y engañoso, pero como buenos guerreros en batalla, estamos dispuestos a volver de color gris nuestros dientes y morir con plata mordida en el camino de la guerra, pero si, en el camino me lastimo y ya no puedo continuar tengo que dar lo mejor de mí y suicidarme como un maldito héroe, es así que las Valkirias podrán honrarme, destrozarme y comerme cuando ingrese por esas puertas luego de mi muerte en batalla. Por decirlo así, lo miro como si fuera el infierno mismo pero con “mayores” recompensas. ¿Y dónde queda el lado bueno de esto?, ¿recuerdan el paraíso o lugar verde? El objetivo de “Furiosa” y Max para llevar a las embarazadas. Pero el camino es tormentoso, como debe de ser por hacer las cosas bien –contradicción- tenemos “infiernos”, “tormentas mortales que nos pueden llevar al lugar indicado”. Pero, lamentablemente como dicen Max, no hay lugar para descansar, todo ahora es algo ya muerto. Cabe decir una cosa y es que hay cosas que no existen, como algunos mitos o historias. Seguir persiguiéndolos, nos llevara o te llevará a la muerte. Lo que queda es lo que hay y te-
7+1: ALGO MAS QUE CINE
A, DESATA NO nemos que enfrentarlo pues… ¡no podemos y no debemos seguir huyendo! El infierno –ahora, bien lo pienso- es más tranquilo y sin complicaciones, pero por otra parte; el paraíso es el lugar indicado para redimirte y descansar. Quisiéramos sobrevivir a un apocalipsis, así de perfecto para comprender y saciar nuestros más bajos instintos primitivos. Pues es así, que la locura natural se puede comprender, solamente somos animales peleando por sobrevivir, alimentarnos de la desesperación uno del otro y al final, descansar para luego, volver a iniciar. Un ciclo que no termina. Creo, que no hay dioses, no hay paraísos, ideologías, solo humanos tratando de sobrevivir y adaptarse a otra evolución en su vida. “… Estoy tranquilo durante un tiempo, mirando más allá; más allá en lo que antes había un paisaje. Fragmentos de sonidos e imágenes vienen a mi mente, son ellas, repiten y repiten las mismas palabras, todo se vuelca en un silencio feroz y comienza a emerger una mancha negra que succiona esos pensamientos en mi mente, para traer aviso de los problemas mayores. Silencio a lo lejos, pero las piedras a mi alrededor, vibran, se destruyen, son ellos, la gente de ese lugar al cual no quiero ir, pero sus sonidos de guerra me hacen querer enfrentarlos de una vez por todas. Estoy listo para huir, perseguir las voces en mi cabeza, escapar de la locura perfecta. Pero algo he comprendido, enjaula, atrapa a un animal y podrás volverlo loco, desquiciado, demente y obtendrás… ¡Ahí viene, el fin del comienzo y la mancha o masa negra, cubre mi mente y me dice Max, tu guerra interna y física apenas comienza… corre!”
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eL Script. Encargado de la continuidad
Cuando Jean-Luc Godard debuta con “A Bout de Souffle” en el cine se rompen reglas que antes se pensaban infranqueables, la continuidad deja de ser un absoluto y se vuelve parte del juego cinematográfico Una de las películas más icónicas del cine de crimen, del cine negro, y en finalidad, de la historia del cine es “À Bout De Souffle” (Sin aliento), debut del mítico cineasta francés Jean-Luc Godard que este filmaría y estrenaría en 1959. La película significaría el comienzo del movimiento cinematográfico más importante de la cinematografía francesa; la nueva ola francesa, y además, se convertiría en la película insignia de su creador y en la carta de presentación de este, el cineasta que rompió las reglas. Pero ¿Qué regla rompió Godard y en que contribuyo esto en crearle un lugar en la historia? La respuesta es una palabra que resulta deliciosa decirla: El “Raccord”. Tal vez antes de À Bout De Souffle no existía una sola película –en el ámbito profesional obviamenteque tuviese la plena intención de romper las reglas de raccord. Un delito total que demuestra falta de cultura cinematográfica y que
Escena de la película À Bout De Souffle de Jean-Luc Godard.
solo un realizador amateur haría, pero Godard iba un paso adelante y construyo su primera película como una sátira; no solo de las películas del cine negro Estadounidenses y europeas de la década que ya estaba por acabar, sino de lo que era la realización de cine hasta que él, con el dinero que heredo de una tía, dejo la crítica cinematográfica del Cahier Du Cinema de Andre Bazin para tomar junto con su amigos la cámara y la moviola para redefinir lo que es hacer cine. Godard no fue el primero en hacer del rompimiento de Raccord una propuesta estética en sus películas, pero si fue el primero en hacerlo bien y sacar provecho de ello. Llena de saltos, rupturas de eje, saltos y errores de continuidad de los objetos, cortes mal hechos, y muchos otros rompimientos de raccord, À Bout De Souffle hizo historia y fue el primer ladrillo en la gran edificación que pasaría a ser la nueva ola francesa.
Todos estos rompimientos de raccord nunca fueron regalados ni resultados de la experimentación, tenían un fin estético e introspectivo, Godard supo jugársela como todos los jóvenes que fundan vanguardias cinematográficas, y continúo haciendo de las suyas, aunque en ocasiones perdió el toque. Antes de continuar, definamos que es eso a lo que hemos llamado el “Raccord”.
El Raccord: Explicándolo de manera sencilla; la palabra raccord hace referencia a “Continuidad”, la relación que existe entre el material filmado de una película en cuanto a espacialidad, secuencialidad y relación con los planos anteriores. La finalidad de la continuidad es que la secuencialidad de los planos no rompa o molesten en la recepción de los espectadores. La regla primordial de la continuidad es que hay un orden en la relación de los planos, que estén
DESDE ADENTRO en la misma temporalidad, en la misma acción, que estén en el mismo espacio y cuidando de la angulación que presenten a los personajes en el mismo lugar donde están y si se mueven que el movimiento de estos en un plano resulte en el mismo lugar donde termino en el siguiente plano. En cuanto a los tipos de continuidad tenemos los siguientes: Continuidad espacial: Es la continuidad de los objetos y los personajes en relación al espacio en el que están y la dirección de movimiento de estos cuando se mueven. En una escena se cuida el lugar donde será puesta la cámara en relación a los personajes y sus movimientos, por lo general en el material grabado cada personaje ocupa un lugar del espacio en el transcurre la escena y por lo tanto un espacio específico en los planos, el cambio repentino del lugar donde se ha posicionado a un personaje constituye un rompimiento de la continuidad espacial de este personaje. Una regla básica de continuidad espacial es la regla de los 180 grados, la cual es fácil de explicar con la puesta de cámaras para grabar un partido de Fútbol: Durante un partido de fútbol todas las cámaras de la transición de televisión se encuentran en la tribuna lateral izquierda del estadio en un espacio cuyo ángulo son 180 grados, las cámaras dispuestas en este espacio graban el partido con una secuencialidad ubicada dentro de este ángulo. De haber una cámara grabando fuera de estos 180 grados, se trasmitiría un plano en el que el balón repentinamente corre en sentido contrario, los equipos por arte de magia han cambiado de magia y el espectador se daría cuenta de tal rompimiento. Esta regla básica de continuidad es usada siempre al rodar una escena, ubicando a cada personaje en un espacio y siguiéndolo si se mueve desde los 180 grados. La única manera de romper el eje de 180 grados es:
La regla de los 180 grados es vital para mantener la continuidad espacial de la escena
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Haciendo un contra plano de un plano general de toda la situación, el espectador entiende como está distribuida la espacialidad en la escena y asemeja el cambio de lugar de la cámara. Haciendo un plano secuencia que se mueva libremente por el lugar, al no haber cortes el movimiento permite presentar el lugar y la situación sin cambios repentino de raccord. Continuidad de vestuario, utilería, ambientación y escenario: también llamada continuidad de objetos o continuidad de arte, hace referencia a que en la relación de planos (plano tras plano en una escena) no desaparezca, cambie o aparezca sin ninguna razón aparente algún objeto del vestuario, la utilería (objetos pequeños) La ambientación (muebles y enseres) o incluso de la escenografía (Construcciones del espacio). Aunque bien puede ser usado con un fin estético, si no hay un aparente fin en tales rompimientos de continuidad es asumido con un error y aunque en muchos casos no es visto por el espectador, en algunos casos es muy evidente. También se suma a este tipo de continuidad el hecho de que aparezcan en películas de época objetos que no pertenecen a tal época. Bien pueda ser un error de continuidad histórica presente en el trabajo del departamento de arte o un denominado Anacronismo, término que más adelante definiremos.
Continuidad en la iluminación: Si bien el anterior tipo de continuidad resulta ser responsabilidad del departamento de arte, este tipo es responsabilidad del departamento de fotografía. Como ya explicábamos en ediciones pasadas en el artículo “La dirección de fotografía, trabajo durante el rodaje”, el departamento de fotografía cuenta con 15 minutos entre planos para iluminar el siguiente plano, uno de los aspectos que debe tener en cuenta cada que debe iluminar un plano es que no hayan cambios en la iluminación respecto al anterior plano, debe respetar la continuidad de la iluminación. A menos que la propuesta de fotografía tenga características oníricas o no naturalistas, la iluminación debe ser respetada. Si es una escena de noche en la que la luz de la luna es una única luz diegética y esta llega desde el oriente, todos los planos de la escena deben dar la noción de que la luz de la luna llega desde el mismo lugar. Además se debe respetar la temperatura de color de la luz y su intensidad. Continuidad de interpretación: Aquí llega el turno de los actores. Quienes han ensayado sus escenas desde antes de empezar el rodaje, y que durante los 15 minutos entre planos en los que fotografía ilumina, ellos ensayan la escena por última vez con el director antes de grabarla. Cuando ya ejecutan la escena como le gusta al director pasan a realizarla
siempre de la misma manera, en todas las tomas, sin ningún cambio en movimientos, gestos, tono de voz y expresividad. De no ser igual su actuación en todos los planos será dificultoso montar la escena con naturalidad en la que cada acción empalme con el plano siguiente. Continuidad visual y sonora: Es la regla básica por la cual el sonido tiene relación con lo que se ve, así un sonido permite empalmar dos planos o incluso hacer una transición de tiempo (Ejemplo: Una mujer en un café comienza a recordar algo, de repente suena un tren, corte a escena en una estación de tren hacen treinta años). También es la continuidad de la sincronía del sonido con lo que sucede en escena, si una tasa de té no suena cuando es golpeada o suena tarde, es considerado un rompimiento de continuidad. Estos son los tipos de rompimiento de raccord. Godard paso a la historia por usar tales rompimientos de continuidad a la narrativa de sus historias a manera de “rompimientos diegético”. Del teatro de Beltor Brecht (El berliner ensemble) del que Godard es un gran admirador él trae el concepto del rompimiento de la diegesis para “despertar al espectador” y sacarle de la diegesis (universo) de la película que ve y que no crea que lo que ve es la realidad. Godard uso el rompimiento de la continuidad para tal fin y hasta hoy ha sido un total éxito al iden-
DESDE ADENTRO
El Script. tificar la artificialidad del cine y mostrarlo como una narrativa de ficción y no de la realidad. Otro rompimiento de la diegesis usado en muchas películas es el uso de anacronismos, el mismísimo Godard los ha usado aunque uno de los anacronismos más famosos son las zapatillas converse que usa María Antonieta en la película homónima de Sofía Coppola de 2006. La palabra anacronismo hace referencia a algo que no hace parte temporal de una época. En una película sería algún objeto que no es de tal época pero que tiene un fin dramático o de rompimiento de diegesis. El ejemplo de “María Antonieta” tiene un fin dramático al hacer un comentario implícito en la imagen sobre el personaje, una María Antonieta adolecente y alocada, de esa manera Coppola presenta a su personaje y crea un vínculo con el espectador fácil de leer, aunque cabe recordar que su película fue odiada en el festival de cine de Cannes de 2006. Un ejemplo de anacronismo como rompimiento diegético se encuentra en una película Colombiana que hace un homenaje al cine Noir. “La historia del baúl rosado” (2005) De Libia Stela Gomez Díaz. En esta película sobre el misterio detrás de un misterioso baúl que es encontrado en la estación de tren de Bogotá hay una escena que transcurre en el salto del Tequendama, en la cual aparece un lujoso ferrari rojo modelo 2005, lo cual es todo un anacronismo ya que la historia transcurre en 1948. El carro que salta a la vista tiene como objetivo sacar al espectador de la diegesis y devolverlo a su condición de espectador. No hay que confundir estos dos casos de uso de anacronismo con totales errores en la continuidad respecto a la temporalidad del decorado y los objetos de arte como pasa en Gladiador (2000) de Ridley Scott en la que saltan a la vista personas que usan Jean 50 años antes de cristo y muchos otros errores de temporalidad del raccord.
Llevar la continuidad de una película es un trabajo muy complejo y que necesita de alguien con mucha atención. Ya habiendo explicado que es la continuidad (o Raccord) y que tipos de continuidad son labor de cada departamento hay que aclarar que tanto es el trabajo en set que dentro de cada departamento que no se le presta la suficiente atención al tema de la continuidad. Es por esto que desde que se fundó Hollywood en los años 20’s y los grandes estudios comenzaron a producir películas de gran costo, se comenzó a necesitar de alguien que realizara la labor de cuidar de la continuidad. El llamado continuista en los sets españoles, y Script en todos los demás países del mundo es la labor de quien cuida y avisa de los rompimientos de la continuidad en el set de rodaje. Este personaje hace parte del departamento de dirección y recibe órdenes directamente del director (Tan importante es su labor) y avisa a este cuando hay errores de continuidad, siendo junto con el productor y los asistentes de dirección los únicos que pueden corregirle algo al director. Hace parte del departamento de dirección ya que desde allí es que tiene la voz de corregir a quien sea en la producción para que se repare cualquier error de continuidad. Así de importante es tomada la continuidad. Obviamente Godard nunca tuvo que contratar a un script.
Sofia Coppola utilizó anacronismos en su película Marie Antoinette, las criticas por estas decisiones no se hicieron esperar y la posicionaron en uno de los peores lugares en Cannes
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Stanley Kubrick, Jack Nicholson, Garret Brown, la hija de Kubrick, Vivian, June Randall y otros. June Randall fue la responsable de la continuidad de muchas películas del director de The Shinning.
A su vez es el responsable de la continuidad del material rodado que es entregado al montajista. Por tal motivo el Script tiene una serie de utensilios siempre a la mano: Una cámara fotográfica: la memoria algunas veces nos juega en contra, por más ordenado que tenga todo el Script, si no toma fotos de como llegaron vestidos los actores, como actúan y se mueven, como se ilumino un plano o como están dispuestos los muebles en un set, se le puede olvidar y es entonces cuando necesita una fotografía para recordar todo esto y más antes de que se haga la siguiente toma de un plano. Con fotos el Script tiene todo ordenado en set. Planillas de Scipt: Este es un formato que el Script llena por plano rodado en el que especifica cuantas tomas se hicieron, quien hizo cámara, quien dio órdenes (no siempre las da el director), que óptica se usó, si hay cambios de óptica, cuanto tiempo (Timming: Duración de la toma) duro cada toma, especifica que calamidades sucedieron, a qué hora se entregó el plano (Se dijo “Queda”). En fin de cuentas, es toda una bitácora del rodaje. Marcadores de todos los colores posibles: Llenar estos formatos sería un desorden si no se cuenta con marcadores (Micro-puntas) de muchos colores y se le da a cada anotación un color específico, así no quedan desordenadas las planillas y el montajista las puede entender. Cronómetro: El Script debe hacer anotación de los timmings de las tomas y las horas en las que se rodó cada una y se acaba y comienza el rodaje de cada plano. Esto le sirve a producción para entregar informes de la efectividad del rodaje. Llenar los formatos le es obligatorio al script ya que con esto le facilita el trabajo al montajista (además de hacerle una idea a este de como fue el rodaje). Le permite descalificar tomas e incluso planos
DESDE ADENTRO al informarle de todo lo que paso durante el rodaje de cada plano. EL Script también debe anotar si se le paso por alto algo en alguna toma y lo remedio en la siguiente o si simplemente nunca lo remedio, cosa que no le debería pasar. De suceder algo con la continuidad, el script le puede pedir al asistente de dirección que se pare el rodaje hasta que tal error se remedie. Esta es una profesión con bastantes dificultades y en la que debe haber total atención de todo, ya que un pequeño descanso puede hacer que pierda la concentración. El Script antes del rodaje debe estudiar toda la planimetría, el Story Board y los planos de piso de iluminación, movimientos de actores y diseños de arte para informar si hay un salto de eje o rompimiento de continuidad y sea arreglado antes de rodar. También debe estudiar muy bien el plan de rodaje para saber qué días debe prestar más atención a los cambios bruscos de plano y a posibles rodajes extenuantes y largos de un plano en los que todo el equipo pierde la concentración y se suelen mover cosas
de su lugar. El Script debe estar atento a todo y con plan b a la mano. “El claquetista”. El compañero del Script En las más grandes superproducciones, el Script no es uno, sino que es todo un equipo de Scripts muy atentos a los que pasa. Es un equipo directamente proporcional al tamaño de los sets en los que trabajan y en los que un solo Script se volvería loco. Pero en las más pequeñas es solo uno, y en las independientes en las que a duras penas se come bien el Script también desempeña en trabajo del “claquetista”, uno de los trabajos más emocionantes del set, ya que es el encargado de manejar la Claqueta.
son justamente los que tiene con qué pagar una cara claqueta con código de tiempo. Pero En los rodajes independientes el Script no cuenta con este compañero y es el quien hace las de claquetista también, con una claqueta de madera o plástico que solo sirve para dar inicio a la grabación de la toma y “claquetear”, que es hacer el sonido con el cual se sincronizara sonido e imagen en post-producción. Próximamente retomaremos este extenso tema de la continuidad cuando veamos las labores del director y enfaticemos en la ruptura de la continuidad. Pero aún falta mucho para llegar allá. En nuestro próximo artículo seguiremos hablando del departamento
Puede parecer fácil, pero es una Próximamente: El Making Off. persona cuya labor es el control El detrás de cámaras. de la marcación de los planos y su duración continua. Esta atenta a que escena, plano y toma se va a rodar, sincroniza la claqueta con la grabadora de sonido y la cámara mediante “código de tiempo”, que es una información con la que se sincroniza en post-producción lo que se filmó en la cámara con el sonido que se capturo. El claquetista es una labor que solo vive en los rodajes con mejores condiciones de paga; que
Eli Roth, Diane Kruger y Martin Kitrosser en un escena de la película Inglourious Basterds de Quentin Tarantino. Kitrosser ha el script en la mayoria de las películas de Tarantino además de películas como Red Dragon o X-Men: The Last Stand
“- Una vez tuve un sueño. Caminaba por el bosque, no sé porqué, se levantó viento y mi sombrero voló. - Y lo perseguiste ¿no?, corrías y corrías y finalmente lo alcanzabas. Lo recogiste, pero ya no era un sombrero se había convertido en otra cosa, en algo maravilloso. - No, seguía siendo un sombrero y no lo perseguí. No hay nada más ridículo que un hombre corriendo tras su sombrero.”
Miller's Crossing Director: Hermanos Coen
Sabías que... La escena de los espejos de este film está basada en una escena de la pelicula ¨El Circo¨ de Charles Chaplin 1927., donde el protagonista escapa de un policía en la sala de espejos de un circo.
La Dama de Shanghai. Director Orson Welles
top 7 film noir 1. Vertigo - Alfred Hitchcock. 2. The Big Sleep - Howard Hawks. 3. Scarlet Street - Fritz Lang. 4. Le Samoura誰 - Jean-Pierre Melville. 5. The Night of the Hunter - Charles Laughton. 6. Lost Highway - David Lynch. 7. Double Indemnity - Billy Wilder.
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La inocencia y lo infantil del filme contrasta con la brutalidad del destino de los participantes. La forma de poner a prueba a los concursantes es a través de juegos tradicionales y propios de Japón; no veremos lugares cerrados y oscuros, o desesperanza por doquier. Para un servidor, el cine de terror japonés es una apuesta, cada película representa una maravilla cinematográfica o algo que puede olvidarse, la diversidad de la cultura oriental es impresionante. Algo que ha caracterizado a estas cintas es que no se cortan en mucho, son creadores de algo del gore más aplaudido por el público (Guinea Pig), del splatter más gamberro (Tokyo gore police) y del suspenso mejor ejecutado (Confessions). La película que este día nos ocupa es de un subgénero muchas veces visto y casi desarrollado por completo en el país del lejano oriente: juega o muere. La cinta, como muchas otras, comienza con un grupo de secundaria. Sin más explicación, los alumnos de este instituto son sometidos a un brutal juego donde el ganador portará de igual modo el título de sobreviviente. Premisa rápida, eficiente, la maravilla de esta película reside en la simpleza del argumento, respaldada por la profundidad de las ideas que tiene nuestro protagonista. Es decir, el detonante de estos eventos como el título de la película sugiere la existencia de un ser divino con un plan que, para variar, no comprendemos, y será muy doloroso, algo agónico para los par20
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ticipantes y el resto de la humanidad, mientras que el joven que seguimos sostiene una interminable conversación con Dios…”Haz mi vida interesante, por favor”. La inocencia y lo infantil del filme contrasta con la brutalidad del destino de los participantes. La forma de poner a prueba a los concursantes es a través de juegos tradicionales y propios de Japón; no veremos lugares cerrados y oscuros, o desesperanza por doquier. Es imposible ignorar las tonadas infantiles y graciosas, los colores brillantes, el humor infantilesco que caracteriza al director. El ambiente, y la fotografía están muy bien cuidados, los efectos especiales cumplen de maravilla. La historia no necesita explicación, empieza con una brutal muestra de lo que va y de ahí, como una montaña rusa sin fin, se dedica a elevar la intensidad hasta el final y todo ello desemboca en un desenlace que te deja caer a cientos de kilómetros por hora en una sola toma. Para los amantes de terror una última cosa. Dirigida por Takashi Miike. Disfruten una de las mejores poesías del gore de los últimos años
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“A fines del mes de septiembre de 1974, Tabby y yo pasamos una noche en un viejo y gran hotel en Estes Park, el Stanley. Nosotros éramos los únicos huéspedes. Al día siguiente el hotel cerraría hasta la primavera. Mientras paseaba por sus corredores, pensé que sería el escenario perfecto para una historia de fantasmas.” Stephen King es el escritor cumbre de la literatura de terror de los últimos años, con muchísimos best sellers que han sido versionados al cine. Esa noche que pasó en el Stanley fue el disparador para lo que sería El Resplandor (1977), que cuenta con dos polémicas adaptaciones cinematográficas. “…Esa noche soñé con mi hijo de tres años corriendo por los pasillos, mirando hacia atrás, con los ojos muy abiertos, gritando. Estaba huyendo de una manguera de incendios. Me desperté con un terrible sacudón, sudando y a unos centímetros del borde de la cama, casi a punto de caerme. Me levanté, me senté al lado de la ventana y encendí un cigarrillo mientras miraba hacia las Rocallosas. Cuando terminé el cigarrillo, ya tenía en mi mente la estructura del libro.” Las decisiones de Kubrick y la guionista Diane Johnson al adaptar del libro (los grandes cambios respecto al mismo en la película) crearon discrepancias con King, que se sintió ofendido porque el film no toma la esencia de la historia. Mientras que en la novela el descenso de Jack hacia la locura venía provocado por la maligna influencia de un hotel embrujado, en el film el escritor poco a poco va recorriendo el camino hacia la
locura él solo, por factores como el aislamiento y la compañía de su familia, que quizá no era la más adecuada para alguien que pretende dedicarse solo a escribir. Pero por mucho que King planteara estos hechos erróneos respecto al libro y que Kubrick no entendía el cine de terror por haber trasladado la maldad del hotel a los personajes y de que no incluyera los setos con forma de animales y que al final el Overlook no explotase, se puede decir que todos los cambios que hicieron fueron grandes aciertos, ya que la película es una adaptación bastante fiel.
otros lugares que pudieran servir de referencia. “Fotografió cientos de sitios y basándonos en esas fotografías, elegimos las que nos gustaron y entonces los dibujantes realizaron los dibujos de trabajo sobre esas fotografías, pero conservando la escala exacta''. El grandioso laberinto se construyó en los viejos estudios de la MGM en Borehamwood. Para las escenas invernales, fue desmontado y reconstruido en el plató número 1 de los estudios EMI, en las afueras de Londres, donde la nieve fue simulada con sal y espuma Styrofoam aplicada sobre las ramas de pino que cubrían las paredes laterales.”
Como todo film de Stanley, el apartado técnico en el film es poco menos que perfecto. Comenzando con la escenografía, “…Kubrick empleó doce meses en preparar los decorados de su personal <sinfonía del horror>'' dispuesta a sentar las bases de ese subgénero en la misma medida que 2001, Una Odisea Espacial lo había hecho respecto a la ciencia ficción. Por ese motivo, con el fin de reconstruir el hotel donde transcurre la mayor parte del film, el director artístico Ray Walker recorrió durante meses todo Estados Unidos, fotografiando hoteles, apartamentos y ZONA 7 JUL 2015
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EL EL Diecisiete años han pasado desde que se estrenó esta película, la primera boliviana en ser grabada con sonido Dolby Digital, y que representaría para algunos una obra maestra de la mano de Paolo Agazzi, un muy reconocido director a nivel nacional. Villa Serena es un pueblo apacible y tranquilo, donde todavía perdura la cohesión social, la buena convivencia entre sus habitantes; un pueblo donde todavía hay silencio, ese silencio que tanto necesita el individuo urbano para pensar con claridad las cosas. Todo cambia cuando, un día, llega Abelardo Ríos Claros, un argentino bigotón que se hace llamar periodista, y que con la intención de instalar una estación de radio utiliza sus dotes de caballero persuasivo para convencer a ciertas personas clave de que su idea es realizable y que traerá beneficios a la comunidad. Sin embargo, los temores de algunos se vuelven realidad cuando la radio, este aparentemente inofensivo medio de comunicación, empieza a sacar a relucir los más impuros y conflictivos pensamientos, sentimientos y emociones de la gente de Villa Serena.
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Esta cinta tiene varias cosas destacables, y como primera de ellas hay que mencionar que, según el famoso sitio IMDB (Internet Movie Data Base), es la mejor producción boliviana del séptimo arte, con 7.4 puntos sobre 10. En segundo lugar, es importante mencionar que el filme presenta de manera creativa un problema que no a cualquiera se le ocurriría considerar un problema, y eso es la implementación de tecnología no tan avanzada en un lugar de zonas rurales; pero Villa Serena no es cualquier aldea rural o conjunto de chozas con tribus indígenas, es un pueblo, un lugar donde habita gente que se viste tapándose todo, que comercia, que va a misa. Sabemos que la tecnología moderna tiene productos que nos hacen dudar de sus beneficios debido a sus puntos negativos: los celulares nos emboban, las computadoras nos emboban, la televisión nos emboba, pero, ¿la radio? Sí, la radio también puede perjudicar la convivencia humana; es solo que a nosotros, los que vivimos en la ciudad, nos cuesta imaginarnos semejante barbaridad.
La increíble capacidad persuasiva de Abelardo para convencer a todos de su idea, vanagloriándose de ser el mesías del progreso, el hombre que comunicará a Villa Serena con el resto del mundo, hace dudar de sus intenciones desde un principio, pues como el pequeño hijo de puta que es, se hace odiar por semejante hipocresía (constituyendo así, digamos, un papel de “buen villano”), aunque a la vez hace reír. Las vicisitudes en que desemboca la instalación de Radio Nobleza, su estación de radio, dan mucho que pensar, principalmente porque es la única en el pueblo, y porque la gente acude ahí ya sea para hacer sus pedidos de música (a 50 centavos), felicitar a sus seres queridos (a un peso), mandar mensajes especiales (dos pesos) e incluso insultar a los demás. Esta última función es explotada ya en el nudo de la historia, cuando la gente se da cuenta de que la radio permite expresar su ira y descontento con ciertos vecinos en particular. Pero el problema no son solo los insultos, sino también la manera en que la gente utiliza la radio para compartir sus preocupaciones y actividades, así como hoy en día un usuario de Fa-
DEL CINE A LA REALIDAD
L DÍA QUE MURIÓ L SILENCIO El director de este filme estrenó su primer documental, “Corazón de Dragón” el 7 de julio, y trata sobre la vida de nueve niños con cáncer internados en el Hospital de Niños de La Paz. cebook sube fotos de todo lo que hace, despreocupándose de que otros invadan su privacidad. En tercer lugar, están los dramas inesperados que viven los pueblerinos. El desarrollo de la trama no solo se centra en Abelardo, sino también en don Óscar, un escritor que, a través de su máquina de escribir, irá plasmando una historia, inspirada en sus preocupaciones respecto a lo que acontece en Villa Serena. Por otro lado está Celeste, una sensual y hermosa jovencita de más o menos 14 años, que será la pieza clave para cambiar por completo a Abelardo y por tanto el destino de Radio Nobleza. Sobre esto, hay que recalcar que lo que se nos presenta al comienzo de la película es una especie de prólogo que, si bien parece inútil y tal vez hasta de relleno, es fundamental para comprender la relación entre Celeste y su padre.
A lo largo de la cinta, don Óscar nos inspirará con frases interesantes como ser: “Y es que el hombre, por más vil que sea, no puede olvidarse de amar” y “Porque todo lo que cuesta sacrificio, como dicen en mi pueblo, es más sabroso”. Por su parte, Abelardo (¡alerta de spoilers!) expresa su tristeza con una frase que, al menos para mí, resulta ser una novedosa interpretación del desamor: “Señores vecinos, hoy solamente escucharemos música clásica y de viernes santos, porque anoche murió mi corazón, herido de muerte por culpa de una degenerada.” Pero sin duda alguna la frase más representativa de esta película y que queda para la posteridad, se constituye en aquella pronunciada por Abelardo al iniciar la primera transmisión de su emisora: “Vecinos del pueblo de Villa Serena, buenos días. Esta es una transmisión de prueba
de Radio Nobleza, la emisora de su comunidad. Hemos amanecido con un día totalmente despejado, y que la comadre Alejandrina debería devolver el molde de la torta que hace ya varios días le prestó doña Amelia. Y ahora, su música favorita…” “El día que murió el silencio” ha recibido 5 galardones, que incluyen la categoría de mejor música, mejor actor y hasta mejor película de la década. Y bueno, son casi dos horas que valen la pena, porque permite disfrutar de un guion bien trabajado, un desarrollo argumental muy peculiar, y sobre todo una muestra de la cultura boliviana, lo cual se refleja muy bien en sus personajes. Así que, ¿qué esperás? ¡Incluso está en YouTube! Ver esta peli te dejará con un buen sabor de boca, te lo aseguro.
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"En algún lugar, perdido atraves de la historia yace un
sitio que pocos han visto, llamado lo desconocido, donde largas y olvidadas historias son reveladas a aquellos que viajan a traves del bosque" “Over the Garden Wall” es una miniserie de 10 capítulos producida por Cartoon network en 2014 y creada por Patrick McHale, quien previamente trabajó como escritor y artista de storyboards en “Flap Jack” y “Hora de aventura”.
biera sido posible sin el guion: cada uno de los diálogos es muy natural, dando como resultado a personajes muy reales y entrañables, así salieran por poco tiempo en pantalla.
La serie se centra en un par de hermanos que están perdidos en Lo desconocido; ahí se encuentran a un azulejo parlante llamado Beatriz, que los guía en su camino a casa, todo mientras corren rumores sobre una horrible bestia que persigue a aquellos que se atreven a entrar al bosque, pero antes de ahondar en la historia hablaré un poco de los personajes.
En cuanto al diseño de personajes, diseño de fondos y aspectos técnicos, los personajes mantienen formas bastante simples, a diferencia de los paisajes, muy detallados y bellamente dibujados que recuerdan a libros de cuentos ilustrados antiguos, dando la impresión de que la serie es un recorrido por algunas leyendas del folclore estadounidense. También algo muy acertado fue la elección de paleta de colores de la serie, pues se optó por marrones y amarillos, a diferencia de los muy fosforescentes y vivos colores de las series de CN, que dan una sensación de hiperactividad en general. “Over the garden Wall” se diferencia del resto, y lo hace de una manera magnífica, ayudándose también de un increíble OST, que termina por establecer la atmosfera de la serie, algo oscura, de ritmo lento, y sin embargo hechizante: un éxtasis visual desde el primer episodio.
Wirt, el hermano mayor, es un chico bastante reservado y obediente, temeroso de correr riesgos y de expresarse, y con un especial gusto por la poesía, la arquitectura y el clarinete. En cambio, el menor, Greg , es un niño de espíritu libre y muy alegre, que generalmente no mide las consecuencias de sus actos, siendo Greg el principal generador de comic relief de la historia, milagrosamente sin llegar a ser exasperante. Otro personaje importate es el azulejo, Beatrice, inteligente y sarcástica. Al comienzo desconfía de los hermanos, especialmente de Wirt, pero termina encariñándose con ellos, y aunque estos tres personajes son bastante distintos, se complementan a la perfección. Sin embargo, este no es el único aspecto en lo que destaca esta miniserie. Todo empieza incluso desde su piloto, que surgió de ideas que fueron trabajadas por McHale a lo largo de 10 años, y fue exhibido en distintos festivales como el LA Shorts Fest y el Festival de Cine de Ottawa, ganando el premio a mejor corto animado en el Festival Internacional de Cine de Santa Barbara, todos con jurados de la crítica especializada (a diferencia de la mayoría de pilotos de shows animados, que lo hacen frente a un público regular). Además de esto, cuenta con una actuación de voz de primera calidad, teniendo en su reparto a Elijah Wood como Wirt, Christopher Lloyd como el leñador, Melanie Lynskey como Beatrice y la colaboración de Tim Curry como Auntie Whispers. Sin embargo, nada hu26
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Después de todo esto, queda decir: ¿De qué trata la serie? A pesar de que a simple vista el argumento es sencillo, puedo afirmar que esta serie bien podría ser una película; es más profunda de lo que parece, no teme ser oscura cuando tiene que serlo, y está mejor escrita, animada y dirigida que muchas cintas de hoy en día y espero que CN siga apostándole a proyectos como OtGW. Hoy en dia, donde si una serie funciona es sobreexplotada y alargada infinitamente hasta que termina totalmente agotada y alejada del concepto original, este trabajo es unq bocanada de aire fresco, y aunque deja algunos cabos sueltos, lo cual es comprensible debido al corto tiempo de esta serie (10 minutos por capitulo) de carácter episódico, definitivamente es algo que merece la pena, Totalmemte recomendable
ANIMACIĂ&#x201C;N
esta extraordinaria miniserie fue estrenada 6 de julio, actualimentre siendo transmitida por cartoon network.
EL LIBRO DE LA VIDA Lo que más llama la atención de este filme es su impecable animación, toda una orgía visual de la mano de Jorge R. Gutiérrez.
¡La influencia hispanoamericana está más viva que nunca en Estados Unidos! Esta película es prueba de ello: ya sea para bien o para mal, demuestra que en tierras gringas aún se puede valorar otras culturas que no son la local de manera espectacular. Siendo una comedia romántica musical inspirada en el Día de los Muertos, esta cinta tiene entre sus productores a Guillermo del Toro (¡latino pawah!), y fue concebida por su director, Jorge R. Gutiérrez, como una trilogía, razón por la cual tendrá una secuela. La historia comienza con unos niños que visitan un museo, donde se les muestra el Libro de la Vida. En él se narra al comienzo cómo la gobernante de la Tierra de los Recordados, Catrina, y el
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de la Tierra de los Recordados, Xibalba, hacen una apuesta con respecto a 2 niños, Manolo y Joaquín, para ver quién se casará con cierta niña llamada María, amiga de los pequeñines. Si Manolo se casa con ella, Xibalba dejará de intervenir en los asuntos humanos, pero si lo hace Joaquín, él y la Catrina intercambiarán reinos. El conflicto girará en torno a la piedra de la vida eterna, arma tramposa bajo la manga de Xibalba, quien se la entrega a Joaquín de modo que este se vuelva todo un hombre que llame la atención de María; pero en sí, la piedra es codiciada por muchos bandidos en los alrededores de San Ángel, el pueblo donde toman lugar los acontecimientos (además de la Tierra de los Recordados y la de los Olvidados).
ANIMACIÓN
Lo que más llama la atención de este filme es su impecable animación, toda una orgía visual de la mano de Jorge R. Gutiérrez. No por nada su estilo es el mismo que el de la serie “El Tigre: las aventuras de Manny Rivera” de Nickelodeon, solo que con gráficos computarizados en 3D. Pero no solo destaca esa similitud, sino también la variada y hermosa combinación de colores que muestran su clímax en la Tierra de los Recordados y en la de los Olvidados. Asimismo, otro aspecto importante a resaltar es la tradición mexicana combatida con ideales posmodernistas, como ser la actitud feminista de María al rechazar uno de los coqueteos de Joaquín, quien se muestra, por
así decirlo, machista en sus intenciones de casamiento con ella, o la vocación artística de Manolo en cuanto a música con su guitarra, negándose a seguir con la tradición torera de su padre. No es de sorprenderse que esta cinta nos dé el mensaje de “a veces combatir la tradición es la mejor opción”, ya que vivimos en una época donde está de moda preferir la “modernización” en vez del “atraso retrógrada medieval de las ideas conservadoras y tradicionales opresoras” (nótese lo ridículo que suena el calificativo). De todos modos, esto no es motivo para despreciar esta obra, sino pequeños detalles interesantes de su mensaje en el contexto del cine como medio de comunicación.
A mi parecer, “El libro de la vida” fue una de las joyas animadas más infravaloradas del 2014, pues, según vi, en varias páginas sobre cine no se la menciona (o casi no), y en vez de ello se suele mencionar exhaustivamente a “La gran aventura Lego” y las 5 que estaban nominadas al Oscar (sin desmerecer lo grandiosas que fueron “Song of the sea” y “Kaguya-hime no Monogatari”). Pero bueno, una nominación al Globo de Oro a mejor película animada es algo, y sí que vale la pena verla, sobre todo si el espectador es latinoamericano, ¡los mexicanos tienen una riqueza cultural envidiable y fenomenal!
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the
killers
por CRISTOBAL JIMENEZ CALVO
Fritz Lang, Michael Curtiz, John Huston y Orson Welles entre muchos más, contribuyeron a la siembra de un género esencial en el Hollywood de los años 40 y 50. Películas como 'El halcón maltés' (1941) y 'El cartero siempre llama dos veces' (1946) por poner unos pequeñísimos ejemplos, muestran entre un buen número de obras maestras, que 'el noir' era capaz de dejar un pozo imborrable en el espectador de entreguerras y posteriormente... 'The Killers' de Robert Siodmak (1946), titulada en España como 'Forajidos' fue uno de los mejores ejemplos de cine encajado en el apartado del género conocido como 'noir' o negro, es decir un cine que utilizaba ciertas similitudes con el expresionismo alemán en sus sombrías maneras, una pizca de cine de terror en su aspecto, alguna misteriosa muerte acompañada de rocambolesca historia, un progresivo descubrimiento de todo el entramado del film mediante flashbacks por parte de algún investigador de turbio pasado y por supuesto, la esencial 'Femme Fatale'. 'Forajidos' de Robert Siodmak es una adaptación del relato corto del 'atormentado' Ernest Hemingway, de su obra 'The Killers' en la que haría su debut el portentoso acróbata convertido en estupendo actor 'Burt Lancaster' con el que Siodmak volvería a colaborar en la genial, aventurera y pirata: 'El temible burlón'. En un breve pero intenso papel, en el que un hombre espera a ser asesinado sin oponer resistencia alguna, Hemingway, en su corto relato inspiró tanto al guionista Anthony Veiller, que este último ideó las razones por las cuales se produce un hecho tan extraño para ser adaptado en 'The Killers' como alargamiento y explicación cinematográfica de la obra literaria del Nobel de literatura. Lancaster en su primera aparición como 'El sueco', curiosamente dejó una profunda huella en el actor Arnold Schwarzenegger, que como puede leerse en su biografía 'Total Recall' ansiaba para empezar su carrera, un papel de la mis-
ma índole que la que tuvo Lancaster en 'The Killers', un papel corto, pero con la intensidad suficiente como para llevar las riendas y peso de toda la trama de la película. A partir de un principio inclasificable y derrotista, la obra de Hemingway es tomada por Siodmak, para imaginar y desarrollar una historia con un investigador que desvela a modo de saltos atrás, revelados por las personas a las que va interrogando, toda la historia salpicada de atracos, mafiosos, fatalistas personajes, engaños y desencuentros amorosos.
Como ya he dicho, toda historia de cine negro tiene que tener la esencial 'Femme Fatale' que aquí está interpretada por una Ava Gardner (la Venus hecha mujer) que atrae e hipnotiza al personaje de Lancaster con su irresistible presencia. La escena en la que 'El Sueco' (Lancaster) ve por primera vez a Gardner, es totalmente reveladora de lo que es una mujer fatal, que llevará por un camino de destrucción a todo aquel que ponga ante sus ojos e intente cortejar a la Venus Morena. ' The Killers' tendría su respectivo remake perpetrado por el director Don Siegel en 1964, que en sus inicios cinematográficos en Hollywood al igual que Robert Siodmak se introducirían en el género de terror (referente en el cine negro) con 'El hijo de Drácula' en el caso de Siodmak y 'La invasión de los ultracuerpos' en la de Siegel. A juicio de los expertos, el 'cine noir' acabó con 'Touch of Evil' de Orson Welles en 1958. A mi juicio el cine negro sigue en funcionamiento, quizá desvirtuado, cambiado y reinterpretado ¿Pero qué género de cine de hoy en día no lo está? Brian de Palma y David Fincher entre otros, sé de buena mano que siguen como referente un cine que puede tomarse con 'The Killers', como ejemplo de 'Noir' en estado puro.
EXTRA/ RESEÑA
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"No hay más que tres formas de tratar con un chantajista, se le paga y se le sigue pagando hasta que se queda uno sin un céntimo, o se llama a la policía y que se haga público el secreto que quería uno guardar o... se le mata" The woman in the window. Director: Fritz Lang.
Ahora soy responsable por ti. Los chinos dicen que una vez que le salvaste la vida a una persona eres responsable por ella para siempre. (Vertigo, Director Alfred Hitchcock)
El blanco y negro en nuestros dĂas
por leonardo mancilla
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EXTRA/ RESEÑA
Un viaje a través del uso del blanco y negro en los últimos 15 años Unos años antes del comienzo de este milenio se ha venido dando un amplio debate en el mundo del cine sobre el futuro de la imagen cinematográfica. ¿El digital reemplazará al análogo? ¿Qué implicaría el cambio del celuloide a la imagen generada por bits? ¿Se le podría seguir definiendo como “cine”? Estas y muchas preguntas se han generado en tal debate. Pero, aunque si ha surgido la preocupación sobre su poco uso en los últimos años, el cine en “Blanco y Negro” sigue tan vivo como los estuvo en su época de oro, los años 50’s, la era del cine negro. El cine es un juego de luces y sombras en imágenes en movimiento. La oscuridad, las siluetas,
las sombras pesadas, el claro-oscuro y el contraluz son algunas de las características de la fotografía de las películas del cine negro y que hoy son heredadas por las películas actuales que se desbancan por el uso del blanco y negro como propuesta estética de su imagen. Aunque la producción anual de películas en blanco y negro en los últimos 15 años es mínima en comparación a la producción en su era de oro, son algunos de los mejores guiones de nuestra era los que son realizados en blanco y negro. Muchas son las herederas del cine Noir. Desde “El hombre que nunca estuvo allí” (The Man Who Wasn’t There, 2001) en la que los hermanos Coen junto con su principal colaborador, su director de fotografía habitual Roger Deakins, dan la bienvenida
Ida de Pawel Pawlikowsky fue ganadora del Oscar a mejor película extranjera
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El blanco y negro en el cine es, actualmente, parte de una forma de expresión que nos vincula con de una manera más profunda; El abrazo de la serpiente nos muestra una sociedad olvidad en la Colombia actual: el mundo indígena
al nuevo milenio con esta comedia negra y obvio homenaje a las películas del cine negro, presentando la historia de un barbero de la California de 1949 en busca de un cambio de vida. Hasta la más reciente, hipnótica y contemplativa ganadora este año del Oscar a mejor película extranjera, la polaca “Ida” de Pawel Pawlikowsky, sobre una joven novicia que descubre un secreto familiar y hace un viaje para descubrirse a sí misma, en la que la imagen vuelve a la relación de aspecto inicial del cine (El 4:3) con planos de larga duración, casi todos generales y con extraña
Los hermanos Coen dan la bienvenida al nuevo milenio con The Man Who Wasn’t There obvio homenaje a las películas del cine negro
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composición. El blanco y negro sigue innovando la manera de crear imágenes cinematográficas cuya función es la de contar historias. Del cine de nuestros días, la ganadora del Oscar a mejor película del 2011 “El Artista” (The Artist) de Michel Hazanavicius, cuenta un drama inspirado en la desaparición del sonido, empleando una pulcra fotografía en blanco y negro que respeta la gramática empleada en la era del cine mudo.
Usado también para contar la historia de un país y la generación de la violencia, como vemos en “La Cinta Blanca” (Das Weiße Band, 2009) en la que Michael Haneke explora los comienzos del nazismo en la generación de jóvenes alemanes durante la primera guerra mundial, o como en “Armonías De Werckmeister” de Béla Tarr (Quien en sus etapa madura solo filmó en blanco y negro) cuya trama sigue la llegada de un circo con dos atractivos extraños a un pueblo de Hungría y muestra la generación
EXTRA/ RESEÑA de la violencia que llevó al poder al comunismo en este país. Estas dos películas son ejemplos de cómo la imagen en blanco y negro nos lleva a evocar una época en la historia con consecuencias para el futuro. Más recientemente, en Latinoamérica, sobretodo en Colombia, país que está viviendo un auge en la producción de cine, este año se han estrenado dos películas en blanco y negro. “El Abrazo De La Serpiente” de Ciro Guerra, actual ganadora de la quincena de realizadores de Cannes y “Ella” de Libia Stella Gómez. Ambas películas nos invitan a dar un vistazo a contextos olvidados de la sociedad colombiana: Las historias y tradiciones de las culturas indígenas y los dramas de la gente de los barrios periféricos. En “El Abrazo De La Serpiente” se usa el blanco y negro como un vínculo de la película y las fotografías de Richard Evans Schultes y Theodor Koch-Grunberg, los primeros exploradores del Amazonas colombiano y en quienes se basa la película. En el caso de “Ella”, el blanco y negro es usado para describir el contexto del personaje. Dos ejemplos de cómo las pequeñas filmografías de nuestro continente también están usando un formato que resulta tan poco comercial como es el blanco y negro.
La cinta blanca, de Michael Haneke
Ella de Libia Stella Gómez, otra película colombiana que recrea la atmósfera de los barrios periféricos por medio del monocromo
A al paso de los años se seguirán produciendo, aunque en menor cantidad, películas que usen el blanco y negro para generar emociones y contar historias, algunas de ellas herederas del cine negro de los 40’s y 50’s. Mal no se dice que todo director y director de fotografía al menos una vez en su carrera debe tomar la cámara para contar una historia en blanco y negro, este juego de luces y sombras suele ser más audaz y sutil cuando maneja la escala de grises. La más significativa obra de la decada en blando y negro es la ganadora al Oscar del 2011 The Artist su fotografía es una evocación al cine mudo en Hollywood
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crédi t Dirección: Eileen Gamboa Redacción: Edición y corrección:
José Bueno/aarón mariscal/
raul flores creACIÓN DE CONTENIDO:
césar quintana /eduardo vázquez Artículos: eduardo Vázquez Desde Adentro: Leonardo Mancilla del cine a la realidad : aarón mariscal Zona Terror: David Gomez / eVELYN PEREA animación: aarón mariscal/ Katherin Dueñas Diseño: Katherin Dueñas./ruth Pérez 7+1: algo mas que cine :
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