revista
Woody Allen DESDE ADENTRO/
EFECTOS VISUALES
Y ESPECIALES ANIMACIÓN/
ESPECIAL: MONONOKE HIME
AGOSTO 2014 / ED. 9
ยกgracias!
De la necesidad del hombre por expresarse y comunicar sus ideas nació el arte. -¡GRACIAS! Todo comenzó con un deseo que palpitaba con fuerza, una necesidad de compartir herramientas y detalles útiles sobre cine a todas aquellas personas que anhelan conocer más, informarse, estudiar e incluso desarrollar y crear. Para ésas personas que no se conforman con lo que ven y lo que escuchan, sino que siente el deseo de examinar minuciosamente el cine como arte, más allá de las fronteras del entretenimiento, más allá de devorar películas, ésa gente que saborea una buena fotografía y siente en su alma la intensidad de una buena composición musical o una historia bien elaborada, así fue como nació Zona7. Con pocos recursos humanos logramos recolectar unas cuantas historias pero eso si, como siempre nos han caracterizado: originales, informativas, con gran riqueza de contenido y diferentes a las que se pueden encontrar en cualquier página de cine. Así nuestra primera edición fue publicada, muy primitiva y totalmente experimental, sin embargo, el público la recibió, la acogió con cariño y valoró su contenido. Para la segunda edición el equipo ya había crecido, comenzó a incorporarse gente deseosa de expresar su conocimiento en los distintos temas, gente que hoy en día continúa siendo parte de éste maravilloso proyecto y algunos que por distintos motivos se han apartado pero que su apoyo continua vivo. He decidido dedicar esta editorial a dos partes vitales de nuestro desarrollo.
EDITORIAL
Al equipo: Porque han amado el proyecto y han perseverado fieles a la visión y confianza que les fue depositada en sus manos, porque han invertido gran parte de su valioso tiempo en crear contenido cada vez mejorado para compartirlo sin guardarse nada, sin egoísmo, han compartido incluso información que les costó meses de esfuerzo aprender en una universidad, todo han entregado, sin reservas, sin condiciones. A los lectores: Porque son nuestro motivo, nuestra meta. Son el fin por el que trabajamos, porque nos satisfacemos al saber que una sola persona aprecia nuestro material, que les entregamos con amor, excelencia y alegría. Porque han respondido maravillosamente y con gratitud ante nuestros esfuerzos, disfrutando tanto como nosotros de cada página, en cada edición. Zona7 se ha convertido en una gran fuente de conocimiento para el que desea aprender, y de apoyo para aquél que de alguna forma se encuentra relacionado con el trabajo en el cine, pero nada de esto sería posible sin éste complemento perfecto que nos pone en marcha, es por eso que dedico ésta editorial a ustedes y les motivo para seguir creciendo todos de la mano, apoyándonos por ése interés en común, por ésa pasión que vive y crece dentro de nosotros por el cine y por el arte en general. ¡Gracias! Y vamos por más. Eileen Gamboa Navarro. Directora Editorial www.revistazona7.com zona7.revista@gmail.com
CONTENIDO DESDE ADENTRO/ efectos visuales y especiales: 6 de la imaginación a la creación BIO 7/ woody allen 12 UN VISTAZO A SU FILMOGRfía 16 ZONA TERROR/ big bad wolves 20 DETRÁS DE HÉROE/ ¡santas composiciones batman! 22
CINE ASIÁTICO-ORIENTAL/ ermo 24 MÚSICA EN EL CINE/ match point 26 ANIMACIÓN/ especial: mononoke hime 28
EXTRAS allen: la llave de un genio 18 v/h/s: viral 38
sobre nosotros Somos una revista mensual, que tiene como fin exclusivo, la difusión de información útil y práctica sobre el cine, dirigida especialmente a ésas personas amantes del séptimo arte con deseo de aprender más, de una manera práctica y de fácil comprensión. Aprovechando las plataformas web y las redes sociales traemos hasta usted una revista gratuita y de fácil acceso, sin dejar de lado la excelencia en cada detalle. Nuestro equipo cuenta con personas de diferentes paises de Latinoamérica, entre ellos Perú, Colombia, México, Bolivia, Costa Rica, Argentina y Uruguay.
Bienvenido a nuestra zona, la zona del cine.
DESDE ADENTRO
Los efectos visuales terminan por complementar a la caracterización y la diégesis de la película que ha sido construida por el departamento de arte. Arte los diseña, los creadores de efectos visuales en conjunto de técnicos de efectos especiales los complementa.
Habiendo terminado con la totalidad del departamento de arte. Continuaremos nuestro recorrido por los departamentos cuya misión es la creación correcta de la imagen de una película. Y para comprender correctamente cómo se diseña y se crea el universo de la película, todas las cosas que vemos que hacen parte de él, en esta oportunidad nos desarrollaremos en el departamento que trabaja conjuntamente con el de arte para complementar todo lo que construye el universo diegético. El departamento de creación de efectos visuales. Cuando terminemos con este departamento continuaremos con el departamento que pinta con luz al universo diegético, el de fotografía, y con ello habremos terminado con los departamentos que intervienen en la creación de la imagen. 6
REVISTA ZONA 7
efectos visuales y especiales: de la imaginación a la creación En una breve introducción a este departamento: Los efectos visuales son entendidos como un conjunto de técnicas que crean una ambientación y unas atmosferas que por problemas de producción no son posibles de obtener. Entiéndase problemas de producción como problemas aquejados desde el guion (algún decorado, ambiente o lugar descrito en el guion, y muy difícil de obtener por su complejidad e irrealidad en nuestra realidad) o problemas con el presupuesto (ejemplo: un gran ejército en una película que no tiene para pagar extras). Los efectos especiales son otro conjunto de técnicas altamente tecnológicas cuya misión es construir un suceso extraordinario no posible en la producción (explosiones, choques
de autos, desplomes de edificios, etc.) La gran mayoría de los efectos especiales son creados en post-producción y hoy en día se crean mediante técnicas digitales. Durante la producción los únicos efectos especiales que se hacen son los efectos mecánicos, los cuales parten de tecnologías mecánicas, electrónicas o mecatrónicas para su realización. Ejemplos claros de efectos especiales mecánicos son las explosiones que se realizan en set de manera controlada (y no digitalmente en post-producción), también escenografías complejas que se mueven o se destruyen y pirotécnica en set se crean de esta manera, y los efectos de movimiento de maquetas por medio de robots llamados animatrónicos también cuentan como efectos mecánicos especies.
Uno de los animatrónicos más famosos de la historia del cine . El T-Rex de Jurassic park
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DESDE ADENTRO
Explosiones logradas mediante efectos especiales mecánicos, en este caso de pirotecnia, logrados en set y no en post-producción. Los efectos de sonido (mezcla y montaje) son realizados en post-producción. Los efectos visuales también son llamados efectos ópticos o fotográficos, ya que dependen del departamento de fotografía en el set para que se vean reales. En su mayoría son maquetas que dependen del trabajo de óptica y de los movimientos de cámara para que se les vea reales. Hay cinco tipos de efectos especiales: los efectos mecánicos (de los que ya hablamos y que son realizados en set), los efectos especiales de maquillaje (de los que hablamos en nuestra pasada edición y que también son realizados en set), los efectos de sonido que hoy en día son realizados en su totalidad en la post-producción sonora, y los efectos digitales realizados en software especializados en su creación y en post-producción. Explosiones logradas mediante efectos especiales mecánicos, en este caso de pirotecnia, logrados en set y no en post-producción. Los efectos de sonido (mezcla y montaje) son realizados en post-producción. La relación entre efectos visuales y especiales es imprescindible. No se pueden determinar qué efectos especiales se van a realizar sin antes tener los diseños de arte concretados. Durante la pre-producción el director de arte en conjunto con el diseñador de producción realizan los diseños de arte y decoración de set, ellos hacen un 8
estudio que determinará, dependiendo de la producción, el presupuesto destinado al departamento y que es posible hacer desde el departamento de arte. Lo que no sea posible de hacer se construirá con un creador de efectos visuales que en conjunto con el director de arte harán diseños de tales efectos visuales, y el diseñador de producción será quien escoja que diseños y de qué manera se crearán esos efectos visuales. Si según lo que ha determinado el diseñador de producción es posible realizar efectos visuales y fotográficos en set, el director de arte y el diseñador de efectos visuales se unirán con el director de fotografía para hacer realidad esto. Si el diseñador de producción determina que se debe hacer efectos visuales construidos con efectos especiales. El creador de efectos visuales trabajará en conjunto con un técnico o ingeniero mecánico (en caso de que sean mecánicos) o con un diseñador de efectos especiales digitales (un creador de softwares y experto en animación digital) para terminar de dar vida al universo diegético (a todo lo que fue determinado para ser creado con efectos visuales construidos por efectos especiales).
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Un poco de historia: El primer creador de efectos visuales fue el gran pionero del cine como una forma de magia. El francés George Méliès. Cuando Méliès encontró en el cinematógrafo una forma de crear magia lo hizo mediante una pequeña exploración que hizo en dos procesos, la fotografía y el montaje. Para que él concretara la invención del primer efecto visual que se creó comprendió de qué manera operaba el cinematógrafo. Comprendió que podía cortar un pedazo del material filmado después de revelada la película y así simular que algo se desapareció en escena. A eso se le nombraría corte sobre acción y le permitió a Méliès maravillar con sus cortometrajes como si se tratara de un truco de magia. Además, él sería partidario de un efecto visual que sería la primicia de una corriente de animación conocida como el stop motion, también de efectos de montaje como la pixilación. Después de Méliès, la gran mayoría de los efectos visuales se hacían a través de efectos de montaje que se fueron concibiendo gracias a una serie de cineastas que incurrieron en esta práctica, tales como Dziga Vertov, Lev Kuleshov y Sergei Einsestein y muchos otros pioneros del montaje cinematográfico. Pero ante la necesidad del naciente cine de alta industria en Hollywood de narrar historias épicas sin excederse en gastos, los directores de arte de superproducciones mudas como Ben-Hur de 1922 y otras épicas se idearon en conjunto con los directores de fotografía técnicas por las cuales mediante la óptica y otros efectos fotográficos se pudiese trabajar un gran set hecho en una maqueta a escala 10.000 más pequeño en la que la cámara filmara y luego en el revelado de la película se compaginaba con el material grabado de los actores. Esta técnica se mantendrá a través del tiempo dando resultado a increíbles obras cinematografías de todos los géneros y estilos, tanto en Hollywood como en Europa. Entre ellas la que llevaría a la técnica de la
George Méliès en la desaparición del sombrero (1903)
Maquetas usadas en producción de industria durante la época de oro de Hollywood (1920-1939)
maqueta a un nivel nunca antes imaginado por ser la más grande historia épica espacial nunca antes creada (hasta su momento) y cuyos decorados eran imposibles fue Star Wars IV: The New hope (1977) en la que su director, George Lucas, tuvo la visión de uno de los universos diegéticos mejor diseñados de la historia del cine y que fue posible por un gran trabajo de efectos especiales de maqueta. Esta técnica aun es usada hoy día, pero ha tendido a la desaparición desde el desarrollo de software que ha permitido la creación del set digitalmente, aunque la primera película realizada casi enteramente por ordenador seria casi una total decepción hasta el punto de casi frustrar el intento de innovar en el ámbito de los efectos especiales digitales. 9
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Utilización de pantalla cromática o croma en Superman (2006)
George Lucas con las miles de maquetas usadas para la creación de efectos especiales de Star War IV en 1977.
Tron (1982) fue estrenada por Disney y las críticas que la tildaban de regular no solo le llegarían por su historia, sino por sus efectos especiales digitales que fueron llamados poco desarrollados. A pesar de ello muchos estudios en colaboración con empresas diseñadoras de softwares vieron futuro en los efectos especiales digitales y decidieron darse tiempo para desarrollarlos mejor, entre ellos estuvo la Disney. En 1991 james Cameron, quien en 1989 había dirigido The Abbys, traería Terminator 2, que a diferencia de la primera parte, traería efectos digitales bastante desarrollados, los cuales ya había comenzado a desarrollar en The Abbys. Este sería el principio de los efectos digitales de animación. 10
REVISTA ZONA 7 En 1995 Disney traería una película animada cuya técnica de animación sorprendió. Toy Story no solo sería el comienzo de la técnica de animación digital 3D, también significaría el comienzo de los efectos digitales de animación para cine de ficción. Esta técnica de animación ya había sido usada antes pero en esta película se perfeccionó y permitió que en la década y en nuestro tiempo la mayoría de los efectos digitales se desarrollasen basados en diseños animados. Toy Story (1995) primera película animada en Digital 3D, precursora de los efectos digitales de animación en el cine actual.
Hoy día, la mayoría de los efectos especiales son trabajados desde la técnica de la animación y captura de movimiento, también se da la creación de ilusión computarizada que utiliza pantallas cromáticas o cromas de colores poco comunes en la naturaleza, y que no creen un choque de luces para generar en post-producción la puesta del set. Hasta aquí una introducción a los efectos visuales y especiales.
Efectos visuales especiales digitales, solo los actores hacen parte de la filmación, al material filmado se le adhieren los efectos digitales en la post-producción.
Muestra del proceso de animación 3D usando captura de movimiento usada en "dawn of the planet of the apes" con la colaboración del actor Andy Serkis
En el próximo artículo hablaremos de la creación de los efectos especiales digitales, haciendo énfasis en los de animación, también sobre el diseño de los efectos visuales y su trabajo en el set. 11
BIO 7/ WOODY ALLEN Un prolífico escritor y director, Allen apareció a menudo en sus propias obras de teatro y películas, entre ellas “¿Qué hay de nuevo, Pussycat?” en 1965 y su primera obra de teatro, “No te bebas el agua”, en Broadway el año siguiente hizo su debut como director en 1966. Allen Stewart Konigsberg: Nace el 1 de diciembre de 1935 en Brooklyn, Nueva York. Conocido como “Woody Allen” éste actor, director y guionista cambió legalmente su nombre a Heywood Allen cuando tenía 17 años de edad. Viniendo de una familia de clase media judía Allen comenzó escribir monólogos y a realizar comedia stand-up cuando aún estaba en la escuela secundaria. Su temprana vida de turbulencias en los apartamentos más pequeños en última instancia, le dará años de forraje para lo que se convertiría en una carrera prolífica y galardonada en el cine y la escritura de guiones. También le daría una intensa necesidad de soledad en el futuro. Los padres de Allen eran inmigrantes judíos de segunda generación. Su padre, Martin, trabajó como vendedor y grabador de joyería, taxista y camarero, e incluso encontró trabajo como un salvavidas de la piscina y la casa de apuestas. La condición de Martin a rebotar de un trabajo a otro era hasta cierto punto transmitido a su hijo, quien, a pesar de hacer una mejor vida que su padre, heredaría la misma pasión por los viajes al saltar de un proyecto a la siguiente, cuando se aburrió. Su madre, Nettie, tenía muy poca paciencia con su hijo pelirrojo, y, thusly, gritaría con frecuencia en y pegarle. Su hermana, Letty, nació en 1943. Allen asistió a la Universidad de Nueva York en 1953, tomó con prontitud un curso de producción cinematográfica. Desalentado, él abandonó la escuela y pronto comenzó a escribir para la televisión. Su trabajo le valió una nominación al premio Emmy, pero Allen se aburría y pronto probó suerte en la comedia standup, cada vez más popular en el circuito de clubes de comedia de la ciudad de Nueva York. Su personaje cómico era el de un largo sufrimiento "nebbish"-una personalidad que él se aferró a lo largo de los años. Su carrera comenzó realmente a volar con “Toma el dinero y corre”, seguido de “Bananas” (1971), “Todo lo que usted siempre quiso saber sobre el sexo (pero nunca se atrevió a preguntar)” (1972), “Sueños de un seductor” (1972) y “Sleeper” (1973). A lo largo de su carrera, Allen escribió piezas cortas en prosa de buen humor, muchos de los cuales fueron publicados originalmente en la revista “The New Yorker”. 12
Logros en su Carrera
Avance la carrera de Allen llegó en 1977 con “Annie Hall”, protagonizada por Diane Keaton, con quien Allen convirtió en una relación sentimental. Él protagonizó, dirigió y co-escribió la película con Marshall Brickman, y pasó a ganar cuatro premios de la Academia, incluyendo mejor película, mejor director y mejor guion. “Manhattan”, lanzado en 1979, fue su homenaje a su querida ciudad de Nueva York, un escenario de muchas de sus películas futuras. Durante las próximas dos décadas, Allen producía en su mayoría éxitos y algunos fallos, y una combinación de comedia y el drama, entre ellos “ La comedia sexual de una noche de verano” -la primera de las películas de Allen para protagonizar su nuevo amor, Mia Farrow. En 1986, “Hannah y sus hermanas” ganaron Allen su segundo Oscar (mejor guion original) y rompió récords de taquilla, ganando $ 18 millones. Él y Farrow mantuvieron una relación durante este período, pero nunca se casaron. Tenían un hijo biológico juntos, un hijo llamado Satchel (ahora Ronan) en 1987 y adoptó otros dos hijos, una hija llamada Dylan y un hijo llamado Moisés
Woody Allen
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BIO 7/ WOODY ALLEN
Por la década de 1990, Allen estaba ignorando Hollywood en su mayor parte, la producción de películas de bajo presupuesto que incluía “Maridos y mujeres”, “Balas sobre Broadway”, “Poderosa Afrodita” y “Acordes y desacuerdos”.
El 'Escandalo'
En el mayor escándalo de su carrera: Allen llegó a los titulares en 1992 por casarse con su entonces novia la hija adoptiva de Mia Farrow, Soon-Yi Previn, que marca el inicio de una polémica batalla por la custodia de dos años. Farrow finalmente ganó la custodia exclusiva de sus hijos, y Allen fue condenado a pagar $ 3 millones a Farrow. "¿Cuál fue el escándalo?" Allen dijo a Reuters en una entrevista. "Me enamoré de esta chica, se casó con ella... pero la gente se refiere a ella todo el tiempo como un escándalo, y me gusta eso de una manera, porque me gustaría decir que he tenido un jugoso escándalo verdadero en mi vida”. Allen se convirtió en el tema de otro escándalo en relación con Dylan Farrow. Allen fue acusado de abusar sexualmente de Dylan cuando tenía 7 años de edad. El asalto sexual supuestamente ocurrió durante el juicio de tuición entre Allen y Mia después de su romance con Previn. Se retiraron los cargos después de una investigación dio resultados concluyentes. A principios de 2014, casi 20 años después del supuesto asalto, Dylan Farrow escribió en el blog de Nicholas Kristof, que detalla el asalto y llevarlo de nuevo a la atención de los medios de comunicación. Allen ya ha negado vehementemente las acusacion es. Allen y Soon-Yi, que se casó en 1997, adoptó dos hijas: Bechet y Manzie Tio. 14
Más tarde su carrera
Allen comenzó el nuevo milenio con una serie de comedias y críticas mixtas, incluyendo “Match Point” en 2005, “Vicky Cristina Barcelona” en 2008 y en la comedia romántica “Medianoche en París” en 2011, por la que ganó el Oscar 2012 al mejor guion original. “A Roma con Amor”, una comedia episódica que contó con un reparto internacional, marcó su primer papel en la pantalla en seis años. Dos años más tarde, Allen fue nominado para un Premio de la Academia en la categoría de mejor guion original para la película de “Blue Jasmine” (2013). En octubre de 2013, la ex de Allen, Mia Farrow, llegó a los titulares después de haber declarado en una entrevista con la revista Vanity Fair que Sinatra podría ser el padre de su hijo de 25 años de edad, su hijo, Ronan, que es hijo biológico oficial de Farrow con Allen. Asimismo, durante la entrevista, ella llamó a Sinatra al amor de su vida, diciendo: "En realidad, nunca nos separamos." En respuesta a los rumores que rodean los comentarios de su madre, Ronan en broma twitteó: "Escucha, somos todos * posiblemente * hijo de Frank Sinatra".
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TOP 7 PELÍCULAS DE WOODY ALLEN 1. “manhattan” 2. Crimes and misdremeanors
1979
1989
5. aninie hall 1997
3. “hannah and her sisters 1986 6. take the money and run 1969 7. cassandra's dream 2007 4. matchpoint 2005 15
BIO 7/WOODY ALLEN
En el dos mil y tanto, un día lluvioso saliendo de no recuerdo donde, me topé con un señor que vendía películas en un puestito improvisado. Me detuve un momento a observar que cosas lindas podía albergar este inesperado lugar, cuando de pronto me percaté que había un título que deseaba comprar hace tiempo, busqué dinero en mi mochila y encontré unas monedas; así que compré el DVD. Luego llegué a casa, puse el DVD en el reproductor y entonces apareció un hombrecito con unos simpáticos lentes, llevaba una camisita a cuadros y hablaba con una muletilla muy particular. Recuerdo que improvisó dos chistes a modo de pequeñas historias y ambos me hicieron sonreír. Al cabo de una hora y media apagué el reproductor, entré a la red y marqué en el buscador: “Filmografía completa de Woody Allen”. Luego de repasar entre tantos títulos, opté por comenzar por el principio.
Comedias. De esta primera etapa puedo rescatar dos películas que particularmente me gustaron por encima del resto: Sleeper (1973), que básicamente es un retrato orwelliano de la realidad futura; y Love and Death (1975), donde podemos encontrar las primeras huellas de lo que a futuro sería la marca imborrable de Woody Allen. Romance. Annie Hall (1977), Manhattan (1979) e Interiors (1978) son probablemente los mejores trabajos de Allen mientras compartió cámaras con Diane Keaton. Y no es un secreto que Annie Hall sería una radiografía de los último meses de la relación del director y la actriz. Con el correr de los años, esto no sería algo atípico, pues su carrera está plagada de proyecciones, datos biográficos y demás cosas por el estilo. Con Mia Farrow, Woody Allen llegaría a la cúspide de su creación cinematográfica. Pequeñas delicias como Zelig (1983), un documental falso sobre las camaleónicas habilidades de un singular personaje, o The Purple rose of Cairo (1985), una comedia real-fantástica con un final crudo pero necesario, son parte de sus mejores producciones. Pero las que resaltan por encima de cualquiera de sus películas - ya sean pasadas o futuras – son: Crimes and misdemeanors (1989), Hannah and her sisters (1986) y Husbands and Wives (1992). La primera es un doble drama, mientras que la segunda y la tercera son relatos de la vida misma, salpicados con momentos cómicos y dramáticos.
Un vistazo a su filmografía
ANNIE HALL (1977) 16
MANHATTAN (1979)
THE PURPLE ROSE OF CAIRO (1985)
HANNAH AND HER SISTERS (1986)
REVISTA ZONA 7 Woody Allen fue un gusto que inicié hace algunos años, y no lo niego, siempre he disfrutado de sus películas, de sus guiones y por supuesto de su música, pero lamentablemente mi pasión hacia su cine no ha logrado prosperar como hubiera querido. Comenzando los noventas, y ya alejado completamente de Mia Farrow, Allen mantendría su peculiar cometido, hacer una película por año. Quizás Bullets over Broadway (1994) y Deconstructing Harry (1997) sean lo más representativo de ésta época un tanto arisca para el director. No puedo abandonar este párrafo sin mencionar Sweet and Lowdown (1999), que no es más que un gusto personal. Los dos mil llegaron hace catorce años, y la carrera fílmica de Woody Allen ha sufrido muchos altibajos, por ejemplo, Match Point (2005) -con una Scarlett Johannson que está más buena que la campaña de Costa Rica en el pasado mundial- sería enaltecida por la crítica, y aunque los elogios no llegarían de nuevo hasta Midnight in Paris (2011) o la reciente Blue Jazmine (2013), creo que Cassandra´s Dream (2007) fue la gran olvidada de este periodo.
CRIMES AND MISDEMEANORS (1986)
DECOSTRUCTING HARRY (1997)
MATCH POINT (2005)
MIDNIGHT IN PARIS (2011) 17
EXTRA/
Por Cristóbal Jiménez Si en este instante me propusiera a mí mismo decir todas las palabras que me suscita el escuchar el nombre de Woody Allen, estoy seguro que la mayoría de ellas estarían ligadas a la esquizofrenia, la claustrofobia, las manías, el sexo, el existencialismo, el clarinete y por supuesto su distinguido aporte a la cultura más intelectual en el Cine. Solo hay que ver al 'diminuto Woody' en sus conciertos privados (por los que es capaz de ausentarse en la gala de los Oscar) tocando su amado instrumento, 'el clarinete', girando melódicamente su cuello, con los ojos cerrados y soplando con las fuerzas de su 'musa musical' para ver que es alguien fuera de lo común. Su Cine ha dado a actores y actrices bajo su mando la capacidad de ahondar en sus personalidades, sacándoles lo mejor de sí mismos: Véase a actrices de la talla de Mia Farrow, Diane Keaton, Dianne Wiest, Mira Sorvino, Scarlett Johansson, Penélope Cruz y Cate Blanchett entre otras muchas, que se deshacen en elogios hacia el director de 'Bananas'. Los actores tampoco se quedan atrás, e infinidad de premios alaban el carácter de 'Woody' para encumbrar y engrandecer con sus guiones y dirección la carrera de intérpretes tales como: Michael Caine, Sean Penn, Jeff Daniels, Leonardo Di Caprio, Kenneth Branagh, Alec Baldwin, Javier Bardem, Billy Cristal y más... Es posible que la vida personal de Woody Allen esté plagada de escándalos, pero yo, alejando 18
toda la farándula de la prensa sensacionalista de Hollywood sobre las estrellas de cine que tan bien supo reflejar 'el complicado clarinetista gafoso' en Celebrity (1998), me dedicaré a enumerar algunos de los parabienes cinematográficos que nos ha regalado 'Allen'. El sexo, la vida, la muerte, bajo la complicada introspectiva del director de Desmontando a Harry nos ha dado obras maestras del calibre de: Días de Radio, La Rosa Púrpura del Cairo, Midnight in Paris (Para mí su obra maestra en la década del nuevo milenio junto a Match Point), Poderosa Afrodita, Maridos y Mujeres, Delitos y Faltas y cómo no, la considerada como una de las mejores comedias de la historia del cine Annie Hall...Y la lista continúa... A modo de curiosidad me encantó que el director nacido en Brooklyn en 1935 eligiera como avatar a una hormiga en la divertidísima y nada infantil Antz (Hormigaz) para su debut en el doblaje de animación y como reencarnación del comediante Larry David en Whatever Works (si la cosa funciona). Un cineasta que nos ha mostrado un New York bajo diferentes e interesantes puntos de vista antes de 'irse de vacaciones por Europa' y hacernos de guía en ciudades como Roma, Londres, París y Barcelona... 'Allen', la llave de un genio que abre cerraduras turísticas y emocionales.
'ALL
ilustración por Mat Pringle
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LEN': LA LLAVE
DEL GENIO Es posible que la vida personal de Woody Allen esté plagada de escándalos, pero yo, alejando toda la farándula de la prensa sensacionalista de Hollywood sobre las estrellas de cine que tan bien supo reflejar 'el complicado clarinetista gafoso' en Celebrity (1998), me dedicaré a enumerar algunos de los parabienes cinematográficos que nos ha regalado 'Allen
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ZONA TERROR
La cinta te hace reflexionar sobre las personas que nos rodean, lobos con piel de cordero. ¿Hasta dónde llegarías para obtener algo? ¿Tus propósitos son justos? ¿Acaso aquél director de cine no es un pedófilo? Bueno, esta edición (sin motivo particular alguno), zona terror, les trae esta película dotada de un excelente humor negro y cuya trama gira alrededor de un pedófilo. Pero a ver, ¿Por dónde empezar? La trama comienza con un asesinato, para no informar más, veremos la peor pesadilla de un padre hecho realidad. Bueno, primero, primero…la atmósfera está bien lograda, el tono cómico de la película es innegable, comenzando desde la búsqueda del asesino, hasta el final (de aquellos que son esperados, mas no predecibles). Nuestro sospechoso en turno es un inocente maestro que de principio a fin clama inocencia, lo que nos pone en una difícil situación ¿Realmente será el hombre que nuestros lobos están buscando? ¿O es un cordero que los lobos sacrifican en su búsqueda de sangre? Y… ¡Comienza nuestra carrera por la venganza!, queridos lectores hagan sus apuestas. ¿Quién encontrará al pedófilo-asesino? El policía cuyos motivos no son los más puros ¿O el padre de familia dolido?... Los motivos de estos personajes son tan distintos (es decir, persiguen el mismo objetivo), pero tan distintos que el contraste entre ellos funciona de igual forma cómo elemento cómico. Personajes inesperados se unen a la trama…Vamos, tenemos a una gama de personajes con motivaciones distintas…Un culpable, del que (válgame) se duda de su culpabilidad y clama su inocencia; humor, y su dosis de gore con terror psicológico; críticas a Israel y a todos los sistemas policiales del mundo. ¡Tenemos el thriller perfecto! 20
En los aspectos técnicos tenemos un soundtrack digno de mencionar, es muy acertado, la aparición musical no es muy forzada. El tono cómico no afecta en nada al ritmo de la película, mucho menos en los tintes dramáticos de los que un thriller no se puede deslindar. Es decir, la película logra que el espectador se ría de cosas que no tienen ni una pizca de gracia (lo que particularmente me perturbó, debido a la risa que ocasionó es cuándo se menciona a la tortura a prisioneros que el ejército israelí practica), se ríe de las desgracias de los personajes durante todo el metraje; es un humor más que negro, malvado. El reparto es excelente, ningún personaje falta o sobra. Ahora que he engalanado a más no poder esta película, viene la parte mala. Anteriormente he hablado del ritmo, y es que en serio, esa parte cómica no afecta en nada al desarrollo de la cinta, pero no he dicho que el ritmo de la película sea lo mejor, ni el más indicado. De hecho al inicio es muy lenta, el desarrollo se puede tornar inclusive hasta tedioso debido a esto. El final también resulta algo precipitado. Aun así la recomendación sigue vigente, acercarse a ver Big Bad Wolves lo antes posible.
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DETRÁS DEL HÉROE
¡SANTAS COMPOSIC
LA MÚSICA DE BATMAN Un buen soundtrack es aquel que asiste en la narrativa fílmica y potencia la semántica de las imágenes en una película. Un gran soundtrack es aquel que puede escucharse sin necesidad de ver la película para lo que fue creado por su complejidad, da el salto a las salas de conciertos, la radio, los ringtones y la memoria colectiva. Por motivo del 75 aniversario del hombre murciélago hablaremos de la música en películas y en televisión de Batman. Hollywood apostó por un buen sonido emblemático a la altura de su inversión. Sus compositores de talla, obedientes a la interpretación artística, como Danny Elfman, con una orquesta sinfónica convencional que juega habitualmente, inventor de melodías y un orquestador con la tragicomedia de tono muy gótico con Batman y Batman regresa de Tim Burton, lo cual en 1993 Warner Bros. lanza Batman la serie animada basada en los filmes de Burton; su compositor Christopher Karter utilizó los mismos elementos música muy misteriosa que Danyy Elfman, pero no fue hasta 1999 cuando 22
Karter cambia estos elementos con algo mas electrónico y algo de riffs de guitarra con el socre de Batman de futuro junto con Lolita Ritmans, quien compuso el score utilizado en la serie del 2004 del hombre murciélago The Batman con música muy acorde con las frecuencias de escenas, la serie terminó en 2008, el mismo año que se estrenó por Cartoon Network la exitosa serie Batman the brave and the bold, conocida para América Latina como Batman el valiente, con los mismos compositores (Christopher karter y Lolita Ritmans) y un nuevo integrante, Michael McCuistion, quien le metió elementos de jazz para la serie, que era como la versión animada de Batman y Robin de 1966, que se ha convertido en serie de culto, también su música es memorable. Pero volviendo al cine en 1994 con el Batman noventero. las dos peores cintas del hombre murciélago tuvo como compositor a cargo a Eliot Goldnthal, quien metió rock en el soundtrack de Batman eternamente y Batman y Robin; colaboraron artistas como U2, The Smashing Pumpkins y Seal, este último logró éxito con el tema “Kises from a rose”, un éxito que difícilmente pudo superar en algo, sin duda como la música y las dos películas fácil de olvidar. Mientras que Hans Zimmer y Howard James Newton, con medios, percusiones, diversas y sintetizado, hicieron la atmosfera sombría y trágica del Batman tornado en antihéroe que nos presentó Christopher Nolan con su trilogía de El Caballero de la Noche.n tornado en antihéroe que nos presentó Christopher Nolan con su trilogía de El Caballero de la Noche.
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CIONES BATMAN!
batman
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CINE ASIÁTICO ORIENTAL
Ermo
Cada vez que veo esta película me brillan los ojos, ya que es una de las primeras películas orientales que vi en mi vida y que me despertaron el gusto hacia las películas orientales. Con Ermo no vas a llorar aunque no niego que sea una película con drama, pero si te pondrán a reflexionar algunas situaciones. Ermo; es una joven señora luchadora por su familia y único sostén del hogar, vive con su esposo e hijo, vendedora de tallarines trenzados anunciándolos con un peculiar canto, que hará todo lo posible (y casi lo imposible) para comprar una televisión a su hijo llamado “Tigre”, aunque no es un televisor cualquiera, es el más grande del pueblo y según algunos nadie lo comprará debido a su altísimo costo. ¿Acaso Ermo logrará recaudar el suficiente dinero para adquirir dicho electrodoméstico? En apariencia, Ermo lo hace para darle un enorme gusto a su hijo realizando diversos sacrificios pero, ¿realmente lo hace por su hijo o lo hace para alimentar su propio ego?, aunque aquí hay algo importante que no he mencionado, Ermo y su familia vive en una comunidad muy pobre en China, donde impera la ignorancia. Ermo es la protagonista de nuestro filme pero hablemos también un poco de otros personajes. Ciego; el vecino de Ermo que se ofrece a ayudarla en todo momento, también es padre de familia. Al parecer es el único de la comunidad con televisor en su hogar donde el hijo de Ermo acude a ver programas. Durante el desarrollo de la historia se irá involucrando cada vez más con la protagonista. El esposo de Ermo (Jefe); considerado como el Jefe de la Aldea, lo cual al parecer a él le molesta, es un señor ya de avanzada edad que incluso podría ser el padre de Ermo, debido a su edad y 24
deterioro no puede trabajar ni ayudar a Ermo. Un tanto machista pero no extremista. La esposa de Ciego; amiga y rival de Ermo, discuten casi todo el tiempo por todo. Ya verás porque quizás son amigas también. Destaco de esta película la fluidez de la historia, no es muy compleja, al contario, es sencilla y fácil de digerir, aunque esto no provoca que la película sea mala porque está bien estructurada la historia; también la naturalidad e inocencia de los personajes, sin exagerar, sin maquillaje y únicamente mostrando la realidad de las personas. Esta película, como mencioné no es para llorar, incluso algunas situaciones te podrán parecer graciosas, pero te pone a pensar en el consumismo y que a veces hacemos gastos innecesarios como Ermo ¿realmente necesita un televisor tan grande?, ¿por qué no compra un pequeño y utiliza sabiamente el resto del dinero?, ¿realmente vale la pena que Ermo haga tanto esfuerzo por un objeto tan banal?, las respuestas a dichas interrogantes en mi opinión son subjetivas ya que reflejarían parte de nuestras situaciones personales. Como siempre te invito a que le des una oportunidad a tan maravilloso filme y saques tus propias conclusiones, y más si eres un amante del cine oriental.
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“ermo” País: china año: 1994 Director: zhou xiaowen 25
MÚSICA EN EL CINE
Dentro del repertorio fílmico de Woody Allen, Match Point se encuentra entre mis preferidas, en la cual Allen sorprende gratamente al cambiar de aires y filmar en Londres, una de las ciudades por excelencia embajadora de la ópera. Match Point o “La provocación” en México y algunos países latinoamericanos se estrenó el 12 de mayo de 2005 en el Festival de Cannes. Aunque no cuenta con música original, sí cuenta con una exquisita recopilación musical, de esta manera Allen dejó de lado el jazz que usualmente utiliza en sus películas por algunas de las más importantes arias de ópera de todos los tiempos. La película muestra cómo Chris Wilton (Jonathan Rhys-Meyers), un joven profesor de tenis que trabaja en un club privado frecuentado por familiares adinerados, pronto entabla una relación amistosa con Tom Hewett (Matthew Goode), un tenista aficionado con el cual comparte varios gustos en común, entre ellos la ópera. Ambiciosamente lo sigue frecuentando hasta que se casa con la hermana de este, Chloe Hewett (Emily Mortimer). Al mismo tiempo conoce a una joven actriz Nola Rice (Scarlett Johansson) novia de Tom, con la cual inicia un romance. Las cosas se complican cuando Nola queda embarazada y le pide que deje a su rica esposa pero Chris no está dispuesto a perder el nuevo mundo de riquezas y comodidades en el cual está inmerso. El drama que llega a tener Match Point hace que las arias de óperas de la banda sonora sean viables, existiendo una relación música-trama. Por ejemplo, podemos hablar de Una furtiva lágrima, una romanza para tenor de la ópera L'Elisir d'Amore de Gaetano Donizetti, el aria que canta el protagonista de esta ópera cuando lo26
El CD sobre la música de la película está disponible en varias tiendas online, pero también pueden escuchar las piezas en cualquier página de videos, aquí dejaré una lista de las arias que les recomiendo: Una Furtiva Lagrima, de Donizetti; Un dì felice, de Verdi; Mal reggendo all'aspro assalto, también de Verdi; Mi par d'udir ancora, de Bizet; Mia piccirella, de Carlos Gomez; Arresta, de Rossini, Desdémona, de Verdi, O figli, o figli miei!, de Verdi.
gra que la mujer que ama, Adina (una terrateniente rica), se fije en él. Esta aria la podemos escuchar al principio de la película y al final, si observamos la trama de esta ópera, un chico pobre que desea a una chica rica es la misma relación de Chris hacia Chloe siendo la trama principal la ambición del personaje. El dramatismo de la música es comparable con la letra, he aquí un poco de la traducción del Italiano al Español: Una lágrima furtiva de sus ojos brotó, en aquellas alegres jóvenes ella envidia sintió, ¿qué más yo busco?, me ama si me ama lo veo, lo veo. Un solo instante los pálpitos, de su hermoso corazón siento, mis suspiros se confunden casi con su suspirar. Más tarde escuchamos Un dì, felice de La Traviata de Verdi,
Chris es invitado a la ópera por su nuevo amigo, Tom; ahí conoce a toda su familia y a su hermana, Chloe, la cual durante el transcurso de ésta muestra un claro interés por él, ella sentada frente a él voltea reiteradamente para verlo. Ésta es la traducción de Un dì, felice: Un día felizmente radiante, apareciste frente a mí, y desde aquel día vivo temblando, yo viví de un amor desconocido. Ese amor es el pulso del universo, del universo entero, misterioso, misterioso y orgulloso, tortura, tortura y deleite, tortura y deleite, deleite para el corazón. Así diferentes arias, como Desdémona de Otelo, de Verdi que muestra la pasión y celos de Chris hacia Nola y O Figli Figli Miei, de Macbeth en rela-
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MATCH POINT
ción a la paternidad de Chris así de esa manera se ven reflejados los sentimientos e intenciones de los personajes. Durante toda la película podemos escuchar algunas arias muy famosas de compositores como Giuseppe Verdi, Georges Bizet, Gaetano Donizetti, Gioacchino Rossini, entre otros. Todos teniendo como eje común el bel canto italiano que busca el uso de elementos virtuosísimos como la coloratura, trino y manejo de la respiración. Si no han visto la película se las recomiendo mucho al igual a los que ya la han visto, vuelvan a verla ahora prestando especial atención a la música y los elementos extras que se integran como el de la suerte y el azar que forman parte diaria de la vida.
Match Point contó con nominaciones desde mejor director, mejor guion y mejor actriz de reparto, llegando a ganar el de mejor película extranjera y mejor película europea de los premios Goya, los Turia y los David di Donatello entre otros, y una mención especial de la música por parte de varios críticos de cine. 27
ANIMACIÓN/ESPECIAL
1- Presentación 2- Aspecto Técnico y visual (Making of) 3- Contexto Histórico 4- Mitología 5- Diferencias Culturales
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Especial: Mononoke Hime
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ANIMACIÓN/ESPECIAL
1-Presentación La Princesa Mononoke es una de las películas de Hayao Miyazaki, realizada en 1997. Cuenta la historia de Ashitaka, un príncipe que se ve arrojado a viajar para encontrar una cura a la maldición que le han asestado. Durante el viaje se verá envuelto en una guerra entre dos frentes: el bosque y sus seres contra la Ciudad del hierro. En esta aventura conocerá a San, la chica loba, que le llevará hasta el Espíritu del Bosque, ya que éste es su única esperanza para ser curado. Una de las obras más adultas y complejas de Miyazaki, que emana más violencia y odio y menos optimismo, aunque sin cerrar la puerta nunca a la supervivencia, la redención y la aceptación de un nuevo futuro. Los personajes muestran una nueva forma de ser, más compleja y atractiva en el carácter y en el desarrollo. Los protagonistas, aunque jóvenes, actúan como verdaderos adultos responsables sobre los que recae un enorme peso. Aceptan su destino y la muerte, lucharán por sus ideales aun a costa de sus vidas. El ejemplo más radical es el de San, la princesa Mononoke (espíritu vengador), que ha sido criada entre lobos y odia a los humanos por sus violentos ataques al bosque y sus seres.
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Visualmente “La Princesa Mononoke” es un festival para la vista. La intención de esta animación, es recrear espacios lo más cercanos posibles a la realidad y enriquecerlos para conseguir escenarios de extrema belleza. A todo ello contribuye el inicio del uso de diferentes capas para separar unas zonas de otras dentro de un mismo escenario y la realización de varios planos donde se hace uso de la animación por ordenador, consiguiendo movimientos de imágenes muy vistosos. Todas estas características, son principalmente recogidas en los diseños de los grandes bosques y fondos naturales continuamente presentes en pantalla: el extremado detallismo de todo, sombras, luces, degradados, nieblas, claroscuros, transparencias (Espíritu del Bosque) o los efectos realistas de las nubes y los humos. Asimismo, a este espectáculo visual, hay que añadir la aparición definitiva de uno de los rasgos más característico del cine de Miyazaki: la magia. La fantasía. La imaginación como creadora de mundos imposibles, seres oníricos y estructuras maravillosas.
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2 - Aspecto Técnico y visual (Making of) Detrás de esta gran historia, hay un trabajo aún más titánico. El propio director Hayao Miyazaki revisó uno por uno los miles de fotogramas de la película, retrata en cada fotograma su profundo amor por la naturaleza y un intento de acercamiento entre el hombre y ésta, tema que tocan muchas otras de sus obras (Nausicaä del Valle del Viento, Ponyo en el Acantilado...). De ahí que nos obsequie con algunos de los paisajes más bellos vistos en el anime, como las montañas y ríos que cruza Ashitaka a lomos de su alce rojo y los detalles tales como las gotas de rocío punteando flores, un martín pescador
aleteando junto al río, musgo, mariposas, la luz colándose entre los árboles en aquella charca oculta en el corazón del bosque. Los detalles son tan cuidados que hasta se han molestado en dar un tono de habla distinto a cada personaje, ya que el japonés es una lengua en la que es tan importante lo que se dice que cómo se dice. Ashitaka tiene una forma de hablar regia y cultivada mientras que el monje Jigo utiliza palabras malsonantes y multitud de expresiones hechas. Lady Eboshi utiliza un lenguaje de lo más aristocrático y las mujeres de la Ciudad del Hierro una jerga muy coloquial e irreve-
rente. Los lobos y otras criaturas del bosque, en su condición de dioses, hablan con elocuencia, lo cual reafirma su condición divina, pero con un léxico duro que refleja su naturaleza primaria e instintiva. La banda sonora es una delicia, siempre de acorde a lo que está sucediendo y pudiendo ser tan dulce como dura. A destacar el tema interpretado por la cantante japonesa Utada Hikaru, una auténtica obra que suena de fondo cuando Ashitaka despierta en la guarida de los lobos y contempla la belleza de un bosque que ningún otro humano ha visto jamás.
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ANIMACIÓN/ESPECIAL
3 - Contexto Histórico Miyazaki ubica el argumento de la película en el periodo Muromachi o era Ashikaga (1336 - 1573), una época de profunda revolución y cambio político y cultural en Japón al entrar en la Era del Hierro. Para empezar, el desarrollo tecnológico que supuso la inserción de las armas de fuego por parte de comerciantes portugueses (aunque se dice que los chinos ya habrían introducido la pólvora con anterioridad) implicó la necesidad de talar gran cantidad de madera y de ahí el conflicto central de la cinta, con las criaturas del bosque enfrentándose a unos humanos que pretenden destruir su territorio. Ello explica la existencia de la Ciudad del Hierro y de los tatara, los fuelles de pies y los gigantescos hornos de fundición en los que se empleaban las mujeres. La deforestación masiva es un hecho reflejado históricamente en dicho periodo en las islas principales de Japón. A lo largo de la película se observa a los hombres de Lady Eboshi utilizando unos cañones con soporte conocidos como ishibiya ("flecha de piedra de fuego"), aunque más adelante se ve a los leprosos tratando de crear fusiles más ligeros que puedan ser utilizados por las mujeres para proteger la ciudad de los samuráis del Emperador.
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El periodo Muromachi fue un periodo de profundo cambio social: aun no se había instaurado la rígida sociedad de clases y las mujeres empezaron a gozar de mayor independencia. De ahí que la líder de la Ciudad del Hierro sea una mujer y que sus más allegadas y de confianza también lo sean. El clan Emishi al que pertenece Ashitaka también tiene bases históricas. Los Emishi eran "bárbaros" que habitaban el noreste de Honshū, la isla más grande de Japón. Se mantuvieron durante décadas independientes al régimen Yamato (gobierno del Emperador), pero fueron diezmados a finales del siglo VIII por el primer Shōgun. Su cultura no sobrevivió y la información sobre su forma de vida es muy escasa, ya que en el periodo Muromachi ya habían sido englobados por la sociedad japonesa. Por supuesto, que un clan de los Emishi sobreviviera en las montañas es invención de la película.
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4 - Mitología La mayoría de criaturas mitológicas que aparecen en la película tienen su base en el shintoismo, la segunda religión más seguida de Japón por detrás del budismo. El culto shinto ofrece la adoración a varios miles de dioses o espíritus de la naturaleza. Se trata de criaturas tan benévolas como terribles, muchas con formas zoomorfas, a los que se trata con respeto aceptando su carácter estoico y divino del mismo modo que se aceptan las benevolencias del clima tanto como las catástrofes naturales. Lobos: sin duda la criatura mítica más interesante respecto al contexto histórico. En primer lugar hay que apuntar las grandes diferencias de la figura del lobo entre el folclore occidental y oriental. En Occidente, siempre se ha tendido a ver a los lobos como criaturas malignas que diezman los rebaños, creencia alimentada por cuentos como Caperucita Roja donde les corresponde el lugar de malvados. En Oriente, más concretamente en Japón, esta filosofía no existe de forma tradicional: los lobos eran considerados criaturas beneficiosas, ya que la trashumancia era escasa, la caza abundante en los bosques y la función de los lobos era controlar la población de animales dañinos para los cultivos de los campesinos. Respecto a la mitología, está la figura de los Ookami (literalmente, "gran dios"), que eran en su esencia dioses lobo, mensajeros de la diosa de la montaña (yama no kami) y protectores de la naturaleza, que guardaban los bosques de los incendios y otras catástrofes. En la película su representación es la de Moro (llamada en diversas ocasiones "la diosa lobo") y sus dos lobeznos blancos, que aunque se muestran agresivos con los humanos, las razones ya han sido bastante claramente expuestas. No obstante, Moro se muestra más vengativa que malvada, como demuestra al haber criado al bebé abandonado por sus padres que era San como si fuera de su camada. 33
ANIMACIÓN/ESPECIAL Kodama: literalmente "eco" o "pequeño espíritu", son los simpáticos seres blancos y cabezones que aparecen en el bosque desde que Ashitaka se adentra en la espesura y también tienen un fuerte sentido mitológico. Se trata de espíritus de los árboles cuya presencia simboliza la buena salud del bosque en el que se encuentran; de ahí que empiecen a morir cuando el Espíritu del Bosque es decapitado y la última escena de la película sea un kodama frente a un brote verde que está creciendo, dando a entender que el bosque se regenerará.
Espíritu del Bosque se podría decir que en la película hace la función de yama no kami, la diosa de la montaña y protectora de los bosques. Aunque si bien no está basado en ningún dios en particular, reúne las cualidades más destacadas de los espíritus del shintoismo: dioses de la vida y de la muerte, que pueden ser tan benévolos como destructivos y que se encuentran por encima de las trivialidades de los hombres.
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REVISTA ZONA 7 Mononoke el término hace referencia a varios seres del folclore japonés, ligados en muchas ocasiones al shintoismo. Existe la creencia en Japón de que cuando un objeto sobrepasa los 100 años de edad cobra vida propia, y dependiendo de si ha sido tratado bien o mal por sus dueños es un espíritu benévolo o vengativo. De ahí una fuente de "mononoke". También existen mononoke ligados a lugares especiales y sagrados de la naturaleza, fieros con cualquiera que pretenda destruir tales enclaves. Seguramente este último es el término que más concuerda con San, temida por los humanos y apodada hime "princesa" de los espíritus por haber sido criada entre los dioses del bosque. De ahí que ella misma se vista como un espíritu, quizá para inspirar temor o para reafirmar su alejamiento de la raza humana. Tatarigami en la estela de lo anterior, los espíritus convertidos en seres vengativos son los tatarigami. Pueden ser objetos que se vuelven contra sus dueños debido al mal uso que les han dado o, en el caso de la película, seres corroídos por el odio que se convierten en masas negras que traen la muerte a todo lo que tocan. Los jabalíes Nago y Okoto se transformaron en tatarigami, y Ashitaka estaba destinado a convertirse en uno de no haber sido por el Espíritu del Bosque. De hecho es muy probable que la inspiración de Miyazaki para con el aspecto de los tatarigami sea los malvados gusanos sanshi, que habitaban en los árboles y las personas y podían comunicar los pecados de éstas a los Dioses del Cielo, provocando un acortamiento de su vida. Es exactamente eso lo que le sucedía a Ashitaka a medida que la maldición iba haciendo pasto de su cuerpo.
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5 - Diferencias Culturales Uno de los grandes méritos de La Princesa Mononoke es que, a diferencia de muchos filmes anteriores de características similares, no está hecha exclusivamente para el público oriental sino que intenta un acercamiento entre éste y Occidente, seguramente para conseguir una expansión del anime que hasta entonces solo habían logrado contados casos (Heidi, Marco, Caballeros del Zodíaco, Mazinger Z y otros clásicos de semejante calibre). De ahí que uno de los ayudantes en la redacción del guión fuera Neil Gailman (autor de libros como Sandman o Los mundos de Coraline), que contribuyó a adaptar el guión para que tuviera más sentido para el público occidental. sPOILER Un claro ejemplo de ello es una de las escenas iniciales, cuando Ashitaka se corta la coleta. En Japón todo el mundo sabe que cuando un guerrero se corta el pelo es señal de autosacrificio y de que no regresará jamás al hogar, pero en fue necesario introducir una línea para aclarar que "no iba a regresar" incluso en la versión original, pensando en el público occidental. Otro claro ejemplo es cuando el monje Jigo comenta (en la versión original) que la sopa "le sabe a agua". Puede parecer un comentario casual en Occidente, pero en Japón se trata de un insulto muy fuerte. De nuevo tuvo que subsanarse en el doblaje internacional.
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"El amor es la respuesta, pero mientras esperas la respuesta, el sexo plantea algunas preguntas bastante
interesantes."
frases de pelĂicula 37
EXTRAS/RESEÑA
V/H/S: Viral
por altair vasquez
Ahora llega a nosotros V/H/S: Viral La cual el próximo 23 de octubre, se lanzará en versión VOD y el 21 de noviembre se presentará en algunos cines alrededor del mundo.
ANTERIORES V/H/S
Si tuviste la oportunidad de ver la primera cinta, la trama principal trataba de unos ladrones que tenían que extraer unos VHS de una casa, pero conforme transcurría la historia, iban pasando cosas "extranormales". La subtrama contaba unas historias extrañas, las cuales eran rescatables. Y bueno, aquí les dejo lo que pienso de cada una de esas cintas
1."TAPE 46"
¡Con esta entrega acaba esta trilogía mortal! La nueva cinta fue codirigida por una serie de directores, entre ellos Marcel Sarmiento (Deadgirl, the incredible The ABCs of Death segment “D Is for Dogfight”), Nacho Vigalondo (Timecrimes, Extraterrestrial), Gregg Bishop (The Other Side, Dance of the Dead), Justin Benson y Aaron Moorhead (Resolution, Spring). ¿Has visto alguna de estas cintas?, de ser así ya sabes a lo que te arriesgas. Lo que se sabe de la película en lo que respecta a trama principal es lo siguiente: SINOPSIS: La película se centra en unos adolescentes obsesionados con ser famosos y que se convierten en la nueva sensación mediática por internet. ¿Estás listo para el terror viral?. 38
Esta primera cinta es la parte normal, pero la cual depende de que las demás funcionen y une a las demás. Debo decir que fue muy buena, me dejó algo perturbado, es la historia de los ladrones, que entre corte o fin de cada vídeo vemos cambiando de cinta...
2. "AMATEUR NIGHT"
Quien guste de vampiros, y de brayes, esta cinta es la indicada. Pero lo que empieza como una noche de chicos que sea alocada y con cámara en los ojos (me entenderán cuando la vean), poco a poco es horrorosa, perturbadora, pero sin una explicación, o puede que la tenga, pero el rostro de la chica será lo que puedas o no puedas olvidar. No te voy a decir más...el final no es el que esperas...
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En general, la primera tiene un final malo, pero existe un final bueno, para gusto de público hasta con decirte que se lanzó la película en formato V/H/S con su caja de edición especial. 3. "SECOND HONEYMOON
Pues algo simplona, una pareja que disfruta de su luna de miel. Podemos ver que es algo inquietante no ver gore o demás cosas...Pero es algo así como los inicios de Actividad Paranormal, para que luego 3 escenas dejen a uno con la boca abierta o algo sacado de onda, pero el final es algo que no esperas…En serio, ¡NO LO ESPERAS!!!
4. "TUESDAY THE 17TH"
Puede empezar como cualquier película a la que estamos acostumbrados de terror, ya sea con sexo, drogas o malas palabras. Podemos retomar clásicos como Freddy, Jason, Leather Face, etc. ¿Por qué digo extraña? Por la historia. No quiero arruinarte nada, pero al "asesino" aquí le podemos llamar "La Falla" y aparece con un sonido algo singular. Así que, es algo extraño pero de ahí en fuera puedes disfrutarla.
5."THE SICK THING THAT HAPPENED TO EMILY WHEN SHE AS YOUNGER"
Del mismo director de Second Honeymoon, puede que por su inicio te recuerde algo a Actividad Paranormal 4 por los chicos chateando en la laptop, pero de lleno puede que no entiendas nada en esta película. Esta cinta es algo bizarra, extraña, con un final muy, muy loco y nada predecible, o puede que para algunos sí, pero te llevas unos 3 sustos que no te esperas.
6. "10/31/98"
Esta cinta o VHS nos muestra cómo una noche de chicos, solamente chicos, puede terminar de una forma que no te lo esperas. Una fiesta que sería normal poco a poco se vuelve como la casona de una feria, con efectos a full, movimientos de cámara que odiarás…Pero puede que disfrutes las escenas mostradas y que en verdad te hacen recordar que: ¡¡NUNCA ES BUENO, METERTE EN LO QUE NO TE IMPORTA!! En cuanto al final… Puede ser tan amargo, impredecible o sí...Pero esta cinta es la última 39
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EXTRAS/RESEÑA
V/H/S 2 La segunda entrega, V/H/S 2, nos demostró un poco más de ese miedo a la sociedad, pero ya era notorio a las conspiraciones, a lo desconocido. Junto con la tecnología, perdía su esencia conforme pasaban las cintas, pero el final fue un rotundo “¿¡WTF!?”.
TAPE 49:
El segmento que guía al resto, como pasó en la anterior cinta, nos cuenta cómo dos investigadores privados se infiltran en una casa para investigar la desaparición de un joven estudiante, una vez dentro no encuentran rastro de vida, pero sí que descubrirán una habitación con una serie de cintas VHS bastante curiosas...
CLINICAL TRIALS:
El protagonista de este segmento se somete a un implante de ojo tras sufrir un accidente de coche, aunque su nuevo ojo tiene algo especial, lleva una cámara incorporada, la cual le permitirá ver seres que a simple vista el resto de mortales no podríamos ver. Eso más que un don se convertirá en una maldición para su portador
A RIDE IN THE PARK:
Llega el turno a los responsables de la mítica La Bruja de Blair, Eduardo Sánchez y Gregg Hale son los encargados del humor involuntario, al metraje con una historia de zombies muy macabra y divertida.
SAFE HEAVEN:
Este segmento, en lo personal, me espantó y me dejó con una sensación de terror y asco. Lo dirigen Gareth Evans y Timo Tjahjanto. El nivel de lo bizarro en esta cinta es...Vaya, sufrible y claustrofóbica. Un grupo de reporteros está filmando un documental sobre una secta, pero cuando estos acceden a ser grabados desde el interior e invitan al equipo a desplazarse a grabar a su recinto la cosa se complicará de manera dramática.
ALIEN ABDUCTION SLUMBER PARTY: Será geek o friki pero lo dirige Jason Eisener, y nos muestra el lado más cariñoso de los extraterrestres. Trata de unos amigos que deciden grabar bromas pesadas que se hacen entre ellos. Conforme pasa el tiempo se cuelan algunos ruidos, siluetas o luces, se convierte en una cacería. El acierto en esta cinta es la cámara instalada en el pobre perrito de los protagonistas, sublime. 40
REVISTA ZONA 7 En una primera primera versión de ‘Annie Hall‘, la película trataba sobre un asesinato. En esta, un profesor de filosofía aparecía muerto, aparentemente por suicidio. Pero dado que la idea del suicidio no encajaba con su filosofía, su amigo y alumno Alvy comenzó una investigación sobre su asesinato ayudado una mujer a la que acababa de conocer, Annie. La idea fue desechada por lo que finalmente se convirtió en una de sus películas más icónicas, pero la historia del profesor de filosofía sería retomada para ‘Delitos y faltas‘, mientras que la parte del asesinato se convertiría en el argumento principal de su comedia ‘Misterioso asesinato en Manhattan’ en 1993. Fue tal el material rodado para la película ‘Annie Hall‘que dio lugar a un primer montaje de cuatro horas, posteriormente reducido. En una de las escenas eliminadas, los protagonistas se cruzaban por las calles de Manhattan con el propio diablo quien les proponía una visita guiada al infierno a través de un ascensor. En dicho infierno descendían a lo largo de diferentes niveles donde se cruzaban con personajes célebres hasta llegar a una última puerta donde entre llamas aparecía el presidente Nixon. Huelga decir que esta misma idea fue empleada veinte años después, en una de sus últimas grandes películas, ‘Desmontando a Harry‘
¿sabías que...?
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Dirección: Eileen Gamboa Redacción: Edición y corrección:
José Bueno/aarón mariscal/
raul flores creACIÓN DE CONTENIDO:
césar quintana
/altair vasquez Artículos: Desde Adentro: Leonardo Mancilla un vistazo a su biografía: josé bueno Zona Terror: David Gomez detrás del héroe: carlos alberto zabala música en el cine: Claudia Jimenez animación: Dan Escudero/silivana córdoba cine asiático/oriental: andrés H. romero ilustración: silvana córdoba Diseño: Katerin Dueñas.
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