zona7 nueva sección CINE ASIÁTICO-ORIENTAL DASEPO NAUGHTY GIRLS
DESDE ADENTRO/
DISEÑO Y
CONSTRUCCIÓN DEL SET 7+1 ALGO MÁS QUE CINE/
EL VIAJE POR EL SILENCIO
extras/
EL ARTE DE LA
CLINT
bio 7
MUSICALIZACIÓN
EASTWOOD
EDITORIAL
El séptimo arte
De la necesidad del hombre por expresarse y comunicar sus ideas nació el arte. A través de la historia, el arte se ha clasificado de muchas maneras: Útiles, perfectas, liberales, placenteras, mecánicas, vulgares... así, según el contexto social y político de cada periodo. Pasando por muchos filtros se logró determinar aquellas que lograron trascender de una manera íntegra entre las “artes mayores” y que ahora conocemos como “Bellas artes” las cuales a su vez se clasificaban en seis expresiones artísticas: Arquitectura, escultura, danza, literatura, música y pintura (Éstas no poseen un orden jerárquico establecido). En el año 1911 el escritor y crítico cinematográfico Riccioto Canudo, afirmó que el cine era “arte plástico en movimiento” y que debía pertenecer al anterior grupo, por lo que se dio la inclusión de ésta nueva expresión artística: “El séptimo arte”. Es el único al que se le da una numeración, pues si vemos bien, a ningún otro se le llama como “el sexto” o “el quinto”. Esto sin embargo, no quiere decir que posea mayor o menor importancia que los anteriores, su definición solo responde a su joven integración a ésa valiosa lista que durante muchos años había sufrido diferentes etapas. “El nuevo arte”, “la cinematografía” cuya definición se compone de dos palabras griegas: “kiné” que significa movimiento y “grafós" que significa grabar, es decir: “grabar movimientos” a pesar de ser “un bebé” en comparación con los otros, posee en sí mismo a todos los demás, es decir, es la aplicación de los otros seis en pequeñas porciones. Tenemos que el cine es el arte de representar imágenes en movimiento en una pantalla mediante la fotografía pero además su estudio
añade a ésa definición : Un elemento cultural, espectáculo, arte y un medio de comunicación. Cultural: Porque es un medio en el que a través de la historia ha capturado y representado las diferentes etapas de pensamiento y emociones humanas. Espectáculo: Tiene la capacidad de impactar las emociones concentrando a las masas. Arte: Es una exposición de belleza creada a partir de la aplicación minuciosa e inteligente. Medio de comunicación: Aquí nos encontramos con algo curioso, esto porque a pesar de que el cine comunica ideas (y por ésa razón se incluye ésta denominación) no intenta informar, sino más bien, es algo revelador que deja espacio a la subjetividad del público convirtiendo su mensaje en múltiples formas. El cine ante todo es un arte, un universo cargado de elementos que hacen posible que experimentemos todas ésas sensaciones que yo personalmente comparo con una montaña rusa, llevándonos por sus rieles cargados de subidas y súbitas bajadas y que nos muestra la necesidad del ser humano por experimentar ésas experiencias. Ahora sí, ¡bienvenido(a) una vez más a Zona7! La zona del séptimo arte. Eileen Gamboa Navarro Directora Editorial www.revistazona7.com
CONTENIDO 7+1: ALGO MÁS QUE CINE/ el viaje por el silencio 6
CINE ASIÁTICO-ORIENTAL/ dasepo naughty girls 26
DESDE ADENTRO/ producción y construcción 8 del set
DETRÁS DEL HÉROE/ men in black 28
BIO 7/ clint eastwood 14
EXTRAS
ZONA TERROR/ the relic 20
eastwood: pasión por la música clint eastwood y los jersey boys el arte de la musicalización annie hall
TOP 7/ los mejores western 22
14 18 30 32
sobre nosotros Somos una revista quincenal, que tiene como fin exclusivo, la difusión de información útil y práctica sobre el cine, dirigida especialmente a ésas personas amantes del séptimo arte con deseo de aprender más, de una manera práctica y de fácil comprensión. Aprovechando las plataformas web y las redes sociales traemos hasta usted una revista gratuita y de fácil acceso, sin dejar de lado la excelencia en cada detalle. Nuetro equipo cuenta con personas de diferentes paises de Latinoamérica, entre ellos Perú, Colombia, México, Costa Rica, Argentina y Uruguay.
Bienvenido a nuestra zona, la zona del cine.
Las dos últimas películas que he visto son películas animadas. En ambas la capacidad de uno de los protagonistas para comunicarse con los suyos de manera oral es limitada debido a algo en la trama que servirá como punto de inflexión para que el protagonista, aunque no está preparado, pueda hacer frente para salir ileso y mayor. Al menos eso esperamos los espectadores. Kenai, un joven esquimal que no comprende por qué los espíritus le asignan un arquetipo que no desea representar es transformado en la criatura que su tótem representa, deberá separarse de su pueblo para llegar a donde los espíritus se manifiestan y en ese viaje descubrirá quién es y cuánto vale. Zoé, hija de la comisaria de la policía de la ciudad pierde la capacidad de hablar debido a un suceso traumático y doloroso. Su madre aunque posee la capacidad intacta no sabe cómo comunicarse con ella. Solo el gato, Dino, es capaz de hacer que la pequeñita se sienta cómoda y feliz. Un gato, un animal. En ambas historias emociones poderosas y destructivas condenan a los protagonistas a este estado. Sin embargo hay seres que pueden ver más allá, oír en este caso. Una anciana capaz de comunicarse con los espíritus sabe cómo tratar y qué decirle a un chico confundido aunque luzca como un oso. Y, un gato y un ladrón de corazón sincero pueden hacer algo equivalente y comprender a una pequeña enmudecida por el miedo. No deseo revelar datos importantes de la trama de estas dos películas, pero quiero decir que ambas historias están llenas de ternura y mensajes importantes para cualquiera que desee hacer silencio y escuchar. Sin miedo, sin juicio,
sin resistencia a lo distinto o sobrenatural. Y renovar el valor que fue adjudicado a ciertas cosas vividas que tal vez esconden en sí mismas más que la simple utilidad de poder ser contadas como anécdotas divertidas para presumir en grupo con aquellos que lucen superficialmente como nosotros. Las películas cuyos títulos aun no menciono son: — “Brother Bear”, producida por Disney y conocida como “Tierra de osos” o “Hermano oso”. La música está a cargo de Phil Colins y la voz de Kenai la interpreta Joaquin Phoenix. Esta historia ocurre en un mundo esquimal lleno de magia y color, un mundo apasionado y vital. Los animales, algunos más sabios que otros nos enseñan a compartir, a recibir y dar por igual, ¡y con canciones! —“Une vie de chat”, conocida aquí como “Un gato en París”. El primer largometraje de JeanLoup Felicioli y Alain Gagnol, dos artistas con larga experiencia en el mundo de la animación, en el que el jazz le otorga una atmosfera maravillosa a la historia en la que París luce de un modo distinto al usual. La catedral de Notre-Dame tiene un rol importante en la película, mágico. Y el amor, en ambas películas el amor es lo que permite que todo suceda como debe suceder pues sin amor, ninguna historia podría ser contada.
¿Cómo puede uno pedir ayuda, expresarse, dar gracias, ayudar si quienes están alrededor no pueden escuchar nuestras palabras? ¿O, es que el silencio que nos habita es propio de alguien que necesita escuchar?
Podrá el amor unir a los opuestos que el silencio separa? ¿Será suficiente?
7+1 algo mas que cine
el viaje por
el silencio
desde adentro
diseño de
producción y construcción del set Existe desde hace un buen tiempo una confusión generalizada entre el cargo de “director de arte” y el de “diseñador de producción”, además se suele confundir el papel del diseñador de producción con el de los productores. A continuación se explicara el papel y las tareas fundamentales del diseñador de producción y sus diferencias con las del director de arte. Además de explicarse otros de los cargos que hacen parte del departamento de arte.
El diseño de producción es uno de los cargos más desconocidos en la producción de una película, pero es de vital importancia en la construcción de los sets y en el trabajo del departamento de arte. Además su importancia es bastante relevante debido a que es uno de los dos únicos cargos que maneja dinero en la producción. Pero ¿Qué se desempeña en este cargo? ¿Cómo es el perfil de quien lo desempeña?
El diseñador de producción. Quien es y sus tareas fundamentales. El diseñador de producción es un estudioso de los espacios y los tamaños, por lo general es una persona que ha dedicado su vida a la arquitectura, al diseño industrial y/o al diseño gráfico. Sus conocimientos lo llevan a desempeñarse en un cargo de mucho movimiento y dinámica de equipo. El diseñador de producción durante la preproducción de la película trabaja junto al director de arte y el director de la película en temas fundamentales como “el tipo de arte”, los sets y los espacios que se manejarán, si se usarán locaciones ya construidas o habrá que construirlas, los diseños de producción y de arte entre los cuales se sustentan los diseños de escenografía, ambientación y utilería (los cuales explicaremos más adelante). Cuando se refiere a “Tipo de arte” se habla de dos tipos, “arte recargado” (lleno de objetos de ambientación y utilería) y “arte minimalista” (sin muchos objetos), esto tiene una relación narrativa, por lo general los diseñadores de producción y los directores de arte prefieren diseñar un arte recargado cuando el personaje
principal habita en un ambiente que lo ahoga y diseñan un arte minimalista cuando el personaje está en un ambiente solitario que lo hace sentir libre. Un claro ejemplo de esto son las películas de Yashijiro Ozu. Sus tereas fundamentales son tres. La primera es “diseñar el concepto de la imagen”, en el concepto de la imagen entran prioridades como el “tipo de arte”, recrea la propuesta de puesta en escena (tema importantísimo que desarrollaremos pronto), y sustenta junto al director de arte gran parte de “la propuesta de arte” como los modelos de paletas de colores y las texturas que se pondrán en escena. Todo esto propuesto con referentes de películas anteriores. Con todo esto le presenta el director un concepto de “imagen” que este debe trabajar y rediseñar junto con el director de fotografía para la fiel construcción del universo diegético. La segunda tarea fundamental es el monitorear el diseño de la imagen y “la composición de la imagen” (concepto importantísimo que estudiaremos más adelante). Para ello trabaja de la mano con los directores de arte, fotografía y el director de la película. El revisa elementos de la construcción del espacio del set para que tengan un papel fundamental
en la composición del encuadre cinematográfico. Si los elementos tienen un “fin dramático” les debe dar una importancia esencial al momento de conseguirlos. Aquí es cuando comenzamos a hablar de su tercera tarea fundamental. El “maneja el presupuesto de arte” que es independiente del presupuesto de la película. Los productores determinan un presupuesto para todos los demás departamentos que ellos administran y definen un presupuesto para el departamento de arte (que suele estar entre un 20% a un 30% del presupuesto total final de la película) que es independiente de todo el presupuesto de los otros departamentos y que es administrado únicamente por el diseñador de producción. Él tiene el deber de comprar o conseguir todo lo que el director de arte requiere para recrear los sets y construir el universo diegético. El director de arte no compra nada pero realiza una lista de objetos necesarios junto con su escenógrafo, su ambientador, su utilero, su diseñador de vestuario, su maquillista y su creador de efectos especiales de maquillaje para que el diseñador de producción los consiga y el departamento de arte pueda trabajar. Le pueden poner a conseguir materias primas para que ellos construyan un universo diegético original (como sucede en las películas de ciencia ficción o de época) o a conseguir objetos ya hechos para construir un universo diegético basado en uno real (como sucede con las películas con universo contemporáneo). Un dato importante: “los animales, los carros y los extras no entran en el presupuesto de arte”. Los productores no deben colocar esos gastos en el presupuesto de arte, es algo que suelen hacer cuando trabajan con diseñadores de producción nuevos.
Diseñar producción y diseñar arte Aquí comienza el porqué de la confusión de los últimos años entre el papel del director de arte y el diseñador de producción. Pero antes de explicarlo con algo de historia; explicaremos la diferencia entre el papel del diseñador de producción y el del director de arte.
El director de arte recrea estos diseños conceptuales junto con sus diseños y con ello logra la construcción del universo diegetico de la película.
El término “diseño de producción” no se refiere a que el diseñador de producción sea quien haga los “diseños de arte”, que son planos espaciales, maquetas, plantillas de campo y diseños en 3D de los sets de producción que son diseñados por el director de arte al lado de su escenógrafo, ambientador y utilero teniendo a la mano las propuestas de arte ya aceptadas por dirección y producción. En estos diseños de arte sí interviene el diseñador de producción, el director de fotografía y el director de la película para hacer correcciones que hagan factible lograr un buen trabajo de composición de imagen y fáciles los movimientos de cámara. Por lo demás es un trabajo del director de arte diseñarlos y hacerlos realidad. Es el trabajo del diseñador de producción conseguir todos los elementos que hacen parte de estos sets, controlar el gasto de presupuesto y diseñar los conceptos de la imagen; es decir, corregir los diseños del director de arte bajo la premisa de que la imagen maneje un concepto que el director de la película ha trabajado junto con el diseñador de producción y que tiene poder visual y narrativo. El director de arte recrea estos diseños conceptuales junto con sus diseños y con ello logra la construcción del universo diegético de la película.
El porqué de la confusión
Desde hace unos años en el medio cinematográfico por todo el mundo ha emergido una confusión entre cual es el papel del director de arte y cuál es el del diseñador de producción, está confusión ha llevado a que la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood haya cambiado el nombre de su categoría “mejor dirección de arte” a “mejor diseño de producción” algo que no molestó ni a los directores de arte ni a los diseñadores de producción en Hollywood, pero que si molestó al medio del departamento de arte en muchos países del mundo como sucede en los países latinoamericanos. La confusión se comenzó a dar desde que el modelo de producción de las grandes productoras hollywoodenses comenzaron a implementar el diseño de producción como título de quien comanda el departamento de arte, dejando relevado al director de arte e incluso quitando el título de director de arte por el de “decorista de set” y dando muchas de las tareas del director de arte al diseñador de producción, entre las cuales está la de hacer los diseños de arte. El “decorista de set” solo tendría en sus tareas la de dirigir al escenógrafo, al ambientador y al utilero y la labor de entregar el set terminado antes del rodaje de la escena. Este fenómeno se dio a comienzos de la década pasada y hoy en día ya casi todas las organizaciones de premios han cambiado el título de “Mejor dirección de arte” a “mejor diseño de producción”, algo que no ha sucedido ni en Latinoamérica ni en Eu-
Depende de cada producción y de la visión del director quien comande el departamento de arte y que tanto haga parte de la toma de decisión es en relación a la creación de la imagen, algo que si es importantísimo y que deben tener en cuenta todos los directores .
ropa (exceptuando el Reino unido) donde aún no se da este fenómeno. En conclusión, lo que se ha dado aquí es una confusión en la que no se logra determinar quién dirige el departamento de arte. Pero recae en la visión del director el cargo que debería tener más poder en este departamento. Como ejemplos recientes: En The Great Gatsby de Baz Luhrmann (2013) El director determinó que su esposa Catherine Martin quien era diseñadora de producción (y además diseñadora de vestuario) fuese quien en realidad dirigiera el departamento de arte por encima de la “decoradora de set” Beverly Dunn. Mientras que en la producción de 12 Years A Slave de Steve McQueen (2013) prevaleció el papel de la decoradora de set (que en los créditos si aparece como directora de arte respetando su cargo) Alice Bakerpor sobre el papel del diseñador de producción Adam Stockhausen. Puede que esto se deba a que es una película de época mucho más posterior a The Great Gatsby, en la que es más importante la visión del espacio como una realidad “real” y no como un universo diegético original.
La confusión se comenzó a dar desde que el modelo de producción de las grandes productoras hollywoodenses comenzaron a implementar el diseño de producción como título de quien comenda el departamento de arte
Otros cargos importantes en el departamento de arte. Sea como sea que esté construido el departamento de arte. Los directores artísticos tienen que entregar set en tiempos “OFF”, es decir mucho antes del llamado a producción. Al terminarlo se debe entregar al primer asistente de dirección y al productor de campo quienes allí darán comienzo al rodaje del día. El director de arte construye el set (o lo adecua si es el caso de una locación ya construida) teniendo a la mano a tres importantes colaboradores que tiene una misión en la construcción: *Escenógrafo: Este estudioso de la arquitectura determina cómo va la construcción arquitectónica. Es decir, construye un espacio arquitectónico que va de las paredes, techos, columnas, pisos, cortinas y ventanas y los adecua de acuerdo a la propuesta de arte y los diseños de arte. Cuando termina su trabajo se lo entrega al ambientador para que el siga con su trabajo. *Ambientador: Es un experto en diseño de imagen y en diseño y adecuación de espacios e interiores, su trabajo es crear atmosferas a partir de la ambientación, es decir a partir de la adecuación del espacio con muebles y enseres. Los puede crear o los puede traer hechos. Los adecua al espacio teniendo en cuenta las peticiones de los otros departamentos respecto al espacio que necesitan. Cuando termina de adecuar el espacio entrega el set en construcción al utilero. *Utilero: También es un experto en adecuación de espacios e interiores, se encarga de crear o traer todos los objetos pequeños, sobre todo los que tiene una “importancia dramática” (los que tienen una relación directa con la historia). Los adecua al espacio en el que deben estar y entrega el set terminado al director de arte quien lo revisa, hace correcciones y lo entrega al primer asistente de director y al productor de campo. Tiene que construir un “catálogo de utilería” junto con el director de arte y conseguir toda la utilería que va en el catálogo. Esta es la labor del diseñador de producción y de los creadores del espacio (escenógrafo, ambientador y utilero) en relación con el departamento de arte. Para las próximas ediciones terminaremos de hablar de este gran departamento, luego nos concentraremos en temas de importancia en la creación de la imagen y después comenzaremos con otro departamento. Hay “Desde Dentro” para rato. No olvides escribirnos.
Próximamente:
El maquillaje y el peinado. Edad, vida y carácter para el personaje.
¿TE HAS DADO CUENTA DE QUE, DE VEZ EN CUANDO, TE PUEDES ENCONTR AR CON ALGUIEN CON QUIEN NO DEBERÍAS METERTE?
-ESE SOY YO.
Walt Kowalski en Gran Torino (2008).
frases de película
CLINT EASTWOOD Clint Clinton Eastwood Jr. Más conocido cómo Clint Eastwood nació el 31 de mayo de 1930 en San Francisco, California. Después de viajar y buscar trabajo a través de California durante la Gran Depresión, su familia se instaló en Oakland, donde Eastwood se graduó en el “Oakland Technical High School” en 1948. Eastwood participó en trabajos impares alrededor de este tiempo, incluso como fiador del heno, maderero, camionero y fogonero de acero de alto horno. En 1950, fue llamado al servicio militar con los Servicios Especiales del ejército, con sede en Ford Ord en Monterey, California. Mientras estuvo en el ejército, Eastwood se reunió con los actores David Janssen y Martin Milner, quienes lo convencieron de mudarse a Los Ángeles en 1954, después de terminar su servicio militar. Eastwood tuvo una prueba de pantalla y firmó un contrato con Universal para setenta y cinco dólares a la semana. Sus primeros papeles fueron en películas de ciencia ficción La venganza de la criatura y Tarántula, ambas lanzadas en 1955. El aspecto robusto de Eastwood le consiguió el papel de Rowdy Yates en la serie de CBS TV Rawhide (1959), que se emitió durante ocho temporadas. En 1964, fue a Italia para protagonizar un trío de los westerns dirigidos por Sergio Leone y que habían sido rechazadas por James Coburn y Charles Bronson. Las películas incluyen de 1964 un puñado de dólares (un remake del clásico Yojimbo), La muerte tenía un precio, La (1965) y El bueno, el feo y el malo (1966). Apodado "spaghetti westerns", debido a su producción italiana, estas películas se hicieron populares en todo el mundo, y Eastwood se hizo internacionalmente conocido.
El director De vuelta en Estados Unidos, Eastwood dirigió su primera película, el thriller “Escalofrío en la noche” (1971), y protagonizó el papel principal. Su siguiente proyecto importante fue una serie de películas de acción violenta que retratan Harry Callahan, un contencioso policía de San Francisco. El Dirty Harry resultó inmensamente popular entre el público e incluyó cinco películas en un período de 17 años, incluyendo Dirty Harry (1971), Harry, el fuerte (1973), The Enforcer (1976), Impacto súbito (1983) y La lista negra ( 1988). Eastwood pasó a dirigir la película biográfica de Charlie Parker Bird (1988), por la que ganó la aclamación crítica amplia. Él también ganó elogios por la dirección y producción del 1992 del western “Unforgiven”, que ganó un Oscar (mejor película). Al año siguiente, dirigió y protagonizó la película de 1993 “Un mundo perfecto”, en 1994 “Los puentes de Madison” (con Meryl Streep) y 1997 “Poder Absoluto”. Dirigió (pero no apareció en) Medianoche en el jardín del bien y del mal (1997); y produjo, dirigió y protagonizó la película de suspenso 1999 “True Crime”.
bio 7 En 1964, fue a Italia para protagonizar un trĂo de los westerns dirigidos por Sergio Leone y que habĂan sido rechazadas por James Coburn y Charles Bronson.
En agosto del 2000 llegó el lanzamiento de otro proyecto de dirección y la actuación de Eastwood “Space Cowboys”, con co-estrellas como: James Garner, Donald Sutherland y Tommy Lee Jones. Luego dirigió la inquietante y galardonada “Mystic River”, protagonizada por Sean Penn y Tim Robbins, que fue lanzado en 2003. Dos años después, Eastwood ganó un Premio de la Academia y un Globo de Oro (mejor director) por su trabajo en la película “Million Dollar Baby”, protagonizada por Hilary Swank (Eastwood dirigió y actuó en la película. También ganó el un premio Oscar a la mejor película. Ese mismo año, Eastwood recibió el Premio a la Trayectoria de la Screen Actors Guild en Los Angeles. En 2006, Eastwood dirigió dos dramas de la Segunda Guerra Mundial, “Banderas de nuestros padres” y “Cartas desde Iwo Jima”. Estas películas acompañantes vieron el conflicto desde dos perspectivas muy diferentes. Banderas de nuestros padres exploran el lado americano, contando la historia de los esfuerzos de un hombre para aprender más sobre la participación de su padre en la crianza de la bandera de EE.UU. En Iwo Jima, un momento capturado en una fotografía ganadora del premio Pulitzer. La película contó con un número de jóvenes actores de Hollywood, incluyendo a Ryan Phillippe, Jesse Bradford y Paul Walker. Verdaderamente polifacético, Eastwood incluso escribió algo de la música para la película. A partir de la correspondencia que se encuentra en ese campo de batalla, “Cartas de Iwo Jima” mira las experiencias de los soldados japoneses durante la Segunda Guerra Mundial. Si bien ambas películas ganaron elogios, Cartas desde Iwo Jima cosechó cuatro nominaciones al Oscar, incluyendo mejor película, y Eastwood obtuvo su cuarta nominación por el Oscar (mejor director). Lo siguiente para Eastwood fue en el 2008 el thriller dramático “The Changeling”, protagonizada por Angelina Jolie como madre de un niño secuestrado. El personaje de Jolie en la película, que se basa en una historia real. Varios proyectos como director aclamados siguieron, incluso de 2008 “Gran Torino” (en el que también está protagonizada por Eastwood) de 2009 “Invictus” y de 2011 “J. Edgar”.
En Iwo Jima, un momento capturado en una fotografía ganadora del premio Pulitzer. La película contó con un número de jóvenes actores de Hollywood, incluyendo a Ryan Phillippe, Jesse Bradford y Paul Walker. Verdaderamente polifacético, Eastwood incluso escribió algo de la música para la película.
TOP 7 MEJORES PELÍCULAS DE CLINT EASTWOOD 1. “unForgiven” 1992
2. “mystic river” 2003
3. “MilLion dollar baby” 2004
4. “bird” 1988
5. “the bidges of madison country” 1995
6. “a perfect world” 1993
7. “white hunter, black heart” 1990
“Everybody remembers it how they need to/Todo el mundo los recuerda en la forma que los necesita” Con esta frase el cineasta estadounidense Clint Eastwood se adentra en el género musical con un nuevo biopic (película biográfica), recordemos que una de las mejores película de jazz lleva su firma. Escrito por Marshall Brickman (Annie Hall, 1977; Manhattan, 1979), Rick Elice y John Logan (Gladiator, 2000; Rango, 2011). Clint Eastwood, dio un avance de su nuevo proyecto fílmico con la publicación del tráiler de Jersey Boys, una cinta que gira en torno al auge y la caída de la banda liderada por Frankie Valli, cuyos enredos con la mafia y problemas cotidianos en las calles de Nueva Jersey llegaron a definir, y complicar, su imagen. Después de un largo proceso de casting, el actor de teatro, John Lloyd Young, finalmente consiguió repetir su papel como Valli (lo había interpretado previamente en el musical de Broadway que se estrenó en 2005). El clip comienza con la agrupación cantando bajo una farola y sigue su ascenso hasta el momento en que se presentan ante multitudes entusiastas y dispuestas a escuchar su música. Mientras la banda se vuelve cada vez más exitosa y logra que sus canciones se posicionen en las listas de popularidad, en las estaciones de radio y sus presentaciones en televisión, uno de los miembros, Tommy DeVito (Vincent Piazza), se mete en problemas y comienza a pelear con Valli.
Eastwood también produce la cinta que cuenta con las actuaciones de Christopher Walken, Freya Tingley y Sean Whalen. El estreno del filme será el 20 de junio en Estados Unidos.
“Clint Eastwood
y los Jersey Boys” Por César Quintana
La última presencia de Eastwood en el séptimo arte se realizó en el 2012 cuando impartió créditos con Justin Timberlake y Amy Adams en la comedia romántica Las Curvas de la Vida. hoy a sus 83 años vuelve con este proyecto.
zona terror
The relic Ohh el cine de monstruos, lo podría considerar mi subgénero favorito de todo lo que involucra el terror. ¿Por qué? Sencillo, me parece el más completo y cuyas opciones son ilimitadas, en los slashers, zombie, survival, los malos de turno, son hasta predecibles…el asesino sobrenatural de adolescentes calenturientos, los inagotables zombis o un maniaco que gusta de torturar a sus víctimas. Pero con los monstruos, todo puede cambiar. Garras, tentáculos, plumas, de origen sobrenatural o producto de un experimento gubernamental, devora a adolescentes y a soldados por igual, grande o pequeño, verde rojo o blanco, puede ser una iguana gigante, o un esperma que decidió crecer de más, tal vez es una hormiga más grande de lo normal. La película de la que hablaremos en esta entrega de Zona Terror es The Relic (1997). Basada en una novela homónima, “La reliquia” comienza con un evento muy interesante, un explorador, bebe un extraño líquido luego de estar en una expedición en el exótico Brasil, ha molestado a los habitantes del lugar y tiene que pagar por ello. Las leyendas hablan del Kothoga, un monstruo que habita la selva amazónica, y era uno de los misterios que nuestro antropólogo buscaba. Algunas semanas después un barco llega a Chicago…la tripulación ha desaparecido en su mayo-
ría y lo que queda de algunos, es un montón de cuerpos, sin cabeza. Con esta sinopsis no hay un motivo válido para no darle una oportunidad a esta película. Nuestra película de monstruos comienza a tomar forma Continuamos con nuestro monstruo en turno, el Kothoga no tiene un origen natural, los indígenas utilizan cierta mezcla de cosas que probablemente asustan para crear artificialmente a un monstruo. Algo que se alimenta de una especie de hojas extremadamente particular: hojas, cuya composición recuerda un cúmulo de hormonas, Y la historia, bueno, el guion es muy interesante ya que como adaptación no le es muy fiel que digamos a la obra original, aunque mantiene la esencia del libro, y respeta al monstruo en turno, haciendo justicia como es debido. Volviendo a Brasil, nuestro explorador está transformándose en algo monstruoso, en el Dios Lagartija en sus manos posee una estatuilla de el ya mencionado dios, y se dispone a guardarla en una caja, envuelta en unas hojas muy extrañas. Durante el viaje, la transformación estará completa, el Kothoga despertará hambriento y cuándo sus hojas se acaben irá a buscar comida…para nuestra desgracia lo más cercano a su comida es una región dentro de nuestro cerebrito llamada hipotálamo. Cuándo el monstruo tenga hambre, sólo será necesario desprender la cabeza de la incauta víctima, romper su cráneo y comer. El arma biológica más impresionante, en cuánto todos sus enemigos están muertos, la criatura muere de hambreEn resumen, es una obra a la que hay que darle una oportunidad, cuenta con todos los requerimientos para una buena película de terror: -Efectos especiales a la altura (Stan Winston estuvo detrás de esto), el diseño de la criatura es muy original, creando a un enemigo realmente formidable. -La atmósfera en la que la película está creada de una manera soberbia, los espacios son manejados adecuadamente, el museo de noche, los túneles inundados. -Sus dosis de acción y enfrentamientos, los ataques de la bestia son correctos. En conclusión es un must see para cualquier adepto al género.
El Kothoga es verde…tiene un montón de cuernos en su boca que recuerdan las pinzas de una hormiga, es grande (Unos 5 metros de largo y de 1.5 a 2 de alto), tiene la habilidad de trepar las paredes con extrema facilidad, aunque sea herbívoro.
El maquillaje de la película es algo que hay que resaltar, los efectos son una COmbinación de CGI con efectos prácticos, aprovechando las ventajas de ambas opciones
11
2
3
4
5
6
7
los mejores
western 1. “The Man Who Shot Liberty Balance” John Ford
2.- “Colorado Territory” Raoul Walsh
3.- “My Darling Clementine” John Ford
4.- “Unforgiven” Clint Eastwood
5.- “Shane”
George Stevens
6.- “Rio Bravo” Howard Hawks
7.- “Once Upon a Time in the West” Sergio Leone
Top 7
EASTWOOD, PASIÓN
LA MÚ
Por Cristóbal Jiméne
N POR
ÚSICA
ez
El maestro Clint Eastwood ha dejado impresa durante gran parte de su filmografía tanto delante como detrás de las cámaras su apego musical. Antes de ganar fama 'Clint' se dedicó a la música, y de ahí que en multitud de obras suyas cante y toque algún instrumento fuera o dentro de plano. Pronto Clint Eastwood estrenará en salas 'Jersey Boys', un musical biográfico con el grupo 'Four Seasons' como tema de fondo. Pero el melódico de 'Clint' anteriormente ya había dejado patente sus habilidades musicales en películas: 'Paint your Wagon' 1969 (un musical en el salvaje oeste cantando junto al destacado Lee Marvin de voz rasgada), 'Honkytonk man' 1982 (en la que hizo debutar a su hijo 'Kyle' para homenajear cantando y tocando la guitarra en versión country a esos músicos que se intentaron ganar la vida en los años 30 de la depresión americana) y 'Bird' 1988 (en la que 'Eastwood' se atrevió a filmar la polémica biografía del genio del saxofón 'Charley Parker', considerada como una de las mejores películas sobre jazz jamás filmadas). El director nacido en S. Francisco muestra una pasión ferviente por el jazz y por el piano. Al que fue en su momento Harry Callahan puede vérsele tocar el piano en
films como 'City Heat' 1984 y en 'In the line of fire' 1993, además el compositor Lennie Niehaus ha colaborado en repetidas ocasiones con el bueno de 'Clint' para crear la música de sus películas del portentoso director en piezas de la talla de: 'Unforgiven' 1992, 'The bridges of Madison County' 1995, 'Absolute Power' 1996 (MI FAVORITA) y por supuestísimo entre otras minimalistas y sensibles bandas sonoras como las de 'Million Dollar Baby' 2004 y la que yo creía que sería su última participación como actor, la crepuscular y demoledora 'Gran Torino', en la que podía oírse por última vez el canto de la apagada pero reconfortante y melancólica voz de este artista cinematográfico que siente pasión por la música.
cine asiáticooriental
No puedo dejar de preguntarme ¿con cuántas cosas te sentirás identificado? y ¿cuáles serán las reacciones que te provoque tan bizarro film? Claro, si decides verla o darle una oportunidad.
“Dasepo Naughty Girls” País: Corea del Sur Año: 2006 Director: Lee Jae Yong
dasepo
naughty
girls por andrés romero
El inicio de Dasepo Naughty Girls nos podría hacer pensar que estamos a punto de ver otra típica película adolescente de colegiales, pero estaríamos equivocados; va más allá de eso. No lo niego, hay estudiantes adolescentes en la edad de la “hormona” pero hay más, y lo digo en serio. La película puede crear en uno una mezcla de emociones pero jamás pierde el hilo de la comedia, su género central es la comedia. Alguien que la vea por primera vez podría creer que está viendo una película de horror/musical/comedia/romance; o una película tipo “Scary Movie” pero nada de eso, esta no es una parodia de ninguna película (eso espero o si lo es, me falta mucho cine por ver). Durante la película podremos disfrutar de situaciones muy comprometedoras, políticamente incorrectas, vergonzosas pero que nos mantendrán cautivos de la trama.
Nos narrará los infortunios de algunos personajes incluyendo los de nuestra protagonista, una chica pobre que hará lo que sea para salir de su mala situación económica. Nos sorprenderemos y divertiremos con las extrañezas de algunas situaciones y personajes e incluso les tomaremos cariño a algunos de ellos hasta el momento en que sean entrañables. Como lo mencioné hace unas líneas, veremos las situaciones de algunos otros personajes; una chica transexual, un estudiante que aprenderá a no tratar de tener cibersexo, una ¿criatura sobrenatural?, pero sin perder la historia de la chica pobre la cual tendrá unas aventurillas, aunque… no es lo que estás pensando, ya lo averiguarás. Esta película es obligada para gente amante del cine oriental pero la podrá disfrutar cualquiera. También digo que no es la mejor película asiática de todos los tiempos o la obra de arte siempre esperada. Es un film diferente y con una trama no tan común que a muchos ha encantado y otros han odiado. Ya sacarás tus conclusiones después de verla.
Inspirada principalmente por los rumores conspiranoicos sobre la existencia de los hombres de negro que empezaron a surgir a partir de los años 50 y 60, CUANDO la gente notaba no recordar haber sido abducida por un platillo volador, pero estaba segura de haber visto uno.
¿Recuerda usted alguna vez haber sido atacado o por lo menos haber visto una cucaracha alienígena de dos metros? Nosotros tampoco, y eso lo hace aún más sospechoso. Esperamos que para llegar aquí haya utilizado un navegador de su propio diseño, de tipo encaminamiento de cebolla, preferiblemente. Pues de lo contrario sepa que dada la delicada información que contienen este artículo, usted ya se encuentra bajo observación y deberá cuidar sus acciones para los siguientes veinte o treinta años. Quizá en el mejor de los casos, simplemente borren su memoria, como ocurrió en aquella mañana en que lo atacó una cucaracha gigante de dos metros. Escrita por Lowell Cunningham y dibujada por Sandy Carruthers, nace entre enero y marzo de 1990, al ser publicada su primera miniserie, por la extinta Aircel Comics, editorial canadiense independiente; la cual se carac-
terizaba por imprimir en blanco y negro, con portadas a color; Men in black no fue la excepción. Inspirada principalmente por los rumores conspiranoicos sobre la existencia de los hombres de negro que empezaron a surgir a partir de los años 50 y 60, cuando la gente notaba no recordar haber sido abducida por un platillo volador, pero estaba segura de haber visto uno, lo cual es ilógico. Tras la aparición de un ovni, se presentan estos sujetos, con las credenciales falsas de algún servicio de inteligencia. Interrogan a los testigos, les convencen de que lo que han visto no era lo que parecía (o borraban sus memorias) y desaparecen tan misteriosamente como habían aparecido. Cuenta la leyenda, su voz es metálica y su piel pálida, son tan educados como amenazantes. Según unas versiones se trata de agentes del gobierno. Según otras, realmente son extraterrestres.
Su principal característica es que visten de negro como su nombre lo indica, con traje, corbata, sombrero y gafas y conducen grandes coches a juego. Lo cual confirma relación directa con los agentes de Matrix y X-files. Es para 1997 que se estrena la primera de tres películas sobre la organización dedicada a proteger la Tierra de cualquier amenaza extraterrestre, Hombres de Negros, dirigida por Barry Sonnenfeld y protagonizada por Will Smith y Tommy Lee Jones. Hasta ese momento esta película fue la adaptación de un cómic al cine más taquillera de la historia con unos beneficios de 560 millones de dólares de taquilla mundial más 250 millones en el mercado doméstico frente a un presupuesto de únicamente 90 millones.
men in black
detrás del héroe
¿Hay diferencias entre el cómic y la película? Siempre hay diferencias entre el cómic y la película. En la versión impresa solo vemos a dos miembros de MIB, así como un tercero del que solo se conoce la voz. Por su parte, en la versión cinematográfica tenemos a Will Smith haciendo un impecable papel interpretando al caucásico James Edwards III / Agente J.
el arte de la
musicalización por Carlos Alberto Zabala
Cuando un proyecto cinematográfico está por realizarse, todos los elementos que permiten su creación e impacto, son de vital importancia, ya sea la dirección, la fotografía, el vestuario o la musicalización. Además, la musicalización está íntimamente relacionada con el origen de las historias que se desean plasmar en una pantalla. Un ejemplo claro son los musicales; en ellos la música deja de ser un agente pasivo (que solo acompaña al film), y se transforma en un agente activo que guía y dirige los eventos más importantes y significativos. Basta con recordar conocidos musicales como ¡Mama Mía! (película que haría un repaso de los míticos éxitos de ABBA) O la clásica “Singing in the Rain” (Cantando bajo la lluvia) para percatarse que la música también puede desempeñar un papel protagónico en cualquier film. Existe una metodología particular para llevar a cabo la musicalización. Primero se editan las diversas imágenes, posteriormente el sonido y la música; en otras palabras, la musicalización se realiza sobre la edición de imágenes, nunca al revés. Una musicalización realizada correctamente implica que el espectador no logre identificar los cambios de música, es decir, se busca que las transiciones mantengan una
coherencia casi perfecta entre la imagen y el sonido. La banda sonora debe acompañar siempre a una imagen, y obviamente, es una necesidad estar acorde con el contenido emocional de la escena en cuestión. En muchos casos, la imaginación facilita la tarea de musicalizar las películas. Cuando se habla de animación, la musicalización cobra vital importancia. Es muy importante seleccionar con pulcritud la lista de canciones (sountrack) que acompañaran la película. Por ejemplo, “Tarzan” cuenta con la exquisita interpretación de Phill Collings, mientras que el “Rey León” tiene a Elton John como parte primordial de su sountrack. Son por estas razones que la musicalización es considerada un arte en nuestros días. Simplemente no se puede pensar en el cine sin pensar en la música que lo acompaña.
La musicalización desempeña un papel predominante dentro de la creación de una película, pues de ella depende el empuje y el dinamismo de las diversas situaciones presentes en el film
Actualmente podemos encontrar una gran diversidad de opciones en cuanto a música, ya sea desde M83 (famosos por hace score con música electrónica) hasta Demi Lovato, quien daría voz al tema principal de la película “Frozen”.
Annie
Hall
por josĂŠ bueno
Probablemente Annie Hall no sea una de las mejores películas de Woody Allen, pero la forma en que se abordan temas tan mundanos como la necesidad del otro, el ejercicio de la vida en pareja, o el término y aceptación de una relación, han logrado marcar el cine de comedia. Love and Death (1975, generalmente traducida como “La última noche de Boris Grushenko”) marcaría el fin de una etapa en el cine Alleniano, pues un par de años más tarde y con un fuerte sello biográfico, el neoyorkino de los inconfundibles anteojos, retrataría para todos sus seguidores el ocaso de su relación, en la que sería una de sus películas más emblemáticas y galardonadas: Annie Hall (1977). En “Dos extraños amantes” (traducción para Latinoamérica) Woody Allen no se aparta de la comedia que tan buenos resultados le había dado, por el contrario, recurre a una de las formulas más conocidas, predecibles y esperadas en la carrera de cualquier comediante: la inclusión de elementos románticos. Annie Hall es una cinta rebelde. Los personajes no se supeditan a los patrones clásicos del cine, ellos saltan y se dirigen al público, le realizan preguntas, expresan sus emociones y juegan con las convencionalidades. ¿Cuál habrá sido la reacción del público cuando Alvy Singer se convierte en un cartón animado y mantiene una conversación con un emblemático personaje de Disney?... Además, es innegable la inmensa huella personal impregnada por Woody Allen a esta película. Diane Keaton, por ejemplo, usaría
sus mismas ropas, además de dotar al personaje con sus propias manías y compulsividades: la forma de manejar, el estilo retro en la vestimenta y su pasatiempo como fotógrafa son solo unos guiños. Allen, por su lado, también salpicaría con sus extravagancias a Alvy Singer: La imperiosa necesidad de no manejar, el gusto por el cine de Bergman, las múltiples referencias literarias, los chistes semitas, su muletilla registrada y su acalorado movimiento de manos, son pequeños vistazos – que sumados a los de Keaton – terminan por contornear una película marcadamente biográfica. Y esto no es una novedad en el cine Alleniano, pues vasta con una mirada a su filmografía para percatarnos de ello. Por ejemplo, Husband and Wives (1982, traducido como “Maridos y Mujeres”) recogería los últimos meses de su relación con la actriz, y aún esposa por ese entonces, Mia Farrow. Solo por citar, en 1989, Rob Reiner intentaría emular el éxito de Annie Hall en una película medianamente mediana: “When Harry met Sally…”, si bien el éxito comercial no le sería esquivo, la falta de originalidad y los repetitivos clichés terminarían por sepultar su película como una cinta ligera. Finalmente, y aunque de una importancia liviana, la película obtendría en 1976 el premio a mejor guión original, mejor director y mejor película. Y a pesar que ambos protagonistas fueran nominados – tanto Allen como Keaton, a mejor actor y actriz respectivamente - solo Diane se haría con la estatuilla de la Academia.
¿Sabías qué…? a pesar de que gran parte de su carrera ha estado montado sobre un corcel, clint es alérgico a los caballos
os
t i créd
Dirección: Eileen Gamboa Redacción: Edición y corrección:
Jose Bueno/ Miguel Gil
Artículos: Desde Adentro: Leonardo Mancilla • Zona Terror: David Gomez • Detrás del héroe: Jose A. Drucker • 7+1: Miguel Gil • Sci-Fi: Santiago Faraldo • Top7: Victor Morales• cine asiático/oriental: andrés romero Diseño: Katerin Dueñas.
tus comentarios y aportes son importates para nosotros, síguenos en www.fb.com/RevistaZona7 www.issuu.com/zona7
z7
www.revistazona7.com