zona7 DESDE ADENTRO/
DISEÑO DE VESTUARIO INTRIGA LIGA DE LA JUSTICIA
TOP7/
DETRÁS DEL HÉROE/
EXTRAS
MACGUFFIN
HITCHCOCK
-Hermanos Lumière, 1885: Aseguran que: “El cine es una invención sin ningún futuro” . -George Méliès, 1985: Descubre un invento por el que daría cualquier cosa por tener en sus manos. Mismo año, mismo invento. Pero, ¿por qué Melies mostró tanto interés en un aparato que sus mismos inventores desecharían más tarde? La respuesta es sencilla, la podemos encontrar en la magia, la ilusión, el deseo de despertar en otro ser humano sus más profundos sentimientos, hacer realidad sus sueños. Al final, no se podía esperar menos de un fabricante de juguetes con una fuerte obsesión por el ilusionismo y la construcción de sonrisas. Ahora mi pregunta es para ti: ¿Cómo ves tu el cine? ¿Eres cómo los hermanos Lumière que solo vieron un entretenimiento vacío y un negocio poco productivo? ¿O eres como aquel ilusionista que sintió en su interior la magia que palpitaba detrás de lo que miraban sus ojos? Si tú, al igual que yo, eres de esas personas que se encuentran a sí mismas fabricando sus propias películas mentales, si eres de esas personas que cree en la mágia del cine, que sus ojos brillan como los de un niño que estrena un juguete y tu corazón late de emoción cuando estás a punto de ver esa pelicula especial, entonces déjame decirte que tú y yo, somos herederos de Méliès. Cada creativo es un mago, un director de cine es un ilusionista capaz de materializar los sueños, capaz de dar vida a las ideas. ¿Te gustaría ser un mago ilusionista? Te daremos ahora un paseo por el maravilloso mundo de la magia del cine, a través de cada página de aquí en adelante, te mostraremos todos sus secretos, pero tienes que abrir bien los ojos, prestar atención a los detalles, porque solo así descubrirás todos los trucos que se enconden detrás de lo que vemos. Hoy leerás ésta edición con tus ojos de mago, y descubrirás que TÚ TAMBIÉN PUEDES HACERLO, porque al final, no hay misterio en la magia. Eileen Gamboa Navarro Directora Editorial www.revistazona7.com
EDITORIAL
no hay misterio en la magia
O D I N E T N O C sobre nosotros Somos una revista quincenal, que tiene como fin exclusivo, la difusión de información útil y práctica sobre el cine, dirigida especialmente a ésas personas amantes del séptimo arte con deseo de aprender más, de una manera práctica y de fácil comprensión. Aprovechando las plataformas web y las redes sociales traemos hasta usted una revista gratuita y de fácil acceso, sin dejar de lado la excelencia en cada detalle. Nuetro equipo cuenta con personas de diferentes paises de Latinoamérica, entre ellos Perú, Colombia, México, Costa Rica, Argentina y Uruguay. Bienvenido a nuestra zona, la zona del cine.
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Matar a un personaje y darle vida a la historia, sin caer en la tragedia o el melodrama, no es algo sencillo Y siento que debido al hábito de hablar de la vida y del amor se oscurece un poco mi voz. Cuando no hablo de la muerte como algo pasajero y natural sino como algo definitivo y, para algunos, esperado como fin al sufrimiento al dolor y nada más. Coloco a Nacho Vegas en mis parlantes y me preparo para hablar de lo que sucede con el cuerpo físico de las personas en las películas. No creo poder hacerlo sin incurrir en el temido spoiler, así que estás advertido: Hablaré de muchas películas y aunque no te revele el final puede que haya datos que desearías mejor no saber hasta ver la película, tú
decides. Confío en tu juicio, lector casual. “Despedidas” también conocida como “Violines en el Cielo”, no sé por qué violines si el protagonista toca el cello. En fin, Daigo toca el cello y debido a una serie de circunstancias que no puede controlar se acerca a la muerte. Pero no a su propia muerte, al menos no física. Obtiene un empleo en el que se encarga de preparar una ceremonia delicada y sutil para que las personas puedan irse al otro mundo, sea cual sea en el que crean, purificados de algún modo, libres de cierta carga. Trabaja con cadáveres, al mismo tiempo algo en él y en su joven esposa empieza a morir y algo
más empieza a nacer, crece. Un encuentro inesperado le muestra que también él es un cadáver y que la ceremonia que realiza con ellos le permite acceder a algo tan puro, una libertad tan grande que nunca había sentido y que le permite expresarla a través de su arte y alcanzar niveles que el mismo se había negado. Si no te atrajo nada de lo que dije… el Japón que se muestra en la película es sencillamente hermoso y lleno de pequeños detalles dulces y graciosos. La banda sonora está a cargo de Joe Hisaishi, sí el habitual colaborador de Miyazaki, el que compuso la banda sonora de “El viaje de Chihiro” y “La princesa Mononoke, creo que no necesito
7-1: ALGO MAS QUE CINE
pronuncio la palabra
muerte decir más al respecto, aun así añadiré que todo lo que sucede en la película a nivel visual se hace sublime y se eleva hacia lo divino gracias a la música. “Okuribito” que es el título original en japonés, hace referencia a Daigo, significa “el que los envía” o algo así, pues es la ceremonia que realiza, el maquillaje, la limpieza imbuidos de respeto y silencio son la “despedida” como se diría en nuestro idioma que necesitan las personas para descansar en paz. Si te importan los premios, esta ganó el Oscar a mejor película extranjera. Pensaba hablar del papel similar en apariencia al de Daigo que interpreta Liam Neeson en “After. Life” pero desistí y ahora quiero
hablar de otra cosa. Tampoco hablaré del tipo que le pide ayuda a Vito Corleone en la primera escena del Padrino y que ya avanzada la película se encarga de ayudarle con un cadáver importante. Dejo diez días abandonado este texto y cuando vuelvo a él, el vocalista de OneRepublic dice: “everything that kills me makes me feel alive” y recuerdo que muchas veces la muerte de alguien es el punto de inflexión en la vida de algún personaje, pero no como las muertes de los padres en las películas de Disney. Siempre al inicio para hacer que el espectador se identifique con el dolor y la pérdida, se entregue de inmediato al ritmo de la película y se pierdan
en la historia… Ni la muerte que aplica cierto director, admirado y reconocido en Hollywood, al final de sus mejores películas para que la muerte se transforme en algo trágico, capaz de hacer que el espectador estremecido y mudo sienta que de algún modo se liberó de cierta carga emocional. Como en el teatro griego, la catarsis necesaria para sentir que se disfrutó del arte, que el arte caló, que la película tocó alguna fibra sensible del espectador y… por lo tanto es buena. Me refiero a la muerte que permite al personaje empezar a ver la vida de otro modo, empezar a verse a sí mismo. Algunas películas en las que la muerte de un ser
querido desencadena una revisión espontanea de lo vivido y, más importante aún, un cambio total en el protagonista o… algo así. En “Elizabethtown”, por ejemplo, dirigida por Cameron Crowe y estrenada el 2005, el personaje interpretado por Orlando Bloom, llamado Drew Baylor es llevado a reconsiderar una decisión importante que acaba de tomar debido a una llamada de su hermana que le anuncia que su padre ha muerto. Así que debe tomar un avión, acudir a un entierro, organizar el entierro y hacerse cargo de ciertos asuntos que había dejado bloqueados. Pero no está solo, nunca más, aparece como caída del cielo Kirsten Dunst, quien llena de inusuales, divertidas y ligerísimas maneras de percibir la vida le permite ser él mismo, encontrarse, vivir como nunca antes. El guion, que también es de Cameron, combina escenas muy graciosas y algo de inestabilidad emocional, la suficiente para que algún personaje empiece a hacerse preguntas y crezca aunque no encuentre las respuestas, también sufre un proceso similar el espectador. La fotografía está a cargo de John Toll, el mismo que se encargó de películas como “Vanilla Sky”, “The Last samurái”, “Braveheart” y “Almost Famous”. Hablando de “Almost Famous”, por esa Cameron Crowe ganó el Oscar por mejor guion original. Y si todavía no tienes una idea definida del trabajo de John Toll, él fue el encargado de la fotografía en el episodio piloto de la serie “Breaking Bad”, trabajo por el cual fue nominado a un Emmy. ¿Dije que ganó dos premios Oscar por su trabajo? Bueno, lo digo ahora, los ganó por “Braveheart” y “Legends of the Fall”. Es el único director de fotografía con dos estatuillas. No creo poder expresar en palabras la calidad de su trabajo y no lo haré.
Mencionaré unas cuantas películas que utilizan la muerte de un personaje como catalizador para un cambio de otro, sin destruir el universo creado durante más de la mitad de la película, que me gustan. Muerte inicial, por decirlo de algún modo. “Memento” de Cristopher Nolan, la muerte de la esposa del protagonista es lo que lo impulsa en un viaje en busca del asesino. La historia es narrada de una manera única, literalmente. Guy Pearce hace un trabajo impecable como actor. Y… si te gustó la chica que interpretó a Trinity en “Matrix”, Carrie-Anne Moss, pues… esta película no te decepcionará. “Enemigo mío”, esta película de culto dirigida por Wolfgang Petersen tiene a la muerte como paso necesario para que un ser empiece su vida y otro de los protagonistas recuerde aquello que siempre supo habitaba en él: el valor de la amistad, del amor y la defensa de la vida, además de superar diferencias aparentes y amar. No sé si alguien haya dicho algo así acerca de una película de ciencia ficción, pero así la veo yo y me encanta. Creo que llegué hasta aquí sin revelar ningún final o algún dato muy importante que te impida disfrutar la historia detrás de una película, ¿verdad?
«ESTOY SEGURO QUE A CUALQUIER A LE GUSTA UN BUEN CRIMEN, SIEMPRE QUE NO SEA L A VICTIMA».
ALFRED
HITCHCOCK
frases de película
La gran Edith Head. Una de las más grandes diseñadoras de vestuario de la historia de cine. Ganadora de cinco premios Oscar por sus diseños inmortales que van desde el vestuario de All About Eve (Joseph L. Manckewitz, 1959) hasta el que la inmortalizó, el de Roman Hollyday (William Wyller, 1953)
desde adentro
El diseño de vestuario. La identidad del personaje El personaje es una construcción hecha por el actor y el director basada en lo descrito en el guion. Existen muchos métodos para construir al personaje que van desde la construcción de biografías del personaje e investigaciones, hasta la plena improvisación de la forma de actuar del personaje, de eso hablaremos cuando tratemos el tema “dirección de actores”. Pero, estas metodologías se fundamentan en la imagen, la imagen determina el tipo de actuación que debe realizar el actor porque es la imagen la que determina el universo diegético en el que vive y ha vivido durante toda su vida el personaje, también la que determina la gestualidad que realiza y sus gustos y necesidades dramáticas (objetivos y obsesiones que tiene). Esta fundamentación se trabaja desde la fotografía y el arte. Hasta el más mínimo objeto de utilería y ambientación narra algo dentro del universo diegético y “el universo interior del personaje”. Desde sus deseos y gustos hasta sus sentimientos y opiniones, todo esto tiene una relación estrechamente psicológica con él personaje. Si él habita en un ambiente recargado de cosas esto
narra su gusto por el calor, por la compañía y por la cercanía, pero si por el contrario habita en un lugar sin muchos objetos, este tiene un gusto por el espacio, tal vez practique yoga, o, tal vez sufra de claustrofobia. El arte y la construcción de la imagen narran todas las características psicológicas y mentales de los personajes. Pero hay un sub-departamento en especial en el departamento de arte que es sin duda el que más narra aspectos psicológicos de la vida de los personajes. Ese es el diseño de vestuario. No solo es una cuestión psicológica, sino también una cuestión social la creencia de que tal como vistas, así es tu personalidad. En el cine esto es apoyado desde la creación del personaje y de la imagen, los vestuarios en general de todos los personajes tiene la misión de crear “coralidad” , es decir, crear una identidad colectiva entre todos los personajes de la película, el vestuario que usen los personajes determina desde su edad, hasta época, país y estatus social. El vestuario ocupa una gran importancia en la creación del personaje. Le da una identidad temporal, social y cultural, le da vida y le da énfasis en la historia.
El diseño de vestuario de Jaqueline Durran para la película Anna Karenina (Joe Wright, 2012) ganador del Oscar es un gran ejemplo de la evolución de un personaje a través de su vestuario y de la fidelidad de este a la paleta de colores.
El actor y su vestuario. El actor tiene que caracterizarse, caracterizar a su personaje desde dos puntos, caracterización interna a lo que hace referencia su estilo actoral (que explicaremos cuando veamos dirección de actores) y desde la caracterización externa, de la cual se encarga el departamento de arte, al recrear su hábitat, su forma de vestir, sus rasgos faciales desde el maquillaje y su peinado y sus miedos y sentimientos desde la creación de atmosferas. El vestuario en la mayoría de las propuestas de arte en películas tiene la misión de mostrar al personaje como es. Si el vestuario es cargante (lleno de prendas) y es oscuro, el personaje es malvado y con temperamento fuerte, si el vestuario es simple, minimalista (no tan lleno de prendas de vestir) y el de colores claros, el personaje es entonces bueno y con personalidad amigable.
Estos son ejemplos de propuestas que se suelen usar en películas famosas. Pero esto cambia según la historia narrada y el personaje a ejecutar, y es mucho más complejo, dependiendo de cómo es el universo diegético y el personaje. El carácter del personaje y el trabajo que realiza el actor sobre él, el estudio que este hace a cómo es y por qué el personaje hace lo que hace también puede (y tiene que) sacar provecho del vestuario. Si al personaje se le pone un vestuario colorido y con muchas prendas que el director acepta, el actor debe analizar por qué el personaje usa tales colores y tales prendas y usar esto como un vínculo que le ayude a transmitir al personaje desde a dentro, usando obviamente su exterior.
El vestuario de The Artist (Michel Hazanavicius, 2011) ganador del Oscar, realizado por Mark Bridges, es un ejemplo del diseño de vestuario para una película a blanco y negro.
La importancia del color El color llega a una película dependiendo de la “paleta de colores” que los directores de fotografía y arte han diseñado para la imagen. El vestuarista es fiel a esta paleta de colores para la creación del vestuario. Dentro de la propuesta de paleta de colores se especifica los colores que se usaran en las escenas, por qué se usan y las tonalidades y la luz que lo recrean. El vestuarista hace un estudio de estos puntos y define por escenas los vestuarios que usan los personajes. Esto denota la evolución del personaje. Por lo general si el personaje se degrada se usan colores que denoten esta degradación, lo mismo si el personaje empieza siendo un perdedor que por el curso de la película prospera, este camino a la prosperidad se denotara en el vestuario
que lleva, en el maquillaje (ya que sus gestos cambian) y en el ambiente que lo rodea. Tal vez el espectador común no lo note, pero no se debe subestimar la visión de los espectadores, por obviedad si lo notan, y esto tiene una gran repercusión en su opinión sobre la película que han visto. Si la película es mala y tiene un buen arte o buena fotografía, hay algo en ellos y su opinión que los lleva a no catalogar tan mal la película. Si la película es buena pero el arte o la fotografía es mala, resaltaran lo buena que es la película pero esta no obtuvo un verdadero efecto en ellos, no destacaran lo bella que fue, solo lo buena. Y si la película fue mala y la fotografía y el arte también lo fueron, tenga por seguro que la película será odiada por casi todos los espectadores sin importar que no sepan de fotogra-
fía o arte. Esto es amigos míos lo que se suele llamar “la magia del cine”. El color tiene una misión narrativa y expresiva. Si una película es en blanco y negro, es el manejo del contraste y de la escala de grises lo que narrara algún aspecto de la película y lo que dará un valor expresivo y estético. El color puede resaltar algo en especial que atraerá a los ojos y tendrá un especial efecto en el espectador. En el cine de Tim Burton suelen ser las pieles de los personajes y los eventos mágicos, en el de Hitchcock los aspectos, lugares y personajes oscuros y en el Kurosawa los decorados y los paisajes. Esto depende del estilo de cada director, director de fotografía y director de arte.
Vestuario desde la propuesta de arte
Diseño de Edith Head que inmortalizó a la actriz Audrey Hepburn en Roman Hollyday. Curiosamente no fue Edith quien diseño los mejores vestuarios de la mujer “mejor vestida de la historia”, fue Hubert Givenchy.
Desde la propuesta de arte, el director de arte describe los criterios de diseño y recreación de vestuario según el personaje, las situaciones, las acciones y demás aspectos externos tales como la época, la cultura, es estatus social, el país, etc. El vestuarista o diseñador de vestuario se basa en estas descripciones para comenzar a diseñar varios posibles vestuarios que él presenta al director y al director de arte, estos dos descartan los vestuarios que crean menos precisos y dejan los vestuarios que según ellos van más de acorde al personaje y a la historia. Cuando quedan definidos los vestuarios, el vestuarista es citado a uno de los ensayos con los actores para que haga las medidas de las tallas de los vestidos de cada actor, y luego cuando termina de coserlos y los da por acabados, es citado a otro de los ensayos con actores para que ellos se los midan y estén preparados en el momento de rodaje de la película. Si esto no se hace, es un problema del director y crea desorden en la producción, los actores no concretan una relación con los personajes y el director tendrá problemas con la dirección de los actores.
Próximamente: El diseño de producción, la construcción del set.
Tipos de diseños de vestuario Existen tres principales tipos. Diseño de vestuario para película de época, diseño de vestuario para película actual y diseño de vestuario para película fantástica. Desde el guion se especifica como es el universo diegético de la película y con esto si la película es de época, actual o fantástica. Dependiendo de cuál sea la diégesis de la película el arte y el vestuario tienen unos criterios para su creación, estos criterios se fundamentan en dos cosas, la investigación y la creatividad. En las diégesis de época y actual la investigación tiene el papel principal, el vestuarista tiene que realizar una minuciosa investigación de la época y cultura en la que tendrá acción la película y como era el vestuario es ese contexto. Debido a que de ciertas épocas y culturas se desconocen muchas cosas referentes al vestuario y al arte, la creatividad comienza a tener un papel fundamental, basados en los pocos datos de investigación se termina de recrear basado en la creatividad objetiva que se tenga respecto a cómo debió haber sido el vestua-
rio en aquel entonces. Este es un problema que no se suele tener con los vestuarios de las películas actuales, pero la creatividad entra a tener un papel importante ya que en el vestuario actual los vestuaristas dejan su sello y estilo sin miedo a equivocarse ya que es el medio en el que suelen trabajar debido a que muchos vestuaristas no solo se dedican al diseño de vestuario cinematográfico, sino que también se dedican al vestuario de moda y farándula. En el vestuario fantástico es la creatividad la que tiene el papel principal, el vestuario de un universo diegético creado desde el guion tiene que ser fiel a la dirección de arte y a la escenografía, si no es así abra un desequilibrio respecto al universo diegético. Este arte y vestuario tiene que partir de unos referentes que se basan en escenografía y ambientación existentes en nuestro universo verdadero y natural.
El diseñador de vestuario Muchos son llegados del diseño de modas tradicional y otros son puramente cinematográficos. Todos tienen vastos conocimientos en historia del arte y del vestuario, en texturas y teoría del color, y poseen una creatividad y una sensibilidad hacia el vestuario inigualable. Los diseñadores de vestuario no solo son los mejores vestidos en las producciones y en las alfombras rojas (que como crimen nunca son reportados en programas dedicados a la crítica de vestuario), también son la mano derecha de los directores de arte y de los actores. Su trabajo es diseñar y presentar propuestas de vestuario, que una vez aceptadas comienzan a recrear con todo un equipo de expertos sastres y modistas que están a sus órdenes para poder concretar un muy buen trabajo en vestuarios y ser entregados lo más pronto que se pueda. El resultado es uno de los trabajos más sensibles y artísticos de todas las producciones. Lo que les da carácter a los personajes.
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Joseph Hitchcock Director, productor y guionista Alfred Joseph Hitchcock nació en Londres, Inglaterra, el 13 de agosto de 1899, y fue criado por padres católicos estrictos. Él describió su infancia como solitaria y protegida, en parte debido a su obesidad. Él dijo una vez que él fue enviado por su padre a la estación de policía local con una nota pidiendo al oficial que lo encerrara durante 10 minutos como castigo por portarse mal. También comentó que su madre le obligaría a estar a los pies de la cama durante varias horas como castigo (una escena que se alude en la película Psycho). Esta idea de que está siendo tratado con dureza o injustamente acusado más tarde se reflejaría en las películas de Hitchcock. Hitchcock estudió ingeniería en St. Ignatius College en Londres y rápidamente obtuvo un trabajo como dibujante y diseñador publicitario para la compañía de cable de Henley. Fue mientras trabajaba en Henley de que él comenzó a escribir, la presentación de artículos cortos para la publicación interna. Desde su primera pieza, empleó temas de acusaciones falsas, las emociones conflictivas y los finales de la torcedura con habilidad impresionante. En 1920, Hitchcock entró en la industria del cine con una posición de tiempo completo en la Famous Players-Lasky Company tarjetas de título de diseño de las películas mudas. Dentro de unos años, estaba trabajando como ayudante de dirección.
En 1925, Hitchcock dirigió su primera película, y comenzó a hacer los "thriller" por las que llegó a ser conocido en todo el mundo. Su película de 1929 “El chantaje” se dice que es el primer británico "talkie". En la década de 1930, dirigió películas tan clásicas de suspenso como El hombre que sabía demasiado (1934) y The 39 Steps (1935). En 1939, Hitchcock dejó Inglaterra para Hollywood. La primera película que hizo allí, Rebecca (1940), ganó un Oscar a la mejor película. Algunas de sus películas más famosas incluyen Psycho (1960), Los pájaros (1963) y Marnie (1964). Sus obras se hicieron famosas por sus representaciones de la violencia, aunque muchos de sus parcelas simplemente funcionan como señuelos destinados a servir como una herramienta para la comprensión de los caracteres psicológicos complejos. Sus apariciones en sus propias películas, así como sus entrevistas, trailers de películas y programas de televisión Alfred Hitchcock Presents (1962-1965), le hicieron un icono cultural. Hitchcock dirigió más de 50 películas en una carrera que abarca seis décadas. Él recibió el Premio a la Trayectoria del American Film Institute en 1979. Un año más tarde, el 29 de abril de 1980, Hitchcock murió tranquilamente mientras dormía en Bel Air, California. Le sobreviven su compañera de por vida, asistente de dirección y el colaborador más cercano, Alma Reville, también conocida como "Lady Hitchcock", que murió en 1982.
Director, productor, personalidad de televisi贸n y guionista. Apodado el "maestro del suspenso" por emplear una especie de suspenso psicol贸gico en sus pel铆culas y desarrollar una especie de experiencia distinta al espectador.
top7 recomendaciones de hitchcock
Vertigo (1958) Rear Window (1954) Notorious (1946) Rebecca (1940) Shadow of a Doubt (1943) The Wrong Man (1956) Strangers on a Train (1951)
BIO 7
En The Circus y mientras es perseguido por un oficial, Charlot irrumpe intempestivamente en un negocio familiar, un circo ambulante que lucha por ser gracioso y atractivo. Es allí donde conocerá a una explotada pero alegre Merna Kennedy. La torpeza involuntaria de Charlot terminará por disparar la venta de entradas, todos quieren ver al pequeño hombrecito que rompe con la monotonía de una rutina ya hartamente conocida. Charlot se gana los aplausos y el corazón de la joven chica, pero la felicidad momentánea se verá amenazada con la llegada de un nuevo personaje. Y es aquí donde el conflicto personal surge, es cuando Chaplin nos enfrenta no solo con el lado jubiloso de las cosas, si no que termina por mostrarnos un ejemplo de hidalguía, en uno de los finales más conmovedores de su carrera. En 1928, Charles Chaplin encarnaría nuevamente a Charlot, un Creo que no es necesario exquisito vagabundo vestido de traje y sombrero. hacer un recuento de aquellos diComo en gran parte de las películas de Chaplin, estamos ante un vertidos gags con los que cuenta drama lleno de situaciones hilarantes, divertidas y disparatadas. Prola película; es mejor comprarla, bablemente las risas acompañen gran parte de la película, pero no es descargarla o pedirla prestada. hasta el final de ella que nos vemos enfrentamos a una amarga senPues ver a Charlot enjaulado sación de culpa, uno puede reírse con las jocosas escenas de Charlot con un león un tanto dormilón; en un salón de espejos jugando al “ladrón y al policía”, o soltar una o intentar emular a un curtido carcajada cuando corre despavorido para evitar ser embestido por equilibrista mientras es acosado un potrillo, pero cuando las llantas de un circo ambulante levantan el por una pandilla de monos un polvo que envuelven a un solitario Charlot, la realidad cae de golpe, tanto pervertidos, son momentos y es ahí cuando la sensación de culpa aparece. geniales que en el peor de los Chaplin gusta de mostrarnos finales abiertos, que dejan sensaciocasos merecen una búsqueda en nes extrañas e incómodas. ¿Quién no recuerda el fantástico final de youtube. City Lights (1931), o el nostálgico adiós que nos daría Charlot, quien Particularmente no considero - de la mano de una hermosa Paulette Goddard - se alejaría literalThe Circus como la mejor pelímente de las pantallas en 1936, en una de sus mejores películas: cula de Chaplin, pero definitivaModern Times? mente debería ser una obligación Algunos podrán señalar que el cliché y los finales llamados “felipara cualquier persona que se ences” no siempre estuvieron ausentes, y esto es totalmente cierto. The cuentre interesada en el cine cláKid (1921) goza de una ternura única y de un final dulce, delicado sico, en blanco y negro, mudo, o y agradable a primera vista; lo mismo que ocurriría años más tarque simplemente disfrute de las de con – y la que quizás sea la película más representativa del cine comedias. Chapliniano - The Great Dictator (1940), donde un barbero en apuros terminaría por ser confundido con el máximo mandatario de una sociedad ficticia, viéndose obligado a suplir su lugar y a pronunciar uno de los discursos, que a la postre de los años, sería de los más entrañables y recordados de la historia del cine.
por josé bueno
THE CIRCUS
Desde mi perspectiva, la filmografĂa de Alfred se divide en dos momentos, lo que ocurre previamente a los aĂąos 60, y lo acontecido luego.
ZONA TERROR
sólo realizó siete películas, Hitchcock era un ser cansado, sin batería o ganas de realizar más obras. Esa es mi perspectiva del mítico hombre cuya barriga es inconfundible. ¿Por qué no leer su opinión?, si desean dejarnos su lista de películas favoritas de Hitchcock y por qué, o su opinión sobre el artículo estamos a su disposición para leerlos.
suspense
están presentes las relaciones extramaritales, el adulterio es algo natural en su universo, las musas dotadas con una sonrisa gélida, tacones, zapatos… Esto nos lleva a la “segunda parte de su obra”, justo en 1960, Alfred llega a su cumbre. En 1960, sin el apoyo de alguna grande productora, con equipo viejo y de segunda de una televisora crea su obra cumbre. Nada más y nada menos que en el primer filme que pensamos cuándo se habla sobre él: la mítica “Psicosis”. (PSYCHO 1960). “Psicosis” se convierte en la obra de referencia, contiene todas las referencias que Hitchcock tenía (mujeres, suspenso, locura, patologías muy identificables). Es un reflejo de lo que en realidad era ese hombre, una mente reprimida por una educación muy católica, padres muy represores. Los villanos (o protagonistas) de sus obras son un reflejo de lo que el hombre deseaba ser, un hombre que realizó de las filmaciones un infierno y que truncó la carrera de Tippi Hedren cuándo esta se negó a sostener relaciones con él, un ser que destrozó la vida de la musa que no quería ser su musa. Alguien cuya sexualidad y vicios exaltados fueron presumidos, el autor de una frase cómo: "buscamos mujeres de mundo, verdaderas damas que se transformarán en prostitutas en el dormitorio. Pero volvamos, luego de retratar maravillosamente ese ser en “Psicosis”, Hitchcock hizo su segunda cinta más memorable…”Los pájaros” (The birds 1963), (donde se relata cómo maltrató y acosó a Tippi de una manera más explícita), y de ahí todo decayó, de 1960 hasta su muerte
el maestro del
Cuando a mis ojos llegó la noticia de que esta edición tendría como eje principal a Alfred Hitchcock mis entrañas se revolvieron, un mísero mortal, escritor de “Zona Terror” debía hablar sobre el maestro del suspenso (que no es terror, pero van de la mano). Así pues pensé y pensé acerca de qué escribir, ¿Sus mejores películas? Naaah. Advertidos están, amigos míos, en esta edición Zona Terror intentará sorprenderlos. Pensando que podemos obviar los datos sobre la vida personal de este mítico personaje, creo conveniente hacer un análisis sobre el halo que rodea a sus películas. Los primeros trabajos de Alfred se remontan a la segunda década del siglo XX, películas como champaña (Champagne 1928), La esposa del granjero (The Farmer’s Wife 1928) y Chantaje (Blackmail 1929) dejaban ver la personalidad del director. Películas bastante psicológicas, con una pincelada de misterio, giros repentinos en la trama, no se puede negar el particular estilo que metía en sus películas. Su cine avanzó, ya es notorio su peculiar forma de dirigir, para la década de los cincuentas, ya teníamos películas cómo El crimen perfecto (Dial M for a Murder 1954) o Para atrapar a un ladrón (To Catch a Thief 1955). Y a todo esto, ¿cómo fue su forma de dirigir?, Hitchcock dotaba de una atmósfera de suspenso a todas sus obras, fue un maestro en la musicalización de sus películas, su acierto más memorable está en la famosa escena de la ducha en “Psicosis”, también
un tranvía Llamado
deseo por Alan Mejía Camacho
El genial Elia Kazan da por nombre "A streetcar named desire (1951)" la original puesta en escena de la genial obra de teatro de Tennessee Williams del mismo nombre. Un tranvía llamado deseo es un florilegio de situaciones caóticas en la cual una solitaria y refinada Blanche DuBois (Vivien Leight) ya entrada en años, irrumpe la tormentosa vida de pareja que componen su hermana Stella Kowalski (Kim Hunter) y su marido, el rudo y chabacano inmigrante polaco Stanley Kowalski (Marlon Brando) en su apartamento en Nueva Orleans, donde conviven asentados entre la indolencia y la mezcolanza. El indeleble paso del tiempo siempre toma con sus garras a quienes huyen de ella, aunque pervivan en las sombras. Las sombras de un oscuro y misterioso pasado que envuelven a Blanche, una dama sureña educada en la más alta alcurnia que busca disipar de sí su pasado con su trato personalizado, pícaro y exquisito, deseando sobremanera ser tratada como el título de lady lo amerita y que no busca más que amabilidad y delicadeza entre quienes la
rodean, una filosofía que no será compartida por su cuñado Stanley el cual se esfuerza en descubrir lo que Blanche esconde y que el film nos proporcionara a cuenta gotas en un inicio, dejando a Blanche sumida en una contienda consigo misma, y con tremendo ser tan desquiciado, machista y violento, contrario a ella, manteniendo sus mentiras pendiendo de un hilo. Ese dimorfismo mueve los hilos de la película, la contundencia de la performance de su tridente actoral que el tiempo ha perennizado y hoy harían ver como las más avanzadas clases de actuación, casi inimitables y que forjarían los cimientos de lo que sería el cine posteriormente a través del Actors Studio— quizás la escuela interpretativa más influyente del cine, que crea Kazán conjuntamente con Lee Strasberg; la definición de unos diálogos fulgurantes y precisos, la sobria iluminación y la densa y estética fotografía blanco negra de Harry Stradling Sr., refuerzan su carácter de clásico instantáneo. Eso y el comienzo de la leyenda Brando aunque ésta no fuera su primera actuación (Hombres fue la primera en 1950) ya hablan de la cúspide casi
inalcanzable que lograría apenas con 25 años, consagrándolo unos años después con On The Waterfront (1954) y llevada a categoría de mito casi dos décadas después con El Padrino I (1971). Esa violencia aplacada y a la vez fortuita de Stanley, cual animal salvaje desencadenado se desprenden con su sola mirada, con el menor intento de un gesto y con su voz autoritaria e indócil, que no provoca más que quedar mirándolo y descuidar otros detalles de la escena, él es un ser previsible, sensato. Blanche extravagante en cambio, busca aparentar en su bizarría lo que no es, quedándose estancada en su mente, en sus mejores años, dejando señas incluso de no saber si ella misma esta creyendo sus mentiras y si su sobreactuado papel digamos, intencionado, no hace más que complicar el afán de conservar sus secretos bien secretos sobretodo de Stanley, por el cual siente un temor lascivo, una fascinación especial. Pero Stanley percibe ese misterio llevando sin atenuantes su acoso a Blanche hasta acabar volviéndola loca para luego ser internada en un instituto psiquiátrico.
crítica
Hasta allí Stanley a través de Brando perfecto. Pero es la actuación de Vivien Leight la que le otorga al film un grado de notoriedad. Su dedicación para interpretar un papel que le venía a pelo tenía sus propias complicaciones, teniendo en cuenta que Leight tuvo que reforzar su acento sureño, el cual ya había impresionado en Lo que el viento se llevó y que la haría repetir dicha vocalización, teniendo en cuenta que ella es de origen Británico, alcanzando el mismo nivel de Scarlett O´Hara lo que ya es tremendo mérito. Sin mencionar su poca química con el director. Kim Hunter completa este inolvidable tridente. Stella padecía también su propia lucha interna, sumida entre la impotencia de poder hacer poco o nada para amoldar a su brusco marido y la pena de ver a su hermana viviendo su propia fantasía, adulando de lo que ya no es no pudiendo confrontar reiterados careos de Stanley pero entendiendo gracias a ella, que convivía con un híbrido entre humano y animal y que su futuro y el de su próximo bebé quizás no tendría el mejor porvenir con él. Un tranvía llamado deseo también plantea una discusión
Un tranvía llamado deseo es una película imperecedera y vital gracias a la magistral dirección de actores de Kazán, a las actuaciones atemporales e irrepetibles, al talento brutal de Leight y Brando, a un guion que escasea hoy, llevado a su clímax en la escena final con Stella huyendo, presagiando lo que Stanley con su brutalidad suscitó. Un final de justos perdedores, todo error tiene un precio que pagar y Kazan lo entiende así. de carácter social, la sexualidad y la vulgaridad, el machismo y el acoso, el sometimiento y la pasividad, el miedo a la soledad y al abandono, la locura, el perdón y el castigo vistos desde un enfoque artísticamente magistrales quizás muy incisivas para el común pensamiento de la sociedad norteamericana de los cincuentas. Brando dijo una vez que Elia Kazan era el mejor "director de actores" porque nadie mejor que él conocía el papel del actor porque él era actor. Porque se comprometía con el actor sacando lo mejor de él gracias a la imposición del "sistema del método", en el cual el actor vive de verdad la
encarnación de personaje en escena y el trabajo que hace sobre el guión a través de la memoria emotiva y la improvisación. Y para Kazan Marlon Brando era el máximo genio que pudo ver sobre un escenario. De genio a genio, de manera retribuida y justa.
¿Sabías qué…? En 1942 Joan Fontaine ganó el Oscar como mejor actriz por su papel en la película “Sospecha” - un logro que la hizo, aunque parezca increíble, el único actor o actriz en ganar un Oscar por una actuación en una película de Alfred Hitchcock.
Dos viajeros se conocen en un tren de Inglaterra. Uno le dice al otro “Perdone, señor, pero ¿pero que es ese paquete de curioso aspecto que esta encima de su cabeza?” “ah, es un Macguffin” ¿Y para qué sirve eso? “Sirve para atrapar leones en Escocia” “Pero si no hay leones en las montañas de Escocia” “Entonces, no hay McGuffin” Hitchcock ha contado muchas veces esta historia para reírse de los críticos de sus películas que buscan una explicación al McGuffin.
¿Qué es el McGuffin? El McGuffin es un elemento en el cine que bautizó el director Alfred Hitchcock durante los años 30’s, para describir un elemento importante en una historia pero que después parece no tener relevancia para la misma, este recurso fue utilizado en varias de sus películas para despistar a los personajes de una historia. Gracias a técnicas y teorías como ésta Alfred Hitchcock fue el primer gran manipulador de la historia del cine. Su objetivo no es tanto contar una historia como hacer vibrar al espectador. La técnica básica de su famoso suspenso era, en primer lugar, conseguir la identificación entre el público y el protagonista, que solía ser casi siempre un hombre normal con una vida normal hasta que, de repente, se veía inmerso en una situación completamente infrecuente a la que arrastraba al espectador. Según decía el director: “el público quiere cosas extraordinarias,
lo normal ya lo vive en casa”. Y así espectador y personaje, siempre juntos, podían descubrir un asesinato en la casa de enfrente, ser acusados falsamente de un crimen, sufrir el secuestro de su hijo o empezar a sospechar que su marido era un asesino. Hitchcock conocía como nadie los mecanismos psicológicos del miedo y el interruptor adecuado para activar cada uno de ellos. En cierto sentido, el McGuffin pretende engañar y desconcertar al espectador, en primera te “engancha”, haciendo pensar que la trama va en una dirección, cuando en realidad va dirigida en otra dirección inesperada. Por eso mismo, una definición popular de McGuffin (y que puede aplicarse fuera de las películas) es sencillamente “algo que le interesa a todo el mundo, pero que en realidad no es relevante a nada en particular” Ejemplo: Al ver Psicosis por primera vez podemos imaginarnos que toda la trama va a girar en torno al robo de 40.000 dólares por parte del personaje de Janet Leigh. Algo parecido pasa en Con la muerte en los talones: nuestra primera impresión es que nos encontramos sencillamente ante una película de persecuciones (Cary Grant escapando de la ley, y al mismo tiempo intentando corregir una identidad equivocada). Sin embargo, en ambas películas (y en muchas otras películas de Hitchcock), nos damos cuenta de que todo eso era realmente irrelevante al guión. Simplemente servía de telón de fondo para asuntos más importantes. Quizás el más claro ejemplo sea el maletín de Pulp Fiction, que tiene relevancia en las actuaciones de los personajes, pero en ningún momento se sabe lo que contiene, sólo vemos el extraño resplandor que sale de él y los asombrados rostros de los que lo contemplan. Desde luego fue Hitchcock el que más y mejor uso este recurso, desde Con la Muerte en los Talones, con el pobre Cary Grant perseguido por algo que ignora, al dinero robado en Psicosis, que nos lleva hasta el tenebroso Motel Bates. Casos más curiosos son la palabra “Rosebud” que actúa como “McGuffin” en Ciudadano Kane, o la investigación de Twin Peaks, ¿quién mató a Laura Palmer?
McGuffin , el despiste de personajes por CĂŠsar Quintana
La película empieza cuando Marjane sale de su natal Irán para establecerse de forma definitiva en Francia; luego empieza un feedback que nos traslada al año 1978 en plena Revolución iraní que derrocó al Sah Muhammad Reza Pahlavi y transformó a Irán en un “república” al inicio se ve como los familiares de Marjane estaban de acuerdo con la revolución (ellos descienden de la dinastía Kayar que fueron derrocados por el padre del Sah Muhammad) además de que son de una clase social privilegiada y Marjane estudia en un liceo francés de Teherán; luego de un breve periodo en donde todo era felicidad, las cosas cambiaron pues los que tomaron el poder instalaron una república islámica, en donde el fanatismo religioso regía la vida de los iraníes, empeorando las cosas Irak decide iniciar una guerra que duraría 8 años. Marjane va creciendo en ese cambio, vemos de como ir a una escuela mixta, ahora asiste a una de solo mujeres, y las leyes se vuelven cada vez más rígidas. Ella, debido a su formación, se revela contra eso, todo comienza de algo simple como escuchar a bandas como Iron Maiden o usar zapatillas Nike, hasta retar a su profesora, por tal motivo sus padres deciden mandarla a Austria. En ese país en el que está sola, el choque cultural le afecta, al principio le cuesta hacer amigos, pero poco a poco va rompiendo sus miedos, pero también descubre la vida por sí sola, como el primer amor, las drogas, la homosexualidad (ese detalle
PERSÉPOLIS ES UNA PELÍCULA ANIMADA FRANCESA DEL AÑO 2007, BASADA EN LA NOVELA GRÁFICA HOMÓNIMA, TANTO EL GUION LA PELÍCULA COMO LA NOVELA GRÁFICA FUE ESCRITA POR LA ARTISTA FRANCO-IRANÍ MARJANE SATRAPI Y ES DE CARÁCTER AUTOBIOGRÁFICA, LA DIRECCIÓN ESTUVO A CARGO DE VINCENT PARONNAUD Y DE LA MISMA SATRAPI.
se ve más en el libro), hasta la discriminación por ser Iraní. Luego de varios problemas (vivir en la calle) regresa a Teherán, de nuevo con sus familia, con su gente; ve las cosas cambiadas, por un lado la estrecha vigilancia por parte del sistema islámico por otra las consecuencias de un pueblo herido a causa de la guerra con Irak, a pesar de eso decide
rehacer su vida, estudiando arte en la Universidad y hasta contraer matrimonio (uno poco duradero). Sin embargo el que equilibrarla, ni la extrema libertad (representada en su estancia en Austria), como la privación de esta (representada en su estancia en Irán) son beneficiosas, así como da un mensaje de tolerancia cultural pues ella ve como los iraníes al igual que los
Persépolis EN BÚSQUEDA DE LA LIBERTAD Daniel Mosquera
pueblos árabes son vistos como unos maniáticos de la guerra en occidente, o los iraníes ven a los occidentales como consumistas, plásticos y sin corazón. Una película que vale la pena ver, eso sí antes les recomiendo leer el libro.
detrás del héroe Liga de la justicia (También llamada Justice League of America en ciertos lugares que creen América es un país). Información ofrecida por la web The Hollywood Reporter y Zona7, afirma que Warner Bros. Estrenará Liga de la Justicia en el 2017, luego de estrenar Batman vs. Superman, y que el director Zack Snyder, responsable de varias adaptaciones del cómic, como “300”, “The Watchmen” y “Superman: el Hombre de Acero”, estará nuevamente a cargo. Con motivo de esta noticia, dedicaremos este espacio para relatar algunos aspectos relevantes del origen del ameno grupo de superhéroes.
liga de la justicia la
Notas: Efectivamente, La Liga de la Justicia se creó antes que Avengers de Marvel. Edad de Oro: Fue un período en la historia de los cómics estadounidenses que estuvo presente durante las décadas de 1930 1940 y algunos años de 1950, este periodo inició con la creación del primer superhéroe en la historia, Superman. Edad de plata: Implicó una gran cantidad de modificaciones en el género de los superhéroes. Se considera que comenzó a fines de la década de los '50 y se prolongó hasta inicios de la década de los '70. Edad del Bronce: Es el período de la Prehistoria en el que se desarrolló la metalurgia de éste metal, resultado de la aleación de cobre con estaño.
El concepto de un puñado de súper poderosos trabajando juntos, debutó en el N°3 de la revista All Star Comics, en el invierno de 1940. Bajo el nombre de Sociedad de la Justicia, este equipo fue creado por el guionista Gardner Fox e ilustrado por Jack Kirby, Joe Kubert, E. E. Hibbard, entre otros. Debe su nombre a la Sociedad de las Naciones, organismo que en esa época tenía la responsabilidad de mantener el orden internacional. Tras casi una década de receso, debido al cierre de All Star Comics en 1951, la idea revive en 1961, para el número 28 de la colección Brave and the Bold , una serie dibujada por Mike Sekowsky y Murphy Anderson, en la que los protagonistas eran héroes históricos ficticios, que luego del número 24 se convirtió en una serie de testeo de crossover masivo, sería la primera aparición del super grupo, en la cual destacaba, una extraña portada con varios héroes de DC luchando contra una "estrella de mar gigante", el invasor extraterrestre Starro. Después de la recuperación exitosa del concepto de los superhéroes en la Edad de Plata, DC Comics encargó a Gardner Fox y a Mike Sekowsky el trabajo de revivir la Edad de Oro de la Justice Society of America.
Fox utilizaría el concepto de Liga inspirado en las diversas franquicias de diversos deportes del momento (National Football League por ejemplo) y decidió entonces crear un nuevo nombre para el proyecto, así fue como un nuevo equipo surgía y se eliminaba el concepto de Sociedad. A partir de este punto, es donde comienza una más notoria evolución argumental que llega a su cúspide en 1985, con “Crisis on Infinite Earth”, el primer gran crossover del género de superhéroes, que incluyó a prácticamente todos los personajes que la editorial DC comics tenía hasta entonces. Fue también tan importante, ya que reorganizó todas las historias que la DC había escrito e incluso cambió las vidas de muchos personajes, que aún tiene consecuencias en la continuidad del Universo DC, llegando a distinguirse las versiones "pre-Crisis" y "post-Crisis" de los personajes.
" TOP 7
Intriga
(Sin repetir director):
Vertigo (1958)
Double Indemnity (1944)
The Third Man (1949)
Laura (1944)
The Big Sleep (1946)
Mystic River (2003)
Los Peces Rojos (1955)
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t i créd Dirección: Eileen Gamboa Redacción: Edición y corrección:
Jose Bueno/ Miguel Gil
Artículos: Desde Adentro: Leonardo Mancilla • Zona Terror: David Gomez • Detrás del héroe: Jose A. Drucker • 7+1: Miguel Gil • Sci-Fi: Santiago Faraldo • cinema italiano: diego ravizza Top7: Victor Morales• Diseño: Katerin Dueñas.
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