Revista del Auditorio Nacional / No. 2 by La Revista del Auditorio

REVISTA del AUDITORIO la

Nº 2 ABRIL 2014

Ejemplar gratuito

Peter Gelb

y la ópera Luis Pescetti

Se presenta por primera vez en el Auditorio. Tenemos un perfil de este cantautor de origen argentino que es amado por los niños (y no tan niños) en México.

Pxndx vuelve

Los regios están de regreso en el Coloso de Reforma; platicamos con ellos largo y tendido acerca de su carrera que, con todo y altibajos, sigue pasos firmes.

daniel wong & friends

Celebran juntos y en grande el Día Internacional del Jazz en una noche de música plena que promete ser un espectáculo imperdible para disfrutar en el Lunario.

En entrevista, el director del Met de Nueva York nos cuenta qué está haciendo para mantener vivo el gusto del público por la ópera y cómo ha innovado al género.

CONTENIDO

REVISTA del AUDITORIO la

Consejo Nacional para la Cultura y las Artes Rafael Tovar y de Teresa Presidente

CENTRALES

Gobierno del Distrito Federal

“No podemos confiar en la longevidad de la ópera para mantenerla a flote”, dice Peter Gelb, director del Met de Nueva York, en entrevista.

Miguel Ángel Mancera Espinosa Jefe de Gobierno

Auditorio Nacional

Gerardo Estrada Rodríguez Coordinador Ejecutivo

Francisco Serrano Carreto

Director de Desarrollo Corporativo

Luis Carlos Romo Salcido Director de Operaciones

Constanza Bolaños González Garza

Directora de Promoción y Difusión

Carlos Reygadas Barquín Director de Administración y Finanzas

LA “AVANZADA REGIA” TIENE CONTINUIDAD CON PXNDX

Mark Giancola

Director de Producción Coordinadora de Prensa

Nicolás Martínez

Centro de Documentación del Auditorio Nacional

Getty Images

Mónica Navarro Ruiz

Un grupo que se ha visto envuelto en polémicas y que tiene, como respaldo, a un enorme público. p. 36

Cortesía The Metropolitan Opera

No 02 · abril 2014

CONTENIDO

REVISTA del AUDITORIO la

No 02 · abril 2014

Dirección Eduardo Sanmiguel Director general eduardo@aeditores.com

Marcela Aguilar y Maya Directora asociada

Editorial Julieta García Dirección editorial julieta@aeditores.com

Natalia González Coordinación editorial

Claudia Benítez Asistente editorial

Adriana Colón Susana Paz Corrección de estilo

Arte Cynthia Márquez Dirección de arte y diseño

Gerardo Terán Diseño

Fernanda Carrasco Verónica García Oropeza

Comercial Eva Feldman Ejecutiva de cuenta eva@aeditores.com

Gabriela García Ejecutiva de cuenta gabriela@aeditores.com

Ivonne Miranda Ejecutiva de cuenta ivonne@aeditores.com

Pablo Maya Relaciones públicas

Asesores de contenidos Marcello Lara Jesús Quintero

consejo editorial Gerardo Estrada Bruno Newman Francisco Serrano Eduardo Sanmiguel Julieta García Constanza Bolaños Marcela Aguilar y Maya Mónica Navarro

A / EDITORES Leibnitz 20, piso 8-801 Col. Anzures, México, D.F. T. +52 (55) 52 81 17 78 y 79 aeditores.tumblr.com

Álvaro Buenaventura

Edición fotográfica

BREVES

Festivales del mundo, gusanos de oído, un teatro que viaja en barco, el ballet de Monterrey y otras notas que serán de tu interés. p. 6

SABÍAS QUE…

El 8º Gran remate de libros guarda muchas sorpresas para quien asiste. Te damos datos y consejos para que tengas la mejor experiencia. p.21

HISTORIA

Proseguimos con la historia del Auditorio Nacional; hablamos de su remodelación y de las mejoras tecnológicas que se le hicieron hace 25 años. p. 12

FOROS

El Auditorio Telmex y el Green Music Center, espacios para las artes escénicas que se diseñaron pensando en una excelente acústica. p. 44

CONOCE A...

Luis Pescetti, quien divierte a chicos y grandes con sus ingeniosas canciones, y Daniel Wong, un pianista de jazz con mucho talento. p. 14

RESEÑAS

Películas de estreno, libros de interés y qué hay de nuevo en el mundo de la música. Aquí te sugerimos algunas atractivas novedades. p.46

La Revista del Auditorio es una publicación de A/Editores. Leibnitz 20-801, Col. Anzures, C.P. 11590 México, D.F. Teléfono 5281 1778. Revista mensual. Número 02, abril 2014. Editora responsable: Julieta García González. El contenido de los artículos es responsabilidad de los autores. Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción parcial o total incluyendo cualquier medio electrónico o magnético con fines comerciales. La información contenida se ha obtenido de fuentes fidedignas. Número de reserva al Instituto de Derechos de Autor en trámite. Número de Certificado de licitud de título y contenido en trámite. Distribuida por Mentor, Playa Caletilla 61 PB, Col. Reforma Iztlaccíhuatl, C.P. 08810, México, D.F. Impresa en Grupo Ajusco, S.A. de C.V., José María Agreda y Sánchez 223, Col. Tránsito, C.P. 062820, México, D.F., Teléfono 5132 1100.

1. De izquierda a derecha: El Cha, Alejandra Rosillo, Paulina Newman y Marcelo Lara. 2. Sergio Corona y acompañante.

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3. Bruno Newman 4. De izquierda a derecha: Francisco Serrano, Gerardo Estrada, Julieta García, Bruno Newman y Eduardo Sanmiguel.

Un nuevo medio para un gran escenario El lunes 31 de marzo se llevó a cabo la presentación oficial del primer número de La Revista del Auditorio. El evento, que fue hospedado en el Lunario, dio inicio con el discurso del doctor Gerardo Estrada, Coordinador Ejecutivo del Auditorio Nacional, quien habló de esta nueva publicación como de un proyecto que nace con el afán de prestar un servicio en el que se ofrezca información acerca de las actividades que se

llevan a cabo en este escenario que se caracteriza por la cantidad y la diversidad de espectáculos que alberga. En el primer número, Estrada se refirió al Auditorio Nacional y al Lunario como “testigos y protagonistas de la historia moderna de México”, por lo que una forma de honrarlos es dándoles un complemento. “Por eso hemos decidido lanzar un medio en el que los lectores encontrarán reportajes de fondo, reseñas, notas breves y el análisis de las tendencias en el mundo del espectáculo”. Durante la presentación se señaló que el reto está en hacer una publicación que vaya más allá de la inmediatez y pueda ofrecer al público historias con sustancia. La importancia de este proyecto radica, en palabras de Bruno Newman —Presidente del Consejo de A/Editores— en que complementa de forma natural la

función del Auditorio, ya que su cometido será establecerse como una extensión de él que, además, podrá estar en manos de quienes lo visitan permitiendo a los artistas conectarse con su público y viceversa. En el escenario también estuvieron Francisco Serrano, Director de Desarrollo Corporativo del Auditorio Nacional y del Lunario; Constanza Bolaños González Garza, Directora de Promoción y Difusión del Auditorio; Eduardo Sanmiguel y Marcela Aguilar y Maya, Director General y Directora Asociada, respectivamente, de A/Editores. Antes de la presentación se podía ver a los asistentes, entre ellos el escritor Jorge F. Hernández, algunos integrantes del grupo Moderatto y el actor Sergio Corona, pasar con curiosidad las páginas. Al terminar los discursos, hubo un brindis durante el cual los invitados pudieron socializar y seguir comentado la revista.

De: @AuditorioMx: Así se vivió “@DannyElfman, música de las películas de Tim Burton”.

El Pingüino, de visita Cómo olvidar a Danny DeVito en su fabulosa interpretación del malvado “Pingüino” en la película Batman regresa (1992), dirigida por Tim Burton. El maquillaje, el vestuario y la actuación de DeVito hicieron de este personaje una figura inconfundible. El pasado 8 de abril, durante la presentación de Danny Elfman con la Orquesta Sinfónica Nacional en el Auditorio Nacional, el villano

en persona fue a ver el espectáculo. Entre los espectadores más intrépidos que mezclan realidad y ficción hubo uno que sobresalió. Aquí puedes ver al “señor Pingüino”, como se hizo llamar Moctezuma Nahui — acompañado por una entusiasta vestida como una Na'vi del filme Avatar de James Cameron— tal y como fue posteada en el twitter del Auditorio Nacional.

Sigue los pasos del Auditorio Nacional, Lunario y Lunas del Auditorio en: @AuditorioMx @LunarioMx @LunasAuditorio AuditorioMx LunarioMx LunasAuditorio +AuditorioMx +LunarioMx AuditorioMx LunarioMx TVLunas AuditorioMx LunarioMx LunasAuditorio

Contáctanos en: auditorio@auditorio.com.mx · lunario@auditorio.com.mx · lunas@auditorio.com.mx

La maravilla y el entusiasmo Los recintos que sirven para mostrar al mundo espectáculos suelen dividirse en categorías que están, casi siempre, ligadas a lo que presentan en escena. A nosotros nos enorgullece que el Auditorio Nacional sea reconocido por su pluralidad, por ser incluyente y por demostrar que lo único que nos resulta imprescindible es la calidad. Como un reflejo de lo que pasa en nuestro espacio ofrecemos esta revista y aquí también caben todos los que han probado frente al público sus talentos, capacidades y carisma. Por eso ahora damos un giro: en nuestra portada aparece una escena de la ópera Los maestros cantores de Nuremberg. Dedicamos el artículo principal a hablar de la Ópera Metropolitana de Nueva York, “el Met”, porque tiene una singular relevancia para nosotros. Gracias a la alianza que tenemos con esta casa operística hemos podido llevar a un extenso público obras ejecutadas con el más alto estándar internacional. Los personajes ideados por Verdi y Mozart, Wagner y Offenbach son interpretados para audiencias de cientos de miles de espectadores, en vivo, desde Nueva York. Así, las voces de cantantes como Renée Fleming, vibran en distintas historias para tocar corazones en México y el mundo. La transmisión satelital de estas obras maestras es una proeza que nos maravilla y entusiasma, sobre todo porque expande las posibilidades de la ópera (de la experiencia teatral) y de espacios como el nuestro. En entrevista exclusiva, Peter Gelb, director general del Met, nos dice cómo ha logrado que sea un éxito su programa de HD (alta definición) sin dejar de hacer auténtico arte. Asimismo, en una mezcla heterogénea y rica, damos a conocer el lado íntimo del grupo de rock Pxndx, los encantos del escritor, músico y cantante Luis Pescetti y el talento múltiple del pianista Daniel Wong. Bienvenidos. —Los editores

En portada: Los maestros cantores de Nuremberg de Richard Wagner Cortesía The Metropolitan Opera

breves

LAS

BREVES Texto: Daniela Cuevas Guerrero

¿Qué está pasando en el mundo de la música y el espectáculo? Te presentamos una selección de notas interesantes para que estés informado.

un mundo enigmático

Cortesía

Danny Elfman, músico de tramas

Escena de El cadáver de la novia, de 2005

El compositor Danny Elfman es reconocido, sobre todo, por sus piezas musicales que dan textura, peso y volumen a personajes de cine y televisión (es el autor, entre otros, del tema de la popular caricatura de sátira social Los Simpsons). Aunque empezó su carrera hace décadas (fue líder de la banda Oingo Bongo desde 1976 hasta 1995 cuando dejaron de tocar oficialmente), hoy su nombre se asocia al del cineasta Tim Burton, con quien comenzó a trabajar hace más de 25 años. Su primer proyecto juntos fue La

gran aventura de Pee-Wee, de 1985, y ha continuado hasta la fecha (la última película del dúo fue Frankenweenie, de 2012). Algunos de los ejemplos más notables de su colaboración han sido Beetlejuice (1988), Batman regresa (1992), La leyenda del jinete sin cabeza (1999) y El cadáver de la novia (2005), entre otras. Elfman, quien desde hacía 18 años no pisaba un escenario, el pasado 8 de abril presentó en el Auditorio Nacional las interpretaciones en vivo de su repertorio con Burton y estuvo acompaña-

do por la Orquesta Sinfónica Nacional, dirigida por John Mauceri, y el coro Enharmonia Vocalis. Para quien no pudo verlo o quiera recrear el episodio, recomendamos la exquisita Danny Elfman & Tim Burton 25th Anniversary Music Box, una “caja de música” que tiene, entre otras cosas, 16 CDs con la música de todas las colaboraciones, ilustrados con dibujos de Burton. Un mundo enigmático y una maravilla. • burtonelfman.com

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Para conocer

Cortesía Windmill Theatre

Cortesía The Minack Theatre

TEATROS EN LUGARES EXTRAÑOS

El teatro infantil De acuerdo con la revista sudafricana Child Magazine, si los niños son expuestos al teatro desde una temprana edad, no sólo es probable que desarrollen una apreciación por las artes, sino que también podrán obtener beneficios psicológicos y emocionales. La psicóloga clínica Heather Schiff, terapeuta de arte dramático y codirectora de la Bonfire Theatre Company, explica por qué el teatro o la participación en las artes dramáticas es tan importante: “los niños utilizan el teatro instintivamente de forma auto-terapéutica […] Una obra dramática es un medio para que el niño exprese y resuelva simbólicamente conflictos internos, liberando sentimientos reprimidos, explorando esperanzas, miedos y deseos y descubriendo nuevos papeles y actitudes de vida”. En la actualidad los niños tienen acceso a una rica variedad de eventos teatrales, ya que se están llevando a cabo propuestas originales y de calidad en las que se puede combinar la elegancia de la danza, la habilidad del clown, el magnetismo de los títeres, la energía de los musicales y la improvisación. En México contamos con compañías como Luna Morena y Los Tiliches del Baúl a los que vale la pena conocer.

Cortesía Azart Ship of Fools

un regalo para los peques

Cortesía Eastbound Theatre

Escena de El mago de Oz, de la compañía norteamericana Windmill

1. Minack Theatre, Cornualles, Inglaterra Rowena Cade (1893-1983) pasó a la historia por construir uno de los teatros más hermosos al aire libre: el Minack Theatre. Tras la Segunda Guerra Mundial, Cade se mudó a Cornualles, en Inglaterra, y en su nueva casa organizó puestas en escena. Con el fin de tener un mejor lugar para las representaciones, comenzó la construcción de un escenario en el escarpado de su jardín. Hoy este espacio sigue vigente con una temporada que va de abril a septiembre, siempre con el mar como fondo. El teatro recibe hasta 750 espectadores. • minack.com

2. Eastbound Theatre, Connecticut, EUA Este recinto está ubicado en lo que antes fuera una estación de ferrocarril. Las producciones que ahí se presentan van de la comedia al drama y son interpretadas por talentosos actores comunitarios. • milfordarts.org/eastbound-theatre

3. El barco de los locos (o de los necios) Se trata de un barco construido en 1916 como un logger —típico velero de pesca holandés—, que en 1989 fue comprado por la Asociación Cultural Azart, la cual lo transformó en un espacio para las artes escénicas. La tripulación, un colectivo de artistas y compañía de teatro, viaja por Europa en una procesión festiva, un elogio a la locura. La tribuna se construye en el muelle del lugar de destino y cuenta con 240 asientos. Parte de Ámsterdam y, en abril, se presenta en Trintxerpe, Puerto de Pasaia, País Vasco, España. • azart.org/webpages

• titereslunamorena.com • facebook.com/tiliches.delbaul

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a cien años

Y “La Doña” cantaba... De estar viva, María Félix habría cumplido 100 años el pasado 8 de abril. Para celebrarla, la Cineteca Nacional y la Universidad Nacional Autónoma de México, entre otras instituciones, hicieron retrospectivas y exposiciones fotográficas. Esta mujer, que fuera musa de Agustín Lara e inspiración para Jorge Negrete y Diego Rivera, entre otros, cantaba. Lo hizo en algunas giras con Lara, “El Flaco de Oro”, en las que él tocaba el piano para acompañarla y también en un estudio para dejar su voz grabada en dos discos. De ellos, el segundo es el más interesante. Se llama Enamorada y fue grabado en 1998, bajo el sello de Fonovisa. En él, María interpreta baladas, un tango, un huapango y rancheras; canta en español y en francés. Si bien no será recordada como intérprete, bien vale la pena escuchar su voz para celebrarla.

Musa inspiradora Aclamados compositores le dedicaron canciones a María Félix. Aquí, una pequeña selección: "Ella" José Alfredo Jiménez

"Palabras de mujer" Agustín Lara

"Je l’aime a mourir" Francis Cabrel

"Oiga Doña" Cuco Sánchez

"El chotís de Madrid" Agustín Lara

"María de todas las Marías" Juan Gabriel

"Humo en los ojos" Agustín Lara Getty Images

"María Bonita" Agustín Lara

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Por primera vez en el Auditorio Nacional

Esta compañía, fundada en 1990, se ha presentado en escenarios de gran prestigio. Ha recorrido desde Nueva York hasta Barcelona y siempre ha sobresalido por su calidad y, en particular, por el alma que imprime al trabajar con música de compositores latinoamericanos en sus coreografías. Por todo lo anterior, se ha ganado el corazón de las audiencias más exigentes y hoy se le considera embajadora de la danza de México en el mundo. Este año, Luis Serrano —reconocido por su amplia trayectoria en este arte— cumple siete años como director artístico de la compañía. Serrano, originario de Pinar del Río, en Cuba, admite que el cambio de bailarín a director le resultó difícil en un principio y dice, en entrevista, sentirse ahora mucho más cómodo, tal vez porque sabe que ha sido su visión la que ha llevado al Ballet de Monterrey (BdM) a nuevos y más grandes escenarios. Este director, nacido en 1971, no tiene miedo de intentar cosas innovadoras y dice que le gusta apostar por nuevos talentos. Uno de sus principales objetivos desde que entró a la compañía ha sido demostrar la fuerza que tienen los bailarines latinos en escena. Con 24 años de trayectoria, el BdM debuta en el Auditorio Nacional con una de sus obras más exitosas: Giselle, joya del Romanticismo del siglo XIX. Un ballet en dos actos basado en la obra De l'Allemagne (1835) de Heinrich Heine, con música de Adolphe Adam, coreografía de Jules Perrot y Jean Coralli y libreto de Théophile Gautier y Jules-Henri Vernoy que cuenta la historia de una campesina que descubre a su enamorado con otra mujer y, despechada, cae en la locura y muere. Ya como espectro, la protagonista salva a su amado de espíritus de mujeres vengativas que quieren llevarlo con ellas a la muerte. El director considera que es la opción perfecta para su primera actuación en el Auditorio, pues, además de ser una historia corta que envuelve al espectador, es una pieza muy especial para el BdM y para él mismo. Giselle fue la obra con la que Serrano se despidió de la danza como bailarín y fue el primer ballet clásico completo que montó con el BdM en 2007, cuando hicieron 18 presentaciones que tuvieron un ré-

Cortesía Ballet de Monterrey

El Ballet de Monterrey

Giselle

es una joya del Romanticismo del siglo XIX que cuenta la historia de una campesina que descubre a su enamorado con otra mujer. Fue la narración elegida por el Ballet de Monterrey para su primera vez en el Auditorio Nacional.

cord de asistencia de 24 mil personas, por lo que su presentación en la Ciudad de México, el 10 de abril, se esperaba con ansias. Se trata de una puesta en escena sobre el original, con algunos cambios propuestos por el director que respetan y honran

la versión clásica. El montaje cuenta con el talento de los primeros bailarines Katia Carranza y Jonhal Fernández, acompañados por la Orquesta Sinfónica Juvenil del Estado de Veracruz, dirigida por el maestro Antonio Tornero.

breves

Top 5: festivales

tecnología para los oídos

De paseo por la música

LOS AUDÍFONOS YA NO SON LO QUE ERAN

Esta es nuestra selección de las mejores concentraciones musicales al aire libre que hay en el mundo. La presentamos porque estamos seguros de que muchos de ustedes han ido a más de uno y, si no es así, seguro que lo desean.

Hay diversas iniciativas de audífonos inteligentes, pero nosotros nos concentraremos en darte a conocer a The Dash, porque se antojan, y mucho. Para empezar no tienen cables. Se controlan manualmente, son resistentes al agua y puedes lo mismo almacenar hasta 4GB de música en ellos que utilizarlos con tu teléfono inteligente (sistemas iOS, Android y Windows Phone). Monitorean tu presión sanguínea, pueden ser utilizados para realizar llamadas telefónicas y, lo mejor de todo, cuentan con la tecnología necesaria no sólo para aislarte del ruido exterior (Passive Noise Isolation) sino para permitirte escucharlo atenuado (Audio Transparency). Además, sus creadores se ufanan de haber escaneado cientos de orejas para conseguir el ajuste perfecto. Estos smartauriculars verán la luz en octubre de este año y si quieres tener un par, sólo debes invertir en su creación $199.00 USD.

Cuándo: del 17 al 20 de abril Dónde: Ginebra, Suiza • electronfestival.ch

4. Coachella Valley Music and Arts Festival El famoso valle de Coachella es el lugar perfecto para ver a las bandas más conocidas de la industria. Este año el lineup incluye a Chromeo, Pharrell Williams, Lorde, Pet Shop Boys, Arcade Fire, Muse, Outkast, Bombay Bicycle Club… y la lista sigue. Además, los organizadores se lucirán con sofisticada comida para llevar y traer por todas las carpas. Cuándo: del 11 al 13 y del 18 al 20 de abril Dónde: Indio, California, Estados Unidos •coachella.com

2. Glastonbury Comenzó en 1970. Glastonbury es prácticamente una institución en cuanto a festivales se refiere. Por él han desfilado desde David Bowie hasta Kings of Leon, se han reencontrado bandas como Blur y Pulp y se han presentado todos los exponentes del brit pop (al menos los más emblemáticos). Este año, lo encabeza Arcade Fire y el lineup incluye además a Kasabian, Massive Atack, Blondie, James Black, Interpol y muchos, muchísimos más. Cuándo: del 25 al 29 de junio Dónde: Worthy Farm, Glastonbury, Gran Bretaña • glastonburyfestivals.co.uk

3. New Orleans Jazz & Heritage Festival Este festejo data también de 1970 e inició para capitalizar la afluencia de los visitantes que llegaban a la ciudad para disfrutarlo. Su primer productor, George Wein, buscó un cartel muy relevante y marcó la pauta para los subsecuentes. Los enlistados en la emisión original fueron, entre otros, Fats Domino y Duke Ellington. En esta ocasión se presentarán Bruce Springsteen, Rubén Blades, Santana, Vampire Weekend, Lyle Lovett y Eric Clapton, entre otros.

• kck.st/1nfZiff

El ajuste a los oídos es casi perfecto

Cuándo: del 25 de abril al 4 de mayo Dónde: Nueva Orleans, Estados Unidos • nojazzfest.com

5. Corona Capital Uno de los eventos más jóvenes en México y Latinoamérica que cada año cobra fuerza. Las ediciones que se han llevado a cabo han logrado una mezcla bastante agradable entre grupos con una larga trayectoria, como Echo and the Bunnymen, Portishead, James, así como representantes de la escena indie de reciente aparición: Madame Recaimer, The Maccabees y Alabama Shakes, entre otros. Cuándo: octubre Dónde: Autódromo Hermanos Rodríguez, Ciudad de México • coronacapital.com.mx

Se controlan mediante el tacto y su diseño es muy atractivo

Fotos: Cortesía

1. Electron Festival Cuenta con más de 300 exponentes de música electrónica, entre ellos los mejores artistas del género. Se presentarán, entre otros, Blomqvist y Mr. Oizo. También se pone gran énfasis a la parte visual, por lo que la alineación cuenta con vj’s como Mika Ventura y VJ Zero. Además, hay diferentes exposiciones de arte, proyecciones, conferencias y talleres durante los cuatro días que dura el evento.

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un molesto gusano

LA CANCIÓN QUE TE ATORMENTA Todos hemos vivido la molestia de tener pegada una tonada o canción en la cabeza, repitiéndose una y otra vez (incluso una que ni siquiera nos gusta). Este fenómeno se conoce como “gusano de oído”. El nombre viene del alemán “ohrwurm” (literalmente, gusano de oído) y ha sido estudiado por varios investigadores. Uno de los más conocidos es el profesor de mercadotecnia James Kellaris, de la Universidad de Cincinnati, quien lo describe como una “comezón cognitiva” creada por un ritmo pegajoso. El fenómeno también ha recibido el nombre de “imaginería musical involuntaria” (INMI por sus siglas en inglés). La investigación sobre este tema apenas está dando sus primeros pasos. En un estudio experimental acerca de la inducción involuntaria de imaginería musical, el investigador Lassi A. Liikkanen, especialista en ciencia cognitiva de la Universidad Aalto de Helsinki, señala que todavía es un misterio por qué a veces experimentamos la repetición de recuerdos en nuestra cabeza, cosa que se acentúa con la música. Todavía quedan muchas preguntas por responder, pero los científicos no quitan el dedo del renglón. Para saber más, consulta los trabajos de Lassi A. Liikkanen: • “Inducing Involuntary Musical Imagery: An Experimental Study” • bit.ly/1gHftuE • “How the Mind is Easily Hooked on Musical Imagery” • bit.ly/1eR1E1P

Archivo del Auditorio Nacional

historia

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AUDITORIO NACIONAL

El renacimiento de un coloso El escenario, que por más de 35 años había presentado todo tipo de espectáculos y eventos políticos importantes, comenzó a ser insuficiente para un país y una ciudad que estaban en pleno auge económico; además, se encontraba en un estado que simplemente no era funcional. Uno de los últimos conciertos que se llevó a cabo antes de comenzar con los trabajos que le darían un nuevo rostro al que sería llamado el “Coloso de Reforma”, fue el de Joaquín Sabina, quien se presentó en marzo de 1989. Como cabezas del proyecto de remodelación fueron elegidos Teodoro González de León y Abraham Zabludovsky, quienes tenían las mejores credenciales puesto que habían construido la Embajada de México en Brasilia en 1973, El Colegio de México a finales de los años 70 y el Museo Internacional de Arte Contemporáneo Rufino Tamayo en 1981. De la obra, González de León recordaría en entrevista para el diario La Jornada, en 1996, que: “Las carencias [del Auditorio] eran infinitas: no tenía buena visibilidad, ni acústica, ni acceso; algunos lugares se encontraban a 25 metros de altura, el equivalente de ocho pisos que tenía que subir la gente; no había baños… los pasillos no cumplían ningún reglamento de seguridad por lo que la sala no se podía desalojar en el tiempo estipulado… ”. Para llevarla a cabo se hizo un fideicomiso de cooperación entre el Instituto Nacional de Bellas Artes, el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes y el Departamento del Distrito Federal. El 23 de enero de 1990, el INBA anunció en conferencia de prensa los detalles del proceso de remodelación, que no sólo comprendía remozar la

construcción, sino también mejorar la acústica y la isóptica, además de la modernización tecnológica de los equipos de luces y electrónicos. Por otro lado, la administración también se renovaría, pues dejaba de depender de la Secretaría de Educación Pública para ser manejada por el Fideicomiso para el Uso y Aprovechamiento del Auditorio Nacional, que conjuntaba al Gobierno Federal (representado por el Conaculta) al DDF y a la iniciativa privada. Esta es la forma en la que aún se administra el lugar. La estructura metálica del inmueble se respetó de forma íntegra, pero la intervención arquitectónica dio por resultado una obra que sorprendió a propios y extraños. El costo fue de 65 mil millones de pesos, que absorbió el DDF, con Manuel Camacho Solís en la regencia, en su totalidad. Al concluir los trabajos, la vanguardia de la industria de espectáculos volvía a tener un magnífico escenario para su exposición. El 6 de septiembre de 1991 se reinauguró con el montaje de Carmina Burana que contó con la actuación de la Compañía Nacional de Danza, la Orquesta del Teatro de Bellas Artes y el Coro del Teatro de Bellas Artes que se presentaron frente a las 10 mil personas que llenaron el lugar. En los meses de octubre, noviembre y diciembre de aquel año se presentaron Guadalupe Pineda, Tania Libertad y Amparo Montes, Celia Cruz y la agrupación española Mecano que, en septiembre del siguiente año (1992) se separaría. Ray Charles, B.B. King, Paul Simon, Bryan Adams, Marillion, Manolo Muñoz, Angélica María y muchos otros completarían la gran lista de talentos que participaron del renacimiento del Auditorio Nacional.

Un recuento para que quienes asistan a los conciertos y eventos que se presentan en este escenario tengan la posibilidad de redescubrir un relato que pertenece a todos.

02 A finales de los años 80 comenzaron los trabajos de remodelación del Auditorio Nacional. La ardua tarea tuvo por resultado un gran edificio que incorporó las mejoras tecnológicas necesarias para que, hasta el día de hoy, tengamos un escenario que es reconocido en el mundo entero.

Página anterior Arriba: Los trabajos de remozamiento del Auditorio Nacional respetaron la estructura metálica original del recinto. Abajo: Una escena de Carmina Burana, el espectáculo con el que se reinauguró el Auditorio, en 1991.

conoce a

Luis Pescetti

la divertida irreverencia Sus melodías parten de lo cotidiano para hacer reír con inteligencia a los niños, sin miedo a plantear cualquier tema. La fantasía vive en ranas con pecas, palomas ingratas y angelitos resfriados, sin olvidar la canción que responde a la pregunta fundamental, ¿cómo se hacen los bebés? Texto: Enrique Escalona Fotos: Sebastián Gringauz

• NO TE PIERDAS… › Luis Pescetti en el Auditorio Nacional 4 de mayo, 13:00 hrs.

Algunos crecimos escuchando tonadillas infantiles llenas de moralejas y consejos, con historias que terminan en castigos para los que se portan mal y en caramelos para los que siguen las reglas. Pero ¿el mundo es así realmente? Pescetti nos ofrece un universo en el que no hay castillos ni princesas, sino chiquillos terribles que se comen sus mocos, padres flojos y hermanos latosos. Una bocanada de aire fresco en un mundo de entretenimiento para menores que algunas veces se remonta al siglo xix —ése de chicos engominados que hablan con animalitos y defienden princesas— cuando hoy los dragones son el poco tiempo para estar en familia, las crisis económicas y las conflictivas relaciones de pareja, situaciones que los pequeños viven y sobre las que, por lo mismo, tienen derecho de opinar y escuchar historias que hablen de eso, y qué mejor si es con alegres tonadillas. Nacido en 1958 en Santa Fe, Argentina, Luis Pescetti estudió musicoterapia en Buenos Aires y filosofía para niños, una interesante área de indagación que muestra que los chicos comprenden temas más complejos de lo que podríamos pensar. Quizá sea por ello que algunas de sus canciones son simpáticas reflexiones sobre la existencia, las ideas preconcebidas y, sobre todo, la identidad. “Si un niño está inquieto moviendo los pies y le dicen que tiene problemas de atención y en realidad [su dificultad] era de naturaleza motriz y lo que necesitaba era tener un ámbito de educación de arte o de jugar al fútbol, le están robando su identidad. Lo que me interesa es que cada niño sepa que tiene eso, la identidad en este sentido más profundo, el

derecho a encontrarse a sí mismo”, dice el autor sobre el fundamento de su trabajo. Un argentino en tierras mexicanas En 1990, Pescetti llegó a nuestro país donde, para su propia sorpresa, se atreve a hacer cosas que nunca había hecho en su tierra natal. “Como en México no me conocía nadie, un día busqué en las páginas amarillas el teléfono de una radio; llamé y dije: ‘Mire, yo tengo una propuesta de un programa’. A la semana tenía un espacio. Y uno, en general, tiende a pensar que hay que tener contactos, conocer gente, y todo esto te traba”. Así comenzó una larga carrera en la emisora, donde nacieron muchos de sus éxitos musicales actuales y comenzaron las primeras grabaciones con el sello Pentagrama. Durante 14 años, Luis hizo transmisiones para niños en el Instituto Mexicano de la Radio y en Radio Universidad Nacional Autónoma de México entre 1994 y 2008; algunas fueron auspiciadas por la Unicef, la Embajada Argentina y la Secretaría de Educación Pública, entre otras instituciones. Con ellas obtuvo numerosos reconocimientos como el Premio Musa, en el año 2000, al mejor programa infantil. Las mañanas se llenaron de un particular humor y un acento argentino, capaz de hacer melodías sobre temas que sonrojan a los adultos y que pueden ser mejor tratados por las mentes despiertas e inconformes de los pequeños, que se sienten atraídos por la agudeza y los juegos de palabras del cantautor. Palabras sin miedo En 1997, comenzó a participar en el programa Bizbirije de Canal Once (hoy Once TV),

conoce a

en donde por fin se le puso rostro a la voz de la radio. Muchos lo hemos visto guitarra en mano, rodeado de su público: sentados por ahí y por allá, bailando o tratando de quitarle el micrófono. Una entrañable audiencia que no teme gritar, corear o dormirse en medio de una canción. Sus presentaciones en la televisora comenzaban con ingeniosos diálogos, preguntas y pausas durante la ejecución de una melodía para hacer cantar a los jovencitos. En YouTube circulan numerosas actuaciones acompañadas de miles de comentarios positivos de

26 títulos, entre los que destacan Frin, Historias de los señores Moc y Poc, El pulpo está crudo y Unidos contra Drácula. En 1997 recibió el Premio Casa de las Américas por su novela El ciudadano de mis zapatos. Cuenta con una serie de obras editadas por Alfaguara sobre su personaje Natacha: Querido diario, Chat Natacha chat y Te amo, lectura (Natacha); además de cancioneros y libros de chistes. En conjunto, ha vendido más de un millón de ejemplares. Tiene editados siete discos: Bocasucia, Qué público de porquería, Antología, Inútil

Gabriel Bordone

“Un día busqué en las páginas amarillas el teléfono de una radio; llamé y dije: ‘Mire, yo tengo una propuesta de un programa’. A la semana tenía un espacio.”

ND/Teatro, agosto de 2013

En la red

Para enterarte de sus novedades y fechas de sus presentaciones, visita su sitio en internet: • luispescetti.com

sus seguidores: toda una horda de fanáticos de distintas edades que se divierten con sus ocurrencias y que se ríen con sus irreverentes letras, como la Canción para bailar en puntas de pie, que con su primera frase rompe la solemnidad y provoca la carcajada: “Hay quienes hacen caca…”. Pescetti no tiene miedo de las palabras. Las moldea, las usa, las explica con gracia y las acerca a los menores que, por otro lado, seguramente escuchan cosas verdaderamente malas en su vida diaria —en los noticieros e incluso en su propia casa. La vitalidad es el sello de sus canciones, compuestas con pocas notas, altamente “tarareables”, sin moralinas y con un trasfondo que lleva a pensar sin ser necesariamente una “lección de vida”. En el universo de este autor, los héroes son las niñas solitarias que leen, las familias atípicas, los vampiros huérfanos y los hijos que tratan de convencer a sus padres para que se vayan de pinta y no asistan al trabajo. Carrera sin freno Al principio de su trayectoria, el argentino escribió y colaboró en diferentes libros académicos sobre el aprendizaje infantil y, desde los años 90 comenzó a escribir literatura para niños. Actualmente cuenta con más de

insistir, Tengo mal comportamiento, y el álbum doble El vampiro negro / Cassete pirata. Este último le valió el Grammy al Mejor Disco Infantil Latino en 2010. También cuenta con tres DVDs: el concierto No quiero ir a dormir, la colección de videos y sketches, Luis te ve, y los cuentos de Cartas al rey de la cabina. Además de sus presentaciones regulares en distintos foros del país y de Argentina, se ha presentado en destacados teatros y festivales como el Hay Festival (Inglaterra-Cartagena), el Festival Internacional Cervantino (México) y el White Ravens Festival (Alemania). El 4 de mayo de este año será la primera vez que se presente en el Auditorio Nacional. Para Luis, los niños tienen un difícil presente: “Avanzan los años y pareciera que el entusiasmo cayó en descrédito; es decir, toda la sociedad urbana se volvió tan cínica o irónica con las creencias, que si te entusiasmas o crees en algo es malo. Por eso los chavos no le entran ni a una cosa ni a otra; se ríen de todo. No la tienen nada fácil”. Con mucho ritmo, lo que el cantautor les ofrece es un espacio en el que promete no dar lecciones y sí una diversión conjunta: un bálsamo en medio de una sociedad estresada que pretende sacar provecho de todo.

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MELODÍAS GANADORAS De la discografía de Pescetti escogimos dos canciones del álbum doble, que recoge los discos El vampiro negro y Casette pirata, que ganó un Grammy Latino en 2010:

2010

De El vampiro negro, “¡Ay Lilí!”

“En mi casa son todos deportistas / mi abuelita juega al básquet, / mi papá practica natación, / mi hermanita juega al fútbol, / mi mamá levanta pesas, / pero yo no, pero yo no, porque estoy enamora... do. / ¡Ay Lilí! ¿No ves que estoy loco por ti? / si cuando te veo me hago pipí, mi Lilí... / ¡Ay Lilí! ¿no ves que estoy loco por ti? /si cuando te veo me hago pipí, mi Lilí... / En mi casa están todos ocupados / les gusta mirar la tele o leer en el sillón, / yo me paso el día panza arriba, / rascándome el ombligo, mirando pajaritos. / Ya no juego a la pelota porque estoy enamorado.”

2010

De Casette pirata, “Me va a nacer un hermanito”

“Me va a nacer un hermanito / qué contento que estoy. / Ya no estaré más solo en casa / ahora compartiré todo con él… / como mis papás, por ejemplo. / Me va a nacer un hermanito / qué contento que estoy. / En casa hay un solo cuarto / y a mí me daba miedo dormir solo. / Y ahora mis papás me dijeron / que no voy a tener más miedo / porque viene un hermanito / a hacerme compañía... / y a usar mis juguetes. / Me va a nacer un hermanito / qué contento que estoy. / Yo casi no tenía miedo, / total que no era para tanto, / al fin, no era tan feo dormir solo. / Pregunté si, más o menos, / va a nacer de mi edad, me dijeron que no. / ¡Va a haber que esperar! / Me va a nacer un hermanito... / qué contento que estoy...”

Enrique Escalona Nació en la Ciudad de México. Ha sido guionista, editor, fotógrafo y colaborador en revistas de viaje y estilo de vida, como National Geographic, Traveler, Bleu & Blanc y México Desconocido. Asimismo, creó “La Ruta del sabor”, para Once TV.

conoce a

Un camino musical:

los viajes de Daniel Wong El pianista y compositor Daniel Wong es un músico que hace del piano un instrumento muy suyo con el que es capaz de fusionar los sonidos del jazz con diversos géneros de la música popular. Su formación es fascinante, ya que incluye en su currículum la experiencia de haber tocado música en altamar, surcando los mares del mundo. Texto: Julieta García González Fotos: Cortesía del artista

• NO TE PIERDAS… › Daniel Wong & Friends Celebrando el Día Internacional del Jazz en el Lunario. 30 de abril, 21:00 hrs. 18

El MAD Trío es de esas agrupaciones capaces de hacer del jazz una combinación balanceada entre lo innovador y los sonidos que pertenecen al canon del género. Esto no es casualidad; más bien, tiene que ver con las mentes que conforman el terceto, entre ellos el pianista y compositor Daniel Hidalgo Wong (mejor conocido como Daniel Wong). No muchas personas pueden decir que han encontrado su vocación, y menos pueden decir que la encontraron a temprana edad. Wong es una de esas rarezas que supo, desde los cuatro años, que su vida y su carrera estarían ligadas a la música. Sus padres eran unos melómanos incurables que llevaban a su prole de seis hijos a conciertos de música clásica y jazz “a demasiada temprana edad”, según sus palabras. En vez de ir a partidos de futbol, la familia de ocho se dedicaba a incorporar la vida de las notas musicales a la propia. Daniel, el benjamín, vislumbró su futuro muy pronto. “La gente siempre tiene el conflicto [de la vocación]. Se pregunta: ‘¿Qué voy a estudiar?’ En mi cabeza nunca lo hubo”, dice en entrevista. “El problema, más bien, era decidir qué quería más: el jazz o la música clásica. Pero, en realidad, quiero a los dos por igual. Tenemos un trío maravilloso”, agrega entre risas. Y es que Daniel estudió ambas carreras a la vez: la licenciatura en Piano Clásico y la de Piano para Jazz en la Escuela Superior de Música del Instituto Nacional de Bellas Artes. El piano es un instrumento soberbio, que puede llevar la voz cantante (o las voces cantantes) y puede servir también como acompañamiento. Abordarlo desde lo sacro y lo profano, por llamar a esta elección ecléctica de alguna manera, lo hizo dueño de una flexibilidad notable y le permitió familiarizarse con todas las posibili-

dades de las teclas para apropiárselas y transmitirles su propia intención. Por supuesto, el camino no fue sencillo ni sucedió así de un día para otro. Tres viajes “Me desaparecí del país como 10 años”, dice. No se trató de una desaparición hecha y derecha, como acto de magia. A partir de 2002, Daniel Wong dejó el suelo nacional para adquirir experiencia y madurez en otros sitios. Fue profesor en la Facultad de Música de la Universidad de Texas, campus Brownsville, donde se probó ante uno de los públicos más exigentes que puede existir: los alumnos. En ese periodo tuvo la oportunidad de tocar como pianista de jazz en distintas ciudades, en festivales o simplemente en conciertos donde los músicos improvisaban. Estuvo en Addison y Corpus Christi, en el Latin Jazz Festival de Brownsville y fue a dar hasta a Pittsburgh. Por entonces, se codeó con otros talentos del mundo del jazz, incluyendo al guitarrista Al Di Meola. Este primer viaje le dio herramientas para otro muy poco convencional: el mar. De 2005 a 2009, Wong fue pianista de cruceros que surcaban los mares. Tocaba en la orquesta de grandes barcos, como el Queen Mary II (que puede hospedar más de 2,500 pasajeros y tiene una tripulación de más de 1,200 individuos). En éste y en otros por el estilo, el músico amenizaba cenas y celebraciones acariciando las teclas con muy distintos ritmos. Piezas folclóricas y grandes clásicos, jazz y swing, rock para que todos bailaran y sonidos melódicos que favorecieran la digestión… todo eso y más mientras circunnavegaba el orbe. “Tocaba con muy buena compañía”, dice al respecto,

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La Big Band Jazz de México Esta notable banda se formó en 1999 y está integrada por músicos de formación. Está dirigida por Ernesto Ramos y por ella han pasado un sinnúmero de figuras relevantes, como quienes ahora están en el MAD Trío y las hermanas Beaujean, entre otros.

WONG EN DISCOS Algunas de las producciones más notables de este artista:

XUL

México, 2000

Con Alberto Medina, Hernán Hecht, Alejandro Campos y Luri Molina, producción independiente

PABLO HIDALGO QUARTET

FONCA, México, 2001

Con Pablo Hidalgo, Israel Cupich y Fabián Cocho.

MÚSICA PARA EL DOCUMENTAL RESILIENCIA POR UNA NOTA

Polytropos, México, 2011

CON SABOR A MÉXICO

URTEXT, México, 2011

Con la Big Band Jazz de México.

DANIEL WONG PIANO SOLO

Bynarythm Music, 2013

MIÉRCOLES

Producción independiente, México, 2014 Un dueto con Ingrid Beaujean.

MAD TRÍO

Producción independiente, México, 2014

Con Mario García y Arturo Báez.

conoce a

Wong Gang! Este grupo de nombre sonoro incluye, además de Daniel, a su hermano Pablo Hidalgo Wong (flauta), Arturo Luna (en el contrabajo) y a Jorge Fernández en la batería. Tiene un sonido suave y como de ensueño. Quien quiera saber cómo suena sólo debe ingresar a YouTube y buscar el "Wong Gang Theme"para dar un paseo de mano de la flauta, el piano, el bajo y la batería. La música es vivaracha, sonora, una muestra de muy buen jazz.

“y muy buenos músicos”. De esta manera, mientras doblaba algún cabo remoto y tenía frente a sí el paisaje de Islandia o Indonesia, de Singapur o Dubái, vivía lo que ahora llama “una experiencia musical increíble”. Añade: “Le di la vuelta al mundo como cinco veces, conocí lugares maravillosos y… tenía que tocar casi todos los días”. Una intensidad semejante sólo puede redundar en un tercer viaje, uno interior, donde los gustos se afianzan y las vivencias se traducen en arte. Así que volvió a México lleno de vigor e ideas. Aires nuevos Daniel toma la temperatura del jazz en México y declara que goza de plena y perfecta salud. “El nivel [del jazz] siempre ha sido muy alto en el país… el problema era el desarrollo. Los foros, por ejemplo”, dice. Su vida antes de los viajes transcurría como la de casi cualquier intérprete del género en los años 90: en el ámbito comercial. Narra: “Previo al año 2000, [los jazzistas mexicanos] teníamos que trabajar acompañando a cantantes pop. La mayoría estábamos haciendo eso. A pesar de que el jazz era nuestro amor, no podíamos dedicarnos a él.” El lamento no lo acompaña hasta estos días porque las cosas han cambiado. Afirma que: “Ahora, los artistas jóvenes sí pueden vivir [de tocar su música]. ¡Pueden hacerlo! El Lunario ha formado parte de este gran boom que el género ha tenido en México y que es muy favorable para todos”. Así pues, los foros se han multiplicado, permitiéndole a quienes al igual que él aman la música sofisticada y ecléctica, dar conciertos para una audiencia que también ha cambiado, que igualmente se ha refinado y que busca variedad y riqueza. Es momento de volver, entonces, al MAD Trío. El nombre es un juego y un emblema (“¿MAD?, ¿por qué no?”). El juego tiene

que ver con las iniciales de los nombres de pila de sus tres integrantes: Mario García (M), Arturo Báez (A) y Daniel Wong (D). El emblema va ligado a una intención. Para Daniel no está mal que se asuma como un trío medianamente delirado, capaz de cosas insólitas en el escenario. Los tres hombres de MAD fueron parte de la Big Band Jazz de México, formada hace casi 15 años y cuya aparición sirvió para ampliar espacios musicales y para que esta música se conociera y apreciara en nuevos ámbitos. Pero un día, alguien ajeno a la banda invitó a Mario a hacer una grabación y él, a su vez, invitó a Daniel, y luego sumaron a Arturo. Wong fue quien bautizó al trío y quien puso toda la carne al asador puesto que compuso 10 piezas de las 12 que aparecen en el disco compartido. La invitación de Mario fue, en un inicio, informal. Los músicos se reunieron y realizaron “un par de ensayos caseros” antes de irse “directo a grabar”. Este trabajo comparte fecha de nacimiento con Miércoles, un disco en el que Wong se une musicalmente a Ingrid Beaujean, una joven cantante y “música en toda la extensión de la palabra”. Ingrid —quien junto a su hermana gemela, Jenny, formó el dueto Beaujean Project— escribió un cuento que le envió a Daniel, una historia de amor imposible. Eso inspiró al pianista para componer algo complejo, sólido, romántico, que combina los sonidos clásicos del jazz con algo único en vista de que fue un disco pensado específicamente para un instrumento musical: la voz de ella. De esta manera fue como lo tomó Daniel y así fue como Ingrid también participó. Ambos compusieron para un disco al que él se refiere como “un camino a seguir”; es decir, que conforma los cimientos para lo que vendrá después en su carrera. “Es un poco de todo, un formato que no se ha explotado mucho en México, un formato

raro (voz y piano). Parece muy limitado, pero con Ingrid es muy fácil”, nos dice. Por si fuera poco, Wong se animó también a sacar un disco de piano solo (y fue gracias a ese disco que ahora se presenta en el Lunario). Se pregunta: “¿Cuántos discos de piano solo se han hecho en la historia del jazz mexicano?”. Según su percepción, “son menos de 10. En Estados Unidos hay más de mil. En México hay tantos talentos tan maravillosos que…” La reflexión lo lleva a declarar: “Ésa es mi tarea. [Haré] una labor nacional para darle más relevancia al piano.

“Le di la vuelta al mundo como cinco veces, conocí lugares maravillosos y… tenía que tocar casi todos los días.” Para no temerle a los formatos de menos instrumentos. Es importante fomentarlos porque es un reto para el músico, para los cantantes… No así para las audiencias”. Escuchemos entonces la propuesta que Daniel Wong y sus amigos llevan al Lunario para celebrar el Día Internacional del Jazz, este 30 de abril: MAD Trío, Wong Gang, en dueto con Ingrid Beaujean y con sus solos para piano, en una noche de antología.

sabías que

Libros y lectores se citan en el Auditorio

El ya tradicional Gran remate de libros llega de nuevo a este recinto. Organizado por la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, la Cámara Nacional de la Industria Editorial Mexicana y el Auditorio Nacional, este festín de la palabra escrita se extiende ahora al primer nivel, rampas y escaleras del vestíbulo. Habrá recomendaciones de lecturas a cargo de escritores, bel canto en los balcones y talleres infantiles.

El 8º Gran remate de libros se llevará a cabo del 13 al 20 de abril y estará abierto al público de 11:00 a 19:00 hrs., excepto el viernes 18 y el sábado 19, en que habrá venta nocturna, extendiendo su horario hasta las 22:00 horas. La entrada es gratuita.

Lo mejor del remate son los precios de los libros, ya que se trata de ejemplares que tuvieron su corrida comercial y antes de ser destruidos hacen esta escala en el Auditorio. Hay ejemplares desde cinco pesos.

Para que puedas recorrer los más de siete mil metros dispuestos a recibirte, recomendamos que traigas una bolsa con buena capacidad, sombrero o cachucha, bloqueador solar, beber mucha agua y, en particular, llegar con ganas de descubrir títulos y autores.

El programa de actividades comprende lecturas en voz alta, música en vivo y actividades infantiles, entre otras. El programa completo lo puedes consultar en www.cultura.df.gob.mx y en el muro del Auditorio Nacional en Facebook.

Son más de 500 sellos editoriales nacionales y extranjeros los participantes. Hay novela, poesía, fotografía, superación personal, infantiles, ensayo, de cocina… todo lo que puedas imaginar.

El Gran remate de libros halló su sede natural en el Auditorio Nacional desde su segunda edición. De 2008 al año pasado, más de 600 mil personas han tenido aquí enriquecedoras citas con los libros.

LIBROS | REV ISTAS | DI SE ﾃ前 | C ONTE N I DO

Centrales

• NO TE LOS PIERDAS… › Óperas en vivo desde el Met Venta de abonos: 10 de mayo › PXNDX Viernes 25 de abril 20:30 hrs.

El rostro del éxito Conoce a Peter Gelb, el hombre que tuvo la iniciativa de transmitir las funciones de ópera del Met de Nueva York en alta definición a salas y auditorios del mundo.

El rock de los regios PXNDX nos habla de su trabajo. Aquí puedes enterarte de cómo empezaron, de lo que están haciendo y lo que ellos mismo piensan acerca de su música.

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Nuestra ganancia es hacer gran arte:

Una entrevista con Peter Gelb Administrar el Met de Nueva York es una ardua tarea, y más cuando lo que se pretende es innovar y alcanzar a la mayor cantidad de público posible. Texto: Juan Arturo Brennan Fotos: Cortesía de The Metropoitan Opera

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Cuando adolescente, Peter Gelb fue acomodador en una de las más famosas casas de ópera del mundo, el Metropolitan de Nueva York; actualmente, es su director general. En sus ocho años de mandato al frente de este teatro, no ha sido ajeno a la controversia, como es de esperarse en un lugar de esa magnitud y prestigio. Sin embargo, también se considera que su dirección ha sido positiva, y uno de sus grandes triunfos son las transmisiones de las funciones en HD (alta definición) a salas, auditorios y cines de toda la orbe. Este esfuerzo inició en 2006 y, hasta el día de hoy, más de 14 millones de personas han asistido a las proyecciones que al presente llegan a 2 mil recintos en 66 países. El Auditorio Nacional se unió a este exitoso programa en la temporada 2008-2009; desde entonces, ha recibido en sus butacas a cerca de 230 mil espectadores. Sobre las emisiones en alta definición y otros temas afines, el director del Met conversó en exclusiva desde su oficina en la Gran Manzana con La Revista del Auditorio: JAB: ¿Cómo ha evolucionado, durante su mandato, la relación entre la ópera en general, la que se presenta en la casa neoyorquina en particular y el público? PG: Cuando accedí a este puesto tenía tras de mí toda una carrera en el ambiente de la ópera y la música. Es mi primera vez, sin embargo, administrando una compañía de este género. Me di cuenta del reto que el Met ha enfrentado y sigue enfrentando: seguir siendo relevante como forma artística. El hecho de que haya estado aquí por 130 años, y algunas compañías en Europa por más tiempo incluso, no quiere decir que tenga un pase automático hacia el futuro. Es un hecho que, para permanecer, la ópera

debe estar en un continuo proceso de renovación, no sólo cultivando y apoyando nuevas generaciones de cantantes talentosos, sino también poniéndose al corriente en las innovaciones teatrales. ¿Qué tanto éxito ha tenido el Met bajo su mandato al establecer esta nueva relación con el público? Creo que hemos sido exitosos, pero también sé que estamos en un período de transición. Cuando yo llegué aquí, la edad promedio del público era de 65 años. A pesar de la altísima calidad musical lograda por el maestro James Levine y unas cuantas innovaciones esporádicas, lo cierto es que el Met se había distanciado de sus espectadores. Hemos tenido éxito al crear audiencias y aumentar su perfil, gracias sobre todo a las transmisiones en HD, a través de las cuales hemos puesto a nuestra casa en la primera línea de los teatros de este rubro. De cualquier modo, creo que el trabajo pendiente representa una batalla cuesta arriba. Y lo digo porque la educación sobre música y ópera en realidad no existe en las escuelas de este país. El otro día comí con el tenor Jonas Kaufmann, protagonista de Werther, y me decía que esto no sólo ocurre en Estados Unidos. Me contó de un encuentro que tuvo con la canciller [Angela] Merkel y con [el pianista y conductor] Daniel Barenboim, en el que hablaron de que en Alemania tampoco existe esa clase de educación. Es el reto que enfrentamos: debemos estar creando constantemente experiencias que tengan sentido para un público nuevo, y no podemos confiar en la longevidad de esta forma de arte para mantenerla a flote. •

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La nariz William Kentridge sacudi贸 al Met con su original producci贸n de esta 贸pera de Shostakovich, que fue dirigida por Pavel Smelkov durante la temporada 2013 - 2014.

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Ambrogio Maestri en el papel principal en Falstaff

• Desde su llegada al Met han ocurrido ahí muchas cosas positivas, pero usted es reconocido principalmente por el proyecto de las transmisiones en HD. ¿Cómo cree que su experiencia profesional en el ámbito de la producción de películas sobre temas musicales ha influido en el perfil de este proyecto de difusión de las óperas? Usted no es el director de las transmisiones, pero sería válido asumir que llevan su sello como experto en medios audiovisuales. ¿Cómo cree que ha funcionado esto? Siempre comenzamos por lo que ponemos sobre el escenario. Circula por ahí una sospecha errónea de que pedimos a nuestro equipo que monte óperas que se vean bien

frente a una cámara, y que formamos nuestros repartos sólo con cantantes que luzcan bien a cuadro. Nada podría ser más falso. Tengo toda una vida profesional trabajando con artistas —así como produciendo eventos para el escenario y para las cámaras— lo que me ha ayudado a entender qué se necesita para crear obras que sean igualmente exitosas en ambas esferas. La manera en que logramos esto no es forzando lo uno sobre lo otro. El proceso implica, antes que nada, invitar a trabajar a los mejores directores y diseñadores del mundo, sin decirles jamás que las óperas deben verse bien en los cines y auditorios. El primer reto es lograr una producción notable, y ése es un reto enorme en sí mismo porque el Met es muy grande,

con mucho espacio en el escenario y 3,800 butacas, así que se requiere gran habilidad para crear una obra que funcione en lo dramático, en lo teatral y que tenga un impacto destacado. Una vez logrado esto, nos ponemos a trabajar sobre las adaptaciones que pudieran ser necesarias para que funcione bien para las cámaras. Éstas implican básicamente trabajar con quien dirige el programa de transmisiones en HD, y entonces mi papel es el de una especie de supervisor teatral: me aseguro de que los directores de escena y los diseñadores tengan todo el apoyo que requieren de mi parte para que su visión sea realizada. También debo encargarme de que tanto el aspecto escénico como el dramático sean adecuadamente comunicados para que,

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PETER GELB Nació en Estados Unidos en 1953. Fue mánager de Vladimir Horowitz durante los últimos años de la carrera del pianista. También trabajó con Herbert von Karajan, Mstislav Rostropovich, Luciano Pavarotti y Plácido Domingo. En 1995, se convirtió en presidente de Sony Classical, y en 2006 obtuvo el puesto de director general del Metropolitan Opera House, sustituyendo a Joseph Volpe. Desde los inicios de su cargo, Gelb lanzó una serie de iniciativas que buscaban revitalizar la ópera y conectarla con una audiencia más amplia. Fue gracias a esto que el Met aumentó su venta de boletos y volvió a representar un papel líder entre las casas de ópera e instituciones de arte no sólo de los Estados Unidos, sino del mundo entero.

Peter Gelb da instrucciones a su equipo

en la transmisión, la ópera no sólo se vea bien ante las cámaras, sino que también permanezca fiel a la concepción original, a pesar de algunas modificaciones —por ejemplo, en la iluminación, porque ninguna cámara es tan sensible como el ojo humano. Parecería evidente, por las reacciones del público y la crítica, que el proyecto de transmisiones de las obras del Met en alta definición ha sido un éxito artístico. ¿Qué ha pasado desde el punto de vista económico? ¿Cómo ha impactado a las finanzas en términos de allegar recursos para aplicar a las producciones en el teatro? Éstas ciertamente han ayudado. Sin embargo, hay que entender el esquema financiero

global del Met. A diferencia de otros países, en Estados Unidos ningún orden de gobierno (federal, estatal, de la ciudad) nos provee de fondos. Así que nuestros recursos provienen de donaciones de amantes de la ópera; a través de ellas y de la venta de boletos en taquilla, tratamos de balancear los enormes costos de administrar un teatro operístico en Nueva York, con un esquema de trabajo de 24 horas al día. Originalmente lancé el programa con la esperanza de que fuera autosustentable. Al cabo de un par de años esta meta se había rebasado y ahora, con un promedio de cerca de 250 mil espectadores en cada transmisión, podemos cubrir el incremento de costos de las cámaras, el equipo de sonido, etcétera; pagar regalías

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Susanna Phillips en una escena del tercer acto de La Bohème

“Para ser capaces de atraer espectadores, es indispensable contar la historia de una manera que pueda ser entendida”. a los artistas participantes, cuotas a los sindicatos y todavía tener un remanente para nuestro fondo financiero. Si se descuentan esos y otros gastos, y a la vez se consideran las contribuciones de nuestros patrocinadores (como Bloomberg), y las ventas subsidiarias —por ejemplo, a la televisión des-

pués de que las obras se han visto en los cines y teatros, y los DVDs— ingresamos alrededor de 17 millones de dólares a nuestras arcas del Met, que no es una cifra menor. Los beneficios secundarios también son enormes: han elevado el perfil y la presencia de este género, y nos han ayudado a conformar nuestros repartos. Todas las grandes estrellas de este rubro quieren cantar en el Met porque saben que es su única oportunidad de llegar a un público verdaderamente global, ya sea en la Ciudad de México, en Noruega, en Jerusalén o en el Círculo Polar Ártico. Ninguna otra compañía de ópera lo ha logrado. Incluso nuestros competidores, que han echado a andar sus propios proyectos de transmisiones en alta definición, no han alcanzado asistencias tan amplias como las nuestras, ni por mucho, y esto nos ha ayudado de varias maneras. Usted ha hablado con frecuencia de su meta personal e institucional de no perder a los públicos tradicionales de la ópera y, a la vez, atraer audiencias nuevas y más jóvenes. ¿Diría que las recientes programaciones, tanto en el teatro como en

las transmisiones, han sido exitosas en este aspecto? ¿Cómo cree que las últimas tecnologías pueden ayudar a esta integración de públicos primerizos con los tradicionales? La verdad es que hemos perdido a una parte de nuestro público mayor, pero esto se ha debido literalmente a la edad avanzada, y no tanto al hecho de que la gente se haya sentido ofendida o insatisfecha con algunas de las producciones que estamos presentando. Claro, con una asistencia tan amplia, no puedo complacer a todos, pero mi meta es mantener viva esta forma de arte por medio de obras que, espero, sean atractivas para un público mayor que no se ofenda por lo que ponemos en escena y que, al mismo tiempo, nos den uno nuevo, atraído por una narrativa escénica clara. Aunque parezca obvio, mi primer criterio al elegir directores es que sean excelentes narradores. Creo que donde la ópera falla a veces es en la creación de producciones que pueden ser familiares para un grupo de conocedores, pero no para todos. Este es el peligro de una forma de arte que tiene un repertorio central que se repite una y otra vez. La intelligentsia y los críticos •

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TEMPORADA 2014 – 2015 Desde el año 2008, el Auditorio Nacional transmite las funciones en vivo del Met. La temporada 2014 - 2015 promete ser tan memorable como lo que hemos podido ver hasta el momento. Abajo, un resumen de las óperas que se montarán en esta nueva ocasión. La venta de los abonos comenzará el 10 de mayo a las 9:00 horas. La programación está sujeta a cambios de última hora y sin previo aviso. 1. Macbeth Octubre 11 12:00 h D.A. 3:13 2. Las bodas de Fígaro (N.P.) Octubre 18 12:00 h D.A. 3:52 3. Carmen Noviembre 1 11:00 h D.A. 3:38 4. La muerte de Klinghoffer (N.P.) Noviembre 15 12:00 h D.A. 3:15 5. Los maestros cantores de Nuremberg Diciembre 13 11:00 h D.A. 6:00 6. La viuda alegre (N.P.) Enero 17 12:00 h D.A. 2:57 7. Los cuentos de Hoffmann Enero 31 12:00 h D.A. 3:46 8. Iolanta / El castillo de Barbazul (N.P.) Febrero 14 11:30 h D.A. 3:39 9. La dama del lago (N.P.) Marzo 14 11:00 h D.A. 3:30 10. Cavalleria Rusticana / Payasos (N.P.) Abril 25 11:30 h D.A. 3:30 D.A. duración aproximada N.P. nueva producción

MACBETH Giuseppe Verdi

Ópera en cuatro actos basada en la obra homónima de William Shakespeare. El libreto fue escrito por Francesco Maria Piave. Se estrenó después de Attila, cuando la fama de Verdi ya se había cimentado, en el Teatro della Pergola de Florencia en 1847. La producción que será presentada en el Met es de Adrian Noble y cuenta con la participación de Anna Netrebko y Joseph Calleja. Dirige Fabio Luisi. El diseño de escenario y de vestuario es de Mark Thompson.

LAS BODAS DE FÍGARO Wolfgang Amadeus Mozart

La audiencia podrá sumergirse en un laberinto de pasiones que refleja los conflictos de un siglo XVIII muy agitado, antesala de tiempos nuevos. En una deslumbrante combinación de arias y ensambles, nos encontramos ante un retrato psicológico de una época y de las relaciones amorosas entre amos y criados, así como de los abusos y manipulaciones del poder. Actúan y cantan Marina Poplavskaya, Marlis Petersen, Isabel Leonard y Peter Mattei en una producción de Richard Eyre.

CARMEN Georges Bizet

Estrenada en 1875 fue, en un principio, un fracaso rotundo, lo que tal vez ocasionó la muerte prematura de su autor, quien ya no se enteraría de la gran fama que después alcanzaría su obra. Es la historia de Carmen, una astuta y atractiva mujer, y de Don José, un ingenuo soldado que queda literalmente embrujado por los encantos de ésta. En esta producción de Richard Eyre destacan las actuaciones de Pablo Heras-Casado, Anita Hartig y Anita Rachvelishvili.

LA MUERTE DE KLINGHOFFER John Adams

Una producción de Tom Morris con un libreto de Alice Goodman. Fue estrenada en 1991 y está basada en el secuestro del crucero Achille Lauro por el Frente de Liberación de Palestina en 1985 y en el subsecuente asesinato de Leon Klinghoffer, pasajero judío estadounidense. Dos coros conforman el prólogo a la ópera: el de exiliados judíos y el de exiliados palestinos. Dirige David Robertson y estelarizan Michaela Martens y Paulo Szot.

LOS MAESTROS CANTORES DE NUREMBERG Richard Wagner

La obra ocupa un lugar único en la trayectoria de Wagner, pues es una de las pocas que, al igual que Rienzi, está basada en un tiempo y espacio bien definidos históricamente, el Nuremberg de mediados del siglo XVI. Cuenta con las actuaciones de Annette Dasch, Karen Cargill y Johan Botha.

LA VIUDA ALEGRE Franz Lehár

Opereta escrita por Victor León y Leo Stein con música del compositor austro-húngaro Franz Lehár. Basada en la comedia L’attaché d’Ambassade de Henri Meilhac. Renée Fleming, Kelli O’Hara y Nathan Gunn estelarizan esta comedia acerca de una rica viuda y los esfuerzos de sus paisanos por encontrarle un buen marido para que su dinero no salga del principado. Dirigen Andrew Davis y Fabio Luisi. Željko Lučić en Macbeth.

LOS CUENTOS DE HOFFMANN Jacques Offenbach

Se trata de la ópera más ambiciosa de Offenbach, basada en tres cuentos autobiográficos de E.T.A. Hoffmann que narran sus amores frustrados. A pesar de la multitud de personajes y situaciones varias, el argumento es simple: el eterno fluir de la vida. Una producción de Bartlett Sher.

IOLANTA / EL CASTILLO DE BARBAZUL Pyotr Tchaikovsky / Béla Bartók

Debido a su duración, estas dos obras se presentan en una sola función. Iolanta es la historia de amor de una joven ciega que Tchaikovsky compuso en un solo acto. Por su parte, Bartók tomó un cuento clásico de Perrault para contar la historia de Judith.

LA DAMA DEL LAGO Gioacchino Rossini

Ópera en dos actos basada en el poema del mismo nombre que escribiera Sir Walter Scott. La historia habla de la rivalidad entre el rey Jacobo V de Escocia y el famoso clan de los Douglas. Algo cambia en esa enemistad cuando Jacobo se enamora de Elena, “La Dama del Lago”. Una ópera que aborda el amor, la guerra, el perdón y el misterio.

CAVALLERIA RUSTICANA / PAYASOS Pietro Mascagni / Ruggero Leoncavallo

Una ópera en un acto basada en el relato de Giovanni Verga sobre los amores despechados y los celos de Turiddu y Lola. Y un drama en dos actos que relata la trágica historia de un marido celoso que pertenece a una compañía de payasos.

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• de música están siempre en busca de maneras novedosas de contar una historia que ya han visto y escuchado un millón de veces. Lo que parecen olvidar es que, para ser capaces de atraer espectadores, es indispensable contar la historia de una manera que pueda ser entendida. Como todas las obras de arte, el objetivo es tener producciones que puedan funcionar en múltiples niveles y que se puedan apreciar en varios estratos. ¿Le sorprende el éxito que ha tenido el programa de transmisiones en alta definición del Met en lugares como, por ejemplo, la Ciudad de México, que tiene un teatro de ópera pero que no forma parte importante del circuito operístico internacional? Es muy emocionante para mí, para el Met, para los artistas, saber que hay un contacto directo; de ahí la importancia de que transmitamos en vivo. Los cantantes saben que tienen una conexión viva con todas estas ciudades, incluyendo la Ciudad de México, y esto lo hace particularmente estimulante para ellos. De hecho, puedo decir que la una de la tarde, que es un horario típico de función para nosotros, no es un buen momento para los cantantes, que prefieren interpretar durante la noche cuando sus voces están más lubricadas y, sin embargo, dan sus mejores funciones precisamente a esa hora debido a la emoción especial de saber que se ven y escuchan en tantos sitios.

En su trayectoria profesional ha estado involucrado en la parte artística del quehacer musical, pero en el Met debe ser también un administrador. ¿Cómo equilibra ambos aspectos, en términos de poder tener voz y voto en las decisiones artísticas que ahí se toman? Como cabeza de una compañía de ópera, no me avergüenza el hecho de que debo ser al mismo tiempo un hombre de negocios y un administrador artístico. En una institución como esta, uno no toma decisiones financieras o artísticas en el vacío; las unas influyen en las otras, lo cual no quiere decir que disminuimos nuestros estándares artísticos debido a decisiones de negocios sino que, a veces, por razones monetarias, no podemos hacer lo que quisiéramos artísticamente. Por otra parte, no transigimos de ninguna manera con el arte; somos una institución no lucrativa, y nuestra ganancia es hacer gran arte. Yo debo mantenerme concentrado en esa meta, y al mismo tiempo, debo encontrar la manera de sostenerla financieramente, de ser fiscalmente responsable, obtener recursos y hacer lo que todo productor debe hacer: involucrarse en en cada aspecto. Con frecuencia se me acusa de ser un micro-administrador; y es exactamente lo que soy.

DETRÁS DEL HD Para lograr una transmisión como la que hace el Met de sus óperas se requiere no sólo de tecnología de punta, sino también de un gran esfuerzo humano.

CÁMARAS

SATÉLITES

ANFITRIONES

Se utilizan entre 10 y 12 cámaras de alta definición, incluyendo una robótica que sigue la acción de los cantantes, actores y bailarines; también se usan equipos de mano y uno fijo para grabar lo que sucede detrás del escenario y obtener una imagen completa del espectáculo.

Para llegar a los 66 países, se utilizan ocho satélites. Debido a las diferencias de zonas horarias, las transmisiones comienzan a la una de la tarde de Nueva York. Solamente en los países asiáticos (China, Japón y Corea del Sur) la transmisión es diferida.

Una parte del éxito del programa ha sido, sin duda, que las estrellas del Met son los presentadores de las transmisiones en vivo, como los cantantes Joyce DiDonato, Renée Fleming, Susan Graham, Eric Owens, Patricia Racette y Deborah Voigt, entre otros.

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Entre los dos mil recintos que reciben por todo el mundo las transmisiones en alta definición (HD) de las óperas del Met, el más grande es, precisamente, el Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

Juan Arturo Brennan Nació en la Ciudad de México en 1955. Cineasta. Egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica. Guionista, productor, realizador y conductor de programas de radio y televisión. Crítico de música y periodista. Profesor y conferencista. Redactor de notas de programa para orquestas y festivales, así como para producciones discográficas.

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• NO TE PIERDAS… › Pxndx, tour Sangre fría en el Auditorio Nacional 25 de abril, 20:30 hrs.

Los regios lo hacen bien Pxndx, el grupo mexicano de rock alternativo originario de Monterrey, Nuevo León, cuenta con una trayectoria de más de 15 años durante los cuales ha roto récords de venta, ganado varios premios MTV Latinoamérica y llenado siete veces el Auditorio Nacional. Texto: Diana Amador y Claudia Benítez Fotos: Cortesía

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Desde el norte A mediados de los 90 comenzó a cocinarse un movimiento que sería conocido como “La Avanzada Regia”, formado por agrupaciones provenientes de Monterrey tan distintas como Kinky, Zurdok y Control Machete. Montado en esa ola, en 1997 Panda ganó un concurso de rock local que le abrió las puertas a la fama. Su primer álbum, Arroz con leche, se caracterizó por un estilo pop-punk. Salió a la venta en 2000 y entre sus canciones se encuentra “Muñeca”, una power ballad –como la define José Madero, “Pepe”, vocalista del grupo–, la canción de rock alternativo “Tanto” y las de punk rock

“Regresamos al Auditorio Nacional después de haber tenido siete llenos totales, regresamos con todo… La gente sigue apoyándonos”, Ricky. “Te invito a mi fiesta” y “En el Vaticano”. Su canción más popular y más pedida en conciertos fue “Buen día”. Fue con su segundo disco, editado en 2002, que la agrupación empezó a ganar más y más seguidores. La revancha del príncipe charro vendió 150 mil copias y su primer sencillo, “¡Hola!”, tuvo un impacto inesperado. En este trabajo también se incluyó “Maracas”, un cover de Joan Sebastian y entre sus sencillos más exitosos se encuentra una canción llamada “Ya no jalaba” que dice, entre otras cosas: “Tal vez esto

es lo mejor / pues lo nuestro no jaló / me pasaba todo el día pensando / que esto no va a ser igual / ya tenía que terminar”. Todas sus letras eran de un tono semejante: un poco adolescente, un poco dolido, un poco rebelde. Con este disco, el grupo se fue de gira por primera vez en Estados Unidos y México. Para 2004 ya era la figura más emblemática del happy punk en México, un subgénero del pop-punk que combina elementos del punk como cambios de acorde, ritmos rápidos y guitarras estruendosas con melodías y temas pop. Se distingue, sobre todo, porque en lugar de cantar con furia y a gritos, las canciones se interpretan con un tono desenfadado. Otras agrupaciones mexicanas cuya música es similar son Delux, Allison y Tolidos. El primer reconocimiento internacional de Pxndx tuvo lugar en 2005 cuando ganó el premio a mejor artista independiente en los MTV Video Music Awards Latinoamérica gracias a su tercer álbum, Para ti con desprecio; sus sencillos “Cita en el quirófano”, “Cuando no es como debiera ser” y “Disculpa los malos pensamientos” encabezaron Los 10 + Pedidos de MTV durante 39 semanas. Fue durante la promoción de este disco que el nombre de la agrupación cambió de “Panda” a “Pxndx” simplemente porque se hizo un flyer pintado a mano con una tipografía que asemejaba brochazos, por lo que las letras “a” parecían más bien “x” y, puesto que les gustó cómo se veía, decidieron empezar a escribir su nombre de esta manera. Al referirse al ascenso del grupo, Raúl David Vázquez, “Rulo”, ex locutor de la estación Reactor 105.7 FM, una de las más escuchadas del cuadrante, comentó: “En su momento fueron uno de los rostros más visibles de esa escena musical; creo que fue su gran éxito. […] Había otras bandas de ese estilo como División Minúscula, pero la combinación de su música y sus personalidades les dio mucha más visibilidad”. Sin embargo, los regios se caracterizan por tener un estilo que ha ido cambiando a través de los años, pues como sus mismos integrantes explican, no les gusta encasillarse en un solo género y pueden pasar del poppunk al rock alternativo. En la entrevista, el baterista Jorge Vázquez, mejor conocido como “Kross”, declara que con cada disco han tratado de hacer algo diferente: •

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PXNDX EN EL AUDITORIO NACIONAL El grupo se presentó en siete ocasiones anteriores: 25 y 26 de noviembre, 2006; 3 y 4 de abril, 2008; 7 y 8 de noviembre, 2009 y 2 de Septiembre, 2012. Pxndx regresa al Auditorio Nacional para presentar su séptimo disco de estudio, Sangre fría, como parte de su Sangre fría Tour 2014.

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Kross, Pxndx en el Auditorio Nacional, septiembre 2012

EVOLUCIÓN EN SIETE DISCOS La discografía de estudio es el reflejo claro de la evolución musical de Pxndx. Su último disco es la confirmación de un estilo que ha sido la llave maestra que les ha abierto las puertas del éxito. Casi todos encierran historias que son verdaderos lazos de unión entre el grupo y su público, aquí los presentamos.

ARROZ CON LECHE

LA REVANCHA DEL PARA TI CON PRÍNCIPE CHARRO DESPRECIO

AMANTES SUNT AMENTES

2000

2002

2005

2006

Los sencillos más gustados de este álbum fueron “Buen día”, “Si supieras” y “Te invito a mi fiesta”.

En este material Jorge Garza todavía era el guitarrista de la agrupación, y fue con el que comenzaron a hacer verdadero ruido.

Contiene tres canciones instrumentales: “Reflexiones de una mente perturbada”, “Descanso: Ódiame” y “Figura decorativa sobre fondo ornamental”.

El trabajo más exitoso de Pxndx. Cuenta con certificación Doble Platino por sus más de 250 mil copias vendidas.

POETICS

BONANZA

SANGRE FRÍA

2009

2012

2013

Éste es, en definitiva, su disco más experimental, cada integrante grabó su parte en distintos lugares del mundo. Sobresale el sencillo “Nuestra aflicción”.

Es la grabación más personal para su vocalista, José Madero. Los sencillos promocionales fueron: “Envejecido en barril de roble”, “Romance en Re sostenido” y “La noche de la mesa triste”.

Parece que el grupo se “encarreró” en el álbum anterior y en éste definitivamente regresan al sonido que los caracterizó en un principio, pero en forma mucho más madura.

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• “Desde el segundo decidimos que no queríamos repetirnos. Eso nos empujó un poco a salirnos de nuestra zona de confort y probar sonidos distintos”. Sus dos primeros álbumes mantuvieron el mismo giro musical dentro del pop-punk. Mientras que el tercero es, según Pepe, el que cambió su carrera, ya que su estilo se transformó drásticamente; las guitarras estridentes, la batería rápida y la voz rasposa siguen presentes, “lo que cambió fue la intención de las canciones conforme a los acordes y las melodías, y, sobre todo, las letras”, explica el vocalista. A grandes rasgos, el disco es una carta de odio hacia una mujer en especial; las canciones —que escribió él luego de haber terminado con la mujer en cuestión— hablan de la decepción de amor, el despecho y la venganza, excepto por la última pista, “Porque todavía podemos decir ‘una vez más’”, que es acerca del amor. El álbum tiene ritmos más pesados y arreglos más metaleros que los anteriores y los temas tienen un tono más bien oscuro. Sobre esta transformación, el vocalista y líder del grupo comenta que las letras tienen una relación directa con la edad en que las escribió. Cuando hicieron Arroz con leche tenía entre 16 y 17 años y era un estudiante de prepa al que lo único que le interesaba era salir con sus amigos, el alcohol, las chicas y el sexo, por lo que “las letras de ese disco son muy vacías y superficiales” y hablan de personas que él y los demás integrantes conocían, de modo que el público no podía sentirse identificado ni entender las referencias. “Pero”, explica, “conforme fui creciendo, experimentando el dolor, el rechazo, la vida misma y la propia felicidad, las letras empezaron a ser más profundas”. Y enseguida agrega, “ahora me llama la atención el lado más oscuro del ser humano, de la vida”. Fue así como pasaron de cantar: “Será mi fiesta todo mundo ahí estará / No vayas a faltar te la pasarás muy bien”, en uno de sus primeros éxitos, a: “Quisiera no pensar / Ser olvidado nada más / así ya descansar más fácil será”, en uno de sus discos más vendidos, La revancha del príncipe charro. El cantante también declara que, hoy en día, le gusta dedicar más tiempo a la escritura de las letras para hacer algo más interesante y original que no sea una simple canción de amor. Para su último disco, Sangre fría (2013), el grupo sintió que era necesario regresar, de alguna manera, al sonido del pop-punk. Ricardo Treviño, “Ricky”, bajista de la banda, señala que “este es un disco con muchí-

Pxndx en el Auditorio Nacional, septiembre 2012

“Si tanta gente reacciona a nuestra música, pues algo estamos haciendo bien”, Kross.

sima actitud, es un poco un regreso a nuestro origen, lo cual ya nos hacía falta y ya nos lo pedían los fans”. José Madero también comenta sobre esto diciendo que llegaron a un momento de su carrera en el que se alejaron de sus inicios, de la música más punk que los identificaba. “Sentíamos que nos divertíamos más antes con los riffs, las baterías rápidas, la distorsión, esa bipolaridad entre la música feliz y las letras oscuras. Así que en este [último] disco decidimos regresar a eso. Poetics fue muy experimental; es mi disco favorito pero nos alejamos mucho de nuestra música original. […] Bonanza [en cambio], es mucho más crudo, muy de garage. Así que decidimos regresar al mismo ruido de antes sin perder la sensibilidad melódica. Los mismos fans lo pedían”. La controversia Apenas un año después de alcanzar la fama, se desató una polémica: en 2005 la revista mexicana de rock R&R denunció que algunas canciones del grupo, principalmente las que pertenecían a su tercer álbum, Para ti con desprecio, eran casi traducciones literales de temas de otras bandas como My Chemical Romance, Fall Out Boy, Sum 41 y Green Day. Fue este último grupo, liderado por el vocalista y guitarrista Billie Joe Armstrong, el que abrió una demanda contra los mexicanos por los temas “Dry Ice” y “At The Library”.

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Corbis

diana amador Nació en Puebla, en 1986. Ha trabajado en radio, televisión y periódicos. Lleva cinco años publicando en revistas como Etiqueta Negra, Soho, Chilango, Life &Style y Quién.

QUIÉNES SON No todos los integrantes son los mismos desde que el grupo se formó en 1996. Pepe y Ricky son los únicos que se cuentan entre sus fundadores, mientras que Kross se unió a ellos en 1997, tomando el lugar de David Castillo, y Arturo Arredondo se incorporó en 2005, sustituyendo a Jorge Garza. “La verdad yo no era nada fan de Pxndx”, confiesa Arturo, quien fuera la última adquisición del grupo. “En ese concurso donde usaron el nombre de la banda por primera vez, yo estaba participando con otro grupo y quedamos en segundo lugar. Muchos creían que nosotros merecíamos ese primer premio”. Él llegó como suplente temporal, pero terminó integrándose de manera formal. “Sentir la emoción de estar en un gran escenario no me había pasado nunca, y sigue siendo una de las grandes ventajas de estar en esta banda”, dice. Estos son los integrantes del grupo: José Madero (“Pepe”) • Voces, guitarra rítmica, teclados, sintetizadores, moog. Arturo Arredondo • Guitarra principal, coros. Ricardo Treviño (“Ricky”) • Bajos, coros. Jorge Vázquez (“Kross”) • Batería, coros.

El juicio concluyó en 2007 a favor de los estadounidenses, por lo que los mexicanos tuvieron que pagar una multa de poco más de 944 mil dólares, además de 151 mil para poder seguir trabajando mientras se resolvía el caso. “Todo eso lo hemos dejado atrás” —cuenta Arturo Arredondo, guitarrista del grupo—, “nos hicimos más polémicos porque tratamos de defendernos de acusaciones ridículas y creo que la gente no está acostumbrada a que uno responda, a que dé la cara y su versión de las cosas”. Lo cierto es que después del escándalo cobraron más fuerza los llamados “Anti Pxndx”, usuarios que abrieron numerosos foros en internet para documentar y discutir los supuestos plagios. Sin embargo, el grupo en ningún momento dejó de tocar, así como sus fans nunca dejaron de aplaudir. Los integrantes aseguran que ellos no robaron sino que se trata simplemente de influencias. “Durante un tiempo tuve que alejarme de los medios, dejar de leer las críticas porque era difícil lidiar con eso”, comenta Arturo, “pero al final ganamos más popularidad. Y a veces parece que entre más nos odian, mejor nos va”. Y la prueba de ello es que su siguiente disco, Amantes sunt amentes, con sencillos tan exitosos como “Los malaventurados no lloran” y “Narcisista por excelencia”, vendió 250 mil ejemplares, alcanzando con ello doble Disco de Platino. El éxito sigue En 2007, en una especie de homenaje y agradecimiento a sus seguidores, grabaron “Nunca nadie nos podrá parar” y lanzaron un video oficial con imágenes de sus conciertos en Centro y Sudamérica. En las grabaciones se ven grandes estadios en Ecuador, Colombia, Nicaragua, Venezuela y Perú, sin asientos vacíos y con multitudes conmovidas, adolescentes en medio del llanto que se asemejan a las fanáticas de ídolos pop como

Justin Bieber y One Direction. “Así de vistazo”, explica Pepe, “podrían parecer imágenes de festivales donde hay muchas bandas pero no, sólo somos nosotros. No sé cómo logramos eso. Creo que, en resumen, el éxito de la banda radica en que hemos estado en el momento correcto, con el mensaje correcto y con el público en la edad correcta. Todo ha sido entre suerte y destino”. Aun cuando Pxndx ha vendido alrededor de 885 mil discos, ha llenado estadios y auditorios por igual, José Madero duda que logren marcar la historia de la música en México: “hay mucha gente que nos trata de bajar, de manchar nuestro trabajo; gente que está en los medios, gente crítica que se va a encargar de impedir que alcancemos un estatus como el de Los Tacubos […] Por más que nuestra carrera sea larga, que tengamos una legión de fans y discos vendidos, se van a encargar de mandarnos al olvido. Pero nunca nadie le ha levantado una estatua a un crítico, así que para mí su opinión no vale nada, no toco para ellos”. Para su más reciente lanzamiento, Sangre fría, Pxndx hizo una alianza con Pepsi para regalar descargas digitales que tuvo resultados inesperados. Más de 100 mil personas bajaron el material de manera gratuita y a los pocos días de que el disco saliera al mercado físicamente, vendió más de 30 mil ejemplares. Sus admiradores siguen siendo fieles. “Nuestros fans han crecido con nosotros y nos las hemos arreglado para llegar a generaciones más jóvenes. Ya no hay una definición de nuestro público porque abarca muchísimas variantes”, indica Kross, quien admite que durante los primeros cuatro años del grupo, las duras críticas lo hicieron dudar del futuro que tenían en un mercado tan exigente. “Me malviajaba mucho, me ponían nervioso y la verdad sí había días en que pensé que no íbamos a durar mucho. Pero aquí estamos, callando bocas”, afirma.

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MAYORÍA DE EDAD Pxndx, formado en 1996, está por cumplir 18 años de trayectoria y su concierto en el Auditorio Nacional estará lleno de sorpresas para sus fans. A continuación te mostramos cuáles han sido los eventos más trascendentes de su carrera:

LOS NÚMEROS DE PXNDX

Para darnos una idea del volumen de fanatismo que desencadenan los regios, aquí van algunos datos duros de su impacto en internet. • Más de 160 mil seguidores en Twitter. • @pxndxmusic • Más de 2 millones de likes en su página oficial de Facebook. • PXNDX • Más de 13 millones de reproducciones de sus videos en su canal oficial en VEVO. • PandaVEVO Y más de 120 millones de plays en YouTube.

DE GIRA Y EN FESTIVALES

A lo largo de estos años se han presentado en los recintos y ciudades más importantes en México, Estados Unidos, Centro y Sudamérica. Les tocó abrir tres conciertos de Blink 182, dos en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México y uno en el Auditorio Coca Cola de Monterrey. Han participado en el Urban Music & Xtreme Fest, Pa’l Norte y el Vive Latino (todos en México), Rock al Parque (Bogotá, Colombia), South by Southwest, Latin American Alternative Conference y el Neon Desert Music Festival (EU), entre otros. En total han dado más de 100 conciertos en el extranjero.

EL ÚLTIMO DISCO SANGRE FRÍA

Es su nuevo álbum y consta de 14 temas inéditos con letra de José y música del grupo, además de un DVD con imágenes de ellos en el estudio de grabación, en giras y conciertos. El material debutó en el primer lugar de ventas en México y durante tres semanas consecutivas se mantuvo así. El primer sencillo promocional se titula “Enfermedad en casa”, que salió a finales de 2013, y recientemente se estrenó su segundo sencillo, “Saludos desde Turquía”, en el radio, así como el video en televisión abierta, por sistema de cable y en todas las plataformas digitales.

PREMIOS 2005 Premio MTV al Mejor Artista Independiente 2006 Premios MTV al Mejor Grupo o Dúo, al Mejor Artista Alternativo y al Mejor Artista Revelación 2007 Premio MTV al Mejor Artista Alternativo 2009 Premios MTV al Mejor Artista Norte y al Mejor Grupo o Dúo 2012 Premio Fanta Irresistible Awards al Artista con los fans más irresistibles

Getty Images

“Es bonito tocar en el Auditorio y verlo lleno, es de los mejores reconocimientos que tengo de mi carrera, el poder ver a tanta gente que canta mis canciones, se identifican con ellas, las disfrutan”, Pepe.

Premios MTV Latinoamérica, 2006

FOROS

FOROS MUNDO

DEL

En estas páginas se presentará cada mes una selección de escenarios. Ya sea por sus avances tecnológicos, su larga tradición o por los artistas y espectáculos que se presentan en ellos, estos son los mejores.

Texto: La Redacción

Cortesía Green Music Center

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Joan and Sanford I. Weill Hall, una sala completamente hecha de madera

Green Music Center Próximos eventos Deborah Voigt: domingo 13 de abril SSU Jazz Orchestra and Latin Band: jueves 24 de abril Hilary Hahn: domingo 27 de abril Contacto: gmc.sonoma.edu

El Donald and Maureen Green Music Center pertenece a la Sonoma State University (California, Estados Unidos) y es uno de los espacios para las artes escénicas de más reciente creación (2012). El complejo, que costó alrededor de 145 millones de dólares, cuenta con un área para el estudio y la enseñanza de la música, un restaurante y dos salas de conciertos. Una de ellas —la Joan and Sanford I. Weill Hall— es un verdadero prodigio en sonido; fue diseñada por el arquitecto William Rawn, el consultor de teatro Auerbach Pollock Friedlander y el especialista en acústica Lawrence Kirkegaard, quienes buscaron reproducir la excelencia sonora de la Musikverein de Viena y el Symphony Hall de Boston. La belleza del recinto no se opone a su funcionalidad. Por ejemplo, la mayor parte

de la Weill Hall está recubierta de madera, y las sillas, que son del mismo material, están hechas a mano y cuentan con una abertura en el respaldo con la finalidad de obtener una sonoridad neutral esté o no ocupado el asiento. Su diseño no se queda ahí, ya que además el auditorio se modifica según el tipo de concierto que se esté presentando. Así pues, sin importar el género musical que se ejecute, siempre se obtendrá la mejor calidad de sonido. Aun cuando el lugar está pensado para albergar a 1,400 personas, su pared posterior se puede abrir para brindarle lugar a un total de 10 mil espectadores. Sin duda, este espacio —que abrió sus puertas con el reconocido pianista Lang Lang— está atrayendo a grandes exponentes de la música clásica.

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Auditorio Telmex Próximos eventos Dream Theater: sábado 26 de abril Megadeth: domingo 11 de mayo Avril Lavigne: miércoles 14 de mayo Contacto: auditorio-telmex.com

Como parte de un proyecto de la Universidad de Guadalajara, se inauguró en 2007 el Auditorio Telmex, el cual forma parte del Centro Cultural Universitario. Para la construcción del recinto se seleccionó al arquitecto mexicano José de Arimatea Moyao, en cuya trayectoria profesional se incluye la construcción del Foro Sol y la remodelación del Teatro Orfeón y del Teatro Metropolitan. Si algo define a esta sala de conciertos es la versatilidad de sus espacios: su aforo va de 2,658 a más de 8 mil espectadores, ya que cuenta con un sistema de muros y

mamparas móviles que permiten reducir o ampliar el número de butacas. También posee 27 suites exclusivas con una capacidad para albergar a 20 personas cada una. El escenario tiene tres plataformas mecánicas que se pueden adaptar a distintos usos, lo que da la posibilidad de tener hasta 16 configuraciones distintas. Además, la ingeniería con la que fue construido permite que el espectador más lejano a los artistas se encuentre a sólo 64 metros de distancia. Entre los servicios que brinda este foro están seis estaciones de alimentos por nivel, guardarropa y enfermería.

Fotos: Cortesía Auditorio Telmex

MÉx

El versátil interior del Auditorio Telmex

Una obra de gran ingeniería y estilo

FINALES RESEÑAS

FADING GIGOLO

(Estados Unidos, 2014) Dirige: John Turturro • Estelares: Woody Allen y Sharon Stone

Cortesía

CINE Naief Yehya

OCULUS (Estados Unidos, 2013) Dirige: Mike Flanagan Estelares: Brenton Thwaites, Karen Gillan Lo que pareciera otra historia más de una casa embrujada es una película ingeniosa y muy efectiva, construida de manera notable en términos del manejo de tiempo y espacio. Flanagan logra algo muy raro en el cine de horror: retomar viejos lugares comunes y clichés gastados para darles un giro y reinventarlos, como la cansada historia del mal que se oculta tras un espejo. Más allá de efectos especiales, Oculus es una interesante reflexión en torno a la memoria, los sueños y la dificultad de aceptar la muerte de la fantasía. 3 DÍAS PARA MATAR (Estados Unidos, 2014) Dirige: “McG” (Joseph McGinty Nichol) Estelares: Kevin Costner y Amber Heard Sería una locura tratar de tomar en serio las aventuras de Kevin Costner en el papel de un tosco agente de la CIA que debe retirarse por un cáncer terminal y se convierte en asesino a cambio de un remedio milagroso para su enfermedad, todo esto al tiempo que cuida de su hija, a quien apenas conoce. Un filme del nada sutil “McG” (¿desde cuándo los directores de cine tienen apodo de DJ?), que convierte un trabajo genérico, predecible y estridente, en la entretenidísima odisea de un envejecido y rudo Costner. 46 / 47

Woody Allen interpreta a un vendedor de libros neoyorquino llamado Murray, quien, avejentado y a punto de caer en la quiebra, le propone un negocio a su amigo, el florista Fioravante, interpretado por el actor, guionista y director John Turturro: su dermatóloga (Stone) le ha confesado que le gustaría experimentar un ménage à trois con una amiga (Sofía Vergara) y un hombre al que estaría dispuesta a pagarle mil dólares. La premisa es francamente inverosímil desde cualquier punto de vista; sin embargo, el quinto largometraje dirigido por Turturro es una obra híbrida, aguda, sensible y repleta de vitalidad. La presencia de Allen transforma la cinta gracias al carisma que despliega como emblemático judío de Nueva York y por la forma en que su personaje, de insólito proxeneta, involucra a un improvisado gigoló con la comunidad jasídica (una vertiente ultra ortodoxa del judaísmo). La peculiaridad del filme es que en vez de justificar su increíble historia o las extrañas características de los personajes, opta por ofrecer un mínimo de contexto e información al presentar la trama. El director no se conforma con que la comedia sexual funcione sino que da a la narrativa cinematográfica una peligrosa transición que la vuelve una reflexión seria sobre la intimidad; en particular con respecto al vínculo entre Fioravante y Avigal (Vanessa Paradis), una viuda del mismo grupo religioso, con seis hijos y que nunca ha sido besada. Fading Gigolo podría ser dos películas distintas, pero por fortuna se trata de una sola, compacta y tersa, bipolar sin duda, aunque sorprendentemente congruente.

FINALES RESEÑAS

LOCO DE AMOR / JUANES

Universal, 2014

MÚSICA La Redacción

RECESS / SKRILLEX Big Beats Records, 2014

Es el sexto trabajo de estudio de un artista que se encuentra ya consolidado, por lo que el material que nos presenta es intachable. El cantante colombiano decidió trabajar con Steve Lillywhite, quien ha colaborado con U2, The Killers, The Rolling Stones, Peter Gabriel, y Morrissey, entre otros. La mano del productor se nota al escuchar el conjunto de canciones que componen Loco de amor, pues, además de que los arreglos son impecables, se puede apreciar una mezcla de sonidos electrónicos y de rock que se funden de manera muy natural con el estilo mucho más apegado al folclor del colombiano. La canción “La luz” fue lanzada como descarga digital en diciembre del año pasado y llegó a ser número uno en Colombia y Argentina. Juanes tiene más de una respuesta en torno a la pregunta por el amor, y nos regala 12 temas que ofrecen distintas perspectivas de lo que es ese sentimiento del que somos capaces de extraer la fuerza para vivir todos los días. El material fue grabado en Los Ángeles y se agradecen los cuatro años que hay de separación con su trabajo anterior, P.A.R.C.E, ya que música y letra fuyen de una manera que resulta realmente placentera para quien lo escucha. Las canciones son muy bailables, pero también funciona si lo que se quiere es pasar una amena tarde conversando con amigos. Juanes ya no es aquel muchacho dispuesto a todo con tal de alcanzar la fama; ya la tiene y, tal vez por ello, ahora se expresa en forma más libre y eso, al final del día, es lo que Loco de amor transmite.

Una revelación en el mundo de los festivales de electrónica es, sin duda, Skrillex. En una escena acostumbrada a cuanta expresión estrambótica se haga, todo acerca de él resulta alternativo, desde su pelo hasta la mezcla que hace entre géneros y corrientes musicales que no necesariamente están en boga al momento. Este DJ de techno y dubstep ha ido cosechando fanáticos incluso entre quienes se dedican a producir. Recess sale a la venta como álbum luego de una exitosa difusión como app (llamada Alien Ride) para iPhone y Android. El disco juega con las estridencias de sonidos electrónicos, rúbrica de su estilo, pero que son constantemente matizados por intervenciones vocálicas “dulces” o repeticiones tan veloces que hacen una música completamente bailable. Cuenta con la colaboración de Chance the Rapper y Kid Harpoon. Los tracks que te recomendamos son: “Coast is Clear”, “All Is Fair in Love and Brostep” y “Dirty Vibe”. SUPERMODEL / FOSTER THE PEOPLE Columbia Records, 2014 Tres años después del éxito que significó para Foster the People su disco Torches, este pasado marzo vio la luz su segundo álbum de estudio: Supermodel. El trabajo no dista demasiado de la primera grabación del trío californiano y es en realidad una reafirmación de esa rama del llamado pop “inteligente”; su sonido se ubica en el perfecto balance de la música comercial y aquella que pertenece al ámbito underground en donde los sonidos son también remanentes históricos, es decir, que traen consigo una carga conceptual que logra mantenerlos separados de la corriente principal sin volverlos ajenos al público mayoritario. Tiene, eso sí, un par de canciones neo psicodélicas y con letras un poco más oscuras que pretenden ser una declaración en contra de la cultura pop y la ideología consumista. El disco es el resultado de una coproducción entre el vocalista Mark Foster y Paul Epworth, quien ha trabajado con Adele, Florence and the Machine y Bruno Mars, entre otros.

FINALES RESEÑAS

100 DISCOS ESENCIALES DEL ROCK MEXICANO. ANTES DE QUE NOS OLVIDEN

David Cortés y Alejandro González Castillo (coordinadores) • Grupo Editorial Tomo / Colección Rock del siglo XX

Jillian Mitchell - lostacapulco.com

LIBROS Julián Hernández

Lost Acapulco

LILIA PRADO SUPERESTRELLA (Y OTROS CHISMES) / ARCHIVO CARRIÓN 3 Ulises Carrión • Tumbona Ediciones / Colección Anómalos Ulises Carrión (1941-1989) fue un excéntrico creador veracruzano que en Holanda halló espacio fértil para sus proyectos, relacionados con el lenguaje y su mutación en plataformas mediáticas. Son tres los volúmenes hasta ahora editados por Juan J. Agius y traducidos por Heriberto Yépez. Este tercer libro aborda algunas de sus empresas más ambiciosas, como la validación del chisme, reconociéndolo como un fenómeno de comunicación digno de estudio y la realización de un festival de cine dedicado a una estrella mexicana de los años 50, desconocida en Europa. Sus diarios, conferencias y fotografías contribuyen a dibujar el autorretrato de un outsider del que muchos diletantes del arte pueden tomar nota. TAMBIÉN SOY ESCRITURA. OCTAVIO PAZ CUENTA DE SÍ Julio Hubard (edición y selección) • Fondo de Cultura Económica La naturaleza polígrafa de Octavio Paz destella en su extensa obra, pero como el poeta fue reacio a narrar su vida en un solo libro, Hubard se lanzó a subsanar tal ausencia con este “soliloquio autobiográfico” que recoge diversos y dispersos textos del autor. Plausible es la intención y se agradece acceder a capítulos claves de una rica existencia. Sin embargo, queda en el aire un capítulo: en torno a las diferencias que tuvieron Paz y Pablo Neruda, y que casi los llevaron a los golpes, el compilador omite que 24 años después los autores se reconciliaron. Más allá de ese olvido, estas páginas contribuyen a quitar el bronce a un artista e intelectual que fue, ante todo, un hombre con certezas y dudas. 48

De las múltiples maneras que hay de hacer una antología, los coordinadores de este libro optaron por consignar grabaciones relevantes de acuerdo a su propuesta artística más que a su impacto comercial o mediático. Su pesquisa, a la que han contribuido 35 reseñistas, tanto músicos activos como periodistas, presta atención a nombres reconocidos —Los Locos del Ritmo, Three Souls in My Mind, Botellita de Jerez, Caifanes, Molotov, Julieta Venegas— y a la escena subterránea, que participa de un ánimo desafiante, de exploración y que ha nutrido también al mainstream. La inclusión de El Tarro de Mostaza, Decibel, Flor de Metal, Liran’ Roll, Nona Delichas, La Perra y Robota, entre otros, no significa que el volumen sea una alabanza al rock marginal, ni tampoco un ejercicio de santificación (por ejemplo, Rodrigo González); su mención da credibilidad y nitidez a la cartografía de un género musical que en poco más de medio siglo de existencia en nuestro país ha vivido en los caminos subterráneos, tanto en los hoyos fonqui —donde, a mediados de los 70 se practicaba el punk sin saber que así sería bautizado en el mundo anglo— como en estudios de grabación en los que la imaginación y la temeridad suplían a los recursos tecnológicos. Si bien los responsables del libro no aclaran si el “rock mexicano” es el escrito e interpretado por connacionales o es la música que revela el espíritu, la visión y el carácter imperantes en una región, al cabo de 300 páginas se advierte que este género es para algunos una herramienta de denuncia, para otros un ritual con escasos riesgos artísticos y mucho de estrellismo, y hay para quienes el rock es una de las formas más efectivas de decir NO con una voz viva, incandescente.

AGENDA

Lo mejor de la agenda del Auditorio Nacional se encuentra en estas páginas, junto con breves reseñas de los eventos y un avance del siguiente mes.

Infantil

Teatro

Ballet

Proyección

Concierto

Ópera

Varios

Danza

Abril

Programación sujeta a cambios sin previo aviso

Cri–Crí Compañía Nacional de Danza Este espectáculo, ideal para festejar a los niños en su día, fue estrenado en 2007 para celebrar el centenario del nacimiento de Francisco Gabilondo Soler “Cri-Crí”, por la Compañía Nacional de Danza, del Instituto Nacional de Bellas Artes. El repertorio incluye algunas de las canciones más famosas del “Grillito Cantor”. La dirección está a cargo de Laura Morelos, la coreografía de José Luis González y cuenta con arreglos musicales de Eugenio Toussaint. Un ballet que estimula la imaginación de los pequeños y los inicia en el conocimiento y el disfrute del arte.

Archivo Auditorio Nacional

Cri–Crí

Domingo 27 de abril 12:00 hrs. Preferente: $550.00 Luneta: $450.00 Balcón: $350.00 Piso 1: $250.00

AGENDA Programación sujeta a cambios sin previo aviso

HORARIOS DE TAQUILLA

Lunes a sábado: 10:00-19:00 hrs. Domingo: 11:00-18:00 hrs. Se aceptan todas las tarjetas de crédito bancarias y American Express. Para más información consulte nuestra página de internet: auditorio.com.mx

8º Gran remate de libros

Del 13 al 20 de abril Vestíbulo del Auditorio Nacional 11:00 a 19:00 hrs.* Los días viernes 18 y sábado 19 de abril el horario se extenderá hasta las 22:00 hrs. Entrada gratuita.

Pxndx, tour Sangre fría

Viernes 25 de abril 20:30 hrs. Preferente: $750.00 Luneta: $550.00 Balcón: $400.00 Piso 1: $250.00 Piso 2: $150.00

Così fan tutte En vivo desde el Met de Nueva York

El show de Pocoyó en vivo

Miércoles 30 de abril 16:00 hrs. Jueves 1 de mayo 12:00 hrs. Preferente: $650.00 Luneta: $500.00 Balcón: $400.00 Piso 1: $350.00 Piso 2: $180.00 Niños a partir de dos años pagan boleto.

Sábado 26 de abril 12:00 hrs.* *Límite de acceso: 11:45 hrs. Preferente: $350.00 Luneta: $250.00 Piso 1: $150.00 Piso 2: $50.00

Archivo Auditorio Nacional

Mayo Luis Pescetti: Él empezó primero Domingo 4 de mayo 13:00 hrs. Preferente: $600.00 Luneta; $500.00 Balcón: $400.00 Piso 1: $300.00 Piso 2: $200.00

La Cenicienta En vivo desde el Met de Nueva York

Sábado 10 de mayo 12:00 hrs. Preferente: $350.00 Luneta: $250.00 Piso1: $150.00 Piso 2: $50.00

Turandot Ópera de Bellas Artes

Con la Orquesta del Teatro de Bellas Artes Viernes 9 de mayo 20:00 hrs. Domingo 11 de mayo 17:00 hrs. Será estelarizada por la soprano siciliana Tiziana Caruso (Turandot), el tenor italiano Rubens Pelizzari (Calaf ), la soprano mexicana Olivia Gorra (Liú) y el bajo mexicano Rosendo Flores (Timur). Es una ópera en tres actos y cinco cuadros de Puccini (1858-1924), con libreto de Giuseppe Adami y Renato Simoni, que toma como base la fábula homónima de Carlo Gozzi. Preferente: $1,000.00 Luneta: $900.00 Balcón: $500.00 Piso 1: $300.00 Piso 2: $150.00

Alejandro Fernández: Confidencias

Miércoles 14, viernes 16, sábado 17, domingo 18, viernes 23 y domingo 25 de mayo 20:30, 20:30, 20:00, 19:00, 20:30 y 19:00 hrs. respectivamente Preferente: $2,100.00 Luneta: $1,600.00 Balcón: $1,200.00 Piso 1: $500.00 Piso 2: $300.00

Raphael, tour Mi gran noche 2014 Jueves 15 de mayo 20:30 hrs. Preferente: $1,200.00 Luneta: $1,000.00 Balcón: $800.00 Piso 1: $400.00 Piso 2: $250.00

auditorio.com.mx

Dan McGrath

Programación sujeta a cambios sin previo aviso

Marco Antonio Muñiz

Miércoles 21 de mayo 20:30 hrs. Preferente: $1,100.00 Luneta: $850.00 Balcón: $600.00 Piso 1: $350.00 Piso 2: $200.00

Marisela y Paquita la del Barrio Sábado 24 de mayo 20:00 hrs. Preferente A: $1,300.00 Preferente B: $1,000.00 Luneta: $900.00 Balcón: $700.00 Piso 1: $450.00 Piso 2: $280.00

Homenaje a Queen & The Beatles Concierto sinfónico

Archivo Auditorio Nacional

Con la participación de la Orquesta Juvenil Universitaria Eduardo Mata, dirigida por Louis Clark; el coro de la UNAM dirigido por el maestro Óscar Herrera, el Jazz Trio de Edgar Ibarra, y como invitada especial la flautista Elena Durán. Martes 27 de mayo 20:30 hrs. Preferente: $1,250.00 Luneta: $900.00 Balcón: $700.00 Piso 1: $500.00 Piso 2: $350.00

Ringo Starr y Freddie Mercury, 1975

Emmanuel y Mijares, Two’r Amigos  Miércoles 28 de mayo 20:30 hrs. Preferente: $2,200.00 Luneta: $1,500.00 Balcón: $1,200.00 Piso 1: $500.00 Piso 2: $300.00

Enrique Iglesias, Sex and Love

Jueves 29 y viernes 30 de mayo 20:30 hrs. Preferente: $1,980.00 Luneta: $1,680.00 Balcón: $1,280.00 Piso 1: $680.00 Piso 2: $350.00

Carla Morrison

Sábado 31 de mayo 20:00 hrs. Preferente: $850.00 Luneta: $650.00 Balcón: $450.00 Piso 1: $300.00 Piso 2: $200.00

Junio GranDiosas

Con la presentación de María Conchita Alonso, Dulce, Rocío Banquells, Ednita Nazario y Karina Viernes 13 de junio 20:30 hrs. Preferente VIP: $1,500.00 Incluye lugares en las dos primeras filas y meet & greet Preferente: $1,250.00 Luneta: $900.00 Balcón: $700.00 Piso 1: $450.00 Piso 2: $250.00

Yuri & Lupita / Lupita & Yuri, tour Siempre amigas

Jueves 5 de junio 20:30 hrs. Preferente A: $2,200.00 Preferente B: $1,500.00 Luneta A: $1,500.00 Luneta B: $1,200.00 Balcón: $1,200.00 Piso 1: $500.00 Piso 2: $300.00

AGENDA

LUNARIO / abril

#lunario10 presenta: Buika, la noche más larga

Programación sujeta a cambios sin previo aviso

Alex Ubago en concierto Viernes 11 de abril

Jueves 24 de abril

21:00 hrs

21:00 hrs.

Primera fila: $900.00 Preferente A: $700.00 Preferente B: $500.00 Vista parcial: $350.00 Mesas numeradas

Primera fila: $1,500.00 Preferente A: $1,000.00 Preferente B: $900.00 Vista parcial: $800.00 Mesas numeradas

Concierta independencia: Pablo Ahmad & Freddy Potenza Martes 22 de abril 21:00 hrs. Preventa: $200.00 Día del evento: $220.00 Mesas numeradas Los Tres Tour México 2014 Miércoles 23 de abril 21:00 hrs. Cortesía

Admisión general de pie: $350.00 Myriam en concierto Sábado 26 de abril 21:00 hrs. Admisión general de pie: $550.00

20:00 hrs. Admisión general de pie: Preventa: $350.00 Día del evento: $400.00 Daniel Wong & Friends Celebrando el Día Internacional del Jazz Miércoles 30 de abril 21:00 hrs. Preferente A: $350.00 Preferente B: $300.00 Vista parcial: $250.00 Mesas numeradas

Mayo Flamenco a la mexicana de María Aliaga Sábado 3 de mayo 21:00 hrs. Primera fila: $450.00 Preferente A: $350.00 Preferente B: $300.00 Vista parcial: $200.00 Mesas numeradas Eyescream presenta: Luna Coil Miércoles 7 de mayo 20:00 hrs.

Enrique Chía

Autor3s: Gian Marco y Amaury Gutiérrez Sanborns y Clarovideo presentan un evento de e35, W Radio y #lunario10 Domingo 11 de mayo

Admisión general de pie: Preventa: $450.00 Día del evento: $500.00

17:00 y 20:30 hrs.

#lunario10 presenta Enrique Chía Jueves 8 y viernes 9 de mayo

Sábado 17

21:00 hrs. Primera fila: $1,100. 00 Preferente A: $800.00 Preferente B: $700.00 Vista parcial: $600.00

Cortesía

DJ Starscream – Sid Wilson – #0 of Slipknot en concierto Domingo 27 de abril

Paco de María y su Big Band Sábado 24 de mayo 21:00 hrs. Preferente A: $550.00 Preferente B: $450.00 Vista parcial: $300.00 Mesas numeradas

Jueves 15 y viernes 16 21:00 hrs. 21:30 hrs. Domingo 18 20:30 hrs. Sección VIP: $1,500.00 Preferente A: $900.00 Preferente B: $800.00 Vista parcial: $800.00

Comisario Pantera Viernes 30 de mayo 21:00 hrs. Admisión general de pie: Preventa: $250.00 Día del evento: $300.00

al público

Dónde estacionarse Te informamos que el estacionamiento Plaza Auditorio, operado por una empresa privada, ajena al Auditorio Nacional y al Centro Cultural del Bosque, se encuentra clausurado. Lamentamos este inconveniente y sugerimos que tomes las precauciones necesarias para llegar a tiempo a las funciones. Asimismo, sugerimos hacer uso del transporte público y bicicleta. Además del estacionamiento del Auditorio Nacional, situado frente a Campo Marte, hay otros en la zona hotelera de Polanco. Te mostramos un mapa con ellos y las cicloestaciones de ECOBICI más cercanas.

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ESTACIONAMIENTOS

1. Estacionamiento del Auditorio Nacional Av. Paseo de la Reforma 50 2. Estacionamiento Arquímedes Arquímedes 7, col. Polanco 3. Estacionamiento Edificio Forum Andrés Bello 10, col. Polanco 4. Operadora de Estacionamientos Cuevas Julio Verne 102, col. Polanco

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CICLOESTACIONES ECOBICI

192 Rubén Darío-Reforma 223 Newton-Presidente Masaryk 228 Campos Eliseos-Jean de La Fontaine 231 Newton-Aristóteles 233 Julio Verne-Luis G. Urbina 234 Tres Picos-Arquímedes 237 Andrés Bello-Elliot

FINALES OMAN

INFOGRAFÍA Yurex Omazkin

¿Qué es el OMAN? El órgano monumental del Auditorio Nacional (OMAN) es el séptimo más grande del mundo y ocupa el primer lugar en Latinoamérica. Su historia es, como él, extensa y fascinante. Fue instalado originalmente en El Palacio de Bellas Artes (en 1934), pero ahí casi no fue tocado. En 1956, el Gobierno Federal decidió mudarlo al Auditorio Nacional. Aprobó que se usaran los viejos componentes del instrumento, pero que se enriqueciera con nuevos para que sus voces llenaran el nuevo recinto. Después de meses de trabajo, fue inaugurado el 23 de noviembre de 1958. Durante

305 TECLAS (5 teclados manuales con 61 teclas cada uno). Lo que equivale a las de tres pianos y medio.

trece años fue centro de temporadas y del programa Domingos Populares. Pero su costoso mantenimiento provocó un gradual deterioro que lo silenció en 1973. Fue hasta 1998 que se organizó un proyecto de rescate y utilización del órgano. Su reinauguración ocurrió con éxito en el año 2000 en un evento que contó con la presencia de cinco destacados organistas, la Orquesta de Cámara de Bellas Artes y la Orquesta Sinfónica Carlos Chávez, dirigidos por el maestro Enrique Barrios. Aquí ilustramos algunos de los detalles que lo hacen único.

250 PLAQUETAS O BOTONES, que corresponde en número a los registros sonoros que es capaz de producir el instrumento, o tres bandoneones y medio.

Es como tener a 7,816 FLAUTISTAS Y MEDIO de la Orquesta Sinfónica Nacional (contando principales y principales adjuntos).

El OMAN ocupa el espacio equivalente a un edificio de 7 PISOS. Su peso es como el de un cachalote macho, es decir, de casi 50 toneladas.

El órgano cuenta con: 15 MIL 633 FLAUTAS. Las más grandes miden alrededor de 10 metros, tan altas como un árbol de bosque tropical, y las más pequeñas 15 mm, más o menos del mismo tamaño que una tarjeta micro-SIM.

El OMAN tiene 20 SECRETOS (cajas de distribución del viento a las flautas) principales y 18 independientes. 54 / 55

FINALES OMAN

1934

198 REGISTROS reales que combinados entre sí dan un total de 250, de los cuales 4 son de percusión: campanas, arpa, celesta y xilófono.

1958

2000

Para darnos una idea, una flauta transversal tiene tres registros completos y un registro parcial, por lo que el OMAN es capaz de emitir variaciones de registro hasta 85 VECES más que uno de estos instrumentos.

También cuenta con un pédalier (teclado accionado con los pies) de 32 NOTAS.

La música que produce el OMAN es de 16 CABALLOS DE FUERZA, lo que equivale a la potencia generada por un motor Kawasaki de motocicleta o de moto acuática.

3,000 ELECTROVÁLVULAS, que son las llaves de paso del OMAN. Si fuera un edificio de siete pisos y cuatro departamentos por nivel, únicamente necesitaría 84 de estas válvulas. Son 10 ventiladores los que producen el aire que necesita para funcionar (accionados por 8 MOTORES DE 2 CABALLOS DE FUERZA cada uno) y es impulsado a presión hacia los tubos por 51 FUELLES, cuya función es similar a la del gusano plegable de un acordeón.

51 fuelles que son alimentados por 10 ventiladores, porque se trata de un órgano moderno. En el pasado se habría requerido de, por lo menos, 102 MANOS PARA ALIMENTARLO DE AIRE.

FINALES MEMORABLE

Un invitado de lujo Diego El Cigala recibió en su camerino al gran Gabriel García Márquez antes de su concierto en el Auditorio Nacional.

Sucedió el: 31 de octubre, 2013 Lugar: Auditorio Nacional Fotógrafa: Graciela Pérez Núñez / Lado be