Revista de Auditorio Nacional / No. 8 by La Revista del Auditorio

REVISTA del AUDITORIO la

Nº 8 OCTUBRE 2014

Ejemplar gratuito

Lunas del Auditorio Ricardo Arjona

Autor de letras que son parte del imaginario colectivo de millones de hispanohablantes, este trovador guatemalteco regresa al Auditorio para presentar su nuevo disco.

Karen Souza

Dueña de una extraordinaria voz, la cantante estará en Lunario para unirse a los festejos por el décimo aniversario del recinto con su mezcla de jazz y bossa nova.

David Garrett

Considerado uno de los mejores violinistas del mundo, este virtuoso, que también ha sido modelo y actor, se presentará en noviembre en el Coloso de Reforma.

Estas preseas reconocen a los artistas más destacados y han contribuido a la consolidación de la industria del espectáculo en nuestro país. Su decimotercera entrega está por llegar.

CONTENIDO

REVISTA del AUDITORIO la

No 8 · octubre 2014

CENTRALES Aquí encontrarás un recuento de ganadores e interpretaciones durante las Lunas del Auditorio y la lista de los nominados para este 2014.

Consejo Nacional para la Cultura y las Artes Rafael Tovar y de Teresa Presidente

Archivo Auditorio Nacional

Gobierno del Distrito Federal

Miguel Ángel Mancera Espinosa Jefe de Gobierno

Auditorio Nacional

Gerardo Estrada Rodríguez Coordinador Ejecutivo

Francisco Serrano Carreto

Director de Desarrollo Corporativo

Luis Carlos Romo Salcido Director de Operaciones

Constanza Bolaños González Garza

Directora de Promoción y Difusión Director de Administración y Finanzas

Mark Giancola

Director de Producción

Mónica Navarro Ruiz Coordinadora de Prensa

Nicolás Martínez

Centro de Documentación del Auditorio Nacional

Cortesía Music Brokers Argentina

Carlos Reygadas Barquín

MÚSICA QUE ACOMPAÑA Karen Souza, una pampeana que canta jazz en inglés, habló en exclusiva para La revista del Auditorio sobre su nuevo álbum. p. 32

CONTENIDO

REVISTA del AUDITORIO la

No 8 · octubre 2014

Dirección

Eduardo Sanmiguel Director general eduardo@aeditores.com

Marcela Aguilar y Maya Directora asociada

Editorial

Santiago Oria Director editorial santiago@aeditores.com

Julieta García Asesora editorial julieta@aeditores.com

Claudia Benítez Asistente editorial

Arte Cynthia Márquez Directora de arte y diseño

Gerardo Terán Diseñador

Fernanda Carrasco Archivo Auditorio Nacional

Editora de foto

Comercial

Eva Feldman Ejecutiva de cuenta eva@aeditores.com

Gabriela García Ejecutiva de cuenta gabriela@aeditores.com

Ivonne Miranda Ejecutiva de cuenta ivonne@aeditores.com

Diego Rivera Ejecutivo de cuenta diegor@aeditores.com

Pablo Maya Relaciones públicas

Asesores de contenidos Marcello Lara Jesús Quintero

consejo editorial

Gerardo Estrada Bruno Newman Francisco Serrano Eduardo Sanmiguel Julieta García Constanza Bolaños Marcela Aguilar y Maya Mónica Navarro

A / EDITORES

Leibnitz 20, piso 8-801 Col. Anzures, México, D.F. T. +52 (55) 52 81 17 78 y 79 aeditores.tumblr.com

BREVES

Adiós a Gustavo Cerati, un poco del Festival Cervantino, música cósmica y legendarios estudios de grabación, entre otras cosas. p. 7

CONOCE A...

Ricardo Arjona ofrecerá cuatro conciertos en el Auditorio Nacional en los cuales presentará su nuevo álbum, Viaje. p. 16

HISTORIA

El Coloso de Reforma ha sido escenario de diversos espectáculos de magia. Conoce a los ilusionistas que ahí se han presentado. p. 12

OPINIÓN

Un economista nos explica qué sucede alrededor del tan común negocio informal de la reventa de boletos para espectáculos. p. 44

FOROS

Conoce el teatro argentino que tiene una de las acústicas más perfectas del mundo y el foro guanajuatense que es una joya arquitectónica. p. 14

RESEÑAS

Para que sepas qué hay de bueno en el cine, qué libros vale la pena leer y qué discos escuchar, te recomendamos algunas novedades. p. 46

La Revista del Auditorio es una publicación de A/Editores. Leibnitz 20-801, Col. Anzures, C.P. 11590 México, D.F. Teléfono 5281 1778. Revista mensual. Número 8, octubre 2014. Editor responsable: Eduardo Sanmiguel M. El contenido de los artículos es responsabilidad de los autores. Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción parcial o total incluyendo cualquier medio electrónico o magnético con fines comerciales. La información contenida se ha obtenido de fuentes fidedignas. Número de Reserva del Instituto Nacional de Derechos de Autor No. 04-2014-041111154300-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido No. 16218. Distribuido por Grupo CONAGRA, Popocatépetl 415, Col. Santa Cruz Atoyac, C.P. 03100, México, D.F. Impresa en Grupo Ajusco, S.A. de C.V., José María Agreda y Sánchez 223, Col. Tránsito, C.P. 062820, México, D.F., Teléfono 5132 1100.

Del FB AuditorioMx: Molotov firmando el Libro de Oro.

Un Libro de Oro

para las firmas de celebridades En 1991, coincidiendo con la reinauguración del Auditorio Nacional —después de un intenso trabajo de remodelación—, se creó el llamado Libro de Oro con la idea de guardar como recuerdo las firmas y agradecimientos de los artistas, tanto nacionales como internacionales, que ahí se han presentado. Es tal el número de celebridades que han pisado el escenario del Coloso, que hoy en día se conservan 30 libros que documentan la historia del recinto. Lunario, como foro independiente, también cuenta con varios tomos en su haber. Al terminar cada espectáculo, se le pide a los intérpretes que escriban algo sobre su experiencia. Algunos de ellos no sólo escriben sino que también dibujan. Así, estrellas del mundo de la música han dejado entusiastas notas, como la que escribió David

Garrett en enero de este año, diciendo que “nunca antes había experimentado algo semejante. Ustedes son lo mejor”, la cual obtuvo cientos de likes en Facebook. O el mensaje que dejó en 2008 el grupo finlandés de metal sinfónico Apocalyptica: “Fue absolutamente fantástico estar de regreso en la Ciudad de México. Éste es uno de los mejores escenarios y uno de los mejores públicos del mundo. ¡Un billón de gracias!”. En el volumen más reciente se incluyen las firmas de personajes como Alejandra Guzmán, Danny Elfman, The Illusionists, Billy Ocean, Vladímir Áshkenazy y Luis Pescetti. En el Facebook del Auditorio y de Lunario podrás encontrar las fotografías de artistas firmando el Libro de Oro, así como también imágenes de sus mensajes.

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Sigue los pasos del Auditorio Nacional, Lunario y Lunas del Auditorio en: @AuditorioMx @LunarioMx @LunasAuditorio AuditorioMx LunarioMx LunasAuditorio +AuditorioMx +LunarioMx AuditorioMx LunarioMx TVLunas AuditorioMx LunarioMx LunasAuditorio

Alfombra roja para la Luna Hace ya muchas décadas que Pedro Infante inmortalizó la frase “de las lunas, la de octubre es más hermosa”. Más allá de ser éste un fenómeno innegable, la relación que tenemos con ella y con su brillo argento trasciende los sentidos y se transforma en expresiones, en canciones, poemas e imágenes. Por eso, cuando el Ídolo de Guamúchil le cantaba a la luna, o cuando Jaime Sabines la recetaba, no sólo hablaban de una visión, sino de creencias, creación y música. Las Lunas de octubre son el pináculo de esta relación y traen consigo lo mejor de la expresión humana al escenario del Auditorio Nacional, donde figuras del espectáculo, nacionales e internacionales, se reunirán para celebrar por decimotercera ocasión los mejores eventos y las más destacadas interpretaciones del último año en los escenarios mexicanos. ¡Y la fiesta sigue! Karen Souza adornará Lunario con su maravillosa voz y estilo; David Garrett, el gigante alemán virtuoso del violín interpretará piezas “imposibles” en el Coloso de Reforma; Ricardo Arjona presentará sus composiciones más recientes y otros clásicos atemporales ante un público que le es fiel desde hace décadas; entre muchos otros eventos que engalanan el firmamento capitalino durante este mes. Como es costumbre, en estas páginas también encontrarás una opinión destacada sobre la industria del espectáculo: en esta ocasión el economista Ernesto Piedras explica el fenómeno de la economía sombra, mejor conocido como reventa. Disfruten esta edición. —Los editores

En portada: Presea de las Lunas del Auditorio. Fotografía cortesía del Auditorio Nacional.

AUDITORIO recomienda

Presentamos una cartelera de otros eventos cultu rales que actualmente se llevan a cabo en foros, tea tros y museos de la Ciudad de México. La oferta es amplia, por lo que te recomendamos apartar los días en tu agenda para que no te quedes sin verlos.

Ballet

Ópera

Concierto

Proyección

Danza

Teatro

Infantil

Varios

Programación sujeta a cambios

Museo Tamayo Arte Contemporáneo

Museo del Palacio de Bellas Artes

Yayoi Kusama, Obsesión infinita

En esto ver aquello. Octavio Paz y el arte

En el marco de la celebración del centenario del nacimiento del Premio Nobel de Literatura 1990, se muestran más de 220 obras de arte a las que Paz hizo referencia en sus escritos (entre libros, piezas prehispánicas, pintura, escultura, gráfica, fotografía y grabados), de artistas como Henry Moore, Juan Soriano, Isamu Noguchi, Pablo Picasso, Joan Miró y Jackson Pollock, entre muchos otros célebres creadores. Hasta enero de 2015.

Samuel Mark Thompson

Se exhibe el trabajo de una de las artistas japonesas más destacadas de nuestros tiempos, Yayoi Kusama, precursora del arte pop y de los movimientos de arte feminista y minimalista. Se presentan más de 100 de sus obras, creadas entre 1950 y 2013, entre esculturas, instalaciones, pinturas, trabajos en papel, videos y diapositivas. Se trata de un recorrido a lo largo de su trayectoria artística en sus distintas facetas. Hasta el 18 de enero.

Yayoi Kusama, Obsesión infinita.

Algunos eventos del Festival Internacional Cervantino (FIC) que se realizará del 8 al 26 de octubre en Guanajuato.

Orquesta mexicana

Rubén Luengas, director México Templo de la Compañía Programa: Cortázar: Lejos de Cosoltepec Sandi: El venado Luengas: Jarabe Ka’nu Chávez: Chapultepec; Cantos de México (dedicada a Silvestre Revueltas) Chapela: obra comisionada por el FIC Viernes 10 de octubre 17:00 hrs. Precio: $215

Tributo a Cesária Évora

Cabo Verde, Cuba, Angola y Portugal Explanada de la Alhóndiga de Granaditas Con: Mayra Andrade, Bonga, Lura y Teófilo Chantre Domingo 12 de octubre 20:00 hrs. Precio: $80

Hachioji Kuruma Ningyo

Koryu Nishikawa, director Japón Teatro Cervantes Con: Koshiko Takemoto Martes 14 de octubre 18:00 hrs. Precios: $328, 238

El flamenco vive

Silvia Marín, directora España Plaza San Fernando Programa: El flamenco en cuatro estaciones Jueves 16 de octubre 19:00 hrs. Viernes 17, sábado 18 y domingo 19 de octubre 13:00 y 19:00 hrs. Entrada libre

Ballet del Teatro Nacional de Belgrado

Konstantin Kostjukov, director Ronald Savkovic, coreógrafo Serbia Auditorio del Estado Programa: Alejandro Miércoles 22 y jueves 23 de octubre 20:00 hrs. Precios: $489, $407, $114

Rubén Blades

Panamá Explanada de la Alhóndiga de Granaditas Domingo 26 de octubre 20:00 hrs. Precio: $204

▸ MUSEO DEL PALACIO DE BELLAS ARTES Eje Central Lázaro Cárdenas esquina con Avenida Juárez. Martes a domingo 10:00 a 17:30 hrs. Entrada general: $45. Entrada libre: Domingos / Estudiantes, maestros, INAPAM y empleados de CONACULTA e INBA. ▸ MUSEO TAMAYO ARTE CONTEMPORÁNEO Paseo de la Reforma 51, Bosque de Chapultepec. Martes a domingo 10:00 a 18:00 hrs. Entrada general: $19. Entrada libre: Domingos / Estudiantes, maestros y adultos mayores.

auditorio.com.mx

LAS Texto: Naief Yehya

BREVES

¿Qué está pasando en el mundo de la música y el espectáculo? Te presentamos una selección de notas interesantes para que estés informado.

Gracias totales

Guido Adler

Adiós a Gustavo Cerati (1959 - 2014)

Cerati durante la filmación del video de la canción “Rapto”, incluida en su álbum Fuerza natural (noviembre de 2009).

Para muchos, antes de Cerati el rock en español era inconcebible. No son pocos quienes consideran que su banda, Soda Stereo, fue el grupo de rock más importante de Hispanoamérica, una portentosa propuesta vanguardista que puso a Argentina en el mapa de la música moderna. Cerati cayó como las grandes estrellas del rock, casi al pie del escenario, tras un concierto en Caracas, donde presentaba su último disco,

Fuerza natural, el 15 de mayo de 2010. Un infarto cerebral lo dejó en estado de coma. Cerati era el representante más notable de la generación que tras la dictadura reinventó la cultura popular argentina en los 80 y 90. Éste era un músico talentoso con una intensa curiosidad y una frenética ética de trabajo que igualmente experimentó con el rock que con la música electrónica y la sinfónica. Si bien su carrera se inició a

principios de los 80 bajo la influencia del punk y de The Police, en poco tiempo fue definiendo un sonido propio que maduró a lo largo de siete discos hasta la disolución de Soda Stereo en 1997. Más tarde, el argentino grabó cinco discos como solista. Tras cuatro años de silencio falleció, dejándonos la certeza de que todavía tenía mucho por decir. • bit.ly/1Bgwgkc

breves

decir adiós

DESPEDIDAS En los últimos meses se han ido grandes personajes de la música. Sirva esta Breve como homenaje. Jean Redpath La cantante escocesa de música folk llegó a Estados Unidos en 1961 y por un tiempo compartió departamento con Bob Dylan. Después de presentarse en un festival folk se ganó una muy buena crítica del New York Times y recibió invitaciones para grabar, con lo que entró de lleno a la escena de este género. Falleció el 21 de agosto. Peret El rey de la rumba, Pedro Pubill Calaf, mejor conocido como Peret, falleció el 27 de agosto. Desde los años 60 se le conocía como el creador de la rumba catalana, género único que él desarrolló de forma extraordinaria como compositor, guitarrista, cantante y productor.

Composiciones cósmicas

Música para el ocaso de las estrellas Pitágoras postuló que el sol, la luna y los planetas tenían todos su propia tonalidad y que con su movimiento producían lo que habría de definirse como la música de las esferas, la cual era una especie de zumbido inaudible para los oídos humanos producido por las revoluciones alrededor de sus órbitas. Recientemente Sylvia Zhu, una estudiante de doctorado de física de la University of Maryland, ha tratado de llevar este concepto más allá al convertir poderosas explosiones de estrellas gigantes en música celeste. Zhu estudia los estallidos de rayos gamma (los cuales no producen sonido) que resultan de las supernovas de estre-

Włodzimierz Kotoński Compositor y pionero de la música electrónica en Polonia, fue el primero en contribuir al Estudio Experimental de la Radio Polaca. Kotoński compuso gran número de trabajos usando sonidos pregrabados o electrónicos en vivo en piezas para instrumentos tradicionales. Murió el 4 de septiembre. Kwon Ri-se Mejor conocida como Rise, esta cantante japonesa del grupo de pop surcoreano Ladies’ Code murió trágicamente a los 23 años de edad el día 7 de septiembre. Antes de volverse cantante, Kwon cursó la carrera de Economía y Administración de empresas y trabajó como modelo.

Fotos: Cortesía

Gerald Wilson Este músico de jazz, trompetista y compositor estadounidense formó su primera banda en 1944, la cual tocaba una mezcla de swing y bop. También tocó para Count Basie y Dizzy Gillespie, escribió música para cine, televisión, Los Angeles Philharmonic e hizo arreglos para la banda de Duke Ellington. Falleció el 8 de septiembre.

Explosión estelar.

llas gigantes blancas. La física, junto con un estudiante de arte, Turner Gillespie, ha buscado cómo convertir esos rayos en sonido de instrumentos musicales y en vistosas animaciones que tienen como objetivo dar una idea al público no especializado de lo que sucede en el momento de la muerte de una estrella. Una de sus grabaciones convierte este poderoso e inquietante acontecimiento cósmico en una pieza que parte del jazz, pasa por un pasaje sintetizado y concluye con un movimiento de orquesta que sirve como un misterioso pero afortunado réquiem sideral. • on.mash.to/1wfpuZb Milay SVK

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Desarrollo humano

LA EDUCACIÓN MUSICAL Y EL APRENDIZAJE e stim eam Dr

No es casualidad que ningún pueblo del mundo carezca de música. El primer ritmo que nos acompaña desde antes de nacer son las palpitaciones cardiacas maternas, y a partir de ahí todo acontecimiento de nuestras vidas está de una u otra manera vinculado a la música. Pero más allá de entretenernos o alegrarnos, ésta tiene una relación con el desarrollo neuronal. Un reciente estudio llevado a cabo en la Northwestern University demostró que aprender a tocar un instrumento musical ayuda notablemente a los niños a desarrollar el sistema sensorial, pero mucho más importante es que puede alterar el sistema nervioso para ayudarlos a aprender mejor en todos los dominios, desde procesar sonidos y el lenguaje mismo hasta en la capacidad de lectura, es decir, en las habilidades básicas que permiten todo aprendizaje. • bit.ly/1oIQVsS

breves

El Top 5

Los 5 estudios de grabación más legendarios del mundo Un estudio de grabación puede ser un local hostil, insípido y frío; finalmente se trata de un lugar diseñado para aislar la música del ruido ambiental y ofrecer las mayores ventajas técnicas para mejorar su calidad. Sin embargo, ciertos estudios han pasado a la historia como auténticas leyendas en donde se ha cocinado la magia de algunas obras clásicas: 1

Abbey Road Studios: Sin duda el más famoso del planeta, situado en un barrio amodorrado del noroeste de Londres, el cual fue inmortalizado en una de las portadas más célebres de la historia del rock. El estudio, que fácilmente podría pasar inadvertido de no ser por las caravanas de turistas y el grafiti, se ha convertido en sitio de peregrinación, no solamente de fanáticos de The Beatles sino también de aquellos que adoran el disco Dark Side of the Moon, de Pink Floyd, y hasta por los “pequeños monstruos” de Lady Gaga.

Motown: En realidad, el estudio que lanzó a decenas de estrellas que han pasado a identificarse con el sonido Motown de Detroit se llamaba Hitsville U.S.A. Sin embargo, desde 1959 el pequeño lugar situado en una modesta casa en el 2648 West Grand Boulevard que vio desfilar a Diana Ross & The Supremes, The Jackson 5, Marvin Gaye y Gladys Knight & the Pips, entre muchos otros personajes casi míticos, es conocido como Motown. Hoy día ese auténtico templo del soul y el R&B sirve de museo.

Electric Lady Studios: Al escuchar este nombre es imposible no pensar en Jimi Hendrix, quien invirtió enormes cantidades de dinero, tiempo y energía para crear un estudio hecho según sus precisas especificaciones. Lamentablemente, él tan sólo pudo disfrutar de este espacio en el corazón del Greenwich Village neoyorquino durante cuatro semanas antes de morir en 1970. Este lugar fue el estándar de oro durante mucho tiempo y fue usado por una larga lista de grandes músicos, como Led Zeppelin, Patti Smith y The Clash.

Trident Studios: Fue uno de los estudios más célebres de Gran Bretaña, localizado en el distrito de Soho, en Londres. Genesis, David Bowie, The Rolling Stones, Elton John, Van der Graaf Generator, Lou Reed, James Taylor y Yes son sólo algunos de los gigantes del rock que usaron estas instalaciones construidas en 1967, pero la lista de músicos famosos que utilizaron el local es interminable. Uno de los grandes méritos que identifican a este estudio fue el haber descubierto al grupo Queen.

Fotos: Cortesía

Headley Grange: Esta vieja casona construida en 1795 en Hampshire, Inglaterra, fue usada como hospicio hasta 1870, cuando se convirtió en casa particular. En los años 60 se volvió uno de los estudios de grabación con más mitos y anécdotas. A pesar de ser frío y estar ligeramente en ruinas, el espacio ofrecía a los músicos la posibilidad de vivir allí, ensayar, componer y grabar. Led Zeppelin escribió y grabó ahí “Stairway to Heaven” y “Black Dog”, y Genesis compuso buena parte de The Lamb Lies Down on Broadway, uno de los mejores discos de rock progresivo.

Sabías que…

4to ENCUENTRO AIRES Por iniciativa del Auditorio Nacional y con el principal propósito de fomentar alianzas estratégicas, compartir información y experiencias, establecer correlaciones y promover intercambios que impulsen la excelencia de la industria del espectáculo en vivo, en 2010 se creó AIRES (Red Internacional de Recintos de Espectáculos Artísticos y Culturales). Actualmente esta red está formada por 45 foros, repartidos por todo el país, que dependen de instituciones gubernamentales, universitarias y/o privadas. Al igual que en años anteriores, este 2014 AIRES realizará un encuentro en el que se reúnen especialistas en el mundo del espectáculo en vivo para hablar de temas de actualidad concernientes a dicha industria. El primero fue en el Coloso de Reforma (2010), el segundo en la Sala Nezahualcóyotl de la UNAM (2011) y el tercero en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris (2012). Este año, el 4to Encuentro AIRES se llevará a cabo por primera vez fuera del Distrito Federal con el fin de tener un impacto en nuevos públicos. Será el 5 de noviembre en el escenario del Auditorio Telmex de Guadalajara, dentro del marco de la Feria Internacional de la Música (FIMPRO). El encuentro contará con la participación de representantes y directivos de distintos foros del país, promotores culturales, titulares de redes sociales, patrocinadores y representantes de artistas, quienes se reunirán para discutir temas como el uso de las nuevas tecnologías, los impuestos a eventos y la nueva tendencia de financiamiento en masa (crowdfunding). El sociólogo y periodista francés Frédéric Martel será quien dicte la conferencia magistral. • www.asociacionaires.com Cortesía centrocultural.org.mx

Auditorio Telmex de Guadalajara, Jalisco.

Philipp Horak

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Virtuosismo

RUDOLF BUCHBINDER EN EL FESTIVAL CERVANTINO Durante 41 años el Festival Cervantino, el evento cultural más completo y prestigioso de nuestro país, se ha esmerado por presentar a las figuras más importantes de las artes y la cultura. En esta ocasión, en el notable programa se incluye a uno de los pianistas más fascinantes y prodigiosos del mundo: el austriaco Rudolph Buchbinder, quien interpretará en seis conciertos las 32 sonatas de Beethoven. Ésta es una oportunidad sin precedentes de ver a un músico famoso por su dominio de la técnica, habilidad de fraseo y madurez, pero que a la vez es reconocido por su sencillez y espíritu lúdico. Autor de más de 100 grabaciones, el pianista prefiere tocar y grabar en vivo, ya que el riesgo de cometer errores es mucho menos importante para él que la frescura, la espontaneidad, la emoción y el nerviosismo de un concierto en vivo. Es por eso que no escucha sus grabaciones ni ve sus videos jamás. Sin duda, ésta es una de las ofertas más formidables del Cervantino de este año. • huff.to/1COZNmJ

Archivo Auditorio Nacional

historia

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AUDITORIO NACIONAL

Un recuento para que quienes asistan a los conciertos y even tos que se presentan en este escenario tengan la posibilidad de redescubrir un relato que pertenece a todos.

Texto: La redacción

Quimeras, artilugios y otras ilusiones Desde tiempos remotos el hombre ha creído en la existencia de poderes ocultos, los cuales parecen ser exclusivos para ciertos individuos —conocidos como magos o hechiceros—, quienes por medio de conjuros y artificios exceden las barreras de lo natural. A partir de la Edad Media, la magia ha gozado de una importante presencia, así como de una gran difusión, cautivando la imaginación de la gente al despertar su interés y curiosidad. En la actualidad, estos llamados ilusionistas son los creadores de las más espectaculares fantasías. Por el Auditorio Nacional han pasado algunos de los “maestros” más reconocidos de nuestros tiempos. David Copperfield, quien por décadas ha sido uno de los más célebres y exitosos magos del mundo, ha brindado presentaciones en este recinto sinnúmero de veces: en 1993 vino por primera vez con su espectáculo Magia para los 90’s (8 funciones); en 1994 regresó con Más allá de la imaginación (7 funciones); en 1997 llegó con Sueños y pesadillas (13 funciones, con lo que impuso récord en la categoría de showman en un periodo de 10 años: 19912001); en 1998 volvió con su gira You (11 funciones); en 2001 ofreció Portal (12 funciones); y finalmente, en 2004 y 2005 presentó Una velada íntima de gran ilusionismo. El hombre que hizo desaparecer la Estatua de la Libertad, atravesó la Muralla China y levitó sobre el Gran Cañón, cautivó al público mexicano en cada ocasión con sorprendentes trucos que dejaron a todos con la boca abierta, como lo fueron volar sobre el escenario, desaparecer a miembros de la audiencia y hacer que una sierra gigante cortara su cuerpo en dos.

Al referirse al enorme número de veces que ha estado en el Coloso de Reforma, “el zar del ilusionismo” declaró: “No acostumbro dar tantas presentaciones en un solo país, [pero] en este caso hago una excepción porque entre el público mexicano y yo siempre ha existido algo muy especial”. Después de Copperfield, otros que han llenado de magia al Auditorio son The Illusionists, quienes vinieron por primera vez a Latinoamérica —para presentarse en este foro— en julio de 2012. Dicha compañía reunió para su espectáculo a ocho de los mejores magos del mundo, entre los que se contaba el mexicano Joaquín Kotkin, “El Surrealista”. Este show tuvo un éxito rotundo a gran escala. Apenas este 2014, The Illusionists regresaron al Coloso con su versión 2.0, una nueva alineación que juntó a seis extraordinarios prestidigitadores, quienes sacaron provecho de una vasta serie de efectos especiales y proyecciones interactivas en 3D para realizar asombrosos actos de desaparición, escapismo y levitación. Pero no sólo el Auditorio ha recibido a celebridades del ilusionismo: por dos años consecutivos, Lunario fue hogar de Noches de magia a la luz del Lunario, donde estuvieron los máximos exponentes de este arte en México. En 2009 se presentaron Chen Kai, Joe & Moy, Juan Carlos Rodarte y Ednovi. En 2010 este último regresó, junto con Kedziorek The Magic Man y Armando Tell. Esta es la historia de cómo el Auditorio Nacional y Lunario han sido parte del mundo de la magia, satisfaciendo la capacidad de asombro de su público y alimentando su imaginación.

08 La magia, ese arte misterioso que produce fascinación y que seduce a todo tipo de gente, ha sido protagonista de varios eventos en el foro de Reforma. Algunos de los más grandes ilusionistas de nuestros tiempos se han presentado en su escenario, provocando sorpresa y admiración en el público con trucos que quebrantan las leyes de lo posible.

Página anterior David Copperfield en su presentación del 25 de julio de 1993 en el Auditorio Nacional, como parte de su espectáculo Magia para los 90's.

FOROS

FOROS DEL MUNDO

En estas páginas se presenta cada mes una selección de escenarios. Ya sea por sus avances tecnológi cos, su larga tradición o por los artistas y espec táculos que a ellos llegan, éstos son los mejores.

Dreamstime

Texto: La redacción

arg

Exterior del Teatro Colón, uno de los escenarios más importantes de Argentina.

Teatro Colón Próximos eventos Giselle: del 2 al 11 de octubre Elektra: del 28 de octubre al 4 de noviembre Madama Butterfly: del 25 de noviembre al 2 de diciembre Contacto: teatrocolon.org.ar

Ubicado en el centro de la ciudad de Buenos Aires, este recinto sustituyó al antiguo Teatro Colón (que funcionó entre 1857 y 1888), ya que se quería tener un teatro más moderno para iniciar el siglo XX. La construcción del nuevo edificio estuvo rodeada de incidentes: los trabajos se iniciaron en 1890 bajo el mando del arquitecto Francesco Tamburini, quien falleció un año después; su socio, Vittorio Meano, tomó su lugar pero en 1894 la edificación tuvo que suspenderse temporalmente por falta de dinero; en 1904 Meano fue asesinado en su propio hogar cuando encontró a su mujer con otro hombre, el cual le disparó. El proyecto quedó entonces en manos del arquitecto belga Jules Dormal, quien hizo algunos cambios estructurales e incluyó un estilo francés en su decoración. La sala tiene

la tradicional forma de herradura de la cur va italiana. La cámara de resonancia del foso de la orquesta, las proporciones arquitectónicas y las curvas especiales de reflexión del sonido logran una acústica extraordinaria, reconocida mundialmente como una de las más perfectas. El nuevo Teatro Colón fue inaugurado en 1908 con la ópera de Giuseppe Verdi, Aída, a cargo de la Gran Compañía Lírica Italiana. Desde entonces, en su escenario se han presentado directores de orquesta de la talla de Arturo Toscanini, cantantes como Luciano Pavarotti y grandes bailarinas como Anna Pavlova. Como detalle de interés, el Colón realiza las producciones de sus espectáculos en talleres propios (de escenografía, utilería, sastrería, etc.) ubicados en los subsuelos del edificio y en las calles aledañas.

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Teatro Juárez

Conocido como una “joya arquitectónica del porfiriato”, este teatro es uno de los símbolos de Guanajuato y en él se llevan a cabo los eventos culturales más importantes de la región. El terreno que ocupa el Teatro Juárez alojó también al primer convento de franciscanos descalzos de la zona, que años después sería el Hotel Emporio, el cual en 1872 pasó a ser propiedad del gobierno del Estado bajo la administración de Florencio Antillón, quien decidió construir un nuevo recinto que cubriera la enorme demanda de espectáculos y que funcionara como espacio de encuentro social para la burguesía. Antillón le encargó el proyecto al arquitecto José María Noriega, quien diseñó un pórtico clasicista en el que se mezclan diver-

Próximos eventos: Compagnie Hypermobile, Mucho ruido y pocas nueces (FIC): miércoles 15 y jueves 16 de octubre Ensemble Intercontemporain (FIC): martes 21 de octubre Coro Filarmónico de Praga y la OFUNAM, Misa glagolítica (FIC): viernes 24 de octubre

sas corrientes arquitectónicas —un estilo muy característico del eclecticismo de finales del siglo XIX—, el cual habría de reflejar la opulencia guanajuatense. La construcción se concluyó bajo el cargo del arquitecto Antonio Rivas Mercado con la colaboración del ingeniero Alberto Malo. Ellos hicieron varias modificaciones al diseño original y, siguiendo los modelos europeos, le dieron forma de herradura a la sala de espectáculos. El Teatro Juárez fue inaugurado en 1903 por Porfirio Díaz, con la presentación de la ópera Aída, de Verdi, a cargo de la compañía italiana Empresa Ettore Drog y Cía. Desde 1972 ha sido una de las principales sedes del Festival Internacional Cervantino (FIC), que este año se celebrará del 8 al 26 de octubre.

Dreamstime

Contacto: cultura.guanajuato.gob.mx/teatro.php

mex

Panoramio

Interiores y fachada del Teatro Juárez de Guanajuato.

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Ricardo Arjona y el viaje de un trovador de nuestro tiempo

Autor de algunas de las letras más conocidas en el mundo de habla hispana, el cantante guatemalteco ha logrado consolidarse como uno de los artistas latinoamericanos más destacados de las últimas dos décadas. Texto: Rose Mary Espinosa Fotos: Archivo Auditorio Nacional

• NO TE LO PIERDAS… › Ricardo Arjona: Viaje Martes 21, miércoles 22, jueves 23 y viernes 24 de octubre, 20:30 hrs.

Los versos de Ricardo Arjona llegaron para quedarse. Desde: “Mujeres / lo que nos pidan podemos / si no podemos no existe / y si no existe lo inventamos por ustedes”, hasta: “O aprendes a querer la espina o no aceptes rosas” (de su dueto con Gaby Moreno) son frases que ya están en el imaginario colectivo de, cuando menos, dos generaciones de hispanohablantes. Dice el cantautor nacido en Antigua, Guatemala, que la poesía está hecha por gente que quiere emocionarse y más de una vez ha invitado a su público a respirar el dolor y la felicidad que habita en la realidad. Adorado por muchos y criticado por otros tantos, quizá el principal valor de un personaje como Ricardo Arjona es, precisamente, lo que le ha ganado un lugar dentro del selecto grupo de celebridades inconfundibles, plenamente identificables y difícilmente olvidables: provocar una reacción en aquellos que, sin conocer buena parte de su obra, la descalifican de facto y, por otro lado, inducir

una reacción exponencial de amor y devoción por parte de aquellos que se identifican con sus letras y lo consideran un relator de las experiencias de sus propias vidas. Los seguidores y devotos de Arjona, que se cuentan por cientos de miles, concuerdan en que sus mejores discos, los más apegados a su esencia, ya cumplieron 20 años. El primero de ellos, Animal nocturno, lanzado en 1993 —año que bien pudo llamarse “El año de Arjona”— y que incluía temas que databan de 1986 o 1988, como “Jesús, verbo no sustantivo” (que se convirtió en una suerte de himno juvenil y que a su propio padre, también Ricardo, a la fecha aún le “pone chinita la piel”), o el que da título al álbum (“El ser un animal nocturno era una bella rutina / […] y esperar el trago de cortesía / que siempre venía / era mi filosofía”) o, quizá el más exitoso, “Mujeres”. Todas estas piezas lo encumbraron como un nuevo trovador, auténtico, cuyas letras marcarían una época.

conoce a

Guatemala, Argentina y México Nacido en Antigua, Guatemala, Ricardo Arjona fue educado en la fe católica. Su carrera como cantante comenzó con una “mentirilla”: según recuerda, a los 12 años se atribuía canciones que, en realidad, eran de la autoría de su padre, pero a los 13 ganó un concurso, lo que significó empezar a componer las propias. Pocos saben que a los 18 años Arjona se desempeñó como docente en comunidades rurales. En esa época de estudiante en la que, en sus palabras, era un joven “total y absolutamente irresponsable”, sus hobbies eran el baloncesto y la música. Aunque su carrera musical inició en Argentina, donde cantó como trovador en plazas y calles, fue en México, al interpretar canciones sentado al piano —en el bar El Chato de la Zona Rosa—, donde una disquera se ofreció a grabar los mismos temas que años después lo convertirían en toda una estrella. El director musical y guitarrista Tony Rijos y Arjona durante la gira 5to piso, Auditorio Nacional, 5 de junio de 2009.

Siguió Historias (1994), obra que contenía los éxitos “Te conozco” y “Señora de las cuatro décadas” (“Señora, no le quite años a su vida / póngale vida a los años que es mejor”). Si el norte fuera el sur (1996) fue escrito en Santo Domingo y La Habana, como parte de sus retiros habituales para “crear”. Es un disco que critica a la clase intelectual y que, según declaraciones del cantautor, manifiesta su ideología contra el capitalismo y sus consecuencias. Editados todos bajo el sello Sony Music, en 1998 lanzó Sin daños a terceros (“Tú ibas con él / yo iba con ella / jugando a ser felices por desesperados”); esta canción que da nombre al disco, es para Arjona imposible de explicar: “La idea es que usted la escuche y saque sus propias conclusiones”. Con Adentro (2005) comenzó una experimentación al abordar de una forma más madura —si cabe el término— el tema recurrente de su obra: la soledad y el rompimiento de las relaciones. Manteniendo la metáfora como hilo conductor de sus canciones, este disco muestra una coherencia con los tiempos dando un giro al hablar de la independencia dentro de una relación en “Acompáñame a estar solo” y a la confrontación de los problemas de pareja en “Pingüinos en la cama”. De igual forma, con el tema “Mojado”, a dueto con la banda grupera Intocable, retoma sus intereses por las causas sociales y el dolor compartido ante

Ricardo Arjona demuestra con su propia vida y su obra lo que suele admirar en otros: emprender una batalla por lo que a uno le gusta. la imposibilidad de moverse libremente en el planeta. De alguna manera, estos tres sencillos lo volvieron a colocar en una buena posición dentro de las listas de popularidad en Hispanoamérica y Estados Unidos. Fue en 2008 cuando, después de 10 años con Sony, tomó un año sabático y se cambió a Warner Music para el lanzamiento de 5to piso (2008) y Poquita ropa (2010): con ellos recuperó el estilo que le había ganado tantos fieles a lo largo de más de 20 años de carrera. Su reafirmación y su libertad crea-

tiva quedan evidenciadas con los discos In dependiente (2011) y Viaje (2014) editados por Metamorfosis, su propia productora. En esta nueva etapa, Arjona se permite experimentar con nuevos ritmos y colaborar de nuevo con otros artistas. Sorprende, por ejemplo, el dueto “Ni tú ni yo”, con Paquita la del Barrio, un tema ranchero arrabalero que habla de un amor clandestino, entre metáforas y referencias culturales. Quizá el guatemalteco podría explorar un poco más el género ranchero... El dúo de esta canción funciona, la historia es creíble y tanto el blues, del que tanto dice gustar el cantante, y el arrabal, que abandera Paquita, van de la mano. Detrás de muchas ventanas Además de colaboraciones, Ricardo Arjona ha escrito muchos temas para otros cantantes. Entre los más identificables están los de la exitosa telenovela mexicana Alcanzar una estrella (1990), en la que también participó a cuadro (sin antecedentes de actuación) y cuyos ingresos le permitieron pagar ocho meses de renta, una época que prefiere no recordar. Pocos saben que el tema “Mi hombre” de Lupita D’Alessio, es de su autoría, así como “Entre la espada y la pared”, que primero interpretara Marcos Llunas y luego reeditara Lucero en versión ranchera. También ha hecho temas para Eduardo Capetillo y su esposa Bibi Gaytán, y para el

conoce a

astro internacional Ricky Martin. Mucho menos conocido es el hecho de que el grupo infantil Las Tortuguitas Ninjas se vio favorecido con varios de sus temas, entre los que destaca: “A la hora del recreo”. Al igual que otros cantautores, no deja de sorprender cómo sus temas se ajustan perfectamente al carácter del intérprete y viceversa. Sobre todo cuando se trata de mujeres cantantes de personalidad fuerte, como lo son Paquita, Chenoa, Lupita D’Alessio, Gaby Moreno y Ana Cirré. Esta última se había dado a conocer con el tema “El hombre casi perfecto”, compuesto por ella misma, pero es a partir de “Sola”, escrita por Ricardo Arjona —quien también produjo su disco Y no es por mí (1997)—, que se convirtió en un referente para el mercado latinoamericano. Y si de referentes a canciones interpretadas por mujeres hablamos, el mayor acierto del guatemalteco es haber escrito “Detrás de mi ventana”, que fuera cantada por Yuri y adoptada por toda una generación de mujeres como descripción del desapego emocional que viven muchas parejas. Aunque fue editada en 1993, la vigencia de esta canción no ha menguado. A la fecha sigue siendo uno de los 10 temas más pedidos en karaokes del país. Yuri la mantiene en su repertorio para conciertos, pues también es una de las más coreadas. Es una de esas canciones con las que, como diría Juan Gabriel, el cantante nada más acompaña al público, porque son los miembros de éste, en este caso las, quienes la cantan. ¿Poeta, trovador o productor? ¿O todas las anteriores? Comencemos por entender el verbo trovar, de donde viene la palabra trovador: es la acción de crear e interpretar versos y diversas composiciones de tipo poético. Una trova es un verso o cierta clase de creación métrica. Para ser un trovador no se requiere fama y reconocimiento; tome usted cualquier libro de poesía, busque un público y declame con soltura: habrá sacado al trovador que vive en usted. Las canciones de Ricardo Arjona incluyen muchos elementos poéticos y, con excepción de algunas libertades que se permite, sus versos siguen una métrica que bien pasaría la infame escala Pritchard —aquella mencionada en el filme

“La poesía está hecha por gente que quiere emocionarse y más de una vez ha invitado a su público a respirar el dolor y la felicidad que habita en la realidad”. —Ricardo Arjona

Arjona durante un concierto privado en el Gusman Center for the Performing Arts, Miami, Florida, 13 de mayo de 2014.

La sociedad de los poetas muertos—, pues hay rima, metáfora, imágenes oníricas. Quizá la respuesta del mismo Arjona esté plasmada en la letra de su tema “Te quiero”: “No voy a rebuscar en la academia / palabras para ver quién me las premia”. Y su fuerza de carácter se reafirma en sus propias declaraciones: “Los enemigos que genera la independencia valen más que los amigos que trae consigo el hecho de ser servil con mucha gente”. En cualquier caso demuestra con su propia vida y su obra lo que suele admirar en otros: emprender una batalla por lo que a uno le gusta.

De la cabeza a los pies Mucho más que sus inquietudes sociales, son los temas románticos de amores y desamores aquellos que predominan en la carrera musical de Ricardo Arjona. La frase “un corte en la vida de una persona” describe el significado de un divorcio y se refiere a la ruptura con su ex mujer, Leslie Torres, reina de belleza de Puerto Rico. Hoy día, de alguna manera se desdice un poco de su éxito “Te conozco”, que considera haber escrito de manera “ilusa e irresponsable” al encontrarse tremendamente enamorado: “No hay nada peor para las relaciones humanas que conocer a alguien de la cabeza a los pies”.

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Rose Mary Espinosa Escritora y periodista. Autora de Mi cuerpo en tus manos (2009), Loca por mí (2011) y Somos la misma (2012). Colabora en la columna Al desnudo, de El Universal online, y en la revista GQ México. Conductora del programa de radio Desearte (Horizonte 107.9) y corresponsal de Canal 7, Jalisco.

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Centrales

• NO TE LOS PIERDAS… › Karen Souza Jueves 9 y sábado 11 de octubre, 21:00 hrs. › David Garrett Martes 18 y miércoles 19 de noviembre, 20:30 hrs.

La Luna brillará en el Auditorio La decimotercera entrega de las Lunas promete un escenario lleno de celebridades, música y sorpresas. Aquí los avances de este magno evento.

Karen Souza y la sensualidad del jazz La cantante argentina asegura que la música, en sí misma, es la protagonista de sus conciertos. En Lunario seremos testigos de sus palabras.

David Garrett, el maestro del violín Este joven alemán se inició en la música desde muy temprana edad y cuenta ya con una exitosa trayectoria artística. Conoce un poco de su historia y su obra.

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13 Lunas

Trece son los ciclos lunares que contiene un año, y en octubre toca el turno a la decimotercera entrega de las Lunas del Auditorio, la presea que reconoce a los mejores espectáculos celebrados en escenarios de México. Texto: Fernando Figueroa / Fotos: Archivo Auditorio Nacional ¿Qué tienen en común Marcel Marceau, Juan Gabriel, el Cirque du Soleil, Joaquín Cortés, Diego “el Cigala”, Alejandro Fernández, Armando Manzanero, la Compañía Nacional de Danza, Enrique Bunbury, la Banda El Recodo de Cruz Lizárraga, Raphael, Pepe Aguilar, Joaquín Sabina, Joan Manuel Serrat, Pedro Fernández, La Arrolladora Banda El Limón y Miguel Bosé? Todos ellos son reconocidos por su quehacer artístico, pero también los une el hecho de haber recibido una o varias Lunas del Auditorio, además de haberse presentado en los shows que engalanan la entrega de ese galardón.

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En el marco del 50 aniversario

Página opuesta: Joan Manuel Serrat y Joaquín Sabina en las Lunas del Auditorio 2012.

del Auditorio Nacional, en 2002 se instituyó la entrega de la presea que hoy es referencia obligada en el mundo del espectáculo en vivo dentro del territorio nacional. Desde entonces, con el otoño llega un acontecimiento que atrae todos los reflectores a la escalinata y al escenario de Reforma y Campo Marte, imán irresistible para un público apasionado que se las ingenia para ver a sus ídolos lo más cerca posible. Las Lunas del Auditorio han contribuido de manera significativa a la consolidación del espectáculo en nuestro país porque no son una distinción exclusiva para quienes se presentan en el Auditorio Nacional, sino que abarcan múltiples foros de México. La bonanza en este terreno conlleva una sólida y creciente infraestructura, además de la incansable labor de promotores, patrocinadores, técnicos, medios de comunicación y, por supuesto, quienes entregan su talento frente a un público ávido de sueños. Las presentaciones de artistas nacionales son cada día más numerosas y de mayor calidad, y las figuras extranjeras ven a nuestro país como escala obligada en su itinerario. Desde hace más de una década, las Lunas del Auditorio reconocen a quienes han hecho posible este florecimiento. El proceso de selección para la entrega se inicia con un censo de los espectáculos presentados dentro del país durante un año (en esta ocasión del primero de julio de 2013 al 30 de junio de 2014). A partir de esa información, se realiza una encuesta en 15

grandes ciudades que arroja los nombres de los candidatos a recibir las preseas. Los resultados se entregan a más de 300 especialistas de los medios de comunicación y de la industria del espectáculo, quienes emiten su voto definitivo. Cada año también se entregan Reconocimientos Especiales a personalidades cuya trayectoria lo amerita. Un Consejo Asesor otorga galardones en las categorías “Una vida en el escenario”, “Trayectoria artística” y “Revelación”. En esta ocasión se dará un premio más: “Emblema del espectáculo”, que en 2013 fue otorgado por vez primera y correspondió al Salón Los Ángeles. A partir de 2010, en el ámbito de las Lunas del Auditorio se creó la Beca María Grever para composición de canción popular mexicana, que cuenta con el patrocinio de la Fundación Alfredo Harp Helú, el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, Fundación Azteca, Academia Latina de la Grabación y el apoyo de la Sociedad de Autores y Compositores de México. La musa inspiradora La presea que se otorga cada año es una pequeña réplica en cristal de roca de La Luna, escultura monumental de Juan Soriano (1920-2006), instalada en la explanada de “El Escenario de México”. El propio artista declaró en su momento al diario La Jorna da: “La luna es un espejo y una diosa. Es la esperanza y lo misterioso, una deidad que a veces se oculta en la noche”.

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Lunas del Auditorio 2014 Y los nominados son… Balada: ♦♦ Álex Ubago ♦♦ Franco de Vita ♦♦ José José ♦♦ Luis Miguel ♦♦ Yuridia

Fernando Figueroa Nació en la Ciudad de México en 1955, pero sus raíces están en Valle de Allende, Chihuahua. Estudió periodismo en la UNAM y es autor del libro El mejor oficio del mundo. 60 entrevistas (2013), que incluye charlas con personajes del mundo del espectáculo, la cultura y el deporte.

Ballet: ♦♦ Compañía Nacional de Danza: El Cascanueces ♦♦ Compañía Nacional de Danza: La Cenicienta ♦♦ Ballet Clásico de Rusia: El lago de los cisnes ♦♦ Ballet de Monterrey: Gala ballet concierto ♦♦ Compañía Nacional de Danza: Noche de gala. 50° aniversario Danza Moderna: ♦♦ Ballet Independiente: 47 aniversario. Conmemorando a Raúl Flores Canelo ♦♦ Compañía Joven Danza Capital: De la seda al olvido ♦♦ Compañía Titular de Danza Contemporánea de la Universidad Autónoma de Nuevo León: Uno, dos, tres, cuatro ♦♦ Contradanza: La danza de los cisnes ♦♦ TAO Dance Theater: 4 & 5 Danza Tradicional: ♦♦ Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández ♦♦ Guelaguetza 2013 ♦♦ Joaquín Cortés ♦♦ María Juncal: Flamenco al natural ♦♦ XV Festival de Arte Flamenco Monterrey 2013 Espectáculo Alternativo: ♦♦ 3BallMTY ♦♦ Calacas, del Teatro Ecuestre Zíngaro ♦♦ David Garrett ♦♦ Lila Downs ♦♦ Sarah Brightman Espectáculo Clásico: ♦♦ 75 aniversario del Coro de Madrigalistas de Bellas Artes, acompañado por la Cappella Barroca de México y Horacio Franco (director concertador) ♦♦ Andrea Bocelli ♦♦ Ópera de Bellas Artes: La bohème

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Pedro Fernández en las Lunas del Auditorio 2012.

El 29 de octubre, cuando se lleve a cabo la decimotercera entrega de las Lunas del Auditorio Nacional, sólo será visible un tercio de la diosa, aunque la lluvia de estrellas está garantizada. Durante la primera entrega, en 2002, Armando Manzanero obtuvo un reconocimiento especial por “Trayectoria artística” como Compositor e Intérprete. Al recibirlo declaró: “Soy el más enamorado de la luna”. En la misma ceremonia, Joan Manuel Serrat fue galardonado en el rubro “Música

iberoamericana para el mundo”; el catalán envío un mensaje de agradecimiento a través de video en el que recordó al poeta mexicano Jaime Sabines: “La luna se puede tomar a cucharadas / o como una cápsula cada dos horas”. En 2008, durante la séptima entrega, la escritora Ángeles Mastretta le entregó a Joaquín Sabina un galardón (“Música iberoamericana para el mundo”), el cual cosechó con Serrat por el espectáculo Dos pájaros de un tiro. El autor de “El bulevar de los sueños

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♦♦ Orquesta

de Cámara de Bellas Artes con Daniela Liebman ♦♦ Orquesta Filarmónica de Acapulco

“La luna es un espejo y una diosa. Es la esperanza y lo misterioso, una deidad que a veces se oculta en la noche.” —Juan Soriano

demia Española de la Lengua, lunático o lunática es “quien padece locura, no continua, sino por intervalos”. El que esté libre de ese mal, que tire la primera roca lunar.

rotos” externó su emoción “por poder tocar la luna, a la que me la paso cantándole”. En 2010, la Compañía Nacional de Danza obtuvo una Luna por Carmina Burana y ¡Esquina bajan! (“Danza moderna”); al recibir la presea, la coreógrafa Nellie Happee dijo que ella nació bajo el signo de Cáncer, con la luna de regente. En realidad todos nacemos y vivimos bajo la regencia de la luna, porque sus fases determinan estados de ánimo, tiempo de cosechas y calendarios. Según la Real Aca-

Una docena de entregas A lo largo de los años, cada alfombra roja y ceremonia posterior han estado cargadas de momentos emotivos que quedaron guardados en la memoria colectiva. Hay que recordar que miles son testigos presenciales, pero millones pueden ver posteriormente las imágenes que transmiten Televisa, TV Azteca, Canal 22 y Once TV México. A vuelo de pájaro, habría que recordar la primera entrega de la Luna especial por “Trayectoria artística” para Luis Miguel, y un par de duetos de Mijares y Lucero, modalidad que se haría costumbre en los elencos posteriores (Jorge Drexler y Pau Donés, Celso Piña y Benny, María José y Edith Márquez, Diego Torres y Reyli, Fito Páez y Julieta Venegas, Belanova y Lena Katina, Leonel García y Melendi, Margarita “La Diosa de la Cumbia” y Gilberto Santa Rosa, Tony Bennett y Alejandro Sanz, Cristian Castro y Gigi D’Alessio, Draco Rosa y Natalia Lafourcade, Paty Cantú y Río Roma). Por qué no pensar que ésa fue la semilla de lo que hoy es costumbre: unir dos talentos y realizar exitosos tours.

Espectáculo Familiar: ♦♦ Disney On Ice: Diversión por siempre ♦♦ Dora la Exploradora ♦♦ Madagascar en vivo ♦♦ Plaza Sésamo ♦♦ Shrek, el musical Festivales: ♦♦ Festival Internacional Cervantino ♦♦ Festival de México ♦♦ Festival Corona Capital ♦♦ Festival Iberoamericano de Cultura Musical Vive Latino ♦♦ XXII Mitote Folklórico ♦♦ Clazz Continental Latin Jazz México 2014 Jazz y Blues ♦♦ Atomic ♦♦ Elizabeth Meza ♦♦ Hugh Laurie and the Copper Bottom Band ♦♦ Karen Souza ♦♦ The Glenn Miller Orchestra Música Afroamericana: ♦♦ Celso Piña ♦♦ Los Ángeles Azules ♦♦ Marc Anthony ♦♦ Margarita “La Diosa de la Cumbia” ♦♦ Romeo Santos Música Electrónica: ♦♦ Armin van Buuren ♦♦ Avicii ♦♦ Calvin Harris ♦♦ Nervo ♦♦ Paul van Dyk Música Grupera: ♦♦ Banda El Recodo ♦♦ Banda Sinaloense MS de Sergio Lizárraga ♦♦ Calibre 50 ♦♦ El Komander ♦♦ La Arrolladora Banda El Limón de René Camacho Música Iberoamericana: ♦♦ Fernando Delgadillo ♦♦ Joan Manuel Serrat ♦♦ Joaquín Sabina ♦♦ Juan Luis Guerra ♦♦ Pablo Milanés

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Música Mexicana: ♦♦ Alejandro Fernández ♦♦ Fernando de la Mora: Mi México lindo y querido ♦♦ Joan Sebastian ♦♦ Juan Gabriel ♦♦ Pepe Aguilar Música Tradicional: ♦♦ Diego “el Cigala” ♦♦ Ensamble de Tangos de Tatul Yeghiazaryan ♦♦ Grupo Cimarrón: Orinoco ♦♦ Los Tres Reyes ♦♦ Miguel Poveda Musical Teatral: ♦♦ Cats ♦♦ Hoy no me puedo levantar ♦♦ Violinista en el tejado ♦♦ Mentiras, el musical ♦♦ Vaselina ♦♦ Wicked Pop en Español: ♦♦ Enrique Iglesias ♦♦ Gloria Trevi ♦♦ Jesse & Joy ♦♦ Maná ♦♦ Reik Pop en Lengua Extranjera: ♦♦ Air Supply ♦♦ Avril Lavigne ♦♦ Beyoncé ♦♦ Demi Lovato ♦♦ Justin Bieber Rock en Español: ♦♦ Alejandra Guzmán ♦♦ Café Tacvba ♦♦ Caifanes ♦♦ Enrique Bunbury ♦♦ Zoé Rock en Lengua Extranjera: ♦♦ Aerosmith ♦♦ Black Sabbath ♦♦ Bon Jovi ♦♦ Iron Maiden ♦♦ Santana World Music: ♦♦ Buika ♦♦ Gipsy Kings ♦♦ Gondwana ♦♦ Los Cafres & Kameleba ♦♦ Paco de Lucía

Julieta Venegas, ganadora del galardón “Pop en español” 2010.

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Las Lunas han contribuido de manera significativa a la consolidación del espectáculo en nuestro país porque no son una distinción exclusiva para quienes se presentan en el Auditorio Nacional, sino que abarcan múltiples foros de México.

En la segunda entrega brillaron las actuaciones de Marcel Marceau (1923-2007) como tierno “Bip violinista” y el dramático “Fabricante de máscaras”; y Suzanne Vega interpretando “Luka”. Cómo olvidar el frenesí que en 2004 provocó Miguel Bosé cantando “Olvídame tú”, y la exquisitez de Chucho Valdés y Diego “el Cigala” con “Lágrimas negras”. La festiva presencia de Juan Gabriel en 2005 y el trabuco de elenco del año siguiente con la presencia de Ute Lemper, Bryan Adams y Alejandro Fernández (quien además se llevó dos Lunas a su casa). Café Tacvba armó escándalo en la alfombra roja de la sexta entrega y luego en el escenario con el tema “Volver a comenzar”; K-Paz de la Sierra remató esa noche con su pasito duranguense. Los gritos que provocó Alizée en 2008 pelean por el mayor número de decibeles en la historia de las Lunas del Auditorio. En 2009 se conmemoraron cuatro décadas de la llegada del hombre a la luna; en esa ocasión, Elsa Aguirre (“Una vida en el escenario”) lanzó un mensaje de paz para todo el país, y Yuri concluyó el show de manera fastuosa. En la novena entrega se recordó con admiración a Carlos Monsiváis, integrante del Consejo Asesor de las Lunas del Auditorio de 2002 a 2010, año de su fallecimiento, y Pepe Aguilar cerró la noche con “Mi ciudad”, de Guadalupe Trigo, otro cronista de la gran urbe. Al llegar a 10 ceremonias se conmemoró el centenario del nacimiento de “Cantinflas” (1911-1993) y se homenajeó al recién fallecido Manuel Esperón (1911-2011). Espinoza Paz armó la grande en el cierre. En 2012 Yuridia fue la reina de la alfombra roja y en el escenario compartió ovaciones con Gloria Trevi y Pedro Fernández, cada quien con su rutina. De la entrega más reciente aún se escuchan los alaridos de las fans de The Wanted y ecos de la cumbia mexicana con Los Ángeles Azules. La decimotercera entrega será, sin duda, la mejor de nuestras vidas.

Julio Alemán, “Una vida en el escenario” 2011.

Leyendas vivas e inmortales Las ovaciones a quienes reciben los Reconocimientos Especiales suelen ser estruendosas y de larga duración, especialmente por “Trayectoria artística” y “Una vida en el escenario”. La de “Chabelo” en 2010 fue interminable, al punto de que olvidó lo que quería decir. En 2008 Fanny Kaufman “Vitola” aguantó los aplausos con estoicismo y cuando pudo hablar dijo: “Hace 15 años me retiré y no esperaba ya algo tan emocionante”. En 2004, Amparito Arozamena agradeció con cuatro palabras: “Son a toda madre”. En 2005, Carmen Montejo sentenció: “La actuación es una carrera de amor en la que tú das y así recibirás”, y en 2012 Angélica María externó el deseo de seguir viva sólo para volver a pisar el escenario del Auditorio Nacional. Momentos similares se han producido con María Victoria, “Chespirito”, Silvia Pinal, Ernesto Alonso, “Ferrusquilla”, “El Loco” Valdés, José José, “Tongolele”, Joaquín Cordero, Julio Alemán y un largo etcétera.

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La chica argentina que lleva apellido brasileño y canta en inglés

• NO TE la PIERDAS… › Karen Souza Jueves 9 y sábado 11 de octubre, 21:00 hrs.

No canta tangos, no creció escuchando a Carlos Gardel. Su mamá no le daba play a la cinta magnética de Astor Piazzolla ni tarareaba melodías interpretadas por Libertad Lamarque. En su infancia predominaban los sonidos africanos que mutaron en América: la bossa nova, el jazz. Las voces profundas. “Cantar tango es dificilísimo”, dice, pero su voz no sufre versionando a Depeche Mode, haciendo de “Personal Jesus” un jazz. Texto: Mariana Anzorena Lozoya / Fotos: Cortesía Music Brokers Argentina

central | Karen Souza

Cuando le preguntamos a Souza qué puede esperar la gente que vaya a Lunario, responde: “un show íntimo, sentirse en paz. Escuchar el nuevo material y hacer un recorrido por los discos anteriores”.

Música que es atmósfera Son las ocho de la noche en el “Pueblo mágico” de Peña de Bernal. Estamos sentados en una mesa al aire libre en uno de esos lugares que ahora llaman hotel boutique. La noche no ha terminado de caer pero las mesas ya son iluminadas por velas. El entorno termina de delinearse con los gruesos muros de piedra del siglo XVIII; de ellos cuelgan bocinas para exterior que reproducen una aterciopelada versión bossa nova del éxito de The Police; “Every Breath You Take” (1983). Se trata del track 6 del álbum Essentials de la cantante argentina Karen Souza. Se le escucha en terrazas de acogedores hoteles, pero también en bares a media luz, en tiendas departamentales, en elevadores, salas de espera y restaurantes. “Es una música que acompaña”, ha dicho ella. La atmósfera está creada. Lo que el escucha experimenta es similar a lo que Karen Souza imagina que sucede cuando su público oye sus discos: “los imagino tranquilos, en un momento de paz”. A esa paz habría que añadirle el toque sensual, porque la interpretación que da a las canciones imprime un delicado erotismo. La usuaria de Twitter @erizcortes postea: “Nada como Karen Souza para noches como éstas”, y cierra su comentario con un par de corazones. Con los arreglos en bossa o jazz, la obsesiva letra de “Every Breath You Take” suena pacífica y sensual; ocurre algo parecido con “New Year’s Day” de U2 (1983), o con “Billie Jean” de Michael Jackson (1982), incluidas en su primer Essentials, editado por Music Brokers en 2011. Un año después, en otro hotel se creaban atmósferas. Tras una gira que incluyó Argentina, Brasil, Chile y México salió a la venta Hotel Souza (Music Brokers), con 11 temas de los cuales ella escribió la letra de ocho. No se trataba de otro disco de covers. “I woke up in Paris / in some hotel with you / safe until they find us / hoping they never do”, escribió Karen para “Paris”, tema con el que abre ese álbum. Construcción sonora de acogedoras estancias donde la viajera descansó de interpretar a otros y regresó a sí; “más que consolidarme, Hotel Souza fue volver a mis inicios”, declara.

Quedaba claro: no dependía de éxitos preexistentes para hacer funcionar una canción. La crítica lo recibió bien: “Este hotel tiene habitaciones musicales de talento exquisito, belleza, elegancia e intimidad”, escribió el trompetista y escritor, Nicholas F. Mondello, para el sitio especializado allaboutjazz.com. Con este material discográfico se habló de su consolidación como artista, pero para ella fue como regresar a sus orígenes, “volver a escribir, hacerlo un poco poéticamente”, como cuando a los 17 años empezó a hacer letras para ritmos electrónicos que sus amigos DJ’s componían. El nuevo álbum: Essentials Vol. 2 Para despegar, algunos tienen que lograr colocar un éxito propio en las listas de popularidad. Karen Souza revivió glorias ajenas y su cohete sigue en ascenso. En lugar de hacer covers que imitaran las canciones que todos conocíamos, las versionó, montó reinterpretaciones en lo rítmico y anímico. Transformó, por ejemplo, la desesperada “Creep” (1992) de Radiohead en un tema pacífico y calmado, incluso con el mismo texto de vacío y desarraigo. Era el primer lustro del nuevo siglo y la disquera Music Brokers estaba armando compilaciones en jazz de éxitos del poprock de las décadas anteriores (Jazz & 80’s y Jazz & 90’s). La voz de la chica argentina que hacía letras para música electrónica estaba ahí, cantando a Boy George, suavizando la pena de “Creep”. “Canto desde siempre, la música viene conmigo desde muy pequeña”, dice sobre sí misma. El cohete siguió ascendiendo. En 2009 entró al estudio a grabar un disco enteramente suyo. Pamela Phillips-Oland, letrista multinominada al Grammy que ha trabajado con artistas como Whitney Houston y Aretha Franklin, formó parte de la lista de talento que estuvo con ella en el proceso de grabación. Souza recopiló los covers que hasta entonces le habían funcionado y les sumó algún tema de su propia autoría. El resultado fue Essentials y entonces no se sabía que sería apenas el volumen 1. Ahora, en el último tercio del 2014, presenta un segundo volumen, grabado en Nueva York.

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Nueva fecha de Karen Souza en Lunario Como parte de los festejos por el 10º Aniversario de este recinto (#Lunario10), se programó un concierto de Karen Souza para el 11 de octubre. No obstante, los boletos se vendieron tan bien y con tanta anticipación que fue necesario abrir otra fecha: el 9 de octubre. Éste será el estreno mundial sobre el escenario de su más reciente trabajo discográfico: Essentials Vol. 2.

central | Karen Souza

DISCOGRAFÍA Aunque su trayectoria artística es corta, la cantante argentina cuenta ya con tres trabajos discográficos realmente interesantes:

KAREN SOUZA ESSENTIALS (2011 - Music Brokers) Reúne los covers con los que se dio a conocer, algunos de ellos incluidos en Jazz & 80’s y Jazz & 90’s.

HOTEL SOUZA (2012 - Music Brokers) De los 11 temas que componen este álbum, ocho son de su autoría.

ESSENTIALS VOL. 2 (2014 - Music Brokers) El estreno mundial sobre el escenario de éste, su nuevo disco, será en Lunario.

TAMBIÉN HA COLABORADO EN:

JAZZ & 80’S VOL. 1 (2005 - Music Brokers)

JAZZ & 90’S (2006 - Music Brokers)

JAZZ & 80’S VOL. 2 (2007 - Music Brokers)

JAZZ & 70’S (2008 - Music Brokers)

JAZZ & 80’S VOL. 3 (2009 - Music Brokers)

Las voces estuvieron cuidadas por Richard Gottehrer, productor que también ha trabajado con Blondie, The Go-Go’s y Dr. Feelgood, entre otros. ¿Qué diferencias tiene el nuevo Essen tials con el primero?, le preguntamos a la cantante en entrevista para La revista del Auditorio, a lo que ella responde: “éste es más profundo en cuanto a letras y en cuanto a décadas […], porque en este disco voy hasta los años 50. Tiene, por ejemplo, un tema muy lindo de Elvis [Presley] y otro de Morrissey. Este último es de mis favoritos”. Se trata de “Everyday Is Like Sunday” (1988), del gran debut como solista del otrora vocalista de The Smiths y que Karen ha versionado para su nuevo trabajo. En este álbum que presentará en Lunario en la Ciudad de México, la selección de temas es excepcional. Un botón: “Think for a Minute” (1986) de The Housemartins; “Everybody Hurts” (1992) de R.E.M.; “Wicked Game” (1990) de Chris Isaak; “Never Tear Us Apart” (1988) de INXS; “Skin Trade” (1987) de Duran Duran. La pampeana que canta en inglés Nacida en La Pampa, provincia al oeste de Buenos Aires, esta estilizada rubia platinada siempre ha preferido cantar y escribir letras en inglés. La dicotomía llega hasta el día de hoy: vive en Nueva York y también en Argentina. Residencia dividida en dos. Karen Souza parece estar en todas partes. No sólo suena en el bar que frecuentan las parejas de primeras citas; también está en el hotel boutique, en la tienda de muchos pisos y en las redes sociales. Su canal oficial de YouTube tiene ya 55 videos. Su página de Facebook ha recibido 65 mil 650 likes y desde su cuenta de Twitter (@ksouzaofficial) publica en sus dos lenguas: el inglés y el español. Su voz hablante es perfectamente argentina, con sus elles pronunciadas como sh y con sus shamados a hacer alguna prueba de sonido. Su voz cantante, en cambio, es totalmente angloparlante; difícilmente se adivina un dejo latino. Cantando no se le escucha menos cómoda en inglés que a Diana Krall o Norah Jones, dos entre las más exitosas de sus colegas contemporáneas que cantan y

hacen jazz. Las dos voces de Karen son bajas, eso sí. Al hablar, ya se le adivina una tesitura cantante de mezzosoprano. Porque creció de ciudad en ciudad, porque en casa no se escuchaban tangos o boleros, porque, según explica, el inglés “es un idioma con más ritmo para la música”. Siempre ha cantado en ese idioma y también compone en él. Aun así, un día, no sabe cuándo, sí le gustaría grabar un álbum en español.

Lo que el escucha experimenta no es tan distinto a lo que Karen Souza imagina que sucede cuando su público oye sus discos: “los imagino tranquilos, en un momento de paz”. ¿Qué se escuchaba en tu casa cuando eras niña?, le preguntamos. “Mi mamá oía todo el tiempo jazz: Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Nina Simone […]. Ésa fue una gran influencia para mí”, responde ella. La inspiración de la niña Karen se hace evidente. Dice que ha cantado desde siempre, que la música estuvo ahí desde pequeña; sin embargo, no creció tomando clases de solfeo o asistiendo cada martes a lecciones de piano. “No ha sido algo académico”, cuenta. Se fue dando de forma natural, escribiendo frases

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que cantaba sobre los ritmos que sus amigos iban armando. Más bien escribía poemas. Es hasta ahora, con discos grabados y fechas de conciertos por cumplir, que ha comenzado a tocar instrumentos. Sus favoritos: la batería y la guitarra eléctrica. “Pero nada académico”, vuelve a aclarar, “toco lo que me suena bien”. Amplio para moverse, pequeño para la intimidad Karen Souza ha tocado en muchos recintos: pequeños, medianos, grandes. Sus giras la han llevado a casi toda América Latina e incluso tuvo una temporada de conciertos en el Blue Note de Tokio. Con respecto a las particularidades de Lunario, donde estará próximamente, la cantante habla de su acústica, de las ventajas de ser un recinto lo suficientemente pequeño como para crear el ambiente acogedor que favorece al jazz, pero adecuadamente grande para la comodidad del público y de los músicos.

Cuando le preguntamos qué puede esperar la gente que vaya a Lunario, responde: “un show íntimo, sentirse en paz. Escuchar el nuevo material y hacer un recorrido por los discos anteriores”. Eso sí, a Karen le gustan los espacios que no distraigan al público de lo que le es esencial. El protagonista de sus conciertos es el sonido, “la música en sí misma”. Por eso el escenario es sobrio y elegante. La atención va casi toda a los ritmos, las melodías, los tonos. Casi toda, porque la silueta de Karen no puede pasar desapercibida. Quizá llevará la espalda y los hombros descubiertos como en la portada de Hotel Sou za. Seguramente su piel blanca resaltará con el rojísimo bilé en sus labios. Las cejas oscuras y delgadamente delineadas destacarán de inmediato por el contraste con su blonda cabellera.

Síguela: @ksouzaofficial Karen Souza KarenSouzaofficial

Mariana Anzorena Lozoya Fue reportera en el diario deportivo Récord, editora y columnista de La Afición, de Milenio. Ha escrito para revistas como: Muy Interesante, Quo, Women's Health y Marie Claire. Es docente de periodismo en la Universidad Iberoamericana. Canta y toca la guitarra en el colectivo musical La Súper Cocina.

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David Garrett Simpatía por el Diablo

• NO TE lo PIERDAS… › David Garrett Martes 18 de noviembre, 20:30 hrs. Miércoles 19 de noviembre, 20:30 hrs.

Este virtuoso del violín que ha roto récords Guinness por las interpretaciones más veloces y perfectas de El vuelo del abejorro, consigue con su obra una poderosa mezcla de rock, pop y música clásica. Texto: Gustavo Emilio Rosales

David Garrett en concierto en el Waldbühne de Berlín, junio de 2011.

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El también llamado “mejor violinista del mundo” se convierte en escena en un danzante del tiempo. Desde que se convirtió en el Demonio, David Garrett camina sobre senderos recamados de oro. La carencia parece serle ajena: tiene apostura, fama, talento, porvenir y una cuenta de banco en euros que amenaza con saltar en cualquier momento de ocho a nueve dígitos. Ya era una especie de rock star del violín antes de asumir el papel estelar de la cinta filmada por Bernard Rose, El violinista del Diablo (Alemania, 2013). Sin embargo, después de protagonizar esa biografía cinematográfica sobre Niccolò Paganini —el músico italiano del siglo XIX que podía conducir a una mujer al orgasmo con un simple vibrato—, Garrett se aposentó en los cuernos de la Luna. A partir del marco transgresor que pudo haberle brindado el participar en esta película, su fachada de ídolo parece estar completa y dirigirse hacia el punto cardinal de las leyendas. ¿Hacia qué otra dirección podría ir ahora este gigante rubio, con pinta de corsario y rebelde con causa, que domina a la perfección un instrumento nuevamente erotizado a partir de su gracia? Danzar el tiempo Entre la bibliografía que contiene datos sobre David Garrett se encuentra el popular Libro Guinness de los récords, el cual consigna cómo este intérprete nacido el 4 de Concierto en el O2 World de Berlín, noviembre de 2010.

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El prestigioso sello Deutsche Grammophon, cuyos gestores poseen un muy afilado colmillo para hacer que la música clásica siga siendo un negocio rentable, acaba de lanzar internacionalmente una caja con cinco discos en los que se compilan las grabaciones que el llamado “David Beckham del violín” hiciera en su temprana adolescencia. David Garrett, The Early Years es el previsible título de esta antología para coleccionistas, que incluye una remasterización de los conciertos para violín de Mozart, grabados bajo la dirección de Claudio Abbado. Composiciones de Beethoven, Paganini, Bruch, Schubert y Chaikovski, entre otros, completan el largo listado de temas correspondiente a esta edición. Garrett sigue siendo aún el artista más joven en firmar un contrato de exclusividad con Deutsche Grammophon. Lo hizo cuando contaba con escasos 13 años de edad, amparado por un sencillo, pero contundente, comentario del inconmensurable crítico Wolf-Eberhard von Lewinski, frase que se utiliza como epígrafe en la flamante cajita musical: “¡Este chico es un fenómeno!”.

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La principal virtud de David Garrett, aquella que lo hace ser un one-man show pese a tener a su lado una orquesta de cámara, una banda de rock y cinco invitados especiales: su don natural para llegar a ser, él mismo, la música que toca.

Caprice Una noche de 1713, el compositor italiano Giuseppe Tartini soñó que vendía su alma al Diablo. En persona, Lucifer se presentó ante él, con el fin de cerrar el contrato. El músico, que tenía fama de ser el mejor violinista de su tiempo, no pudo resistir retar al Demonio a un duelo de arte. Por supuesto, el Príncipe de las Tinieblas lo batió en un instante, por medio de la ejecución de una partitura exquisita, jamás antes escuchada. Al despertar, empapado en un sudor pulposo y con el alma electrizada, Tartini transcribió la melodía soñada y fue así como brindó al mundo una composición estremecedoramente hermosa y casi imposible de interpretar, conocida desde entonces, por su origen, como El trino del Diablo. Esta pieza forma parte del tablero de 14 temas que conforman Caprice (2014), el disco que será marco principal para el retorno de David Garrett al Auditorio Nacional los próximos 18 y 19 de noviembre. Hay también en esta grabación dos colaboraciones especiales, con Andrea Bocelli (“Ma Dove Sei”) y con Nicole Scherzinger (“Io Ti Penso Amore”). También figuran extractos de corte clásico (Concerto No.2, de Rajmáninov, y Lago de los cisnes, de Chaikovski, entre otros); revisiones de dos Caprichos de Paganini y temas exultantes, como Danza Gitana y El Carnaval de Venecia.

septiembre de 1980 en el balneario de Aquisgrán, Alemania, hizo trizas, en dos ocasiones, la marca que consiste en ejecutar lo más rápido posible y sin error la composición llamada El vuelo del abejorro, de Nikolái Rimski-Kórsakov. La primera vez detuvo el cronómetro en 66,56 segundos; la segunda, en diciembre de 2008, lo hizo en tan sólo 65,26 segundos: un promedio escalofriante de 13 notas por segundo. Pero la velocidad no parece seducir tanto a Garrett, como sí lo hace la destreza. En varias ocasiones, frente a la cámara, ha declarado su embeleso por interpretar lo que él mismo considera “la pieza más difícil del mundo”, que es el Capricho No. 24 en La me nor, compuesto por Paganini; la joya inusual que corona la más extravagante serie de piezas cortas que se haya escrito jamás para un instrumento solitario. De hecho, el pasaje menos desafortunado del filme de Rose (el cual ostenta grandes deudas para con el personaje real), es cuando Garrett interpreta esta partitura demencial, caminando sobre una nube propia, entre la multitud. Sin que esto signifique una licencia descabellada, podemos imaginar que el violín del teutón se desvanece por momentos y que, pese a ello, la estructura sonora conti-

nuara fluyendo desde la carne viva de David, porque todo en él, desde las fibras de tejido conectivo que animan los tendones, hasta la hipófisis —que, de acuerdo con los taoístas, es la puerta del alma en el cuerpo—, ha devenido en esa instancia musical. Y es que ésta es la principal virtud de David Garrett, aquella que lo hace ser un one-man show pese a tener a su lado una orquesta de cámara, una banda de rock y cinco invitados especiales: su don natural para llegar a ser, él mismo, la música que toca. Así, transfigurado por igual a través de una versión de “Smells Like Teen Spirit”, de Nirvana, o del Adagio, de Albinoni, el también llamado “mejor violinista del mundo” se convierte en escena en un danzante del tiempo: sus evoluciones de movimiento se encuentran impregnadas de una carga energética especial que proviene del sonido hecho poesía. Un violín para vivir “Sólo se vive una vez, pero si se hace bien con una vez basta”. Este proverbio parece cancelar las suscripciones a cualquier resurrección para David Garrett, pues el prodigio de Aquisgrán ha ocupado casi todo su tiempo de una forma impecable, puliendo la virtud que ha sido su pasión desde que tenía cuatro

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Gustavo Emilio Rosales Radica en México y Argentina, lugares donde edita y distribuye la Revista DCO Danza, Cuerpo, Obsesión —la cual fundó y actualmente dirige. Ha sido jurado de certámenes internacionales, como el Monaco Dance Forum, y nacionales, como el Premio Nacional de Danza INBA-UAM. Autor de los libros Atopía y Epistemología del cuerpo en estado de danza.

Los costos del amor

David Garrett durante una presentación en el programa de televisión de Carmen Nebel. Múnich, diciembre de 2012.

años, cuando su padre, médico, le daba sus primeras lecciones de música en un instrumento que originalmente había sido adquirido para regocijo de su hermano mayor. Al Conservatorio de Berlín ingresó a los 10 años de edad y al poco tiempo ya tomaba clases con la exigente violinista polaca-británica Ida Haendel, quien lo motivó a llegar hasta el fondo de los misterios concernientes a la interpretación. Todavía un niño, grabó su primer disco bajo la dirección de Claudio Abbado y contra la voluntad de su padre adquirió una formación institucional en Juilliard School, donde trabajó en sus escasos ratos libres como modelo. En esta última etapa escolar, influenciado poderosamente por las seductoras mieles del modelaje, David Garrett comenzó a cultivar una relación directamente proporcional entre la sabiduría técnica y la gallardía. Su co-

queteo con la música de rock se vio plasmado en discos —con versiones no exentas de polémica a clásicos de Led Zeppelin, The Beatles, Aerosmith y Nirvana, entre otros— y en los escenarios del mundo que conocieron a un galán europeo de un metro noventa, barba de dos días y una melena proclive al vaivén, que domina el arco del violín con una mano diestra que bien pudiera ser la del Demonio, a juzgar por el enorme anillo de plata con forma de cráneo humano que ya es divisa material de su fachada. Garrett es uno de los pocos artistas capaces de ofrecer grabaciones de rock y música clásica con la misma —y solvente— calidad. De su discografía se recomienda especialmente la edición británica de dos discos titulada Rock Symphonies (2011) y el lanzamiento de 2013 bautizado como Mu sic, cuya edición de lujo contiene un catálogo repleto de fotos estupendas.

Entre la dedicación amatoria y el dinero existe un cordón umbilical que no se puede disolver fácilmente. La pasión hacia la música no está exenta de esta economía que a veces presenta un costado fatal. Garrett vivió esta problemática en carne propia al tener que comprar su propio instrumento de trabajo. Dentro de las grandes ligas de la música ser virtuoso no basta: hay que tener entre las manos un instrumento acorde a la genialidad que se presume. Así, el joven Garrett tuvo que comprar su primer buen violín en mensualidades que no le habrán resultado muy cómodas, pues el objeto deseado —construido en el siglo XVIII por el fino lutier italiano Giovanni Battista Guadagnini, discípulo de Stradivari— le costó un millón de libras, ya con descuento (cerca de 22 millones de pesos, en la actualidad). La fatalidad rondó a nuestro hombre apenas 15 días después de haber pagado la última boleta de la deuda, en diciembre de 2007, al finalizar un recital en el Barbican Hall de Londres, donde tocó el concierto compuesto por Felix Mendelssohn-Bartholdy: exultante por su noche de éxito y por considerarse a sí mismo, por fin, como un intérprete completo, David perdió pie sobre una superficie mojada y cayó justo sobre el estuche que resguardaba su preciado instrumento, haciéndolo pedazos. Los meses que siguieron a este desastre, Garrett vivió sin vivir. Sabía que, aunque su seguro se hiciera cargo totalmente de la reparación y el Guadagnini retornara a su hogar, había perdido para siempre un amor; entre las cosas que no se pueden arreglar al 100 por ciento se encuentran los instrumentos musicales. Continuó tocando, claro, pero con violines prestados o rentados. En una ocasión alquiló un Stradivarius que llegó acompañado por una brigada de seguridad. El drama tuvo el final feliz que suele ser común en estos casos: David, simple y sencillamente, se volvió a enamorar. Su padre, por medio de un anuncio casual, encontró el Stradivarius que estaba destinado a ser el complemento de este joven genio. Postura romántica, si es que aún las hay: Garrett prefiere ahora recordar positivamente su accidente, al suponer que quizá el violín dañado, al amortiguar su caída, lo salvó de morir.

OPINIÓN

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La economía sombra y el mercado secundario de los boletos Texto: Ernesto Piedras La reventa de entradas para eventos y espectáculos es algo sumamente común en nuestro país. Ernesto Piedras realiza aquí un breve estudio sobre los pros y los contras de este negocio informal.

Ernesto Piedras Economista (Instituto Tecnológico Autónomo de México y London School of Economics), Director general de Nomismæ Consulting, autor de diversos libros y artículos y líder de opinión dedicado al análisis económico e instrumentación de políticas públicas sobre Industrias Culturales y Creativas en México.

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Mucho se habla sobre el enorme valor de mercado de la economía sombra en el sector cultural. Cuando se menciona este término nos referimos a aquellos bienes y servicios informales e ilegales que se escapan de la detección de las mediciones oficiales. Esta noción resulta relevante en mercados como el de México, ya que gran parte de la producción y consumo se realiza bajo estas condiciones; tal es el caso de la reventa de boletos para conciertos y espectáculos. Para entender el fenómeno de la formación de un mercado secundario para la venta de boletos al exterior de recintos culturales, es necesario entender primero el contexto en el cual esta práctica se lleva a cabo. En nuestro país, a partir de la publicación en 2003 del libro ¿Cuánto vale la cultura?: contribución económica de las industrias protegidas por el derecho de autor en México, se comenzó a hacer esfuerzos para capturar el efecto de la economía sombra dentro de las actividades culturales. La primera medición realizada en 1998 demostró que la contribución económica de las Industrias Culturales y Creativas (ICC) en la economía del país era de 6.8% del PIB, de lo cual un punto porcentual correspondió exclusivamente a la economía sombra. En mediciones posteriores se ha observado que la contribución económica de las ICC ha aumentado para posicionarse en 7.3% de la producción nacional, representando el cuarto sector de actividad económica del país. No obstante, el componente que ha crecido más que proporcionalmente es el correspondiente a la economía sombra con 2.8% de la contribución económica en México. Esto a su vez representa un aumento en términos absolutos de 1.8 puntos porcentuales en un periodo de 10 años. Este tipo de estudios se ha replicado en distintas ciudades del país para conocer la mecánica de las ICC en mercados locales. Por ejemplo, en el Distrito Federal las ICC de la economía formal representan 5.43% del PIB. Al incluir el componente de economía sombra, la participación se incrementa a 9.92%. Además, esta industria genera 308 mil 739 empleos únicamente en la entidad. Situando esto en contexto, estudios metodológicamente robustos han demostrado que, por ejemplo, el Auditorio Nacional y Lunario generan aproximadamente 3.7% del total de la producción de las ICC en el

La venta de boletos a través de fuentes secundarias (reventa) no incluye prestaciones ni pagos al fisco y se realiza a un precio distinto al originalmente ofrecido por el recinto o la compañía autorizada para la distribución.

La reventa de boletos a un precio mayor al establecido resulta perjudicial para el consumidor, quien debe pagar por su boleto una cifra mayor a la que debería cubrir regularmente.

Distrito Federal, cifra que a su vez engloba un componente formal y otro sombra. El primero se realiza de forma regular e incluye la operación directa del local así como seguridad social para empleados y el pago de impuestos, mientras que el segundo contempla la producción informal e ilegal que se genera a raíz de la operación del recinto, cuyo principal ejemplo es la reventa de boletos. La venta de boletos a través de fuentes secundarias (reventa) no incluye prestaciones ni pagos al fisco y se realiza a un precio distinto al originalmente ofrecido por el recinto o la compañía autorizada para la distribución. Este precio se determina en función del interés de la gente por adquirir dicha entrada, de modo que tiende a variar según la fecha y el tipo de evento. El caso más común, conocido como arbitraje, sucede cuando el revendedor adquiere boletos para los eventos a un precio menor al que los asistentes están dispuestos a pagar y posteriormente los ofrece a un precio mayor. De este modo el comerciante obtiene una ganancia aprovechando que las personas se encuentran dispuestas a pagar un precio mayor al oficialmente establecido, debido al gran interés que tienen por asistir a un evento determinado. Por un lado, la reventa de boletos a un precio mayor al establecido resulta perjudicial para el consumidor, quien debe pagar por su boleto una cifra mayor a la que debería cubrir regularmente. Por otra parte, existen algunos efectos positivos como una mayor accesibilidad de precios cuando los boletos no se logran comercializar fácilmente, o incluso apoyo para la distribución y minimización de pérdidas en caso de que los promotores no logren vender todas las entradas. Sin duda, referirse a la economía sombra puede resultar satanizable debido a que los resultados no siempre son favorables en términos de accesibilidad de precios, pago de impuestos, prestaciones para los revendedores y garantía para los consumidores. No obstante, en algunos casos la reventa compensa algunas deficiencias de mercado, resultado de su rigidez. Si bien existen ciertas ventajas generadas por la reventa, los contras de contar con informalidad e ilegalidad son mucho mayores, por lo que esta práctica debe eliminarse, ya que fomenta que tanto productores como consumidores se encuentren vulnerables en este mercado.

FINALES RESEÑAS

BIRDMAN (LA INESPERADA VIRTUD DE LA IGNORANCIA)

(Estados Unidos, 2014) · Dirige: Alejandro González Iñárritu · Estelares: Michael Keaton y Edward Norton

Searchlight

CINE Naief Yehya @nyehya

LA ENTREGA (Estados Unidos, 2014) Dirige: Michaël R. Roskam Estelares: Tom Hardy y Noomi Rapace El escritor Dennis Lehane adaptó su relato Animal Rescue al cine y lo trasplantó de Boston a Brooklyn. Michaël Roskam dirige esta cinta en la que Bob Saginowski (el extraordinario Tom Hardy) es un barman que trabaja en el bar de su primo Marv (James Gandolfini en su último papel). El principal mérito de La entrega radica en mostrar un mundo del crimen en transición, donde los viejos capos como Marv ahora sólo son operadores segundones o mensajeros de los nuevos jefes del crimen. El cineasta no logra encontrar un tono narrativo suficientemente convincente pero por lo menos crea una atmósfera agobiante. EL JUEZ (Estados Unidos, 2014) Dirige: David Dobkin Estelares: Robert Downey Jr. y Vera Farmiga Hank (Robert Downey Jr.) es un abogado exitoso y cínico. Al morir su madre tiene que volver a ver a su padre (Robert Duvall), un juez provinciano conservador con el que tiene una pésima relación. Hank asiste al entierro contando los minutos para huir, pero entonces su padre se mete en un lío muy serio, por lo que él tiene que escoger entre dejarlo en la cárcel o ayudarlo. Este trabajo de David Dobkin es una fusión de thriller legal y drama familiar, relativamente convencional y predecible. No obstante, tiene la fortuna de que sus estrellas logran estar por encima del repertorio de trivialidades con que suelen decorarse las cintas que confrontan al citadino arrogante con el pueblerino mustio. 46 / 47

En una era en que el cine hollywoodense se ha infestado de películas de súper héroes, quizás el único remedio era que uno de los primeros Batman regresara a poner en evidencia que el género se ha agotado. Birdman es una formidable parodia y probablemente el mejor filme del mexicano Alejandro González (ahora solamente: G.) Iñárritu. Este devastador y a la vez desternillante estudio sobre un actor caído en el olvido establece una serie de espejos entre la realidad y la ficción, el cine y el teatro, la vida y la ilusión para contar la historia de Riggan Thompson (Michael Keaton), un actor que no logra ser tomado en serio después de haber interpretado a Birdman en una cinta de ese nombre, un poco como le sucedió al mismo Keaton después de las dos películas de Batman que hizo con Tim Burton. Magistralmente, Iñárritu logra emplear el ego engrandecido y lastimado de su protagonista para hablar de muchas otras cosas, así como para entretejer una visión amarga del matrimonio, la paternidad y la integridad creativa. El director de Amores perros finalmente pudo escapar de los clichés y la sensiblería con notas sórdidas que tanto daño hicieron a sus trabajos anteriores.

FINALES RESEÑAS

MISTERIOS GOZOSOS: CANTOS DE IDA Y VUELTA / SUSANA HARP

Xquenda Producciones, 2014

Cortesía Querida Producciones

MÚSICA David Cortés

PALE COMMUNION Opeth Roadrunner Records, 2014

La cantante oaxaqueña entrega su onceava producción y se trata de un álbum pletórico de sorpresas. Susana Harp contactó investigadores, visitó regiones del país, escuchó muchos discos y creó una obra en la que conviven temas tradicionales con otros más recientes como “Bésame mucho”, “La bamba” o “Caballo viejo”. Sin embargo, lo atractivo de estos misterios es lo que develan. Así, en un mismo corte integra dos, tres o hasta siete de las versiones conocidas de una composición: “La llorona” es interpretada en árabe, español y zapoteco; “Caballo viejo” se presenta en su versión original, más cercana al folclor sudamericano, y en la conocida por la mayoría, inclinada a la salsa; “Que nadie sepa mi sufrir” asume su identidad como un vals y luego transmuta en la cumbia popularizada por La Sonora Dinamita; y “Las Canastas” va de la delicadeza del barroco a la crudeza más directa del son huasteco. Aunque no es la intención, Misterios gozosos es didáctico. Al final de “Cielito lindo”, interpretado en sus modos tradicional, huasteco y jarocho, se presentan las diferentes versiones que se han grabado en el mundo, reseñadas en las notas interiores. Otra de las interesantes revelaciones es el Huapango de Moncayo, en donde se incrustan “cuidadosamente los siete sones (Siquisirí, Balajú, Pájaro cú, María Chuchena, Jarabe loco, Gavilancito y El conejo) que se van escuchando a lo largo de esta hermosa pieza” y que sirvieron de inspiración a su autor.

En su nueva placa de estudio el quinteto sueco ha dejado todo resabio de death metal para adentrarse en los terrenos del rock progresivo a la Porcupine Tree —recuérdese que Steven Wilson fue su productor— en “Cusp of Eternity” y en la psicodelia (“Eternal Rains Will Come”). Hay algunos temas de tonos crepusculares, con ligeros guiños a Van Der Graaf (“Moon Above, Sun Below”), homenajes al rock italiano (“Goblin”), instantes con atisbos al sonido de Canterbury (“Elysian Woes”) y canciones incluso pastorales como “Faith in Others”, en palabras del citado Wilson, la “mejor canción que ha escrito Mikael Åkerfeldt”, líder del grupo. Su anterior obra, Heritage, presentó altibajos, pero ahora Opeth renueva su sonido, se escucha más sólido y está listo para encarar el futuro. SYMBIOSIS Alex Mercado Trío Conaculta/Fonca, 2014 Mercado, calificado por la revista Down Beat como uno de los jazzistas más finos que ha producido México, se hace acompañar por Antonio Sánchez (batería) y Scott Colley (contrabajo) para entregar un álbum enérgico y muy intenso por momentos. El pianista se apoya en Colley que, como él, es muy melódico, y junto con Sánchez generan una tensión que alcanza tonos dramáticos, especialmente en composiciones como “Free Man” o “Symbiosis” (la última con una hermosa intro del contrabajo), mientras “Two Doors” seduce por sus motivos melodiosos. Diez composiciones en las cuales lo mismo hay despliegue de fuerza (“Nothing Changes”, “Rhapsody”), que visitaciones a páramos más melancólicos, evocativos e incluso románticos (“Nona”).

FINALES RESEÑAS

MUERTE SÚBITA

Álvaro Enrigue · Anagrama/Colofón, 2013

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LIBROS David Miklos @dmiklos

El hilo conductor de la novela de Álvaro Enrigue es un partido de tenis.

MAR NEGRO Bernardo Esquinca · Almadía, 2014 Desde la aparición de Belleza roja (2005), su primera novela, Bernardo Esquinca (Guadalajara, Jalisco, 1972) ha demostrado ser uno de nuestros escritores más prolíficos, constantes y fieles a su derrotero literario: la ficción fantástica, aunque nunca relegada a dicho subgénero sino colocada codo con codo a la narrativa más pura. Mar negro, su más reciente colección de relatos, es prueba de ello y, tal vez, uno de sus libros más logrados y atractivos, en el que se conjugan y destilan las obsesiones exploradas previamente en Los niños de paja (2008) y Demonia (2012). Asimismo, hay que resaltar su labor como antologador, junto con Vicente Quirarte, en los dos volúmenes de Ciudad fantasma. Relato fantástico de la Ciudad de México (XIX-XXI). ESA MEMBRANA FINÍSIMA Úrsula Fuentesberain · Fondo Editorial Tierra Adentro, 2014 Compuesto por 14 relatos breves, Esa membrana finísima, debut literario de Úrsula Fuentesberain (Celaya, Guanajuato, 1982), es la comprobación de que la “joven promesa” ha sido cumplida. Becaria tanto de la FLM como del FONCA, se abandonó, literalmente, a las letras, y tal abandono es la sustancia que insufla de vida a sus concentradas narraciones. Exploradora eficiente de la condición humana, representada en sus manifestaciones y perversiones —desde el arte hasta el sexo, pasando por todo lo demás—, la autora ha dejado impresa una fuerte huella en nuestra geografía literaria, tanto que no podremos dejar de seguirle la pista, porque allí estará, siempre presente. 48

De todos los narradores nacidos en México antes de la década de 1970, hay dos que se ubican en sus cabos y que, de cierto modo, nos ofrecen un cambio de estafeta generacional: Juan Villoro (Ciudad de México, 1956) y Álvaro Enrigue (Ciudad de México, 1969). Este último es, sin duda, influencia y satélite cercano de los narradores mexicanos más recientes, como pudo verse con su ópera prima, La muerte de un instalador, ganadora de la primera emisión del Premio de Primera Novela Joaquín Mortiz en 1996, y casi una década después, con la consolidación definitiva de su narrativa con tal vez el mejor de sus libros: Hipotermia (Anagrama, 2005). Al cabo de otra década, Enrigue obtuvo el Premio Herralde de Novela con el que quizá sea el trabajo más representativo de su proyecto literario, así como de su cosmovisión narrativa: Muerte súbita, que es al mismo tiempo una historia mínima del mestizaje y del tenis, a la vez que una gran reflexión y puesta en escena de la Historia mayúscula, aquella de la que apenas un puñado de personajes ha conseguido desmarcarse para quedar en franca evidencia. Novela híbrida que avanza sobre la cuerda floja que separa a la historia de la ficción, es, sin duda, el listón alcanzado y anudado con destreza al panorama de nuestras letras.

AGENDA

Octubre

Lo mejor de la agenda del Audi torio Nacional se encuentra en estas páginas, junto con breves reseñas de los eventos y un avan ce de los siguientes meses.

Ballet

Ópera

Concierto

Proyección

Danza

Teatro

Infantil

Varios

Cortesía Sony Music Argentina

Programación sujeta a cambios

Rock & Roll Revolution El talentoso cantautor, pianista y compositor argentino, Fito Páez, regresa a México para presentar su nuevo disco, Rock & Roll Revolution, dedicado a la influencia de Charly García, pero que también es un homenaje a otras estrellas del rock argentino y latinoamericano. Páez se inició en el mundo de la música a los 13 años con el grupo que él formó: Staff. Desde entonces ha tenido una productiva carrera artística. Su primer obra como solista, Del ’63, fue muy bien recibida y con sus siguientes trabajos discográficos se fue haciendo cada vez más conocido. Su álbum El amor después del amor, de 1992, lo llevó a la cima del éxito comercial, ya que fue el más vendido en la historia del rock argentino con más de 700 mil copias, además de que los conciertos que dio como parte de su gira promocional llenaron auditorios. Fito, quien es ahora un icono del rock en español, es autor de grandes clásicos como “Mariposa Tecknicolor” y “Dar es dar”.

Fito Páez: Rock & Roll Revolution Miércoles 8 de octubre 20:30 hrs. Preferente: $1,200 Luneta: $800 Balcón: $600 Primer piso: $300

HORARIOS DE TAQUILLA

Lunes a sábado: 10:00-19:00 hrs. Domingo: 11:00-18:00 hrs. Se aceptan todas las tarjetas de crédito bancarias y American Express. Para más información consulte nuestra página de internet: auditorio.com.mx

auditorio.com.mx

Programación sujeta a cambios

Jueves 9 y viernes 10 de octubre 20:30 hrs. Preferente: $1,500 Luneta: $1,250 Balcón: $1,000 Primer piso: $500 Segundo piso: $300

Macbeth

En vivo desde el Met de Nueva York Sábado 11 de octubre 12:00 hrs. Preferente: $400 Luneta: $270 Primer piso: $150 Segundo piso: $50 Límite de acceso 11:45 hrs.

Río Roma

Jueves 16 de octubre 20:30 hrs. Preferente: $700 Luneta: $600 Balcón: $450 Primer piso: $350 Segundo piso: $200

Las bodas de Fígaro

En vivo desde el Met de Nueva York Sábado 18 de octubre 12:00 hrs. Preferente: $400 Luneta: $270 Primer piso: $150 Segundo piso: $50 Límite de acceso 11:45 hrs.

Noviembre Carmen

Cortesía Café Tacvba

Camila: Elypse World Tour

En vivo desde el Met de Nueva York Sábado 1 de noviembre 11:00 hrs. Preferente: $400 Luneta: $270 Primer piso: $150 Segundo piso: $50 Límite de acceso 10:45 hrs.

Café Tacvba: Gira 20re-ct25

Uno de los grupos de rock más destacados y populares de México y Latinoamérica celebra sus 25 años de carrera artística con su Gira 20re-ct25. Los Tacubos también festejan con estos conciertos los 20 años del lanzamiento de su disco Re, su trabajo más representativo, en el que se incluyen varios de sus grandes éxitos como “Las flores” y “La ingrata”. Martes 11, miércoles 12, jueves 13 y viernes 14 de noviembre 20:30 hrs. Sábado 15 de noviembre 20:00 hrs. Preferente: $1,200 Luneta: $900 Balcón: $600 Primer piso: $350 Segundo piso: $250

David Garrett

Martes 18 y miércoles 19 de noviembre 20:30 hrs. Preferente: $2,000 Luneta: $1,400 Balcón: $880 Primer piso: $600 Segundo piso: $350

El Barbero de Sevilla

En vivo desde el Met de Nueva York Sábado 22 de noviembre 12:00 hrs. Preferente: $400 Luneta: $270 Primer piso: $150 Segundo piso: $50 Límite de acceso 11:45 hrs.

Los Ángeles Azules: Cumbia sinfónica en concierto

Ricardo Arjona: Viaje

Martes 21, miércoles 22, jueves 23 y viernes 24 de octubre 20:30 hrs. Preferente: $2,200 Luneta: $1,600 Balcón: $1,400 Primer piso: $600 Segundo piso: $350

Juanes: Tour Loco de amor Jueves 30 de octubre 20:30 hrs. Preferente: $1,300 Luneta: $800 Balcón: $600 Primer piso: $450 Segundo piso: $200

Diciembre Los maestros cantores de Núremberg

En vivo desde el Met de Nueva York De Richard Wagner, esta ópera cuenta los incidentes alrededor de un concurso de canto. Dirigida por James Levine, con las participaciones estelares del barítono Johan Reuter, la soprano Annette Dasch y el tenor Johan Botha. Sábado 13 de diciembre 11:00 hrs. Preferente: $400 Luneta: $270 Primer piso: $150 Segundo piso: $50 Límite de acceso 10:45 hrs. EFE

Viernes 17 de octubre 20:30 hrs. Domingo 19 de octubre 19:00 hrs. Preferente: $900 Luneta: $750 Balcón: $600 Primer piso: $400 Segundo piso: $200

AGENDA

LUNARIO / octubre Programación sujeta a cambios

Cortesía RAI Ensamble

Para consultar la cartelera completa visita: lunario.com.mx

Andrea Básef.

RAI Ensamble presenta: Andrea Básef: Deseo del tiempo en vivo La cantante mexicana presentará en Lunario su primer disco, Deseo del tiempo, en el que fusiona el sonido del jazz con boleros mexicanos. Estará acompañada por Alex Mercado en el piano, Luri Molina en el contrabajo, Jorge Servín en la batería y Marc Osterer en la trompeta. Miércoles 22 de octubre 21:00 hrs. Primera fila: $600 Preferente A: $450 Preferente B: $300 Vista parcial: $150

Chet Faker Viernes 10 de octubre

Juan Solo: #QuítameLoSolo Viernes 24 de octubre

21:00 hrs.

General: $400

Zona VIP: $500 General: $350

#lunario10 presenta: Karen Souza Sábado 11 de octubre 21:00 hrs. Primera fila: $1,100 Preferente A: $800 Preferente B: $600 Vista parcial: $400 Gian Marco: Entre tú y yo Jueves 16 y viernes 17 de octubre

Skylight National Theatre de Londres Carey Mulligan y Bill Nighy protagonizan esta obra de David Hare, dirigida por Stephen Daldry, que cuenta la historia de una maestra que recibe la inesperada visita de un amante de tiempos pasados. Lunes 27 y martes 28 de octubre

21:00 hrs.

20:00 hrs.

Zona VIP: $1,500 Preferente A: $900 Preferente B: $700 Vista parcial: $600

Preventa: $150 Día del evento: $180 Mesas numeradas Mayores de 12 años

AGENDA

Programación sujeta a cambios

Cortesía La Trouppe

noviembre Lena Jueves 6 de noviembre 21:00 hrs. Primera fila: $750 Preferente A: $550 Preferente B: $450 Vista parcial: $350 Mayores de 18 años Concierta Independencia: Verónica Valerio & SHO Trío Martes 11 de noviembre 21:00 hrs. Preventa: $180 Día del evento: $220 Mayores de 18 años #lunario10 presenta: Victor Wooten Band Jueves 13 y viernes 14 de noviembre 21:00 hrs. Primera fila: $1,300 Preferente A: $900 Preferente B: $800 Vista parcial: $700

#lunario10 presenta: Titerino Circus Trouppe La compañía teatral La Trouppe hace un homenaje al mundo del circo con una mezcla de teatro negro, ilusionismo, títeres y payasos. Un espectáculo lleno de personajes mágicos como elefantes de dos patas y perros que cantan ópera, toda una aventura musical y surrealista. Domingos 9, 16, 23 y 30 de noviembre

Iván Ferreiro: Historia y cronología del mundo Sábado 15 de noviembre 21:00 hrs. Preventa: $350 Día del evento: $450

13:00 hrs. Preventa: $220 Día del evento: $280

Rulo y La Contrabanda Martes 18 de noviembre General: $350 #lunario10 presenta: Ana Moura en concierto Miércoles 19 y jueves 20 de noviembre 21:00 hrs. Primera fila: $1,300 Preferente A: $900 Preferente B: $750 Vista parcial: $600 Mesas numeradas Mayores de 18 años #lunario10 presenta: Rhye Viernes 21 de noviembre 21:00 hrs. Zona VIP: $800 General: $500 Admisión general de pie Mayores de 18 años

Cortesía Caloncho

21:00 hrs.

diciembre Caloncho: Fruta Vol. 2 Originario de Sonora pero residente en Guadalajara, el compositor y cantante presentará ampliado su EP Fruta, así como también un nuevo repertorio. Sus canciones “Palmar” y “Chupetazos”, las cuales van del folk nacional a las baladas acústicas y el reggae, han alcanzado un gran éxito, con lo que su corta carrera va en rápido ascenso. Miércoles 10 de diciembre 21:00 hrs. Preventa: $250 Día del evento: $300 Admisión general de pie

Caloncho.

La Rondalla de Saltillo de la UAAAN: Serenata romántica Viernes 19 de diciembre 21:00 hrs. Primera fila: $600 Preferente A: $500 Preferente B: $400 Vista parcial: $400

FINALES BECA M. GREVER

ILUSTRACIÓN Adriana Quezada

Beca María Grever 2014 Con el propósito de apoyar y alentar a nuevos compositores de canción popular mexicana, durante la celebración de las Lunas del Auditorio 2010 se publicó la primera convocatoria de la Beca María Grever, la cual otorga a nuevos autores un incentivo mensual de 20 mil pesos durante un año. Los be-

carios trabajan bajo la tutela de reconocidos compositores, tienen oportunidad de asistir a los talleres de composición de la SACM y al finalizar el año se edita un disco que contiene el mejor tema compuesto por cada uno de ellos. La quinta convocatoria cerró el 22 de agosto del presente año:

• En las 4 ediciones pasadas se

ha beneficiado a un total de 38 autores de todo el país, lo que suma 9,120,000 pesos para apoyar la creación musical en México.

• En 2013 la beca alcanzó una cifra récord de 864 candidaturas.

Cada aspirante debió presentar 3 canciones de su autoría, por lo que en ese entonces fueron recibidos 2,592 temas originales.

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FINALES BECA M. GREVER

•Hubo participantes provenientes de

29 entidades federativas de nuestro país, la mayoría de ellos del Distrito Federal: 343. Le siguieron el Estado de México con 64 y Nuevo León con 28.

•

En la más reciente convocatoria (2014) se recibieron 670 postulaciones, de las que 532 eran de hombres y 138 de mujeres.

• De los géneros de música popular

mexicana en los que se puede participar, el mayor número de composiciones presentadas perteneció al pop (186), otros (132) y balada (130).

• Con respecto al rango de edades, en

el que se contaron más personas fue el que va de 26 a 30 años, con 161 candidatos, seguido por la categoría de 31 a 35 años con 122 postulantes, y de 20 a 25 con 110.

FINALES MEMORIA

Un grande de la música El compositor, director de orquesta y pianista ruso Ígor Stravinski dirigió a la Orquesta Sinfónica Nacional en el Coloso de Reforma en 1961, en la interpretación de su obra La consagración de la primavera, ganándose la ovación del público.

Sucedió: el 9 de abril de 1961 Lugar: Escenario del Auditorio Nacional Autor: Anónimo / Auditorio Nacional