Revista del Auditorio Nacional / No. 4 by La Revista del Auditorio

REVISTA del AUDITORIO la

Gepe, un indie andino

A este chileno no le da miedo mezclar con tal de crear buen sonido. Actuará en Lunario en junio y aquí te lo presentamos.

Ennio morricone

El reconocido compositor de música para cine cuenta con una vasta trayectoria de la que es indispensable hablar.

ely guerra y El origen

Por octava ocasión, la cantante mexicana se presenta en Lunario y se une al festejo, #lunario10, por el décimo aniversario de este recinto.

Nº 4 JUNIO 2014

Ejemplar gratuito

Los Ángeles Azules

Los hermanos Mejía Avante se presentarán con Cañaveral en el “Coloso de Reforma” para hacer bailar y cantar al público con sus inolvidables cumbias.

CONTENIDO

REVISTA del AUDITORIO la

No 04 · junio 2014

CENTRALES Los Ángeles Azules, autores de cumbias notables, hablaron de su historia en exclusiva para nuestra revista. También te presentamos a Ely Guerra y a Ennio Morricone.

Consejo Nacional para la Cultura y las Artes Rafael Tovar y de Teresa Presidente

Gobierno del Distrito Federal

Miguel Ángel Mancera Espinosa Jefe de Gobierno

Auditorio Nacional

Gerardo Estrada Rodríguez Coordinador Ejecutivo

Francisco Serrano Carreto

Director de Desarrollo Corporativo

Luis Carlos Romo Salcido Director de Operaciones

Constanza Bolaños González Garza

Directora de Promoción y Difusión

Carlos Reygadas Barquín Director de Administración y Finanzas

Mark Giancola

Mónica Navarro Ruiz Coordinadora de Prensa

Nicolás Martínez

Centro de Documentación del Auditorio Nacional

Ricardo Trabulsi

Director de Producción

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No 04 · junio 2014

Dirección Eduardo Sanmiguel Director general eduardo@aeditores.com

Marcela Aguilar y Maya Directora asociada

Editorial Julieta García Dirección editorial julieta@aeditores.com

Natalia González Coordinación editorial

Claudia Benítez Asistente editorial

Adriana Colón Susana Paz Corrección de estilo

Arte Cynthia Márquez Dirección de arte y diseño

Gerardo Terán Diseño

static.diario.latercera.com

Fernanda Carrasco Verónica García Oropeza Edición fotográfica

Comercial Eva Feldman Ejecutiva de cuenta eva@aeditores.com

Gabriela García Ejecutiva de cuenta gabriela@aeditores.com

Ivonne Miranda Ejecutiva de cuenta ivonne@aeditores.com

Pablo Maya Relaciones públicas

Asesores de contenidos Marcello Lara Jesús Quintero

consejo editorial Gerardo Estrada Bruno Newman Francisco Serrano Eduardo Sanmiguel Julieta García Constanza Bolaños Marcela Aguilar y Maya Mónica Navarro

A / EDITORES Leibnitz 20, piso 8-801 Col. Anzures, México, D.F. T. +52 (55) 52 81 17 78 y 79 aeditores.tumblr.com

BREVES

La música en internet; sonidos que revientan tímpanos; censura en Rusia; las óperas más extrañas; drones musicales y piezas para pianola. p. 7

CONOCE A...

Gepe, el chileno que busca celebrar la diversidad cultural de Latinoamérica, se presentará en Lunario por segunda ocasión. p. 16

HISTORIA

En mayo de 1967 cuatro conjuntos de jazz formados por gigantes del género llegaron al Auditorio Nacional. Conoce la historia de estos eventos. p. 12

OPINIÓN

Dos puntos de vista acerca de la situación del jazz en México: ¿se puede decir que florece o que no existe una verdadera tradición del género? p. 42

FOROS

Descubre un foro yucateco que semeja la arquitectura maya y una casa de ópera china cuya estructura parece una gran telaraña. p. 14

RESEÑAS

Libros de reciente publicación, discos del momento y películas de estreno, para que te enteres de algunas novedades interesantes. p. 46

La Revista del Auditorio es una publicación de A/Editores. Leibnitz 20-801, Col. Anzures, C.P. 11590 México, D.F. Teléfono 5281 1778. Revista mensual. Número 04, junio 2014. Editor responsable: Eduardo Sanmiguel M. El contenido de los artículos es responsabilidad de los autores. Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción parcial o total incluyendo cualquier medio electrónico o magnético con fines comerciales. La información contenida se ha obtenido de fuentes fidedignas. Número de Reserva del Instituto Nacional de Derechos de Autor No. 04-2014-041111154300-102. Número de Certificado de licitud de título y contenido en trámite. Distribuida por Mentor, Playa Caletilla 61 PB, Col. Reforma Iztlaccíhuatl, C.P. 08810, México, D.F. Impresa en Grupo Ajusco, S.A. de C.V., José María Agreda y Sánchez 223, Col. Tránsito, C.P. 062820, México, D.F., Teléfono 5132 1100.

Del FB @AuditorioMx: Vestidos para cantar.

De pijama al concierto Dedicado desde finales de los 90 a desacralizar el ideario de las canciones infantiles con letras irreverentes que han encontrado eco entre la chamacada, Luis Pescetti instó a sus seguidores, vía Facebook, a llegar al Auditorio Nacional en pijama. Las respuestas afirmativas y vastas tuvieron este tono: Rutt Sch: Estamos más que puestos como un calcetín.... pijamas listas y todos guapos!!! Perla Marysol Ruiz: Primera vez q m baño temprano y m pongo de nuevo la pijama. El domingo cuatro de mayo, miles de fans convirtieron la explanada del recinto en pasarela del pijama fashion week: almohadas, peluches, pantuflas, mamelucos, pla-

yeras, pantalones coloridos… y sus propietarios, felices, dispuestos a cantar aquello de “Dicen que los changos no usan pijama/ porque los changos chicos se hacen pipí en la cama…” Con el espectáculo Él empezó primero, Luis y sus seguidores celebraron el Día del Niño y si bien aquél pidió que todos guardaran sus dispositivos móviles, al final del concierto medio mundo se sacó la foto familiar; la que ilustra esta página, tomada por Carlos Sánchez, fue compartida en las redes del Auditorio Nacional y el mismo Pescetti se la llevó a su muro.

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Cumbias que hermanan “La música rompe barreras y une ideologías”, dice el lema. A pesar de todo, los distintos grupos sociales y generacionales encuentran en muy diversos estilos musicales el que consideran propio y al que hacen suyo. Pero, de vez en cuando, llega una canción que se convierte en un himno al que todos acudimos sin importar la edad o condición, uno con el que se celebra en fiestas y bodas, en cumpleaños y bautizos. Y son muy pocos los grupos capaces de generar una pieza semejante, que unifique y hermane. Por eso nos complace llevar en la portada el rostro de quienes han logrado esta proeza: Los Ángeles Azules. Sus cumbias han movido millares de pares de pies, han hecho que la gente cante hasta desgañitarse y son recordadas con efusión y cariño. Con una trayectoria destacada y una producción discográfica que asombra, los hermanos Mejía Avante son una de nuestras glorias nacionales. “El listón de tu pelo”, “¿Cómo te voy a olvidar?” y “Juventud” suenan por todo el país desde hace ya varios años porque es música que resume anhelos y fantasías que nos son comunes a todos. Por eso parece natural que su música haya sido interpretada recientemente por una sinfónica y un nutrido grupo de cantantes de rock o música alternativa, como Saúl Hernández, Lila Downs, Vicentico y Ximena Sariñana. Estos cumbieros son amables, entregados, apasionados de lo que hacen y, a la vez, sencillos. Lo que puede concluirse de su música y, por supuesto, también de la entrevista que nos dieron en exclusiva. Alternarán en su próxima presentación en el Auditorio Nacional con Cañaveral, otro grupo de cumbia notable, liderado por Emir Pabón. Además, nos asomamos en estas páginas a los misterios de Ennio Morricone y a lo nuevo que tiene la bella y talentosa Ely Guerra, entre otros prodigios musicales. Una vez más, bienvenidos. —Los editores

En portada: Los Ángeles Azules, fotografía de Ricardo Trabulsi.

AUDITORIO recomienda

Te presentamos una cartelera de otros eventos culturales que actualmente se llevan a cabo en foros, teatros y museos de la Ciudad de México. La oferta es amplia, por lo que te recomendamos apartar los días en tu agenda para que no te quedes sin verlos.

Programación sujeta a cambios

Museo del Palacio de Bellas Artes La belleza de lo cotidiano

Robert Doisneau Muestra de los primeros 44 años de carrera del fotógrafo francés Robert Doisneau por medio de una selección de 78 imágenes hecha por sus hijas Francine Deroudille y Annette Doisneau. Hasta el domingo 29 de junio

Picasso revelado por David Douglas Duncan

Un diálogo entre las fotografías privadas tomadas a lo largo de 17 años por el fotoperiodista David Douglas Duncan y la obra del pintor malagueño que permite recrear su vida y el proceso creativo detrás de su pintura. Hasta el domingo 20 de julio

Cinco eventos de música clásica internacional en Bellas Artes Recital

Sarah Chang (violinista) y Julio Elizalde (pianista) Programa: Niccolò Paganini, Cantabile Tomaso Vitali, Chacona Leonard Bernstein, Suite de West Side Story Sergei Prokofiev, Sonata núm. 2 Domingo 8 de junio 17:00 hrs. Precios: $620, $515, $410, $320 y $155

Filarmónica de la Ciudad de México

José Areán, director artístico Irvine Arditti, violinista Programa: György Ligeti, Concierto para violín

Richard Strauss, Una vida de héroe Sábado 14 de junio 19:00 hrs. Precios: $160, $120 y $80

Solistas Ensamble del INBA, 30 Aniversario Horacio Franco, director huésped Capella Barroca Programa: Georg Friedrich Händel, Oratorio Judas Maccabeus Lunes 16 de junio 20:30 hrs. Precios: $80, $60 y $30

Recital

Lang Lang (pianista) Programa: Mozart, Sonata núm. 4 en Mi bemol Mayor KV 282, Sonata núm. 5 en Sol Mayor KV 283, Sonata núm. 8 en La Menor KV 310 Chopin, Cuatro Baladas

Museo Nacional de San Carlos El reino de las formas: Grandes maestros

Exposición itinerante —entre el Museo Franz Mayer, el Museo Nacional de San Carlos y el Museo Soumaya— que conjunta los esfuerzos de tres casas del arte europeo en México y se integra con cerca de 60 piezas que establecen un encuentro en el tiempo y el espacio entre los acervos más destacados de arte de Europa y la capital mexicana. De abril a julio

Lunes 23 de junio 20:30 hrs. Precios: $1,500, $1,250, $1,000, $750 y $250

Ciclo: Cuatro cuartetos en el Palacio de Bellas Artes Cuarteto Jerusalem Israel Programa: Shostakovich, Integral de Cuartetos Sábado 21 de junio Cuartetos 1, 4, 6 y 12 19:00 hrs Domingo 22 de junio Cuartetos 5, 8, 10 y 11 17:00 hrs. Martes 24 de junio Cuartetos 3, 7, 13 y 14 20:30 hrs. Miércoles 25 de junio Cuartetos 2, 9 y 15 20:30 hrs. Precios: $250, $200 y $120

Ballet

Ópera

Concierto

Proyección

Danza

Teatro

Infantil

Varios

Museo de Arte Moderno Ilusión Óptica

Una lectura multidisciplinaria y transgeneracional de las prácticas de la imagen a partir del acervo fotográfico del Museo de Arte Moderno y otras colecciones. Hasta el lunes 21 de julio

Laboratorio Arte Alameda Parallax – resonancias geográficas

Proyecto enfocado en desarrollar un intercambio a largo plazo entre la escena artística actual de México y Finlandia. La primera fase de Parallax presenta un paisaje de la contemporaneidad finlandesa en resonancia con el panorama mexicano. Hasta el domingo 6 de julio

▸ Museo del Palacio de Bellas Artes Av. Juárez S/N, Centro Histórico, Ciudad de México. Martes a domingo de 10:00 a 17:30 hrs. Entrada general: $43 ▸ Museo Nacional de San Carlos Puente de Alvarado 50, colonia Tabacalera, Ciudad de México. Martes a domingo de 10:00 a 18:00 hrs. Entrada general: $32 ▸ Museo de Arte Moderno Paseo de la Reforma y Gandhi S/N, Bosque de Chapultepec I, Ciudad de México. Martes a domingo de 10:15 a 17:30 hrs. Entrada general: $25 ▸ Laboratorio Arte Alameda Doctor Mora 7, colonia Centro, Ciudad de México. Martes a domingo de 9:00 a 17:00 hrs. Entrada general: $19

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LAS

BREVES Texto: Naief Yehya

¿Qué está pasando en el mundo de la música y el espectáculo? Te presentamos una selección de notas interesantes para que estés informado.

Efectos del internet

La música se ha convertido en un producto atmosférico, gratuito, accesible en todo momento y en cualquier parte. Ha terminado para siempre la era de la escasez y por fin vivimos en un tiempo donde felizmente compartimos a través de internet toda la que existe. La llegada de la red para muchos significó el fin de las estructuras de control jerárquico de las disqueras, de la dictadura de los agentes y empresarios, del cruel yugo de las ventas. Hoy, los sellos se han vuelto irrelevantes y la música parece liberada de todas las estructuras represivas que la explotaban. “El proceso de una banda que se expone a sí misma al mundo es democrático en extremo y no hay barreras”, señala el célebre productor de rock, Steve Albini. Por su parte, David Lowery, vocalista de Camper Van Beethoven y Cracker, comenzó una campaña a favor de los derechos de los músicos en el blog The Trichordist. Nunca antes tuvimos tantas opciones al alcance de nuestros dedos y oídos; sin embargo, lo que debemos preguntarnos es si esto en verdad beneficia a los músicos. Según el gurú de la tecnología, Jaron Lanier, la realidad es que muy pocos han logrado triunfar económicamente, o por lo menos obtener un ingreso mínimo y digno, al crear para internet. Incontables personas, a todos niveles, hacen contenido que al subir a la red no les genera regalías; en cambio, las mega-corporaciones se capitalizan de forma delirante: Pandora vale 5 mil millones de dólares y se estima que Spotify valdrá 4 mil millones de dólares, ambas consideradas responsables del descenso de ventas de discos. Jared Leto, actor, cantante y compositor, líder de Thirty Seconds to Mars, comentó en abril al Fashion Times que las plataformas de streaming son injustas con los músicos. “Todos sabemos que, como creadores de contenido, buena parte de nuestro trabajo va a ser descargado por internet”, explicó Leto, “pero el

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El estado de la música hoy

James Heathfield de Metallica. El caso de Metallica vs. Napster (2000) fue el primero sobre compartir música en línea.

problema está en que a nosotros nos toca la peor parte. Dichas compañías le pagan a las disqueras pero éstas no le pagan a los artistas”. El problema es, quizá, que asumimos que la creatividad puede ofrecerse a cambio de nada y esa es una idea que deprecia el

valor de las artes en la era del internet. Una opción de plataforma era Beats Music, pero parece que Apple está a punto de comprarla. • bit.ly/1nJAH0e • bit.ly/1fPxLiC

breves

Experimentos marginales

Componer música para rollos de piano mecánico suena como una actividad un tanto arcana y relativamente delirante. Sin embargo, uno de los grandes compositores del siglo XX, Conlon Nancarrow, creó alrededor de 50 piezas para este instrumento en las que utilizó métricas inusuales (a veces hasta cuatro tempos que se sobre imponen), ritmos experimentales, sonidos extraños y melodías inspiradas por el blues, el jazz y las vanguardias. Su música era en ocasiones intocable en forma deliberada, con lo que exploraba los límites de lo posible. Nancarrow nació en Arkansas, pero en 1940 se mudó a México y se quedó ahí hasta su muerte en agosto de 1997. Fue ahí, en su casa de Las Águilas, donde compuso las piezas rítmicamente complejas por las que más tarde sería considerado una de las mentes musicales más innovadoras del siglo pasado. Él es uno de los autores más singulares de nuestro tiempo, un genio con un compromiso político que optó por vivir marginado de los circuitos culturales pero

Cortesía newswire.uark.edu

Nancarrow desafía a manos humanas

Conlon Nancarrow trabajando en uno de los rollos para piano mecánico, circa 1955.

que nunca dejó de componer música asombrosa. Conlon ha sido celebrado por músicos tan diversos como Frank Zappa y György Ligeti. En una era de samplers y digitalización, la música mecanizada de este

maestro iconoclasta se ha convertido en un desafío para algunos pianistas virtuosos. • conlonnancarrow.org

Talento prolífico

La flautista mágica

go, Elena estaba tan decidida a aprender que se puso a escuchar música todos los días y fue a las escuelas a observar a los flautistas en sus lecciones. Fue así que empezó a tocar la flauta por imitación y, como ella misma dice, “con muchas ganas”. Más tarde estudió con reconocidos flautistas como Jean-Pierre Rampal, James Galway, Aurèle Nicolet y su favorito, András Adorján. Entre sus grabaciones se cuentan dos álbumes con el legendario violinista de jazz Stephane Grappelli y un sencillo para el video animado de Paul McCartney, “Rupert and the Frog Song”. Además, Elena ha pisado escenarios en toda Europa, Medio Oriente y América y ha hecho grabaciones con orquestas de la talla de la Royal Philharmonic Orchestra, Los Virtuosos de Moscú y la Orquesta Sin-

Cortesía Corsax

En entrevista para el Auditorio Nacional, publicada en la página de FB el 7 de mayo pasado, la flautista mexicana-estadounidense Elena Durán cuenta que su primer encuentro con la música sucedió cuando tenía siete u ocho años de edad y su maestro, Frank Ono, le dijo que debería elegir la flauta porque tenía bonitos labios, por lo que tal vez podría tocar muy bien. Ella corrió a casa y le dijo a su papá que quería ese instrumento. Él no le hizo mucho caso pero ella siguió insistiendo durante varios días, hasta que le dijo: “Mira papá, no es que quiero [sino que] necesito una flauta y la necesito muy pronto”. “¿Pero por qué?”, preguntó el padre. “Porque voy a ser una flautista famosa”, respondió ella. Con esto logró que se la comprara, pero lo que no obtuvo fueron clases privadas. Sin embar-

fónica Nacional. El pasado 27 de mayo se presentó en el Auditorio Nacional como invitada especial en el concierto sinfónico Homenaje a Queen & The Beatles. Esperaremos su regreso en junio de 2015 para festejar con un concierto el cumpleaños de sir Paul McCartney. • elenaduran.com

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La censura rusa

¿Quién decide lo que es obsceno? Al tiempo en que Vladimir Putin comienza a imaginarse como el zar de un poderoso imperio capaz de reconquistar las viejas repúblicas perdidas tras la Perestroika y la desintegración de la Unión Soviética, su gobierno ha lanzado una serie de iniciativas en contra de la profanidad. De hecho, promulgó una ley el 6 de mayo —que entrará en vigor el 1 de junio de este año— que prohíbe las “vulgaridades” en toda expresión artística y que, además, contempla multas en efectivo de hasta 72 dólares para particulares, $129 para cargos públicos y $1,438 para personas jurídicas. Todo apunta a que la cruzada “anti malas maneras” comenzó en 2012, cuando el grupo de punk feminista Pussy Riot tomó por asalto el altar de la Catedral de Cristo Salvador de Moscú para cantar durante apenas unos segundos su himno en contra del régi-

Denis Sinyakouv

PRIMERO FUE CRIMEA, LUEGO EL ESTE DE UCRANIA

Pussy Riot en la Plaza Roja de Moscú.

men: “Madre de Dios, expulsa a Putin”. Las integrantes fueron arrestadas y algunas, incluso, enviadas a prisión. De este incidente hubo reacciones en el mundo de la música y hasta la Reina del pop, Madonna, se sumó a la exigencia por la liberación de las integrantes detenidas. Fue al poco tiempo

que el parlamento de aquella nación pasó una legislación para impedir el uso de groserías en los medios de comunicación. Esto presenta el viejo problema de que dichas proscripciones anticipan nuevas oleadas de censura y represión. • bit.ly/1jbeHMx

breves

Leyenda urbana

Las óperas más extrañas y olvidadas

SANGRE EN LOS OÍDOS

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Chris Barnes, de Cannibal Corpse.

¿Puede el death metal, o cualquier otro género estrepitoso, reventar literalmente los oídos y hacerlos sangrar? Es claro que exponernos a sonidos muy fuertes durante largos periodos de tiempo puede dañar la audición temporal, incluso en forma permanente. Pero el hecho de que la música pueda hacer explotar tímpanos parece una leyenda urbana. No obstante, si el oído no puede adaptarse a las variaciones de presión, el líquido detrás del tímpano puede causar que los capilares estallen. El pasado mes de abril, Yujay Ramakrishnan, especialista del oído en el Hospital Freeman de Newcastle, dijo a la BBC News que una fuente de sonido muy ruidoso, como un altavoz, nos hace estar demasiado cerca de las ondas de presión; la exposición directa al sonido en general no provoca que los capilares se revienten, pero sí la presión de las ondas. Un ruido mayor a 130 decibeles es casi igual que escuchar los motores de un avión al despegar. Sangrar de los oídos no es común; sin embargo, el riesgo aumenta con la edad. Así pues, no debemos temer al poder infernal de grupos como Cannibal Corpse, pero sí a las ondas sonoras fuera de control de cualquier grupo ruidoso. • bbc.in/P8ptFN

El Top 5: Obras casi desconocidas

Cuando se habla de este arte vienen inmediatamente a la cabeza grandes títulos como Macbeth de Verdi, Las bodas de Fígaro de Mozart y La Bohème de Puccini. Pero existen también muchas óperas que han quedado en el olvido, ya sea porque al ser estrenadas no alcanzaron casi ninguna resonancia o porque debido a un mal libreto fueron consideradas todo un fracaso. Las que aquí mencionamos resultan atractivas puesto que cuentan historias estrambóticas y fuera de lo común.

1. Moctezuma (Montezuma), de Roger Sessions (1964) Es posible imaginar que la confrontación entre Moctezuma y Cortés sea el tema de una ópera; después de todo es una historia que cuenta la tragedia de un pueblo, el triunfo de una armada y la dolorosa e irreversible transformación del mundo. El compositor creó una pieza compleja y manejó la voz como un instrumento más. No obstante, el libreto trató el drama con una cierta distancia que hizo que la historia pareciera incoherente. 2. Asesino, esperanza de las mujeres (Mörder, Hoffnung Der Frauen), de Paul Hindemith (1919) Es la primera de un tríptico de óperas de un acto. Está basada en una obra de teatro misógina y demente del pintor expresionista Oskar Kokoschka, compuesta tras su ruptura con Alma Mahler. La pieza es exuberante y ecléctica, pues intenta llevar el expresionismo a la música, con lo que se obtiene un sonido sórdido, crispado y salvaje.

3. El sacrificio (Das Opfer), de Winfried Zillig (1937) Se trata de la triste (y real) aventura del capitán Scott en el Polo Sur en 1912: una expedición donde todos perecieron de hambre y frío. Zillig decidió transformarla en una épica nazi de sacrificio y triunfo sobre la adversidad y los elementos (la nieve, las carencias y, por supuesto, los maléficos pingüinos —¡verídico!—). Los exploradores confrontan razas inferiores y, tras un sacrificio, conquistan ese inhóspito rincón del mundo.

4. Alfonso y Estrella (Alfonso und Estrella), de Franz Schubert (1822) Alfonso es el hijo del depuesto rey de León que busca vengarse del usurpador del trono, Mauregato, que es el padre de Estrella. Ella es pretendida por el ambicioso general Adolfo, quien al no poder obtener su mano, se rebela. Alfonso se enamora de Estrella y decide ayudar a Mauregato a derrotar a Adolfo. Esta ópera romántica de enredos shakesperianos no logró el reconocimiento que alcanzaron otras obras de Schubert.

5. La historia de un hombre real (Povest o nastoyashchem cheloveke), de Sergei Prokófiev (1948) Fue la última ópera de este compositor y está basada en la novela homónima de Boris Polevoy. Cuenta la historia de un piloto soviético que es derribado por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial. Los aldeanos de una granja colectiva lo rescatan y curan pero él pierde las piernas. Gracias a su optimismo y a la tecnología soviética vuelve a volar en un avión especial. Prokófiev compuso esta obra para reivindicarse con los oficiales del partido; sin embargo, no los complació y fue prohibida hasta 1960.

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Ritmos robóticos

La palabra drone, con la que nos referimos usualmente a aviones a control remoto, se ha vuelto sinónimo de bombardeos, ejecuciones extraoficiales y matanzas de civiles en el Medio Oriente. Sin embargo, KMel Robotics tal vez logre cambiar esta imagen, ya que ha producido un grupo de drones hex rotores capaces de tocar música en conjunto, flotando sobre percusiones, campanas y una guitarra monocorde, según se pudo comprobar el pasado 22 de abril, cuando la empresa subió el video: “Flying Robot Rock Stars”. En él, los robots crean música al interactuar con los instrumentos mediante curiosos dispositivos. Su repertorio incluye, por ejemplo, un fragmento de Así habló Zaratustra, de Strauss, el himno estadounidense y una pie-

Cortesía KMel Robotics

Drones musicales

Robots multi rotor interpretan Así habló Zaratustra en el Festival de Ciencia e Ingeniería en Washington, DC.

za navideña. Puede que no sea la mejor interpretación musical del mundo, pero es de esperar que en un futuro cercano este tipo de dispositivos desarrollen funciones mucho más asombrosas. Desafortunadamente, mientras esto sucede, habrá que seguir es-

perando de ellos que sean una de las máquinas mediante las que el hombre puede seguir sembrando desolación, pánico y muerte en el mundo. • youtu.be/Qlqe1DXnJKQbit.ly/SUtjoW

Fotos: Archivo del Auditorio Nacional

historia

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AUDITORIO NACIONAL

Cuatro leyendas del jazz para un domingo Texto: Jesús Quintero Coordinador de la Bitácora del Auditorio Nacional (bitacoradelauditorio.com), periodista y melómano.

De los años 60 a los 80 los conciertos de rock en México fueron actos de excepción debido a que las autoridades frenaban las reuniones masivas juveniles y a las escasas garantías que tenían los promotores. No obstante, en el mismo periodo el Auditorio Nacional registró la presencia de vitales músicos de jazz y un público ávido. Agentes y programadores osados fueron responsables de que, en aquellas décadas de estiaje, artistas fundamentales en la historia de ese género tocaran en un país donde la edición de sus álbumes era exigua y su manifestación en radio estaba ceñida a las estaciones culturales. Leyendas como Louis Armstrong (octubre de 1961), Duke Ellington (septiembre de 1968), el Art Ensemble of Chicago (mayo de 1981) y Dizzy Gillespie (diciembre de 1981) incitaron a los melómanos a concurrir al Auditorio Nacional; entonces se llegaba a él en autobús o caminando por Paseo de la Reforma, pues no había aún estación del metro cercana. Un ejemplo de lo que la iniciativa de un diestro promotor cultural podía conseguir ocurrió en mayo de 1967 cuando a este recinto arribaron los cuartetos de Dave Brubeck y de Thelonious Monk, el quinteto de Dizzy Gillespie y Newport All Stars. El ejecutor de este delirio fue Juan López Moctezuma, quien desde la primera semana de 1960 había comenzado a poner a México al día con su programa Panorama del jazz, en Radio UNAM. Los frutos rendidos ese domingo indican que Gillespie con su afro-cuban jazz, Monk y su ecléctico hard bop, Brubeck como embajador del cool jazz y The Newport All Stars con un repaso al dixieland, se sintieron a sus anchas. La sesión de George Wein —pianista

y fundador en 1954 del Newport Jazz Festival— acompañado de Pee Wee Russell (clarinete) y Bud Freeman (saxo tenor), entre otros, apareció con el título George Wein Is Alive and Well in Mexico (Columbia, 1967; pronto descatalogado y reeditado por Mosaic en 2011). The Dave Brubeck Quartet —que en 1959 grabó el fundamental Time Out— venía de presentarse en el Auditorio de la Reforma, en Puebla, donde estuvo acompañado por los mexicanos Salvador Agüero (percusiones) y Benjamín “Chamín” Correa (guitarra). En el Distrito Federal, el sábado 13, tocó en el Palacio de Bellas Artes y al día siguiente le correspondió la función de matiné, a las 11:30 horas, en el Auditorio Nacional. Hay dos testimonios fonográficos que agrupan el repertorio de ambas estancias: Bravo! Brubeck! (Columbia, 1967; disponible en iTunes) contiene covers de música mexicana sin que los intérpretes patinen en el mariachismo, pero en el que sí tejen, con lirismo y moderado swing, una reinterpretación de composiciones ajenas. El otro álbum es un muestrario preciso y precioso de los alcances de Brubeck (piano), Paul Desmond (saxofón alto), Eugene Wright (bajo) y Joe Morello (batería) como representantes del jazz fino, mas no endeble, de la Costa Este estadounidense. Conformado por siete temas, Buried Treasures (Columbia, 1998; disponible también en iTunes) es, en la vasta discografía en vivo del combo, un claro ejemplo de la cohesión y libertad que los integrantes habían alcanzado. Es, además, un canto del cisne, ya que siete meses después Brubeck disolvió el grupo tras abrir caminos durante 17 años. Los boletos para habitar en ese paraíso costaron de cuatro a 25 pesos.

Un recuento para que quienes asistan a los conciertos y even tos que se presentan en este escenario tengan la posibilidad de redescubrir un relato que pertenece a todos.

04 Un extraordinario hombre hizo posible que en mayo de 1967 llegaran al foro de Reforma cuatro conjuntos de jazz con estilos muy distintos; la calidez con que fueron recibidos y la fluidez al interior de cada grupo dieron pie a la aparición de tres álbumes. Ésta es la historia.

Página anterior Arriba: Al pie de la celebración del Día del Voceador, el anuncio de dos sesiones de jazz: A las 11:30 Dave Brubeck, a las 6 p.m. Dizzie (sic) Gillespie, Thelonious Monk y Newport All Stars. Abajo: Brubeck y su cuarteto en el escenario en la función de matiné.

FOROS

FOROS DEL MUNDO

En estas páginas se presenta cada mes una selección de escenarios. Ya sea por sus avances tecnológicos, su larga tradición o por los artistas y espectáculos que a ellos llegan, éstos son los mejores.

Texto: La redacción

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La GOH, una arquitectura de vanguardia.

The Guangzhou Opera House (GOH) Próximos eventos Carmen: del viernes 27 al domingo 29 de junio The Little Mermaid, Ukrainian Children Ballet: domingo 13 de julio St. Petersburg Philharmonic Orchestra, dirigida por Yuri Temirkanov: jueves 16 de octubre Visita: gzdjy.org

Localizada en Cantón (Guangzhou), China, esta casa de ópera es considerada como uno de los tres mejores teatros del país junto con el National Centre for the Performing Arts y el Shanghai Grand Theatre. Fue diseñado por Zaha Hadid, la destacada arquitecta inglesa-iraquí —que fue la primera mujer en ganar el Premio Pritzker de Arquitectura— y por sir Harold Marshall, diseñador acústico de Nueva Zelanda que ganó el prestigioso reconocimiento Wallace Clement Sabine Medal. La GOH fue inaugurada en mayo de 2010 con la producción de estreno de la ópera Turandot, de Puccini, dirigida por el cineasta estadounidense Shahar Stroh. El edificio, considerado uno de los más espectaculares del mundo por la prensa especializada, se compone de una audaz vestimenta de gra-

nito y vidrio con una estructura de acero cuya construcción tomó más de cinco años. El armazón expuesto se asemeja a una gigantesca tela de araña con protuberancias en todas direcciones que retan las leyes no sólo de la geometría convencional, sino también de la misma gravedad. La obra está pensada para integrarse en forma estratégica con su entorno; cuenta con accesos a la rivera y al muelle, por ejemplo, lo que promueve un diálogo permanente con la ciudad, según sus propios creadores. A pesar de su inusual forma asimétrica, la acústica es perfecta y su aforo es de 1,804 asientos.

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Cortesía Centro de Convenciones Yucatán Siglo XXI

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Una interpretación de los motivos arquitectónicos clásicos de la cultura maya.

Centro de Convenciones Yucatán Siglo XXI Próximos eventos Aromas y sabores de Yucatán 2014: sábado 14 de junio Expo mi viaje internacional 2014: del viernes 20 al domingo 22 de junio Pek Show 2014: del viernes 27 al domingo 29 de junio Visita: yucatansigloxxi.com

Ubicado al norte de la ciudad de Mérida, Yucatán, el gran atractivo de este foro es que sus formas evocan la grandeza de las construcciones mayas. El diseño del arquitecto mexicano Pedro Ramírez Vázquez (1919-2013) refleja el entusiasmo que le produjo la cultura maya y su arquitectura en cuanto a la geometría y la relación con el entorno y el cosmos. El edificio, que se localiza en donde antes estaba el complejo industrial de Cordemex —empresa que se dedicaba a la industrialización y comercialización del henequén— fue inaugurado en 1997 y cuenta con siete salones que están nombrados para recordar algunos de los sitios arqueo lógicos mayas más importantes, como Chichén Itzá, Uxmal y Ek-balám, así como las ciudades del estado de Yucatán, entre ellas

Valladolid y Mérida. La sala de exposiciones Chichén Itzá es la más grande de todas, con 7,656 m2, seis naves industriales y una capacidad para recibir a 12 mil personas. Este centro cuenta, también, con seis salas de cine (Cines Siglo XXI) ideales para presentaciones, conferencias o proyecciones particulares. Además de albergar convenciones, en este espacio también se llevan a cabo expoferias, eventos privados y se han presentado conciertos como el del DJ Armin van Buuren, Ximena Sariñana, Infected Mushroom y Susana Zabaleta.

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• NO TE lo PIERDAS… › Gepe en Lunario 28 de junio, 21:00 hrs.

GEP El ecléctico

un indie de los Andes

Una voz chilena que ha ido conquistando a un público, juvenil especialmente, aunque no en forma exclusiva, que cada vez es más abierto a escuchar propuestas que sean una mezcla entre lo local y lo global. Gepe es un músico que ha expresado varias veces su deseo por actualizar la música latinoamericana. Texto: Diana Amador Fotos: Gabriel Schkolnick

Daniel Riveros todavía recuerda la Navidad de 1986. Tenía cinco años y esa mañana su padre puso a todo volumen la canción “Soul Sacrifice” (Columbia, 1969) de Santana. Recuerda el ritmo electrizante de aquella guitarra como un estallido en sus manos cuando al fin abrió su regalo: una batería, que aprendió a tocar sin ninguna otra orientación que su propio instinto y el hábito de escuchar canciones una y otra vez. También así aprendió, años después, a tocar la guitarra, el teclado y a modular su voz. Nunca terminó sus clases de solfeo y las notas musicales siempre le aburrieron, pero hoy ha logrado vender miles de discos. Nació en San Miguel Comuna de Santiago de Chile, en 1981, y creció escuchando a Violeta Parra y los sonidos folclóricos de los 70, esas formas de protesta que sobrevivieron el terror de la dictadura de Augusto Pinochet (1973-1990). Pero, gracias a la influencia paterna, también escuchó a Michael Jackson, Miguel Bosé y Pet Shop

Boys. De alguna forma, todos los sonidos de su infancia se mezclaron para formar un estilo particular que lo mismo suena a música andina, que a ese pop suave que ha cobrado fuerza en esta última década en los países latinoamericanos. Sin embargo, las voces de Gabriela Pizarro y Margot Loyola fueron los ecos principales en su memoria. Quedó encantado con la aparente simpleza de su música, que no necesita más que una voz y una guitarra; él agregó la fuerza del rock de los 90 que también marcó su vida. “Creo en Sonic Youth y en la Violeta Parra. En la Margot Loyola y Bob Marley”, dijo en una entrevista para el diario chileno La Segunda este mismo año. Electropop para bailar En 2004, Daniel se convirtió en Gepe, un seudónimo que adoptó a partir del nombre de una marca belga de rollos para tomar diapositivas. Cuenta que sólo buscaba un

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PE Gepe en Lunario Se present贸 en este recinto el 22 de agosto de 2013

En la red Gepe es, sobre todo, un tuitero, por lo que para mantenerte al tanto de sus novedades lo mejor es seguirlo en esa red social: @gepegepegepe; y en su p谩gina de FB: facebook. com/gepeoficial

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apelativo que la gente identificara con sonidos; un nombre que por su repetición se convirtiera, literalmente, en música para los oídos. Pertenece a un movimiento llamado “La nueva canción chilena”, una corriente de electropop de la que forman parte otros artistas como Pedropiedra, autor de la canción “Las niñas quieren” (2009), Alex Anwandter (con quien Gepe grabó el disco Alex y Daniel en 2013) y Javiera Mena, quien en 2006 ganó popularidad al versionar “Yo no te pido la luna” (que interpretó en los 80 Daniela Romo). Su propuesta, de renovación a través del pop, ha sido bien recibida por quienes no vivieron los tiempos de la dictadura. En ella, el folclor de la canción chilena —al estilo Víctor Jara— logra conectarse con la generación de Gepe, entre otras cosas porque la solemnidad de las letras de aquél se transformó en versos de alegría, más adecuados para bailar en un centro nocturno que para entonarse en medio de una protesta. “Pero también la música que hago puede ser pop-emo-andino”, dijo el cantante en entrevista para Rock Delux (2013). El chico, que se convertiría en una de las figuras emblemáticas del pop chileno, estudió diseño gráfico en la Universidad Católica, pero al final optó por trabajar más en su música. Fue cuando conoció a Javier Cruz, con quien fundó Taller Dejao (2001), un dueto con un solo álbum, El brillo que tiene es lo humano que le queda, que se desintegró en 2004. Ese año, inició su carrera como solista, presentándose en tocadas para públicos de 30 personas. La polémica Una década después, en febrero pasado, Gepe participó por primera vez en el festival Viña del Mar frente a 15 mil asistentes.

Pero no todos aplaudieron su espectáculo. El Ministerio de Cultura de Bolivia emitió un comunicado en el que expresó su “indignación” por el “uso inadecuado de trajes de danzas folclóricas bolivianas” que se emplearon durante el show, y exigió una disculpa pública del cantante. Los bailarines salieron disfrazados de diablos, usando caporales y tinkus, esos coloridos trajes típicos de Bolivia que, por una noche, se movieron en el escenario al ritmo de “En la naturaleza”, uno de los temas que han hecho popular a Gepe en el resto de América Latina. El director del Festival, Pablo Morales, emitió una disculpa, junto a la alcaldesa de esta localidad, Virginia Reginato. “Si alguien en Bolivia se sintió ofendido, mil disculpas, pero también les pido que entien-

“Lo que busco con mi música es celebrar la diversidad cultural de Latinoamérica”. dan que sólo estamos haciendo arte”, dijo Morales. El artista defendió su espectáculo a través de su cuenta de Twitter e Instagram con el siguiente mensaje: “Lo que busco con mi música es celebrar la diversidad cultural de Latinoamérica”. Y ha dicho en varias en-

trevistas que su intención nunca ha sido ofender las tradiciones sudamericanas, sino rendirles tributo, llenarlas de vida otra vez. Hace ya dos años que Gepe lanzó su álbum más reciente, el cuarto en su discografía, GP (Discos Intolerancia, 2012), y los críticos de música y fans coinciden en una palabra para identificar el primer sencillo, justo esa primera canción que levantó la polémica en el festival chileno: reguetón. Él la define como “andina-reguetón-reggae”, y asegura que es sólo un guiño al ritmo boricua y que no busca ser el próximo Don Omar, ni ninguno de los exponentes de este género; aunque sí confiesa que es fan de Tego Calderón y, “un poco menos”, de Calle 13, a quienes compara con U2 porque “son como muy grandes y están dándole lecciones al mundo”. A Gepe nunca le han preocupado los juicios ni las etiquetas, pues está convencido de que hay que tenerle “menos respeto” a la música, y de que ésta se debe manipular y trabajar como la inspiración lo dicte en el momento. Para él, el tecno es lo mismo que el reggae, lo mismo que el rock; todo es igual y no le importa trabajar con un género en especial. Pero admite que prefiere la bachata del grupo Aventura y Juan Luis Guerra a lo que hace Daddy Yankee. De México le gusta la música de banda, género al que describe como “un bolero andino… muy raro”. Gepe es un ecléctico que exige que se respete lo mismo a Pet Shop Boys que a AC/ DC, que las guitarras eléctricas deben callar de vez en cuando para dejar escuchar un poco al pop y a los sonidos regionales, y que es hora de terminar con lo que él llama “la dictadura fome (aburrida) del rock”.

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DISCOGRAFÍA Cuatro trabajos como solista lo acompañarán en Lunario. Hay que ir calentando las cuerdas vocales.

GEPINTO 2005 · Quemasucabeza Su álbum debut. La edición chilena de la revista Rolling Stone lo ubicó en el lugar 22 de la lista Los 50 mejores discos chilenos de todos los tiempos. “Namás” fue el primer éxito del cantante.

HUNGRÍA 2007 · Quemasucabeza Este disco cuenta con la colaboración de otro de los cantantes que conforman el movimiento de “La nueva canción chilena”, Pedro Subercaseaux, mejor conocido como Pedropiedra.

AUDIOVISIÓN 2010 · Intolerancia Este material fue lanzado en CD y vinilo. Le valió una nominación por Mejor Artista Pop en los Premios Altazor, que otorgan asociaciones de artes y música chilenas desde el año 2000.

GP 2012 · Intolerancia Con éste, Gepe se dio a conocer en nuestro país. Se presentó ese año en la Ciudad de México dentro del festival Vive Latino y la página de internet LifeBoxset lo eligió como uno de Los 25 mejores discos de 2012.

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Centrales

• NO TE LOS PIERDAS… › Los ángeles azules y cañaveral Miércoles 4 de junio 20:30 hrs. › Ely guerra Viernes 18 de julio 21:00 hrs.

Para bailar con los ángeles

Directamente desde Iztapalapa, los hermanos Mejía Avante han marcado la historia de la cumbia con sus canciones. Aquí nos hablan de sus orígenes y de su trayectoria musical.

Más allá del cine y la televisión

Famoso por sus composiciones para películas como Kill Bill, La misión y Los intocables, Ennio Morricone es un creador musical que formó parte de un grupo de vanguardia italiano.

Una empresaria guerrera

La mexicana Ely Guerra creó su propio estudio y disquera. Se presentará por octava ocasión en Lunario con un concierto que dejará brillar su talento y la calidad de su obra.

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• NO TE lo PIERDAS… › los Ángeles Azules y Cañaveral: Juntos por la cumbia Miércoles 4 de junio, 20:30 hrs.

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De Iztapalapa para el mundo Los hermanos Mejía Avante nacieron en Iztapalapa y durante más de tres décadas han llevado su “Juventud” y “Entrega de amor” (con todo y “El listón de tu pelo”) a gran parte del continente americano. ¡Cómo olvidarlos! Texto: Fernando Figueroa Fotos: Ricardo Trabulsi / Producción: Fernanda Carrasco

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Jorge

Doña Martha Avante es quien merece un premio relacionado con Los Ángeles Azules, pues es madre de seis integrantes del grupo musical cuyo lema es: “De Iztapalapa para el mundo”. Con escasos recursos económicos, la señora Avante los crió y les dio una formación integral que desembocó en dos grandes logros: la creación del más exitoso grupo en la historia de la cumbia mexicana y la titula ción de sus ocho hijos (dos no se dedican a la música) en instituciones de educación superior: tres abogados, dos médicos, dos odontólogas y un ingeniero arquitecto. La labor del papá, Porfirio Mejía, también tiene gran mérito. Él era chofer de la línea de camiones México-Tulyehualco y el sueldo se iba íntegro a la manutención de su familia. Para completar el gasto, doña Martha lavó ropa ajena y construyó cuartos para rentar. También tuvo la idea de que sus hijos formaran un grupo para tocar en fiestas, donde inicialmente por lo menos les darían muy bien de comer, y con el que, ya con más experiencia, ganarían dinero para costear sus estudios. En charla, los hermanos Mejía Avante recuerdan con orgullo sus inicios y celebran la vigencia que ya les dio un Disco de Diamante por la venta de 300 mil copias del álbum Cómo te voy a olvidar (OCESA Seitrack-Sony Music), que en la Edición de Súper Lujo incluye un DVD con un pequeño concierto de Los Ángeles Azules con orquesta sinfónica y la colaboración de Leonardo de Lozanne (Fobia), Álvaro López (Los Bunkers), Jay de la Cueva (Moderatto),

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Cristina

Ximena Sariñana, Gil y Ulises (Kinky) y Denisse Gutiérrez (Hello Seahorse!). A excepción de López y De Lozanne, los demás también aparecen en el disco original. El 4 de junio, Los Ángeles Azules se presentan en el Auditorio Nacional alternando con el grupo Cañaveral, dentro de una gira que se denomina Juntos por la cumbia. Los de Iztapalapa cerraron las Lunas del Auditorio en 2013 y se han presentado varias veces en este recinto dentro de espectáculos organizados por estaciones de radio, pero nunca antes en plan estelar. José Mejía (timbales), señala que para ellos el Auditorio Nacional representa “lo que es en realidad: uno de los sitios más importantes no sólo de México y Latinoamérica sino en el mundo”. Largo y sinuoso camino José afirma que Los Ángeles Azules han recorrido Estados Unidos “por tierra y aire, casi de punta a punta”. Y añade: “Otros grupos sólo van a las grandes ciudades gabachas, pero nosotros conocemos hasta los últimos pueblitos, donde están los sembradíos. Nos hemos hospedado en los peores y en los mejores hoteles de allá”. Elías (bajo) recuerda entre risas: “¡el Six, de Nueva York, de 48 dólares la habitación!”. Cristina (guacharaca) y Guadalupe ( jairo) sueltan un “¡Uuufff!” para calificar la calidad de ese establecimiento. Por el contrario, todos recuerdan una agradable estancia en el lujoso Marriot de San Diego.

Así ha sido la vida profesional de la agrupación, llena de contrastes. José comenta al respecto: “Si andas en todos lados, entonces te puede pasar de todo. Hay lugares en México donde el tráiler que trae el equipo no puede entrar porque son barrancas tremendas; entonces lo tienes que descargar y subir todo en camionetas, y no sabes si ahí te van a sacar la pistola y te van a quitar tus pertenencias. Al otro día vuelas a Nueva York y te presentas en el estadio de los Yanquis, en el intermedio de un partido de futbol soccer. Esa vez nos invitaron los gringos porque hicieron una encuesta para saber cuál era el grupo favorito de los latinos y la gente votó por nosotros. También hemos estado en los Estudios Universal (Los Ángeles) y en Disney World (Florida)”. Además, se han presentado en Paraguay, Bolivia y Argentina (llenaron el Luna Park de Buenos Aires). “Los argentinos son muy prendidos y brincan todo el tiempo; las mujeres se trepan sobre los hombros de sus parejas y agitan primero el suéter y luego prendas íntimas que nos avientan al escenario”, dice Elías. José agrega que “las argentinas son demasiado guapas”. Todas las giras por México y otros países no las han realizado solos, pues siempre contaron con la compañía de su mamá, quien a los 87 años acaba de renunciar a los viajes, donde estaba al pendiente de todo, incluso del cuidado de los bebés de sus hijas. Los hermanos Mejía Avante aún tienen muchos sueños por realizar, en especial tocar en Japón y Colombia.

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Origen y destino La Edición de Súper Lujo del álbum Cómo te voy a olvidar cuenta con un pequeño documental acerca de la realización del concierto con orquesta sinfónica. En ese material, Odilón Chávez, director y arreglista, comenta que “la música de concierto es música, y la cumbia también, así que no debe haber problema para fusionarlas”. El productor, Yamil Rezc, dice otra gran verdad: “Los Ángeles Azules no dependen de una imagen sino del poder de sus canciones”.

“Otros grupos sólo van a las grandes ciudades gabachas, pero nosotros conocemos hasta los últimos pueblitos, donde están los sembradíos. Nos hemos hospedado en los peores y en los mejores hoteles de allá”. Jorge Mejía (acordeón) es el autor de la mayoría de los éxitos de esta agrupación: “Entrega de amor”, “Cómo te voy a olvidar”, “El listón de tu pelo”, “17 años”, “Mis sentimientos”, “Cumbia del infinito” y “Juventud”, entre otras. Él mismo explica cómo es su proceso creativo: “Dios es quien nos manda la inspiración a los compositores, nosotros la plasmamos en un papel y luego en un disco, que después escucha el pueblo. Si la canción tiene éxito, es gracias a Dios”. Jorge estudió la carrera de Ingeniero arquitecto en el Instituto Politécnico Nacional y música en el Conservatorio Nacional •

Elías

De candidaturas y familia En 2006, el doctor Elías Mejía, líder de Los Ángeles Azules, fue candidato a diputado federal, y en 2012 disputó el puesto de Jefe Delegacional en Iztapalapa. No logró su objetivo, pero se siente orgulloso de haber hecho un buen papel, “porque en los dos casos obtuve el doble de votos que los anteriores candidatos del partido que me postuló”. José piensa que en el núcleo familiar está buena parte de la solución a los problemas del país, y pone el siguiente ejemplo: “Cuando yo era niño, una vez fui con mi mamá a visitar a una tía y de ahí regresé con un muñequito de luchador, un Santo, que le volé a uno de mis primos. Cuando mi mamá se dio cuenta, no sabes cómo me fue. Volvimos con mi tía para regresar el juguete, pero ella quería regalármelo. Mi mamá dijo que no, porque si permitía eso yo no iba a entender la lección y al rato iba a ser un delincuente. Y tenía razón”. Guadalupe Mejía afirma que sus padres no únicamente les dieron alimentación y estudios sino, sobre todo, amor, disciplina y valores.

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En esta sesión los hermanos Mejía Avante usaron: Hackett London, Tommy Hilfiger, Brooks Brothers y Lacoste. Coordinación moda: Brenda Miranda / Asistente de vestuario: Marisol Romero.

Pepe

DISCOGRAFÍA Los Ángeles Azules cuentan con una amplia trayectoria y una larga lista de discos. Aquí te presentamos algunos de los más destacados de su carrera y los títulos más relevantes que en ellos se incluyen:

SIN PECADO 1996 · EMI Music “El pecado”, “Mi único amor” y “Las maravillas de la vida”.

ENTREGA DE AMOR 1997 · EMI Music “Entrega de amor”, "Ay amor" y "Cumbia del infinito".

CONFESIONES DE AMOR 1998 · EMI Music “Me haces falta tú”, "Confesión" y "Por tu amor".

UNA LLUVIA DE ROSAS 1999 · EMI Music “El listón de tu pelo”, "20 rosas" y "17 años".

CÓMO TE VOY A OLVIDAR 2013 · OCESA Seitrack-Sony Music Todos sus éxitos en colaboración con varios artistas, como Álvaro López (Los Bunkers), Gil Cerezo y Ulises Lozano (Kinky), Carla Morrison, Lila Downs, IMS, Toy Selectah, Jiggy Drama, El Gavachillo, Los Amigos Invisibles, The Centavos, Centavrvs, El Canijo, Celso Piña, Bomba Estéreo y Li Saumet.

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• (sus siete hermanos son egresados de la UNAM). Admira la obra de Silvestre Revueltas, Juventino Rosas, Agustín Lara y Juan Gabriel. En 2006, Los Ángeles Azules grabaron un álbum con temas del “Divo de Juárez”, en el que Jorge Mejía hizo los arreglos. A él, le hubiera gustado componer “Amor eterno”.

Todos Los Ángeles Azules son profesionistas y responsables. Alfredo estaba atendiendo uno de sus casos en el reclusorio y por eso no pudo asistir al llamado. Pero le guardamos su lugar.

Alfredo

“Cuando yo estaba chavo, una tía me dijo que había acompañado a mi mamá al hospital porque había perdido un bebé. Muchos años después, yo pensé: ‘chin, ése era el cantante; cuántas broncas nos hubiera ahorrado’”.

Al pedirle que nos hable brevemente del origen de la cumbia, responde: “Se dice que un barco alemán se descompuso en las costas de Cartagena y los colombianos se apropiaron de unos acordeones que había en las bodegas. La cumbia nace en 1888 con acordeón, tambor y guacharaca. La primera cumbia grabada es ‘La cumbia sampuesana’, en 1934, y por eso se le llama la madre de todas las cumbias”. Elías no recuerda con exactitud la fecha

en que cobraron su primer sueldo, de 250 pesos. “Fue en 1977 o en 1978, pero realmente nosotros marcamos el inicio de nuestra historia a partir del primer disco que grabamos, La cumbia del acordeón, en 1981”. En sus inicios, dice Elías, “el grupo se llamaba Playa Azul, nos vestíamos con pantalón blanco y camisa floreada, tipo acapulqueños”. Un músico que rentaba uno de los cuartos en la vivienda de la familia Mejía, tenía una banda de rock denominada The Blue Angels, que desapareció. Al juntarse con los hermanos Mejía Avante, cedió el nombre y éste se castellanizó. José recuerda que tocaban en bodas, fiestas de 15 años, festivales de la delegación Iztapalapa, en mercados, jardines. Después se dieron a conocer en otras demarcaciones del Distrito Federal y en Texcoco, Toluca, San Luis Potosí y Monclova. Con el éxito discográfico y radiofónico llegaron los contratos en todo el país. ¿Cuántos álbumes de estudio han grabado?, le pregunto a Elías. Responde: “Hicimos ocho en acetato y luego firmamos con otra empresa, ahí hicimos otros ocho en CD. Luego otro con otra compañía y uno inédito en casete. Se han hecho varias recopilaciones, y ahora las están haciendo otra vez porque nuestro nombre está volviendo a sonar”. José añade: “También acaban de sacar unos videos de cuando íbamos a las televisoras”. De todos esos materiales no reciben regalías, asunto en el que no desean profundizar. Juego de duetos A lo largo de la historia de Los Ángeles Azules, varios cantantes que no pertenecen a la familia Mejía Avante han aportado su sello al grupo y se han ido, no siempre en muy buenos términos. Al comentarles en broma que a sus papás sólo les faltó engendrar a un buen vocalista, José responde sin pensarlo mucho: “Cuando yo estaba chavo, una tía me dijo que había acompañado a mi mamá al hospital porque había perdido a un bebé. Muchos años después, yo pensé: ‘chin, ése era el cantante; cuántas broncas nos hubiera ahorrado’”. A principios de 2013, los productores Camilo Lara (IMS) y Toy Selectah (Control Machete) comandaron la grabación de un disco de Los Ángeles Azules con figuras del pop y rock. De esa forma, a la banda de

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Iztapalapa le llovieron suficientes cantantes como para sanar totalmente una vieja herida: Saúl Hernández, Carla Morrison, Lila Downs y Vicentico, entre otros. A Saúl Hernández se le permitió escoger la canción a su antojo; la elegida fue “Entrega de amor”. El día que grabaron el video correspondiente, Hernández dijo que semanas antes se había sentido como pez en el agua cuando puso su voz en el estudio: “Yo nací en la colonia Guerrero y crecí escuchando mucha música afroantillana: Benny Moré, la Matancera, la Santanera, así que fue algo natural”. En octubre de 2013, durante el Festival Rockódromo celebrado en Monterrey, Saúl y Los Ángeles Azules interpretaron juntos no sólo “Entrega de amor” sino también “La negra Tomasa”, éxito “cumbiero” de Caifanes. Al preguntarle a los hermanos Mejía cuál ha sido la mejor experiencia que han tenido en un concierto, no dudan en decir al unísono: “Vive Latino (2013)”. José recuerda: “Nos preguntaron si queríamos cantar ahí y respondimos que lo íbamos a pensar, entonces nos dijeron que lo pensáramos rápido porque ya iban a anunciar el elenco. Aceptamos y nos dio insomnio porque el paquete era muy grande”. Elías añade: “Lo que pasa es que se creó mucha expectación y nosotros no sabíamos cómo iba a reaccionar un público distinto al nuestro” y agrega José: “La tensión se rompió de inmediato porque al inicio de la presentación pusieron un video de nosotros y la gente se prendió fuertísimo; entonces todo fue disfrutar y disfrutar”. Otro momento que les viene a la mente fue durante una presentación en la Plaza México, cuando la gente los hizo cantar tres veces seguidas “Cómo te voy a olvidar”. José recuerda: “Apagaron las luces y la gente empezó a cantar agitando los encendedores prendidos. La acústica de ahí es muy buena; así que se veía y oía impresionante”. Al preguntarle a Jorge de qué manera compuso “Cómo te voy a olvidar”, responde de manera escueta: “Estaba en mi recámara, de pronto me llegó la inspiración y la escribí, así nada más”. El talento de toda esta familia es indudable, y eso es algo que se comprueba cada vez que su música pone a bailar a gente de cualquier edad y condición. Por eso mismo, escucharlos en vivo es una oferta irresistible.

Fernando Figueroa: Nació en la Ciudad de México en 1955, pero sus raíces están en Valle de Allende, Chihuahua. Estudió periodismo en la UNAM y es autor del libro El mejor oficio del mundo. 60 entrevistas (2013), que incluye charlas con personajes del mundo del espectáculo, la cultura y el deporte.

Lupita

Cañaveral: ¡Huipipipipí! Cañaveral alterna con Los Ángeles Azules en el espectáculo Juntos por la cumbia. El grupo fue fundado por Humberto Pabón Olivares, quien llegó a México como parte de la agrupación colombiana Los Corraleros del Majagual. Se quedó en nuestro país y fue aquí que creó a Cañaveral, en enero de 1995. Su hijo, Emir Pabón, percusionista y cantante, es la actual figura emblemática del grupo. Él es quien comenta que la participación de éste en el Auditorio Nacional, el 4 de junio, será parte del del festejo por sus 20 años. Algunos de los éxitos de Cañaveral son “No te voy a perdonar”, “Hasta el cielo lloró”, “Tiene espinas el rosal”, “No mientas más” y “Palacio de amor”. En 2012 grabó Disco Cumbia México, un tributo a las grandes bandas gruperas, en el que hacen duetos con José Guadalupe Esparza (Bronco) y Óscar de la Rosa (La Mafia). Esa producción obtuvo un Disco de Platino e impulsó a crear un segundo volumen, grabado en julio de 2013 en el Lunario del Auditorio Nacional, con la participación de Diego Verdaguer, Germán Montero, Carlos Sarabia, Saúl “El Jaguar” y Luz María (“La Voz México”). Emir Pabón recuerda aquella experiencia como “una noche mágica”. Emir —quien también ha participado en realities como Big Brother VIP y Bailando por un sueño, y actuado en series y telenovelas—, explica cómo surgió el famoso “huipipipipí” que identifica a Cañaveral: “Es una forma de saludo que se usa en Colombia y que mi padre complementó y adaptó para el grupo”. Tres de Cañaveral para tu discoteca: ♦ Disco cumbia México, Vol. II, Fonovisa, 2013 (grabado en Lunario). ♦ Huipipí, Fonovisa, 2010. ♦ No te voy a perdonar, Orfeón, 1999.

Más allá del Spaghetti Western: Un compositor que, además de contar con una prolífica producción de soundtracks para el cine y la televisión, tiene otra faceta como creador de “música absoluta”. Aquí, un recuento de su trayectoria. Texto: Juan Arturo Brennan

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Ennio Morricone

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“Here’s to You” Es una canción escrita por la cantante estadounidense Joan Baez, con música de Ennio Morricone y que fue parte de la banda sonora de la película Sacco e Vanzetti (1971), de Giuliano Montaldo, un tributo a los anarquistas italianos Nicola Sacco y Bartolomeo Vanzetti, quienes fueron sentenciados a muer te en Estados Unidos en la década de 1920. La canción también aparece en la película de Wes Anderson, The Life Aquatic with Steve Zissou (2004).

En el año 1976 se produjo en México, bajo la dirección de José Bolaños, la película Pedro Páramo, el hombre de la Media Luna, basado en la inmortal narración de Juan Rulfo. Si bien este filme es una mejor aproximación al universo rulfiano que otros intentos similares, resultó una muestra más de lo difícil que es trasladar a la pantalla las imágenes, sonidos, percepciones y fantasmas que habitan la literatura del gran escritor jalisciense. La película tuvo un reparto de primera: Manuel Ojeda como Pedro Páramo, Bruno Rey, Narciso Busquets, Blanca Guerra, Roberto Cobo, Patricia Reyes Spíndola, Fernando Soler, Ana Ofelia Murguía, Martha Verduzco y Julio Bracho. A la hora de los premios y reconocimientos, el filme de Bolaños —que tuvo un paso efímero y no muy destacado por nuestra cartelera— obtuvo premios Ariel por la fotografía de Jorge Stahl Jr., la escenografía de Pedro F. Miret y Javier Rodríguez y la ambientación de Guillermo Barclay. Muy pocos cinéfilos conocen un dato fascinante de trivia sobre esta película mexicana: su música fue escrita por el gran compositor italiano Ennio Morricone. A lo largo de su prolongada e ilustre carrera, Ennio ha recibido varias nominaciones al Oscar por sus partituras para las películas Días de cielo (1978), La misión (1986), Los intocables (1987), Bugsy (1991) y Malena (2000). Sin embargo, Morricone no ha ganado hasta la fecha un premio de la Academia, cosa ciertamente incomprensible. Aunque en 2007 le fue otorgado un Oscar honorífico como reconocimiento colectivo a sus numerosas y trascendentes contribuciones al arte y oficio de escribir música para la pantalla. Además de las películas mencionadas ha escrito melodías para filmes como La desconocida, El Papa bueno, El juego de Ripley, Vatel, El fantasma de la ópera (versión de 1998), La leyenda de 1900, Lolita (versión de 1997), Sostiene Pereira, Estamos todos bien, Átame, La jaula de las locas, El prado, Luna y algunas más. ¿Cuántas más? La lista de sus créditos cine-

matográficos está cerca de las 500 películas de diversos estilos y géneros, de distintas nacionalidades, y también lo ostentan numerosas partituras escritas para la televisión. Uno de los aspectos más importantes de la carrera de Ennio es su estrecha y productiva colaboración con el cineasta italiano Sergio Leone.

“Es una camisa de fuerza. No entiendo cómo, después de todos los filmes que he hecho, la gente sigue pensando en Por un puñado de dólares. La gente está atascada atrás en el tiempo, hace 30 años”.

Morricone y Leone fueron condiscípulos en la escuela y de ahí nació la amistad que, con el paso del tiempo, habría de convertirse en una de las más importantes colaboraciones entre un cineasta y un compositor. Ennio estudió en el Conservatorio de Santa Cecilia, en Roma, y su instrumento fue la trompeta. En 1946 se graduó y obtuvo su primer empleo como arreglista para un teatro de variedades. En 1954 consiguió el título de compositor, bajo la guía de Goffredo Petrassi. En 1958, fue contratado como asis-

central | Ennio Morricone

tente musical en la RAI —la Radio Estatal Italiana—, pero duró sólo un día en este empleo. El año de 1961 marca un hito fundamental en su carrera, ya que fue entonces cuando compuso su primera banda sonora para el cine, destinada a la película El federal, de Luciano Salce. Pero la primera partitura fílmica realmente notable, escrita para Leone, fue la de la cinta Por un puñado de dólares (1964). Con este trabajo, Morricone

“La inspiración no existe. No se puede hablar de algo que no existe. Sí puedo decirle que hay reflexión. En mi caso, pongo atención, me concentro y busco una idea que justifique el comenzar a escribir”. inventó el sonido típico e inconfundible de la música de ese fascinante género cinematográfico híbrido conocido como Spaghetti Western, una de sus más importantes contribuciones al mundo de la música de cine. Dos años más tarde, en 1966, Ennio habría de escribir una de sus partituras fílmicas más memorables, de nuevo para una película de Sergio Leone: El bueno, el malo y el feo. En 2009, este sensacional soundtrack fue incorporado al Salón de la Fama de los Premios Grammy. Curiosamente, el compositor parece resentir el hecho de que una parte sustancial de la fama y el reconocimiento de que goza esté relacionado precisamente con ese inconfundible “sonido Morricone” de sus partituras para este tipo de filmes. Él

Ennio Morricone, Praga, 9 de febrero, 2014.

Los más vendidos Como espléndido compositor de música para el cine, Morricone es un creador genuinamente admirado por el público cinéfilo-melómano, cosa de la que muy pocos pueden presumir. Esto lo confirma el éxito de su vasta y variada discografía, que lo convierte en uno de los compositores más grabados (y comprados) de la historia. Para muestra, unos cuantos datos duros:

♦♦Es acreedor a 27 Discos de Oro y siete Discos de Platino, y se han vendido más de 50 millones de copias con su música en todo el mundo.

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afirma que: “Es una camisa de fuerza. No entiendo cómo, después de todos los filmes que he hecho, la gente sigue pensando en Por un puñado de dólares. La gente está atascada atrás en el tiempo, hace 30 años”. Más allá de su emblemática y productiva relación de trabajo con Sergio Leone, el gran compositor romano ha trabajado con notables directores como Oliver Stone, Quentin Tarantino, Pier Paolo Pasolini, Bernardo Bertolucci, Giuseppe Tornatore, Brian De Palma, Roman Polanski y Pedro Almodóvar.

♦♦De ellos, más de seis millones han sido comprados en Francia. Tres millones se han vendido en Estados Unidos. En Corea del Sur, sobrepasan los dos millones.

♦♦El álbum que contiene su música para Érase una vez en el Oeste es uno de los cinco soundtracks más vendidos de la historia, con cerca de diez millones de ejemplares.

♦♦Durante un tiempo, su música para La misión fue la más vendida de todas las grabaciones de música para el cine.

La otra música La importancia capital de Morricone en el ámbito de la música de cine no debe ser obstáculo para recordar que, además de todas esas composiciones para la pantalla, ha escrito también una cantidad muy respetable de obras de música de concierto: sinfonías, obras vocales y piezas de cámara para una gran variedad de dotaciones, entre otras. Evidentemente, sería de gran interés escuchar en una temporada regular de alguna orquesta su música de concierto, porque debe ser de la misma calidad que la que hace para el cine. Este ámbito de la producción de Ennio (designada en su catálogo como “música absoluta”) es prácticamente desconocido, estado de cosas que debiera cambiar radicalmente con el objeto de permitir al cinéfilo-melómano un conocimiento más completo del trabajo de este formidable músico romano. Dato interesante sobre este asunto: la lista de sus composiciones de concierto se inicia en 1946 con la obra La mañana, para piano y voz, mientras que lo escrito para el cine data de 1961: para un largometraje, dos cortos y un programa de televisión. En la larga lista de obras de música absoluta de Morricone es posible encontrar algunas sorpresas, como por ejemplo la existencia de varias obras que incluyen cinta pregrabada y/ o sonidos electrónicos. En el campo de la música concertante, es no-

♦♦La música de El bueno, el malo y el feo y El profesional ha vendido más de tres millones de copias cada una.

central | Ennio Morricone

DISCOGRAFÍA La lista de álbumes que recogen las obras de Ennio Morricone es muy extensa, por ello, aquí te recomendamos una selección de las grabaciones en vivo —anotamos algunos de los títulos de composiciones para películas que se interpretaron en los conciertos— para complementar tu discoteca.

Ennio Morricone Live (con la Metropole Orchestra) 1987 · Tauro Records El bueno, el malo y el feo, Marco Polo y El desierto de los tártaros.

Morricone dirige a Morricone 1998 · Ensayo Érase una vez en América.

Cinema Concerto: Ennio Morricone at Santa Cecilia 1999 · Sony Pecados de guerra y Bugsy.

La leggenda della pianista 2003 · Digitmovies Grabación en vivo del score de la película del mismo nombre, con la participación de la pianista Gilda Buttà.

Focus: Ennio Morricone & Dulce Pontes 2004 · Universal Cinema Paradiso y La luz prodigiosa.

Voci dal silenzio 2004 · Deco Malèna y Érase una vez en el Oeste.

Giorgio Armani presents Musica per il cinema 2012 · Live Tour S.r.l. Vatel, La misión, La leyenda de 1900, Sacco y Vanzetti.

table que su producción (al menos de obras específicamente designadas como tales) es bastante parca, aunque existen algunas piezas que plantean la presencia de un instrumento protagónico. Hay un concierto para flauta y violonchelo, una obra titulada UT para trompeta, cuerdas y percusiones, la serie Bravissimo I, II y III para contrabajo y cuerdas, un concierto para dos trompetas, dos trombones, órgano y orquesta, y algunas otras más. Resulta interesante notar que en el catálogo de música absoluta del compositor hay un número significativo de obras vocales (tanto para voces solistas como para coro) en muy diversas combinaciones. Valdría la pena insertar aquí el dato de que, en calidad de trompetista, Ennio formó parte de la Banda de Granaderos de Cerdeña, y que realizó para este ensamble algunos arreglos de composiciones clásicas. Si la Academia de Hollywood ha decidido premiar a Morricone por el total de su carrera pero no ha distinguido de manera particular a ninguno de sus soundtracks, otras instituciones más sensibles, en ámbitos de mayor relevancia musical, sí han reconocido en diversas ocasiones su gran labor creativa. A lo largo de los años, el italiano ha ganado ocho premios Nastro d’Argento, cinco premios BAFTA, tres Globos de Oro, un Grammy, siete premios David di Donatello, el Prado d’Oro, el Premio de la Fundación SACEM, el Efebo d’Argento, el León de Oro, el Premio Rota, el Premio Colombo y varios reconocimientos más. Entre ellos habría que destacar su grado de Caballero de la Orden de la Legión de Honor que le confirió el presidente francés Nicolas Sarkozy en 2009. Inspiración y trabajo En una entrevista periodística ofrecida en Bari en septiembre de 2008, el compositor italiano declaró lo siguiente ante una pregunta sobre el hecho de que suele subestimarse a la música de cine: “Es subestimada con justicia, porque no es el arte primario en un filme. En una película, la música está

sujeta a los requerimientos del director y al guión. Por otra parte, la música absoluta nace sólo de la exigencia expresiva y de la fantasía de quien la compone, y no es condicionada por ninguna otra cosa. Y aunque la música de cine recibe menor consideración, ello no quiere decir que haya que descartarla. Hay muchos aficionados a ella”.

“En una película, la música está sujeta a los requerimientos del director y al guión. Por otra parte, la música absoluta nace sólo de la exigencia expresiva y de la fantasía de quien la compone, y no es condicionada por ninguna otra cosa”.

En otro contexto, un interlocutor más quiso saber la opinión de Morricone sobre la inspiración. Su respuesta fue clara, tajante y severa, perfectamente acorde con su personalidad: “La inspiración no existe. No se puede hablar de algo que no existe. Sí pue-

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Magnum / Ferdinando Scianna, 2003

Juan Arturo Brennan Nació en la Ciudad de México en 1955. Cineasta egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica. Guionista, productor, realizador y conductor de programas de radio y televisión. Crítico de música y periodista. Profesor y conferencista. Redactor de notas de programa para orquestas y festivales, así como para producciones discográficas.

Ennio Morricone en el Forum Music Village, en Roma.

Gruppo di Improvvisazione di Nuova Consonanza Morricone participó en este colectivo avant-garde de músicos que se dedicaban a los sistemas anti musicales, a las técnicas de ruido y métodos de improvisación en un intento por redefinir la nueva música de conjunto y explorar la “nueva consonancia”. Él se hizo miembro a finales de la década de los 60, mientras aseguraba su puesto como rey del Spaghetti Western gracias a La trilogía del dólar, de Sergio Leone. La agrupación dio el nombre de “composición instantánea” a su técnica, que consistía en que todo se iba directo a grabación, sin partituras de por medio. Además de dar conciertos y de grabar álbumes, el grupo contribuyó a las bandas sonoras compuestas por Ennio para películas como Un lugar tranquilo en el campo (1968) y Los fríos ojos del miedo (1971), y es considerado como el primer conjunto de improvisación libre experimental. Algunos de sus miembros más destacados fueron Franco Evangelisti, Egisto Macchi, Antonello Neri, Giovanni Piazza y Giancarlo Schiaffini. Luego de la muerte de Evangelisti en 1980, el grupo se deshizo lentamente.

do decirle que hay reflexión. En mi caso, pongo atención, me concentro y busco una idea que justifique el comenzar a escribir”. Cualquier revisión, así sea somera y parcial, de la producción de bandas sonoras cinematográficas de Ennio Morricone, implica por una parte un trabajo arduo y prolongado y, por otra, la posibilidad de numerosos y gratos descubrimientos. En efecto, más allá de las melodías fílmicas más famosas del gran compositor italiano, su catálogo en este rubro es rico en partituras que, no por menos conocidas y difundidas, son menos buenas que aquéllas. Dicho de otra manera: la música de cine de Morricone que circula representa sólo un fragmento de una lista enorme, variada y espléndida de composiciones para la pantalla, hechas por uno de los creadores fundamentales de esta singular forma de arte sonoro. Desde hace ya varios años, Ennio dedica buena parte de su tiempo a una labor admirable y muy productiva: recorre el mundo ofreciendo conciertos sinfónicos (a veces con la inclusión de voces y con el complemento de las imágenes) en los que dirige piezas y suites de su música cinematográfi-

ca, espectáculos que ningún buen cinéfilo-melómano debiera perderse. De hecho, son pocos los que se lo pierden: estas presentaciones de Morricone dirigiendo su propia música suelen realizarse en auditorios siempre llenos de sus entusiastas y fieles seguidores. Para concluir, un dato fascinante de trivia que pertenece cabalmente al universo de lo que pudo ser. Ennio suele narrar frecuentemente, con notoria tribulación espiritual, que hace muchos años recibió una llamada de Stanley Kubrick, quien le pidió escribir la música para su película Naranja mecánica (1971). La logística del proyecto requería que el cineasta viajara a Roma para trabajar con el compositor, pero dada la aversión del estadounidense a viajar y volar, el proyecto se truncó. ¿Cómo habría sonado una música de Morricone acompañando las violentas aventuras de Alex DeLarge y sus droogs?

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El perfume de la Guerra

Una mujer multifacética que parece no dar tregua a la vida y que guarda en su soledad los secretos de una trayectoria artística que está por cumplir 20 años. En entrevista, Ely se muestra como una artista compleja que disfruta de su música y de la lucha que ha emprendido por conservarla. Texto: Aníbal Santiago Fotos: Cortesía de la artista

• NO TE la PIERDAS… › #lunario10 Ely Guerra: El origen Viernes 18 de julio 21:00 hrs.

Si husmeas por la ventana de la casa de Ely Guerra podrías quedar agotado de sólo mirar: la mujer que está ante ti pelea contra el tiempo, como si cada minuto fuera una carrera que está a punto de perder. Como no la conoces, primero piensas que ella es una ingeniera (está conectando unos micrófonos para hacer pruebas en una estación digital Pro Tools). Luego la ves sentada largos ratos junto a un whisky con una pluma y un papel, y entonces supones que es escritora. Pero más tarde descubres que sube apurada

al segundo piso y entra a un enigmático laboratorio atestado de botellas y frascos donde, como bruja, mezcla aceite de abedul con otro de hoja de violeta, calienta, enfría y agrega sustancias con gotero hasta obtener una pócima deliciosa. Y cuando estabas seguro que era una creadora de perfumes, la observas llamando por teléfono, dirigiendo juntas, haciendo cuentas, dando órdenes a quienes parecen ser sus clientes: ¿Ely Guerra es una empresaria?

c e n t r a l | E ly g u e r r a

Bien a bien, no sabes qué es esa mujer de nariz respingada como un duende y silueta ágil que pronuncia cada palabra con una lentísima distinción. Alguien te dirá que es Ely Guerra, una famosa cantante, pero tú sólo sabrás que es una mujer vigorosa, entusiasta y anhelante que no dedica un segundo de su vida a sufrir lo que es o no es. Muy bien, ahora que la leas, sorpréndete: “No estoy en forma ni espiritual ni física”, lamenta Ely: “Vivo una edad extraña (42 años) que me confronta y debilita. Y soy autocrítica hasta un nivel devastador: no he

“Jaime Sabines fue mi primer ‘instinto’ literario […] por él entendí la vida y la muerte. Desde los ocho años la poesía fue mi refugio y en mi soledad pensaba historias”.

logrado mucho en la música. Mi camino está empezando con buenos cimientos pero me agoto: mi mayor temor es necesitar energía, [y no] ser perseverante ni disciplinada”. Esta regiomontana-tapatía que dice “mi camino está empezando” es desde hace 20 años profesional de la música. Y aunque eso no suena a ningún inicio de nada, no cuesta tanto comprender que sí, está floreciendo como una adolescente gracias a una tragedia: la disquera EMI Music y la editorial Beachwood poseen los derechos de sus canciones. Ella no tiene cami-

nos legales para obtener un solo beneficio de Pa’ morirse de amor (1997), Lotofire (1999) y Sweet & Sour, Hot y Spicy (2004), tres de sus discos más populares. AS: ¿Cómo has vivido ese conflicto? EG: En letras chiquitas el contrato ocultaba el poder de la disquera y la editorial para quedarse con mi trabajo de por vida. Esa jugarreta fue devastadora. Mi ingenuidad y juventud me traicionaron, y mis mánager no distinguieron que me perjudicaría. Qui-

siera que mi música estuviera disponible cuando alguien la desee: en cine, comerciales. Pero el coraje ya pasó. El dolor lo superó con una voluntad salvaje, paciencia y organización. De las cenizas, Ely alzó Homey Company, una compañía propia en la que sus creaciones son sólo suyas. Ahí, se pone el traje de mánager, secretaria, contadora e ingeniera de audio. Pero ahora nacen nuevos conflictos. Su multifuncionalidad obliga a un mundo de gente a buscarla para salvar obstáculos y, enton-

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Acompañante en El origen Nicolás Santella Este argentino de nacimiento tiene ya un tiempo labrándose una carrera en el mundo del jazz mexicano. Ampliamente reconocido por su destreza al piano, Santella es un autodidacta que a muy temprana edad decidió dedicarse a comprender los misterios que se escondían tras las cuerdas de una guitarra; más tarde estudiaría con Juan Raffo, George Valente, Jorge Armani, Manfred Schwarkoff y Bill Carrothers. Además de colaborar con Ely Guerra desde hace algunos años, lidera el Nicolas Santella Trío en el que toca junto a Israel Cupich en el contrabajo y Hernan Hecht en la batería.

ces, a la ganadora del Grammy Latino 2010 se le acortan las horas para hacer música. “Buscaba escribir en mi estudio, en mi casa, saliendo a Valle de Bravo o Avándaro, pero siempre mi equipo me buscaba: ‘Oye, Guerra, necesitamos esto’. Así era imposible crear. Salí al extranjero para que les costara trabajo contar conmigo”. Tomó una decisión extrema: le echó una mirada al globo terráqueo y tras meditar apuntó su índice a una sureña ciudad estadounidense frente al Golfo de México. Nueva Orleans; claro, era la próspera tierra de Louis Armstrong y Fats Domino, pero guardaba otras bondades extasiantes: el jambalaya, el crawfish étouffée y demás delicias gastronómicas en las que Ely, erudita comedora y cocinera, quiso extraviarse: “Elegí una ciudad maravillosa, Nueva Orleans, mi favorita, y también lo hice por su comida: puedo ser una sibarita. Aquí comeré y beberé para estar conmigo misma. Me interesa mucho la química de los alimentos al congelar o descongelar (¡Ay Aníbal, pobre, estoy entretenida y espero tu también!). Cocinar es otro deleite: hay gente que sólo disfruta hacerlo para los demás. Yo amo llenar barrigas, pero en soledad también pongo una mesa, tomo buen vino y como un buen platillo. He vivido sola Años Nuevos y Navidades y celebro como si tuviera compañía”. En esa ciudad del río Misisipi ya rentó una casa que durante junio se volverá un santuario musical de dos personas: ella y el pianista Nicolás Santella, con quien toca desde hace 17 años. Ahí, sin las distracciones del teléfono y las citas laborales grabará su nueva producción, El origen, sólo con piano y voz. Para reducir al límite la presencia humana en su área de trabajo, la artista aprendió a usar la estación Pro Tools, se documentó sobre los secretos de los micrófonos Shure y se familiarizó con las clásicas cajas Pelican. En su estudio móvil no requerirá técnicos ni productores. Un pianista y una vocalista con destreza técnica se autograbarán este mes con la misión de tener todo listo el 18 de julio, día del estreno. “Será un disco femenino, poderoso, sincero y transparente. Ya deseo escribir las frases de las canciones que descubrirán

mi estado de ánimo —me excita que la música resuelva los grandes enigmas de mi existencia— y tendré la soledad que tanto ansío para componer”. En Ely Guerra estar sola no es una anécdota. “Desde pequeña fui hacia la soledad, exigía que respetaran mi espacio y era dramática. Y aunque soy ermitaña y antisocial,

“[El origen] Será un disco femenino, poderoso, sincero y transparente. Ya deseo escribir las frases de las canciones […] y tendré la soledad que tanto ansío para componer”. fui una niña líder: era la presidenta de la sociedad de alumnos de mi escuela y hacía denuncias sociales. Eso me daba un attach con los demás”. AS: Pensabas ser escritora. ¿Qué autor te marcó en la niñez? EG: Jaime Sabines fue mi primer “instinto” literario. Pese a usar palabras simples, por él entendí la vida y la muerte. Aunque a veces no entendía los significados, me atraía la cadencia de la poesía y los juegos de palabras me hacían sentir bien. Desde los ocho años la poesía fue mi refugio y en mi soledad pensaba historias. AS: Y tu soledad sigue... EG: He sido un personaje atribulado: nunca

c e n t r a l | E ly g u e r r a

aníbal santiago Nació en La Plata, Argentina, en 1974. En 2007 fue acreedor del Premio Nacional de Periodismo, en el rubro de crónica. Comenzó a escribir para el periódico Reforma y ahora lo hace para Esquire, Gatopardo, Chilango y Quién. Ha sido conductor en MVS, así como profesor de la carrera de Periodismo en la Universidad Iberoamericana.

DISCOGRAFÍA Una producción sucinta, pero que rebosa calidad musical conforma la trayectoria de Ely Guerra. Aquí la compilamos y señalamos las canciones que más nos gustan.

ELY GUERRA 1995 · BMG “Júrame”, “Las gafas de Lennon” y “La frontera del ayer”

PA’ MORIRSE DE AMOR 1997 · EMI Music “Peligro”, “Ángel de fuego” y “¿Por qué tendría que llorar por ti?”

LOTOFIRE 1999 · EMI Music “Vete”, “Abusar”, “El tiempo” y “Prometo ser”

SWEET & SOUR, HOT Y SPICY 2004 · EMI Music “Ojos claros, labios rosas”, “Más bonita”, “Mi playa” y “Tu boca”

HOMBRE INVISIBLE 2009 · Homey Company “Stranger”, “Mi condición” y “La habitación”

quise casarme ni formar una familia o ser mamá. Pero desde niña ya sentía el fervor del amor con compromiso. AS: Tan atractiva, y en el amor, sola... EG: Te agradezco la chuleadera, pero esas preguntas, sobre mi cuerpo o el amor, son agradables si te echaste un par de whiskys, más relajado. No sé por qué estoy sola. Nunca busqué en el hombre belleza o atributos [físicos]: me han seducido hombres absolutamente fuera de los estándares de belleza, y misteriosos más que prácticos. Quizá estoy sola porque no busco una relación superficial, sino profunda, madura y comprometida. A lo mejor algunos me ven

guapa y me quieren ligar para echarse un polvo: pero mis deseos son más fuertes y a un hombre puede no interesarle eso. Mis relaciones han sido hermosas, largas y ¡pocas! [se ríe]. De pronto, Ely Guerra suelta una frase poderosa como un relámpago: “en el amor, me gusta que el hombre sea hombre”. AS: ¿Me lo explicas? EG: Estoy hecha a la antigua: me gusta ser fuerte e independiente, pero cuando tengo pareja adoro ser la mujer. Y eso no significa que busque el machismo, o que yo actúe como una blanca paloma, o que ya no quiera trabajar. Me gusta el hombre con una

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Fuego de vida Ely Guerra es la hija del director técnico de fútbol Alberto Guerra y la modelo Gloria Vázquez. Nació en Monterrey, Nuevo León, el 13 de febrero de 1972. A finales de los años 80 formó parte de un grupo musical llamado Carmín, del que aún puede encontrarse en la red el que fue su mayor éxito, “Un grito en la oscuridad” [youtu.be/ T5Y3orQsGOE]. En 2010, ganó un Grammy por Mejor Álbum de Música Alternativa por Hombre Invisible, disco en el que colaboraron Álvaro Henríquez (Los Tres), Enrique Bunbury, Gilberto Cerezo (Kinky), Gustavo Santaolalla, Juanes, Pablo Gigliotti, Emmanuel “Meme” del Real (Café Tacvba) y Horacio Franco.

visión mundana: que sea proveedor y protector, pero que no se sitúe en el ligue, sino en la espontaneidad. ¿O será que lo que digo es estúpido? ¡No sé!, para hablar de esto necesito unos whiskys entre amigos: en una entrevista hablar de algo así suena superficial o pendejo. No lo es ni suena, pero es cierto que Ely vive días ásperos. Aunque su indefinible música catapultada por la multicolor fuerza de su

“Nunca me he creído la historia de ‘Yo he logrado algo muy especial’. Estoy en deuda conmigo misma: me hace falta estudiar más, tener más disci plina y producir más discos”.

voz se ha instalado por años en los oídos de miles, ella prefiere castigarse: “Nunca me he creído la historia de ‘Yo he logrado algo muy especial’. Estoy en deuda conmigo misma: me hace falta estudiar más, tener más disciplina y producir más discos”. Su empresa, Homey Company, estrecha los tiempos de la angustia. Se levanta, hace ejercicio a las siete de la mañana, a las ocho checa correos y a las 10 entra a su oficina a trabajar junto a su asistente. En un mismo día laboral busca dónde tocar, firma contratos, hace riders (solicitudes) técnicas para sus conciertos: “Porque no es lo mismo un show eléctrico con Ciclos —mi banda—, que

uno acústico a dos guitarras, o grabar El origen con piano y voz. Todo implica un profundo trabajo técnico, inexistente cuando tenía una agencia de booking: antes los contratos eran insignificantes, y viajábamos en condiciones nada satisfactorias. Y al no haber riders, en el escenario carecía de equipo para estar cómoda. Cambiar eso implicó cambiar la mentalidad de mi equipo y de quienes me contratan. Y que Homey funcione no sólo es ganar dinero, sino administrarlo y decir: este dinero va para un DVD o un nuevo disco”. AS: ¿Te gustan los numeritos? EG: Los numeritos [se carcajea]... me hace mucha gracia. Trabajo por un sueño y una filosofía lejanos a los de las disqueras, pero es matemática y la hago. Pero lo que me da más fe es que el nuevo disco me oxigene y me haga sentir mejor: no estoy en forma ni espiritual ni física. En esta crisis lo que me hace sentir bien es escribir, hacer ejercicio, cuidar mi estética y mi alimentación. Y le faltó agregar algo: consentir al olfato. En el segundo piso de su casa, junto a su dormitorio, Guerra entra al “laboratorio” de perfumes: “Tengo muchos ingredientes para crear, máquinas para empacar productos, aromas, aceites esenciales y para cremas, una imprenta para etiquetas. Es una rutina hermosa: los primeros pasos los doy en La Brujería y luego uso empaques lindos para que sea un producto artesanal”. “Ansío la soledad”, repite tres veces en la entrevista como un mantra. Sin embargo, el primer perfume que concibió, Unmei (“destino” en japonés), no se lo dedicó a la soledad, sino al amor: “Se lo hice a Gilberto (Cerezo, vocalista de Kinky), mi novio en aquel tiempo: fue un aroma muy fresco y de maderas, que personifica el cuidado mutuo de la pareja”. Sí, ahora que has dejado de husmear por su ventana sabes que Ely es empresaria, ingeniera, escritora, pero más que cualquier cosa es una inventora de canciones y perfumes. No hay gran diferencia: “Un perfume trae un recuerdo, como una canción. Y eso”, explica antes de irse, “es lo más bello”.

OPINIÓN

Fernando Aceves / Archivo Auditorio Nacional

Fossile 3 & FAS Trío: La improvisación como diálogo. Concierta Independencia, Lunario del Auditorio Nacional, 26 de febrero, 2014

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David Cortés

¿Cómo se siente el jazz en México?

Periodista, escritor y doctor en educación. Ha escrito en los principales diarios (La Jornada Semanal, La Crónica de Hoy, Unomásuno) y revistas del país (Conecte, Switch, Día Siete, entre otras). Autor de El otro rock mexicano, La vida en La Barranca y coordinador del libro 100 discos esenciales del rock mexicano. Colabora en Bitácora del Auditorio Nacional, Milenio Diario y Nexos.com.

La historia de este género musical en México es azarosa. Un recuento de él ha sido hecho por uno de sus cronistas, Alain Derbez, en el libro El jazz en México. Datos para esta historia (Fondo de Cultura Económica, 2012) que traza el arribo del género a nuestro país y el desarrollo del mismo a partir de una ardua investigación y testimonios de sus exponentes. Es una vida azarosa porque no obstante el apoyo que la música sincopada tiene en otras latitudes, en nuestro país aún no consigue consolidarse, probablemente porque siempre ha sido considerada entretenimiento y no una expresión cultural —y mucho menos una fuente de trabajo. Cuenta el pianista Francisco Téllez en el libro de marras: “Al principio en esos lugares [la Zona Rosa] había jazzistas y rocanroleros. Luego nada quedó porque el rock, que antes se pintaba de color de rosa y bonito y todos los niños bien lo hacían así, sí era permitido; pero en cuanto cobró un aspecto más fuerte, entonces ya nada. Ya luego se acabó de plano con lo de Avándaro en 1971”. Sí, en un principio el rock frenó el avance del jazz; sin embargo, las cosas hoy son distintas, aunque todavía hay dificultades

Mark Aanderud Compositor y productor de casi cualquier género musical; se considera, en esencia, un improvisador. Estudió jazz e improvisación en Nueva York en la SIM (School for Improvised Music) y realizó algunos cursos con la Berklee College of Music. Ha tocado y grabado más de 15 discos propios y más de 40 con diversos artistas.

David Cortés & Mark Aanderud Dos puntos de vista que se complementan aunque sean antagónicos y toman el pulso de este género en nuestro país.

Hace un par de semanas me preguntaba por qué no existen jam sessions en México. Parecería una cosa de poca importancia, pero al pensarlo detenidamente considero que era un tema que encadena aspectos destacados sobre el estado de esta música en nuestro país. Estas sesiones son un fenómeno interesante que se da desde hace años en casi cualquier ciudad, estadounidense o europea, como parte de la tradición jazzística. Mi reflexión sobre esta ausencia me condujo a la siguiente pregunta: ¿hay una razón cultural o educativa, o simplemente no hay interés por la tradición de esta música? Es decir, por ¡El Jazz! Estas cuestiones son importantes y me pregunto, ¿por qué hay tan pocos proyectos de “jazz tradicional”? Pienso que la mayoría de ellos aquí son fusiones ya sean provenientes del jazz latino, rock, funk o incluso de la fusión como estilo (como el manouche o el árabe, que han aparecido recientemente como una moda). Aún así, vienen a mi memoria sólo unos cuantos grupos dedicados al jazz tradicional y, considerando el tamaño de la Ciudad de México, me parece verdaderamente poco.

OPINIÓN

DC que sortear. Una de ellas es la falta de difusión; otra, la carencia de foros suficientes para practicarlo. Sin ellos, la continuidad que músicos y público ansían se ve obstaculizada. Y, a pesar de esto, me atrevo a afirmar que hay motivos para hablar de un repunte, de un florecimiento. Una de las razones de mi optimismo es el arribo de sangre nueva. Antes, a principios de los 70, la pugna era entre los “viejos” y los jóvenes. Pero ahora conviven diferentes generaciones y se ha establecido un diálogo fructífero, pues se trata de instrumentistas que abrevan de todo tipo de estímulos y extraen de ellos lo mejor. Hay que considerar el impacto que el rock ha tenido sobre él y, en especial, la idea del do it yourself con la que —a diferencia de otros tiempos en los cuales era necesario esperar la llegada de una empresa discográfica trasnacional para plasmar la obra en un álbum— hoy se apela a las compañías independientes para dar salida a la producción. En cuanto a la insuficiencia de espacios para el ejercicio del jazz, lo cierto es que hay algunos que han logrado estabilizarse; incluso los hay para prácticamente todas las vertientes, desde el más accesible, hasta aquél en donde el free y la experimentación tienen cabida. Por ejemplo, el Lunario del Auditorio Nacional que, además de cómodo, es un sitio en donde se puede escuchar sin perder detalle, y en él se han presentado algunos de sus más destacados intérpretes. También veo y escucho los discos aparecidos en los últimos años y no puedo más que sentirme emocionado. El jazz florece y hay razones para ser optimista. FAS Trío, A Love Electric, Chocolate Smoke Gang, Carlos Marks, Iraida Noriega y Alex Otaola, The Wong Gang y las hermanas Beaujean son algunos de los nombres que me hacen pensar en un futuro alentador para este universo de sonidos ahora en expansión.

“Una de las razones de mi optimismo es el arribo de sangre nueva. Antes, a principios de los 70, la pugna era entre los “viejos” y los jóvenes. Pero ahora […] se ha establecido un diálogo”.

“Creo que quien interpreta [jazz tradi cional] en nuestro país tiene una obsesión por el virtuosismo [...] y por la reputación entre los del gremio”.

Creo que quien interpreta este tipo de música en nuestro país tiene una obsesión con el virtuosismo, una verdadera atracción por los escenarios grandes y por la reputación entre los del gremio. Una sesión de improvisación no permite el glamour de los grandes escenarios o la música preparada, sino que implica exponerse, equivocarse, apoyar, reaccionar, mostrar el virtuosismo de la humildad y el conocimiento de la ignorancia. Es intentarlo de nuevo a la semana siguiente, memorizar, intercambiar, relacionarse y muchas más cosas que no se reflejan en la supuesta camaradería y honestidad de nuestro ambiente musical. Es algo donde la “grilla” y el hablar mal a hurtadillas no tienen cabida, porque todos suben a exponerse al desnudo, sin partituras, sin composiciones propias. Es sólo el músico y lo que hay en su cabeza y en su corazón. Para el creador musical mexicano es suficiente con tener un poco de experiencia y talento en un área para incursionar, en un instante, como experto en cualquier otra; basta sólo tener iniciativa. Oportunismo, quizá. Me hace pensar en un movimiento de jazz en el que no se toca jazz. En el que se le da la vuelta a la tradición de cualquier manera posible —inventando fusiones, por ejemplo—, lo que automáticamente elimina, además, cualquier posibilidad de crítica. En México, esta mala costumbre del virtuosismo coloca al contenido musical en segundo término. Dichas condiciones han llevado a accidentes sonoros maravillosos, sí, pero son excepciones dentro de una gran mayoría de músicos y estudiantes de jazz que no tienen ni siquiera el nivel básico para encarar una jam session, y que hacen que algunos de los intérpretes más reconocidos del género no puedan pasearse cómodamente por una forma de blues. Aunque se pueda decir que el jazz mexicano está creciendo positivamente, ¿qué tan alto puede llegar a crecer un árbol cuando sus raíces no son lo suficientemente profundas? En este país, el género ha ido encontrando su propia manera de expresión; pero habría que escucharnos, estudiarnos y seguir inventando caminos continuos a partir de lo que nos dejaron los creadores de esta gran música.

FINALES RESEÑAS

ONLY LOVERS LEFT ALIVE

(Reino Unido – Alemania, 2013). Dirige: Jim Jarmusch · Estelares: Tilda Swinton y Tom Hiddleston

Cortesía de Sony Pictures Classics

CINE Naief Yehya @nyehya

Tilda Swinton y Tom Hiddleston

EL PLANETA DE LOS SIMIOS: CONFRONTACIÓN (Estados Unidos, 2014) Dirige: Matt Reeves Estelares: Andy Serkis y Gary Oldman Con El origen del planeta de los simios de Rupert Wyatt, de 2011, el director logró construir una historia interesante al retomar componentes de la trama original de 1968, unirlos con sensacionales efectos especiales y una narrativa inteligente y emotiva. Supo también sembrar los elementos necesarios para seguir explotando la franquicia. El planeta de los simios: confrontación, dirigida ahora por Matt Reeves, sucede ocho años después, en un momento en que una gripe simia ha devastado a su población. Humanos y monos tratan de redefinir la coexistencia; sin embargo, compartir el mundo no parece una fórmula aceptable para algunos, por lo que estalla una guerra interespecies por su dominio. Reeves hace un atinado uso de una cinematografía a la vez insólita y silenciosa. EL DESTINO DE JÚPITER (Estados Unidos, 2014) Dirigen: Andy y Lana Wachowski Estelares: Mila Kunis y Channing Tatum El regreso de los hermanos Wachowski —Lana y Andy— al cine de autor y a la ciencia ficción es una fantástica y ambiciosa épica cósmica en la que una joven sin futuro, Mila Kunis, resulta ser la heredera del planeta tierra y con ese privilegio recibe la responsabilidad de defender a la humanidad de oscuras fuerzas extraterrestres. Un intento por volver al éxito de The Matrix con otra historia de redención, sacrificio y triunfo. Sin embargo, la trama de Júpiter es caótica, remendada de muchas otras obras espaciales y de las novelas de Robert Heinlein. Pero, si hacemos a un lado la coherencia, se trata de un deleite fílmico. 46 / 47

Resulta muy difícil narrar una historia original sobre vampiros. Pocos personajes han sido tan explotados como los descendientes de Drácula. Sin embargo, Jim Jarmusch ha logrado reinventarlos en su nueva cinta, Only Lovers Left Alive, como una suerte de artistas e intelectuales inmortales y defensores de la cultura que sobreviven cargando con ellos una gran melancolía, pero también el espíritu de las grandes obras de la humanidad. Adam (Tom Hiddleston), que habita un Detroit decadente, es un músico depresivo que colecciona instrumentos y recuerdos de generaciones de intérpretes y compositores prodigiosos. Eva (la formidable Tilda Swinton) mantiene el placer vital, lee con voracidad, vive en Tánger y, a pesar de haberlo visto todo, no pierde el entusiasmo. Ambos sostienen un romance a través del tiempo y la distancia, se comunican vía Facetime y subsisten bebiendo la sangre de los mortales, a los que consideran zombis porque son incapaces de valorar la verdadera belleza, la curiosidad y el refinamiento. Jarmusch intenta aquí enriquecer la mitología del vampiro al rescatarlo de las aventuras sangrientas sobrenaturales, los romances adolescentes y el thriller de horror y superchería. Adán y Eva vuelven a reunirse, pero el tono lánguido, humorístico y (paradójicamente) fatalista del filme apenas cambia; no hay euforia amorosa ya que la pasión parece incompatible con la vida eterna. La película de Jarmusch se regodea demasiado con su propuesta sin contar realmente una anécdota, aunque en cualquier caso la aportación de este cineasta iconoclasta al género es indiscutible.

FINALES RESEÑAS

XSCAPE, MICHAEL JACKSON

Epic Records, 2014

MÚSICA Lucas Vernon @lucasvernon

A LONG WAY TO THE BEGINNING Seun Kuti & Egypt 80 Knitting Factory Records, 2014

Ha pasado un lustro de la muerte de Michael Jackson, y en ese tiempo se han lanzado un álbum póstumo con temas nunca antes publicados; un juego para Kinect y PlayStation Move titulado Michael Jackson: The Experience; no una, sino dos producciones teatrales de Cirque du Soleil tituladas Michael Jackson: The Immortal World Tour y Michael Jackson: One, y cinco documentales sobre su vida y su legado. Y, ahora, un segundo disco póstumo ha salido a la venta. Las canciones de Xscape datan de entre 1983 y 1999, su producción es completamente nueva y corrió a cargo de personajes de la música tan diversos como Timbaland, Stargate y Giorgio Tuinfort, y otros. De entre todos los temas, el mejor es el primer sencillo, “Love Never Felt so Good” que en verdad logra traer a la memoria las épocas doradas de Off the Wall y Thriller. “Lo que espero al hacer este proyecto es que hayamos defendido su honor y que hayamos dejado claro que fue un gran artista”, dijo Timbaland antes del lanzamiento. La pregunta es, ¿cuándo quedó en duda la calidad de Michael Jackson como artista, o en qué momento, en los apenas cinco años de fallecido, se le olvidó a la gente?

Cuando tenía apenas 14 años, Seun Kuti se convirtió en el vocalista y líder de Egypt 80, la banda de su padre, el legendario Fela, creador del afrobeat. A Long Way to the Beginning es el tercer álbum del conjunto liderado por Seun y es la mejor placa que han producido a la fecha. El paso es más acelerado que en sus esfuerzos anteriores y se siente una mayor cohesión y madurez de parte de Seun, quien aunque sigue la filosofía política de su padre — criticando al Fondo Monetario Internacional en “IMF” y abogando por África a lo largo del disco—, todavía no alcanza el nivel lírico y musical de su predecesor. A Long Way… añade toques modernos a la ya probada fórmula de Egypt 80, con la participación de M1 y Blitz the Ambassador en dos de los tracks, de los que sin duda el mejor es la tranquila pero poderosa “Black Woman”. TURN BLUE The Black Keys Nonesuch Records, 2014 Con 13 años de trayectoria, The Black Keys han sido verdaderamente célebres durante los últimos cuatro de ellos; a partir del lanzamiento de Brothers (2010), y posteriormente de El Camino (2011), que los convirtió en estrellas mundiales y los llevó a encabezar festivales alrededor del mundo, como Coachella y el Corona Capital. Turn Blue, su octavo material de estudio, es un disco con una profundidad y diversidad sónica que no habían mostrado y esto se debe en gran medida al coproductor del álbum, Danger Mouse. A lo largo del LP se nota su ambición por salir de su zona de confort para crear temas elaborados, y esto es algo que siempre se agradece: que un conjunto que ya ha logrado el éxito siga teniendo aspiraciones más grandes, y no se case con el sonido que los hizo famosos.

FINALES RESEÑAS

INSTRUCCIONES PARA MUDAR UN PUEBLO

Jorge Alberto Gudiño · Alfaguara, 2014

Dreamstime

LIBROS David Miklos @dmiklos

PADRE Y MEMORIA Federico Campbell, Océano, 2014 La pérdida reciente de Federico Campbell representó un duro golpe a la comunidad literaria mexicana. Para fortuna de sus lectores, Océano se dio a la tarea de editar la versión definitiva de un libro entrañable: Padre y memoria, ensayos en los que Campbell revisa las relaciones de un conjunto variopinto de escritores como Paul Auster, Juan Rulfo y Franz Kafka con sus padres, así como la transformación que de ella hicieron en literatura. Una obra necesaria para los tiempos que corren y que funciona muy bien como aperitivo para continuar con el resto de sus libros. EL RÍO (NOTAS Y POEMAS) Juan Alcántara, Fondo de Cultura Económica, 2013 Poeta discreto y lector sin tregua, Juan Alcántara es el autor de cien fragmentos que fluyen, confluyen y coinciden en este volumen. Escrito en 2000, este poemario ve la luz cerca de tres lustros después. El libro es una recreación del correr de un río en el que lo mismo se encuentran remansos, que rápidos que aceleran el ritmo del corazón de quien lo navega, cosa no fácil de conseguir cuando de escritura se trata. La pluma de Alcántara registra el paso de un hombre por su entorno inmediato y es un repaso entre libros y experiencias que conforman atisbos de una pesada realidad agraciada, a momentos, por un humor poético pocas veces encontrado en nuestra letras. 48

Nacido en la Ciudad de México, Jorge Alberto Gudiño Hernández obtuvo el Premio Literario LIPP La brasserie con su segunda novela, Con amor, tu hija (Alfaguara, 2011), en la que explora, con sumo detalle, el voyeurismo del que hace ejercicio un exitoso escritor sexagenario, así como de la relación con su hija y los linderos del tabú. Tres años después y próximo a otra realidad, Gudiño nos ofrece Instrucciones para mudar un pueblo, su tercer libro, en el que, por medio de la polifonía, relata el cambio de ubicación del pequeño poblado El Goterón, y de todos sus habitantes, por mandato de una empresa minera que busca apoderarse del terreno bajo el que se encuentran vetas de un metal brillante. Cercana al realismo nacional, la narración consigue enlazar varias tramas y construir una especie de thriller emocional, que a ratos nos recuerda a la igualmente lograda y reciente novela La fila india (Océano, 2013) de Antonio Ortuño, uno de los pilares de la nueva generación de escritores mexicanos. Basándose en una historia a todas luces real, Gudiño sabe trasladar el polvoriento devenir cotidiano de un pueblo más bien miserable a una ficción trazada con lucidez y con una habilidad narrativa envidiable. Las múltiples voces de los pobladores de El Goterón son un coro orquestado de manera notable, cada una elegida con buen y singular tino. Entre la venganza y la redención, los personajes creados por el autor permanecerán largo tiempo en la memoria de sus lectores, que es el lugar al que el pueblo, realmente, se habrá mudado.

auditorio.com.mx

Lo mejor de la agenda del Auditorio Nacional se encuentra en estas páginas, junto con breves reseñas de los eventos y un avance del siguiente mes.

Ballet

Ópera

Concierto

Proyección

Danza

Teatro

Infantil

Varios

Julio

Ana Lourdes Herrera/ Ópera de Bellas Artes

Programación sujeta a cambios

La Bohème La Compañía de Ópera de Bellas Artes regresa al Auditorio Nacional para presentar en vivo una de las más destacadas obras del repertorio internacional, La Bohème. Esta pieza en cuatro actos, que narra las aspiraciones, amores y reveses de cuatro jóvenes bohemios que comparten un ático en París, se presenta dentro del marco del 90 aniversario de la muerte de su compositor, Giacomo Puccini (1858-1924). El libreto es de Luigi Illica y Giuseppe Giacosa. Su estreno fue en Turín en 1896 y en México se presentó por primera vez en 1897 en el ya desaparecido Teatro Nacional. Estelarizan el mexicano Ramón Vargas como Rodolfo, y el papel de Mimí lo alternarán la soprano española Ainhoa Arteta y la veracruzana Olivia Gorra. También cuenta con la participación del barítono rumano George Petean y el bajo mexicano Rosendo Flores. Durante el evento se contará con cámaras colocadas en lugares estratégicos que permitirán que se aprecie cada uno de los detalles importantes del montaje en las pantallas laterales; además, habrá subtitulaje electrónico, todo ello para que la experiencia del público sea lo más completa posible.

Ópera de Bellas Artes

Con el Coro y Orquesta del Teatro de Bellas Artes y la Schola Cantorum de México. Viernes 11 de julio 20:00 hrs. Sábado 12 de julio 19:00 hrs. Preferente: $1,000.00 Luneta: $900.00 Balcón: $500.00 Primer piso: $300.00 Segundo piso: $150.00

AGENDA

Programación sujeta a cambios

Junio Archivo Auditorio Nacional

Hugh Laurie with the Copper Bottom Band Martes 10 de junio 20:30 hrs. Preferente: $1,800.00 Luneta: $1,200.00 Balcón: $800.00 Primer piso: $500.00

GranDiosas

Ángeles Azules y Cañaveral

Miércoles 4 de junio 20:30 hrs. Preferente: $900.00 Luneta: $750.00 Balcón: $600.00 Primer piso: $400.00 Segundo piso: $200.00

Yuri & Lupita / Lupita & Yuri: tour Siempre Amigas Jueves 5 de junio 20:30 hrs. Preferente A: $2,200.00 Preferente B: $1,500.00 Luneta A: $1,500.00 Luneta B: $1,200.00 Balcón: $1,200.00 Piso 1: $500.00 Piso 2: $300.00

Alejandro Fernández: Confidencias

Cinco grandes voces de mujeres hispanoamericanas regresan al Auditorio: María Conchita Alonso, Dulce, Rocío Banquells, Ednita Nazario y Karina. Cada una de ellas interpretará los éxitos de su carrera. El espectáculo incluirá duetos, fusiones de canciones, homenajes y hasta duelos de voz. Viernes 13 de junio 20:30 hrs. Preferente VIP: $1,500.00 Incluye lugares en las dos primeras filas y meet & greet Preferente: $1,250.00 Luneta: $900.00 Balcón: $700.00 Piso 1: $450.00 Piso 2: $250.00

Viernes 6, sábado 7 y domingo 8 de junio. 20:00, 20:30 y 19:00 hrs. Preferente: $2,100.00 Luneta: $1,600.00 Balcón: $1,200.00 Primer piso: $500.00 Segundo piso: $300.00

HORARIOS DE TAQUILLA

Lunes a sábado: 10:00-19:00 hrs. Domingo: 11:00-18:00 hrs. Se aceptan todas las tarjetas de crédito bancarias y American Express. Para más información consulte nuestra página de internet: auditorio.com.mx

Cortesía de San Francisco Ballet

Agosto PXNDX

Domingo 3 de agosto 20:00 hrs. Preferente: $850.00 Luneta: $600.00 Balcón: $450.00 Primer piso: $300.00 Segundo piso: $150.00

Gala Despertares

Con la presentación de Isaac Hernández. El primer bailarín del Het Nationale Ballet de Holanda: mexicano considerado uno de los mejores bailarines de ballet del mundo, presentará 18 piezas clásicas y contemporáneas en un espectáculo único. Gala Despertares

Sábado 9 de agosto 20:00 hrs.* *Límite de acceso 19:45 hrs. Preferente: $1,150.00 Luneta: $750.00

Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández: Así te envuelve México

Con la Orquesta Sinfónica del Estado de Veracruz, bajo la batuta del Maestro Antonio Tornero. Domingo 31 de agosto 18:00 hrs. Preferente: $1,250.00 Luneta: $1,000.00 Balcón: $800.00 Primer piso: $450.00 Segundo piso: $250.00

AGENDA

Programación sujeta a cambios

LUNARIO / junio Fernando Aceves / Archivo Auditorio Nacional

Para consultar la cartelera completa visita: lunario.com.mx

#lunario10 presenta: Aída y Carlos Cuevas en Concierto Viernes 20 y sábado 21 de junio 21:00 hrs.

Rey Lear National Theatre de Londres Sam Mendes, director de cine ganador de un Premio de la Academia, regresa al National Theatre para dirigir a Simon Russell Beale en el papel estelar de esta tragedia shakesperiana. El Rey Lear, ya muy viejo, decide dejar a sus tres hijas a cargo de su reino para poder vivir tranquilo sus últimos días. Sin embargo, muy pronto se sentirá amenazado por ellas al quedarse completamente abandonado. Sólo algunos de sus fieles seguidores intentarán devolverle su reino. Lunes 2 y martes 3 de junio

Magos & Limón Jueves 12 de junio 21:00 hrs. Primera fila: $650.00 Preferente A: $550.00 Preferente B: $450.00 Vista parcial: $400.00 Mesas numeradas

Fernando Delgadillo: Tiempo ventanas 2 Sábado 7 de junio

Concierta independencia: Marisa Canales y Jaime Márquez, música de Claude Bolling En los años 70, Claude Bolling, talentoso pianista francés, decidió fusionar elegantes melodías de música clásica con el swing del jazz. Para homenajear su obra, la flautista Marisa Canales y el guitarrista Jaime Márquez encabezan un quinteto conformado por Józef Olechowski (piano), Iván Barrera (contrabajo) y Salvador Merchand (batería). Una cita con el jazz de calidad. Jueves 19 de junio

21:00 hrs.

Preferente A: $600.00 Preferente B: $500.00 Vista parcial: $500.00 Mesas numeradas

Preventa: $180.00 Día del evento: $220.00 Mesas numeradas

20:00 hrs. Preventa: $150.00 Día del evento: $180.00 Mesas numeradas

theatrebath.co.uk / Richard Campbell

Aída Cuevas, considerada como una de las mejores exponentes de la música ranchera, y Carlos Cuevas, “el Rey del bolero”, se presentarán juntos en Lunario para regalar al público un recorrido por sus temas favoritos. Qué mejor forma de celebrar o llorar el amor que escuchando boleros y canciones rancheras de boca de estos hermanos. Como artistas invitados estarán Rodrigo & Diego, integrantes también del clan Cuevas. Primera fila: $1,200.00 Preferente A: $900.00 Preferente B: $800.00 Vista parcial: $700.00 Mesas numeradas

Rey Lear

Camino nómada: Gepe Dentro del ciclo “Camino a la luna” Sábado 28 de junio 21:00 hrs. Admisión general de pie: $350.00

AGENDA

Archivo Auditorio Nacional

Programación sujeta a cambios

Julio México muy flamenco 2014, Gala de apertura: México baila así Viernes 4 de julio 21:00 hrs. Preferente A: $350.00 Preferente B: $300.00 Vista parcial: $250.00 Mesas numeradas Alejandro Filio: Se trata de sentir Viernes 11 de julio

A Small Family Business National Theatre de Londres Lunes 14 de julio

#lunario10 presenta: Ely Guerra: El origen La cantante y compositora mexicana se une a las celebraciones del décimo aniversario del Lunario, donde se ha presentado en siete ocasiones, con un concierto en el que festejará también sus 20 años de carrera. Guerra estará acompañada sólo por piano. Viernes 18 de julio

20:00 hrs.

21:00 hrs.

Preventa: $150.00 Día del evento: $180.00 Mesas numeradas

Fila VIP: $650.00 Preferente general: $450.00 Mesas numeradas

21:00 hrs.

Cortesía National Theatre de Londres

Primera fila: $700.00 Preferente A: $500.00 Preferente B: $400.00 Vista parcial: $400.00 Mesas numeradas

Concierta independencia: Dannah Garay y Matías Carbajal La tendencia retro sigue brindando un renovado brillo al smooth jazz y a un repertorio que ha regresado para reconquistar jóvenes oídos y corazones. Danna Garay es una cantante mexicana que se ha convertido en representante destacada del género. Por su parte, Matías Carbajal es un compositor y músico autodidacta que trabaja en diversos proyectos —como Matoys, Tagle 40 y Mr. Fritz— en los que predomina la fusión de géneros y un plausible rechazo a las etiquetas. Sábado 19 de julio 21:00 hrs.

A Small Family Business

Preventa: $180.00 Día del evento: $220.00 Mesas numeradas

#lunario10 presenta: Vagabundo ¿a dónde te llevará el viento? Es la historia de 3 vagabundos en busca de la felicidad y de cómo una planta diente de león transforma el sentido de sus vidas. Cazzo, Lazzo y Pozzo pasan sus días reparando el viejo faro; creen que sólo así el puerto será un hogar para ellos. Antes de lograrlo, un viaje a la valentía, la fraternidad y la ternura los espera. Domingo 20 de julio Domingo 27 de julio 13:00 hrs. Preventa: $180.00 Día del evento: $220.00 Mesas numeradas * Edad recomendada: a partir de 3 años

auditorio.com.mx

#lunario10 presenta: A Love Electric & John Medeski: Son of a Hero A Love Electric es un creativo y enérgico grupo que integra crudas dosis de rock, jazz, funk, experimentación y a nada le teme. Integrado por Todd Clouser (guitarra y voz), Aarón Cruz (bajo) y Hernan Hecht (batería) —cada uno con enorme experiencia profesional—, el trío estadounidense-mexicano-argentino presentará su álbum Son of a Hero con un invitado sin par: John Medeski, proteico tecladista que durante los 90, en complicidad con Billy Martin y Chris Wood, revitalizó el jazz eléctrico. Un concierto para adeptos de lo diferente. Sábado 23 de agosto

Fernando Aceves / Archivo Auditorio Nacional

Programación sujeta a cambios

AGOSTO #lunario10 presenta: La Única Internacional Sonora Santanera y La Original Sonora Dinamita de Lucho Argaín y Elsa López Viernes 22 de agosto

21:00 hrs.

Primera fila: $700.00 Preferente A: $500.00 Preferente B: $500.00 Vista parcial: $400.00 Mesas numeradas

Primera fila: $1,100.00 Preferente A: $750.00 Preferente B: $650.00 Vista parcial: $650.00 Mesas numeradas

FINALES TELÓN

INFOGRAFÍA Yurex Omazkin

Una obra de arte textil El gran telón de boca del Auditorio Nacional es el textil más grande del mundo de una sola pieza. Fue realizado en el taller Marusho, en Kioto, Japón, con la participación de artesanos japoneses y mexicanos. En él se reproduce el cuadro Sandías de Rufino Tamayo, de 1968. La inauguración de este prodigio fue

el 30 de agosto de 1993 y se hizo a la par que la de la escultura La luna, de Juan Soriano. Por sus dimensiones y cuidados se usa sólo en ocasiones especiales. El costo que tuvo fue de $3'385,360.00, donados por 18 empresas mexicanas. Aquí, más datos que te permitirán ver estas sandías desde otra perspectiva:

Tiene 22 m de ancho por lo que, si lo extendiéramos, cubriría casi por completo una cancha de tenis.

Tejido de dónde cortar Mide 12 m de altura así que podría muy bien envolver el diámetro del Árbol del Tule de Oaxaca (que, para más señas, puede ser rodeado por 30 personas tomadas de la mano, con los brazos extendidos).

Pesa cerca de 2 toneladas, lo que equivale a 2,500 sandías de tamaño promedio.

La superficie del telón es de 264 m2; es decir, sobre él cabrían 2,640 personas de pie.

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FINALES TELÓN

Manos que trabajan Para hacerlo se requirió del trabajo de 30 artesanos tejedores japoneses y dos mexicanos (Anatolio Bermúdez y Aurora Valdez, originarios de Temoaya, Estado de México).

Se emplearon en su manufactura: hilos de seda, tejido de lana, rayón y metales.

Fueron 320 los dedos que participaron en el tejido del telón durante 90 días. Usualmente, una pieza tejida de Temoaya se tarda 40 días de trabajo por cada metro cuadrado. De haberlo realizado una sola persona, se hubiera llevado 10,500 días en su creación (más de 20 años).

Arriba y abajo Se opera con un sistema de 4 motores con capacidad de carga de 1 tonelada cada uno (un equivalente a 1,250 sandías por motor). Por lo mismo, se utiliza sólo en ocasiones especiales. Sube y baja alrededor de 2 veces por año.

FINALES MEMORIA

Deporte en el foro Hace poco más de 45 años se celebraron los Juegos Olímpicos en nuestro país. El Auditorio Nacional fue elegido como el recinto para las pruebas de gimnasia.

Sucedió: del 21 al 26 de octubre de 1968 Lugar: área central del Auditorio Nacional Autor: Anónimo / Auditorio Nacional