Revista de Auditorio Nacional / No. 6 by La Revista del Auditorio

REVISTA del AUDITORIO la

Nº 6 AGOSTO 2014

Ejemplar gratuito

Roberto Carlos “O Rey” A LOVE ELECTRIC

El trío que fusiona géneros musicales como jazz y rock estará este mes en Lunario junto con el tecladista John Medeski para presentar su nuevo álbum, Son of a Hero.

UNA ORQUESTA LONDINENSE

La célebre Philharmonia Orchestra, dirigida por Vladimir Ashkenazy, se presentará en septiembre en el Auditorio Nacional para interpretar piezas de Glinka y Chaikovski.

NATIONAL THEATRE LIVE

Lunario nos brinda la oportunidad de ver transmisiones en vivo y en HD de las obras que presenta esta antigua y prestigiosa compañía de teatro en Londres.

Autor de famosas baladas románticas, este cantante y compositor brasileño regresa por cuarta ocasión al “Coloso de Reforma” para interpretar sus temas más populares y llenos de nostalgia.

CONTENIDO

REVISTA del AUDITORIO la

No 06 · agosto 2014

CENTRALES

El cantautor brasileño Roberto Carlos cuenta con una vasta y exitosa trayectoria artística de más de cincuenta años.

Consejo Nacional para la Cultura y las Artes Rafael Tovar y de Teresa Presidente

Cortesía www.robertocarlos.com

Gobierno del Distrito Federal

Miguel Ángel Mancera Espinosa Jefe de Gobierno

Auditorio Nacional

Gerardo Estrada Rodríguez Coordinador Ejecutivo

Francisco Serrano Carreto

Director de Desarrollo Corporativo

Luis Carlos Romo Salcido Director de Operaciones

Constanza Bolaños González Garza

Directora de Promoción y Difusión

Carlos Reygadas Barquín Director de Administración y Finanzas

SHAKESPEARE DESDE LONDRES

Mark Giancola

Director de Producción Coordinadora de Prensa

Nicolás Martínez

Centro de Documentación del Auditorio Nacional

Johan Persson

Mónica Navarro Ruiz

Gracias al programa National Theatre Live las producciones de esta compañía de teatro londinense pueden verse en nuestro país. p. 38

CONTENIDO

REVISTA del AUDITORIO la

No 06 · agosto 2014

Dirección

Eduardo Sanmiguel Director general eduardo@aeditores.com

Marcela Aguilar y Maya Directora asociada

Editorial

Julieta García Dirección editorial julieta@aeditores.com

Santiago Oria Subdirección editorial santiago@aeditores.com

Natalia González Coordinación editorial

Claudia Benítez Asistente editorial

Susana Paz Corrección de estilo

Arte

Cynthia Márquez Dirección de arte y diseño

Gerardo Terán Cortesía Todd Clouser y A Love Electric

Diseño

Fernanda Carrasco Edición fotográfica

Comercial

Eva Feldman Ejecutiva de cuenta eva@aeditores.com

Gabriela García Ejecutiva de cuenta gabriela@aeditores.com

Ivonne Miranda Ejecutiva de cuenta ivonne@aeditores.com

Diego Rivera Ejecutivo de cuenta diegor@aeditores.com

Pablo Maya Relaciones públicas

Asesores de contenidos Marcello Lara Jesús Quintero

consejo editorial

Gerardo Estrada Bruno Newman Francisco Serrano Eduardo Sanmiguel Julieta García Constanza Bolaños Marcela Aguilar y Maya Mónica Navarro

A / EDITORES

Leibnitz 20, piso 8-801 Col. Anzures, México, D.F. T. +52 (55) 52 81 17 78 y 79 aeditores.tumblr.com

BREVES

Las canciones más famosas del mundo, estrellas pop digitales, música para la reina y pistolas vueltas instrumentos musicales, entre otras cosas. p. 7

CONOCE A...

Un perfil sobre el grupo de jazz, rock y fusión, A Love Electric, integrado por Todd Clouser, Aarón Cruz y Hernán Hecht. p. 16

HISTORIA

Un recuento de exposiciones industriales de otros países que estuvieron en el Auditorio Nacional en sus primeras décadas de vida. p. 12

OPINIÓN

¿Qué formato es mejor para guardar música: uno virtual o uno físico? Evaristo Corona y Armando Vega-Gil nos presentan su punto de vista. p. 44

FOROS

Conoce la famosa casa operística que es símbolo nacional de Australia y un foro norteño del país inspirado en el Coliseo de Roma. p. 14

RESEÑAS

Tres películas de excelentes directores, libros de reciente publicación y nuevos discos que vale la pena escuchar. He aquí algunas sugerencias. p. 48

La Revista del Auditorio es una publicación de A/Editores. Leibnitz 20-801, Col. Anzures, C.P. 11590 México, D.F. Teléfono 5281 1778. Revista mensual. Número 06, agosto 2014. Editor responsable: Eduardo Sanmiguel M. El contenido de los artículos es responsabilidad de los autores. Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción parcial o total incluyendo cualquier medio electrónico o magnético con fines comerciales. La información contenida se ha obtenido de fuentes fidedignas. Número de Reserva del Instituto Nacional de Derechos de Autor No. 04-2014-041111154300-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido No. 16218. Distribuido por Grupo CONAGRA, Popocatépetl 415, Col. Santa Cruz Atoyac, C.P. 03100, México, D.F. Impresa en Grupo Ajusco, S.A. de C.V., José María Agreda y Sánchez 223, Col. Tránsito, C.P. 062820, México, D.F., Teléfono 5132 1100.

De: AuditorioMx en Instagram

#Lunario10 Hace una década Lunario abrió sus puertas; desde entonces ha convocado artistas pertenecientes a muy diversos géneros y con propuestas musicales o escénicas que van desde lo clásico hasta lo último en innovación, así como también a un público leal, atento y curioso que se mantiene al día con lo que sucede más allá del mainstream en el mundo del espectáculo. Plural, como una noche en la Ciudad de México, Lunario ha dado la bienvenida a una gama de espectadores que involucra de la misma manera a quien baila sones cubanos y a los asiduos del rock progresivo, a los fanáticos de Shakespeare y a los puristas de la música de cámara, a

todos aquellos que gustan disfrutar de un espectáculo de excelente calidad en un ambiente donde el trabajo y el talento son apreciados desde la intimidad. Algunos de los artistas y agrupaciones que se han presentado en su escenario se han sumado al festejo por esta primera década de espectáculos, el cual lleva por nombre #Lunario10. Las fotos que pueden encontrarse en nuestra página de Instagram incluyen a Álvaro Henríquez, Javier Bátiz, Buika, Myriam y Russian Red, entre otros. Visítanos, comparte tus recuerdos y únete a la celebración por la primera década de Lunario.

Contáctanos en: auditorio@auditorio.com.mx · lunario@auditorio.com.mx · lunas@auditorio.com.mx

Sigue los pasos del Auditorio Nacional, Lunario y Lunas del Auditorio en: @AuditorioMx @LunarioMx @LunasAuditorio AuditorioMx LunarioMx LunasAuditorio +AuditorioMx +LunarioMx AuditorioMx LunarioMx TVLunas AuditorioMx LunarioMx LunasAuditorio

Afinidades y filarmonías Hay ciertas personas con talento que logran convertirse en portavoces de su generación y aprovechan sus experiencias personales para generar empatía con millones más. Ése es el caso de Roberto Carlos, el cantautor brasileño que antes de convertirse en un icono para toda Latinoamérica aprendió de sus logros y tropiezos mientras perfeccionaba un estilo lírico capaz de conquistar adeptos que hacían suyos temas con los que se identificaban. A tal grado han sido influyentes sus composiciones en nuestro territorio, que una de ellas, “Amigo”, fue elegida para recibir a Juan Pablo II en el país. A partir de ese momento, niñas, niños, padres, tíos, abuelos: todos se sumaron a un coro con el que tenían afinidades: “Tú eres mi hermano del alma, realmente un amigo”. Conocido como el “Elvis Presley” brasileño, Roberto Carlos Braga es uno de los más prolíficos cantautores de los últimos tiempos, a veces lanzando más de un disco por año. Su música apela a la nostalgia, a los sentimientos puros y a las distintas variantes del amor sublime. Su presencia en el Auditorio Nacional nos recuerda, una vez más, la huella que ha dejado este cantante en más de una generación. En otro tipo de música, nuestro recinto se enorgullece de presentar a la Philharmonia Orchestra de Londres, una soberbia agrupación de músicos —encabezados por el director y pianista Vladimir Ashkenazy—, que en esta ocasión nos visita para provocar y deleitar con obras de los compositores rusos Glinka y Chaikovski. También desde Londres llegan las representaciones en pantalla del National Theatre, laureada compañía del arte escénico que desde los años 60 comenzó a ofrecer funciones que incluían a los mejores directores, productores y actores del momento, y que hace cinco años abrió su telón por medio de transmisiones en HD al público de Lunario. Sean ustedes bienvenidos. —Los editores

En portada: Roberto Carlos, 1973.

AUDITORIO recomienda

Presentamos una cartelera de otros eventos culturales que actualmente se llevan a cabo en foros, teatros y museos de la Ciudad de México. La oferta es amplia, por lo que te recomendamos apartar los días en tu agenda para que no te quedes sin verlos.

Ballet

Ópera

Concierto

Proyección

Danza

Teatro

Infantil

Varios

Programación sujeta a cambios

Museo de la Ciudad de México

Cortesía Museo de la Ciudad de México

El exilio español en la Ciudad de México. El legado cultural

Una muestra de fotografías, libros, notas periodísticas, infografías y objetos personales de refugiados españoles con la que se busca rememorar las enriquecedoras contribuciones a la cultura, y a otros ámbitos de nuestro país, que hicieron las miles de personas que llegaron de España hace ya 75 años. Hasta enero de 2015.

Museo del Estanquillo

¡Así somos! Andrés Audiffred y su México. Caricatura costumbrista del siglo xx

Una exhibición de más de 350 piezas de escultura, dibujo, fotografía, pintura y gráfica tanto de Audiffred como de sus contemporáneos Juan O’Gorman, José Clemente Orozco, Hugo Tilghman, Antonio Arias Bernal, Luis Hidalgo, Juan Arthenack, Carlos Mérida, Ernesto García Cabral, Rufino Tamayo y Rafael Freyre, entre otros. Hasta el lunes 3 de noviembre.

Una fotografía de la exposición del Museo de la Ciudad de México.

Eventos internacionales de música clásica, teatro, danza y ópera en el Palacio de Bellas Artes

Mummenschanz

Floriana Frassetto y Bernie Schürch, directores artísticos Suiza Programa: Los músicos del silencio Con: Floriana Frassetto Philipp Egli Raffaella Mattioli Jueves 7 y viernes 8 de agosto 20:00 hrs. Sábado 9 de agosto 12:00 y 18:00 hrs. Precios:$250, $220, $200, $160 y $80

Ballet de Zurich

Coreografía de Christian Spuck Suiza Programa: Woyzeck Miércoles 3 y jueves 4 de septiembre 20:30 hrs.

Precios: $465, $410, $310, $255 y $100

Ópera del Festival de Salzburgo

Martin Haselböck, director Austria Programa: Radamisto Con: Curtis Streetman (Farasmane) Carlos Mena (Radamisto) Monica Groop (Zenobia) Jueves 6 de noviembre 20:00 hrs. Sábado 8 de noviembre 19:00 hrs. Domingo 9 de noviembre 17:00 hrs. Precios: $670, $515, $410, $310 y $205

Camerata Bern

Louis Dupras, director Suiza Programa: MOZART, Sinfonía Salzburgo en Re mayor KV 136 ZIMMERLIN, Tu aliento reposa

sobre el cielo de agosto, para 14 solistas de cuerdas BRITTEN, Variaciones sobre un tema de Frank Bridge BEETHOVEN, Sonata Kreutzer Jueves 13 de noviembre 20:30 hrs. Precios: $465, $410, $310, $225, $100

de Armonía artificiosa – ariosa TELEMANN, Concierto en Do mayor para flauta de pico, cuerdas y bajo continuo Domingo 30 de noviembre 17:00 hrs. Precios: $465, $410, $310, $225, $100

Il Giardino Armonico

Giovanni Antonini, director Italia Programa: FONTANA, Sonata para tres violines y bajo continuo MERULA, Chacona para dos violines y bajo continuo SCHMELZER, Sonata en Re mayor para tres violines y bajo continuo TELEMANN, Sonata en Fa mayor para dos salmoés, violín y bajo continuo VIVALDI, Sonata Follia, Op. I núm. 12, RV63 para dos violines y bajo continuo TELEMANN, Concierto en Re menor para dos salmoés, cuerdas y bajo continuo VON BIBER, Partita VI en Re mayor

▸ MUSEO DE LA CIUDAD DE MÉXICO José María Pino Suárez 30, col. Centro Histórico Martes a domingo de 10:00 a 18:00 hrs. Entrada general: $26 miércoles entrada libre ▸ MUSEO DEL ESTANQUILLO Isabel la Católica 26, col. Centro Histórico Miércoles a lunes de 10:00 a 18:00 hrs. Entrada libre ▸ Palacio de Bellas Artes Av. Juárez s/n, Centro Histórico, Ciudad de México.

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LAS Texto: Naief Yehya

BREVES

¿Qué está pasando en el mundo de la música y el espectáculo? Te presentamos una selección de notas interesantes para que estés informado.

Small World

Cortesía Disney

Un mundo pequeño 50 millones de veces

“It’s a Small World” en Disneyland, California.

Resulta poco creíble descubrir que la canción que ha sido tocada más veces no se escucha (o sólo se oye incidentalmente) en la radio, en salas de conciertos o en auditorios convencionales; nadie está seguro de cuál es su verdadero título y sus autores nunca recibieron un centavo de regalías por su composición. Se trata de “It’s a Small World” o “It’s a Small, Small World” o “It’s a Small World (After All)”, compuesta por

los hermanos Richard y Robert Sherman quienes, al ser empleados de Disney, sólo le cedieron sus derechos a la compañía. De acuerdo con la revista Time, la pieza ha sido tocada alrededor de 50 millones de veces, lo cual es mucho más que su competidora más cercana: “You’ve Lost That Lovin’ Feelin'”, de los Righteous Brothers, que ha sido escuchada en más de ocho millones de ocasiones en radio y TV. El cálculo de Time

señala que la pieza se ha tocado en los cinco parques de Disney por el equivalente de 149 años y 8 meses durante 365 días y diariamente se toca unas 1,200 veces, lo cual suma alrededor de 64 millones de reproducciones que, quitando días festivos y otros en los que los parques no están abiertos la jornada completa, bien podemos redondear a, tan sólo, 50 millones. • http://ti.me/1lvkbya

breves

Hologramas

ESTRELLAS DIGITALES EN EL FIRMAMENTO POP La obsesión con las estrellas pop digitales no tiene nada de nueva en Japón. Desde su aparición, alrededor de 2003, el fenómeno conocido como Vocaloid se ha vuelto popular en todos los rincones del mundo y los conciertos de hologramas en tiempo real son parte de la normalidad de incontables jóvenes y niños en la era de las divas computarizadas y los “cantantes en una caja”. Vocaloid surge a partir de la proliferación y el éxito de una nueva generación de sintetizadores de voces por computadora y la asignación de personajes de animación a diferentes librerías musicales (que parten de vocalizaciones reales manipuladas). De esa manera fue creada Hatsune Miku, una sensual avatar que protagoniza juegos de video, así como mangas, anime y sus propios conciertos. Otras y otros personajes creados por fans han adquirido también el estatus de superestrellas a pesar de su inmaterialidad y a que hoy conviven con celebridades de carne y hueso, lo que pone en evidencia que vivimos en una mediosfera compleja y diversa donde la frontera entre lo real y la simulación parece disolverse. Cortesía Vocaloid

• youtu.be/Ijxe9qghRAU

Regreso

Los rumores comenzaron cuando la novelista y esposa de David Gilmour, Polly Samson, comentó en las redes sociales que, después de 20 años de silencio, Pink Floyd preparaba un nuevo álbum. La euforia que provocó la noticia fue atenuada por la revelación de que parte o todo el material sería el sobrante de las sesiones de The Division Bell de 1994, quizás el trabajo más criticado de Pink Floyd. The Endless River será también el primer disco del grupo después de la muerte del tecladista Richard Wright en 2008, pero incluirá música suya, así como letras escritas por la propia Samson. A pesar de haber sido vistos juntos en algunos escenarios, Roger Waters y David Gilmour siguen distanciados por un viejo pleito que data de los años 70 (para algunos, la bronca más grande en la historia del rock). Aunque existía la vaga posibilidad de una tregua creativa parece que Waters no participará en esta grabación. El álbum será producido por Gilmour y el fabuloso músico y guitarrista Phil Manzanera. Es de imaginar que ésta será la despedida de una de las agrupaciones más grandes que ha dado el rock. • http://rol.st/1kte7FP

Cortesía

EL MISTERIO DEL 15º DISCO DE PINK FLOYD

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el top 5

LAS CANCIONES MÁS POPULARES DE LA HISTORIA Hasta antes de la llegada de internet hubiera sido imposible comprobar de manera concluyente cuáles eran las canciones más populares del mundo ya que, si bien existía un mercado para los discos sencillos, mucha gente compraba elepés. Hoy, buena parte de las ventas de música se realizan de canción en canción, lo cual da una visión mucho más atinada del gusto de los melómanos. La revista Rolling Stone realizó una evaluación de las canciones más populares del mundo con base en la opinión de 170 músicos, ejecutivos de la industria musical y críticos. Los cinco primeros lugares los ocupan estos clásicos: 1 “Like a Rolling Stone” escrita e interpretada por Bob Dylan, grabada en junio de 1965 y lanzada en julio del mismo año. 2 “(I Can’t Get No) Satisfaction” escrita por Mick Jagger y Keith Richards, grabada en

mayo de 1965 por los Rolling Stones y lanzada en junio del mismo año. 3 “Imagine” escrita e interpretada por John Lennon, grabada entre mayo y junio de 1971 y estrenada en octubre del mismo año. 4 “What’s Going On” escrita por Marvin Gaye, Al Cleveland y Renaldo Benson e interpretada por el primero, grabada en junio de 1970 y estrenada en enero de 1971. 5 “Respect” escrita por Otis Redding en julio de 1965 y estrenada en agosto de ese año, se convirtió en un hit en 1967 con la interpretación de Aretha Franklin.

breves

decir adiós

DESPEDIDAS En los últimos meses se han ido grandes personajes de la música. Sirva esta Breve como homenaje. Gerald “Gerry” Goffin El compositor de éxitos pop como “Locomotion” y “Will You Love Me Tomorrow” murió el pasado 20 de junio. Ex esposo de Carole King, Goffin es considerado una de las voces definitorias para su generación según el diario Telegraph, pues puso en palabras lo que muchos sentían o pensaban, pero no eran capaces de expresar. Bobby Womack Su deceso ocurrió el 27 de junio. Womack escribió y grabó en 1964 la canción “It’s All Over Now” que se convertiría en el primer hit de The Rolling Stones en el UK Singles Chart. Una de sus contribuciones vocales más recientes ocurrió en “Stylo” del ábum Plastic Beach de Gorillaz.

disarm

Pedro Reyes, de armas a instrumentos musicales Si bien es cierto que no podemos adjudicar voluntad a la tecnología, resulta evidente que detrás de la forma de una pistola existe el objetivo de hacer daño a distancia; se trata de un diseño cargado de ideología. En México, desde 2012, el artista Pedro Reyes ha optado por dedicarse a redimir el metal de las armas que han sido retiradas del servicio al convertirlas en herramientas útiles. Inicialmente fundió fusiles para transformarlos en palas, después lanzó el proyecto Disarm, que en una primera fase consistió en transfigurar pistolas y rifles en instrumentos de música convencionales y, en su segunda parte, en artefactos mecanizados y de control computarizado. Las ambiciosas

esculturas musicales de Reyes conservan la apariencia hostil así como la atracción de la agresividad de las armas pero producen sonidos armónicos y, al ser programadas y controladas por computadora —con la ayuda del colectivo multidisciplinario Cocolab y de los músicos Edi Kistler y Julián Placencia, entre otros—, se convierten en prodigiosas y versátiles máquinas de sonido que trocan la negatividad en vehículos para canalizar la creatividad. En ocasiones las armas son simplemente usadas como soportes, bases o estructuras, pero en otras son parte integral de la generación de sonidos interesantes. • pedroreyes.net

Tommy Ramone El 11 de julio murió el último integrante original del grupo de punk The Ramones. Thomas Erdelyi —su nombre real— participó en 1970 como ingeniero de audio en el álbum Band of Gypsys de Jimi Hendrix y, en 2007, reconoció en entrevista con la BBC la influencia que artistas como Lou Reed y Andy Warhol tuvieron sobre su grupo.

Lorin Maazel Murió el 13 de julio. Fue un niño prodigio que realizó su primera conducción de orquesta cuando tenía ocho años. Dirigió durante su carrera los más importantes conjuntos. Hizo más de 300 grabaciones de obras clásicas y fue el ganador de 10 premios Grand Prix du Disque.

Cortesía Disarm

Charlie Haden Fallecido el 11 de julio, fue uno de los fundadores del free jazz. Su música está llena de declaraciones políticas en contra de regímenes totalitarios; un ejemplo de ello es el álbum The Ballad of the Fallen (1982) en el que canta a la Guerra Civil Española y en contra de la intervención estadounidense en Latinoamérica.

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Música real

LA NUEVA COMPOSITORA DE LA REINA: JUDITH WEIR

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Los tiempos están cambiando. Desde 1625 en el Reino Unido el puesto de Master of the Queen’s Music (o maestro de la música de la reina), un gran privilegio equiparable con ser el poeta laureado de la nación, ha sido ocupado por hombres. Se trataba de un puesto vitalicio, pero en la actualidad a veces se toma únicamente por períodos de 10 o menos años. La versátil compositora Judith Weir, de 60 años, fue una de las primeras mujeres en estudiar música en King’s College y acaba de ser nombraba para esa prestigiosa comisión. Se trata de una artista de gran talento que evade la fama y que se ha consagrado a desarrollar una inmensa obra que

va desde canciones infantiles hasta óperas y sinfonías. Este puesto no tiene tareas obligatorias asignadas y, en realidad, depende de la imaginación de su ocupante, por lo que es de suponer que ella lo aprovechará para difundir, educar y promover proyectos que le apasionan. Weir es de un eclecticismo impresionante y su inspiración viene de los dominios más inesperados. Si bien muchos dicen que importa poco que sea mujer y lo realmente relevante es su talento, la realidad es que también importa que se derrumbe una barrera más. • http://bit.ly/1kkZUKT

Archivo Auditorio Nacional

historia

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AUDITORIO NACIONAL

Las muestras del progreso Texto: La redacción

A partir de la segunda mitad de la década de los años 50, el Auditorio Nacional abrió sus puertas a eventos en los cuales los espectadores dejaban sus butacas para convertirse en protagonistas. Hablamos de ferias y exposiciones a las que se acudía para admirar una gran variedad de productos imposibles de conseguir en México y para enterarse de lo que estaba ocurriendo en los sectores empresarial y de desarrollo, tanto nacionales como extranjeros. Una de las primeras exhibiciones de este tipo fue la Feria Industrial Japonesa, llevada a cabo en marzo de 1956. Allí se mostraron los avances tecnológicos y el proceso de reconstrucción de Japón después de la Segunda Guerra Mundial, a partir de la organización de su industria. El sentido de enseñanza que los nipones estamparon en esta muestra era claro: la posibilidad de mantener el crecimiento y el desarrollo nacional mediante el trabajo y el esfuerzo común. Durante estas primeras décadas en la historia del Auditorio Nacional, en el mundo sucedía la Guerra Fría y las principales potencias mundiales se esforzaban por lograr conquistas culturales. Fue por ello que a nuestro recinto llegaron importantes exposiciones de cada rincón del planeta. Entre ellas, una de las más destacadas fue la Exposición Soviética de Ciencia Técnica y Cultura, que se presentó de noviembre a diciembre de 1959. Para muchos fue una sorpresa que México, al ser vecino de Estados Unidos, le diera una calurosa bienvenida a la URSS; sin embargo, esta actitud demostraba justamente un sentido de independencia del país en lo que respecta al intercambio cultural. A la inauguración asistieron el

presidente López Mateos y el primer vicepresidente del Consejo de Ministros de la URSS, Anastas Mikoyan. Este último expresó su deseo de que la muestra ayudara a los mexicanos a crearse una impresión “correcta” del ciudadano soviético como “constructor y creador”, al tiempo que una y otra vez se pronunció a favor de la paz. La feria estaba dividida en 12 secciones que contemplaban rubros como: producción y agricultura o ciencia y técnica, entre otros. La entrada costó un peso. Pero aun cuando la asistencia fue bastante buena —más de un millón de personas— a la gente pareció aburrirle la carga ideológica con que los expositores permearon sus discursos acerca de las grandes ventajas del socialismo y, sobre todo, hubo descontento con los precios de los productos (como vodka, relojes y caviar), los cuales estaban fuera del alcance de sus carteras. Es de señalar que en el Auditorio, a partir de 1966, como resultado del impulso que el entonces presidente Gustavo Díaz Ordaz dio a la promoción económica e industrial de México, hubo una constante presentación de exposiciones de este tipo, tales como la Industrial Americana Expo Meta, la Exposición Industrial Británica, la Exposición de Productos de la República Popular China (las tres de 1966) y la Expo Industrial Italiana (1969). La apertura del Auditorio a estas múltiples identidades culturales y empresariales marcó un precedente para las ferias y exposiciones internacionales en todo el país, permitiendo a sus visitantes ampliar su visión del mundo al acercarlos a conocimientos y tecnologías nunca antes vistas.

Un recuento para que quienes asistan a los conciertos y even tos que se presentan en este escenario tengan la posibilidad de redescubrir un relato que pertenece a todos.

06 Las primeras décadas en la historia del Auditorio Nacional están marcadas por exposiciones industriales presentadas por las principales potencias del mundo. En sus contenidos destacaban piezas y artefactos que pretendían conquistar cultural y comercialmente a un público fuera de sus fronteras.

Página anterior Una réplica del Sputnik III en la Exposición Soviética de Ciencia Técnica y Cultura que se llevó a cabo del 22 de noviembre al 15 de diciembre de 1959 en el Auditorio Nacional.

FOROS

FOROS DEL MUNDO

En estas páginas se presenta cada mes una selección de escenarios. Ya sea por sus avances tecnológicos, su larga tradición o por los artistas y espectáculos que a ellos llegan, éstos son los mejores.

Dreamstime

Texto: La redacción

aus

Sobre las cúpulas de la Sydney Opera House se proyectan imágenes que embellecen la bahía.

Sydney Opera House Próximos eventos Don Giovanni: del viernes 25 de julio al sábado 30 de agosto Boy & Bear, Get Up & Dance Tour: domingo 21 y lunes 22 de septiembre Contacto: sydneyoperahouse.com

Por su nombre, suele pensarse que este foro está dedicado únicamente a la expresión operística, pero no es así. El emblemático edificio de la ciudad de Sydney, en Australia, fue construido entre los años de 1957 y 1973 y es una pieza magistral de la arquitectura moderna. Su creador, el danés Jørn Utzon —quien murió en 2008—, supo cómo aprovechar al máximo el terreno para la edificación (la bahía) para construir no sólo un magnífico recinto, sino un símbolo nacional. En 1956 el gobierno australiano llamó a un concurso internacional abierto y nombró a un jurado independiente. Las bases no especificaban parámetros de boceto o límite de costos. El principal requisito fue que el proyecto contemplara dos salas de espectáculos, una para ópera y otra para conciertos sinfónicos. La designación de Utzon despertó un gran interés y la deci-

sión del gobierno al nombrarlo como único arquitecto fue inesperada, audaz y visionaria. El diseño y el levantamiento de la estructura de cubierta tardó ocho años en completarse y la producción de las baldosas de cerámica, especiales para las “conchas” que conforman el techo, se hizo a lo largo de tres años. Los dos grupos mayores de bóvedas que constituyen el techo del teatro son independientes para el Salón de Conciertos y el Teatro de la Ópera; los otros salones tienen como techo las bóvedas más pequeñas. En 2003, Jørn recibió por esta obra el Premio Pritzker, el honor más alto de la arquitectura internacional. Actualmente, la Sydney Opera House es un complejo que cuenta con cinco salas de conciertos, un estudio de grabación y un área en donde se realizan funciones al aire libre. En total, el aforo es de 5,738 personas.

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Coliseo Centenario Próximos eventos Pesado, Tour 2014: viernes 1 de agosto Alejandro Fernández, Tour Confidencias: viernes 5 de septiembre

tendido con butacas de tela y localidades de general. El complejo cuenta con dos restaurantes que pueden albergar cómodamente a 150 comensales cada uno; desde ellos se tiene una perfecta vista del escenario. El proyecto está diseñado, tanto en su interior como en el exterior, para albergar cualquier tipo de evento, ya sea cultural o deportivo, y en su historial incluye conciertos, exposiciones, foros y congresos. Esta diversidad es posible en gran parte gracias a la múltiple funcionalidad de su aforo, el cual tiene capacidad para acoger a 5,894 personas sentadas, 5,652 si se usa el escenario en su forma tradicional y, como cabida máxima utilizando el escenario al centro, 7,220 personas. Este notorio recinto ha presentado en su corta vida a grupos y artistas de la talla de Café Tacvba, Chicago, Vicente Fernández, Miguel Bosé, Gloria Trevi e Intocable, ofertas destacadas en un espacio único en la zona centro-norte de México.

Cortesía

Contacto: coliseocentenario.com

Inspirado en el Coliseo de Roma, este foro abrió sus puertas el 8 de febrero de 2008 en el corazón de la Comarca Lagunera, específicamente en la ciudad de Torreón, Coahuila. A lo largo de estos seis años ha logrado consolidarse como uno de los recintos para espectáculos más importantes y reconocidos del país. Su construcción estuvo a cargo del arquitecto mexicano Gilberto de Ita, quien ha dedicado su carrera a la remodelación y edificación de plazas de toros, experiencia que influyó directamente durante la planeación de este coloso, ya que su diseño circular permite la visión perfecta, a 360 grados, de un escenario ubicado a 33 metros del espectador más lejano. El Coliseo Centenario se levantó en tan sólo diez meses en un terreno de dos hectáreas frente al recinto ferial de Torreón. Tiene 20 metros de altura y 80 de diámetro. Como parte del lujo de sus instalaciones destacan los 60 palcos —con 12 localidades cada uno—, seis filas de barrera; seis más de

mex

El exterior del Coliseo Centenario, uno de los escenarios más importantes de México.

conoce a

A Love Electric la evolución

No es frecuente encontrar en la escena del jazz mexicano un grupo que, paulatinamente, concite la atención de la mayoría. Sin embargo, esa entidad existe; lleva por nombre A Love Electric (ALE) y está integrado por Todd Clouser (guitarra), Aarón Cruz (bajo) y Hernán Hecht (batería). Texto: David Cortés Fotos: Cortesía Todd Clouser y A Love Electric

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• NO TE lo PIERDAS…

Todd Clouser.

› #lunario10 presenta: A Love Electric & John Medeski: Son of a Hero Sábado 23 de agosto 21:00 hrs.

conoce a

David Cortés Periodista, escritor y doctor en educación. Ha escrito en los principales diarios (La Jornada Semanal, La Crónica de Hoy, Unomásuno) y revistas del país (Conecte, Switch, Día Siete). Es autor de El otro rock mexicano, La vida en La Barranca y coordinador del libro 100 discos esenciales del rock mexicano. Colabora en Bitácora del Auditorio Nacional, Milenio Diario y Nexos.com.

La historia no deja de tener sus entreveros. El guitarrista vivía en Los Cabos, Baja California, y se dedicaba a componer en solitario, montaba sus composiciones y las tocaba con diferentes músicos, pero era un proyecto individual. Con el tiempo se vio en la necesidad de registrar su trabajo fonográficamente y entonces se hizo ayudar de otros colegas. Además de Cruz y Hecht, convocó a Mark Aanderud (piano), Bryan Nichols (piano eléctrico Rhodes) y Rick Parker (trombón), para dar forma a un par de volúmenes en los que recogieron versiones a temas de Neil Young, Kurt Cobain, Pearl Jam y Lou Reed, entre otros, los cuales aparecieron bajo los títulos de 20th Century Folk Selections y Entre: Selections in Garage Jazz (ambos con The Royal Potato Family) con un membrete muy apropiado para ese momento: Todd Clouser’s A Love Electric (su primer disco formal, Todd Clouser’s A Love Electric, data de 2010.) En 20th Century… se leía lo siguiente: “Estas canciones fueron seleccionadas, de muchas que se grabaron, por la intensidad de la interpretación y reflejan música que consideré folclórica en su naturaleza; otras muestran periodos de crecimiento y algunas de ellas imagino pasarán a la siguiente generación”. Con estas palabras reafirmaba la idea original: se trataba de una empresa individual. Una grabación demandaba una gira promocional y las presentaciones comenzaron a sucederse. Aanderud decidió emigrar del país, los otros participantes eran invitados y al final la mayoría de los compromisos se encararon como trío. Luego de dos álbumes, girar durante más de un año y efectuar alrededor de 200 conciertos, entre Clouser,

Cruz y Hecht se generó una relación de amistad. Fue así como en un ensayo Todd comenzó a cantar y el bajista le sugirió seguir por allí. Surgió una nueva faceta. “Empecé a usar la voz otra vez, a escribir letras; fue muy natural, nada calculado”, recuerda el guitarrista. Así inició una transformación, dejó de ser el grupo de un solo hombre para trocarse una entidad colectiva. El trabajo continuó y de allí se desprendió una nueva producción. En 2012 apareció The Naked Beat (The Royal Potato Family). Aunque todavía se anuncia como Todd Clouser’s A Love Electric y en la portada únicamente aparece él recargado en una pared de color verde, en las líneas interiores su compositor ya anuncia cambios: “Lo que ha hecho de esta banda una voz, que nos hemos comprometido a explorar y desarrollar, es el impulso que abrazamos, el de dejar a nuestra música ser ella misma y de adherirnos a esto por encima de cualquier deseo de adoración o de manejo mercadotécnico. Lo que ha surgido lo celebramos por su validez simplemente porque lo expresamos”. Las versiones quedaron a un lado —se incluyeron un par de covers de Black Sabbath (“War Pigs”) y Tears For Fears (“Mad World”)—, se recuperó la voz como instrumento y aunque las ocho canciones restantes son de la autoría de Clouser, ALE dejó de ser el sueño de un hombre para materializarse orgánicamente en un colectivo gracias al influjo de los demás. “Aún cuando las rolas son de él, los tres influimos en el sonido, tomamos resoluciones importantes en la música, en la administración; nos movemos como un núcleo y tenemos decisión en todos los rumbos que tomamos”, comenta Cruz.

Un maestro, un amigo

Cortesía John Medeski

Anthony John Medeski nació un 28 de junio de 1965, en Louisville, Kentucky, Estados Unidos. Creció en Florida y comenzó a estudiar piano cuando tenía cinco años, instrumento que lo acompaña hasta hoy. John atribuye su interés por el jazz a haber escuchado los discos de Oscar Peterson, el “marajá de los teclados”, como lo apodó Duke Ellington. En los años 90 formó parte del grupo Medeski Martin & Wood, con el que participó del renacimiento que tuvo el jazz en la ciudad de Nueva York. La banda colaboró con Iggy Pop, Trey Anastasio y John Scofield. Ya sin MMW, Medeski fue tecladista de la gira de la Trey Anastasio Band entre los años 2001 y 2002. También ha trabajado ocasionalmente con Phil Lesh and Friends, Cibo Matto y Billy Martin. Todd Clouser dijo de él en entrevista exclusiva para La Revista del Auditorio: “…desde que tenía entre 14 y 16 años escuché a Medeski Martin & Wood y fui a muchos de sus conciertos. Después, tomé clases con John y así empezamos a ser amigos”.

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Hernán Hecht, Todd Clouser y Aarón Cruz.

“Voy a disfrutar mucho el concierto en Lunario; vamos a transmitir algo de poder y a tocar con John [Medeski]. El público es muy importante: todos estaremos ahí interactuando. Crearemos una comunidad de tres horas”.

conoce a

DISCOGRAFÍA Medeski Martin & Wood se integró como trío en 1991 y desde entonces han grabado más de 20 discos más múltiples colaboraciones con otros grandes músicos, como John Scofield. Dentro de sus producciones, éstas son algunas de las más destacadas.

NOTES FROM THE UNDERGROUND (1992 · Gramavision) Con este disco MMW entró de lleno a la escena neoyorquina del jazz fusión.

IT’S A JUNGLE IN HERE (1993 · Gramavision) Producido por Steven Miller, quien también ha trabajado con Manhattan Transfer, Boby MacFerrin y Suzanne Vega.

COMBUSTICATION (1998 · Blue Note) El primer álbum con la afamada disquera fundada por Alfred Lion y Max Margulis.

TONIC (2000 · Blue Note)

Antes de ALE, tanto el bajista como el baterista se dedicaban más al jazz en su vena acústica —aún lo hacen en otros conjuntos—, por eso cuando Aarón tuvo la oportunidad de estar en una agrupación más inclinada al rock y en la cual pudiera olvidarse del contrabajo, no lo pensó mucho. Fue una oportunidad única, porque si bien esta pequeña congregación nació “queriendo ser jazz, por nuestra naturaleza se fue más hacia el rock, lo cual agradezco porque desde hace tiempo necesitábamos tocar algo así Hernán y yo”. A diferencia del rock, en donde tiende a existir más estabilidad en las alineaciones, ese es un género promiscuo en el que la continuidad de los ensambles es la excepción y la norma la alternancia; sin embargo, para los integrantes del combo encontrar cierta permanencia ha sido idóneo porque les permite

de la consola, siendo el primer álbum en la historia de ALE en ser producido por uno de sus integrantes. Este disco “es un poco más de canciones, con un sonido más refinado, incluso bailable por momentos; es un trabajo diferente al anterior, pero con el sonido que A Love... desarrolla desde hace años y que es una fusión de elementos”, dice el baterista. Este cuarto trabajo se escucha más sólido. En él se aproximan al empuje y energía de sus presentaciones en vivo, una de sus mayores cualidades, porque si se desea saber de qué va ALE es importante atestiguar su desempeño en concierto, pues hasta ahora ninguna de sus creaciones ha logrado retratar cabalmente el explosivo potencial de los tres sobre el escenario. Clouser y Hecht no esconden su satisfacción por Son of a Hero. El guitarrista quedó satisfecho con esta producción

“No sabemos qué tipo de música tocamos. A mí la música que me fascina y que escuchamos mucho en las giras es la música folclórica, la música de la gente”. —Todd Clouser

Una placa en vivo de la actuación de MMW en el club Tonic de Nueva York.

END OF THE WORLD PARTY (JUST IN CASE) (2004 · Blue Note) Este trabajo está marcado por la influencia del legendario productor e integrante de los Dust Brothers, John King (Beastie Boys, Beck y Garbage, entre otros).

LET’S GO EVERYWHERE (2008 · Little Monster) Una buena parte de la intención de este material es introducir, de manera divertida, a los niños en el mundo del jazz.

FREE MAGIC (2012 · Indirecto) Un recorrido por los temas que conformaron la gira de MMW de 2007.

expresarse como son, algo que no ha sido fácil de encontrar en otras de las incursiones sonoras en las que se han inmiscuido. Al observar la evolución del trío surge una pregunta. Lo que hacen, ¿es jazz, rock, fusión? En realidad, ALE es inclasificable y definirlo no es una prioridad. “A mí no me preocupa en lo absoluto si pertenezco al jazz o a qué, lo que me interesa es que el nivel de la música siga siendo profundo y la experiencia verídica y sincera. He tocado y seguiré tocando jazz toda mi vida; hablo desde la manera convencional porque es una música que me permite ser libre, no porque sea mejor que otro género. Y en el rock también se puede ser libre y este grupo tiene esa libertad”, comenta Hecht. Ahora tienen una nueva obra en el disquero. Se trata de Son of a Hero, placa en donde contaron con la colaboración del tecladista John Medeski y con Hecht a cargo

porque pudo comunicarse con sus compañeros y ellos pudieron hacerlo con él. Hecht consiguió capturar la intimidad y la profundidad de su música. Cuenta el productor que “un disco es la foto de un momento y esta es una muy buena instantánea de dónde nos encontramos actualmente. Seguramente el año que viene nos parecerá que hay que hacer otra cosa porque somos muy inquietos”. Un guitarrista estadounidense, un baterista argentino y un bajista mexicano. En otro país, la ecuación daría una asociación multicultural, pero en México el resultado es totalmente autóctono. “Somos una banda mexicana, no podríamos sonar de otra manera. Es raro porque canto en inglés, pero somos muy mexicanos en muchos aspectos. Nuestra intención es tocar más, en nuevos lugares y que la música crezca. No buscamos fama ni dinero, no es el objetivo, hay maneras mucho más fáciles de obtener eso”, concluye Clouser.

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• NO TE LOS PIERDAS… › Roberto Carlos World Tour 2014 Viernes 15 y sábado 16 de agosto, 20:30 hrs. y 20:00 hrs., respectivamente › Philharmonia Orchestra de Londres Martes 9 de septiembre 20:30 hrs.

El rey de la música latina El cantante y compositor brasileño Roberto Carlos vuelve por cuarta ocasión al máximo recinto de nuestro país para interpretar sus canciones más representativas.

Una orquesta londinense y filarmónica El Auditorio Nacional ofrece un concierto de la Philharmonia Orchestra para seguir con la tradición de presentar prestigiosos conjuntos sinfónicos mundialmente reconocidos.

Transmisiones de teatro británico El National Theatre de Londres pone al alcance de otros países sus puestas en escena con proyecciones en vivo. Conoce aquí a esta compañía y sus producciones shakesperianas.

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Roberto Carlos:

amante a la antigua El cantautor brasileño tiene más de medio siglo elaborando sugerentes recetas musicales para llevar a la cama y a la mesa. Su secreto está en los detalles y en la vigencia de sus temas. Texto: Fernando Figueroa

• NO TE lo PIERDAS… › Roberto Carlos World Tour 2014 Viernes 15 de agosto, 20:30 hrs. Sábado 16 de agosto, 20:00 hrs.

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Desde que tuvo uso de razón, Roberto Carlos escuchó decir a su madre: “Tú vas a ser médico”. Y él le creyó por un tiempo. Sin embargo, cuando cumplió nueve años le advirtió: “Mamá, ya no voy a ser doctor, voy a ser cantante”. El cambio de opinión se produjo porque a esa temprana edad cantó en una estación de radio de Cachoeiro de Itapemirim (Espírito Santo, Brasil), donde había nacido el 19 de abril de 1941. La señora replicó: “Cantaste bien, pero… ¿estás seguro?”. El niño dijo “sí” tan convincente que a ella no le quedó más remedio que aceptar ese monosílabo como una profecía ineludible. Ya como adolescente, estudió piano en el conservatorio de su ciudad, donde ahora existe una placa con esta leyenda: “Nessa escola estudou Roberto Carlos” (En esta escuela estudió Roberto Carlos). Según su maestra de piano, era un alumno fuera de lo común, con una voz muy dulce, a quien le gustaba interpretar tangos y canciones country de Bobby Nelson. Poco antes de cumplir 15 años, viajó a Río de Janeiro, donde se empapó de samba y bossa nova. Pero, según confesión propia, su mayor influencia en esa época fue Elvis Presley, cuyos éxitos aprendió a cantar acompañado de guitarra. A los 17 formó el grupo Os Sputniks con su amigo del alma Erasmo Carlos y con Tim Maia. Al llegar a la mayoría de edad recibió su primer sueldo en El Plaza, club nocturno de Río de Janeiro. También grabó su primer EP como solista con Polydor, en el cual se incluyen dos temas, “João e María” y “Fora do Tom”, pero sólo se vendieron 200 copias. Luego de ese fracaso recorrió todas las compañías discográficas y recibió portazos en la cara. Su último intento fue con CBS (hoy Sony-BMG), donde aún permanece.

En 1961 grabó su primer LP, Louco por você, cuyo tema homónimo es una balada de los neoyorquinos Paul Vance y Lee Pockriss, con arreglo del brasileño Carlos Imperial, que suena a Juan García Esquivel (el mexicano ya tenía entonces un lustro dejando boquiabiertos a sus colegas). Splish Splash (1963) fue su siguiente disco de larga duración. El sencillo que da título al álbum había sido un hit de Bobby Darin en Estados Unidos; el arreglo corrió a cargo de Erasmo Carlos. Digamos que Roberto Carlos andaba en la frecuencia de César Costa y Enrique Guzmán, sólo que el brasileño ya se perfilaba como un gran compositor, pues incluía varios temas propios en sus producciones. En 1964, Roberto y Erasmo Carlos escriben “É proibido fumar”, rocanrol que sirve para titular el álbum que también incluye dos covers célebres: “Unchain My Heart” (igual que Alberto Vázquez en México) y “Road Hog” (“O calhambeque”), original de John Loudermilk, que ese mismo año se conoció en Latinoamérica como “La carcachita” o “El cacharrito” dentro del vinilo Roberto Carlos le canta a la juventud. Con su look de beatle sudamericano, en 1965 lanza el disco Jovem Guarda, tal como se denominó el movimiento musical que él encabezó, al igual que el exitoso programa de televisión que conducía, acompañado de Erasmo Carlos y la cantante Wanderléa; con ellos estelarizó la película Roberto Carlos e o Diamante Cor-de-rosa, en 1968. En tan representativo año ganó el Festival de San Remo con “Canzone per te” (Bardotti-Endrigo) y actuó en Em ritmo de aventura, cinta que contiene una secuencia antológica en la que recorre Río de Janeiro a bordo de

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Roberto Carlos en el Auditorio Nacional A partir del remozamiento de “El escenario de México”, el artista brasileño lo ha visitado en tres ocasiones y la cuarta está por suceder. ♦♦ Junio

2008, dos fechas 2010, tres fechas ♦♦ Mayo 2012, tres fechas

Cortesía Roberto Carlos

♦♦ Mayo

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Un rockero por amigo

tribunadonorte.com.br / Paulo Salomão

Erasmo Carlos, amigo y colaborador de Roberto Carlos, tiene una trayectoria muy diferente a la de esta gran estrella de la balada. Nacido en la zona norte de Río de Janeiro, Erasmo Esteves —su verdadero nombre— estuvo en contacto con la música desde pequeño y, en la adolescencia, su fascinación por el rock and roll fue incontenible. A Roberto Carlos lo conoció en un concierto de Bill Haley. Formó parte del movimiento iê-iê-iê (ye-ye), una respuesta brasileña a la beatlemanía de los años 60. Se le conoce con el apodo de “Gigante gentil” y su última grabación, Sexo, fue lanzada en 2010. Erasmo Carlos y Roberto Carlos.

un helicóptero, al tiempo que se escucha “Namorandinha de um amigo meu”, de su autoría. En 1971 trabajó en A 300 quilômetros por hora, en donde interpreta a un piloto de carreras con el cabello largo y rizado. 100 millones de copias En la década de los 70, la fama de Roberto Carlos alcanza otra dimensión; en esa época se zambulle a sus anchas en la balada romántica con sello propio y surgen himnos amorosos de grueso calibre: “Detalles”, “Amada amante”, “La distancia”, “Yo te propongo”, “Yo te recuerdo”, “Qué será de ti”, “Lady Laura”, “Costumbres”. En los 80 continuó con el hábito de grabar un álbum cada año y engarzar más argollas en su cadena de éxitos: “Amante a la antigua”, “Cama y mesa”, “Emociones”, “Amiga”, “Cóncavo y convexo”, entre otras. Esa larga racha triunfadora lo convirtió en el cantante latinoamericano con las ventas más altas de la historia; en 2010, cuando realizaba una gira para celebrar medio siglo de carrera profesional, Sony-BMG le entregó en Nueva York un reconocimiento por haber vendido un total de 100 millones de copias. En esa ocasión se le mencionó como el único cantante que había superado a The Beatles en América Latina. En Brasil se le apoda “O Rey”, pero él no se cree monarca de nadie ni de nada; jamás pensó que su notoriedad llegaría a ser tan grande, y el único millón que le interesa es el de los amigos que lo rodean o con quienes ha entrado en contacto de alguna forma.

En Brasil se le apoda “O Rey”, pero él no se cree monarca de nadie ni de nada.

En junio de 2008 se presentó en la Ciudad de México y entonces comentó: “Aquí, otra vez, después de tantos años. Entonces yo era un chiquillo, ahora soy un muchacho. ¡Qué pretensión la mía! Sólo es una broma. El Auditorio Nacional ahora es totalmente diferente, más grande y más lindo. Tengo muchas ganas de hablar, pero mejor les voy a decir las cosas cantando”. De Kalafe y Yahir Lo que Roberto Carlos transmitió aquella vez en el Auditorio Nacional, y en sus visitas de 2010 y 2012, lo resume perfectamente Denisse de Kalafe en charla telefónica con La Revista del Auditorio: “Él sabe decir con sencillez las cosas que le interesan a todo mundo, y al oírlo hacemos un viaje a nuestras propias vidas”. En 2012, la cantautora nacida en Brasil y mexicana por adopción grabó por vez primera un material con

composiciones ajenas: Detalles (SonyBMG), disco doble con 14 éxitos de Roberto Carlos en dos idiomas. Lo hizo de esa manera “porque el español es muy romántico y el portugués muy sensual, dos cosas que le gustan mucho a la gente”. El mayor elogio que pueden externar los compositores a un colega surge de los labios de De Kalafe: “Las canciones que grabé de él hubiera querido escribirlas yo”. Ella escuchó más de medio millar de temas en voz de Roberto Carlos antes de apartar 45, y la elección final se la dejó a gente muy cercana a su vida y a la producción. Al preguntarle si se considera fan de Roberto Carlos, afirma: “Sí lo soy, pero también de Joan Manuel Serrat, Alberto Cortez y muchos otros”. Le pedimos que nos diga tres canciones favoritas de su paisano y responde: “Cama y mesa”, “Emociones” y “Cóncavo y convexo”. De Kalafe alterna su vida en la Ciudad de México y en la isla Holbox de Quintana Roo. En Detalles incluyó “El progreso”, composición escrita hace cuatro décadas y que “desafortunadamente sigue vigente porque habla de la destrucción del planeta”. En 2005, Yahir grabó No te apartes de mí (Warner Music), también con canciones de Roberto Carlos. En entrevista con Solange García del diario El Universal, el cantante señaló en su momento que él creció oyendo esos temas porque a sus papás les encantaban. Definió así el estilo del brasileño: “Es un romanticismo fino, con palabras directas, sencillas, pero con mucho contenido. Es un

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Detalles de una estrella Carlos ha grabado en portugués, español, inglés e italiano. ♦♦ En 1989 ganó el Grammy al Mejor intérprete de pop latino por la canción “Si el amor se va”. En 2013 obtuvo el Grammy Latino en el rubro Mejor canción brasileña por “Ese tipo soy yo”.

♦♦ En

2009 celebró 50 años de carrera en el estadio Maracaná de Río de Janeiro ante 70 mil admiradores. En 2011 cantó en Jerusalén ante 5 mil personas. ♦♦ Es fan del equipo de futbol Vasco da Gama, que actualmente no pasa por su mejor momento.

♦♦ Una

de sus aficiones favoritas es pasear en velero. ♦♦ Su fan más entusiasta es una joven brasileña de nombre Yanna Alves. Cuando era niña recibió un trasplante de hígado y los gastos corrieron a cargo de su ídolo.

Corbis

♦♦ Roberto

Roberto Carlos en Espaco das Americas, São Paulo, abril 2013.

autor que abarca muchos temas: habla de la mujer de una manera maravillosa, de la amistad, de Dios, del bien del mundo, el cuidado del medio ambiente, de todo”. Gracias a ese material, Yahir obtuvo tres discos de platino, equivalentes a 300 mil unidades vendidas. La visita de Roberto Carlos al Auditorio Nacional coincide con el lanzamiento en México del EP Ese tipo soy yo, que representa su regreso al idioma español luego de una ausencia de 17 años.

Musas y preferencias En Noche de ronda, programa de televisión chileno, Roberto Carlos le dijo en 1997 al periodista Juan Guillermo Vivado que su musa principal es “la vida en general: las personas, los amigos, la mujer”. En una emisión del programa Íntimo de la cadena Telefe de Argentina, en 2009, el conductor Alejandro Wiebe “Marley” le preguntó si acaso existe el gran amor de la vida. El entrevistado afirmó tajante: “Sí existe, en mi caso fue Maria Rita” (fallecida en 1999). A ella le dedicó

“Amor sin límites” y, obviamente, “Maria Rita, mi amor”, entre otros temas. En 2009 el compositor confesó a TV Globo cuáles podrían ser las cinco canciones propias que prefiere: “Detalles”, “Emociones”, “Amigo”, “Cómo es grande mi amor por ti” y “Te amo tanto”. En junio de 2008, el periodista Tommy Calle, del diario Hoy de Los Ángeles, habló con el artista brasileño y éste le confió que sí estaba interesado en escribir su autobiografía para complacer a su público “con

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fernando figueroa: Nació en la Ciudad de México en 1955, pero sus raíces están en Valle de Allende, Chihuahua. Estudió periodismo en la UNAM y es autor del libro El mejor oficio del mundo. 60 entrevistas (2013), que incluye charlas con personajes del mundo del espectáculo, la cultura y el deporte.

DISCOGRAFÍA Desde el inicio de su carrera, Roberto Carlos decidió titular sus discos sólo con su nombre, con raras excepciones. Presentamos una selección mínima de un catálogo que se acerca al centenar.

ROBERTO CARLOS (1971 – CBS) Posee dos temas que le sirvieron para conquistar al público de habla hispana: “Detalles” y “Amada amante”.

ROBERTO CARLOS (1973 – CBS) Incluye “Yo te propongo”, compuesto por Roberto y Erasmo Carlos, y “El día que me quieras”, de Gardel y Lepera.

ROBERTO CARLOS (1977 – CBS) La celebérrima “Amigo” y “Solamente una vez”, de Agustín Lara, conformaron un coctel explosivo a la hora de las ventas.

ROBERTO CARLOS (1979 – CBS) Contiene “Costumbres”, escrita al alimón con Erasmo Carlos, y “Esta tarde vi llover” de Armando Manzanero.

DUETOS (2006 – Sony-BMG) CD y DVD con grandes personajes que acompañan a Roberto Carlos: Tom Jobim (“Ligia”), Milton Nascimento (“Coração de estudante”), Gal Costa (“Sua estupidez”) y Caetano Veloso (“Alegría, alegría”), entre otros.

ESE TIPO SOY YO (2014 – Sony-BMG) EP que incluye “Ese tipo soy yo”, tema de la telenovela brasileña Salve Jorge. Además: “Loco por ella”, “La mujer que amo” y “Tu regreso”. Roberto Carlos en el Auditorio Nacional, mayo 2012.

Archivo Auditorio Nacional

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El amigo Juan Pablo II En 1977 Roberto Carlos escribió “Amigo” para su compañero de andanzas profesionales Erasmo Carlos, a quien considera casi un hermano. La canción tuvo éxito en su momento, pero se magnificó dos años después cuando coros infantiles y juveniles la interpretaron en honor a Juan Pablo II durante su primera visita a México. En 1997 el pontífice visitó Río de Janeiro durante el Segundo Encuentro Mundial de la Juventud. En esa ocasión, ante un millón y medio de personas reunidas en el parque Flamengo, Roberto Carlos cantó “Nossa Senhora” (“Nuestra Señora”, dedicada a la Virgen Aparecida de Brasil), y “Jesús Cristo”, apoyado por el multitudinario coro. Antes de finalizar la ceremonia, el artista y su esposa Maria Rita se acercaron a saludar al Papa y éste les obsequió un par de rosarios. Al ser entrevistado para la televisión brasileña, el compositor declaró que ése era uno de los momentos más importantes de su vida. Ha compuesto otros temas de corte religioso como “La montaña”, “Fe” y “Jesús Salvador”.

verdades” y no con comentarios de terceras personas. Esta declaración surgió a raíz de que, en 2007, la editorial Planeta publicó en Brasil Roberto Carlos en detalles, una biografía no autorizada de Paulo César Araújo. El cantante entabló una querella y un juez de São Paulo dictaminó que el volumen fuera retirado del mercado porque atentaba contra la imagen pública del demandante. Sus millones de amigos y fans estarán ansiosos de leer, de primera mano, las aventuras de quien ha sabido describir los sentimientos de todos los hombres y mujeres del mundo. No estaría mal que el libro se llame Emociones y que tenga como epígrafe un fragmento de la canción que lleva ese título: “Amigos yo gané, / tristezas yo sentí partiendo, / y a veces conseguí mi llanto disfrazar sonriendo. / Conozco el amor, / lo que me puede dar. / A veces sufrí / y no dejo de amar. / Si lloré o si reí / lo importante es que emociones viví”.

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Philharmonia Orchestra De Londres para México

La prestigiosa orquesta llega al Auditorio Nacional para dar un concierto en el que se interpretarán obras de los compositores rusos Mijaíl Ivánovich Glinka y Piotr Ilich Chaikovski. Texto: Juan Arturo Brennan / Fotos: Getty Images

Es probable que ninguna capital musical importante del mundo tenga tantas orquestas de primer nivel como Londres. De hecho, esta magnífica cornucopia londinense suele causar confusiones entre los melómanos que no están cabalmente al corriente de la nomenclatura; sólo para los conocedores es clara la diferencia entre London Philharmonic Orchestra, Philharmonia Orchestra, Royal Philharmonic Orchestra y London Symphony Orchestra. A una de ellas, la Philharmonia Orchestra of London, la conocemos aquí coloquialmente como la Orquesta Filarmonía de Londres. ¿Por qué “filarmonía” y no “filarmónica”? Aunque parezca mentira, ese asunto de dilucidar la semántica orquestal ha causado, y sigue causando,

polémicas interminables, mismas que no tiene sentido repetir aquí. Acaso, paliar una duda que suele abrumar inútilmente a numerosos melómanos: no existe diferencia alguna, salvo en el nombre, entre una sinfónica y una filarmónica. Verano de 2014: el Auditorio Nacional da seguimiento a su política de presentar en el escenario a grandes conjuntos sinfónicos de prestigio internacional y convoca a la Philharmonia Orchestra para interpretar un programa muy ruso y muy popular, con una obra de Mijaíl Ivánovich Glinka (1804-1857) y dos de Piotr Ilich Chaikovski (1840-1893). Considerada con justicia como una agrupación sobresaliente en el medio musical inglés, y con una proyección internacional

• NO TE lo PIERDAS… › Philharmonia Orchestra de Londres Martes 9 de septiembre, 20:30 hrs. Límite de acceso a las 20:15 hrs.

La Philharmonia Orchestra en una presentación al aire libre junto al Támesis en 2006.

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destacada, la Philharmonia fue fundada en 1945 por Walter Legge; dio su primer concierto en el legendario Kingsway Hall, bajo la batuta del no menos legendario sir Thomas Beecham. Después de él, la lista de directores excelentes que se ha hecho cargo de su podio es realmente notable: Wilhelm Furtwängler, Richard Strauss, Arturo Toscanini, Guido Cantelli, Herbert von Karajan, Carlo Maria Giulini, Lorin Maazel, Otto Klemperer, sir Charles Mackerras, Riccardo Muti, Kurt Sanderling, Giuseppe Sinopoli, Christoph von Dohnányi y Esa-Pekka Salonen, el formidable conductor finlandés que en la actualidad es el Director Principal de la Philharmonia. Otro importante músico en la historia de la orquesta es el director y pianista Vladimir Ashkenazy, quien ostenta el título de Director Laureado y será el encargado de blandir la batuta ante la Philharmonia para su presentación en el Auditorio Nacional, que se iniciará con la obertura de la ópera Ruslán y Liudmila de Glinka, en septiembre próximo. Para la creación de ésta, su segunda ópera, el compositor abordó un poema de Alexander Pushkin, sobre el que construyó un libreto en cinco actos con la colaboración de Valerian Shirkov. La ópera se estrenó en el Teatro Imperial de San Petersburgo el 9 de diciembre de 1842. La trama del libreto nos dice que la doncella Liudmila desaparece de una fiesta en la que están presentes tres de sus pretendientes, incluyendo a Ruslán. Pronto se descubre que la joven ha sido raptada por el enano Chernomor, y la tarea de Ruslán será la de rescatar a su enamorada. Para ello, deberá enfrentar a toda clase de fuerzas fantásticas y personajes de cuento de hadas, así como a los otros pretendientes de Liudmila. Como es de esperarse, Ruslán triunfa, derrotando a Chernomor al cortarle la barba. Al componer Ruslán y Liudmila, Glinka no se apartó por completo de las convenciones de la música del occidente de Europa, especialmente las italianas, y supo, al mismo tiempo, imprimir un sabor ruso inconfundible, sazonado con referencias musicales armenias, turcas, árabes y finlandesas. El colorido obtenido es sin duda una de las virtudes principales de la obra, aunque en un principio este exotismo de corte oriental

escandalizó al público y a la nobleza de Rusia. Ello no impidió, sin embargo, que la ópera fuera apreciada como un producto auténticamente nacional y poco a poco fue ganando popularidad, de modo que entre 1842 y 1846 fue representada 56 veces.

Después de su ejecución en Praga, Chaikovski escribió a la señora von Meck: “He llegado a la conclusión de que mi Quinta sinfonía es un fracaso”. Repertorio con historia Además de sus series y temporadas tradicionales de conciertos, cuya sede es el Royal Festival Hall de Londres, la Philharmonia tiene una constante y productiva actividad en otros rubros, en los que ha dejado una huella destacada. Entre ellos sobresale una vasta y admirable discografía que incluye no sólo las grandes obras de repertorio y las composiciones nuevas, sino también un número considerable de soundtracks de cine y televisión, así como la grabación de música para videojuegos de computadora. Entre los proyectos recientes de la orquesta cabe mencionar Viena. Ciudad de sueños: 19001935; Tristán e Isolda de Wagner, con los videos de Bill Viola; Danza infernal: Dentro del mundo de Béla Bartók; y Mundos entretejidos, celebración del centenario del gran compositor polaco Witold Lutoslawski.

El siempre popular Concierto para violín Opus 35 de Chaikovski —otra de las obras que se presentarán en septiembre en el Auditorio— fue estrenado por el violinista Adolph Brodsky en Viena, el 4 de diciembre de 1881, con Hans Richter en la dirección de la Filarmónica de dicha ciudad. Al día siguiente, en el periódico local Neue Freie Presse apareció la crítica del estreno a cargo de la ácida pluma de Eduard Hanslick, el más conocido y más feroz de los críticos de dicha ciudad, en la que prácticamente destrozaba la obra. Es muy probable que esta apreciación, como muchas otras dedicadas por Hanslick y sus colegas, haya estado influida más por prejuicios raciales y regionales que por un auténtico análisis musical. Es evidente que cualquier cosa que sonara a música rusa era despreciable para los civilizados críticos vieneses, no por abominable sino, precisamente, por rusa. Chaikovski compuso este concierto en la primavera de 1878, durante su estancia en Suiza en compañía de Yosif Kotek, un notable violinista ruso que lo ayudó con la parte solista, haciendo indicaciones de técnica, arcadas y otros detalles. La obra, desde que fue terminada, corrió con mala suerte a manos de varios instrumentistas. Para empezar, Kotek se rehusó a estrenar el concierto, por lo que el autor dedicó la obra a Leopold Auer. A su vez, Auer declaró, después de estudiar la partitura, que era poco violinística y que no se podía tocar. Acto seguido, Piotr Ilich se aproximó al violinista francés Émile Sauret, quien también la rechazó. Finalmente, Adolph Brodsky se comprometió a estrenarla, pero lo hizo a regañadientes, haciéndole saber a Chaikovski que él mismo no la apreciaba mucho. El paso del tiempo le dio la razón al compositor. El violinista Brodsky se hizo famoso tocando esta obra y Auer finalmente decidió que sí se podía tocar; de hecho, lo hizo en repetidas ocasiones, con gran éxito entre el público. Parece que sólo Eduard Hanslick se mantuvo firme hasta el final en su poco generosa crítica hacia uno de los conciertos para violín de mayor fama y prestigio en la historia de la música. Para tocar este emblemático y muy apreciado concierto, la Philharmonia Orchestra tendrá como solista a Esther Yoo, violinista

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Algunos de los directores más destacados de la Philharmonia Orchestra Herbert von Karajan (1908-1989) Este austriaco es uno de los directores de orquesta más reconocidos de todos los tiempos. Se le asoció estrechamente con la Philharmonia Orchestra durante los primeros años de ésta, pero nunca tuvo el título oficial de director; no obstante, logró que se convirtiera en una de las mejores del mundo. Otto Klemperer (1885-1973) Además de ser director, este alemán fue compositor y es reconocido como uno de los mejores del siglo XX. Fue nombrado director de la Philharmonia Orchestra en 1959, cuando su carrera estaba decayendo debido a problemas de salud, y fue gracias a dicha asignación que alcanzó el éxito, sobre todo por la realización de célebres grabaciones.

Esther Yoo, violinista que acompañará a la Philharmonia Orchestra en su concierto en el Auditorio Nacional.

estadounidense, nacida en 1994, que cuenta entre sus logros el ser la más joven ganadora del concurso Sibelius, además de haber sido galardonada en la Queen Elisabeth Music Competition, el Concurso Internacional de Violín Henryk Wieniawski y la New York Music Competition. La colaboración de Yoo con la Philharmonia (bajo la batuta de Lorin Maazel, recién fallecido) data del año 2012. Al bello sonido natural producido por el talento precoz, aunque maduro, de Esther se añade el hecho de que toca un violín Stradivarius de 1704 conocido como “Príncipe Obolensky”. Desde que la crítica musical comenzó a ser ejercida en forma sistemática —allá por los tiempos de Ludwig van Beethoven— uno de los compositores más atacados por los críticos ha sido Chaikovski. Esto no deja de ser muy significativo si consideramos que en la actualidad sus composiciones son casi universalmente apreciadas dondequiera que se hace música de concierto. Hoy, su Quinta sinfonía es considerada como una obra maestra, superior incluso a la a veces incomprendida Patética y, sin embargo, en su tiempo la pieza fue

duramente castigada por los críticos. En el verano de 1888, después de casi 10 años de no producir ninguna obra sinfónica importante, el ruso se decidió de nuevo a abordar la empresa de componer una. En una carta dirigida a su benefactora Nadezhda von Meck, afirma que el impulso para crear su Quinta sinfonía nacía, ante todo, de la necesidad de probarse a sí mismo que aún no estaba agotado y acabado como compositor. Como en el caso de muchas otras de sus obras, Chaikovski acometió esta sinfonía lleno de dudas y cuestionamientos. A pesar de ello, trabajó rápidamente en ella y la terminó en el breve lapso de tres meses. Fue estrenada en San Petersburgo, en noviembre de 1888; poco después fue repetida en la misma ciudad y luego fue estrenada en Praga. Desde entonces, los críticos volcaron su ira en contra de la obra. ¿Y quién fue el primer crítico feroz de esta sinfonía que hoy es tan popular? Nada menos que Piotr Ilich Chaikovski. Después de su ejecución en Praga, el compositor escribió a la señora von Meck: “He llegado a la conclusión de que mi Quinta sinfonía es un fracaso. Hay algo

Riccardo Muti (1941) Calificado por la crítica como el Toscanini de la segunda mitad del siglo XX, en 1973 este italiano fue nombrado Conductor Principal de la Philharmonia Orchestra y en 1979 su Director Oficial de música, cargo que dejó en 1982 cuando Eugene Ormandy lo nombró su sucesor como director de la Philadelphia Orchestra. Giuseppe Sinopoli (1946-2001) El estilo de las interpretaciones de este director y compositor italiano era intenso y osado, lo que le valió ser apreciado como uno de los conductores de orquesta más controversiales en Europa. Sinopoli fue el Director Principal de la Philharmonia Orchestra de Londres de 1984 a 1994. Christoph von Dohnányi (1929) Nació en Alemania y es nieto del célebre compositor Ernst von Dohnányi. Su educación musical se vio interrumpida por la Segunda Guerra Mundial. Al terminar ésta, viajó a Estados Unidos para estudiar música con su abuelo y más tarde estudió dirección con Leonard Bernstein. De 1997 a 2008 fue el Director Principal de la Philharmonia Orchestra. Esa-Pekka Salonen (1958) Compositor y director de orquesta finlandés. Posee un estilo innovador que lo ha convertido en uno de los artistas de música clásica más importantes de las últimas décadas. Su carrera como director despegó con su debut en la Philharmonia Orchestra en 1983. Actualmente es su Conductor Principal y Asesor Artístico.

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Un apasionado de la grabación Harry Walter Legge nació en 1906 y murió en 1979. En 1927 comenzó a trabajar como productor discográfico para EMI. Entre 1933 y 1938 se desempeñó como crítico de música para el periódico The Manchester Guardian. Fue también asistente del director de orquesta sir Thomas Beecham en la Royal Opera House de Londres. Después de la Segunda Guerra Mundial se dio a la tarea de impulsar la producción de EMI; instaló un estudio en la Viena aún ocupada por los aliados y dio trabajo a muchos artistas alemanes en apuros, como Herbert von Karajan. De esa época datan también las primeras grabaciones, por iniciativa de Legge, de la impresionante Maria Callas. La fundación de la Philharmonia Orchestra tiene su raíz precisamente en la necesidad que él tuvo por grabar, casi sin parar, la mayor cantidad de buenas interpretaciones de música clásica en el periodo de posguerra. Es gracias a Legge que los grandes personajes de este género desfilaron como solistas o directores de la Philharmonia y es por ello que, hasta nuestros días, ésta mantiene como tradición la producción constante de materiales discográficos. Un dato curioso es que nunca tuvo confianza en las grabaciones hechas en estéreo y se resistió a ellas tanto como pudo. Una mujer observa una instalación de video de la Philharmonia Orchestra en una exposición en Alemania en 2011.

repelente, superfluo, irregular y poco sincero, y el público lo reconoce instintivamente. Fue obvio para mí que las ovaciones que recibí fueron debidas más a mis anteriores obras, y que la sinfonía no agradó realmente al público”. El paso del tiempo probó que, esta vez, Chaikovski se equivocaba. Muchos analistas han comparado esta obra con la Quinta sinfonía de Beethoven, la más famosa de las quintas, por el hecho de que en ambas es perceptible el mismo concepto estético y humano de la victoria por medio de la lucha.

Como en otras obras suyas, Chaikovski pareció dar gran importancia al elemento fatal en ella. En uno de sus comentarios sobre ella dijo que representaba “la total sumisión ante el destino, o lo que es lo mismo, ante los insondables decretos de la Providencia”. Suma de talentos Este es, pues, el perfil muy ruso y muy clásico (y popular también, en el mejor sentido del término) que la londinense Philharmonia Orchestra ofrecerá en su presentación en el escenario del Auditorio Nacional. Por

más que parezca un oxímoron o un lugar común el hablar en la misma frase de “tradición y modernidad”, la Philharmonia cumple cabalmente con esta condición dual. Desde su fundación, ha mantenido una sólida liga con el repertorio clásico y las temporadas regulares; a la vez, ha llegado a su actual madurez con plena conciencia de la utilidad de las nuevas tecnologías para la mejor divulgación de su trabajo. De ahí, por ejemplo, el aprovechamiento de los canales de difusión que ha implementado en medios como YouTube y Vimeo, donde millones de

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Los “grandes éxitos” La Philharmonia es una de las orquestas que más discos tiene en el mundo: cuenta con más de mil grabaciones en sellos como EMI, CBS, Deutsche Grammophone, Naxos y, más recientemente, de producción propia. También ha participado en las bandas sonoras de varias películas como Thor: un mundo oscuro, Elysium y Iron Man 3, por mencionar algunas de las más recientes, y en la creación de música original para obras clásicas como la versión cinematográfica de Oliver Twist, de David Lean, en 1948. Con su director actual, Esa-Pekka Salonen, ha grabado música de Berlioz y Schönberg para comerciales. Bajo la batuta de Vladimir Ashkenazy, la Philharmonia Orchestra se llevó, en 2009, el Grammy por Best Instrumental Soloist Performance with Orchestra (Mejor interpretación instrumental de solista acompañado por orquesta) por la grabación de los Conciertos para piano 2 y 3 de Prokofiev, con la interpretación en piano del prodigioso Evgeny Kissin.

espectadores pueden ver y escuchar lo mejor de su trabajo y ponerse en contacto con sus más prestigiosos solistas y directores. Vladimir Ashkenazy ha realizado una formidable carrera como pianista, y en los últimos 20 años también ha sobresalido como un director de primera línea. Entre las orquestas con las que ha establecido nexos profesionales estrechos y duraderos se encuentran la Filarmónica Checa, la de la NHK de Tokio, la de Cleveland, la Sinfónica de Islandia, la Sinfónica de Sydney, la Sinfónica de San Francisco y la Sinfónica

Alemana de Berlín. Ashkenazy ha realizado una vasta y admirada discografía, como pianista y como director y, consciente de las posibilidades educativas de la música, se ha involucrado de cerca con interesantes proyectos de divulgación a través de la televisión. Como conclusión, queda el invaluable testimonio del gran director venezolano Gustavo Dudamel: “He estado dirigiendo a la Philharmonia desde que tenía 8 o 9 años... ¡a través de sus grabaciones! Fue la primera orquesta que escuché en mi vida”.

juan arturo brennan Nació en la Ciudad de México en 1955. Cineasta egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica. Guionista, productor, realizador y conductor de programas de radio y televisión. Crítico de música y periodista. Profesor y conferencista. Redactor de notas de programa para orquestas y festivales, así como para producciones discográficas.

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c en po r t ar da al | n a t i o n a l t h e a t r e D E L O N D R E S

Del escenario a la pantalla

Shakespeare El teatro es una de las formas artísticas más completas y hay, en el mundo, pocas compañías que estén a la altura del National Theatre de Londres. Lunario ofrece el privilegio de apreciar puestas en escena notables, con detalles únicos y de altísima calidad. Aquí, un breve recuento de lo que se ha presentado y del valor que tiene.

Johan Persson

Texto: Jesús Silva-Herzog Márquez

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en Lunario

Olivia Vinall como DesdĂŠmona y Adrian Lester como Otelo en la puesta en escena de Otelo dirigida por Nicholas Hytner.

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Lunario ha abrigado, desde 2009, las producciones del NT. Es un verdadero deleite para los capitalinos. Memorable, sobre todo, su ciclo shakesperiano a propósito del 450 aniversario del dramaturgo. En 2009 el National Theatre de Londres salió de su foro en el Támesis para proyectarse en cientos de cines británicos. El experimento consistía en la transmisión en vivo de las representaciones del NT. La primera producción de esta prueba fue Fedra, de Jean Racine en la versión del poeta Ted Hughes, con Helen Mirren en el papel protagónico. Los ojos que pudieron ver la obra se multiplicaron prodigiosamente. Fue vista por 50 mil espectadores que celebraron esa nueva forma de comunicar teatro. Desde aquel año a la fecha, los recintos que alojan obras del NT se han multiplicado y regado por el mundo. Más de dos millones de personas ha ido al teatro londinense sin tomar carretera ni enseñar el pasaporte. El fenómeno no deja de ser, en cierto sentido, sorprendente. Podría pensarse que el ecosistema de la pantalla es opuesto al del foro. Dos formas distintas de cautivar a un auditorio. El lienzo del cine separa el tiempo del actor del reloj de quien observa el espectáculo; tolera el cuchicheo, la distracción, las palomitas. El teatro engulle de otra manera: tocando el peligro de la vida, cancelando la idéntica repetición exige el compromiso de una atención concentrada. Rituales en los que algunos vieron una rivalidad a muerte. “El cine matará al teatro”, decretaron muchos. Falsa profecía: teatro y cine coexisten —pero no se tocan. Ahí está la chispa de la iniciativa del National

Theatre: teatro en el cine. La transmisión de las puestas del NT traslada una ceremonia a un templo ajeno. ¿Un partido de futbol en cancha de tenis? Nada de eso: el teatro ocupa a plenitud la pantalla de cine y provoca la experiencia escénica. Al cine imprime la emoción del instante, esa sensación de fugacidad vital. Al teatro agrega cercanía, agilidad de perspectivas, movimientos de foco. Una fusión de intensidades. La traducción del lenguaje escénico en las transmisiones del NT es impecable. Discreta proyección que se resiste a secuestrar al teatro con la opulencia cinematográfica. Ninguna cinta sonora se imposta en los silencios y los tránsitos; ninguna ilustración extraña falsifica la pátina artesanal que siempre tendrá el teatro. El uso de la cámara es notable por discreto y eficaz. El espectador gana ojos con el filtro del cine. Sin mayores alardes técnicos y con unas cuantas cámaras, puede seguirse la acción con un detalle que jamás se podría capturar desde las butacas. El rostro adquiere forma, el sudor es visible; las gesticulaciones pueden apreciarse con una nitidez que no podría ofrecer el ojo limpio. El vigor de la representación se muestra en la atención del auditorio. No hay nadie que hable, nadie come, nadie bebe; el ruido en la sala es mínimo, como si se tratara de evitar la distracción de los actores que están apenas del otro lado del mar. Quien va al teatro acude a un circo peligroso: el funam-

bulista puede despeñarse en cualquier momento al tropezar con el libreto, al desaparecer la cuerda de sus palabras. Lunario ha abrigado, desde 2009, las producciones del NT. Es un verdadero deleite para los capitalinos. Memorable, sobre todo, su ciclo shakesperiano a propósito del 450 aniversario del dramaturgo. Lecturas frescas, esenciales y al mismo tiempo graves, dignas. Depurada modernidad teatral que da aire a los clásicos sin aligerarlos. Es cierto que no hay en esas puestas ningún alarde de novedad, ninguna presunción de ruptura provocadora, pero no están tampoco atrapadas en el hábito conservador, en las comodidades de la tradición escénica. En todas las escenificaciones hay un esfuerzo por traer a Shakespeare a conversar con nuestro siglo. Al hablar de “El Bardo” es difícil dejar de evocar la admiración desmesurada de Harold Bloom, para quien el autor de Hamlet es, ni más ni menos, el inventor del hombre. Shakespeare como el auténtico Dios, el creador de lo humano. No el retratista de nuestras facetas, el pintor de nuestras pasiones: su autor. Y es que, a su juicio, ese revoltijo de personalidades, ese animal que anuda contradicciones, esa bestia de pasión y sentimiento no nace antes de su dramaturgia. De Londres al Lunario Tom Hiddleston, quien en el cine ha dado vida a Loki, el hermano malvado de Thor,

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El National Theatre y su historia Al buscar un espacio nacional para las artes teatrales de Gran Bretaña con un repertorio que reflejara la diversidad cultural del país, se fundó en 1962 la National Theatre Company, cuyo primer director artístico fue Laurence Olivier, puesto que ocupó por una década. La compañía tuvo su primera representación en 1963 con Hamlet, estelarizada por Peter O’Toole. En un principio su hogar fue el Old Vic Theatre, hasta que en 1976, con Peter Hall como su director, se cambió al edificio que se había construido especialmente para ella, el cual consta de tres auditorios: el Olivier Theatre (el más grande de todos), el Lyttelton Theatre y el Cottesloe Theatre. Los sucesores de Peter Hall han sido Richard Eyre (de 1988 a 1997), Trevor Nunn (de 1997 a 2003) y Nicholas Hytner, quien ocupa el cargo desde 2003. Cada año el NT presenta alrededor de 20 nuevas producciones y ofrece más de 1,000 funciones con 150 actores. En 2009 se dio inicio al programa National Theatre Live con el fin de que sus obras pudieran ser vistas en otros lugares del mundo. El proyecto arrancó con Fedra, protagonizada por Helen Mirren. Desde entonces se han transmitido en vivo más de 20 puestas en escena y hoy día han alcanzado una audiencia de más de dos millones de personas en más de 700 sedes en 33 países, incluyendo 250 recintos en el Reino Unido. Entre las producciones más destacadas se cuentan Frankenstein, dirigida por Danny Boyle, con Benedict Cumberbatch y Johny Lee Miller, One Man, Two Guvnors, con James Corden, y The Last of the Haussmans con Julie Walters. Peter O’Toole preparándose para el estreno de Hamlet en el Old Vic Theatre en 1963.

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jesús silva-herzog márquez Nació en la Ciudad de México en 1965. Licenciado en Derecho por la UNAM y Maestro en Ciencias políticas por la Universidad de Columbia. Es miembro de la Academia Mexicana de la Lengua, columnista del Reforma y autor de libros como La idiotez de lo perfecto. Miradas a la política (2006).

Los primeros actores de la compañía Muchos han sido los intérpretes que han causado admiración con sus actuaciones en las obras del National Theatre de Londres. De entre ellos, escogimos a cuatro que han marcado la historia no sólo del teatro sino de la actuación como arte.

Michael Gambon También irlandés, sir Michael Gambon —a quien el público joven tal vez reconozca como el mago Albus Dumbledore de las películas de Harry Potter— fue convocado por Olivier para formar parte del NT, donde empezó haciendo pequeños papeles en las primeras puestas en escena, y fue en 1978 que protagonizó con éxito la producción de Traición, de Harold Pinter. Judi Dench Dame Judi Dench se formó en la Royal Central School of Speech & Drama donde fue compañera de clase de otra gran actriz, Vanessa Redgrave. Dench formó parte de la compañía de Olivier cuando se encontraba en el Old Vic Theatre. La actriz ha sido invitada numerosas veces a trabajar en el escenario del NT; una de sus actuaciones más recordadas es su papel como Cleopatra en Antonio y Cleopatra de Shakespeare. Ian McKellen En el cine, McKellen es conocido como el mago Gandalf de la trilogía de El Señor de los Anillos y como el villano Magneto de X-Men. Este británico comenzó su carrera en el teatro rural de Inglaterra y en 1965 formó parte del NT a invitación de Olivier. Fue entonces que protagonizó la producción de Franco Zeffirelli de Mucho ruido y pocas nueces, de Shakespeare. En 1991 la Reina Isabel II lo nombró Caballero del Imperio Británico por estar al servicio de la cultura del reino.

Richard Hubert Smith

Peter O’Toole Nacido en Irlanda, O’Toole se formó en la Royal Academy of Dramatic Art de Londres entre 1952 y 1954. En 1962 recibió el Oscar al mejor actor por su papel como T.E. Lawrence en Lawrence de Arabia de David Lean, y en 1963 representó a Hamlet en la primera producción del NT bajo la dirección de Laurence Olivier.

Helen McCrory en Medea.

representó a Coriolanus en la puesta en escena del NT que se proyectó en Lunario, bajo la dirección de Josie Rourke. La escenografía es más luz que trastos. Pared de ladrillos, grafiti, escalera y unas sillas. Pero la economía esquelética de la producción es sólo el molde de un “algo” intenso e intrigante. El héroe de guerra que es impulsado por la ambición ajena a cumplir un destino que no le corresponde. El ídolo que ignora sus límites deviene en tirano y pronuncia uno de los parlamentos más fervorosamente antidemocráticos de la literatura universal. Desprecio por la ignorancia, la vacilación, la mezquindad del juicio popular. Las opiniones de la gente son como una enfermedad de la piel, una picazón: sarna. Macbeth fue también una producción fenomenal que el National Theatre realizó para el Festival Internacional de Manchester y que pudo verse en Chapultepec recientemente. Kenneth Branagh, en el papel del rey escocés, confirma que es uno de los grandes intérpretes de Shakespeare. Perfecta dicción que se atreve en ocasiones a pronunciar las palabras más memorables de la obra en absoluto silencio, cuando dice que la vida es un cuento contado por un idiota, lleno de ruido y furia que significa nada. La palabra “nada” no suena —pero gracias a la transmisión cinematográfica vemos que se esculpe en la boca del actor. La vida es nada. Branagh y Rob Ashford, co-

La producción de Otelo es quizá una de las joyas de este ciclo extraordinario. directores de la obra, escogieron una vieja iglesia como escenario de la tragedia. Los espectadores, sentados frente a frente como miembros del Parlamento de Westminster, contemplan la tragedia de la ambición. El poder es palacio hueco, y la culpa, inmensa. Sam Mendes, el director de Belleza americana y Sólo un sueño, dirige un Rey Lear que manda en un imperio totalitario. Familia y poder se destruyen mutuamente. El tirano calvo, representado por Simon Russell Beale, exhibe sus contradicciones: el déspota que amenaza y destruye, el hombre que alumbra destellos de lucidez para descubrir que el mundo del mando es irremediablemente demencial. El rey es la imagen universal, dice Bloom, de un amor

Mark Douet

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Stanley Townsend en El Rey Lear.

paterno que se vuelve destructivo y absurdo por la incapacidad de comprenderse. Ignorancia que destruye al amado y al mundo mismo. La casa del poder suele romperse desde dentro. La producción de Otelo es quizá una de las joyas de este ciclo extraordinario. El antiguo director del NT, Nicholas Hytner, conduce una obra ágil que ganó todos los elogios de la crítica inglesa. Uno de los trabajos más extensos de Shakespeare se desliza velozmente en escena con claridad y soltura. Más de tres horas que pasan en un instante. El tiempo de la puesta es el de hoy y las guerras de Otelo son las nuestras. Tan importante le parece al director el lenguaje de la guerra, que se auxilió de un asesor militar para trasladar la tragedia a los códigos de nuestras milicias. La pregunta de siempre resurge al ver esta producción: ¿para qué la insidia?, ¿para qué tanto mal sin recompensa? Coleridge anotó en su copia de Otelo como apunte para una conferencia sobre Shakespeare: “Maldad sin motivo”. Eso es, en efecto, la maldad: el deseo puro de lastimar al otro. El gozo de imponer miseria: la voluptuosidad del daño. Finalmente, Hamlet, el corazón del canon shakesperiano. Rory Kinnear —Yago en la producción de Otelo del NT— es un Hamlet que saborea sus palabras, que abre sitio a cada sílaba del eterno libreto. Una

claridad y soltura que lo han colocado ya como uno de los intérpretes más celebrados del príncipe de Dinamarca. ¿Hay algún personaje que represente como éste la complejidad de lo humano? ¿Esa duda que nos constituye? Kinnear lo logra con elocuencia y gracia, con todas las células del cuerpo y todas las líneas de su parlamento. Este Hamlet viste camiseta. La producción es moderna pero no irritante, a pesar de que en algún momento sorprende al escucharse en el fondo a la banda The XX. La música electrónica ubica al personaje como un habitante de nuestro tiempo. Un hombre descrito así por Goethe: “Un ser bello, puro, noble y de moral elevada, que no tiene la fuerza nerviosa del héroe, se va a pique bajo el peso de algo que no puede ni cargar ni dejar de cargar. Todos los deberes son sagrados para él, pero el del presente le resulta demasiado pesado”. Las puestas de Shakespeare en Lunario ratifican la convicción del polaco Jan Kott, uno de sus grandes lectores e intérpretes en el siglo XX: su teatro es esponja de contemporaneidad. No es intemporal, no está en el aire de la historia sino dentro de la historia —toda historia. Si el director y los actores logran liberarlo de sus afectaciones anticuadas, absorbe nuestra propia experiencia y la nombra.

Próximas obras del National Theatre Live en Lunario ♦♦

Medea

Autor: Eurípides (nueva versión de Ben Power) Dirige: Carrie Cracknell Estelares: Helen McCrory, Michaela Coel y Danny Sapani 29 y 30 de septiembre ♦♦

Un tranvía llamado Deseo Autor: Tennessee Williams Dirige: Benedict Andrews Estelares: Gillian Anderson, Ben Foster y Vanessa Kirby 5 y 6 de octubre

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Skylight

Autor: David Hare Dirige: Stephen Daldry Estelares: Carey Mulligan, Bill Nighy y Matthew Beard 27 y 28 de octubre ♦♦

John

Autor: Lloyd Newson Dirige: Lloyd Newson Estelares: Taylor Benjamin, Lee Boggess y Gabriel Castillo *Para mayores de 18 años 12 y 13 de enero ♦♦

La isla del tesoro

Autor: Robert Louis Stevenson (adaptada por Bryony Lavery) Elenco y director por ser anunciados 16 y 17 de febrero

OPINIÓN

Gerardo Terán

Evaristo Corona Nació en México en 1979. Ha sido locutor de estaciones de radio como Radioactivo 98.5, Órbita 105.7 y Reactor 105, donde, además de ser fundador, fue programador. También ha colaborado en diversas publicaciones como Frente, Red Bulletin, El Fanzine, R&R, Rolling Stone y Excélsior, entre otras.

¿Alguna vez tuvieron en casa uno de esos estéreos con charola para cinco discos compactos? Cuando iba llegando a nuestro país en los tempranos 90, el CD comenzaba a ganar popularidad por la eficiencia al elegir la canción que se quería escuchar sin adelantar el casete en un proceso tardado. Era más sencillo acomodar una colección de cajitas de plástico que de estorbosos vinilos con empaques de 30 centímetros de alto por otros 30 de ancho. Los formatos han cambiado y cada vez con mayor velocidad. Hace tan sólo 10 años hablábamos de Napster y la revolución del MP3. Había personas obsesionadas llenando discos duros con unos y ceros que representarían una supuesta colección musical. No

Música virtual vs. música física

Evaristo Corona vs. Armando Vega-Gil Internet se ha convertido en el medio más popular para escuchar música; sin embargo, hay quien todavía prefiere hacerlo desde un disco. ¿Cuál de estos formatos es mejor?

Armando Vega-Gil Fundador de Botellita de Jerez, director de cortometrajes, antropólogo y catedrático. Cuenta con tres premios nacionales de literatura y dos de guión cinematográfico. Ha publicado varios libros, escribe la columna “Permanencia involuntaria” para Emeequis y dirige el programa Radio Cinema Paraíso.

Si en nuestro equipo de sonido le trepamos sin miedo ni responsabilidades a los graves y a los agudos, como en uno de esos bares chafas en los que ponen música de los años 60 a 130 decibeles para que nadie pueda charlar, es probable que las ondas sonoras nos revuelvan las tripas y revienten los tímpanos. ¿Hay algo más concreto, más real que eso? Pero a la música —por más que la amemos y nos dispare emociones que van del amor al odio, del asco al arrebato místico, de la ternura cursi a la lascivia más morbosa y mórbida— no la podemos acariciar, no la podemos lamer para saber si está salada o reseca. La podemos atesorar en nuestros recuerdos, escribir en un papel pautado para que no sea sólo un delirio que se lleva

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EC eran más que archivos pero la idea del fetiche seguía presente y para la siguiente generación las cosas han vuelto a cambiar. Por qué querría alguien tener y poseer música cuando con un servicio de suscripción como Deezer, Rdio o Spotify lo podemos escuchar casi todo de manera inmediata, sin salir a la tienda donde el servicio dejó de ser bueno hace tiempo. ¿Quién no ha estado en una fiesta o reunión donde la música sale de una computadora y se selecciona desde la plataforma YouTube? Ahí está todo. Soy una de las personas que ha vivido esas transiciones. Durante mi adolescencia y los primeros años de adultez, destiné cuanto dinero pasaba por mis manos a comprar discos compactos. Hoy tengo más de 7 mil y no sé ni dónde acomodarlos. La última vez que escuché uno de ellos en casa debe haber sido hace no menos de cuatro años. Tengo algunos cientos de vinilos porque el formato me parece más romántico y estéticamente atractivo. Hace unos tres años que no pongo una aguja sobre ellos. La practicidad de poder escuchar música desde “la nube” ha terminado por seducirme. Tanto en mi teléfono como en mi computadora es lo más práctico. Por supuesto, como aficionado a la música entiendo que la fidelidad no está ni cerca de ser ideal, pero eso no tardará en arreglarse y la facilidad con la que puedo crear playlists para semanas enteras le gana a cambiar de CD.

AVG

“La música se ha independizado del formato físico. No tiene que vivir en un estante y no debemos poseerla para acceder a una canción”.

el viento, la podemos archivar en dispositivos digitales; pero sólo cuando hace vibrar las moléculas invisibles que nos envuelven es que existe y podemos compartirla en un disfrute colectivo. Quizá la forma más cercana a lo tangible sea atrapar nuestra música más entrañable en un soporte real, manipulable. Los músicos y compositores que nos la transmiten por vía de una grabación, digital o analógica, nos comparten discursos completos, orgánicos o fragmentados pero unidos en una sola entrega: el disco, mismo que trasciende la sola música y se vuelve un paisaje visual y literario: un sobre, una portada con letreros y avisos, dípticos, trípticos, hojas desplegables, libros que explican y regodean la música con palabras impresas, imágenes, fotografías, garabatos, códigos QR o de realidad aumentada, colores, contundencia material que convierte la sucesión de sonidos y silencios en un todo que al dividirse quizá pierda sentido. La música atrapada en un CD, un LP o un sencillo de 45 revoluciones con caras A y B, se vuelve un objeto silencioso y pesa, huele y refleja los rayos del sol, hace bulto, se atesora en estantes, muebles y carteras, o se deja llenar por el polvo y el cochambre. Se hace estorbosa y se abandona según nuestros momentáneos y volubles estados de ánimo, pero está ahí para observarla de reojo y saber que seguirá con nosotros como

OPINIÓN

AVG

“No podemos cobijarnos con datos digitales ni matrices de unos y ceros, necesitamos fibras, maderas, metal... necesitamos álbumes”.

el genio en la lámpara maravillosa. Los escuchas somos animales que hacen nido, que hacen casa, y el hogar son nuestros objetos: sartenes, colchones, fotos arruinadas de nuestros abuelos y cuadros colgados de las paredes. No podemos cobijarnos con datos digitales ni matrices de unos y ceros, necesitamos fibras, maderas, metal... necesitamos álbumes. Necesitamos música vuelta objeto si no, nos marchitamos en el vacío. La música. Más allá de estar archivada en un artilugio digital, lo que deseamos de ella es que la portada de ese pequeño todo aparezca en la pantalla, que veamos fotos de los músicos, cantantes y compositores, leer sus letras. Para eso está el disco como materia. Los que amamos los fetiches, que aún le rezamos a los tótems, que guardamos y guardamos objetos en nuestras buhardillas revueltas o mansiones minimalistas, no podemos dejar de anhelarlo. Incluso somos capaces de convivir con el ente virtual archivado en un dispositivo computarizado, frío, pero con la seguridad de que el objeto está a la mano. O quién sabe, quizá no somos más que el principio de un robot que ya no quiere oler ni tocar ni observar su música.

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La transición en nuestro país es lenta pero irrefrenable. De acuerdo a una encuesta nacional de hábitos publicada por el sitio códigoespagueti.com, siete de cada 10 personas aún escuchan música desde un disco compacto. Aunque eso no quiere decir que sea uno tradicional, pues puede contener archivos MP3 o de video. El apego por la portada del álbum, por la tradición de sacarlo de su empaque y leer los créditos o por tocar lo que después vamos a escuchar es algo que seguirá manteniendo a algunas tiendas especializadas, pero las grandes cadenas están cada vez menos dedicadas al negocio de la música y más al de los videojuegos y accesorios. Vaya, ni la venta de películas y series probó ser redituable a largo plazo. La música se ha independizado del formato físico. No tiene que vivir en un estante y no debemos poseerla para acceder a una canción. Particularmente si el disco en el que viene no está acompañado de otros 10 momentos memorables que nos impulsen a dedicar minutos valiosos al ritual de elegir, abrir y darle play a todo un álbum.

FINALES RESEÑAS

SIN CITY 2

Cortesía The Weinstein Company

(Estados Unidos, 2014) · Dirigen: Robert Rodríguez y Frank Miller · Estelares: Jessica Alba y Mickey Rourke

CINE Naief Yehya @nyehya

SE LEVANTA EL VIENTO (Japón, 2013) · Dirige: Hayao Miyazaki Voces: Hideaki Anno y Miori Takimoto En el más reciente trabajo del legendario director de cine de animación, Hayao Miyazaki, se rinde homenaje al pionero de la ingeniería aeronáutica Jiro Horikoshi, diseñador del clásico avión Zero. La película yuxtapone el realismo crudo y las tragedias del período entreguerras con las ilusiones de volar y de crear naves fantásticas. Los aviones que el cineasta presenta como maravillas y prodigios son el reflejo de los sueños, ambiciones y pesadillas. La conquista de los cielos representa el poder de la imaginación y la tecnología pero también la supremacía militar. Éste es probablemente el mejor filme de un gran genio cinematográfico que anuncia con este poema visual su retiro. LUCY (Estados Unidos y Francia, 2014) Dirige: Luc Besson Estelares: Scarlett Johansson y Morgan Freeman En el más reciente trabajo del director francés, Scarlett Johansson interpreta a Lucy, una joven que es obligada a servir de mula para transportar un cargamento de drogas en su estómago. Una confrontación provoca que las sustancias escapen a su organismo, convirtiéndola en una especie de súper héroe. Este filme de acción recupera una variedad de clichés del género, no obstante, la personalidad de la estrella y la dirección ágil y vertiginosa lo vuelven una experiencia novedosa, sexy y excitante. 48 / 49

Casi diez años después del estreno de la cinta de culto Sin City, se cumple la promesa de llevar a la pantalla la segunda parte de la épica de Frank Miller, Sin City 2, dirigida por el propio Miller y Robert Rodriguez. Las historias que se cuentan en este estilizado thriller noir respetan el lenguaje y tono de la historieta que los inspiró (aunque un par de ellas fueron escritas por Miller directamente para este filme) y son protagonizadas por una serie de estrellas que estuvieron en el episodio anterior como Bruce Willis, Jessica Alba, Clive Owen y Mickey Rourke, así como por otros que aparecen por primera vez en esta franquicia, como Josh Brolin, Lady Gaga, Ray Liotta y Joseph Gordon-Levitt. Las cuatro anécdotas de mafiosos, apostadores y damas peligrosas que son incluidas aquí tienen un tono de artificiosa y sombría decadencia, así como melancolía y pesimismo. Un hombre atormentado es seducido por su ex amante, quien le pide ayuda para liberarse de su cruel y millonario esposo; un jugador empedernido tiene la osadía de enfrentar a un poderoso criminal; un hombre trata de recordar las circunstancias que lo dejaron inconsciente entre cadáveres de desconocidos y una mujer planea una venganza. Las historias tienen todas resonancias de películas clásicas; tratan de pasión y locura convencionales pero van más allá de los previsibles clichés del género.

FINALES RESEÑAS

HIGH LIFE / BRIAN ENO Y KARL HYDE

Warp, 2014

Cortesía www.perou.co.uk

MÚSICA Lucas Vernon @lucasvernon

WORLD PEACE IS NONE OF YOUR BUSINESS Morrissey Harvest / Capitol, 2014

Brian Eno y Karl Hyde.

En mayo de este año, Brian Eno presentó un álbum en colaboración con Karl Hyde, el líder de Underworld, titulado Someday World. Este material está basado en composiciones que Eno había dejado inconclusas en la década de los 90 y que ahora, al lado de Hyde, decidió retomar y convertir en disco. Con el lanzamiento, el dúo decidió que, en vez de sencillamente dar entrevistas, seguirían haciendo música: así acordaron crear un CD en cinco días, grabado en su mayor parte con periodistas como espectadores. De estas dos placas, la segunda, llamada High Life, es una joya: Karl hipnotiza con su guitarra, inspirada en el afrobeat, reggae y otros géneros, de los que muestra únicamente destellos, destilando esta esencia sobre un trabajo de ambient. Brian, quien sorprende con su colaboración vocal y perfecciona la estructura de las canciones dentro de ese tipo de música, escribió que éste “debe ser capaz de acomodarse a distintos niveles de atención en la escucha sin enfocarse en ninguno en particular; debe ser tan prescindible como interesante”. Exactamente eso pasa en High Life, donde todas sus canciones crecen y se vuelven cada vez más llamativas e hipnóticas y te transportan a un plano en el que es tan fácil perderte en tus pensamientos como escuchar cada detalle con total atención. Eso, por más sencillo que parezca, es bastante difícil de lograr.

Producido por Joe Chiccarelli (The White Stripes, Beck, The Strokes, Café Tacvba), World Peace Is None of Your Business es un disco que sorprende por su diversidad: instrumentado con guitarras españolas, acordeones, didgeridoos y varios instrumentos e influencias más que le ayudan a lograr estupendas melodías a lo largo de 18 canciones. En esta entrega, el músico británico olvida en sus letras cualquier rasgo del sentido del humor o poético que lo caracterizan y se enfoca en realizar “cartas” escritas sobre todo lo que está mal en el mundo. Esto le da un giro polémico que, sin embargo, no opaca al álbum. No sería un trabajo de Morrissey si no tuviera al menos un poco de controversia. JUNGLE Jungle XL Recordings, 2014 En junio del año pasado apareció la canción “Platoon” compuesta por un grupo llamado Jungle, la cual se convirtió en un éxito rotundo en el Reino Unido, tanto por la melodía como por su video, en el que se ve a una niña de seis años haciendo breakdance. A ese sencillo le siguió “The Heat” y luego, nada más. Al menos así fue durante seis meses en los que el grupo no reveló su identidad ni dio otra información excepto que eran dos integrantes y que se llamaban “J” y “T”. Esta estrategia del silencio funcionó y ahora, ya con su álbum debut en las manos, Jungle se ha convertido en una de las bandas más candentes, con fechas agendadas en varios de los festivales más importantes del mundo. La gran duda estaba en saber si Josh Lloyd-Watson y Tom McFarland —sus nombres reales— podían respaldar el furor y las expectativas que crearon durante meses con su producción discográfica. La respuesta es sí. Su disco homónimo está lleno de canciones que mezclan soul, funk y electro, elementos ideales para sonar en cualquier fiesta. Con trancazos para la pista de baile, como “Time”, no será ninguna sorpresa escucharlos por doquier en lo que resta del año.

FINALES RESEÑAS

LA CASA DE K

Cortesía Wikimedia Commons

Héctor Toledano · Mondadori, 2013

LIBROS David Miklos @dmiklos

AL FILO DE LA MUERTE. LAS MEMORIAS DE HAMPARTZOUM MARDIROS CHITJIAN, SOBREVIVIENTE DEL GENOCIDIO ARMENIO Hampartzoum Mardiros Chitjian · Aip-Pen-Kim Ediciones, 2014 Sobreviviente del genocidio armenio —puesto en duda como cualquier otro genocidio, pese a las marcas que tales eventos dejan en la historia—, Hampartzoum Mardiros Chitjian se dio a la empresa de narrar la integridad de su memoria, concentrada en el crimen masivo del que salió ileso y el cual, a la fecha, ha tratado de ser silenciado, oculto o negado por sus perpetradores: los turcos. Presentado por Carlos Antaramián, editado por Armando Hatzacorsian y traducido por Elizabeth Flores, este libro es un documento fundamental, un testimonio que permanece más como herida abierta que como cicatriz; en suma, una prueba contundente de la historia y uno de sus momentos más bajos, ahora y para siempre iluminado. ISLA DE BOBOS Ana García Bergua · Ediciones Era, 2014 Publicada originalmente en 2007, Isla de bobos, novela de corte histórico de la narradora mexicana Ana García Bergua, encuentra, siete años después y para fortuna de sus fieles lectores, su justa casa editorial, que no es otra sino la misma que publicó su maravillosa primera obra, El umbral. Travels and Adventures (1993): Era. Con base en un suceso real ocurrido en la hoy francesa isla de Clipperton, allende el Pacífico mexicano y frente a la costa michoacana, la autora cuenta, con su característico humor emocional y buena pluma, la historia de Raúl Soulier, capitán del ejército federal ubicado en la isla de K. con el fin de detener cualquier posible intervención extranjera. 50

De las novelas que se han encargado de retratar la Ciudad de México, son pocas las que lo han hecho de manera prospectiva, con la mirada hacia adelante y no hacía atrás o enclavada en el presente. Tanto en La casa de K, su más reciente obra, como en su ópera prima, Las puertas del reino, el escritor mexicano Héctor Toledano ha trazado el DF en un futuro no tan distante, aunque sí, de cierto modo, distópico. Mientras que en su primera entrega la ciudad había regresado a su estado acuático y primitivo, en la segunda —que aquí nos ocupa— hace de nuestra urbe un exceso de concreto en donde no hay segundos, sino muchos pisos de periférico, y los más altos sólo accesibles para los más pudientes. Relato de corte detectivesco, La casa de K inicia con un cadáver: el de una mujer, tendido sobre una cama. Pronto descubriremos que lo más importante no es quién la mató y cómo, sino por qué: hay intereses profundos, ulteriores y poco mundanos en el asesinato de la susodicha, uno de tantos títeres de los jefes de las tres casas dominantes de la ciudad —K, J y S—, entre los que se cuenta el narrador, cuya guía, siempre mancillada, son los prudentes proverbios de Baltasar Gracián. Es un thriller de corte político que nos remite tanto a Rafael Bernal y El complot mongol como a Antonio Ortuño y El buscador de cabezas, pasando por el Jorge Ibargüengoitia de Dos crímenes. Toledano ha escrito una novela que, sin más, refresca, a la vez que renueva, el panorama narrativo mexicano.

auditorio.com.mx

Ballet

Ópera

Concierto

Proyección

Danza

Teatro

Infantil

Varios

Lo mejor de la agenda del Auditorio Nacional se encuentra en estas páginas, junto con breves reseñas de los eventos y un avance de los siguiente meses.

Agosto

Fernando Aceves

Programación sujeta a cambios

Big Band Jazz de México, 10 años en Lunario Big Band Jazz de México, 10 años en Lunario Miércoles 27 de agosto 21:00 hrs. Primera fila: $950 Preferente A: $650 Preferente B: $550 Vista parcial: $400 Mesas numeradas

Esta notable banda se formó en 1999 y es dirigida por Ernesto Ramos. Su repertorio incluye clásicos del jazz como “Sister Sadie”, “The Magic Flea” y “Wind Machine” entre muchos otros. Además, cuenta con versiones de compositores mexicanos como Eugenio Toussaint, Agustín Lara, Armando Manzanero, Emma Elena Valdelamar y Álvaro Carrillo. La Big Band Jazz de México ha aparecido en programas de televisión como “Acústico” de Canal 22 y en otros de Canal 11 y Azteca 13. En 2011 se presentó junto a Armando Manzanero en el Festival Internacional Cervantino y ha actuado junto a otros artistas como Ana Cirré, Aida Cuevas, Miguel Ríos, la Chico O’Farrill Big Band, Carlos Cuevas o Gualberto Castro. Asimismo, ha participado en varios festivales de jazz y se ha presentado en Lunario desde su apertura en 2004, por lo que con esta próxima actuación celebrará 10 años de exitosas temporadas en dicho recinto. Su historia puede seguirse paso a paso en el documental Resiliencia por una nota, de Luis Felipe Ferrá.

AGENDA

Programación sujeta a cambios

Agosto

Septiembre

Emmanuel y Mijares: Two’r Amigos

Philharmonia Orchestra de Londres

Con la participación del músico ruso Vladimir Ashkenazy como director invitado y de la violinista estadounidense Esther Yoo. Martes 9 de septiembre 20:30 hrs. Preferente: $1,850 Luneta: $1,650 Balcón: $950 Primer piso: $750 Segundo piso: $350 Límite de acceso a las 20:15 hrs.

Roberto Carlos: World Tour 2014

Viernes 15 y sábado 16 de agosto 20:30 y 20:00 hrs. respectivamente Preferente A: $1,950 Luneta y Balcón A: $1,650 Balcón B: $1,100 Primer piso: $500 Segundo piso: $450

Vicente Fernández: Hasta siempre México

“Chente” se despide de su público en el Auditorio Nacional. Miércoles 10, viernes 12 y martes 16 de septiembre 20:30 hrs. Sábado 13 de septiembre 20:00 hrs. Lunes 15 de septiembre 21:00 hrs. Preferente A: $1,950 Preferente B: $1,600 Luneta A: $1,600 Luneta B: $1,350 Balcón: $1,350 Primer piso: $500 Segundo piso: $300

Óscar Chávez: Kikiriki

El cantautor mexicano, considerado una de las leyendas vivas más importantes del canto latinoamericano y reconocido por su rescate de la música popular mexicana, se presentará por decimoséptimo año consecutivo en el Auditorio Nacional. Lo acompañará el Trío Los Morales y como invitados estarán el instrumentista y compositor Ernesto Ayala y el percusionista Juan Gedovius. Sábado 30 de agosto 20:00 hrs. Preferente A: $1,000 Peferente B: $900 Luneta: $750 Balcón: $600 Primer piso: $350 Segundo piso: $250

Cortesía MET

Marisela y Paquita la del Barrio Sábado 4 de octubre 20:00 hrs. Preferente A: $1,300 Preferente B: 1,000 Luneta: $900 Balcón: $700 Primer piso: $450 Segundo piso: $280

Macbeth

Lunes a sábado: 10:00-19:00 hrs. Domingo: 11:00-18:00 hrs.

La Oreja de Van Gogh.

Octubre

HORARIOS DE TAQUILLA

Se aceptan todas las tarjetas de crédito bancarias y American Express. Para más información consulte nuestra página de internet: auditorio.com.mx

La Oreja de Van Gogh

Jueves 11 de septiembre 20:30 hrs. Preferente: $1,200 Luneta: $900 Balcón: $700 Primer piso: $450 Segundo piso: $300 Cortesía La Oreja de Van Gogh

Jueves 7 de agosto 20:30 hrs. Preferente: $2,200 Luneta: $1,500 Balcón: $1,200 Primer piso: $500 Segundo piso: $300

Macbeth, en vivo desde el Met.

En vivo desde el Met de Nueva York. Una producción de Adrian Noble. La dirección de la orquesta estará a cargo de Fabio Luisi. Estelarizan la soprano estrella Anna Netrebko, Željko Lucic y Joseph Calleja. Sábado 11 de octubre 12:00 hrs. Preferente: $400 Luneta: $270 Primer piso: $150 Segundo piso: $50

Las bodas de Fígaro

En vivo desde el Met de Nueva York. Sábado 18 de octubre 12:00 hrs. Preferente: $400 Luneta: $270 Primer piso: $150 Segundo piso: $50 Nueva producción

Ricardo Arjona

Martes 21 y miércoles 22 de octubre 20:30 hrs. Preferente: $2,200 Luneta: $1,600 Balcón: $1,400 Primer piso: $600 Segundo piso: $350

AGENDA

LUNARIO / agosto Programación sujeta a cambios

Cortesía Carlos Azcuaga

Para consultar la cartelera completa visita: lunario.com.mx

Cantando cuentos con Carlos Azcuaga

Vista parcial: $400 Mesas numeradas

El productor y compositor musical Carlos Azcuaga fusiona música con historias que dice haber extraído de las mentes de los niños. Sus canciones, que canta al ritmo del pop y del hip-hop, están llenas de valores y personajes que maravillan a los pequeños. Domingos 3, 10, 17, 24 y 31 de agosto

Lughnasadh, Noche celta Martes 26 de agosto

13:00 hrs. Preventa: $180 Día del evento: $200 Mesas numeradas Niños pagan boleto a partir de los 3 años Marwan en concierto Jueves 21 de agosto, 21:00 hrs.

21:00 hrs.

#lunario10 presenta: A Love Electric & John Medeski: Son of a Hero Sábado 23 de agosto, 21:00 hrs. Primera fila: $700 Preferente A: $500 Preferente B: $500

Cortesía Sol Pereyra

Elizabeth Meza: Original Jueves 4 de septiembre 21:00 hrs. Primera fila: $950 Preferente A: $600 Preferente B: $400 Vista parcial: $400 Mesas numeradas Concierta independencia: Sol Pereyra y Kumbia Queers Kumbia Queers está compuesto por cinco argentinas y una mexicana que en siete años se han dedicado, con grabaciones y conciertos, a encumbrar un neogénero que puede ser llamado cumbia-punk. Sol Pereyra, por su parte, es una compositora, cantante y actriz argentina que cuenta con tres álbumes como solista en los que se pueden escuchar notables influencias del

Sol Pereyra.

pop, reggae y hip-hop. Una noche experimental, sin duda. Martes 9 de septiembre 21:00 hrs. Preventa: $180 Día del evento: $200 Mayores de 18 años

#Lunario10 presenta: Children of the Light Trio: Danilo Pérez, John Patitucci y Brian Blade Martes 23 y miércoles 24 de septiembre, 21:00 hrs.

Preventa hasta el día 12 de agosto: Primera fila: $500 Preferente A: $400 Preferente B: $350 Del 13 de agosto al día del evento: Primera fila: $600 Prefetente A: $500 Preferente B: $400 Mesas numeradas Los Hermanos Castro en concierto Viernes 29 y sábado 30 de agosto

Preferente A: $450 Preferente B: $300 Vista parcial: $200 Mesas numeradas

Septiembre

21:00 hrs.

Primera fila: $1,100 Preferente A: $700 Prefetente B: $600 Vista parcial: $600 Mesas numeradas

Octubre L.A. El nombre de esta agrupación de rock española se deriva del de Luis Alberto Segura, su líder y vocalista. A Lunario llegan para presentar su más reciente disco, Dualize. A lo largo de su carrera, L.A. ha abierto shows de Arcade Fire, New Order, Franz Ferdinand y, recientemente, el de Muse en el Estadio Olímpico de Barcelona. Sábado 4 de octubre 21:00 hrs. Primeros 200 boletos: $200 Siguientes 200 boletos: $250 A partir del boleto 401: $350 Admisión general de pie

Primera fila: $1,300 Preferente A: $1,000 Preferente B: $900 Vista parcial: $800 Mesas numeradas

FINALES ILUMINACIÓN

DISEÑO E ILUSTRACIÓN Yurex Omazkin

¿Cómo se ilumina a los artistas del Auditorio? La iluminación escénica es un arte de combinaciones infinitas y es parte indispensable de cualquier espectáculo. En el Auditorio Nacional se cuenta con equipo de la más alta calidad, con el cual se logra que cada obra o concierto que ahí se presenta luzca con todo su esplendor. El número de luces empleadas en una noche depende del tipo de evento. En los sencillos, como podría ser un

concierto de jazz o el recital de un cantautor, se utilizan cerca de 150, mientras que para uno más complejo, como una ópera, se usan alrededor de 300. Aquí presentamos algunos datos que ilustran la enorme capacidad que tiene este foro para montar cualquier tipo de presentación artística, otra razón por la que es uno de los mejores recintos de México y el mundo.

Las luces del “Coloso” • El Auditorio cuenta con 176 reflectores LEKOS de 750 watts, que suman 132,000 watts, lo que equivaldría a tener 13,200 celulares cargándose al mismo tiempo o bien 8,800 reproductores de DVD conectados a la vez.

• Los reflectores más potentes con los que cuenta el Auditorio son los “seguidores” de tiro largo de 2,000 watts, que se asemejan a bazucas y son dirigidos manualmente por un técnico para seguir al artista en su movimiento sobre el escenario. Su potencia es suficiente como para cocinar en microondas 666 sopas instantáneas.

• El foro cuenta con 396

reflectores en total. Si cada reflector fuera una persona, se podrían llenar 9 autobuses de pasajeros.

• Existen 96 reflectores PAR de 575 watts, lo que 54 / 55

representa un total de 55,200 watts, que equivaldría a tener 61 cafeteras eléctricas haciendo café al mismo tiempo.

FINALES ILUMINACIÓN

La distancia del escenario • Las luces más altas del recinto están aproximadamente a 15 metros de altura, alrededor de 12.5 capotes de torero de 120 cm cada uno.

• Las luces más bajas están a 8 metros, que es la altura promedio de una rueda de la fortuna en una feria callejera.

Matices de la iluminación • El Auditorio cuenta con 450 dimmers de 2,400 watts cada uno

—dispositivos electrónicos que controlan la intensidad de la luz y que se agrupan en paquetes o cajones—, lo que da un total de 1’080,000 watts. Para darnos una idea: 5,538 mexicanos consumen esa cantidad de electricidad al año, mientras que en Brasil eso lo harían 4,779 personas y en Estados Unidos tan sólo 740 individuos.

FINALES MEMORIA

Chuzas y splits en el Auditorio En 1961 el Auditorio Nacional fue acondicionado con diez líneas de boliche para celebrar por primera vez los Torneos Interamericanos de este deporte en el que participaron jugadores de Venezuela, Honduras, Guatemala, Costa Rica, Chile, Panamá, Argentina, Perú, Puerto Rico, Colombia y México.

Sucedió: del 1 al 6 de junio de 1961 Lugar: Área central del Auditorio Nacional Autor: Anónimo / Auditorio Nacional