Revista del Auditorio Nacional / No. 5

REVISTA del AUDITORIO la

Nº 5 JULIO 2014

Ejemplar gratuito

Triciclo rojo y la felicidad “El brujo” Javier Bátiz

La legendaria figura del rock de nuestro país llenará Lunario con su música en la presentación que dará este mes.

gala Despertares

Isaac Hernández, bailarín mexicano, se presentará junto con las estrellas de las mejores compañías de danza del mundo.

The Illusionists 2.0

Los seis mejores magos de nuestro tiempo ejecutarán las suertes de su nuevo y sofisticado repertorio en el Auditorio Nacional.

Esta compañía regresa a Lunario para demostrar que es posible alcanzar los sueños: una obra que incluye animación digital, danza, acrobacia y música en vivo.

CONTENIDO

REVISTA del AUDITORIO la

C

Consejo Nacional para la Cultura y las Artes

CENTRALES

Rafael Tovar y de Teresa Presidente

La compañía mexicana de clowns Triciclo Rojo pone a prueba tu imaginación con una historia sobre el valor de los sueños.

Gobierno del Distrito Federal

Miguel Ángel Mancera Espinosa Jefe de Gobierno

Auditorio Nacional

Gerardo Estrada Rodríguez Coordinador Ejecutivo

24

Francisco Serrano Carreto

Director de Desarrollo Corporativo

Luis Carlos Romo Salcido Director de Operaciones

Constanza Bolaños González Garza

Directora de Promoción y Difusión

Carlos Reygadas Barquín

Mark Giancola

Director de Producción

Mónica Navarro Ruiz Coordinadora de Prensa

Nicolás Martínez

Centro de Documentación del Auditorio Nacional

Cortesía: The illussionists 2.0

Director de Administración y Finanzas

LOS TRUCOS DE SEIS MAGOS The Illusionists 2.0 es un espectáculo de magia capaz de generar sorpresa, asombro y el más implacable de los suspensos. p. 38

Ignacio Galar / Postproducción: Emiliano Campos

No 05 · julio 2014

CONTENIDO

REVISTA del AUDITORIO la

No 05 · julio 2014

Dirección

Eduardo Sanmiguel Director general eduardo@aeditores.com

Marcela Aguilar y Maya Directora asociada

Editorial

Julieta García Dirección editorial julieta@aeditores.com

Santiago Oria Subdirección editorial santiago@aeditores.com

Natalia González Coordinación editorial

Claudia Benítez Asistente editorial

Adriana Colón Susana Paz Corrección de estilo

Arte

Cynthia Márquez Dirección de arte y diseño

Gerardo Terán Diseño

Fernanda Carrasco Edición fotográfica

Comercial

Ejecutiva de cuenta eva@aeditores.com

Gabriela García Ejecutiva de cuenta gabriela@aeditores.com

Ivonne Miranda Ejecutiva de cuenta ivonne@aeditores.com

Diego Rivera Ejecutivo de cuenta diegor@aeditores.com

Pablo Maya Relaciones públicas

Asesores de contenidos Marcello Lara Jesús Quintero

consejo editorial

Gerardo Estrada Bruno Newman Francisco Serrano Eduardo Sanmiguel Julieta García Constanza Bolaños Marcela Aguilar y Maya Mónica Navarro

A / EDITORES

Leibnitz 20, piso 8-801 Col. Anzures, México, D.F. T. +52 (55) 52 81 17 78 y 79 aeditores.tumblr.com

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Carlos Anadon

Eva Feldman

B

BREVES

De las acusaciones de plagio a los mejores documentales sobre rock. Te presentamos también un ciclo de música barroca en Lunario y más. p. 7

C

CONOCE A...

Javier Bátiz fue maestro de Santana y uno de los primeros en absorber las influencias del blues estadounidense en el rock mexicano. p. 18

H

HISTORIA

Juan Arturo Brennan hace un recuento del paso que grandes producciones de ópera en vivo han tenido por el escenario del Auditorio Nacional. p. 14

O

OPINIÓN

René Franco y Luis de Llano fijan su postura en torno a uno de los temas que les es más cercano: el fenómeno de los reencuentros musicales. p. 44

F

FOROS

Dos recintos universitarios construidos y diseñados para tener la mejor acústica posible, y así ofrecer conciertos de toda índole. p. 16

A

AGENDA

Lo mejor de los eventos que se presentarán próximamente en el Auditorio Nacional y Lunario en nuestras páginas finales, ¡échale ojo!. p. 51

La Revista del Auditorio es una publicación de A/Editores. Leibnitz 20-801, Col. Anzures, C.P. 11590 México, D.F. Teléfono 5281 1778. Revista mensual. Número 05, julio 2014. Editor responsable: Eduardo Sanmiguel M. El contenido de los artículos es responsabilidad de los autores. Todos los derechos reservados.

Prohibida su reproducción parcial o total incluyendo cualquier medio electrónico o magnético con fines comerciales. La información contenida se ha obtenido de fuentes fidedignas. Número de Reserva del Instituto Nacional de Derechos de Autor No. 04-2014-041111154300-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido No. 16218. Distribuido por Grupo CONAGRA, Popocatépetl 415, Col. Santa Cruz Atoyac, C.P. 03100, México, D.F. Impresa en Grupo Ajusco, S.A. de C.V., José María Agreda y Sánchez 223, Col. Tránsito, C.P. 062820, México, D.F., Teléfono 5132 1100.

Del FB AuditorioMx: Como ya es tradición, al finalizar el concierto Laurie firmó el Libro de Oro.

¿Hay un doctor en la sala?

El 10 de junio, el clima no fue indiferente y una tormenta al exterior del Auditorio Nacional acompañó el viaje de Hugh Laurie por lo más profundo de Nueva Orleans.

El inglés, acompañado por la Copper Bottom Band, compartió temas como “Iko Iko”, “Day And Night”, “Kiss Of Fire” y “Didn’t It Rain”, canción homónima de su segundo álbum que fue producido por Joe Henry, quien ha trabajado con Elvis Costello, Teddy Thompson y Solomon Burke. “¡Buenas noches, México! ¿Cómo están?

Estoy muy contento de estar aquí. Muchas gracias por venir”, dijo en español. El público aplaudió y coreó, a petición del artista, algunas de las canciones: “Come on baby let the good times flow!”, cantó al inicio del concierto.

Al final, causó la admiración de los presentes al usar una playera de la Selección Nacional, mientras que sus fans lo tomaron por sorpresa al cantarle “Las mañanitas”, pues el actor, músico y cantante celebraría sus 55 años en nuestro país al día siguiente.

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Con la ilusión de un niño Las complejidades de la vida suelen requerir al menos una válvula de escape o, en ocasiones, un espejo que las refleje para facilitar su comprensión.

Una figura que ha fungido de estas formas desde tiempos muy remotos es la del payaso y, en su versión más icónica, el clown.

Estos personajes son parte del ideario colectivo y han sido compañía constante para millones de niños en el mundo entero. Su presencia —a la vez divertida, caótica, un poco desbordada y tierna— sirve como punto de partida para imaginar realidades que están por venir. Nuestro país tiene una tradición notable en este sentido: algunos de los ídolos nacionales (como Cantinflas o Clavillazo, por ejemplo) son versiones más elaboradas de los seres de cara blanca y nariz enrojecida.

Triciclo Rojo es una compañía que honra esta tradición pero que abre sus puertas a otra nueva. En su visión, los niños son socios de la puesta en escena, a la que trasladan una mirada fresca sobre el mundo, misma que enriquece y hace único cada acto. Los integrantes de la compañía saben ser empáticos y transformar la alegría, las interjecciones infantiles, su entusiasmo dilatado y sus inquietudes en algo a la vez concreto e intangible. Son magos que transforman miedos en gestos, sueños en acciones, movimiento en diversión. Gracias a su iniciativa, los niños viven el privilegio de acceder a sí mismos y encontrarse en los demás. Para quienes acompañen a los chiquitos a ver Vagabundo, ¿a dónde te llevará el viento?, cada función será una delicia de principio a fin.

Estas páginas están llenas con otras fantasías: los hombres prodigiosos de The Illusionists, en su versión 2.0, son el recordatorio de que la magia no termina con la infancia, de que el misterio y el secreto son fascinantes en todas sus formas y de que es necesario sorprenderse. Por su parte, quienes dan vida a Despertares practican con su cuerpo otro tipo de magia. La capacidad plástica de estos bailarines, con Isaac Hernández al frente, roba el aliento y resulta por demás inspiradora.

Bienvenidos.

—Los editores

En portada: Triciclo Rojo Fotografía de Ignacio Galar

AUDITORIO recomienda Programación sujeta a cambios

Te presentamos una cartelera de otros eventos culturales que actualmente se llevan a cabo en foros, teatros y museos de la Ciudad de México. La oferta es amplia, por lo que te recomendamos apartar los días en tu agenda para que no te quedes sin verlos.

Museo Tamayo El teatro del mundo

Ópera

Concierto

Proyección

Danza

Teatro

Infantil

Varios

Museo de Arte Carrillo Gil Travesías. Los viajes de las obras más representativas de la colección 1948-1974

Una exposición conmemorativa que celebra el 40 aniversario del museo. Travesías es un montaje de obra plástica de carácter documental y narrativo que aborda desde el ámbito interpretativo, historiográfico y estadístico el cómo, cuándo y dónde la colección Carrillo Gil consolidó su nombre y relevancia.

Hasta el domingo 7 de septiembre.

Cortesía Museo Rufino Tamayo

El trabajo de diferentes artistas interesados en la arquitectura como lugar para la representación social y política. Más allá de revelar las utopías fallidas del pasado, esta exposición se enfoca en la noción del mundo como escenario, en donde los monumentos, palacios, ruinas y proyectos de vivienda social conviven y se renuevan bajo una misma fachada de nación y aparente desarrollo.

Hasta septiembre.

Ballet

Life without Tragedy de Kostis Velonis, de la exhibición El teatro del mundo.

Eventos de música clásica internacional en el Teatro del Palacio de Bellas Artes New London Consort

Philip Pickett, director artístico Reino Unido Programa: PURCELL, La reina de las hadas Joanne Lunn, soprano Robert Sellier, tenor Michael George, bajo-barítono Mauricio García Lozano, director de escena Martes 14 de octubre 20:30 hrs.

Precios: $465, $410, $310, $225 y $100

Orquesta Revolucionaria y Romántica Sir John Eliot Gardiner, director Reino Unido

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Programa: BEETHOVEN, Obertura Leonora núm. 2 BERLIOZ, Las noches de verano (Les nuits d’été) BEETHOVEN, Sinfonía núm. 5 Viernes 17 de octubre 20:30 hrs.

Precios: $515, $410, $360, $255 y $155

Ensamble Intercontemporáneo

Matthias Pintscher, director artístico Francia Programa: VARÈSE, Octandre SCIARRINO, Introducción a la oscuridad (Introduzione all’oscuro) FUENTES, Reencuentros (Rincontri) FUJIKURA, Quinta estación (Fifth Station) LIGETI, Concierto de cámara

Jueves 23 de octubre 20:30 hrs.

Precios: $465, $410, $310, $225 y $100

Les Arts Florissants

William Christie, director Francia El aria francesa, un arte íntimo Programa: Arias, duetos y selecciones de óperas francesas.

Elodie Fonnard, soprano Marc Mauillon, bajo William Christie, clavecín Domingo 26 de octubre 17:00 hrs.

Precios: $465, $410, $310, $225 y $100

▸ Palacio de Bellas Artes Av. Juárez S/N, Centro Histórico, Ciudad de México. ▸ MUSEO DE ARTE CARRILLO GIL Av. Revolución 1608, esq.

Altavista, col. San Ángel.

Martes a domingo de 10:00 a 18:00 hrs.

Entrada general: $19 ▸ MUSEO TAMAYO Paseo de la Reforma No. 51/ esq. Gandhi, col. Bosque de Chapultepec, dentro del Bosque de Chapultepec, primera sección.

Martes a domingo de 10:00 a 18:00 hrs.

Entrada general: $19

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LAS

BREVES Texto: Naief Yehya

B

¿Qué está pasando en el mundo de la música y el espectáculo? Te presentamos una selección de notas interesantes para que estés informado.

Led Zeppelin

Bob Gruen

¿Escalera al cielo del plagio?

El grupo en 1973. Foto tomada delante de su propio “Led Zeppelin Airplane.”

A poco tiempo del lanzamiento de la reedición de los tres primeros discos de Led Zeppelin, la legendaria introducción de “Stairway to Heaven” se ha vuelto trending topic y es materia de debate y discusión, aunque no por los motivos que quisieran Jimmy Page y Robert Plant. El abogado de la familia de Randy California, guitarrista del grupo psicodélico Spirit, quien falleció en 1997, ha demandado a estos músicos por

plagio. La famosa guitarra que introduce la canción es indudablemente muy similar a la de la pieza “Taurus” del disco debut de Spirit. Randy Wolf (rebautizado Randy California por Jimi Hendrix, con quien tocó cuando tenía 15 años) tuvo una larga y fecunda carrera musical y, aunque pasó por muchos altibajos, se le considera un prodigio de la guitarra. Spirit dio una gira en 1968 con Led Zeppelin, quienes incluso tocaron en vivo

algunas de las piezas de California. En la última entrevista que dio este músico dijo: “Estos tipos ganaron millones con esa canción y nunca me dieron las gracias, nunca dijeron, ‘¿podemos pagarte algo por esto?’”.

La respuesta de Plant fue que el asunto era ridículo. Si bien una acusación de plagio es siempre controversial, en este caso quizá sería bueno darle mérito y rendirle homenaje a Randy California.

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B

breves

el top

Documentos fílmicos del rock El estreno de Pulp: A Film About Love, Death and Supermarkets, de Florian Habicht, es un buen pretexto para ver o volver a ver algunos de los mejores documentales hechos sobre músicos desaparecidos, por desaparecer o que simplemente nunca volverán a ser lo que fueron.

Pulp: A Film About Life, Death and Supermarkets La banda de Jarvis Cocker, Pulp, vuelve a su Sheffield natal en diciembre de 2012 para un concierto de reunión, acompañada de la cámara documental de Florian Habicht. En parte, la intención del filme es descifrar la mística del grupo —a más de 10 años de su disolución— al explorar la relación que tiene con esta ciudad que dejaron en 1988; Habicht filma a los habitantes en su cotidianidad, como buscando en ellos la musa de canciones como “Common People”. La cinta, concebida por el director y Cocker, pone en evidencia que el humor ácido y la siempre aguda crítica social de Pulp siguen vivos y, en cierta forma, intenta probar que la gente que provocó la creación de su música ahora es inspirada por ella. Por supuesto que hay nostalgia por la era de oro del britpop, pero el carisma de Cocker es una inyección de vida a un documental muy bien logrado.

Gimme Shelter De Albert y David Maysles y Charlotte Zwerin (1970, reeditado en 2000) es un documental fascinante, sórdido y devastador que registra las últimas fechas de la gira de The Rolling Stones de 1969, misma que culminaría en la tragedia de Altamont. Filmada en el estilo de cinéma vérité, las imágenes tienen un aire espontáneo, sorpresivo y cargado de ansiedad que culmina con el desastre del concierto gratuito de la pista de Altamont, donde la seguridad fue comisionada a los Hell’s Angels, quienes para controlar a un público particularmente inquieto golpearon fans, músicos y eventualmente asesinaron a un joven de 18 años, Meredith Hunter (quien tenía una pistola descargada). Este es uno de los testimonios fílmicos más importantes del rock. Entre los camarógrafos estaban Martin Scorsese y George Lucas.

Stop Making Sense Con motivo de su 30 aniversario, el filme de Jonathan Demme tendrá una reedición digital y será proyectado en varios cines del mundo. El sorprendente documental de la gira de 1983 del grupo Talking Heads fue considerado por el New York Times como el mejor registro de un concierto en la historia. El evento corresponde a la promoción del disco Speaking in Tongues y la cinta es una muestra de la destreza fílmica y el talento de Demme, quien contó con un presupuesto mínimo para hacer este documental durante uno de los peores períodos profesionales de su vida.

Sin embargo, el resultado es notable; el cineasta opta por un estilo simple, emplea numerosas tomas largas y captura con espontaneidad el vibrante dinamismo de David Byrne (en su emblemático traje blanco demasiado grande) y sus colegas.

• youtu.be/nPNeh4d9guk

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• youtu.be/8hEojBYmR-o

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Cortesía: sugarman.org

Searching For Sugar Man “Rodríguez nunca pasó por los Estados Unidos”, declara Clarence Avant, el exfundador y propietario de Sussex Records, la disquera que lanzó sin muchas esperanzas al mexicano-estadounidense Sixto Rodríguez en 1970. Según Avant, Sixto Rodríguez vendió unos 6 discos en Estados Unidos, ya que “la música latina no tenía lugar aún y, aunque parecía blanco, tenía un nombre hispano”. Mientras tanto, en la Sudáfrica del apartheid, Rodríguez era un gigante; su música fue la principal influencia de una generación a pesar de que el personaje era un misterio de quien nadie sabía nada y de quien se contaban historias disparatadas.

En Searching For Sugar Man (2012), Malik Benjelloul (ganador del Oscar por esta película y muerto, por suicidio, en mayo pasado) narra con destreza la apasionante búsqueda de Rodríguez y su redescubrimiento, aún viviendo humildemente y trabajando en la construcción en Detroit. Una cinta merecidamente exitosa acerca de un músico prodigioso e injustamente olvidado.

Sixto Díaz Rodríguez o “Sugar Man”.

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YouTube

EL DILEMA DE NUESTRO TIEMPO El universo digital está en permanente cambio y expansión; esta fluidez a veces sorprende, otras entusiasma pero muchas más tan sólo incomoda y preocupa. De la mano de la conveniencia y el inmenso poder de conectar con todo en cualquier momento, vienen poderosos intereses que quieren controlar más y más aspectos de nuestras vidas. Uno de los escándalos recientes en internet es que YouTube está en negociaciones para crear un servicio de streaming musical (Music Pass) para el que están presionando a las bandas independientes a firmar contratos leoninos y no negociables, acompañados de la amenaza de que si no firman serán bloqueados. Varios sellos y bandas se han unido para exigir la intervención de la Unión Europea para mediar en este conflicto. YouTube así como Amazon se han vuelto demasiado grandes y poderosos, sus políticas tienen un impacto planetario y no sólo representan una gran parte del ingreso de muchos músicos, escritores y artistas, sino que también son inmensas plataformas promocionales sin las cuales se vuelve difícil sobrevivir en la jungla digital.

• bit.ly/1tG53l2

Según el sitio de The Guardian, Radiohead es uno de los grupos amenazados con ser bloqueados.

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breves

Tonos humanos

Sueños barrocos de una noche de verano

EL DÍA DE MANDELA Si es difícil imaginar que un político o un revolucionario de nuestro tiempo pueda merecer que se le haga un homenaje honesto, mucho más difícil es creer que se le pueda celebrar en todo el mundo cada año. Pero en el caso de Nelson Mandela, quien falleció el 5 de diciembre de 2013, no hay duda de que una conmemoración anual internacional no sólo es justa sino necesaria.

El 18 de julio, aniversario del nacimiento del líder sudafricano, se festeja al hombre que luchó por la justicia social durante 67 años, quien con sacrificio desempeñó un papel fundamental en la destrucción de uno de los sistemas más odiosos del mundo: el apartheid. El Día de Mandela es una llamada a la acción y la participación por el cambio, con la certeza de que cada individuo tiene el poder de mejorar al mundo al luchar en contra de la pobreza, a favor de la paz y en bien de la reconciliación entre los pueblos, los individuos y los grupos. El Día de Mandela fue declarado por la Organización de las Naciones Unidas en 2009 y desde entonces se llevan a cabo exposiciones, conciertos, eventos educativos y toda clase de acciones humanitarias en el mundo. Celebremos este año buscando en nuestro entorno la forma de aportar a las causas por las que vivió el gran “Madiba”.

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Homenajes musicales A lo largo de muchos años, diferentes músicos y grupos le han dedicado canciones y presentaciones especiales a Nelson Mandela, de entre las cuales elegimos: ▪The ▪ Specials A.K.A.: “Free Nelson Mandela”, 1984.

▪Youssou ▪ N’Dour: “Nelson Mandela”, 1986.

▪Hugh ▪ Masekela: “Mandela (Bring Him Back Home)”, 1987.

▪Johnny ▪ Clegg: “Asimbonanga”, 1987.

▪Tracy ▪ Chapman: “Freedom Now”, 1988.

▪Simple ▪ Minds: “Mandela Day”, 1988.

▪U2, ▪ “Ordinary Love”, 2010.

sía: ubmnews.com

Aniversario

ganadora del premio del Público Pro Ópera y el premio Gilda Morelli a la Mejor Interpretación en el xxvii Concurso Nacional de Canto Carlo Morelli; Omar Ruiz García (flautas, violín y viola), quien es fundador y director de la agrupación desde 2004 y Miguel Cicero (clavecín) profesor del Conservatorio Nacional de México y la Escuela Nacional de Música.

Fernando Aceves

pano, pero también incluye música isabelina y del Seicento italiano. Se han presentado en festivales internacionales como el Viva Vivaldi en el Instituto Italiano de Cultura, el Música Virreinal Mexicana en Guadalajara y el Festival Cultural de Zacatecas. Participaron en la grabación de la banda sonora de la película animada La leyenda de la Nahuala. Ellos son Elisa Ávalos (soprano),

Corte

Con el ciclo Sueño barroco de una noche de verano, por segundo año el Lunario abre sus puertas a la música antigua con agrupaciones dedicadas a la investigación y rescate del repertorio europeo y americano de los siglos xvii y xviii. El ensamble Los Tonos Humanos se presentará el miércoles 9 de julio a las 21:00 horas en Lunario.

Se le llama “tono humano”, o simplemente “tono”, a cualquier composición musical del siglo xvii en lengua romance y con carácter profano; su opuesto son los tonos a lo divino, que tienen una temática religiosa.

Este género fue uno de los más importantes en la música española y portuguesa de dicho periodo. Se trataba, sobre todo, de canciones estróficas a una voz con acompañamiento de bajo continuo y, en ocasiones, con tablatura para guitarra barroca. En los tonos humanos confluyen gran cantidad de manifestaciones culturales de la época derivadas de los diferentes grupos sociales en coexistencia.

Los Tonos Humanos surge en 2004 como un concepto musical íntimo: está pensado para espacios y públicos pequeños.

Su repertorio musical abarca desde la Edad Media hasta el Barroco español y novohis-

Nelson Mandela

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Abdicación

UN MONARCA NO MELÓMANO El rey Juan Carlos I de España ha abdicado y sus razones podrán discutirse hasta el cansancio. Pero si en algo se distinguió este monarca es en haber sido un pobre heredero de las obsesiones musicales de sus ancestros. La historia de la dinastía de los Borbones en España había estado siempre vinculada a la fascinación por el arte sonoro. Felipe d’Anjou (Felipe V) fue el primer Borbón en ocupar el trono español y desde su llegada a ese país, en 1701, esta casa tuvo un papel importante en el desarrollo de la música. Primero a través de su afrancesamiento, promovido por la primera esposa de Felipe V, María Luisa Gabriela de Saboya. Posteriormente, la segunda cónyuge del monarca llevó la influencia italiana: invitó al famoso cantante Farinelli (Carlo Broschi),

quien pasó por Madrid y se quedó ahí 25 años, hasta su retiro. El castrato italiano cantaba al monarca en sus interminables arrebatos de congoja. Sus sucesores también amaban la música y, aunque con Carlos IV comienza un período de decadencia, los reyes continuaron obstinados invirtiendo en auditorios y creadores. Juan Carlos I nunca mostró gran entusiasmo por ella, asistía por obligación a los conciertos y es bien sabido que en una ocasión se modificó el programa que incluía Parsifal de Wagner, por temor a que el rey no pudiera tolerarlo.

Veremos si su sucesor es capaz de recuperar el gusto y apoyo por la música. Eso sería rescatable de seguir teniendo un soberano a estas alturas del siglo xxi.

Felipe V de España fue un melómano declarado, retrato circa: 1700-1713.

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sabías que

Beca María Grever

para composición de canción popular mexicana ▶ Durante el año de vigencia de la Beca María Grever, los beneficiarios enriquecen y fortalecen su trabajo creativo bajo la tutela de reconocidos compositores.

Los becarios Grever también tienen la oportunidad de asistir a los talleres de composición que ofrece la SACM y, al finalizar la Beca, se edita un álbum testimonial que recopila uno de los mejores temas creados por cada uno de los becarios durante ese periodo.

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Con el objetivo de apoyar y estimular a compositores mexicanos contemporáneos, en el marco de las Lunas del Auditorio 2010 se publicó la primera convocatoria de la Beca María Grever —nombrada así en honor a la compositora guanajuatense— para composición de canción popular mexicana en los géneros de bolero, balada, trova, ranchero, música de banda, pop, rock y jazz; dirigida a ciudadanos mexicanos mayores de 18 años.

La beca otorga a los nuevos autores, durante un año, un estímulo económico mensual de 20 mil pesos y las cuatro ediciones hasta hoy realizadas —siempre por convocatoria pública y con un riguroso proceso de selección— son el resultado de la generosa suma de voluntades y recursos de organizaciones de la sociedad civil e instituciones

públicas como lo son: Fundación Alfredo Harp Helú, Fundación Azteca, Academia Latina de la Grabación (Latin Grammy), Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, Secretaría de Cultura del Gobierno del Distrito Federal, el Auditorio Nacional, así como la profesional colaboración de la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM).

La Beca María Grever es el más destacado y sólido estímulo para la creación de canción popular y, en sus cuatro ediciones, ha beneficiado a 38 compositores de todo el país. Compartimos una selección de testimonios y recuentos de algunos de los beneficiados con esta beca de excelencia.

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Cortesía de David, Michelle y Madame Récamier

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David Aguilar, Michelle Blanc y Madame Récamier.

◊DAVID AGUILAR ◊

▸ Culiacán, Sinaloa “Después de ‘la Grever’ edité mi primer disco titulado Eco, consolidé mi booking en casi todo México y en algunas ciudades de Estados Unidos, y por primera vez me acompañé de músicos en algunas presentaciones importantes, como el Festival de la Juventud Sinaloa 2012. Además, grabé un disco en vivo en el Foro del Tejedor a mediados de 2012, el cual se vende de manera virtual en la Cafebrería El Péndulo. Gracias a la beca, el grupo argentino Dúo La Poiera, junto con la compositora, guitarrista y cantante Cecilia Zabala, grabaron mi canción ‘La de la libélula’, y en el SF Jazz Center de San Francisco, California, abrí el concierto del cantautor argentino Kevin Johansen”.

◊MADAME RÉCAMIER ◊

▸ Ciudad de México Luego de haber participado en la Beca María Grever, como beneficiaria de su primera edición, Georgina Récamier, conocida artísticamente como Madame Récamier, ha logrado llevar sus composiciones a diferentes lugares. En Monterrey, con el productor y compositor Luis Gerardo “Chetes” Garza, grabó su segundo material discográfico, que compuso durante el año de la Beca. También trabajó en la composición de la música de la ópera prima de Claudia Saint-Luce Lara, Los insólitos peces gato, que se proyectó en el Festival Internacional de Cine de Morelia 2013. Aparte de seguir tocando como músico invitado en la banda de Aleks Syntek y abriendo sus conciertos, Madame Récamier tuvo la felicidad de presentarse por vez primera como artista principal en Lunario. “Han sido un par de años de mucho trabajo y mucha siembra para dejar florecer todos los sueños y esperanzas que tenía guardados”.

◊◊MICHELLE BLANC◊◊

▸ Mexicali, Baja California “Ganar la Beca María Grever ha sido, sin duda, un logro muy importante en mi carrera. Gracias a ella he tenido la fortuna de conocer compositores muy talentosos que me han invitado a trabajar con ellos y ahora tengo algunas canciones en espera para ser grabadas por artistas reconocidos en México. Además, he estado trabajando con gente como Sandoval, Patricia Loaiza y Maite Perroni, así como en la preproducción de mi disco y en mi show, que aunque todavía no está listo en su totalidad, ya he podido presentarme en algunos lugares, dando una probadita del sabor de mis canciones”.

◊◊PEDRO MORALES ◊◊

▸ San Nicolás de los Garza, Nuevo León Pedro Morales se ha dedicado a la producción musical, escribiendo música, melodías y arreglos para proyectos independientes. Además de lograr mayor presencia en la escena de la música de autor de nuestro país, ha participado en distintos encuentros, como el Festival de la Tierra en Nuevo León y el de Cancionistas Monterrey 2013. En octubre de ese año presentó su trabajo de musicalización del libro Sólo de lo negado, de Agustín García Calvon, y concluyó la adaptación al español del musical Il Musicanti, de Sergio Bardotti. Actualmente desarrolla el proyecto El canto en llamas, una producción de música latinoamericana de su autoría, basada en los cuentos de la obra El llano en llamas, de Juan Rulfo.

◊◊MIRLEY CAUICH ◊◊

▸ Ciudad de México “Ser becaria fue la oportunidad de reafirmar mi vocación como compositora, ya que por primera vez pude dedicarme de lleno a hacerlo. Gracias a la beca y al tema ‘De piloto el corazón’, tuve la fortuna de ganar el concurso Viaja a tu ritmo, y le pusieron mi nombre a un avión durante un año. También obtuve el segundo lugar en el concurso de composición musical Batalla 5 de Mayo con el tema ‘Talaveras’; allí tuve el gusto de conocer a Juan Pablo Manzanero, quien es el productor del disco que preparo actualmente”.

◊◊◊SALVADOR CARRILLO ◊◊◊

▸ Ciudad de México “Este periodo de la Beca María Grever es un punto de quiebre en mi carrera como músico. Me permitió tener continuidad en ella y, sin duda, me ofreció un panorama que antes no tenía. Hizo posible que pasara la mayor parte del tiempo trabajando en mi estudio, sin la preocupación de producir música cuya única finalidad es el éxito comercial, concentrándome más en la calidad de mis composiciones. Durante el año de becario trabajé como productor, ingeniero y músico en cinco discos de otros artistas que, directa o indirectamente, conocieron mi trabajo a consecuencia de la beca”.

◊◊◊CÉSAR GANDY ◊◊◊

▸ Ciudad de México “El apoyo de la Beca María Grever debe significar lo mismo para mí que para todos los que la ganan: una recompensa al amor, al esfuerzo y al sacrificio. Es, además, la señal de ir por el camino correcto y, sobre todo, un cambio de 180 grados, por decirlo de manera simple. Entre las puertas que se me han abierto gracias a esta maravillosa beca están las de Astrid Hadad y Eugenia León, quienes han recibido recientemente algunos temas de mi autoría, de los que destaca ‘El deseo de Juana’, canción con la que concursé para la beca”.

◊◊◊MANUEL GUZMÁN◊◊◊

▸ Monterrey, Nuevo León “Ser reconocido con la Beca María Grever me permitió realizar un taller de música para preescolar en el Centro de Desarrollo Infantil de Monterrey (CENDI), con maestras de tercer grado de preescolar y maestros de música. También diseñé un disco de solfeo para niños en edad preescolar, Aprendiendo el lenguaje musical. Me encuentro muy agradecido por todo lo que la beca ha significado en mi desarrollo profesional y estoy preparando material para dar el siguiente paso: hacerlo llegar a los intérpretes más importantes de México”.

◊Primera generación ◊◊ Segunda generación ◊◊◊ Tercera generación

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Archivo Auditorio Nacional

H

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historia

auditorio.com.mx

EL

AUDITORIO NACIONAL

La ópera en vivo Texto: Juan Arturo Brennan

Sin duda, uno de los mayores triunfos del Auditorio Nacional en los últimos años ha sido la transmisión en vivo de las funciones de ópera que se realizan en el Met de Nueva York. Títulos importantes, obras de repertorio, creaciones modernas, grandes cantantes, directores y producciones, excelentes recursos tecnológicos en las filmaciones, son algunos de los elementos que se han conjuntado para llevar la mejor ópera a un público numeroso, que crece día a día y que está conformado no sólo por conocedores del género sino, con cada vez mayor frecuencia, por miembros de las generaciones jóvenes que se sienten atraídas no únicamente por las obras mismas, sino también por el asombroso despliegue de tecnología que caracteriza estas transmisiones.

Sin embargo, es preciso recordar y enfatizar que, en cuestión de ópera, no sólo de transmisiones en HD vive el Auditorio.

En efecto, este importante recinto de arte y cultura se ha ocupado una y otra vez de ofrecer en su escenario representaciones de ópera en vivo, de producciones tanto nacionales como extranjeras, con todas las virtudes que ello conlleva. La primera de ellas es la presencia in situ, visible, audible, tangible, de cantantes, coros, orquesta, escenografía y otros elementos que componen la parafernalia usual de esta singular forma de arte escénico musical. Por otra parte, la amplia extensión de su escenario ha permitido albergar grandes producciones; en este sentido, recuerdo sobre todo una fastuosa y espectacular producción de Turandot de Giacomo Puccini, traída desde el Teatro Colón de Buenos Aires (2007).

Ahora, después de un compás de espera de algunos años, el Auditorio Nacional retoma la noble idea de ofrecer a su público ópera en vivo, y reinicia precisamente con una producción de la Ópera de Bellas Artes de la misma Turandot (mayo, 2014), seguida por otra de las grandes joyas del repertorio internacional, La Bohème ( julio, 2014), también de Puccini.

Para la historia, cabe recordar que en el recuento de óperas en vivo presentadas con anterioridad en el “Coloso de Reforma”, se encuentran títulos como Julio César de Händel, Boris Godunov de Mussorgski, Carmen de Bizet y Aída de Verdi, todas ellas obras de un gran atractivo visual y escénico.

A propósito de lo cual, no está de más recordar que una de las mayores ventajas de poner ópera en vivo en este recinto está en el hecho de que su sistema interno de cámaras de video, conectado a dos grandes pantallas, permite al público estar en contacto simultáneo con lo mejor de ambos mundos: la amplia visión general de la puesta en escena y los detalles y acercamientos necesarios para tener una experiencia audiovisual rica y completa. El repertorio también ha sido muy vasto; además de sólidos títulos, se ha presentado ópera china, hawaiana, y la obra fundamental de la ópera rock, Tommy (1995). Si a todo ello se añaden las producciones de cámara y para niños, presentadas en Lunario, es claro que se trata de un panorama operístico que tiene un poco de todo para todos.

Parafraseando, queda claro que siempre es mejor la ópera en vivo y el Auditorio Nacional lo ha tenido muy presente en todo momento.

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Un recuento para que quienes asistan a los conciertos y even­ tos que se presentan en este escenario tengan la posibilidad de redescubrir un relato que pertenece a todos.

05 Un recinto que se ha ocupado a lo largo de su historia de ofrecer representaciones de las más importantes producciones tanto nacionales como extranjeras de ópera en vivo. El Auditorio Nacional es el espacio ideal para la expresión cultural.

Página anterior Turandot en el Auditorio Nacional, mayo 19 de 20014.

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FOROS

FOROS DEL MUNDO

En estas páginas se presenta cada mes una selección de escenarios. Ya sea por sus avances tecnológicos, su larga tradición o por los artistas y espectáculos que a ellos llegan, éstos son los mejores.

Texto: La Redacción

Peter Aaron / Esto

USA

Fachada del Fisher Center en Bard College, Nueva York, USA.

The Fisher Center for the Performing Arts Próximos eventos Midsummer Dancing, Tango Night: jueves 31 de julio Movie Night, The Internet Cat Video Film Festival: viernes 1 de agosto Contacto: fishercenter.bard.edu

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Ubicado en el condado de Dutchess, Nueva York, este foro es parte de la universidad privada Bard College. El recinto lleva el nombre de Richard B. Fisher, quien fuera presidente del Consejo Directivo de dicha institución. Fue diseñado por el distinguido arquitecto Frank Gehry, entre cuyas obras más representativas se cuentan el Museo Guggenheim de Bilbao y el Walt Disney Concert Hall de Los Ángeles.

Gehry trabajó en colaboración con el diseñador acústico Yasuhisa Toyota, quien logró que se obtuviera una sonoridad vocal y orquestal perfecta y que la música se escuchara igual desde cualquier punto de la sala. Fue inaugurado en abril de 2003 y desde entonces se ha convertido en un lugar en el que se presentan artistas destacados, se producen programas de buen contenido y se montan obras nuevas, y originales. De

acuerdo con Gehry, la fachada frontal del edificio puede ser interpretada como una máscara teatral que cubre el rostro del espacio escénico. El centro cuenta con el Teatro Sosnoff, donde se presenta ópera, música, danza y puestas en escena. La forma de este espacio es hexagonal con paredes curveadas hacia dentro para crear superficies convexas que difunden mejor el sonido, y tiene una capacidad para albergar a 800 personas aproximadamente. El Teatro Dos es mucho más pequeño y se usa para las obras de los estudiantes de programas de danza y teatro, así como para producciones profesionales que van desde conciertos de rock hasta ópera de cámara.

auditorio.com.mx

Sala Nezahualcóyotl Próximos eventos Concierto familiar infantil Bajo el mar, Orquesta Sinfónica de Minería: sábado 5 de julio Programa Coral Universitario XV Aniversario: domingo 6 de julio Contacto: musica.unam.mx

Este monumental edificio fue diseñado y construido especialmente para música sinfónica, ya que fue erigido específicamente para albergar a la Orquesta Filarmónica de la Universidad Nacional Autónoma de México (OFUNAM). El reconocido compositor mexicano Eduardo Mata —quien fuera director de ésta— se encargó de promover su construcción, inspirado en el Concertgebouw de Ámsterdam y en la sede de la Orquesta Filarmónica de Berlín. El proyecto estuvo a cargo del arquitecto Arcadi Artís, y Christopher Jaffe se encargó del diseño acústico.

La construcción empezó en 1975 y su apertura fue el 30 de diciembre de 1976.

Debajo del escenario hay una cámara de resonancia, mientras que de la parte de arriba del recinto cuelgan unas placas de acrílico

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que reflejan el sonido, lo que tiene como resultado que todo se escuche bien desde cualquier parte del auditorio. Con una capacidad para albergar a 2,299 personas, la sala “Neza” ha sido pieza fundamental en la difusión de la cultura musical de México y del mundo, así como lugar de estreno de importantes composiciones, como el Danzón número 2 (1994), de Arturo Márquez, y la Sinfonía No. 4, Conmemorativa (2010), de Federico Ibarra, interpretada en un concierto especial en el centenario de la UNAM. Este foro es parte del Centro Cultural Universitario, en donde también hay cines, teatros, una librería, una cafetería, el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC), el Espacio Escultórico y la sala Carlos Chávez para conciertos de música de cámara.

Cortesía Sala Nezahualcóyotl

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El interior de la sala “Neza”, en CU, Ciudad de México.

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Una institución

Texto: Enrique Blanc

• NO TE LO PIERDAS… En Lunario del Auditorio Nacional › Javier Bátiz, libre como el aire Jueves 10 de julio 21:00 hrs.

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Este tijuanense se erige como el símbolo inequívoco de la música de su ciudad y no hay quien, en esta profesión, sin importar la generación a la que pertenezca —desde los roqueros que alternaron con él en los años 50, hasta los protagonistas de su afamada escena electrónica— no reconozca sus logros y aportaciones.

En principio, hay que decir que Bátiz fue pionero en lo que al blues y al rock respecta no sólo en el norte del país, sino en la escena de la Ciudad de México, en la cual se estableció por una larga temporada en los años 60 y 70. A ello puede sumársele la producción de una abundante obra propia, hecha desde la autogestión y con el apoyo de sellos independientes, entre los que destacan Orfeón, Fotón y Discos Denver. Se le reconoce también por ser el maestro de Carlos Santana, el afamado guitarrista tapatío, quien antes de cosechar fama y éxito en Estados Unidos se detuvo por un tiempo en la capital de Baja California, donde debutó profesionalmente.

De TJ al DF Evoca el propio Bátiz que las voces de los cantantes que lo marcarían para siempre, los blueseros estadounidenses Sonny Boy Wi-

lliamson, Elmore James y T-Bone Walker, le llegaban con las frecuencias radiales de San Diego que se filtraban a través de la frontera. Desde muy niño quiso emular aquel estilo que luego complementaría el rock and roll de sus primeros exponentes, las voces de Little Richard y Fats Domino, entre otros. En 1957, con apenas 12 años de edad, ya tocaba en los clubes nocturnos de la Avenida Revolución de Tijuana. El Convoy es el nombre del cabaret que vio nacer a su primer grupo, los TJ’s, al cual muy pronto se sumaría Santana. “Ahí se fue metiendo Carlos con nosotros. Yo lo llevé”, puntualiza Bátiz en una entrevista realizada por José Manuel Valenzuela y Gloria González, incluida en Oye cómo va. Recuento del rock tijuanense, (1999). “Yo tenía para entonces unos 14 o algo así, y él ha de haber tenido unos 11”.

La fama de los TJ’s trascendió la Avenida Revolución y el grupo comenzó a presentarse en otros foros de Tijuana y, más adelante, en Mexicali, Tecate, La Paz y Hermosillo.

Habría que imaginar a esta agrupación que contaba entre sus filas con dos de los guitarristas más virtuosos que haya dado el rock nacional. “Carlos Santana estuvo conmigo desde finales del 58 hasta el 63”, precisa quien también se conoce como “El Brujo”.

Max Valenzuela

Javier Bátiz recién llegó a los 70 años de edad y lo hizo como suelen hacerlo los blueseros: con total integridad, vitalidad a prueba de todo y entregado a los sonidos que lo inspiraron desde el primer día en que decidió acercarse a una guitarra, la incuestionable gran pasión de su vida.

del rock mexicano

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conoce a

Enrique Blanc Escritor y periodista especializado en temas musicales.

Ha publicado en Reforma, Milenio, Los Angeles Times, Marvin, Zona de Obras, entre otros. Es autor de los libros Flashback. La aventura del periodismo musical, De mis pasos. Conversaciones con Julieta Venegas, Puro Power Mexicano. Conversaciones con Molotov. Es editor de la revista digital La Banda Elástica.

Influencias Entre los músicos que inspiraron a Javier Bátiz se encuentran estos tres pioneros del blues: Sonny Boy Williamson (19121965). Fue un ejecutante de armónica, compositor y cantante de blues estadounidense cuyo nombre real era Alex Miller. Su carrera se desarrolló desde mediados de los años 30 hasta su muerte.

Una de sus canciones, “Eyesight to the Blind”, forma parte de la ópera rock Tommy de The Who y es la única que no fue compuesta por los miembros de la banda. En 2004 Aerosmith incluyó un cover de ella en el álbum Honkin’ on Bobo.

Elmore James (1918-1963).

Considerado el padre de la slide guitar —una técnica en la que se toca una nota y luego se desliza el dedo a otro traste para producir sonidos llorosos o melancólicos. Muchas de sus canciones han sido grabadas por intérpretes de rock, como “Dust my broom” grabada por Fleetwood Mac, “Bleeding Heart” por Jimi Hendrix, o “Rollin’ n’ Tumblin” por Canned Heat y Eric Clapton, entre otros.

Carlos Anadon

T-Bone Walker (1910-1975).

De ascendencia cheroqui, Aaron Thibeaux Walker fue un cantante y guitarrista de blues. Su disco Stormy Monday Blues inspiró a B.B. King para comprarse una guitarra eléctrica. Es pionero de los subgéneros del jump y el electric blues y forma parte del Salón de la Fama del Blues desde 1980. Jimi Hendrix tomó de él aquél “truco” de ejecutar la guitarra con los dientes en el escenario.

Javier Bátiz en el Teatro Blanquita, 18 de abril de 2014.

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El año 1963 fue, de hecho, clave en la carrera de Bátiz ya que entonces Johnny Laboriel decidió abandonar Los Rebeldes del Rock y el norteño recibió la invitación para llenar su hueco, situación que lo llevó a establecerse en el Distrito Federal. El papel que Bátiz vino a tener en la incipiente escena roquera capitalina fue por demás importante. El músico y escritor Federico Arana lo consigna en su libro Guaraches de ante azul de la siguiente manera: “Un buen día llegó Javier Bátiz a México. Trabajaba en el Harlem y recorrió, en plan de apantallar, los mejores cafés de la ciudad. No le costó mucho lograr su propósito debido a que, mientras los chilangos estábamos dándole duro a Los Venturosos, Ricky Nelson y otras mamadas por el estilo, el ex cantante de los TJ’s conocía a B.B. King de pe a pa y a James Brown al derecho y al revés.”

El innovador estilo y la técnica con que Bátiz hacía vibrar su guitarra tuvo un impacto tremendo en los músicos que hacían rock en el DF y ello, en cierta medida, transformó la escena. “Lo que hice en México fue cambiar la música”, sentencia el cantante en el libro antes citado, Oye cómo va. “Llegué, y en el momento que llegó Javier Bátiz se acabaron Los Bopers, Los Teen Tops, Los Locos del Ritmo, Los Rebeldes del Rock, Los Hooligans; se acabó todo ese movimiento […] Entonces nos dejaron solos. Por 10 ó 15 años [sic] no hubo otro grupo en México ni en el país que no fuera el de Javier Bátiz.

Luego ya empezaron a salir grupos muy importantes también, como Peace & Love, Bandido, El Ritual, de Tijuana, que eran increíbles…”

Independencia y continuidad Javier Bátiz y sus Finks fue el grupo que afianzó el prestigio del fronterizo en la Ciudad de México. En él participaba su hermana, la cantante Baby Bátiz, quien a la postre haría carrera en el género. Valga precisar el hecho de que Bátiz no participó en el Festival de Avándaro en 1971. No obstante, luego de que dicho maratón musical probó a las autoridades en turno el poder que el rock estaba ganando entre la juventud y éstas resolvieron prohibirlo, él asumió un rol de-

terminante en los esfuerzos por darle continuidad, ahora clandestinamente. “Hubo un momento en que los músicos de rock en México no tocaron, fue de Avándaro al 79 u 80; como 10 años sin trabajar, y ahí fue cuando se acabó todo”, recuerda. “Ahí inventamos los hoyos fonquis. Hicimos una sociedad, organizamos juntas de desesperación con la gente que salió afectada directamente, pues aunque yo no estuve en Avándaro, a mí me señalaban como la cabeza de ese movimiento…”, recoge el libro de Valenzuela y González, Oye cómo va.

En 1957, con apenas 12 años de edad, ya tocaba en los clubes nocturnos de la Avenida Revolución de Tijuana.

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DISCOGRAFÍA Javier Bátiz tiene éxitos para dar y repartir.

Aquí hacemos una selección de los trabajos que nos parecen indispensables en cualquier audioteca de rock.

JAVIER BATIZ & THE FAMOUS FINKS (1963 · Peerless/Eco) Un disco lleno de covers, como el de “Please, please, please” de James Brown y “California Sun” de Henry Glover y Morris Levy.

BÁTIZ AND HAIR (1968 · Orfeón) Incluye títulos como “Hard Life”, “Kansas City” y “Lucille”.

ELLA FUE (1976 · Orfeón) Versiones en español de “Night Fever”, “Stayin’ Alive” y “Don’t Let Me Be Misunderstood”.

RADIO COMPLACENCIAS (1985 · Fotón)

La determinación con la que ha llevado adelante su carrera cristaliza en una vasta discografía que es prueba fehaciente de su pasión por la música que abrazó desde niño, y de la cual destacan títulos como Pacífico jardín, Si tú te acuerdas de mí y los seis volúmenes de El baúl del Brujo. En la actualidad, asentado de nuevo en Tijuana, además de continuar perfeccionando su estilo, vive comprometido con las nuevas generaciones a las que acerca al rock y al blues por medio del taller que encabeza y que tiene como sede su estudio, cuya ubicación es por demás conocida de todos los que radican en la urbe fronteriza; como conocidas son también la sencillez, generosidad y entusiasmo que le caracterizan.

Una ranchera: “Pa’l otro año”.

ME GUSTA EL ROCK (1996 · Denver) “Quiero volver a ser tu amigo”, “Muchachita” y la canción que dio nombre al disco.

BAÚL DEL BRUJO (2005 · Denver) Recopilación en seis volúmenes de la música con la que Bátiz se dio a conocer y que se volvió a grabar en sonido digital. Aquí se encuentran populares temas como “Peanut Butter”, “Tell Mama” y “Susy Q”.

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LIBROS | REV ISTAS | DI SE ﾃ前 | C ONTE N I DO

Centrales

• NO TE LOS PIERDAS… › Gala despertares Sábado 9 de agosto 20:00 hrs. › Vagabundo, ¿a dónde te llevará el viento?

Domingos 20 y 27 de julio 13:00 hrs.

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En tres ruedas

Estos clowns hacen que la risa enseñe a niños (y adultos) a aprehender el mundo. Los integrantes de la compañía Triciclo Rojo te harán recorrer un universo colmado de poesía y diversión no apto para solemnes.

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Arte en movimiento

¿Qué hace un bailarín que ha triunfado a corta edad?

Se reúne con sus amigos y organiza una gala para mostrar todo el corazón y la disciplina indispensables para el ballet. Isaac Hernández muestra todo su esplendor.

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Al filo del asiento

Los actos que verás en The Illusionists 2.0 te dejarán con la boca abierta y te llenarán de adrenalina; además, vivirás una gama de intensas emociones. El mejor show de magia en el mundo llega ahora al Auditorio Nacional.

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portada | Triciclo rojo

La poesía de los niños, según Triciclo Rojo El grupo de clowns Triciclo Rojo regresa a Lunario con Vagabundo, ¿a dónde te llevará el viento?, una obra para público infantil en que la animación digital, la danza y la música en vivo se ponen al servicio de un mensaje de amistad y confianza en los propios sueños. Según sus intérpretes, se trata de un espectáculo que apela al costado “poético” de los niños, donde la capacidad de asombro no tiene fin.

Texto: Leonardo Tarifeño Fotos: Ignacio Galar Postproducción: Emiliano Campos / 0DOS55

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• NO TE los PIERDAS… › Vagabundo, ¿a dónde te llevará el viento? en Lunario Domingos 20 y 27 de julio 13:00 hrs.

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portada | Triciclo rojo

En la vida se necesitan muchas cosas más o menos importantes, pero lo único realmente indispensable es la amistad verdadera. Tal parece ser la premisa de Vagabundo, ¿a dónde te llevará el viento?, el espectáculo infantil que los clowns del grupo Triciclo Rojo presentarán los domingos 20 y 27 de este mes en Lunario. Basada en la historia de tres personajes que pierden su hogar, la obra explora la capacidad individual para enfrentar la adversidad y sobreponerse a lo inesperado, “todo con el humor de unos payasos muy especiales y sin dejar de apelar a la capacidad de asombro de los niños, definitivamente el público más exigente del mundo”, como señala Emiliano Cárdenas,

Elizabeth de Anda: Intérprete y entrenadora física

Vagabundo… exigió cuatro años de escritura y representa “Una apuesta muy importante para el grupo, ya que reivindica el sentido poético del clown.

Con la experiencia de la calle

director de la compañía, para La Revista del Auditorio. Según Cárdenas, coprotagonista y autor de la obra ( junto con el clown francés François Durègne), “la historia cuenta lo que le ocurre a Cazzo, Pozzo y Lazzo cuando el faro en el que viven deja de funcionar. Ante la nueva situación, los tres hacen lo imposible para arreglarlo, porque creen que sólo así volverán a tener una casa.

Son lo contrario de los vagabundos que de-

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Emiliano Cárdenas, director de Triciclo Rojo, estudió en la Academia de Danza Mexicana del INBA, pero no duda en afirmar que su gran escuela de clown fue la calle. Nacido en 1980 en Acapulco, se terminó de formar en las aceras y esquinas de la Ciudad de México, Oaxaca y otros estados que, quizás por algo de pena, prefiere no enumerar.

“La calle es todo, un auténtico campo de emociones”, señala. “La gente no te hace ningún caso, y por eso mismo hay que hacer el doble de esfuerzo que en el teatro para captar su atención. A mí me gusta mucho trabajar en la calle, y cada tanto me animo y regreso. Recuerdo que en Oaxaca hacía un sketch que tenía mucho éxito, muy corporal,

que hablaba al mismo tiempo de mis problemas para caminar y de la creación del universo. En ese viaje me emocioné mucho, porque hasta entonces pensaba que al público sólo le divertía lo obvio, lo literal. Y estaba equivocado. Pasó mucho tiempo hasta que me di cuenta, porque la calle te impone llamarle la atención al paseante y yo al principio hacía saltos mortales para que me miraran. Sin embargo, lo que de veras maravillaba a la gente no eran mis saltos, sino las cosas más sencillas, como descubrirse pensando en algo que no habían pensado hasta entonces. Ese descubrimiento fue fundamental para mí e influyó mucho en mi trabajo en Triciclo Rojo”.

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Emiliano Cárdenas: Coreógrafo, fundador y director Natalia Cárdenas: Fundadora, coreógrafa e intérprete

ciden lanzarse al abismo; de a poco, día tras día, ellos descubren el sentido de la fraternidad y el valor de los pequeños pasos que todas las personas damos para entendernos con los demás”. Vagabundo… exigió cuatro años de escritura y representa, en palabras de su autor: “Una apuesta muy importante para el grupo, ya que reivindica el sentido poético del clown”. Para conocer mejor la intimidad de este proyecto, nuestra revista juntó a Emiliano con Natalia Cárdenas, otra figura estelar de la función, quienes no comparten parentesco pero sí apellido y pasión por el trabajo artístico dedicado a los niños. ¿Qué diferencias hay entre Vagabundo… y otras obras del grupo, como Historias en V planivuelo?

Emiliano: Siempre trabajamos sobre la idea de lo importante que es crear un mundo propio y la responsabilidad que cada uno tiene en ello, pero esta obra resulta especial porque nos llega en un momento de gran comunión entre Natalia, Elizabeth de Anda y yo, que somos los tres clowns en escena.

Ahora jugamos, improvisamos y creamos a nuestros personajes gracias al conocimiento que tenemos del otro. Sabemos cuáles son nuestros lados frágiles. Nos hemos visto llorar o reír, y compartimos circunstancias adversas y muy complejas. Somos una compañía en la que colaboramos en todo, nos conocemos desde hace muchos años y eso define la manera de trabajar.

Los integrantes de Triciclo Rojo que no salieron en la foto: Pilar Campo: Fundadora y productora. Gloria Minauro: Fotógrafa, iluminadora y asistente de producción. Óscar Guerrero: Asistente de producción.

¿Por qué es tan importante conocer bien al otro en el trabajo del clown?

Emiliano: Porque la química que se da entre los payasos produce a los personajes y trastoca la historia. La figura del clown se basa en los errores humanos y trabaja con ellos, deja muy expuesto al intérprete.

Natalia: El mensaje de nuestras obras apunta a la valentía que implica buscar la felicidad; como los adultos sabemos, en la vida hay adversidades, cosas buenas y malas, y uno es el principal responsable de lo que le ocurre. En Vagabundo… los tres personajes están hechos con todo eso, lo bueno y lo malo, porque somos tres personas con his-

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portada | Triciclo rojo

Dudas de payasos Durante los ensayos y el proceso de creación de Vagabundo, ¿a dónde te llevará el viento?, una de las mayores dudas de los miembros de Triciclo Rojo fue la vestimenta y el maquillaje. Al tratarse de una obra en la que el mensaje es muy importante, ninguno quería que la carnavalesca apariencia del clown se impusiera sobre todo aquello que la historia preten-

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de comunicar. “Este espectáculo revela personajes muy frágiles, entonces el payaso debe jugar con sentidos más tiernos y poéticos que en otras obras”, explica Emiliano. Según Natalia: “Hay que tener en cuenta que de por sí el payaso produce dos efectos contrarios: o es totalmente empático con el niño, que de inmediato te asume como su mejor amigo,

o genera mucho miedo y ahuyenta a todos los que lo rodean. Es un ente muy diferente al niño, quien no siempre lo ve como humano”. La solución que encontraron fue la neutralidad de la cara totalmente blanca y un traje a rayas que evoca la imagen de los payasos más clásicos del teatro infantil.

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torias completamente diferentes. Y conocernos mucho ayuda porque los clowns revelan lo más honesto, humano y absurdo de nosotros mismos. Una obra de este estilo sólo se puede construir si se pierde el miedo a exponerse por completo. ¿A qué se refieren cuando dicen que el clown está muy expuesto?

N: A que el payaso rompe con absolutamente todo. Nosotros venimos de una formación académica que el clown destruye. Un ejemplo muy sencillo: en la escuela de danza te enseñan que no te puedes reír en escena, y que equivocarse está prohibido. Pero como payaso, lo mejor que te puede pasar en escena es equivocarte. Es el mejor recurso, porque pone a todos en jaque y resulta divertidísimo. Pero hay que animarse a vivirlo y a compartirlo. ¿El payaso no debe hacer como que se equivoca, sino equivocarse de verdad?

N: Exactamente. Y darse la oportunidad de disfrutarlo y compartir con el público todo lo inesperado que surja de allí.

E: El payaso es hijo de la ciencia “patafísica”, en la que las soluciones imaginarias son muy importantes. Al tomar esa idea, unida a la ruptura con la lógica formal del bailarín, nos permitimos crear un tipo de personaje muy particular, que no responde a los gags establecidos. ¿De qué manera incluyen a los niños en esa propuesta?

E: A los niños hay que tomarlos muy en serio. El eje de nuestro trabajo es compartir con ellos la posibilidad de transformar sus espacios y sus vidas, valorar sus pensamientos. En general se tiende a no tomar en serio al niño que dice que quiere ser astronauta, pero hubo un Neri Vela que también decía eso y logró cumplir su sueño. Eso no significa que todos los niños deban ser astronautas, pero nos sirve para entender que uno sólo puede desarrollarse en algo si cree en ello con todo su convencimiento. Nuestras obras insisten mucho en el valor de la confianza que se necesita para conseguir algo.

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¿Y cómo responden ellos?

E: Antes de que se levante el telón ya sentimos la efervescencia natural de los niños.

Durante la obra están muy distendidos y todo el tiempo hacen comentarios porque no se saben aguantar. No se cortan. Según la situación, nosotros reaccionamos y dejamos que surja naturalmente el diálogo con ellos. Apostamos mucho a la parte poética del niño, porque creemos que capta los mensajes rápidamente. Los chicos entienden todo. En lo que los adultos se aferran a la lógica de la obra, para los niños no hay nada más que lo que se ve. No necesitan explicaciones ni deducir nada.

Una obra de este estilo sólo se puede construir si se pierde el miedo a exponerse por completo.

N: Cuando los niños ven a tres personajes que se divierten sobre el escenario, se sienten con la confianza necesaria para sumarse al juego. En nuestras obras, los gritos están presentes todo el tiempo, para darnos instrucciones, para que nos escondamos o simplemente porque los chicos piensan en voz alta. Por supuesto, eso es de lo más hermoso que nos toca vivir. Si no tuviéramos esa retroalimentación, nuestros personajes no crecerían. Pero en ese momento dices: “¡Funcionó!”.

E: En definitiva, lo nuestro no es más que generar un compañero de viaje, porque en realidad son los niños los que nos transportan a su mundo. Nosotros queremos acceder a su mundo, a esos pensamientos y a su manera de ver las cosas, que es lo que nosotros llamamos su parte “poética”.

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¿Ustedes trabajan con los niños en la preparación de sus obras?

E: Durante el proceso de creación de los personajes, sí. Me paso mucho tiempo viéndolos y estudio cómo se mueven. Por eso, algunas posturas nuestras evocan el momento en que el niño descubre todas las posibilidades de sus movimientos. En otras ocasiones hemos presentado alguna obra en ensayos abiertos, con niños, y les preguntamos qué le cambiarían o qué piensan de los personajes. Nos hemos llevado la sorpresa de ver que los niños entienden todo muy bien.

Lo nuestro no es más que generar un compañero de viaje, porque en realidad son los niños los que nos transportan a su mundo. ¿Cómo se logra que el niño ría y piense al mismo tiempo?

E: Conectándose con él. Lo que nosotros no hacemos es comunicar nuestra visión del mundo porque nos parece una imposición pretenciosa. Preferimos conectarnos con los niños a partir del movimiento, o como afirma Natalia, con los errores. Hay momentos durante el show en que los niños se mueren de risa por cosas que no estaban premeditadas de nuestra parte. Allí es cuando hay que acercárseles. Otro aliado es la puesta en escena: para Vagabundo… incorporamos animación digital, un mundo que a ellos les recuerda la tele. Con la música en vivo pasa lo mismo, nos distiende y nos ubica a todos en una misma sintonía.

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Una compañía que se mueve en tres ruedas Triciclo Rojo hace de la risa un recurso del pensamiento utilizando un diálogo incansable con la fantasía y el asombro. Ha sido reconocida por su autenticidad escénica y su capacidad de realizar proyectos integrales de gran impacto, pisando los escenarios más importantes para las artes en Méx-

ico, como el Palacio de Bellas Artes. Además, ha llevado su obra alrededor de la República Mexicana y a países como Dinamarca, India, Chile, Estados Unidos, Portugal, Canadá, China y Brasil.

Su elenco es estable y se especializa en espectáculos para niños y acompañantes.

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Leonardo Tarifeño Nació en Argentina en 1967. Es cronista, periodista cultural y DJ. Actualmente colabora en las revistas Life & Style y SoHo, entre otros medios. Su blog es Guyazi (www.guyazi.blogspot.com). Su libro de crónicas Extranjero siempre (Almadía) fue elegido por el periódico Reforma como una de las mejores obras periodísticas de 2013.

N: Yo creo que una de las cosas de las que más echamos mano es la capacidad de asombro que comparten el niño y el clown.

Ambos viven en universos muy similares y se asombran por cosas sencillas. Eso nos acerca mucho al mundo infantil, y no es algo calculado. Los clowns de Triciclo Rojo se permiten el asombro por las pequeñas cosas, y la verdad es que el niño es eso. ¿En sus shows tienen en cuenta la situación del niño actual, acosado tanto por la cultura digital como por asuntos como el bullying?

N: No buscamos que las obras sean didácticas, porque ya hay un teatro que se ocupa de eso. Sin embargo, vivimos rodeados de niños y nos gusta mucho verlos, así que estamos al pendiente de lo que ocurre en su mundo. Por eso, el mensaje que remarcamos es “crea tu espacio; procúrate y si hay adversidades verás que no estás solo porque hay cómplices en el camino”. Esa transmisión de valores la hacemos sin que resulte literal. ¿Cómo quieren que salgan los niños tras ver Vagabundo…?

E: Me gustaría que salgan con ganas de crear cosas. Quiero que dejen Lunario emocionados por la historia de esos personajes que logran una proeza a pesar de su apariencia vulgar y ordinaria. Y también me encantaría que se dejen llevar por la imaginación. Muchas veces, las obras para niños se limitan a contar una historia como nosotros creemos que la viven los niños, sin apelar a la dimensión poética tan presente en el mundo infantil. Nuestro sueño es que comprendan la historia de esta obra de teatro, pero también que entiendan lo que hay en su trasfondo.

Los queremos sorprender y conmover.

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Despertares El goce de la danza, en alas del ballet

Una gala gestionada por una de las principales figuras en la historia del baile nacional: el joven tapatío Isaac Hernández.

Texto: Gustavo Emilio Rosales / Fotos: Archivo Auditorio Nacional

• NO TE lo PIERDAS… › Gala Despertares Sábado 9 de agosto, 20:00 hrs.

Límite de acceso 19:45 hrs.

Página siguente: María Kochetkova y Joan Boada

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Como es propio del género, en esta gala se presentarán los primeros solistas de destacadas compañías internacionales, interpretando duetos y solos del repertorio romántico, neoclásico y contemporáneo. El disfrute estético, proveniente de observar a notables ejecutantes —bailarines y bailarinas— logrando las evoluciones coreográficas que han sido deleite de generaciones, suele ser, en ocasiones como ésta, una garantía. Sin embargo, el programa que podremos disfrutar en el Auditorio Nacional la noche del sábado 9 de agosto, porta motivos y características especiales que enriquecen y diversifican el espesor artístico de lo que sería una mera antología coreográfica limpiamente ejecutada.

En primer lugar, se trata de una serie definida de manera personal por Hernández, quien a manera de curador de una magna exposición colectiva, definió con tino elencos y repertorio a partir de un criterio rector. Por otra parte, en esta gala se encuentran representadas las principales líneas de fuerza del ballet internacional, por lo que se convierte en una iconografía viva del árbol genealógico orientado hacia lo clásico.

Además, a los indispensables duetos y variaciones tradicionales se han agregado piezas de creación reciente firmadas por coreógrafos excepcionales, lo que hace que la velada se convierta en pulso de la manifestación más codificada, precisa y elegante de la danza convertida en hecho escénico.

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Isaac Hernández Fernández Radiografía de vida ♦♦Origen. Nació bajo el signo de Tauro, el lunes 30 de abril de 1990, en Guadalajara, Jalisco. Miembro de una familia de 10 hijos. ♦♦Vocación. A los ocho años tomó su primera clase completa de ballet. Heredó el llamado de la danza por parte de su padre y primer maestro, el regiomontano Héctor Hernández Valle, quien brilló como bailarín en las compañías de Amalia Hernández y Raúl Flores Canelo. ♦♦Formación. Fortaleció y amplió las enseñanzas de don Héctor en Estados Unidos, gracias a una beca para participar en el Summer Intensive Course 2002 del American Ballet Theatre. Posteriormente, The Rock School for Dance Education, con sede en Filadelfia, lo apoyó para capacitarse entre sus filas. ♦♦Logros principales. El ganar, en 2003, el célebre Youth America Grand Prix, le abrió las puertas a la internacionalización. Al año siguiente recorrió la República Mexicana como parte del programa Los gigantes de la danza, donde alternó con estrellas de la talla de Miguel Ángel Carreño, Carlos Acosta y Tamara Rojo. Actualmente vive su mayor triunfo profesional: ser primer bailarín del Het Nationale Ballet, de Holanda. ♦♦Reto superado. Sin duda, gracias al amor y a la guía familiar, Isaac superó pronto un desafío de peso: el abrazar la danza como camino de vida en un contexto —el tapatío— en el que el paradigma masculino es el del “macho proveedor”. ♦♦Compañerismo. Una virtud de Isaac, celebrada por sus colegas, es la de ser un magnífico partner (compañero de danza). Su más fiel seguidor, en este sentido, es su hermano menor, Esteban, quien sigue sus pasos rumbo al estrellato. ♦♦Atributos artísticos. Un absoluto dominio técnico, creatividad, versatilidad para abordar diversos repertorios y una seductora inteligencia corporal para distribuir sus energías en la creación de una poética propia, son las características de este gran bailarín. ♦♦En sus propias palabras. “Lo más importante para mí es llevar el mensaje de la danza. Acercar el ballet a públicos diversos y que estos se percaten de que no es un placer elitista, sino un goce enteramente humano y, en consecuencia, un patrimonio cultural que a todos nos pertenece”.

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El ballet y su sombra Como las estatuas de Jano, el antiguo dios latino de las puertas, de los comienzos y los ocasos, la gala Despertares tiene doble faz.

Podríamos, atenuando la cautela para con lo alegórico, afirmar que ostenta un rostro de sol y otro de luna. La máscara solar es lo visible: la conformación de una comunidad de seres que, por medio de una disciplina templada al fuego lento de la práctica incesante, han modificado la estructura y energías de su cuerpo para poder transmutar su masa en energía. Ahondar en esta cara evidente es sin duda excitar la tentación de empaparse en la inefable experiencia que significa compartir la danza viva y plena, la danza en sus mejores fiestas.

La presencia lunar está constituida por las razones que se encuentran detrás de cada pieza, la elección que subyace en cada uno de sus protagonistas. Todo en esta zona corresponde a la decisión curatorial de Hernández: escoger la excelencia interpretativa a la que él mismo aspiró en su formación, la que lo llevó a convertirse en el mejor bailarín de ballet nacido en México; seleccionar, asimismo, las piezas que para él significaron un hito en su meteórico camino laboral. En consecuencia, Despertares es un credo del artista, la fe del bailarín expresada de la manera más coherente: sobre un escenario principal y en la ceremonia que es el encuentro directo con los públicos. Uno de los horizontes posibles de este programa es, por tanto, un concepto: la danza es el despertar de los cuerpos a un amanecer de nuevas posibilidades de acción, en el acercamiento con el otro, que, en su diferencia, nos completa.

La vuelta al mundo en un grand pas El listado de compañías que están representadas por los bailarines participantes en Despertares corresponde exclusivamente a la primera división de la danza mundial: el Royal Ballet de Londres, la Ópera de París, el New York City Ballet, el American Ballet Theatre (ABT), el Ballet Nacional de Holanda (Het Nationale Ballet); el Ballet Bolshoi de Rusia; el Ballet de San Francisco y el Nederlands Dans Theater, también de los Países Bajos. La dimensión latina del movimiento estará acreditada —además, por supuesto, de la participación central de Isaac Hernández y de su hermano, Esteban— por

el dúo que integran los gemelos argentinos Martín y Facundo Lombard.

Son notorios los vasos comunicantes entre la biografía artística de Isaac y la participación de los colectivos mencionados. Las agrupaciones estadounidenses propiciaron el despegue profesional del intérprete mexicano y simbolizaron para él un ideal de virtuosismo. Recordemos, por ejemplo, que con tan sólo 17 años tomó la arriesgada decisión de salir de las filas del ABT para

Despertares constituye un viaje por las geografías mundiales del ballet a partir de un punto selecto…

enlistarse en la ruta del Ballet de San Francisco, donde, bajo la tutoría del director islandés Helgi Tómasson, flexibilizó su identidad de ejecutante clásico gracias a la interpretación asidua del legado coreográfico de George Balanchine y al trato incipiente con repertorios innovadores, creados por figuras de la talla de Jerome Robbins, Mark Morris y Val Caniparoli.

Las compañías europeas apuntan —de acuerdo con el presente que vive nuestro hombre— a ser el destino inmediato de Isaac Hernández: bailarín principal del Ballet Nacional de Holanda, huésped de los teatros de danza más renombrados del Viejo Continente y premiado en foros locales de añeja estirpe, como el hogar del antiguamente llamado Ballet Kirov, el Teatro Mariinski, en San Petersburgo.

Desde otra perspectiva, Despertares constituye un viaje por el mundo en alas del ballet o, si se prefiere, un viaje por las geografías

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Drew Jacoby

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María Kochetkova

Gustavo Emilio Rosales Radica en México y Argentina, lugares donde edita y distribuye la Revista DCO Danza, Cuerpo, Obsesión —la cual fundó y actualmente dirige. Ha sido jurado de certámenes internacionales, como el Monaco Danse Forum, y nacionales, como el Premio Nacional de Danza INBA-UAM. Autor de los libros Atopía y Epistemología del cuerpo en estado de danza.

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mundiales del ballet a partir de un punto selecto: la cómoda butaca que ocupemos en el Auditorio Nacional, al lado de amigos, antiguos o por conocer. En términos convencionales, para contemplar los contenidos de este programa en forma aislada necesitaríamos disponer de tres semanas de viaje y varios miles de dólares; sin embargo, gracias a la iniciativa de Isaac y al concurso de las instituciones y empresas patrocinadoras, podremos ahora lograrlo en una única velada de encanto, cifrada en el tiempo poético de un movimiento coreográfico: un grand pas classique, por ejemplo.

Tesoros del despertar La exigente tradición coreográfica del ballet

ocupará adecuadamente, con la representación de tesoros del canon, un lugar primordial en Despertares. A saber, el pas de deux de Romeo y Julieta y extractos seleccionados de Giselle y El corsario, entre otras piezas. Destacan, en el estilo contemporáneo del ballet, el estreno americano de Dances with Harp, creada para Isaac por el genial coreógrafo europeo Hans van Manen y la participación estelar de The Lombard Twins, los gemelos que fusionan técnicas actuales en una propuesta que ellos mismos llaman free expression.

Los 22 bailarines invitados por Hernández para, literalmente, “dar cuerpo” a esta gala, comparten un valor fundamental: no están conformes con sus éxitos y sueñan

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LA MÚSICA PARA DESPERTAR El programa que se ejecutará el sábado 9 de agosto está conformado por piezas que cubren un amplísimo espectro. Presentamos aquí una selección de ellas.

con alcanzar siempre una estancia más alta y completa hacia su realización profesional como artistas.

Entre este grupo de excelencia destacan los intérpretes Drew Jacoby, Victoria Ananyan, Misty Copeland, Garen Scribner, Mathias Heymann y el hermano menor del organizador, Esteban Hernández, quien goza de una posición notable en el Ballet de San Francisco, al que también pertenecen Yuan Yuan Tan y Joan Boada. Otra presencia cercana a Isaac es Jurgita Dronina, su partner más querida. Por otra parte, la rigurosa escuela rusa estará bien representada por Maria Kochetkova, musa del Ballet Bolshoi.

ROMEO Y JULIETA

TARANTELLA

El ballet está basado en una sinopsis de la obra shakespeariana hecha por Adrian Piotrovsky (dramaturgo ruso) y Sergei Radlov. Sergei Prokofiev lo compuso en 1935. La obra causó controversia en su primer montaje, por el Ballet Bolshoi, debido al “final feliz” que propone en oposición a la tragedia original, por lo que fue descartada de los repertorios dancísticos rusos hasta 1940, cuando se presentó completa por primera vez en el Teatro Kirov.

Conjunto de danzas folclóricas del sur de Italia basadas en la creencia popular de que la mordedura de una tarántula podía provocar una condición de histeria conocida como “tarantismo”. El baile se efectuaba entonces como remedio. George Balanchine creó en 1954 Tarantella para el Ballet de la Ciudad de Nueva York a partir de la obra Grande Tarantelle, Op. 67 (18581864) de Louis Moreau Gottschalk.

BARRAS Y ESTRELLAS

CANTO Y FUGA

Coreografía original de George Balanchine a la pieza compuesta por John Philip Sousa. El ballet consta de cinco actos y hace una evocación de los tradicionales desfiles para celebrar la independencia de Estados Unidos. Su estreno ocurrió el 17 de enero de 1958 en el City Center of Music and Drama de la ciudad de Nueva York.

Los hermanos Lombard —bailarines participantes de la gala— hicieron una coreografía para la pieza musical Canto y fuga del compositor argentino Astor Piazzolla, creador del Nuevo Tango. La melodía fue grabada originalmente en Italia como parte del disco Piazzolla 77 con el sello discográfico Carosello.

LLAMAS DE PARÍS

LES LUTINS

Otro clásico del repertorio, la música de este ballet fue compuesta por Boris Asafyev, quien tuvo como inspiración canciones originales de la Revolución Francesa. La coreografía original es de Vasili Vainonen. Su estreno ocurrió en 1932 en el Teatro Kirov de Leningrado.

Una composición para violín y piano de Antonio Bazzini. La pieza es utilizada en competiciones y galas de ballet debido a lo complicado de su ejecución coreográfica ya que está llena de motivos gitanos, por lo que tiene un ritmo alucinantemente rápido.

GISELLE

PAS DE DEUX DE TCHAIKOVSKY

Ballet de inspiración literaria —está basado en un pasaje del libro Espíritus elementales de Heinrich Heine y en el poema Fantômes de Victor Hugo— y en dos actos con coreografía de Jules Perrot y Jean Coralli y libreto de Théophile Gautier y Jules-Henri Vernoy de Saint-Georges. Ha sido interpretado por todos los grandes bailarines del mundo.

Coreografía de George Balanchine para un extracto de El lago de los cisnes, Op. 20, Acto III, de 1877. Descrito como el “despliegue en ocho minutos de bravura y técnica”, este pas de deux utiliza música que fue descubierta más de 70 años después de su estreno en los archivos del Ballet Bolshoi, en 1953.

VOICES OF SPRING

EL CORSARIO

Originalmente fue un vals de Johann Strauss II, de nombre Frühlingsstimmen, escrito en 1882 como solo para soprano y orquesta. Luego, el propio Strauss hizo de él un arreglo para piano.

La pieza fue coreografiada por sir Frederick Ashton bajo el título Voices of Spring entre los años de 1977 y 1978, y es la versión que se presentará en la gala Despertares 2014.

La fuente de inspiración de este ballet es el poema homónimo de Lord Byron. La coreografía original es de Joseph Mazilier para la música de Adolphe Adam. Fue representado por primera vez en el Teatro Imperial de la Ópera de París en 1856 y todas las versiones modernas que se hacen de él están basadas en el montaje del maestro Marius Petipa para el Ballet Imperial de San Petersburgo en el siglo XIX.

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C e n t r a l | The Illusionists 2.0

La revolución de la

MAGIA

Esta compañía de maestros de los espejismos utiliza efectos especiales de punta —como son proyecciones interactivas en 3D— para presentar espectáculos que incluyen actos de levitación, prestidigitación, mentalismo, desaparición y escapismo. Es el show de magia más importante del momento y, en esta nueva gira, reúne en su alineación a seis de los mejores ilusionistas del mundo.

Texto: Anibal Santiago / Fotos: Cortesía The Illussionists 2.0

• NO TE lo PIERDAS… › The Illusionists 2.0 Miércoles 16, 20:00 hrs.

Jueves 17 y 24, 19:00 hrs.

Viernes 18 y 25, 16:00 y 20:00 hrs.

Sábado 19, 12:00, 16:00 y 20:00 hrs.

Domingo 20 y 27, 13:00 y 17:00 hrs.

Miércoles 23, 19:00 hrs.

Sábado 26, 12:00 y 16:00 hrs.

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Al parecer no podía sacarse de encima al niño que se removía dentro de él: pese a que cualquier hombre que se vuelve adulto suele dedicar la vida a “asuntos importantes”, al británico Simon Painter, productor del espectáculo, la magia debió producirle las mismas sensaciones que a cualquier pequeño de ocho años, pero él fue leal al arrebato causado por ese universo de fantasía y le impuso a su existencia una misión: crear un dream team con los mejores magos del planeta. La tarea, aunque ardua, resultó muy divertida para alguien que es receptivo al asombro que generan las ilusiones: después de meses haciendo casting eligió tan sólo a ocho de entre dos mil magos del mundo entero.

Al presenciar una infinidad de trucos —desde una paloma sacada de un sombrero, hasta una aterradora estructura de fuego de la cual un escapista sale intacto—, inevitablemente Painter desarrolló un ojo clínico y haciendo uso de éste creó una compañía

de magos, The Illusionists, misma que se presentará el mes de julio en México con su versión 2.0.

El esfuerzo por comprender los trucos y el impacto que provocarían en el público sirvió a Painter para concebir esta “selección mundial de magos” no como un grupo homogéneo que realiza actos colectivos, sino para dividir el espectáculo en ocho ilusionistas con personalidad, habilidades y ejecuciones independientes. Así, de su cabeza surgieron “The Futurist” (Adam Trent, estadounidense), “The Manipulator” (Yu Ho-Jin, surcoreano), “The Decepcionist ” (James More, británico), “The Warrior” (Aaron Crow, belga), “The Inventor” (Kevin James, francoestadounidense), “The Master Magician” (Luis de Matos, portugués), “The Unusualist” (Raymond Crowe, australiano) y “The Hypnotist” (Scott Lewis, estadounidense), quien perdió la vida el pasado mes de enero. Del elenco original, a México llegarán los seis primeros de la lista.

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“Me gusta llevar cada ilusión a lo inexplicable, pero lo más importante es crear emociones en los espectadores.

Para mí esa es la herramienta más poderosa de que disponemos”.

—The Master Magician

aníbal santiago Nació en La Plata, Argentina, en 1974. En 2007 fue acreedor del Premio Nacional de Periodismo, en el rubro de crónica. Comenzó a escribir para el periódico Reforma y ahora lo hace para Esquire, Gatopardo, Chilango y Quién.

Ha sido conductor en MVS, así como profesor de la carrera de Periodismo en la Universidad Iberoamericana.

Página anterior: Adam Trent, The Futurist.

A la derecha: James More, The Deceptionist.

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Cuando alguna vez le preguntaron a Simon dónde radica la clave de un espectáculo que multiplica a sus devotos por decenas de miles, dijo: “Reinventamos los últimos 100 años de la magia para mostrar lo que será dentro de los próximos 100 años”. Esto significa que la gente puede ver un acto de levitación como lo han hecho, desde hace cerca de un siglo, los gurús Siddha de India, pero robustecido con nuevas tecnologías que integran luces, video y elementos de la naturaleza como fuego o agua.

The Illusionists 2.0 usa pantallas en tercera dimensión, juegos pirotécnicos, escenarios móviles, coreografías, antorchas, majestuosas estructuras colgantes. Y si eso no te impacta, tus taquicardias llegarán cuando observes actos en donde la vida está en juego (o al menos eso parece).

Le preguntamos a The Futurist, Adam Trent, si hay trucos peligrosos o en los que se usen armas, y su respuesta fue sencilla: “si The Deceptionist y The Warrior no te asustan, nada lo hará”.

Maestros de la innovación Adam, pese a tener sólo 28 años, ha sido un trotamundos: los cruceros más lujosos de Estados Unidos se han agitado con la tempestad de su multitalento (en el escenario es mago, bailarín, comediante y cantante).

Este habitante de Los Ángeles ha recorrido 20 países y suma más de 300 funciones. Vistiendo un impecable traje negro y tenis blancos, The Futurist realiza sensuales acrobacias sobre el escenario que a veces te hacen pensar que estás frente a Justin Timberlake, pero cuando una guillotina rebana su cuerpo y él no deja de sonreír verás que su prematura genialidad lo podría convertir en el David Copperfield del siglo xxi.

Y no es una exageración: la revista U.S. News & World Report lo nombró “One of the 10 Most Influential Youths” en Estados Unidos, toda una hazaña para un mago que compitió con políticos, artistas y otros profesionistas prestigiosos. Su originalidad lo ha ido encumbrando, en sus palabras: “Es desafiante crear un truco original, pero si lo

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consigues te ganas el respeto de la industria.

Yo presento la magia combinando música y baile, y del modo en que, imagino, se verá en el futuro”. Situación que no excluye al espectador, él asegura que en México se verá “un festín para la vista y los oídos, un show de maravilla y asombro. Además, en el mejor evento de magia del mundo el público también participa.

Admirador de los magos Penn & Teller —una mancuerna mítica que maravilla a los estadounidenses desde 1970—, Adam era un ilusionista en los días en que sus amigos preferían jugar PlayStation. A los nueve años recibió un libro de magia que definiría su vida. “Empecé a hacer fiestas de cumpleaños para niños de mi edad (un tanto extraño) y a los 11 años trucos de magia en bares (un tanto ilegal)”. Después optó por ganar dinero actuando en las calles: “Era un trabajo extremadamente duro, pero me enseñó a mantener la atención del público bajo las peores condiciones”. Cuando los ahorros fueron suficientes, comenzó a rentar

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LOS MAGOS QUE TE ASOMBRARÁN EN EL AUDITORIO NACIONAL THE MASTER MAGICIAN

THE WARRIOR

Luis de matos

AARON CROW

Este portugués es uno de los magos más reconocidos del momento, un superhéroe de la ilusión que redefine la idea de lo real. Un maestro del mentalismo con un marcado gusto por lo teatral. De Matos —quien además habla muy bien el español— funge como anfitrión del espectáculo. Para él: “La magia no sólo es una de las más antiguas formas de arte, sino que siempre ha sabido evolucionar con la historia del mundo. En muchos casos puede decirse que la magia se anticipa al futuro cuando crea la ilusión de cosas que muchos años después terminan siendo realidad.

La magia desafía la capacidad de soñar que tiene el público de todas las edades. Nuestro trabajo consiste en manipular la percepción de cada espectador haciendo que durante unos instantes lo imposible se haga realidad”.

El mago belga se caracteriza porque sus actos son de los más peligrosos que se han llevado a cabo en un escenario, para los cuales utiliza espadas, arcos, flechas y pistolas de salva. Es cinta negra en taekwondo y su experiencia presentándose en exhibiciones y competencias de dicho arte marcial le dejaron, además de tablas escénicas, un rasgo característico que lo acompaña hasta el día de hoy: el silencio. Para él, la magia es un lenguaje lo suficientemente poderoso; en sus shows no hay palabras porque lo que comunica lo hace a través de ella: “A lo largo de los años he desarrollado un estilo que hace que el hablar sea algo superfluo. No hablar me ayuda a mantenerme realmente concentrado y así completar mi misión. Eso me ayuda a transmitir mi mensaje en donde sea, en Malasia, Turquía, Brasil… y ahora en México”.

THE FUTURIST

THE DECEPTIONIST

ADAM TRENT

JAMES MORE

El estadounidense es uno de los talentos más reconocidos por las nuevas generaciones de fanáticos de la magia. Él fusiona las técnicas clásicas con baile, comedia y tecnología. Debido a su estilo, ha sido descrito como una mezcla entre Justin Timberlake y David Copperfield. Sobre su camino en el mundo de la magia, Trent comentó en exclusiva para La Revista del Auditorio: “Empecé a hacer trucos mágicos en las calles cuando estaba en la preparatoria. Esa fue la primera vez que gané una buena cantidad de dinero con la magia. Era un trabajo extremadamente duro, pero me enseñó a mantener la atención del público bajo las peores condiciones”.

Experto en magia moderna, este británico realiza trucos de alto riesgo. Ha aparecido en populares programas de televisión como Fool Us, en donde demostró sus habilidades ante Jonathan Ross y Penn & Teller. Su tipo de magia favorita se llama stage illusion (ilusión de escenario), para la cual utiliza elementos teatrales y de iluminación. More está convencido de que la magia se disfruta mejor en vivo y, sobre todo, si mantiene a la audiencia al filo de su asiento al presenciar escenas de peligro en las que cualquier cosa podría ir mal.

THE INVENTOR

THE MANIPULATOR

KEVIN JAMES

YU HO-JIN

Nació en Francia pero de padres estadounidenses.

Posee la habilidad innata de crear, desarrollar y producir efectos mágicos de vanguardia. Es un inventor de magia prolífico, uno de los ilusionistas más innovadores del momento y es conocido por crear varios trucos únicos, algunos de los cuales han sido representados por Doug Henning, Mark Wilson y David Copperfield. El estilo de sus actuaciones es poco convencional. Kevin explica que: “la magia es un medio hermoso que me permite ser creativo. No se trata solamente de engañar al público sino de hacer que sienta algo. Puede tocar a la gente de forma emocional. También puede ser divertida. La magia es un lenguaje universal que rompe todas las barreras. Todos se pueden volver a sentir como niños con ese sentido del asombro”.

Uno de los más grandes maestros de la prestidigitación que existen en la actualidad, logrando engañar incluso a los ojos más atentos. Originario de Corea del Sur, ha conquistado escenarios en todo el mundo y ha ganado varias competencias de ilusionismo y prestidigitación. En 2012 ganó el premio FISM, que es el equivalente al Globo de Oro en la comunidad de la magia. Los mejores magos del mundo lo consideran uno de los manipuladores más elegantes que existen.

Yu Ho-Jin es el mago más joven de la compañía y comenzó a desarrollar sus habilidades a muy temprana edad: “Cuando tenía nueve años vi a un mago hacer un acto de manipulación de cartas. Después de ver eso desarrollé una fuerte atracción hacia la magia. Incluso mis padres, que eran muy conservadores y que en un principio se opusieron a que hiciera magia, empezaron a apoyarme cuando vieron mi pasión y mi amor por este arte”.

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C e n t r a l | The Illusionists 2.0

El regreso de un mago The Inventor es el único de los integrantes de The Illusionists 2.0 que fue parte de la primera versión de este espectáculo, The Illusionists, cuyo elenco estaba formado por Dan Sperry “The Anti-Conjuror”, Jeff McBride “The Shaman”, Andrew Basso “The Escapologist”, Mark Kalin “The Gentleman”, Brett Daniels “The Grand Illusionist”, Jinger Leigh “The Enchantress” y Joaquín Kotkin “The Surrealist”. Todos estos magos estuvieron en el Auditorio Nacional en julio de 2012, donde dieron ocho presentaciones — debido a su éxito tuvieron que abrir dos fechas más—, vendiendo 42,000 boletos. The Inventor comentó que los productores le dijeron que podía regresar a México con esta segunda versión del show si hacía trucos completamente nuevos, por lo que ahora está muy emocionado de poder presentarlos al público.

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el auditorio de su ciudad, donde actuaba después de vender él mismo los boletos, hasta que finalmente se consolidó.

Jugar con la vida, la muerte y la mente El espectáculo The Illusionists 2.0 es un carrusel vertiginoso de adrenalina que no da tregua. Y quien busque estirar su umbral de resistencia que observe atento a Aaron Crow, The Warrior. Espigado, con el físico de un atleta de músculos cincelados, adusto y de mirada filosa como soldado medieval, el joven nacido en Bélgica utiliza armas reales en actos en los que participan voluntarios de la audiencia.

En los últimos 15 años, su destreza científica, sin margen de error, se afinó al ser stuntman (o doble) en películas. The Warrior, además, posee un rasgo único: jamás dice una sola palabra en el escenario. ¿Quién necesita hablar cuando utiliza sobre

el escenario pistolas de salva, arco y flechas con las que, como Guillermo Tell, atraviesa una manzana sobre una cabeza aunque entre él y el voluntario haya una distancia espeluznante?

Siempre vestido de lúgubres sacos y gabanes en los que se imbrican el cuero, el pelo, las cadenas, Aaron impone a sus actos una atmósfera solemne y ceremoniosa.

Cada segundo pesa toneladas: la muerte amenaza y él actúa en consecuencia, como un mago-verdugo todopoderoso.

El clímax de la noche lo alcanza The Master Magician, un portugués famoso en el Reino Unido por ser el anfitrión del show televisivo de la BBC, The Magicians. Aunque sería una pena restar sorpresa a sus deslumbrantes actos adelantando en qué consisten, para admirar a Luis de Matos (también conocido como “Rey de los conjuros”) importa saber una cosa: es considerado una

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“Mis actos son tan reales como lo pueden ser sin matar a alguien una vez a la semana. He hecho trucos que son únicos en la historia, que han dejado audiencias fascinadas en más de 40 países.

México es el siguiente en mi lista”.

—The Warrior Aaron Crow, The Warrior

superestrella del mentalismo. Es decir, integra el poder de su mente y la técnica del cutting-edge video para dominar a quien tiene enfrente y adivinar su voluntad. Su “víctima”, naturalmente, puede estar inserta en el público.

El secreto del éxito Si The Illusionists 2.0 ha recorrido el globo terráqueo es porque sus sagaces integrantes han emprendido una revolución. Es tan importante la esencia de un truco, el modo en que se presenta y la música bajo la que se efectúa, como la originalidad de cada acto.

El espectáculo juega con el público de mil maneras, pero la innovación es indispensable. Por esa razón uno de los personajes es Kevin James, The Inventor. El rubio de 52 años, de redondos lentes azules, fresca rosa en la solapa y barba al ras, tiene como misión suprema la invención de todos y cada

uno de sus trucos: el ganador del Creative Fellowship Award from the Academy of Magical Arts and Sciences in Hollywood es una especie de Mozart de la magia: encarna la disciplina y el rigor, a la vez que la inspiración y el arte. De niño, en los años setenta, al ver al ilusionista y escapista canadiense Doug Henning en el programa de la cadena NBC, Doug Henning’s World of Magic, entendió que un acto de magia no es sólo una serie de artimañas manuales que engañan al espectador, sino una pequeña historia en sí misma —con comienzo, desarrollo y desenlace— que hace viajar al público por diferentes estados de ánimo, una travesía mental que, por fortuna, siempre concluye con la admiración. “Ese día, viendo la televisión, Henning salió a escena y fue claro que era mi llamado de vida: más que una atracción hacia la magia, sentí que me unía a ella un encuentro amoroso”, explica The

Inventor. Y aunque cada acto sea un complejo engranaje de pasos que deben ser realizados con exactitud máxima, él tiene claro cuál es su fin último: “lo más importante es recordarle al público qué se siente volver a ser un niño”.

Aunque cueste creerlo, el proceso de montar un gran show como The Illusionists 2.0 inicia desde algo, declara Kevin, absurdamente simple: “Yo creo mi propia magia.

Es muy emocionante: se me ocurre algo, hago un pequeño garabato sobre una servilleta y desde ahí trabajo hasta conseguir el aplauso del público”. Es decir, con su empeño logra que una pequeña idea trazada informalmente se vuelva la alegría de los miles que lo presencian. Ese proceso, mágico pero (ahora sí) totalmente real, es el mismo que vivió el británico Simon Painter, aquel hombre que se propuso crear el dream team de los magos del mundo.

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OPINIÓN

Archivo Auditorio Nacional

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Emmanuel y Mijares en concierto.

Luis de Llano Estudió Comunicación en la Universidad de Houston. Fue director creativo de Televisión Independiente de México. Desde 1973 ha trabajado como productor y director en Televisa. Vicepresidente de Programación Musical de Televisa, productor ejecutivo de eventos especiales, espectáculos y programas de televisión, y creador y director de la empresa Conceptos.

Detengamos un momento la acción, capturemos la instantánea: estamos en Acapulco, es de noche y, frente a nosotros, Emmanuel y Mijares están en pleno concierto del Two’r Amigos. Hay 14 mil espectadores, analicemos a una de ellos. Tiene entre 30 y 40 años, no viene sola, alza los brazos, cierra los ojos y no deja de cantar. Esta imagen, real, me hace pensar en la actualidad de la escena musical: por un lado, la sucesión de encuentros y reencuentros de grupos que antaño lograran alcanzar la cima del éxito; por el otro, los duetos inéditos y la insólita unión de solistas en conciertos que logran convocar a miles de espectadores, giras de adio-

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Entre egos y reencuentros

Luis de Llano Macedo vs.

René Franco En ninguna otra parte del espectáculo sucede, más que en la música, pero ¿qué son los reencuentros? Dos voces autorizadas lo discuten.

René Franco Periodista de arte y entretenimiento desde 1990. Ha coordinado y editado libros de música, revistas y libros de arte. Desde 1996 es productor, creador y conductor del programa de radio La taquilla. En televisión ha sido guionista de Diálogos en confianza y conductor de El recreo y La academia. Desde hace ocho años es productor y conductor de Es de noche y ya llegué.

El reencuentro de OV7 fue programado por la disquera cuando el grupo todavía no se había separado. Ya habían hecho cuentas: los ex-Menudo marcaron el camino mucho antes con aquella cosa llamada, cabalísticamente, El Reencuentro. Cantantes gordos y aseñorados (lo que quedaba de Menudo parecían habérselo comido en una fonda) llenaban auditorios. Y con eso de que gracias a la piratería ya se habían inventado los contratos “360”, donde la disquera participa de los conciertos, no era mala idea “matar” y “resucitar” a OV7.

Dinero. Esa fue la motivación. Dinero que nunca vieron cuando chavitos y que ahora,

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LDLL ses interminables y la interpretación versionada de canciones de un género por artistas de otro, completamente distinto, que se convierten en crossover.

Regresando a nuestra espectadora. Aún cuando se sabe todas las canciones que interpretan los dos amigos en su concierto, éstas no corresponden a su generación. Este hecho señala que el adulto contemporáneo, hoy en día, se identifica con los temas del pasado reciente y los incluye en el soundtrack de su vida.

Nuestra amiga pertenece a la “Generación T” (Timbiriche), es estudiante, profesionista o madre de familia; es una ávida compradora y atesoradora de nostalgia, es fanática de la tele retro. Estos forever teens están acostumbrados a acceder a los productos que fueron creados específicamente para ellos cuando eran niños, como el grupo Timbiriche, a quienes han visto pasar de niños talentosos a polémicos adolescentes y, finalmente, adultos exitosos. Los han acompañado en un viaje generacional en el cual han evolucionado de grupos de “plástico”, como se solía decir, a solistas one hit wonders, actores, conductores y, por plena nostalgia y moda, protagonistas de reencuentros que una y otra vez alcanzan el éxito.

Evolucionaron de ser simples fans que van a sus conciertos, cantan sus canciones en karaoke y visten ese famoso “mono amarillo”, y ahora se identifican como “timbiri-

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“... a veces hubo reencuentro pero no triunfo, y sí un regreso triste y solitario a casa”.

por fin verían. Finalmente, Menudos y Timbiriches estaban al frente de la chequera y de la caja. Si no fuera por el efectivo, constante y sonante, jamás estarían juntas Ilse, Ivonne y Mimí; jamás habrían renegociado para tener de nuevo el nombre Flans (2005). ¿De dónde tanta ganancia? Principalmente, de muchos señores y señoras que necesitaban ver a sus ídolos en esta nueva etapa de Auditorios Nacionales, Foros Soles y conciertos masivos. Vivir lo que nunca pudieron cuando todavía tenían que pedirle domingo a sus papás.

No importó que en el primer reencuentro de Flans el audio pareciera diseñado en una caja de cuatro canales. O que tuviéramos que incluir en la lista hasta a los abuelitos españoles ex-Mocedades, quienes regresaron convertidos en El Consorcio. Todo se vendía; nadie se quería quedar fuera de la fiesta.

No siempre fue bonito. En las redes sociales hay un video legendario de Alan, en el reencuentro de Magneto, tratando inútilmente de afinarse en “Vuela, vuela”, ante los abucheos y burlas del público. Cuando Alan detiene la música para preguntar “¿cuál es el problema?”, le gritan de inmediato: “Tú, idiota”. Con los conciertos masivos, también se acabó el playback. Había que cantar. Por eso a veces hubo reencuentro pero no triunfo, y sí un regreso triste y solitario a casa, con la fama abollada hasta la coronilla.

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OPINIÓN

Cortesía Fuze Tea

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Jay de la Cueva en concierto sinfónico.

LDLL chos”. Los detractores de los grupos “plásticos” jamás calcularon que serían tan emblemáticos, trascendentales y duraderos, como el mismo plástico, y que siguiendo la filosofía de “Chente”, no dejarán de cantar mientras el público les siga aplaudiendo.

El mercado discográfico tiene caminos misteriosos: la reunión y unión insólita de estrellas es lo de hoy y hay que aprovechar el momento. Nadie se asombra de ver a Lupita con Yuri, o de ver a Jay de la Cueva cantando acompañado de sinfónica “17 años” en homenaje a Los Ángeles Azules.

Lo que hace 30 años hubiera horrorizado a los fans, hoy es un refresco para el mercado. ¿Falta de ventas? ¿Oportunismo? ¿Déficit de creatividad? ¿Dos por uno? Tal vez, pero lo cierto es que nadie deja de cantar cuando se siente en su área de confort, lejos de los ojos y oídos criticones, como nuestra amiga que canta y grita cada canción en un paroxismo en donde es Emmanuel, pero también Mijares, y aunque esté lloviendo a mares, no se va del concierto: finalmente se siente a sus anchas, como si estuviera cantando en su propia ducha, como buen selfie bajo la regadera.

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“Lo que hace 30 años hubiera horrorizado a los fans, hoy es un refresco para el mercado”.

Muy pocos son los que no están ahí sólo por el dinero. Por ejemplo, Pandora. La estructura de su reunión y sus discos nuevos son absolutamente originales. Pandora no cuenta como reencuentro sino como afortunada reunión. ¿Pero Mercurio? ¿Por qué, si no por eso? ¿Quién es el ganador en este movimiento que lleva ya más de una década? ¿El público? Sólo si tomamos en cuenta que quieren comprar ilusiones, entonces ha colmado las espectativas de verlas realizadas. Porque de música nueva no hay nada.

Los autores. Esos sí. Esos pilluelos traviesos que tienen a la SACM para que los defienda y que se van de rodillas a la Villa para agradecer los favores recibidos con cada reencuentro. Con eso de que las canciones participan de entre 8 y 12 por ciento de los ingresos (en todos los rubros), los autores le siguen prendiendo veladoras a San Roberto Cantoral y San Armando Manzanero para que siga habiendo reencuentros.

La prensa. Esa sí: ¡a llenar planas, muchachos, que ya llegó la papa!

Y los artistas. Su mejor reencuentro es con la billetera. ¿O era por caridad?

FINALES RESEÑAS

JERSEY BOYS

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(Estados Unidos, 2014) Dirige: Clint Eastwood ·Estelares: John Lloyd Young y Erich Bergen

CONDENADOS (Estados Unidos, 2013) Dirige: Atom Egoyan Estelares: Colin Firth y Reese Witherspoon A partir del libro de Mara Leveritt sobre el juicio de “Los Tres de West Memphis”, Egoyan vuelve a un terreno conocido: el impacto de la tragedia de perder a un niño, un asunto que exploró en Exótica (1994) y El dulce porvenir (1997). El asesinato de tres niños en 1993, atribuido erróneamente a una triada de adolescentes metaleros ha sido objeto de cuatro documentales: West of Memphis, de Amy Berg y la trilogía Paradise Lost, de Joe Berlinger y Bruce Sinofsky. Esta nueva aproximación tiene una mirada más fría y analítica, creando momentos de ansiedad y angustia en escenas cotidianas. El resultado es un filme inquietante y ambiguo que estudia la histeria masiva, el desconcierto, las obsesiones culturales y los prejuicios.

EL EXTRAORDINARIO VIAJE DE T.S. SPIVET (Francia y Canadá, 2013) Dirige: Jean-Pierre Jeunet Estelares: Kyle Catlett y Helena Bonham Carter T.S. Spivet es un niño prodigio de 10 años que vive con su excéntrica familia en una granja en Montana.

Al recibir la notificación del Museo Smithsonian en la que le informan que ha ganado el premio Baird por su invento de una máquina de movimiento perpetuo decide ir solo a Washington. Jeunet (Delicatessen, Amélie) retoma su estética barroca y su sentido del orden caótico en esta película, adaptación de la novela de Reif Larsen. El resultado es una especie de road movie delirante que convierte fabulosos paisajes en visiones emocionales que reflejan la vida interna del personaje. Este filme, que por momentos recuerda La ciudad de los niños perdidos, marca el regreso del director a su mejor cine.

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Clint Eastwood ha realizado películas desde Obsesión mortal, en 1971. Inicialmente su carrera como cineasta era bastante convencional: sus temas en buena medida seguían el modelo del propio personaje que él había adoptado como actor: el solitario, desencantado y violento que cuestiona a la autoridad.

Su cine trataba sobre la libertad y la transgresión a las normas sociales, ya fuera en el Oeste, en la policía o en las vidas de personajes rebeldes y emblemáticos, como John Huston o Charlie “Bird” Parker. En 1992 su carrera dio un giro hacia lo sublime con la obra maestra Los imperdonables; desde entonces podemos considerarlo, con su altas y bajas, uno de los grandes maestros del cine estadounidense (independientemente de que haya hecho el ridículo en la última convención republicana). Eastwood es un director fabuloso que puede hacer un filme de portento basado en una novela rosa como Los puentes de Madison County (1995) así como fulminantes cintas de acción y aventura o poderosas reflexiones sobre el envejecimiento. El veterano de 84 años ha dirigido docenas de cintas cargadas de poesía y sabiduría en una variedad de géneros. Su más reciente trabajo es la historia de Frankie Valli y los Four Seasons, contada en forma de musical a partir de la exitosa obra de teatro Jersey Boys. Una apuesta arriesgada, un ejercicio de estilo y un desafío a la lógica en la que pone en evidencia la madurez de un cineasta que ahora sí, lo ha visto y filmado todo.

Cortesía Warner Bros Pictures

CINE Naief Yehya @nyehya

FINALES RESEÑAS

HEAVEN & EARTH / YES

Frontier Records, 2014

M

MÚSICA Guillermo Hernández Urdapilleta @memowakeman

ELYPSE Camila Sony Music Latin, 2014

Dicen que la música no se crea ni se destruye, sólo se transforma. Esta aseveración describe fielmente a Yes, legendaria banda británica de rock progresivo que a pesar de sus constantes cambios de alineación e incluso de dirección musical, parece no cansarse de componer, algo que sus fans agradecemos profundamente. Heaven & Earth es el álbum de estudio número 21 de la banda, pero el primero con Jon Davison —“Juano”, como es conocido gracias a su amigo de infancia Taylor Hawkings de Foo Fighters y quien también es el cantante del grupo Glass Hammer— como cantante líder, el cual se unió a la banda en el 2012 para sustituir al canadiense Benoit David, quien a su vez reemplazó al legendario Jon Anderson. Con la incorporación de Davison el sonido vocal no cambia de manera brusca; sus matices son parecidos a los de Anderson; sin embargo, sí se puede distinguir entre uno y otro, sobre todo en las notas largas. El cantante también participó de manera muy activa en la composición musical, por lo que el disco cuenta con los tintes pastorales dentro de la estructura de rock progresivo sinfónico que caracteriza a los ingleses. Heaven & Earth cuenta con la participación del experimentado productor Roy Thomas Baker, por lo que su sonido es plena satisfacción. La alineación completa de Yes para este álbum la complementan Chris Squire en el bajo, Steve Howe en la guitarra, Geoffrey Downes en los teclados y Alan White en la batería.

Camila es un punto de referencia en el pop mexicano debido a su gran éxito, tanto que, a pesar de haber sufrido un fuerte cambio en su alineación —Samo ahora comenzará una carrera como solista—, ha podido verse en las reacciones previas al lanzamiento que sus fans permanecerán fieles.

Mario Domm y Pablo Hurtado han optado por continuar como dúo y con sus letras y melodías son más que capaces de seguir alimentando el espíritu romántico que han hecho a más de uno cantar (aunque sea en secreto) los estribillos. Domm, quien ha tomado la dirección creativa de la banda, es el principal compositor, cantante y productor de Elypse. Muchos creían que el sonido cambiaría bruscamente; sin embargo, a pesar de que se puede extrañar la peculiar y apasionada voz de Samo, Elypse deleita a los oídos más escépticos. Una probadita del álbum puede escucharse en el sitio oficial de Camila.

LAZARETTO Jack White Third Man Records, Columbia, 2014 El segundo disco de Jack White como solista es un trabajo que tiene como particularidad ser un viaje a su pasado, ya que las letras de las canciones están inspiradas por textos que escribió a la edad de 19 años y que en su momento le parecieron mediocres.

Al descubrirlos nuevamente, le surgió la idea de hablar con su yo joven y trabajar juntos, tal y como lo dijo en entrevista para Rolling Stone. El álbum es una sorprendete mezcla de sonidos —porque puede parecer bizarra en algunos casos— repartidos en 11 temas, la mayoría con tendencia al blues, otros más cercanos al rock contemporáneo y tintes psicodélicos desatados por el joven que White aún lleva dentro. Uno de los títulos a destacar es “Would You Fight for My Love?”, que ejemplifica lo que este rockero es capaz de reunir y explotar en tan sólo cuatro minutos.

FINALES RESEÑAS

NADA ME FALTA

L

Gonzalo Soltero · Textofilia, Universidad del Claustro de Sor Juana, 2013

Ignacio Galar

LIBROS David Miklos @dmiklos

LA MUERTE DEL PELÍCANO Daniel Espartaco Sánchez y Raúl Aníbal Sánchez Ediciones B, 2014 Hay libros que son una bocanada de aire fresco y La muerte del pelícano es uno de ellos. Thriller que sucede dentro de nuestra inevitable realidad nacional, esta primera entrega —otro caso del Vaquero Rodríguez, según reza la portada, aunque de hecho sea el primero que sus lectores conozcan—, escrita a cuatro manos por los hermanos Sánchez (Chihuahua, 1977 y 1984) es un buen acercamiento a los años del pasado más reciente de México, cuya guerra contra la violencia aún no hemos terminado de digerir. Obra que se suma a las filas del humor negro mexicano, la ópera prima de estos escritores es una eficiente crítica política y una muy buena puesta en escena de una ficción que, como casi siempre, es superada por la realidad.

CUADERNO IDEAL Brenda Lozano · Alfaguara, 2014 Si en Todo nada, su primera novela, Brenda Lozano (México, 1980) recurría a la voz de un anciano para narrarse, en Cuaderno ideal todo es juventud, aunque esta vez esté, para decirlo pronto, dictada por el designio literal de los clásicos. Novela de ocurrencias, esta segunda entrega de la autora es una reflexión impecable sobre la subordinación del acto de escribir al de vivir, un relato que es a la vez serio y lúdico en su exploración de la ausencia del ser amado y la omnipresencia de la literatura en el día a día de su protagonista.

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Un hombre moribundo se va. Es decir: un individuo que va a morir desaparece de su vida cotidiana y decide pasar sus últimos días más allá de su memoria y de su pasado, a la vez distante e inmediato. Tal es el punto de partida de Nada me falta, segunda novela de Gonzalo Soltero (México, 1973), cuyo regreso a la literatura mexicana es contundente. Narrada por medio de párrafos breves y amplios silencios —hay páginas en blanco que deslumbran por su elocuencia—, el relato es una doble elegía o un réquiem escindido. Por un lado, el personaje que decide huir de su vida para irse a morir; por el otro, un país en llamas, herido, mancillado por el presente: México. En esta obra no hay cabida para un tiempo que, de pronto, fue mejor: todo en ella ocurre aquí y ahora, y además de la despedida íntima de su protagonista, asistimos a una reflexión profunda —y engañosamente breve— sobre el estado de las cosas de la situación nacional: la omnipresencia de la violencia y nuestro involucramiento en ella. Autor de cuentos y novelas que ocurrían en los linderos de la fantasía y el devenir cotidiano, Soltero ha publicado un tour de force definitivo y definitorio: su voz narrativa, depurada y sin desperdicio, será difícilmente pasada por alto. Se trata, además, de las buenas apuestas que la editorial independiente Textofilia ha hecho en su afán por ofrecer a los lectores una literatura nacional distinta y, a la vez, excepcional.

auditorio.com.mx

Lo mejor de la agenda del Auditorio Nacional se encuentra en estas páginas, junto con breves reseñas de los eventos y un avance del siguiente mes.

Ballet

Ópera

Concierto

Proyección

Danza

Teatro

Infantil

Varios

A

Agosto

Getty Images

Programación sujeta a cambios

Sheena Easton

Power of Music Fest Son pocos los compositores e intérpretes que han logrado que millones se enamoren, canten y recuerden sus canciones. Gino Vannelli, Sheena Easton, Billy Ocean y Christopher Cross compartirán el escenario del Auditorio Nacional en una noche que hará revivir hermosos momentos con sus éxitos.

Estas ejemplares estrellas tienen una trayectoria musical impresionante, son ganadores de Premios Grammy y responsables de éxitos como “I Just Wanna Stop”(1978), “Morning Train (Nine to Five)”(1981), “Caribbean Queen (No More Love on the Road)” (1984) y “Sailing” (1979), canciones que han sonado en todo el mundo y con las que han logrado trascender la barrera del tiempo para llegar a un público conformado por distintas generaciones.

Power of Music Fest

Miércoles 6 de agosto 20:30 hrs.

Preferente: $1,500 Luneta: $1,100 Balcón: $900 Primer piso: $700 Segundo piso: $350

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A

AGENDA

Programación sujeta a cambios

Cortesía The Illusionists 2.0

Julio La Bohème Ópera de Bellas Artes

Esta obra en cuatro actos que narra las aspiraciones, amores y reveses de cuatro jóvenes bohemios que comparten un ático en París, se presenta dentro del marco del 90 aniversario de la muerte de su compositor, Giacomo Puccini (1858-1924). En México se presentó por primera vez en 1897 en el ya desaparecido Teatro Nacional. Estelarizan el mexicano Ramón Vargas, como Rodolfo, y el papel de Mimí lo alternarán la soprano española Ainhoa Arteta y la veracruzana Olivia Gorra.

Viernes 11 de julio 20:00 hrs.

Sábado 12 de julio 19:00 hrs.

Preferente: $1,000 Luneta: $900 Balcón: $500 Primer piso: $300 Segundo piso: $150

The Illusionists 2.0

Miércoles 16, 20:00 horas Jueves 17, 19:00 horas Viernes 18, 16:00 horas Miércoles 23, 19:00 horas Jueves 24, 19:00 horas Viernes 25, 16:00 horas Preferente 1: $1,000 Preferente 2: $800 Luneta 1: $600 Luneta 2: $450 Primer piso: $200

Viernes 18, 20:00 horas Sábado 19, 12:00, 16:00 y 20:00 horas Domingo 20, 13:00 y 17:00 horas Viernes 25, 20:00 horas Sábado 26, 12:00 y 16:00 horas Domingo 27, 13:00 y 17:00 horas Preferente 1: $1,300 Preferente 2: $1,000 Luneta 1: $800 Luneta 2: $600 Primer piso: $300

The Illusionists 2.0

Agosto Lunes a sábado: 10:00-19:00 hrs.

Domingo: 11:00-18:00 hrs.

Se aceptan todas las tarjetas de crédito bancarias y American Express.

Para más información consulte nuestra página de internet: auditorio.com.mx

Los Ángeles Azules y Cañaveral Viernes 1 de agosto 20:30 hrs.

Preferente: $900 Luneta: $750 Balcón: $600 Primer piso: $400 Segundo piso: $200

PXNDX

Domingo 3 de agosto 20:00 hrs.

Preferente: $850 Luneta: $600 Balcón: $450 Primer piso: $300 Segundo piso: $150

Emmanuel y Mijares: Two’r Amigos Jueves 7 de agosto 20:30 hrs.

Preferente: $2,200 Luneta: $1,500 Balcón: $1,200 Primer piso: $500 Segundo piso: $300

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Gala Despertares

Cortesía BFMAM

HORARIOS DE TAQUILLA

Con la presentación de Isaac Hernández y bailarines internacionales.

Sábado 9 de agosto 20:00 hrs.* Preferente: $1,150 Luneta: $750 Balcón: $500 Primer piso: $250 *Límite de acceso 19:45 hrs.

Roberto Carlos: World Tour 2014

El eterno romántico de la canción regresa al Auditorio con los temas más significativos de su carrera.

Viernes 15 y sábado 16 de agosto 20:30 y 20:00 hrs. respectivamente Preferente A: $1,950 Luneta y Balcón A: $1,650 Balcón B: $1,100 Primer piso: $500 Segundo piso: $450

Óscar Chávez: Kikiriki

Sábado 30 de agosto 20:00 hrs.

Preferente A: $1,000 Peferente B: $900 Luneta: $750

Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández

Balcón: $600 Primer piso: $350 Segundo piso: $250

Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández: Así te envuelve México

Con la participación de la Orquesta Sinfónica del Estado de Veracruz, bajo la batuta del maestro Antonio Tornero. En palabras de Enrique Krauze, el BFMAM: “Es un arte que

combina la música y los ritmos con el colorido de México. Probablemente una de las expresiones plásticas más completas de lo que es el ser mexicano”.

Domingo 31 de agosto 18:00 hrs.

Preferente: $1,250 Luneta: $1,000 Balcón: $800 Primer piso: $450 Segundo piso: $250

auditorio.com.mx

A

Programación sujeta a cambios

LUNARIO / julio Para consultar la cartelera completa visita: lunario.com.mx

México muy Flamenco 2014: México baila así

Cortesía México muy Flamenco

Esta gala de apertura conjunta el talento de ocho grandes bailaores de flamenco, cada uno con gran trayectoria y un estilo muy diferente: Jorge Antonio Noriega, Rosa Elena Flores, Patricia Ibarra, Bárbara Bretón, José Bramasco, Nuria Rubio, Gisela Marín y Érika Suárez, quienes darán una muestra de este arte gitano que desde hace varias décadas se ha arraigado en nuestro país.

Viernes 4 de julio 21:00 hrs.

Cortesía Alejandro Filio

Preferente A: $350 Preferente B: $300 Vista parcial: $250 Mesas numeradas

Alejandro Filio: Se trata de sentir El cantautor, poeta y músico mexicano Alejandro Filio presentará su nuevo álbum, Se trata de sentir. Autodefinido como un trovador contemporáneo, Filio inició su carrera en los años 80 tocando en peñas y en algunos bares de la Ciudad de México. Cuenta con 17 discos, entre los que destaca Un secreto a voces, producción en la que lo acompañaron 14 artistas de diversas nacionalidades, entre ellos Silvio Rodríguez, Víctor Manuel, Tania Libertad, Alejandro Lerner y Amaury Pérez.

Viernes 11 de julio

A Small Family Business National Theatre de Londres Esta comedia llena de histeria y con un clímax bastante macabro trata sobre la avaricia empresarial; original del dramaturgo Alan Ayckbourn, regresa al National Theatre por primera vez desde su estreno en 1987, cuando ganó el Evening Standard Award por Mejor obra de teatro. Dirige Adam Penford y el elenco incluye a Nigel Lindsay, Debra Gillett, Gawn Grainger, Amanda Hadingue, Amy Marston, Gerard Monaco, Samuel Taylor y Niky Wardley.

Lunes 14 de julio

21:00 hrs.

Preventa: $150 Día del evento: $180 Mesas numeradas * Para mayores de 16 años

Primera fila: $700 Preferente A: $500 Preferente B: $400 Vista parcial: $400 Mesas numeradas

20:00 hrs.

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A

AGENDA

Cortesía Ely Guerra

Programación sujeta a cambios

#lunario10 presenta: Ely Guerra: El origen Viernes 18 de julio 21:00 hrs.

Fila VIP: $650 Preferente general: $450 Mesas numeradas Concierta independencia: Dannah Garay y Matías Carbajal Martes 29 de julio 21:00 hrs.

Preventa: $180 Día del evento: $220 Mesas numeradas #lunario10 presenta: Vagabundo, ¿a dónde te llevará el viento?

Domingo 20 y domingo 27 de julio 13:00 hrs.

Costo por boleto adulto: Preventa: $180 Día del evento: $220 Mesas numeradas Edad recomendada: a partir de 3 años

agosto Concierta Independencia: Los Segregados y Su Mercé Estos dos grupos personifican la constancia y sus frutos. Segregados está integrado por ex internos del Reclusorio Oriente, lugar en el que se conocieron y donde comenzaron a escribir canciones. Con ellas dieron forma a Todo es playa, su álbum debut. Por otra parte, Su Mercé combina ska, danzón, trova, cumbia y reggae desde que se formó a finales de los 90. Correspondencia (2013), su más reciente disco, rompe con siete años de silencio y presenta a Emiliano Buenfil (guitarra y voz), Gustavo Rangel (teclados y acordeón) y Emiliano Piña (guitarra) con ganas de seguir narrando los días y sus personajes.

Viernes 1 de agosto 21:00 hrs.

Preventa: $180 Día del evento: $220

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Machingón Después del éxito que alcanzó en el festival Vive Latino, la banda tapatía regresa a la Ciudad de México. Enfundados en máscaras de luchadores, mostrarán nuevamente su habilidad para combinar sonidos guapachosos y otros géneros para crear su propio estilo, al que han denominado “Guapacha Pagüer”, una combinación entre metal, rock, hardcore, surf y ritmos tropicales.

Sábado 9 de agosto 21:00 hrs.

Entrada general: $200 Su Mercé

auditorio.com.mx

A

Cortesía A Love Electric

Programación sujeta a cambios

A Love Electric

La Banda Bastön, XVI años Sábado 2 de agosto 21:00 hrs.

Preventa: $300 Día del evento: $350 Admisión general de pie Fernando Delgadillo en concierto Sábado 16 de agosto 21:00 hrs.

Primera fila: $850 Preferente A: $600 Preferente B: $500 Vista parcial: $500 Mesas numeradas Radaid en concierto, XV aniversario Miércoles 20 de agosto 21:00 hrs.

Preventa: $290 Día del evento: $330 Admisión general de pie

#lunario10 presenta: La Única Internacional Sonora Santanera y La Original Sonora Dinamita de Lucho Argaín y Elsa López Viernes 22 de agosto 21:00 hrs.

Primera fila: $1,100 Preferente A: $750 Preferente B: $650 Vista parcial: $650 Mesas numeradas #lunario10 presenta: A Love Electric & John Medeski: Son of a Hero Sábado 23 de agosto 21:00 hrs.

Primera fila: $700 Preferente A: $500 Preferente B: $500 Vista parcial: $400 Mesas numeradas

Mariana Vega & Carlos Gatica en concierto Jueves 28 de agosto 21:00 hrs.

Primera fila: $600 Preferente A: $400 Preferente B: $300 Vista parcial: $150 Mesas numeradas Los Hermanos Castro en concierto Viernes 29 y sábado 30 de agosto 21:00 hrs.

Primera fila: $1,100 Preferente A: $700 Preferente B: $600 Vista parcial: $600 Mesas numeradas

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FINALES MEMORIA

Ballet sobre hielo En 1962 se presentó la compañía Wellmann en el Auditorio Nacional con el espectáculo Arcoíris en el hielo. Durante el primer acto, el conjunto coreográfico simuló con evoluciones y piruetas un circo imaginario.

Sucedió: el 21 de julio de 1962 Lugar: Escenario del Auditorio Nacional Autor: Anónimo / Auditorio Nacional

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