Revista de Auditorio Nacional / No. 9 by La Revista del Auditorio

REVISTA del AUDITORIO la

Nº 9 NOVIEMBRE 2014

Ejemplar gratuito

Café Tacvba milosh habla de Rhye

El dúo que este canadiense forma con Robin Hannibal traerá a Lunario su propuesta musical, resultado de una mezcla de soul, R&B y música electrónica.

Ana Moura

Representante de un género musical que carga los sentires del pueblo portugués, esta cantante llega a Lunario para seducir con su aterciopelada voz.

La Arrolladora…

Con don René Camacho al frente, ésta será la quinta ocasión en que la agrupación sinaloense llene el Auditorio Nacional y ponga a todos a bailar.

Uno de los grupos de rock más populares de Latinoamérica celebra sus 25 años de carrera artística con su Gira 20re-ct25. Como parte de ésta, darán seis conciertos en el Coloso de Reforma.

CONTENIDO

REVISTA del AUDITORIO la

No 09 · noviembre 2014

Consejo Nacional para la Cultura y las Artes Rafael Tovar y de Teresa

CENTRALES

Presidente

Gobierno del Distrito Federal

Café Tacvba, el cuarteto de Satélite que ha hecho historia en el rock en español, estará en “El Escenario de México”.

Miguel Ángel Mancera Espinosa

Auditorio Nacional

Gerardo Estrada Rodríguez Coordinador Ejecutivo

Rafa Paz

Jefe de Gobierno

Francisco Serrano Carreto

Director de Desarrollo Corporativo

Luis Carlos Romo Salcido Director de Operaciones

Constanza Bolaños González Garza

Directora de Promoción y Difusión

Carlos Reygadas Barquín Director de Administración y Finanzas Director de Producción

Mónica Navarro Ruiz Coordinadora de Prensa

Nicolás Martínez

Centro de Documentación del Auditorio Nacional

Archivo Auditorio Nacional

Mark Giancola

LA ARROLLADORA BANDA EL LIMÓN Los talentosos músicos que conforman esta agrupación han puesto con sus piezas muy en alto el nombre del pequeño pueblo de Sinaloa que los vio nacer. p. 38

CONTENIDO

REVISTA del AUDITORIO la

No 09 · noviembre 2014

Dirección

Eduardo Sanmiguel Director general eduardo@aeditores.com

Marcela Aguilar y Maya Directora asociada

Editorial

Santiago Oria Probert Director editorial santiago@aeditores.com

Julieta García Asesora editorial julieta@aeditores.com

Claudia Benítez Coordinadora editorial

Arte Cynthia Márquez Directora de arte y diseño

Gerardo Terán Diseñador

Fernanda Carrasco Archivo Auditorio Nacional

Editora de foto

Comercial

Eva Feldman Ejecutiva de cuenta eva@aeditores.com

Gabriela García Ejecutiva de cuenta gabriela@aeditores.com

Ivonne Miranda Ejecutiva de cuenta ivonne@aeditores.com

Diego Rivera Ejecutivo de cuenta diegor@aeditores.com

Pablo Maya Relaciones públicas

Asesores de contenidos Marcello Lara Jesús Quintero

consejo editorial

Gerardo Estrada Bruno Newman Francisco Serrano Eduardo Sanmiguel Julieta García Constanza Bolaños Marcela Aguilar y Maya Mónica Navarro

A / EDITORES

Leibnitz 20, piso 8-801 Col. Anzures, México, D.F. T. +52 (55) 52 81 17 78 y 79 aeditores.tumblr.com

BREVES

David Bowie en un museo, el último disco de Leonard Cohen, los instrumentos más caros, música en torrent y discos de vinilo, entre otros temas. p. 7

CONOCE A...

Rhye, un dúo que al inicio de su carrera eligió el anonimato con la intención de centrar la atención del público únicamente en su música. p. 18

HISTORIA

Desde hace 12 años, la Galería del Auditorio Nacional ha sido sede de importantes exposiciones fotográficas. Aquí te hablamos de algunas de ellas. p. 14

OPINIÓN

En la industria de la música conviven o se enfrentan el talento artístico y el marketing. Aquí dos puntos de vista al respecto. p. 44

FOROS

Presentamos un centro cultural brasileño de espectacular arquitectura y uno de los teatros más destacados en nuestro país. p. 16

RESEÑAS

Te sugerimos algunas películas de estreno, nuevos lanzamientos en el mundo de la música y libros recientemente publicados. p. 46

La Revista del Auditorio es una publicación de A/Editores. Leibnitz 20-801, Col. Anzures, C.P. 11590 México, D.F. Teléfono 5281 1778. Revista mensual. Número 09, noviembre 2014. Editor responsable: Eduardo Sanmiguel M. El contenido de los artículos es responsabilidad de los autores. Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción parcial o total incluyendo cualquier medio electrónico o magnético con fines comerciales. La información contenida se ha obtenido de fuentes fidedignas. Número de Reserva del Instituto Nacional de Derechos de Autor No. 04-2014-041111154300-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido No. 16218. Distribuido por Grupo CONAGRA, Popocatépetl 415, Col. Santa Cruz Atoyac, C.P. 03100, México, D.F. Impresa en Grupo Ajusco, S.A. de C.V., José María Agreda y Sánchez 223, Col. Tránsito, C.P. 062820, México, D.F., Teléfono 5132 1100.

Encuentros cercanos entre artistas y su público Hay famosos que tienen una cercanía especial con sus seguidores y aprovechan cada oportunidad para regalar autógrafos, tomarse fotografías e incluso dar abrazos, compartiendo momentos íntimos con ellos. Tal es el caso de Susana Zabaleta y Juan Solo. La primera, actriz y cantante de larga trayectoria artística, estuvo en Lunario el 30 de septiembre para festejar su cumpleaños con la gente. Bajo los lemas: “¿Quieres ver cómo dar es recibir? Da un abrazo y recibe uno instantáneamente” y “Abraza a un desconocido cada vez que puedas y tu vida va a cambiar”, Zabaleta estuvo en el vestíbulo del recinto para dar y recibir abrazos de las personas que fueron a desearle un feliz cumpleaños. ¡Qué mejor que celebrar en el lugar donde vas a dar un concierto días después!

Por su parte, el cantautor poblano Juan Solo estuvo en Lunario durante la venta de boletos para su concierto, conviviendo con sus admiradores y retratándose con ellos, haciendo caras chistosas y usando sombreros de colores. A juzgar por las imágenes, se la pasaron muy bien, como se comentó en Twitter: “Todos salen muy contentos después de saludar a @soyjuansolo y tomarse fotos”; “Nos estamos divirtiendo mucho en la venta de boletos de @soyjuansolo”. Si quieres ver las fotografías de estos momentos de convivencia entre los artistas y sus fans, puedes visitar las cuentas de Facebook, Instagram y Twitter de Lunario.

Sigue los pasos del Auditorio Nacional, Lunario y Lunas del Auditorio en: @AuditorioMx @LunarioMx @LunasAuditorio AuditorioMx LunarioMx LunasAuditorio +AuditorioMx +LunarioMx AuditorioMx LunarioMx TVLunas

De @LunarioMX: @SusanaZabaleta llega a Lunario para celebrar su cumpleaños.

Del FB de Lunario: Juan Solo se puso muy besucón en la venta de boletos para su concierto del 24 de octubre (dice que quiere que le quiten lo solo).

Contáctanos en: auditorio@auditorio.com.mx · lunario@auditorio.com.mx · lunas@auditorio.com.mx

AuditorioMx LunarioMx LunasAuditorio

La permanencia de las leyendas En México son pocos los grupos que integran con éxito los gustos musicales de la actualidad con el folclor nacional, menos aún los que permanecen 25 años en la preferencia del público —sin importar qué tan sui géneris pueda éste llegar a ser—, y hoy en día podemos contar con los dedos de las manos a aquellos que, en la escena del rock, no permiten detractores cuando se discute su importancia. Uno de ellos es Café Tacvba. Al celebrar sus “bodas de plata” y las dos décadas del disco Re, este póquer de talentos nos demuestra que hay enlaces que están diseñados para perdurar, declaración que ellos mismos confirmaron en exclusiva para La Revista del Auditorio, durante las sesiones de entrevistas y fotografías que les presentamos en esta edición. Igual de trascendentales, pero dentro del marco de la música grupera, podemos contar a los integrantes de La Arrolladora Banda El Limón de René Camacho, quienes a partir de su origen humilde en un pueblo de Sinaloa conquistan audiencias nacionales e internacionales, siempre apoyados por su espíritu de trabajo y enorme capacidad para ponernos a todos a bailar. En estas páginas la representación musical de la cultura y las tradiciones va más allá de nuestras fronteras. Ana Moura, la voz del fado en la actualidad, género que representa los sentires e ideales del pueblo portugués, se presentará en Lunario y aquí te presentamos los detalles para que la disfrutes. Sean siempre bienvenidos. —Los editores

En portada: Café Tacvba. Fotografía cortesía de La Marmota Azul.

AUDITORIO recomienda

Presentamos una cartelera de otros eventos culturales que actualmente se llevan a cabo en foros, teatros y museos de la Ciudad de México. La oferta es amplia, por lo que te recomendamos apartar los días en tu agenda para que no te quedes sin verlos.

Ballet

Ópera

Concierto

Proyección

Danza

Teatro

Infantil

Varios

Cortesía

Programación sujeta a cambios

Museo de Arte Moderno (MAM)

50 años 50 obras

El Museo de Arte Moderno cuenta con un acervo de 2 mil 668 piezas de 773 artistas, del que se han seleccionado 50 obras maestras de creadores como Remedios Varo, Frida Kahlo, Diego Rivera, Rufino Tamayo, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco, entre muchos otros, para esta exposición que recorre la creación artística en México. Todo como parte de la celebración por los 50 años del museo. Hasta el domingo 24 de mayo.

Museo de la Ciudad de México

La tertulia del Sorrento. Martí Martín

Dentro del marco del 75 aniversario del exilio español y en colaboración con el Ateneo Español, se presenta la obra plástica del arquitecto y pintor Jesús Martí Martín, quien vivió su destierro en México. Se trata de 24 retratos de “La tertulia del Sorrento”, uno de los cafés en los que se reunían los exiliados españoles, localizado en el hotel del Prado, el cual se derrumbó en el terremoto del 85. Hasta el jueves 1 de enero.

José Clemente Orozco, Autorretrato, 1937.

Eventos nacionales e internacionales de danza y música clásica y contemporánea

Camerata Bern

Louis Dupras, director Suiza Palacio de Bellas Artes Programa: MOZART: Sinfonía Salzburgo en Re mayor KV 136 ZIMMERLIN: Tu aliento reposa sobre el cielo de agosto, para 14 solistas de cuerdas BRITTEN: Variaciones sobre un tema de Frank Bridge BEETHOVEN: Sonata Kreutzer (en versión para orquesta de cuerdas) Jueves 13 de noviembre 20:30 hrs. Precios: $465, $410, $310, $225, $100

Sueños y obsesiones

Raúl Parrao, director Teatro de la Danza del Centro Cultural del Bosque Jueves 20 y viernes 21 de noviembre 20:00 hrs. Sábado 22 de noviembre 19:00 hrs.

Domingo 23 de noviembre 18:00 hrs. Precio: $80

Il Giardino Armonico

Giovanni Antonini, director Italia Palacio de Bellas Artes Programa: FONTANA: Sonata para tres violines y bajo continuo MERULA: Chacona para dos violines y bajo continuo SCHMELZER: Sonata en Re mayor para tres violines y bajo continuo TELEMANN: Sonata en Fa mayor para dos salmoés, violín y bajo continuo VIVALDI: Sonata “Follia”, op. I núm. 12, RV63 para dos violines y bajo continuo TELEMANN: Concierto en Re menor para dos salmoés, cuerdas y bajo continuo VON BIBER: Partita VI en Re mayor de “Armonía artificiosa – ariosa” TELEMANN: Concierto en Do mayor para flauta de pico, cuerdas y bajo continuo Domingo 30 de noviembre 17:00 hrs.

Precios: $465, $410, $310, $225, $100

Réquiem (Anécdotas de la nostalgia)

Beatriz Madrid, directora Centro Nacional de las Artes (Cenart) Jueves 4 y viernes 5 de diciembre 20:00 hrs. Sábado 6 de diciembre 19:00 hrs. Domingo 7 de diciembre 18:00 hrs. Precio: $100

Ensamble IBER Música-Danza

Centro de Producción de Danza Contemporánea del INBA. Centro de Experimentación y Producción de Música Contemporánea del INBA. Palacio de Bellas Artes Programa: Rostros de humo (México) Memoria de la ausencia (Perú) Más allá (Argentina) Martes 9 de diciembre 20:30 hrs. Precios: $80, $60, $30

▸ CENTRO CULTURAL DEL BOSQUE Paseo de la Reforma y Campo Marte s/n, Polanco V Sección. ▸ Palacio de Bellas Artes Av. Juárez s/n, Centro Histórico, Ciudad de México. ▸ CENTRO NACIONAL DE LAS ARTES (CENART) Río Churubusco 79, esquina con Calzada de Tlalpan, Country Club. ▸ MUSEO DE ARTE MODERNO (MAM) Paseo de la Reforma y Gandhi s/n, Bosque de Chapultepec. Martes a domingo 10:15 a 17:30 hrs. Entrada general: $26. Entrada libre: profesores, estudiantes, INAPAM / domingos. ▸ MUSEO DE LA CIUDAD DE MÉXICO Pino Suárez 30, Centro. Martes a domingo 10:00 a 18:00 hrs. Entrada general: $24 / miércoles entrada libre.

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LAS Texto: Naief Yehya

BREVES

¿Qué está pasando en el mundo de la música y el espectáculo? Te presentamos una selección de notas interesantes para que estés informado.

Exposición

Cortesía davidbowie.com

Retrospectiva de David Bowie

En una era de desmitificación de las instituciones y de glorificación de la cultura pop, ya no sorprende cuando una estrella de rock es homenajeada en un museo. No obstante, sigue pareciendo una sorpresa que un músico pop de la talla de David Bowie reciba el reconocimiento que merece de parte de la alta cultura. La carrera del cantante, compositor, innovador, figura de vanguardia y transgresor es objeto de una

retrospectiva de su obra en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, titulada David Bowie Is. La muestra, que ofrece una variedad de más de 400 objetos como vestuario, manuscritos de letras de canciones, fotos, diseños de escenografías y arte relacionado con sus álbumes, había sido presentada por primera vez en el Museo Victoria & Albert de Londres. El material está organizado cro-

nológicamente y constituye una ventana a los cambios y maduración de Bowie desde la década de los 50 hasta los inicios del año 2000, cuando se retiró de dar conciertos. El británico no es una figura fácil de descifrar: sus numerosas transformaciones, su inmenso impacto en toda clase de artistas, así como su voraz asimilación de influencias, lo hacen un personaje camaleónico, trascendente y fascinante.

breves

El ganador es…

Cortesía International Classical Artists

PREMIOS GRAMOPHONE 2014

Problemas populares

Nuevo disco de Leonard Cohen nueva música), y es una obra brillante en la que reflexiona sobre la muerte pero a la vez celebra la vida, retoma viejas melodías, se desliza con sabiduría por el jazz y el blues, incorpora influencias y explora territorios desconocidos. Hasta antes del lanzamiento, Cohen sólo dijo que parte de su nuevo trabajo son canciones que no llegaron a entrar en su anterior obra, pero que también incluye algunas sorpresas. • rol.st/1sQuwKx Getty Images

80 años no es nada, y la prueba es que el extraordinario Leonard Cohen recientemente estrenó un nuevo disco, Popular Problems, el 23 de septiembre, dos días después de alcanzar las ocho décadas. De acuerdo con el sitio autorizado The Leonard Cohen Files, el compositor, novelista y poeta canadiense no tiene planes de dar una gira de promoción. Este álbum aparece apenas dos años después de su anterior grabación, Old Ideas, de 2012 (lanzada luego de una década sin ofrecer

El premio de Gramophone Classical Music al Mejor disco del año fue otorgado al director de orquesta Riccardo Chailly y a la Gewandhaus Orchestra de Leipzig por su ciclo de sinfonías de Brahms, bajo el sello Decca. No han sido pocos los que han señalado que Chailly ha logrado enaltecer las tradiciones al tiempo que las cuestiona de manera constructiva y propositiva. De tal forma consigue que la música clásica se conserve actual, relevante y capaz de “hablar” con las nuevas generaciones. Por otra parte, el violinista griego Leonidas Kavakos fue elegido por segunda vez como el Artista del Año en una votación pública internacional. La última vez que ganó fue hace 23 años, a inicios de su carrera como solista. Otros premiados fueron el director de orquesta y violinista sir Neville Marriner, quien a sus 90 años recibió un reconocimiento por su sobresaliente carrera; el flautista sir James Galway fue honrado por sus logros; el clavecinista Mahan Esfahani fue galardonado en la categoría de Música barroca instrumental; y el premio a la Música contemporánea fue otorgado al compositor George Benjamin.

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tendencias

EL REGRESO DE LOS DISCOS DE VINILO

Cortesía Urban Outfitters

Para todos aquellos que miramos con desprecio las tiendas de ropa de moda y las consideramos proveedoras de trapos caros, es importante tomar en consideración que la empresa Urban Outfitters se ha convertido en el principal vendedor de vinilos del planeta. De acuerdo con un reporte de BuzzFeed, la venta aumentó desde 2002 en un 250%, mientras que las ventas de música en otros formatos han caído en un 50%. Por supuesto que esta cadena de ropa, sinónimo de moda Millennial y de hipsterismo, no produce música o financia artistas; es más, ni siquiera compra discos, sino que simplemente renta anaqueles a un centenar de distribuidores. Muchos aseguran que “el regreso” a los vinilos se debe a la búsqueda de un sonido de mejor calidad y de un arte gráfico de mayor formato, pero la evidencia parece apuntar a que las placas de 33 revoluciones se han vuelto un accesorio de moda, un objeto que se presume más de lo que se escucha. De cualquier manera, éstos sólo constituyen el 1.4% de todos los álbumes vendidos en 2013, por lo que la esperanza de que ésta sea la salvación de la industria es muy remota.

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El Top 5

Los instrumentos más caros de la historia

Cortesía

Existen ciertos instrumentos musicales que ya sea por ciertas características que los hacen únicos, por su fabricante o por las manos que los han tocado, valen una fortuna y son codiciados por quienes tienen una billetera lo suficientemente rica para poseerlos. He aquí cinco de los más costosos del mundo.

Una de las 10 violas Stradivarius que quedan en el mundo y que perteneció al barón británico MacDonald en el siglo XIX debió convertirse en el instrumento más caro del mundo a sus 295 años de edad, ya que su precio inicial en una subasta de Sotheby’s en junio de 2014 fue de 45 millones de dólares. Sin embargo, nadie pagó esa suma, con lo que parece confirmarse el viejo chiste: ¿Qué se debe hacer para que no te roben tu violín? Ponerlo en el estuche de una viola.

El violín Guarneri del Gesu “Vieuxtemps”, fabricado alrededor de 1741 por Giuseppe Guarneri, vale supuestamente 18 millones de dólares y perteneció al violinista belga del siglo XIX Henri Vieuxtemps (de ahí su nombre), así como también a los músicos Yehudi Menuhin, Itzhak Perlman y Pinchas Zukerman. Ahora se encuentra en manos de la compositora estadounidense Anne Akiko Meyers.

El violín Stradivarius al que se le dio el nombre de Lady Blunt (hecho en 1721), fue vendido en 2011 por la casa de subastas Tarisio en 15.9 millones de dólares, dinero destinado a apoyar a las víctimas del terremoto de Japón que ocurrió en marzo de ese año. El instrumento debe su nombre a su primera propietaria conocida, Lady Anne Blunt, hija de la matemática Ada Lovelace y nieta de Lord Byron.

El Stradivarius “The Hammer”, nombrado así por el coleccionista sueco del siglo XIX, Christian Hammer, su propietario, fue vendido por 3.544 millones de dólares en 2006 a un licitador anónimo. Durante 12 años fue tocado por la violinista japonesa Kyoko Takezawa.

En diciembre de 2013 la guitarra Fender Stratocaster de Bob Dylan, la cual tocó por primera vez en el Newport Folk Festival de 1965, fue vendida en una subasta a un comprador anónimo, quien pagó por ella 965 mil dólares. Con esto, el instrumento de Dylan rompió el récord del mayor precio pagado por una guitarra que había establecido en 2004 la Stratocaster “Blackie” de Eric Clapton, vendida por 959,500 dólares.

Sabías que…

TERCERA DE FORROS. DONDE PUEDES ANOTAR TUS IDEAS Aquellos que comparten su gusto por la música y la literatura en idéntica medida, ahora cuentan con un nuevo espacio de comunicación y reconocimiento. En septiembre, Lunario del Auditorio Nacional puso en marcha el programa Tercera de Forros, el cual enlaza ambas artes en charlas que exhiben la opinión de reconocidos músicos y escritores, quienes descubren los secretos de la relación entre estas dos formas de expresión, así como los múltiples significados que podemos encontrar en ellas, abordando la música desde la literatura y viceversa. Porque la letra de una canción también cuenta una historia con la que el escucha puede identificarse, así como le sucede al lector de un libro. Literatura y música permiten que su audiencia se transporte a otros mundos, universos para reflexionar acerca de la condición humana. El diálogo que se genera en este espacio parte de preguntas como ¿es Haruki Murakami un autor musical? ¿Nick Cave canta versos de amor? ¿La letra de una canción y su música pueden ser motivo para escribir una novela? Tercera de Forros tuvo su primera sesión el 23 de septiembre en el Salón Blanco de Lunario y llevó por título New Skin for the Old Ceremony, nombre del cuarto disco de estudio de Leonard Cohen. Ese día, los invitados hablaron sobre este músico, compositor, poeta y novelista canadiense y de su relación con la literatura. Participaron Fernando Rivera Calderón, escritor, músico, locutor y cantante; Jorge F. Hernández, cuentista, profesor, novelista y ensayista; y Nicolás Alvarado (moderador), escritor y comunicador.

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En la red

Cortesía kevinwestenberg.com

EL EXPERIMENTO DE THOM YORKE Desde su aparición, la palabra torrent ha sido considerada por la industria del entretenimiento como una amenaza. Para ésta, una empresa dedicada a compartir archivos como BitTorrent es sinónimo de piratería y robo. Los torrents son una tecnología prácticamente incontrolable que permite subir y bajar toda clase de archivos de manera veloz y eficiente. Sin embargo, Thom Yorke, el cantante y compositor de Radiohead y Atoms for Peace, decidió emprender un experimento que consistió en lanzar su más reciente disco como solista, Tomorrow’s Modern Boxes, vía un nuevo sistema de BitTorrent llamado Bundles, como el primer torrent pagado mediante un PayGate. Al hacer esto la intención es que los autores recuperen el control de sus obras y no se vean obligados a pagar intermediarios, costos de servidores, hosting o cloud. Yorke considera que las disqueras se han rendido y no están interesadas en vender música, por lo que están apostando a servicios como Spotify. Esta iniciativa es un intento de poner el disco en la red con la ventaja de poderlo comercializar. Como antecedente, ya en 2007 Radiohead había lanzado un álbum con el modelo “paga lo que quieras”.

TLP

¿te lo perdiste?

¿TE LO

PERDISTE?

Una selección de fotografías de los espectáculos que tuvieron lugar en los escenarios de Lunario y Auditorio Nacional en fechas recientes. Para aquellos que no pudieron asistir, aquí una muestra de lo que sucedió.

La variedad de espectáculos que constantemente se presentan en nuestros escenarios es imposible de atender al pie de la letra. Entre los talentos que pudimos observar en las últimas semanas se encuentran La Oreja de Van Gogh, Emmanuel y Mijares, Wisin & Prince Royce y Daniela Romo en el “Coloso de Reforma”; así como a Elizabeth Meza, Raúl Ornelas, Sol Pereyra y Kumbia Queers, Los del Río, La Manta, Municipal Waste, Francisco Céspedes, Francisca Valenzuela, Rodrigo Rojas y Crown The Empire, en Lunario. Aquí una probadita.

Sol Pereyra y Kumbia Queers Raúl Ornelas Daniela Romo

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TLP

Francisco Céspedes Los del Río ◯ Emmanuel y Mijares

Elizabeth Meza La Oreja de Van Gogh ◯ La Manta

Archivo Auditorio Nacional

historia

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AUDITORIO NACIONAL

Un recuento para que quienes asistan a los conciertos y even tos que se presentan en este escenario tengan la posibilidad de redescubrir un relato que pertenece a todos.

Texto: La redacción

Música en imágenes en la Galería del Coloso El 24 de septiembre de 2002 fue inaugurada la Galería con la exposición Auditorio Nacional: 50 años de ser El Escenario de México, una historia visual del recinto desde su nacimiento. A partir de entonces, este espacio no ha dejado de albergar interesantes muestras fotográficas. Una de las primeras fue Rolling Stones 40 x 20 (marzo de 2003) para conmemorar los 40 años de este grupo británico con imágenes de 20 fotógrafos, entre ellos Art Kane, Baron Wolman y Fernando Aceves. Estos dos últimos fueron quienes cortaron el listón de apertura. En septiembre de 2003 se presentaron 37 retratos de George Harrison en Un tributo fotográfico, con el que a través de la lente de 11 artistas se hizo un recorrido por la vida del músico, rindiéndole homenaje a casi dos años de su muerte. Los visitantes pudieron observar fotografías de la famosa sesión que hizo Astrid Kirchherr durante los inicios de The Beatles, así como la temporada que éstos pasaron en la India con Maharishi Mahesh Yogi, entre muchos otros momentos de la biografía del guitarrista. Siguiendo con las estrellas del rock, el legendario fotógrafo de la revista Rolling Stone, Baron Wolman, estuvo en la Galería en enero de 2004 para inaugurar Vi la música, compuesta por imágenes de Janis Joplin, Jimi Hendrix y Jim Morrison, entre otros, y del festival de Woodstock. Le siguió otra exhibición también muy visitada: Memorias del jazz (agosto de 2004), la cual reunió el trabajo del más grande retratista del género en Estados Unidos, Herman Leonard, quien capturó en blanco y negro a leyendas de esta música, como Ella Fitzgerald, Charlie Parker y Miles Davis.

Años después, en marzo de 2007, la Galería volvió a sumergirse en el mundo del rock con la presencia de Storm Thorgerson, quien presentó Música para los ojos, una colección de 70 portadas de discos que él ilustró para grupos como Pink Floyd, Led Zeppelin y The Cranberries, entre muchos más. Durante el montaje de la exposición, el diseñador decidió a simple vista a qué altura colgar los cuadros. Cuentan los trabajadores del Auditorio que cuando midieron el espacio que había quedado entre las piezas, se dieron cuenta de que todas estaban a exactamente la misma distancia. En mayo de 2008 estuvo presente uno de los más extraordinarios fotógrafos del rock: Bob Gruen, quien inauguró su muestra Rockers, 50 fotografías de iconos como John Lennon, David Bowie y Bob Dylan. El neoyorquino hizo gala de magnífico humor y, además de autógrafos, le sacó fotos a quienes se lo pidieron. En febrero de 2012 se recibió a la artista Ebet Roberts, quien inauguró Los destellos del sonido, 70 imágenes de figuras como Bob Marley, Madonna y Frank Zappa, entre muchos otros; retratos que antes habían aparecido en revistas como The New York Times y Rolling Stone. Llegamos al final de este recorrido por la Galería destacando Auditorio Nacional: 60 años del Escenario de México ( junio de 2012), compuesta por fotos (la mayoría de Fernando Aceves) que recordaron a los personajes más célebres que han estado en el escenario del Coloso desde su apertura en 1952. Todas estas exposiciones confirman el compromiso del Auditorio por exhibir lo amplio que es el mundo del espectáculo.

09 La Galería que se encuentra ubicada en el vestíbulo del Auditorio Nacional ha sido, desde hace 12 años, sede de un sinnúmero de importantes exposiciones fotográficas. Aunque los temas de éstas han sido varios, pasando por el fútbol y la lucha libre, esta vez nos enfocamos en las más destacadas que tienen que ver con el mundo de la música.

Página anterior El fotógrafo Bob Gruen al lado de un visitante anónimo que llegó vestido como John Lennon a la inauguración de la exposición Rockers. Sucedió el 21 de mayo de 2008.

FOROS

FOROS DEL MUNDO

En estas páginas se presenta cada mes una selección de escenarios. Ya sea por sus avances tecnológicos, su larga tradición o por los artistas y espectáculos que a ellos llegan, éstos son los mejores.

Christian de Portzamparc

Texto: La redacción

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Exterior del edificio de Cidade das Artes, diseñado por Christian de Portzamparc.

Cidade das Artes Próximos eventos Cia de dança rosas: del miércoles 5 al viernes 7 de noviembre Ricardo III: viernes 28 y sábado 29 de noviembre Hamlet: domingo 30 de noviembre y lunes 1 de diciembre Contacto: www.cidadedasartes.org

Este espectacular complejo cultural se localiza en el nuevo distrito de Río de Janeiro: Barra de Tijuca. El diseño estuvo a cargo del arquitecto francés Christian de Portzamparc, ganador del prestigioso Premio Pritzker en 1994, y entre cuyas obras se cuentan la Philharmonie Luxembourg y la Cité de la Musique en París. Cidade das Artes es un homenaje a algunos de los más destacados arquitectos de Brasil, como Oscar Niemeyer, ya que incorpora arquetipos de la arquitectura brasileña, como los grandes espacios abiertos, más algunas columnas y rampas esculturales. La construcción tardó nueve años en ser terminada y fue duramente criticada porque costó aproximadamente 213 millones de dólares, siendo que se había presupuestado únicamente en 86.

El edificio es como una pequeña ciudad que se levanta sobre una amplia terraza ubicada 10 metros arriba del suelo, flotando sobre un jardín diseñado por Fernando Chacel, célebre arquitecto paisajista brasileño. Cidade das Artes alberga una sala filarmónica con 1,800 asientos —la cual se puede convertir en sala de ópera y en auditorio para música de cámara—, un teatro, cines, estudios de danza, salones para ensayos orquestales, un restaurante, una mediateca, una galería de arte, espacios multiusos y tiendas. Su inauguración sucedió en enero de 2013 con el musical Rock en Río. Actualmente es sede de importantes eventos culturales y es el nuevo hogar de la Orquesta Sinfónica Brasileña. Es, además, uno de los espacios más completos para las artes escénicas en Sudamérica.

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Teatro Diana Próximos eventos Yann Tiersen: Infinity Tour: lunes 17 de noviembre Orquesta del Gärtnerplatztheater: jueves 20 de noviembre Orlok: sábado 13 y domingo 14 de diciembre

el vestíbulo, la escalinata y los murales de José María Servín. La sala principal del recinto tiene 2,345 asientos y el Estudio Diana, un espacio para obras y conciertos más pequeños, puede recibir a 120 personas sentadas y 180 de pie. El Teatro Diana fue inaugurado en febrero de 2005 con el espectáculo Lord of the Dance, de la compañía de danza de Michael Flatley. Desde entonces se han presentado ahí artistas y agrupaciones como Kronos Quartet, Andrés Calamaro, Luciano Pavarotti, Julieta Venegas, el Ballet Nacional de Belgrado y David Copperfield. Es, al igual que el Auditorio Nacional, uno de los recintos en los que se transmite en vivo la ópera del Met de Nueva York, y es uno de los foros culturales más destacados en el país.

Cortesía Teatro Diana

Contacto: www.teatrodiana.com

Este teatro en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, se encuentra en el edificio que originalmente fuera el Cine Diana, diseñado por Julio de la Peña, reconocido arquitecto tapatío. El cine cerró en 1995 y no fue sino hasta 2001 que la Universidad de Guadalajara adquirió el espacio con la finalidad de usarlo para promover las artes escénicas, tanto nacionales como internacionales, y revitalizar así la cultura en la ciudad. Los trabajos de remodelación corrieron a cargo del arquitecto Héctor García Curiel, de la constructora El Opeño, Alejandro Luna y Cristian Escurdia —de Theater Projects Consultants—, otros profesionales de la Universidad de Guadalajara y el coordinador de obras y proyectos Guillermo Rivas Montiel; del cine conservaron únicamente

mex

holoesferica.com

Exterior e interior del Teatro Diana en Guadalajara, Jalisco.

conoce a

Rhye: cuando el amor es el combustible Una mezcla de soul, R&B y música electrónica, con letras escritas bajo los efectos de un brebaje llamado enamoramiento, hace de Rhye una propuesta que ha pasado del anonimato premeditado al reconocimiento popular gracias a la batuta de Mike Milosh, su principal artífice. Texto: Alejandro González Castillo

La escena se atestigua en YouTube: una chica es iluminada por la luz parpadeante de una vela que colorea sus facciones de tonos rojizos. Por segundos, la mujer luce apenada, ruborizada; y, de pronto, parece sentirse orgullosa, plenamente feliz e identificada con lo que sucede frente a ella. Y es que ante sus ojos y oídos —y a espaldas del internauta, entre penumbras— alguien le canta una sentida y sencilla melodía al piano, una tonada de esas que se abren camino con las uñas, nota tras nota, hasta perforar el cuero. “Open” es el nombre del tema. Y claro, en su momento, el video de marras se regó como un virus implacable hasta alcanzar miles de likes. Sin embargo, cuando éste fue subido a la red en febrero de 2012, la identidad del cantante en cuestión era un mis-

terio. De hecho, en ese entonces circulaba entre usuarios una pregunta primordial: quien interpretaba esa canción, ¿era hombre o mujer? Pronto se sabría que el responsable de la composición era un tipo llamado Mike Milosh y que la protagonista del video era nada menos que su pareja. “El amor y el sexo son hermosos”, dijo el músico para el sitio Pitchfork, “no creo que éstos deban ser presentados de modo grotesco en la música pop”. Así que para manifestar su repudio ante tal degradación, el hombre decidió aliarse con Robin Hannibal para formar Rhye, un dúo que eligió el anonimato al arranque de su historia con tal de centrar la atención del público en lo que verdaderamente importa: la música.

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• NO TE lo PIERDAS… › RHYE Viernes 21 de noviembre, 21:00 hrs.

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Milosh Sobre sus gustos musicales, el artista canadiense comenta: “Cuando estoy en casa regularmente escucho música de lo más variada. Puedo poner algo de Aphex Twin y a continuación algo de Marvin Gaye para luego escuchar lo que sea de Radiohead o de Thom Yorke, de quien me gustan su voz y sus letras; para mí es absolutamente inspirador lo que hace. Además, me encanta el rap de los 90, como A Tribe Called Quest y De La Soul. Por otro lado, también me gusta la música clásica, Beethoven, por ejemplo”.

“Para mí, lo verdaderamente relevante son las canciones, ¿qué importa quién sea quien las cante? Ésa es la razón por la que durante algún tiempo oculté mi rostro”. — Milosh

DISCOGRAFÍA MILOSH* 2004

YOU MAKE ME FEEL (Plug Research) Su álbum debut como solista. Incluye “Your Taste”, “Creepy” y “The Sky Is Grey”.

2006 MEME

(Plug Research) Segundo trabajo como solista. Contiene “Falling Away”, “I’m Trying” y “Run Away”.

2008 III

(Plug Research)

El primer encuentro entre ambos creadores tuvo lugar durante el verano de 2010, cuando Hannibal se encontraba en su natal Copenhague y decidió buscar a Mike, quien, pese a ser canadiense, se hallaba en Berlín. Jamás se habían visto cara a cara, pero se admiraban mutuamente; el primero formaba parte del dúo Quadron y el segundo llevaba tiempo anunciándose como Milosh en las marquesinas que proyectan beats electrónicos. Fi-

Otro disco propio con temas como “Remember the Good Things”, “Awful Game” y “Wrapped Round My Ways”.

2013

JETLAG (Deadly Records) La producción de este álbum estuvo en manos de Milosh y de su esposa, y su sonido podría definirse como música electrónica downtempo.

nalmente, el europeo llamó al americano para que cantara en un remix que traía entre manos. En realidad, un boleto de avión de 30 euros y las tres composiciones que durante esa cita confeccionaron los separaban; luego, nada volvería a ser igual, pues a inicios del siguiente año el par chocaría sus manos, feliz, tras enterarse de que el sello Innovative Leissure lo tenía en la mira. Pero, ¿qué hay detrás del apelativo Rhye? Sólo sus artífices lo saben. De hecho, se dice que tras bautizar el proyecto formularon un pacto: jamás revelarían su origen. Y así como fueron herméticos con la raíz de su denominativo, eligieron cubrir sus rostros con un velo. “Es que no creo que a la gente deba importarle mucho cómo luzco, cómo soy”, explica Milosh vía teléfonica desde Canadá para La Revista del Auditorio. “Para mí, lo verdaderamente relevante son las canciones, ¿qué importa quién sea quien las cante? Ésa es la razón por la que durante algún tiempo oculté mi rostro”. Woman (2013) es el álbum debut de Rhye, una colección de temas de perfil multiforme. “Lo describiría como música honesta, básicamente”, comenta el canadiense. “Lo que hago es el resultado de una mezcla donde se concentran elementos de R&B, pero también de soul —me encanta el sonido Motown— y algo de música electrónica”. AGC: ¿Cómo se consigue unir sonidos orgánicos con virtuales sin que el discurso musical se extravíe? MM: En directo jamás uso samplers. A veces

MĂŠxico, D.F. T Centro Comercial Antara, MĂŠxico, D.F. T

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Corbis

Hannibal A lo largo de la primera década del presente siglo, Robin Hannibal fue un productivo músico multiinstrumentista y productor, y una fuerza creativa detrás del grupo Boom Clap Bachelors, un colectivo de músicos daneses, así como de los dúos Parallel Dance Ensemble y Owusu & Hannibal, este último compuesto por él mismo y el cantante danés Philip Owusu. Pero lo que realmente le valió reconocimiento fue su proyecto Quadron, creado en 2009 junto con Coco O, cantante de Boom Clap Bachelors, y el cual ha sido calificado como electro-soul.

llego a utilizar un pedal para hacer loops y un delay para mi voz, no más. El resto de la instrumentación en los conciertos de Rhye es muy orgánica, pues hay un chelo, un trombón, un teclado, un violín. En realidad, prácticamente todo es ejecutado en vivo. Esto sucede en cierta medida porque trato de mantener una distancia entre Rhye y Milosh, mi otro proyecto musical. En el segundo caso uso muchos sintetizadores, samplers y todo eso, mientras que en el primero me esmero especialmente porque sean preponderantes los instrumentos reales. La mayor parte de Woman fue grabado en Los Ángeles. ¿Consideras que el espíritu de esta ciudad permeó las composiciones? No creo que el ambiente de las ciudades en donde son grabados los discos penetre en las canciones. Los temas que vienen en Woman hablan de un momento muy especial en mi vida, de cuando me enamoré, y ese sentimiento fue mucho más poderoso que cualquier ciudad donde yo pudiera estar. ¿Qué va a suceder en el futuro de Rhye? ¿Planeas usar el amor combustible para más discos? Nunca hago planes. Sólo escribo sobre lo que ocurre en mi vida y listo. Por ejemplo, tengo una canción, “Hunger”, que no habla de amor, aunque la gente piense que así es. Es cierto que Woman tiene muchas canciones de amor, pues era lo más importante para mí cuando compuse esos temas. En el futuro seguiré escribiendo de lo que sea trascendente en mi vida en ese momento.

DISCOGRAFÍA HANNIBAL* 2009

QUADRON ( Alarm) Primer disco del dúo Quadron en el que se incluyen temas como “Buster Keaton”, “Jeans” y “Horse”.

2011

BOBBY (Circulations) EP que constituye su primer y único trabajo como solista, el cual recibió muy buenas críticas. Contiene canciones como “Plastic” y “Amends”, interpretadas por su álter ego, Bobby.

2013

AVALANCHE (Vested in Culture) Segundo álbum de estudio de Quadron en el que se puede escuchar “Hey Love”, “Neverland” y “Sea Salt”. *Como Rhye, Milosh y Hannibal hasta ahora sólo tienen el álbum Woman. No obstante, por su parte cada uno de ellos cuenta con varios trabajos discográficos.

Alejandro González Castillo Como periodista, ha escrito en las principales revistas especializadas en música del país, así como en Proceso, Frente, El Fanzine y otras publicaciones entre las que destacan diarios chilenos y revistas españolas y estadounidenses. Coordinador del libro 100 discos esenciales del rock mexicano. Actualmente escribe para Marvin, Bitácora del Auditorio Nacional, Círculo Mixup y Music: life magazine.

¿Qué opinas de la forma en la cual son abordadas las relaciones amorosas en la música popular de hoy día? Creo que la música moderna aborda el sexo de modo misógino. Las canciones hablan de sostener relaciones con varias mujeres, pero jamás de hacer el amor con una sola, con tu esposa, por ejemplo. Yo prefiero hablar de personas que se enamoran y hacen el amor. Lo que busco es escribir sobre conexiones profundas, como el mantenerme unido a una persona por el resto de mis días. Tras conocer tu visión de la música y el amor, muchas personas deben estar ansiosas por escucharte en directo en México. ¿Guardas alguna expectativa sobre tu próxima presentación en Lunario? Estoy emocionado de llegar a nuevas audiencias y tengo la esperanza de que la cita en México se transforme en una noche hermosa. Sin embargo, procuro no crearme expectativas, intento no pensar en qué sucederá. Me gusta vivir el presente, así que lo que sea que vaya a ocurrir, que suceda.

L i b r o s | r ev i sta s | d i s e 単 o | c o n t e n i d o

Centrales

• NO TE LO PIERDAS… › Café Tacvba Martes 11, miércoles 12, jueves 13 y viernes 14 de noviembre, martes 2 de diciembre, 20:30 hrs. Sábado 15 de noviembre, 20:00 hrs.

Café Tacvba celebra sus 25 años Uno de los grupos más destacados de nuestro país festeja su larga trayectoria artística y los 20 años del lanzamiento de Re, su trabajo discográfico más representativo.

El fado en voz de Ana Moura En el género musical por excelencia del pueblo portugués, esta cantante es su máximo representante. No te la pierdas este mes en Lunario.

Una banda de éxito arrollador Esta agrupación sinaloense, autora de temas memorables y con una agenda saturada de presentaciones, iniciará el nuevo año con un concierto en el Auditorio.

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Los Tacvbos están de fiesta Con 25 años de historia detrás, el cuarteto originario de Ciudad Satélite no sólo celebra que mantiene el trote de su carrera intacto, sino que Re, uno de sus álbumes más emblemáticos, cumple dos décadas ofreciendo gozo desmedido a sus escuchas. Texto: Alejandro González Castillo / Fotos: La Marmota Azul El Ensayo es un sitio ubicado en Ciudad Satélite que funciona como centro de operaciones para Café Tacvba. Y es ahí, justo en la tierra natal del grupo, donde sus integrantes se encuentran frecuente y gozosamente con sus instrumentos. Entre jaranas, melódicas, tambores, teclados, cables y clavijas, colgada de una pared se encuentra una guitarra que presume un boquete malsano justo bajo su boca. Se trata de una cavidad formada a punta de rasguños, porque ha sido la uña de su ejecutante, Joselo Rangel, la que luego de centenas de ensayos y conciertos formó ese hueco. ¿Cuánto tiempo se requiere para que un músico termine por marcar a su instrumento de esa manera? ¿25 años es una cifra prudente? ¿Qué ha ocurrido alrededor de ese trozo de madera con seis cuerdas durante un cuarto de siglo? El propio Joselo podría

contarlo, y sus compañeros de viaje, su hermano Enrique “Quique” (bajo), Emmanuel “Meme” del Real (teclados y guitarra) y Rubén Albarrán (guitarra y voz), lo secundarían: una avalancha de éxitos. Cuatro caminos que se unieron en 1989 en un bar de Coyoacán para ofrecer su primer concierto; el arranque de una ruta que hoy día anuncia seis presentaciones en el Auditorio Nacional para así celebrar 25 años de andar. Claro, para consumar tal triunfo el cuarteto tuvo que derrumbar un puñado de prejuicios, atreverse a perseguir su instinto. Tareas complicadas ambas. En realidad, varias batallas en el desierto han sido vividas a lo largo de la discografía del combo, el cual ha pasado de las felicitaciones unánimes a la incomprensión absoluta, de ida y vuelta varias veces, siempre con Gustavo Santaolalla, su infalible productor, como fiel escudero.

• NO TE lo PIERDAS… › Café Tacvba: Gira 20re-ct25 Martes 11, miércoles 12, jueves 13 y viernes 14 de noviembre, martes 2 de diciembre, 20:30 hrs. Sábado 15 de noviembre, 20:00 hrs.

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“Me es imposible Varias batallas en el desierto han sido vividas a lo largo de la discografía del combo, de las felicitaciones unánimes a la incomprensión absoluta, siempre con Gustavo Santaolalla, su infalible productor, como fiel escudero.

inclinarme por uno de nuestros discos”, comenta Joselo. “Todos y cada uno de ellos significan mucho para mí. Son como fotografías de mi historia musical y personal. Dejo mejor que la gente vote por su preferido”. En la lista de platos que los músicos han manufacturado puede encontrarse arrojo adolescente (Café Tacvba, 1992) y experimentación dubitativa (Revés / Yo soy, 1999; El objeto antes llamado disco, 2012), rock ortodoxo (Cuatro caminos, 2003; Sino, 2007) y sentidos tributos a sus héroes musicales (Avalancha de éxitos, 1996; Vale callampa, 2002). Sin embargo, de entre todos estos álbumes, Re (1994) brilla especialmente gracias a que su centelleo, producto de un eclecticismo que raya en lo surreal, no ha hecho más que sumar fulgor con el paso del tiempo. Hace 20 años, cuando la obra de marras fue colocada en las tiendas de discos, las opiniones entre los fans del grupo y los periodistas especializados en el tema eran encontradas. Algunos alababan su carácter esquizofrénico, pues pasaba del bolero a la música industrial, del pop a la polka norteña y del hardcore al funk con una naturalidad inusitada; sin embargo, otros encontraron en este perfil una ausencia de dirección y cierta clase de pretensión totalmente ajenas a la ligereza que el disco debut de los autores presumía en temas como “Pinche Juan”. El cambio de rostro que los artistas personificaron entonces tomó por sorpresa a quienes pensaban que la chabacanería sería la soga que terminaría por sofocar a cuatro tipos que se empeñaban en manifestar que un tema como “Las persianas” no podía someterse bajo los parámetros del rock, pues

su plan era ir más allá. Para afianzar esa necesidad de transformación, Albarrán abandonaría el seudónimo de Juan para iniciar un peregrinaje de nombres que comenzó con Cosme y seguiría con una infinidad de personalidades entre las que se cuentan Anónimo, Massiossare, Nrü, Amparo Tonto Medardo In La Kech, G-3, Gallo Gasss, Elfego Buendía, Rita Cantalagua y Sizu Yantra, por mencionar algunos. Con el discurso de asumir su obra como música contemporánea mexicana y, sin empacho alguno, apareciendo en programas televisivos con chanclas de cuero, trenzas, paliacates y vistosas guayaberas mientras daban de saltos al ritmo de “Rarotonga”, aquellos jóvenes aumentaron su número de escuchas en poco tiempo. Holgados de combustible, pasaron de abarrotar sitios de abolengo en el ambiente underground de la capital como LUCC, Tutti Frutti y El Nueve, a estelarizar la hora de la comida y la cena en el canal de las estrellas con su álbum debut bajo el brazo. Empero, su arribo a los grandes reflectores tuvo lugar sin que esto significara amansar su erizado pelaje. Y ya hablando de fachas, hacer un repaso de la finta de aquéllos en esos días resulta prudente: sin baterista a la mano, el combo sostenía su temario con una caja de ritmos y, lejos de recurrir al cliché de la guitarra eléctrica colgada a la altura de los muslos (una postal patentada por Ramones y refrescada por Nirvana), echaba mano de un instrumento michoacano rasgado por un tipo que se debatía entre emular los movimientos de Johnny Marr o los de Chamín Correa.

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Enrique Rangel.

Las canciones que codician “¿Que si me gustaría robarme alguna canción? ‘Siempre en mi mente’, de Juan Gabriel. Porque tiene todo. Aunque su máxima cualidad es poseer la capacidad de transmitir tanto con muy poco. Su sencillez es apabullante pero funciona como un inmenso transmisor de energía, ideas y emociones. Lo que ese tema consigue es sintetizar algo muy grande con los mínimos elementos de armonía y melodía, y ese es un gran atributo. ‘Esta tarde vi llover’, de Armando Manzanero, también es otro tema maravilloso que hurtaría” — Emmanuel del Real “Honestamente, yo me robaría muchas canciones, hay demasiadas que me gustan. No sé, en primera instancia se me ocurren las de mis compañeros de Café Tacvba. Me fascinan las canciones de Joselo, Meme y Quique. Los tres son grandes compositores y muchos de sus temas me hubiera gustado escribirlos yo” — Rubén Albarrán

Emmanuel del Real.

Además, el grupo contaba con un contrabajista acrobático y un cantante con pinta de campesino que parecía haber tomado clases de desempeño escénico con Iggy Pop. Y es que, pese a que sus artífices lo negaban tajantemente, había en sus canciones y actitud un aire punk ansioso por filtrarse a través de los ventanales del folclor nacional. Desde su nacimiento, el concepto visual y sónico del conjunto resultaba trasgresor, osado. Que sus creadores decidieran acompañar su avezada segunda entrega discográfica con cambios significativos en su apariencia física no hizo más que augurar un hambre de experimentación que formaría parte indivisible de su carrera. Barbados, con cuernos diabólicos asomándose del cráneo, los de Satélite arrojaron al cesto de basura las expectativas que alrededor de ellos se habían formado y confeccionaron 20 temas que, exceptuando “La ingrata”, poco tenían qué ver con la colección que los precedía. ¿Los fans estaban listos para ese salto al vacío? Quique Rangel piensa que entonces ocurrió un fenómeno que aún persiste: “Cada vez que sacamos un nuevo disco hay cautela y a veces un rechazo de una parte de nuestro público, de algunos medios e, inclu-

so, de nuestra propia disquera respecto a la nueva propuesta o paso que experimentamos en cada ciclo. Hay una necesidad externa de que aquella música con la cual contactamos en primer lugar con determinado escucha debe ser forzosamente la misma. Fue en países que no tenían mayor antecedente de nuestro primer disco, como Colombia o Chile, que Re fue recibido sin prejuicios ni expectativas; fue valorado como lo que era, un paso para abrir el espectro de influencias y referencias musicales que nos ayudaban a encontrar nuestra voz propia”. A la par de Re, otros grupos emblemáticos de rock mexicano pusieron a la venta producciones que a la larga resultarían determinantes para la historia del género. Caifanes (El nervio del volcán), Santa Sabina (Símbolos), La Castañeda (El globo negro) y La Lupita (Qué bonito es casi todo), de alguna u otra manera permitieron que ciertos rasgos del folclor sonoro nacional permearan su trabajo. Sin embargo, Café Tacvba llevó la acción a territorios no explorados hasta ese momento y en cierta medida estuvo más cerca de Los Tres (Chile) y Aterciopelados (Colombia), quienes hurgaban en las raíces de su tierra para con ellas reforzar su discurso musical.

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Joselo Rangel.

Rubén Albarrán.

En ese sentido, y para rastrear precedentes que permitan apreciar el origen estético de Re, habría que mencionar a “El Piporro” y su desfachatada manera de abordar la música norteña, a Los Xochimilcas y su irreverente apuesta estética, a Chava Flores y su puntualidad verbal, al ánimo festivo de Mi Banda El Mexicano y al tino hiriente del Trío Calaveras. Una exótica amalgama que, sin tacto de por medio, pudo arrojar un engendro aberrante; afortunadamente Santaolalla y Café Tacvba consiguieron injertar con efectividad ésos y otros elementos para crear la banda sonora de una película que en el México de 1994 tuvo como protagonistas al EZLN levantándose en armas y a Ernesto Zedillo, quien asumió el cargo como Presidente de la República tras el asesinato de Luis Donaldo Colosio. Recurriendo al cancionero Tacvbo, “El fin de la infancia” pudo ser el título de dicho filme. Apreciando el pasado, hace unos cuantos días, en su columna del diario Excélsior, Joselo apuntó: “recuerdo que en las reseñas del Re nos criticaban que ya no éramos tan divertidos como antes. Nunca olvidaré un texto de Xavier Velasco en donde explicaba que si movía la patita al ritmo de la música que escuchaba, significaba que ésta era buena.

“Como su pie no se movió al son de las nuevas canciones de Tacvba nos dio la calificación más baja. Nos fue muy mal con las reseñas de los periodistas mexicanos de la época, incluso con los fans acérrimos, quienes tampoco estaban tan contentos con el disco de 20 rolas que nosotros considerábamos una obra maestra”. El tiempo le daría la razón al guitarrista; “ahora nuestro segundo material recibe tantos elogios que hasta hacen que me sonroje. Que si los Beatles y su álbum blanco, que si el mejor disco de rock en castellano. Opiniones”. A dos décadas del suceso, se materializa la posibilidad de escuchar dicho plato en su totalidad, corte tras corte, ejecutado en directo en el Auditorio Nacional. “En este caso, el de la gira Re, es la celebración de ese disco tan importante, nuestro segundo material, y lo tocaremos íntegro”, explica Joselo. “Pero en otras ocasiones me gusta guiarme por lo que Rubén quiera cantar. Él es el frontman, la cara y voz de nuestra banda, la punta de lanza que llega a la gente. Mientras él se sienta a gusto con el set list yo me siento cómodo tocándolo”. No será la primera vez que el grupo ocupe tal escenario; el también cantante rememora que “fue hace ya mucho tiempo que tocamos por

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primera vez en el Auditorio, un lugar al que toda banda quiere llegar. Es una de las primeras salas de México para conciertos de calidad y ahí vi a muchos grandes músicos, nacionales y extranjeros. Es un honor volver a pisar ese escenario”.

“Sabemos lo que logramos juntos, una química, una magia que sólo sucede cuando abordamos una canción, un disco o un concierto. Cada quien pone esa cuarta parte para lograr un 100 por ciento que funciona muy bien. Hemos procurado cuidar eso antes que otra cosa”. — Joselo Rangel

Para el mayor de los Rangel, Café Tacvba sigue en pie gracias a que “los cuatro sabemos lo que logramos juntos, una química, una magia que sólo sucede cuando abordamos una canción, un disco o un concierto. Cada quien pone esa cuarta parte para lograr un 100 por ciento que funciona muy bien. Hemos procurado cuidar eso antes que otra cosa. Por eso, cuando sentimos que hay un desgaste entre nosotros, preferimos detener las giras o proyectos y darnos esos

DISCOGRAFÍA El repertorio de Café Tacvba es vasto y realmente interesante. Éstos son sólo algunos de sus álbumes:

CAFÉ TACVBA

AVALANCHA DE ÉXITOS

(1992 · WEA Latina)

(1996 · WEA Latina)

Disco debut con exitosos temas como: “María”, “La chica banda” y “Las batallas”.

Obra compuesta por covers de composiciones de artistas como Nacho Cano, Botellita de Jerez, Juan Luis Guerra y Leo Dan.

REVÉS / YO SOY

CUATRO CAMINOS

(1999 · Warner Bros. / WEA Latina)

(2003 · MCA Records)

Álbum doble que muestra el lado experimental del grupo. Yo soy tiene canciones como “La locomotora”, “La muerte chiquita” y “El espacio”, mientras que Revés es un trabajo instrumental en el que se pueden escuchar colaboraciones con Kronos Quartet.

En ésta su quinta creación discográfica se incluyen temas como “Eres”, “Cero y uno” y “Encantamiento inútil”.

UN VIAJE

UNPLUGGED

(2005 · Universal Music Latino)

(2005 · WEA Latina)

Su primer disco en vivo, grabado en 2004 durante el concierto por su decimoquinto aniversario en El Palacio de los Deportes.

En 1995 Café Tacvba había dado una interpretación acústica para la serie Unplugged de MTV Latinoamérica. En 2005 el grupo hizo el lanzamiento de esta grabación en CD y DVD.

espacios tan saludables en cualquier relación. También la comunicación es importante: qué es lo que cada quien espera de cada paso que vamos dando. De esa manera hemos logrado llegar hasta aquí, al 25 aniversario de la banda”. En ese carril, en el sitio oficial del grupo en la red puede verse una serie de teasers que muestran los preparativos pertinentes para la celebración que se acerca. Guiños sugerentes que muestran poco pero generan inmensas expectativas en el público. Y es precisamente en uno de esos flashazos visuales que la colección de guitarras de los músicos es inspeccionada y, casi sin querer, aquel instrumento malherido que fue mencionado al comienzo de este texto aparece de pronto, callado, sereno, anclado a un muro blanco. ¿No sería fabuloso que su dueño lo liberase para que éste nos contara a seis voces unas cuantas historias? Como la cantidad de cuerdas que han cruzado su

brazo o el número de canciones que fueron grabadas con su gentil ayuda. Pero más allá de eso, ¿no sería interesante conocer si va a salir a escena en el Auditorio Nacional? Es decir, ¿esa guitarra resonará sonriente al ritmo de “Las flores”?; ¿o desolada con los acordes de “Esa noche”? Cómo saberlo. En una época donde todo se arregla con un clic aún hay incógnitas tan lejanas como las estrellas. Lo ideal sería enterarse de que, efectivamente, el instrumento saldrá de El Ensayo para cruzar la ciudad y escapar de su estuche en una de las noches que se avecinan. Para asegurarse, valdría la pena aprovechar el hashtag #20ReCT25 para regar por Twitter de virulento modo que así como el Re y sus artífices tienen bien merecido celebrar su existencia, aquel humilde trozo de madera también debe recibir una ovación descomunal tras 25 años de trabajo, de amable y amante servicio.

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Ana Moura

Poeta con piel de musa • NO TE la PIERDAS… › Ana Moura Miércoles 19 y jueves 20 de noviembre, 21:00 hrs.

La inigualable voz de la cantante portuguesa logra que el fado, tan típico de Lisboa, se escuche de una forma única, con un tono sensual muy suyo. Ana Moura es una artista que en poco más de una década ya logró consolidar una exitosa carrera. Texto: Gustavo Emilio Rosales

central | ana moura

Si no quieres caer en tentación, evita contacto con producción alguna de Ana Moura. Si lo que buscas es escabullirte de propuestas musicales susceptibles de redimirte para siempre de lo cotidiano y predecible, entonces apaga la radio cuando anuncien, con la atmósfera acústica adecuada, que esta cantante portuguesa volverá a nuestra ciudad para presentarse las noches del 19 y 20 de noviembre en Lunario.

Ana Moura porta en su cuerpo los atributos constitutivos del fado, el género artístico en el que finca su dominio: sensualidad, ternura, enigma y esa forma particular de melancolía que en Portugal lleva por nombre saudade. Porque la música de Ana Moura precipita a la adicción. Porque la calidad de sus lances discográficos (6 en total, de Guarda-me A Vida Na Mão, el primero, hasta Desfado, el más reciente; sin incluir una caja antológica de ensueño) logra sensibilizar al oído montaraz. Poseedora de una voz profunda y una belleza de líder en algún exótico matriarcado tribal, Ana Moura porta en su cuerpo los atributos constitutivos del fado, el género artístico en el que finca su dominio: sensualidad, ternura, enigma y esa forma particular de melancolía que en Portugal lleva por nombre saudade. Si pudiéramos definirla en un tra-

zo inmediato, sería válido afirmar que es un poeta encarnado en la hermosura propia de una musa. Una carrera que asciende Este espléndido ser nació en 1979 en la localidad de Santarém, en el seno de una familia humilde pero unida, cuya devoción por el canto era una práctica cotidiana. De tal forma, la pequeña Ana creció vislumbrando la música como un lenguaje de placer y unión. Formó su primera banda en la Academia de Música Amateur, donde comenzó su amor por el rock y las propuestas contundentes de la música pop; rápidamente, su aterciopelada voz la hizo destacar. Al frente de la agrupación Sexto Sentido, cuya especialidad eran los covers, comenzó

a compartir su subyugante presencia en el circuito de bares y cafés de todo Portugal. Así, en un pub de la pequeña localidad de Carcavelos, fue “descubierta” por el guitarrista Anthony Parreira, quien la condujo a presentarse como solista en las casas de fado. Su rápido éxito en lugares de culto como el club Senhor Vinho Fado, la impulsaron a su primera grabación profesional. De esta manera, Ana tuvo que negociar su deseo de convertirse en rock star con el destino de asumirse como representante de un género emblemático del pueblo portugués. Esta negociación no implicó ningún sacrificio estético para la cantante, quien apenas cuatro años después de su primera grabación ya se encontraba dando saltos al ritmo de la guitarra de Keith Richards y cantando,

Archivo Auditorio Nacional

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DISCOGRAFÍA El repertorio de Ana Moura no es tan extenso como valioso: no presenta sobrantes.

GUARDA-ME A VIDA NA MÃO (2003 · Universal Music) Uno de los debuts mejor recibidos en la historia contemporánea de la música portuguesa. Con la colaboración de los músicos Mário Pacheco, Jorge Fernando y Filipe Larsen.

ACONTECEU (2004 · Universal Music) Disco doble cuya primera parte presenta fados ricamente musicalizados; mientras que en el segundo apartado están elaborados con el melancólico y austero estilo de la tradición.

PARA ALÉM DA SAUDADE (2007 · Universal Music) Incluye la tremenda letra de “Vaga, No Azul Amplo Solta”, un poema de Fernando Pessoa musicalizado por Patxi Andión.

COLISEU (2008 · Universal Music) Concierto memorable en el que Moura selló un pacto de amor con el público de su nación. Producción que consta de 15 temas, como el bellísimo “Mapa Do Coração”.

LEVA-ME AOS FADOS (2009 · Universal Music) Ana Moura en su presentación en Lunario el 29 de octubre de 2013.

mejilla con mejilla, con Mick Jagger, ante el enfebrecido público que colmaba en ese momento el Estadio José Alvalade, de Lisboa. Después de ser artista invitada por The Rolling Stones en 2007, los bonos de Ana Moura subieron cual espuma; al poco tiempo se encontraba presentándose con Prince —con quien ha grabado ya una tríada de canciones— en el máximo festival juvenil de Portugal: el Super Bock Super Rock. En 2011, Ana vio justificada su ascendente trayectoria con un premio Globo de Ouro, consecuencia de haber ocupado los primeros lugares de venta en los portales portugueses de Amazon y Billboard. Ése fue un año afortunado, pues poco después de dicho reconocimiento, Moura cantó “Fado Tropical”, de Chico Buarque, a dúo con Gilberto

Gil en el Festival Black2Black, de Río de Janeiro. Tiempo después figuraba entre los artistas que rendían homenaje a Caetano Veloso, interpretando una versión particular de “Janelas Abertas nº 2”, en una producción de José Mário Branco. Desfado, uno de los motivos que suscitan la tercera visita de Ana Moura a nuestra ciudad, es un disco que adquiere cada vez más ediciones en varias partes del mundo y que se encuentra enmarcado en giras de más de 100 conciertos. Pese al hechizo que puede provocar este éxito, ante la no lejana posibilidad de convertirse en una cantante internacional que deposita millones en sus cuentas, nuestra musa musical —la musa lusa— ha declarado mantenerse firme en salvaguardar humildemente los poderes

Son 15 temas, incluyendo una composición propia: “Que Dizer De Nós”. Alternan con la cantante figuras destacadas de la historia musical lusitana: los Gaiteros de Lisboa, Amélia Muge y José Mário Branco, entre otros.

ANA MOURA (2011 · Universal Music) Caja para coleccionistas que incluye un atractivo cuadernillo con fotos y el DVD del concierto Coliseu.

DESFADO (2012 · Universal Music) A partir de la inspiración de la nueva ola de compositores fadistas —Manel Cruz y Pedro da Silva Martins, entre otros—, junto con el soporte de figuras consagradas de la música portuguesa, como Aldina Duarte y Tozé Brito, la cantante impulsa cruces entre el fado y tradiciones populares de diferentes latitudes.

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que la mantuvieron en pie, mientras cantaba en cafetines de barrio para un público que gustaba de humedecer sus melismas de sirena en un trago económico de oporto. Que así sea. El peligro y la suerte Es moneda de uso frecuente aseverar que el fado representa el alma comunitaria del pueblo portugués; no obstante, los nativos de Lisboa, capital y mayor ciudad de este país europeo, situada en la desembocadura del Río Tajo, se atribuyen la exclusividad de esta representación espiritual. Existe la creencia de que la palabra “fado” posee una raíz latina que alude al destino (fatum), aunque su origen como manifestación musical se atribuye a las canciones de dolor proferidas por las comunidades árabes que habitaban la colina del Castillo de San Jorge, en Lisboa; tonadas que pudieron haber portado matices y ritmos de la música tradicional de Senegal, que actualmente ha popularizado el intérprete africano Youssou N’Dour. Los primeros registros del fado, como el género musical particularmente emotivo que hoy conocemos, se remontan a mediados del siglo XIX; incluso en aquel entonces se pensaba que el verdadero origen de esta manifestación eran los cantos de marinos desvelados por el desasosiego de navegar existencialmente a la deriva, sin patria ni amor fijos. El fado, que se ofrece comúnmente en casas (bares) especiales, lleva consigo sellos de la identidad lusa, de sus valores, pero también de su fatalidad. Por lo tanto, es en un sentido una manifestación estética regional (sostenida por tradiciones y valores locales e históricos), y en otra dimensión adquiere un carácter universal al tocar las peripecias que toda vida humana afronta en el constante devenir entre el peligro y la suerte. Ambas condiciones se fusionan en la expresión de un tono o concepto dominante: la saudade. La lírica del fado contiene versos anónimos, probablemente inspirados en las cántigas —estructuras de poesía medieval

Es precisamente Ana Moura quien ha abierto puertas para el fado hacia nuevos horizontes, “ventilando” sus acervos simbólicos, en compañía de intérpretes virtuosos, ninguno de ellos con 40 años encima. gallegoportuguesa—, así como en obras de poetas modernistas, como Vasco de Lima Couto y Abílio Manuel Guerra Junqueiro. Por otra parte, su articulación musical está basada en los timbres de la viola, la guitarra tradicional portuguesa y, si acaso, en pequeños tambores. Sin duda, fue la cantante portuguesa Amália Rodrigues (1920-1999) quien le dio consistencia y proyección internacional al fado. A partir de ella, se acuñó el término fadista para denominar a los intérpretes de este género. Con más de 170 grabaciones en su discografía, mereció de manera contundente el honor de ser llamada “La Reina del Fado”. Gran parte de su éxito se debió a su fina capacidad para cantar correctamente en varios idiomas, además del portugués: español, italiano, inglés y francés. Con su flamígera trayectoria artística, Rodrigues dejó muy en alto la posta para las generaciones musicales que la sucedieron. Muchos llegaron a pensar que el fado se había convertido en un género folclórico, que sólo necesitaba reproducciones adecuadas. Es precisamente Ana Moura quien ha abierto puertas para el fado hacia nuevos horizontes, “ventilando” sus acervos simbólicos, en compañía de intérpretes virtuosos, ninguno de ellos con 40 años encima. La cantante puede hacer esto porque cuenta con los atributos creativos necesarios para casi cualquier emprendimiento, además de ser “ahijada” de The Rolling Stones.

“La ausencia también da flores…” “...Regresa pronto, quiero que las veas”, reza un anónimo poema sufí que bien puede dar luz al concepto lusitano de saudade en nuestro entendimiento. Se trata de añoranza, deseo de recuperar un bien lejano, soledad, tristeza, mal de corazón, melancolía y también esa condición particularmente mexicana que es el “andar achicopalado”. Sin embargo, no es un abatimiento atroz, de aquellos que rajan de extremo a extremo el alma, sino un letargo espiritual en el que gravitan al unísono un apetito contemplativo y cierta vaga esperanza de recuperación del ser o valor distante, aunque en lo profundo se sepa que esta recuperación habrá de llevarse a cabo tan sólo en el anhelo. En 1953, el ensayista gallego Ramón Piñeiro escribió el análisis llamado Para una filosofía de la saudade, que hasta la fecha es el estudio más completo de este fenómeno psicológico. Sus conclusiones, en términos generales, apuntan a situar la saudade como derivado de una profunda soledad existencial. En los enigmáticos territorios de ésta sienta el fado sus reales.

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Gustavo Emilio Rosales Radica en México y Argentina, lugares donde edita y distribuye la Revista DCO Danza, Cuerpo, Obsesión —la cual fundó y actualmente dirige. Ha sido jurado de certámenes internacionales, como el Monaco Dance Forum, y nacionales, como el Premio Nacional de Danza INBA-UAM. Autor de los libros Atopía y Epistemología del cuerpo en estado de danza.

Ana Moura en el escenario de la Union Chapel de Londres (4 de noviembre de 2010).

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La Arrolladora Banda El Limón

del rancho a la cima Don René Camacho y sus compañeros casi viven arriba de los escenarios, autobuses y aviones, pero gracias a eso han puesto el nombre de un pueblo de Sinaloa en la mente de millones de personas.

Hace medio siglo, aún adolescente, René Camacho recibió de sus padres el regalo que marcó su vida: un clarinete. Sin embargo, sus progenitores jamás imaginaron que en 2010 su hijo recibiría, de manos de Maribel Guardia, una Luna del Auditorio en el rubro de Música Grupera para La Arrolladora Banda El Limón, de la cual él es líder. Aquellos papás tampoco previeron que René y sus compañeros obtendrían una presea similar tres años después, y que en enero de 2014 agotarían las entradas de cuatro funciones en su debut en “El Escenario de México” (y que volverán al mismo foro en el arranque de 2015). A mediados de este año se puso a la venta el álbum La Arrolladora en vivo desde el Coloso de Reforma en formato digital, CD y DVD. ¿Y qué fue lo que sucedió en aquellas

exitosas presentaciones? Fueron encuentros largamente esperados con final feliz; la constatación de que el público que sigue a esta agrupación es variopinta en edad y nivel socioeconómico. Si bien don René Camacho es quien tira línea musical durante los conciertos, es palpable el carisma de Jorge Medina, cantante principal que, además, es un consumado entretenedor: cuenta anécdotas jocosas, baila y se pasea entre los espectadores. Actualmente, Medina ocupa el lugar (y llena muy bien los zapatos) que han dejado vocalistas que se forjaron en La Arrolladora, como Julio Preciado, Jorge Cordero, José Ángel Ledezma “El Coyote” y Germán Montero (con quien alternó al tú por tú). Los otros vocalistas en funciones son José Isidro Beltrán y Vincen Melendres,

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Texto: Fernando Figueroa

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• NO TE lo PIERDAS… › La Arrolladora Banda El Limón de René Camacho Jueves 15 de enero, 20:30 hrs.

Jorge Medina en el concierto que La Arrolladora dio en el Ángel de la Independencia para despedir al 2009 y darle la bienvenida al 2010.

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La Arrolladora Banda El Limón en una de sus cuatro presentaciones en el Auditorio Nacional en enero de 2014.

este último de apenas 20 años, que hace sus pinitos con el grupo. Atrás de ellos hay un poderoso combo de trompetas, trombones, clarinetes, tarolas, tuba y tambora; son 18 integrantes en escena que ponen al día la tradición de la música de banda. En Sinaloa nací… La etnomusicóloga suiza Helena Simonett publicó En Sinaloa nací. Historia de la música de banda (Asociación de Gestores del Patrimonio Histórico y Cultural de Mazatlán, 2004), libro en el que afirma que la combinación de percusiones y alientos llegó a ese estado de la República a través de bandas militares de origen europeo, y que en un principio sólo se trató de música instrumental.

Mazatlán es el punto neurálgico de esta historia, pues fue uno de los flancos de la intervención francesa en 1864 y tiempo después puerto de llegada de muchas mercancías de Europa del Este, incluyendo instrumentos musicales para los inmigrantes de aquella región. Los nativos mexicanos se adaptaron a esas novedades para alegrar sus fiestas con polkas y valses, pero luego agregaron ritmos rancheros con historias de la vida cotidiana. En entrevista con Martha Avelina Rojas, Simonett señala: “Durante la Revolución, cada general llevaba su banda. Aunque los instrumentos eran viejos y estaban maltratados por los vaivenes de la guerra, fueron útiles para los aprendices jóvenes de los pueblos”.

La estudiosa también escribe en su libro: “Otras denominaciones para la banda sinaloense son: banda natural, banda de viento o banda-banda. Las bandas más tradicionales son bautizadas según su ubicación geográfica, por lo regular sus pueblos de origen: El Recodo, El Limón, Mazatlán, Culiacán, Mocorito, Santa Rosa, Tierra Blanca, Los Tamazules, Los Guamuchileros, Los Escamillas, etcétera. Algunas le agregan el nombre del líder de la banda o la denominan conforme al nombre o apelativo de alguno de sus integrantes: Los Mochis de Porfirio Amarillas, El Recodo de Manuel Rivera, El Recodo de Cruz Lizárraga, Los Hermanos Urías de Guasave, Los Hermanos Rubio de Mocorito, Los Sirolas, Los Chilolos”.

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“Cada agrupación tiene su personalidad, su estilo propio, es cuestión de encauzarlo con el talento de cada artista. Pueden ser las mismas canciones, lo difícil es transmitir el sentimiento”. –Fernando Camacho

DISCOGRAFÍA En su etapa como La Arrolladora Banda El Limón de René Camacho, la agrupación de Sinaloa ha grabado álbumes cada vez más exitosos. Éstos son algunos de ellos:

1997

MÁS ARROLLADORA QUE NUNCA (Sony Music) Primer álbum con esta compañía discográfica que incluye “Se me cansó el corazón”, “Pa’ que te duela” y “Mal pagadora”.

1997

Rompimiento y regeneración La Arrolladora Banda El Limón de René Camacho es el nombre completo de la agrupación que en la actualidad está en los cuernos de la luna. Tuvo su origen en el pequeño pueblo sinaloense de El Limón de los Peraza, ubicado en el municipio de San Ignacio, a 60 kilómetros de Mazatlán. A mediados de los 60 surge como Banda El Limón con 13 miembros, entre ellos Salvador Lizárraga y René Camacho, quienes amenizaban fiestas, bodas y hasta velorios en la región. Dos décadas de trabajo constante consolidaron cierta fama local, pero el despegue se dio con la llegada de Julio Preciado a finales de los 80. En aquella época, René Camacho completaba sus ingresos manejando una “Pulmonía”, tal como se llama a los taxis sin techo en Mazatlán; en alguna ocasión, Preciado abordó ese auto y en la plática entre chofer y pasajero surgió una cita para que el cantante se diera “una caladita” con la Banda El Limón. La grabación de “Leña de pirul”, del inolvidable Tomás Méndez, fue el parteaguas en la historia de esta banda: “Siempre que me hablan de ti, / es para hacerme llorar. / Siempre que me hablan de ti es para darme la queja, / que te ha ido muy mal […] / Pobre leña de pirul / que no sirves ni pa’ arder / nomás para hacerme llorar”. Esa canción

había tenido éxito con mariachi en las voces de Lola Beltrán y Amalia Mendoza “La Tariácuri”; la Banda El Limón la reactivó y luego otras agrupaciones la retomaron (Machos, El Recodo, Enigma Norteño, Saúl “El Jaguar”, etcétera). A la salida de Julio Preciado, el ascenso de la Banda El Limón continuó con otros vocalistas. En 1997 se produjo una ruptura interna y de esa manera surgió La Arrolladora bajo la conducción de René Camacho, quien es el mandamás dentro y fuera de los escenarios, aunque cuenta con el apoyo de su hijo Fernando, a quien se conoce como el Rey Midas de la música grupera (Banda MS, San José de Mesillas, Germán Lizárraga y su banda Estrellas de Sinaloa, Los Sebastianes); en 2013 fue galardonado como Productor Latino del Año en los premios Billboard. Entrevistado por El Noroeste, diario de Sinaloa, Fernando Camacho declaró: “Crecí escuchando banda, soy hijo de músico, toda la familia se dedica a esta actividad, así que algo tuve que aprender en el camino; he vivido la música sinaloense desde sus raíces, desde donde se origina, en un pueblo, en una fiesta, en una casa, entonces lo que he hecho es tratar de plasmar lo que la gente quiere escuchar”. Y al explicar cuál es la receta del éxito, dijo: “Cada agrupación tiene su personalidad, su estilo propio, es cuestión de encauzarlo

CORRIDOS ARROLLADORES (Sony Music) Incursión de la banda en este subgénero ranchero con canciones como “El Chuma”, “El Pájaro Azul” y “El Cóndor”.

2002

GRANDES BOLEROS ARROLLADORES (Sony Music) Un tributo a la Internacional Sonora Santanera con hits como “Amor de cabaret”, “La boa”, “Luces de Nueva York”, “De mil maneras” y “Perfume de gardenias”.

2004

HUELE A PELIGRO (Disa) Primer disco para la división latina de Universal Music; contiene “Huele a peligro”, “La suata”, “Media naranja” y “Entrégame tu amor”.

2013

GRACIAS POR CREER (Disa) Contiene el mega éxito “El ruido de tus zapatos” y otro tema igual de pegajoso: “A los cuatro vientos”.

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Fernando Figueroa Nació en la Ciudad de México en 1955, pero sus raíces están en Valle de Allende, Chihuahua. Estudió periodismo en la UNAM y es autor del libro El mejor oficio del mundo. 60 entrevistas (2013), que incluye charlas con personajes del mundo del espectáculo, la cultura y el deporte.

Redes arrolladoras

Archivo Auditorio Nacional

Los primeros antecedentes de La Arrolladora Banda El Limón se remontan a una época en la que no había discos compactos, teléfonos celulares, ni mucho menos internet. Actualmente, sus álbumes y canciones pueden comprarse de manera digital, sus videos son vistos por millones de personas en la web y con los fans tienen una estrecha relación a través de las redes sociales. Uno de los videos más populares a nivel mundial es precisamente suyo: “El ruido de tus zapatos” (68 millones 768 mil 621 visitas en YouTube), y otros que también alcanzan cifras impresionantes: “La llamada de mi ex” (36 millones 554 mil 229), “Ya es muy tarde” (18 millones 3 mil 603), “Ya no te buscaré” (14 millones 938 mil 835), “A los cuatro vientos” (13 millones 603 mil 693). Su página de Facebook acumula más de 13 millones de likes, y en Twitter tiene más de un millón de seguidores. Nada mal para una banda cuyos integrantes se enorgullecen de su origen ranchero. La Arrolladora en “El Escenario de México” (enero de 2014).

con el talento de cada artista. Pueden ser las mismas canciones, lo difícil es transmitir el sentimiento; eso es lo que he tratado de poner, esperando en Dios que la gente logre percibirlo”. El boom arrollador La gente ha percibido que La Arrolladora Banda El Limón tiene algo muy especial y por eso su agenda de presentaciones en México y Estados Unidos está saturada. Por poner un ejemplo, en octubre de 2014 tuvieron 15 shows en lugares tan contrastantes como Calpulalpan (Tlaxcala), la Arena Monterrey (en la capital de Nuevo León) y la Sports Arena (Pico Rivera, California), además de Las Vegas (Nevada), Atizapán de Zaragoza (Estado de México) y Apatzingán (Michoacán), entre otros. En 2009 lanzaron al mercado Sold Out desde Los Ángeles en CD y DVD, el cual fue grabado en el teatro Nokia de Los Ángeles, obviamente con un lleno total. También son muy apreciados por la comunidad latina de otras ciudades estadounidenses como Washington, Atlanta, San Diego, Houston, Austin, Dallas y muchas más.

Tanto don René como Fernando Camacho han sabido actualizar el sonido de la banda con arreglos que fusionan la música ranchera y el pop, y en cuanto a temática, alternan historias de amor, desengaños y asuntos pícaros. Tienen en Horacio Palencia a un compositor de cabecera (“Te comparto”, “No te conviene”, “Te prometo”, “Qué pensabas”), pero saben en qué momento recurrir a figuras como Armando Manzanero (“Huele a peligro”), Espinoza Paz (“El ruido de tus zapatos”, “Cabecita dura”, “No me presiones”), Ariel Barreras (“Llamada de mi ex”) y Teófilo Villa (“En los puritos huesos”). La primera vez que La Arrolladora se presentó en la Ciudad de México —según narró Jorge Medina durante su debut en el Auditorio Nacional—, “sólo asistieron 85 personas y fue en un baile en Xochimilco”. Ya con la fama sobre sus hombros, han sido vitoreados por decenas de miles en el Zócalo capitalino y en el Coloso de Reforma. Y en una época en que las ventas de discos físicos tienden a desaparecer, ellos son de los pocos que rebasan con facilidad las 100 mil copias con cada producción.

El nombre de la banda es una presencia frecuente en la lista de las 300 personalidades más influyentes del país, según la revista Líderes mexicanos. En 2007, el entonces presidente Felipe Calderón les entregó el Premio Antena al Mérito Artístico, que otorga la Cámara Nacional de la Industria de Radio y Televisión. Han recibido muchos reconocimientos en su carrera, pero las cerezas del pastel llegaron en 2013 —cuando les entregaron el Grammy Latino en el rubro Mejor Álbum de Banda (Irreversible)— y en 2014 al recibir cinco premios Billboard por Gracias por creer. La fórmula de tantos triunfos profesionales la resume René Camacho en cuatro palabras: “Trabajo y más trabajo” (al camión que los transporta lo llaman su “primera casa”). Habría que agregar otros tres vocablos para explicar el fenómeno musical de La Arrolladora: “Tradición y actualidad”.

OPINIÓN

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Morgan Britos Manager y productor español con más de 30 años de experiencia en la industria del espectáculo y con una presencia en toda América y Europa. Entre sus artistas se cuentan Jorge Drexler, Marlango, Ariel Rot (ex integrante de Los Rodríguez), Marwan y Josemi Carmona (ex miembro de Ketama).

Desde hace más de una década, la venta de música “enlatada” ha venido decreciendo paulatinamente sin cesar, hasta llegar a lo que es hoy, con cifras de ventas de CDs, vinilos y demás que son ridículas. Esto ha recortado el poder que ostentaban las majors, que otrora podían generar éxitos a golpe de talonario y compra de espacios en los medios de comunicación, haciendo de la reiteración el camino al éxito. En la actualidad, esa “inversión” se ha reducido a la mínima expresión, utilizándose solamente para apoyar a artistas ya consagrados, lo que genera frustración en quienes no cuentan con un apoyo económico real, más allá de que les financien grabaciones a muy bajo costo; pero, al mismo tiempo, abre todo un mundo de posibilidades para los creadores

Talento vs. Marketing. La Gallina o el Huevo.

Morgan Britos vs. Marcello Lara ¿Cuál es actualmente el factor determinante en la industria de la música: el talento artístico o la mercadotecnia?

Marcello Lara Músico de nacimiento, disquero por azar y catador de hamburguesas por vocación. De lunes a viernes es director artístico en Warner Music México y los fines de semana se deja llevar por su álter ego y se convierte en el guitarrista de Moderatto. Entre eso, se disfraza de burgerman para saciar su enorme antojo de hamburguesas

En 2014 cumplí 20 años de trabajar formalmente en la industria de la música. Desde mi inicio como promotor de radio hasta mi actual posición como director artístico, he estado en los dos grandes mundos que involucran a dicha industria: el talento artístico y el marketing; el yin y el yang; el cielo y el infierno; el huevo y la gallina. Al principio, como buen joven era muy ingenuo y pensaba que toda la música de la disquera debía ser “buena” música. Conforme tuve que trabajar con música “no-buena”, me di cuenta de que muchas veces ésta era la más exitosa y popular. No entendía cómo pasaba esto; quería que todos los consumidores y el público en general escucharan lo que genuinamente —según yo— tenía calidad. Hasta que un día mi jefe, disquero de antaño

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MB independientes, si es que realmente tienen ambición y voluntad de trabajo. Así pues, hemos vuelto —si bien es cierto que por obligación— a los tiempos del do it yourself, un camino más duro y espinoso; aun así, el premio llega si está basado en la calidad. A diferencia de los “viejos tiempos”, hay un nuevo elemento de capital importancia que ha revolucionado el mundo desde hace unos años: la tecnología y, específicamente, el internet. Esto permite plasmar la creación en soportes virtuales, con tecnología accesible al común de los mortales, con lo que se puede grabar música en casa y subirla a las redes sociales. No obstante, ésta no es la panacea ni significa que ya no se necesiten las estructuras convencionales, pero sí que éstas han dejado de ser imprescindibles. Es verdad que una gran parte del público sigue dejándose llevar por lo que suena en las radiofórmulas, aunque también comienza a hacerse notorio el interés de muchos por música de mayor amplitud, lo que genera circuitos que, a pesar de estar lejos de las marquesinas, son muy sólidos y cuentan con artistas consolidados. Hablo del circuito de los “renovados” cantautores o de world music, el rock en todas sus vertientes y el llamado “indie”, muy de moda en casi todo el orbe pero con una presencia prácticamente nula en la radio comercial, prensa y televisión. Si intentamos hacer un somero análisis de mercado de esta situación, podemos intuir que los artistas que están fuera de los poderosos medios de comunicación y de las majors están profundizando en su “nicho de mercado”, generando poco a poco estructuras muy firmes y con intención de permanencia, lo que permite su serio desarrollo con recursos para realizar trabajos de calidad a pesar de no tener los grandes presupuestos de antaño. Por supuesto, seguirán existiendo los Big Artists que generan un big business (o a veces bad business), dando grandes conciertos en estadios repletos de gente que ha pagado entradas costosísimas, como U2, Bruce Springsteen y Luis Miguel —los cuales sí tienen talento. Aquí no hay ni hubo marketing posible que generara su éxito. Aunque también ha habido y hay sonoros fracasos donde hubo mucha inversión y poco talento, pero prefiero omitir sus nombres. En resumen, la regla básica es el talento. Con talento y marketing todo es posible.

“Hemos vuelto —si bien es cierto que por obligación— a los tiempos del do it yourself, un camino más duro y espinoso; aun así, el premio llega si está basado en la calidad”.

“Hay productos orgánicos y naturales: los cantautores, los grupos de rock que hacen sus propias canciones, etc. Pero también hay productos de plástico que satisfacen a los compradores: los artistas creados o de concepto”.

y formado a la antigüita, me dio una pepita de oro de información que me ha ayudado a entender el quehacer profesional: según él, las disqueras son como grandes supermercados donde los productos musicales están a la vista de quien quiera comprarlos. Hay productos orgánicos y naturales: los cantautores, los grupos de rock que hacen sus propias canciones, etc. Pero también hay productos de plástico que satisfacen las necesidades de los compradores: los artistas creados o de concepto que siempre están presentes. En su analogía no existe gran diferencia entre ambos bandos, porque a fin de cuentas son productos que, como en el supermercado, están ahí para ser vendidos. Suena bastante simplista, pero entendí perfectamente y a partir de ese momento trabajé sin mayor sentimiento de culpa. Lo que no explicaba esta analogía es que tanto los productos plásticos como los orgánicos necesitan ser difundidos para que el público decida si los compra o no. Si uno no sabe que hay huevos orgánicos, consume como siempre lo ha hecho. Si uno no sabe sobre la existencia de un cantautor, grupo o intérprete —sea cual sea su género musical— nunca vamos a poder acceder a su música. En tal sentido, el marketing y el talento no están peleados. Lo que me tardé en entender al inicio de mi carrera en la industria fue precisamente eso: que ésta, como tal, está encaminada al beneficio económico. Los productos son más nobles y un poco más etéreos que un jabón o un detergente, pero a fin de cuentas son productos también. ¿Existen en las disqueras productos de dudosa calidad musical y con un talento — para muchos— quizás inexistente? Probablemente. Pero éstos, ni con el más efectivo ejército de mercadotecnia pueden lograr que alguien compre su disco. Lo mismo pasa con el cantautor más exquisito y creativo del planeta. La realidad es que no hay buena ni mala música, sólo hay gustos y grados de talento. Piense en el grupo de rock más odiado de México; para muchos es el mejor grupo del país, muy talentoso y, por ende, exitosísimo. Para otros es un producto de marketing que a partir de concienzudas y cerebrales campañas ha logrado incrustarse en el gusto del mayor número de personas. No hay talento sin marketing, ni marketing sin talento. ¿Qué fue primero, el huevo o la gallina? Ninguno y los dos a la vez.

FINALES RESEÑAS

INTERESTELAR

(Estados Unidos, 2014) · Dirige: Christopher Nolan · Estelares: Matthew McConaughey y Anne Hathaway

Cortesía Paramount Pictures

CINE Naief Yehya @nyehya

MAPA DE LAS ESTRELLAS (Canadá y Estados Unidos, 2014) Dirige: David Cronenberg Estelares: Julianne Moore y Mia Wasikowska Si algo caracteriza a David Cronenberg es su visceralidad y capacidad para desarrollar narrativas agobiantes. Su más reciente trabajo ofrece una visión de la decadencia y gloria de Hollywood de una manera convencional pero a la vez provocadora. Es un filme encapsulado en un sistema neurótico donde todos pretenden ser actores y cualquier mujer mayor de 23 es considerada menopáusica. La idea del mapa de las estrellas, un cliché turístico de Los Ángeles, es retomada en forma de una constelación de relatos de violencia, individuos enfermos de poder y seres desesperados por conocer la fama. JAMES BROWN, EL REY DEL SOUL (Estados Unidos, 2014) Dirige: Tate Taylor Estelares: Chadwick Boseman y Nelsan Ellis Las biografías musicales a menudo padecen de un síndrome de santurronería formulaica; se trata de mitología pop, por lo que resulta difícil evadir clichés y convenciones. No obstante, Tate Taylor logra imprimir una energía vibrante a su filme. La vida del prodigioso “Padrino del soul” es contada a través de sus triunfos y caídas. Es un mosaico histórico emocional que a ratos puede parecer caótico o repetitivo, pero que funciona creando un retrato a veces cruel de un hombre que manufacturó su imagen y conquistó su independencia creativa y financiera en un mundo hostil y racista. 46

Christopher Nolan se ha convertido en uno de esos casos insólitos en la industria del cine: ha logrado ser al mismo tiempo un autor de culto y uno de los directores más cotizados de la lista “A” hollywoodense. Cada uno de sus proyectos está rodeado de mística y visión, desde su debut Following (1998) hasta la fabulosa Inception (2010), pasando por su delirante y oscurísima trilogía de Batman (2005, 2008 y 2012). Sin embargo, su más reciente trabajo, Interestelar, es probablemente su proyecto más ambicioso y personal; una aventura cósmica que involucra un agujero de gusano y una amenaza apocalíptica para el planeta Tierra. El filme, coescrito por el director y su hermano Jonathan, llevaba varios años pasando de mano en mano; incluso Steven Spielberg (a quien Nolan admira y considera una influencia) estuvo interesado. Nolan le ha dado un giro propio a una historia espacial que podría considerarse convencional, para convertirla en una odisea de la supervivencia del espíritu, de la familia y de la especie humana. Un proyecto semejante sólo pudo obtener financiamiento (se requirió de la colaboración de dos grandes estudios) y llegar a la pantalla gracias al renovado interés del público por una ciencia ficción inteligente. La actuación de Matthew McConaughey es sobresaliente e imprime a la cinta una ansiedad y un amargo pesimismo sobre el que se construye esta épica. Técnicamente, Interestelar es una maravilla filmada en 35 y 65 milímetros que al proyectarse en IMAX obtiene una imagen por lo menos 10 veces superior a la resolución más común.

FINALES RESEÑAS

VOLVERSE PALESTINA

Lina Meruane · Literal Publishing, 2013

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LIBROS David Miklos @dmiklos

MI CORAZÓN ES LA PIEDRA DONDE AFILAS TU CUCHILLO Luis Carlos Fuentes · Era, 2014 El cuento, acaso el más difícil de los géneros, es un habitante cada vez más habitual y visible en las mesas de novedades, así como uno de los más socorridos por las editoriales independientes hispanoamericanas, que mucho han ayudado a llevarlo al circuito comercial. Un buen ejemplo es Mi corazón es la piedra donde afilas tu cuchillo, reunión de cuentos de Luis Carlos Fuentes (Ciudad de México, 1978). Autor del más fino de los realismos fantásticos, habitante ahora de San Luis Potosí y autor de Palma de negro (otra colección de cuentos), ha apostado, con acierto, por el delirio como la más exquisita de las bellas artes, representado aquí por una prosa y una pluma sin parangón y de la cual querremos leer más. LA FIESTA DE LA INSIGNIFICANCIA Milan Kundera · Tusquets Editores, 2014 El célebre autor ha vuelto a la escena de la novela después de un silencio prolongado. Escrita en su lengua adoptiva, el francés, La fiesta de la insignificancia es su entrega más reciente, acaso una adenda o un ritornelo a las ideas e inquietudes vertidas en su amplio cuerpo narrativo. Exiliado en Francia a partir de 1975, Kundera, originario de la República Checa y escritor de ese terruño hoy inexistente y de nombre Checoslovaquia, ha emprendido un nostálgico encuentro con la vejez: ¿qué nos dice el presente del pasado, ahora que hemos alcanzado un nuevo siglo y un nuevo milenio y la cara de la realidad ha cambiado tanto? Celebración del humor y diatriba contra la seriedad, esta obra es la respuesta. 48 / 49

Nacida en Santiago de Chile en 1970, Lina Meruane tiene un origen mixto: italiano por un lado, palestino por otro. Novelista y docente, emprendió, primero a regañadientes, luego de manera deliberada, su vuelta al origen. El viaje que hizo a Palestina no estuvo libre de accidentes ni de sorpresas, así como de la rara y a la vez normal intervención de la casualidad y el destino. Dicho viaje, que inicia en Santiago y en los cimientos de su amplia comunidad palestina —una de las más grandes— y termina en el propio territorio palestino, está registrado en este libro, el cual forma parte de la colección “Dislocados” de Literal, editorial afincada en ambos lados de la frontera México-Estados Unidos y encabezada por Rose Mary Salum. Dislocada ella misma —no vive más en Santiago sino en Nueva York, en donde escribe no en inglés sino en español, su lengua en apariencia materna—, Meruane nos ofrece una gran revisión de la memoria, de la genealogía y de la repercusión de la historia en el presente. Viaje emocionante, entrañable y confrontador, Volverse Palestina es una pieza híbrida que a la vez ensaya, narra y rememora en sus traslados y enfrentamientos con la realidad tanto pasada como actual. ¿Qué es, finalmente, ser palestina? ¿Y qué significa volver —o volverse— a Palestina? Las respuestas están en este libro sucinto nada más en apariencia.

FINALES RESEÑAS

INNER FIRE / THE SOULJAZZ ORCHESTRA

Strut, 2014

MÚSICA Rodrigo Farías

SHANGO Peter King Mr Bongo, 2012

El astronauta José Hernández alguna vez comentó que si algo le llamó la atención cuando viajó por el espacio fue haber podido contemplar la Tierra en todo su esplendor y sin las divisiones fronterizas que son comunes en los mapas. Esta imagen viene a la memoria luego de haber escuchado Inner Fire como si hubiéramos contemplado nuestro mundo desde las alturas, prescindiendo de las fronteras genéricas de costumbre, con el jazz y el funk como continentes. La grabación integra distintas corrientes musicales: jazz etíope —a la Mulatu Astatke—, afrobeat, son cubano o cantos espirituales. Con variados y contrastantes recursos tímbricos, maciza sección de metales y exuberante trabajo percusivo. Incluye un tributo al espíritu rítmico del groove con su versión hip hopera de “Celestial Blues”. Si uno quisiera saber de qué nacionalidad es The Souljazz Orchestra no sería fácil inferirlo sólo mediante la música, concebida desde un punto de vista multicultural; pero es una banda canadiense, formada en 2002, con seis discos en su haber.

Este disco es parte de la serie Classic African Recordings, creada para rescatar música prensada en vinilo. La grabación original es de 1974. Su reedición en compacto empezó a circular recientemente en México. Es la única obra disponible de Peter King en la actualidad, y su importancia radica en que representa la música africana más sobresaliente de los 70. King, compositor y saxofonista, estudió en Inglaterra y Estados Unidos, donde adquirió la visión de fusionar los ritmos tradicionales de África con el jazz y el funk, haciendo algo único a partir de la influencia de Sonny Rollins y James Brown. Shango contiene muestras de la música funk más dura, ligada a cuestiones políticas, como en “Watusi”, que se refiere a la lucha por la democracia en Angola. CRIMEN SONORO Troker Intolerancia, 2014 Atentar contra el sonido puede ser un crimen, en el sentido de darle muerte a convencionalismos para alentar la creatividad. ¿De qué armas se valió Troker para cometerlo? Se agazapó en esa zona oscura donde se cruzan los caminos del jazz, rock y funk. Dispuso de un sonido caótico que remite a las locuras de Zappa, de un rigor en la ejecución que hace pensar en King Crimson como cómplice, y de un groove letal por su contundencia. Es evidente el uso de scratch punzocortante y de riffs pesados. Los pasajes de trompeta estilo mariachi confirman que se trata de criminales nacidos en Guadalajara. El sexteto transgrede la ley que gobierna su sonido con tal de evolucionar, en coincidencia con el cierre de un ciclo al cumplir 10 años de existencia.

AGENDA

Noviembre

Lo mejor de la agenda del Auditorio Nacional se encuentra en estas páginas, junto con breves reseñas de los eventos y un avance de los siguientes meses.

Ballet

Ópera

Concierto

Proyección

Danza

Teatro

Infantil

Varios

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Programación sujeta a cambios

David Garrett durante la entrega de los Premios BAMBI en el Teatro Potsdamer Platz de Berlín (noviembre de 2013).

David Garrett La obra de este talentoso violinista alemán es una atractiva mezcla de rock, pop y música clásica. Con tan sólo 33 años de edad, David Garrett cuenta ya con una impresionante trayectoria artística: empezó a tocar violín a los cuatro años; a los siete estudió en el Conservatorio Lübeck; su primera interpretación pública fue a los 10 junto a la Hamburg Philharmonics y a los 13 se convirtió en el músico más joven en recibir un contrato exclusivo con Deutsche Grammophon. En 1999 decidió que no quería dedicarse únicamente a la música clásica, así que fue a Nueva York a estudiar musicología y composición en Juilliard School. Fue entonces que empezó a fusionar estilos musicales. Luego de su exitoso debut en México a principios de este año, Garrett regresa al Auditorio Nacional para presentar una selección de piezas incluidas en sus álbumes Encore, Classic Romance, Legacy, Rock Symphonies y Music, los cuales han tenido un enorme éxito a nivel mundial.

David Garrett

Martes 18 y miércoles 19 de noviembre 20:30 hrs. Preferente: $2,000 Luneta: $1,400 Balcón: $880 Primer piso: $600 Segundo piso: $350

auditorio.com.mx

Programación sujeta a cambios

Este espectáculo con las imágenes más memorables de películas clásicas de Disney será acompañado por la música de una orquesta sinfónica integrada por 65 músicos y 6 cantantes. Además, antes de que el evento dé inicio, el público podrá convivir con personajes como Mickey Mouse, Minnie, Tribilín, el Pato Donald, Aladino, Pinocho, Blanca Nieves y Rapunzel. Sábado 8 y domingo 9 de noviembre 12:00 y 18:00 hrs. Preferente: $1,200 Luneta: $800 Balcón: $600 Primer piso: $400 Segundo piso: $200

Café Tacvba: Gira 20re-ct25

Martes 11, miércoles 12, jueves 13 y viernes 14 de noviembre 20:30 hrs. Sábado 15 de noviembre 20:00 hrs. Preferente: $1,200 Luneta: $900 Balcón: $600 Primer piso: $350 Segundo piso: $250

Uno de los grupos mexicanos de música pop más conocidos y queridos de los años 80 regresa al Auditorio después de 15 años para interpretar sus más grandes éxitos, como “Bazar”, “Esta noche no” y “Tímido”. Jueves 20 de noviembre 20:30 hrs. Preferente: $1,500 Luneta: $1,200 Balcón: $900 Primer piso: $550 Segundo piso: $350

El Barbero de Sevilla

En vivo desde el Met de Nueva York Sábado 22 de noviembre 12:00 hrs. Preferente: $400 Luneta: $270 Primer piso: $150 Segundo piso: $50 Límite de acceso 11:45 hrs.

Daniela Romo: Para soñar

Sábado 29 de noviembre 20:00 hrs. Preferente: $1,200 Luneta: $1,000 Balcón: $800 Primer piso: $450 Segundo piso: $250

Enero Cortesía NY MET

Martes 2 de diciembre 20:30 hrs. Preferente: $1,200 Luneta: $900 Balcón: $600 Primer piso: $350 Segundo piso: $250

Se aceptan todas las tarjetas de crédito bancarias y American Express. Para más información consulte nuestra página de internet: auditorio.com.mx

Flans: Ilse, Ivonne & Mimi

Diciembre Café Tacvba: Gira 20re-ct25

HORARIOS DE TAQUILLA Lunes a sábado: 10:00-19:00 hrs. Domingo: 11:00-18:00 hrs.

Cortesía Disney en concierto

Disney en concierto. La música de tus películas favoritas en vivo

la soprano Kelli O’Hara. Es ésta una nueva puesta en escena de la directora y coreógrafa de Broadway, Susan Stroman. Bajo la batuta de sir Andrew Davis. Sábado 17 de enero 12:00 hrs. Preferente: $400 Luneta: $270 Primer piso: $150 Segundo piso: $50 Límite de acceso 11:45 hrs.

Los maestros cantores de Núremberg

En vivo desde el Met de Nueva York Sábado 13 de diciembre 11:00 hrs. Preferente: $400 Luneta: $270 Primer piso: $150 Segundo piso: $50 Límite de acceso 10:45 hrs.

La Arrolladora Banda El Limón de René Camacho Jueves 15 de enero 20:30 hrs. Preferente: $1,550 Luneta: $1,100 Balcón: $900 Primer piso: $650 Segundo piso: $350

La viuda alegre

En vivo desde el Met de Nueva York La extraordinaria soprano Renée Fleming estelariza esta comedia sobre una viuda rica y los esfuerzos de sus paisanos por encontrarle un buen marido para que su dinero no salga del principado. Participan también el barítono Nathan Gunn y

Los cuentos de Hoffmann

En vivo desde el Met de Nueva York Sábado 31 de enero 12:00 hrs. Preferente: $400 Luneta: $270 Primer piso: $150 Segundo piso: $50 Límite de acceso 11:45 hrs.

AGENDA

LUNARIO / NOVIEMBRE Programación sujeta a cambios

Archivo Auditorio Nacional

Para consultar la cartelera completa visita: lunario.com.mx Lena Jueves 6 de noviembre 21:00 hrs. Primera fila: $750 Preferente A: $550 Preferente B: $450 Vista parcial: $350 Mayores de 18 años

#lunario10 presenta: Manzanero, íntimo y personal El destacado cantautor yucateco se ha presentado en Lunario en más de 20 ocasiones. De hecho, fue él quien inauguró este recinto el 4 de marzo de 2004 junto con Tania Libertad con el espectáculo La libertad de Manzanero. Ahora, el autor de clásicos como “No se tú” y “Somos novios” regresa a este escenario para ofrecer dos conciertos que no te puedes perder. Viernes 7 y sábado 8 de noviembre 21:00 hrs.

Cortesía Jefferson Center

Primera fila: $1,300 Preferente A: $900 Preferente B: $800 Vista parcial: $800

#lunario10 presenta: Titerino Circus Trouppe Domingos 9, 16, 23 y 30 de noviembre 13:00 hrs. Preventa: $220 Día del evento: $280 Concierta independencia: Verónica Valerio & SHO Trío Martes 11 de noviembre 21:00 hrs. Preventa: $180 Día del evento: $200 Mayores de 18 años Los hermanos Wooten: Victor, Joseph, Roy “Futureman” y Regi.

José Ortega, Marcela Chacón y Sergio Vázquez: Entre amores y desamores Miércoles 12 de noviembre 21:00 hrs. Primera fila: $900 Preferente A: $600 Preferente B: $500 Vista parcial: $500

#lunario10 presenta: Victor Wooten Band Conocido como el Michael Jordan del bajo, este músico multiinstrumentista, compositor, productor, profesor y arreglista cuenta con una vasta trayectoria artística de más de 30 años. El llamado mejor bajista contemporáneo del mundo regalará dos noches de jazz en Lunario. Jueves 13 y viernes 14 de noviembre 21:00 hrs. Primera fila: $1,300 Preferente A: $900 Preferente B: $800 Vista parcial: $700

AGENDA

21:00 hrs.

Lisardo: Loco por ti Miércoles 3 de diciembre

Preventa: $350 Día del evento: $450

21:00 hrs.

Rulo y La Contrabanda Martes 18 de noviembre 21:00 hrs.

Primera fila: $950 Preferente A: $500 Preferente B: $350 Vista parcial: $250

General: $350

Andrés Suárez Jueves 4 de diciembre

#lunario10 presenta: Ana Moura en concierto Miércoles 19 y jueves 20 de noviembre

21:00 hrs.

21:00 hrs. Primera fila: $1,300 Preferente A: $900 Preferente B: $750 Vista parcial: $600 Mesas numeradas Mayores de 18 años #lunario10 presenta: Rhye Viernes 21 de noviembre 21:00 hrs. Zona VIP: $800 General: $500 Admisión general de pie Mayores de 18 años Santiago Cruz Sábado 22 y domingo 23 de noviembre 21:00 y 19:30 hrs. Primera fila: $650 Preferente A: $450 Preferente B: $350 Vista parcial: $250 Paco de María y su Big Band Viernes 28 de noviembre 21:00 hrs. Preferente A: $550 Preferente B: $450 Vista parcial: $300

Cortesía Revista Vicio

DICIEMBRE

Primera fila: $800 Preferente A: $500 Preferente B: $400 Vista parcial: $300 Akais Chindos presenta: ¡Pastora baila! Sábado 6 de diciembre 21:00 hrs. Primera fila: $700 Preferente A: $400 Preferente B: $350 Vista parcial: $300 Caloncho: Fruta Vol. 2 Miércoles 10 de diciembre

Paté de Fuá.

La Rondalla de Saltillo de la UAAAN: Serenata romántica Viernes 19 de diciembre 21:00 hrs. Primera fila: $600 Preferente A: $500 Preferente B: $400 Vista parcial: $400

21:00 hrs. Preventa: $250 Día del evento: $300 Admisión general de pie

Enero Cortesía National Theatre of London

Iván Ferreiro: Historia y cronología del mundo Sábado 15 de noviembre

#lunario10 presenta: Paté de Fuá – Petit comité Esta banda formada por músicos argentinos y mexicanos que fusionan géneros como el jazz tradicional, tango, pasodoble y dixieland, entre otros, regresa a Lunario por novena ocasión. Para su pequeña orquesta, Paté utiliza instrumentos como el banjo, la corneta, el acordeón, el cabrófono, la tabla de lavar, el serrucho y varios más inventados por ellos mismos. Viernes 12 de diciembre 21:00 hrs. Primera fila: $800 Preferente A: $650 Preferente B: $450 Vista parcial: $300

John National Theatre de Londres Esta obra de danza y teatro dirigida por Lloyd Newson cuenta la historia de un hombre que lucha contra el mundo de las drogas y el crimen, en el cual ha vivido por varios años y del que ahora quiere escapar. La impresionante actuación de Hannes Langolf como John ha sido alabada por la crítica. La producción corre a cargo de la Compañía DV8 Physical Theatre y el National Theatre de Londres. Lunes 12 y martes 13 de enero 20:00 hrs. Preventa: $150 Día del evento: $180 Mayores de 18 años

FINALES AUDIO

Los sonidos del Auditorio En diciembre de 2008 la compañía estadounidense Meyer Sound hizo el diseño y montaje del equipo de audio en el Auditorio Nacional, realizando además la alineación o corrección de frecuencias según las características del lugar. Ésta es una de

DISEÑO E ILUSTRACIÓN ignacio z. huizar

las mejores instalaciones a nivel internacional y en aquel entonces se convirtió en la más grande del mundo para un teatro. Te compartimos algunos detalles interesantes sobre este sistema de la más alta calidad:

El Auditorio cuenta con

96 bocinas, equivalente a 3 veces el número de dientes que tiene la boca humana.

Sobre el escenario y en cada uno de sus costados están suspendidas 3 hileras de bocinas: de la más larga cuelgan 20.

Del piso del escenario a la bocina más alta hay

12.50 metros,

altura que alcanzarían 2 jirafas paradas una sobre la otra.

Mientras que de la bocina más baja al escenario hay 5 metros, el largo de

1 serpiente pitón.

Cada una de las 40 bocinas principales pesa 106.6 kg, sumando un total de 4,264 kg, más los 600 kg que pesan los 2 bumpers (estructuras metálicas a la que están enganchadas) y 700 kg de cables, nos dan 5,564 kg, el peso de 4 hipopótamos adultos.

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FINALES AUDIO

Las medidas de cada bocina son: 137.2 cm de largo x 55.9 cm de alto, dimensiones aproximadas a las de

1 pequeño refrigerador.

Las bocinas subwoofers

700-HP pesan

117.48 kg cada una. Cuelgan 16 repartidas en 2 filas, lo que da un total de 1,879.68 kg, más el cableado y el bumper suman alrededor de 2,800 kg, similar a la masa de

2 bisontes

americanos. Otras bocinas en el recinto son las outfill y las llamadas UPA-1p.

En el Auditorio, los técnicos de sonido miden el número de decibeles (dB) que alcanzan los aplausos y los gritos del público.

El grupo que ha conseguido la mayor cantidad es

One Direction (107 dB) en junio de 2012. Sus fans, adolescentes de entre 12 y 18 años, se consolidaron como las más gritonas.

El segundo lugar se lo lleva Enrique Iglesias (106 dB) —se presentó por última vez en el recinto en mayo de este año—, y el tercer puesto es para Luis Miguel (103 dB), quien hasta marzo de 2013 ha dado 216 conciertos en El Escenario de México.

FINALES MEMORIA

José Greco y su ballet español El coreógrafo y bailaor de flamenco se presentó en el Auditorio Nacional en 1963 junto con Nana Lorca, Martín Vargas y Pepe de Algeciras, este último como cantaor.

Sucedió: el 22 de junio de 1963 Lugar: El escenario del Auditorio Nacional Autor: Anónimo / Auditorio Nacional