Revista de Auditorio Nacional / No. 7 by La Revista del Auditorio

REVISTA del AUDITORIO la

Nº 7 SEPTIEMBRE 2014

Ejemplar gratuito

Vicente Fernández y las rancheras VladÍmir Áshkenazy

Este célebre pianista y director ruso será el encargado de blandir la batuta frente a la Philharmonia Orchestra de Londres en su presentación en el Auditorio Nacional.

Los sonidos del jazz

Children of the Light Trio, formado por tres grandes maestros del jazz, se presentará en Lunario como parte de los festejos por los 10 años del recinto.

Óperas malditas

Dos obras que se presentarán en vivo y en HD como parte del programa operístico del Met, están ligadas a supersticiones e historias de censura. Descubre sus detalles.

Una de las voces mexicanas más destacadas de nuestros tiempos ofrecerá este mes en el Auditorio Nacional siete conciertos en su gira de despedida de los escenarios.

CONTENIDO

REVISTA del AUDITORIO la

No 07 · septiembre 2014

Consejo Nacional para la Cultura y las Artes Rafael Tovar y de Teresa

Gobierno del Distrito Federal

El rey de la música ranchera, quien por más de 45 años ha sido uno de los más grandes cantantes de México, se despide de su público en el Coloso de Reforma.

Miguel Ángel Mancera Espinosa Jefe de Gobierno

Auditorio Nacional

Gerardo Estrada Rodríguez Coordinador Ejecutivo

Francisco Serrano Carreto

Director de Desarrollo Corporativo

Luis Carlos Romo Salcido Director de Operaciones

Constanza Bolaños González Garza

Directora de Promoción y Difusión

Carlos Reygadas Barquín Director de Administración y Finanzas

DE ÓPERAS Y SUPERSTICIONES

Mark Giancola

Mónica Navarro Ruiz Coordinadora de Prensa

Nicolás Martínez

Centro de Documentación del Auditorio Nacional

Cortesía MET Opera

Director de Producción

La temporada 2014-2015 de transmisiones en vivo del Met incluye óperas que suman a su atractivo las sombrías historias que las involucran. p. 32

Archivo Auditorio Nacional

CENTRALES

Presidente

CONTENIDO

REVISTA del AUDITORIO la

Latinstock

No 07 · septiembre 2014

Dirección

Eduardo Sanmiguel Director general eduardo@aeditores.com

Marcela Aguilar y Maya Directora asociada

Editorial

Santiago Oria Director editorial santiago@aeditores.com

Julieta García Asesora editorial julieta@aeditores.com

Claudia Benítez Asistente editorial

Adriana Colón Susana Paz Correctora de estilo

Arte

Cynthia Márquez Directora de arte y diseño

Gerardo Terán Diseñador

Fernanda Carrasco Editora de foto

Comercial

Eva Feldman Ejecutiva de cuenta eva@aeditores.com

Gabriela García Ejecutiva de cuenta gabriela@aeditores.com

Ivonne Miranda Ejecutiva de cuenta ivonne@aeditores.com

Diego Rivera Ejecutivo de cuenta diegor@aeditores.com

Pablo Maya Relaciones públicas

Asesores de contenidos Marcello Lara Jesús Quintero

consejo editorial

Gerardo Estrada Bruno Newman Francisco Serrano Eduardo Sanmiguel Julieta García Constanza Bolaños Marcela Aguilar y Maya Mónica Navarro

A / EDITORES

Leibnitz 20, piso 8-801 Col. Anzures, México, D.F. T. +52 (55) 52 81 17 78 y 79 aeditores.tumblr.com

BREVES

Otra teoría sobre la muerte de Jim Morrison, nuevos álbumes de grupos de los 90, legendarias tiendas de discos y otros temas interesantes. p. 7

CONOCE A...

Vladímir Áshkenazy ha estado involucrado con las orquestas más importantes del mundo, éxito que tiene que ver con sus inicios en la música. p. 16

HISTORIA

El Auditorio Nacional fue, en sus inicios, escenario de numerosos eventos deportivos. Aquí te contamos un poco de estas competiciones. p. 12

OPINIÓN

¿Qué música o ritmo define el sonido de México? Enrique Blanc y Edi Kistler responden la siguiente pregunta: ¿A qué suena México? p. 44

FOROS

Conoce uno de los teatros irlandeses de mayor tradición y la historia del Palacio de Bellas Artes, que este año festeja su 80 aniversario. p. 14

RESEÑAS

Libros recientes de escritores mexicanos, novedades en el mundo de la música y películas de estreno. Aquí algunas atractivas sugerencias. p. 46

La Revista del Auditorio es una publicación de A/Editores. Leibnitz 20-801, Col. Anzures, C.P. 11590 México, D.F. Teléfono 5281 1778. Revista mensual. Número 07, septiembre 2014. Editor responsable: Eduardo Sanmiguel M. El contenido de los artículos es responsabilidad de los autores. Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción parcial o total incluyendo cualquier medio electrónico o magnético con fines comerciales. La información contenida se ha obtenido de fuentes fidedignas. Número de Reserva del Instituto Nacional de Derechos de Autor No. 04-2014-041111154300-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido No. 16218. Distribuido por Grupo CONAGRA, Popocatépetl 415, Col. Santa Cruz Atoyac, C.P. 03100, México, D.F. Impresa en Grupo Ajusco, S.A. de C.V., José María Agreda y Sánchez 223, Col. Tránsito, C.P. 062820, México, D.F., Teléfono 5132 1100.

Del FB AuditorioMx:

Lectura pública de La tregua, de Mario Benedetti. #DateUnaTregua #Benedetti

El pasado domingo 10 de agosto el vestíbulo del Auditorio Nacional se vio inmerso en el mundo de las letras para rendir tributo a uno de los máximos exponentes de la literatura latinoamericana: el escritor uruguayo Mario Benedetti. A partir de las 12:00 hrs. se realizó una lectura pública de su obra La tregua (1960), como parte de un evento organizado por Alfaguara, W Radio y nuestro recinto. “En este día de verano, con este sol, una vez más, agradecemos por recordar a Mario. Esta es una excelente oportunidad para abrazarnos a Mario Benedetti de nuevo.

¡Disfrutémoslo!”, dijo el embajador de Uruguay en México, Jorge Alberto Delgado, al dar la bienvenida a las más de 500 personas que se reunieron para leer y escuchar, durante cerca de siete horas, el relato en forma de diario del protagonista de la novela, Martín Santomé. Como invitados especiales estuvieron presentes personalidades como Sabo Romo, Maruan Soto Antaki, Jorge F. Hernández, Gabriela Warkentin, Cecilia Toussaint, Fernanda Tapia y Héctor Bonilla, entre otros. Visita nuestra página de Facebook para ver las fotografías del evento.

Contáctanos en: auditorio@auditorio.com.mx · lunario@auditorio.com.mx · lunas@auditorio.com.mx

Sigue los pasos del Auditorio Nacional, Lunario y Lunas del Auditorio en: @AuditorioMx @LunarioMx @LunasAuditorio AuditorioMx LunarioMx LunasAuditorio +AuditorioMx +LunarioMx AuditorioMx LunarioMx TVLunas AuditorioMx LunarioMx LunasAuditorio

Despedidas, supersticiones y celebraciones La música es una de las muestras de identidad más grandes que se pueden encontrar dentro de una nación. En sus ritmos y en sus letras se expresan apegos, emociones, costumbres y tradiciones. En este arte de sonidos y silencios siempre existen personas destacadas, portadores de la historia de su pueblo y de miles más que se involucran con cada una de sus canciones. En México, quizá el símbolo fundamental de los últimos años sea el señor Vicente Fernández. El Charro de Huentitán es el intérprete de música ranchera por excelencia y un personaje querido por los mexicanos, por eso, su despedida de los escenarios es un proceso destacado y doloroso a la vez; sus zapatos —o mejor dicho, sus botines— no son fáciles de llenar. Sin duda extrañaremos escucharlo en vivo. Dentro de esta publicación, los conceptos identidad y México no se limitan a “don Chente”, pues en la opinión del mes, dos especialistas en el tema intentan definir cuál es el sonido de nuestro país, aquél que nos caracteriza y nos define ante los oídos del mundo. El resto de nuestras páginas centrales narra las leyendas e historias en el mundo de la ópera que nos hacen considerar a ciertas obras como malditas; además de explorar la propuesta jazzística de Children of the Light Trio, una tremenda agrupación de virtuosos que lucirá como parte de los festejos de #Lunario10. Esperamos sinceramente que disfruten. —Los editores

En portada: Vicente Fernández, 2010.

AUDITORIO recomienda

Presentamos una cartelera de otros eventos culturales que actualmente se llevan a cabo en foros, teatros y museos de la Ciudad de México. La oferta es amplia, por lo que te recomendamos apartar los días en tu agenda para que no te quedes sin verlos.

Ballet

Ópera

Concierto

Proyección

Danza

Teatro

Infantil

Varios

Programación sujeta a cambios

Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC)

Transformación

Cuatro manos, dos oficios, una iconografía

Exposición de arte oaxaqueño compuesta por 80 piezas, entre alebrijes de madera y figuras de barro negro, de los artistas Jacobo Ángeles y Carlomagno, quienes exhiben de manera conjunta por primera vez. Se trata de una destacada muestra de la cultura popular del estado de Oaxaca, en especial de la zapoteca. Hasta el domingo 12 de octubre.

caye.mx

Muestra que ofrece una amplia mirada a la obra del artista argentino Víctor Grippo, desde sus inicios en la década de los 60 hasta sus últimos años. Son cerca de 50 piezas —entre instalaciones, pintura y fotografía— basadas en la idea de transformación, que es uno de los principios que rigieron su trabajo. Hasta el domingo 19 de octubre.

Museo de Arte Popular (MAP)

Exposición de Víctor Grippo, Transformación, en el MUAC.

Eventos internacionales de música clásica y ópera en el Palacio de Bellas Artes

Orquesta Revolucionaria y Romántica

Sir John Eliot Gardiner, director Reino Unido Programa I: Beethoven: Obertura Leonora núm. 2 Berlioz: Las noches de verano (Les nuits d’eté) Beethoven: Sinfonía núm. 5 Viernes 17 de octubre 20:30 hrs. Programa II: Beethoven: Sinfonía núm. 2 Berlioz: 2 arias de La Damnation de Faust (La condenación de Fausto); D’amour l’ardente flame (De amor la ardiente flama); Autrefois un roi de Thulé (Había una vez un rey en Thulé) Beethoven: Sinfonía núm. 8 Sábado 18 de octubre 19:00 hrs. Precios: $515, $410, $360, $255, $155

Ensamble Intercontemporáneo

Matthias Pintscher, director Francia Festival Internacional Cervantino Programa: Varése: Octandre Sciarrino: Introduzione all’oscuro (Introducción a la oscuridad) Fuentes: Rincontri (Reencuentros) Fujikura: Fifth Station (Quinta estación) Ligeti: Concierto de cámara Jueves 23 de octubre 20:30 hrs. Precios: $465, $410, $310, $225, $100

Les Arts Florissants

William Christie, director Francia El aria francesa, un arte íntimo Programa: Arias, duetos y selecciones de óperas francesas Elodie Fonnard, soprano Marc Mauillon, bajo William Christie, clavecín Domingo 26 de octubre

17:00 hrs. Precios: $465, $410, $310, $225 y $100

Radamisto

Ópera del Festival de Salzburgo Martin Haselböck, director Austria Con: Curtis Streetman (Farasmane) Carlos Mena (Radamisto) Monica Groop (Zenobia) Jueves 6 de noviembre 20:00 hrs. Sábado 8 de noviembre 19:00 hrs. Domingo 9 de noviembre 17:00 hrs. Precios: $670, $515, $410, $310 y $205

▸ Palacio de Bellas Artes Av. Juárez s/n, Centro Histórico, Ciudad de México. ▸ MUSEO UNIVERSITARIO ARTE CONTEMPORÁNEO (MUAC) Av. Insurgentes Sur 3000, Centro Cultural Universitario Miércoles, viernes y domingos 10:00 a 18:00 hrs. Jueves y sábados 10:00 a 20:00 hrs. Público general de jueves a sábado: $40 Público general miércoles y domingos: $20. Estudiantes 2x1 Entrada libre: menores de 12 años, miembros de ICOM, AMPROM, CINAM y Prensa. ▸ MUSEO DE ARTE POPULAR (MAP) Revillagigedo 11, Centro Histórico. Martes, jueves, viernes, sábado y domingo 10:00 a 18:00 hrs. Miércoles 10:00 a 21:00 hrs. Entrada general: $40 / domingo entrada libre.

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LAS

BREVES

Texto: Diana Amador

¿Qué está pasando en el mundo de la música y el espectáculo? Te presentamos una selección de notas interesantes para que estés informado.

Y siguen tocando

Getty Images: Nick Pickles/WireImage

Grupos viejos, discos nuevos

Pixies en el Hammersmith Apollo de Londres, noviembre de 2013.

Dicen que todo tiempo pasado fue mejor, pero muchos de los grandes músicos de las últimas décadas han vuelto para demostrar que su presente puede ser tan bueno como antes. Apenas en abril, el emblemático grupo de los 90, Pixies, lanzó Indie Cindy, su quinto trabajo discográfico de estudio y el primero después de 23 años de silencio. Canciones que los hicieron famosos como “Where Is My Mind?” o “Here Comes Your Man”, siguen tan presentes que su reciente lanzamiento era uno de los más esperados del año. Unas semanas después, el británico Morrissey, quien también vivió sus mayores éxitos en la última década del siglo pasado, lan-

zó World Peace Is None of Your Business, una obra que entre las revistas especializadas ha causado más revuelo por su título y sus letras que por su propuesta musical. El ex líder de The Smiths ha defendido su trabajo diciendo que es “su mejor álbum en 20 años”. No es tanto el entusiasmo de Robert Smith, guitarrista y cantante de The Cure, quien anunció que este año el conjunto lanzará un nuevo disco titulado 4:14 Scream. Algo que podría enloquecer a los fans que lo siguen desde los 80, para él “es un álbum que fue hecho por una banda que ya no existe”, mientras que las letras no le parecen “lo suficientemente buenas”, por lo que se dio a la

tarea de reescribirlas varias veces y, como le confesó a la radiodifusora británica XFM, no le gustaría cantarlas nunca en vivo. Otro legendario cantante que ha logrado mantenerse con fuerza a pesar del paso de los años es Dave Grohl, quien tras la disolución de Nirvana formó a Foo Fighters, con lo que pronto logró hacerse de su propio nombre. Desde entonces, este grupo ha lanzado discos periódicamente, lo que lo mantiene vigente en cada generación. Después de Wasting Light (2011), por fin anunció que a finales de 2014 tendrá un nuevo material, al que Grohl califica como “tremendo” y “bestial”. Él sí que es entusiasta.

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breves

El Top 5

Tiendas de discos que son leyenda

Música virtual

AMAZON ENTRA AL RUEDO

El boom de la venta digital y la piratería han llevado a las míticas tiendas de discos casi a la ruina. Sin embargo, los melómanos todavía pueden encontrar sitios especiales en los cuales conseguir su música en formato físico. He aquí cinco de los establecimientos más populares del mundo que siguen vendiendo: Cortesía

Amoeba Music (Berkeley, EUA): Es considerada la tienda de música independiente más grande del mundo. Fue fundada en 1990 y siete años después abrió una sucursal en San Francisco y en 2001 una en Los Ángeles. En la actualidad cada una de estas tiendas sigue registrando ganancias a pesar de que hace poco llegaron al mercado digital a través de su sitio, en donde puede encontrarse una selección de discos raros y de disqueras extintas que fueron digitalizados por la propia compañía. • www.amoeba.com

Tower Records (Sacramento, EUA): Durante más de 40 años fue la cadena de tiendas de discos más grande de Estados Unidos, con su central en Sacramento. Llegó a tener su propia revista, Pulse!, y un programa de radio. Sin embargo, la deuda que acumuló debido al acelerado crecimiento que tuvo en los 90 y a la piratería por internet la llevó a la bancarrota en 2006. Actualmente existe como una franquicia internacional, con locales en países como Japón e Irlanda, y como una tienda en línea.

Cortesía

Dreamstime

• www.tower.com Cortesía

On The Beat Records (Londres, Reino Unido): Ubicada en la calle Hanway, esta tienda existe desde finales de la década de los 70 y se especializa en rock, folk, funk, blues, indie y soul. Aunque su catálogo no se ha renovado, es el lugar ideal para encontrar las piezas más singulares, sobre todo vinilos, aunque también cuenta con una considerable cantidad de discos compactos, al igual que artículos como revistas, fotos originales, carteles de conciertos y camisetas. • onthebeatrecords.wordpress.com

Cortesía

Bop Street Records (Seattle, EUA): Esta tienda es mucho más grande de lo que los compradores podrían llegar a pensar, ya que sus estrechos pasillos no pueden albergar los más de medio millón de discos que resguardan sus bodegas. Desde 1974 Bob Street Records vende vinilos clásicos de colección. Con el tiempo se ha convertido en un lugar de culto puesto que figuras como Thom Yorke de Radiohead y Dave Grohl de Foo Fighters lo visitan con frecuencia. • www.bopstreetrecords.com

Cortesía

RecordFriend (Ámsterdam, Países Bajos): Lleva apenas una década funcionando, la cual tal vez ha sido el período más difícil para la industria de la música. Su especialidad son los vinilos (nuevos y de segunda mano) y los discos compactos de edición muy limitada. Cuenta con más de 35 mil títulos y casi cada día se añaden más. Su selección es tan exquisita que se ha convertido en un atractivo turístico más de la ciudad. En su página puede consultarse su catálogo casi por completo. • www.recordfriendamsterdam.nl

En el competido mercado de la música digital, la tienda virtual Amazon no quiso quedarse atrás. Haciéndole frente a Spotity —que tiene ya 10 millones de usuarios— anunció el lanzamiento de Prime Music, una plataforma donde pueden escucharse más de un millón de canciones. Antes, los usuarios de Prime en Amazon ya podían acceder a un servicio similar completamente gratis para ver series de televisión o leer en préstamo medio millón de libros. Ahora este sistema se ha expandido al mundo de la música. En este nuevo servidor los beneficiarios podrán crear listas de reproducción, recibir recomendaciones personalizadas y descargar los temas a sus dispositivos móviles para escucharlos sin estar conectados a internet. Aunque sus capacidades son muy similares a las de Spotify, tiene como desventajas que solamente es para quienes ya pagan el servicio Prime que incluye otros contenidos además de música y que, por el momento, únicamente funciona en Estados Unidos. • bit.ly/1sPrGId

Joel Brodsky

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Rey lagarto

¿Quién mató a Jim Morrison? Nadie más que el líder de The Doors podría saber con certeza qué sucedió el 3 de julio de 1971 en su departamento de París. Sin embargo, Marianne Faithfull tiene una teoría que a pocos ha escandalizado. La cantante, compositora y actriz, que en aquel entonces era pareja del traficante de drogas Jean de Breteuil, dijo en entrevista para la revista musical Mojo que su “ex” mató por “accidente” a Jim Morrison al darle una sobredosis de heroína. Cuando ocurrió el deceso, los médicos dijeron que el cantante había muerto por un fallo cardiaco, agravado por el abuso del alcohol, pero nunca se hizo una autopsia por no haber señales de violencia. La versión de la sobredosis es algo que siempre ha rondado la historia del “Rey Lagarto” y el nombre de Breteuil se ha visto relacionado con el caso puesto que por varios años suministró drogas a estrellas de rock. Según dijo Faithfull, el día en que Morrison murió, ella presintió que habría problemas y no quiso acompañar a su pareja para entregarle las drogas al músico. Unas horas después vio volver a Jean y más tarde supo de la muerte que marcaría a una generación. No obstante, 43 años después de lo ocurrido nadie más que Jim podría saber exactamente cómo terminó su vida aquella madrugada de 1971. • huff.to/1oJN4wE

breves

Karla Souza

trabajando Gary Alazraki, director de Nosotros los Nobles. “Me costó mucho, pero decidí que éste era un paso más firme en mi carrera. Es una gran oportunidad para crecer y sobre todo para crear un nuevo tipo de personaje”, declaró Souza en entrevista para La revista del Auditorio al referirse a How to Get Away with Murder, cuyo estreno será este mes. Sobre Laurel, su personaje, la mexicana pone énfasis en que se trata de una estudiante muy aplicada con raíces latinas, perteneciente a ese grupo de latinoamericanos que no ha sido bien representado en pantalla: “No es una chica curvilínea, con acento chistoso, escote y que baila salsa”, explica, “es una chica latina que creció en Estados Unidos y está integrada a esa cultura pero sin perder el contacto con su origen, como hay muchos allá. Quiero mostrar que la comunidad latina es mucho más que un cliché”. • www.karlasouza.com

Archivo Auditorio Nacional

Quizá siempre será recordada por protagonizar la segunda película mexicana más taquillera de la historia, Nosotros los Nobles (2013), pero Karla Souza quiere dejar atrás al personaje Barbie Noble. Fue ésta una de las razones por las que decidió probar suerte en Estados Unidos, y en poco tiempo logró lo que ninguna otra actriz de México: ocupar un papel protagónico en un programa de horario estelar de una cadena de televisión tan importante como ABC. Creada por Shonda Rhimes, quien también escribió el exitoso drama Grey’s Anatomy, esta nueva serie, How to Get Away with Murder, cuenta la historia de Annalise Keating, una profesora de defensa criminal en una prestigiosa universidad, y de cuatro de sus estudiantes. Laurel, interpretada por Karla, es una de ellos. Para poder formar parte del elenco, la actriz tuvo que cancelar su participación en un proyecto para Netflix en el que estaba

Getty Images

Una latina sin curvas ni acento

Sabías que…

RECONOCIMIENTO AL COLOSO DE REFORMA A mediados de 2013 el Auditorio Nacional fue reconocido por la revista Pollstar como el teatro número uno a nivel mundial por venta de boletos con un total de 568 mil 219 entradas vendidas durante el primer semestre del año. Ahora, nuestro recinto ha vuelto a ocupar el primer lugar en lo que va del 2014, esta vez con 710 mil 35. La cifra sólo considera espectáculos en vivo, sin tomar en cuenta las transmisiones en vivo de la ópera del Met o los eventos privados, los cuales ascenderían la asistencia total registrada por cientos de miles. Es por su capacidad que el “Coloso” entra en el rango “Teatros” (de 5 mil hasta 10 mil personas). Independientemente de esta categoría, los únicos sitios que han vendido más este año fueron la Arena O2 de Londres (primer lugar en el grupo “Arenas”), que vendió 919 mil 900 boletos, pero que cuen-

ta casi con el doble de capacidad que el foro capitalino: 17 mil 800 asientos; y el Empire Polo Club de Indio, California (“Outdoor/ Festival Sites”) con 769 mil 200 boletos. El Auditorio se ha mantenido por más de 10 años en los primeros cinco lugares del mundo en su categoría, obteniendo el pri-

mer lugar anual en 2001, 2007, 2008, 2009 y 2013. En esta primera mitad del 2014, nuestro recinto superó al segundo lugar del conteo, el Colosseum at Caesars Palace de Las Vegas, por 393 mil cuatro boletos. Tendremos que esperar a que termine el año para conocer los resultados finales.

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Divas mexicanas

Archivo Auditorio Nacional

“Monsi” llega al Auditorio

Durante muchos años su fascinación por las divas llenó páginas completas. Carlos Monsiváis reunió una amplia colección de fotografías de tiples, mujeres que conquistaron los escenarios de nuestro país en las primeras décadas del siglo XX. Hoy, en alianza con el museo que él fundó: el Museo del Estanquillo, la galería del Auditorio Nacional acoge las 44 imágenes selecciona-

das para esta muestra llamada: Escenas de pudor y liviandad: tiples en la colección de Carlos Monsiváis, título retomado de uno de los libros del escritor y periodista, del que se extrajeron fragmentos que acompañan a las piezas exhibidas. En su mayoría, los retratos son en blanco y negro con tonos sepia, pero también se incluyeron algunos coloreados a mano.

Algunas de las figuras que forman parte de esta exhibición son María Conesa, Lupe Vélez, Esperanza Iris, Delia Magaña y Lupe Rivas Cacho. Hay distintos autores de las fotos, incluidos reconocidos fotógrafos como Alex Phillips, Francisco Lavillete y Víctor Herrera. La exposición podrá visitarse hasta el día 20 de octubre. • bit.ly/1tfp6Ja

Archivo Auditorio Nacional

historia

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AUDITORIO NACIONAL

El “Coloso” como escenario deportivo

Texto: La redacción

A mediados del siglo pasado, distinguido por su capacidad para montar una cancha de duela en condiciones inmejorables, el Auditorio Nacional fue escenario de numerosos partidos de basquetbol. Por este motivo, en febrero de 1955 se realizaron ahí varios partidos de gran popularidad dentro de la Serie Internacional de Basquetbol, donde la selección nacional se enfrentó a los West Coast All Stars y a la Universidad de Portland, entre otros. Al poco tiempo, fue seleccionado como sede oficial de los torneos de este deporte durante los II Juegos Deportivos Panamericanos que se sucedieron en el mes de marzo. Ese mismo año, siguiendo con la fascinación por esta disciplina, ahí tuvo lugar el Campeonato de la Liga Mayor de Basquetbol de Primera Fuerza y, como cereza en el pastel, se presentaron los Harlem Globetrotters, el equipo de basquetbol de exhibición por excelencia, el cual mezcla deporte con teatro y comedia, haciendo de sus juegos todo un show. En esa ocasión y a petición de Abe Saperstein, su dueño y entrenador, el conjunto estadounidense estuvo acompañado por “El dueto Farías”, integrado por Julio Farías y Esteban Muñoz, quienes con su acto de acrobacias habrían de seguir a los Globetrotters en su gira de invierno por el continente americano. Este espectáculo fue muy aplaudido por el público mexicano. Unos años después, el escenario del Auditorio volvió a convertirse en cancha de baloncesto para recibir la Serie Internacional México vs. Panamá en 1958, y en 1959 regresaron los Globetrotters y se realizó la Serie Internacional de Basquetbol entre

México y China. No sería sino hasta mayo de 1966 que se volverían a colocar la duela y las canastas en el foro para el enfrentamiento entre la selección mexicana y la Unión Soviética. Sin embargo, el protagonismo del basquetbol no dejó fuera del “Coloso” a otros deportes. Su espacio también fue adaptado para torneos de otras disciplinas: en octubre de 1955 se llevaron a cabo los Campeonatos Mundiales de Tenis de Mesa, en los que se enfrentaron el entonces campeón mundial Richard Bergmann y el francés Rene Roothooft; en junio de 1961 fue sede del Torneo Interamericano de Boliche, en el que participaron 12 países latinoamericanos; en 1965 albergó un partido de voleibol femenil entre Japón y México y un año más tarde una serie internacional entre México y Bulgaria; mientras que del 12 al 25 de octubre de 1968 tuvo lugar la Semana Internacional de Gimnasia Olímpica. Pasó el tiempo y ya bien entrada la década de los 70, en 1975, nuestro recinto recibió a los más grandes exponentes de la gimnasia de este continente en la VII edición de los Juegos Panamericanos. Es curioso señalar que los eventos femeninos tuvieron una afluencia de público casi cuatro veces mayor a la de los eventos masculinos. Fue a partir de los años 80 que los deportes dejaron de llegar al Auditorio, ya que la celebración de estas competiciones se trasladó a otros escenarios. No obstante, su versatilidad se ha mantenido siempre vigente gracias a la enorme variedad de espectáculos que ahí se presentan, pasando por conciertos, ballet, shows de magia, ópera y danza, entre otras cosas.

Un recuento para que quienes asistan a los conciertos y even tos que se presentan en este escenario tengan la posibilidad de redescubrir un relato que pertenece a todos.

07 El “Coloso de Reforma” fue escenario de eventos deportivos durante sus tres primeras décadas de vida. A él llegaron equipos y figuras internacionales para enfrentarse en distintas disciplinas, de entre las cuales la más popular fue el basquetbol.

Página anterior Los Harlem Globetrotters, equipo estadounidense de basquetbol de exhibición que se presentó en el Auditorio Nacional del 20 al 23 de octubre de 1955.

FOROS

FOROS DEL MUNDO

En estas páginas se presenta cada mes una selección de escenarios. Ya sea por sus avances tecnológicos, su larga tradición o por los artistas y espectáculos que a ellos llegan, éstos son los mejores.

Cortesía Abbey Theatre

Texto: La redacción

IRL

El Abbey Theatre, ubicado en Lower Abbey Street, Dublín, Irlanda.

Abbey Theatre Próximos eventos Our Few and Evil Days: del viernes 26 de septiembre al sábado 25 de octubre What Happens to the Hope at the End of the Evening (Dublin Theatre Festival): del jueves 2 al sábado 4 de octubre (en el Peacock) The Waste Ground Party: del miércoles 29 de octubre al sábado 22 de noviembre (en el Peacock) Contacto: www.abbeytheatre.ie

Pensando en rescatar y promover la tradición y el folclor irlandeses, el poeta W. B. Yeats impulsó el fortalecimiento del nuevo sentido irlandés de identidad nacional con el movimiento Irish Literary Revival. En 1890 empezó a trabajar con los dramaturgos Lady Augusta Gregory y Edward Martyn con la intención de fundar un teatro nacional puramente irlandés, libre de influencias inglesas. Fue así que en 1899 fundaron el Irish Literary Theatre, que en 1902 se convertiría en la Irish National Theatre Society. En 1904, gracias al apoyo financiero de miss Annie Horniman, esta sociedad abrió el Abbey Theatre, en el corazón de Dublín, con la presentación de tres obras, dos de Yeats y una de Lady Gregory. En 1927 se inauguró el Peacock Theatre, un escenario anexo más pequeño. En los primeros años

de vida del teatro se presentaron obras de Bernard Shaw, J. M. Synge y Sean O’Casey. En 1951 un incendio destruyó buena parte del recinto, por lo que la compañía tuvo que irse al Queen’s Theatre. No fue sino hasta 1963 que se inició la construcción del nuevo edificio —diseñado por Michael Scott— en su lugar de origen. Esta nueva apertura sucedió en 1966. Desde entonces, el Abbey ha sido hogar de actores como Peter O’Toole, Ray McAnally y Stephen Rea, así como de excelentes dramaturgos, entre ellos Frank McGuinness, Brian Friel y Eugene O’Neill. Este año el foro celebra su 110 aniversario, por lo que de diciembre a marzo correrá una temporada en la que podrán verse producciones independientes y obras de dramaturgos irlandeses.

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Palacio de Bellas Artes Próximos eventos New London Consort, La reina de las hadas: martes 14 de octubre Orquesta Revolucionaria y Romántica: viernes 17 y sábado 18 de octubre Radamisto: jueves 6 de noviembre

cemos: Palacio de Bellas Artes. El edificio se concluyó en 1934 y la inauguración sucedió el 29 de septiembre. En su interior hay murales de artistas como Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros; cuenta con tres salas: Principal, Manuel M. Ponce y Adamo Boari, así como con el Museo Nacional de Arquitectura y el Museo Nacional del Palacio de Bellas Artes. Ubicado en el Centro Histórico de la capital, el recinto es escenario de eventos de diversa índole, tanto de nuestro país como de otros lugares del mundo. Por motivo de su aniversario número 80, el Palacio de Bellas Artes está presentando, desde marzo de este año, una serie de eventos nacionales e internacionales que continuarán el festejo hasta diciembre.

Fotos: Lorena Alcaraz Minor

Contacto: www.palacio.bellasartes.gob.mx

A principios del siglo XX, como parte de los festejos por el Centenario de la Independencia, se inició un programa de obras arquitectónicas cuyo propósito fue embellecer a la Ciudad de México. Así, por encargo del presidente Porfirio Díaz se planeó la construcción de un nuevo Teatro Nacional diseñado por el arquitecto italiano Adamo Boari. La obra comenzó en 1904 pero se fue retrasando por problemas financieros y técnicos; finalmente tuvo que suspenderse en 1910 cuando empezó la Revolución. No fue sino hasta 1930 que volvió a retomarse, pero esta vez bajo el cargo del arquitecto Federico E. Mariscal, pues Boari se había marchado del país en 1916. Para el nuevo proyecto se cambió el nombre, adoptando el que ahora cono-

mex

Interior del Teatro del Palacio de Bellas Artes.

conoce a

Siguiente página: Vladímir Áshkenazy dirigiendo a la Royal Philharmonic Orchestra, circa 1988.

Vladímir Áshkenazy Pianista y director de orquesta

La Philharmonia Orchestra de Londres está próxima a dar un concierto en el Auditorio Nacional. Como director invitado estará el pianista Vladímir Áshkenazy. Aquí te presentamos un perfil de este prestigioso músico que ostenta el título de Director Laureado. Texto: Juan Arturo Brennan

• NO TE LO PIERDAS… › Philharmonia Orchestra de Londres Martes 9 de septiembre, 20:30 hrs. Límite de acceso a las 20:15 hrs.

No contento con ser uno de los más eminentes pianistas de nuestro tiempo, Vladímir Áshkenazy ha realizado también una notable, respetada y admirada carrera como director. Como debe ser, Áshkenazy se sentó muy temprano (a los seis años de edad) en el banquillo de un piano, y con el paso del tiempo comenzó a recoger los frutos de su estudio y su talento al ganar importantes premios en concursos internacionales de prestigio como el Chopin, el Reina Elisabeth y el Chaikovski. Se dice que buena parte de su destacado perfil como pianista se la debe a un maestro excepcional, miembro ilustre de la vieja guardia pianística rusa: Lev Oborin. Si su carrera como pianista ha sido admirable, su trayectoria como director de orquesta (que cubre ya más de dos décadas) no lo es menos. Además de numerosas y frecuentes invitaciones para actuar como director huésped de importantes orquestas del mundo entero, Áshkenazy ha establecido relaciones formales y duraderas con varios conjuntos sinfónicos, entre ellos la Filarmónica Checa, la Sinfónica de la NHK de

Tokio, la Sinfónica de Sydney, la Orquesta Sinfónica de Islandia, la Orquesta Juvenil de la Unión Europea y, en particular, la respetada Orquesta Filarmonía de Londres. Uno de los testimonios más sólidos y duraderos de la notable labor de Áshkenazy como pianista está en su vasta discografía, que ha sido enriquecida constantemente a lo largo de más de cinco décadas de trabajo intenso en el estudio de grabación. Como es de esperarse en un pianista de su talla, en su catálogo están representados muchos de los compositores importantes que han contribuido a la literatura pianística; más interesante, sin embargo, es la mención de algunos nombres menos convencionales cuya presencia en esa lista es una muestra más de la amplitud de miras de Áshkenazy. Así, el melómano podrá encontrar (y disfrutar) sus registros de música de Altschuler, Danzi, Grechaninov, Liádov, Previn, Clara Schumann y Tanéyev, junto con generosas (y muy bien interpretadas) dosis de Bach, Beethoven, Mozart, Rajmáninov, Scriabin, Schumann, Chopin y otros grandes del piano.

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Un dato de interés en la espléndida discografía de Áshkenazy, que refleja otra de las facetas que lo definen como un músico muy completo, es el hecho de que en muchas de sus grabaciones ha actuado como pianista acompañante en la ejecución de canciones de concierto, al lado de cantantes como Elisabeth Söderström, Barbara Bonney, Dietrich Fischer-Dieskau y John Shirley-Quirk. Como director, su repertorio de grabaciones muestra una predilección por las grandes obras orquestales de Shostakóvich, Sibelius, Prokófiev, Stravinski y Strauss. Varias de sus grabaciones han sido galardonadas con merecidos premios y reconocimientos. Dato interesante: Áshkenazy ha tenido una intensa, productiva y prolongada asociación de trabajo con el sello discográfico DECCA a lo largo de más de 50 años.

“Creo que la interpretación debe ser como un vidrio transparente, una ventana para la música del compositor”. —Vladímir Áshkenazy

Además de gran pianista y notable director de orquesta, Vladímir Áshkenazy es un acucioso divulgador de la música a través de proyectos que van más allá de tocar el piano y/o dirigir. En este rubro de su actividad destaca, por ejemplo, su trabajo que coloca la música de Prokófiev y Shostakóvich en el contexto del estalinismo, o su exploración

DISCOGRAFÍA Vladímir Áshkenazy cuenta con un vastísimo repertorio que incluye más de 300 títulos, como pianista y como director. Aquí, una mínima selección de su impresionante catálogo:

BEETHOVEN: “ARCHDUKE” TRIO & TRIO NO. 7 IN B FLAT (1812) (1982 · EMI Music Distribution) Vladímir Áshkenazy, Itzhak Perlman y Lynn Harrell

ASHKENAZY LIVE IN MOSCOW (1990 · MCA) Con la Royal Philharmonic Orchestra

RACHMANINOV: PIANO CONCERTOS 2 & 4 (1986 · London) Vladímir Áshkenazy con la Concertgebouw Orchestra y Bernard Haitink

GERSHWIN: PIANO CONCERTO. COPLAND & BARBER (1991 · London) Peter Jablonski con Vladímir Áshkenazy y la Royal Philharmonic Orchestra

SONGS BY ROBERT & CLARA SCHUMANN (1997 · London) Barbara Bonney y Vladímir Áshkenazy

SERGEI PROKOFIEV: BALLET MUSIC, “ROMEO AND JULIET” & “CINDERELLA” (2000 · DECCA) Vladímir Áshkenazy con la Cleveland Orchestra, la Chicago Symphony Orchestra y sir Georg Solti

VILLA-LOBOS. INSTRUMENTAL AND ORCHESTRAL WORKS

WALKING IN THE AIR. THE MUSIC OF HOWARD BLAKE

(2007 · EMI Classics)

(2014 · DECCA)

Vladímir Áshkenazy, Neville Marriner y Jesús López-Cobos con la New Philharmonia Orchestra, la Academy of St. Martin in the Fields y la London Philharmonic Orchestra

Vladímir Áshkenazy con su hijo Vovka

del desarrollo musical en China después de la época de Mao Zedong. Además, en colaboración con la televisora japonesa NHK, Áshkenazy ha desarrollado una interesante serie de programas didácticos, algunos de ellos dirigidos específicamente a comunidades desprotegidas. Otra faceta muy atractiva de su labor musical se encuentra en sus

colaboraciones (tanto en concierto como en discos) con su hijo mayor Vovka Áshkenazy, con quien toca música para dos pianos y para piano a cuatro manos. Para conocer un poco más de cerca a Vladímir Áshkenazy, vale recordar que en diversas ocasiones sostuvo ásperos enfrentamientos con las autoridades soviéticas. En

conoce a

1961, a pesar de estos y otros conflictos, se casó con una mujer islandesa, estudiante de piano del Conservatorio de Moscú, y en 1963 ambos dejaron la Unión Soviética para establecerse en Londres. Cinco años después la familia se mudó a Islandia y en 1972 el pianista y director de orquesta adquirió la ciudadanía islandesa. El segundo de sus cinco hijos, Dimitri, es clarinetista.

Además de gran pianista y notable director, Vladímir Áshkenazy es un acucioso divulgador de la música a través de proyectos que van más allá de tocar el piano y dirigir.

Una de las contribuciones más interesantes de Áshkenazy al ámbito de la música orquestal es su muy sólida y muy bien lograda orquestación de los Cuadros de una exposición, de Modest Mussorgski. Gracias a este trabajo, el melómano ya no tiene que conformarse automáticamente con la universalmente aceptada orquestación de Maurice Ravel; ojalá algunas de nuestras orquestas se atrevieran a programar la transcripción de Áshkenazy, que posee numerosos méritos sonoros. Dato de interés lingüístico: el apellido Áshkenazy hace referencia de manera general a los judíos originarios de Europa y de forma particular a aquellos de ascendencia alemana. En algunas fuentes se indica que askenazi quiere decir “alemán”.

Vladímir Áshkenazy en los Abbey Road Studios de Londres, circa 1988.

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Esther Yoo Además de contar con la presencia de Áshkenazy, en el concierto que la Philharmonia Orchestra de Londres está próximo a ofrecer en nuestro Auditorio se presentará como solista la violinista Esther Yoo. Esta chica prodigio del violín empezó a tocar a los cuatro años de edad y su debut en concierto sucedió cuatro años después. Cuando tenía 16, la estadounidense de padres coreanos —pero que ha vivido la mayor parte de su vida en Bruselas— se dio a conocer internacionalmente al volverse la ganadora más joven de la décima Competencia Internacional de Violín Sibelius. Dos años después, en 2012, se convirtió en una de los músicos más jóvenes en ganar la competencia de violín Queen Elisabeth. Hoy en día, a los 19 años de edad, Yoo ha tocado ya con varias orquestas internacionales de la talla de la Czech Virtuosi Chamber Orchestra y la Sinfonía Varsovia. Actualmente se encuentra estudiando con la violinista italiana Ana Chumachenco y con el músico y director francés Agustin Dumay.

Juan Arturo Brennan Nació en la Ciudad de México en 1955. Cineasta egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica. Guionista, productor, realizador y conductor de programas de radio y televisión. Crítico de música y periodista. Profesor y conferencista. Redactor de notas de programa para orquestas y festivales, así como para producciones discográficas.

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• NO TE LO PIERDAS… › Vicente Fernández septiembre 10, 12, 16 y 19, 20:30 hrs. 13 y 20, 20:00 hrs. 15, 21:00 hrs.

“Chente” canta bien las rancheras Considerado el cuarto “gallo” entre los cantantes mexicanos más reconocidos, Vicente Fernández es una de las figuras más célebres del mundo de la música de nuestro país.

Detrás de las óperas malditas Desde Macbeth, quizá la más notoria y antigua en esta cadena de supersticiones, hasta La Muerte de Klinghoffer, conoce los porqués que envuelven sus historias.

Los grandes del jazz La fusión de ritmos y experiencias que produce este trío de músicos virtuosos es única y podrá ser disfrutada en el concierto íntimo que presentarán en Lunario.

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Don “Chente” se retira invicto

Vicente Fernández aún grabará discos en el estudio que tiene en su rancho de Jalisco, pero definitivamente le dice adiós a los conciertos… aunque la gente siga aplaudiendo. Texto: Fernando Figueroa / Fotos: Cortesía de Grupo Fernández

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Aficionado como espectador al boxeo, Vicente Fernández suele decir a sus amigos pugilistas que se retiren en la cumbre, invictos si es posible, para que el público no sea testigo de su decadencia. Esa idea pasó por su mente el 8 de febrero de 2012 al anunciar su alejamiento de los escenarios. Él mismo ha contado que ese día estaba en una conferencia con medios de comunicación nacionales y extranjeros; de pronto, un reportero le hizo la pregunta “de cajón”: ¿Ha pensado en el retiro después de tantos éxitos en su carrera? Durante años, “Chente” había contestado que mientras sus facultades no mermaran y el público lo apoyara, seguiría activo. Pero aquel día la respuesta fue diferente. Sin que su esposa ni sus hijos lo supieran de antemano, don Vicente anunció que se iba. Deseaba hacerlo en plenitud, digamos que invicto, con el objetivo de disfrutar por fin a las personas que normalmente debía abandonar de jueves a domingo, o durante semanas y meses enteros, porque su agenda profesional así lo exigía. El proyecto original consistía en recorrer algunas ciudades de España, Estados Unidos, México, Centro y Sudamérica, para dar el cerrojazo en diciembre de 2012. Incluso inició la gira del adiós, pero tuvo que sortear un pequeño inconveniente llamado cáncer de hígado (una década atrás ya había enfrentado con éxito un tumor en la próstata). Se sometió a una operación hepática que fue exitosa, convaleció más de un año y retomó el tour que llega, en el mes patrio, al Au-

ditorio Nacional (¡Hasta siempre, México!). Él mismo ha dicho que seguirá grabando discos, pero no hará más conciertos. Por el espejo retrovisor de su vida, el artista jalisciense puede ver triunfos en el Madison Square Garden (Nueva York), el Forum Barcelona (en dicha ciudad catalana), el Hotel Mandalay (Las Vegas), el Zócalo del Distrito Federal ante casi 200 mil personas y, por supuesto, El “Escenario de México” en Reforma y Campo Marte. En junio de 2012 se despidió de Madrid ante miles de fanáticos que atestaron el Palacio de Vistalegre de la capital española. Fernando Neira, del diario El País, escribió entonces: “A Fernández le contemplan 72 años, pero en sus cuerdas vocales no se atisba conato alguno de agotamiento. Llega hasta la última nota aguda, no elude las dificultades y, a estas alturas de la película, tampoco elude los arrebatos de orgullo. Es la quintaesencia de la tradición mexicana”. Señalado en Estados Unidos como “el Frank Sinatra mexicano”, Fernández comparte con el de Nueva Jersey el privilegio de la longevidad artística y el haber grabado una canción que los pinta de pies a cabeza, “My Way” (“A mi manera”), aunque en el caso que nos ocupa le sienta mejor “El rey”. Piedras en el camino Antes de ganarse la vida con el canto, Vicente Fernández (Huentitán El Alto, Jalisco, 1940) fue ordeñador de vacas y repartidor de leche en su pueblo; bolero, lavaplatos,

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cajero, albañil y pintor en Tijuana, entre otras actividades que, según ha comentado, le ayudaron “a estar cerca de mi gente”. Hizo sus pininos profesionales en cantinas y restaurantes típicos de la Ciudad de México, Tijuana y Guadalajara. En la capital del país recibió muchos desaires de las compañías discográficas, pero cuando su voz se escuchó en la estación de radio XEX, a mediados de los 60, se le abrió una puerta en CBS (hoy Sony-BMG) y desde entonces permanece fiel a esa relación contractual. Resulta casi increíble que el hombre que hoy posee un rancho de 200 hectáreas y varias propiedades en Estados Unidos, sea el mismo que no tenía dinero para pagar una incubadora cuando nació Vicente, su primogénito, quien no cumplió ni siquiera siete meses de gestación. “Chente” y su esposa “Cuquita” salieron del embrollo con una jugada genial y conmovedora: rodearon al bebé con botellas llenas de agua caliente y conservaron el calor acercando un potente foco, de los que se usan para exhibir carnitas. A Vicente hijo fue a quien le tocó la amarga experiencia de ser secuestrado en 1998. Un asunto de la vida privada como ése, cobra otra dimensión cuando su padre se crece al castigo y decide no cancelar cuatro presentaciones en la Pico Rivera Sports Arena de Los Ángeles. Un artículo de Los Angeles Times de 1999 recreó la difícil experiencia y destacó estas palabras del cantante en medio de aquella vorágine: “Quien haya hecho esto, tomó la cosa más importante del mundo para mí (su familia). No voy a dejar que se lleven lo segundo más importante (su relación con el público)”. El redactor daba en el blanco al señalar que “Vicente Fernández opera en un plano épico, sin artificio”. Al anunciar su retiro en 2012, Fernández antepuso los intereses de sus admiradores, a quienes tiene acostumbrados a escuchar conciertos de tres horas, por lo menos. “No

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DISCOGRAFÍA Entre materiales de estudio y compilaciones, Vicente Fernández ha lanzado al mercado más de un centenar de álbumes, con ventas totales que rebasan 67 millones de copias. Éstos son algunos de sus títulos más destacados:

LA VOZ QUE USTED ESPERABA (1967 - CBS) En su primer LP se incluyeron “Cantina de mi barrio” y “Perdóname”, canciones previamente grabadas en 45 RPM, más otros nueve temas como “Parece que fue ayer” y “La copa rota”.

PALABRA DE REY (1969 – CBS) Contiene “Tu camino y el mío” y “Yo quiero ser”, éxitos tempranos del Charro de Huentitán, además del tema que da nombre al disco.

¡ARRIBA HUENTITÁN! (1972 – CBS) “Volver, volver”, una composición de Fernando Z. Maldonado, puso en los cuernos de la luna al nuevo mandamás de la canción ranchera. Nacía un ídolo.

15 GRANDES CON EL NÚMERO 1 (1983 – CBS)

quiero que se me acabe la energía y empiece a bajar la duración de mis presentaciones, primero a dos horas y media, luego a dos horas, hora y media… no es justo, mejor me voy ahora”. Carrera de larga duración “Mientras ustedes no dejen de aplaudir, yo no dejo de cantar”, ha sido el lema del intérprete a quien críticos y público ubican junto a los otros tres grandes de la canción ranchera: Pedro Infante, Jorge Negrete y Javier Solís.

Vicente Fernández suele decir a sus amigos pugilistas que se retiren en la cumbre, invictos si es posible, para que el público no sea testigo de su decadencia.

“Chente” se da el lujo de grabar covers de baladas como “Me basta”, “Y cómo es él”, “Qué tal te va sin mí”, “Al final”, etcétera. Rebasa el millón de copias vendidas.

PARA SIEMPRE (2007 – Sony-BMG) Contiene dos de las canciones más populares de Vicente Fernández, “Para siempre” y “Estos celos”, creadas por Joan Sebastian, que fueron utilizadas en la famosa telenovela Fuego en la sangre.

Infante y Negrete ya habían fallecido cuando Vicente llegó a la ciudad de México en busca de una oportunidad. Javier Solís murió en abril de 1966 y de inmediato las compañías discográficas se dieron a la tarea de buscar un sustituto; fue entonces que se allanó el camino para Fernández, quien se aferró a su objetivo hasta convertirse en ídolo, en “El Número Uno”.

En su carrera artística no sólo existen alrededor de un centenar de discos grabados (el más reciente de tangos), miles de conciertos en casi toda América y España, cientos de programas de televisión (sobre todo en tiempos de Raúl Velasco) y una amplísima exposición de sus éxitos en la radio; también hay 32 películas como actor, 29 de las cuales produjo con su socio Gregorio Walerstein, un Rey Midas del cine popular. “Chente” fue dirigido por celebridades como Alejandro Galindo (Tacos al carbón, 1972), Chano Urueta (Tu camino y el mío, 1973) y José “Perro” Estrada (El albañil, 1975). A lo largo de su carrera alternó con histriones como Sara García, Ofelia Medina, Mario Almada, Sasha Montenegro y un largo etcétera que incluye a… Alejandro Fernández (Mi querido viejo, 1991, de Rafael Villaseñor Kuri, director de cabecera de don Vicente). Los tres potrillos Para nadie es un secreto que Vicente Fernández impulsó la carrera de su hijo Alejandro desde que lo presentó, siendo todavía un niño, en el programa de televisión Siempre en domingo. Más adelante lo llevó a sus giras y se involucró en la producción de sus dos primeros discos. Cuando el “Potrillo” ya se había ganado un nombre, él y su padre hicieron un último tour que finalizó de manera apoteósica en el Foro Sol capitalino. Recientemente grabaron al alimón “Me olvidé de vivir” (antiguo éxito de Julio Iglesias) para el álbum del vástago Confidencias. “El Charro de Huentitán” también ha apoyado musicalmente a su primogénito y tocayo, al extremo de que en 2012 grabaron Los 2 Vicentes, producido por el padre. En ese material cada uno interpreta siete temas y hacen un dueto: “Vamos a quererla más”, dedicado a doña “Cuquita”. El tercer potrillo se llama Gerardo, quien

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no se dedica a cantar pero está al frente de la Arena VFG, el moderno centro de espectáculos que fue construido en 2005 dentro del rancho familiar, en Jalisco. Del Blanquita al Auditorio Nacional Por supuesto que el “Ídolo de México” tiene una gran colección de reconocimientos: discos de diamante, platino, oro y plata; premios Grammy, Lo Nuestro, Billboard, Oye, entre otros. En 1998 recibió su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywod y atrajo a casi 5 mil admiradores que deseaban verlo, la cifra más alta para un artista latino. Nada mal para alguien que sólo terminó el quinto grado de primaria, pero que sabe expresarse con propiedad y, sobre todo, eficacia. Tal vez sin conocer la tesis de Max Weber acerca de la diferencia entre vivir de la política o para la política, don Vicente suele decir que no vive de cantar sino para cantar. Atrás quedaron los días de privaciones, cuando su garganta servía para cubrir las necesidades básicas. En el pasado se quedan

experiencias amargas, como cuando vio su nombre por vez primera en la marquesina del teatro Blanquita y pensó en traer de Guadalajara a su padre para que lo viera en el escenario de la entonces avenida San Juan de Letrán (hoy Eje Central); le mandó hacer un traje para la ocasión, pero jamás lo estrenó porque ya estaba muy enfermo y murió sin poder viajar a la capital del país; su madre tampoco pudo testificar aquel logro porque había fallecido años atrás. En septiembre de 2014 Vicente Fernández se despide del público de la Ciudad de México con siete conciertos en el Auditorio Nacional, donde seguramente tendrán butacas metafóricas quienes hace medio siglo no pudieron verlo en el Blanquita.

Fernando Figueroa Nació en México en 1955. Es autor del libro El mejor oficio del mundo. 60 entrevistas (2013), que incluye charlas con personajes tan disímbolos como Marcel Marceau, Alejandro Jodorowsky, Consuelo Velázquez, Yolanda Vargas Dulché, Fernando del Paso, Roberto Gómez Bolaños “Chespirito”, Silverio Pérez, Pedro “El Perro” Aguayo y… Raphael.

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Óperas malditas: ¿Casualidad, superstición? En el mundo de la ópera existen ciertas obras que se consideran malditas debido a sucesos oscuros que han ocurrido alrededor de sus puestas en escena. Dos títulos que han dado pie a supersticiones son parte de la temporada 2014-2015 de transmisiones de ópera en vivo del Met de Nueva York. Texto: Juan Arturo Brennan El fascinante submundo de la ópera, como los demás submundos de la cultura, el espectáculo y la farándula, está generosamente poblado de tradiciones, leyendas y supersticiones. El origen de muchas de ellas es lejano y oscuro, mientras que otras están relativamente bien documentadas. Una de las supersticiones más arraigadas en el ámbito de la música escénica es la de las llamadas óperas malditas, y en este contexto es probable que la más notoria de ellas sea Macbeth, de Giuseppe Verdi. De hecho, por el solo hecho de haberla nombrado explícitamente, ya estoy automáticamente expuesto a que me caiga encima un enorme candelabro, o a precipitarme al foso de la orquesta, o a ser asfixiado entre los efusivos brazos de una soprano enorme

porque, según lo marca una superstición que sobrevive (y muy generalizada) hasta nuestros días, debí haberme referido a ella como “esa ópera escocesa” o algo igualmente vago y ambiguo. ¿De dónde surge tal terror por el Macbeth de Verdi? Surge de una fuente impecablemente lógica: el teatro. El problema es que tratándose de un asunto que no es particularmente científico ni histórico, existen numerosas discrepancias entre distintas fuentes; si a ello se agrega lo que los ociosos y los supersticiosos han añadido de su propia cosecha, la famosa “Maldición de Macbeth” es tan elusiva y tenue como algunos de los espíritus y fantasmas que pueblan las espléndidas historias, comedias y tragedias de William Shakespeare.

• NO TE LO PIERDAS… › En vivo desde el Met de Nueva York Macbeth Sábado 11 de octubre, 12:00 hrs. Las bodas de Fígaro Sábado 18 de octubre, 12:00 hrs. Carmen Sábado 1 de noviembre, 11:00 hrs.

Página derecha: Željko Lučić como Macbeth.

CortesĂa MET Opera

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Sin ir más lejos, se dice que para la primera representación de Macbeth, a la que asistió el Rey Jacobo I, el joven actor elegido para representar a Lady Macbeth enfermó súbitamente y murió antes del estreno, obligando al propio Shakespeare a representar ese rol. Al rey le disgustó tanto la obra que prohibió su representación durante varios años. A partir de entonces, las tragedias asociadas con el Macbeth shakesperiano son numerosas, aunque no hay manera de saber cuáles son verídicas y cuáles inventadas: una daga de verdad que sustituye a la de utilería y mata a Duncan en escena; actores que atacan y hieren con sus espadas al público que los abuchea; un actor se queda mudo represen-

El caso de la prohibición de Bomarzo Durante la dictadura del general Juan Carlos Onganía (1966-1970) en Argentina tuvo lugar, en 1967, uno de los eventos más conocidos en la historia de la censura: el veto de la ópera Bomarzo, compuesta por Alberto Ginastera con un libreto del escritor Manuel Mujica Láinez, basado en su novela homónima de 1962. El estreno mundial había tenido lugar meses atrás en el Lisner Auditorium de Washington, donde fue muy bien recibida. Ambientada en el Renacimiento italiano, la obra trata de la vida del duque jorobado de Bomarzo, Pier Francesco Orsini, también conocido como Vicino, quien bebe una poción envenenada creyendo que se trata de un brebaje mágico que le dará vida eterna, lo que le provoca tener alucinaciones. Onganía y el arzobispo de Buenos Aires, Antonio Caggiano, decidieron que la pieza estaba llena de faltas a la moral por las constantes alusiones al sexo y a la violencia, por lo que prohibieron su presentación en el Teatro Colón de la capital. El suceso es popularmente conocido como “The Bomarzo Affair”, nombre que le dio el Embajador de Estados Unidos en aquel entonces. En 1984 esta ópera que se vio definida por la dictadura y su represión se presentó para celebrar el retorno de la democracia.

tando a Macbeth; un trozo de tramoya que casi mata a sir Laurence Olivier en su propia interpretación del villano de Shakespeare; ataques cardíacos, muertes en escena o poco antes de entrar a ella, suicidios, enfermedades, vestuarios que se incendian sobre los actores, robos a las compañías de teatro que ponían Macbeth, huelgas que impidieron su representación y un largo etcétera. La famosa (o infame) “Maldición de Macbeth” ha sido tan persistente que algunos necios han intentado explicarla, y otros más necios aún han querido resolverla. Los primeros dicen que es una obra maldita debido a la famosa escena de las tres brujas escrita por Shakespeare en esta formidable

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durante una representación del Macbeth de Verdi en la Metropolitan Opera de Nueva York, un cantante y entrenador vocal búlgaro llamado Bantcho Bantchevsky se arrojó a su muerte desde el balcón a la platea, para comprensible horror de la concurrencia. Todo esto viene a cuento porque el Macbeth del compositor italiano (o “esa ópera escocesa”, si usted lo prefiere) abrirá la ya tradicional serie de transmisiones en vivo y en HD (alta definición) desde el recinto neoyorquino para la temporada 2014-2015. Y, como ya es tradición desde hace seis años, esas funciones serán ofrecidas al público operófilo en la gran pantalla y con el gran sonido del Auditorio Nacional. Para aquellos a quienes la

“Maldición de Macbeth” les cause inquietud, incertidumbre o pánico escénico, va este dato que seguramente despejará sus dudas de inmediato y los hará correr a la taquilla para esta transmisión desde el Met: el papel de la siniestra Lady Macbeth será cantado por la excepcional soprano rusa Anna Netrebko. Más interesante aún es el hecho de que esta temporada de transmisiones del Met que será presentada por el Auditorio Nacional contiene al menos otra ópera considerada también como maldita: Los cuentos de Hoffmann, de Jaques Offenbach. El compositor trabajó arduamente, en pésimas condiciones de salud, en la partitura de ésta, su Getty Images

pieza teatral; léase, que las culpables de la maldición son aquellas tres horrendas hechiceras a las que les da picazón en los pulgares cuando se acerca el maligno Macbeth. Los segundos han organizado sesiones espiritistas para tratar de comunicarse con el alma en pena del malogrado Rey de Escocia y pedirle que termine con la maldición; aparentemente, hay problemas con la red, porque hasta la fecha Macbeth no ha respondido a ninguno de los llamados. Toda esta truculenta faramalla sobre la maldición de la obra teatral de Shakespeare se ha trasladado a la ópera homónima de Verdi, al respecto de la cual existe básicamente un solo dato duro. En enero de 1988,

La supuesta maldición de Los cuentos de Hoffmann comenzó cuando el teatro en el que se realizó su estreno en Austria, en 1881, se quemó unos días después de la función... última obra. A pesar de los rumores de un oscuro pacto con el Diablo para poder terminarla, Offenbach murió dejando la partitura inconclusa; tocó al compositor Ernest Guiraud ensamblar una versión más o menos definitiva y apta para ser representada. La supuesta maldición de esta ópera comenzó cuando el teatro en el que se realizó

Ensayo de Los cuentos de Hoffmann.

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LAS ESTRELLAS DEL MET Este recinto se caracteriza, entre otras cosas, por incluir en sus producciones a extraordinarios cantantes de ópera. Aquí te contamos acerca de algunas de las personalidades que podrás ver en la temporada 2014-2015 de transmisiones en vivo:

RENÉE FLEMING

MARCELO ÁLVAREZ

Es una de las sopranos más queridas de los últimos años, al grado de que se le conoce como “la diva de la gente”. Su trabajo ha sido siempre muy variado: desde ópera barroca, bel canto italiano y obras contemporáneas hasta música pop, jazz y bandas sonoras de películas. Fleming cuenta con varias grabaciones discográficas y fílmicas y ha ganado tres premios Grammy. En esta temporada la cantante estadounidense estelarizará La viuda alegre.

Este tenor argentino nunca consideró tener una carrera como cantante, hasta que su esposa lo convenció de dejar su trabajo en una fábrica de muebles para dedicarse exclusivamente a la música. Álvarez debutó en Italia con el papel estelar de La Traviata. Desde entonces se ha presentado en las mejores casas operísticas de ciudades como Viena, París y Bruselas. En este programa del Met, el artista protagonizará Payasos y Cavalleria rusticana.

JUAN DIEGO FLÓREZ

ANNA NETREBKO

Ha sido llamado el sucesor de Luciano Pavarotti, aunque él declara que no es éste su principal modelo vocal sino el tenor español Alfredo Kraus. El peruano es un cantante con tal don para la comedia que lo ha hecho sobresalir en papeles como Tonio en La hija del regimiento, de Donizetti, y el estelar en El conde Ory, de Rossini. Como parte del programa de transmisiones en HD, Flórez aparecerá en La Dama del lago.

La cantante rusa pasó de ser conserje en el teatro Mariinski de San Petersburgo a convertirse en una de las sopranos más famosas de la actualidad. Sus interpretaciones han sido siempre muy aplaudidas y, además de tener una voz hermosa, se distingue por su elegante y seductora presencia sobre el escenario. No te la pierdas en sus papeles estelares en Macbeth y Iolanta.

su estreno en Austria, en 1881, se quemó unos días después de la función. Unos años más tarde, un incendio en la Ópera Cómica de París destruyó la partitura original, y esto dio cuerpo a la leyenda de la maldición. Se dice que ésta fue levantada cuando una producción berlinesa de Los cuentos de Hoffman en 1905 se llevó a cabo con éxito y sin contratiempo alguno. Óperas desde Nueva York Esta serie de transmisiones en vivo contiene un poco de todo para todos los gustos. Quizá el mayor atractivo está en los dos interesantes programas dobles que propone esta casa operística. Uno de ellos, ya muy tradicional, es la combinación de dos piezas fundamentales del verismo italiano, Payasos, de Leoncavallo, y Cavalleria rusticana, de Mascagni, con el tenor Marcelo Álvarez asumiendo el reto de cantar los dos roles principales de ambas óperas. El otro programa doble es aún más interesante: incluye una ópera de cuento de hadas, Iolanta, de Chaikovski, y el tenso drama erótico-psicológico El castillo de Barbazul, de Bartók. Por lo demás, esta atractiva temporada ofrece varias obras maestras, favoritas indiscutibles del público de este género: Las bodas de Fígaro, de Mozart, Carmen, de Bizet, El barbero de Sevilla, de Rossini, Los maestros cantores de Núremberg, de Wagner, así como la deliciosa opereta La viuda alegre, de Lehár, y como cereza para culminar este muy sabroso pastel operístico de transmisiones en HD, la primera representación en la Metropolitan Opera de Nueva York de La dama del lago de Rossini, con dos superestrellas indiscutibles en los roles principales: la mezzosoprano Joyce DiDonato y el tenor Juan Diego Flórez. Esto es lo que se refiere al programa de transmisiones en vivo desde el Met para el mundo entero. No está de más que los aficionados a la ópera conozcan el resto de los títulos de la temporada, que también incluye piezas importantes, algunas de ellas no exentas de controversia. Esta variada programación incluye otras cinco óperas de Verdi, la siempre espectacular Aída, Un baile de máscaras, Don Carlo, La Traviata y Ernani. Asimismo, el público de Nueva York podrá atestiguar excelentes funciones de dos obras maestras de Mozart, La flauta

mágica y Don Giovanni, así como esa gran favorita del catálogo de Puccini que es La bohème, y una ópera indispensable de Donizetti, Lucía de Lammermoor. Otras regiones del repertorio romántico están representadas por la fantasía de Hansel y Gretel, de Humperdinck, y por la tragedia de Manon, de Massenet. Para los aficionados y conocedores de la ópera moderna, el Met ha programado El progreso del libertino, de Stravinski, y esa joya indispensable de la ópera del siglo XX que es Lady Macbeth de Mtsensk, de Shostakóvich. La polémica de una cancelación Esta temporada la controversia se encuentra en la ópera más reciente de toda la programación. El Met incluyó esa potente ópera que es La muerte de Klinghoffer, compuesta en 1991 por John Adams. El libreto de Alice Goodman está basado en un hecho real atroz. En 1985 un grupo de terroristas del Frente de Liberación de Palestina secuestró en alta mar el crucero italiano Achille Lauro, y durante su ocupación del barco asesinó al turista judío estadounidense Leon Klinghoffer. Desde su estreno, la ópera de Adams ha estado envuelta en la polémica debido a que el libreto intenta dar voz a ambos bandos de esa terrible confrontación. Por ello, se han levantado numerosas voces (entre ellas las de las hijas de Klinghoffer) denunciando a la ópera de Adams como antisemita. En el contexto de los terribles y cruentos hechos recientes en la franja de Gaza, la administración del Met decidió proseguir con las ocho funciones programadas, pero canceló la transmisión en HD arguyendo que temía fomentar la creciente ola de antisemitismo que ha surgido en numerosos países del mundo. He aquí las palabras de Peter Gelb, administrador general de la Metropolitan Opera de Nueva York: “Estoy convencido de que esta ópera no es antisemita, pero también he llegado a convencerme de que hay una preocupación genuina en la comunidad judía internacional de que la transmisión de La muerte de Klinghoffer sería inapropiada en estos momentos de creciente antisemitismo, particularmente en Europa”. Muchas voces han resonado, también, en contra de esta poco razonable cancelación,

Richard Hubert Smith/ENO vía Bloomberg

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Escena de La Muerte de Klinghoffer.

siendo las principales las de John Adams y Alice Goodman. ¿Será este el inicio de una serie de vetos posteriores contra otras óperas controvertidas? ¿Llegarán a usarse argumentos similares para ejercer distintas formas de censura? ¿Se convertirá La muerte de Klinghoffer en una ópera maldita? Más allá de las posibles respuestas a estas preguntas, una cosa es cierta: en estos tiempos de incertidumbre política y cultural, la enorme cantidad de información que anda suelta y la velocidad a la que circula, garantizan que muchos miles, por todo el mundo, buscarán la manera de ver y escuchar a como dé lugar La muerte de Klinghoffer y cualquier otra obra de arte censurada o reprimida. Y esto representa, sin duda, buenas noticias.

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Children of the suma de voces Tres exploradores sonoros de larga trayectoria artística que en el jazz han encontrado un lenguaje común. Ellos son Danilo Pérez, John Patitucci y Brian Blade. Texto: David Cortés

• NO TE LO PIERDAS… › Children of the Light Trio: Danilo Pérez, John Patitucci y Brian Blade Martes 23 y miércoles 24 de septiembre, 21:00 hrs.

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Light Trio:

Danilo PĂŠrez, Wayne Shorter, John Patitucci y Brian Blade en el Barbican Centre el 8 de octubre de 2011 en Londres.

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¿Qué hace del jazz una expresión musical tan peculiar?, ¿cómo pueden conciliarse en él conceptos tan opuestos como personal y grupal? Este género, nacido en los albores del siglo XX, se ha desarrollado gracias a la tenacidad de individuos que han sabido encontrar en el seno de una colectividad su propia voz, porque si algo distingue a esta manifestación es la necesidad de alcanzar la singularidad en el instrumento, la huella que permita separar al creador e innovador de quien se ciñe a ser un ejecutante.

Children of the Light Trio es un caldero en el cual se han vertido ingredientes en apariencia atípicos, pero conforme empiezan a macerarse se advierte que esas diferencias se diluyen.

Para festejar una década de Lunario, espacio acústico idóneo para todo tipo de conciertos, pero especialmente para aquellos en donde el matiz y las sutilezas son importantes, arriba un trío recién formado con un bagaje de experiencias que bien podría llenar esta publicación. Se trata de Children of the Light Trio, cuyo debut se dio apenas el 17 de junio del presente en el prestigioso club neoyorquino Blue Note, donde arrancó una gira que se extenderá por diversas

ciudades y hará escala en la Ciudad de México el 23 y 24 de septiembre. Danilo Pérez al piano, John Patitucci en el bajo y Brian Blade en la batería se conocen de tiempo atrás: desde 2000 forman parte del cuarteto del saxofonista Wayne Shorter y fue con el alumno de Miles Davis con quien se hicieron acreedores a un Grammy en 2006 por Beyond the Sound Barrier. No obstante haber compartido caminos, escenarios y grabaciones, su sed de crear y encontrar otras posibilidades para alentar el desarrollo de su quehacer los llevó a fundar una nueva agrupación en donde el reto es sonar con un registro novedoso, inconfundible, distinto al esgrimido con Shorter. Si pasamos revista al palmarés de cada uno de ellos, tenemos a exponentes que han hollado de forma importante los territorios de la música: Roy Haynes, Steve Lacy, Charlie Haden, Gary Burton, Joe Lovano, Chick Corea, B. B. King, George Benson, Tony Williams, Flora Purim, Ry Cooder, Daniel Lanois, Bob Dylan, Joni Mitchell y Bill Frisell. Es una lista que, además, habla de una miríada de influencias. Si bien prevalece el jazz, también hay atisbos al rock, al folk, a la música de concierto —Pérez tocó con la Orquesta Sinfónica de Panamá en 1995, mientras que Patitucci lo hizo con la London Symphony Orchestra y la Swedish Chamber Orchestra en donde interpretó “A Prayer Out of Stillness”, obra escrita para él por Mark-Anthony Turnage— y los ritmos latinos. Además, es una agrupación en la que el decir cómo y el hacerlo no se encuentran reñidos. Patitucci, como muchos otros instrumentistas, empezó a estudiar desde pequeño; tenía 10 años cuando se inició en el bajo eléctrico, cinco más cuando tomó sus

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BRIAN BLADE

Los variados ritmos del jazz En realidad, Children of the Light Trio es un caldero en el cual se han vertido ingredientes en apariencia atípicos, pero conforme empiezan a macerarse se advierte que esas diferencias se diluyen. El también compositor Brian Blade es el más joven del trío y en su forma de tocar se hace presente una tradición al mismo tiempo académica y callejera, surgida de su devoción por Nueva Orleans. Él se trasladó a esa ciudad en 1988 para asistir a Loyola University, donde pudo entrar un contacto con algunos de los músicos más importantes de la localidad, personalidades para quienes componer no significa alcanzar grandes premios, sino gestar orgánicamente los sonidos en clubes, aceras o iglesias: George French (bajista con Willie Tee and The Souls y The Dukes of Dixieland), Ellis Marsalis (pianis-

ta, tronco de la dinastía Marsalis e impulsor de los jóvenes leones), Alvin “Red” Tyler (baterista en grabaciones de Ron Wood y Elton John), entre otros. A raíz de dicho contacto, diez años después Blade organizó su propia banda, The Fellowship Band, una entidad cuyo cuarto álbum es el reciente Landmarks. Si esto no fuera poco, ayudado por Daniel Lanois — guitarrista y productor, entre otros, de Neil Young, U2, Emmylou Harris y Peter Gabriel— completó su primer álbum de canciones: Mama Rosa. En él, siguió una de sus máximas: “El verdadero logro es ser honesto y que más de lo que somos sea visto y escuchado cuando las canciones se revelen ellas mismas”. No es la primera vez que los tres suben juntos a un escenario, pero sí en la que se amparan bajo un mismo nombre. La mezcla es promisoria: la sangre de Danilo Pérez

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primeras lecciones con el acústico, y a los 16 se aventuró con el piano. Sin embargo, una de las actividades que más disfruta es la docencia. Su curriculo como profesor lo ha llevado por instituciones como el Thelonious Monk Institute of Jazz, Betty Carter’s Jazz Ahead Program y Berklee College of Music. Actualmente trabaja en el Berklee Global Jazz Institute, del cual es fundador y director artístico Danilo Pérez. Cuenta el bajista en allaboutjazz.com: “Algunas veces me pregunto quién está aprendiendo más, tú o los estudiantes. Aprendes mucho sobre comunicación cuando tienes que enseñarle a alguien aquello en lo que has trabajado tan duro toda tu vida […] Cada estudiante tiene una forma diferente de entender y procesar el material que le proporcionas, así que tienes que ser creativo en cómo enseñarle a cada uno”.

Nació el 25 de julio de 1970 en Luisiana. Su primer contacto con la música fue el gospel y se dio en la Zion Baptist Church de la que su padre fue pastor por 52 años. Ya en la escuela primaria su profesora lo introdujo a la música de Maurice Ravel, y de los nueve a los 13 años tocó el violín en la orquesta de la escuela. Un estímulo importante en su futura trayectoria fue la de Brady, su hermano mayor, con quien comenzó a tocar profesionalmente como parte de The Polyphonics, el grupo de Dorsey Summerfield Jr. En 1997 creó The Fellowship Band y meses después, ya en 1998, lanzó su disco debut: Brian Blade Fellowship. Ha realizado en total cuatro álbumes con el colectivo y el más reciente es Landmarks. Otras obras por las cuales Blade ha sido celebrado son: Quiver (2012), con Ron Miles (bajo) y Bill Frisell (guitarra); Real Book Stories (2001) y Air, Love & Vitamins (2004), con Wolfgang Muthspiel (guitarra) y Marc Johnson (bajo); y su dueto con Muthspiel asentado en Friendly Travelers (2007) y Friendly Travelers Live (2008).

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JOHN PATITUCCI

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De ascendencia italiana, nació en Brooklyn el 22 de diciembre de 1959. Estudió bajo clásico en la San Francisco State University y en Long Beach State University. Como músico de sesión, ha grabado al lado de Michael Brecker, Herbie Hancock y Bonnie Raitt. Su interés por la música de Brasil le ha permitido trabajar con Airto Moreira, Ivan Lins y Milton Nascimento, entre otros. Cultiva una vena cinematográfica que lo ha llevado a colaborar al lado de compositores como Jerry Goldsmith, John Williams y Henry Mancini. Su despegue se dio al incorporarse, en 1985, al grupo de Chick Corea, y desde hace 14 años forma parte del cuarteto de Wayne Shorter. Patitucci fue reconocido como el ejecutante más valioso por la National Academy of Recording Arts and Sciences en 1986. Asimismo, fue el ganador en la categoría de Best Jazz Bassist en la revista Guitar Player en los años 1992, 1994 y 1995; y Best Jazz Bassist en la revista Bass Player de 1993 a 1996. Cuando su agenda se lo permite, dirige su propia agrupación: The John Patitucci Quartet.

irradia ritmos latinos, un legado que no sólo le viene de su geografía natal (Panamá), sino de los intercambios sonoros efectuados en su vida. Basta recordar que en 1994 colaboró en la obra Danzón (Dance On), del trompetista, pianista y compositor cubano Arturo Sandoval, la cual le valió a éste un Grammy. Fue allí donde puso en práctica una de sus principales cualidades, la de entregarse de lleno a la música sin buscar notoriedad, lo que llevó a Wayne Shorter a llamarlo a su lado: “Era aventurado y fresco, no tocaba para mostrar su técnica, estaba interesado en contar historias”. Como Pérez, Patitucci también dirige su propio grupo y además de un avezado intérprete es reconocido como un compositor en quien confluye el jazz y la música contemporánea. Ello tal vez deriva de la forma tan inusual en la que se dio su acercamiento a la música negra: “Cuando tenía 11 o 12 años vivíamos en Nueva York y mi abuelo vino a

casa con un par de cajas. No conocíamos la historia detrás de ellas; él nos dijo que alguien las había abandonado en la calle, pero los discos que contenían eran tan maravillosos que te preguntabas por qué alguien querría deshacerse de ellos […] Ésa fue la primera vez que escuchamos discos de jazz. Y después…Wow. Wes Montgomery, Jimmy Smith, Art Blakey y así. Escuché a Ron Carter en los discos de Wes Montgomery. Esas fueron las cosas que me encaminaron hacia el jazz”. Blade, por su parte, posee una narrativa diferente. No sólo hierve en su sangre la tradición de Nueva Orleans y de su natal Luisiana; por sus venas también corre el hiphop y en su estilo, aunque muy sobrio, se advierte ese ritmo callejero con pátinas de funk y soul, pero en el que también los ritmos parecen quebrarse abruptamente. Lejos de ser un híbrido como abundan en la actualidad, es un sonido en donde tradición y modernidad se tienden la mano, se hermanan y reconocen. Cuando son tres los involucrados Acerca de cómo conciliar egos y salir del proceso con buenos resultados, Blade comentó a JazzTimes: “La creación es un misterio porque colectivamente hay una sensación del tipo ‘correcto, tenemos que llegar a algo que represente una canción, a cada uno como solista y que también lo haga como conjunto’. ¿Seremos capaces de hacer las elecciones objetivas en unos cuantos días para que esto suceda? Por la experiencia que tenemos al trabajar juntos, en el estudio tomamos rápido las decisiones y evitamos cualquier tipo de posproducción. Lo que más nos interesa y estimula es llegar a un escenario, tocar allí y vivir de eso”.

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David Cortés Periodista, escritor y doctor en Educación. Ha escrito en los principales diarios (La Jornada Semanal, La Crónica de Hoy, Unomásuno) y revistas del país (Conecte, Latin Pulse!, Swicht, Día Siete, entre otras). Es autor de El otro rock mexicano, La vida en La Barranca y coordinador del libro 100 Discos esenciales del rock mexicano. Actualmente colabora en Bitácora del Auditorio Nacional, Milenio Diario y Nexos.com.

DANILO PÉREZ

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Nació en Panamá el 29 de diciembre de 1965. Niño prodigio, comenzó a estudiar a los tres años con su padre, que era cantante y líder de una agrupación, y a los diez comenzó su asistencia al Conservatorio Nacional de su país. Entre sus logros está el ser el miembro más joven de la United Nations Orchestra de Dizzy Gillespie (1989-1992). Tres años después se convirtió en el primer integrante latino de la banda de Wynton Marsalis. Sus ansias de crear lo llevaron a formar su propio ensamble en 1993. Con su trío se ha hecho merecedor de nominaciones al Grammy y Grammy Latino por Central Avenue (1998), Motherland (2000), Across the Crystal Sea (2008) y Providencia (2010). Como compositor, le han comisionado trabajos el Lincoln Center for the Performing Arts, el Chicago Jazz Festival y el Carnegie Hall, entre otros. Además, es fundador y director del Festival de Jazz de Panamá y creador de la Fundación Danilo Pérez, promotora de oportunidades para el desarrollo del potencial de los jóvenes. Esta labor le valió el nombramiento de Artista por la Paz por parte de la UNESCO.

“La creación es un misterio porque colectivamente hay una sensación del tipo ‘correcto, tenemos que llegar a algo que represente una canción, a cada uno como solista y que también lo haga como conjunto’” —Brian Blade.

Children of the Light es un trío revolucionario no en el aspecto musical, pues se apega a un canon ya existente —lo que no lo hace menos interesante y atractivo—, pero que sí busca hacer mella con su música. Las miradas reunidas de los tres integrantes se transmiten a su trabajo; éste permanece como una forma de arte, pero al mismo tiempo se vislumbra la posibilidad de convertirlo en un detonador en la creación de conciencia, como lo afirma el bajista: “La música es una poderosa herramienta para la curación y creo que necesitamos usarla para la justicia social […] utilizarla como un instrumento de cambio. No sólo decir esto es mi arte, mi carrera y esto es lo que quiero hacer, sino ¿cómo puedo ayudar a la gente también con esto?”.

OPINIÓN

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Enrique Blanc Escritor y periodista especializado en temas musicales. Ha publicado en Reforma, Milenio, Los Angeles Times, Marvin, Zona de Obras, entre otros. Es autor de los libros Flashback. La aventura del periodismo musical, De mis pasos. Conversaciones con Julieta Venegas, Puro Power Mexicano. Conversaciones con Molotov. Es editor de la revista digital La Banda Elástica.

Justo al momento en que la pregunta surge, ¿a qué suena México?, pienso de golpe a lo que pueden sonar otros países igualmente apasionados por la música como España, Colombia o Brasil: a diversidad. Polifonía, ése podría ser el término que primero viene a la cabeza. A los muchos sonidos que llegarían al oído de quien comenzara a rotar el botón de sintonía de una radio en alguna de las principales urbes del país: canción ranchera, folclor regional, música de banda, cumbia, música pop. Todo eso especialmente, pero también rock, jazz, hip-hop, música clásica, electrónica y fusiones que desbordan cualquier etiqueta. Hubo un tiempo en que si hacíamos la misma pregunta a cualquier extranjero, éste hubiese respondido casi con seguridad: “México suena a mariachi”. Los sones de

¿A qué suena México?

Enrique Blanc vs. Edi Kistler Un sonido no se convierte en característica nacional solamente por tener fama o difusión. Aquí dos voces se esfuerzan por decidir cuál es el sonido que mejor define a México...

Edi Kistler En 1993 se integró al grupo Liquits y con él ha editado cinco discos. Ganó un Ariel por Mejor música compuesta para una película con Temporada de Patos. Como productor ganó en 2014 el premio IMAS al Mejor disco Jazz/fusión/funk con la banda Beat Buffet. Actualmente diseña instrumentos musicales con armamento decomisado al narco para el proyecto Disarm del artista Pedro Reyes.

México alberga y cautiva a millones de personas. Cada una de ellas tiene ideales distintos, sueños y pasiones por cumplir o por descubrir que vienen de fuentes aparentemente genuinas y muy personales, aunque en el fondo siempre estamos influenciados por aquello que nos rodea. Esas influencias son nuestro punto de encuentro y, en cierta forma, nuestra pérdida de individualidad. Como en un mercado, aquí el que grita más fuerte es el primero que se escucha. Las tonadas más comunes de nuestras calles son las de los tamales y la muy popular (y odiada): “Se compraaan colchoooneees, lavadooraaas, refrigeradoorees o algo de fierro viejo que vendaaaan...”. Así, nuestra música ha crecido y se ha transformado como este país: sin planeación.

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EB Jalisco y la canción ranchera nos definían ante los oídos del mundo. No olvido la ocasión en que el brasileño Carlinhos Brown, en su primera visita al país, trajo consigo a su padre para que conociera por fin la tierra de las canciones que acompañaron su juventud, “las de Jorge Negrete, Pedro Infante y Javier Solís”. Quizás esto explique a su vez que la persona que más discos ha vendido en el país en los años recientes sea alguien que también recurre a menudo a la ranchera: Juan Gabriel. Pero más allá de eso, incluso aún por encima de figuras propias del género que también han ganado notoriedad alrededor del mundo como José Alfredo Jiménez y Chavela Vargas —mexicana de espíritu—, hay muchas otras cosas que completan el abierto abanico sonoro que nos define en la actualidad. El masivo fenómeno de “la banda” que erige como sus mártires imperecederos a Jenni Rivera y Valentín Elizalde, por ejemplo, es una. También esas ubicuas canciones pop que invaden camiones urbanos, supermercados y restaurantes —que yo escucho con resignación— en las voces de Maná, Alejandro Fernández, Luis Miguel y Paulina Rubio, en una lista interminable de etcéteras. La cumbia que resuena con su ritmo infeccioso, en su diversidad de mutaciones, en salones de baile o verbenas populares, yendo de Rigo Tovar a Celso Piña; estilo que de paso nos hermana sonoramente con el continente. Todo eso sí, pero a su vez el sonido que exhiben una serie de grupos en los festivales que gozan de gran prestigio en el orbe como Glastonbury o Coachella. Y, en ese caso, también levantan la mano Café Tacvba, los Nortec, Rodrigo y Gabriela, Troker, Kinky, entre tantos más. Por lo tanto, la pregunta ¿a qué suena México? tendrá no una sino muchas respuestas y éstas dependerán del ámbito en el que se hagan. No será la misma si la hacemos en una sala de conciertos donde acaba de interpretarse “Huapango” de Moncayo que en un club nocturno donde actuó 3Ball MTY; o si quien responde es un jaranero en Tlacotalpan, un acordeonista en Tijuana o un adolescente que escucha su iPod en un vagón del metro en el DF. Es en la suma de esa multiplicidad de respuestas y visiones donde podría entenderse el carácter musical de un país, México, que si aún hurga para bien en la tradición, asimismo se recicla y reinventa en uno y mil sonidos.

O EK

“Hubo un tiempo en que si hacíamos la misma pregunta a cualquier extranjero, éste hubiese respondido casi con seguridad: ‘México suena a mariachi’”.

“Nuestra música ha crecido y se ha transformado como este país: sin planeación”.

Años atrás las bandas que podíamos escuchar eran las que se presentaban cerca de nuestra casa o las que se habían tomado el tiempo de imprimir mil flyers para promover su tocada. Ahora podemos abrir el Twitter o el Facebook y nos llegan directo al bolsillo las más recientes noticias musicales, entre un montón de ofertas de otros “marchantes”. Antes seguíamos modas atrasadas de otras ciudades del mundo. El grunge nos llegó 10 años después de que bandas legendarias estuvieran reventando escenarios en Seattle. Ahora es diferente, podemos considerar que estamos al día con lo que sucede en otros lugares lejanos. Seguimos apegados a las tendencias de moda y seguimos copiando, pero por lo menos lo hacemos de las tendencias actuales. Agradezco la globalización cultural que internet ha permitido pues, aunque nos aleja de nuestras raíces más folclóricas, nos permite explorar otras caras de la creatividad humana. Me parece que la movida “indie” es la que más ha crecido y la más escuchada en los festivales de rock y alternativo actuales. En principio la palabra respondía a ser una banda sin disquera. Pero ahora todos somos “indie” y resulta que la independencia es un género musical. Aunque parezca broma, sí hay similitudes en las bandas que se decidieron por ese camino (o que no les quedó de otra). Las características más comunes son que ya no es música estridente ni se ve a la gente golpeándose en las pistas de baile con el temido slam, sino que se escucha más pensada y delicada. Las influencias anglo son muy notorias pero ahora las bandas están más dispuestas a hacer música de propuesta y no de protesta. Para mi tranquilidad emocional eso es más saludable. Prefiero amenizar mis días con música que me inspire y no que me ponga de mal humor, así como separar la música de la política, aunque admito que es una gran herramienta para despertar a la gente. Hoy, igual que en la comida mexicana, tenemos un abanico sonoro donde casi todos cantan en español (que es de agradecerse). Actualmente tengo amigos y músicos cercanos que hacen rock, ska, punk, alternativo, jazz, fusión, son jarocho, clásica, global bass, hip-hop, trance, country, blues, reggaeton, bolero, folk, electro, pop, cumbia, banda, y por supuesto indie. Así que si me preguntan ¿a qué suena México?, yo diría que a Mole.

FINALES RESEÑAS

EL HOMBRE MÁS BUSCADO

Cortesía A Most Wanted Man

(Alemania, Estados Unidos y Gran Bretaña, 2014) Dirige: Anton Corbijn · Estelares: Philip Seymour Hoffman y Rachel McAdams

CINE César Albarrán Torres @Viscount_Wombat

Philip Seymour Hoffman.

ENEMY (Canadá y España, 2013) · Dirige: Denis Villeneuve Estelares: Jake Gyllenhaal y Mélanie Laurent Basado en la novela El hombre duplicado de José Saramago, el quebequense Denis Villeneuve nos ofrece un filme de ánimo minimalista que es a la vez un desconcertante thriller y una sutil alegoría de los regímenes totalitarios. Un profesor de historia descubre a su doble mientras ve una película. Cuando los destinos del académico y el actor se cruzan, la obra se convierte en un caleidoscopio de tonos ocres en que el director suelta pistas que nos hacen creer que nada es fortuito. Como en Ojos bien cerrados (1999), de Stanley Kubrick, el espectador sospecha que los personajes son marionetas de fuerzas superiores y secretas. EL GIGANTE EGOÍSTA (Gran Bretaña, 2013) · Dirige: Clio Barnard Estelares: Conner Chapman y Shaun Thomas Los paisajes grises del norte de Inglaterra y su clase trabajadora parecerían el escenario menos propicio para adaptar el cuento clásico de Oscar Wilde, “El gigante egoísta”. Sin embargo, la directora Clio Barnard logra mezclar la sabiduría de Wilde con un crudo retrato costumbrista. Siguiendo la tradición del cine de realismo social inglés, Barnard cuenta la historia de Arbor y Swifty, dos adolescentes que vienen de hogares rotos y que se involucran con Kitten, un criminal de poca monta que vive de robar y reciclar metal. Haciendo eco al cine de Ken Loach (Felices dieciséis, 2002) y Andrea Arnold (Fish Tank, 2009), la cineasta muestra una Inglaterra que aún sufre las consecuencias del thatcherismo. 46 / 47

Hay ocasiones en que es casi imposible separar a una obra de lo que sucede fuera de pantalla. Tal es el caso de El hombre más buscado, una de las últimas cintas en que aparecerá el actor Philip Seymour Hoffman, quien murió de una sobredosis en febrero pasado. Su muerte cubre al filme con una pátina de nostalgia. La adaptación que Anton Corbijn (Control, 2007) hace de la novela homónima de John le Carré es el escenario ideal para apreciar las capacidades histriónicas de Hoffman, uno de los actores emblemáticos del cine estadounidense reciente, quien interpreta a Günther Bachmann, espía alemán inmiscuido en una intriga internacional. El actor crea a un personaje ensimismado y, como en sus mejores actuaciones (pensamos en las subestimadas Love Liza de 2002 y La familia Savages de 2007), emplea su incisiva mirada y lenguaje corporal para narrar transformaciones internas.Todo comienza cuando Issa Karpov, un misterioso hombre checheno, aparece en el sombrío puerto de Hamburgo. El migrante ilegal tiene un pasado borroso que alarma a agencias de espionaje internacional, quienes lo creen terrorista. Corbijn, poseedor de un estilo visual vigoroso —herencia de su experiencia como videasta para bandas como U2, Depeche Mode y Arcade Fire— traduce con pericia el pesimismo post 9/11 de la novela de Le Carré. Como en El espía que sabía demasiado (Tomas Alfredson, 2011), otra adaptación reciente de la obra del maestro del suspenso, el enredo entre espías es un pretexto para medir la temperatura de un momento histórico específico. En aquélla se trataba de la Guerra Fría; aquí nos adentramos a una galería de los miedos y paranoias fruto de la mentada lucha contra el terrorismo. Vale la pena ver esta cinta no sólo por tratarse del testamento fílmico de Hoffman, sino también por lo relevante de su temática.

FINALES RESEÑAS

I’M NOT BOSSY, I’M THE BOSS / SINÉAD O’CONNOR

donalmoloney.com

Nettwerk Music Group, 2014

MÚSICA Mariana Anzorena @rayuelablues

De acuerdo con la American Songwriter Magazine, este disco se siente como el regreso de la cantante… y eso que Sinéad O’Connor nunca se fue a ninguna parte. Desde que saltó al éxito internacional con su versión de la canción de Prince, “Nothing Compares 2 U”, la cantautora irlandesa no ha parado. I’m Not Bossy, I’m the Boss es su décimo álbum, producido por su ex esposo y baterista John Reynolds, quien ayudó a hacer de éste un trabajo ecléctico compuesto por diversos géneros: baladas rítmicas, funk, toques de R&B, rock derecho (guitarras, bajo y batería), ambient y hasta un arreglo grungero en la segunda parte de “Harbour”. La pieza más lograda es “James Brown”, ya que sobresale gracias al saxofón de Seun Kuti (hijo del legendario Fela Kuti). La línea de este metal está bien arreglada sobre una guitarra funkera y algunos sonidos electrónicos. También vale la pena escuchar la última canción del disco, “Streetcars”, un tema suave: base de piano y detalles de metalófono. Aquí, la voz de O’Connor luce y hace que una letra melancólica resulte profunda. Además de estos dos títulos destaca “How About I Be Me”, que recuerda el estilo de principios de los 90 de la artista. Al disco le sobran varios temas que tienen ritmos y melodías predecibles, en especial “The Vishnu Room”, que originalmente iba a darle nombre al álbum y que resulta meloso y con tintes de fanatismo. Es una lástima que la voz de la cantante se pierda constantemente en un juego de armonías con otras voces secundarias y con menos atractivo.

ROMÁNTICO DESLIZ Aleks Syntek Sony Music, 2014 Para su más reciente álbum de estudio, Syntek contó con la colaboración instrumental de reconocidos músicos como Mario Domm con guitarra y piano, Quique Rangel con bajo y Ximena Sariñana con teclado. La participación más significativa es la de Los Ángeles Azules, con quienes hizo una versión en cumbia de “Tu recuerdo divino”. Sobresale también “Este amor que pudo ser”, su segundo sencillo, el cual tiene características como para ser un hit: una letra con la que puedes identificarte y buenos arreglos e instrumentación —además de piano y guitarra, una secuencia electrónica con sonidos poco habituales en el pop mexicano. YES! Jason Mraz Atlantic, 2014 Se trata de un trabajo donde la música de cantautor, guitarra limpia y voz, está mezclada con una vasta instrumentación (bajo, batería, percusiones, teclados, etc.). La excelente mezcla es también responsabilidad del coproductor Mike Mogis. Tal vez no haya una canción realmente memorable que pueda compararse al éxito que tuvo Mraz con “I’m yours” (2008), pero “Back to the Earth” se le parece rítmicamente, con ukelele incluido. En la primera mitad del disco el buen trabajo vocal se diluye en la ambiciosa instrumentación; en cambio, luce especialmente en el cover a la canción de Boyz II Men, “It’s So Hard to Say Goodbye to Yesterday”. No es un álbum con un hilo sonoro conductor, pero sí hay intención estética en el orden de los temas y vale la pena escucharlo así.

FINALES RESEÑAS

CAMPO DE GUERRA

Cortesía Artsy

Sergio González Rodríguez · Anagrama/Colofón, 2014

LIBROS David Miklos @dmiklos

Portada del libro Campo de guerra. Imagen titulada Controlador del universo, de Damián Ortega (2007).

LA SOLEDAD DE LOS ANIMALES Daniel Rodríguez Barrón · La Cifra, 2014 Narrador, dramaturgo y periodista cultural, Daniel Rodríguez Barrón (Ciudad de México, 1970), autor del volumen de cuentos Incidentes y de la obra de teatro La luna vista por los muertos, ha escrito una primera novela inteligente y concentrada en un tema que luego no es frecuente encontrar en la ficción actual: el activismo en pro de los animales y su protección, con todos los excesos imaginables a los que el asunto invita. Mordaz y luminosa, La soledad de los animales es a la vez una narración solvente y una ponderación ética, ave rara dentro de nuestra sobrepoblada república de las letras y que nos remite, por decir algo, a la obra temprana de Mario Bellatin, quien también exploró, en Poeta ciego, el evasivo ámbito de las sectas y su repercusión en la condición humana. MODELO VIVO Daniela Bojórquez · Calygramma, 2013 Escritora y artista visual —que en su caso son una y la misma cosa—, Daniela Bojórquez (Ciudad de México, 1980) vio agotarse la primera edición de Modelo vivo (2010), su segunda colección de relatos después de Lágrimas de Newton (2006). Cuentista de la realidad ilustrada, por ponerlo de algún modo, Bojórquez ha escrito uno de los mejores libros de narrativa de la última década, la reunión de una docena de textos en los que la realidad es pervertida y trastocada por sí misma para hacernos ver la compleja ridiculez de la condición humana, sus aspiraciones, sus defectos y, de pronto, sus raras, escasas e hilarantes virtudes. Humorista de la seriedad, nuestra autora merece muchas relecturas, todas las que sean necesarias para atisbar nuestro reflejo en su gran voz. 48

Nacido en 1950 en la Ciudad de México, Sergio González Rodríguez se ha convertido en una figura fundamental del panorama literario mexicano desde los varios frentes en los que se desempeña. Como novelista bien podría inscribir algunas de sus narraciones en la lista de mejores libros que, año con año, elaboró para el hoy extinto suplemento cultural El Ángel, en donde ejerció como uno de los mejores críticos literarios de a pie, es decir, realmente cercano a los lectores; aquí podemos pensar en El vuelo (2008) e Infecciosa (2010), sus más recientes. También crítico de su entorno, nuestro autor se decantó por el ensayo como forma de reacción analítica, como puede leerse desde su libro finalista en el Premio Anagrama de Ensayo, El centauro en el paisaje (1992), pasando por Huesos en el desierto (2002) —uno de los textos pioneros en el acercamiento a las muertas de Juárez— y El hombre sin cabeza (2009) —un trabajo a la vez autobiográfico y de comprensión de la realidad circundante, con eje en la violencia, otra obra primigenia del tema, y que tal vez sea su mejor—, para desembocar en el más reciente: Campo de guerra, con el que, finalmente y este año, se sumó a la lista de acreedores del ya mencionado premio. Libro de referencia y buen ejemplo del mejor periodismo de investigación e ideas, se adentra, de manera ilustrativa y documentada, en el fenómeno geopolítico y bélico que tiene como representación cotidiana la guerra contra el narco, creada en Estados Unidos y prolongada en el México de nuestros días.

AGENDA

Septiembre

Lo mejor de la agenda del Auditorio Nacional se encuentra en estas páginas, junto con breves reseñas de los eventos y un avance de los siguientes meses.

Ballet

Ópera

Concierto

Proyección

Danza

Teatro

Infantil

Varios

Cortesía Sony Music

Programación sujeta a cambios

La Oreja de Van Gogh Esta agrupación española de música pop y rock se formó en 1996 cuando cinco amigos de San Sebastián empezaron a reunirse para tocar. Ellos eran Amaia Montero (voz), Pablo Benegas (guitarra), Xabi San Martín (teclados), Álvaro Fuentes (bajo) y Haritz Garde (batería). Su primer disco, Dile al sol, salió en 1998 y desde entonces han publicado seis álbumes de estudio, han vendido más de ocho millones de copias alrededor del mundo, han ganado varios premios y son uno de los conjuntos más populares en la escena pop española y latinoamericana. Montero dejó el grupo a finales de 2007 para seguir su carrera como solista, y en su lugar entró Leire Martínez. El año pasado grabaron en México un disco en vivo, Primera fila, en el que se incluyen éxitos como “Rosas” y “Cometas por el cielo”. La Oreja de Van Gogh regresa al Auditorio por segunda ocasión en este año para regalar a su público un repertorio que incluye sus más exitosas composiciones.

La Oreja de Van Gogh

Jueves 11 de septiembre 20:30 hrs. Preferente: $1,200 Luneta: $900 Balcón: $700 Primer piso: $450 Segundo piso: $300

auditorio.com.mx

Archivo Auditorio Nacional

Programación sujeta a cambios

Philharmonia Orchestra de Londres

Con la participación del pianista Vladímir Áshkenazy, Director Laureado de este conjunto orquestal británico, y la violinista estadounidense Esther Yoo. Martes 9 de septiembre 20:30 hrs. Preferente: $1,850 Luneta: $1,650 Balcón: $950 Primer piso: $750 Segundo piso: $350 Límite de acceso a las 20:15 hrs.

Vicente Fernández: Hasta siempre México

Miércoles 10, viernes 12, martes 16 y viernes 19 de septiembre 20:30 hrs. Sábado 13 y sábado 20 de septiembre 20:00 hrs. Lunes 15 de septiembre 21:00 hrs. Preferente A: $1,950 Preferente B: $1,600 Luneta A: $1,600 Luneta B: $1,350 Balcón: $1,350 Primer piso: $500 Segundo piso: $300

Wisin & Prince Royce

Jueves 25 de septiembre 20:30 hrs. Preferente: $1,300 Luneta: $1,100 Balcón: $900 Primer piso: $500 Segundo piso: $300

Alejandro Fernández: Confidencias World Tour Viernes 26 de septiembre 20:30 hrs. Sábado 27 de septiembre 20:00 hrs. Domingo 28 de septiembre 19:00 hrs. Preferente: $2,100 Luneta: $1,600 Balcón: $1,200 Primer piso: $500 Segundo piso: $300

Vicente Fernández.

Marisela y Paquita La del Barrio Sábado 4 de octubre 20:00 hrs. Preferente A: $1,300 Preferente B: $1,000 Luneta: $900 Balcón: $700 Primer piso: $450 Segundo piso: $280

Lana Del Rey

Como parte de su tercer gira mundial, la cantante y compositora neoyorquina estará por primera vez en nuestro recinto. Su música ha sido descrita como orquestal, evocadora y con sonidos del pop de los 60. En estos conciertos presentará su nuevo álbum, Ultraviolence, producido por Dan Auerbach, líder de The Black Keys, y el cual es considerado su trabajo más oscuro y maduro. Lunes 6 y martes 7 de octubre 20:30 hrs. Preferente: $2,200 Luneta: $1,950 Balcón: $1,250 Primer piso: $750 Segundo piso: $450

Noviembre

Cortesía Interscope Records

Octubre

Carmen

En vivo desde el Met de Nueva York Sábado 1 de noviembre 11:00 hrs. Preferente: $400 Luneta: $270 Primer piso: $150 Segundo piso: $50 Límite de acceso 10:45 hrs. Lana Del Rey.

Camila: Elypse World Tour

Jueves 9 y viernes 10 de octubre 20:30 hrs. Preferente: $1,500 Luneta: $1,250 Balcón: $1,000 Primer piso: $500 Segundo piso: $300

Macbeth

En vivo desde el Met de Nueva York Sábado 11 de octubre 12:00 hrs. Preferente: $400 Luneta: $270 Primer piso: $150 Segundo piso: $50 Límite de acceso 11:45 hrs.

David Garrett

Las bodas de Fígaro

Sábado 18 de octubre 12:00 hrs. Preferente: $400 Luneta: $270 Primer piso: $150 Segundo piso: $50 Límite de acceso 11:45 hrs.

Ricardo Arjona: Viaje

Martes 21 y miércoles 22 de octubre 20:30 hrs. Preferente: $2,200 Luneta: $1,600 Balcón: $1,400 Primer piso: $600 Segundo piso: $350

Martes 18 de noviembre 20:30 hrs. Preferente: $2,000 Luneta: $1,400 Balcón: $880 Primer piso: $600 Segundo piso: $350

El Barbero de Sevilla

En vivo desde el Met de Nueva York Sábado 22 de noviembre 12:00 hrs. Preferente: $400 Luneta: $270 Primer piso: $150 Segundo piso: $50 Límite de acceso 11:45 hrs.

HORARIOS DE TAQUILLA

Lunes a sábado: 10:00-19:00 hrs. Domingo: 11:00-18:00 hrs. Se aceptan todas las tarjetas de crédito bancarias y American Express. Para más información consulte nuestra página de internet: auditorio.com.mx

AGENDA

LUNARIO / septiembre Programación sujeta a cambios

Para consultar la cartelera completa visita: lunario.com.mx

#lunario10 presenta: Francisco Céspedes: Todavía De origen cubano pero nacionalizado mexicano, el cantante y compositor Francisco Céspedes vuelve a Lunario para interpretar sus temas más pedidos y los incluidos en su próximo disco, Todavía. Estará acompañado por Julio Baró en el piano, Yadiel Redonet en el bajo, Rubén Oyalvides en la batería y Jorge Pinelo en el saxofón y los teclados. Jueves 18 y viernes 19 de septiembre 21:00 hrs.

21:00 hrs. Preventa: $180 Día del evento: $200 Mayores de 18 años La Manta en concierto Jueves 11 de septiembre 21:00 hrs. Preferente A: $400 Preferente B: $300 Vista parcial: $250 Mayores de 18 años Eyescream presenta: Municipal Waste Viernes 12 de septiembre 20:00 hrs. Preventa hasta el día 15 de agosto: $400 Del jueves 16 de agosto hasta el día del evento: $450 Admisión general de pie

#lunario10 presenta: Children of the Light Trio: Danilo Pérez, John Patitucci y Brian Blade Martes 23 y miércoles 24 de septiembre 21:00 hrs. Primera fila: $1,300 Preferente A: $1,000 Preferente B: $900 Vista parcial: $800 Mesas numeradas Francisca Valenzuela: Tajo abierto Cantante, escritora, instrumentista y compositora de rock-pop, esta chilena nacida en San Francisco llega a México para presentar su nuevo disco, Tajo abierto. Jueves 25 de septiembre 21:30 hrs. Primera fila: $600 Preferente A: $400 Preferente B: $300 Vista parcial: $150 Mesas numeradas

Eyescream presenta: Crown the Empire Sábado 27 de septiembre 20:00 hrs. Preventa hasta el día 15 de septiembre: $450 Del 16 de septiembre hasta el día del evento: $500 Admisión general de pie Medea National Theatre de Londres Lunes 29 y martes 30 de septiembre

Cortesía Feria Music Records

Concierta independencia: Sol Pereyra y Kumbia Queers Martes 9 de septiembre

Cortesía Warner Music

Primera fila: $1,600 Preferente A: $950 Preferente B: $850 Vista parcial: $750 Mesas numeradas Mayores de 18 años

20:00 hrs. Preventa: $150 Día del evento: $180 Mesas numeradas Mayores de 12 años

Francisca Valenzuela.

auditorio.com.mx

Programación sujeta a cambios

Octubre #lunario10 presenta: Karen Souza en concierto Esta exitosa jazzista argentina saltó a la fama con sus versiones de clásicos del rock y del pop de artistas como Michael Jackson y The Police para el disco Jazz and 80’s. Souza se presentará en Lunario para unirse a los festejos por el décimo aniversario de este recinto con el estreno mundial sobre el escenario de su nuevo álbum, Essentials II, en el que se incluyen covers de sus canciones favoritas al ritmo de jazz y bossa nova. Sábado 11 de octubre 21:00 hrs.

L.A. Sábado 4 de octubre 21:00 hrs. Primeros 200 boletos: $200 Siguientes 200 boletos: $250 A partir del boleto 401: $350 Admisión general de pie Mayores de 18 años Chet Faker en concierto El músico australiano regresa a Lunario para presentar su álbum debut Built on Glass luego del exitoso concierto que dio en septiembre del año pasado. En 2012 Faker lanzó el EP, Thinking in Textures, el cual le valió varios premios y reconocimiento en la escena indie australiana. Viernes 10 de octubre 21:00 hrs. General: $400 Un tranvía llamado deseo National Theatre de Londres Domingo 12 y lunes 13 de octubre 20:00 hrs. Preventa: $150 Día del evento: $180 Mesas numeradas Mayores de 12 años

Cortesía Music Brokers

Primera fila: $1,100 Preferente A: $800 Preferente B: $600 Vista parcial: $400 Mesas numeradas Mayores de 18 años

The Legendary Tigerman El nombre real de este hombre-orquesta portugués es Paulo Furtado y es uno de los músicos y compositores más respetados en la escena indie de su país. En su concierto en Lunario, The Legendary Tigerman cantará y tocará la guitarra, la batería y la armónica para ofrecer a su público una música en la que se escuchan influencias del blues, rock y punk. Jueves 23 de octubre 21:00 hrs. Zona VIP: $350 General: $250 Admisión general de pie Mayores de 18 años Skylight National Theatre de Londres Lunes 27 y martes 28 de octubre

noviembre Lena en concierto Jueves 6 de noviembre 21:00 hrs. Primera fila: $750 Preferente A: $550 Preferente B: $450 Vista parcial: $350 Admisión general de pie Mayores de 18 años #lunario10 presenta: Victor Wooten Band Jueves 13 y viernes 14 de noviembre 21:00 hrs. Primera fila: $1,300 Preferente A: $900 Preferente B: $800 Vista parcial: $700 Mesas numeradas Mayores de 18 años

#lunario10 presenta: Ana Moura en concierto Miércoles 19 y jueves 20 de noviembre 21:00 hrs. Primera fila: $1,300 Preferente A: $900 Preferente B: $750 Vista parcial: $600 Mesas numeradas Mayores de 18 años #lunario10 presenta: Rhye Viernes 21 de noviembre 21:00 hrs. Zona VIP: $800 General: $500 Admisión general de pie Mayores de 18 años

20:00 hrs. Preventa: $150 Día del evento: $180 Mesas numeradas Mayores de 12 años

FINALES ÓPERA

DISEÑO E ILUSTRACIÓN Adriana Quezada

La ópera del Met en el Auditorio En el año 2006 el Met de Nueva York comenzó a transmitir —en vivo y en HD— en diferentes salas, auditorios y cines de los 5 continentes, su cartelera de ópera. En la temporada 2008-2009 el Auditorio Nacional se unió al programa. Hoy en día, los espectáculos del Met son vistos en 2,000 recintos en

66 países. Pero ¿cómo funciona este novedoso formato? ¿Qué se necesita para que el público que asiste al “Coloso de Reforma” pueda ver la ópera con una imagen de la mejor calidad? Te invitamos a echar un vistazo detrás de estas proyecciones.

La recepción de la señal • En la azotea del Auditorio hay 3 antenas satelitales con 5 metros de diámetro cada una (en las que

cabría una furgoneta familiar) y 1 de 3.50 metros (en la que entraría un automóvil compacto). Su uso es exclusivo para recibir la señal del Met: durante la transmisión se utiliza solamente 1, las otras 3 sirven como respaldo.

La pantalla • La ópera se proyecta en una pantalla de una sola pieza de tela PVC muy gruesa (para evitar que se filtre la luz) y blanca (lo que ayuda a expandir la luz). Mide 20 metros de largo (así como un vagón del metro) por 10 metros de ancho (el largo de una limusina) y pesa 300 kilos, equivalente al peso de una motocicleta Harley-Davidson.

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FINALES ÓPERA

La proyección

Los espectadores

• En la cabina de proyección hay 2 proyectores

• Más de 14 millones de personas en el mundo

barco HD R-20 de 20,000 ANSI lumens (de proyección frontal). La potencia luminosa total que emiten estos 2 aparatos es de 40,000 lumens, lo que equivaldría a tener 3,077 velas encendidas al mismo tiempo.

han asistido a las proyecciones del Met; esto equivale a 9,150 trenes del metro llenos de gente.

• El recinto más grande de todos a los que llega

la ópera del Met es el Auditorio Nacional. A él asisten aproximadamente 7,000 personas por función, suficientes para llenar más de 13 aviones Jumbo Jet.

• Los proyectores están colocados uno sobre otro

para proyectar al mismo tiempo, en perfecta sincronía, con el fin de alcanzar mayor luminosidad y nitidez en la imagen. El peso de los 2 juntos es de 200 kg, aproximadamente el peso de 3 hombres mexicanos promedio.

• Desde que nuestro foro empezó a transmitir las óperas del Met, ha recibido a más de 230,000 espectadores, que servirían para llenar 2 veces el Estadio Azteca.

FINALES MEMORIA

Entre magos y modelos En 1993 David Copperfield se presentó por primera vez en el Auditorio Nacional con su espectáculo Magia para los 90 (del 22 al 26, 29 y 31 de julio). El ilusionista vino a México acompañado por su entonces novia, la modelo Claudia Schiffer.

Sucedió: el 29 de julio de 1993 Lugar: Tras bambalinas en el Auditorio Nacional Autor: Anónimo / Auditorio Nacional