revista del auditorio la
Nº 3 mayo 2014
Ejemplar gratuito
Magos & Limón voz y guitarra ópera de bellas artes
Regresa la ópera en vivo al escenario más grande de América Latina. Turandot y La Bohème harán los honores para el público nacional.
la gran noche de raphael Vuelve el “Divo de Linares” y promete una excelente velada, una invitación para los recuerdos. Interpretará sus grandes éxitos.
autor3s en el lunario
Quien busque una noche bohemia, debe escuchar a Amaury Gutiérrez y Gian Marco, y disfrutará de dos talentos compartidos y probados.
Magos Herrera y Javier Limón se encuentran en su amor por el jazz. Presentan en el Lunario su producción Dawn, donde fusionan sus talentos con maestría.
CONTENIDO
la revista del auditorio
No 03 · mayo 2014
Consejo Nacional para la Cultura y las Artes Rafael Tovar y de Teresa Presidente
Gobierno del Distrito Federal
Miguel Ángel Mancera Espinosa Jefe de Gobierno
Auditorio Nacional
Gerardo Estrada Rodríguez Coordinador Ejecutivo
Francisco Serrano Carreto
Director de Desarrollo Corporativo
C
Luis Carlos Romo Salcido Director de Operaciones
Constanza Bolaños González Garza
Directora de Promoción y Difusión Director de Administración y Finanzas
Mark Giancola
Director de Producción
Mónica Navarro Ruiz Coordinadora de Prensa
Nicolás Martínez
Centro de Documentación del Auditorio Nacional
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Magos Herrera y Javier Limón se volvieron a reunir en Nueva York en exclusiva para nuestra revista; tenemos también a la Ópera de Bellas Artes y al incansable Raphael.
Caroline Peters
centrales
Carlos Reygadas Barquín
CONTENIDO
la revista del auditorio
No 03 · mayo 2014
Dirección Eduardo Sanmiguel Director general eduardo@aeditores.com
Marcela Aguilar y Maya Directora asociada
Editorial Julieta García Dirección editorial julieta@aeditores.com
Natalia González Coordinación editorial
Claudia Benítez Asistente editorial
Adriana Colón Susana Paz Corrección de estilo
Arte Cynthia Márquez Dirección de arte y diseño
Gerardo Terán Diseño Archivo Auditorio Nacional
Fernanda Carrasco Verónica García Oropeza Edición fotográfica
Comercial Eva Feldman Ejecutiva de cuenta eva@aeditores.com
Gabriela García Ejecutiva de cuenta gabriela@aeditores.com
Ivonne Miranda Ejecutiva de cuenta ivonne@aeditores.com
Pablo Maya Relaciones públicas
Asesores de contenidos Marcello Lara Jesús Quintero
consejo editorial Gerardo Estrada Bruno Newman Francisco Serrano Eduardo Sanmiguel Julieta García Constanza Bolaños Marcela Aguilar y Maya Mónica Navarro
A / EDITORES Leibnitz 20, piso 8-801 Col. Anzures, México, D.F. T. +52 (55) 52 81 17 78 y 79 aeditores.tumblr.com
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Breves
Nuevos proyectos de The Smashing Pumpkins; AC/DC dice adiós; colaboraciones entre músicos y cineastas; tecnología musical y más. p. 6
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conoce a...
Nuestro perfil es sobre Autor3s, una iniciativa de Gian Marco y Amaury Gutiérrez que se presentará por segunda ocasión en el Lunario. p. 16
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historia
La diversidad es una de las banderas del Auditorio; aquí una pequeña muestra de las razones por las que lo es. p. 12
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opinión
¿Son los celulares una tendencia que permanecerá en los conciertos? ¿Cómo pasamos del ojo real a la retina virtual y por qué? p. 42
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foros
El Harpa en Reikiavic, que ha ganado un importante premio de arquitectura, y el Forum Mundo Imperial, en Acapulco, son dos lugares a conocer. p. 14
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sabías que…
El Auditorio Nacional cuenta con servicios para que personas con capacidades diferentes tengan un fácil acceso y movilidad. p. 45
La Revista del Auditorio es una publicación de A/Editores. Leibnitz 20-801, Col. Anzures, C.P. 11590 México, D.F. Teléfono 5281 1778. Revista mensual. Número 03, mayo 2014. Editora responsable: Julieta García González. El contenido de los artículos es responsabilidad de los autores. Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción parcial o total incluyendo cualquier medio electrónico o magnético con fines comerciales. La información contenida se ha obtenido de fuentes fidedignas. Número de reserva al Instituto de Derechos de Autor en trámite. Número de Certificado de licitud de título y contenido en trámite. Distribuida por Mentor, Playa Caletilla 61 PB, Col. Reforma Iztlaccíhuatl, C.P. 08810, México, D.F. Impresa en Grupo Ajusco, S.A. de C.V., José María Agreda y Sánchez 223, Col. Tránsito, C.P. 062820, México, D.F., Teléfono 5132 1100.
Del FB AuditorioMx: “Sabían que nuestro telón...”
Este telón vale lo que pesa En nuestras redes sociales encontrarás información sobre el Auditorio Nacional que te permitirá conocernos mejor y también estar cerca de nuestra programación cotidiana. El pasado 9 de abril publicamos en Facebook una fotografía del telón del Auditorio, procedente de nuestro Centro de Documentación. Se trata del textil más grande del mundo hecho a mano y de una sola pieza. Se realizó en el taller Marusho, Kioto (consi-
derado “Tesoro Artístico Nacional” en Japón). Fue elaborado en 90 días y en su hechura participaron 30 artesanos nipones y dos tejedores mexicanos de Temoaya. Es conocido como “Telón Tamayo” porque se basa en Sandías, obra del artista oaxaqueño. Los recursos para su elaboración fueron donados por 18 empresas mexicanas. Si quieres conocer más detalles como éste, conéctate a nuestras redes, participa, pregunta e interactúa con nosotros.
Contáctanos en: auditorio@auditorio.com.mx · lunario@auditorio.com.mx · lunas@auditorio.com.mx
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El encuentro con la fortuna Hay encuentros que parecen propuestos por los hados, que parecen predestinados y que tienen una magia difícil de explicar. Son muy afortunados. Eso es lo que sucedió entre Magos Herrera y Javier Limón: una reunión especial. Vistas en retrospectiva, sus trayectorias parecían complementarse desde antes y no por razones obvias, sino por las búsquedas íntimas de cada artista. La de Magos es una de las voces más notables del mundo del jazz internacional: clara y profunda, trabajada con cuidado. Ella, como creadora, ha recorrido un camino ecléctico. Su voz le ha dado vida a piezas tradicionales de la música latinoamericana y mexicana, a fados y a canciones del rock and roll de los años 60. Javier Limón, por su parte, tiene una sólida trayectoria como productor y se ha probado como guitarrista por todo lo alto, con un sonido muy cercano al flamenco, que toma préstamos también de lo latino y, naturalmente, del jazz. Después de un encuentro en Nueva York, los dos músicos combinaron talentos para traernos Dawn, una colección donde sus raíces latinas y sus intereses jazzísticos rinden frutos deliciosos. Sostuvimos con ellos una charla franca y amena, para entrever un poco más el origen y el desarrollo del material que se presentará este mes en el Lunario. También hablaremos de ópera… esta vez, en vivo. Como un complemento que se retroalimenta de manera positiva con las transmisiones en alta definición del Met, hospedaremos el regreso al Auditorio Nacional de la Ópera de Bellas Artes. Para enriquecer la información, nuestras páginas se lucen con una charla que sostuvo Gerardo Estrada, nuestro Coordinador Ejecutivo, con Ramón Vargas, director de aquella institución y un notable tenor. Ambos desentrañan aquí algunos de los secretos de la ópera en general y de estas presentaciones en particular. Bienvenidos. —Los editores
En portada: Magos Herrera y Javier Limón en Nueva York, fotografía de Caroline Peters.
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LAS
BREVES Por: Naief Yehya
¿Qué está pasando en el mundo de la música y el espectáculo? Te presentamos una selección de notas interesantes para que estés informado.
corgan imparable
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The Smashing Pumpkins y su nuevo ejercicio
The Smashing Pumpkins en el Gibson Amphitheatre
Como cualquier gran grupo de rock, The Smashing Pumpkins ha sobrevivido a toda clase de crisis y cataclismos personales: adicciones, depresión, choques de temperamentos, desencantos amorosos y los cambios del mercado. Formado en Chicago en 1988, bajo el liderazgo del talentoso Billy Corgan, se les identificó en un inicio con la corriente grunge; sin embargo, su música iba mucho más allá del malestar guitarrero y la agresividad que caracterizaba a ese género. Corgan, James Iha, Jimmy Chamberlin, Melissa Auf der Maur y D’arcy Wretzky
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creaban melodías cargadas de resonancias psicodélicas, metaleras y góticas, entre otras influencias. Tras un par de álbumes indispensables (Siamese Dream, de 1993 y Mellon Collie and the Infinite Sadness, de 1995), y varias rupturas estrepitosas con su banda, Corgan no ha cesado de escribir, producir y grabar discos proponiendo y tomando caminos inesperados y sorpresivos. Sus más recientes aventuras consisten en lanzar dos materiales en 2015, Monuments to an Elegy y Day for Night, además de un proyecto experimental en forma y fondo, AEGEA, el
cual será lanzado en una serie de 250 ejemplares en vinilo, firmados y numerados por el mismo Corgan, que costarán 60 dólares (buena suerte adquiriendo uno a ese precio). Se trata de una estrategia relevante ya que, independientemente de la calidad musical, es un esfuerzo por restablecer una conexión entre el cantante, la grabación y el público, así como también por recuperar algo de lo mucho que se ha perdido en la era de la digitalización, con la masificación de la música. • smashingpumpkinsnexus.com
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Decir adiós
Despedidas En lo que va de 2014, varios personajes reconocidos en el mundo de la música se han marchado para siempre. Hacemos aquí un somero recuento, como homenaje póstumo.
El brasileño Nelson Ned, “El Pequeño Gigante de la Canción”, falleció el 5 de enero. Es notable, entre otras cosas, porque fue el primer latino en vender un millón de discos en Estados Unidos, en 1974.
El 25 de febrero, en playas mexicanas, murió el connotado guitarrista Paco de Lucía. Él fue uno de los impulsores del nuevo flamenco y uno de los primeros en lograr una mezcla armónica del género con otros estilos musicales como el jazz.
El 15 de abril murió el español Antonio “Junior” Morales, quien fuera esposo de Rocío Dúrcal y cantante del icónico grupo Los Brincos, quienes eran conocidos como “los Beatles españoles”.
Knuckles, pionero de la música house, murió el 31 de marzo. El neoyorquino cambió el sonido del dance al mezclar post punk, funk y europop electrónico, lo que conformó la base del house.
El final
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El retiro de AC/DC
Brian Johnson y Angus Young
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Este célebre grupo australiano, formado en 1973 por los hermanos Malcolm y Angus Young, no sólo tiene el mérito de ser una de las influencias más importantes del heavy metal, sino que ha sido consistentemente una de las bandas más rentables de la historia (con más de 200 millones de discos vendidos). Sin embargo, poco después de celebrar su cuadragésimo aniversario en los escenarios, es un hecho que los miembros de AC/DC nunca más volverán a grabar juntos. El diario The Sydney Morning Herald fue quien primero habló del retiro. Ahora, está claro que Malcolm ha regresado a instalarse en Australia y, a sus 61 años, no podrá tocar más (debido a que sufrió una embolia). La noticia apareció poco después de que habían anunciado una gira mundial. Los echaremos de menos. • acdc.com
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Los alcances de un género
El rock surgió como rebelión, como transgresión y provocación; era una fuerza subversiva que representaba la vitalidad y los sueños de cambio de la juventud inconforme. Eso era antes. Hoy es, sin duda, una vía de entretenimiento polimorfa, compleja e interesante, un género que ha escapado de la cultura subterránea y alternativa para acercarse al pop, cargando una diversidad de influencias provenientes de todo género imaginable; éste se volvió el gran amalgamador. Nada lo demuestra con mayor contundencia que aquel fenómeno que se denomina “rock sinfónico”, que no es lo mismo que el orquestal que hacían Yes, Emerson, Lake & Palmer y otros grandes del progresivo. Hace 10 años, la prestigiosa Royal Philharmonic Orchestra grabó versiones instru-
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10 años de rock de la Royal Philharmonic Orchestra
Sting con la Royal Philharmonic Orchestra
mentales de una selección de temas de rock clásico. En este décimo aniversario de su incursión a ese género, la orquesta fundada por Sir Thomas Beecham en 1946, retoma algunas melodías que se convirtieron en “easy listening”, o música fácil de escuchar, para dar un concierto monumental en el Royal Albert Hall de Londres el 1 de mayo. Bajo la dirección de Charles Dutoit, interpretarán piezas de Meat Loaf, The Beatles, Led
Zeppelin, Coldplay, Eric Clapton y hasta Bon Jovi, entre otros. La propuesta es, sin duda, controvertida. Algunos disfrutarán de la nostalgia que producen estos temas inconfundibles, varios reconocerán las sutilezas de los arreglos y la inteligencia de la composición, otros verán este evento como otra prueba más de que el rock ha sido asesinado y embalsamado por la cultura dominante. • rpo.co.uk • acdc.com
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Leyenda urbana
Led Zeppelin tocó aquí… o no Hay quienes cuentan que en 1969 Led Zeppelin se presentó a tocar en el modesto gimnasio del Centro Juvenil de Wheaton, en la avenida Georgia, de un suburbio de Maryland, frente a 50 adolescentes. Nadie ha podido confirmar ni desmentir esta aparición de Jimmy Page y Robert Plant en el convulsionado año del alunizaje y del concierto de Woodstock. Un acontecimiento semejante, que se supone tuvo lugar la noche de la toma de posesión de Richard Nixon, podría resultar insignificante en la biografía de uno de los grupos más importantes del mundo; sin embargo, se ha convertido en un mito duradero del rock. El cineasta Jeff Krulik, ha realizado el interesante documental Led Zeppelin Played Here, acerca de ese curioso episodio, con docenas de entrevistas de quienes rechazan esa historia y quienes juran haber estado presentes. El filme circulará por el circuito de los festivales de cine al tiempo en que Page estará terminando la remasterización de los tres primeros discos de la banda: Led Zeppelin, II y III, los cuales saldrán a la venta en junio próximo, cada uno acompañado de un segundo disco con material inédito.
Cortesía ledzeppelinplayedhere.com
• ledzeppelinplayedhere.com
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El Top 5: mancuernas creativas
Directores de cine y compositores Al pensar en colaboraciones entre músicos y cineastas es común evocar a Federico Fellini y Nino Rota, Steven Spielberg y John Williams, Danny Elfman y Tim Burton, George Lucas y John Williams (¿quién no ha padecido el tema de La guerra de las galaxias?) y hasta Christopher Nolan y Hans Zimmer. Lejos de esas resonancias familiares y muy conocidas, las que aquí anotamos son, desde nuestro punto de vista, las interacciones entre música e imagen más intensas, electrizantes y provocadoras que ha habido en la historia del cine mundial. 1. Reggio + Glass El cineasta experimental y activista Godfrey Reggio es conocido por su trilogía Qatsi: Koyaanisqatsi (1982), Powaqqatsi (1988) y Naqoyqatsi (2002), paradójicos documentales sobre el desequilibrio y los cambios de la vida moderna. En estos filmes y en Anima Mundi (1992), Reggio colaboró con el extraordinario Philip Glass, el autor minimalista, quien mediante sus estructuras musicales repetitivas y cíclicas imprime un sentido de angustia, desconsuelo y frenesí a las imágenes.
Philip Glass
2.- Angelopulos + Karaindrou Theo Angelopulos, el gran poeta de la imagen y visionario griego, fallecido trágicamente en 2012, colaboró con la compositora Eleni Karaindrou en todas sus películas a partir de El viaje a Citeria (1984). El director encontró en ella a alguien que supo acompañar sus paisajes espectrales con resonancias sombrías, melancólicas y ecos tradicionales en ocho filmes, como en La mirada de Ulises (1995) y Paisaje en la niebla (1988).
3. Lynch + Badalamenti: El cine de David Lynch se caracteriza por partir de una aparente normalidad para deslizarse a territorios misteriosos y casi surrealistas. Un músico como Angelo Badalamenti supo complementar esas narrativas con pistas sonoras cargadas de ambigüedades, evocaciones placenteras y melodías perturbadoras como en la serie Twin Peaks y en cinco películas más, incluyendo la obra seminal Blue Velvet (1986).
4. Herzog + Popol Vuh El director Werner Herzog y la banda de rock progresivo germana Popol Vuh colaboraron en ocho películas, entre las que se cuentan algunas de las obras más destacadas del prolífico cineasta, como Nosferatu (1979), Aguirre o la ira de Dios (1972) y Fitzcarraldo (1982). El grupo liderado por Florian Fricke creaba sonidos electrónicos y percusivos que evocaban a las fuerzas primigenias que pueblan estas cintas de Herzog.
5. Greenaway + Nyman Peter Greenaway y Michael Nyman colaboraron en seis películas, entre ellas, la inolvidable El cocinero, el ladrón, su esposa y su amante, de 1989. Su última colaboración fue en Los libros de Próspero, de 1990. El compositor minimalista encontró la contraparte perfecta a su música en las influencias barrocas de las secuencias y composiciones visuales del pintor y director británico Greenaway.
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Foto: cortesía ikmultimedia.com / Ilustración: Gerardo Terán
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Tecnología musical
Mover las ondas sonoras
Desde la aparición de Kinect, las tecnologías de control a distancia a través del movimiento han mejorado notablemente. Varias innovaciones recientes como el iRing y Leap Motion ofrecen control gestual de dispositivos para crear o transformar las melodías con simples desplazamientos, sin el contacto de los dedos. Estos sistemas no están disponibles aún como sustitutos de otras interfaces, sino como controles aumentados. El iRing, un aditamento económico (25 dólares), es un anillo que interactúa con iPhone, iPad y iPod. La cámara
registra la actividad de la mano que lleva el aparato y por medio de una app convierte el movimiento en comandos para controlar hasta seis parámetros y aspectos de la música. Esto, que podría parecer un accesorio frívolo, se puede convertir en una poderosa herramienta para tocar en vivo. Además, brinda la posibilidad de establecer una relación simple y orgánica con la composición musical. El hecho de que la tecnología se torne invisible siempre resulta tanto fascinante como inquietante. • bit.ly/QVfxky
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Archivo Auditorio Nacional
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historia
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Auditorio Nacional
Espectáculo para un público diverso La cantidad de zapatos que han pisado el escenario del Auditorio Nacional es apabullante, desde los altos tacones de las reinas de belleza o las zapatillas de duras puntas de primeras bailarinas, hasta elegantes bostonianos de reconocidos cantantes. La diversidad de espectáculos que se ha presentado en el “Coloso” ha sido la principal razón por la que el público lo considera como una de las mejores opciones de entretenimiento en el país. En esta página elegimos —de forma magra y arbitraria— algunos de los eventos memorables que tuvieron lugar ahí luego de la remodelación del recinto, en 1991. 1991-Mecano Tres fechas con llenos totales: 20 y 30 de noviembre y 1 de diciembre. Mecano promovía su disco Aidalai, que fue lanzado ese mismo año en medio de fuertes rumores sobre la posible separación del grupo por los problemas que existían entre los hermanos Cano. En efecto, ésta fue una de sus últimas actuaciones, ya que el grupo se disolvió el verano del siguiente año, 1992. 1994-Gloria Trevi Cuando la regiomontana estaba a punto de pisar por primera vez el escenario de Reforma con sus “zapatos viejos” era ya considerada todo un fenómeno de la industria musical en México. El único “escándalo” que la rodeaba, entonces, era lo que Elena Poniatowska y Carlos Monsiváis escribían sobre ella en los periódicos. 1996-Beethoven y la Orquesta Filarmónica Nacional Las creaciones de Ludwig van Beethoven
fueron interpretadas magistralmente por la Orquesta Filarmónica Nacional bajo la batuta del maestro Luis Herrera de la Fuente. Como pieza principal se interpretó la Sinfonía nº 9 en Re menor, opus 125, escrita entre 1822 y 1824. Este concierto llevó al público masivo una de las mejores interpretaciones de música clásica a las que se podía acceder sin elitismos.
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Un recuento para que quienes asistan a los conciertos y eventos que se presentan en este escenario tengan la posibilidad de redescubrir un relato que pertenece a todos.
03 A lo largo de los años, el número de eventos llevados a cabo en el Auditorio es inconmensurable. Los tipos son diversos porque apelan a un público capaz de apreciar la oferta amplia y no elitista de un lugar que es uno de los mejores foros en México.
2002-Marcel Marceau Un mimo es uno de esos personajes que uno suele ubicar en las calles de la ciudad, en particular las de París, Chicago o Nueva York. Desde Francia, Marceau vino a México ya casi al final de su carrera; tenía 80 años cuando se presentó en este escenario, y asombró a todos los que asistieron a verlo con un espectáculo de absoluto silencio que fue quebrado únicamente por el colosal y emocionado aplauso del público mexicano. 2004-The Doors of the 21st Century Nada como un concierto esperadísimo —desde los años 70 en México— de una de las agrupaciones icónicas del rock. The Doors, sin Jim Morrison, pero con la voz de Ian Astbury, interpretaron temas como “Love Me Two Times”, “Not to Touch the Earth” y “Take It As It Comes” para llevar a la audiencia por un verdadero viaje poético. Muchos otros pies —calzados y no— se han presentado en el magno escenario del Auditorio Nacional y sabemos que muchos más lo harán, por lo que la historia de sus pasos será reseñada en estas páginas y en las de bitacoradelauditorio.com.
Página anterior Ana Torroja de Mecano. Diciembre 1, 1991.
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Foros DEL mundo
En estas páginas se presentará cada mes una selección de escenarios. Ya sea por sus avances tecnológicos, su larga tradición o por los artistas y espectáculos que se presentan en ellos, éstos son los mejores.
Texto: La Redacción
Cortesía Harpa
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Edificio Harpa, Reikiavik, Islandia
Harpa Próximos eventos Meat Loaf, Bat Out of Hell: sábado 17 de mayo Khatia Buniatishvili: jueves 29 de mayo The Icelandic Symphony Orchestra, Visions of Earth: viernes 13 de junio Contacto: en.harpa.is
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Ubicada en la capital de Islandia, Reikiavik, Harpa es una sala de conciertos y centro de convenciones diseñada entre el estudio de arquitectura Henning Larsen y el artista Olafur Eliasson, de origen islandés, pero actualmente radicado en Berlín. El recinto fue inaugurado en 2011 y el año pasado recibió el Premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea Mies van der Rohe. Es el hogar de la Orquesta Sinfónica de Islandia y de la Ópera Islandesa, y en él se presentan otro tipo de espectáculos. El diseño de su fachada se basa en un principio geométrico, realizado en dos y tres dimensiones. Con reminiscencias de las columnas de basalto cristalizado que comúnmente se encuentran en Islandia, los paneles que dan
al sur crean reflejos caleidoscópicos de la ciudad y el paisaje circundante, lo que lo vuelve muy llamativo. La estructura está compuesta por un marco de acero revestido de paneles de vidrio con formas geométricas de diferentes colores. El edificio fue originalmente parte de una reurbanización de la zona Austurhöfn llamado World Trade Center Reikiavik, que fue abandonado de forma parcial durante la crisis financiera (2008-2009) de ese país y que tuvo un costo aproximado de 164 millones de euros. Cuenta con cuatro salas; la principal lleva el nombre de Eldborg y tiene una capacidad de hasta 1,800 personas. Además de ésta, el complejo tiene tres más: Norðurljós (para 450 personas), Silfurberg (750) y Kaldalón (150).
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Forum de Mundo Imperial Próximos eventos Pandora: sábado 17 de mayo Marc Anthony: sábado 31 de mayo Life in Color (Paint Party): sábado 28 de junio Contacto: forumimperial.com
En una de las zonas más exclusivas de la bahía de Acapulco, la Diamante, se encuentra el Forum de Mundo Imperial. Es parte de un sorprendente complejo arquitectónico que incluye un resort, un centro de convenciones y exposiciones, un promenade y un spa. El Forum se ha convertido en uno de los principales centros de espectáculos. La fachada del recinto comprende 2,060 m2 y está cubierta con casi 5,000 leds que pueden realizar hasta 167 millones de combinaciones de color. Tiene una capacidad para 4 mil personas y su construcción está pensada para que la butaca más cercana se
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encuentre a dos metros del escenario y, la más lejana, tan sólo a 35 metros. La experiencia que puede tener el público asistente al Forum es confortable y no sólo en butacas, ya que también puede disfrutar de los palcos y las suites VIP. El recinto alberga un promedio de más de 40 eventos anuales tales como conciertos, producciones de Broadway, espectáculos familiares y funciones especiales; desde su inauguración, en noviembre de 2008, se han presentado artistas como Café Tacuba, Fobia, Santana, Enrique Bunbury y Ricardo Arjona, entre otros. mx
Fotos: Cortesía Forum de Mundo Imperial
Interior del Forum Mundo Imperial, Acapulco, Guerrero
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Autor3s, Disfruta de una velada en compañía de los compositores más destacados de la canción hispana. Una experiencia única e irrepetible, donde la música une ritmos, naciones y estilos en un mismo escenario. Texto: Enrique Escalona Fotos: Archivo / Autor3s
• NO TE PIERDAS… › Autor3s: Gian Marco y Amaury Gutiérrez En el Lunario del Auditorio Nacional Domingo 11 de mayo, 17:00 y 20:30 hrs. Jueves 15 y viernes 16 de mayo, 21:00 hrs. Sábado 17 de mayo, 21:30 hrs. Domingo 18 de mayo, 20:30 hrs.
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la voz de los creadores En una sola noche, el espectáculo de Autor3s brinda emociones que van del romanticismo de una balada en la voz de su autor, a la expectativa de un invitado sorpresa que se une al ensamble. El proyecto, que arrancó el año pasado, es un concepto musical que invita a los compositores a subirse al escenario, para interpretar sus piezas más reconocidas o las que han sido éxitos en otras voces. Las interpretaciones son acústicas y cuentan con arreglos para la ocasión; los invitados y el repertorio cambian en cada concierto y esto asegura que ninguna noche sea igual a la anterior. Los guías y creadores de estos encuentros musicales son el cubano-mexicano Amaury Gutiérrez, el peruano Gian Marco y el nicaragüense Luis Enrique, todos ellos músicos y compositores que cuentan con una vasta trayectoria y un repertorio digno de cualquier espacio. En octubre de 2013, Autor3s tuvo su primera temporada en el Lunario, en donde rompieron el récord de asistencia de este recinto con 11 shows consecutivos. En esa ocasión contaron con 20 invitados, entre los que destacaron Raúl Ornelas, Paulino Monroy, Jenny and The Mexicats, Jorge Correa, Alexander Acha, Noel, Aleks Syntek y Ana Victoria. Un recorrido musical que fue de la trova al rock.
Para la nueva temporada se tiene confirmada la presencia de Samo, Lena y el roquero Alex Lora, entre otros. Corazón cubano y mexicano El alma de Autor3s es, sin duda, Amaury Gutiérrez. El cantautor comenzó a los 15 años su aprendizaje musical en la Escuela de Instructores de Arte en Santa Clara, Cuba. En ese entonces definió su estilo como pop cubano, una mezcla de diversos géneros musicales que incluyen la trova, algunos giros de música contemporánea y el sentimiento autoral de la época dorada del bolero, con influencias de la música mexicana. A inicios de los años 90 formó parte del grupo Afrocuba, que dejó por la Orquesta La Ley, interpretando géneros como salsa y sones cubanos. Con esta agrupación viajó a México en 1993 y nunca más regresó a Cuba. Nuestro país lo adoptó y Amaury se nacionalizó mexicano. Desde entonces diversos artistas de fama internacional comenzaron a cantar sus canciones: David Bisbal, Luis Fonsi, Francisco Céspedes, Manuel Mijares, Luis Enrique, Gilberto Santarosa y Paloma San Basilio, entre muchos otros. Amaury Gutiérrez contribuyó al mundo de la música con la calidad y emotividad de sus creaciones. En las presentaciones de Autor3s
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Cortesía Autor3s
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Para el recuerdo Autor3s cuenta con un CD y un DVD que recoge lo mejor de las veladas bohemias que tuvieron lugar entre el 22 y 28 de octubre de 2013 en el Lunario del Auditorio Nacional, donde se reunieron los talentos de más de 20 artistas de seis nacionalidades distintas, en esa ocasión acompañados también por el músico y compositor Luis Enrique. • autor3s.com
interpreta éxitos propios como “Yo sé que es mentira” o “Se me escapa el alma”, dos de los temas preferidos de sus seguidores. Talento llegado desde Perú Con 10 nominaciones al Grammy Latino y ganador en tres ocasiones en la categoría Mejor Álbum Cantautor, Gian Marco es la otra pieza fundamental de Autor3s. El artista goza de un gran reconocimiento y prestigio en el mundo de la música a nivel hispano. En sus 20 años de trayectoria destacan canciones para figuras internacionales como Gloria Estefan, Alejandro Fernández, Marc Anthony, Diego Torres, Emmanuel, Soraya, Paulina Rubio y OV7. Como cantante, Gian Marco cuenta con discos de oro y platino. En España fue reconocido por los Premios de la Música como la Revelación Latina en 2003. Su álbum Desde adentro, recopila todas sus canciones escritas para grandes intérpretes. Su inquietud musical lo ha llevado a crear proyectos como En tiempo real (DVD), donde interpreta sin cortes su música. Su disco Días nuevos rompió
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récords de ventas en iTunes (recibió quíntuple certificación Doble Platino) y reunió su voz con figuras como Alejandro Sanz, Juan Luis Guerra y Diego Torres. Con 20 años de trayectoria profesional, Gian Marco cuenta con un gran repertorio; “Hasta que vuelvas conmigo” y “Lejos de ti”, son canciones que destacan en cada presentación.
“Estamos muy contentos de comenzar una segunda temporada. En Autor3s las estrellas no somos nosotros, sino las canciones”. —Gian Marco
Un encuentro de voces El público que acude al Lunario a escuchar temas en voz de los creadores, con arreglos únicos y músicos destacados, puede percibir el ambiente de camaradería entre ellos, aunado a la sensación de asistir a un ensayo que es, a su vez, un íntimo concierto. Verlos en vivo es un evento imperdible para los amantes de la música romántica y bohemia. Si por separado cada uno es un artista reconocido que ofrece un gran espectáculo, cuando están juntos se convierten en un regalo único.
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Enrique Escalona Nació en la Ciudad de México. Ha sido guionista, editor, fotógrafo y colaborador en revistas de viaje y estilo de vida, como National Geographic, Traveler, Bleu & Blanc y México Desconocido. Asimismo, creó La Ruta del sabor, para Once TV.
Gian Marco y Noel Schajris
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LIBROS | REV ISTAS | DI SE ﾃ前 | C ONTE N I DO
Centrales
• NO TE LOS PIERDAS… › Magos & Limón Jueves 12 de junio 21:00 hrs. › Raphael Jueves 15 de mayo 20:30 hrs.
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Ópera de Bellas Artes La ópera en vivo vuelve al máximo recinto nacional y lo hace con dos prodigios musicales: Turandot y La Bohème. Dos eventos para gozar.
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Magos & Limón Dawn es la producción que presentan la cantante y el guitarrista, inspirados en los amaneceres neoyorquinos. Aquí, nos hablan de su génesis, del jazz y de cómo se dio su encuentro.
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Raphael El cantante español pisará suelo mexicano de nueva cuenta para cerrar su tour Mi gran noche. Es obligado verlo para disfrutar de su personalidad y absorber su presencia y estilo.
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central | ÓPERA
Óper en el Auditorio La Ópera de Bellas Artes regresa al escenario más grande de América Latina. En esta temporada, se presentan dos clásicos amados por el público: Turandot y La Bohème de Giacomo Puccini. Texto: Iván Martínez Fotos: Jesús Cornejo / Archivo
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ra • NO TE PIERDAS…
› Turandot Ópera de Bellas Artes en el Auditorio Nacional 9 de mayo, 20:00 hrs. 11 de mayo, 17:00 hrs.
Cuenta el historiador José Octavio Sosa que el Auditorio Nacional abrió su escenario a la ópera por primera vez en 1955, tres años después de su apertura, para recibir a una de las tantas compañías estadounidenses itinerantes que han traído a México Porgy and Bess, la ópera de George Gershwin (escrita en 1935). Desde entonces, dada su condición de recinto monumental para las artes y el espectáculo, ha sido natural que el Auditorio hospede no sólo conciertos populares o sinfónicos, galas de ballet y exposiciones en su diferentes espacios, sino también esa conjunción global de artes escénicas y plásticas que es máxima disciplina: la ópera… O, al menos, así lo fue hasta 2012, cuando se presentó por última vez una en su escenario: La venganza del príncipe Zi Dan, de la Shangai Peking Opera Troupe. Hay que decir que su hermano menor, el teatro musical, también ha estado presente en las diferentes épocas del Auditorio, recientemente con producciones nacionales de títulos como Hoy no me puedo levantar (de Nacho y José María Cano) o mediante la acogida de giras internacionales de piezas como We Will Rock You (de Ben Elton, Brian May y Roger Taylor) y los clásicos del gigante Disney The Lion King (de Elton John) y Mary Poppins (de Robert y Richard Scherman). Sin embargo, es cierto que el “Coloso de Reforma” ha centrado su atención, desde 2008, en la transmisión en vivo, vía satélite, de las funciones de la Metropolitan Opera de Nueva York en su cruzada por llevar este arte a todo el mundo. El papel del Auditorio ha sido muy relevante para el éxito del programa del Met gracias a que, durante seis años, estas transmisiones —que con frecuencia agotan su boletaje— han sido llevadas también al interior de la República para que, como en el Paseo de la Reforma, una buena cantidad de ciudades vivan el programa LiveInHD de la ópera como si estuvieran en Nueva York. Gracias a la tecnología de vanguardia, la experiencia es “como estar allá”, y eso ha producido un nuevo fenómeno para disfrutar este arte que, al menos en la Ciudad de México, ha ganado mucha audiencia de personas que no necesariamente asisten a recintos formales como el Palacio de Bellas Artes. De esto hablan los números, la parsimonia y el donaire con que la gente que asiste al Met en México vive esta experiencia las mañanas de sábado, así como el amplio abanico de diversidad que se nota entre este que es, en definitiva, un nuevo público.
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• NO TE PIERDAS… › La Bohème Ópera de Bellas Artes en el Auditorio Nacional 11 de julio, 20:00 hrs. 12 de julio, 19:00 hrs. 13 de julio, 17:00 hrs.
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Jesús Cornejo
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Escena de Turandot El Auditorio, de la mano del Met, ha inaugurado una nueva forma de entrar a ese misterioso mundo, de apariencia equivocadamente elitista, que es la ópera. A ella ya no sólo asisten los iniciados, sino que lo hacen también los jóvenes —y cada vez más pequeños— gracias a la ya constante presentación de producciones adaptadas para el público infantil, o porque son atraídos por las conferencias que se ofrecen en el Lunario antes de cada función del Met. Eliminar barreras y fronteras entre las disciplinas artísticas y los estereotipados públicos: ése ha sido, junto a la incuestionable celebridad de los productos líricos que se transmiten y de la tecnología de máxima fidelidad audiovisual, uno de los mayores logros del Auditorio. Este brío tiene que aprovecharse y es por ello que el espectáculo en vivo volverá al escenario.
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Presenciar el arte Como bien dijo el tenor Ramón Vargas —en una conversación que mantuvo con el titular del Auditorio Nacional, el doctor Gerardo Estrada (ver recuadro)—, actual director de la Ópera de Bellas Artes: “La gente se está interesando por asistir a estos espectáculos porque los ven de una manera más natural en un espacio grande que parece un poco menos formal, y después es más fácil ir al teatro”; eso, sin estar peleados ni contradecir la naturaleza de uno u otro lugar; aunque hace falta trabajar en la difusión de las artes para atraer nuevos públicos a todos los recintos donde se presente ópera. Existe una máxima que sugiere que la ópera — como el teatro, los conciertos o las funciones de ballet— es un arte que puede disfrutarse mejor en vivo. Esto, por supuesto, no va en menoscabo de las transmisiones HD.
Es precisamente por ello que al Auditorio regresan ahora producciones propias de ópera, y surge un nuevo esfuerzo conjunto entre éste y el Instituto Nacional de Bellas Artes, que verá sus primeros resultados este mes de mayo. Las presentaciones se apoyarán con el caudal de posibilidades tecnológicas que ofrece el espacio de Reforma que, como se ha visto en la historia reciente de las transmisiones vía satélite, avanzan cada día a pasos agigantados. El reto del Auditorio Nacional y la Ópera de Bellas Artes es enorme, pero ambas instituciones tienen todo para procurar un espectáculo con lo mejor de sí mismas —en cuestión de talentos e infraestructura— que satisfaga a los habitués de ambas, que los junte y los multiplique. Retomando palabras del mismo Vargas —que cuenta con una perspectiva única al ser cantante, director de la Ópera •
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“damos lo mejor de nosotros mismos” Gerardo Estrada platicó con el tenor y actual director de la Ópera de Bellas Artes, Ramón Vargas. Esto fue lo que le dijeron en torno a las puestas en escena, entre otras cosas. Gerardo Estrada: Ópera en vivo en el Auditorio Nacional. Muchas personas piensan que es un sacrilegio porque se tiene que cantar con micrófono y las condiciones no son las del teatro tradicional, ¿tú qué piensas de esto? Ramón Vargas: Pienso que nos tenemos que adaptar a los tiempos. Cuando se compusieron las óperas no había monitores de televisión que nos ayudaran a, por ejemplo, marcar los tiempos mejor o para los solistas. No había sonorización. Sin embargo, [todos estos elementos] los hemos adaptado perfectamente al servicio de la música. Y yo creo que en este momento puede pasar lo mismo. Hay una oportunidad que la tecnología nos da. Desde luego que el teatro en vivo, sin micrófono y demás, juega un papel importante que jamás debe desaparecer —y no es lo que estamos pretendiendo. Lo que queremos hacer es que sea más fácil llevar a más gente para que se enamoren de la ópera, ésa es la idea. Para ustedes los cantantes, ¿es un reto mayor el cantar frente a una cámara de televisión sabiendo que están retratando hasta el más mínimo gesto, o es lo mismo? No, es más difícil. Pero en todos los aspectos es una experiencia que se puede vivir tranquilamente sin pretender que la ópera desaparezca en su forma tradicional. El público que viene aquí a las funciones del Metropolitan tiene en promedio 50 años, pero también vienen muchos jóvenes. Me parece interesante que muchos abuelos y padres traen a sus hijos. Eso también es una posibilidad, ¿no? Definitivamente, y la gente se está interesando por ver estos espectáculos porque los aprecian de una manera más natural en un espacio grande donde pareciese un poco menos formal que el teatro. Después es más fácil ir al teatro una vez que se entiende de
qué se trata. Pero yo creo que no están peleados ni se trata de contradecir uno al otro, sino que son maneras de llegar al mismo objetivo. Los jóvenes se quejan de que en los conciertos de música clásica los obligan a estar callados, muy rígidos y que, en fin, [dicen que] en la música popular les gusta participar. Tú has dicho que en un concierto tuyo la gente se siente parte integral del espectáculo… ésa es una diferencia muy grande, ¿no? Es importantísima porque se quita el acartonamiento que la gente piensa que hay en el teatro. No es así, pero muchos lo piensan. Así que cuando [las personas] van a un lugar donde antiguamente escucharon música pop, donde escucharon a los cantantes o a los artistas pop, pues se da un ambiente diferente y qué bueno que así sea y que se utilice de manera adecuada. [Ahora] vas a cantar La Bohème, ¿esos títulos te siguen gustando, o a un cantante acaba por aburrirle una obra en particular, un papel que ha hecho varias veces?, ¿lo haces con el mismo entusiasmo? No, lo hago igual. El hecho de que [el libreto] sea interpretado por diferentes cantantes, de que tengas otros compañeros, de que esté dirigido por otro director, todo eso le da variedad y riqueza. Siempre estoy descubriendo cosas a través de mis compañeros y de las presentaciones. El día que te aburres haciendo algo yo creo que te tienes que retirar, y no lo digo nada más en el canto sino en cualquier cosa, ¿no? Gerard Mortier [director de ópera belga, 1943-2014] en Europa modificó algunas cosas [en el mundo de la ópera], pero… No, Gerard rompió cánones y en su momento fue muy importante. Nosotros ahora vamos a presentar en el Auditorio Nacional
óperas de tinte clásico marcadas de una manera clásica para que la gente no piense que presentaremos algo que no es como se precisó por el compositor. Eso no quita que en algún momento dado podamos hacer un título un poquito más modernizado, en donde la gente, los jóvenes, también se puedan sentir más identificados. Los jóvenes y los no tan jóvenes. Aquí presentamos hace poco La nariz de Shostakóvich. Desde el punto de vista visual, fue muy padre, muy divertida. Pero lamentablemente, hubo quien no comprendió y algunas personas se salieron. Aunque la escenografía y el atractivo visual de la producción eran verdaderamente sorprendentes. Sí, cómo no. [La nariz] es una producción que me gustó muchísimo. Pienso que la gente se tiene que saber sorprender. Ir al teatro también significa sorpréndeme y dime qué me vas a dar, qué me vas a presentar, qué es lo que puedo aprender y qué emociones me vas a dar. O sea, no puedo llegar nada más a esperar lo mismo, ¿no? Es una opinión. ¿Y para ti cuál es la diferencia entre cantar en Europa, cantar en la ópera de París, cantar en la Bastilla, cantar en Met o cantar en México? ¿Es diferente en algo?, ¿te dice algo estar frente al público mexicano? El esfuerzo es el mismo, porque los artistas —yo creo, y en eso me incluyo— nos empeñamos en dar lo mejor de nosotros mismos cada noche, cada tarde que se canta. Pero es muy diferente saber que lo estás haciendo en casa y que están tus amigos y que está tu familia, que está la gente de México. Incluso cuando estoy en otro país y sé que hay un grupo de mexicanos me siento más contento. Eso me pasa cuando estoy en cualquier lugar del mundo y en México, pues más todavía.
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• de Bellas Artes y encargado, junto con Gerardo Estrada, del nuevo proyecto—: “La energía que se mueve en ese lugar es algo incomparable, es como cuando para la ópera se canta en la Arena de Verona, un espacio gigantesco que tiene particularidades… pues es la misma energía y es diferente, tenemos que manejar otro tipo de presentación ante un público muy exigente. No es uno tan pasivo como puede y solía ser el de la ópera: los que vienen al Auditorio están ávidos de emociones y las quieren recibir ya.”
Iván Martínez Nació en Zacatecas en 1984. Estudió clarinete en la UNAM y se ha dedicado al periodismo de música, la crítica, el comentario y la entrevista. Fundó y dirigió la revista L’Orfeo y coordinó para CONACULTA el centenario de José Pablo Moncayo. Recientemente ha escrito para “Confabulario”, suplemento de El Universal.
bella arte: un evento para gozar en vivo Escribió el crítico Anthony Tommasini: “La ópera es una forma teatral; aunque suene obvio, es un hecho comúnmente olvidado. Así que la mejor forma de experimentarla, y de aprender a gozarla, es yendo a una función en vivo. Incluso los más neófitos pueden simplemente ir y aunque la mayoría de las casas de ópera ofrecen ya supertitulaje, no es necesario ni en los dramas más intrincados. ¡Es un espectáculo: siéntense y disfruten!”. Las dos óperas inaugurales son clásicos que hay que conocer.
La Bohème es la íntima narración de distintas aspiraciones, amores y reveses de seis jóvenes con quienes, como ha confesado Ramón Vargas, “todos nos podemos retratar, pues en algún momento de nuestras vidas nos hemos parecido a ellos”. Un relato que, de hecho, es muy parecido a lo que el mismo Puccini vivió en sus años de estudiante. Su música apasionada y encantadora, reflejada en una partitura menos densa que en otras de sus óperas pero de texturas muy bien definidas para cada personaje, lugar y situación, la han convertido en una favorita de públicos conocedores y novatos.
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Ana Lourdes Herrera/Ópera de Bellas Artes
Turandot es la conocida fábula sobre la insensible y soberbia princesa que ha anunciado que se casará con quien dé respuesta a sus tres adivinanzas, con la advertencia de decapitar a quien falle; y del príncipe Calaf, quien responde correctamente y, ante el rechazo, regresa a la princesa el reto. Obra que representa para muchos la culminación del Puccini como creador musical, a pesar de haberla dejado inconclusa (murió de cáncer en 1924). La obra es sobresaliente en la tarea de proyectar armónicamente los conflictos emocionales de la trama. La conclusión de la obra estuvo a cargo de Franco Alfano, con una orquestación un poco menos colorida pero que no resta intensidad al libreto.
Dos clásicos Para iniciar este desafío se han elegido dos de los títulos más representativos del auténtico dramaturgo lírico que fue Giacomo Puccini (Luca, Italia, 1858-1924), “poseedor por completo de la epifanía operística, aquella donde teatro y música se equilibran certeramente”, según la definición del compositor, crítico y dramaturgo mexicano, José Antonio Alcaraz (1938-2001). Se presentan la opulenta Turandot (1926), representada en este colosal escenario hace ya 50 años por la compañía de Bellas
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Artes, y su romántica y siempre entrañable La Bohème (1896). Aunque ambas son un nuevo reto visual —incluso para un escenario mucho más grande que en el que originalmente fueron presentadas—, se ha confiado el atractivo a grandes voces de la lírica, Tizina Caruso y Rubens Pellizari en los papeles principales, que serán enmarcadas en la reposición de las producciones ideadas y dirigidas por Luis Miguel Lombana; nombres mexicanos como los de la soprano Olivia Gorra (Liú en Turandot y Mimí en La Bohème), el mis-
mo Ramón Vargas (Rodolfo en La Bohème) y el bajo Rosendo Flores (Timur en Turandot y Colline en La Bohème) llenarán la marquesina en la que también está la soprano Ainhoa Arteta (Mimí en La Bohème) y que es encabezada, en la parte musical, por la batuta del maestro serbio Srba Dinic, quien estará al frente de la orquesta y el coro del Teatro de Bellas Artes. Escénica y musicalmente, no pudieron encontrar más convenientes y atractivos títulos para comenzar la aventura: ambas obras recogen las mejores líneas melódicas de Pucci-
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ni, sus “grandes efusiones que le son características y que el público, con tanto acierto, consume deliciosamente”, según las palabras del propio Alcaraz. Dramatúrgicamente, ambas poseen libretos también de gran efectividad, sea para describir un exótico paisaje chino o para, con economía de recursos literarios, contar los episodios de seis jóvenes descubriendo el difícil camino de vivir.
Escena de La Bohème
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• NO TE lo PIERDAS… › MAGOS & LIMÓN en el Lunario Jueves 12 de junio, 21:00 hrs.
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Voz y guitarra, unidos por el jazz Magos Herrera y Javier Limón acoplan sus talentos por primera vez para hacer un disco honesto y entrañable. La cantante y el guitarrista y productor regresan con lo que denominan “vanguardia del jazz y flamenco minimalista”. Próximamente se presentarán en el Lunario. Texto: Diana Amador / Fotos: Caroline Peters
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portada / magos & limón
Después de producir
Presentaciones en el Lunario: Magos Herrera se ha presentado en varias ocasiones en este recinto, sola y acompañada. Aquí, un recuento cronológico: ♦♦Soliluna: Iraida Noriega y Magos Herrera 11 de diciembre de 2004 ♦♦Magos Herrera 22 de julio de 2005 ♦♦Así era entonces, ahora… 16 de junio 2006 ♦♦México azul 12 de noviembre de 2010 ♦♦Concierta Independencia (Eddie Gómez Trío, Magos Herrera e Iraida Noriega) 20 de agosto de 2013
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más de 100 discos con distintos artistas, el español Javier Limón se decidió a hacer lo que muchos le habían pedido y nunca había aceptado, y que sólo una mujer, una mexicana, logró conseguir: una gira a dueto donde los únicos instrumentos fueran su inseparable guitarra y una voz que, dice en entrevista, “siempre te parte el alma”. Limón conoció a Magos Herrera como se conocen quienes integran los círculos reducidos: por recomendación de otros, en este caso, artistas de jazz. “Mi historia con Magos es una de las más bellas historias de amor de mi vida”, confiesa el músico que se hizo famoso por ser uno de los máximos exponentes del flamenco en el mundo. “Ann Kreis [profesora norteamericana] y otros amigos me habían hablado de ella. Es una referencia y una autoridad en Berklee [College of Music, una de las universidades especializadas en música más importantes del mundo]. En este circuito de jazz todos nos conocemos, así que de vez en cuando hay que dejarse llevar por el azar y lo que la vida nos depara. Nos conocimos, dejándonos llevar”. Cuando se encontraron, el entonces profesor en Boston viajó a Nueva York, donde hoy vive Magos, para escucharla cantar. Al terminar, así sin más, la invitó a tomar un café y ahí empezó la magia. “Me conmovió muchísimo que él me haya investigado antes de hablar conmigo”, explica la cantante. “Él sabía quién era, cómo era mi música, mi propuesta, mis inquietudes... la conexión fue inmediata”, admite. Pasaron un par de años después de esa primera reunión —de la que
ambos aún recuerdan las risas y la complicidad instantánea— para que las agendas mutuas les permitiera grabar Dawn, el disco “más desnudo y sincero” que hayan hecho y que este 12 de junio presentarán en el Lunario del Auditorio Nacional. Su voz en Nueva York Magos Herrera nació en la Ciudad de México y comenzó su educación musical en el Musicians Institute de Los Ángeles, California. “En cuanto entré a la escuela me sedujo este género [el jazz] por sus infinitas posibilidades y su sonido profundo y multidimensional”, cuenta en entrevista la cantante que editó su primer disco, Cajuina, en 1998. No recuerda el momento preciso en el que decidió entregarse a la música y supo que no tenía más alternativa que dedicarse a cantar. “Lo que sí puedo decir”, comenta, “es que estoy cumpliendo los sueños de mi infancia; que desde entonces empecé a caminar hacia los escenarios y hoy lo he logrado, aunque nunca tuve como meta alcanzar premios o reconocimientos específicos. No me había imaginado llegar aquí, no por no creerlo… pero haces lo que tienes que hacer y nunca mides a dónde vas a llegar”. Sobre su propuesta musical, Magos asegura que “es muy inclusiva” y tiene influencias tan diversas como los ritmos latinos y el bolero, “pero la columna vertebral es el jazz”, asegura. Para Orquídeas susurrantes, su segundo disco, Magos ya se había propuesto conquistar el mercado norteamericano. Y dos años después, en 2002, participó en la gira de promoción del proyecto Divas de México
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—una serie discográfica de voces mexicanas como Susana Harp, Ely Guerra y Cecilia Toussaint—, que culminó con un concierto en el Lincoln Center de Nueva York. Desde entonces tuvo un “romance intermitente” con esa ciudad, hasta que en 2008 se mudó de manera definitiva para allá. Ese año, además, hizo su primer gran aparición en el Winter Jazzfest y no tardó en ganar espacios en la escena neoyorquina, así como el reconocimiento de sus colegas. “La primera vez que la escuché ya en vivo, me quedé asombrado porque no había escuchado antes a una intérprete latina cantar bien en inglés”, cuenta el también compositor Javier Limón, “es muy extraño que una latina cantando en inglés le guste a músicos estadounidenses, que no saben español, ni saben nada de ella y tienen estándares de calidad muy altos. Magos los conquistó, a ellos y a mí, de inmediato”. Herrera, vocera de la campaña ÚNETE, de la Organización de Naciones Unidas para acabar con la violencia contra las mujeres, confiesa que de vez en cuando le invade la nostalgia por México, aunque regresa al país con frecuencia para ver a sus padres y hermanos. “Lo mejor de vivir en Nueva York es que hay artistas en todos lados, intercambiando ideas y haciendo propuestas nuevas que te estimulan. Es muy inspirador en todos los sentidos”, nos dice, “lo malo es que no es una ciudad suave. El trato es rudo, nadie conoce a sus vecinos, es áspera en el sentido humano”. Para contrarrestar la frialdad de su entorno, tiene una vida espiritual que se enriquece
con largas jornadas de yoga y caminatas que le permiten ver nuevos rostros de la urbe. Esta asidua lectora, que hoy se sumerge en las páginas del libro El país de uno, de Denise Dresser, ve a México con cierta distancia. Le dedicaría “Blue in Green”, “porque habla de la vida como un sueño, y de cómo navegamos siempre hasta que encontramos nuestro hogar. Siento que México está como orbitando, buscándose fuera de su centro sin encontrar su lugar”, explica la artista.
“Nueva York es muy honesto. No importa quién seas o a quién conozcas, tu trabajo siempre habla por ti”.
—Magos Herrera
Al final, ha logrado encontrar en el público estadounidense tanto calor y cariño como el que obtiene del de nuestro país. “El
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público mexicano es especialmente afectivo y cálido, muy expresivo y generoso. Nueva York es un mundo aparte; es un público muy crítico que aprecia de forma muy profunda el trabajo escénico”, comenta. De España para el mundo Javier era muy niño cuando se acercó por primera vez a la música. “Un año los Reyes Magos me regalaron un acordeón que tocaba sin parar. La música siempre estuvo ahí. Primero como esparcimiento, luego como algo que estudiar y hoy como mi profesión. Aunque es un juego del que nunca se acaban de aprender las reglas”, cuenta quien ha sido, además de músico, productor de artistas como Paco de Lucía, Joaquín Sabina y Juan Luis Guerra. El madrileño es especialista en flamenco, jazz, latin jazz y world music. “Este disco (Dawn) es un movimiento fundamental en mi carrera, porque es un paso adelante, literalmente. Como nunca, me voy al frente del escenario”, dice el artista que tiene su propia productora discográfica, Casa Limón. “Yo dejo de protegerme con arreglos, con composiciones, con grandes producciones”, explica, “me quito la protección y me quedo solo con una guitarra pelada… una pista de guitarra y una de voz y no hay nada más. Es un disco muy desnudo en el que yo, como nunca antes, asumo una responsabilidad así de importante. Y no tendría necesidad de hacerlo. Podría estar en mi casa, componiendo, produciendo, muy cómodo con la vida, pero si lo hago es porque siento una conexión única con Magos”. •
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Magos Herrera no sólo es cantante y maestra de música, ha sido también conductora de televisión. Fueron dos los programas de los que estuvo al frente para Canal 22: Acústico con Magos Herrera (2002) y Jazz desde el bajo centro (2006), en los que entrevistaba a otros músicos. Entre los invitados que llevó al estudio estuvieron Ute Lemper, Diego “El Cigala”, Miguel Mateos, Victoria Tolstoy y Zoé, entre otros. Actualmente es locutora del programa La vuelta a la manzana que se transmite por Horizonte Jazz 107.9 FM.
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“Yo canto para quien vibre con lo que tengo que decir. Mi música va dirigida a la gente que por las letras o la armonía está abierta a mi propuesta y vibra con ella” —Magos Herrera • Javier suele acompañar a otros artistas con la guitarra y el piano, pero en sus primeros pasos dentro de la música fue oboísta, luego tomó clases de piano y canto. Con la guitarra empezó en su adolescencia, a los 16 años. “La primera que tuve era una muy mala que tenía mi papá y, de hecho, por sus pésimas condiciones, empecé a tocar sólo con tres cuerdas: do, mi y sol. Aprendí con esas cuerdecillas a darle a la guitarra”, recuerda. Sus experimentos y propuestas con el flamenco tradicional ganaron notoriedad cuando, en 2003, se sumó al proyecto del cineasta Fernando Trueba en la producción del disco Lágrimas negras, un álbum que se convirtió en éxito mundial al reunir el canto del español Diego “El Cigala” con el piano del cubano Bebo Valdés. Pronto su fama cruzó el continente y comenzó a trabajar con la Berklee College of Music en Boston, donde se convirtió en el primer profesor que dictaba sus clases en español. También ha trabajado con otros artistas mexicanos, como Armando Manzanero y Alejandro Fernández. “El pueblo mexicano tiene un conocimiento mucho más amplio del mundo; en general, es más consciente de la existencia de otras culturas. Las abraza y recibe con más cariño”, dice sobre las audiencias que ha encontrado en nuestro país. “Y, sin duda, los vínculos con España, y por lo tanto con el Mediterráneo, son mucho más claros y naturales que con Estados Unidos. Se disfruta mucho tocar en México”. Cocinero amateur, deportista por obligación y lector voraz, Javier Limón confiesa que su mayor inspiración son, y han sido siempre, las mujeres que han tocado su vida de diferentes maneras. “La figura femenina es infaltable”, dice, “en todos y cada uno de sus más mínimos detalles y en esa magia [que está] dentro de las más sofisticadas cantantes”.
Discografía Magos Herrera y Javier Limón participan por primera vez en un disco en conjunto, pero tienen en su haber mucho material interesante. Éstos son los que nos parecen imprescindibles para conocerlos bien y disfrutar a plenitud su música.
Magos & Limón 2014 Dawn
(OKEH) Un disco elegante y sofisticado. La pieza que le da el nombre permite escuchar con nitidez la riqueza de la voz de Herrera y la precisión de la guitarra de Limón. Una joya que puede escucharse una y otra vez.
javier limón 2008
Son de Limón
(Casa Limón) La entrada vocal y el sonido acústico de “Lluvia de sal” pueden leerse como la pauta de una obra que combina piano, guitarra y percusiones flamencas: un ejercicio que denota a un compositor maduro y curioso.
2010
Mujeres de Agua
(Casa Limón) La guitarra hábil de Limón es acompañada por voces de doce mujeres distintas. El sonido es mediterráneo, mudéjar y gitano. Montse Cortés, Estrella Llorente y Carmen Linares, acompañadas por palmas, suenan en las distintas composiciones de este trabajo notable. “Ainur. Amanecer en Estambul” es una delicia.
magos herrera 2000
Orquídeas susurrantes
(Opción sonica) En sus canciones (“Como un poeta” es buen botón de muestra) hay una cadencia típicamente latina y un trasfondo que anuncia el jazz que vendrá en posteriores producciones.
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País Maravilla
(Suave Records) Ritmos caribeños se combinan con melodías nostálgicas que hacen de éste una muestra palpable del amplio abanico que aborda Magos. Hay que escucharlo y contrastar, por ejemplo, “Agua” y “Princesa caballero”. Es el álbum que la hizo popular en México.
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Dos talentos trabajando Aquel café que tomaron juntos en Nueva York es ahora uno de los momentos más memorables en la carrera de Javier. “Desde el primer instante, supimos que había una conexión humana y personal, que iba a hacer muy fácil que el vínculo musical fuera posible y extraordinario”, narra el español. Esa química, según cuentan, fue tangible desde las primeras risas que compartieron. “Los dos tenemos un gran sentido del humor”, aclara Magos, “pero estando en Nueva York es aún más difícil que puedas compartir esa picardía con alguien, así que desde el primer encuentro nos sentimos súper cercanos”.
“Nunca había querido hacer una gira a dueto con otro músico; me lo habían ofrecido muchas veces y me negaba, pero con Magos siento que hay una conexión extraordinaria que no había sentido antes”. —Javier Limón
Aunque tardaron meses en reunirse en un estudio de grabación, hacer Dawn les tomó apenas un par de semanas después de todo el trabajo previo. “Lo más difícil fue seleccionar los temas; yo quería meterlo todo y como jazzista empiezas con ideas como ‘aquí me voy a echar un solo de tres horas y luego
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otras tantas’”, asegura la cantante, “pero entonces Javier, de alguna forma, contenía toda esa creatividad y le daba una dirección. Es impresionante cómo va fluyendo todo fácilmente cuando trabajas con alguien como él”. Y, como es de esperarse, Limón no tiene más que elogios al hablar del trabajo con Herrera. “Lo impresionante de ella como cantante, es que es un músico”, afirma, “no es que sólo se sepa las canciones; su calidad de afinación y de ritmo vienen de un amplio y profundo conocimiento musical. Su voz es su instrumento en todos los sentidos”. Dawn, dicen, está inspirado en los amaneceres neoyorquinos y es también un sencillo homenaje a las grandes tradiciones del género. “Quisimos imprimir la sensación de esos amaneceres de ciudad, en los que has estado toda la noche de fiesta y empieza a salir el sol”, dice Javier, “es un amanecer, como final y no como el principio de un día… es el final del viaje”, asegura. El disco tiene temas en inglés (“My Love for You”), español (“La Llorona”) y portugués (“Oração ao Tempo”). A Magos la inspira “la vida misma, la cotidianidad, el mundo interior que navega en ella, las reflexiones sobre nuestra humanidad, la inocencia de los niños, la grandeza de lo simple… y este disco marca una nueva postura ante la música; todo coincide para sentirme increíblemente a gusto con lo que hago. Muy satisfecha, muy plena y me da una sensación creativa desde adentro que es muy distinta”. A sus 40 años, Magos confiesa que aún tiene mucho por aprender y Limón la ayudó en ese proceso. “Lo que más envidio de él, y quiero aprenderle, es su claridad; es un músico muy acertado y no por nada es tan buen productor. Tiene una idea de lo que quiere escuchar al final y sabe cómo trabajar sobre eso”, afirma. Él, en cambio, aprendió a hacer algo que en su vida cotidiana le resulta muy complicado: tener paciencia. “Lo más importante de trabajar con ella”, explica, “es que me da tranquilidad. Yo soy muy nervioso y muy hiperactivo. Aprendí que frente a mi hiperactividad y mis nervios, esa tranquilidad que tiene, que le viene del yoga y sus meditaciones, es muy complementaria conmigo. Para mí, Magos es como un remanso de paz”.
Un disco por todo lo alto: Dawn ♦♦Tiene 12 temas en tres idiomas. ♦♦Su primera presentación fue el 17 de abril en la galería Dillon de Nueva York. ♦♦La gira incluye ciudades como Londres, París y Montreal. ♦♦Empezó el 7 de mayo en Barcelona. ♦♦El álbum tiene, entre otros temas, la popular canción mexicana “La Martiniana” y el tema de Tom Jobim y Vinicius de Moraes, “O que tinha de ser”.
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Él
Un reconocido productor que ha trabajado con artistas como Joe Lovano, Joan Manuel Serrat, Caetano Veloso, Alejandro Sanz, Alicia Keys, Andrés Calamaro, y más. Ganó ocho premios Grammy por trabajos como Cositas buenas, de Paco de Lucía, y Lágrimas negras, de Bebo Valdés y Diego “El Cigala”.
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Raphael
Artista de los pies a la cabeza El “Divo de Linares” ha sido imparable desde hace cincuenta años, y tiene fuerza para seguir el camino. Actualmente está en el cierre del tour Mi gran noche y ya anuncia para España la próxima gira De amor y desamor.
• NO TE PIERDAS… › Raphael en el Auditorio Nacional, 15 y 22 de mayo, 20:30 hrs.
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Las nuevas generaciones no lo saben, pero Raphael, hace casi medio siglo, era algo así como un Luis Miguel ibérico que arrastraba multitudes en sus visitas al continente americano. El 10 de febrero de 1968, por ejemplo, ofreció un espectáculo gratuito en la Alameda Central de la Ciudad de México… y ardió Troya. “Aquello fue la guerra”, decía el encabezado del diario Cine Mundial. En una entrevista que tuve con el cantante español en 2012, publicada en el diario El Universal, le pregunté cómo recordaba aquel hecho y contestó: “Fue un concierto un poco improvisado porque yo quería cantarle gratis al pueblo. Lo organizaron como pudieron ¡y se armó la que se armó! Pasé miedo, porque tuvieron que sacarme de ahí con muchas dificultades”.
En aquel entonces, Raphael era una figura a la que podía verse en México en pequeños centros nocturnos —generalmente en El Patio, con precios inaccesibles para la gente de escaso poder adquisitivo— o en programas de televisión. Por tanto, era lógico que un show en vivo y sin costo provocara tumultos. En Días de guardar (Ediciones Era, 1970), Carlos Monsiváis compara de manera jocosa ese acontecimiento con la Toma de la Bastilla: “El pueblo, febril y desbordado en más de cincuenta mil de sus manifestaciones individuales, concretaba una mínima expropiación… La presión brutal de la multitud, además de cliché verbal, era una realidad angustiosísima... Niños encumbrados y promovidos por una cadena de brazos, la muchedumbre, carte-
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Texto: Fernando Figueroa / Fotos: Archivo
Raphael en el Auditorio Nacional En 1969 y 1970 se presentó en este recinto en espectáculos con otros artistas, y desde 2004 lo ha hecho en solitario con gran éxito. ♦♦2004 junio, una fecha ♦♦2005 octubre, dos fechas ♦♦2007 febrero, dos fechas ♦♦2009 mayo, dos fechas ♦♦2011 febrero, dos fechas ♦♦2012 febrero, dos fechas ♦♦2013 abril, dos fechas ♦♦2014 mayo, una fecha
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ristas, voces y reclamaciones de los organizadores, empellones, sociólogos que interpretaban todo con rapidez”. En 2014, Raphael sigue siendo aquél, tal como lo demuestra en cada uno de sus espectáculos, que rondan las tres horas de duración y que se quedan grabadas en la memoria por mucho tiempo. Aunque ya rebasó los 70 años de edad, tiene la energía de un joven que es capaz de “dar a la gente lo que quiere y más”, según ha dicho y demostrado. El también llamado “Ruiseñor de Linares” siempre ha sido desmedido en cualquier escenario que pisa. Cuando quise saber si para él era lo mismo un show en París que en Pachuca, señaló: “Es exactamente lo mismo. Mucha gente no me cree eso, pero es verdad. En todos lados siento las mismas ganas de agradar”. Acerca de ese tema, le manifestó al diario español El País: “Después de cada presentación, llega un hundimiento total; y eso en una gira es cada noche porque, esté donde esté, salgo a matar”. Aunque la entrega siempre es absoluta, hubo una época en que su energía vino a menos por un grave mal hepático. Sin embargo, el 1 de abril de 2003 se sometió a un trasplante de hígado que resultó exitoso y le permitió regresar a los escenarios hecho una fiera. Al respecto, me comentó: “Me parece genial tener la fuerza de hace 30 años y un cerebro que ha vivido algunos años más. El otro día alguien me decía que yo estoy jugando en la vida con ventaja [risas]”. Duende andaluz En el libro de memorias ¿Y mañana qué? (Plaza & Janés, 1998), Raphael narra que en su juventud era necesario tener licencia de cantante para ejercer el oficio. Inició los trámites correspondientes para conseguirla y le dieron una cita. Cuando llegó el día que le habían asignado, se presentó ante el jurado en un pequeño escenario, lo vieron entrar como torero partiendo plaza y no lo dejaron cantar, pero lo aprobaron. Después se enteró de que le dieron el visto bueno
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porque era evidente que se trataba de “un artista de los pies a la cabeza”. Miguel Rafael Martos Sánchez nació en Andalucía, cuna de figuras portadoras del preciado duende, como el escritor Federico García Lorca, los músicos Camarón de la Isla y Paco de Lucía, el bailador Joaquín Cortés y el torero Curro Romero, por mencionar sólo unos cuantos. El cantante llegó al mundo el 5 de mayo de 1943, en Linares, provincia de Jaén. La naturaleza lo dotó de voz y temperamento privilegiados, además de ansias de conquistar el mundo.
“Para mí es exactamente lo mismo [un show en París que en Pachuca]. En todos lados siento las mismas ganas de agradar”. Cuando tuvo la oportunidad de representar a su país en el Festival Eurovisión 1966, celebrado en Luxemburgo, no podía abandonar España porque estaba haciendo su servicio militar (“la mili”), pero el problema se resolvió hablando con un alto funcionario del gobierno. Participó con el tema “Yo soy aquél” y no ganó el concurso, pero su interpretación causó gran impacto y regresó a Madrid de manera apoteósica. En el aeropuerto fue recibido por miles de admiradores, pero también por la policía; fue llevado a un calabozo y acusado de desertor,
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Las joyas de la corona El propio artista se refiere a sus grandes éxitos como “Las joyas de la corona”. Estos son algunos de esos títulos, que se deben a la inspiración de Manuel Alejandro: “Yo soy aquél”, “Digan lo que digan”, “Qué sabe nadie”, “Provocación”, “En carne viva”, “Desde aquel día”, “Estar enamorado”, “No puedo arrancarte de mí”, “Cierro mis ojos”, “Qué tal te va sin mí”, “Estuve enamorado”.
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AP / Archivo Auditorio Nacional / Getty Images
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Página anterior y arriba izquierda: Raphael en el Festival Internacional de Viña del Mar el 25 de febrero de 2014. Abajo izquierda: Raphael en el Auditorio Nacional. Derecha: Raphael en concierto, Madrid, 2012.
“Me parece genial tener la fuerza de hace 30 años y un cerebro que ha vivido algunos años más. Dicen que estoy jugando en la vida con ventaja [risas]”.
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porque el pasaporte temporal que le habían prometido jamás llegó a sus manos. Ése fue el principio de su internacionalización, pues Raphael no sólo tuvo éxito temprano en España y Latinoamérica sino también en gran parte de Estados Unidos —con triunfales visitas a El show de Ed Sullivan—, Europa —incluido el occidente de Rusia— y Japón. Vigencia a toda prueba A un periodista del diario Clarín, de Argentina, Raphael le comentó que sigue involucrándose en proyectos que le apetecen, “porque no me voy a morir pensando que debí hacer esto o aquello”. Lo que ha logrado es mucho, pero puede sintetizarse en un centenar de álbumes lanzados al mercado (de estudio, en vivo y recopilaciones), otros tantos sencillos (sobre todo en los 60 y 70) y alrededor de 70 millones de copias originales ven-
didas (en 1982 iban 50 millones y por eso le dieron ese año un Disco de Uranio). La lista de premios y reconocimientos llenaría varias páginas de esta revista. Eso sí, en 2006 obtuvo un galardón en Las Lunas del Auditorio (rubro Balada), y un año más tarde develó su placa en el Paseo de las Lunas, ubicado en la explanada del Auditorio Nacional. Aunque su “barroquismo sentimental” (definición del escritor Francisco Umbral) lo ha llevado a un sitio de privilegio, el intérprete se ha dado el lujo de experimentar cuando le ha dado la gana. Baste recordar el álbum Maldito Raphael (2001), en el que incluye “no versiones sino relecturas” (según él mismo) de temas que le atraen: “Divina”, de Radio Futura, a dueto con su fan número uno: Alaska; “Sevilla”, de Miguel Bosé, con Rocío Jurado; “Una rosa es una rosa”, de Mecano, en mancuerna con Pasto-
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Fernando Figueroa Nació en México en 1955. Es autor del libro El mejor oficio del mundo. 60 entrevistas (2013), que incluye charlas con personajes tan disímbolos como Marcel Marceau, Alejandro Jodorowsky, Consuelo Velázquez, Yolanda Vargas Dulché, Fernando del Paso, Roberto Gómez Bolaños “Chespirito”, Silverio Pérez, Pedro “El Perro” Aguayo y… Raphael.
“[La palabra retiro] no existe para mí. Naturalmente, habrá un momento en que yo mismo entenderé que debo tomarme unas largas vacaciones. Pero lo que nunca habrá es un retiro como tal. A un artista le retira la muerte”.
Jekyll, Hyde, ángel y golfo El histrionismo del que hace gala Raphael al cantar, también lo ha ejercitado en el teatro y el cine. En 2000 se presentó con doble personalidad en el musical Jekyll & Hyde, provocando llenos continuos en Madrid durante siete meses; debió abandonar el montaje por problemas de salud. En su juventud ya había llevado a miles de espectadores a las salas de cine estelarizando filmes como Cuando tú no estás (1966), Al ponerse el sol (1967), Digan lo que digan (1968), El golfo (1969), El ángel (1969), Sin un adiós (1970), y Volveré a nacer (1973), en esta última cinta al lado de una Isela Vega despampanante.
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ra Soler; “Yes Sir, I Can Boogie”, éxito de Baccara, con Jeanette; “Maldito duende”, de Héroes del Silencio, en solitario, entre otras. Para celebrar medio siglo de vida artística, en 2008 grabó Raphael: 50 años después, en donde hace duetos con celebridades como Joan Manuel Serrat (“Cantares”), Alejandro Sanz (“La fuerza del corazón”), Juanes (“Volverte a ver”), Miguel Bosé (“Morir de amor”), Miguel Ríos (“Himno a la alegría”), Rocío Dúrcal (“Cómo han pasado los años”), “A mi manera” (Paul Anka). Y, por supuesto, “50 años después”, con Joaquín Sabina, autor de ese tema escrito sobre pedido. Ni hablar de artistas jóvenes que han retomado canciones emblemáticas del “Divo” para tratar de imitarlo, homenajearlo o cuestionarlo, sin que él se dé mucho por enterado. Lo que sí pregona con orgullo justificado es el museo que existe en Linares en su honor, donde un alud de memorabilia embriaga a sus admiradores y convence al más escéptico: fotografías familiares, trajes, discos de oro y platino al por mayor, programas de mano (Carnegie Hall y Madison Square Garden de Nueva York, Olympia de París), carteles, recreación de marquesinas, objetos personales y, sobre todo, un aroma a triunfo. Su actual tour se denomina Mi gran noche, igual que el disco que grabó en 2013. Está a punto de lanzar el álbum De amor y desamor, acompañado de la Orquesta Sinfónica de Radio y Televisión Española, y ya tiene anunciadas para esa próxima gira 41 fechas en España, entre el 10 de agosto y el 21 de diciembre de 2014. En un chat con El País, un lector le preguntó a Raphael si alguna vez había pensado en el retiro. Respondió: “Esa palabra no existe para mí. Naturalmente, habrá un momento en que yo mismo entenderé que debo tomarme unas largas vacaciones. Pero lo que nunca habrá es un retiro como tal. A un artista le retira la muerte”.
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OPINIĂ“N
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Del iris a la retina digital
Texto: Andrés de la Calle
¿Qué han traído los celulares a la música en vivo? ¿Cómo han cambiado los conciertos desde que apareció el ojo digital? Aquí, una reflexión que analiza esta nueva tendencia.
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OPINIÓN
El que un exótico —y en ocasiones molesto— mar luminoso de pantallas azuladas nos impida la correcta vista de un escenario en un concierto no es nada nuevo; quejarse de ello suena más bien a lugar común y condenarlo es ya deporte nacional. Roger Waters tiene una especial predilección por finalizar sus conciertos interpretando “The Tide Is Turning”, tema con que cierra su álbum en solitario de 1987, Radio K.A.O.S., y la última gira que realizó por nuestro país presentando el renovado The Wall no fue la excepción. Sin embargo, el 18 de diciembre de 2010, durante su primera tanda de conciertos —recordemos que regresó al Foro Sol en 2012— el músico hizo una alocución muy singular ante su público: “Me dijeron que México es especial; que los conciertos aquí tienen una magia particular y quiero confirmarlo. Amablemente les solicito que todos saquen sus celulares y los enciendan, para atestiguar este momento”. Al instante, más de 15 mil destellos iridiscentes iluminaron el recinto ante los fascinados ojos de un incrédulo Waters que, en ese ambiente, comenzó a construir un epílogo singular con la colaboración electrónica y la voz de las 18 mil almas congregadas que coreaban la mítica canción en lo que bien podría llamarse un acto litúrgico. En mayo del 2012, cuando The Stone Roses regresaron a los escenarios después de un largo hibernar de 16 años, Ian Brown, líder de este legendario grupo británico, se dirigió al público con las siguientes palabras: “Si apagan sus cámaras, probablemente, les sea posible vivir el momento”. Los Yeah Yeah Yeahs, por su parte, instalaron grandes letreros a la entrada de sus conciertos en los que se leía: “Por favor, no mires el concierto a través de la pantalla de tu dispositivo móvil. Por respeto y cortesía a la persona detrás de ti y a la banda, guarda el maldito aparato”. Si se trata de una tendencia con el objeto de preservar momentos inolvidables por la simple razón de contar ahora con la posibilidad tecnológica de hacerlo, entonces ésta va en aumento. Pero lo cierto es que una inmensa mayoría de quienes han fotografiado o videograbado alguna parte de un concierto con un dispositivo, no vuelven a verlo y mucho menos llegan a descargarlo en una computadora. Nos cuesta imaginar a alguien haciendo un álbum de sus conciertos como
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Lo cierto es que la mayoría de quienes han fotografiado o videograbado un concierto con un dispositivo móvil no vuelve a verlo nunca.
si fuera una página dedicada a imágenes de acontecimientos relevantes de la familia. Entonces, ¿por qué sustituir el iris por una retina digital? ¿Qué es lo que produce el acto reflejo de tomar nuestro teléfono celular y disparar sin cansancio durante un concierto o un espectáculo? Los detractores y ortodoxos aducen argumentos simplistas, como falta de educación y poca cultura; “la tecnología tan a la mano”, dicen. Los más avezados hablan del irrefrenable deseo que genera la necesidad de compartir con el mundo, a través de las redes sociales, experiencias únicas a las que los demás no han tenido acceso. Es la historia de la autoafirmación que dista mucho de la simple banalidad de preservar una memoria. Pero entre compartir (share) y hacer saber hay una considerable diferencia. El ego es un animal poderoso e insaciable que invariablemente someterá a sus designios a la buena voluntad a la que está íntimamente ligado el compartir una experiencia. Este peculiar fenómeno ha evolucionado y se ha sofisticado a la par del desarrollo tecnológico y no es privativo de los conciertos de rock o de pop ni está identificado con un sector poblacional o edad determinados de los asistentes; lo encontramos por igual en espacios abiertos que cerrados, en conciertos de jazz o música contemporánea, lo mismo que en las salas de concierto, las cuales han comenzado a sufrir los embates de esta tendencia y barajan la posibilidad de instalar dispositivos para evitar el uso de celulares. Sin embargo, estas medidas solamente inhibirían la comunicación, mas no las funciones de cámara de los mismos, lo que les deja de nuevo en cero. Pero no todas las visiones son apocalípticas. Algunas orquestas, como la Sinfónica de Detroit, han invitado a su público a fotografiar y grabar sus conciertos con el propósito de subir este material a todo tipo de red social disponible para que funcione como vehículo promocional. Y en algunos casos el tamaño sí importa: sin recato ni pudor alguno, hay quien echa mano de un iPad para grabar a manos llenas —literalmente— un concierto durante una hora y media… o el tiempo que su presupuesto para tarjetas de memoria le permita. El debate ha sido parte fundamental de la industria en los últimos años, y aún no se logra un consenso sobre el verdadero efecto de esta situación, en la que una parte del público
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ha llegado al extremo de pagar un boleto para un concierto con el único objetivo de verlo de forma virtual, a través de la pantalla de su teléfono, dando paso a la virtualización de la percepción sensorial de los espectáculos en vivo. Y a pesar de que la crítica ortodoxa ha decretado que mostrar celulares en los conciertos es un gesto de muy mal gusto, las tendencias tecnológicas dictan lo contrario. El caso de Roger Waters bien podría tomarse como la transformación de una ciudadanía que gracias a la actual predilección por una conducta saludable ha dejado de fumar y ahora expresa con la luz del display de sus celulares lo que en los 80 y 90 hacía con los encendedores. Un concierto es un lugar donde coinciden personas de diferentes credos, ideologías y estratos sociales con el fin de compartir un espacio-tiempo común, que es la interacción de ellos como público con el artista, quien sin su audiencia simplemente dejaría de existir. Los unos necesitan de los otros, y
Es innegable que la experiencia de la música en vivo se ha visto modificada apenas a una década de la llegada de los teléfonos inteligentes.
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un celular es una extensión de esta comunión; es llevar a un nivel de trascendencia la necesidad inmediata de expresarse poniendo en línea lo que sucede al momento. Pero es la espada de Damocles la que rige este nuevo ritual: simplemente observar y vivir el momento, como exige Ian Brown de The Stone Roses; preservar una memoria para el muy personal acervo gráfico, o el ego que alimenta la necesidad de demostrar que se tiene acceso a donde los demás no, y hacerlo saber. Es innegable que la experiencia de la música en vivo se ha visto modificada apenas a una década de que los teléfonos inteligentes irrumpieran despiadadamente y dictaran nuevas formas de conducta social, lo que obliga a repensar la relación espacio-tiempo que nos acerca a la interpretación de un sentido totalmente nuevo, donde el tiempo de un concierto puede ser cualquiera y el espacio no es otro más que la nube de internet. Lo que sigue es el canto de las sirenas; habrá que escoger a qué mástil nos atamos.
sabías que
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Servicios especiales
El Auditorio Nacional cuenta con una serie de servicios para que las personas con capacidades diferentes tengan un fácil acceso al recinto y puedan moverse sin problemas en su interior.
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02 El estacionamiento cuenta con lugares que solamente pueden ser ocupados por individuos con movilidad reducida y que se encuentran localizados estratégicamente muy cerca del elevador. Esta zona abre tres horas antes de cada espectáculo y tiene un costo de $70.00 por evento. La entrada está frente a Campo Marte y se puede llegar por Reforma y Chivatito.
Hay una rampa de acceso a un costado de las taquillas, frente a Campo Marte.
El elevador va del estacionamiento al vestíbulo y a los pisos 1 y 2 (frente a la puerta 8).
En las áreas de Luneta y Balcón hay asientos especiales. Gracias a su ubicación, estos lugares facilitan la entrada y salida del público asistente. Cabe señalar que los boletos para estos sitios en específico únicamente pueden ser adquiridos en las taquillas del Auditorio de lunes a sábado de 10:00 a 19:00 hrs. y domingo de 11:00 a 18:00 hrs.
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FINALES RESEÑAS
Trascender
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(Estados Unidos, 2014). Dirige: Wally Pfister • Estelares: Johnny Depp y Rebecca Hall
Cortesía Warner Bros.
c i ne Naief Yehya @nyehya
Bajo la piel (Estados Unidos, 2014) Dirige: Jonathan Glazer Estelares: Scarlett Johansson y Jeremy McWilliams La amenaza del extraterrestre voraz nunca pareció más aterradora que bajo la forma seductora de Scarlett Johansson en Bajo la piel, de Jonathan Glazer. Ésta es una obra deslumbrante y singular, un filme que emplea un estilo visual descarnado y cuasi documental, con una pista sonora estridente y una narrativa vertiginosa, intoxicante y cargada de simbolismo que hace de una premisa de ciencia ficción una reflexión sobre las relaciones entre los géneros, la seducción y la belleza. Aunque Johansson tiene aquí sus primeras escenas desnuda, no es ésta una película fácil y, sin duda, muchos saldrán más incómodos y molestos, que excitados. Sueños de libertad (Estados Unidos, 2014) Dirige: James Gray Estelares: Marion Cotillard y Joaquin Phoenix Marion Cotillard hace el papel de una joven polaca, Ewa Cybulski, que llega a Nueva York en los años 20 en busca de una mejor vida y cae en las garras de un par de vividores, interpretados por Joaquin Phoenix y Jeremy Renner, que de una manera perversa establecen complejas relaciones de afecto y explotación con ella, que pasan de la compasión y solidaridad al abuso y la humillación. Un retrato de la inmigración y la ilusión del sueño americano, que en cierta forma es comparado con un truco barato de magia. 46 / 47
Will Caster (Johnny Depp) es la máxima autoridad en el campo de la inteligencia artificial, por lo que apenas resulta sorprendente que en el momento en que va abandonar su cuerpo humano, su colega y esposa Evelyn (Rebecca Hall), logre “rescatarlo de la muerte” al transmigrar su identidadinteligencia-alma a una computadora. La cinta Trascender trata uno de los temas medulares de la cultura cyber, la singularidad: cuando una máquina adquiere conciencia. Aquí, tiene lugar al migrar una inteligencia humana hacia un soporte tecnológico, como plantea Hans Moravec en sus delirios transhumanistas. En gran medida el filme es una versión más del relato del científico loco y el mito frankensteiniano, el genio que al perder de vista la finalidad humanitaria de su búsqueda se queda sin brújula moral y ética. Es un tema que ha obsesionado a numerosos autores de ciencia ficción desde hace muchas décadas y el experimentado camarógrafo y director debutante, Wally Pfister (a quien debemos las oscuras visiones fílmicas de la mayoría de las cintas de Christopher Nolan, incluyendo Inception y la serie Dark Knight), transforma en una historia apabullante, una ambiciosa y atractiva fábula. Visualmente es una película asombrosa; la narración por su parte tiene varias incoherencias lógicas y tantas resonancias con otros filmes, que avanza dando tumbos entre evocaciones y referencias a 2001: Odisea del espacio, I.A., Blade Runner, Tron y Ella, entre otros. De cualquier manera, Depp está en su elemento poniendo en tela de juicio lo que representa ser humano en un tiempo de inteligencias digitales.
FINALES RESEÑAS
Benjamin Britten / Mieczyslaw Weinberg: Violin Concertos / Linus Roth
Challenge Classics, 2013
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M ú s i ca Iván Martínez @i_martz
Retour La Ley Sony Music, 2014
Alejado del protocolo que se siguió en 2013 para la música de Benjamin Britten (por el centenario de su nacimiento), aparece este 2014 la nueva producción de Linus Roth: se trata de un doble homenaje que sirvió para sacar del olvido el Concierto para violín, op. 15 del inglés, y para culminar ese conmovedor y laborioso proyecto personal de grabar toda la música para violín de Mieczyslaw Weinberg (1919-1996). Un disco cuya extemporaneidad no le resta méritos; por el contrario, hasta puede resultar eficaz fuera de los reflectores de la efeméride: las obras y la nobleza con que son interpretadas hablan por sí mismas. Se trata de dos conciertos contrastantes en todos sentidos, ejecutados por un violinista cuyo incuestionable dominio técnico pasa a segundo plano ante la intención manifiesta que es la identificación con la música que toca. Por un lado, el Concierto de Britten, de gran originalidad incluso entre su propia literatura, menos rígida en cuestiones formales pero de gran inventiva melódica y colorística, y el de Weinberg, ese genio cuya música contiene, quizá, el alma más intensa y penetrante de la segunda mitad del siglo xx.
A la manera de las grandes recopilaciones con sonido mejorado —vienen a la mente el de Elton John grabado en el Madison Square Garden en 2000, el de Fobia realizado en estudio en 2004 o el mismo de La Ley grabado para MTV en 2001— el grupo chileno liderado por Beto Cuevas festeja su reencuentro con el lanzamiento de Retour, una recopilación que incluye muchos de sus grandes éxitos, como “Hombre”, “Día cero” y “Tanta ciudad”, más el tema inédito “Olvidar”, estrenado en febrero de 2014. Lo mejor de este disco doble: la reingeniería de audio, de gran claridad acústica; la selección de temas: están los que deben estar, incluidas dos versiones de “El duelo”, una de ellas con el ya infaltable e inequívoco dueto con Ely Guerra; y la promesa de un DVD que incluirá nuevos arreglos grabados en vivo en la inminente gira. Corazón Carlos Santana RCA/Sony Latin Iberia, 2014 Este álbum de colaboraciones entre Carlos Santana y músicos tan diversos en origen y trayectoria como Gloria Estefan, Juanes, Lila Downs y Niña Pastori, además de Pitbull y Romeo Santos, es un colorido mosaico que se convierte desde ya en pieza infaltable de cualquier audioteca. Un disco del legendario guitarrista, quien se anima, por primera vez en 40 años de carrera, a presentar un producto grabado por entero en español. La paleta de géneros en que se han grabado los arreglos, del pop al rock, la salsa y el hip-hop, ha sido magistralmente enriquecida por el sonido personal del músico. Para mí, lo mejor del álbum son: “Saideira” con Samuel Rosa y “Malbicho” con Los Fabulosos Cadillacs.
FINALES RESEÑAS
Catálogo de formas
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Nicolás Cabral · Periférica
Cortesía Museo Estudio Diego Rivera
L i bros David Miklos @dmiklos
El último intento Mariel Iribe Zenil · Tierra Adentro Parte de una nueva y nutrida camada de narradores mexicanos, Mariel Iribe Zenil, nacida en Chicontepec, Veracruz, en 1983, hizo del cuento la apuesta de su primer libro, cuyo título es casi irónico: El último intento. Ubicados en escenarios domésticos, todos sus personajes ven alterada la monotonía de su devenir cotidiano por súbitas pulsiones, vitales todas, que los descubren ante el lector como fugados de su aburrida circunstancia. Las parejas retratadas por la narradora están siempre al borde de la disolución, siempre gracias a la revelación o la epifanía sufrida por alguna de sus partes. Mariel Iribe Zenil es, más que una mera promesa, una escritora recién hecha, cuya primera novela no tardará en comprobarlo apenas vea la luz. La educación sentimental de la señorita Sonia Susana Constante · Fondo de Cultura Económica Primera novela que obtuvo la emisión con la que debutó el hoy extinto premio La Sonrisa Vertical de Tusquets Editores, La educación sentimental de la señorita Sonia vuelve a circular en librerías, ahora bajo el abrigo del narrador y académico argentino Ricardo Piglia y la Serie del Recienvenido, colección que reúne a lo mejor de la narrativa argentina contemporánea. De ánimo erótico, la nouvelle de Constante es una especie de pequeño inventario de pasiones, en los que su narradora invierte, de manera muy lograda y sin ningún asomo de feminismo, la dialéctica del amo y el sirviente. 48
Nacido en Córdoba, Argentina, en 1975, Nicolás Cabral llegó a México exiliado junto con sus padres. Si bien estudió arquitectura, fue en la literatura donde encontró su real vocación, en un principio como editor y crítico, y, ahora, como narrador. Aunque Catálogo de formas —su primera novela— es breve, su alcance es, para decir lo menos, histórico. Narrada de forma polifónica y mediante una serie de capítulos cortos, el relato trazado y construido por Cabral cuenta, de manera cifrada, la vida del arquitecto mexicano Juan O’Gorman, en cuya figura se basa muy libremente. Escritos en primera persona, los episodios que componen el libro nos explican una actitud ante el espacio, la estética y la política nacionales. El lector reconocerá las voces de los pintores para los que O’Gorman proyectó un par de casas gemelas unidas por un sutil puente, así como las referencias y los apuntes sobre sus influencias, vertidas en las personas del Suizo y el Estadounidense, arquitectos también. La voz del propio Juan será interpelada por las de su esposa, su amante, sus colegas y aquellos sobre los que dejó huella. Así, Cabral nos ofrece no sólo una sólida pieza literaria, sino el retrato de una época y un momento mexicanos que bien podrían trasladarse a los actuales. De la mano de esta primera entrega, pronto aparecerá un conjunto de relatos, publicado también por Periférica: Las moradas, una colección de relatos escritos antes que la novela y que comprueban la solvencia narrativa de Nicolás Cabral.
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Lo mejor de la agenda del Auditorio Nacional se encuentra en estas páginas, junto con breves reseñas de los eventos y un avance del siguiente mes.
Ballet
Ópera
Concierto
Proyección
Danza
Teatro
Infantil
Varios
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Mayo Programación sujeta a cambios
Confidencias Uno de los mejores exponentes de los géneros ranchero y pop presentará, en seis fechas, su más reciente grabación de estudio, Confidencias. Bajo el mismo nombre, el cantante ha nombrado la gira que lo llevará por Estados Unidos, Centro y Sudamérica, España y México. El álbum ha ocupado ya el lugar número uno en ventas en 17 países, con lo que ganó un Disco de Oro y uno de Platino. No es para menos ya que éste incluye el éxito “Hoy tengo ganas de ti”, a dueto con Christina Aguilera, una versión en español del blues que cantaba Rod Stewart —“Nobody Knows You When You Are Down and Out”— y el dueto que hace con su padre, Vicente Fernández, “Me olvidé de vivir”. En sus presentaciones estará acompañado por mariachi y orquesta e interpretará, además de los temas de su último trabajo, lo más selecto de su repertorio musical.
Alejandro Fernández: Confidencias
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Miércoles 14, viernes 16 y viernes 23 de mayo 20:30 hrs. Sábado 17 de mayo 20:00 hrs. Domingo 18, viernes 23 y domingo 25 de mayo 19:00 hrs. Preferente: $2,100.00 Luneta: $1,600.00 Balcón: $1,200.00 Primer piso: $500.00 Segundo piso: $300.00
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AGENDA Programación sujeta a cambios
Turandot Ópera de Bellas Artes
Con la Orquesta del Teatro de Bellas Artes Viernes 9 de mayo 20:00 hrs. Domingo 11 de mayo 17:00 hrs. Preferente: $1,000.00 Luneta: $900.00 Balcón: $500.00 Piso 1: $300.00 Piso 2: $150.00
Benjy Estrada
Raphael: tour Mi gran noche 2014
Jueves 15 de mayo 20:30 hrs. Preferente: $1,200.00 Luneta: $1,000.00 Balcón: $800.00 Piso 1: $400.00 Piso 2: $250.00
Homenaje a Queen & The Beatles
Concierto sinfónico Martes 27 de mayo 20:30 hrs. Preferente: $1,250.00 Luneta: $900.00 Balcón: $700.00 Piso 1: $500.00 Piso 2: $350.00
Emmanuel y Mijares: Two’r Amigos
Miércoles 28 de mayo 20:30 hrs. Preferente: $2,200.00 Luneta: $1,500.00 Balcón: $1,200.00 Piso 1: $500.00 Piso 2: $300.00
Carla Morrison: Sin despedir
Sábado 31 de mayo 20:00 hrs. La cantante revelación del indie pop se presenta con el material que la consagró: Déjenme llorar. Morrison ha tenido una carrera meteórica y su concierto en el Auditorio Nacional es el resultado y la confirmación de su éxito. Preferente: $850.00 Luneta: $650.00 Balcón: $450.00 Primer piso: $300.00 Segundo piso: $200.00
Carla Morrison
Junio Lunes a sábado: 10:00-19:00 hrs. Domingo: 11:00-18:00 hrs. Se aceptan todas las tarjetas de crédito bancarias y American Express. Para consultar la cartelera completa visita: auditorio.com.mx
Marc Anthony: Vivir mi vida
Lunes 2 y martes 3 de junio 20:30 hrs. Preferente: $2,500.00 Luneta: $1,700.00 Balcón: $1,500.00 Primer piso: $550.00 Segundo piso: $375.00
Ángeles Azules y Cañaveral
Miércoles 4 de junio 20:30 hrs. Preferente: $900.00 Luneta: $750.00 Balcón: $600.00 Primer piso: $400.00 Segundo piso: $200.00
Yuri & Lupita / Lupita & Yuri: tour Siempre Amigas
Jueves 5 de junio 20:30 hrs. Preferente A: $2,200.00 Preferente B: $1,500.00 Luneta A: $1,500.00 Luneta B: $1,200.00 Balcón: $1,200.00 Piso 1: $500.00 Piso 2: $300.00
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Cortesía Hugh Laurie With The Copper Bottom Band
Horarios de taquilla
Hugh Laurie
Hugh Laurie With The Copper Bottom Band
Sabíamos que a Laurie le gusta el jazz, pero no que es un excelso pianista, que tiene una banda y que lo canta como el mejor de los blueseros clásicos. Hay que correr a escucharlo. Martes 10 de junio 20:30 hrs. Preferente: $1,800.00 Luneta: $1,200.00 Balcón: $800.00 Primer piso: $500.00
GranDiosas
María Conchita Alonso, Dulce, Rocío Banquells, Ednita Nazario y Karina. Viernes 13 de junio 20:30 hrs. Preferente VIP: $1,500.00 Incluye lugares en las dos primeras filas y meet & greet Preferente: $1,250.00 Luneta: $900.00 Balcón: $700.00 Piso 1: $450.00 Piso 2: $250.00
Ennio Morricone en concierto
Miércoles 18 de junio 20:30 hrs. Preferente: $1,950.00 Luneta: $1,650.00 Balcón: $1,250.00 Primer piso: $680.00 Segundo piso: $450.00
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Programación sujeta a cambios
Julio Con el Coro y Orquesta del Teatro de Bellas Artes y la Schola Cantorum de México Viernes 11 de julio 20:00 hrs. Sábado 12 de julio 19:00 hrs. Domingo 13 de julio 17:00 hrs. Esta ópera en cuatro actos se presenta dentro del marco del 90 aniversario de la muerte de su compositor, Giacomo Puccini. Estelarizan el mexicano Ramón Vargas como Rodolfo y el papel de Mimí lo alternarán la soprano española Ainhoa Arteta y la veracruzana Olivia Gorra. Cuenta con la participación de George Petean y Rosendo Flores. Preferente: $1,000.00 Luneta: $900.00 Balcón: $500.00 Primer piso: $300.00 Segundo piso: $150.00
Ana Lourdes Herrera/ Ópera de Bellas Artes
La Bohème Ópera de Bellas Artes
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AGENDA
LUNARIO / mayo Programación sujeta a cambios Para consultar la cartelera completa visita: lunario.com.mx
Enrique Chía en concierto Jueves 8 y viernes 9 de mayo 21:00 hrs. Primera fila: $1,100.00 Preferente A: $800.00 Preferente B: $700.00 Vista parcial: $600.00 Mesas numeradas
Comisario Pantera: gira Club rodante 2013 Viernes 30 de mayo 21:00 hrs. Este grupo capitalino de indie rock lanzó su disco Club rodante en 2013, el cual da nombre a su actual gira de conciertos, con la que recorrerán la República Mexicana y Sudamérica. Preventa: $250.00 Día del evento: $300.00
La Rondalla de Saltillo de la UAAAN Festejando el Día de las Madres Sábado 10 de mayo, 21:00 hrs. Preferente A: $450.00 Preferente B: $380.00 Vista parcial: $380.00 Mesas numeradas Autor3s: Gian Marco y Amaury Gutiérrez Domingo 11 de mayo 17:00 y 20:30 hrs. Cortesía Comisario Pantera
Jueves 15 y viernes 16 de mayo 21:00 hrs. Sábado 17 de mayo, 21:30 hrs. Domingo 18 de mayo 20:30 hrs. Sección VIP: $1,500.00 Preferente A: $900.00 Preferente B: $800.00 Vista parcial: $800.00 Mesas numeradas
Comisario Pantera
Andreas Zanetti en Lunario de los 80’s Jueves 22 de mayo, 21:00 hrs.
Junio
Paco de María y su Big Band Sábado 24 de mayo
Rey Lear National Theatre de Londres Lunes 2 y martes 3 de junio
21:00 hrs.
20:00 hrs.
Preferente A: $550.00 Preferente B: $450.00 Vista parcial: $300.00 Mesas numeradas
Preventa: $150.00 Día del evento: $180.00 Mesas numeradas
Camino Nómada: She’s a Tease Dentro del ciclo “Camino a la Luna” Sábado 31 de mayo, 21:00 hrs. Admisión general de pie: $250.00
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Cortesía National Theatre
Primera fila: $900.00 Primera sección: $500.00 Segunda sección: $400.00 Vista parcial: $300.00 Mesas numeradas
Simon Russell Beale como el Rey Lear
Fernando Delgadillo: Tiempo ventanas 2 Sábado 7 de junio
Magos & Limón Jueves 12 de junio
21:00 hrs.
Primera fila: $650.00 Preferente A: $550.00 Preferente B: $450.00 Vista parcial: $400.00 Mesas numeradas
Preferente A: $600.00 Preferente B: $500.00 Vista parcial: $500.00 Mesas numeradas
21:00 hrs.
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Dónde estacionarse Te informamos que el estacionamiento Plaza Auditorio —operado por una empresa privada ajena al Auditorio Nacional y al Centro Cultural del Bosque—, se encuentra clausurado. Lamentamos este inconveniente y sugerimos que tomes las precauciones necesarias para llegar a tiempo a las funciones. Asimismo, sugerimos hacer uso del transporte público y bicicleta. Además del estacionamiento del Auditorio Nacional, situado frente a Campo Marte, hay otros en la zona hotelera de Polanco. Te mostramos un mapa con ellos y las cicloestaciones de ECOBICI más cercanas.
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1. Estacionamiento del Auditorio Nacional Av. Paseo de la Reforma 50 2. Estacionamiento Arquímedes Arquímedes 7, col. Polanco 3. Estacionamiento Edificio Forum Andrés Bello 10, col. Polanco 4. Operadora de Estacionamientos Cuevas Julio Verne 102, col. Polanco
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192 Rubén Darío-Reforma 223 Newton-Presidente Masaryk 228 Campos Elíseos-Jean de La Fontaine 231 Newton-Aristóteles 233 Julio Verne-Luis G. Urbina 234 Tres Picos-Arquímedes 237 Andrés Bello-Elliot
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FINALES esc u l t u ras
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i nfo g r A f í a Yurex Omazkin
Las esculturas del Auditorio Nacional El Auditorio Nacional custodia un vasto patrimonio artístico que representa una gran variedad de estilos y tendencias plásticas desde los años 90 hasta el presente. Es destacable la colección de esculturas, que son a la vez emblema y tesoro de este recinto. Son cuatro piezas, cada una con una his-
toria muy especial y con características que las vuelven únicas. Sus dimensiones, materiales y técnica las convierten en piezas que no sólo enorgullecen al Auditorio, sino que son valiosas para todos los mexicanos. Aquí, una aproximación que ayudará a verlas con otros ojos.
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Tres figuras áureas
Autor: Teodoro González de León Dimensiones: 1.618 m en sus distintas caras Material: acero pintado Ubicación: escalinata del Auditorio Nacional Fecha de inauguración: marzo de 2007 Tres prismas metálicos, con proporciones áureas, se enfrentan entre sí. La pieza tiene 1.618 metros, que es la relación áurea mayor de 1 metro y corresponde a la altura de la vista. En palabras de González de León: “ocupan una plataforma que se extiende desde el descanso de la gran escalinata del Auditorio, que curiosamente tiene la altura de 1.62, dos milímetros más que la escultura”. La estatura promedio del mexicano es de 1.64 metros, apenas un poco más que las piezas poliédricas elaboradas por el arquitecto. “Esta pieza fue un ejercicio de precisión y accidente inspirado por una roca tallada por el mar” –Teodoro González de León
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La Luna
Autor: Juan Soriano Altura: 8 m Material: bronce Peso aproximado: 10 toneladas Ubicación: entrada del Auditorio Nacional, sobre la explanada Fecha de inauguración: enero 1992 Fue la primera obra escultórica de Juan Soriano, quien usó la técnica de vaciado en bronce. Es tan alta como una casa de dos pisos y tiene el peso de diez osos grizzly. Se trata de una representación surrealista de la luna, pues agrega elementos formales al ideal colectivo de cuarto creciente de nuestro satélite. Toda la obra tiene una textura rugosa, irregular, similar a la piedra, y su color es aqua-verdoso. “La luna se asocia con todo. Es una de las imágenes más llevadas y traídas por los poetas, los músicos, los bailarines, la religión, la mitología” –Juan Soriano 54 / 55
FINALES
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esc u l t u ras
Teorema inmóvil
Autor: Manuel Felguérez Dimensiones: 16 m de largo y 6 m de alto Peso: 28 toneladas Material: hierro patinado en plata Ubicación: pared izquierda del vestíbulo Fecha de inauguración: septiembre de 2002 Es un mural escultórico que pesa 28 toneladas —lo que diez tractores juntos—, que tiene de largo lo que de ancho tiene una cancha de voleibol. Está colocado en uno de los extremos de la entrada principal del Auditorio. Esta pieza es abstracta, asimétrica y muy sólida en su factura, con cierta apariencia industrial.
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“Se llama Teorema por su exactitud y su alarde de estar ‘volada’ en el muro, lo que exige un cálculo exacto (…). Por su apellido de inmóvil aspira a ser una obra permanente en su tiempo y en su espacio” –Manuel Felguérez
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Escenario 750
Autor: Vicente Rojo Dimensiones: 7.5 m de alto x 7 m de ancho Peso: 15 toneladas Material: lámina de acero Ubicación: vestíbulo del Auditorio Nacional Fecha de inauguración: enero de 1992 Esta escultura monumental fue creada ex profeso para el Auditorio Nacional. Se trata de la primera pieza de Vicente Rojo en exhibirse en un lugar público y lleva un nombre que resulta a la vez invitación y recuento. Este Escenario es notable, entre otras cosas, por haberse realizado en lámina de acero de doce centímetros de espesor, que es el mismo que suelen tener las planchas de concreto empleadas para el pavimento o en las banquetas. Sus 15 toneladas de peso equivalen a 300 costales de cemento. “Soy un simple diseñador que a veces se entrega a la pasión de comunicar verdaderamente y entonces debe hacer aquello que llaman con arrogancia ‘obras artísticas’, pues en ellas habita un mensaje más integral, quizá más profundo, que incita a una meditación que no tiene fin” –Vicente Rojo
FINALES MEMORIA
Un cómico en la sala Mario Moreno “Cantinflas” fue un invitado que llamó la atención en el Festival del Día del Voceador del 21 de abril, que se realizó en el Auditorio Nacional unos días más tarde para conmemorar el IX aniversario de la instauración de ese festejo.
Sucedió el: 30 de abril, 1962 Lugar: Auditorio Nacional Fotógrafo: Anónimo / Auditorio Nacional
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