Travelers Guide to Mexico

TRAVELERS GUIDE TO MEXICO

100 AÑOS de LUJO

Masaryk 438. Tel: 52 (55) 9138 0500, 9138 2770 | Antara Polanco. Tel: 52 (55) 5280 7959

Paseo Interlomas. Tel: 52 (55) 5290 7543 | Vía Santa Fe. Tel: 52 (55) 2167 8035 Mitikah. Tel: 52 (55) 5542 9593

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VP Integrated Marketing

Rodrigo Medina – rodrigomr@brandstravel.com

Sub-Director Marketing y Nuevos Negocios

Lolique Lorente – lolique@brandstravel.com

Dirección Editorial

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Diseño Editorial

Ximena del Cerro – ximena@brandstravel.com

Directora Marketing Digital Luz Yalj – luz@brandstravel.com

Gerente Relaciones Publicas

María Galland – maria@brandstravel.com

Gerente Comercial

Karla Zavala – karla@brandstravel.com

Ventas

Piti Marti – piti@brandstravel.com

Representante Ventas Cancun

Margarita Álvarez - margarissima@gmail.com

Directora Eventos y Alianzas con Gobierno

Desdemona Miramontes – desdemona@brandstravel.com

Gerente de Administracion

Vanessa Infante - vanne@brandstravel.com

8 CONTENIDO / CONTENT

INTRO BAJÍO

MEXICO CITY

Alondra de la Parra Galerias de arte emergentes Emerging art galleries

San Miguel de Allende: Fusión de Culturas

San Miguel de Allende: Fusion of Cultures

CENTRO

Puebla: Epicentro del arte contemporáneo

Puebla: Epicenter of contemporary art

OCCIDENTE SUROESTE NORTE

Oaxaca a través de sus pintores Oaxaca thorough its painters La Nueva Ola del Arte The New Wave of Art

BEYOND MEXICO

Aventuras inolvidables

Unforgettable adventures 78

De la talabartería a la cerámica utilitaria From leatherwork to utility ceramics

BOUTIQUE

Arte Temporal Temporary Art

SURESTE

Artesanía Maya: Legado y cosmovisión Maya crafsmanship: Legacy and cosmovision

Créditos de fotos en esta edición: Design Week Mexico. Fotos Alondra de la Parra: Leo Manzo, Antuan Coronado Quimera, Santiago Lanzagorta. Oficina de Visitantes y Convenciones de Guadalajara. Festival Internacional Cervantino. Baja California.Travel. SANER. Aldo Álvares Tostado. Unsplash. Festival de Cine de Morelia. Pexels. Ruth Morelos. Carla Fernández. Los Cabos Fil, Frestival. Cortesía de las Secretaria y Fideicomisos de los Estados. Cortesía Rolex, Hublot, AP, Vacheron.

INTRO:

El arte de dirigir: Alondra de la Parra The art of directing: Alondra de la Parra

Reconocida por su talento excepcional y su capacidad para conectar con el público a través de la música, Alondra ha llevado su arte a los escenarios más importantes del mundo, destacándose no solo por su destreza técnica, sino también por su enfoque innovador y su pasión por la música clásica.

Recognized for her exceptional talent and her ability to connect with audiences through music, Alondra has taken her art to the most important stages around the world, standing out not only for her technical prowess, but also for her innovative approach and her passion for classical music.

Por / By Jessica Servín Castillo

INSPIRACIÓN POR MÉXICO

Para mí México es un país de contrastes. Puedes encontrar a las personas más amables del mundo, comida declarada Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad y los paisajes más bellos. Pienso que todo eso queda reflejado en la música mexicana, en nosotros como artistas: el contraste, la amabilidad, la pasión, el trabajo duro… México tiene grandes artistas, dentro del mundo de la música sinfónica y el ballet como Gabriela Ortiz, Arturo Márquez, Rolando Villazón… la lista es inmensa, ¡Y lamentablemente no tan conocida como nos gustaría! Todo esto me inspira a llevar toda esta riqueza al mundo, y aportar mi grano de arena de la mejor forma que sé: colaborando con ellos como artistas, dirigiendo sus obras…

INSPIRATION FOR MEXICO

For me Mexico is a country of contrasts. You can find the friendliest people in the world, food declared Intangible Cultural Heritage of Humanity and the most beautiful landscapes. I think all this is reflected in Mexican music, in us as artists: the contrast, the kindness, the passion, the hard work... Mexico has great artists, in the world of symphonic music and ballet like Gabriela Ortiz, Arturo Marquez, Rolando Villazón... the list is immense, and unfortunately not as well known as we would like! All this inspires me to bring all this richness to the world, and to contribute my grain of sand in the best way I know how: collaborating with them as artists, directing their works...

ELLA ES UN ARTISTA

Nunca me he considerado directora de orquesta, sino más bien artista. Dentro de ese paraguas me siento mucho más cómoda para definir mis intereses dentro del mundo del arte y la cultura. Soy directora de orquesta, pero también toco el piano y produzco proyectos culturales. Mi trabajo es ser un agente que promueva la música, en todos sus aspectos.

UN SUEÑO CUMPLIDO: FESTIVAL PAAX GNP

Este festival surgió como un sueño que venía trabajando y que consistía en traer lo mejor de la música sinfónica a mi país, y al mismo tiempo darla a conocer al mundo. Estoy muy contenta de que este año celebremos su cuarta edición, y debo decir que lo he vivido con tanta ilusión como la primera. Nuestra perspectiva es la de seguir mejorando y seguir ofreciendo lo mejor con los mejores.

SHE IS AN ARTIST

I have never considered myself a conductor, but rather an artist. Within that umbrella I feel much more comfortable to define my interests within the world of art and culture. I am a conductor, but I also play the piano, I produce cultural projects. My job is to be an agent that promotes music, in all its aspects.

THE DREAM FULFILLED: FESTIVAL PAAX GNP

This festival came about as a dream I had been working on, which consisted of bringing the best of symphonic music to my country, and at the same time making it known to the world. I am very happy that this year we are celebrating its fourth edition, and I must say that I have lived it with as much enthusiasm as the first one. Our perspective is to continue improving and to continue offering the best with the best.

EL PODER DE LA TRANSFORMACIÓN

Esa es la capacidad que tiene la música en mí. Cuando estoy tocando o dirigiendo no soy Alondra de la Parra, soy aquello en lo que la música me convierte: Los bosques y pastizales de la orilla del Modalva, los jardines del Palacio de Aranjuez, una bocina de taxi en Nueva York o lo que pida la música. La música tiene el poder de arrastrarnos a su mundo, sin pedir permiso, y transformarnos en algo que quizás ni sabíamos que podíamos imaginar. Eso es lo que intento transmitir a las personas que nos acompañan en los conciertos.

SU MOMENTO MÁS TRASCENDENTAL

Convertirme en madre ha sido el momento más importante. No únicamente desde un punto de vista afectivo, sino también por todo lo que significa ser madre. En la vida son totalmente distintos, y esto, por supuesto, conlleva consecuencias maravillosas y otras no tanto. Si ser mujer en el mundo de la música clásica sigue siendo un tema complejo, ser madre, con todo lo que ello conlleva, es un gran desafío que puede tener consecuencias devastadoras.

A Alondra de Parra le falta mucho por hacer. Nunca debemos de dejar de aprender, y de tener metas que nos inspiren y nos ayudan a seguir mejorando cada día… eso es algo que me emociona

THE POWER OF TRANSFORMATION

That is the capacity that music has in me. When I am playing or conducting I am not Alondra de la Parra, I am what the music turns me into: the woods and grasslands on the banks of the Modalva, the gardens of the Palace of Aranjuez, a cab horn in New York or whatever the music calls for. Music has the power to draw us into its world, without asking permission, and transform us into something we might not even know we could imagine. That’s what I try to transmit to the people who accompany us at the concerts.

YOUR MOST TRANSCENDENT MOMENT

Becoming a mother has been the most important moment. Not only from an emotional point of view, but also for everything that being a mother means. In life they are totally different, and this of course brings wonderful consequences and others not so much. If being a woman in the world of classical music remains a complex issue, being a mother, with all that it entails, is a great challenge that can have devastating consequences.

Alondra de Parra has a long way to go. We should never stop learning, and having goals that inspire us and help us to keep improving every day...that is something that excites me.

CIUDAD DE MÉXICO

Galerías de arte emergentes Emerging art galleries

Por / By Jessica Servín Castillo

ISLERA

Nace como plataforma independiente de difusión, experimentación artística y cooperación cultural. Actualmente, presenta obras alternativas de arte contemporáneo, a la vez que buscan integrar y promover las prácticas de jóvenes locales y fomentar la diversidad de públicos.

Cuentan con una tienda digital donde se pueden adquirir piezas de sus artistas como Nora Sacristán o Tamara D. Tamayo. Para visitarla debes hacer una cita en sus redes sociales. Se ubica en Adolfo Gurrión 118, en La Merced.

@islera.islera

LABOR

Creada en 2009 por Pamela Echeverría, la galería trabaja con artistas cuyos procesos se basan en investigación científica, política y sociológica. Cada año se presentan cinco muestras. Cuatro de ellas se enfocan en artistas representados por la galería y la quinta representa la visión conjunta de los artistas acerca del contexto contemporáneo.

LABOR mezcla artistas jóvenes y de mitad de carrera, tanto mexicanos como internacionales, donde destacan: Erick Beltrán, Terence Gower, Jan Peter Hammer, Irene Kopelman y Teresa Margolles, entre otros. Para visitarla hay que hacer cita.

@l_a_b_o_r

ISLERA

Islera was born as an independent platform for dissemination, artistic experimentation and cultural cooperation in 2020. Currently, it presents alternative works of contemporary art, while seeking to integrate and promote the practices of local youth and encourage the diversity of audiences.

They also organize meetings, workshops and collaborations. They have a digital store where you can purchase pieces by their artists such as Nora Sacristán or Tamara D. Tamayo. To visit it you must make an appointment on their social networks. It is located at Adolfo Gurrión 118, in La Merced.

LABOR

Created in 2009 by Pamela Echeverría, the gallery works with artists whose processes are based on scientific, political and sociological research. Five exhibitions are presented each year. Four of them focus on artists represented by the gallery and the fifth represents the joint vision of the gallery and the artists about the contemporary context.

LABOR mixes young and mid-career artists, both Mexican and international, including: Erick Beltrán, Terence Gower, Jan Peter Hammer, Irene Kopelman and Teresa Margolles, among others. Appointments are required to visit.

KAREN HUBER

Esta galería tiene como misión ser una plataforma para el desarrollo cultural. Desde su establecimiento en 2014, ha centrado su atención en el análisis, la discusión y reconsideración del panorama de la pintura contemporánea, tanto en su aspecto conceptual como formal.

Entre los artistas que representa se encuentran tanto mexicanos como extranjeros, cuya contribución ha sido fundamental para el desarrollo de la escena artística en la Ciudad de México. Fomentamos espacios de encuentro donde se puedan reflexionar, repensar, dialogar y profundizar en el campo de la pintura.

Ig @khgaleria

GALERÍA UNIÓN

Es un proyecto independiente que nació en 2019. Está en uno de los barrios más icónicos de la ciudad, el barrio La Lagunilla. Su objetivo es exhibir, promocionar, difundir y ser el vínculo entre un nuevo sector de coleccionistas y artistas que viven y documentan sus contextos y la periferia de las grandes ciudades. Este 2024 cumplieron cinco años en los que sumaron 25 proyectos expositivos. Además, colaboran en proyectos especiales y ferias de arte como Clavo.

@khgaleria

KAREN HUBER

This gallery’s mission is to be a platform for cultural development. Since its establishment in 2014, it has focused its attention on the analysis, discussion and reconsideration of the contemporary painting panorama, both in its conceptual and formal aspects.

Among the artists it represents are both Mexicans and foreigners, whose contribution has been fundamental to the development of the art scene in Mexico City. We encourage meeting spaces to reflect, rethink, dialogue and deepen the field of painting.

UNION GALLERY

It is an independent project that was born in 2019. It is in one of the most iconic neighborhoods of the city, La Lagunilla neighborhood. Its objective is to exhibit, promote, disseminate and be the link between a new sector of collectors and artists who live and document their contexts and the periphery of the big cities.

This year, 2024, they celebrated five years in which we added 25 exhibition projects. Currently, they have a new location in the Roma Sur neighborhood. Among its artists are Critian Aguilar, Uriel Lópex, Itzamna Reyes and Helio Santos. They also collaborate in special projects and art fairs such as Clavo.

Alberto Magaña: De la Vida Cotidiana a la Creación de Numen Alberto Magaña: From everyday life to the creation of Numen

Por / By Lolique Lorente

En un mundo donde la tecnología parece dominar cada aspecto de nuestras vidas, Alberto Magaña, un diseñador industrial apasionado con vena artística, encontró su musa en un objeto que muchos de nosotros damos por sentado: el lápiz. Pero, ¿qué lleva a un diseñador a centrarse en un instrumento tan cotidiano y convertirlo en una obra de arte? Para Alberto, diseñar lápices fue un descubrimiento increíble, un desafío que lo motivó a dotar de carácter único a este simple utensilio, transformándolo en una herramienta mágica para la creatividad.

DESDE EL MATERIAL HASTA LA OBRA FINAL

El diseño de lápices es para Alberto un proceso 100% lúdico. Su enfoque comienza directamente con el material, tallando y trazando sobre la madera hasta lograr un prototipo que, con el tiempo, se pule hasta convertirse en la pieza final lista para producción y venta. “Lo que más disfruto de este proceso es ver cómo un simple bloque de madera se transforma en un objeto especial que no solo es funcional sino que también cuenta una historia”, dice con entusiasmo.

ENFOQUE EN LA SUSTENTABILIDAD

Su compromiso con el diseño sostenible se refleja en la elección de los materiales. Utiliza principalmente madera recuperada, latón que envejece de manera natural, y piel que enriquece la marca. Estas elecciones no solo aportan al carácter único de sus lápices, sino que también abordan una preocupación medioambiental significativa. Todos los lápices son fabricados a mano en México, usando maderas tropicales como encino, parota, nogal, rosa morada y teca, provenientes del sureste del país. Alberto, recalca que no tala árboles para su fabricación; en su lugar, recupera madera que, de otro modo, sería desechada, transformándola en objetos únicos.

In a world where technology seems to dominate every aspect of our lives, Alberto Magaña, a passionate industrial designer with an artistic streak, found his muse in an object that many of us take for granted: the pencil. But what makes a designer focus on such an everyday instrument and turn it into a work of art? For Alberto, designing pencils was an incredible discovery, a challenge that motivated him to give this simple utensil a unique character, transforming it into a magical tool for creativity.

FROM THE MATERIAL TO THE FINAL WORK

Pencil design is for Alberto a 100% playful process. His approach starts directly with the material, carving and tracing on the wood until a prototype is achieved which, over time, is polished until it becomes the final piece ready for production and sale. “What I enjoy most about this process is seeing how a simple block of wood is transformed into a special object that is not only functional but also tells a story,” he enthuses.

FOCUS ON SUSTAINABILITY

His commitment to sustainable design is reflected in his choice of materials. He uses mainly reclaimed wood, brass that ages naturally, and leather that enriches the brand. These choices not only add to the unique character of his pencils, but also address a significant environmental concern. All pencils are handmade in Mexico, using tropical woods such as oak, parota, walnut, purple rose and teak, sourced from the southeast of the country. Alberto stresses that he does not cut down trees for their manufacture; instead, he reclaims wood that would otherwise be discarded, transforming it into unique objects.

INNOVACIÓN

Y COLECCIONES

Hasta la fecha, Alberto ha diseñado seis productos de escritura, siendo el más reciente una pluma fuente cuyo proceso de creación tomó casi tres años. Este producto no solo representa la dedicación y el compromiso con la calidad, sino que también coloca a Numen en un nivel muy alto en cuanto a exclusividad y refinamiento. “La ergonomía es crucial”, explica y se asegura que cada diseño sea estéticamente agradable, cómodo y funcional para el usuario.

DESAFÍOS

E INSPIRACIÓN

A pesar de los retos que enfrentan al utilizar herramientas análogas y procesos de producción lentos, Alberto y su equipo están comprometidos a mantener una alta calidad en cada pieza que crean. Encuentran inspiración en diversas fuentes como viajes, libros, música, fotografía, teatro y danza contemporánea, utilizando estas influencias para enriquecer visualmente sus diseños.

UN DISEÑO ATEMPORAL

Cuando se le pide describir sus diseños, Alberto los define como atemporales y minimalistas. Cada lápiz no solo es una herramienta funcional sino también una obra de arte que invita a la creatividad. Con cada creación, Alberto logra un equilibrio perfecto entre funcionalidad, sostenibilidad y belleza, haciendo que cada lápiz de Numen sea más que un simple utensilio de escritura: es una declaración de estilo y un homenaje a la creatividad humana.

INNOVATION AND COLLECTIONS

To date, Alberto has designed six writing products, the most recent being a fountain pen that took almost three years to create. This product not only represents dedication and commitment to quality, but also sets Numen at a very high level in terms of exclusivity and refinement. “Ergonomics are crucial,” he explains, ensuring that each design is aesthetically pleasing, comfortable and functional for the user.

CHALLENGES AND INSPIRATION

Despite the challenges they face using analogue tools and slow production processes, Alberto and his team are committed to maintaining high quality in every piece they create. They find inspiration from diverse sources such as travel, books, music, photography, theater and contemporary dance, using these influences to visually enrich their designs.

A TIMELESS DESIGN

When asked to describe his designs, Alberto defines them as timeless and minimalistic. Each pencil is not only a functional tool, but also a work of art that invites creativity. With each creation, Alberto strikes a perfect balance between functionality, sustainability and beauty, making each Numen pencil more than just a writing utensil: it is a statement of style and a tribute to human creativity.

DESIGN WEEK MÉXICO

Nuevas realidades del arte

New realities of art

Por / By Jessica Servín Castillo

Desde sus inicios, Design Week México ha sido un espacio que reúne a los principales actores del mundo del diseño, brindando una plataforma para la exhibición y difusión de nuevas ideas, tendencias y talentos emergentes. Este 2025 celebra 17 años, mismos en los que se ha destacado por su capacidad para inspirar, conectar y fomentar la colaboración entre diseñadores, arquitectos, creativos y entusiastas de esta disciplina.

Design Week México, creado por la arquitecta Andrea Cesarman; el restaurador y arquitecto, Marco Coello, y el diseñador y arquitecto, Emilio Cabrero, es una cita anual que se desarrolla principalmente en la Ciudad de México, durante los meses de octubre y noviembre, y que tiene entre sus aspectos más destacados el fomentar el intercambio de ideas y la colaboración entre profesionales, con el objetivo de posicionar a nuestro país como un centro neurálgico del diseño en América Latina.

Since its inception, Design Week Mexico has been a space that brings together the main players in the world of design, providing a platform for the exhibition and dissemination of new ideas, trends and emerging talents. This year, 2025, it celebrates 17 years, during which it has stood out for its ability to inspire, connect and foster collaboration between designers, architects, creatives and enthusiasts of this discipline.

Design Week Mexico, created by architect Andrea Cesarman, restaurateur and architect Marco Coello, and designer and architect Emilio Cabrero, is an annual event that takes place mainly in Mexico City during the months of October and November, and has among its highlights the promotion of the exchange of ideas and collaboration between professionals, with the aim of positioning our country as a hub of design in Latin America.

INSPIRACIÓN DUAL

Por ello, cada año tiene un país y un estado invitado. En 2024, Colombia se llevó ese honor y presentó a sus mejores diseñadores, quienes trabajaron en conjunto con artesanos de Aguascalientes, para desarrollar piezas que contarón estas nuevas formas de crear arte.

En esta, su décima séptima edición, Design Week México contará con un programa que combina presentaciones de artistas con eventos, exposiciones y actividades que destacarán el poder transformador del diseño. Desde su plataforma Expo Territorio, una galería que presenta la colección de piezas contemporáneas, hasta Visión y Tradición, un programa de residencias que une a diseñadores y artesanos en una experiencia única.

Además, todos los eventos son gratuitos a excepción de los recorridos a la Design House, donde los mejores despachos de arquitectura e interiorismo del país se reúnen para crear espacios extraordinarios y sorprendentes.

Entre quienes han participado destacan: Stuidoroca, Cúbica Arquitectos, Studio 84, Mood Estudio, Atelier Zuñiga López, Faci Leboreiro, De la Cerda Estudio Abitante, AD HOC y Brera Studio, entre otros.

En Design House, se puede apreciar la perfecta combinación entre mobiliario, acabados, iluminación, accesorios y arte, todos ellos pertenecientes a los reconocidos Dealers de Diseño. Cada espacio exhibido es una obra maestra en sí misma, reflejando el talento y la creatividad de los profesionales participantes.

Design House es una experiencia imprescindible para quienes buscan estar a la vanguardia en diseño y descubrir las últimas tendencias en el mundo del interiorismo y los actores más destacados de México.

DUAL INSPIRATION

For this reason, each year it has a country and a state invited. In 2024, Colombia took that honor and presented its best designers, who worked together with artisans from Aguascalientes to develop pieces that tell the story of these new ways of creating art.

In this, its seventh edition, Design Week Mexico will feature a program that combines artist presentations with events, exhibitions and activities that will highlight the transformative power of design. From its Expo Territorio platform, a gallery that presents the collection of contemporary pieces, to Vision and Tradition, a residency program that unites designers and artisans in a unique experience.

In addition, all events are free except for the tours to the Design House, where the best architecture and interior design firms in the country gather to create extraordinary and surprising spaces.

Among those who have participated are: Stuidoroca, Cúbica Arquitectos, Studio 84, Mood Estudio, Atelier Zuñiga López, Faci Leboreiro, De la Cerda Estudio Abitante, AD HOC and Brera Studio, among others.

At Design House, you can appreciate the perfect combination of furniture, finishes, lighting, accessories and art, all belonging to the renowned Design Dealers.

Each space exhibited is a masterpiece in itself, reflecting the talent and creativity of the participating professionals.

Design House is a must-attend experience for those looking to be at the forefront of design and discover the latest trends in the world of interior design and Mexico’s most prominent players.

MÁS ALLÁ DEL DISEÑO

Otro aspecto crucial de Design Week México es su impacto económico y cultural. Atrae a visitantes nacionales e internacionales, lo que impulsa el turismo y la industria hotelera local. Además, al destacar el talento mexicano y la riqueza cultural del país, fortalece la identidad nacional y promueve el orgullo por la creatividad mexicana.

Finalmente, el público asistente puede disfrutar de los tours de diseño que se realizan en galerías, casas de arte y estudios de artistas destacados, con el fin de que reconozcas y conozcas la obra y los procesos creativos detrás de sus piezas.

Además de conocer su sección especial “Inédito”, donde participan nuevas generaciones de arquitectos, diseñadores y artistas y quienes son votados por los asistentes para que, al final del evento, sean reconocidos como revelación del Design Week México. Estudios como RIO, Rodrigo Noriega, The Cult y Hors Studio + Raúl de la Cerda Studio, han participado.

Design Week México es un escaparate de lo hecho en México. Es un evento que construye el futuro de la industria del diseño en México y más allá.

designweekmexico.com

BEYOND DESIGN

Another crucial aspect of Design Week Mexico is its economic and cultural impact. It attracts national and international visitors, which boosts tourism and the local hotel industry. In addition, by highlighting Mexican talent and the country’s cultural richness, it strengthens national identity and promotes pride in Mexican creativity.

Finally, the public can enjoy the design tours that take place in galleries, art houses and studios of prominent artists, in order to recognize and learn about the work and creative processes behind their pieces.

In addition to its special section “Unpublished”, where new generations of architects, designers and artists participate and who are voted by the attendees so that, at the end of the event, they are recognized as the revelation of Design Week Mexico. Studios such as RIO Estudio, Rodrigo Noriega, The Cult and Hors Studio + Raúl de la Cerda Studio have participated.

Design Week Mexico is a showcase of what is made in Mexico. It is an event that builds the future of the design industry in Mexico and beyond.

BAJÍO

San Miguel de Allende: Fusión de Culturas

San Miguel de Allende:

Fusion of Cultures

Con sus calles empedradas y su arquitectura colonial, San Miguel de Allende ha sido un imán para artistas y creadores de todo el mundo. Este pintoresco pueblo, ubicado en el corazón de México, es mucho más que un destino turístico; es un crisol donde convergen el arte y el estilo.

El encanto de San Miguel de Allende no solo radica en su belleza arquitectónica y su rica historia, sino también en su capacidad para atraer a artistas internacionales que buscan inspiración y un entorno creativo único. La llegada de estos artistas extranjeros ha dado lugar a una simbiosis cultural que enriquece tanto a los visitantes como a los locales, generando una fusión artística que se refleja en cada rincón de este Pueblo Mágico.

With its cobblestone streets and colonial architecture, San Miguel de Allende has been a magnet for artists and creators from around the world. This picturesque town, located in the heart of Mexico, is much more than a tourist destination; it is a melting pot where art and style converge.

The charm of San Miguel de Allende lies not only in its architectural beauty and rich history, but also in its ability to attract international artists seeking inspiration and a unique creative environment. The arrival of these foreign artists has resulted in a cultural symbiosis that enriches both visitors and locals, generating an artistic fusion reflected in every corner of this magical town, “Pueblo Mágico”.

Por / By María Galland

El encanto de San Miguel de Allende no solo radica en su belleza arquitectónica y su rica historia, sino también en su capacidad para atraer a artistas internacionales que buscan inspiración y un entorno creativo único. La llegada de estos artistas extranjeros ha dado lugar a una simbiosis cultural que enriquece tanto a los visitantes como a los locales, generando una fusión artística que se refleja en cada rincón de este Pueblo Mágico.

The charm of San Miguel de Allende lies not only in its architectural beauty and rich history, but also in its ability to attract international artists seeking inspiration and a unique creative environment. The arrival of these foreign artists has resulted in a cultural symbiosis that enriches both visitors and locals, generating an artistic fusion reflected in every corner of this magical town, “Pueblo Mágico”.

FUSIÓN CONTEMPORÁNEA

Uno de los ejemplos más destacados de esta unión, es el trabajo de Susan Santiago, una reconocida artista visual estadounidense, que ha establecido su residencia en San Miguel de Allende. Con una carrera que abarca varias décadas, Susan es conocida por su trabajo en la pintura y su capacidad para capturar la esencia y la vitalidad de la vida cotidiana a través de su arte.

Entre sus obras más destacadas se encuentran: “Mariposas en el Cielo”, una serie de pinturas que exploran la intersección de recuerdos personales y paisajes abstractos, y “Caminando al Mercado,” una colección que retrata la belleza y el encanto de la ciudad, con un enfoque vibrante y emocional. Su estilo único combina elementos de realismo con toques abstractos, creando obras que son tanto visualmente impactantes como emocionalmente resonantes.

Susan es propietaria de una galería en San Miguel de Allende llamada Galería San Francisco, donde exhibe sus piezas junto con las de otros artistas locales e internacionales como Rhoda Draws, Jane Dill, Sandra Palma, entre otros. En este espacio, ha creado un entorno inspirador que no solo muestra su arte, sino que también sirve como un punto de encuentro para la comunidad artística. galeriasanfrancisco.com

CONTEMPORARY FUSION

One of the most outstanding examples of this union is the work of Susan Santiago, a renowned American visual artist who has made San Miguel de Allende her home. With a career spanning several decades, Susan is known for her work in painting and her ability to capture the essence and vitality of everyday life through her art.

Among her most notable works are: “Butterflies in the Sky,” a series of paintings that explore the intersection of personal memories and abstract landscapes, and “Walking to the Market,” a collection that portrays the beauty and charm of the city with a vibrant and emotional focus. Her unique style combines elements of realism with abstract touches, creating works that are both visually striking and emotionally resonant.

Susan owns a gallery in San Miguel de Allende called Galleria San Francisco, where she exhibits her pieces along with those of other local and international artists such as Rhoda Draws, Jane Dill, Sandra Palma, among others. In this space, she has created an inspiring environment that showcases her art and serves as a meeting point for the artistic community.

INSPIRACIÓN MUTUA

La comunidad local de creadores mexicanos también ha sido influenciada por esta abundancia de talento internacional. Artistas como Leonardo Díaz, nacido en Querétaro y autodidacta, es reconocido por mostrar en sus piezas una mezcla de diversos estilos y estéticas eclécticas, influenciado principalmente por el surrealismo pop y las posibilidades que este movimiento implica. Su obra incluye elementos del graffiti y el street art y más recientemente pintura tradicional. Actualmente, sus piezas se exhiben en la Fábrica La Aurora.

leonardodiazarte.blogspot.com

Además del impacto en las artes visuales, la fusión cultural de San Miguel de Allende se extiende al diseño textil. Tal es el caso de Mariella Motilla, nacida en Guanajuato y proveniente de una familia de artistas. Sus piezas, las realiza en conjunto con artesanos locales y combina técnicas artesanales con un enfoque contemporáneo. Su trabajo ha sido utilizado para decorar importantes sucursales de cadenas de cafeterías internacionales y eventos de prestigio que se llevan a cabo en San Miguel de Allende.

@mariellamotilla

Así, esta mezcla de cultura, talento y sensibilidad en la escena artística de San Miguel de Allende es un testimonio del poder del arte para transformar y enriquecer. Al abrazar la diversidad y fomentar el intercambio cultural, esta ciudad continúa consolidándose como un faro de innovación y creatividad en México.

MUTUAL INSPIRATION

The local community of Mexican creators has also been influenced by this abundance of international talent. Artists like Leonardo Díaz, born in Querétaro and selftaught, are recognized for displaying a mix of diverse styles and eclectic aesthetics, mainly influenced by pop surrealism and the possibilities this movement implies. His work includes elements of graffiti and street art, and more recently, traditional painting. Currently, his pieces are exhibited at La Aurora Factory.

In addition to the impact on visual arts, the cultural fusion of San Miguel de Allende extends to textile design. Such is the case of Mariella Motilla, born in Guanajuato and coming from a family of artists. Her pieces are made in collaboration with local artisans and combine artisanal techniques with a contemporary approach. Her work has been used to decorate important branches of international coffee chains and prestigious events held in San Miguel de Allende.

Thus, this blend of culture, talent, and sensitivity in the artistic scene of San Miguel de Allende is a testament to the power of art to transform and enrich. By embracing diversity and fostering cultural exchange, this city continues to establish itself as a beacon of innovation and creativity in Mexico.

El Cervantino: Icono de intercambio cultural

The Cervantino: An icon of cultural exchange

El Festival Internacional Cervantino (FIC), que se celebra cada año en el mes de octubre, se ha consolidado como un punto de encuentro para artistas, intelectuales y miles de visitantes, convirtiéndose en un referente mundial en el ámbito de las artes escénicas y musicales.

Es el evento cultural más importante y trascendental de México y América Latina. Se realiza anualmente y desde hace 53 años. Para este 2024, el Festival Internacional Cervantino (FIC), se celebrará del 10 al 26 de octubre y tendrá como estado invitado a Veracruz y como país a Reino Unido.

The Festival Internacional Cervantino (FIC), held annually in October, has established itself as a meeting point for artists, intellectuals, and thousands of visitors, becoming a global benchmark in the field of performing and musical arts.

It is the most important and significant cultural event in Mexico and Latin America. Held annually for the past 53 years, the Festival Internacional Cervantino (FIC) will take place from October 10 to 26 in 2025, with the state of Veracruz as the guest state and United Kingdom as the guest country.

Por / By Jessica Servín Castillo

ESCAPARATE ARTÍSTICO

A lo largo de sus más de cuatro décadas de historia, ha acogido a compañías de teatro, grupos de danza, músicos y exponentes de artes visuales provenientes de todo el mundo. Esto ha enriquecido la oferta cultural del país y ha fortalecido los lazos entre México y la comunidad artística internacional.

El impacto del FIC, además, fomenta el turismo en el estado y proyecta a México como un destino cultural de primer nivel. Cada año, miles de visitantes nacionales e internacionales acuden al festival, no solo para disfrutar de las presentaciones artísticas, también para explorar la belleza arquitectónica e histórica de Guanajuato, ciudad

Patrimonio Cultural de la Humanidad. Además, el FIC ha contribuido significativamente a la formación de nuevos públicos y al enriquecimiento educativo a través de sus programas académicos y actividades paralelas como conferencias, talleres y exposiciones. Estos esfuerzos han consolidado al festival como un motor de desarrollo educativo en México.

Por ello, la edición 53 es una oportunidad para seguir fomentando el arte gracias a que congregar a más de 174 mil personas durante los días de actividad cultural. Espacios icónicos de Guanajuato se llenan de vida con más de 140 espectáculos escénicos para todo tipo de público y la participación de hasta 3 mil artistas nacionales e internacionales, sumado a presentaciones itinerantes en otras ciudades del país como la ciudad de México.

ARTISTIC SHOWCASE

Throughout its more than four decades of history, the festival has hosted theater companies, dance groups, musicians, and visual arts exhibitors from around the world. This has enriched the country’s cultural offerings and strengthened the ties between Mexico and the international artistic community.

Moreover, the impact of the FIC promotes tourism in the state and projects Mexico as a premier cultural destination. Each year, thousands of national and international visitors attend the festival not only to enjoy the artistic performances but also to explore the architectural and historical beauty of Guanajuato,

a UNESCO World Heritage city. Additionally, the FIC has significantly contributed to the development of new audiences and educational enrichment through its academic programs and parallel activities such as lectures, workshops, and exhibitions. These efforts have established the festival as a driver of educational development in Mexico.

Thus, the 53nd edition is an opportunity to continue fostering the arts by bringing together more than 174,000 people during the cultural activities. Iconic spaces in Guanajuato come alive with over 140 stage performances for all kinds of audiences and the participation of up to 3,000 national and international artists, along with touring performances in other cities across the country, including Mexico City.

Tradición tejida a mano: Muñeca Lele

Hand-woven tradition: Lele doll

Es uno de los más emblemáticos símbolos del estado de Querétaro y Patrimonio Cultural del estado, esta muñeca de tela, originaria del Pueblo Mágico de Amealco, ha trascendido su función original de juguete para convertirse en una verdadera pieza de arte, que no solo representa la creatividad popular, sino también la identidad de los artesanos.

Lele, que en otomí significa “bebé”, tiene sus raíces en las tradiciones textiles de los pueblos otomíes y pames que habitan la Sierra Gorda de Querétaro, una región montañosa con una rica historia cultural y artesanal. Aunque no hay un consenso claro sobre la fecha exacta de su origen, se sabe que estas muñecas han sido fabricadas desde tiempos coloniales y que evolucionaron a lo largo de los siglos.

One of the most emblematic symbols of the state of Querétaro and Cultural Heritage of the state, this cloth doll, originally from the Magical Town of Amealco, has transcended its original function as a toy to become a true piece of art, which not only represents popular creativity, but also the identity of the artisans.

Lele, which in Otomí means “baby”, has its roots in the textile traditions of the Otomí and Pames peoples that inhabit the Sierra Gorda de Querétaro, a mountainous region with a rich cultural and artisanal history. Although there is no clear consensus on the exact date of their origin, it is known that these dolls have been made since colonial times and that they evolved over the centuries.

La creación de la muñeca está vinculada a las mujeres indígenas que, utilizando técnicas ancestrales de bordado y costura, tejían estas figuras con materiales naturales como algodón, lana e hilos de colores brillantes. Tradicionalmente, las muñecas Lele eran hechas a mano con cuidado y destreza, y cada una llevaba consigo un diseño único, reflejo de la destreza y creatividad de la artesana.

Hoy, también posee una fuerte carga simbólica. En su estructura se pueden identificar influencias de la cosmovisión indígena, con colores que representan elementos de la naturaleza: el rojo para la tierra, el verde para las plantas y el amarillo para el sol. Además, las muñecas suelen ser de rostro sencillo, a menudo con ojos pintados de manera simbólica, lo que les da un aire misterioso y espiritual.

En algunas versiones de la muñeca, su cabello se elabora con hilos que representan las fibras del maíz, un cultivo esencial para los pueblos originarios de la región. El maíz, como símbolo de vida y sustento, se convierte en un vínculo entre la muñeca y la identidad de los pueblos de Querétaro.

A lo largo del tiempo, la muñeca Lele ha adquirido también una gran relevancia en el ámbito del turismo cultural. En diversas ferias y festivales regionales, la muñeca es un objeto de atracción para los visitantes, quienes buscan llevarse una pieza de la tradición queretana. Su popularidad ha permitido que muchas artesanas sigan perfeccionando sus técnicas y continúen produciendo muñecas Lele para el mercado nacional e internacional.

Además, la Secretaría de Cultura de Querétaro la incluyó en su lista de objetos representativos del estado, y su importancia como elemento cultural fue destacada en diferentes eventos que promueven la preservación de las tradiciones artesanales mexicanas, de hecho, en el estado de Querétaro, en el centro de Amealco, se ubica el Museo de la Muñeca Artesanal, donde se exponen más de 300 ejemplares.

Hoy en día, las muñecas Lele continúan siendo fabricadas y comercializadas, no solo como un elemento de valor artístico, sino también como un símbolo de identidad queretana. Artesanas de comunidades como Jalpan de Serra, Landa de Matamoros y otros municipios de la Sierra Gorda siguen elaborando estas muñecas con técnicas que han sido perfeccionadas a lo largo de los siglos.

Gracias al programa #LelePorElMundo que se lanzó en 2023, la muñeca recorrió varios países del mundo y hoy es conocida y reconocida por representar la fuerza de miles de mujeres mexicanas.

The creation of the doll is linked to indigenous women who, using ancestral embroidery and sewing techniques, wove these figures with natural materials such as cotton, wool and brightly colored threads. Traditionally, Lele dolls were handmade with care and skill, and each one carried a unique design, reflecting the craftswoman’s skill and creativity.

Today, it also has a strong symbolic charge. Influences from the indigenous cosmovision can be identified in its structure, with colors that represent elements of nature: red for the earth, green for plants and yellow for the sun. In addition, the dolls tend to have simple faces, often with symbolically painted eyes, which gives them a mysterious and spiritual air.

In some versions of the doll, her hair is made with threads that represent the fibers of corn, an essential crop for the native peoples of the region. Corn, as a symbol of life and sustenance, becomes a link between the doll and the identity of the people of Querétaro.

Over time, the Lele doll has also acquired great relevance in the field of cultural tourism. In various regional fairs and festivals, the doll is an object of attraction for visitors, who seek to take home a piece of Querétaro tradition. Its popularity has allowed many craftswomen to continue perfecting their techniques and continue producing Lele dolls for the national and international market.

In addition, the Ministry of Culture of Querétaro included it in its list of representative objects of the state, and its importance as a cultural element was highlighted in different events that promote the preservation of Mexican craft traditions, in fact, in the state of Querétaro, in the center of Amealco, is located the Museum of the Handmade Doll where more than 300 examples are exhibited.

Today, Lele dolls continue to be manufactured and marketed, not only as an element of artistic value, but also as a symbol of Querétaro identity. Artisans from communities such as Jalpan de Serra, Landa de Matamoros and other municipalities in the Sierra Gorda continue to make these dolls using techniques that have been perfected over the centuries.

Thanks to the #LelePorElMundo program launched in 2023, the doll toured several countries around the world and today is known and recognized for representing the strength of thousands of Mexican women.

Andrés Caballero, el verdadero

San Andrés Milano

Andrés Caballero, the true

San Andrés Milano

El diseñador mexicano radicado en la ciudad de Milán, Italia, describe, a través de su trabajo, una visión contemporánea de México, su país de origen, donde experimenta la fusión del folclor con una atmósfera cosmopolita y sofisticada.

The Mexican designer based in the city of Milan, Italy, describes, through his work, a contemporary vision of Mexico, his country of origin, where he experiences the fusion of folklore with a cosmopolitan and sophisticated atmosphere.

Por / By María Galland

Andrés Caballero Macuil nació en Tlaxcala y estudió diseño de modas en la Universidad Jannette Klein, en ciudad de México, donde en el 2001 tuvo la oportunidad de viajar al prestigioso Istituto Marangoni de Milán, que cambiaría radicalmente su visión del diseño hasta establecerse en la ciudad y crear su marca San Andrés Milano.

Gracias a su participación en 2012 en “Who is on Next?”, Andrés Caballero obtiene reconocimiento mundial, que le abre las puertas a mercados como Rusia, Medio Oriente y Asia.

¿Cómo describirías la evolución de tu estilo desde tus inicios hasta ahora?

Definitivamente, es como un libro. Es como ir escribiendo un diario. Va cambiando, va evolucionando. Me acuerdo cuando salí de México, venía con una idea de descubrir lo que era el prêt-à-porter italiano. Cosa que me enamoró desde un principio. Luego me fui a estudiar también a París, Alta Costura, y ahí también me pude empapar de la moda francesa.

Andrés Caballero Macuil was born in Tlaxcala and studied fashion design at the Jannette Klein University in Mexico City, where in 2001 he had the opportunity to travel to the prestigious Istituto Marangoni in Milan, which would radically change his vision of design until he settled in the city and created his brand San Andrés Milano.

Because of his participation in “Who is on Next?” in 2012, Andrés Caballero gained worldwide recognition, opening doors to markets like Russia, the Middle East, and Asia.

How would you describe the evolution of your style from the beginning until now?

Definitely, it’s like a book. It’s like writing a diary. It changes, it evolves. I remember when I left Mexico, I came with an idea to discover what Italian prêt-à-porter was. Something that fascinated me from the start. Then I went to study Haute Couture in Paris, and there I also immersed myself in French fashion.

Creo que hasta el 2012 que participé en Who is Next? y conocí a Franca Sozzani, que era la directora de la revista Vogue en esa época, y vio mi trabajo, me dijo: “Danos esa parte de México que solo tú puedes ver”.

Ahora, incluso, estoy haciendo colecciones genderless. Creo que es interesante que cualquier persona pueda usar las prendas sin importar su género, Me di cuenta de que necesitaba crear colecciones más universales, ergonómicas y cómodas para todos los cuerpos.

¿Qué proyectos recientes has iniciado y cómo han impactado en tu carrera?

El año pasado, empecé un proyecto en México llamado Comuna MX, un grupo de creativos en Tlaxcala. Siempre he querido aportar a mi país y llegué a la conclusión de que necesitaba una red de personas que incluyera diseñadores, fotógrafos, ilustradores, escritores, entre otros. Nos asociamos con un diseñador tlaxcalteca y abrimos este espacio en Tlaxcala. Hemos estado en contacto con el Gobierno Estatal y las Secretarías de Cultura y Turismo. La idea es usar este espacio para hacer proyectos que combinen el arte con la moda, y exponer estas piezas con diseñadores locales en la Ciudad de México.

¿Cómo integras elementos de la moda mexicana y europea en tus colecciones?

Siempre fue importante aprender el estilo de la moda italiana y tener la capacidad de construir las prendas desde cero, con un enfoque artesanal. Ahora, todo ese conocimiento lo aplico en mis colecciones que han desfilado en el Fashion Week de Milán. Luego implementé detalles de la indumentaria mexicana, traducidos desde un punto contemporáneo, y enfoqué mis estudios de Alta Costura en París. Con el tiempo, todo ese aprendizaje lo transformé en productos internacionales inspirados en México. No fue solo querer inspirarme en la cultura mexicana, sino retomar mis orígenes como modista. Ahora, todo ese conocimiento lo aplico en mis colecciones.

¿Cómo influyó tu familia en tu carrera, en el desarrollo de tu estilo?

Vengo de una familia orgullosamente matriarcal. El aprendizaje artesanal fue siempre un punto de fuerza. Desde ese ejemplo de esfuerzo de mi mamá, tía y abuela, aprendí a construir las cosas, desde el patronaje hasta el corte, coser y terminar la prenda, es algo que valoro mucho. Este enfoque artesanal y detallista, que en parte viene de mi entorno familiar, me permitió integrar elementos de nuestra indumentaria mexicana en detalles. Retomar mis orígenes, trabajando en el taller de manera manual y artesanal ha sido crucial en el desarrollo de mi estilo.

@sanandresmilano

I think until 2012 when I participated in Who is Next? And met Franca Sozzani, who was the director of Vogue magazine at that time, and she saw my work, she said to me: “Give us that part of Mexico that only you can see.”

Now, I’m even making genderless collections. I think it’s interesting that anyone can wear the clothes regardless of their gender. I realized that I needed to create more universal, ergonomic, and comfortable collections for all bodies.

What recent projects have you started, and how have they impacted your career?

Last year, I started a project in Mexico called Comuna MX, a group of creatives in Tlaxcala. I have always wanted to contribute to my country and concluded that I needed a network of people including designers, photographers, illustrators, writers, among others. We partnered with a Tlaxcalan designer and opened this space in Tlaxcala. We have been in contact with the State Government and the Secretaries of Culture and Tourism. The idea is to use this space to carry out projects that combine art and fashion, and to showcase these pieces with local designers in Mexico City.

How do you integrate elements of Mexican and European fashion into your collections?

It was always important to learn the style of Italian fashion and have the ability to build garments from scratch, with an artisanal approach. Now, I apply all that knowledge in my collections that have paraded in Milan Fashion Week. Then I implemented details of Mexican attire, translated from a contemporary perspective, and focused my Haute Couture studies in Paris. Over time, I transformed all that learning into international products inspired by Mexico. It was not just about wanting to be inspired by Mexican culture, but about returning to my origins as a dressmaker. Now, I apply all that knowledge in my collections.

How did your family influence your career and the development of your style?

I come from a proudly matriarchal family. Artisanal learning was always a strong point. From that example of effort from my mother, aunt, and grandmother, I learned to build things, from pattern making to cutting, sewing, and finishing the garment, something I value greatly. This artisanal and detailed approach, partly coming from my family environment, allowed me to integrate elements of our Mexican attire into details. Returning to my origins, working in the workshop manually and artisanally has been crucial in the development of my style.

CENTRO

Puebla: Epicentro del arte contemporáneo

Puebla: Epicenter of contemporary art

Con su rica historia y esplendor arquitectónico, Puebla se ha posicionado como un núcleo de expresión artística en México, que alberga una vibrante escena artística que se nutre y evoluciona continuamente gracias a instituciones como el Museo Amparo, o La Miscelánea. Estos espacios no solo celebran el arte moderno, sino que sirven como plataformas para el diálogo y la reflexión sobre la sociedad actual.

Por / By María Galland

With its rich history and architectural splendor, Puebla has positioned itself as a nucleus of artistic expression in Mexico, hosting a vibrant art scene that continuously nourishes and evolves thanks to institutions such as the Museo Amparo, or La Miscelánea. These spaces not only celebrate modern art but also serve as platforms for dialogue and reflection on contemporary society.

MUSEO AMPARO

Un vínculo entre el pasado y el presente

Es, sin duda, una joya dentro de la oferta cultural de Puebla. Conocido por su impresionante colección de arte prehispánico, virreinal y moderno, el museo también dedica un espacio significativo al arte contemporáneo. La integración de exposiciones temporales de artistas nacionales e internacionales en sus galerías, ofrece una visión dinámica y multifacética del arte contemporáneo. Aquí, los visitantes pueden apreciar cómo las raíces históricas de México se entrelazan con las expresiones actuales, creando un diálogo continuo entre el pasado y el presente.

museoamparo.com

MUSEO AMPARO

A Link Between Past and Present

It is undoubtedly a jewel within Puebla’s cultural offerings. Known for its impressive collection of preHispanic, colonial, and modern art, the museum also dedicates significant space to contemporary art. The integration of temporary exhibitions by national and international artists in its galleries offers a dynamic and multifaceted view of contemporary pieces. Here, visitors can appreciate how Mexico’s historical roots intertwine with current expressions, creating a continuous dialogue between the past and the present.

Estética y tradición

Se erige en un bastión de la historia artística de la región. Este museo no solo es una estructura emblemática que combina belleza arquitectónica con arte contemporáneo, sino que alberga una rica colección pictórica novohispana del siglo XIX, con autores como Miguel Jerónimo de Zendejas, Vicente Manuel de Talavera y Cristóbal de Villapando, entre otros.

Al adentrarse en sus galerías, los visitantes se encuentran inmersos en un viaje fascinante a través de las diferentes épocas y estilos artísticos. Aquí, han expuesto piezas de artistas como Alessandro Mindini, Casandra Robredo o María Bretón que buscan rescatar tradiciones femeninas ancestrales. El museo ofrece una visión única de la identidad cultural y la evolución estética de Puebla y sus alrededores. @sanpedromuseo

Aesthetics and Tradition

It stands as a bastion of the region’s artistic history. This museum is not only an emblematic structure that combines architectural beauty with contemporary art but also houses a rich collection of 19th-century Novo-Hispanic paintings by artists such as Miguel Jerónimo de Zendejas, Vicente Manuel de Talavera, and Cristóbal de Villapando, among others.

Entering its galleries, visitors are immersed in a fascinating journey through different artistic periods and styles. Here, pieces by artists like Alessandro Mindini, Casandra Robredo, and María Bretón, who seek to rescue ancestral feminine traditions, have been exhibited. The museum offers a unique view of the cultural identity and aesthetic evolution of Puebla and its surroundings.

SAN PEDRO MUSEO DE ARTE

SAN PEDRO MUSEO DE ARTE

LA MISCELÁNEA

Un espacio alternativo para el arte

Este recinto ha ganado notoriedad por su enfoque inclusivo y su espíritu comunitario. Ubicada en el corazón de Puebla, La Miscelánea funciona como una galería, un centro cultural y un lugar de encuentro para artistas y amantes del arte.

Aquí, las exposiciones suelen ser eclécticas y variadas, reflejando una amplia gama de estilos y medios. Desde arte urbano hasta proyectos colaborativos y exposiciones temáticas, La Miscelánea ha sido escenario de importantes artistas como Vicente Rojo, Héctor Esrawe, Alejandro Lo Celso, Germán Montalvo y Alberto Ibáñez, entre otros.

La colaboración entre estas instituciones y la comunidad artística local es clave para el crecimiento y la sostenibilidad del ecosistema artístico de Puebla. Al brindar espacios para la experimentación y el diálogo, el Museo Amparo, San Pedro, La Miscelánea y todas sus nuevas galerías, redefinen el significado de ser un centro cultural en el siglo XXI. unarte.edu.mx

LA MISCELÁNEA

An Alternative Space for Art

This venue has gained notoriety for its inclusive approach and community spirit. Located in the heart of Puebla, La Miscelánea functions as a gallery, a cultural center, and a meeting place for artists and art lovers. The exhibitions here are often eclectic and varied, reflecting a wide range of styles and media. From urban art to collaborative projects and thematic exhibitions, La Miscelánea has hosted significant artists such as Vicente Rojo, Héctor Esrawe, Alejandro Lo Celso, Germán Montalvo, and Alberto Ibáñez, among others.

The collaboration between these institutions and the local artistic community is key to the growth and sustainability of Puebla’s artistic ecosystem. By providing spaces for experimentation and dialogue, the Museo Amparo, San Pedro, La Miscelánea, and all their new galleries, redefine what it means to be a cultural center in the 21st century.

SANER: Una mirada a la mexicanidad SANER: A

look at Mexicanity

Es uno de los artistas más influyentes del movimiento de arte urbano en México y Latinoamérica. Su trabajo integra elementos del muralismo tradicional con el arte contemporáneo y el graffiti, creando un lenguaje visual que conecta con nuestras tradiciones.

Por/

By

Jessica Servín Castillo

Lo que comenzó como un hobby, pronto se fue transformando en su vida, en la mejor forma de expresarse. Edgar Flores, mejor conocido como “Saner”, comenzó a los 4 años a dibujar, sin saber que esa sería su profesión.

“El graffiti apareció en mi vida durante la preparatoria. Estudiar diseño gráfico, es la mejor decisión que pude haber tomado, gracias a ello descubrí el street art y cómo crear discursos a través de la gráfica”.

He is one of the most influential artists of the urban art movement in Mexico and Latin America. His work integrates elements of traditional muralism with contemporary art and graffiti, creating a visual language that connects with our traditions.

What began as a hobby, soon became his life, the best way to express himself. Edgar Flores, better known as “Saner”, began drawing at the age of 4, without knowing that this would be his profession.

“Graffiti appeared in my life during high school. Studying graphic design is the best decision I could have made, thanks to it, I discovered street art and how to create discourse through graphics”.

CENTRO

¿Por qué “Saner”, qué significa?

Estaba buscando un nombre para el graffiti y quería darle un sentido al juego de letras. Me inspiré en la palabra “sanar” en inglés, ya que me pareció interesante cómo la ironía de un mundo tan caótico podía ser vista como algo que te hace sentir vivo. Es una reflexión sobre cómo en un mundo de locos, una persona “sana” es algo inusual.

¿Cómo es tu proceso creativo, en qué te inspiras para ejecutar tu obra?

Lo primero que hago es analizar qué plataforma voy a usar y qué materiales voy a trabajar. No es lo mismo crear una pieza para una institución que para un espacio único. Cada soporte tiene su propio lenguaje, ya sea una libreta, un tenis o una pared. El proceso comienza con la investigación del soporte, la historia de la pieza y la conceptualización. Después, comienzo a buscar referencias, signos y formas que complementen el concepto. Mi trabajo suele tener varias etapas: bocetaje, ejecución y una reflexión sobre el concepto que estoy trabajando. En muchos proyectos hay un lado B y un lado C, ya que cada pieza siempre tiene más de una interpretación.

¿Cómo defines tu arte, qué buscas transmitir con él?

Mi arte nace de una crisis de identidad. En mi adolescencia, me encontraba influenciado por estilos de otros lugares y me preguntaba qué me definía. Fue entonces cuando encontré las primeras máscaras de danza, lo que me permitió conectar con la mexicanidad y ver el mundo desde mi perspectiva. En 2006, al preguntarme qué quería hacer, decidí hacer algo que reflejara mi identidad, mis tradiciones, pero sin caer en lo típico.

Mi trabajo es una reinterpretación de la mexicanidad, descontextualizando danzas y sabores, y siempre buscando cómo se puede deconstruir lo que ya conocemos. Al salir de México, surgieron diálogos sobre la identidad y cómo mi trabajo creció al combinar elementos tradicionales con influencias internacionales.

Why “Saner”, what does it mean?

I was looking for a name for the graffiti and wanted to give a meaning to the play of letters. I was inspired by the word “sanar” in English, as I found it interesting how the irony of such a chaotic world could be seen as something that makes you feel alive. It’s a reflection on how in a world of madmen, a “sane” person is something unusual.

What is your creative process like, what inspires you to execute your work?

The first thing I do is to analyze what platform I’m going to use and what materials I’m going to work with. It’s not the same to create a piece for an institution as for a single space. Each support has its own language, whether it’s a notebook, a tennis shoe or a wall. The process begins with the research of the support, the history of the piece and the conceptualization. Then I start looking for references, signs and forms that complement the concept. My work usually has several stages: sketching, execution and a reflection on the concept I am working on. In many projects there is a B-side and a C-side, as each piece always has more than one interpretation.

How do you define your art, what do you seek to convey with it?

My art is born out of an identity crisis. In my adolescence, I was influenced by styles from other places and I wondered what defined me. It was then that I found the first dance masks, which allowed me to connect with Mexicanness and see the world from my perspective. In 2006, when I asked myself what I wanted to do, I decided to do something that reflected my identity, my traditions, but without falling into the typical.

My work is a reinterpretation of Mexicanity, decontextualizing dances and flavors, and always looking for ways to deconstruct what we already know. When I left Mexico, dialogues emerged about identity and how my work grew by combining traditional elements with international influences.

¿Qué significa el muralismo y la historia de los grandes artistas mexicanos para ti?

Ha sido una gran inspiración para mí, especialmente la parte gráfica y conceptual de la escuela muralista. Tener la oportunidad de mostrar mi trabajo en museos como el MUNAL, junto a artistas como Tamayo, ha sido un honor. Admiro su trabajo desde que era pequeño, desde los billetes y libros de texto hasta ver sus murales en vivo y entender la magnitud de lo que hicieron.

¿Qué trabajo crees que mejor te representa?

Uno de mis favoritos es el mural del Museo de Culturas Populares, que se ha convertido en patrimonio de México.

También está el mural de Reforma en el Hotel Reforma, una de las piezas más emblemáticas de la ciudad, realizado en 2012. Otro trabajo importante fue el mural en Australia, que superó mis expectativas, y uno más en Orleans, París.

¿Cómo defines a México a través de tu obra?

México es para mí un sueño: un lugar donde todo es posible, tanto lo lógico como lo ilógico. Es el lugar donde se pueden cumplir los sueños, pero también donde tus peores pesadillas pueden hacerse realidad. En mis obras, intento capturar esa dualidad y la complejidad del país.

What does muralism and the history of the great Mexican artists mean to you? It has been a great inspiration for me, especially the graphic and conceptual part of the muralist school. Having the opportunity to show my work in museums like MUNAL, alongside artists like Tamayo, has been an honor. I’ve admired their work since I was little, from the bills and textbooks to seeing their murals live and understanding the magnitude of what they did.

What work do you think best represents you

One of my favorites is the mural at the Museum of Popular Cultures, which has become part of Mexico’s heritage. There is also the Reforma mural at the Reforma Hotel, one of the most emblematic pieces in the city, done in 2012. Another important work was the mural in Australia, which exceeded my expectations, and one more in Orleans, Paris.

How do you define Mexico through your work?

Mexico is for me a dream: a place where everything is possible, both the logical and the illogical. It is the place where dreams can come true, but also where your worst nightmares can come true. In my works, I try to capture that duality and the complexity of the country.

¿Cuál ha sido tu mayor aprendizaje desde que te iniciaste en esta profesión?

He aprendido que la constante evolución y el aprendizaje son clave. No se trata solo de hacer arte, sino de entender los contextos, las historias y la gente que te rodea. Cada etapa de mi carrera me ha enseñado algo nuevo sobre mí mismo y sobre el mundo en el que vivo.

¿Qué haces para fomentar este arte?

Intento ser un referente para las nuevas generaciones, ofreciendo talleres y compartiendo mi experiencia. Es importante darles herramientas para que puedan expresarse y entender el graffiti como una forma legítima de arte, no solo como vandalismo.

¿Qué obras de graffiti en México recomendarías no perderse?

Hay muchos artistas talentosos en México, y cada uno tiene su estilo único. Entre los que recomendaría, está el trabajo de artistas como DR. Lakra, Cix, y Smithe, quienes están dejando una huella importante en el graffiti mexicano.

What has been your greatest learning since you started in this profession?

I have learned that constant evolution and learning are key. It’s not just about making art, it’s about understanding the contexts, the stories and the people around you. Each stage of my career has taught me something new about myself and the world I live in.

What do you do to promote this art?

I try to be a reference for the new generations, offering workshops and sharing my experience. It’s important to give them tools so they can express themselves and understand graffiti as a legitimate form of art, not just vandalism.

What graffiti works in Mexico would you recommend not to miss?

There are many talented artists in Mexico, and each one has his or her own unique style. Among those I would recommend is the work of artists such as DR. Lakra, Cix, and Smithe, who are leaving an important mark on Mexican graffiti.

SUROESTE

Oaxaca a través de sus pintores

Oaxaca Through Its Painters

Tierra de colores vibrantes, tradiciones profundas y paisajes impresionantes, así es Oaxaca, una fuente de inspiración para artistas de todo el mundo. Sin embargo, son los pintores oaxaqueños quienes han capturado y transformado la esencia de su tierra natal en lienzos que hablan de historia, cultura y alma.

A land of vibrant colors, deep traditions, and stunning landscapes, Oaxaca is a source of inspiration for artists from around the world. However, it is the Oaxacan painters who have captured and transformed the essence of their homeland into canvases that speak of history, culture, and soul.

Por / By María Galland

FRANCISCO TOLEDO, GUARDIÁN DE LA IDENTIDAD OAXAQUEÑA

Juchitán de Zaragoza, Oaxaca, lo vio nacer y es una figura monumental en el arte mexicano y un defensor incansable de la cultura oaxaqueña. Conocido por su habilidad para combinar elementos de la mitología zapoteca con una visión moderna y experimental, Toledo, creó un lenguaje visual único que resonó tanto en su país como en el extranjero.

Su obra, que abarca pintura, escultura, cerámica y gráfica, es un reflejo de su compromiso con la preservación de la cultura y las tradiciones de su estado. Francisco Toledo fue también un activista cultural, fundando instituciones como el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO) y el Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo, espacios que han fomentado el desarrollo artístico y cultural en la región.

Toledo no solo pintó Oaxaca; luchó por ella. Su legado trasciende en obras como “Vaca Mala” (1971), donde muestra la naturalidad a través de las formas del mamífero, o “Autorretrato saludando” (1992), una de sus primeras incursiones a esta técnica y que realizó a lo largo de su vida, inspirado en el trabajo de autorretratos que el pintor neerlandés, Rembrandt, hiciera.

FRANCISCO TOLEDO, GUARDIAN OF OAXACAN IDENTITY

Juchitán de Zaragoza, Oaxaca, saw his birth and is a monumental figure in Mexican art and an indefatigable defender of Oaxacan culture. Known for his ability to blend elements of Zapotec mythology with a modern and experimental vision, Toledo created a unique visual language that resonated both in his country and abroad.

His work, which spans painting, sculpture, ceramics, and graphic art, reflects his commitment to preserving the culture and traditions of his state. Francisco Toledo was also a cultural activist, founding institutions such as the Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO) and the Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo, spaces that have fostered artistic and cultural development in the region.

Toledo didn’t just paint Oaxaca; he fought for it. His legacy transcends in works like “Vaca Mala” (1971), where he portrays the naturalness through the forms of the mammal, or “Autorretrato saludando” (1992), one of his early forays into this technique, inspired by the self-portraits of Dutch painter Rembrandt.

RUFINO TAMAYO, EL COLORISTA UNIVERSAL

Reconocido por su capacidad para fusionar la iconografía mexicana con técnicas modernas, pasó gran parte de su vida en la Ciudad de México y en el extranjero. Tamayo, nunca perdió su conexión con Oaxaca y esta influencia se refleja claramente en su búsqueda estética anclada en las raíces del México indígena.

Los colores, la luz y los materiales, caracterizaron toda su obra plástica. Tamayo, pensaba que la pintura debía nacer de una exploración incansable y estar en abierta comunicación con todo lo que afecta a las demás actividades humanas y a la realidad. Desde sus mercados bulliciosos hasta sus cielos inmensos.

Rufino del Carmen Arellanes Tamayo, su nombre completo, también contribuyó al mundo del arte a través de su legado educativo y cultural, estableciendo el Museo de Arte Prehispánico Rufino Tamayo, en Oaxaca, un espacio dedicado a su gran deseo por dar a conocer la obra del México antiguo, donde se pueden observar tres épocas del arte mexicano: la prehispánica, la virreinal y una selección del artista moderno, además de fundar el Museo Tamayo Arte Contemporáneo, en Ciudad de México.

Entre las obras más representativas y que lo hicieron acreedor a infinidad de premios están: “Naturaleza Muerta” (1954), conocida por las famosas rebanadas de sandías junto a dos botellas que se pueden encontrar en el Museo Soumaya o “Dualidad” (1964) posiblemente una de sus más grandes obras, que muestra en una dualidad de luz y oscuridad escenas prehispánicas referente a los dioses de la cosmogonía náhuatl y que se exhibe en el Museo de Antropología e Historia.

RUFINO TAMAYO, THE UNIVERSAL COLORIST

Recognized for his ability to merge Mexican iconography with modern techniques, he spent much of his life in Mexico City and abroad. Tamayo never lost his connection with Oaxaca, and this influence is clearly reflected in his aesthetic quest, anchored in the roots of indigenous Mexico.

Colors, light, and materials characterized his entire artistic output. Tamayo believed that painting should emerge from relentless exploration and be in open communication with everything affecting other human activities and reality, from bustling markets to vast skies.

Rufino del Carmen Arellanes Tamayo, his full name, also contributed to the art world through his educational and cultural legacy, establishing the Museo de Arte Prehispánico Rufino Tamayo in Oaxaca, a space dedicated to his great desire to showcase ancient Mexican art. It exhibits three periods of Mexican art: pre-Hispanic, colonial, and a selection of modern artists. He also founded the Museo Tamayo Arte Contemporáneo in Mexico City.

Among his most representative works, which earned him numerous awards, are “Naturaleza Muerta” (1954), known for the famous watermelon slices alongside two bottles, found at the Museo Soumaya, and “Dualidad” (1964), possibly one of his greatest works, depicting a duality of light and darkness with pre-Hispanic scenes referencing the gods of Nahuatl cosmogony, displayed at the Museo de Antropología e Historia.

SERGIO HERNÁNDEZ, LA

VOZ DE LA MITOLOGÍA

Conocido por su habilidad para entrelazar elementos mitológicos y simbólicos en su obra, Sergio Hernández, nacido en Huajuapan de León, ha desarrollado un estilo que combina la abstracción con una rica iconografía inspirada en las leyendas y la naturaleza oaxaqueña.

Hernández ha explorado la escultura y el grabado, ampliando su lenguaje artístico y su capacidad para capturar la esencia de Oaxaca en múltiples formas. Entre sus obras más emblemáticas están el mural “En Vilo” (1984), que actualmente se encuentra en la Biblioteca

Jesús Reyes Heroles, de la Facultad de Estudios

Superiores (FES) Aragón, está basado en la novela del historiador don Luis González y González, que se refiere a la conquista española.

La obra del pintor Sergio Hernández trasciende los procesos creativos, las técnicas, los materiales y los soportes. Como un escritor frente al papel en blanco, el artista también reta la inmensidad del lienzo sin color, una suerte de juego entre el tiempo, el espacio, la fortuna y la voluntad. Algunos de sus trabajos, también se pueden ver en Antiguo Colegio de San Ildefonso y en el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca.

Francisco Toledo, Rufino Tamayo y Sergio Hernández han logrado captar la esencia de Oaxaca y de México, y regalarla a todo el mundo, elevado su cultura, sus tradiciones, invitándonos a explorar, comprender y celebrar la riqueza de su tierra, un lugar donde el arte es vida y la vida es arte.

SERGIO HERNÁNDEZ, THE VOICE OF MYTHOLOGY

Known for his skill in intertwining mythological and symbolic elements in his work, Sergio Hernández, born in Huajuapan de León, has developed a style that combines abstraction with rich iconography inspired by Oaxacan legends and nature.

Hernández has explored sculpture and engraving, expanding his artistic language and capacity to capture the essence of Oaxaca in multiple forms. Among his most emblematic works is the mural “En Vilo” (1984), located at the Biblioteca Jesús Reyes Heroles of the Facultad de Estudios Superiores (FES) Aragón, based on the novel by historian Luis González y González, referring to the Spanish conquest.

The work of painter Sergio Hernández transcends creative processes, techniques, materials, and supports. Like a writer facing a blank page, the artist also challenges the vastness of the uncolored canvas, a kind of game between time, space, fortune, and will. Some of his works are also displayed at the Antiguo Colegio de San Ildefonso a nd the Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca.

Francisco Toledo, Rufino Tamayo, and Sergio Hernández have captured the essence of Oaxaca and Mexico and shared it with the world, elevating its culture and traditions, inviting us to explore, understand, and celebrate the richness of their land—a place where art is life, and life is art.

Ruth

Morelos: Fusión

entre el surrealismo y el folclore

Ruth Morelos: Fusion between surrealism and folklore

Desde sus primeros recuerdos en Zihuatanejo, Guerrero, hasta su fascinación por el arte y la cultura mexicana, esta artista ha recorrido un camino lleno de pasión y dedicación. A través de su estilo único, influenciado por el surrealismo y las tradiciones de su tierra natal, ha logrado hacer una conexión especial con el público europeo, llevando a París la esencia de México. En esta entrevista, nos cuenta su proceso creativo, sus influencias y cómo ha logrado llevar la belleza de su país a los museos más importantes de Europa.

From her earliest memories in Zihuatanejo, Guerrero, to her fascination with Mexican art and culture, this artist has traveled a path full of passion and dedication. Through her unique style, influenced by surrealism and the traditions of her native land, she has managed to make a special connection with the European public, bringing the essence of Mexico to Paris. In this interview, he tells us about his creative process, his influences, and how he has managed to bring the beauty of his country to the most important museums in Europe.

Por / By Jessica Servín Castillo

UN ENCUENTRO CON EL ARTE

Crecí en Zihuatanejo. Mi mamá es de la CDMX y cada verano nos llevaba a los museos de la ciudad. Cuando tenía siete años, nos llevó al Museo Mural Diego Rivera. Para mí, fue más impresionante que ir a Disney. No podía entender cómo una sola persona podía haber pintado todo eso. El uso del color y el detalle en cada personaje me impresionaron. Después de esa visita, yo quería saber todo sobre esa persona. Mi mamá me compró un libro de Diego Rivera, ahí descubro que él había estado un tiempo en París y comenzó mi curiosidad por el arte y por París.

COMPARTIR SUS RAÍCES

Busco compartir la cultura mexicana a través del arte, darle un espacio a la mujer y crear un lazo de realismo mágico a través de la belleza del folclor mexicano. Para mi obra utilizo una técnica mixta, me gusta mezclar óleo, acrílico, acuarela, pastel y colores al lápiz. La gama de colores casi siempre está inspirada en las flores, me gusta pensar que la naturaleza creó las combinaciones de colores perfectas. Depende de mi estado de ánimo si la obra que imagino es en papel, acuarela o en un lienzo. Mis favoritos son los lienzos grandes, aunque cuando estoy de viaje hago la primera versión en pequeño.

SU LLEGADA AL MUSEO QUAI BRANLY

Llegué a París hace 8 años para hacer una maestría en fashion business. Aunque el arte siempre ha sido mi pasión, tuve una época donde sentía que no podía dedicarme únicamente al arte. Así que vine a hacer una maestría. Gracias a esta experiencia, logré crear contactos y comenzar a dedicarme al 100% a mi pasión. Actualmente, trabajo y colaboro también para marcas de lujo como Dior, Chanel, Guerlain, Melgar, entre otras.

MÉXICO EN SU CORAZÓN

México es un lugar surrealista, mágico, lleno de humor y cultura. Creo que estoy enamorada de mi país y, a través del arte, mi único objetivo es que la gente se enamore también de él. Actualmente, estoy trabajando en una colección de obras que retratan el duelo migratorio. Me gustaría exponerlas en 2025 y, claro, estoy en diversos proyectos con el Instituto Cultural de México en Francia, algunos museos de París, entre otras cosas.

AN ENCOUNTER WITH ART

I grew up in Zihuatanejo. My mom is from Mexico City and every summer she took us to the city’s museums. When I was seven, she took us to the Diego Rivera Mural Museum. For me, it was more impressive than going to Disney. I couldn’t understand how one person could have painted all that. The use of color and the detail in each character impressed me. After that visit, I wanted to know everything about that person. My mom bought me a book by Diego Rivera, there I discovered that he had been in Paris for a while and my curiosity for art and Paris began.

SHARING HER ROOTS

I seek to share Mexican culture through art, give a space to women and create a bond of magical realism through the beauty of Mexican folklore. For my work I use a mixed technique, I like to mix oil, acrylic, watercolor, pastel and pencil colors. The color palette is almost always inspired by flowers, I like to think that nature created the perfect color combinations. It depends on my mood whether the work I imagine is on watercolor paper or on canvas. My favorites are the large canvases, although when I am traveling I do the first small version.

YOUR ARRIVAL AT THE MUSÉE DU QUAI BRANLY

I came to Paris 8 years ago to do a master’s degree in fashion business. Although art has always been my passion, there was a time when I felt I could not dedicate myself to art alone. So I came to Paris to do a master’s degree. Thanks to this experience, I managed to create contacts and start to dedicate myself 100% to my passion. Currently, I also work and collaborate for luxury brands such as Dior, Chanel, Guerlain, Melgar, among others.

MEXICO IN YOUR HEART

Mexico is a surreal, magical place, full of humor and culture. I think I am in love with my country and, through art, my only goal is to make people fall in love with it as well. Currently, I am working on a collection of works that portray migratory grief. I would like to exhibit them in 2025 and, of course, I am involved in various projects with the Mexican Cultural Institute in France, some museums in Paris, among other things.

La Nueva Ola del Arte

The New Wave of Art

Guadalajara, ciudad de artistas y epicentro cultural del país, se distingue por su incomparable escena. Con una tradición de creatividad y expresión, esta urbe mexicana ha florecido al converger tendencias contemporáneas y raíces culturales.

Guadalajara, city of artists and cultural epicenter of Mexico, stands out for its incomparable scene. With a tradition of creativity and expression, this city has flourished by merging contemporary trends and cultural roots.

Por / By Jessica Servín Castillo

En este contexto, diversas galerías han surgido no sólo para exhibir, sino para redefinir los límites del arte y el diseño. Cada una de ellas reflejan la diversidad y la originalidad de los artistas locales e internacionales y se posicionan como un reflejo de la evolución cultural y estética que define a la capital jalisciense.

PLATAFORMA

Es la nueva referencia del arte contemporáneo en la ciudad e impulsora del patrimonio artístico de Guadalajara. Diseñada por el arquitecto Sergio Ortiz, destaca por el vitroblock que ilumina el espacio y brinda una sensación de ligereza. En sus cuatro niveles, Plataforma puede albergar dos exposiciones simultáneas.

En el primer nivel, un curador internacional elegido anualmente. En el segundo nivel, se exhibe la colección de Cerámica Suro, mientras que en el tercero se muetras el trabajo de artistas emergentes. @plataformagdl

In this context, various galleries have emerged not only to exhibit but to redefine the boundaries of art and design. Each of them reflects the diversity and originality of local and international artists and serves as a reflection of the cultural and aesthetic evolution that defines the Jalisco capital.

PLATAFORMA

This is the new reference for contemporary art in the city and a promoter of Guadalajara’s artistic heritage. Designed by architect Sergio Ortiz, it stands out for the vitroblock that illuminates the space and provides a sense of lightness. On its four levels, Plataforma can host two simultaneous exhibitions.

On the first level, an international curator is selected annually. On the second level, the Suro Ceramic collection is exhibited, while the third level showcases the work of emerging artists.

SALA SILENCIOSA

Dentro de Casa Orozco, se encuentra una singular galería dedicada a la exhibición de arte local y nacional que destaca como un punto de encuentro entre artistas y público. La casa estudio es obra del muralista José Clemente Orozco y el arquitecto Luis Barragán, ganador del Premio Pritzker, el Nobel de la Arquitectura. El histórico lugar fue residencia de Orozco y es donde solía trabajar en los icónicos murales del Museo Cabañas y el Paraninfo, de ahí que se busca convertir este espacio en un escaparate para las artes plásticas.

Sala Silenciosa busca enriquecer el panorama artístico de Guadalajara ofreciendo a los visitantes la oportunidad de apreciar obras de arte en un ambiente sereno y reflexivo.

@salasilenciosa

SILENT ROOM

Inside Casa Orozco, there is a unique gallery dedicated to exhibiting local and national art, standing out as a meeting point between artists and the public. The house studio is the work of muralist José Clemente Orozco and architect Luis Barragán, winner of the Pritzker Prize, the Nobel of Architecture. The historic place was Orozco’s residence and where he used to work on the iconic murals of the Cabañas Museum and the Paraninfo, thus seeking to turn this space into a showcase for the visual arts.

Sala Silenciosa aims to enrich Guadalajara’s artistic landscape by offering visitors the opportunity to appreciate artworks in a serene and reflective environment.

PÁRAMO

Es la nueva referencia del arte contemporáneo en la ciudad e impulsora del patrimonio artístico de Guadalajara. Diseñada por el arquitecto Sergio Ortiz, destaca por el vitroblock que ilumina el espacio y brinda una sensación de ligereza. En sus cuatro niveles, Plataforma puede albergar dos exposiciones simultáneas.

En el primer nivel, un curador internacional elegido anualmente. En el segundo nivel, se exhibe la colección de Cerámica Suro, mientras que en el tercero se muetras el trabajo de artistas emergentes. @paramogaleria

PÁRAMO

A contemporary art gallery that represents and promotes the work of artists from around the world. This place has a hybrid model that responds to the dynamic art market. Páramo is dedicated to providing a solid platform for the production and exhibition of works, fostering a global dialogue through exhibitions that encompass various disciplines and feature both emerging and established artists.

GALERÍA OCCIDENTE

Es un espacio de diseño utilitario que se distingue por el espíritu de colaboración el cual reúne a más de veinte destacados creativos de México. Occidente celebra la diversidad de disciplinas dentro del diseño, desde textiles hasta cerámica, mobiliario y luminarias, cada pieza en exhibición enriquece el panorama del diseño.

Una de las innovaciones más destacadas del lugar es el concepto de ser un punto de encuentro directo con cada marca. Este enfoque no solo fortalece la comunidad creativa de Guadalajara, sino que enriquece la experiencia de quienes buscan lo mejor del diseño tapatío.

@galeriaoccidente

OCCIDENTE GALLERY

This is a utilitarian design space distinguished by its collaborative spirit, bringing together more than twenty prominent Mexican creatives. Occidente celebrates the diversity of disciplines within design, from textiles to ceramics, furniture, and lighting, with each piece on display enriching the design landscape.

One of the venue’s most notable innovations is the concept of being a direct meeting point with each brand. This approach strengthens Guadalajara’s creative community and enriches the experience of those seeking the best in Tapatío design.

GALERÍA CHICA

Redefine la escena artística de la ciudad y destaca como un proyecto revelación. Esta galería representa un puente entre el arte contemporáneo y los coleccionistas, ofreciendo una selección de obras que capturan la esencia de los talentos más destacados del momento.

Aquí, el arte deja de ser un lujo para convertirse en un canal de expresión. Los artistas colaboradores crean piezas únicas para la plataforma virtual, con una curaduría centrada en el formato pequeño y la singularidad de cada artista. @galeriachicamx

CHICA GALLERY

Redefining the city’s art scene, this gallery stands out as a breakthrough project. Chica Gallery bridges contemporary art and collectors, offering a selection of works that capture the essence of today’s most outstanding talents.

Here, art ceases to be a luxury and becomes a channel of expression. The collaborating artists create unique pieces for the virtual platform, with a curation focused on small formats and the uniqueness of each artist.

Aldo Álvarez Tostado: Más allá del diseño utilitario

Aldo Álvarez Tostado: Beyond utilitarian design

Fundador y director del estudio “Piedrafego”, curioso y en constante búsqueda por saber hasta dónde un material puede llegar a su propósito final, Aldo, nos cuenta sobre su proceso creativo y su influencia que hoy lo colocan como una de las promesas nacionales del diseño industrial.

Founder and director of the “Piedrafego” studio, curious and in constant search of the limits of what a material can achieve, Aldo tells us about his creative process and the influence that has made him one of the national promises of industrial design today.

Por / By Jessica Servín Castillo

Aldo Álvarez Tostado ha transitado de la arquitectura al diseño y del diseño al arte. Su trabajo y esa relación constante con el color, las texturas y los materiales en su obra lo convierten en un explorador deseoso por llevar la identidad de su país a museos y galerías de México y el mundo.

Aldo Álvarez Tostado has moved from architecture to design and from design to art. His work and this constant relationship with colour, textures and materials in his work make him an explorer eager to bring the identity of his country to museums and galleries in Mexico and the world.

“Soy de San Pancho, Nayarit. Decido estudiar arquitectura en Guadalajara y poner un estudio junto con otros compañeros y es ahí donde empiezo a relacionarme mucho con la madera, la herrería y la carpintería. Más tarde decido abrir el taller de “Piedrafuego” (2013), donde hacemos piezas de diseño utilitario, objetos pequeños. Mi interés es conocer estos materiales y técnicas de producción artesanal muy arraigados en la región. Guadalajara tiene una gran tradición como productor de artesanía”.

¿En qué momento te das cuenta de que debes hacer esa transición al arte?

En 2017 empieza a trabajar con piezas que no necesariamente cumplen una fusión, pero sí tiene una carga simbólica. Hace unos meses, por ejemplo, presenté una silla de montar que tenía unos patrones grabados y que hablaba sobre la masculinidad y los “patrones de ligue” que seguimos a través de las aplicaciones de cita. O sea, me gusta ir más allá de la simple pieza, en este caso la silla de montar.

¿Cuéntanos sobre “Piedrafuego” y cómo es el trabajar con estos talleres de artesanos?

Trabajo con los mismos talleres desde que empecé. Entiendo sus procesos y cómo es tener una relación sana y productiva con ellos. Más que el impulso de producir cosas, me interesa hacerlas bien y que esa producción sea sostenible.

“I’m from San Pancho, Nayarit. I decided to study architecture in Guadalajara and set up a studio with other classmates, and that’s where I started to get involved with wood, blacksmithing and carpentry. Later, I decided to open the “Piedrafuego” workshop (2013), where we make utilitarian design pieces, small objects. My interest is to get to know these materials and craft production techniques that are deeply rooted in the region. Guadalajara has a great tradition as a producer of handicrafts.

At what point do you realize that you have to make the transition to art?

In 2017, you start working with pieces that don’t necessarily fulfil a fusion, but they do have a symbolic charge. A few months ago, for example, I presented a saddle with engraved patterns that discussed masculinity and the “flirting patterns” that we follow through dating apps. So I like to go beyond the simple piece, in this case the saddle.

Tell us about “Piedrafuego” and what is it like to work with these artisan workshops?

I have been working with the same workshops since I started. I understand their processes and how it is to have a healthy and productive relationship with them. More than the impulse to produce things, I am interested in making them well and that this production is sustainable.

Por ejemplo, el primer taller con el que trabajé y sigo es el de don Nacho García, en San Lucas Evangelista, que se llama “Piedra Volcánica”. Desde niño tuve una fascinación por los molcajetes y la piedra volcánica, ese material que se expulsa de la tierra de manera dramática, incandescente, luminosa, que luego se solidifica. De hecho, “Piedrafuego” se llama así por el basalto.

¿Qué te inspira a hacer una pieza?

No estoy del lado de resolver una necesidad, sino de ver un material y entender qué puedo hacer con él. Tengo un afán más de escultor que de diseñador. Resolver el problema no es mi motivación.

¿Tu trabajo o proyectos siguen una tendencia?

Trato de que no sea así, sino de plantear nuevas preguntas. Hay una canción de Frank Ocean que se llama “Nikes” y que dice: “vamos a ver el futuro antes…”, esa línea me gusta mucho, o sea, anticiparte.

¿Cómo crees que debe ser las piezas decorativas?

Atemporales para que puedan funcionar en cualquier momento o situación. En “Piedrafuego” hay elementos muy básicos como los especieros o las macetas que remiten al pasado y tienen la posibilidad de pensar que se convertirán en ruinas, no por la forma sino por la textura y material con el que están hechos.

@alvareztostado

For example, the first workshop I worked with and continue to work with is that of Don Nacho García, in San Lucas Evangelista, called “Piedra Volcánica”. Since I was a child I had a fascination for molcajetes and volcanic stone, that material that is expelled from the earth in a dramatic, incandescent, luminous way, which then solidifies. In fact, “Piedrafuego” is named after basalt.

What inspires you to make a piece?

I’m not on the side of solving a need, but of seeing a material and understanding what I can do with it. I’m more of a sculptor than a designer. Solving the problem is not my motivation.

Do your work or projects follow a trend?

I try not to be like that, but to raise new questions. There is a song by Frank Ocean called “Nikes” which says: “let’s see the future before...”, I like that line very much, that is, anticipate.

What do you think decorative pieces should be like?

Timeless so that they can work at any time or in any situation. In “Piedrafuego” there are very basic elements such as the spice racks or the flowerpots that refer to the past and have the possibility of thinking that they will become ruins, not because of the shape but because of the texture and material they are made of.

Huicholes: artesanía de corazón Huicholes: Craftsmanship from the heart

Hace más de un siglo que habitan la Sierra Occidental. El sol es su ángel protector, quien los guía durante 40 días para alcanzar la iluminación de su vida. Este es su arte.

Por / By Jessica Servín Castillo

They have lived in the Sierra Occidental for over a century. The sun is their guardian angel, guiding them for 40 days to achieve the enlightenment of their lives. This is their art.

Quizá sea la manera en que te miran o las figuritas que tejen en sus pulseras, una protección, dicen. Los huicholes no hacen nada si no tienen un motivo y el primer acercamiento que se puede tener con ellos es el del respeto. “Pampariusi”, dice una niña cuando le compro unos aretes de chaquira. “Qué me dijiste”, le pregunto y sonríe para esconderse tras la falda de su madre, una hermosa enagua tejida a mano cuyo significado es mágico, con motivos de animales y platas, “todo lo que sucede en este pedazo de tela sucede en la vida real”, me explica Norma y sigue su conversación traduciendo lo que la niña me dijo: “quiere decir gracias en lengua huichol”.

It might be the way they look at you or the little figures they weave into their bracelets, a protection, they say. The Huicholes do nothing without a reason, and the first approach you can have with them is one of respect. “Pampariusi,” says a little girl when I buy some bead earrings from her. “What did you say?” I ask, and she smiles, hiding behind her mother’s skirt, a beautiful hand-woven skirt with magical meaning, adorned with animal and plant motifs. “Everything that happens in this piece of fabric happens in real life,” Norma explains to me, continuing the conversation by translating what the girl said: “It means ‘thank you’ in the Huichol language.”

ORIGEN MÍSTICO

Estamos a unos kilómetros de la playa, en San Blas y no es inexplicable que esta etnia se mezcle entre los turistas, Puerto Vallarta (en Jalisco) y Nayarit, también son territorio wixarika, el nombre etnónimo que se les dio a los huicholes. Según su historia geográfica, la barranca de Bolaños, en Nayarit, es el lugar que los vio nacer.

Collares, animales, máscaras y hasta murales han sido reconocidos en todo el mundo gracias a Mariano Valadez, artesano huichol de la región de Santiago Ixcuintla, en Nayarit. Lo hace porque es parte de su cultura. Sus tablas huicholas han estado expuestas en San Antonio y en el Museum of Natural History de Nueva York.

Le gusta tejer estambre y ayudar a las mujeres a bordar el traje huichol. “Imaginación es una de las primeras cosas que hay que tener para hacer este trabajo”, dice Mariano. El siguiente paso es el colorido -se llega a utilizar más de 50 tonos diferentes- y el balance escénico de lo que haces, “pero ante todo hacerlo con corazón”, continúa Valadez.

Hacer cada pieza, va más allá de lo comercial, “pensamos que el hombre debe colaborar con las deidades para mantener el orden cósmico”. Y es que, desde hace 60 años, todo lo que plasma don Mariano son códices de la simbología religiosa del mundo huichol.

“Si me pides que te explique cómo nace o quién dijo que un águila se dibujaba de esta forma, es difícil de responder. Las creaciones se basan en lo que nos enseñan de niños, el orden debe estar ligado a la naturaleza y al hombre, esa es la relación simbiótica que impregna todos los aspectos de nuestra vida y mitología“, me explica.

Los motivos más populares que se pueden observar en los collares, aretes y pulseras son las plantas, animales y escenas de sus celebraciones.

Dice don Mariano que una de sus tablas más populares entre los extranjeros es una donde se ve cuando es sacrificado el venado para la ceremonia, en ella el chamán tiene la obligación del sacrificio para pagar su manda a los demás, ya que junto con su familia hacen la fiesta y llevan las ofrendas a la cueva sagrada donde el espíritu de los dioses baja.

“Todo eso lo he plasmado, la cueva, la ofrenda, cada detalle”. Entonces, ¿podemos definir que el huichol es un artesano místico? Y don Mariano me responde que sí, para después darme un consejo: “cuando estés a punto de comprarle a un huichol una artesanía, pídele que te haga una, verás que te obsequiará un Dios, una especie de ángel protector”...

MYSTICAL ORIGIN

We are a few kilometers from the beach in San Blas, and it’s not surprising that this ethnic group blends among tourists. Puerto Vallarta (in Jalisco) and Nayarit are also Wixarika territory, the ethnonym name given to the Huicholes. According to their geographical history, the Bolaños Canyon in Nayarit is the place where they were born.

Necklaces, animals, masks, and even murals have been recognized worldwide thanks to Mariano Valadez, a Huichol artisan from the Santiago Ixcuintla region in Nayarit. He does this because it is part of his culture. His Huichol artworks have been exhibited in San Antonio and at the Museum of Natural History in New York.

He enjoys weaving yarn and helping women embroider Huichol garments. “Imagination is one of the first things needed to do this work,” says Mariano. The next step is the colorful aspect—sometimes using over 50 different shades—and the scenic balance of what you do, “but above all, doing it with heart,” continues Valadez.

Creating each piece goes beyond commercial interests. “We believe that man must collaborate with deities to maintain cosmic order.” For the past 60 years, everything Mr. Mariano creates are codices of the religious symbolism of the Huichol world.

“If you ask me to explain how or who decided that an eagle should be drawn this way, it’s difficult to answer. The creations are based on what we are taught as children; order must be connected to nature and man. That is the symbiotic relationship that permeates all aspects of our life and mythology”, he explains.

The most popular motifs seen in necklaces, earrings, and bracelets are plants, animals, and scenes from their celebrations.

Don Mariano says that one of his most popular boards among foreigners depicts the sacrificial deer for the ceremony, where the shaman has the obligation to make the sacrifice to fulfill his vow to others, as he and his family host the festival and bring offerings to the sacred cave where the spirit of the gods descends.

“I have depicted all of that—the cave, the offering, every detail.” So, can we define Huichol as a mystical artisan? Don Mariano confirms, then gives me a piece of advice: “When you are about to buy a Huichol craft, ask them to make one for you. You will see that they will gift you a god, a kind of guardian angel…”

Festival Internacional de Cine de Morelia: Un faro cultural para México

Morelia International Film Festival

A cultural beacon for Mexico

El Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), desde su fundación en 2003, ha cultivado nuevos públicos y ha difundido la cultura cinematográfica de México, mediante una plataforma inclusiva y hospitalaria para los realizadores nacionales.

Consolidándose como uno de los eventos cinematográficos más importantes del país y un referente en América Latina, este festival ha sido un espacio esencial para la promoción, difusión y celebración del cine mexicano, tanto para cineastas consagrados como para nuevas voces.

Su importancia radica no solo en su impacto cultural, sino en el poder de transformación de un cine nacional y en la importancia de identificar nuevos talentos mexicanos cuyas obras puedan cruzar fronteras culturales y estéticas, inspirar diálogo artístico a nivel internacional, y así tener un impacto contundente en la sociedad.

Además, el FICM mantiene un vínculo con la Semana de la Crítica del Festival de Cannes, la cual se ha especializado en presentar primeras y segundas películas. Una selección de películas de la Semana de la Crítica se presenta, año con año, así como algunos de sus realizadores o protagonistas. A su vez, la Semana de la Crítica proyecta algunos de los trabajos ganadores del FICM.

Since its founding in 2003, the Morelia International Film Festival (FICM) has cultivated new audiences and disseminated Mexico’s film culture through an inclusive and hospitable platform for national filmmakers.

Consolidating itself as one of the most important film events in the country and a benchmark in Latin America, this festival has been an essential space for the promotion, dissemination and celebration of Mexican cinema, both for established filmmakers and new voices.

Its importance lies not only in its cultural impact, but also in the power of transformation of a national cinema and the importance of identifying new Mexican talents whose works can cross aesthetic and cultural borders, inspire artistic dialogue at an international level, and thus have a strong impact on society.

In addition, FICM maintains a link with the Cannes Film Festival’s Critics’ Week, which specializes in presenting first and second films. A selection of films from the Critics’ Week is presented every year with the presence of some of their directors or protagonists. In turn, the Critics’ Week screens some of FICM’s winning films.

UN ESCENARIO PARA EL CINE MEXICANO

A lo largo de los años, el festival ha logrado posicionarse como una plataforma clave para que directores, productores, guionistas y actores muestren su trabajo a un público diverso y crítico. Las películas que han pasado por el FICM han ganado reconocimiento internacional, consolidando a Morelia como un semillero de talento y creatividad.

El festival no solo exhibe largometrajes, sino que también apuesta por el cortometraje y el documental, géneros que a menudo encuentran en este evento una de las pocas oportunidades para ser vistos en pantalla grande. Aunque el enfoque principal del FICM es el cine mexicano, el festival también ha sabido tender puentes con la industria cinematográfica internacional. Cada año, Morelia recibe a cineastas, críticos y personalidades del cine mundial, lo que enriquece el diálogo cultural y abre oportunidades para coproducciones y colaboraciones.

A STAGE FOR MEXICAN CINEMA

Over the years, the festival has positioned itself as a key platform for directors, producers, screenwriters and actors to show their work to a diverse and critical audience. Films that have passed through FICM have gained international recognition, consolidating Morelia as a hotbed of talent and creativity.

The festival not only exhibits feature films, but also short films and documentaries, genres that often find in this event one of the few opportunities to be seen on the big screen. Although the main focus of FICM is Mexican cinema, the festival has also been able to build bridges with the international film industry. Each year, Morelia welcomes filmmakers, critics and world cinema personalities, which enriches the cultural dialogue and opens opportunities for co-productions and collaborations.

UN ESPACIO PARA LA REFLEXIÓN

El FICM también se ha convertido en un foro para discutir temas relevantes a través del cine. Películas que abordan problemáticas sociales, políticas y culturales encuentran en el festival un espacio para ser vistas y debatidas. Este enfoque convierte al cine en una herramienta de reflexión y transformación social, reforzando su papel como arte comprometido con la realidad.

El FICM se acerca a su tercera década, y su relevancia sigue creciendo. En un mundo donde las plataformas digitales han transformado la forma en que consumimos cine, el festival mantiene su esencia como un espacio de encuentro presencial, donde el cine se vive de manera colectiva.

moreliafilmfest.com

A SPACE FOR REFLECTION

FICM has also become a forum to discuss relevant issues through film. Films that address social, political and cultural issues find in the festival a space to be seen and debated. This approach turns cinema into a tool for reflection and social transformation, reinforcing its role as an art form committed to reality.

FICM is approaching its third decade, and its relevance continues to grow. In a world where digital platforms have transformed the way we consume film, the festival maintains its essence as a space for face-to-face encounters, where cinema is experienced collectively.

NORTE

De la talabartería a la cerámica utilitaria From leatherwork to utility ceramics

Para hablar de diversidad artística no hay mejores ejemplos que Monterrey y Chihuahua, ambas regiones, aunque ubicadas en el norte, poseen tradiciones opuestas en las que sus artesanos convergen en inspiración.

Por / By María Galland

When discussing artistic diversity, there are no better examples than Monterrey and Chihuahua. Though both regions are located in the north, they possess contrasting traditions where their artisans find common inspiration.

En Monterrey, el oficio de la talabartería es un arte en constante evolución donde los maestros manipulan distintas pieles hasta transformarlas en obras que se presumen en todo el mundo. Desde zapatos y sombreros hasta cinturones, bolsas y llaveros.

FUSIÓN DE CREATIVIDAD

Tradicionalmente asociada con la creación de artículos utilitarios como sillas de montar y arreos para caballos, la talabartería, está en una fase de notable cambio. Las técnicas tradicionales de curtido, moldeado y costura del cuero siguen siendo fundamentales en la práctica actual y se han refinado a lo largo de los años, conservando métodos que garantizan la calidad y durabilidad de las piezas.

Sus herramientas principales son las navajas o cuchillas para cortar el cuero con un filo específico para dar la forma requerida, máquinas de coser grandes y los llamados cinceles que en la mayoría de las ocasiones son elaborados por ellos mismos para crear sus diseños.

Sin embargo, los artesanos de Monterrey están adaptando su arte para responder a las nuevas demandas del mercado contemporáneo. Desde la inclusión de decorados modernos hasta la creación de artículos que combinan distintos cueros y que van más allá de los usos tradicionales como cojines, sillones, mesas y hasta accesorio de cocina.

In Monterrey, the craft of leatherwork is an art in constant evolution, where masters manipulate various leathers to transform them into works admired worldwide. From shoes and hats to belts, bags, and keychains.

FUSION OF CREATIVITY

Traditionally associated with creating utilitarian items like saddles and horse tack, leatherwork is now undergoing notable changes. Traditional techniques of tanning, molding, and sewing leather remain fundamental in current practice and have been refined over the years, preserving methods that ensure the quality and durability of the pieces.

The main tools are knives or blades for cutting leather with a specific edge to shape it, large sewing machines, and so-called chisels, which are often crafted by the artisans themselves to create their designs.

However, Monterrey artisans are adapting their craft to meet the new demands of the contemporary market. This includes incorporating modern decorations and creating items that combine different leathers, extending beyond traditional uses to include cushions, armchairs, tables, and even kitchen accessories.

En un mundo cada vez más globalizado, la talabartería de Monterrey ha encontrado un mercado más amplio, lo que fomenta un intercambio cultural que enriquece la práctica de todos estos talleres. Durante tu visita a Monterrey, te invitamos a descubrir este arte en el Mercado Indio y el Mercado Juárez, así como en las tiendas especializadas ubicadas alrededor de la Macroplaza.

EL RENACIMIENTO DE LA CERÁMICA

En el árido desierto del estado de Chihuahua, México, se encuentra una pequeña comunidad que ha logrado convertir el polvo y la tierra en verdaderas obras de arte: Mata Ortiz. Esta aldea, con menos de 1,500 habitantes, es el epicentro de una de las formas más destacadas de cerámica contemporánea conocida por su belleza y profunda conexión con sus antepasados.

El resurgimiento de la cerámica de Mata Ortiz se atribuye en gran medida a Juan Quezada, un artesano autodidacta que, en la década de 1970, redescubrió y revitalizó las técnicas de los antiguos pueblos mimbres y ancestrales. Quezada, inspirado por los fragmentos de cerámica antiguos encontrados en la región y su pasión por la alfarería, comenzó a experimentar con nuevas formas de diseño.

Antes de la intervención de Quezada, la cerámica de Mata Ortiz estaba en peligro de desaparecer. La tradición había sido casi olvidada y se limitaba a formar simples y utilitarias. Sin embargo, el trabajo de Quezada rescató este trabajo y le dio un giro innovador, combinando la precisión con una estética moderna que ha capturado la imaginación de coleccionistas y aficionados a nivel mundial.

EL PROCESO CREATIVO

Su elaboración es una danza meticulosa. Cada pieza, realizada a mano, comienza con la selección y preparación de la arcilla, que es cuidadosamente moldeada y alisada. Los artesanos emplean técnicas ancestrales, como el uso de moldes de madera para darle forma a las piezas y el método de cocción en hornos de leña, que imparten un acabado distintivo y auténtico.

Una de las características más destacadas de Mata Ortiz es el uso de diseños geométricos. Los patrones, que a menudo incluyen figuras abstractas, son realizados por los artesanos, quienes emplean pinceles finos para lograr un acabado impecable.

Actualmente, nuevas generaciones aprenden de los viejos maestros y llevan la cerámica de Mata Ortiz hacia nuevas direcciones. Este equilibrio entre la innovación y la preservación es esencial para mantener la vitalidad de la cerámica de Mata Ortiz en el futuro. mataortizartgallery.com

In an increasingly globalized world, Monterrey’s leatherwork has found a broader market, fostering a cultural exchange that enriches the practice of all these workshops. During your visit to Monterrey, we invite you to discover this craft at the Mercado Indio and Mercado Juárez, as well as in the specialized stores around Macroplaza.

THE RENAISSANCE OF CERAMICS

In the arid desert of Chihuahua, Mexico, lies a small community that has turned dust and clay into true works of art: Mata Ortiz. This village, with fewer than 1,500 inhabitants, is the epicenter of one of the most prominent forms of contemporary ceramics known for its beauty and deep connection with its ancestors.

The resurgence of Mata Ortiz ceramics is largely attributed to Juan Quezada, a self-taught artisan who, in the 1970s, rediscovered and revitalized the techniques of ancient and ancestral Mimbres culture. Inspired by ancient pottery shards found in the region and his passion for pottery, Quezada began experimenting with new design forms.

Before Quezada’s intervention, Mata Ortiz ceramics were at risk of disappearing. The tradition had been nearly forgotten and limited to simple, utilitarian forms. However, Quezada’s work rescued and innovated this craft, combining precision with a modern aesthetic that has captured the imagination of collectors and enthusiasts worldwide.

THE CREATIVE PROCESS

The creation of each piece is a meticulous dance. Each handmade piece begins with the selection and preparation of clay, which is carefully shaped and smoothed. Artisans use ancestral techniques, such as wooden molds to shape the pieces and wood-fired kilns, which impart a distinctive and authentic finish.

One of the standout features of Mata Ortiz is the use of geometric designs. Patterns, often including abstract figures, are created by artisans who use fine brushes to achieve a flawless finish.

Today, new generations are learning from the old masters and taking Mata Ortiz ceramics in new directions. This balance between innovation and preservation is essential for maintaining the vitality of Mata Ortiz ceramics in the future.

Arte rupestre: ventana al pasado Cave art: a window into the past

En Baja California existen varios lugares donde se pueden apreciar estas pictografías. Desde El Vallecito en Mexicali, pasando por San Quintín hasta llegar al sur y visitar la Sierra de San Francisco. reflexión sobre la sociedad actual.

Por/ By Jessica Servín Castillo

In Baja California, there are several places where these pictographs can be seen. From El Vallecito in Mexicali, passing through San Quintín to the south and visiting the Sierra de San Francisco.

“Fueron hechas por los primeros pobladores como testimonio de su vida. Es la manifestación más antigua del arte”, nos explica José Luis, uno de los guías de esta ruta en Baja California. Llegamos a El Vallecito, son las diez de la mañana y el verano es cálido en esta región del país.

Aquí, en El Vallecito, se pueden apreciar distintos grupos de pinturas rupestres que, según registros, se comenzaron a pintar hace más de 4,000 años. Van desde figuras geométricas hasta elementos figurativos donde se distinguen estrellas, animales y formas humanas.

“La pintura que deben ver es El Diablito, así le llamamos a este conjunto de dibujos que tiene como elemento central la figura de una persona con cuernos”, dice José Luis, y es que, según la leyenda, cada 21 de diciembre, durante el solsticio de invierno y al salir el sol, la luz invade la cueva iluminando cada motivo pictórico hasta llegar al mismo centro de El Diablito.

VÍNCULO DE EQUILIBRIO Y FORMA DE EXPRESIÓN

Tras la revelación, tomamos rumbo al siguiente punto del recorrido: San Quintín, un destino conocido también por su belleza natural y biodiversidad, y uno de los lugares con mayor cantidad de sitios con arte rupestre en México.

La autoría de estos dibujos es otorgada a la tribu yumana, quienes los realizaban durante el invierno, cuando permanecían dentro de sus casas o cuevas para resguardarse del clima. Datos del Museo Local de San Ignacio, en Baja California, dedicado al arte rupestre, dan cuenta de ello.

“They were made by the first settlers as a testimony of their life. It is the oldest manifestation of art”, explains José Luis, one of the guides of this route in Baja California. We arrive at El Vallecito, it is ten o’clock in the morning and the summer is hot in this region of the country.

Here, in El Vallecito, you can see different groups of cave paintings which, according to records, began to be painted more than 4,000 years ago. They range from geometric figures to figurative elements where stars, animals and human forms can be distinguished.

“The painting you should see is El Diablito, as we call this group of pictures whose central element is the figure of a person with horns,” says José Luis. According to legend, every December 21, during the winter solstice and at sunrise, light invades the cave, illuminating each pictorial motif until it reaches the very center of El Diablito.

BALANCE AND FORM OF EXPRESSION

After the revelation, we headed to the next point of the tour: San Quintín, a destination also known for its natural beauty and biodiversity, and one of the places with the largest number of rock art sites in Mexico.

The authorship of these drawings is attributed to the Yumana tribe, who made them during the winter, when they stayed inside their houses or caves to protect themselves from the weather. Data from the Local Museum of San Ignacio, in Baja California, dedicated to rock art, attests to this.

Al llegar a San Quintín, visitamos el sitio arqueológico Mesa del Carmen. Este lugar destaca por lo bien conservado que están estos murales, con pigmentaciones rojizas y negras, donde se retratan representaciones de animales como el venado, el coyote o los peces.

En San Quintín comeremos antes de viajar por carretera al último punto del recorrido. Lo mejor es recorrer las primeras tres horas en auto y dormir en Guerrero Negro, para que, al día siguiente, sigamos tres horas más a la Sierra de San Francisco, Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

Antes de llegar ahí, nuestro guía nos advierte que existen muchos otros lugares en Baja para apreciar este legendario tesoro: “Está la zona de Las Pintas, donde hay un conjunto de enormes rocas con cientos de dibujos en color blanco”.

PATRIMONIO VIVO

Ya en San Francisco, hacemos un viaje cuesta arriba montados en una mula para llegar a la sierra donde se encuentran las pinturas. Estamos en el desierto Central. El camino ya es un espectáculo paisajístico en el que, seguramente, estos antiguos pobladores se inspiraron.

Entre planicies y mesetas, nos encontramos con las misteriosas pinturas, todos nos preguntamos cómo hicieron para dibujarlas con tal perfección, y un silencio abrumador nos contagia, mientras, José Luis nos da su explicación: “Este lugar es un reflejo único del trabajo artístico de estas tribus. Muchos de ellos hacían rituales especiales antes de pintar, de hecho, es muy probable que estos trabajos se hicieran bajo la supervisión de su chamán”.

Upon arriving at San Quintín, we visited the Mesa del Carmen archaeological site. This site is remarkable for its well-preserved murals, with reddish and black pigmentations, depicting animals such as deer, coyotes and fish.

In San Quintín we will have lunch before travelling by road to the last point of the route. It is best to drive the first three hours and sleep in Guerrero Negro, and then the next day we will drive another three hours to the Sierra de San Francisco, a UNESCO World Heritage Site.

Before we get there, our guide warns us that there are many other places in Baja to appreciate this legendary treasure: “There is the area of Las Pintas, where there is a group of enormous rocks with hundreds of white drawings.

LIVING HERITAGE

Back in San Francisco, we took a trip uphill on a mule to reach the sierra, where the paintings are located. We are in the Central Desert. The road is already a scenic spectacle from which these ancient settlers must have drawn inspiration.

Between plains and plateaus, we come across the mysterious paintings, we all wonder how they managed to draw them with such perfection, and an overwhelming silence fills us, while José Luis gives us his explanation: “This place is a unique reflection of the artistic work of these tribes. Many of them performed special rituals before painting, in fact, it is very likely that these works were done under the supervision of their shaman”.

Más allá de las pantallas: Los Cabos International Film Festival Beyond the screens: Los Cabos International Film Festival

Los Cabos International Film Festival, celebrado en la pintoresca península de Baja California, ha emergido en la última década como un faro de creatividad y cine innovador en el circuito internacional. Aunque a primera vista pueda parecer otro evento de la temporada de festivales de cine, su impacto y relevancia van más allá de las proyecciones y los premios.

En lugar de simplemente servir como una plataforma para el cine de autor y las producciones independientes, Los Cabos se ha convertido en un catalizador para la industria cinematográfica en América Latina y un puente cultural entre Norteamérica y el resto del mundo

UNA PLATAFORMA PARA LA DIVERSIDAD Y LA INCLUSIÓN

El Festival Internacional de Cine de Los Cabos no solo celebra el arte del cine, sino que también actúa como un punto de encuentro para una variedad de voces y perspectivas que, a menudo, están subrepresentadas en otros festivales. Con un enfoque particular en el cine latinoamericano y su intersección con el cine estadounidense y canadiense, abarca una amplia gama de géneros, estilos y temas. Desde narrativas que exploran las complejidades de la identidad cultural hasta experimentaciones visuales que desafían las convenciones del cine tradicional, el festival ofrece una plataforma para que los cineastas exploren y compartan su visión única del mundo.

IMPULSANDO EL DESARROLLO DE LA INDUSTRIA CINEMATOGRÁFICA

El festival ha sido un escenario destacado para la presentación de obras de algunos de los más influyentes artistas y directores mexicanos, quienes han utilizado esta plataforma para compartir sus perspectivas únicas y sus visiones cinematográficas.

Directores como Alejandro González Iñárritu, Guillermo del Toro y Alfonso Cuarón han presentado sus trabajos en Los Cabos, atrayendo la atención de críticos y audiencias de todo el mundo. Artistas como Michel Franco, con su película “Las Hijas de Abril,” y Tatiana Huezo, con “Noche de Fuego”, han llevado su visión única al festival. Lila Avilés, con su aclamada “La Camarista,” también ha utilizado el escenario de Los Cabos como una plataforma para explorar temas de identidad y experiencia personal.

Estos cineastas no solo aportan sus talentos y perspectivas al festival, sino que también inspiran a una nueva generación de creadores. Su participación en Los Cabos subraya la importancia del festival como un punto de encuentro clave para la industria cinematográfica mexicana y global.

loscabosiff.org

Los Cabos International Film Festival, held on the picturesque Baja California peninsula, has emerged over the past decade as a beacon of creativity and innovative filmmaking on the international circuit. While at first glance it may seem like just another event in the film festival season, its impact and relevance go beyond screenings and awards.

Rather than simply serving as a platform for auteur films and independent productions, Los Cabos has become a catalyst for the film industry in Latin America and a cultural bridge between North America and the rest of the world.

A PLATFORM FOR DIVERSITY AND INCLUSION

Los Cabos International Film Festival not only celebrates the art of filmmaking, but also acts as a meeting point for a diverse range of voices and perspectives that are often underrepresented at other festivals. With a particular focus on Latin American cinema and its intersection with U.S. and Canadian cinema, it encompasses a wide range of genres, styles and themes. From narratives that explore the complexities of cultural identity to visual experiments that challenge the conventions of traditional cinema, the festival provides a platform for filmmakers to explore and share their unique vision of the world. Among his most representative works, which earned him numerous awards, are “Naturaleza Muerta” (1954), known for the famous watermelon slices alongside two bottles, found at the Museo Soumaya, and “Dualidad” (1964), possibly one of his greatest works, depicting a duality of light and darkness with pre-Hispanic scenes referencing the gods of Nahuatl cosmogony, displayed at the Museo de Antropología e Historia.

PROMOTING THE DEVELOPMENT OF THE FILM INDUSTRY

The festival has been a prominent stage for the presentation of works by some of Mexico’s most influential artists and directors, who have used this platform to share their unique perspectives and cinematic visions.

Directors such as Alejandro González Iñárritu, Guillermo del Toro and Alfonso Cuarón have presented their work in Los Cabos, attracting the attention of critics and audiences from around the world. Artists such as Michel Franco, with his film “Las Hijas de Abril,” and Tatiana Huezo, with “Noche de Fuego,” have brought their unique vision to the festival. Lila Aviles, with her acclaimed “La Camarista,” has also used the Los Cabos setting as a platform to explore themes of identity and personal experience.

These filmmakers not only bring their talents and perspectives to the festival, but also inspire a new generation of creators. Their participation in Los Cabos underscores the festival’s importance as a key meeting point for the Mexican and global film industry.

Carla Fernández: honrar las técnicas tradicionales

Carla Fernández:

Honoring Traditional Techniques

Reconocida por fusionar la tradición textil de comunidades artesanas con propuestas de moda contemporánea, Carla Fernández, diseñadora mexicana, ha impulsado un modelo de colaboración que integra la sabiduría ancestral de tejidos y bordados indígenas, para otorgarles a sus creaciones un sello único.

Su enfoque ético y sustentable, sumado a su búsqueda de innovación, la han posicionado como una de las voces más originales en la escena de la moda latinoamericana. Aquí, nos habla sobre ella y su visión artística de la moda.

Recognized for fusing the textile traditions of artisan communities with contemporary fashion proposals, Mexican designer Carla Fernández has promoted a collaborative model that integrates the ancestral wisdom of indigenous weaving and embroidery, giving her creations a unique hallmark.

Her ethical and sustainable approach, along with her pursuit of innovation, has positioned her as one of the most original voices in the Latin American fashion scene. Here, she talks about herself and her artistic vision of fashion:

Por / By María Galland

DIBUJANDO PATRONES

Me motiva crear prendas con una rebeldía sutil en su forma. Me gusta colaborar con artesanas que, a veces, ni siquiera hablan el mismo idioma (tzeltal, tzotzil, purépecha, etc.). Esa dinámica nos ha llevado a desarrollar una pedagogía de diseño que resuelve la comunicación a través de patrones simples (cuadrados y rectángulos). Además, hacemos justo lo que nos dijeron que no hiciéramos en las escuelas de negocios o de moda: no seguimos tendencias, sino que las proponemos, honrando el simbolismo y las técnicas tradicionales.

DRAWING PATTERNS

I’m motivated to create garments with a subtle rebelliousness in their form. I like collaborating with artisans who sometimes don’t even speak the same language (Tzeltal, Tzotzil, Purépecha, etc.). This dynamic has led us to develop a ‘design pedagogy’ that overcomes communication barriers through simple patterns (squares and rectangles). Moreover, we do exactly what we were told not to do in business or fashion school: we don’t follow trends; we set them, honoring symbolism and traditional techniques.

PRESERVANDO EL LEGADO INDÍGENA

Es un entendimiento mutuo que va más allá del lenguaje verbal. A veces tenemos un traductor, pero mucho surge de la práctica y la observación. El término “texto” comparte raíz con “textil”, así que trabajamos con bocetos, formas y siluetas para explicar nuestras ideas. Llega un punto en que todo se vuelve muy físico y casi no se necesitan palabras; las técnicas artesanales dictan el proceso de manera natural.

UN ESTILO EN EVOLUCIÓN

Nuestro estilo busca una elegancia sutil que se completa con la persona que viste la prenda. Cada pieza cobra vida al usarse, adquiriendo la personalidad de quien la porta. Eso me fascina de la moda: es un arte vivo y útil. Diseñamos, pero el resultado final se ve cuando la gente se apropia de las prendas y las lleva a su propio terreno.

EL FUTURO DE CARLA FERNÁNDEZ

Ahora mismo estamos trabajando en manuales de procesos para documentar claramente nuestras áreas y colaboraciones con artesanas. Hemos tenido exposiciones dentro y fuera de México, pero entramos en una etapa de reflexión donde queremos afinar nuestra metodología y compartir lo aprendido a lo largo de estos años. Es un momento para sentarnos, repensar y hacer ajustes que consoliden la filosofía de la marca.

carlafernandez.com

PRESERVING INDIGENOUS LEGACY

It’s a mutual understanding that goes beyond words. Sometimes we have a translator, but much of it comes from hands-on practice and observation. The word ‘texto’ (text) shares the same root as ‘textil’ (textile), so we work with sketches, shapes, and silhouettes to convey our ideas. There comes a point where everything becomes very physical and words are hardly needed; artisanal techniques naturally dictate the process.

AN EVOLVING STYLE

Our style aims for a subtle elegance that is completed by the person wearing the garment. Each piece comes to life when worn, taking on the personality of its wearer. That’s what fascinates me about fashion: it’s a living, functional art form. We design, but the final result only emerges when people make the garments their own.

THE FUTURE OF CARLA FERNÁNDEZ

Right now, we’re working on process manuals to clearly document our areas of collaboration with artisans. We’ve had exhibitions both within Mexico and abroad, but we’re entering a period of reflection where we want to refine our methodology and share what we’ve learned over the years. It’s a time to sit down, rethink, and make adjustments that solidify the brand’s philosophy.

SURESTE

Artesanía Maya: legado y cosmovisión

Maya craftsmanship: Legacy and cosmovision

Con su intrincada belleza y profundo simbolismo, representan una parte invaluable del patrimonio cultural de México.

With its intricate beauty and profound symbolism, Maya craftsmanship represents an invaluable part of Mexico’s cultural heritage.

Por / By María Galland

Desde los vibrantes bordados hasta la cerámica, estas piezas no solo reflejan la habilidad técnica de los artesanos, sino también una visión del mundo que ha perdurado a lo largo de los siglos. En México, puedes encontrar una rica variedad de artesanías mayas, principalmente en el este y sureste del país.

A continuación, te guiamos por los destinos más importantes de la República Mexicana y los lugares donde podrás adquirirlos durante tu visita.

ESTÉTICA CON HISTORIA

En Mérida, la capital del estado de Yucatán, la influencia maya es inmensa y se manifiesta en las numerosas tiendas que venden artesanías. No dejes de visitar el Mercado de la Ciudadela, conocido por sus textiles de alta calidad y cerámica pintada a mano. Los artesanos locales utilizan materiales e instrumentos antiguos para crear estos productos que mantienen viva la herencia de esta civilización.

Taller Maya: Marca colectiva de diseño mexicano formada por empresas sociales artesanales, quienes a través de su trabajo, buscan fortalecer las cadenas de valor y generar fuentes de ingreso sostenibles. Además, recuperan las técnicas de la cultura maya para realizar estas obras, a través de sus 42 talleres artesanales aliados. tallermaya.org

PIEZAS AUTÉNTICAS

En la Riviera Maya, principalmente en Tulum y Playa del Carmen, encontrarás tiendas especializadas con una influencia de la cultura maya evidente en los productos y que mezclan técnicas modernas, notorias en el arte de la cerámica, las máscaras y esculturas, así como en la joyería de jade.

La Llorona: Esta tienda ubicada en Tulum, ofrece una variedad de artesanías, incluyendo textiles como huipiles de técnicas ancestrales, figuras decorativas de barro y escultura de madera con chaquiras. Aquí podrás observar el talento de los artesanos mexicanos y la diversidad de materiales y formas hechas a mano. @lalloronatulum

Sol Jaguar: Ubicado en Playa del Carmen, este bazar presenta una colección de productos mayas auténticos y de gran calidad. Aquí también encontrarás arte de pared, rebozos y esculturas como alebrijes, otra de las artesanías típicas de nuestro país, elaborados de cartón, papel y alambre.

From vibrant embroidery to pottery, these pieces not only reflect the technical skill of the artisans, but also a worldview that has endured over the centuries. In Mexico, you can find a rich variety of Maya crafts, primarily in the eastern and southeastern parts of the country.

Below, we guide you through the most important destinations in Mexico and the places where you can acquire these crafts during your visit.

AESTHETIC WITH HISTORY

In Mérida, the capital of the state of Yucatán, Maya influence is immense and manifests in the numerous shops selling crafts. Be sure to visit the Mercado de la Ciudadela, known for its high-quality textiles and hand-painted ceramics. Local artisans use ancient materials and tools to create these products, keeping the heritage of this civilization alive.

Taller Maya: A collective design brand formed by social artisan enterprises that, through their work, seek to strengthen value chains and generate sustainable sources of income. Additionally, they recover Maya cultural techniques to create these works through their 42 allied artisan workshops.

AUTHENTIC PIECES

In the Riviera Maya, primarily in Tulum and Playa del Carmen, you will find specialized shops with a clear Maya cultural influence in their products, blending modern techniques evident in ceramic art, masks, sculptures, and jade jewelry.

La Llorona: Located in Tulum, this store offers various crafts, including textiles such as huipiles made with ancestral techniques, decorative clay figures, and wood sculptures with beadwork. Here you can observe the talent of Mexican artisans and the diversity of handmade materials and forms.

Sol Jaguar: Located in Playa del Carmen, this bazaar features a collection of authentic and high-quality Maya products. You will also find wall art, shawls, and sculptures such as alebrijes, another traditional Mexican craft made from cardboard, paper, and wire.

BEYOND MEXICO

Arte Temporal Temporary Art

Estas piezas de alta relojería son una obra de arte que trasciende el tiempo. En su elaboración se fusionan técnicas ancestrales con innovación contemporáneas.

These pieces of fine watchmaking are a work of art that transcends time. In their elaboration, ancestral techniques are fused with contemporary innovation.

Por/ By Jessica Servín Castillo

OYSTER PERPETUAL

Rolex

¡Emblemático! Su diseño atemporal está centrado en el concepto de la “Oyster”, una caja hermética que brinda una resistencia excepcional. Se carga con el movimiento natural de la muñeca. rolex.com

OYSTER PERPETUAL

Rolex

Emblematic! Its timeless design is centered on the concept of the “Oyster”, a watertight case that provides exceptional resistance. It is charged by the natural movement of the wrist.

ROYAL OAK CONCEPT

TOURBILLON COMPANION Y KAWS

Audemars Piguet

Desarrollado en conjunto con el famoso artista Kaws, es una obra maestra con caja de titanio y acabado satinado. Una pieza de estética moderna y futurista. audemarspiguet.com

CLASSIC FUSION TAKASHI

MURAKAMI NLACK CERAMIC RAINBOW

Hublot

Una colaboración entre Hublot y el artista japonés Takashi Murakami. Esta pieza exclusiva, cuenta con una esfera con la icónica flor del pintor, símbolo de optimismo y color. hublot.com

ROYAL OAK CONCEPT

TOURBILLON COMPANION AND KAWS

Audemars Piguet

Developed in collaboration with the famous artist Kaws, it is a masterpiece with a titanium case and satin finish. A piece of modern and futuristic aesthetics.

CLASSIC FUSION TAKASHI MURAKAMI NLACK CERAMIC RAINBOW

Hublot

A collaboration between Hublot and Japanese artist Takashi Murakami. This exclusive piece features a dial with the painter’s iconic flower, symbol of optimism and color.

MÉTIERS D’ART TRIBUTE TO TRADITIONAL SYMBOLS MOONLIGHT SLIVERS

Vacheron Constantin

Pertenece a la colección Métiers d’Art Homenaje, se inspira en la arquitectura y decoración de la China imperial. Destaca por su técnica de esmalte cloisonné y su engaste de diamantes. vacheron-constantin.co

CUERVO Y SOBRINOS HISTORIADOR FAMILY RESERVE

Cuervo y Sobrinos

Esta pieza de lujo celebra la colaboración entre la marca de relojes suizos Cuervo y Sobrinos y la legendaria casa tequilera Jose Cuervo. La edición limitada de 50 piezas cuenta con una caja de oro rosa de 18 quilates y una esfera que evoca los matices del tequila añejo. cuervoysobrinos.com

MÉTIERS D’ART TRIBUTE TO TRADITIONAL SYMBOLS MOONLIGHT SLIVERS

Vacheron Constantin

Belonging to the Métiers d’Art Tribute collection, it is inspired by the architecture and decoration of imperial China. It stands out for its cloisonné enamel technique and its diamond setting.

CUERVO Y SOBRINOS HISTORIADOR FAMILY RESERVE

Cuervo y Sobrinos

This luxury piece celebrates the collaboration between the Swiss watch brand Cuervo y Sobrinos and the legendary tequila house Jose Cuervo. The limited edition of 50 pieces features an 18-karat rose gold case and a dial that evokes the nuances of aged tequila.

UN DESTINO donde la aventura y el LUJO se fusionan.

Playas doradas, resorts de clase mundial y paisajes de mar, desierto y montaña que fascinan. Sumérgete en la belleza del Mar de Cortés, disfruta de una gastronomía excepcional y relájate en un entorno de ensueño.

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Los Cabos, a destination where luxury and adventure come together. Golden beaches, world-class resorts, and stunning landscapes of sea, desert, and mountains that captivate. Immerse yourself in the beauty of the Sea of Cortés, indulge in exceptional cuisine, and unwind in a dreamlike setting.

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