calle20#65 by Marta de los Dolores

FEBRERO / 12 #65

LA REVISTA DE LA NUEVA CULTURA

CINE DEL FIN DEL MUNDO // EL FETICHISMO DE BRUCE LABRUCE // ยกLARGA VIDA A LOS OBJETOS! // MODA: TOQUE ORIENTAL

Flamenco_200x260.pdf

19/01/12

13:10

XX FESTIVAL BANKIA MADRID, 1–11 FEBRERO 2012

LA CASA ENCENDIDA AUDITORIO TERTULIAS, PRESENTACIÓN DE LIBRO Y RECITALES

Mi01, 19:00 h RANCAPINO HIJO

PATIO EL FLAMENCO MÁS JOVEN EN LA CASA ENCENDIDA

Ju02 , 19:00 h MIGUEL ÁNGEL CORTÉS

Vi03, 19:00 h DAVID CARO

Sá04, 20:00 h GABRIEL DE LA TOMASA / TOMATITO HIJO

Ma07, 20:30 h ESTRELLA MORENTE

Mi08, 20:30 h RANCAPINO / MANUEL MONEO / COMPAÑÍA DE BAILE MANOLETE

Ju09, 20:30 h LA MACANITA / FERNANDO DE LA MORENA / JUANA LA DEL PIPA / JOSÉ MERCÉ

Vi10, 20:30 h NIÑO JOSELE / MARIANA CORNEJO / PASENQUITO

Sá11, 20:30 h MARÍA TOLEDO / ARCÁNGEL

PUNTOS DE VENTA CAJEROS DE LA RED CAJA MADRID 902 488 488 WWW.ENTRADAS.COM

LA CASA ENCENDIDA RONDA DE VALENCIA, 2 WWW.LACASAENCENDIDA.ES AUDITORIO Con invitación hasta completar el aforo PATIO Tres días antes del evento en puntos de venta

TEATRO CIRCO PRICE RONDA DE ATOCHA, 35 WWW.TEATROCIRCOPRICE.COM TAQUILLAS DEL TEATRO De martes a viernes, de 16:00 a 21:00, y desde dos horas antes de cada espectáculo o en el teléfono 91 528 81 22

PRODUCCIÓN CULTYART WWW.CULTYART.COM

SI QUIERES SABER MÁS DE LOS ARTISTAS QUE PARTICIPAN Y CONOCER LAS ÚLTIMAS NOVEDADES DEL XX FESTIVAL BANKIA FLAMENCO SÍGUENOS EN NUESTRAS REDES SOCIALES

CMY

TEATRO CIRCO PRICE CONCIERTOS

FEBRERO 12 «TENEMOS QUE INTENTAR NO PERDER NUESTRO SELLO» Jordi Évole: de follonero con Buenafuente a presentador de Salvados en La Sexta

LA IMPREDECIBLE LEVEDAD DEL ALGORITMO

¡A DISFRUTAR, QUE EL MUNDO SE VA A ACABAR! Catástrofes, guerras, cracks económicos... Las pantallas se anticipan al 23D

CIENTO CUARENTA CARACTERES DAN MUCHO DE SÍ Los cibercreadores se vuelcan en los lienzos digitales: nace el TwitterArt

LA CREATIVA OBSCENIDAD DE BRUCE LABRUCE

Un minirrelato inédito de Eduardo Cano inaugura Cuentagotas, nuestro nuevo rincón literario

El realizador y fotógrafo canadiense hace peli y exposición en España

«NO ENTIENDO LA MANÍA DE ESCRIBIR HISTORIAS LARGAS»

El músico londinense James Blake copó todas las listas de éxitos en 2011

Alberto González, creador de la webserie Cien enfermedades incurables, publica su primer cómic

TINA KAZAKHISHVILI, UNA GEORGIANA ENTRE BRUMAS

Fotógrafa de las emociones, sus imágenes sirven de broche final a nuestra sección Revelados

«AL COMPONER NUNCA SÉ CÓMO ACABARÉ» NO A LA MUERTE PREMATURA DE LOS OBJETOS Cada vez más colectivos plantan cara a la obsolescencia programada

CAL ERIL VUELVE A LEVANTAR EL TELÓN El cantante Joan Pons recupera un viejo teatro familiar para la música

EL ÚLTIMO GRITO DE LA MODA, A SOLO UN CLIC Los devoradores de tendencias ya pueden comprar on line lo más reciente

AGENDA

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Al día, y a diario No esperes un mes para saber lo que se cuece ahí fuera. En nuestra web te ponemos todos los días al día de lo último en cultura urbana.

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DE TWEET A TWEET

POR JAUME ESTEVE FOTOS @HILVANAL

LE CONOCIMOS EN ‘BUENAFUENTE’ COMO FOLLONERO Y AHORA SE HA CONVERTIDO EN PERIODISTA DE PRESTIGIO. EN NOVIEMBRE SE LLEVÓ UN ONDAS AL MEJOR PRESENTADOR POR ‘SALVADOS’, PROGRAMA DE ACTUALIDAD DESDE EL QUE TOCA TODOS LOS PALOS LOS DOMINGOS POR LA NOCHE EN LA SEXTA.

¿Quién es Follonero: un periodista o un cómico? Estamos superando la fase Follonero sin renegar de ella, porque me ha ayudado a pagar muchas letras y mensualidades de la hipoteca. Sí que es verdad que el programa ha hecho un viraje hacia el periodismo, pero sin olvidar la ironía y el humor. ¿No tienes miedo de que te digan que antes molabas más? Eso pasará siempre. Cuando tienes menos público, se te valora un montón. Cuando tu producto llega a más gente, parece más comercial, aunque no lo sea, y entonces te dirán: ¡hostia, molabas más antes! Tenemos que intentar no perder nuestro sello, nos vean más o menos. ¿Qué piensas cuando escuchas eso de que tiene gracia que uno de los mejores programas de televisión no lo haga un periodista? Yo ejercí de periodista. Por el camino me metí en el mundo del humor y ha sido una suerte, porque la mezcla de periodismo, entretenimiento y humor es hoy Salvados. Si me hubiesen preguntado al salir de la facultad qué tipo de programa querría hacer, hubiese dicho algo así. ¿Crees que haber sido humorista te permite ciertas licencias? La suma de todas esas influencias hace que estemos en una situación de privilegio, porque a mí me dejan hacer preguntas que no permitirían un periodista estricto. ¿Has pasado miedo en algún programa? Paso más miedo en la sala de edición cuando veo lo que hemos grabado que cuando lo estoy haciendo. No me doy cuenta del peligro, pienso que no va a pasar nada. Luego, cuando lo he visto, he pensado... joder, macho, ¿hacía falta hacer esta pregunta a este señor? Con esto de tocar la moral tanto a la izquierda como a la derecha, te habrás llevado algún palo por la calle... No debemos gustar demasiado a los extremos. En una manifestación de familiares de presos de ETA, un señor nos dijo «payasos»; y el día de la celebración del PP, uno de sus seguidores nos llamó proetarras. Son extremos. La mayoría de la gente no está en los extremos y es la que nos respeta, nos quiere, nos aplaude y a veces nos critica, pero con un tono muy bueno.

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CUENTAGOTAS

TEXTO EDUARDO CANO ILUSTRACIÓN CRUZILLUSTRATION

Ciencia En Medusa la ciencia fue entrando desde hace años de una forma paulatina en la vida de todos los medusianos. Todo en Medusa fue quedando reducido a un problema matemático de variables determinadas. Los sentimientos en Medusa, los afectos, se convirtieron también y casi por completo en una cuestión algorítmica, formada por un conjunto mayor o menor de causas y de efectos, de correlaciones y variables, más o menos complejas, pero en casi todos los casos predecibles. Así mismo, y al mismo tiempo que la ciencia avanzaba en Medusa, el sentimiento de seguridad se consideró un logro del progreso, y las Fuerzas Armadas de la Confianza de Medusa velaron desde entonces por que así fuera.

Hoy iba a ser declarado oficialmente este logro: desde el altar indestructible que proporcionaría ya para siempre la Infalible Majestad de la Lógica, hoy, al fin, y en un acto público y multitudinario (los medusianos se habían reunido para festejarlo), se iban a sentir completamente libres del miedo y del azar, definitivamente iban a ser capaces de calcular las esferas del comportamiento de sus semejantes, de predecir el sentido de todos sus afectos. De saber con seguridad qué iba a ser de sus vidas y de sus anhelos, presentes y futuros. Ya no habría más dudas en Medusa. Todo iba a quedar reducido a un conjunto entrelazado de matrices y variables, más o menos complicadas para el cálculo, eso sí, pero falibles en cualquier caso a la potencia resolutiva y aumentada, desde hoy, de las máquinas. Hoy en Medusa, esta misma tarde, en el proscenio en el que se iba a declarar la tan esperada «Fiesta de Liberación del Azar», uno de esos perros alados que acompañan a las Fuerzas Armadas de la Confianza en Medusa, una de esas fieras de triple mandíbula y dientes de cobre, ha mordido salvajemente entre los ojos al funcionario que se disponía a declararla.

Eduardo Cano nació en Madrid, en 1968. Finalista del concurso Hucha de Oro en la pasada edición, ha publicado relatos en las antologías Segunda parábola de los talentos (Ediciones Gens) y en Relatos 01 (Tres Rosas Amarillas). Tiene un libro de cuentos inédito al que pertenece este relato, que aún está esperando a Godot.

PUBLICACIÓN DE PEQUEÑOS-GRANDES RELATOS ‘CALLE 20’ ASOMARÁ UNO DE ELLOS CADA MES.

PARA EL VIAJERO URBANO.

www.grupoanden.com

FOTO: CHESCO LÓPEZ

GENIOSFERA

alberto gonzález vázquez «Cuando empecé el blog contaba cosas estúpidas. Me creía Bukowski. A los treinta no eres consciente»

Me bajé la aplicación de Apalabrados solo porque me la recomendó Alberto González (Lugo, 1972). El creador de la webserie Cien enfermedades incurables tiene la capacidad de anular mi voluntad, y no tuvo ni que levantarse de la silla para convencerme de que le hiciera una entrevista con motivo de la edición de su primer cómic, el próximo mes de marzo. Humor cristiano está en el horno de la novísima editorial ¡Caramba! (fundada en 2011) como fruto de la insistencia de su codirector, Manuel Bartual: «Me propuso recopilar el material gráfico del blog [queridoantonio.blogspot.com], aunque hice descartes porque cuando lo empecé contaba cosas estúpidas. Me creía Bukowski. Es triste, pero era muy joven. Tenía treinta, y a esa edad no eres consciente», aclara. Gracias a dicha criba, el tebeo contiene gran cantidad de material nuevo que empezó a gestar durante unas vacaciones en Portugal. «Al principio tenía en la cabeza una historia larga, pero no ver los resultados a la vuelta de la esquina me angustiaba. No entiendo la manía de contar siempre historias largas. Eso sí, a mí no me metas en un cine a ver cortos». Fue precisamente en sus piezas breves donde nació el tono lacerante que ahora plasma en viñetas. «El proceso es parecido. Tomo notas, desarrollo el argumento, escribo el guión, saco fotos o las descargo y después las calco. La diferencia es que me ahorro las voces», resume. Una lápida inscrita con las fechas 1997-1999 y el epitafio Que me quiten lo bailao le bastan para trasladar al papel el tono de sus piezas audiovisuales. «No he censurado nada. Si quiero filtros, ya llevo ocho años trabajando en televisión». Le pregunto si en El intermedio conocen su obra, y responde: «Sí, pero o no les interesa o lo disimulan muy bien. Los vídeos que hago para el programa han podido influir en el cómic. Hay una

estructura análoga». ¿Y sus padres? «Se asustaban con el niño que amenaza de muerte a su padre en Los reyes magos, pero cuando lo puso César Vidal en su programa lo celebraron. A mí al verlo ahí se me paró el corazón treinta segundos». Quién sabe, quizá coincidan en la Feria del Libro de Madrid. «Sé que no irá nadie, pero podré contar a mis nietos que un día firmé ejemplares allí. Y ellos me contestarán: ¿la feria de qué?». IAGO FERNÁNDEZ

GENIOSFERA Moisés Catañeyra > Futuro geométrico Pura tendencia en blanco hueso y negro, geometría sobria y asimétrica, metálicos brillantes, la prenda que relega al modelo a un segundo plano... cuando una primera colección reúne estos ingredientes, convierte a las siguientes en una promesa. El «estilo deconstructivista» de la arquitecta Zaha Hadid ha inspirado Interacción, la propuesta de Moisés Castañeyra (Barcelona, 1982) para esta primavera, estrenada en la Semana de la Moda de Valencia. «Igual que la arquitectura es la forma que tenemos de vestir nuestros hogares, la moda nos viste a nosotros. Tienen mucho que ver». ¿El reto? «La arquitectura es un mundo fascinante en el que casi todo es posible», mientras que la moda implica unas limitaciones en cuanto a «materiales, peso y movilidad»... Catañeyra rompe esas barreras con decisión y consigue un resultado espectacular, que promete un futuro vestido con elegancia. Mientras trabaja en la internacionalización de su marca, no ha querido avanzarnos cómo será su próxima colección: lo descubriremos el 16 de febrero en Valencia. moisescastaneyra.com

Sheila Pazos > Color en las calles Con un imaginario que derrocha color y sentido del humor, Sheila Pazos (Ginebra, 1986) retrata la urbe como un escenario liliputiense donde todo es posible, porque el ciudadano toma el control convirtiendo las calles en un tablero de juego. ¿Qué pasa ahí fuera? da título a esta serie que expone hasta el 4 de febrero en la galería Rita Castellote (San Lucas, 9. Tienes el tiempo justo para ir a verla...). En palabras de Sheila, en sus montajes «la ciudad roza la locura, todo lo imaginable puede hacerse realidad, cualquier tipo de racionalidad desaparece y nos invita a soñar». Para su primera muestra individual en Madrid, avanza también las primeras fotos de Antioquía: ciudades sumergidas que nos remiten a ese apocalipsis que todos estamos esperando. Este contraste entre sueño y pesadilla es su manera de explicar «el sentido de lo imposible». www.galeriaritacastellote.es

FERNANDO PARRILLA

Luis Brea > ¿Esto era el punk? La etiqueta que ha elegido para sus canciones condensa el pasado y el presente de Luis Brea (Madrid, 1973): su música es «postindie» porque (Dicen por ahí) no le importa que le comparen con Julio Iglesias y porque se curtió durante años en bandas como Los Sitios y Los Hijos de Han Solo (y entre Botellas de Mahou a ambos lados de la barra del Fotomatón). Desde esta posición privilegiada se lanzó en solitario, primero como Aviación Española y ahora con su nombre y acompañado por Jorge Martí Climent y Hadrien Fregnac. En el EP autoeditado que le ha servido para fichar por el sello Marxophone (De lo dicho nada), se delató como cronista inimitable. Estamos deseosos de comprobar si continúa ese camino en su debut largo, Hipotenusa, ocho temas nuevos que se publican el 14 febrero y que presentará el 1 de marzo en El Sol.

REVELADOS

POR JOSE ÁNGEL GONZÁLEZ

TINA KAZAKHISHVILI «La fotografía es la forma perfecta para capturar emociones con la luz y las sombras»

He visto crecer como fotógrafa a Tina Kazakhishvili, y la velocidad (desde el desnudo de la página de la derecha hasta la penetrante doble exposición de arriba solo han pasado tres años) no es el menor de los asombros. Cuando entró en 2009 en un hospital psiquiátrico para retratar a los internos con una inmensa ternura —página 13, arriba a la izquierda—, se me acabaron los adjetivos y empecé a considerarla una maestra, una elegida, un faro... Con su obra pongo punto y final a esta sección, por la que han pasado, desde octubre de 2008, 33 fotógrafos emergentes. No es casualidad que Tina sea la encargada de cerrar la puerta. Cada una de sus fotos está tomada con la desesperada intensidad de quien teme quedarse ciego antes de poder hacer la siguiente. Esa es la lección única.

REVELADOS

NACIÓ en 1971 en la capital de Georgia, Tbilisi, y sigue viviendo en la ciudad. SU PAÍS, al que considera, «sin exagerar, sumamente hermoso, la nación del sol, el vino y el amor, con una historia y una cultura muy ricas», atraviesa tiempos especialmente difíciles. LAS FOTOS QUE HACE no pueden escapar a esa desazón: «Georgia es una nación pobre, y el 80 por ciento de la población está en el paro, viviendo en estado de miedo constante. Es imposible que no refleje esta situación con la cámara». DE NIÑA, TINA KAZAKHISHVILI (que aparece arriba, autorretratada en color) soñaba con convertirse en pintora, pero terminó como arquitecta, profesión que ejerció durante dos décadas. HACE SEIS AÑOS, la fotografía se convirtió en su principal ocupación y fuente de ingresos. Su marido también es fotógrafo. UTILIZA EQUIPOS ANALÓGICOS (su cámara favorita es la Konica Hexar, «compacta y silenciosa»), prefiere el blanco y negro («es más adecuado para captar emociones, más profundo y expresivo») y la película Kodak TriX de 400 ASA. www.tinakazakhishvili.com

REVELADOS

¿Recuerdas tu primera foto? Era muy pequeña y mi padre la reveló junto con sus carretes. Yo estaba impaciente esperando el resultado. A medida que la imagen se revelaba en el laboratorio, empecé a decepcionarme. Fue tanta la desilusión, que estuve años sin hacer fotos. ¿Y tu primera cámara? En 1989, cuando viajé a Europa por primera vez, llevé la vieja cámara de mi padre, una FED-2 soviética. Me dediqué a hacer fotos sin reflexión y solo algunas salieron interesantes. ¿Cuándo empezaste en serio? Entre 2006 y 2007. Hacía fotos porque las necesitaba para mis proyectos arquitectónicos, pero me di cuenta pronto de que me interesaba mucho más fotografiar a personas. Mi marido, que es fotógrafo, me enseñó algunos trucos. Todo ha sido muy rápido... No he aprendido de manera formal. Entre los consejos de mi marido y lo que fui aprendiendo por mi cuenta, buscando información y viendo las obras de otros fotógrafos, he logrado desarrollar lo que sé... Supongo que mi intuición y la formación artística también ayudaron. ¿Qué valores destacarías de la fotografía sobre otras formas artísticas? La capacidad de expresar emociones, la forma perfecta para expresar emociones momentáneas. La fotografía es la emoción capturada con la luz y las sombras. ¿Qué quieres compartir con los demás? A mí misma.

REVELADOS

¿Haces fotos a diario? No todos los días, pero cuando no las hago, me dedico a posproducir. Tu mirada me parece clásica, pura, ¿estás de acuerdo? ¿Clásica? No estoy de acuerdo. Mis fotos son tan espontáneas como yo misma. ¿Pura? Si soy capaz de transmitir esa sensación a un nivel emocional, soy feliz. ¿Qué momento del proceso prefieres? Me gusta la espontaneidad. ¿Cómo interactúas con tus modelos? Casi siempre son amigos y es bastante fácil. Antes de empezar, hablamos con sinceridad y nos reímos. Es fácil. Debo decir que en una ocasión una mujer a la que retraté en la calle se puso furiosa y me dio un golpe en la cabeza con el bolso. Cuéntanos la historia sobre la serie en el hospital psiquiátrico, ¿cómo llegaste a hacerla? Siempre me interesó la psicología de los enfermos mentales, he leído mucho sobre la cuestión. Pedí permiso para entrar en el hospital y me lo concedieron. Al principio iba acompañada de vigilantes, pero tras unas cuantas visitas me dejaron andar a mi aire y me convertí en una visita deseada por los pacientes por razones triviales: les daba cigarrillos, hablaba con ellos... Fue entonces cuando mi cámara empezó a dejar de ser visible. ¿Te afectó? No sé si cambió algo en mi interior, pero me di cuenta de que no dan miedo, solo necesitan a alguien con quien hablar, que los escuche con cariño... Son capaces de amar con más intensidad que la gente normal.

ETAM: LA BELLEZA ESTÁ EN EL INTERIOR. Tan importante como deslumbrar a primera vista es sorprender (o al menos no decepcionar...) con un conjunto de ropa interior que realce tu belleza natural. Etam te propone Music Hall, dos piezas en rojo, el color de la pasión, con transparencias que sugieren pero no enseñan antes de tiempo, y una sencillez absolutamente sexy. Para que al afortunado que lo descubra le queden ganas de repetir. www.etam.es

DOLORES PROMESAS, CON CORAZÓN. Con estampados de corazones o lemas originales (Quiero volver a enamorarme, Siempre a la verita tuya...), Dolores Promesas te da ideas para regalar en el día de los románticos. En caso de que no tengas pareja, también se acuerdan de ti con una camiseta que reza No soy tu princesa. Celebrar San Valentín no es solo cosa de enamorados... www.dolorespromesas.com

HAVAIANAS PARA DOS. Si no eres de los afortunados que festejan su amor con una escapada a la playa, al menos puedes irte preparando para el buen tiempo y renovar tus flip-flops. Esta edición amorosa de Havaianas, en versión chico y chica, huye de los tópicos y la cursilería y plasma en su suela la increíble variedad de parejas que Cupido es capaz de alcanzar con sus flechas. Porque el amor es para todo el mundo, ¿o no? es.havaianas.com

IAS JOHNNY HIA HSHFI MARRGFUIGF ESCOGE LEVI'S SUS 508 RAY-BAN PREFERIDAS Ray-Ban recupera un modelo clásico de la mano de Johnny Marr (quien fuera guitarrista de The Smiths), que ha escogido sus gafas favoritas para una edición limitada con su firma escrita a mano en la patilla. Solo se han puesto en circulación 1.500 unidades, de las cuales 150 se repartirán entre los puntos de venta de la firma en España. ray-ban.com 14

ADIDAS ORIGINALS Y FOOT LOCKER, EN BUENA COMPAÑÍA. Adidas Originals ha elegido las tiendas Foot Locker para presentar en exclusiva sus nuevos modelos de zapatillas: una reedición de las Hard Court Hi [en la foto, en versión chico y chica], las L. A. Trainer, las Concord Round y las Nizza Hi con un toque romántico, especial para San Valentín. Les deseamos que esta fructífera relación dure mucho, mucho tiempo... www.footlocker.eu

TOUS: QUE FLOREZCA EL AMOR. Si tu deseo de San Valentín es despertar por fin el interés en esa persona especial con la que no te atreves a sincerarte, Tous L'Eau de Parfum se ofrece a convertirse en tu aliado y conseguir que florezcan los mejores sentimientos. El rosa apolvado de su frasco sugiere la alegría serena de una fragancia con notas amaderadas, que combina flores y musk e invita a dejarse llevar por lo que sentimos, aunque sea solo una vez al año. www.tous.com

COCA-COLA LOVES ARCO. La feria de arte contemporáneo española más esperada, ARCO, se celebra este mes en Madrid y ha inspirado una edición limitada de botellas de aluminio de Coca-Cola Light. Los dos elementos distintivos del nuevo envase son las cartelas de cada obra (en el reverso de la botella) y el punto rojo que indica que alguien la ha comprado. Coca-Cola tendrá un espacio en la feria donde presentarla. cocacola.es

IAS CINCO HIA DISEÑADORES HSHFI GFUIGF PARA LEVI'SNORIT 508 Norit By desentierra nuestros mejores recuerdos en una edición limitada de camisetas para la que jóvenes diseñadores españoles han recuperado y adaptado la imagen de su borreguito. La Casita de Wendy [en la foto], Pepa Loves, David Delfín, Kling y Peseta son las firmas escogidas para tan especial ocasión. Las camisetas se podrán conseguir, desde el 30 de enero y hasta el 4 de marzo, a través de la página de Facebook de Norit. www.facebook.com/norit.es 15

EL CINE SE ANTICIPA AL FIN DEL MUNDO Epidemias virales, catástrofes medioambientales, guerras nucleares, debacles financieras, colisiones planetarias... son algunos de los precipicios elegidos por una hornada de directores que en sus nuevas propuestas abocan a la humanidad al vacío. El género apocalíptico está en auge, pero ¿quién acertará en su profecía? POR MARC MUÑOZ

Los mayas lo anunciaron hace miles de años y los parques bursátiles lo recuerdan jornada a jornada. Los fenómenos naturales devastadores, las guerras sin cuartel, las revoluciones populares, la crispación social y el desmembramiento global que se extrae de las imágenes con las que vomitan cada día los telediarios son los indicios más visibles: el 23 de diciembre, el mundo se acabará tal y como ahora lo conocemos. O al menos esto es lo que se traduce de un buen número de películas que circunscriben sus tramas a la llegada del fin del mundo y se estrenarán próximamente. Desde los últimos meses de 2011, las carteleras han ido acogiendo propuestas que se enmarcan dentro de los márgenes del cine apocalíptico. Fuente inagotable, hasta hace poco este subgénero fantástico quedaba emparentado con el cine más palomitero, los grandes presupuestos y los

efectos especiales de relumbrón. La tendencia se revierte con el florecimiento de un cine íntimo, de autor, más psicológico que de catástrofes, más de drama que de acción, más austero que aparatoso, más indie que mainstream. Intimidad y ‘cosmos drama’ Este nuevo foco de explosión apocalíptica recorrió de forma insistente la última edición del Festival de Sitges, donde varios filmes recurrieron a universos al borde del colapso. Fue el caso de la discutida Bellflower: sin fecha de estreno confirmada, pero con una factura fascinante y perturbadora, se ambienta en un Texas abrasivo donde dos jóvenes desamparados, que matan las horas bebiendo y tuneando su bólido, se preparan para el Apocalipsis. «Son gente perdida, que no ha encontrado su lugar en el mundo, y eso puede ser algo muy difícil que te conduzca a actuar de manera muy intensa o loca», apuntilla el director. Su fin del mundo, más que regocijarse en el último capítulo de la historia de la humanidad, incide en el estado mental nihilista por el que deambula su protagonista. «El mundo es cada vez más difícil de entender y controlar. Por eso cuando tu vida no funciona, y no sabes cómo solucionarlo, puedes fantasear con un lugar distinto al que adaptarte, entenderlo y manejarlo. Es así como piensan los protagonistas de mi película». Dirigida, escrita e interpretada por el debutante Evan Glodell, fue descrita tras su paso por Sundance como un salvaje cruce entre Mad Max, las películas de John Huges y Jackass. En clave introspectiva asentada en el drama, también mantiene dividido al público y la crítica 4:44 Last day on earth. El último artefacto del enfant terrible Abel Ferrara, sin

El alemán Tim Felhbaum presentó en Sitges Hell, con una estética que bebe de clásicos como Mad Max o Waterworld.

en 2008, me encontraba en un buen momento personal, pero tenía la sensación de que se acercaban tiempos difíciles. Esta ansiedad a la deriva se debía en parte a circunstancias económicas». Dicha angustia sirve como hilo dramático para tejer la historia de un padre (Michael Shannon) que empieza a sufrir una serie de aterradoras pesadillas sobre una devastadora tormenta apocalíptica. La segunda cinta hasta la fecha de Nichols atesora la calidad suficiente para convertirse en la próxima estampa indie sobre la alfombra roja de los Oscar. Donde sí se ha revestido la historia con un universo abrasivo, hostil y desolado en la línea clásica de Waterworld, es en Hell, que pasó también por Sitges. El joven director alemán Tim Felhbaum nos acerca en su debut largo a tres personajes que sobreviven en un entorno desolado, marcado por la escasez de agua y la factura que produce el sol sobre una Tierra huérfana de atmósfera. Las causas del desmoronamiento ambiental se omiten para reparar en sus temibles consecuencias para una civilización que ha caído en la barbarie, un thriller de supervivencia que explora los instintos humanos que afloran en situaciones extremas.

estreno previsto, encierra a un matrimonio (Willem Dafoe y Shanyn Leigh) en su lujoso apartamento del Lower East Side neoyorquino ante la espera resignada de las últimas horas de vida terrestre. Con puntos en común, Lars von Trier arrojó el pasado noviembre su Melancolía, el fin del mundo a través de los ojos de dos hermanas diametralmente opuestas, angustiadas por la posible colisión de un planeta contra la Tierra. La película del danés sirvió para poner sobre la mesa una corriente subterránea del cine apocalíptico centrada en el tratamiento de las emociones. A Otra tierra, de Mike Cahill (estrenada en octubre), también podríamos darle el apelativo de cosmos drama. El reverso positivo y fuente inagotable de discordia es El árbol de la vida, de Terrence Malick, destacada en las listas de lo mejor del año.

El fin del mundo, aquí mismo Este fenómeno incipiente no se suscribe solo al cine engendrado fuera de nuestras fronteras. Los hermanos Pastor preparan Los últimos días, que por primera vez presentará una historia de corte apocalíptico en Barcelona. «Ambientar la película aquí lo hacía más interesante. Siempre vemos el fin del mundo desde el punto de vista de los americanos. Nadie espera que desde aquí salvemos al mundo de un cataclismo, así que nos podemos

El cataclismo financiero The divide, que podría estrenarse en 2012, ejemplifica el distanciamiento con las convenciones y tics de los filmes de catástrofes con sello Hollywood. Lo último del galo Xavier Dens —conocido entre los amantes del terror por Frontier(s)— se adentra en el género de la ciencia ficción situando la hecatombe en Nueva York, pero sin manidos planos de rascacielos cayendo, ni calles taponadas ni gente atrapada en el puente de Brooklyn. En su lugar, la acción se centra en los sótanos de unos apartamentos donde la gente se refugia de una lluvia de misiles. Gens se apropia de la frase de Sartre «el infierno son los demás» para conducir a los personajes a una trama que los expone al límite. El propio director reconoce que habla de «nuestra propia humanidad, y lo fácil que es perderla... Me he dejado impregnar por las convulsas noticias de la actualidad y he tratado de reflejar el comportamiento y los sentimientos humanos llevados al límite». Solo la primera secuencia se recrea en la amenaza física. «Se ha terminado el miedo nuclear de la guerra fría. Ahora si el mundo se colapsa sería por los mercados y la crisis económica que nos acecha». Pueden encontrarse más retales de la coyuntura económica en el ADN de Take shelter, un thriller sobrenatural dirigido por Jeff Nichols que ha cosechado alabanzas en los principales certámenes del globo y que llegará a nuestras pantallas de la mano de Avalon durante el primer trimestre del año. «Cuando comencé a escribir la película,

centrar sin presión en las peripecias de personas normales, más cercanas al espectador», esgrime uno de sus directores. Morena Films, A3 Films y Rebelió Terrestre son las tres productoras encargadas de mover este ambicioso proyecto. Su historia plantea una asfixiante agorafobia que se extiende por el mundo, dejando a la población encerrada en sus casas. La trama se centra en Mateo, un joven que deberá superar la misteriosa enfermedad para reencontrarse con su novia embarazada. El dúo de cineastas es consciente del auge del subgénero que abordan y de cómo la coyuntura actual impregnará el tratamiento que le den a la película. «Llevamos mucho tiempo sumidos en una época de incertidumbre. Primero con el cambio climático, luego el terrorismo y las guerras de Afganistán e Irak. La previsible escasez de petróleo. Superpoblación. La crisis financiera... Se avecinan cambios fundamentales en nuestra manera de vivir», pero a la vez matiza el calado que tendrá en su filme. «No se centra en hechos recientes ni en economía. Trata más bien sobre el malestar general de la vida moderna y las consecuencias de vivir en un mundo artificial y controlado como el nuestro». Los últimos días se rodará en primavera, con vistas a llegar a las salas en 2013.

En la página anterior, una escena de Take shelter, de Jeff Nichols, prevista para el primer trimestre de 2012. Aquí, de arriba abajo, fotogramas de The divide, de Xavier Dens, Otra tierra (2011) y la historia de amor preapocalípitica de Evan Glodell Bellflower.

Y no será la única incursión española... Bigas Luna pretende arrasar con Barcelona y el mundo en su nuevo proyecto, Segundo origen. El director de Jamón, jamón se embarca en una costosa producción en 3D de diez millones de euros para llevar al cine el best seller de Manuel de Pedrolo Mecanoscrit del segon origen. Seguirá los pasos de una jovencísima pareja, Didac y Alba, en una Ciudad Condal devastada por una invasión alienígena que no ha dejado en pie ni el Camp Nou. Mientras esperamos el desvío de los pronósticos mayas, afrontamos las turbulencias de las Bolsas y apostamos sobre el rumbo que tomará la Historia, el cine seguirá abonando la incertidumbre del fin de los días. Las más inminentes, la citada Take shelter y, en marzo, The perfect sense, de David Mackenzie, un drama romántico sobre una pareja londinense (Ewan McGregor y Eva Green) que sufre la amenaza de un extraño virus que inutiliza los sentidos. La coyuntura de nuestros días es el reclamo para rodar los peores escenarios preapocalípticos, posapocalípticos o el capítulo final de la humanidad. ■

#TWITTER -------------- ------------------------------------ -----

TECLEAR UN GRAFITI EN 140 CARACTERES Tenía que ocurrir: la creatividad no pone límite a sus soportes, así que la red social de los mensajes concisos se ha convertido en el contenedor de #Twitterart, una nueva forma de arte aún en pañales que utiliza el idioma más universal de todos: la iconografía. De los muros de las ciudades a los muros digitales. POR INMA FLOR

Muchos utilizamos los objetos, productos, servicios y herramientas que están a nuestro alrededor ajustándonos estrictamente a las funciones para las que han sido creados; otros los customizan y utilizan en función de sus necesidades o querencias, viendo posibilidades más allá de las obvias. Porque, lo crean o no, 140 caracteres dan para mucho. Como muestra, un botón: si hoy en día el guatemalteco Augusto Monterroso publicara el cuento más breve de la historia del negro sobre blanco hispanoamericano (Cuando despertó, el dinosaurio todavía estaba allí), ¡le hubieran sobrado 89 caracteres! Nos lo cuentan Mario Tascón y Mar Abad, usuarios expertos y especialistas en las nuevas tecnologías de la información, que han publicado el libro Twittergrafía. El arte de la nueva escritura (Editorial Catarata, 2011). Nos comunicamos a través de palabras, es obvio; pero también lo hacemos mediante imágenes, algo menos inmediato en su obviedad. Si eso lo trasladamos a Twitter, el resultado es #Twitterart, una modalidad artística que algunos han calificado como grafiti on line y que, sin duda, está más cerca del arte que de la literatura o la información en formato texto. «Se parece al grafiti en el sentido de que puede verse en un lugar [el muro de Twitter] en el que tradicionalmente no esperas ver arte», afirma Matthew Haggett (Portland, 1969), aka @tw1tt3rart, cuyos inicios en esta novísima corriente se

remontan a 2009. Normalmente dibuja animales, interpreta tendencias... y se pregunta si haber sido retweeteado por el @CentrePompidou convierte su trabajo en arte serio. Su respuesta es un tecleado LOL (laughing out loud). Una valoración que comparten Naoki Shimizu (Japón, 1972), aka @naoshim140, y Javier Tascón (Ponferrada, 1966), aka @javiertascon, uno de los pocos españoles que hemos podido encontrar dedicado a esta disciplina (junto a @ElCosmonauta). Tascón no cree que, en general, se considere arte, «sino más bien una peculiaridad o una forma de expresión alternativa de algunos artistas utilizando las herramientas de difusión más populares del momento, que son las redes sociales». En su caso, asevera, «la afición por publicar dibujos y composiciones en Twitter ha sido más un juego que una forma de hacer arte, he querido explorar las limitaciones que tiene. La combinación de letras y símbolos es una manera de transmitir ideas economizando mucho espacio». Pero ¿esto es arte? Arte o no, lo que no podemos negar es la evidencia: el ingenio y la creatividad que cada una de estas piezas desprenden. Una suma de estética, habilidad, diferenciación y comunicación que mezcla emoticonos, símbolos, caracteres, onomatopeyas y texto. Los resultados son muy diversos, los hay tipográficos, pero también abstractos y figurativos, incluso existe quien ha tenido la

osadía de crear un cómic donde cada tuiteo es una viñeta (véase una muestra de @TWITCOMICSTRIP que hemos recogido sobre estas líneas). Lo que está claro es que el #Twitterart, fuera de nuestras fronteras, se está convirtiendo en #Trendingtopic a pasos agigantados. Estados Unidos o Japón son los países más activos, en España todavía estamos en pañales. Eso sí, no nos engañemos, nadie vive de ello —vale, no hacía falta decirlo—. Entonces, ¿con qué pagan sus facturas? Pues bien, @tw1tt3rart es artista multidisciplinar y diseñador, @naoshim140 es soldador y @javiertascon trabaja como ilustrador, diseñador y creativo. Navegando en los orígenes Apenas lleva dos años dejándose ver en la Red, pero el #Twitterart no surge de la nada. Aunque parezca mentira por su juventud, los referentes de los que parte, Isotype y ASCII, se hicieron adultos hace ya mucho tiempo. «En 1936, el sociólogo austriaco Otto Neurath publicó Isotype, un sistema pictográfico para sustituir el lenguaje escrito en aquellos casos en los que hubiera que comunicarse con una audiencia global o que no supiera leer. (...). La influencia de su trabajo es hoy visible en la cantidad de iconos disponibles en las interfaces de los ordenadores, al igual que en las señales de los aeropuertos o en las menos prosaicas puertas de los baños» (fragmento extraído del libro Twittergrafía). Pero no nos vayamos tan atrás en la historia de la tecnología. ¿Quién no recuerda el puntillismo ochentero resultante de la suma de caracteres y símbolos que superaba las limitaciones técnicas de nuestros ordenadores a la hora de crear imágenes? Hablamos, cómo no, de arte ASCII. «En un momento dado empecé a utilizar textos, emoticonos, símbolos Unicode y caligrafías diferentes para hacer tuiteos. Dibujos similares ya existen desde hace bastantes años, en lo que antes se llamaba arte ASCII. Lo que ha hecho Twitter es limitar el espacio, con lo que se agudiza la imaginación para expresar más con menos caracteres», nos cuenta @javiertascon. Si te gustan las muestras que hemos seleccionado en estas páginas, puedes seguir la pista a todos los tuiterartistas tecleando el hashtag Twitterart. Sus autores son capaces de romper tus expectativas casi cada día.

LA REDENCIÓN ESPAÑOLA DE

POR HÉCTOR LLANOS MARTÍNEZ

En estos últimos treinta años de profesión, la palabra ‘obsceno’ ha sido para LaBruce una bendición y, al mismo tiempo, una piedra que lanzar contra su personalidad artística. El cineasta y fotógrafo canadiense, ciudadano del mundo gracias a las puertas que le ha abierto su fama internacional, ha decidido de una vez por todas reinventar un concepto que parece llevar marcado como la letra escarlata. El tabú siempre ha sido su gran aliado. Con él nunca ha caído en la obviedad o en lo previsible. Aunque reconoce que, en cierto modo, ese impulso por desvelar lo que debería estar oculto domina sus actos: «Es cierto que siempre digo que mi próximo proyecto será menos pornográfico, y luego nunca es así. Cuando ya te has construido una reputación es complicado huir de ella. Por una parte me gustaría escapar de esa imagen, ser algo más comercial para poder disfrutar de mayor presupuesto en mis proyectos y ser más ambicioso —explica en su habitación de un hotel berlinés—. Aunque una de las cosas buenas de estar al margen es que nadie te presiona, eres libre». De esa forma ha conseguido sobrevivir sin tener que traicionarse a sí mismo. Otra de las claves de esa supervivencia es la

Si hay un término que define la carrera de Bruce LaBruce es el de ‘obsceno’. A él se enfrenta ahora en España con el rodaje de su nueva película ‘Santo. The Obscene’ y con una exposición fotográfica en la Fresh Gallery de Madrid para la que ha convertido a Bimba Bosé, Pablo Rivero, Alaska y otros personajes en puros fetiches religiosos.

de pertenecer a una raza de artistas que han hecho de su propia vida parte de su discurso creativo. Así sucede en las fotografías de Nan Goldin o en los desafiantes planteamientos de la francesa Orlan, quien se somete a una operación de cirugía estética para cada uno de sus nuevos trabajos. Sin llegar a tales extremos, LaBruce ha puesto parte de su persona al servicio de su arte. «Documentar mi vida es un aspecto de lo que hago, y no solo con el fin de aplicar un contenido autobiográfico. Quería crear un espectáculo a partir de mí mismo, una figura gay muy radical... pero, como en El mago de Oz, hay una parte de todo ello que es una proyección de un ideal, tan solo una fantasía», confiesa. Cine de ‘outsiders’ El director de las explícitas The Raspberry Reich y Skin gang se ha sentido siempre un outsider, tanto en el mundo cinematográfico como en la industria pornográfica. Los protagonistas de sus películas recientes —Otto; or, up with dead people y L. A. Zombie— también son ejemplos claros de seres inadaptados. Y el de su proyecto español, encarnado por el fotógrafo y

María Forqué fotografiada por Bruce LaBruce para su exposición en la Fresh Gallery.

performer argentino Luzio Vega, no será una excepción. Si el actor porno François Sagat interpretó para él a un zombi gay capaz de reanimar a los muertos practicando sexo con ellos, Vega dará vida en Santo. The Obscene a «una figura religiosa con ciertos poderes... Es un ser hierático. Esta vez es omnisexual», anticipa. Durante este mes de febrero regresa a Madrid para seguir avanzando en el rodaje de este filme. El canadiense también localiza en estos momentos un desierto español donde rodar la primera parte de la historia. «Mi impulso inicial era el de hacer una película en el desierto. Era un concepto muy visual que me interesaba explorar. La religión encajaba con ello, y la idea de intercalar el éxtasis religioso con el éxtasis sexual siempre me ha interesado». Ambos factores conforman una combinación que LaBruce ya había tratado en su labor fotográfica, pero nunca antes en el cine. «Supongo que he tardado tanto porque hasta ahora he estado más influenciado por gente como Jean-Luc Goddard, que es un cineasta más político —argumenta—. Pero en los últimos años me he obsesionado con Luis Buñuel y con Passolini. No entiendo ese mundo, aunque me fascina. En él también me siento fuera de lugar y eso me atrae». Con Luzio Vega trabajó en su ópera Pierrot Lunaire, que estrenó en 2010 en Berlín. «Había visto sus fotos [como modelo] en contextos religiosos. De él me gusta que sea un artista irreverente. No tiene miedo a explorar el lado oscuro de la religión y jugar con una iconografía que para otros es intocable». Su etapa española Algo similar ha buscado en los retratos que expone, a partir del 16 de febrero, en la Fresh Gallery (Conde de Aranda, 5. Madrid). Obscenity, una serie de imágenes protagonizadas por españoles como Pablo Rivero, María Forqué (hija de Verónica), la nacionalizada Alaska o Rossy de Palma, no es necesariamente explícita. En ella ha investigado en las raíces religiosas de nuestra cultura a partir de los retratos a algunas de las personalidades patrias que, como él, se mueven entre lo independiente y lo mainstream. El sexo vuelve a estar presente, pero en un segundo plano. Sus fotografías pasan en esta ocasión de lo sutil a lo grotesco y hacen de lo divino un fetiche. En definitiva, «presentan una serie de imágenes que ilustran esta convergencia entre lo sagrado y lo profano». Asegura que le gustaría contar con casi todos ellos para su película española, que además produce el músico y realizador de cine Diego Postigo, marido de Bimba Bosé. Ellos, la ilustradora Silvia Prada o el fotógrafo Xevi Muntané, con los que coincidió durante sus primeros viajes a España durante 2011, formaron un improvisado comité de bienvenida que se ha convertido en el mejor recuerdo que el artista se lleva de aquí. «Me ayudaron a entrar en contacto con Madrid y Barcelona antes de empezar a rodar. Mi intención era explorar los aspectos religiosos del país, quería saber cómo respondería la gente a esta idea que estoy planteando en la película». LaBruce explica que tras sus primeros días en el país cambió su idea de una España aún anclada en las tradiciones católicas. «Sois más seculares de lo que pensaba. Estuve cinco días enteros tomando imágenes. La gente española con la que trabajé fue muy abierta. Incluso me invitaban a llegar algo más lejos de lo que yo me atrevía», asegura el fotógrafo, que piensa repetir experiencia durante su estancia actual.

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La censura sigue mostrándole dos caras distintas. En el verano de 2011, más de cuatrocientas imágenes tomadas con Polaroid que acababa de exponer en la Gallery Wrong Wether en Oporto fueron confiscadas por la aduana canadiense y declaradas como material obsceno, impidiendo que entraran en su propio país. Por otro lado, nada hizo más popular a su filme L. A. Zombi como la censura que sufrió en Australia un año antes. Ante tal ambivalencia, él no se arrepiente de lo hecho hasta ahora y apoya el lanzamiento de Bruce(x)ploitation: la distribuidora italiana Atlantide Entertainment edita bajo ese nombre la primera monografía que documenta las dos últimas décadas de trabajo de LaBruce, un repaso a su carrera en todos los ámbitos posibles. «A pesar de mi carácter multidisciplinar, me considero principalmente un cineasta. Me gusta pensar en mí mismo como un seguidor de la tradición de directores experimentales como John Waters, Kenneth Anger, Jack Smith, George Kuchar, Curt MacDowell...». De hecho, considera su cinefilia casi como una patología, «veo cientos de películas, soy un obseso. ¡Hasta en un cortometraje porno que hice con dos transexuales surgieron referencias de Lars von Trier, Alain Resnais e incluso de Bergman!», admite entre risas. Icono de la subcultura gay El lanzamiento de Bruce(x)ploitation lo ensalza de nuevo como icono gay de culto, aunque él considera que poco tiene que ver la sociedad homosexual actual con la que él retrataba en el fanzine J.D.s durante la segunda mitad de los años ochenta. Con él se convirtió en una de las grandes influencias de la subcultura queercore, una facción homosexual del movimiento punk, igual de activista y transgresor, que rechaza el comportamiento gay establecido. Asegura que con el paso del tiempo ha empezado a aceptar la idea de homosexuales participando en lo que considera instituciones conservadoras como el ejército o el matrimonio. «Supongo que, para compensar, quieren ser reaccionarios. ¡Pero si no hay nada más moralista que una puta reformada! Están traicionando sus raíces y luchando por seguir las normas más aburridas y anodinas de la cultura heterosexual», protesta. ■

«Me siento a gusto con todo lo que publico; si no, lo guardaría para mí» POR VIRGINIA ARROYO

El niño bonito de la música independiente ha copado todas las listas de lo mejor de 2011 con un disco que se aleja definitivamente del dubstep clásico para adentrarse en terrenos más emocionales, donde imperan la profundidad del soul y las sensibilidades R&B. Tótem de la electrónica británica a sus tiernos 23 añitos, James Blake considera el descubrimiento del dubstep una iluminación, pero no vacila en confesar que es fan devoto de Prince y Bon Iver. En nuestra charla, el londinense nos habla de su caótica manera de componer cortando y pegando y de James Blake, su primer larga duración y un paso más en ese género que se ha llamado posdubstep. ¿O mejor soulstep? Las canciones de tu primer álbum fueron escritas hace mucho tiempo, incluso antes de que lanzaras tus primeros EP The bells sketch o CMYK. ¿Por qué has tardado tanto en publicarlas? Estaba escribiendo y produciendo un montón de música al mismo tiempo. Ni yo mismo sabía que iba a acabar haciendo tantas cosas, así que finalmente decidí guardarme algunas canciones para un futuro. Cuéntame un poco entonces cómo ha sido el proceso de composición de este disco que es, para muchos, uno de los mejores del año. Pues ha sido un poco caótico. Cuando me pongo a hacer música me cuesta saber adónde quiero que me lleve algo. No puedo parar de tocar ni de escribir, me pongo a improvisar, me sale alguna cosa que me gusta y lo grabo. Es una

costumbre y lo hago desde hace mucho tiempo, por eso mi forma de componer se basa en ir grabando pequeños trocitos y recuperarlos posteriormente, desarrollarlos e intentar darles un significado y unificarlos con alguna otra idea o con algún fragmento nuevo. En este disco, la mayoría de las ideas de partida fueron escritas efectivamente entre 2009 y 2010, por eso dos años más tarde me costaba unir algunas de ellas y conseguir que sonaran cohesionadas. Tu manera de hacer y producir tus temas tiene algo especial, algo que los cubre de brumas y los hace más gaseosos, más profundos y más impenetrables hasta que, de algún modo y sin saber por qué, la niebla se disipa y los detalles de la canción se van revelando... Me alegra que me digas eso, porque es justo lo que busco. Mis canciones favoritas siempre han sido las que se van descubriendo al oyente poco a poco, a cada escucha, como hace por ejemplo Bon Iver. O Joni Mitchell o Stevie Wonder, con canciones que, en principio, parecen mucho más planas. Aparte del uso completamente diferente del piano que haces en este disco, tu manera de cantar también es diferente a tus anteriores trabajos. Podríamos decir que James Blake resulta tu álbum más íntimo hasta la fecha. Antes tu voz aparecía como un instrumento más, mientras que ahora, aunque sigues usando distorsiones, filtros y algún vocoder, tu forma de cantar es más clásica. ¿Te sientes

más desnudo o más expuesto cantando y tocando el piano de esta forma que produciendo ritmos y loops con un ordenador? Aunque parecen canciones más clásicas, el planteamiento sigue siendo el mismo. Mi voz llega hasta cierto lugar y tratándola con software puedo conseguir que vaya mucho más lejos. Por eso no dejo de hacerlo. Solamente intento sacarle el máximo rendimiento, igual que a las melodías y a las texturas. Por lo demás, siempre me siento a gusto con todo lo que publico, de lo contrario me lo guardaría para mí. Aunque nunca has practicado dubstep de manual, podríamos decir que tus anteriores temas se ceñían más a ese ideario, eran más rítmicos, más basados en el beat, mientras que este disco enfatiza las emociones, tiene más alma y, de hecho, suena mucho a soul. Mi manera de hacer música siempre ha nacido de las emociones, aunque en este disco parece algo más obvio. Y, como comentas, aunque siempre he bebido del dubstep, me he relacionado con ese mundillo y he militado en sus sellos, nunca he sido un productor de dubstep clásico. Por otro lado, a día de hoy, poco queda de lo que se llamaba dubstep hace cinco años: la gente que lo practicaba ha seguido haciendo otras cosas, con raíces en el dusbtep, eso sí, pero con productos finales muy diferentes e interesantes. ¿Qué recuerdas de la primera vez que escuchaste un tema dubstep? ¿Cómo te sentiste? La verdad es que fue como una iluminación, me llegó muy adentro: se me metió en la cabeza y no podía distinguir nada más que ese ritmo y esa profundidad. Fue una experiencia bastante reveladora y muy importante en mi carrera musical, ya que de hecho fue lo que me impulsó a empezar a producir. Esto fue cuando eras muy joven, porque tus primeros EP los lanzaste con solo 21 años... De hecho, tenías 21 cuando la prensa empezó a derramar ríos de tinta sobre ti y a ensalzarte como uno de los estandartes de la escena dubstep británica. ¿Cómo lo viviste? La verdad es que siempre he intentado sobrellevarlo lo mejor que he podido, no pensar en ello y seguir con mi vida, y, sobre todo, continuar haciendo música sin dejarme llevar por nada más. Antes de empezar la entrevista me comentabas que estabas pensando introducir más elementos orgánicos en tu música de estudio, como una batería. Bueno, sí, en mi próximo álbum me gustaría centrarme en el papel de la banda. Lo haré con la misma banda con la que estoy haciendo los directos: estamos descubriendo cosas interesantes sobre el escenario que espero poder aplicar al trabajo de estudio. ¿Cómo y cuándo será? Ni idea.

ESTE ARTILUGIO SE AUTODESTRUIRÁ EN... Reivindican lo obsoleto, la reparación, la reutilidad, la transformación y la metamorfosis propia de la naturaleza. Te presentamos a varios colectivos que luchan contra la obsolescencia programada con una apuesta por la imaginación y la reflexión. POR JAVIER RADA

Es como un mantra que suena a futuro prehistórico y nos susurra la vida oculta de los objetos. Y dice: «Inspirar, copiar, alterar, reproducir...». Obsolescencia versus imaginación. Un reto. Seamos creativos, afirman. ¡Juguemos con la basura! Su filosofía se basa en desprogramar la obsolescencia planificada. Los cacharros y las sinapsis neuronales necesitan un buen tuneo para alterar la manía del fabricante de propiciar la prematura destrucción de los productos. «En un mundo donde todo se compra y se vende, hemos olvidado utilizar las manos. Nos hemos vuelto más inútiles», alega Mireia, del colectivo Makea. Habla de «reprogramar las cabezas». Estos colectivos artísticos y de investigación son autoconstructores de consumo. Buscan la reflexión, encontrar nuevas vías, gestionar la complicidad con la socie-

dad. Una oración contra las extrañas palabras que nos trajo el capitalismo extremo. La batalla contra la obsolescencia programada, basada en la cultura del usar y tirar, empieza por reflexionar sobre el posible uso de las cosas. Un producto no muere cuando lo dice el fabricante o la moda. La vida perdida de los elementos reclama un nuevo espacio de debate. La resurrección de gadgetstein está en proceso... Manual para revivir artefactos «La obsolescencia programada limita la vida de los objetos, pero todos somos capaces de alargarles la vida. Podemos desprogramar el objeto y programarlo de nuevo. Y no solo hablando de chips; la pata rota de una silla puede reinsertarse y formar parte de otra cosa», explica Mireia. Investigan otro modelo de consumo y asimilan que los recursos son finitos —además, estos residuos contaminan, producen el veneno de los minerales robados—, y tienen por bandera dar a conocer cómo se gestionan y adónde van a parar los desechos, para que seamos conscientes antes de lanzar una impresora a la basura. Las respuestas sociales y artísticas al consumo feroz se han multiplicado en los últimos años, siguiendo la estela boreal de los países del norte, más acostumbrados a la segunda mano y al reaprovechamiento. El consumo responsable, el reciclaje y la gestión de residuos empiezan a formar parte del presente/futuro, tanto si hablamos de electrónica, arquitectura o mobiliario. Reinventémoslos.

El colectivo extreme帽o Robocicla organiza talleres para crear esculturas robot a partir de residuos electr贸nicos.

«Inspirar, copiar, alterar, reproducir», suelta como un mantra Mireia, cuya filosofía se basa en «maquillar, arreglar, customizar, personalizar, reparar, tunear, adaptar, apañar... En definitiva, háztelo, guapo, tú mismo». El colectivo Makea no vende ninguna marca. Es una actitud de resistencia. Desarrollan actividades, talleres, reflexiones y acciones en el espacio público. «Usar y tirar se ha extendido en todos los ámbitos, desde las cucharas de plástico a cualquier objeto. El tiempo de uso es cada vez más corto. Ya puede ser por un chip que se estropee, como por las modas y las tendencias que hacen que cada año me compre un pantalón nuevo», comenta Mireia. Los conceptos de basura y viejo están sufriendo un vuelco. El prejuicio contra lo obsoleto empieza a fundirse al ritmo de las primas de riesgo. Ahora quizá empiece un viaje inverso. Volvemos al África que todo repara. Y la idea de Makea de «jugar con la basura y ser creativo» quizá ya no suene tan ajena al sentido común. «Reutilizar y reciclar se ha visto en España como algo cutre, sucio y marginal, y, sin embargo, los residuos tienen un valor aunque los tiremos», explican. Entre sus propuestas encontramos un recetario on line (www.el-recetario.net) en el que los usuarios comparten sus conocimientos. Pueden ir desde crear mobiliario a partir de

residuos, hasta todo tipo de ideas que nos ayuden a generar y reparar objetos. Se trata de compartir el ingenio. A partir de los ingredientes y herramientas, y mediante un código abierto, uno puede aprender a construir: lámparas, mesas giratorias, un carrito del servicio, una estantería con una camiseta vieja... Es un oasis del pro común, donde el conocimiento no se atrinchera, sino que se comparte, deriva, altera, y, sobre todo, fluye como la brisa eléctrica sobre un océano conductor. El recetario de Makea te propone soluciones como la lámpara de secador de pelo (Lapeluz) o la tumbona para terraza Tubolar, hecha con tubos de cartón.

Buenas viejas costumbres De este modo, el usuario ya no depende tanto de la compra directa de lo nuevo y de la dictadura obsolescente. Nada muere, todo se transforma. En la misma línea opera SPOT (Servicio Público de Optimización de Trastos) con su proyecto de autoconstrucción móvil: un taller ambulante que ayuda a la gente en el espacio público a arreglar sus aparatos o convertirlos en algo nuevo. «La gente demanda este tipo de cosas, y más en estos tiempos», aseguran en Makea. En el mismo sentido surgen las acciones de Obsoletos, subdivisión informática de Basurama, un colectivo de gestión cultural que juega con creación y basura. Una de sus propuestas se basa en construir bicis con residuos. Obsoletos estiran el hardware y hacen reflexionar sobre el sentido de tirar estos desechos, que, como indican, algunos contienen minerales preciados

y forman la estructura de otro negocio que se lucra con lo que tiramos. En sus talleres usan aquellas computadoras que la gente no quiere y enseñan a «perderle el miedo a esa caja negra que nos parece el ordenador», explica Paaq, uno de sus fundadores. Para Obsoletos, el problema de la obsolescencia no es tanto que el fabricante pueda determinar en qué punto exacto el objeto se puede autodestruir, algo muy difícil de especificar, sino en toda la cultura que envuelve a las marcas, las actualizaciones, nuevas versiones, y la predisposición de los propios consumidores. «Nos falta una cultura de la segunda mano, parece que tiene menos valor. En muchas ocasiones no pensamos bien las compras y hoy en día, con Internet, se pueden hallar casi todas las claves, descargarse manuales en PDF sobre todo tipo de aparatos», afirma Paaq. El taller típico de Obsoletos es llegar a una universidad y pedir los ordenadores que quieren tirar. Así empiezan a desmontarlos con los alumnos, cambian las partes, manejan y rebuscan, y finalmente consiguen un ordenador nuevo y gratis. «Es magia. Como si te enseñan a hacer una tortilla francesa», señala. En sus investigaciones a veces combinan hardware viejo con elementos salidos de fábrica. Su máxima es que, cuanto más sabes, más ahorras y más te van a durar los aparatos, así que mayor será la responsabilidad de tu consumo. No te dejes escacharrar Sin embargo, nadie nace aprendido. Es por ello que el colectivo extremeño Robocicla lleva sus talleres a los jóvenes para que puedan aprender jugando, utilizando los residuos electrónicos para crear pequeñas esculturas robóticas con las que reutilizar los desechos. Todo puede formar parte de un nuevo robot: hardware de equipos viejos, fuentes de alimentación, tarjetas gráficas... Utilizando este pretexto, en Robocicla usan la electrónica para transmitir conceptos como reciclaje, cultura libre o pro común. «Nuestra filosofía se basa en la reutilización. En consumir menos y cambiar el concepto de basura», explica Carla Boserman. «Los objetos que tiramos se convierten desde en un juguete hasta en un semillero. Se puede aprender mucho», añade. Su idea es generar material didáctico descargable en Internet, en el que la basura tecnológica cobra una nueva dimensión, bajo la premisa de concienciar sobre su impacto medioambiental. Crean cuentos interactivos o historias sobre la obsolescencia programada. Porque «todo sirve para algo», sostiene Carla. El problema tal vez sea el precio que nos ha hecho pagar la sociedad de consumo. «El precio de la comodidad», como dice Mireia. O «el pensamiento de nuevos ricos», señala Paaq. Somos el reflejo de nuestra voracidad. Obligados a dejar prematuramente nuestros cacharros. Esclavos del diseño y la vanguardia. Listos para cambiar de móvil en menos de dos años. Aun con todo, el secreto susurro de los objetos nos dice que el precio quizá sea demasiado alto. En arquitectura encontramos colectivos como Straddle3, Recetas Urbanas o Superuse. En social media, gente como Consume Hasta Morir o Todo Por la Praxis. En diseño, a los holandeses Millegonne y sus neumáticos multiformes. Son solo algunos nombres de grupos que buscan un nuevo espacio, un lugar para nuestros objetos, una salida al consumo feroz. El sistema se está escacharrando del mismo modo que nuestros cacharros. Es hora de ponernos manos a la obra y ser nuestros propios chapuzas creativos. ■

BIENVENIDOS AL TEATRO DEL PETIT DE CAL ERIL El telón se levanta cuando el músico Joan Pons se muda de Barcelona a su pueblo de siempre y el gusanillo creativo mezclado con la nostalgia por tiempos pasados le anima a poner en marcha un proyecto aparentemente suicida: recuperar el teatro local para actuaciones de bandas de la escena independiente. Comienza la función. POR CRIS RIERA FOTOGRAFÍAS SANDRA ROJO

Joan Pons (cantante de El Petit de Cal Eril) ha revolucionado la comarca ilerdense de la Segarra con la apertura de su propio teatro, un espacio multidisciplinar situado en el pueblo de Guissona donde la fórmula de buena programación (con conciertos como los de Inspira, Mazoni y Pau Riba) y poco ánimo de lucro ha triunfado por encima de todas las cosas. Incluso frente las reticencias de unos vecinos que llevaban quince años sin teatro y otros tantos sin pagar por la entrada de un espectáculo. Cuando Joan Pons decidió dejar Barcelona para regresar a su pueblo y tener más calidad de vida (una casa mejor, con huerto propio y cerca de su familia), poco se imaginaba que acabaría revitalizando culturalmente a toda una comarca. A veces las cosas no se planifican y, en su caso, la reforma de un tejado fue la chispa que encendió la restauración del teatro que su familia tenía dentro de casa (Ca l’Eril) y que permanecía cerrado al público desde 1945. «En casa siempre hemos sido grandes consumidores de música, teatro, poesía... y se nos hacía raro que para ver cualquier espectáculo tuviéramos que hacer grandes excursiones, así que cuando tuvimos que arreglar el tejado de casa, decidimos reformar también el teatro, un espacio nuestro que la última vez que se usó fue para celebrar el banquete de boda de mis padres. Mucha gente creyó que yo reabría la sala para tocar con mi banda, ¡como si programar conciertos todos los días con el mismo grupo tuviera algún sentido!», me comenta Joan, y se nos escapa un poco la risa. Sin embargo, desde que abrió sus puertas, en junio de 2011, el Teatre de Ca l’Eril no ha parado de tener espectadores

y muchos se han vuelto tan adeptos que acuden fielmente a su cita con cualquier función programada por la familia Pons, sea de la índole que sea. «Tenemos a una veintena de personas que vienen siempre, muchas veces sin saber qué van a escuchar, a ciegas. La verdad es que, aunque es la única oferta cultural en 20 kilómetros a la redonda, nosotros discutimos mucho sobre qué vamos a programar y lo hacemos desde una perspectiva crítica, porque queremos ofrecer cosas que sean realmente interesantes». En su uso del nosotros, Pons se refiere a toda su familia, pues el teatro es un proyecto común en el que todos y cada uno de sus miembros tienen su tarea estipulada: él se encarga del sonido, su hermana de las entradas, el cuñado de la propaganda y su madre cocina las grandes cenas con las que, en parte, pagan a los artistas. «Como no podemos pagar el caché de algunos músicos porque no tenemos mucho margen de beneficio, intentamos suplirlo ofreciéndoles una sala acogedora llena de público, una buena cama para dormir y un gran festín. Y, bueno, el objetivo es que esos músicos acaben regresando porque valoren la proximidad de la gente y la magia del teatro y no tanto el dinero que puedan ganar. No es como los grandes conciertos en inhóspitos polideportivos donde tú vas a ver a un grupo que está tocando allí porque le han pagado un dineral. Esto es otra cosa». El tiempo detenido en una masía Para acceder al teatro hay que entrar en la casa de la familia, una masía que data de 1658 y que está situada delante de la plaza mayor del pueblo. A uno le da cierto apuro cruzar la puerta, pero una vez dentro la sensación de viajar atrás en el tiempo hace que cualquier timidez inherente a una persona discreta desaparezca. Nos da la bienvenida un patio interior lleno de hermosas orquídeas (que desafían la gélida temperatura guisonense de 4 ºC en los inviernos benignos y –15 ºC en las peores heladas) y objetos antiguos (desde una motocicleta Ossa hasta una de esas Wetheim que cosían lo imposible) y desde él accedemos a una escalera que nos lleva hasta la sala. Al abrir la puerta, las rojizas paredes y los cuadros de Ferran Palau (cantante de Anímic y pintor artífice de esta exposición temporal) absorben toda nuestra atención, mientras dos hileras del antiguo ateneo del pueblo colocadas delante del escenario se proclaman reinas del lugar. Una vespa antigua al fondo (que hace de barra del improvisado bar) y una tímida tribuna reconvertida en zona de control de audio y estudio de grabación hacen que lo último en lo que uno se fije sea el escenario: pequeño, clásico y hermoso como un juguete de madera tallada. Es un sitio encantador y yo le pregunto a Joan si la gente es respetuosa y guarda silencio o si va a dejarse ver y a gritar como cotorras. «No, son muy respetuosos. De hecho, muchos músicos se preocupan, porque como nadie dice nada, no saben si el concierto les está gustando o no... Pero está siendo fantástico y a pesar de que hemos sufrido mucho poniendo cables, arreglando detalles, trepando para modificar esto o aquello... solo con conseguir que la gente venga a conciertos entre semana, cuando lo normal es que en el pueblo las calles estén desiertas a partir de las diez de la noche, ya sentimos que hemos plantado una semilla que dará vida a muchísimas cosas». Refree y María Rodés (4 de marzo), Un Dos Tres Kuá (10 de marzo) y La Laia (24 de marzo) serán sus próximos invitados. http://lasaladeguissona.cat/

¿COMPRAR ‘ON LINE’ O MIRAR EN LOS DESFILES? El perfil del ‘fashionista’ muta a velocidad de fibra óptica: los devoradores de tendencias ya no pueden esperar seis meses a comprar en una tienda la ropa que ven en las pasarelas. Lo quieren ya, prefieren colecciones exclusivas y buscan gangas, y la Red les ofrece todas las posibilidades en un clic. POR AGUSTÍN VELASCO

El pasado 2011 habrá resultado trágico en muchos sectores, sin embargo, ha sido brillante en cuanto a crecimiento del comercio digital de moda. Un año en el que unos tres millones de clientes adquirieron ropa y equipamiento deportivo a través de Internet, un 20,1% más que en el ejercicio anterior. ¿Hay muchos otros negocios con un crecimiento similar en plena crisis? Esto convierte a la moda en el sexto sector más dinámico en las ventas on line gracias a la consolidación de los clubes españoles de ventas privadas, las atractivas estrategias de retailing (venta al por menor) desplegadas en la Red y la incorporación al cibercomercio de algunos gigantes de la moda. El mercado masivo Internet es la gran apuesta de la moda mass market. Las grandes firmas han hecho una labor titánica para convertir sus webs en sus más prometedoras herramientas de ventas, encarando un futuro que se escribe con ‘d’ de digital. El grupo Inditex lanzó las tiendas virtuales de Pull&Bear, Massimo Dutti, Bershka, Stradivarius, Oysho y Uterqüe el pasado 7 de septiembre, un año después de que su buque insignia, Zara, dejara a los clientes realizar sus compras cómodamente desde sus casas. Mango, por su parte, ya lleva 11 años en el mercado virtual y ha dedicado este tiempo a ir refinando la página, dotándola de una mejor navegabilidad y consiguiendo un site que fusiona el lado comercial con la parte lúdica de una forma muy natural y dinámica (especialmente en su sección Qué me pongo, en la que personajes famosos como Goya Toledo o Ariadne Artiles han reinterpretado las tendencias de la firma catalana para cada temporada y que ahora se

ha convertido en una entretenida serie de cortos al estilo de Gossip Girl). El grupo Cortefiel también ha ido incorporándose gradualmente a este nuevo tipo de retailing, y su marca principal (Cortefiel) ha sido la última en lanzar su tienda digital, el pasado 15 de septiembre. Clubes de ventas Los grandes almacenes El Corte Inglés están a la cabeza del ranking del comercio electrónico en España, tanto en cuanto a ventas como por número de visitas y clientes. En abril de 2011 lanzó Primeriti.com, el club de ventas privadas de El Corte Inglés, en la línea de otras populares iniciativas que ofrecen a sus socios las marcas más prestigiosas del mercado a unos precios tentadores. Los clubes de ofertas como BuyVIP.com o Vente-Prive.com arrasan entre los internautas, descuentos

Diane Pernet es una de las gurĂşs con mĂĄs solera y mejor reputaciĂłn en la red. [Foto: Miguel Villalobos]

de hasta el 80% en algunos casos hacen que estos outlets sean reducto de los cazadores de chollos. Por otro lado, Factory.es te mantiene al día de las noticias y las oportunidades que se pueden conseguir en todos sus centros españoles.

Periodismo de moda 2.0 La Red se ha incorporado también al modelo de difusión de la moda de una manera arrolladora, con sus pros y sus contras, contribuyendo de modo decisivo a la democratización del sector gracias a la gran accesibilidad que ofrece. Todas las grandes revistas han creado sus versiones on line, generando en algunos casos portales que han fagocitado el éxito de sus contrapartidas en papel. Las revistas han tenido que aprender por las duras que Internet maneja un lenguaje propio. Los nuevos líderes de opinión de la moda han surgido del mundo web desbancando a las tradicionales papisas de la prensa escrita. El blog es el nuevo formato preferido de difusión de la moda y los blogueros se han instalado en la primera fila de los desfiles. Una de las bitácoras más seguidas y longevas es la de la inefable Diane Pernet (www.ashadedviewonfashion.com), musa de la modernidad y la vanguardia. Además, en los últimos tiempos hemos visto cómo nuevos formatos han aparecido en escena: desde comunidades como The Fashion Spot (www.thefashionspot.com) o RedFashion (www.redfashion.es), donde los propios usuarios generan gran parte de los contenidos del portal, hasta nuevas publicaciones que salen regularmente con un formato clásico pero sin soporte físico como Revista Atelier (www.revista-atelier.com), que puede descargarse o leerse en Issuu.com. «Siempre he tenido la sensación de que las revistas de moda tradicionales no encajaban con mis gustos e intereses —afirma Beatriz Vera Poseck, creadora y directora de Atelier—. El formato digital permite una inmediatez y una frescura que es imposible conseguir en el papel: sus tiempos son mucho

FOTOS: NANDO ESTEVA

Las ‘boutiques’ también se apuntan Incluso las boutiques más prestigiosas del país se han subido al carro del comercio on line apostando por ofrecer descuentos especiales, como es el caso de la prestigiosa Elite (Elitespain.es), donde se pueden encontrar las firmas más famosas: Balmain, Emilio Pucci, Dries van Noten... Las más exitosas han demostrado ser las conocidas como concept stores, templos del shopping donde se reúnen todo tipo de productos relacionados con un mismo tema o un estilo. Quizá el más famoso sea la parisina tienda Collete, cuya versión digital Colette.fr pone a disposición del cibernauta una amplia selección de prendas y objetos de entre lo más vanguardista y rompedor de la escena contemporánea del diseño. En España disponemos de la versión digital de Isolée (Isolee.com) con su especial selección en moda, complementos, belleza, libros, delicatessen y objetos de decoración. Entre las estrategias más determinantes que están llevando al consumidor a las boutiques digitales está la alianza con diseñadores de prestigio para lanzar colecciones en exclusiva, como la segunda línea de Sophia Kokosalaki, Kore, que será comercializada únicamente por Asos.com.

más largos, cierran los números con meses de antelación y eso impide que ofrezcan contenidos actuales. En Internet, sobre todo con las redes sociales, las noticias se viven en directo, todo lo que se demore una información ya se considera retraso, se queda obsoleta. Para cuando una revista quiere hablar, por ejemplo, de un desfile de moda, todo el mundo ya lo ha olvidado, porque lo vio en streaming, lo comentó en directo en Twitter y lo analizó en los días siguientes en los blogs». La velocidad 2.0 ha llegado definitivamente a la moda. ■

«La gente ya no quiere esperar seis meses a tener una prenda» Después de protagonizar algunos de los momentos estelares de la semana de la moda madrileña, el mallorquín José Miró anunció en su momento que abandonaba la pasarela Cibeles para desarrollar un nuevo modelo de negocio cuya piedra angular se hallaría en su web, con un nuevo ritmo de producción y una nueva filosofía de distribución y ventas. En definitiva, el nuevo modelo que se afianza ahora en el negocio de la moda en España y que es un tren que hay que pillar sí o sí. ¿Por qué dejaste Cibeles? Me bajé de Cibeles para centrarme en otros retos profesionales. Estoy muy agradecido a esta pasarela porque me ha dado mucho y tengo unos recuerdos maravillosos, pero el año pasado tomé la decisión de seguir otro rumbo con mis colecciones y poder afrontar otros proyectos que, con los desfiles, me hubiera sido imposible. Mi empresa está formada

Tom Ford dice que el modelo actual de difusión de la moda, la inmediatez del periodismo digital y los blogs hacen que cuando las colecciones llegan a las boutiques ya están «quemadas», que el consumidor ha perdido el interés. Estoy totalmente de acuerdo con su opinión. Una de las razones por las que dejé de presentar en show las colecciones es esa. Imagino que nos pasa a bastantes

por muy pocas personas y cada proyecto en el que nos embarcamos queremos que sea impecable, así como nuestras colecciones, que las cuidamos y trabajamos hasta el mínimo detalle. La web ofrece mil y una oportunidades y está en continua evolución. ¿Cómo ha cambiado tu dinámica de trabajo con este giro? Me permite crear colecciones cápsula más pequeñas pero más segmentadas, perfectas para cada estación. ¿Qué es lo más interesante de este nuevo modelo? La posibilidad de ser más dinámico, directo, versátil... El contacto con el consumidor final es muy cercano, ya que a la menor duda sobre cualquier producto se produce una interacción entre ellos y nosotros, aclaramos cualquier tipo de pregunta e incluso modificamos algunos detalles de las prendas que hay a la venta. Con el sistema actual de cómo funciona el mundo de la moda, el diseñador muchas veces está muy alejado de la calle, del consumidor final... y no por el estilo de las prendas que componen tu colección, sino porque la comunicación pasa por muchos intermediarios. Con Internet y las redes sociales esto cambia, la relación es directa, casi como cuando diseño trajes de costura a medida, que, por otro lado, es con lo que más disfruto... Este contacto directo enriquece muchísimo a la firma.

diseñadores. Yo trabajo mucho la costura, y mis clientas, cuando ven un desfile, no quieren esperar seis meses para tener las piezas presentadas, las quieren ya, para dentro de un mes como mucho. Lo mismo pasa con el consumidor final actualmente: desde que se presenta una colección hasta que está en la calle, ya está más que quemada en muchas ocasiones. Hay colecciones que tienen tanta prensa que, en lugar de crear deseo en el consumidor final, lo que generan es cansancio. Ver la misma prenda durante cuatro meses en todas las revistas aburre a cualquiera, prefieren algo nuevo alternativo a esa prenda estrella que, en muchos casos, se estrella.

FOTOGRAFÍA

JESÚS UBERA REALIZACIÓN Y ESTILISMO

JAVIERA FIGUEROA (WWW.JAVIERAFIGUEROA.ES) MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA

CYNTHIA DE LEÓN MODELO

ÁNGELA GÓMEZ DE OLEA (UNO MODELS) AGRADECIMIENTOS A WWW.LACANELABIOCENTRO.COM

A la izquierda: vestido de PVC, sombrero de fieltro con plumas y brazalete con cristales Swarovski de Assaad Awad, bikini de Nice Things y collar de Hoss Intropia. En esta pรกgina: mono de Marlota y zapatos de Geox.

BaĂąador de Nuria GonzĂĄlez, falda de Ion Fitz, zapatos de Esska y gafas retro de Balenciaga.

Vestido de Ion Fitz, zapatos de Long Champ y brazaletes y broche de Assaad Awad.

Falda de J+G y bolso de Nine West.

Vestido de Marlota y collar de Assaad Awad.

Top asim茅trico de Liu-Jo, pantal贸n satinado de P 7 W, zapatos de Long Champ, bolsito de Moschino y pulsera de Ikks.

Mono de Moschino y collar y gafas customizadas de Assaad Awad.

POR NANI F. CORES

no encontrarás todo lo que hay, pero sí todo lo que te interesa

Creación digital Theo Parrish es la guinda perfecta para cerrar Micromutek, un encuentro entre música, performance y audiovisuales. El festival ofrece una mirada a la creación digital a través de los ojos de artistas de once nacionalidades, algunos de los cuales (Falty DL, Danuel Tate, Eddie C y San Proper) no han actuado antes en la ciudad. En su cartel: Santiago Latorre, Nikka, Guillamino, Alba G. Corral, Lucrecia Dalt... BARCELONA / Del 8 al 11 de febrero / Varios espacios / www.mutek.org

Arte de acción en Vigo La nueva exposición del Museo de Arte Contemporáneo de Vigo, Presencia activa. Acción, objeto y público, explora las relaciones entre la performance y la instalación, sus interacciones y su valor como disciplinas artísticas. Al tratarse de una muestra colectiva basada en la acción, la inauguración durará tres días, durante los cuales se irán activando progresivamente los diferentes proyectos. Thom Kubli será uno de los artistas participantes, con su obra de 2011 Record Attempt [en la imagen].

MIGUEL BRIEVA

VIGO / Del 9 de febrero hasta septiembre / MARCO / www.marcovigo.com

Banda sonora para una Emergència! Con un cartel del ilustrador Miguel Brieva, llega la nueva entrega del festival Emergència! al CCCB para tomar el pulso a la escena musical independiente. Precisamente será Brieva con su banda Las Buenas Noches uno de los encargados de firmar la banda sonora de esta cuarta edición que tendrá dos escenarios (Hall y Auditori) y durará siete horas (desde las 18.30). En esta selección, que sirve de presagio a lo que dará que hablar en 2012, se ha incluido también a Reina Republicana, con su primer álbum recién editado en Limbo Starr; el pop Lo-Fi de Maria Minerva, desde Tallín; el trío francés Alba Lua, estrenando su inminente debut, Satellite of love; el mallorquín Oso Leone y su folk mediterráneo de tintes psicodélicos; Mursego, proyecto en solitario de la chelista de Anari y Lisabö; y Gratis y Pegasvs representando a Barcelona. BARCELONA / Día 18 de febrero / CCCB / Entrada general: 7 euros / www.cccb.org

Días de vino y música ¿Te gusta el vino? Alguien ha escuchado tus plegarias en Enofestival: conciertos regados con caldos de distintas denominaciones de origen. El cartel es otro de sus alicientes, con Nacho Vegas, Christina Rosenvinge, The Right Ons [foto], The New Raemon, Tachenko y Modelo de Respuesta Polar. MADRID/ Día 4 de febrero, de 13.00 a 0.30 h / Palacio Vistalegre / 27 euros

FEBRERO12

La tercera en discordia ArtMadrid completa la oferta de ferias de arte El mes de febrero es tradicionalmente el más ajetreado para los amantes del arte contemporáneo en la capital, pues coinciden en Madrid tres grandes ferias: primero fue ARCO, a la que se han sumado JustMad (hace tres años) y la que nos ocupa, ArtMadrid, con siete ediciones a sus espaldas. Cada una ha buscado su espacio y su público, orientando su programación para evitar que se solape con la de las demás. En el caso de ArtMadrid, en la que este año participan casi sesenta galerías, se apuesta por la creación made in Spain: vanguardias históricas y arte moderno y contemporáneo. Además, la sección Young Art abre un hueco imprescindible a galerías con menos de 5 años de vida y artistas menores de 40, que tienen más dificultades para abrirse paso en el circuito. Es el caso de Galería El Quatre y la obra de Pablo Maeso, Vermut del 64 (octubre 2011), que ilustra esta noticia.

FRIC LOPEZ

MADRID / Del 16 al 19 de febrero / Pabellón de Cristal de la Casa de Campo / Entrada general: 12 euros / www.art-madrid.com

La belleza de lo imperfecto

Radar de la independencia

Así es la moda que viene

Carles Rodrigo (Valencia, 1985) nos invita a ser espectadores de su vida en One day, exposición de fotos concebida como un diario en el que la emoción y la intimidad priman sobre la perfección técnica. Atmósferas oníricas, una iluminación que transmite melancolía y las historias que intuimos en cada foto nos mantienen atrapados en su relato.

El Espai Cultural Caja Madrid ha puesto a funcionar de nuevo su Radar para dar con las joyas de la música independiente catalana. AtletA abrieron el ciclo de conciertos en enero, mientras que este mes pasarán por su escenario Balago y Downliners Sekt [foto]. En marzo se celebrarán otras tres actuaciones.

Febrero es también el mes de la moda, con la celebración de las pasarelas de Madrid y Valencia en las que descubriremos las tendencias para el próximo otoño-invierno. Cibeles se rebautiza como Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, mientras que Valencia concentrará todos los desfiles en el Ágora.

BARCELONA / Días 15 y 29 de febrero / Espai Cultural Caja Madrid

MADRID / Del 1 al 5 de febrero / www.ifema.es VALENCIA / 15 al 18 / valenciafashionweek.com

VALENCIA / Hasta marzo / Espai Tactel

Diez años de Madrid Abierto

Libera tu lado más negro

Las intervenciones artísticas en el espacio público han vertebrado durante una década el programa de Madrid Abierto. Para celebrar esta cifra redonda, se ha reunido su archivo documental en una exposición, con obras de participantes de todas sus ediciones. Del 9 al 11, habrá también presentaciones y debates.

Esta es su segunda edición, pero lo sentimos como si fuera un festival de toda la vida. Las salas con más soul y las bandas imprescindibles de este circuito vuelven a unir fuerzas en el programa de Madrid es Negro, que este año contará con las actuaciones de Cosmosoul [en la foto], Madrid Funk All Stars (superbanda creada ex profeso para la ocasión), The Grovin' Flamingos, Calle Mora... Todas las caras del jazz, el funk y el soul.

MADRID / Hasta el 19 de febrero / Matadero

MADRID / Del 2 al 25 de febrero / www.madridesnegro.com

Los artistas del futuro

Regina José Galindo revuelve el Artium

Antonio Menchen, Raúl Díaz Reyes, María Cerdá Acebrón, Almudena Lobera, Rafael Munárriz, Paloma Checa Gismero, Raúl Hidalgo, Colectivo Núbol (Clara Megías y Eva Morales), Julio Adán y Françoise Vanneraud. Ellos son los artistas visuales seleccionados para la exposición de 2012 de Circuitos.

Usa su cuerpo como soporte y herramienta para comunicarse. Las performances de Regina José Galindo nos remueven las entrañas con crudeza, obligándonos a reflexionar sobre problemas del mundo actual que preferimos ignorar. Piel de gallina es un viaje por cinco salas que resumen su trayectoria, culminando con la propia artista encerrada en una cámara frigorífica. ¿Su objetivo? Al menos, ponernos los pelos de punta.

MADRID / Hasta marzo / Sala de Arte Joven

VITORIA / Hasta el 1 de mayo / www.artium.org Calle 20 no se hace responsable de los posibles cambios en la programación reflejada en esta agenda.

CINE

‘SHAME’: LA SOLEDAD DE LA VIDA MODERNA STEVE MCQUEEN REPITE CON FASSBENDER

EL HOMBRE QUE SABÍA DEMASIADO Antes de sumergirse en el remake de Ha nacido una estrella junto a Beyoncé, el veterano Clint Eastwood nos regala este biopic sobre uno de los personajes más controvertidos de la historia reciente de Estados Unidos: J. Edgar Hoover (al que da vida Leonardo DiCaprio). Onmipotente director del FBI durante casi 50 años (1924-1971) y conocedor de numerosos secretos, no dudó en utilizar esa información de forma poco ortodoxa para manipular a su antojo a figuras líderes de la nación. J. EDGAR. EE UU, 2011 / Dir.: Clint Eastwood / Estreno previsto: 27 de enero

Michael Fassbender, actor solitario en estado de gracia.

Hace ya cuatro años, el videoartista británico Steve McQueen convencía a Michael Fassbender para dar vida a Bobby Sands, el protagonista de la durísima Hunger. Este crudo retrato de los últimos días de un activista del IRA en huelga de hambre le confirmó como uno de los realizadores más virtuosos del nuevo siglo (Cámara de Oro en mano en el Festival de Cannes) y dejaba entrever su capacidad para diseccionar las miserias humanas. Este fue también el punto de inflexión en la carrera interpretativa de Fassbender, ahora convertido en actor fetiche de directores como Tarantino, Cronenberg o Ridley Scott (juntos ruedan Prometheus, la precuela de Alien) y protagonista de excepción de trabajos como Fish Tank o Jane Eyre. Después del inicio de esta fructífera relación, el tándem realizador-actor repite en Shame, un drama que traslada —léase de forma figurada— las rejas de esa cárcel de Belfast a la ciudad de Nueva York para

retratar la existencia vacía y desoladora de alguien que, aparentemente, lo tiene todo. «Hunger hablaba de un hombre privado de libertad que utilizaba su cuerpo como instrumento político y a través de ese acto creaba su propia libertad. Shame se centra en una persona que goza de todas las libertades occidentales y que, a través de su aparente libertad sexual, crea su propia prisión», declara McQueen. Atrapado en un sinsentido donde el sexo de pago y los encuentros de una sola noche se convierten en placebos momentáneos, Brandon (Fassbender) se revela como el reflejo de esa soledad e insatisfacción que invaden la existencia del hombre moderno. Un personaje hecho para trascender (Copa Volpi al mejor actor en Venecia), atrapado en su propio cuerpo y cuya vergüenza (shame) es, al mismo tiempo, su particular redención. Cine del que duele. SHAME. Reino Unido, 2011 / Dir.: Steve McQueen / Int.: Michael Fassbender / Estreno: 17 de febrero

SOBRE FALSAS APARIENCIAS El personaje de Albert Nobbs lleva treinta años persiguiendo a Glenn Close. En los años ochenta le dio vida en el Off-Broadway y, obsesionada con él, decidió poner en marcha su adaptación al cine y ofrecer su realización a Rodrigo García (Nueve vidas). El amargo retrato de una mujer que, por necesidad, esconde durante años su verdadera apariencia bajo un disfraz de hombre le brinda una de las mejores interpretaciones de su carrera. ALBERT NOBBS. Reino Unido-Irlanda, 2011 / Dir.: Rodrigo García / Estreno previsto: 27 de enero

EL AMOR MUEVE MONTAÑAS Puede que Declaración de guerra no cambie el rumbo de la Historia, pero en su sencillez y en su valentía podemos encontrar la fuerza suficiente para enfrentarnos a nuestros particulares miedos. La realizadora y actriz francesa Valérie Donzelli se atreve a llevar al cine, sin dramatismos, un capítulo autobiográfico: el inicio de su relación con el también actor Jérémie Elkaïm (coprotagonista de la cinta) y la llegada al mundo de su hijo, a quien con apenas un año y medio de edad detectan un tumor cerebral. Una vez ganada, y compartida en fotogramas, la guerra para salvar la vida del niño, la cinta se convierte en un bello canto al amor y su capacidad para mover montañas. Un gran ejercicio de cine y vida. DECLARACIÓN DE GUERRA. Francia, 2011 / Dir.: Valérie Donzelli / Int.: Jérémie Elkaïm, Valérie Donzelli / Estreno previsto: 3 de febrero

EN LAS ENTRAÑAS DEL DEPORTE

CINE EN CORTO

LA FELICIDAD NO ERA ESTO Guionista y colaborador del realizador Álvaro Begines (para él escribió ¿Por qué se frotan las patitas? y Un mundo cuadrado), el sevillano Miguel A. Carmona también despunta con nota en el mundo del cortometraje. Su primera experiencia fue Horóscopo (2007), seleccionado en más de 200 festivales y con 20 premios a la chepa. Por el mismo camino va el segundo, 70m2, la historia de un chico dispuesto a vivir el día más feliz de su vida pidiéndole matrimonio a su novia, pero que acabará dándose de bruces con la cara más amarga del amor. 70M2. 15 minutos / Dir.: Miguel A. Carmona / www.youtube.com/watch?v=Mq0ntwEjKNE&hd=1

Ustedes dirán: «¿Otra película de béisbol?». Pues no. Moneyball: rompiendo las reglas huye del terreno de juego propiamente dicho para indagar, de manera muy interesante, en las entrañas del mundo deportivo. Basada en un libro de Michael Lewis, cuenta la historia real de Billy Beane (Brad Pitt), gerente general de los Atléticos de Oakland que consiguió mantener a su equipo varios años en los primeros puestos de la Liga a pesar de contar con un bajo presupuesto. Por poco aficionado que uno sea a los deportes, su interesante relato de superación convence. Además, un Brad Pitt cada vez más resuelto y un guión con enjundia firmado por Aaron Sorkin (La red social) y Steven Zaillian (American Ganster). MONEYBALL.

EE UU, 2011 / Dir.: Bennett Miller / Int.: Brad Pitt, Jonah Hill, Philip Seymour Hoffman, Robin Wright / Estreno previsto: 3 de febrero

TERCERA EDAD, SEGUNDA VIDA Harto de que la vejez fuese un tema relegado a un puesto secundario —no solo en la vida sino también en la literatura, en el cine y las artes en general—, y también como homenaje a sus propios padres, Paco Roca publicaba en 2007 el cómic Arrugas. Este elogio a la tercera edad superó en su primer año de vida los 20.000 ejemplares vendidos y le hizo merecedor del Premio Nacional de Ilustración. Ahora, Ignacio Ferreras (quien trabajó como ilustrador para El ilusionista) lo adapta al cine y el éxito vuelve a repetirse: dos nominaciones a los Goya como mejor película de animación y mejor guión adaptado, y preselección a los Oscar (aunque finalmente la nominación se la ha llevado Chico y Rita, de Mariscal y Trueba). Soledad y tristeza crepuscular transformadas en esperanza, sensibilidad y compañerismo.

DE PAREJAS Y CÓDIGOS SECRETOS Aparte del amor, la confianza mutua sigue siendo una de las claves fundamentales para la supervivencia de una pareja. Una petición un tanto absurda —novio pregunta a novio el número pin de su teléfono móvil, con la consecuente cara de póquer de este— sirve al realizador Richard García como punto de partida para plantear cuánto estamos dispuestos a revelar de nosotros mismos a la persona con la que compartimos una relación. Primer premio del Concurso de Cortos de RNE, el desparpajo de sus protagonistas te arrancará una sonrisa. TABOULÉ.

4 minutos / Dir.: Richard García Vázquez / www.rtve.es/radio/concurso-cortos

ARRUGAS. España, 2011 / Dir.: Ignacio Ferreras / Basada en un cómic de Paco Roca / Estreno: 27 de enero

TEATRO

El festival Escena Contemporánea nos invita a reflexionar este año sobre los conceptos de comunidad y memoria. Habrá un total de 40 compañías y artistas repartidos durante algo más de 3 semanas en 21 espacios de la Comunidad de Madrid, entre salas alternativas, museos, galerías y centros de arte y cultura. Entre ellos, jóvenes pero prometedores dramaturgos como el argentino Federico León, que revisitará su aclamado trabajo Yo en el futuro. El público podrá contemplar, junto a una de las actrices del montaje original, la grabación de una de sus primeras representaciones siendo, a su vez, grabados para ser vistos en el futuro. A él se sumarán otras compañías como la mexicana Lagartijas Tiradas al Sol o el colectivo alemán de teatro documental Rimini Protokoll. En lo que respecta a la danza, nos topamos con el debut en el festival de La Phármaco [en la imagen], proyecto de los bailarines Maryluz Arcas y Koke Armero; o una pieza de Jerôme Bel que hace un recorrido por la danza contemporánea a partir de la experiencia vital del bailarín Cédric Andrieux, integrante de la Merce Cunningham Dance Company. Muy curiosa también la Book room de la gallega Elena Alonso, proyecto a caballo entre la instalación y la performance. ESCENA CONTEMPORÁNEA. Varios espacios (Comunidad de Madrid) / Hasta el 17 de febrero / www.escenacontemporanea.com

FELIPE MENA

HISTORIA DE UNA INSATISFECHA «A veces creo que solo sirvo para una cosa en este mundo... para aburrirme mortalmente». La que así se confiesa es Hedda Gabler, uno de los personajes más complejos de la historia del teatro. Ideada por el autor noruego Henrik Ibsen a finales del siglo xix, Hedda representa como nadie la insatisfacción femenina y el hastío de una mujer a la que no le apetece cargar con los convencionalismos de una época. Recién casada se da cuenta de que ha cometido un error, pero su deseo de escapar de la monotonía le hará pagar un precio muy alto. Intrigante, fría, casi exenta de códigos morales, Gabler confiesa «no sé lo que quiero», pero a causa de tanta insatisfacción, lo único que conseguirá es destruir de manera nihilista todo a su alrededor y a ella misma. Fascinante, irresponsable y dueña de mil caras, esta nueva versión del Lliure, dirigida por David Selvas, cuenta con una protagonista de excepción: Laia Marull (Goya a la mejor actriz de reparto por Pa Negre). HEDDA GABLER. Teatre Lliure (Barcelona) / Hasta el 19 de febrero / www.teatrelliure.cat

CUARTO DE SIGLO ALTERNANDO A punto de cumplir un cuarto de siglo, una propuesta como La Alternativa se ha convertido en el referente para el teatro más underground y en la prueba palpable de que festivales de este tipo no solo tienen su público, sino que además son necesarios para revitalizar el género teatral. Su edición número 24 reunirá alrededor de una treintena de propuestas escénicas (entre teatro, danza y música) que se repartirán durante algo más de un mes en seis salas alternativas de Madrid: Bululú 2120, Garaje Lumière, Kubik Frabrik, Nudo Teatro, Sala Tarambana y Sala Triángulo. Entre los espectáculos, estrenos como el de ¿Por qué John Lennon lleva falda?, de los granadinos La Palabra Teatro, que adaptan por primera vez al español la obra de la dramaturga y actriz británica Claire Dowie (a la que algunos medios consideran ya «la Beckett femenina»); o Exhumación, de The Zombie Company [en la imagen], un viaje a las entrañas de Hamlet y el origen del teatro. LA ALTERNATIVA. Varios espacios (Madrid) / Del 15 de febrero al 18 de marzo

ROBERTO MORENO

ESCENA CONTEMPORÁNEA: COMUNIDAD Y MEMORIA

MÚSICA

EXPERIENCIAS ÚNICAS EN EL TANNED TIN UN FESTIVAL PARA OÍDOS DELICADOS

CUMPLEAÑOS CON SABOR NÓRDICO Hace seis años nacía en Madrid la promotora de conciertos Fikasound. Gracias a su pasión por la música (sobre todo la escandinava) y su capacidad de resistencia en tiempos de crisis, hemos descubierto a grupos como The Sound of Arrows, Club 8 o Cats on Fire. Este mes se prepara para celebrar su aniversario con tres jornadas de conciertos que reunirán a Like a Stuntman, Azure Blue [en la imagen], el nuevo proyecto en solitario de Tobias Isaksson de Irene; y tres bandas nacionales: Calimä, El Faro y Ornamento y Delito. ANIVERSARIO FIKASOUND. Madrid (Costello Club) / Del 2 al 4 de febrero

Desde el inicio de su andadura, hace ahora trece años, el festival Tanned Tin ha seguido una filosofía clara: anticiparse y apostar por esos talentos incipientes de la escena internacional que en poco tiempo visitarán los grandes festivales nacionales, y recuperar leyendas olvidadas o poco conocidas en nuestro país. Es el caso, en esta ocasión, de Main, proyecto creado a principios de los noventa por Robert Hampson. Incluido dentro del movimiento del posrock y el aislacionismo, el grupo feneció con el nuevo siglo para reaparecer una década después, siendo esta su primera actuación en España. Otros veteranos dentro del programa del festival son Peter Dale (activista intelectual y responsable del sello Slampt Records), el ex-Moldy Peaches Toby Goodshank —quien lleva publicados 14 discos en 5 años, eso se llama creatividad—; el cuarteto alemán Like a Stuntman, el cantautor de New Jersey

Greg Trooper o la exquisita Laetitia Sadier, conocida como voz de Stereolab durante dos décadas y ahora songwriter en solitario. Dentro del apartado hallazgos no podemos pasar por alto a Gold Leaves (proyecto paralelo de Grant Olsen de Arthur & Yu), Kites (propuesta ruidista de Chris Forgues que ya han comparado con Cabaret Voltaire), el quinteto londinense de shoegazing The History of Apple Pie, quienes pueden convertirse en el nuevo bombazo british tras Veronica Falls; el folk acústico de la neoyorquina deslenguada Phoebe Kreutz o el berlinés Norman Palm, que cuenta entre sus seguidores con el mismísimo Bill Callahan. La representación nacional suma y sigue con Nacho Vegas, Triángulo de Amor Bizarro, Za! o Standstill con su impactante espectáculo en directo Rooom. TANNED TIN. Teatre Principal (Castellón) / Del 2 al 5 de febrero / www.tannedtin.com

Chronology. Así se llama el recopilatorio de Robyn Hitchcock donde el veterano compositor británico hace un repaso a su extensa carrera de más de tres décadas. Estos días se acerca a nuestro país para presentarlo en directo. Habrá tiempo para viejos clásicos de su etapa punk y new-wave al frente de The Soft Boys, pero también para los temas de su último álbum de estudio, Tromsø, kaptein. Bienvenido, maestro. ROBYN HITCHCOCK. 22 de febrero, Madrid / 24, Barcelona / 25, Valencia

GEORGE WRIGHT

Joya a descubrir: Gold Leaves, el proyecto paralelo de Grant Olsen (Arthur & Yu).

CRONOLOGÍA DE UN MITO

MÚSICA MAQUETEROS Y PUNTEROS La revista Mondosonoro celebra este mes sus ya tradicionales Fiestas Demoscópicas. Una estupenda oportunidad para descubrir un puñado de artistas punteros que, según el buen criterio de la publicación, han dado forma a las mejores maquetas del 2011. En esta ocasión se subirán al escenario Calimä, Dolores [en la imagen], El Faro, Bravo Fisher! o Little Boca. Un total de once conciertos que arrancan el 3 de febrero en Valencia y se cerrarán en Pontevedra el 25. En Madrid y Barcelona se sumarán El Columpio Asesino (mejor grupo nacional del 2011 para la revista). FIESTAS DEMOSCÓPICAS. Todo el mes en varias ciudades / www.mondosonoro.com

EL HOMBRE DEL PIANO A Michael Nyman se le conoce como pianista, musicólogo y compositor minimalista (de hecho, fue el primero en aplicar el término «minimalista» a la música) pero, sobre todo, por la estrecha vinculación de su carrera con el cine. Junto al realizador Peter Greenaway ha formado un tándem creativo que ha fructificado en cintas como El contrato del dibujante o El cocinero, el ladrón, su esposa y su amante. Su fama se disparó con la banda sonora de El piano de Jane Campion y, en ocasiones, se ha dejado seducir por Hollywood (Gattaca). En su próxima visita a España celebrará, por un lado, la reedición especial del primer disco de la Michael Nyman Band (formación que creó en 1976), pero también la publicación de Vertov sounds, que reúne sus composiciones para las películas mudas del maestro ruso Dziga Vertov —en Donostia y Barcelona interpretará la banda sonora de A sixth part of the world (1926), acompañando la proyección de este clásico—. Por su parte, en Cartagena presentará algunas de sus obras de videoarte (con tanta relación con el cine, es normal que acabara dirigiendo) bajo el título Cine ópera y acompañadas de piezas de piano compuestas específicamente para las imágenes.

SERGIO ALBERT

MICHAEL NYMAN. 22 de febrero, Donostia (Auditorio Kursaal) / 23, Barcelona (Festival Mileni) / 24, Cartagena (Auditorio Palacio de Congresos de Cartagena) / www.michaelnyman.com

DEUS: SEGUNDAS PARTES SÍ SON BUENAS PURA ENERGÍA Miembros del sello Sacred Bones —donde también milita gente como Zola Jesus, Moon Duo o Crystal Stilts—, The Men debutaron en él oficialmente el pasado año con Leave home (explícito homenaje en su título a Los Ramones). Su cóctel explosivo de guitarras bebe del noise rock de finales de los ochenta y lo aliña con pospunk, ruidismo, kraut-rock y experimentación. Corrosivos. THE MEN. 7 de febrero, Barcelona (La [2] de Apolo / 8, Madrid (Siroco)

Pocos grupos pueden presumir de haber vivido dos edades de oro a lo largo de su carrera. En el caso de la formación belga dEUS, su primera etapa engloba tres grandes discos en la década de los noventa, el último de ellos publicado en 1999 bajo el título de The ideal crash. Tras seis años de silencio, retomaban la actividad en 2005 con Pocket revolution. El parón los hizo más fuertes. A finales del pasado año editaban el tercer álbum de esta segunda etapa, Keep your close (PIAS), que introducía una importante novedad en la forma de trabajo de la banda: por primera vez, el grupo al completo ha trabajado en la totalidad de los temas (hasta el momento, su líder, Tom Barman, solía componer la mitad de las canciones, y el resto de los miembros, la otra mitad). Grabado en su propio estudio con la ayuda de Dave Bottrill (que ha colaborado con otros artistas como Tool o Placebo) y Adam Noble (Paul McCartney), el álbum descarta los sonidos más bailables de su anterior trabajo para retomar la carga dramática —esa intensidad tan característica de los de Amberes—, y cuenta con la colaboración de Greg Dulli (Afghan Whigs, Gutter Twins, The Twilight Singers) en dos de sus temas. Llegó el momento de catar en directo esta delicia musical del Benelux. DEUS. 5 de febrero, Madrid / 7, Bilbao (Kafé Antzokia) / 8, Barcelona (Bikini) / www.deus.be

DISCOS

KLAUS&KINSKI HERREROS Y FATIGAS

TRENT REZNOR / ATTICUS ROSS

CLOUD NOTHINGS ATTACK ON MEMORY

THE GIRL WITH THE DRAGON... Baste afirmar que estamos ante uno de los grupos más iluminados de la escena musical española. El tercer álbum de los murcianos supone un paso de gigante en su ya nada desdeñable discografía, que pasará a la historia por su creatividad letrística (tan superior a la media) y su asombrosa variedad sonora. Una amalgama que oscila entre la desolación de Buceador, la cañí Sacrificio, la habanera In the Goethe o el krautrock de Contrato. Y todo lo aprueban con nota, señores. Atentos a la gira: Bilbao (3 de marzo), Valencia (9), Barcelona (10), Madrid (23) y Zaragoza (24).

Aunque debido al reducido espacio de esta sección no solemos detenernos en bandas sonoras, sería un pecado pasar por alto la extraordinaria obra que Trent Reznor y Atticus Ross firman para la nueva versión de The girl with the dragon tattoo de Fincher (con él obtuvieron el Oscar por La red social). En total, 37 temas instrumentales agónicos y atmosféricos, una versión de Is your love strong enough de Bryan Ferry en la que canta la mujer de Reznor, Mariqueen Maanding; y la joya de la corona: Karen O interpretando el Inmigrant song de Led Zeppelin. Pelos como escarpias.

En 2010, Dylan Baldi —un joven de 19 añitos oriundo de Cleveland— debutaba con Cloud Nothings. Su disco, Turning on, era un conglomerado resultón de temas de pop Lo-Fi y garage sin demasiadas pretensiones. Pues bien, por obra y arte de Steve Albini (gurú de la producción y líder de Shellac), asistimos a una de las metamorfosis musicales más rotundas de los últimos tiempos. En Attack on memory confluyen una intensidad inusual en una banda tan joven y un desgarro sonoro que alcanza cotas en temas como No future/ No past o Wasted days. Salto cualitativo.

www.jabalinamusica.com

www.nin.com

www.facebook.com/cloudnothings

CHARLOTTE GAINSBOURG

VV. AA.

JOHN TALABOT

STAGE WHISPER

ESPECTROS

FIN

Lo de Charlotte Gainsbourg es toda una demostración de fidelidad. Repetirá por tercera vez a las órdenes de Lars von Trier en La ninfomaníaca (tras Anticristo y Melancolía), y vuelve a confiar en Beck para la producción de su último trabajo, Stage whisper. Un doble álbum que recoge once temas interpretados en directo durante su gira del 2010 (versión de Just like woman de Dylan incluida), así como varios temas que fueron descartados, en su momento, para su estupendo IRM. Sorprenden Terrible angels y Paradisco, temas de corte electropop que la aproximan a Goldfrapp.

Discos Walden, La Fonoteca y Maravillosos Ruidos unen fuerzas para tomarle el pulso a la escena musical independiente barcelonesa. Juntos acaban de editar Espectros, disco que reúne a cuatro formaciones que van a dar mucho que hablar este 2012: Capitán —grupo de darkpop que nace de la confluencia de miembros de Extraperlo y Veracruz—, Viva Ben-Hur, Arponera y Villarroel. El álbum se ha editado en un bonito vinilo de 12 pulgadas con una tirada limitada de 300 copias (aunque también puede escucharse en su Bandcamp).

El prestigioso sello alemán Permanent Vacation publica, por fin, este primer álbum de Talabot que se esperaba ya la primavera pasada. El productor de origen catalán —cuyo tema Sunshine fue considerado una de las canciones del 2009 por Pitchfork— presenta once nuevos cortes en los que predominan las atmósferas oscuras y densas y la exploración sonora sobre los sonidos más bailables. Colaboraciones vocales de lujo como las de Pional (ojo, otro productor madrileño que dará mucho que hablar) y Ekhi Lopetegui de Delorean. La espera, sin duda, ha merecido la pena.

www.charlottegainsbourg.com

www.espectros.bandcamp.com/album/espectros

www.soundcloud.com/john-talabot

ARTE

MEMORIA FOTOGRÁFICA EN LA ALHÓNDIGA TREINTA AÑOS DE HISTORIA DE LA IMAGEN

EL POETA CON ALAS DE PINTOR Fueron muchos los poetas y escritores con los que Chagall se codeó durante toda su vida: Breton, Malraux, Cendrars, Apollinaire... todos veían en él a un «pintor literario» que enriqueció sus obras con composiciones llenas de fantasía, surrealismo y color. El propio Breton llegó a decir que «con él la metáfora hizo su entrada triunfante en la pintura». Por primera vez en España, se organiza una retrospectiva dedicada al maestro ruso que reúne más de 150 obras de 20 museos. Imprescindible. CHAGALL. Thyssen-Bornemisza (Madrid) / Hasta el 20 de mayo / www. museothyssen.org

Obra de Stephen Shore titulada Sugar Bowl Restaurant (Gaylord, Michigan, 1973).

Desde hace años, el trabajo del artista canadiense Mark Lewis acerca al espectador lo conocido filmándolo igual que se rueda una película convencional. Sus vídeos son concebidos en formato cine (35 milímetros) y transferidos luego a DVD, con actores profesionales e iluminación artificial, pero en ellos se elimina cualquier trama: «De este modo, el espectador no se ve atrapado, como en el cine, por la historia; se siente libre para colocarse delante de la obra y rehacerla como si él mismo fuera su creador». Es lo que ocurre con Centrale (1999, se puede ver en www.marklewisstudio.com), obra que ensambla una vista de calle con la percepción ampliada por un espejo de un bar, permitiéndonos ser testigos del encuentro imposible entre dos personas. La realidad flirtea con lo virtual, quizá por ello esta obra ha sido elegida como el eje central del montaje de la exposición Topografías de la memoria. Esta monumental muestra colectiva que

acoge la Alhóndiga de Bilbao nos acerca a obras de referencia de algunos de los más destacados fotógrafos y artistas visuales contemporáneos. La exposición está configurada basándose en la selección del comisario Carles Guerra entre los fondos de la Fundación COFF (Centro Ordóñez Fundación de Fotografía). Pese a lo breve del periodo recogido —en su mayoría obras producidas en los últimos 30 años—, sorprende encontrarse con buena parte de las tendencias y prácticas discursivas que han marcado el devenir de la creación artística actual. Desde la memoria social de la obra de Allan Sekula (Untitled slide sequence, 1972) hasta las imágenes de carácter abstracto de Wolfgang Tillmans, pasando por Gabrielle Basilico, Bern & Hilla Becher, Bleda y Rosa, Edward Burtynsky, Paul Graham, Dorothea Lange, Antoni Muntadas, Erwin Olaf o Stephen Shore. TOPOGRAFÍAS DE LA MEMORIA. Alhóndiga Bilbao / Hasta el 15 de abril / alhondigabilbao.com

PABLO GENOVÉS: MEMORIA Y PASADO Desde sus inicios en el mundo de la fotografía, la obra de Pablo Genovés (Madrid, 1959) ha indagado en los conceptos de memoria, pasado y realidad mediante la combinación de técnicas digitales y elementos pictóricos. Su último trabajo, Cronología del ruido, se compone de 14 fotografías que suponen un paso adelante en su indagación ética y estética sobre la irrupción apocalíptica de la naturaleza en nuestro devenir. La exposición se completa con la edición del libro Precipitados (Exit Publicaciones). CRONOLOGÍA DEL RUIDO.

Galería Pilar Serra (Madrid) / Hasta el 17 marzo

PARA VER Y DEJARSE VER

SERGIO BELINCHÓN

Reafirmándose en su apuesta por reducir el espacio en pro de la calidad, la veterana feria de arte ARCO arranca una nueva edición con 160 galerías en su programa oficial. Este año centra su atención en Focus Países Bajos, que cuenta con el apoyo del comisario Xander Karskens (Museo Hallen, Haarlem), quien ha seleccionado las 14 galerías invitadas. Otras novedades son: After ARCO, proyecciones y actuaciones nocturnas; Artista destacado, que incentiva a las galerías para hacer presentaciones especiales de alguno de sus representados; y Solo objects, espacios específicos para esculturas e instalaciones de gran formato. Y frente a las propuestas más oficialistas de ARCO surge JustMad, otra feria que apuesta por el arte más emergente y que pone en marcha su tercera edición mudándose al parking del Hotel Silken Puerta de América (obra de la arquitecta italiana Teresa Sapey). Allí se darán cita un total de sesenta galerías, de las cuales una cuarta parte son extranjeras. La gran novedad de esta entrega es Forever tonight, un programa en donde las propuestas visuales de varios artistas compartirán espacio en varias habitaciones del hotel.

COLECCIÓN DE COLECCIONES La relación de amor entre la Fundación La Caixa y el MACBA continúa en febrero con una tercera exposición conjunta, El espejo invertido, que acerca al Museo Guggenheim de Bilbao una selección de casi cien obras de ambas colecciones. La muestra explora corrientes y movimientos que han supuesto un periodo de inflexión en el desarrollo de las artes visuales desde finales de los años cuarenta hasta la actualidad, por medio de la obra de Antoni Tàpies, Àngels Ribé [en la imagen], Julian Schnabel, Jeff Wall o Michelangelo Pistolletto, entre otros. EL ESPEJO INVERTIDO.

Guggenheim (Bilbao) / Hasta el 2 de septiembre

ARCOMADRID. IFEMA (Madrid) / Del 15 al 19 de febrero / www.ifema.es/ferias/arco/default.html JUSTMAD. Hotel Silken Puerta de América (Madrid) / Del 16 al 19 de febrero / www.justmad.es

PANTALLAS QUE HIPNOTIZAN ¡La de vueltas que da el mundo! Hace poco más de un siglo, el concepto de pantalla se reducía, básicamente, al contexto cinematográfico: un lugar de evasión y ensoñación para el espectador. Sin embargo, hoy en día en esta sociedad hipermoderna vivimos rodeados de múltiples pantallas que nos permiten ver y hacer casi de todo: pantalla de televisión, de vídeo, táctil, interactiva, lúdica, informativa, espía... De todo esto versa Pantalla global, la interesante y original propuesta expositiva coproducida por el CCCB y el San Telmo Museoa de San Sebastián. Un strip audiovisual que se estructura a través de varias piezas: desde El imperio de las estrellas [en la imagen], dedicada a las más diversas estrellas de cine, televisivas y ego-stars de YouTube; pasando por las pantallas del deporte (el mayor espectáculo televisado del mundo), de la publicidad (que promueve la idea de una civilización de consumo), la del juego (que nos permite disfrutar de una realidad paralela) o la del exceso (en la que proliferan el sexo y la violencia, con un montaje vertiginoso). Y para fomentar la bilateralidad propia de la era de Internet, El contracampo es la pantalla abierta en la que se integrarán las aportaciones visuales de todo aquel que lo desee. PANTALLA GLOBAL.

HOMBRE VS. MUNDO Apasionado del arte desde hace décadas, Martin Z. Margulies atesora una impresionante colección de fotografía que el resto de los mortales podemos disfrutar ahora gracias a la exposición La morada del hombre, coproducida por las fundaciones Foto Colectania y Suñol. Con más de 150 obras de autores como Walker Evans, Dorothea Lange o Gregory Crewdson [imagen: Untitled, 2003]. LA MORADA DEL HOMBRE. Foto Colectania y Suñol (Barcelona) / Desde el 23 de febrero

CCCB (Barcelona) / Hasta el 28 de mayo / www.cccb.org

LECTURAS POR JOSE ÁNGEL GONZÁLEZ MÁS QUE SUBTERRÁNEO, ANGELICAL Lois Pereiro (1958-1996) publicó este poemario, un año antes de morir, en una pequeña editorial gallega. Un loser en vida (heroinómano, punk, cólzico, seropositivo), no gozaba del aplauso colectivo que sus herederos cosechan ahora. Poco importa tanto contrasentido al enfrentarse con Poesía última de amor y enfermedad. El libro supera el foso del tiempo y explica la grandeza del poeta, poseído —como destaca Pere Gimferrer en el prólogo citando a Pereiro— por la presencia de una «latente sombra irrevocable». Mucho se ha hablado de la calidad subterránea y contracultural del escritor. Sospecho que él despreciaría ambos clichés: su tono está más cerca de Hölderlin que de Ginsberg y sus afanes vitales eran más dieciochescos que de la movida. ¿El libro? Angélico, imprescindible: Una estación en el infierno, otra en el cielo / temporalmente amable y despejado, / y al final siempre la triste pulcritud / de otro ensayo general del sueño eterno.

¿LEE EL CRÍTICO LO QUE RESEÑA? Quieran todos los dioses que jamás se tope con alguna de mis reseñas Jack Green —seudónimo de batalla de Christopher Carlisle Reid (1928)—. Es aterrador pensarlo. El opúsculo ¡Despidan a esos desgraciados!, rescatado del olvido por Alpha Decay, acoge las diatribas demoledoras de Green contra todos y cada uno de los críticos que reseñaron, casi siempre mal, una novela que a él le gustaba mucho —Los reconocimientos (1955), el debut literario de William Gaddis—. Las escribió, sin ahorrar los nombres y apellidos de los reseñadores, para un fanzine autoeditado. El asunto de fondo es viejo y sonrojante: ¿leen los críticos los libros que reseñan? La gracia desternillante y el genio están en la forma furibunda: Green recomienda a un editor que devuelva a cierto crítico «a las profundidades de donde lo haya sacado», comenta —sobre un reseñador de apellido judío— que no le parece «muy kosher fusilar parte de la faja» promocional, se ensaña con la «tímida reluctancia» de algunos a ser sinceros sin «dar la puñalada» y se mofa del «resentimiento un poco diluido, conservando la farsa de la autoridad» del gremio. La adenda final es un cementerio: una relación de los críticos que deberían avergonzarse y ser despedidos. Lo dicho: ni en pintura. ¡DESPIDAN A ESOS DESGRACIADOS! Alpha Decay / 208 páginas / 15 euros

POESÍA ÚLTIMA DE AMOR Y ENFERMEDAD. Libros del Silencio / 140 páginas / 15 euros

LA PERSONA CONTRA LA PERSONA La caza de los indios, de los negros, de los pobres, de los outsiders, de los ilegales, de los incómodos... El ensayo Las cazas del hombre, de Grégoire Chamayou, no juega a la metáfora. Es un estudio profundo sobre «las relaciones de depredación interhumanas», la cinegética de la persona contra la persona y sus muchas formas: «Una caza que persigue y una caza que expulsa (...), una caza que captura y otra que excluye». Desde la constante violencia social y en aras de la dominación del otro, dice el autor, «existen poderes cazadores cuyo ejercicio consiste en la caza y captura de sus súbditos» y la elección de las presas «nunca es arbitraria», sino que «obedece a estrategias fijadas». El libro de Chamayou, desolador y necesario como la mirada matinal en el espejo, esboza la historia de la morfología cambiante del único depredador de sus semejantes: el ser humano. LAS CAZAS DEL HOMBRE. Errata Naturae / 192 páginas / 19,90 euros

CASTRACIÓN DEL NIÑO-ANIMAL No es la primera vez que T. C. Boyle (1948) repasa con ademanes de ficción las historias que sabemos —o creemos— reales. Lo hizo con las vidas del explorador Mungo Park (Música acuática, 1981) y el arquitecto Frank Lloyd Wright (The Women, 2009). En El pequeño salvaje, editado en inglés en 2010, ahonda en el caso del niño asilvestrado de Aveyron, encontrado en los bosques del Languedoc francés en 1797. Sobre la peripecia, de por sí tan triste como la de todo freak social, Boyle emplea el mismo tono de pérdida que usó Truffaut en la celebrada película del mismo título que esta nouvelle. La adaptación social del niño-animal implica una castración. El hombre muere cuando deja de ser salvaje, cuando «el cielo y todo el poder de la vida que brotaba de la tierra bajo sus pies» dejan de ser significado para convertirse en mero y vulgar significante. EL PEQUEÑO SALVAJE. Impedimenta / 128 páginas / 16,95 euros

EN VIÑETAS POR NANI F. CORES

A CUATRO MANOS

MITOS IMPERECEDEROS SEGÚN HAWTHORNE

HISTORIA DE LA CRISIS CON DESDÉN E INDIGNACIÓN

Nataniel Hawthorne (1804-1864), a quien Poe consideraba un «genio sublime», languidece en un inmerecido silencio que tiene bastante relación con la moralidad de su obra. Este librito es una revisión de seis mitos griegos en el convencimiento de su permanencia («parece que no tuvieran origen y, sin duda, mientras exista el hombre es imposible que perezcan»). Escritos en un rush de pocas semanas, es fácil adivinar al autor de La letra escarlata en una tarea placentera: educar.

El título completo es una sinopsis: Cleptopía: fabricantes de burbujas y vampiros financieros en la era de la estafa. El periodista estadounidense Matt Taibbi (1970) destripa, con el necesario desdén por los ladrones financieros y una no menor inquina hacia sus cómplices políticos, la historia interna de la crisis y el comportamiento inmoral de los poderes públicos para mantener a los culpables a salvo. Un cronista indignado que explica el gran robo con lenguaje de calle.

LIBRO DE MARAVILLAS. Acantilado /

CLEPTOPÍA. Editorial Lengua de Trapo /

192 páginas / 15 euros

400 páginas / 20,80 euros

Fueron felices, comieron perdices, le dieron al sexo y, además, dibujaron viñetas juntos. Si hubiera un final alternativo para el cuento, este sería el adecuado para definir la relación entre Robert Crumb y Aline Kominsky. Marido y mujer desde hace más de treinta años, la editorial La Cúpula edita ahora una recopilación de historietas creadas a cuatro manos por la pareja. Su colaboración se inició en 1974 con Charlemos un ratito y se ha prolongado durante todo este tiempo hasta llegar a Camino al asiento malo (2011). En esta curiosa crónica de su relación divagan, sin complejos, sobre la vida, el amor, el paso del tiempo... y no reprimen, por supuesto, su gusto por lo erótico. ¡HÁBLAME DE AMOR! La Cúpula / 264 páginas / 35 euros

ADIÓS AL AMOR

SI NO PUEDO BAILAR, ESTA NO ES MI REVOLUCIÓN

UN VÁNDALO NECESITADO DE EDICIÓN

«Si nos olvidamos de tanta pamplina estéril, recordaremos lo que ya sabíamos: el terror y la crisis son, ante todo, maneras de gobernar», dicen los editores de este libro, empeñados en ofrecer «máquinas de guerra antiimperiales» . Esta obrita combina textos de Deleuze (1925-1995) y del colectivo anónimo Tiqqun, y propone una aplicación guerrillera de la fluidez espasmódica del baile, porque «la cuestión revolucionaria será en adelante una cuestión musical».

A Stewart Home (1962) le va bien con el vandalismo. Se ha creado una fama de travieso, iconoclasta y protopunk que vende mucho y bien en un mercado sediento de jóvenes escandalosos. Su novela Memphis Underground, vivencial, atropellada y dispersa es, pese al carácter sobrado del personaje, muy divertida y rítmica. Que le sobran 200 páginas es una conclusión con la que Home estará de acuerdo cuando aprenda las bondades de la edición crítica.

El que también sabe mucho de sexo es el canadiense Chester Brown. Hace diez años, tras la ruptura con su última novia, tomó una drástica decisión: olvidarse de cualquier tipo de relación de pareja y comenzar a pagar por mantener relaciones sexuales. Brown no solo encontró la liberación personal —«un tipo que tenga respeto por sí mismo no necesita una relación de amor romántico», afirma—, sino el caldo de cultivo perfecto para su obra Pagando por ello. Memorias en cómic de un putero. El lector se topará con un relato pormenorizado de sus encuentros sexuales, pero también con una reflexión amarga sobre el amor y una argumentación sólida a favor de la despenalización de la prostitución.

CONTRIBUCIÓN A LA GUERRA EN CURSO. Errata Naturae / 120 páginas / 10 euros

MEMPHIS UNDERGROUND. Alpha Decay /

PAGANDO POR ELLO... La Cúpula /

404 páginas / 19,90 euros

300 páginas / 26 euros

POR JAUME ESTEVE

ltimos s de los ú duccione ro o propicio n rp e e p rr acón de su s del año son un te tr a l e d os que ri s Despué estrafala compase royectos primeros p e entra s s n lo lo ri e o s, s th se a me turno. C e franquicia e s d va e te u n y n a ig s, lo hac para las marciano r con el g ti s e o e p g d e m a o ju c ri n isto e los no quiere narra la h goría, la d unda cate poco usual. El título nista, Vincent, que en la seg o g to a nteamien or el prota erine y otr con un pla moroso formado p novia Kath demasiado). a su s, lo u re g je n tienta un triá e dos mu siva que le historia pado entr bia explo arcan una ru se ve atra m a n u se , s C u tl n o A rá que d (c e n d e s n te ri t Cathe japonese e Vincen s u lo q l, la para te n c e ó a c pesadill s) ada, scoporro Con este más bien lic ertes a ca p u (o m s m o o y c ñ s e n lo de ce ecisión ta propios su d s sa su e e r a r? tr ri n y tom descub navegar e mbolado ntura por vida del e o o la ave id c o salir con n o c dad de lo ¿la seguri

El ratón, tan útil él, nunca ha contado con la simpatía de los grandes diseñadores de informática. Salvo contadas excepciones (Magic Mouse, Arc Touch), ha sido un producto funcional más que otra cosa. Para paliar este déficit llega el Click Car Mouse, un gadget escondido bajo la carrocería de cuatro vehículos (Mercedes 300 SL, Maserati Gran Turismo, BMW Z4, Range Rover Evoque) y que podremos encontrar tanto en versiones con cable como inalámbricas. [29,90 euros con cable / 49,90 euros el inalámbrico]

Ya hemos hablado alguna vez en esta página de altavoces inalámbricos que, gracias a la tecnología AirPlay de Apple, permiten reproducir música sin cables de por medio y con una calidad de sonido más que aceptable. A esta moda se ha sumado Loewe, que con el Air Speaker entra de lleno en este sector de mercado y lo hace con un producto que tan pronto nos puede servir de mesa para el té como de improvisado sillón para recibir visitas. Y con un diseño discreto y contemporáneo, marca de la casa. [799 euros]

Pantalla táctil delantera y, ojo, trasera. Giroscopios y acelerómetros. Wi-Fi y 3G. Dos sticks. Una potencia similar a la de PS3 y capacidad para trasladar las partidas de la consola de sobremesa a la portátil. Todo esto es PS Vita, la nueva portátil de Sony que quiere ganarle la partida a 3DS y que lo hace con un puñado de características demasiado apetecibles. Además, el catálogo de salida cuenta con alguna que otra joya, como los juegos Uncharted, Katamari o Ultimate Marvel vs. Capcom. [249 euros con Wi-Fi / 299 euros con 3G]

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