CASA GALERÍA 66

COSTA RICA ¢3.500 | PANAMÁ $7 | EL SALVADOR $7

VOL 66 | NOVIEMBRE - DICIEMBRE 2015

COASTAL

LIFESTYLE

TA R I FA A LO T I C O DESDE:

$159 + i .v.

R E S E R V E YA : 2 6 8 1 - 2 0 0 0

Estas tarifas son vรกlidas hasta el 10 de diciembre de 2015. Tarifa por habitaciรณn, por noche,con impuesto incluido: USD $179.67 en habitaciรณn Deluxe Garden View, USD $190.97 en habitaciรณn Deluxe Ocean View, USD $202.27 en habitaciรณn Deluxe Ocean Front. Aplican Restricciones y sujeto a disponibilidad.

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SUMARIO | SUMMARY

66 NOV - DIC 2015

74 SECCIONES FIJAS | REGULAR SECTIONS 16 Carta editorial. Editorial Letter. 140 Galería de Novedades. News Gallery. 152 Lo último. Last Page. GUÍA | GUIDE 22 Siete arquitectos. Seven Architects. 24 Notas musicales crean tejidos. The Fabric Upon Which Notes are Woven 26 La hidratación del futuro. The Future of Hydration 28 Edición especial. Special Edition. PORTADA | COVER FOTOGRAFÍA | PHOTOGRAPHY Dean Bradley LOCACIÓN | LOCATION St. Andrews Beach, Australia.

30 Arte contemporáneo en Los Ángeles. Contemporary Art in Los Angeles. 34 Moda para todos. Fashion for All.

110 DÉCOR | DECOR 38 Espacios de relax. Relaxing Spaces. ARTE | ART 46 Liga de Campeones del arte en Venecia. Art Champions League in Venice.

128 DESTINOS | DESTINATIONS 110 Isla del Coco Metrópoli submarina. Coco’s Island Submarine Metropolis. CASAS / HOMES 102 Casa Verónica.

56 Frida Kahlo Arte, jardín y vida. Art, Garden and Life.

120 Casa del Mar.

ARQUITECTURA | ARCHITECTURE 66 Grotto Sauna.

PROPIEDADES ÚNICAS | UNIQUE ESTATES 146 Para una familia con estilo. For a Family with Style.

ESPACIO INTERIOR | INTERIOR SPACE 74 ADN del diseño. Design DNA. MERCADO | MARKET 86 Marina Pez Vela Un proyecto boyante. A Buoyant Project. GENTE | PEOPLE 96 Scott Cutter Conquistador del paraíso. Conquering Paradise .

128 Villa Marittima.

148 Lujo y seguridad en los Laureles. Luxury and Security in Los Laureles. 150 Casa del Sol, única en su tipo. Casa del Sol, Unique in its Type.

EDITORIAL

U N A V E N TA N A A L M A R WINDOW ONTO THE SEA

e esos sueños recurrentes... abrir los ojos, correr las cortinas y tener ahí, a unos pasos, el espejo azul del mar. Agrego, no en un hotel, sino en casa. El hogar en la costa, sin que exista el imperativo de regresar a la ciudad, que la vida esté hecha ahí. En esta edición nos permitimos soñar con casas de playa en Australia, Perú y Panamá, las tres con una propuesta arquitectónica muy propia del entorno y los gustos del cliente. Villa Marittima en Australia con dos premios recientes importantes: Mejor Piscina 2015 y Mejor Proyecto Residencial Nuevo 2015 en el estado de Victoria. También entrevistamos a Scott Cutter, galardonado corredor de bienes raíces del Pacífico Central costarricense, quien nos da sus apreciaciones sobre el desarrollo inmobiliario en las costas; lo hace además desde su oficina, ubicada en La Marina Pez Vela de Quepos, un proyecto que apuesta por darle un nuevo empuje a esta zona. Además, publicamos en exclusiva las oficinas de la firma de diseño Gensler, ubicadas en Torre Lexus en Avenida Escazú. Con ese respeto por el diseño, la búsqueda de la innovación, la aplicación de conceptos multidisciplinarios y un elocuente uso del color y las formas, esta oficina crea un espacio lo suficientemente agradable para que me olvide de esa ventana al mar... al menos por ahora. A recurring dream: waking up, drawing the curtains and having, some steps away, the blue mirror of the sea. Not in a hotel, but at home, I must add. A house in the coast, without having to go back to the city; make one’s life there.” In this edition, we allow ourselves to dream about beach houses in Australia, Peru and Panama, all three with an architectural proposal fit for the environment and client’s taste. Villa Marittima in Australia boasts two recent important awards: Best Pool 2015 and Best New Residential Project 2015 in the state of Victoria. We also interviewed Scott Cutter, award-winning real estate broker of Costa Rica’s Central Pacific area, who gives us his opinion about real estate development in coasts. He talks to us in his office, located in Pez Vela Marina in Quepos, a project that aims to give a new upswing to this zone. Exclusively, we present the offices of design firm Gensler, located in Torre Lexus in Avenida Escazú. In terms of the design, in search for innovation, the application of multidisciplinary concepts and an eloquent use of color and shapes, this office creates a space pleasant enough to makes me forget about that window onto the sea… at least for now.

PATRICIA UGALDE SIMIONOVA Editora ejecutiva

/casa.galeria

@CasaGaleriaMag

CasaGaleriaMag

www.casagaleria.com

No 66 NOVIEMBRE - DICIEMBRE 2015 | NOVEMBER - DECEMBER 2015 OSCAR ALFARO OTÁROLA Publisher PATRICIA UGALDE SIMIONOVA Editora ejecutiva | Executive editor patricia.ugalde@casagaleriamedia.com

EDITORIAL MARÍA DEL MAR CERDAS ROSS Editora | Editor INTI PICADO OVARES Editor Web | Web Editor AMELIA MORA, ESNY MARTIN, INTI PICADO, KAREN FISHMAN Y MILENA FERNÁNDEZ Colaboradores | Contributors SHIRLEY BARQUERO Correctora de estilo | Proofreader DISEÑO Y FOTOGRAFÍA TATIANA GÓMEZ Productora | Producer CRISTINA ARCE Coordinadora de diseño | Design Coordinator ADRIANA PINTO Y MAYRA MENA Diseño gráfico | Graphic design RODRIGO MONTOYA Y TATIANA MARÍN Fotografía | Photography

ADMINISTRACIÓN | MANAGEMENT OSCAR ALFARO OTÁROLA Director ejecutivo | Executive Director FEDERICO HERRERO ROCHAC Asesor financiero | Financial Advisor CARLOS RAYO Jefe administrativo contable |Administrative chief MARGINE RAYO Asistente administrativa| Administrative assistant MERCADEO MARKETING PAMELA CORRALES Directora | Director DIANA VARGAS Coordinadora de mercadeo | Marketing coodinator MAYULIS FORERO Asistente comercial Panamá | Commercial assistant Panama

CIRCULACIÓN | CIRCULATION MARLENE SANDÍ Logística | Logistics distribucion@casagaleriamedia.com

ARIEL ARTEAGA Coordinador | Coordinator

VENTAS | SALES

CASA GALERIA MEDIA www.casagaleriamedia.com Plaza Itskatzú oficina 207 Escazú, San José, Costa Rica Tels: (506) 2288-3333 / 2288-3314 Para información y suscripciones contáctenos a: info@casagaleriamedia.com

KATTIA CORRALES Ejecutiva de cuentas Accounts Executive kattia.corrales@casagaleriamedia.com

MARIELOS ROJAS Ejecutiva de cuentas Accounts Executive marielos.rojas@casagaleriamedia.com

ALIANZAS ESPECIALES DE CIRCULACIÓN | SPECIAL CIRCULATION AGREEMENTS

GUÍA | GUIDE

SIETE

ARQUITECTOS SEVEN ARCHITECTS POR MARÍA DEL MAR CERDAS | FOTOGRAFÍA CORTESÍA FRITZ HANSEN

Jun Igarashi.

Jean Nouvel.

Bjarke Ingels Group (BIG).

Snøhetta.

Carlos Ponce de León.

E ZahaHadid.

Como celebración del 60 aniversario de la silla Serie 7 de Arne Jacobsen, arquitectos reinterpretaron esta pieza icónica. In homage to the 60th Anniversary of Arne Jacobsen’s Series 7™ chair, architects reinterpreted this iconic piece of furniture. 24

ste año, la silla Serie 7™ alcanzó las seis décadas y para celebrar, Fritz Hansen –la marca danesa de muebles– le encargó a siete arquitectos reimaginar la silla del modernista danés Arne Jacobsen. BIG –Bjarke Ingels Group–, Ateliers Jean Nouvel, Jun Igarashi Architects, Neri & Hu Design and Research Office, Snøhetta, Zaha Hadid Architects y Carlos Ott Architects con Carlos Ponce de León Architects atendieron el llamado de crear versiones de la silla de plywood original de 1955. Ya que la silla de Jacobsen no surgió en un contexto específico, como con otros de sus diseños, la Serie 7™ posee una cualidad universal ideal para interpretaciones y combinaciones de contextos. Las siete creaciones se mostraron en el Museo del Diseño en Gent, Bélgica, en la exhibición “7 Cool Architects”, antes de continuar en tour por distintas partes del mundo. Cada arquitecto mostró la silla a través de su propio bagaje cultural y conceptos personales de arquitectura. Zaha Hadid formalizó la Serie 7 como una expresión dinámica y continua de estructura y soporte. “Tiene una silueta atemporal y distintiva, que ha mostrado ser versátil por el número de formas en que puede modificarse su base”, dijo.

Neri Hu.

This year, the Series 7™ chair reached six decades and to celebrate such event, Fritz Hansen – Danish furniture design company- commissioned seven architects to reimagine the chair of Danish Modernist, Arne Jacobsen. BIG - Bjarke Ingels Group, Ateliers Jean Nouvel, Jun Igarashi Architects, Neri & Hu Design and Research Office, Snøhetta, Zaha Hadid Architects and Carlos Ott Architects with Carlos Ponce de León Architects, heeded the call to create versions of the original 1955 plywood chair. Since this chair by Jacobsen was not created in a specific context, in contrast to other of his designs, Series 7™ has an ideal universal attribute for interpretations and diversity of contexts. Seven architects from different parts of the world presented their creations at the Design Museum Gent, in Belgium, in the exhibition “7 Cool Architects”, before going on a world tour. Each one showcased the chair seen from the lens of their own cultural background and personal perception of architecture. Zaha Hadid formalized the Series 7™ chair as a dynamic and seamless expression of structure and support. “It has a timeless and distinctive silhouette, which has proven versatile in the number of ways its base can be modified,” explained the architect.

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GUÍA | GUIDE

NOTAS MUSICALES

CREAN TEJIDOS

THE FABRIC UPON WHICH NOTES ARE WOVEN POR PATRICIA UGALDE | FOTOGRAFÍA BEATWOVEN

M La tecnología ha permitido transformar la música en puntadas y estas en piezas de tela cargadas de arte y virtuosismo pensadas, ejecutadas y hechas realidad por BeatWoven®. Technology has allowed us to transform music into stitches and these into fabrics laden with art and virtuosity, carefully thought out, executed and materialized by Beatwoven®. 26

ientras cursaba la carrera de diseño de textiles, la bailarina y aficionada a tejer Nadia-Anne Ricketts trazó una conexión entre la música y el tejido. Para ella, cuando tejía era como tocar el piano. Trabajó con la ayuda de un diseñador de software para crear un programa que tradujera patrones de audio en formas geométricas tejidas. “A través de la innovación, la forma del tejido y el diseño se reinventan. La estética de la tela es desafiada para que música, moda y estilo se vinculen”, afirma Ricketts en su sitio web. Su empresa, BeatWoven, ha creado colecciones inspiradas en la música de Rachmaninoff, los Beatles y Queen con lana, seda y cachemira para proyectos vinculados a la moda, el cine y tiendas de departamentos como la famosa Harrod’s. Cada cliente puede seleccionar el tipo de música a tejer, sea clásica, tecno o rap. Cada pieza de tela puede adquirirse por metro, para hacer desde cojines hasta cortinas o tapicería. Incluso son tan hermosas que pueden colgarse como piezas de arte. Una vez seleccionada la pieza, la artista interviene en el proceso para controlar la toma de decisiones en relación con la forma de interpretarla, la composición, escala y asignar color, hilados y estructura. La investigación incluye recopilar visuales de estado de ánimo y construir storyboards. Los patrones son hábilmente editados y técnicamente preparados para tejer.

While pursuing a career in textile design, professional dancer and weaver Nadia-Anne Ricketts discovered a connection between music and woven cloth. For her, weaving was like playing the piano. Assisted by a software designer, she created a program that could translate audio patterns into woven geometric designs. “Through innovation, woven pattern and form is reinvented, fabric aesthetic is challenged and music, fashion and lifestyle are linked,” explains Ricketts in her website. Her design studio, BeatWoven, has created collections inspired by the music of Rachmaninoff, The Beatles and Queen, using wool, silk and cashmere in projects for the fashion and film industries, as well as for department stores such as famed Harrod’s. Every customer can select the type of music to be woven: classic, techno or rap. Each piece of cloth is available per meter, to make from cushions to curtains or tapestry. They are so beautiful they can even be hung as artwork. Once the piece of music is selected, the artist mediates in the process to control the decisions made in terms of how to interpret it, the composition, scale and to assign color, yarns and structure. The research involves collecting mood visuals and creating storyboards. The patterns are cleverly edited and technically prepared to be woven. Más info en www.beatwoven.co.uk

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LA HIDRATACIÓN

DEL FUTURO THE FUTURE OF HYDRATION

POR MARÍA DEL MAR CERDAS | FOTOGRAFÍA CORTESÍA DE SKIPPING ROCKS LAB

Cocina molecular combinada con la preocupación por el ambiente da como resultado una interesante alternativa al agua embotellada. Molecular gastronomy combined with environmental concern results in an interesting alternative to bottled water.

oho puede parecer un globo lleno de agua o hasta un implante de silicona. Se trata en realidad de un recipiente sencillo, resistente, higiénico, biodegradable y de bajo costo que plantea una nueva alternativa a los medios tradicionales de hidratación. Ante la cifra exorbitante de cincuenta mil millones de botellas plásticas utilizadas cada año solo en Estados Unidos, los estudiantes de diseño Rodrigo García González (español), Guillaume Couche (francés) y Pierre Paslier (francés) de Skipping Rocks Lab en Londres, Inglaterra, plantearon esta alternativa. Ooho es algo parecido a una bolsa hecha a base de cloruro de calcio y algas pardas (Phaeophyceae). Las capas de membrana se logran mediante un proceso propio de la técnica culinaria conocida como esferificación, con el cual los alimentos se encapsulan con texturas de gelatina. El agua debe estar congelada antes de envasarla para evitar que los ingredientes se mezclen. Aun quienes no se animen a comerse el recipiente, el hecho de que sea una opción es muestra de su base natural y ha entusiasmado a muchos por ser una alternativa de envase tan inofensivo que hasta se puede consumir. Llama la atención también su bajo costo y según sus creadores, se puede crear en casa y hasta probar nuevas recetas. Ooho recibió el Lexus Design Award 2014 y un premio de sostenibilidad por $22,500 a cargo de Climate KIC, creado por el Instituto Europeo de Innovación y Tecnología. Ooho may look like a water balloon or even a silicone implant. But it is actually a simple, resistant, hygienic, biodegradable and low-cost container that poses a new alternative to traditional packaging. Moved by the exorbitant statistic that 50 thousand million plastic bottles are being used each year only in the United States, design students Rodrigo García González (Spain), Guillaume Couche (France) and Pierre Paslier (France) of Skipping Rocks Lab in London, England, came up with such alternative. Ooho is similar to a pouch made of calcium chloride and brown algae (Phaeophyceae). The membrane layers are formed through a process typical of the gastronomy technique known as spherification, where food is encapsulated in gel spheres. Water must be frozen before it is packaged to keep ingredients from mixing. Although some may hold back from eating the packaging, this being an option proves its natural essence and has enthused many since this container is so harmless it can be consumed. Its low cost is also appealing and, according to the creators, it can be made at home and even try new recipes. Ooho was given the Lexus Design Award 2014 and won a sustainability prize of $22,500 backed by Climate KIC, established by the European Institute of Innovation and Technology.

GUÍA | GUIDE

EDICIÓN

ESPECIAL

SPECIAL EDITION

POR MARÍA DEL MAR CERDAS | FOTOGRAFÍA MARRIOTT INTERNATIONAL

Madison Square Park en Nueva York jamás había albergado un hotel de lujo... hasta este año, cuando abrió sus puertas The New York Edition. Madison Square Park in New York had never sheltered a luxury hotel before, until The New York EDITION opened its doors this year.

esde 1909 el icónico edificio Clocktower, también conocido como la torre de la Metropolitan Life Insurance Co., obtuvo fama mundial como la construcción más alta del mundo hasta 1913, cuando se inauguró el edificio Woolworth. El arquitecto David Rockwell, el desarrollador Ian Schrager y Marriott International se unieron para crear el ejemplar más reciente de la colección de hoteles Edition (Miami Beach, Londres y Estambul). A diferencia de los proyectos anteriores, este los enfrentaba a un edificio ya construido y catalogado patrimonio. Sus creadores lo definen como un “hotel tipo residencia privada”, inspirado en los clubes privados de finales del siglo XX en la ciudad, las mansiones de la época dorada sobre la Quinta Avenida y las obras maestras arquitectónicas de Stanford White. En el interior de este hotel de 273 habitaciones se conservó y restauró la madera oscura original de las paredes y los pisos en la segunda planta. Las paredes clásicas de yeso veneciano del lobby y del lobby bar contrastan con los grandes ventanales de hormigón especialmente diseñados. Las mesas de centro y sillas se inspiran en los diseños de Jean-Michel Frank de la década de los 20 y las lámparas de piso, el escritorio y silla del Concierge son diseños de Christian Liagre. Los modernistas Erik Koling Andersen y Álvaro Alto inspiraron los sillones. La chimenea es de acero ennegrecido forjado a mano y la escalera de caracol más parece una escultura. En el segundo piso se encuentra un bar, sala de billar y el restaurante a cargo del popular chef londinense Jason Atherton. Las habitaciones poseen pisos originales de roble en espiga, revestimientos originales de caoba en las paredes y un techo de yeso veneciano restaurado. Las sillas de terciopelo y banquetas, tapizadas en tonos rosa, verde y azul, están inspiradas en los colores vibrantes de los maestros holandeses, especialmente Vermeer. Since it was built in 1909, the iconic “Clocktower,” otherwise known as the Metropolitan Life Insurance Company Tower, gained world fame as the tallest skyscraper until the Woolworth Building opened in 1913. Architect David Rockwell, developer Ian Schrager and Marriott International teamed up to create the most recent of the EDITION hotels collection (Miami Beach, London and Istanbul). Unlike previous projects, this one challenged them with an already constructed building and designated heritage site. Its creators describe it as a “private residential” hotel, inspired by New York City’s turn of the 20th century private clubs, Fifth Avenue’s Gilded Age mansions and Stanford White’s architectural masterpieces. This 273-room hotel preserved and restored the original dark wood on the walls and the flooring on the second floor. The lobby and lobby bar’s classic Venetian plaster walls contrast the oversized custom cast concrete windows. The 1920’s coffee tables and chairs are inspired by Jean-Michel Frank designs and the floor lamps, the concierge desk and chair were designed by Christian Liagre. The lounge chairs were inspired by modernists Erik Koling Andersen and Alvaro Alto. The hand-forged blackened steel fireplace and the spiral staircase are more of a sculpture. The second floor features a bar, a billiard hall and the restaurant led by popular London chef Jason Atherton. The rooms display original herringbone oak floors, original mahogany wainscoting on the walls, and a restored Venetian plaster ceiling. The velvet chairs and banquettes, upholstered in rose, green and blue, are inspired by the vibrant colors of Dutch masters, particularly Vermeer.

GUÍA | GUIDE

ARTE CONTEMPORÁNEO

EN LOS ÁNGELES

CONTEMPORARY ART IN LOS ANGELES POR MARÍA DEL MAR CERDAS | FOTOGRAFÍA IWAN BAAN

F Una instalación inaugural con más de 250 obras maestras de arte contemporáneo, marcó la apertura del museo The Broad, un nuevo hito arquitectónico en el centro de Los Ángeles. An inaugural installation featuring more than 250 masterworks of contemporary art, marked the opening of The Broad museum, a new architectural landmark in downtown Los Angeles. 32

undado por los filántropos y expertos coleccionadores de arte Eli y Edythe Broad, la arquitectura innovadora de The Broad es la creación de Diller Scofidio + Renfro en colaboración con Gensler. Ubicado en la Avenida Grand frente al Salón de Conciertos Walt Disney, el museo es un lugar apropiado para las 2.000 obras de arte contemporáneo que alberga. Para la exhibición inaugural, Joanne Heyler, directora fundadora de The Broad, seleccionó más de 250 obras de unos 60 artistas para presentar un viaje cronológico por la colección Broad. La instalación inicia en las galerías de exhibición principales en el tercer piso, desde los años 50 hasta los años 90, con creaciones de artistas como Jasper Johns y Robert Rauschenberg, así como obras clásicas de pop art de Andy Warhol y Roy Lichtenstein. The Broad estará abierto seis días a la semana, con admisión general gratuita; ofrecerá 47 horas por semana de acceso público a exhibiciones curadas de una de las más reconocidas colecciones de arte contemporáneo. “Edye y yo estamos encantados de dar la bienvenida al público a nuestro museo” afirmó Eli Broad. “Creamos esta colección y este museo para que todos pudieran tener acceso al arte contemporáneo. No imaginamos un lugar más apropiado para nuestra colección y nuestro museo que la Avenida Grand, donde nos unimos a algunas de las principales instituciones culturales del mundo”.

Founded by philanthropists and longtime art collectors Eli and Edythe Broad, the Broad’s innovative architecture is the creation of Diller Scofidio + Renfro in collaboration with Gensler. Located on Grand Avenue across the street from Walt Disney Concert Hall, the museum is a fitting home for the 2,000 works of contemporary art it houses. For the inaugural exhibition, Joanne Heyler, founding director of The Broad, selected more than 250 works by some 60 artists to present a chronological journey through the Broad collection. The installation starts in the main exhibition galleries on the third floor, beginning in the 1950s through the 1990s, with works by artists like Jasper Johns and Robert Rauschenberg, as well as classic Pop works by Andy Warhol and Roy Lichtenstein. The Broad will be open six days a week, with free general admission, offering 47 hours a week of public access to curated exhibitions drawn from one of the world’s most renowned collections of contemporary art. “Edye and I are delighted to welcome the public to our museum,” said Eli Broad. “We built this collection and this museum so that contemporary art could be accessible to all. We cannot imagine a more fitting home for our collection and our museum than on Grand Avenue, where we join some of the world’s leading cultural institutions.”

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GUÍA | GUIDE

La diseñadora Agatha Ruiz de la Prada bañó de moda a República Dominicana con una exposición retrospectiva de sus 30 años de trabajo. Designer Agatha Ruiz de la Prada submerged the Dominican Republic in a sea of fashion presenting a retrospective exhibit of her 30-year work anniversary.

MODA

PA R A T O D O S

FASHION FOR ALL POR MARÍA DEL MAR CERDAS | FOTOGRAFÍA TATIANA GÓMEZ

GUÍA | GUIDE

a diseñadora española Agatha Ruiz de la Prada inauguró en la Sala de la Cúpula de la Galería Nacional de Bellas Artes la exposición “Agatha Ruiz de la Prada en República Dominicana”. Auspiciada por Dominicana Moda y la Embajada de España, la muestra estará abierta al público hasta el 21 de noviembre y se presenta como parte de las actividades conmemorativas de las Semanas de España 2015 y del décimo aniversario de Dominicana Moda. Se trata de una retrospectiva de algunas de las piezas más icónicas de sus 30 años de carrera, con diseños exclusivos, desde el más antiguo hasta el más moderno. Colores vibrantes y diseños llamativos son los protagonistas de esta madrileña famosa por sus colecciones llenas de color y fantasía. En 2007, Ruiz de la Prada fue la primera diseñadora de fama internacional en participar en esta fiesta de la moda dominicana y ha mantenido una relación cercana con la organización. Para ella, exposiciones como esta son una oportunidad valiosa para democratizar el acceso a la moda.

Spanish designer Agatha Ruiz De La Prada inaugurated the exhibit “Agatha Ruiz de la Prada in the Dominican Republic” in Sala de la Cúpula of the National Gallery of Fine Arts. Hosted by Dominicana Moda and the Spanish Embassy, the display will be open to the public until November 21 and is presented as part of the commemorative activities of “Las Semanas de España 2015” and the tenth anniversary of Dominicana Moda. This is a retrospective exhibition of some of the most iconic pieces of her 30 years of career; it includes exclusive designs, from her earliest to her most recent creations. Vibrant colors and striking designs are prime actors in the work of this Madrilenian artist, famous for her colorful and whimsical collections. In 2007, Ruiz de la Prada was the first internationally renowned designer to participate in this Dominican fashion festivity and has remained close to the organization. For her, this type of events are a valuable opportunity to democratize access to fashion.

Casa Galería asistió a Dominicana Moda por cortesía de Copa Airlines. Casa Galería attended Dominicana Moda courtesy of Copa Airlines.

DÉCOR | DECOR

E S PAC I O S

DE RELAX R E L A X I N G S PAC E S

ROCHE BOBOIS CURADURÍA DE OBJETOS POR KAREN FISHMAN

Eames House Bird, VITRA

La casa debe pensarse para descansar y

ELITIS

reconectarse. Para los

Flying Flower, diseñador Sacha Lakic. ROCHE BOBOIS

amantes del buen diseño esto significa textiles confortables a la piel, muebles ergonómicos y colores en tonalidades neutras y patrones sugeridos por la propia naturaleza. A house should be thought out as a place to rest and reconnect, and for lovers of good design this translates into

Equinox Rug, diseñadora Elisabeth Leriche. ROCHE BOBOIS

Brio Bed, diseñador Sacha Lakic. ROCHE BOBOIS

comfortable, pleasantto-touch fabrics, ergonomic furniture and neutral colors and patterns suggested

DORMITORIO

by nature itself.

En el dormitorio debe descansar el cuerpo, la vista y la mente. El objetivo más importante de este espacio es inspirar serenidad y paz, convirtiéndolo en un refugio al que anhelamos llegar. Combinación de texturas, tonos neutros y naturales, mezclados con algunos acentos visuales son lo más recomendado para lograr nuestra intención.

The bedroom is where the body, sight and mind should rest. Its biggest aim must be to inspire serenity and peace, turning into the refuge we crave. A combination of textures, neutrals and naturals, mixed with visual accents, is highly recommended to attain this. Vitra, EUROMOBILIA

DÉCOR | DECOR

JONATHAN ADLER

ALTEA

ELITIS

Platón, JONATHAN ADLER

SALA DE ESTAR Las salas de estar son de los lugares más utilizados en los hogares, ya sea para descansar, leer, ver TV o simplemente como punto de reunión familiar. Estos espacios deben estar llenos de personalidad. Combinar tonos neutros con acentos de colores más fuertes es una buena fórmula para ir definiendo este espacio como único dentro del hogar.

Sofá Monaco, BOCONCEPT

Living rooms are the places with most traffic in any home, used either to rest, read, watch television or simply as the family’s meeting place. These spaces must exude personality. Combining neutral tones with more vivid colors is a good formula to define such space as unique within the house.

Mesa Auxiliar Valencia, BOCONCEPT

Eames House Bird, VITRA

BOCONCEPT BOCONCEPT

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Starflower Blue, diseñadores Edward Barber & Jay Osgerby. THE RUG COMPANY

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DÉCOR | DECOR

ARTERIORS HOME

TERRAZA La terraza debe ser un lugar acogedor que invite a estar en ella, a disfrutarla con tiempo y apreciar su entorno. Asimismo, tiene que ser decorada en armonía con la naturaleza, para que ambos espacios se fusionen en uno solo. The terrace must be an inviting place where one can spend time and appreciate the surroundings. Terraces must be decorated in harmony with nature in such a way both spaces can blend as one.

Bitta, diseñador Rodolfo Dordoni. KETALL

Natural Clay, BOCONCEPT

Karen Fishman es graduada de Diseño del Espacio Interno y cuenta con más de 10 años de experiencia en este campo. Su especialidad es el diseño de interiores, la decoración y el diseño de mobiliario, tanto a nivel residencial como comercial e institucional.

Diseñador Barlas Baylar. HUDSON FURNITURE

Karen Fishman graduated in Interior Design and has over 10 years experience in this field. She specializes in interior design, decoration and furniture design, at a residential as well as commercial and institutional level.

4000-1125

ARTE | ART

Instalaci贸n La llave en la mano, 2015.Pabell贸n de Jap贸n. Installation image of the Key in the Hand, 2015, Photo by Sunhi Mang, Courtesy of Chiharu Shiota

Instalación de la artista Sarah Lucas, Pabellón Británico. Sarah Lucas’ British Council commission is at la Biennale di Venezia from 9 May until 22 November 2015 www.britishcouncil.org/visualarts Photo: Courtesy British Council.

LIGA DE CAMPEONES DEL

ARTE EN VENECIA ART CHAMPIONS LEAGUE IN VENICE POR MILENA FERNÁNDEZ

Entre 136 artistas de la Bienal de Venecia, 10 de ellos atrajeron más a la crítica, a la prensa y a la autora del presente artículo. Ten, among the 136 artists participating in the Venice Biennale, especially caught the eye of critics, the press and the author of this article herself.

ada dos años, Venecia –vieja urbe, milagro de la arquitectura y el ingenio humano– se convierte en el epicentro del arte. Es quizás la única ciudad donde el arte del pasado y el presente conviven en armonía. El peso de su historia gloriosa, cuna de creadores memorables (Canaletto, Carpaccio, Tintoretto, Tiziano…), contribuye a transformar a Venecia durante seis meses en la capital mundial del arte contemporáneo. Para qué nos vamos a engañar: hay muchas bienales regadas por el mundo, pero la Bienal de Venecia es La Bienal por excelencia. Por primera vez en sus 56 ediciones, este año un africano cogió el timón de la muestra. Se llama Okwui Enwezor (Calabar, Nigeria, 1963), crítico de arte y escritor, culto y elegante. Posee una visión comprometida del oficio del artista y por eso seleccionó personalmente 136 creadores de 36 países, invitados a reflexionar sobre problemas político-sociales como el hambre, el cambio climático, las desigualdades laborales, la inmigración, la diferencia de clases. Enwezor logró notablemente su objetivo, pues no hay nada banal en las dos sedes que hospedan esta manifestación de enormes dimensiones. Para verla como debe ser, se necesitan dos cosas: zapatos cómodos y tiempo, mucho tiempo.

Every two years, the old city of Venice, a miracle of architecture and human wit, becomes the mecca of the art world. It is perhaps the only city where art from the past and present coexist in harmony. The weight of its glorious history, cradle of memorable artists (Canaletto, Carpaccio, Tintoretto, Tiziano…) helps transform Venice for six months into the world capital of contemporary art. Let us be honest: there are many biennales spread throughout the world, but the Venice Biennale is The Biennale par excellence. For the first time in its 56 editions, an African took the lead in the exhibition. His name is Okwui Enwezor (Calabar, Nigeria, 1963), art critic and writer, elegant and educated man. He is committed to the artist’s trade and thus selected 136 creators from 36 countries, invited to reflect on political and social problems such as hunger, climate change, employment inequalities, immigration, and differences between social classes. Enwezor notably attained his objective, for there is nothing clichéd about the two venues housing this huge-scale showcase. Two things are necessary to appreciate it properly: comfortable shoes and time, plenty of time.

ARTE | ART

En silencio, 2008. Pabell贸n de Jap贸n. In Silence, 2008. Centre PasquArt, Biel/Bienne, Switzerland. Photo by Sunhi Mang, Courtesy of Chiharu Shiota

AGRIMIKA, instalaci贸n de la artista Maria Papadimitriou, 2015. Pabell贸n de Grecia. Maria Papadimitriou, Installation view, AGRIMIKA, 2015. Courtesy TAMA Temporary Autonomous Museum for all, and the artist.

LOS ELEGIDOS La Bienal Enwezor no es para nada inofensiva y es la más politizada de la historia. La palabra de Carlos Marx suena como un fantasma en el pabellón principal, en los Jardines. Sobre un escenario con capacidad para cien personas, dos actores leen durante los seis meses que dura la exposición el famoso tratado de Marx, publicado por primera vez en alemán, en 1867. Al preguntarle por qué ha escogido una obra tan política, Enwezor responde: “El capital es el drama de la época en que vivimos. Tiene mucho que ver con cada esfera de nuestra existencia y gobierna los dos sitios donde se produce economía: la fábrica y la Bolsa”. ¿Entre tanta diversidad artística, quiénes son los creadores memorables esta Bienal? He aquí una enumeración de los 10 que mayormente han impactado a la crítica y la prensa italiana e internacional y, claro, a la autora de este artículo. Gran parte son mujeres, para que no anden diciendo por ahí que el arte no es un asunto de féminas. 1. Japón y la memoria En primer lugar destaca el pabellón japonés, ideado por la joven artista Chiharau Shiota (Osaka, 1972). “He escrito una poesía a la ausencia y las huellas del pasado”, explicaba a la entrada del pabellón, al cual había que hacer fila para entrar. La instalación se llama The Key in the Hand y despierta los sentidos con mucha gracia y rigor. Hay millones de llaves pequeñitas, provenientes de todo el planeta, que penden de una enorme maraña de hilos rojos. Las llaves flotan en el cielo rojo que se mira desde el suelo, donde hay dos viejas barcazas de madera. Hay también videos de niños pequeños que hablan de sus recuerdos. 2. Crisis griega La instalación de la artista Maria Papadimitriou (Atenas, 1957) tiene mucho que ver con la tremenda crisis que vive la que fuera la cuna de la civilización y la democracia. Papadimitriou ha traído a Venecia una vieja tienda de talabartería y de cuero, actualmente cerrada por la crisis. Hay un video del propietario del negocio, Dimitris Ziogos, que perdió su casa y pensiones. La instalación se titula ¿Por qué miras los animales? y expone osos y ciervos disecados, así como pieles de animales que viven con humanos, pero que no se dejan domesticar. La autora dice que su obra tiene muchas lecturas. Ella la explica así: “Los animales no se adaptarán nunca a las reglas humanas y por eso se alejan. De este modo, se destruye la idea de una sociedad democrática”, zanja esta mujer de voz ronca y figura robusta. THE CHOSEN ONES The Enwezor Biennale is everything but unobjectionable and it is the most politicized in history. The voice of Karl Marx echoes like a ghost in the main pavilion, in the Giardini. On a stage with capacity for one hundred persons, two actors read, during the six months that lasts the exposition, Marx’s famous treaty, first published in German in 1867. When asked why he had chosen such a political work, Enwezor replies: “Capital is the great drama of our age; it is closely related to every sphere of our existence and governs the two places where economy is produced: factories and the Stock Market.” With such artistic assortment, who are the memorable creators of this Biennale? Here are the top ten who had a major impact on critics, the Italian and international press, and certainly on the author of this article. Most of them are women, to hush those who think art is not for women. 1. Japan and memories Above all, stands the Japanese pavilion, engineered by young artist Chiharau Shiota (Osaka, 1972). “I have written poetry to absence and traces of the past,” she explained at the pavilion’s entrance, where visitors lined up to enter. The installation is called The Key in the Hand and awakens the senses with much grace and rigor. Millions of tiny keys from all around the planet hang from an enormous tangle of read threads. The keys float in the red sky seen from the ground, where there are two old wooden barges. Videos of small children talking about their memories are also played. 2. Greek crisis Artist Maria Papadimitriou’s (Athens, 1957) installation is strongly linked to the tremendous crisis that experiences which used to be the cradle of civilization and democracy. Papadimitriou brought to Venice an old animal hide and leather shop, currently closed owed to the crisis. The exhibit shows a video of business owner Dimitris Ziogos, who lost his house and pensions. The installation Why Look at Animals? presents stuffed bears and deer, as well as the skins of animals that live with humans but refuse to be tamed. The author says her work has many interpretations. She explains, “animals will never adapt to man’s rules and this is why they depart; hence destroying the idea of a democratic society,” concludes this raspy-voiced and robust woman.

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Costa Rica estuvo representada por la artista Priscilla Monge, quien contó la historia oral de los malekus. El visitante escucha en maleku una voz femenina que narra la Celebración de las Tortugas, fiesta en la que los aborígenes cazaban el animal en los alrededores del Río Negro. Costa Rica was represented by Priscilla Monge, who told the oral history of the Malekus. The visitor is able to listen to a female voice narrating The Feast of the Turtles in Maleku, a celebration where aborigines used to hunt this animal, near Río Negro.

De la serie Por que Daninhas?/Why Wheeds?, 2006-2015. Pabellón Nacional de la República de Armenia. Rosana Palazyan, From the series Por que Daninhas? / Why Weeds?, 2006-2015. Plants and embroidery with thread and human hair on fabric. 25 x 20 cm each Installation view, Mekhitarist Monastery of San Lazzaro degli Armeni, Venice. Private collection ©Piero Demo.

3. El exterminio armenio Cuando se cumplen 100 años del holocausto de 1.500.000 de armenios a manos de turcos otomanos durante la I Guerra Mundial, la República de Armenia trae a Venecia un grupo de artistas contemporáneos que recuerdan la tragedia y exponen en la isla de San Lázaro de los Armenios, ubicada entre el Palacio Ducal y las playas del Lido. Ocupada por un monasterio, es uno de los centros más importantes del mundo de la cultura armenia. La brasileña Rosana Palazyan, de origen armenio, expone ¿Por qué dañinas? Se trata de una colección de plantas consideradas infectivas para los cultivos. Ella ha sustituido sus raíces por frases copiadas de libros de agronomía, cuyas letras están creadas con pedazos de sus propios cabellos. Se puede leer: “Nacen donde no se les quiere”. “Son invasoras y deben ser exterminadas”. Una metáfora dedicada al pueblo armenio. El Pabellón de Armenia ha sido escogido como el mejor pabellón por la Bienal de Venecia. 4. Penes británicos gigantes La artista más mediática de la Bienal y también la más irónica se llama Sarah Lucas (Londres, 1962). Las cuatro salas del pabellón británico desbordan la característica irreverencia con que Lucas concibe el arte y la vida. Famosa en los 80 por su obra cargada de un erotismo crudo y humor potente, apenas el visitante entra, lo recibe con una escultura gigante de un falo de cuatro patas. Y en los otros salones hay esculturas más pequeñas de partes del cuerpo humano femenino y masculino en cuyos orificios ha clavado cigarrillos.

5. Voces indígenas latinoamericanas Es tal vez el pabellón más sencillo, pero uno de los más ricos desde el punto de vista cultural y antropológico. En una Bienal marcada por obras visivas, desde la fotografía, la pintura y el video-arte, el pabellón del Instituo Italo-Latinoamericano destaca por ser una instalación sonora. El pabellón Voces indígenas ha gustado mucho por su originalidad y su aporte en defensa de las lenguas indígenas latinoamericanas, cuya población asciende a 28.000.000 de personas y donde las lenguas autóctonas son seiscientas; pero cerca de un tercio de ellas se ven amenazadas de extinción. Costa Rica está representada aquí por la artista Priscilla Monge, quien ha traído la historia oral de los malekus. El visitante escucha en maleku una voz femenina que narra la Celebración de las Tortugas, fiesta en la que los aborígenes cazaban el animal en los alrededores del Río Negro. 6. La brutalidad del Estado Islámico Ha dado mucho de qué hablar el pabellón iraquí que aborda el terror creado por el Estado Islámico. El comisario es el cotizado artista chino Ai Wei Wei que, bajo el título Belleza invisible, ha reunido un grupo de artistas iraquíes que viven fuera de su nación y cuentan de un país que ha visto la guerra, el genocidio y la violación de los derechos humanos. Destacan las pinturas del artista Haider Jabbar, refugiado residente en Turquía, que expone 2.000 acuarelas hechas con los retratos verdaderos de personas decapitadas por el ISI.

3. Armenian genocide After 100 years of the holocaust of one and a half million Armenians in the hands of Ottoman Turks during World War I, the Republic of Armenia brings to Venice a group of contemporary artists who recall the tragedy and put it on display in the Island of Saint Lazarus of the Armenians, located between the Doge’s Palace and the beaches on the Lido. Occupied by a monastery, it is one of the most important centers of the Armenian culture. Brazilian artist Rosana Palazyan, of Armenian origin, exhibits Why Weeds?, a collection of plants considered ineffective for crops. She has substituted their roots for phrases copied from agronomy books, which letters are embroidered with her own hair. Some labels read: “They are born where they are not wanted.” “They are invaders and must be exterminated.” A metaphor in honor of the Armenian people. The Armenian Pavilion was designated the best pavilion by the Venice Biennale. 4. Giant British penises The most mediatic and ironic artist of the Biennale is Sarah Lucas (London, 1962). The four rooms of the British pavilion overflow with the characteristic irreverence Lucas envisages art and life. She was famous in the eighties for works charged with raw eroticism and potent humor. As soon as visitors enter, they are greeted by a colossal sculpture of a four-legged phallus. The other rooms shelter smaller sculptures portraying female and male body parts with cigarettes protruding from their orifices.

5. Latin American indigenous voices This is probably the most austere pavilion, yet one of the richest from a cultural and anthropological perspective. In a Biennale marked by visual artwork, with photography, painting and video art, the pavilion of the ItaloLatin American Institute is noted for being a sound installation. Indigenous Voices has been very much appreciated for its originality and contribution in defense of Latin American indigenous languages. The indigenous population stands at 28 million people and 600 native languages are spoken; however, nearly one third of them are endangered. Costa Rica is represented by Priscilla Monge, who presents the oral history of the Malekus. The visitor is able to listen a female voice narrating The Feast of the Turtles in Maleku, a celebration where aborigines used to hunt this animal, near Río Negro. 6. The brutality of the Islamic State The Iraqi pavilion has aroused much debate for addressing the terror created by the Islamic State. Its commissioner is sought-after Chinese artist Ai Weiwei; he gathered under Invisible Beauty a group of Iraqi artists living out of their country who tell about a nation who has witnessed war, genocide and human rights abuse. Worth mentioning are the paintings of artist Haider Jabbar, refugee residing in Turkey who appears at the Biennale with 2,000 watercolor portraits of real victims of ISIS beheadings.

Akam Shex Hadi. Sin título. 2014-15. Fotografía digital blanco y negro. 30 x 45 cm. Cortesía del artista. Akam Shex Hadi. Untitled. 2014-15. Black and white digital print. 30 x 45 cm. Courtesy of the artist.

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Por primera vez en sus 56 ediciones, este año un africano cogió el timón de la muestra. Se llama Okwui Enwezor (Calabar, Nigeria, 1963), crítico de arte y escritor, culto y elegante. For the first time in its 56 editions, an African took the lead in the exhibition. His name is Okwui Enwezor (Calabar, Nigeria, 1963), art critic and writer, elegant and educated. 7. Los sueños de los adolescentes Los adolescentes del planeta, ricos o pobres, en paz o en guerra, tienen sueños muy parecidos. Los hombres quieren ser futbolistas como Messi; las chicas aspiran a ser doctoras o tener una bicicleta. La obra del joven artista colombiano Oscar Murillo, nacido en 1985 y residente en Londres, se titula Frecuencias y es un proyecto inconcluso que se desarrolla desde 2013. Consiste en dar a estudiantes de colegios de varios países, entre los cuales figuran Colombia, Etiopía e Israel, un lienzo en blanco que se coloca en el pupitre de cada alumno. Del experimento salen a flote más similitudes que diferencias. 8. Travestis y transexuales censurados La fotografía en blanco y negro de Paz Errázuriz (Santiago, Chile, 1944) se caracteriza por el interés del retrato como documento social. Con la cámara ha inmortalizado los momentos más crudos y decadentes de la sociedad chilena. La serie de imágenes expuestas en Venecia, Poética de la disidencia, reúne varios retratos de travestis y transexuales que durante la dictadura de Pinochet fueron perseguidos con crueldad. Estos desaparecidos, los otros desaparecidos, quedaron en el olvido. 9. Pintura en trance El pintor japonés Tetsuya Ishida murió en 2005 cuando tenía apenas 31 años tras ser aplastado por un tren en Tokio. Se hizo adulto cuando su país atravesaba la gran crisis financiera de los 90 y en sus pinturas de gran formato refleja ese sentimiento de desolación que le aquejaba. Ilustra personajes en estado de trance, obras surrealistas de personajes atemorizados que sufren en silencio. En sus obras la metamorfosis es kafkiana, como en una de las presentes en la muestra, donde en un ataúd yace un niño, en pedazos, como si fuera un robot listo para ser armado. Otra de las pinturas memorables es la de un grupo de alumnos, sentados en el pupitre; dos de ellos poseen el cuerpo del asiento de un automóvil, como si fueran máquinas capaces de aprender. 10. Motosierras suspendidas Son pocos los artistas italianos escogidos por el comisario Okwui Enwezor. Uno de ellos es Monica Bonvicini, nacida en Venecia, pero trasplantada a Berlín. Presenta una instalación que habla claro desde el mismo título: Combustión latente. Se trata de una serie de esculturas de motosierras, en cemento y revestidas con un espeso extracto de plástico negro, colgadas al techo con cadenas muy pesadas, como la guerra y la violencia. Y para quienes todavía tienen hambre de arte, en el sitio de la Bienal http://www. labiennale.org/it/Home.html es posible seguir nutriéndose. ¡Buen provecho!

7. Adolescent dreams Adolescents around the world, rich or poor, at peace or in war, have very similar dreams. Boys want to become soccer players like Messi, girls long to become doctors or own a bike. The work of young Colombian artist Oscar Murillo, born in 1985 and living in London, is called Frequencies and it is an ongoing project started in 2013. It consists of providing students from schools of different countries, among them Colombia, Ethiopia and Israel, with a blank canvas placed on the each student’s desk. More similarities than differences emerge from such experiment. 8. Censored transvestites and transsexuals The black and white photography of Paz Errázuriz (Santiago, Chile 1944) is noted for an evident interest in portraits as social documents. With her camera she has immortalized the harshest and most decadent moments of Chilean society. The series of images showcased in Venice, Poetics of Dissent collects various pictures of transvestites and transsexuals cruelly pursued during Pinochet’s dictatorship. These, as well as others who also disappeared, passed into oblivion. 9. Trance painting Japanese painter Tetsuya Ishida died in 2005 at age 31 when struck by a train in Tokyo. He entered adulthood when his country was undergoing the great financial crisis of the nineties and he portrayed this afflicting feeling of desolation in oversized paintings. His work illustrates characters in a trance state, surrealist artwork of terrified characters suffering in silence. Ishida’s paintings present a Kafkaesque metamorphosis, like in one on display, where a child lies in a coffin-like box, in parts, as if he were a robot ready to be assembled. Another memorable painting depicts a group of students sitting on their desks; two of them with a car seat for a body, like machines capable of learning. 10. Hanging chainsaws Few were the Italian artists chosen by commissioner Okwui Enwezor. One of them is Monica Bonvicini, born in Venice, but resident of Berlin. Her installation speaks clearly from the title itself: Latent Combustion. It displays a series of chainsaws, in cement and coated with a thick extract of black plastic; hung from the ceiling with very heavy chains, like war and violence. And for those still hungry for art, the Biennale’s website: http://www.labiennale.org/it/Home.html. Enjoy!

LA BIENAL DE CERCA THE BIENNALE UP CLOSE • Paz Errázuriz, Priscilla y Leyla, La Manzana de Adán. Chile, 1986 e Infarto del alma 1. Chile, 1993. Courtesy of the artist. Paz Errázuriz, Priscilla y Leyla, La Manzana de Adán. Chile, 1986 e Infarto del alma 1. Chile, 1993. Courtesy of the artist.

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Okwui Enwezor, comisario de la Bienal de Venecia 2015. Biennale di Venezia’s 2015 curator.

La edición número 56 celebra 120 años y acoge a 136 artistas provenientes de 53 países. El Vaticano inauguró su propio pabellón hace dos años. Los artistas seleccionados personalmente por el comisario exponen en el Arsenal, antigua fábrica de barcos, cerca de los Jardines. La 24ª Bienal es memorable, pues en ella se exhibieron las nuevas tendencias del Cubismo y el Surrealismo con obras de Picasso, Dalí, Kandinsky y Miró. Este año, el León de Oro al mejor artista cayó en las manos de la estadounidense Adrian Piper (1948). El premio al mejor pabellón fue para la República de Armenia. El León de Plata reconoció a Hueng-Soon, nacido en 1969 en Corea del Norte, como mejor artista joven. The 56th edition celebrates 120 years and gathers 136 artists from 53 countries. The Vatican opened its own pavilion two years ago. The artists personally selected by the commissioner set up their exhibit in the Arsenale, former shipyard, near the Giardini. The 24th Biennale is memorable, since it showcased the new Cubism and Surrealism trends with works by Picasso, Dalí, Kandinsky and Miró. This year, the Golden Lion was awarded to US artist Adrian Piper (1948). The Armenian pavilion won the prize for best pavilion. The Silver Lion for young artists was awarded to Im Hueng-Soon, born in 1969 in North Korea.

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FRIDA KAHLO

ARTE, JARDÍN Y VIDA A RT, G A R D E N A N D L I F E POR ESNY MARTIN | FOTOGRAFÍA TATIANA MARÍN

Durante los últimos seis meses, el mundo de Frida Kahlo inundó el enorme jardín botánico de Nueva York para impregnarlo con su arte y su autenticidad.

During the past six months, the world of Frida Kahlo flooded the great New York Botanical Garden to fill it with her art and authenticity.

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Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón, más conocida como Frida Kahlo, nos conquistó para siempre con su dramática sensibilidad, talento, orgullo por sus raíces, autenticidad, valentía, gran estilo, corazón abierto y asombrosa libertad. Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón, better known as Frida Kahlo, conquered us forever with her dramatic sensibility, talent, pride in her roots, authenticity, courage, great style, open heart, and amazing freedom.

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quí la poesía de Octavio Paz hace eco entre los senderos y los majestuosos árboles. Algunos visitantes cocinan recetas tradicionales de México, llenando el aire de olor a hierbas, mientras que otros prefieren esperar en línea para degustar los tacos de los restaurantes temporales y los tequilas de la cantina. Se venden artesanías y trajes típicos zapotecas. Estamos rodeados de jardines tropicales, muros y arte de colores vibrantes. Lo que es difícil de imaginar en esta escena es que en realidad nos encontramos en plena jungla de concreto. Y es que, durante el último semestre, el mundo de Frida Kahlo, la mujer que puso en alto el arte de América Latina, se mudó desde México hasta el enorme jardín botánico de Nueva York (NYBG, por sus siglas en inglés). La campeona que nos conquistó para siempre con su dramática sensibilidad, su talento, el orgullo por sus raíces, su autenticidad, su valentía, su gran estilo, su corazón abierto y su asombrosa libertad: Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón, más conocida como Frida Kahlo, fue la musa que inspiró la última gran exhibición del NYBG en la gran manzana titulada: Frida Kahlo: Arte – Jardín – Vida. Esta fue la mujer que –a pesar de haber sido sometida a decenas de operaciones, un tremendo accidente y una cruel enfermedad– revolcó el mundo con su pasión hacia la vida. Como dijo en una de sus más impactantes frases: “Cada (tic-tac) es un segundo de la vida que pasa, huye y no se repite. Y hay en ella tanta intensidad, tanto interés, que el problema es solo saberla vivir. Que cada uno lo resuelva como pueda”. Esta es la primera exposición que se ha enfocado en examinar y celebrar el amor y la gran apreciación de Frida por la belleza y la variedad del mundo natural, tal como se evidencia en los hermosos jardines de la casa donde vivió en Coyoacán, las flores con que adornaba su cabeza y el complejo uso de imágenes ornamentales presentes siempre en sus obras.

The poetry of Octavio Paz echoes here, softly among trails and majestic trees. Surrounded by tropical gardens with brightly colored walls and art, some visitors cook traditional mexican recipes, filling the air with spicy herbs, while others wait in line for tacos at pop-up restaurants or drink tequila from La Cantina. Among them, vendors sell crafts and traditional Zapotec costumes. What is hard to imagine in a scene like this is that we are actually in the middle of a concrete jungle. During the last semester the world of Frida Kahlo, the woman who put the Latin American art on the map, moved from Mexico to the huge New York Botanical Garden (NYBG). This champion who conquered us forever with her dramatic sensibility, talent, pride in her roots, authenticity, courage, great style, open heart, and amazing freedom: Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderon, better known as Frida Kahlo, has inspired the latest great exhibition in the Big Apple’s NYBG entitled “Frida Kahlo: Art - Garden – Life”. Despite having undergone dozens of surgeries, a massive accident and a cruel disease, this woman rolled the world with her passion for life. As she stated in one of her most impacting quotes: “Remember that every tic toc is a second of life that goes by and doesn’t repeat itself, there is in it so much intensity, so much interest, that there is only the problem of how to live it. To each one to resolve their own as best they can.” This is the first exhibition to focus on examining and celebrating the love and great appreciation Frida had for the natural world’s beauty and variety. As evidenced by the beautiful gardens of her house in Coyoacan, the flowers that adorned her head, and the always present complex use of ornamental images in her works.

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La plaza principal del Jardín Botánico estaba rodeada por restaurantes y bares temporales que ofrecían platos y bebidas típicas mexicanas. The main plaza of the Botanical Garden was surrounded by temporary restaurants and bars offering Mexican dishes and typical drinks.

Más de una docena de sus pinturas y dibujos originales se mostraron en uno de los edificios principales; pero como si esto no fuera suficiente, el NYBG se propuso crear un gran escenario vivo que permitió a cada visitante conectarse y aprender de la vida y el importante entorno cultural de Frida a través de maravillosas experiencias diseñadas por el equipo creativo. El conservatorio del jardín –donde regularmente se realizan desfiles para las más exclusivas y lujosas casas de moda, como Chanel o Carolina Herrera– en esta ocasión se transformó en una réplica del jardín de Frida en su famosa Casa Azul. Este espacio también acogió cada semana los eventos “Frida al fresco”, que consistieron en una serie de conciertos de música latina. “Cocinando con Frida” fue la experiencia a cargo de la reconocida cadena de supermercados de comida orgánica Whole Foods, la cual consistía en realizar las recetas favoritas de la artista utilizando las mismas hierbas que ella utilizaba, tomadas de una enorme huerta desarrollada para la exposición. La plaza principal del Jardín Botánico estaba rodeada por restaurantes y bares temporales que ofrecían platos y bebidas típicas mexicanas. Dentro de las tiendas de souvenirs se vendían desde objetos temáticos de Frida y Diego Rivera (famoso muralista y gran amor de Kahlo) hasta libros de recetas mexicanas o galones de pintura con el tono exacto de la casa, en caso de que algún visitante quisiera regresar a su hogar y convertirlo en su propia Casa Azul. Una tienda incluso tenía a la venta una de las piezas de ropa más emblemáticas de Kahlo: los trajes de Tehuana. Para Frida, estos eran una declaración ideológica y cultural. El vestido de Tehuana proviene del Istmo de Teuhantepec, localizado al sureste de México, en el estado de Oaxaca. Esta sociedad matriarcal es administrada y dominada en su totalidad por las mujeres y como tal, su vestimenta tradicional es un poderoso símbolo de fuerza e independencia femenina. Frida fue capaz de percibir el valor semiótico de la ropa, volvió sus atuendos su sello, los cuales fortalecían y comunicaban su identidad y sus valores. Sin duda, el New York Botanical Garden nos sorprendió con la creatividad con la cual honró el gran legado de la heroína cultural de América Latina. Aprendimos sobre su vida, pero sobre todo aprendimos cómo vivir como Kahlo nos enseñó. Como escribió Frida sobre unas sandías que pintó en su último lienzo: “¡Viva la vida!”.

More than a dozen original paintings and drawings were shown on one of the main buildings, but as if that was not enough, the NYBG set out to create a large live stage allowing each visitor to connect with and learn about Frida Kahlo’s life and important cultural environment through wonderful experiences designed by the creative team. This time, the garden conservatory which regularly holds fashion shows for the most exclusive and luxurious houses such as Chanel and Carolina Herrera, was transformed into a replica of Frida’s garden in her famous Casa Azul, which hosted a weekly series of latin music concerts entitled “Frida al fresco”. Honoring the ad-hoc style of her presentations, the American upscale grocery chain Whole Foods, produced an experience called “Cooking with Frida”, about making the artist’s favorite recipes using the same herbs she used, taken from a huge orchard developed for the exhibition. The main plaza of the Botanical Garden was surrounded by temporary restaurants and bars offering Mexican dishes and typical drinks. The souvenir shops sold themed objects of Frida and Diego Rivera (her great love and world famous muralist), Mexican cook books and the same painting tone she used to paint her famous house La Casa Azul, in case visitors wanted to go back home and create their own blue house. One shop was even selling one of Kahlo’s most emblematic pieces of clothing: the Tehuana costume. For Frida, these dresses were an ideological and cultural statement. The dress comes from the Teuhantepec Isthmus, located southeast of Mexico, in the state of Oaxaca. This is a matriarchy, owned and dominated entirely by women, and as such, their traditional dress is a powerful symbol of female strength and independence. Kahlo was able to perceive the semiotic value of clothes, and turned them into her label; the way she dressed strengthened and communicated her identity and values. Undoubtedly, the New York Botanical Garden surprised us with the creativity with which they honored the legacy of Latin America’s cultural heroine. We learned about her life, but above all caught a glimpse of what Kahlo herself taught us about how to live. As Kahlo wrote over watermelons on her last painting: “¡Viva la vida!”

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Por espacio de tres días, inversionistas y público en general podrán conocer los mejores proyectos residenciales localizados en el oeste de San José, en el marco del Casa Galería Open House, un evento de estilo de vida único en su clase. For about three days, investors and the general public will discover the best residential projects located in western San José, at Casa Galería Open House, a lifestyle event unique in its class. 66

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Torre Lexus en Avenida Escazú se convertirá en la capital del estilo de vida los días 12, 13, 14 y 15 de noviembre con el evento denominado Casa Galería Open House. La actividad, que celebra el decimoprimer aniversario de la revista Casa Galería, girará alrededor de un sofisticado showroom en el que los ocho mejores proyectos inmobiliarios del oeste de San José presentarán sus propuestas. Es así como el público asistente podrá conocer de primera mano las características que convierten a Avenida Escazú, Condominio Dukana Guachipelín, Distrito Cuatro Escazú, Hacienda Espinal, Q-BO Rohrmoser, Ribera Laureles, U Nunciatura y 527 Los Laureles en los mejores proyectos para invertir. Además del showroom inmobiliario, habrá varias actividades complementarias que se inician el jueves 12 de noviembre por la noche con un coctel privado y por invitación, y que continuarán de viernes a domingo con las puertas abiertas al público con charlas y otras importantes actividades. Así, este showroom inmobiliario presenta un mundo de oportunidades en donde se magnifican las mejores prácticas en estilo de vida, inversión y desarrollo amigable con el ambiente.

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Torre Lexus in Avenida Escazú will turn lifestyle capital on November 12, 13, 14 and 15, with Casa Galería Open House. The event, celebrating Casa Galería magazine’s eleventh anniversary, will revolve around a sophisticated showroom in which the eight best real estate projects in western San José present their proposals. The attending public will be able to see first hand the characteristics that make Avenida Escazú, Condominio Dukana Guachipelín, Distrito Cuatro Escazú, Hacienda Espinal, Q-BO Rohrmoser, Ribera Laureles, U Nunciatura, and 527 Los Laureles the best projects to invest in. In addition to the real estate showroom, there will be several complementary activities beginning on the night of Thursday, November 12, with a private cocktail by invitation, and will open its doors to the public from Friday to Sunday with presentations and other important activities. This property showroom presents a world of opportunities where best lifestyle practices, investment and environment friendly development are magnified.

ARQUITECTURA | ARCHITECTURE

GROTTO

SAUNA POR NICOLA SPUNT | FOTOGRAFÍA JONATHAN FRIEDMAN.

Posado en el borde noroeste de una isla ubicada en la Bahía de Georgia, este diseño es una hazaña que combina artesanía del viejo mundo con sostenibilidad del nuevo mundo, materializado con ayuda de un software innovador y tecnología de fabricación. Perched at the northwest edge of an island on Georgian Bay, this design is a feat of old-world craftsmanship and new-world sustainability, made possible by cutting-edge software and fabrication technology.

rotto Sauna es un espacio esculpido, una sensual experiencia y un sofisticado ejercicio en la ciencia de la construcción. Inspirada en una gruta italiana, una cueva secreta cubierta por agua escondida en medio de inocentes formaciones rocosas, el diseño es un tributo a las extremidades del paisaje del norte de Ontario. Con el fin de contar una historia arquitectónica de fuga y refugio, se concibió un diseño con una combinación de contrastes que transporta a los visitantes a un santuario fuera de este mundo. Un simple, pero digno exterior construido con cedro carbonizado preparado con el método tradicional japonés Shou Sugi Ban, transmite un aspecto erosionado; es como si la estructura hubiese permanecido escondida a plena vista por siglos. Por el contrario, el interior cálido y curvo emula las olas del Lago Huron y refleja el escudo precámbrico, una suave y ondulada superficie rocosa que ha sido desgastada por millardos de años. La luminosidad de la madera interior resalta la experiencia del sauna acariciado por el sol mientras que el exterior añejado oculta del mundo la intimidad de tal experiencia. Cabe destacar que se trata de una estructura altamente sostenible que establece una metodología exitosa para abordar los retos de construir una arquitectura ambiciosa en regiones remotas y ambientalmente sensibles. El sitio se escaneó digitalmente para crear un modelo tridimensional muy exacto desde el cual pudiéramos analizar y posicionar la estructura para minimizar el impacto en el sitio, sin sacrificar vistas óptimas de los atardeceres. También trabajamos directamente con nuestros socios de fabricación en cada detalle para desarrollar nuevos prototipos y métodos de fresado.

Grotto Sauna is a sculpted space, a sensual experience, and a sophisticated exercise in building science. Inspired by an Italian grotto —a secret water-filled cave concealed within unsuspecting rock formations— the design pays homage to the extremities of the Northern Ontario landscape. To the extent that the objective was to tell an architectural story of escape and refuge, a design that married contrasts to transport visitors into an otherworldly sanctum was conceived. A simple but dignified exterior built from charred cedar prepared using the traditional Japanese Shou Sugi Ban method conveys a weathered appearance; it’s as if the building has been hidden in plain sight for centuries. By contrast, the warm, curved interior emulates Lake Huron’s waves and mirrors the Precambrian shield —a soft, undulating rock surface that has been worn over billions of years. The luminous glow of the interior wood enhances the sunkissed sauna experience, while the pre-aged exterior veils the intimacy of that experience from the world. Importantly, the Grotto is a highly sustainable structure that established a successful methodology for addressing the challenges of building ambitious architecture in remote and environmentally sensitive regions. The site was digitally scanned to create a highly accurate 3D model from which we could analyze and position the structure to minimize site impact, while retaining optimum views of the sunsets. We also worked directly with our fabrication partners on every detail to develop new prototyping and milling methods.

ARQUITECTURA | ARCHITECTURE

El interior cálido y curvo emula las olas del Lago Hurón y refleja el escudo precámbrico, una suave y ondulada superficie rocosa que ha sido desgastada por millardos de años. The warm, curved interior emulates Lake Huron’s waves and mirrors the Precambrian shield —a soft, undulating rock surface that has been worn over billions of years.

ARQUITECTURA | ARCHITECTURE

LA FIRMA ABOUT THE FIRM Partisans es un intrépido equipo de jóvenes arquitectos, diseñadores y colaboradores que comparten la misma motivación: pensar en grande y siempre entregar más de lo prometido. Fue cofundado en el 2011 por tres egresados de arquitectura (Alex Josephson, Pooya Baktash y Jonathan Friedman). Su estudio contradice las prácticas de arquitectura tradicionales no solamente sobrepasando los límites estéticos, conceptuales y tecnológicos, sino también relatando nuevas historias arquitectónicas y reinventando las herramientas requeridas para diseñar y fabricar estructuras y objetos bellos y sostenibles. Desde luces, bancas y novelas gráficas hasta saunas, bares y estaciones de tren, el alcance absoluto de su proyecto desafía la categorización y los clichés. Partisans is an intrepid team of young architects, designers, and collaborators all united by the same drive: to think bigger and always deliver more than has been promised. Co-founded in 2011 by three recent architecture graduates (Alex Josephson, Pooya Baktash and Jonathan Friedman) their studio upends traditional architectural practices not only by pushing aesthetic, conceptual, and technological boundaries, but also telling new architectural stories and reinventing the tools required to design and fabricate beautiful and sustainable objects and structures. From lights, benches, and graphic novels, to saunas, bars, and train stations, the sheer scope of their project defies categorization and clichés.

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