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New Yearâ&#x20AC;&#x2122;s Brunch @ Perseo Art Foundry

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Attention ,

Ă¨ Questo rogress p n i k r il wo ogo del catal iorno g e i c e t Segui verete o r t o n r e dopo gio nti, nuove oper me aggiorna , traduzioni, sti nuovi te se... e sorpre T h is is t h e w o r k - in - p r o g ress o f t h e c a t a lo gue. F o ll o w u s a n d day by day y o u w il l f in d updates, new artwork s, new texts, t r a n s la t io n s a n d s u r p r is e s .. .

please!!!

a cura di | curated by Stefano Pesce

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New Year ’s B runch @Perseo A rt Foundry a cura di | curated by Stefano Pesce

ISBN 978-88-96427-63-7 © 2015 con-fine edizioni - Tutti i diritti riservati All right reserved under international copyright conventions. con-fine edizioni Via Garibaldi, 48 - 40063 Monghidoro (BO) - Italy www.con-fine.com - info@con-fine.com Nessuna parte di questo libro può essere riprodotta o trasmessa in qualsiasi forma o con qualsiasi mezzo elettronico, meccanico o altro senza l’autorizzazione scritta dei proprietari dei diritti e dell’editore. No part of this book may be reproduced or utilized in any form or by any means, electronic or mechanical, including photocopying, recording, or any information storage and retrieval system, without permission in writing from the publisher. Prima edizione Gennaio 2015| First Edition January 2015

Official sponsors

Perseo SA Art Foundry

Società fondata nel 1952, Perseo S.A. si è da sempre dimostrata legata all’arte e agli scultori che la rappresentano. Nel corso degli ultimi 60 anni di attività, Perseo S.A. si è costantemente dedicata al perfezionamento delle proprie tecniche di produzione avvalendosi di personale qualificato e di un valido supporto tecnico da parte dei fornitori. Alla classica Fusione a Cera Persa si sono aggiunte nel tempo anche le tecniche di Microfusione Sottovuoto e Sistema Ceramico. Perché Perseo? La società prende il nome dalla prima codifica del metodo della fusione a “cera persa” di Benvenuto Cellini: il “PERSEO”. Questa tecnica antichissima, si presume risalga al 5000 a.c., viene da noi ancora oggi utilizzata per la realizzazione delle culture in bronzo; Tale metodo di fusione, come anche le tecniche del “sottovuoto” e “ceramica”, può essere utilizzato non solo per la fusione di sculture in bronzo, ma anche in alpaca, alluminio e argento. Il metodo a “cera persa” Questo prestigioso metodo inizia con la creazione di un modello da parte dell’artigiano. A partire da questo modello viene creato un calco in cera, copia fedele dell’ originale; ad esso vengono attaccati dei “canali di colata”, i quali permetteranno al bronzo fuso di colare nello stampo. Si costruisce sopra lo stampo un guscio ultra resistente di gesso e sabbia al quarzo e a questo punto lo stampo può essere messo nella fornace dove la cera si scioglie lasciando uno spazio vuoto. Da qui il termine “cera persa”. Una volta raffreddatasi la forma, il bronzo fuso viene colato nella cavità lasciata dalla cera persa, si solidifica, il gesso può essere rimosso e i canali di colata tagliati. Quel che resta è un bronzo che replica esattamente il modello originale. Infine la superficie della scultura viene perfezionata attraverso la cesellatura ed assume la colorazione desiderata grazie alla patinatura.

Perseo SA was established in 1952 in Mendrisio, Switzerland, and has always maintained and demonstrated strong ties with the art world and its sculptors. Factors such as always using top quality materials, strong technical support and the expertise of its suppliers, makes it the leading foundry in Switzerland. Together with the traditional Lost Wax Technique we also specialize in the Vacuum Technique and in the Ceramic Mold Casting Technique. Why Perseo? The company takes its name from the first documentation of the “lost wax” process by Benvenuto Cellini: the “PERSEO”. This very ancient technique, which dates back as far as 5000 B.C.., is nowadays still used to cast bronze sculptures; This casting method, as well the “vacuum” and “ceramic” techniques, can be used not only to realize sculptures in bronze, but also in nickel-silver, aluminum and silver. The “Lost Wax process” This prestigious method begins with the creation of a maquette by the artisan. A faithful hollow wax duplicate of the original is created. Subsequently a system of wax rods called ‘sprues’, are attached to the wax model. These allow the molten bronze to flow into the mold. A rock-hard shell made of plaster and quartz sand is built around the wax model. At this point, it can be put in a furnace where the wax melts away, leaving a hollow space. Hence the term “lost wax”. When the hard shell has cooled, molten bronze is poured into the cavity that is left by the lost wax. The bronze solidifies, the plaster can be chipped away and the sprues cut off. What we are left with, is an exact bronze which exactly replicates the model. A talented artisan will clean the bronze and sand blast it to remove any pieces of the coating in order to reach the original texture of the artwork. One of the last steps is known as patination and it is the traditional technique for colouring bronzes. Combining heat with chemicals and acids, the bronze reacts to create rich shades of colours according to artistic specification.

La microfusione sottovuoto Il vantaggio di questa tecnica è la velocità, dato che è possibile ottenere una fusione in 4/5 giorni. È inoltre una tecnica consigliata per sculture molto piccolo e

dettagliate, dato che garantisce la precisione che altri metodi di fusione non assicurano, infatti è utilizzata anche nella creazione di gioielli. Con questa tecnica si possono fondere sculture con dimensione massima di 50/52 cm di altezza e 25/26 cm di larghezza. C’è però la possibilità di dividere la scultura in più pezzi e fonderli separatamente. Il Sistema Ceramico Questa tecnica è la migliore se si vogliono ottenere delle superfici lisce. Viene molto utilizzata anche per la fusione di sculture piccole o composte da piccole parti. E’ una tecnica di fusione molto veloce, in circa due settimane si riesce ad ottenere il prodotto finito. Artisti famosi che hanno collaborato o collaborano con la Fonderia Perseo: Alfredo Battistini Carlo Nessi David Breuer Weil Dédé Moser Dimitri Erwin Rehmann Fabrizio Giannini Flavio Paolucci Gabriela Spector Giuliano Pedretti Nag Arnoldi NEVERCREW Pascal Murer Paul Wyss Pedro Pedrazzini Rolf Brem Salvador Dalí Sara H. Sonja Knapp Ursula Fehr

The Vacuum technique This technique is excellent for obtaining sculptures in very short time, as within 4 to 5 days it is possible to have the artwork cast. It is ideal for very small sculptures which are rich in detail, as this method is very precise. It is also used for creating jewels. Using this technique, sculptures up to 50/52 cm high and 25/26 cm wide can be cast. Sculptures can also be divided into different pieces that can be cast separately. The Ceramic Mold Casting This technique is recommended for sculptures with a very smooth and shiny surface. It is frequently used for casting small sculptures. It is a very quick casting method, as in two weeks the final product can be created. Famous Artists who have collaborated or are collaborating with Perseo Foundry: Alfredo Battistini Carlo Nessi David Breuer Weil Dédé Moser Dimitri Erwin Rehmann Fabrizio Giannini Flavio Paolucci Gabriela Spector Giuliano Pedretti Nag Arnoldi NEVERCREW Pascal Murer Paul Wyss Pedro Pedrazzini Rolf Brem Salvador Dalí Sara H. Sonja Knapp Ursula Fehr

Sculpture Network

The idea of a network for artist, art mediators and friends of the arts, stemmed from the sculptor Hartmut Stielow, who had experienced the effectiveness and value of such an association, while being a Board member of the International Sculpture Centre in the US. Considerations for establishing an organisation in Europe were deliberated from 2002 to 2004. It was the addition of Ralf Kirberg, a fervent art patron and other curatorial and legal contributions that finally got the project off the ground in 2004. After a period of trial and error and adjusting to Europe’s cultural and national singularities “sculpture network” was founded, on the 21st of January 2004. In the ensuing years our “Programs and Services” have been established as the back-bone of sculpture network’s activities. We have also achieved milestones which include: Our fifth anniversary at the bbk studios in Berlin and our tenth International Forum at the Guggenheim Museum Bilbao. In between, we have held events at numerous venues, where renowned experts and artists have shared their knowledge with our audience. We have visited a myriad of sculpture places, creating awareness and appreciation for the art and for the endeavour to create them. Since 2004, connections, friends and contacts have been made. Our members have written many success stories. Thanks to those connections, cross border and local projects have been realized and bridges built across disciplines. Sculpture in Europe is connected. As our track record and reputation grows, so does the generosity and number of our members, volunteers and supporters. Without their backing, sculpture network would not be possible. It is this spirit of sharing and desire to know more that drives us forward. We look forward to more people, projects, events and sculpture, in the future.

M an ca la tra du zio ne .

New yearâ&#x20AC;&#x2122;s brunch

Sculpture network new year’s brunch is a Europe wide celebration, where venues around Europe exhibit, discuss and enjoy contemporary sculpture. Every year, since 2010, people who are fascinated by contemporary three dimensional art get together at the beginning of the year. On the same day, at the same time, at different types of venues throughout Europe. The new year’s brunch brings people together to see sculpture, exchange ideas, network and celebrate this art in all its variations. The event takes place at different venues throughout Europe and is hosted by sculpture network members in each region. Come and experience three-dimensional art in all its facets - Everybody is welcome! 17 countries, 46 venues including: artists’s studios, museums, galleries, sculpture workshops and foundries. Find all locations on the map and list below.

Il New Year’s Brunch è un evento a livello europeo creato per celebrare la Scultura Contemporanea. Ogni anno, dal 2010, le persone che sono affascinate dalla scultura contemporanea si riuniscono all’inizio dell’anno, lo stesso giorno, stessa ora e in diverse locations in tutta Europa. Il Brunch permette ai partecipanti di scambiare idee, stringere nuovi contatti e celebrare la scultura in tutte le sue varianti. Tutti i membri di Sculpture Network hanno l’occasione di ospitare l’evento presso la loro sede. Il New Year’s Brunch è multiforme. Luoghi come studi, musei, gallerie, laboratori e fonderie d’arte aprono le loro porte. Ogni sede ospitante progetta un programma personalizzato. Può includere mostre, dibattiti, conferenze, workshop, aste, visite guidate e soprattutto showroom per artisti dove, artisti locali hanno la possibilità di mostrare i loro cataloghi e presentarsi, in modo che gli ospiti possano vedere le loro nuove opere d’arte e di incontrare e discutere con l’artista in diretta. Ultimo ma non meno importante: una vasta gamma di cibi e bevande con cui brindare e far festa. Il Brunch è rivolto a chiunque sia interessato all’arte tridimensionale e all’arte contemporanea in generale: artisti, amanti dell’ arte, curatori, critici, collezionisti, mercanti d’arte, gallerie e altri professionisti. L’edizione 2015 sarà caratterizzata dall’introduzione di nuovi elementi: • Un tema globale. Per la prima volta il brunch questo nuovo anno avrà un tema: Size Matters? • Galleria fotografica Live Inoltre, tutti gli eventi con accesso a Internet possono prendere parte a una galleria online dal vivo. immagini da tutta Europa saranno trasmesse in diretta. Questa galleria fotografica sostituirà il collegamento video degli anni precedenti, e permetterà di creare un collegamento anche visivo tra le varie locations che ospitano l’evento.

M an ca la tra du zio ne .

Artists Artisti

Gabriela Spector Gabriela Spector è nata nel nord dell’ Argentina, nella città di Tucumán, nel l968. Ha studiato per sei anni alla Universidad Nacional de Tucumán, Facultad de Bellas Artes. Dopo la laurea, grazie ad una borsa di studio, si trasferisce in Italia per approfondire la sua formazione, dedicandosi in particolare alla scultura. A Milano, lavora presso la Fonderia Artistica Battaglia utilizzando la tecnica di fusione in bronzo. La sua formazione si arricchisce frequentando l’Accademia di Belle Arti di Carrara, dove si è perfezionata nelle tecniche di lavorazione del marmo. Dal 1994 abita in Ticino, Svizzera.

Gabriela Spector was born in 1968 in Tucumán, a city in the nord of Argentina. She earned her degree in Fine Arts from the National University of Tucumán. From 1990 to 1991 she was employed a san assistant in the drawing atelier. After graduation she won a scholarship and relocated to Italy to specialize in sculpture. In Milan, she worked in the artistic Foundry Battaglia, using the bronze fusion technique. Simultaneously, she attended the academy of Fine Arts of Brera. She furthered her studies over a period of two years at the academy of Fine arts of Carrara, where she specialized in marble. Since 1995 she lives and work in Ticino, Switzerland.

Il lavoro Il suo lavoro è concentrato nell’intimità della figura umana e il suo contesto. Si è concentrata diversi anni sul tema del corpo e la maternità, presentato nella mostra: 2002 Voglia di pancia Sul tema del viaggio, l’immigrazione,identità, ha proposto più volte attraverso i sui bronzi ,e posteriormente con delle pitture e sculture utilizzando carte geografiche. presentato per la prima volta nella mostra: 2007 Mappe della Memoria, Sala delle grasce. Pietrasanta (Lucca) Italia 2009 Mapas Museo provincial de Bellas Artes, Tucumán, Argentina 2010 Mapas Centro Cultura Borges, Buenos Aires, (Organizzato dall’Ambasciata Svizzera in Argentina).

Work and projects The principal theme of her art is the human figure. She developed over several years the theme of pregnancy. The exhibit was entitled “The desire of maternity” at the hospital in Mendrisio, Switzerland. We printed a catalogue of photographs and interviews with the models during 2002. On the subject of travel migration and identity she used antique maps as a back round for paintings particularly vast in size. The project, entitled “Maps” was presented in Italy, Switzerland and Argentina.

Gabriela Spector Equilibrio 1998 Bronzo cm 54x15x12

Gabriela Spector Figura 2008 Bronzo cm 84x18x21

Gabriela Spector Figura uomo Bronzo cm 170x56x46 21

Sara.H Sara.H nasce nel 1968 a Friburgo, in Svizzera. Affascinata dall’arte fin dall’ infanzia, si è presto interessata alla pittura, grazie anche all’influenza della nonna, una restauratrice d’arte. Sara viene cresciuta in un ambiente immerso nella natura e nella musica. Crescendo, si sviluppa sempre più forte il Lei l’idea di essere una scultrice dando alla sua vita una nuova sfida da affrontare. Già all’età di 13 anni, le sue competenze ed i suoi interessi prendono vita sotto forma di illustrazioni di racconti che scrive insieme alle sue sorelle. Poi, incoraggiata dalla sua famiglia e dagli amici, nonché da professionisti, comincia ad esporre i suoi dipinti e disegni. Il suo incontro con l’artista DeLaPerouze la porta all’apertura del suo primo laboratorio. A 29 anni, la scultura diventa una necessità per esprimere la sua arte. Scopre il mondo della modellazione e il bronzo. Volenterosa di infondere la fantasia e la magia percepibile nella natura, nella musica e nella vita, Sara.H si dedica alla terra per ore ed ore, imparando alla fine a gestire e trasmettere le sue emozioni. “Il mio obiettivo è quello di essere sempre più sincera nella mia arte, e credo che per farlo ci impiegherò una vita intera.”, Spiega Sara. Nel 2000 incontra Etienne Chatton (Curatore del Centro Internazionale di Fantasy Art), il quale le da ottimi consigli che la porteranno alla creazione di opere monumentali. Da allora il laboratorio contiene grandi sculture e i due artisti si danno sostegno reciproco nelle loro creazioni. Diverse istituzioni e Comuni chiedono regolarmente il loro intervento per la creazione di importanti opere d’arte. Per Sara.H, la sua arte può essere descritta in un’ unica frase: “La scultura è una musica che si ascolta con gli occhi e si suona con la punta delle dita. “ Il grande progetto al quale sta attualmente lavorando è la creazione di un parco di scultura nella città di Losanna (Svizzera), inaugurato nel 2014.

Sara.H was born in 1968 In Fribourg, Switzerland. Captivated by art in her childhood, she was early interested in paintings thanks to the influence of her grandmother, an art restorer. She was brought up in a natural and musical environment. Later, the idea of being a sculptor became imperative and gave her life a new challenge. Already at the age of 13, her skills and interests took form through illustrations of story tales she wrote with her sisters. Then, encouraged by her family and friends as well as by professionals, she exhibited her paintings and drawings. Her encounter with the artist DeLaPerouze led her to the opening of her fist workshop. At 29, sculpture became a necessity to express her art. She discovered the world of modelling and bronze. Passionate by the desire to instil the fantasy and magic she feels in nature, music and Life, Sara.H has tamed the earth for countless hours to finally manage to transmit her emotion. "My goal is to be increasingly truthful in my art, and I think this will easily take a lifetime." she explains. In 2000 she met Etienne Chatton (Curator of The International Center of Fantasy Art), who gave her his shrewd advice and brought her to create monumental pieces. Since then, the workshop contains large sculptures and both artists give support to each other in their mutual creations. Diverse institutions and Communes regularly ask them to create important art pieces. For Sara.H, her art of predilection can be described in this unique saying: "Sculpture is a music that is listened to with the eyes and played with the fingertips. "The major project she is currently working on is the creation of a sculpture place in the city of Lausanne.

Sara.H Je T'aime Hauteur : 2m50

Sara.H L'Escarpin EnchantĂŠ Hauteur : 37cm

Sara.H La FĂŠe des Vignes Hauteur : 3m

Flavio Paolucci Flavio Paolucci was born in Torre in Val di Blenio, Canton Ticino, in 1934. After having learned the basics of painting at the cantonal school in Lugano and having practiced at the atelier of Oscar Bölt in Locarno, he attended the Academy of Fine Arts of Brera in Milan. In 1964, lived in Morocco. In 1984 the Kunstmuseum Olten dedicated an exhibition to him. In 1988 represents Switzerland at the Biennale exhibition in Tokyo. Three major retrospectives exhibitions have been dedicated to him at the Museo Cantonale d’Arte in Lugano (1988), the Pinacoteca Casa Rusca Locarno (1993), and the Foundation Mudima of Milan (1995). In 1999 he was awarded with the Prize Gimmi at the Museum Jenisch of Vevey. In 2000 he was newly proposed at the Kunstmuseum Olten. In 2007 he had a retrospective exhibition at the Foundation Mudima of Milan In 2014 he had a retrospective exhibition at the Museo Cantonale d’Arte in Lugano.

Flavio Paolucci è nato a Torre nella Val di Blenio, Cantone Ticino, nel 1934. Dopo aver appreso i primi rudimenti di pittura alla scuola cantonale di Lugano e praticato presso l’atelier di Oscar Bölt a Locarno, ha frequentato l’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano. Nel 1964, soggiorno in Marocco. Nel 1984 il Kunstmuseum di Olten gli dedica una mostra. Nel 1988 rappresenta la Svizzera alla Biennale di Tokyo. Tre importanti esposizioni antologiche gli vengono dedicate al Museo Cantonale d’Arte a Lugano (1988) e dalla Pinacoteca Casa Rusca di Locarno (1993), alla Fondazione Mudima di Milano (1995). Nel 1999 gli viene conferito al Museo Jenisch di Vevey il Premio Gimmi. Nel 2000 viene riproposto al Kunstmuseum di Olten. Nel 2007 mostra retrospettiva presso la Fondazione Mudima di Milano Nel 2014 mostra retrospettiva presso il Museo Cantonale d’Arte di Lugano.

Flavio Paolucci 240x30 cm 27

Flavio Paolucci particolare 240x30 cm 28

Flavio Paolucci particolare 240x30 cm 29

Alfredo Battistini 1953 Alfredo Battistini nasce a Uznach in Svizzera. I genitori, Alearda di Traglia e Alfredo Battistini, erano nativi rispettivamente di San Piero in Bagno e Sarsina nella Romagna. Crebbe assieme alle sorelle Maria-Luisa e Claudia a Rapperswil sul lago di Zurigo. 1971 Nel programma relativo all’incontro di pugilato tra Muhammad Ali e Jürgen Blin fa la sua apparizione. 1976 Diventa campione nazionale Svizzero di pugilato nella categoria dei pesi mediomassimi. 1976-1977 Risiede a Parigi diventando assistente del famoso fotografo e amico Lothar Schmid 1978 Ritorna in Svizzera per intraprendere un apprendistato dallo scultore svizzero Hans-Jörg Limbach di fama internazionale. Fa domanda d‘ammissione all’Accademia d‘Arte di Parigi e viene ammesso. 1979 In seguito a un grave incidente stradale di ritorno dall‘Italia diventa paraplegico. Nella disciplina sportiva del sollevamento pesi dalla panca diviene cinque volte campione del mondo, due volte campione europeo e venticinque volte campione Svizzero. Prese parte alle Olimpiadi degli handicappati di Barcellona e Seoul, come anche a campionati di mondo in Inghilterra e Sidney. 1980 Viaggio di studio in Cile, frequenta la scuola d‘arte e mestieri di Santiago. 1983 Prima grande mostra delle sue opere a Basilea. Ne seguono molte altre. 1994 Crea la scultura di bronzo per gli Open di Stoccarda, trofeo sostenuto da personaggi come Boris Becker, Edberg, Muster, e Corda. 1996 Riceve l‘incarico dalla città di Rapperswil per la creazione di un monumento in onore del ‘75esimo anniversario del Circo Nazionale Svizzero Knie. Marzo 2009 Il grande riconoscimento: la sua scultura “La Creazione”, che fece in onore del suo grande ispiratore Michelangelo nel 1996, viene esposta nel Museo Michelangiolesco in Caprese Michelangelo, luogo di nascita di Michelangelo.

1953 Alfredo Battistini was born in Uznach/Switzerland. His parents, Alfredo Battistini and Alearda Di Traglia were from San Piero in Bagno, and Sarsina, Romagna, Italy. He grew up with his two sisters Maria-Luisa and Claudia in Rapperswil at the lake of Zurich. 1971 Boxes in the support act of the fi ght between Muhammad Ali and Jürgen Blin in Zurich. 1976 Alfredo becomes International Swiss Champion in light heavyweight boxing. 1976 – 1977 Alfredo goes to Paris and becomes a photographer assistant to the well known photographer and friend Lothar Schmid. 1978 Alfredo returns to Switzerland for further education with the internationally famous Swiss sculptor Hans-Jörg Limbach. He applies for the Academy of Arts in Paris and is accepted. 1979 Alfredo suffers a portentous accident on the way home from Italy. Diagnosis: paraplegia. Rage and grief nearly drove him to despair. In bench press he becomes World Champion fi ve times, two times European Champion and 25 times Swiss Champion. Alfredo also participated in the Olympic Games for the handicapped in Barcelona and Seoul and at the World Championships in England and Sidney. 1980 Alfredo travels to Chile and visits the school of art in Santiago de Chile. 1983 His first exhibition of sculptures in Basel and many more in the following years. 1994 Alfredo creates the bronze sculpture of the Stuttgart Open for the tennis players Boris Becker, Edberg, Muster and Corda. 1996 Alfredo is asked by the city council of Rapperswil to create a monument in honour of the 75th anniversary of the Swiss National Circus Knie. 2009 the highest honour: His sculpture “la Creazione” which he had created in 1996 in honour of is archetype Michelangelo, is being inaugurated in the Museum Michelangiolesco in Caprese Michelangelo, Michelangelo’s place of birth. 30

In Liebe altezza 87 cm base 25x35cm 31

La creazione altezza massima 57 cm 32

Oktobernacht altezza 51 cm - base 11x11 cm 33

Pedro Pedrazzini Pedro Perazzini is born the 11th of November of 1953 in Roveredo, Graubünden, Switzerland. From 1974 to 1975 studied in London and in 1976 he became the assistant of Remo Rossi. During 1976 and 1977 he studied at Accademia di Belle Arti in Florence and from 1977 to 1980 in the Accademia de Belle Arti, Milan. Nowadays, he lives and works in Minusio, Ticino.

Pedro Pedrazzini nasce l’11 novembre 1953 a Rovereto, Grigioni, Svizzera. Dal 1974 al 1975 studia a Londra e nel 1976 è assistente presso l’atelier di Remo Rossi. Negli anni 1976 e 1977 studia all’Accademia di Belle Arti di Firenze e dal 1977 al 1980 all’Accademia del Belle Arti di Milano. Vive e lavora a Minusio, Ticino.

La coppia H 75 cm Bronzo 35

Gruppo h. 1 m (in foto) Bronzo grezzo, da patinare 36

Gruppo h. 90 cm Gesso 37

Raffael Benazzi 1933 Nasce a Rapperswil. 1949 Formazione come artigiano a Zurigo. Inizio della carriera artistica indipendente. Sculture in pietra e legno. Conosce il pittore Julius Bissier (1893-1965), che diventa il suo mentore intellettuale. 1954 Si stabilisce a Massa Carrara (Toscana) e Porto Ronco (Canton Ticino). Conosce Hans Arp. 1952-1955 Realizza sculture figurative in legno: Torsi, Idoli. 1955-1957 Sculture e rilievi in ferro saldato. dal 1964 Atelier e laboratorio a San Vincenzo (LI). Sviluppo di sculture monumentali in legno. 1966 Realizza per la 4° Schweizer Plastikausstellung [Mostra Svizzera di Scultura] di Biel una scultura sotterranea chiamata Bieler Loch. Vincitore del premio Hans Arp. 1968-1983 Oltre alle sculture, realizza anche gioielli. 1971 Partecipa al Symposium Urbanum di Norimberga. 1972-1974 Realizza una serie di 56 minisculture. 1975 Soggiorno a San Francisco. Colloca una grossa scultura in legno in un area pubblica del Cityhall. 1976 Studio a New York. Lavora in parte anche a Port Jervis, New Jersey. Si occupa soprattutto di sculture lignee. 1978 Rappresenta la Svizzera alla XXXIX Biennale di Venezia. dal 1979 Atelier a Zurigo. 1980 Durante la 7° Schweizer Plastikausstellung [Mostra Svizzera di Scultura] di Biel, porta nell’area della mostra le 5 sculture Bieler Rugel. 1982 Lascia lo studio di New York. Trasferimento in Svizzera di tutti i lavori realizzati negli USA. dal 1969 Realizzazione di molti lavori pubblici. Vive e lavora fra Zurigo e San Vincenzo.

1933 Born in Rapperswil. 1949 Craftsman training in Zurich. Beginning of the independent artistic career. Stone and wood scultpures. Meets the painter Julius Bissier (1893-1965), becomes his intellecual mentor. 1954 Settles in Massa Carrara (Tuscany) and Porto Ronco (TI). Meets Hans Arp. 1952-1955 Creates figurative wood carvings: Bodies, Idols. 1955-1957 Sculptures and embosses in wrought iron. from 1964 Workshop and laboratory in San Vincenzo (LI). Development of monumental woodcarvings. 1966 For the 4th SchweiserPlastikausstellung (Swiss Sculpture Show) in Biel creates an underground sculpture called Bieler Loch. Winner of the Hans Arp’s award. 1968-1983 Besides other sculptures, also makes jewellery. 1971 Takes part at the Symposium Urbanum in Nurimberg. 1972-1974 Realises a series of 56 mini-carvings. 1975 Staying in San Francisco. Places a large wood carving in a pubblic area of the Cityhall. 1976 Workshop in New York. Also works, partially, in Port Jervis, New Jersey. Mainly deals with wood carvings. 1978 Represents Switzerland at the XXXIX Biennale in Venice. from 1979 Workshop in Zurich. 1980 During the 7th Schweizer Plastikausstellung (Swizz Sculpture Show) in Biel, brings 5 sculptures Bieler Rugel in the show area. 1982 Leaves the workshop in New York. Move to Switzerland of all the works realised in the U.S.A. from 1969 Carries out many public works. Lives and works between Zurich and San Vincenzo.

Bronzo h. 1m

Pascal Murer He likes to say of himself that, “Along my journey I leave traces of origins and visions – we could call it breathing”. Born in Altdorf, Uri on 16 May 1966, Pascal Murer dedicated his life to art at an early age. After training at the school of professional sculpture in Brienz (1983-1987) he moved to Austria, where he learnt bronze casting techniques. He attended the Salzburg Summer Academy (calcography, Adriena Simotová) and the Academy of Fine Arts Vienna from 1990 to 1995. He then embarked on an educational journey that took in Berlin, Paris, Budapest, New York and Tbilisi. In 2001 he moved to Locarno, where he founded the “vedo arte” (“I see art”) atelier. Drawing always lies at the basis of these creative processes, transformed and given physical form by materials like wood and bronze. Pascal combines their intense manual nature with his desire for essences and transcendence, creating a metaphorical synthesis of the traditional and the cutting edge. The executive aspect of his work is therefore experienced as a privileged moment of verification, exchange and growth in the framework of the imponderable self-manifestation of artistic creation. With Murer, the constant oscillation between the figurative and non-figurative is translated through osmoses of functional thought into a reflection on time, on its immanence and activity within the work of art itself. Through his lines and signs, Murer reveals his unique ability to free himself – with respect – from the dominant expressive canons, enabling him to affirm the legitimacy of a an age-old art and that through “relentless removal” – stripping out superfluous material – offers no opportunity for rethinking. For Pascal Murer, nature is the foundation and at the same time driving force behind many of his sculptures. In 2011 the “Fondazione Bally per la Cultura” nominate him Artist of the Year.

Pascal Murer è nato ad Altdorf, Uri il 16 maggio del 1966 da madre grigionese (Poschiavo) e padre del Nidwalden, egli stesso scultore del legno. Sin da giovane si dedica all’arte. Dopo la formazione alla scuola professionale di scultura di Brienz (1983- 1987) si trasferisce in Austria dai maestri scultori Bernhard Prähauser e Josef Zenzmaier (allievo di Giacomo Manzù) di cui è assistente dal 1988 al ’91. Impara la tecnica della fusione di bronzo. Frequenta l’Accademia estiva di Salisburgo (calcografia, Adriena Simotová) e dal 1990 al 1995 l’Accademia delle Belle Arti di Vienna nella classe di scultura dei professori Joannis Avramidis e Michelangelo Pistoletto. Seguono viaggi di studio a Berlino, Parigi, Budapest, New York e Tiflis. Lavora alla Wiener Secession come tecnico e assistente artistico. Nel 2001 si trasferisce a Locarno, dove fonda l’Atelier vedo arte. Si sposa con la pittrice Nino Doborjginidze. Nel 2007 nasce la figlia Stella. Pascal Murer lavora a tempo pieno come artista e di sé ama dire: “Sul mio percorso lascio tracce di origini e di visioni, potremmo chiamarlo respiro”. All’origine di ogni suo processo creativo vi è il disegno la cui trasformazione è resa fisica in materiali quali il legno e il bronzo, grazie ai quali, attraverso una grande manualità unita al desiderio di essenza e di trascendenza, Pascal dà origine a una sintesi metamorfica di tradizione e avanguardia. Il processo esecutivo della sua opera è così vissuto quale momento privilegiato di verifica, scambio e crescita nell’imponderabile manifestarsi della creazione artistica. In Murer la costante oscillazione tra figurativo e non figurativo si traduce in osmosi di pensiero funzionale ad una vera e propria riflessione sul tempo, sulla sua immanenza e sul suo agire dentro l’opera d’arte stessa. Nei suoi tratti e nei suoi segni Murer rivela la sua capacità unica di uscire, anche se con rispetto, dai canoni espressivi dominanti per affermare la legittimità di un’arte secolare che “per forza di levare” (cioè di sottrazione della materia superflua) non offre alcuna possibilità di ripensamento. La natura è per Pascal Murer fondamento e al contempo agente propulsore di molte delle sue sculture. La Fondazione Bally per la Cultura lo ha decretato Artista dell’anno 2011.

Onda h. 216 cm Bronzo

Sedia h. 89 cm Bronzo 44

Sol h. 97 cm Bronzo 45

Michele Chiossi Michele Chiossi (1970, vive e lavora a Milano) da anni segue una singolare e approfondita ricerca sui mood che segnano il nostro vivere, dalle sue analisi sul cibo, intese come identità o elementi sociologici; alle attitudini sociali del bere, testimoniandone la Cocktail Generation, si interroga continuamente, attraverso un’attenta indagine scultorea, sugli strumenti della scultura stessa, sui significati dei nostri comportamenti e sulle nostre scelte quotidiane, rileggendo spesso noti brand, in propri e originali “still lives”. Pensati come must, primo fra tutti è stato il Parmigiano Reggiano, icona di una italianità globale, da cui ha attinto la tipica marchiatura d’origine, usandone il lettering per una riscrittura dei suoi codici estetici, un font che, come una costellazione, afferma soggetti nella riscrittura concettuale del nome stesso. Il punto è complementare alla linea, e la linea è il suo personale e peculiare trade-mark: un originale tratto a mano libera, a zig-zag, fatto appunto di semplici linee orizzontali e verticali, che spesso ha anche tradotto tridimensionalmente e che, filosoficamente rivela la complessità del pensiero contemporaneo. Il pixel é il suo elemento distintivo. Attento decodificatore delle tendenze globali e acuto osservatore dei costumi contemporanei realizza raccolte di disegni che affrontano tutti i diversi temi della sua complessa indagine del vivere quotidiano e contemporaneo. Dopo aver conseguito gli studi di formazione artistica in Italia, ha soggiornato per sette anni a New York, compiendo numerosi viaggi, fra cui in Giappone, dove ha incontrato non solo l’Oriente, ma anche un vivere la tradizione in modo fortemente innovativo.

Michele Chiossi (1970, lives and works in Milano) since years follows a singular and profound research on the moods which mark our lives, from his analysis on food, to the ones on drinking, he constantly interrogates himself on the practice of sculpture, on the meanings of the social behaviors and our daily choices, creating original and creative “still lives”. Thought like “musts”, first of all, it’s been the Parmigiano Reggiano, icon of a global Italian identity, from where he had drawn the distinctive marchiatura d’origine, using the lettering, a font, composed by dots, that like a constellation, claims subjects in the conceptual re-writing of the name itself. The dot becomes fondamental not only in the drawings, but also in its photographical representation, as a tea light, in the BURNING FEELINGS cycle, and becomes three-dimensional in the neon backlit sculpture. The dot is complemental to the line, and the line is his personal and peculiar trade-mark: an original free hand line, a zig zag stroke, made out of simple horizontal and vertical lines, which are often translated sculpturaly, and that philosophically reveals the complexity of the contemporary thoughts.

Ă¨ â&#x20AC;&#x2DC;l pan del Toni endless, 2014 resina, pigmenti e acciaio 30x220 cm 47

RAW, 2014 bronzo dorato, marmo e rosa 65x30x10 cm 48

RAW, 2014 bronzo dorato, marmo e rosa 65x30x10 cm 49

Eva Antonini La terra… materia arcaica e primordiale, ardua e malleabile… esercita un’attrazione seducente su Eva Antonini sin dai primi anni di vita, anni in cui già si denota la sua predisposizione alla modellazione. Nonostante la vita la orienti verso un percorso professionale commerciale e linguistico, nel 2002 erompe la sua vera passione per la scultura che la porta ad immergersi, senza voltarsi indietro, in questo affascinante mondo di creatività tridimensionale. Negli anni successivi la sua ricerca scultorea si fa inarrestabile e concitata, soprattutto nel silenzio della notte. La possibilità di poter trasferire le sue idee sulla materia la entusiasma e, allo stesso tempo, la tormenta. Presto seguono le prime esposizioni in Svizzera e all’estero, i primi incarichi di opere in bronzo per degli spazi all’aperto, i primi premi per la scultura, le prime monografie. Negli ultimi anni, alcune delle sue opere vengono selezionate per l’esposizione al Carrousel du Louvre, esposizione internazionale a cui fa capo la Società Nazionale di Belle Arti di Parigi. Eva Antonini nasce a Rapperswil, Svizzera, d’infanzia e di adolescenza. Vive e lavora in Ticino (sud della Svizzera). Il suo curriculum espositivo spazia dalla Svizzera all’Italia, alla Francia e agli USA. La sua esplorazione artistica contempla la transitorietà e la fragilità della vita, la fugacità dei singoli istanti, esprimendosi in un linguaggio frammentario del corpo e del volto. Frammenti scultorei spesso in metamorfosi tra passato e presente. Superfici segnate dalle cicatrici della vita, contrastate dall’armonia delle linee e dei movimenti che lasciano intravedere il lato bello e miracoloso del nostro transito sulla terra. Il corpo quale “traduttore” dell’anima nel visibile.

Eva Antonini was born in Rapperswil, Switzerland and spent most of her formative years there before moving to Geneva. Already as a young girl she revealed a natural proneness and fascination for molding clay, matter that she will later privilege in the creation of sculptures of medium and large dimensions. Her artistic soul tried finding many outlets, through music and dance and even through her studies in linguistics. She traversed many a path, in England, United States, Italy, Africa, Middle and Far East. The gems of experience gathered from all these journeys and cultural interactions were collected with care and tucked away into her soul that later in her life permeated into sculptures of clay, plaster, marble and bronze. She received her first honours during International Biennial of Contemporary Art in Florence in 2005, followed by the first commissions for outdoor bronze sculptures. In 2010 and 2012 some of her work was displayed at the Carrousel du Louvre, an international exhibition headed by the National Fine Arts Society of Paris. Her expository curriculum ranges from Switzerland, to Italy, from France to the United States. She lives and works in Ticino (Southern Switzerland). Her artistic and creative dimension depicts the transience of life, the fleetingness of the moment, represented in body fragments, some of which in metamorphosis between past and present. Body fragments, which carry the marks of time, contrasted by the harmony of the sculptures’ lines and movements, revealing the oneiric and beautiful side of our transit on earth. The coming and going of life, the short domain on earth, in which we leave imprints of our material state such as the body. The body as the soul’s “translator” into the visible.

Punti di vista 150x50x45cm Bronzo 2014 51

Altrove 80x50x40cm Bronzo 2014 52

Beatitudine 30x20x20cm GrĂ¨s, ossidi 2014 53

Nag Arnoldi 1928 Nag Arnoldi nasce a Locarno il 18 settembre, ma si forma artisticamente nella Lugano degli anni ‘40-’50, frequentando gli studi di Filippo Boldini e Giuseppe Foglia, suoi vicini di casa, di Carlo Cotti nonché dei fratelli Chiattone, Mario e Antonio. 1950 Visita la grande antologica dedicata all’opera artistica di Picasso allestita nelle sale di Palazzo Reale di Milano. 1955/60 Nel corso dei primi anni Sessanta, Nag Arnoldi ha il suo primo incontro diretto con l’arte messicana. Prepara la sua prima mostra in Messico, su invito del Museo di Arte Moderna di Città del Messico. 1964-1974 Inizia il decennio di grandi mostre internazionali che faranno conoscere l’opera artistica di Nag da Mexico City (1964) a New York (1964/1966), da San Francisco (1967) a San Diego (1968) e Los Angeles (1969). 1975-1981 Dopo un ventennio di sperimentazioni plurime con materiali e tecniche differenziate, verso la fine degli anni Settanta, decide di dedicarsi alla scultura come sua prima forma artistica. Importante mostra del 1981 a Palazzo Strozzi di Firenze. 1980-1989 Gli anni Ottanta registrano un’ampliamento notevole del repertorio tematico e figurale di Nag Arnoldi, il quale, ai temi già da lungo tempo costitutivi della sua scultura,, altri ne aggiunge di nuova invenzione quali gli Origami (gli enigmatici e arcigni guerrieri cinesi medioevali), i Granduchi, gli Astati, gli Armigeri e le Armature. Nasce il nuovissimo tema dei Requiem (1989), che si svilupperà poi nel decennio successivo sia come ampia dilatazione della riflessione sulla caducità della vita, sia come vistosa inclusione di motivi o di iconografie religiosi. 1990-2002 Continuano intanto le prestigiose mostre: LuganoCureglia (Biennale di scultura all’aperto, 1991), Isola di Mainau (parco e castello, 1997), Lugano (Parco Saroli e Banca del Gottardo, 1998). 2010-2013 Nel 2010 realizza 14 grandi rilievi in bronzo. “La Via Crucis” collocata lungo il sentiero che, da Comano, porta all’Eremo di San Bernardo. Nel 2011 Palazzo Reale a Milano gli dedica una mostra personale per i suoi 30 anni di lavoro.

1928 Nag Arnoldi was born in Locarno on the 18th of September. His artistic training, however, takes place in Lugano in the Forties and Fifties. He frequents Filippo Boldini and Giuseppe Foglia’s ateliers (they were his neighbours) as well as those of Carlo Cotti’s and the brothers Chiattone’s (Mario and Antonio). 1950 Nag Arnoldi obtains a diploma in theatre costume and dress design at the Lugaresi School in Milan. 1955/60 During these years, Nag Arnoldi is interested in and follows various tendencies present in European painting: Picasso, Marino Marini. Bernard Buffet, but also the Futurists (Balla and Boccioni) or the German Expressionism, recent and past (Grünewald). 1963 Invited by the Mexico City Museum of Modern Art, Nag Arnoldi prepares his first exposition in Mexico. The contact with a visual and figurative culture such as the Mexican one, which is being influenced by Realist painting, will be fundamental for Nag Arnoldi’s choices and stylistic solutions. 1964-1974 A decade of international expositions which will make the work of Nag known in Mexico City (1964), New York (1964/1966), San Francisco (1967), San Diego (1968) and Los Angeles (1969). 1975-1981 After twenty years of various experiments with different techniques and materials, at the end of the Seventies Nag Arnoldi chooses sculpture as his supreme art form, even though he continues to paint and carve. Themes already identified in yester years, reappear imperiously in Nag’s new season, which is characterized by an impressive quantitative as well as dramatic development, culminating with the important exhibition held at Palazzo Strozzi in Florence in l981. 1980-1989 The Eighties find a marked amplification of Nag Arnoldi’s thematic and figurative repertory. 1990-2002 The last ten years have been marked by a new wave of creativity. Nag’s reflections on pain, violence, war and terror have reached a final stage. 2002-2010 In 2010 he studies and realizes 14 large bronze reliefs about La Via Crucis, which will shortly be placed on the trail leading from Comano to the San Bernardo Hermitage.

Mimo seduto bronzo fuso 25x25 cm, altezza 57 cm 55

Gallo bronzo fuso 48x46 cm, altezza 53 cm

Due cavalli bronzo fuso 33x39 cm, altezza 60 cm

Adam Fonti Born on 5th december 1969, an inventive and skilled worker. He attended the CSIA school in Lugano where he received a base of diversified knowledge of art. Going on in the world of art, Adam has known many of famous artists. He also worked in a foundry to experience art fully and deeply. Always as a selftaught person he worked hard on his sculptures discovering the origin of his art.

Nato il 5 dicembre 1969, di carattere fantasioso e creativo, un essere estremamente poliedrico. Ha frequentato la scuola CSIA (Centro Scolastico Industrie Artistiche), Lugano ricevendo una base di diverse arti. Continuando nel mondo dell’arte, Adam conosce artisti più noti. In fonderia a cera persa lavora e ricerca a fondo basi e tecniche, trucchi preziosi per la realizzazione delle sue opere. Sempre autodidatta Adam crea con sé stesso le sue sculture e le sue idee scoprendo così le origini della sua arte.

Exhibitions’ References : Palazzo dei Congressi, Lugano Galleria Tonino, Campione Albergo San Michele, Arosio Galleria Casa Domenica, Arosio Atelier Galleria GFA, Breno Casa Langfogti, Rivera Banca B.D.G., Lugano Banca U.B.S., Lugano Banca U.B.S., Locarno Galleria l’Opera Cadempino (mostra permanente)* Musée Jurassien d’arte et d’historie, Delémont Il Convento delle Orsoline en Monte Carasso (Bellinzona-Switzerland) * Gallery combined with atelier created with the idea of the artist who has followed the path of anthology in his creations.

Collettive: Palazzo dei Congressi, Lugano Galleria Tonino, Campione Albergo San Michele, Arosio Galleria Casa Domenica Arosio Atelier Galleria GFA, Breno Casa Langfogti, Rivera Banca B.D.G., Lugano Banca U.B.S., Lugano Banca U.B.S., Locarno Galleria l’Opera Cadempino (mostra permanente)* Musée Jurassien d’arte et d’historie, Delémont Il Convento delle Orsoline en Monte Carasso (Bellinzona-Svizzera) (*) Galleria abbinata ad atelier. È creazione e idea dell’artista, che ne ha curato l’allestimento e il percorso antologico delle sue opere.

Angelicamente h. 40 cm Bronzo 59

Etnicamente h. 40 cm Bronzo 60

Neutralmente h. 40 cm Bronzo 61

Rolf Brem Rolf Brem, Lucerna (12.2.1926 - 11.4.2014)

Rolf Brem, Lucerne (12th Feb 1926 to 11th April 2014)

Rolf Brem ha frequentato l’accademia d’Arte di Lucerna dal 1945 al 1948; in seguito per nove anni ha lavorato a contatto con il suo maestro più importante, Karl Geiser, a Zurigo. Dopo alcuni periodi di studio tra Parigi (presso l’Académie Julien, e l’Académie de la Grande Chaumière), Londra e Firenze divenne membro dell’ Istituto Svizzero di Roma. Dal 1957 Rolf Brem ha lavorato nel suo Atelier di Meggen e del Ticino come scultore figurativo, traendo ispirazione dalla vita quotidiana. Le sue sculture appaiono essere a tal punto autentiche e naturali da riuscire a toccare nel profondo molte persone. Nel 1977 ha ricevuto il Premio d’Arte della città di Lucerna. Nel 1992 Harald Szeemann ha presentato 136 dei suoi ritratti al Salone Mondiale di Siviglia e nel 2011 gli è stata conferita la cittadinanza onoraria di Meggen.

Rolf Brem attended Lucerne Art Academy from 1945 - 1948 and then worked for nine years with his most significant teacher, Karl Geiser, in Zürich. After some educational study periods in Paris (Académie Julien, Académie de la Grande Chaumière), London und Florence he became a resident and member of the Instituto Svizzero in Rome. Since 1957 he worked in his own Studios in Meggen and the Tessin. Rolf Brem worked as a figurative sculptor who drew his subjects from life. His sculptures look so authentic and natural that many people feel deeply touched by them. 1977 he was awarded the Art Prize of the town of Lucerne. 1992 Harald Szeeman presented 136 of his portraits at the World Exhibition in Sevilla and 2011 he was given honorary citizenship of Meggen.

Giesserei III, Ziseliererei 175x100x54 cm Bronze 1975-80 63

Giesserei II, der Guss 150x93x52 cm Bronze 1975-80 64

Giesserei I, Formerei 150x92x52 cm Bronze 1975 - 80 65

Ursula Fehr Ursula Fehr born in Winterthur, graduates (at a school focusing on Greek and Latin languages) in Frauenfeld. Between 1959 and 1963 she attends the Academy of Fine Arts in Geneva. After her studies she works at the studio of Schaffhausen; later on she moved first to Uttwil and then to Götighofen. Since 1970 she is collaborating with Perseo Art Foundry, almost all of her sculptures are cast from this foundry in Mendrisio. She currently lives in Weingarten-Kalthäusern.

Ursula Fehr originaria di Winterthur, ottiene il diploma di maturità (indirizzo greco-latino) a Frauenfeld. Tra il 1959 e il 1963 studia presso l’Accademia delle belle arti di Ginevra. Terminati gli studi lavora presso l’atelier di Schaffhausen ed in seguito si trasferisce prima a Uttwil e poi a Götighofen. Dal 1970 collabora con la fonderia Perseo, quasi tutte le sue sculture vengono fuse presso la fonderia di Mendrisio. Attualmente vive a Weingarten-Kalthäusern.

Among her numerous exhibitions the latest are:

Tra le sue numerose esposizioni ricordiamo le più recenti:

2011 Bonstetten – GG-Galerie für Gegenwartskunst 2011 Frauenfeld – Galerie Rutishauser 2011 Frauenfeld – Walzmühle “Einsundmehr” Kunstthurgau; 2014 Zurigo – Galerie Claudine Hohl

Ikarus h. 180 cm Bronzo 67

Giuliano Pedretti Giuliano Pedretti (1924 Basel – Samedan 2012)

Giuliano Pedretti (1924 Basel – Samedan 2012)

The artist grew up in the Upper Engadine. The Pedretti and Giacometti families were friends and he learned early on of the (now well-known) work of Alberto Giacometti. Ulrich Suter wrote in the 2014 edition of the Suvretta House Magazine that a wellknown researcher and expert on the work of Alberto Giacometti was famed for saying that Giuliano Pedretti’s work goes above and beyond the work of Giacometti. At the beginning, Pedretti created impressionist sculptures influenced by those of Rodin, then he turned to creating sculptures with a knobbly surface, eventually styling the sculptures to reflect shadow (hollowed out sections) and surfaces catching the light (extruding bumps). From 1988 Pedretti’s work turned to his unique, angled figures. With the works suspended from the wall, the viewer on the floor feels himself floating in the room. Pedretti’s late work (post 2001) is distinguished by the so-called “schizo-works”. Head and body halves are separated by an empty space. The emptiness represents schizophrenia, while the effect is such that the figures attain weightlessness.

L’artista cresciuto in Engadina, grazie all’amicizia tra le famiglie Pedretti e Giacometti, apprende ben presto dalla (ormai nota) opera di Alberto Giacometti. Ulrich Suter ha scritto nell’edizione del Suvretta House Magazine del 2014 che un noto ricercatore ed esperto dell’opera di Alberto Giacometti era famoso per aver detto che il lavoro di Giuliano Pedretti andava ben oltre il lavoro di Giacometti. All’inizio, Pedretti crea sculture impressioniste influenzate da quelle di Rodin, poi si orienta verso la creazione di sculture con una superficie nodosa, attribuendo loro uno stile unico che permette alle superfici delle sue sculture di riflettere ombra (attraverso le sezioni cave) e catturare la luce (attraverso le protuberanze sporgenti). Dal 1988 il lavoro di Pedretti si orienta unicamente alle sue figure “angolari”. Con le opere appese alla parete, l’osservatore sul pavimento si sente come se galleggiasse nella stanza. La seguente opera di Pedretti (dopo il 2001) si distingue per i cosiddetti “schizo-works”. Testa e corpo sono separate a metà da uno spazio vuoto. Il vuoto rappresenta la schizofrenia, mentre l’effetto è tale che le figure ne ricavano leggerezza.

La grande tavola (Homm-age Ă CĂŠzanne) H 100; L 105; T 72 Bronzo 71

Schizo H 45; L 13; T 18,5 Bronzo 72

Schizo-Doppelkopf H 38; L 27; T 23 Bronzo 73

Bruno Fischer “Life is movement, movement is everything”

“La Vita è movimento, il movimento è tutto”

Bruno Fischer born on the 16th of April 1961, grow up in Dagmersellen LU.

Bruno Fischer nasce il 16 aprile 1961, cresce in Dagmersellen LU.

1979-83 Studies in Bern (Ceramics) 1984 Works as a stove setter in Zurich Since 1985 Start working on his own Since 1985 Fireworks 1987-89 Pottery workshop in Zurich - Pro Juventute 1990 Alpine stay, intensive study of cows 1990-99 Takes up residency in Lucerne Since 1990 Collaborates with the sculptor Rolf Brem, sculptor in Lucerne Since 1992 Decorating interventions for advertising, restaurants, museums, exhibitions, theaters , etc. 1995-98 Collaborates to the creation of an animated film in clay Since 1998 Course in Ballenberg - www.kurszentrum-ballenberg.ch since 2000 Active father of a daughter Since 2009 Takes up residency in Boniswil

1979-83 Studia a Berna (Ceramica) 1984 Lavora in qualità di fumista a Zurigo Dal 1985 Si mette in proprio Dal 1985 Fuochi d’artificio 1987-89 Laboratorio di ceramica a Zurigo – Pro Juventute 1990 Soggiorno alpino, studio intensivo delle mucche 1990-99 Prende residenza a Lucerna Dal 1990 Collabora con lo scultore Rolf Brem, scultore di Lucerna Dal 1992 Interventi di decorazione per pubblicità, ristoranti, musei, esposizioni, teatri e altro 1995-98 Collabora alla realizzazione di un film d’animazione in plastilina Dal 1998 Corso in Ballenberg – www.kurszentrumballenberg.ch Dal 2000 Padre attivo di una figlia Dal 2009 Prende residenza a Boniswil

Several exhibitions in Switzerland and abroad.

Diverse esposizioni in Svizzera e all’estero.

Anglergl端ck Porcellana 13x12x22 cm 75

Der Letzte Tango von Ebersecken Bronze 30x25x45 cm 76

Einigen f채llt alles ein bisschen leichter. Porcellana 17x6x26 cm 77

Paul Wyss Painter and sculptor

Pittore e scultore

1937 born in Kappel, a town close to Olten 1993 Seminar of Sacred Art, Lucerne Additional training as choir director at the Conservatory of Basel and the “Schweizerische Katholischen Kirchenmusikschule” of Lucerne 1970-1975 Private studies with Radoslav Kutra, painter of Lucerne 1973-1975 School of Applied Arts in Lucerne 1974-1975 Sculptural- and space- design with Albert Schilling, sculptor of Arlesheim 1971-1972 Art Crafts School in Basel training as a printer

1937 nato a Kappel nei pressi di Olten 1993 Seminario di Arte Sacra, Lucerna Formazione supplementare come direttore di coro presso il Conservatorio di Basilea e la “Schweizerischen Katholischen Kirchenmusikschule” di Lucerna 1970-1975 Studi privati con Radoslav Kutra, pittore di Lucerna 1973-1975 Scuola di Arti Applicate di Lucerna 1974-1975 Design dello spazio e scultoreo con Albert Schilling, scultore di Arlesheim 1971-1972 Scuola di artigianato artistico a Basile formazione come stampatore

Among his numerous exhibitions the latest are:

Tra le sue esposizioni più recenti ricordiamo:

2012 Olten: Martins Galerie, “25 Jahre Martins Galerie» Olten: Martins Galerie, “Bilder und Skulpturen» Hersiwil: NäijereHuus 2011 Zofingen: Galerie Rahmenatelier, “Malerei und Skulpturen»

2012 Olten: Martins Galerie, «25 Jahre Martins Galerie» Olten: Martins Galerie, «Bilder und Skulpturen» Hersiwil: NäijereHuus 2011 Zofingen: Galerie Rahmenatelier, «Malerei und Skulpturen»

Lebensbaum â&#x20AC;&#x201C; Neusilber (Albero della vita â&#x20AC;&#x201C; argentana)

Olivenbaum – Bronze (Albero d’ulivo – bronzo)

Harlekin

Guido Caminada Guido Caminada (nato nel 1951), dopo la sua variata e approfondita formazione in campo delle arti figurative sia in Svizzera che all’estero, cosi come presso artisti eminenti, è attivo da oltre 30 anni nel suo atelier a Gordevio in Vallemaggia. Durante i primi periodi della sua attività in qualità di artista, Caminada si è dedicato in prima linea alla pittura con colori a pigmentazione. Negli ultimi tempi ha iniziato ad inserire figure in bronzo nelle sue tele. La combinazione “Essere umano e movimento”, cosi come il suo profondo legame con la natura, sono molto evidenti. Si ritrovano a parlare da se nelle sue svariate ed espressive opere. La vita in Ticino e il particolare fascino della Vallemaggia hanno portato ulteriori e nuove ispirazioni per Caminada. Legno e sasso nella loro molteplicità ed il grande potenziale di immaginazione dell’artista per quel che concerne l’unione e la sua futura espressione in quanto opera d’arte, hanno creato una moltitudine di sculture in bronzo e ferro. Ogni singola opera parla da sola, ognuna un esemplare unico, sia filigrana che monumentale. Il meritatissimo successo dell’artista e silenzioso creatore Caminada è avvenuto da tempo. Le più significative esposizioni nella Svizzera e nei paesi vicini hanno portato nel frattempo un ampio giro di appassionati collezionisti. Le sue opere vengono vendute a livello mondiale e hanno trovato il loro ingresso in rinomate collezioni private e pubbliche. Sono delle testimonianze di maturità artistica, consapevolezza armonica, creatività e una coerente ed abile trasformazione nel senso artigianale. Vale senz’altro la pena una sempre benvenuta visita presso l’atelier d’arte e la permanente esposizione con il suo avvincente giardino di sculture, in Via Cantonale a Gordevio. Una chiacchierata con l’artista, per la quale trova sempre il tempo, permette inoltre di conoscere il percorso di ogni singola opera fino al suo compimento.

Guido Caminada, born 1951, has been carrying on his art studio for more than 30 years in Gordevio, a small village in Vallemaggia in the Italian speaking canton of Ticino in southern Switzerland. He received his broad-skilled artistic education in his homeland and abroad, as well as during various encounters with significant artists. Initially Caminada preferred painting with pigment colours for his artistic creations. Later on he began to integrate bronze figures in his paintings. The combination of ‘Human being in movement’ and his profound relationship to nature is obvious and well represented in his many expressive, powerful works. Caminada found further and new inspiration in life in Ticino and the peculiar grace of the Valle-maggia. Wood and stone in their multiplicity, and the marvellous imaginative faculty of the artist to conceive their union in further artistic expressivity enabled him to create a multitude of sculptures in bronze and iron. Every work is a unique piece and, either filigrane or monumental, does not need any further elucidation. Caminada’s well-deserved breakthrough as an artist and silent creator occurred many years ago already. In the meantime, thanks to his successful exhibitions in Switzerland and neighbouring countries he has gathered a wide circle of enthousiastic collectors. His works are sold worldwide and they have found their way into important private and public collections. They provide undeniable evidence of artistic maturity, consciousness of harmony, creativeness and their consequential transposition into skillfully crafted works of art. The studio and its remarkable garden with a permanent exhibition of sculptures are situated on the Main Street of Gordevio. A visit will be most welcome at any time and will prove a rewarding experience.The artist will gladly make time to help the visitor discover from the very start to the final touch the astonishing creative process of each of his marvellous works.

Feuer 203 cm Bronzo 83

Die Ruhe 72 cm Bronzo 84

Spass auf R채der 32 cm Bronzo 85

Teddy Carraro Teddy Carraro was born in the south of the United States, in Dallas, Texas. Daughter of artists; sculptor father and designer mother, she lived in an atmosphere of art throughout her childhood. Her first show was in the Dallas Public Library. After winning a national contest, a ceramic sculpture became part of a collection in the Museum of Modern Art. She earned her degree in Art History in Texas, before moving to Tuscany where she continued her studies in painting and photography. She specialized in sculpture in Carrara and Pietrasanta, Italy. After years of work in Italy, she moved to Mexico, where she completed her Master in Artes Plasticas (sculpture) at the Universidad de Mexico. She returned to Europe in 2001 and opened her atelier at Agno in Italian Switzerland. She works and teaches in Switzerland in her atelier in Agno. She also holds courses in France, at “Provence Artes”, and Oshun Galleries in Mexico. She works in marble in Switzerland at Kurt Schwager’s workshop in Riazzino, and in Italy at the Alnassar workshop in Carrara. Her works in bronze are cast by the Fonderia Perseo in Mendrisio, where she also teaches a course in sculpture using the lost wax process. Her interests are divided between sculpture in bronze and marble, and painting in oil and acrylics. Her works are in museums and private collections in U.S.A., Italy, Mexico, Spain, Russia, France, England, Greece, Austria, and Cuba.

Teddy Carraro è nata nel sud degli Stati Uniti, a Dallas nel Texas. Figlia d’arte, nata da uno scultore ed una stilista, ha respirato l’arte fin dalla nascita. Si è laureata in Storia di Arte in Texas prima di trasferirsi in Italia, dove ha approfondito la sua formazione con studi a Firenze e stage a Carrara e Pietrasanta. Dopo anni di lavoro in Italia, si è trasferita in Mexico, dove ha conseguito il Master (Artes Plasticas”) Universidad de Mexico. Ritornata in Europa in 2001, ha aperto un suo atelier ad Agno in Malcantone. Lavora ed insegna in Svizzera nel suo Atelier, e presso “Provence Arts” in Francia e Oshun Galleries in Mexico. Per la scultura in marmo, lavora in Svizzera da Kurt Schwager in Riazzino. In Italia, lavora da Alnassar in Carrara. Per la scultura in bronzo, lavora e insegna presso la Fonderia Perseo di Mendrisio, utilizzando la tecnica di fusione in cera persa. Si divide l’attività tra la scultura di bronzo e pietra, e la pittura in olio e acrilico. Le sue opere sono in musei e collezioni privati in U.S.A., Mexico, Italia, Spagna, Russia, Francia, Inghiterra, Grecia, Austria, e Cuba.

Cavallino (solo il bronzo) 20x33 cm Base di legno antico 12x40x15 cm profonditĂ 87

Cavallo Etrusco (solo il bronzo) 30x37 cm Base in legno antico 24x35x23 cm 88

Christiane Tureczek International Art Fairs 2013 Art Fair Köln mit LDX Artodrome 2012 SH Contemporary Shanghai, China, mit LDX Artodrome 2012 Art Beijing, China, mit LDX Artodrome 2012 Art Palm Beach, USA, mit LDX Artodrome

Fiere d’arte internazionali 2013 Art Fair Köln mit LDX Artodrome 2012 SH Contemporary Shanghai, China, mit LDX Artodrome 2012 Art Beijing, China, mit LDX Artodrome 2012 Art Palm Beach, USA, mit LDX Artodrome

Exhibition 2015 New Years Brunch, Mendrisio 2014/15 KleinOpenArt, Galerie Marlène, Ottenbach 2013 galeria zero, New York, USA 2013 Spazio d’Arte Stellanove, Mendrisio, CH 2013 Banca Raiffeisen Val Blenio, CH 2013 sculpture-network nyb’13, Torre, CH 2012/13 Galery LDX Artodrome, Malta 2011/2012 Winterlager Ravensburg, D/ Kunstnacht Ravensburg 2011/12/13 zeitkunst Kulturtage, Konstanz, D 2011 Erstes Allensbacher Skulpturentreffen am See, Allensbach, D 2010/11 Galerie witty-line, Zug 2010 ArtQuerfeld10, Base, CH 2010 Kunstforum München, D 2006/13 OpenArt, Trii Roveredo, CH 2009 BINDEGLIEDER, Stuttgart/Waldbronn, D 2008-10 Kunstwiese Bottighofen, Thurgau, CH 2006 LICHTFELD 6, Basel, CH 2006 SKULPTURART06, Zürich, CH 2004-09 politistikos syllogos / Ag. Artimi / Fyrogya / elies ressort, Sifnos, GR

Esposizioni 2015 New Years Brunch, Mendrisio 2014/15 KleinOpenArt, Galerie Marlène, Ottenbach 2013 galeria zero, New York, USA 2013 Spazio d’Arte Stellanove, Mendrisio, CH 2013 Banca Raiffeisen Val Blenio, CH 2013 sculpture-network nyb’13, Torre, CH 2012/13 Galery LDX Artodrome, Malta 2011/2012 Winterlager Ravensburg, D/ Kunstnacht Ravensburg 2011/12/13 zeitkunst Kulturtage, Konstanz, D 2011 Erstes Allensbacher Skulpturentreffen am See, Allensbach, D 2010/11 Galerie witty-line, Zug 2010 ArtQuerfeld10, Base, CH 2010 Kunstforum München, D 2006/13 OpenArt, Trii Roveredo, CH 2009 BINDEGLIEDER, Stuttgart/Waldbronn, D 2008-10 Kunstwiese Bottighofen, Thurgau, CH 2006 LICHTFELD 6, Basel, CH 2006 SKULPTURART06, Zürich, CH 2004-09 politistikos syllogos / Ag. Artimi / Fyrogya / elies ressort, Sifnos, GR

Dornenkรถnigin Bronze 30x20x175 91

Penthesilea Bronze 45x30x24 92

Der Tod und das M채dchen

Giò di Busca Giò di Busca è nato a Milano nel 1959 da padre Italiano e madre Svizzera. Dopo il liceo artistico ha frequentato la Facoltà di Architettura presso l’Università di Ca’ Foscari. Ha conseguito poi il Dottorato in Architettura al Politecnico di Milano. Giò di Busca si afferma rapidamente, tanto a livello nazionale che internazionale, sia come architetto che come designer eclettico, ottenendo prestigiose commesse e numerosi riconoscimenti. Lo contraddistinguono l’istintività, la velocità d’esecuzione, il grandissimo senso della spazialità ed un’intuizione, spesso scambiata per follia, che rende Giò di Busca capace di anticipare tendenze ed eventi. Il bisogno di costante crescita e di arricchimento interiore, la sua indole vulcanica e sognatrice alimentano in lui il desiderio di compiere sempre nuovi passi attraverso le sue opere. Giò di Busca coniuga all’interno di quadri e sculture monumentalità e dettaglio. Mostra nelle sue opere una spiccata intuizione tridimensionale ed una forte capacità di controllo della luce e della misura. Le sue opere rappresentano il frutto della fusione di culture in apparenza lontane fra loro attraverso una rilettura ed un assorbimento del passato attuati in modo perfino animale. E’ evidente, nei lavori di Giò di Busca, un insaziabile desiderio di rielaborazione artistica, una fortissima ricerca creativa, un’immaginazione sensibile alla quale si accompagna una grandissima manualità. Protagonista ne è la nostalgia della bellezza rappresentata da continui riferimenti alla natura, alla musica, all’antico proiettato nel futuro; bellezza che Giò di Busca rievoca in una dimensione interiore e concreta. Attualmente Giò di Busca vive e lavora in Canton Ticino in Svizzera.

Giò di Busca was born 1959 in Milan. His father was Italian, his mother is Swiss. After attending artistic high school he enrolled in Ca’ Foscari University in Venice where he studied Architecture. He earned then his Doctorate in Architecture at the Politecnico in Milan. Giò di Busca gained quickly fame in Italy and abroad for his work, both as architect as well as multifaceted designer, and got prestigious commissions and several rewards. He stands out for his natural instinct, his swift creating performance, his outstanding sense for space and for his keen insight, often mistaken for craziness, that allows Giò di Busca to anticipate trends and occurences. His craving for unceasing development and for inner enrichment, his volcanic as well as dreamlike nature galvanize his desire to move on and explore new horizons throughout his works. Monumentality as well as attention to detail are peculiar to Giò di Busca’s pictures and sculptures. They are expression of a strong three-dimentional intuition and of a high skill in working with light and size. Cultures apparently far from each other merge together in his works by means of a new understanding and internalizing of the past carried out in an even animal way. Palpable in Giò di Busca’s works are an insatiable desire for artistic reworking, a strong creative reserch and a sensitive imagination coupled with a remarkable manual skill. The main theme of his works is the nostalgia for beauty represented by recurring references to nature, to music, to the past projected into the future; a beauty recalled by Giò di Busca in an inner and concrete dimension. At present Giò di Busca lives and works in Canton Ticino in Switzerland.

Guanyin gesso

Guanyin bronzo 96

Bouke de Vriese Exhibitions current

Mostre in corso

FRAGMENTS Chateau de Nyon, Switzerland, solo show November 27 2014- April 2015

Fragments Personale, Chateau de Nyon, Svizzera 27 novembre 2014 - aprile 2015

Exhibitions upcoming

Prossime mostre

Sweet 18 Castle Hingene, Belgium, groupshow May 1 – July 5 2015 BLUE AND WHITE Foundation Bernardaud, Limoges, group show, Summer 2015, then travelling GEMEENTE MUSEUM DEN HAAG ‘War and pieces’ will be shown as part of exhibition on table culture November 2015

Sweet 18 Collettiva, Castle Hingene, Belgio 1 maggio - 5 luglio 2015 Blue and White Collettiva, Fondazione Bernardaud, Limoges estate 2015 Gemeente Museum Den Haag ‘War and pieces’ si potrà visitare come parte della mostra sul tavolo della cultura in novembre 2015.

COLLECTIONS Aberdeen Art Gallery Caldic collection, Netherlands Collection Elton John, London/Los Angeles MIMA, Middlesbrough Ministry of foreign affairs Netherlands Pallant House Gallery York City Art Gallery Collection Edgar J. and Clarissa Bronfman, London Collection Hugo Brown, The Netherlands Collection Kay Saatchi, Los Angeles Collection Frances Reynolds, London Zabludowicz Collection, London

Theseus and Ariadne, 2014 Late 19th century continental porcelain group and mixed media 280x220x295 mm. Unique

Finito di stampare da Grafica Metelliana (Cava deâ&#x20AC;&#x2122; Tirreni - SA) per conto di con-fine edizioni nel mese di ................. Printed in Italy

con-fine rispetta lâ&#x20AC;&#x2122;ambiente. Questo volume Ă¨ stampato su carte Fedrigoni certificate. con-fine respect enviroment. This book is printed on Fedrigoni certified papers.

100

ito... n i f e r e d lete ve Se lo vo arci!!! v o r t a tornate see it o t t n a I f yo u w . .. finished n !!! o o s k c come ba