Drums Etc [v26-n2] Spring 2014 by Drums Etc

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

vol.26 no2 april - may / avril - mai 2014

free / gratuit

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Al Leavitt. Zildjian Melt Room Specialist for 35 years. From melting metal to casting and beyond, Al knows the intense work and attention to detail that goes into creating the authentic K sound. With Kerope, Zildjian introduces a timeless addition to its K family. A sound that originated with Kerope Zildjian over a century ago. Hand crafted, Kerope cymbals look as they sound. Rich, dark, and complex. Reminiscent of cymbals from the 50s and 60s, yet distinctly modern and relevant for today’s music. Experience the authentic K sound. ZILDJIAN.COM/KEROPE

SOUND LEGACY

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

Volume 26, No. 2 April- May 2014 / avril-mai 2014 Editor in Chief / Rédacteur en chef Aaron Edgar aaronedgar@drumsetc.ca Assistant Editor in Chief / Rédacteur en chef adjoint Franck Camus franck@drumsetc.ca Managing Editor / Coordonnatrice à la rédaction Sofi Gamache

Editorial Assistant / Assistant à la rédaction Tara Wittet Manko Contributing Writers / Journalistes Daniel Bédard, Franck Camus, David Cronkite, Aaron Edgar, Jef Konwalchuck, Isabelle Roubertie, Max Senitt, Chris Sutherland Translation / Traduction Jim Angelillo Layout / Mise en page Karine Wolfe, Janam Publications Inc.

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Advertising / Publicité Ralph Angelillo (888/450) 928-1726 / ralph@drumsetc.ca Jeff Knowles (514) 830-3555 / jeff@drumsetc.ca

Drums Etc is published 5 times per year and distributed across Canada, in drum shops, schools, rehearsal spaces, etc. This issue: 13 000 copies in 380 distribution points (circulation certified by Canada Post). Publication Mail Agreement No 40009235 / Poste-Publication Convention No 40009235 Return Address / Adresse de retour: DRUMS ETC, 753 rue Ste-Hélène, Longueuil (QC) J4K 3R5 Canada Fax: (450) 670-8683

Edito + Agenda

Votre école a besoin d'un ensemble de percussion

Pas tout à fait des solos de caisse claire

David Cronkite

Drummers Don't Need Clockmakers

Franck Camus

Your School Needs a Percussion Ensemble

Not Quite Snare Solos

Take Something You Know and Then Make it New

How Outside Influences Can Be Beneficial to Your Drumming Les intérêts non-musicaux peuvent contribuer à votre carrière musicale

Les batteurs n'ont pas besoin d'aller chez le bijoutier

Publisher / Éditeur Serge Gamache (866) 834-4257 / (450) 651-4257 sergegamache@videotron.ca Printer / Imprimeur Graphiscan

By/Par: Aaron Edgar

Aaron Edgar

Cover Photo / Photo de la couverture Neal Burstyn

www.drumsetc.ca

andy shoniker

Max Senitt

Drums in Space The Adventures of Drum Sound in the Environment

Transformez ce que vous connaissez en quelque chose de nouveau

Les tambours dans l'espace Les aventures de leur sonorité dans l'environnement

Daniel Bédard

Jef Konwalchuck

So You're Heading Out on the Road - Tour Tips

Is There an Advantage to Working in a Rush?

Vous partez en tournée? Voici quelques conseils.

Y-a-t'il un avantage à travailler dans l'urgence?

Chris Sutherland

Isabelle Roubertie

New Products Nouveaux produits

Drums Etc est publié 5 fois l’an, et est distribué partout au Canada dans les écoles et chez les détaillants de batteries et percussions, dans les studios de répétition, etc. Ce numéro : 13 000 copies dans 380 points de distribution (circulation certifiée par Postes Canada). drums etc.

edito

agenda CANADIAN MUSIC WEEK 2014 Toronto, ON May 6-10 / 6 au 10 mai, 2014 cmw.net

A JACK OF ALL TRADES The music industry is a scary place. There are no guarantees for your career, no employer to help with health insurance, no stable 9-5, 40 hour a week job to rely on for income. To most, this can be a really scary thing. A lot of people rely on a backup plan – some sort of career they can fall back on if the music business fails for them. Some even just deal with a day job and do music on the side. But it doesn’t necessarily have to be that way.

be at least able to read music and convey your ideas. But you can pretty much take what you’re making at your day job and double your hourly rate as a teacher. Look into what other teachers in your area are charging for lessons. Consider this: if you made double the hourly rate, you could work half as much and bring in the same amount of money. Imagine your job only being 20 hours a week instead of 40. Pretty sweet!

You can make a comfortable living playing music if you know how to hustle and if you’re able to do more than just one thing. A lot of misconception surrounds being in a band and “making it big”. Not only is making it big extremely rare, but for the most part, it doesn’t really last long without any extra musical income or employability.

There are a plethora of other options as well. You can make a little bit of money from monetizing YouTube videos. You can do clinics, write for magazines and create your own products online to sell. Let’s not forget the more traditional sources of income, such as freelance gigging and studio sessions. And these are all just scratching the surface. I encourage you to try many, if not all, of these ideas. I’ve been making 100% of my living from music for over a decade with these methods and more. It’s doable and you can do it too!

Teaching is a big one for myself and many other professional musicians. This is about as close as you can get to a regular day job playing music. You should, of course,

L E MUS ICIEN TOUCHE- À -TOU T L’industrie de la musique est effrayante. Il n’y a pas de garanties pour votre carrière, pas d’employeur qui fournit de l’assurance maladie, pas de boulot de 40 heures par semaine pour assurer un revenu régulier. Pour beaucoup de musiciens, c’est effrayant. C’est pourquoi une grande proportion d’entre eux ont un plan B sur lequel se replier, une sorte de carrière secondaire sur laquelle ils peuvent retomber si la carrière musicale est un échec. Certains se trouvent un emploi régulier et jouent de la musique la fin de semaine. Mais il n’est pas nécessaire que ce soit ainsi.

peux affirmer que c’est ce qui ressemble le plus à un emploi régulier. Évidemment, vous devez être en mesure de lire la musique et de communiquer vos idées. Mais comme enseignant, il est possible de gagner le double de ce que vous feriez dans un autre genre d’emploi. Informez-vous sur le coût des leçons dans votre région. Pensez-y, si vous gagnez le double, vous pourriez travailler la moitié du temps tout en ayant la même rémunération. Imaginez que vous consacrez seulement 20 heures par semaine à votre boulot plutôt que 40. Génial!

Vous pouvez aisément gagner votre vie en jouant de la musique si vous savez comment vous vendre et si vous avez la capacité de faire plus d’une chose. Il y a beaucoup de fausses idées sur le succès qu’on peut espérer avoir avec un groupe musical. Avoir un grand succès est très rare et, en général, ça ne dure pas très longtemps. On ne peut pas s’y fier, particulièrement si l’on n’a pas d’autres revenus musicaux ou d’employabilité musicale.

Il y a beaucoup d’autres options. Vous pouvez faire un peu d’argent en rentabilisant vos vidéos YouTube. Vous pouvez donner des ateliers, écrire pour des magazines ou créer vos propres produits et les vendre sur Internet. Et n’oublions pas les sources de revenus plus traditionnelles comme la pige et les contrats d’enregistrement. Nous ne faisons que gratter la surface. Je vous encourage à essayer toutes ces idées et d’autres encore. Cela fait plus d’une décennie que je gagne ma vie exclusivement avec la musique. C’est faisable. Faites le saut!

L’enseignement est important pour moi et pour beaucoup d’autres musiciens professionnels. En tant que musicien, je

Aaron Edgar Editor-in-chief Rédacteur en chef

drums etc.

FESTIVAL DES HARMONIES ET ORCHESTRES SYMPHONIQUES Sherbrooke, QC May 15-18 / 15 au 18 mai, 2014 www.festivaldesharmonies.com

CHICAGO DRUM SHOW 2014 St. Charles, IL May 17-18 / 17-18 mai 2014 (989) 463-4757 Contact: Rob Cook – rob@rebeats.com

NXNE 2014 North By Northeast Festival & Conference Toronto, ON June 13-22 / 13 au 22 juin, 2014 (416) 863-0828 Info@nxne.com www.nxne.com

KoSA NINETEEN Castleton State College Castleton, VT July 22-27 / 22 au 27 juillet 2014 www.kosamusic.com

ULTIMATE DRUM CAMP 2014 August 19-24 / 19 au 24 août, 2014 www.ultimatedrumcamp.com

MONTRÉAL DRUM FEST 2014 Montréal, QC October 25-26 / 25-26 octobre 2014 www.montrealdrumfest.com www.facebook.com/montrealdrumfest 1-888-928-1727

Anniversary Clinic Tour with the Legendary

L K C E VE W

d Photo by F. Desmaele

May 4th May 6th May 7th May 8th May 10th May 11th May 13th May 14th May 15th May 16th May 17th May 19th May 20th May 21st May 23rd May 24th May 25th

Absolute Hybrid Maple wins MIPA Award for "BEST ACOUSTIC DRUM 2014"

cover story

couverture

Andy Shoniker’s work schedule essentially defines the term busy – then it leaps right over that and keeps on going! From early on, Andy realized that being a professional musician was his true path. After high school he attended the Berklee College of Music. He’s been published in Modern Drummer, Berklee Today and our very own Drums Etc. He’s even created a revolutionary training app called the Rhythm Trainer for the iPhone/iPod/iPad. From educating, gigging, writing and clinics, this is a guy you’re going to want to keep your eyes on.

L’horaire de travail d’Andy Shoniker est bien rempli. Je dirais même très bien rempli! Très tôt, Andy a réalisé que d’être un musicien professionnel était sa véritable vocation. Après le secondaire, il est allé étudier au Berklee College of Music. Il a écrit des articles pour Modern Drummer, Berklee Today et Drums Etc. Il a même créé une application d’entraînement pour iPhone/iPod/iPad nommée Rhythm Trainer. Que ce soit l’enseignement, les spectacles, l’écriture et les ateliers, Andy s’investit entièrement dans ce qu’il fait. Vous gagnez à le suivre!

FOR THOSE WHO AREN'T YET FAMILIAR WITH YOU, TELL US A LITTLE BIT ABOUT YOURSELF?

PEUX-TU NOUS PARLER UN PEU DE TOI?

Well, for those that don’t know me yet I’m an Aquarius, I enjoy long walks on the beach and the sounds of crickets. Did you know that when you hear crickets chirping, what you are actually hearing is their mating call? Kind of gross if you think about it. Ok seriously, I hail from Toronto and have been playing drums since I was a kid. I played around Toronto a bunch throughout high school. When I was 13, I decided that being a professional musician was what I was gonna do. I studied at Berklee, where I stayed for three years. My main musical focus at the moment is my band, Grand Opening. We are a two-piece band and are currently finishing an EP that we have been recording at Mission Sound in NYC since the fall. We have been working with Grammy award-winning producer Bob Brockmann (Notorious BIG, The Fugees, Screaming Headless Torsos, Herbie Hancock). A TWO-PIECE BAND ISN'T VERY COMMON. WHAT'S IT LIKE PLAYING WITH GRAND OPENING?

Playing in Grand Opening is really just fun. I’d say it sounds like a mix of Prince, Aerosmith, Soundgarden, Zappa, AC/DC and Rage Against The Machine. My band mate is one of the most naturally talented musicians I have ever met and we have a real natural connection. The challenge of being a two-piece is that I am responsible for the groove at all times. There is no bass player to fall back on, so if something isn’t grooving, it’s my fault. Playing a 45-minute to an hour-long set can be quite mentally draining. HOW DID WORKING WITH BOB BROCKMANN COME ABOUT?

I was introduced to Bob Brockmann a few years ago through Tyler Armes, bass player for Down With Webster. Bob was playing a showcase with an artist of his at CMW (Canadian Music Week) and needed a drummer. Tyler recommended me. We did two gigs with one 6

drums etc.

Eh bien, pour ceux qui ne me connaissent pas encore, je suis un Verseau, j’aime les longues marches sur la plage et le son des grillons. Saviez-vous que le son des grillons est en fait leur appel à l’accouplement? C’est un peu dégueulasse, quand on y pense! Bon, sérieusement, je suis né à Toronto et je joue la batterie depuis que je suis enfant. J’ai joué un peu partout à Toronto durant mon adolescence. En fait, c’est à 13 ans que j’ai décidé que j’allais être un musicien professionnel. J’ai passé trois ans à Berklee. En ce moment, je me concentre beaucoup sur mon groupe, Grand Opening. Nous sommes un duo et sommes en train de terminer un mini album que nous enregistrons à Mission Sound à New York depuis l’automne avec le réalisateur gagnant d’un Grammy, Bob Brockmann (Notorious BIG, The Fugees, Screaming Headless Torsos, Herbie Hancock). UN DUO, C’EST RARE. COMMENT C’EST DE JOUER DANS GRAND OPENING?

Jouer dans Grand Opening est vraiment plaisant. Je dirais que ça sonne comme un mélange de Prince, Aerosmith, Soundgarden, Zappa, AC/DC et Rage Against The Machine. Mon comparse est l’un des musiciens les plus talentueux que j’ai rencontrés et nous avons une belle chimie naturelle. Le défi d’être un duo est que je suis toujours responsable du groove. Il n’y a pas de bassiste qui peut compenser, donc si ça ne groove pas, c’est de ma faute. Un spectacle de 45 minutes à une heure est mentalement très exigeant. QU’EST-CE QUI VOUS A MENÉ À TRAVAILLER AVEC BOB BROCKMANN?

C’est Tyler Armes, le bassiste de Down With Webster, qui m’a présenté Bob Brockmann il y a quelques années. Bob devait présenter l’un de ses artistes au CMW (Canadian Music Week) et avait besoin d’un batteur. Tyler m’a recommandé. On a joué deux spectacles avec une répétition de 30 minutes et ç’a fonctionné. Le printemps dernier, j’étais à New York pour faire du studio. Nous nous sommes rencontrés et je lui ai fait écouter The Pecan Sandies (le nom original de Grand Opening) et il a vraiment aimé ça! On connaît la suite.

30-minute rehearsal and hit it off. I was in NY last spring to work on some other sessions. We got together and I played him some of The Pecan Sandies (Grand Opening’s original name) and he freaked out! The rest, as they say, is history. WHAT’S IT LIKE WORKING IN THE STUDIO WITH A HEAVYWEIGHT PRODUCER LIKE BOB?

Working with Bob has been a truly fantastic experience. What I have noticed from my time working with him thus far that separates him from other producers that I have worked with is that he sees the finished product from the very start. It’s kind of like working with a film director. I always try to be a team player in any musical situation I am in, but there is definitely a difference in the leagues. Working with a guy like Bob is like being up in the majors. 

PARLE-NOUS DE L’EXPÉRIENCE DE STUDIO AVEC UN RÉALISATEUR IMPORTANT COMME BOB.

Travailler avec Bob a été fantastique. Ce que j’ai remarqué à date, et ce qui le distingue d’autres réalisateurs avec lesquels j’ai travaillé, est qu’il voit le produit final dès le début. C’est un peu comme travailler avec un réalisateur de cinéma. J’essaie toujours d’agir en tant qu’équipier dans tous les projets musicaux auxquels je participe, mais il y a ici une vraie différence. Travailler avec un type comme Bob est comme être dans les ligues majeures. 

drums etc.

YOU PLAYED ME SOME INITIAL MIXES FROM THE GRAND OPENING EP AT NAMM, THE DRUMS SOUND HUGE! WHAT WAS YOUR SET UP ON THAT SESSION?

Well that was all Oli. He gets hands down some of the best drum sounds I have ever heard. Most of the recording was an 80’s Yamaha recording custom. The rack was a 13”. The floor was a 16” and the kick was a 24”x 24” for the most part. On one tune he swapped it out for a 14”x 24”. A 24” X 24” KICK? ARE YOU SERIOUS? THAT’S BIGGER THAN YOU!

I know; I could live in it. TELL US A LITTLE BIT MORE ABOUT THE RHYTHM TRAINER APP AND IT'S DEVELOPMENT PROCESS.

I came up with the idea of Rhythm Trainer back when I was at Berklee. This was way before apps were out and the concept of a smartphone was a distant dream. All that was out at the time were those electronic organizers that Seinfeld made fun of. I was taking a polyrhythm lab where we had to use the Rhythm and Meter book from Gary Chaffee’s Patterns series. There are all those pages with broken odd note groupings such as 5’s and

7’s and I found there was never really an accurate way of hearing them. So that was the inspiration. Cut to 2009, the iPhone had been released and apps started to take off and I saw that they were going to be the next thing. So I found a programmer in Toronto and we started the process. I released the first version in 2010 and the second version in 2012. I was recently awarded a US Patent for the app and am planning a rerelease as well as an Android version soon. WHO'S INFLUENCED AND INSPIRED YOU THROUGH THE COURSE OF YOUR DEVELOPMENT AS A DRUMMER?

I am a huge drum nerd and pretty much listen to everything. But a few players that I was really into were John Bonham, Tony Williams, Billy Cobham and all of Frank Zappa’s guys. A bit later on, I discovered Steve Gadd, which became a big deal for me. I came of age during the 1990s, and the popular music of the era that permeated the airwaves and culture were alternative rock, hip-hop and electronica. Those three genres of music, without even being 8

drums etc.

overly aware of it, influenced my playing in huge ways. When I was at Berklee, the main guys I was into were Keith Carlock, Jojo Mayer, Jeff Sipe and Dave DiCenso. More recently, I have been digging Mark Guiliana, Matt Chamberlain, Deantoni Parks and Daru Jones. But I am also influenced a lot by producers such as J-Dilla, Photek, Flying Lotus, Aphex Twin and Squarepusher WHAT ARE YOUR APPROACHES TO PRACTICING AND OVERALL PHILOSOPHIES ON THE DRUMS?

This could be a whole interview in itself, but my approach to practicing is pretty regimented. I have written a book on the subject called Elements of Drumming. I generally try to practice around four hours a day if I can. I used to do six to eight (hours a day) for a long time. I always try to cover four-limb independence, linear, movement, groove, displacements, improvisation, note rates hands and feet. So I get creative with what I do. For example, I’ll take a musical phrase from Syncopation, or any other sight-reading book, and I will try to play it in as many ways as possible. It’s kind of my version of the Alan Dawson method. I can spend two or three hours on one phrase and yield about a hundred ways to play it. Some simple. Some very complicated. But always musical. My main goal though is to play stuff that supports and compliments the music. If other drummers dig it, that’s awesome, but that’s never my goal. I try to let the music dictate what I play and not the other way around.

YOU'RE ENDORSED BY: SJC CUSTOM DRUMS, PAISTE CYMBALS, VATER DRUMSTICKS AND EVANS DRUMHEADS. TELL US A LITTLE BIT ABOUT WHAT DREW YOU TO THESE BRANDS?

What all of the brands that I am endorsed by have in common is that they all have pride in making instruments of the highest quality. That makes working together easy. They are also all really open to ideas and suggestions. These companies really are like families. The vibe is just awesome. I like how I can just call up the various head guys and either tell them what I need, what I want or what I might think would be a cool idea for a future time. OUTSIDE OF DRUMS, WHAT IS IT THAT YOU LIKE TO DO BEST?

Well, my main non-music related hobby is probably cooking. I’m huge into food. Actually, a lot of professional musicians I know are real foodies. Maybe it has something to do with the creativity and the methodical nature it takes. Also, I’m into cigars and more recently I discovered the finest whiskey known to man, Canadian Hunter. As the great Shawn Pelton once told me, “I’m a connoisseur of all fine things.” 

AU SALON NAMM, TU M’AS FAIT ÉCOUTER DES MÉLANGES PRÉLIMINAIRES DE L’ALBUM DE GRAND OPENING. LA BATTERIE EST GIGANTESQUE! QU’AS-TU UTILISÉ POUR L’ENREGISTREMENT?

TU ES COMMANDITÉ PAR SJC CUSTOM DRUMS, PAISTE CYMBALS, VATER DRUMSTICKS ET EVANS DRUMHEADS. PARLE-NOUS UN PEU DE CE QUI T’A ATTIRÉ VERS CES MARQUES.

Ça, c’est le travail d’Oli. Il réussit à obtenir les meilleures sonorités de batterie. La majeure partie de l’enregistrement a été faite avec une batterie de studio Yamaha des années 80 avec un tom de 13 pouces et un tom de plancher de 16. La grosse caisse faisait 24 x 24 pouces. Pour une pièce, il l’a remplacée par une grosse caisse de 14 x 24 pouces.

Ce qui unit tous les fabricants qui me commanditent est la fierté qu’ils éprouvent à fabriquer des instruments de très bonne qualité. C’est ce qui fait qu’ils fonctionnent bien ensemble. Ils sont aussi ouverts aux nouvelles idées et aux suggestions. Ces entreprises sont comme des familles; j’aime bien ce qu’elles dégagent. J’aime que je puisse les appeler et leur faire part de ce dont j’ai besoin, ce que je veux ou ce que je crois être une bonne idée pour l’avenir.

UNE GROSSE CAISSE DE 24 X 24 POUCES? C’EST SÉRIEUX? C’EST VRAIMENT GROS!

À PART LA BATTERIE, QU’AIMES-TU FAIRE?

Je sais; je pourrais vivre dedans. PARLE-NOUS UN PEU DE L’APPLICATION RHYTHM TRAINER ET DE SON DÉVELOPPEMENT.

L’idée derrière Rhythm Trainer m’est venue lorsque j’étais à Berklee. C’était bien avant l’arrivée des téléphones intelligents et des applications qui y sont liées. À l’époque, il n’y avait que des agendas électroniques. Je participais à un atelier sur la polyrythmie dans lequel nous utilisions le livre Rhythm and Meter de la série Patterns de Gary Chaffee. Il y avait plein de pages avec des groupes de notes impaires (5 ou 7, par exemple), mais il n’y avait pas de façon précise de les écouter. Voilà mon inspiration. En 2009, l’iPhone avait fait son apparition et plein d’applications se sont mises à apparaître et il était évident que cela allait devenir très gros. Je me suis donc trouvé un programmeur à Toronto et on a commencé à travailler là-dessus. La première version a vu le jour en 2010 et la seconde en 2012. Récemment, mon application a reçu un brevet pour les États-Unis. Je suis en train de planifier la sortie d’une nouvelle version. Une version Android verra bientôt le jour.

Eh bien, mon principal loisir non musical est probablement la cuisine. J’aime beaucoup la bonne bouffe. En fait, beaucoup de musiciens que je connais sont de grands amateurs de bonne bouffe. C’est peut-être à cause de la créativité et de la nature méthodique de la cuisine. J’aime bien aussi les cigares. Récemment, j’ai découvert le meilleur whiskey au monde, Canadian Hunter. Dans le fond, j’aime tout ce qui est bon dans la vie. 

QUELLES ONT ÉTÉ TES INFLUENCES DANS TON DÉVELOPPEMENT EN TANT QUE BATTEUR?

Je suis un vrai maniaque de la batterie et j’écoute de tout. Mais il y a certains batteurs qui m’ont particulièrement influencé très tôt, comme John Bonham, Tony Williams, Billy Cobham et tous les batteurs de Frank Zappa. Plus tard, j’ai découvert Steve Gadd, qui est devenu quelque chose d’important pour moi. Je suis devenu adulte dans les années 90, donc j’étais immergé dans la musique pop de l’époque : le rock alternatif, le hip-hop, la musique électronique. Sans trop m’en rendre compte, ces trois genres musicaux ont beaucoup influencé mon jeu. Quand j’étudiais à Berklee, j’écoutais beaucoup Keith Carlock, Jojo Mayer, Jeff Sipe et Dave DiCenso. Récemment, je me suis intéressé à Mark Guiliana, Matt Chamberlain, Deantoni Parks et Daru Jones. Mais je suis aussi très influencé par des producteurs comme J-Dilla, Photek, Flying Lotus, Aphex Twin et Squarepusher. QUELLE EST TON APPROCHE DE LA RÉPÉTITION ET QUELLE EST TA PHILOSOPHIE GÉNÉRALE ENTOURANT LA BATTERIE?

On pourrait en faire le sujet d’une entrevue complète, mais mon approche de la répétition est très stricte. J’ai écrit un livre sur le sujet intitulé Elements of Drumming. En général, si je peux, j’essaie de pratiquer environ quatre heures par jour. J’avais l’habitude d’y consacrer de six à huit heures par jour. J’essaie toujours de toucher à l’indépendance des quatre membres, la rythmique linéaire, les mouvements, le groove, le déplacement rythmique, l’improvisation, la vitesse aux mains et aux pieds. Je tente d’être créatif avec ce que je fais. Par exemple, je prends une phrase musicale d’un livre de lecture à vue comme Syncopation et j’essaie de la jouer de toutes les façons possibles. C’est en quelque sorte ma version de la méthode Alan Dawson. Je peux passer de deux à trois heures sur une phrase, trouvant une centaine de façons de la jouer. Certaines sont simples, mais d’autres sont très complexes. Mais c’est toujours musical. Mon objectif principal est de jouer des choses qui appuient et complémentent la musique. S’il y a d’autres batteurs qui aiment ça, c’est très bien, mais mon but n’est pas ça. J’essaie de laisser la musique me dicter quoi jouer, pas l’inverse.

By/Par: Aaron Edgar Photos: Neal Burstyn

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Not Quite

vol.26 no2

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Snare Solos

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Musicien Québécois 753 rue St-Hélène, Longueuil, (QC) J4K 3R5

One thing as a teacher I see over and over is when people practice something in a book exactly how it’s written. To me, that’s totally the wrong approach. I’m not saying it’s necessarily a bad thing, but you won’t be even close to getting the most out of your time investment from practicing. Let alone your investment in your instructional material.

Taking snare solos off the snare drum and into a drum set context will do a number of things for your playing. For starters, it will enhance your creativity – helping you take rhythms and patterns you may never have tried into a potentially more musical setting. Let’s face it, for the average drummer who isn’t playing in a school band, orchestra or marching band, you’re probably not going to use snare solos for anything more than practicing. Just as important, possibly even more, it will help enhance your technique. Generally, we learn most of our hand technique on either the snare drum or practice pad. But those are just two surfaces. They hardly represent all the instruments on a drum set. Based on that concept, you may want to reconsider some of your setup. If we learn most of our hand technique on the snare drum, we should do our best to replicate the angle of that surface on our toms and cymbals. After all, we spend decades working on our hand technique, why throw it all out the window when we go to a tom and have to resort to

Pas tout à fait

des solos de caisse claire Name - Nom

Address - Adresse

Phone - Téléphone

En tant qu’enseignant, je vois constamment les gens pratiquer des exercices exactement comme ils sont écrits. Selon moi, ce n’est carrément pas la bonne approche. Je ne dis pas que c’est nécessairement mauvais, mais vous êtes loin de profiter pleinement du temps que vous mettez à répéter, sans parler de l’investissement d’argent.

something else? I’m not saying you have to go and revamp your setup to do these exercises. I am saying that a well thought out set of angles across your whole set will help you pull off the more minute aspects of your technique on things other than the snare drum and practice pad. Now of course on these alternate surfaces your sticks are going to rebound differently than they do on the snare. The larger the tom, the less rebound, which means you’ll need to put a little more work into those. Same with cymbals, but that’s more relative to their thickness. A thinner cymbal will throw the stick back at you less, which in turn requires more effort on your part. But a well thought out technique can conquer all of these obstacles. Add in some practice and you’re off to the races!

Prendre un solo de caisse claire et l’appliquer à la batterie en général fera plusieurs choses à votre jeu. Premièrement, votre créativité s’améliorera, vous aidant à transposer des rythmes et des motifs dans un contexte potentiellement plus musical. Soyons honnêtes, pour le batteur moyen qui ne joue pas dans un orchestre scolaire, les solos de caisse claire ne servent pas à beaucoup plus qu’à la pratique. Et en plus, cela vous aidera à améliorer votre technique. En général, nous apprenons la majeure partie de notre technique aux baguettes en jouant la caisse claire ou sur un pad de pratique. Mais ce ne sont que deux surfaces qui ne représentent pas toutes la variété de surfaces présentes sur une batterie. En se fiant à ce concept, vous devrez peut-être repenser le placement de certains éléments de votre batterie. Puisque l’on apprend la majorité de notre technique de jeu sur la caisse claire, les autres tambours et cymbales devraient refléter l’angle de cette surface. Après tout, nous avons passé des décennies à travailler sur notre technique, donc pourquoi devrions-nous tout balancer lorsqu’on joue sur un tom ou une cymbale? Je ne dis pas qu’il faut tout changer pour jouer ces exercices, mais si les angles de tous les éléments de votre batterie sont optimaux, vous aurez plus de facilité à jouer les portions plus complexes ailleurs que sur la caisse claire ou le pad de pratique.

Included are three examples to illustrate what I’m talking about. We’ve taken bars with phrases commonly seen in snare solo books, such as Charlie Wilcoxon’s releases. Which, by the way, I highly recommend, but I digress. Each bar has a rhythmically identical bar after it, except the notes have been embellished onto the drum set. Make sure to take great care in your arm positioning. You’ll notice how on the snare and pad, dynamics pose a great challenge for accurate execution. On the drum set you’ll find new challenges. Dynamics become a little easier when you can make your changes on different surfaces. Getting to them is another story. Have fun exploring this material and, most importantly, use this concept on your own snare solo pieces. 

Il est certain que toutes ces surfaces feront rebondir vos baguettes de façon différente que sur la caisse claire. Plus le tom est gros, moins une baguette rebondit, ce qui veut dire que vous devrez y mettre plus de travail. C’est pareil avec les cymbales, mais avec elles, c’est une question d’épaisseur. Une cymbale mince fera moins rebondir les baguettes; il faudra donc y mettre plus d’effort. Par contre, une technique acquise de façon intelligente vous fera surmonter ces obstacles. Un peu de pratique et c’est réglé! Vous trouverez ici trois exemples qui illustrent bien ce que je tente de vous expliquer. Ce sont des mesures qu’on retrouve souvent dans les livres de solos de caisse claire, comme ceux de Charlie Wilcoxon que, en passant, je recommande. Chaque mesure est suivie d’une mesure au rythme identique, mais dont les notes ont été réparties autour de la batterie. Pensez bien au placement de vos bras. Comme vous le savez, les dynamiques de jeu sur la caisse claire ou le pad de pratique sont un défi en soi si l’on recherche une exécution précise. Sans surprises, vous aurez de nouveaux défis sur la batterie. Cela devient plus facile lorsque vous apportez les changements nécessaires aux différentes surfaces, mais la répétition demeure votre amie. Amusez-vous à explorer les exercices et, surtout, appliquez ce concept à vos propres solos de caisse claire. 

www.DrumsEtc.ca/NotQuiteSnareSolos By/Par: Aaron Edgar drums etc.

Drummers don’t need a The drummer’s primary task is to keep time. If he can do more, that’s great, but keeping time is the base. For some, it’s not a problem, because they instinctively possess an excellent perception of time. But for most of us, it’s a skill that needs to be developed. To help us do that, the metronome is our best friend. Many drummers play with a metronome in order to get feedback and maintain the right speed, without varying the tempo. But there are other ways to use this precious tool.

Les batteurs n’ont pas besoin d’aller chez le Le premier travail du drummer est de savoir garder le temps, ce que je préfère appeler la pulsation. S’il peut faire plus tant mieux mais son premier travail est d’être le gardien de cette pulsation. Pour certains cela ne pose pas de problème car naturellement ils ont une excellente perception du temps (nous ne sommes pas tous égaux à ce niveau) mais il faut reconnaître que pour la majorité d’entre nous il faut bâtir cette perception de la pulsation. Pour cela nous avons le métronome, qui je le répète doit être le meilleur ami de chaque batteur. Beaucoup de batteurs jouent sur le métronome pour avoir un « feed back » et pouvoir ainsi jouer sur le temps à la bonne vitesse sans avoir de variation du tempo. Ceci constitue le 1 er niveau. Jouer avec un métronome est donc un bon outil pour garder la bonne vitesse mais on peut l’utiliser à plusieurs niveaux. Une fois que vous êtes habitués à jouer sur le métronome ce qui est intéressant est de jouer un rythme avec lequel vous êtes à l’aise et que vous maitrisez complètement pour vous concentrer uniquement sur le tempo et la pulsation. (Votre technique ou la complexité d’un nouveau rythme ne dois pas venir interférer la concentration dont votre cerveau a besoin pour réussir ce niveau.) Pendant que vous jouez votre rythme, vous diminuez de façon subite le volume du métronome (le mieux et de demander à quelqu’un d’autre de le faire) de façon à jouer plusieurs mesures sans avoir de repères de la pulsation, juste votre horloge interne, cette perception que vous êtes toujours sur le temps… Vous remontez le volume du métronome toujours de façon subite… Êtesvous sur le temps du métronome ou à côté? Tout cela vous permet d’évaluer la précision de votre horloge interne et le cas échéant de l’améliorer. Au début cela n’est pas simple de retomber parfaitement sur le métronome mais avec un peu de pratique vous vous améliorerez rapidement et surtout cela vous permettra de prendre confiance en vous sur votre capacité d’être « tight » Cette capacité dont vous avez besoin pour jouer avec un band. Lorsque vous serez à l’aise avec cette façon d’utiliser le métronome sur un rythme simple vous pourrez faire la même chose sur des rythmes plus complexes. Pour les batteurs plus avancés vous pouvez le faire sur des polyrythmies par exemple un 4 dans 7 ou vous programmez votre métronome en 7. En coupant le son du métronome vous gardez votre focus sur le 7 mais votre 4 ne doit pas bouger non plus. Quelques variations peuvent être apportées toujours dans ce même 2e niveau. La vitesse : plus vous jouez lentement plus c’est difficile! N’hésitez pas à descendre le tempo à l’extrême, jouer en noire à 35 peut être un vrai supplice car plus il y a d’espace entre les pulsations plus la marge d’erreur est grande de ne pas retomber parfaitement sur le tempo. 12

drums etc.

La signature du temps : la perception du temps d’un 4:4 n’est pas forcement la même que pour un 12 :8 ou une mesure complexe en 7. La programmation du métronome : là aussi la perception du temps est différente selon que vous jouez en noire, en croche, ou en double croche. Ainsi, si vous jouez en croche et que vous passez en noire quand le son du métronome disparait cela permet de vérifier si vous avez vraiment une bonne perception de la pulsation. Le nombre de membres avec lequel vous jouez : Si par exemple vous êtes droitier et que vous jouez en supprimant votre main droite et que vous êtes capable de garder le tempo sans elle et sans le métronome alors on peut dire que votre horloge interne est bonne sur tout si le tempo est lent. Le nombre de mesures pendant lequel vous n’avez pas l’aide du métronome : jouer juste une mesure sans le son du métronome est beaucoup plus facile que 10 ou 20 mesures car vous n’avez pas tellement le temps de bouger par rapport à la pulsation. Au début vous pouvez compter pour vous aider à construire votre perception de la pulsation. Lorsque votre horloge sera excellente vous n’en aurez même plus besoin. Le 3e niveau. Il représente l’excellence dans le sens ou votre perception est maintenant très solide. Il consiste à arrêter de jouer quand vous diminuer le son ainsi vous ne pouvez plus compter sur les mouvements que vous faîtes pour savoir où est le temps. Au début faites-le sur des mesures entières à partir du temps 1 de la mesure ensuite coupez le son ailleurs que sur le temps 1 et reprenez de façon aléatoire si après une pause de quelques mesures vous reprenez parfaitement avec le snare sur le 2e et 4e temps vous êtes un champion! Et vous n’aurez jamais besoin d’aller chez le bijoutier pour aller faire régler votre horloge. 

Many so-called specialists have no formal training. Get some background information on the person to whom you are thinking abLike I said, the metronome is an excellent tool to help us maintain a particular speed. Once you are used to playing over a click, it becomes interesting to play a groove that you master perfectly so you can concentrate only on the tempo and pulse. While you’re playing, gradually lower the metronome’s (in a perfect world, someone else does it for you) so as to play several bars without a reference point, relying instead on your internal clock. Bring the volume back up. Are you still in sync? This exercise will help you to evaluate just how precise your internal clock is and, if it isn’t, improve it. At first, it’s not easy to fall back on the click, but with some practice, you will improve and gain confidence in your ability to keep time, which is essential if you want to play in a band. When you’re comfortable using the metronome like this with a simple groove, try it with more complex rhythms. More advanced drummers should try it with polyrhythms. For instance, you can set your metronome to play 7 over 4 in 7. When you lower the volume of the click, stay concentrated on the 7, while your 4 remains stable. Here are other variations: Speed: The slower you play, the harder it gets! Don’t hesitate to slow down the tempo. Playing quarter notes at 35 BPM can be torture, because of all the space there is between beats. It follows that the margin of error is wider, which makes it harder to keep time.

Programming the metronome: Here too, the perception of time varies whether you play quarter, eighth or sixteenth notes. So, if you play eighth notes and change to quarter notes, you can see whether you have a good perception of the pulse when the sound of the metronome disappears. The number of limbs you play with: If you’re right-handed and you play without the right hand while maintaining the tempo, without a metronome, your internal clock is good, especially if it’s a slow tempo. The number of bars played without a metronome: Playing just one bar with the sound of the metronome off is much easier than playing 10 or 20 bars, because you don’t have much time to shift in relation to the pulse. In the beginning, you can count to help build up your perception of the pulse. When your internal clock will be solid, you won’t feel the need to count. Once your perception has clearly improved and you feel ready to challenge yourself, lower the metronome’s volume and stop playing. This way, you won’t be able to rely on your body’s movements to determine where the beat falls. Start with whole bars, from beat 1. Then, stop and start playing elsewhere. If, after a pause lasting several bars, you come back perfectly on the beat, with the snare drum on 2 and 4, you’ve done it! You’re a champion! And you’ll never have to go to the clockmaker to have your clock adjusted! 

Time signature: The way we perceive a 4:4 beat isn’t necessarily the same as the way we perceive a 12:8 beat or a complex 7:8 beat. By/Par: Franck Camus remo_emp-ebony_musicetc-0514_hp-v1.pdf

2/27/14

11:02 AM

CMY

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Transformez ce que vous connaissez en quelque chose de nouveau Take Something You Know, And Then, Make It New Ça fait un bout que j’explore ce concept, car j’aime me donner des défis lorsque je pratique. J’espère que ces idées vous aideront à sortir de vos impasses et de vous épanouir.

I’ve explored this concept for a while now, as I like to challenge myself in my practice. I hope these ideas will help you get out of your rut and back in the shed. CHANGE THE RHYTHM To start, take a rudiment you know, and then change its basic rhythm. For example, play your double stroke roll in triplets instead of the common sixteen notes rate. Since there is now three notes per beat, you’ll need to play a full bar of triplets to fall back on the one. This will also create a cool three against four feel because you’ll have three groups of RRLL doubles played over four beats. Three times four equals twelve, which gives you a full bar of triplets. Some math to do here but, if you can, write it down to see where the notes land. I applied this concept to the first pages of the classic book Stick Control, and I created a really cool workout. I had been playing those pages in their usual eighth notes fashion for a while but by using the triplet rhythm I really had to take my time to make it work. You can apply this concept to whatever idea comes to your mind. Why not go nuts and play your doubles in quintuplets? Ok, some more math to do here but I guarantee it will be worth the work. CHANGE THE STICKING Not that long ago I realized that some rudiments share common sticking’s, even though it might not always be that obvious. I had been playing six stroke rolls for a long time when I started practicing paradiddle-diddles seriously. Have you ever noticed that those two rudiments share the same sticking but start on a different note? I had not. When I realized that, I started alternating between both of those rudiments on the kit. I can change 14

drums etc.

CHANGER LE RYTHME Pour commencer, prenez un rudiment que vous connaissez et changez son rythme de base. Par exemple, si vous choisissez le roulement à coup double, jouez-le en triolets, plutôt qu’en doubles croches. Puisqu’il y a maintenant trois notes par pulsation, vous devrez jouer une mesure complète de triolets pour retomber sur le premier temps. Vous créerez ainsi une sensation rythmique intéressante « trois sur quatre », car vous jouerez trois groupes DDGG sur quatre temps. Trois fois quatre fait douze, soit une mesure entière de triolets. Si vous le désirez, en faisant un peu de mathématiques, vous pouvez noter le tout pour visualiser où les notes se jouent. J’ai appliqué ce concept aux premières pages du livre classique Stick Control et cela m’a donné des exercices super intéressants. Je jouais ces exercices depuis un bout en croches normales. Mais en transposant le tout en triolets, il a fallu que je prenne mon temps pour tout faire fonctionner. Ce concept s’applique à n’importe quelle idée que vous avez. Pourquoi ne pas virer fou et jouer vos coups doubles en quintolets? Il y a encore un peu de maths à faire, mais je vous garantis que ça en vaudra la peine! CHANGER LE JEU DE BAGUETTES Il n’y a pas très longtemps, j’ai réalisé que certains rudiments partagent le même jeu de baguettes, même si ça ne semble pas toujours évident. Je jouais le roulement à six coups depuis longtemps quand j’ai commencé à pratiquer le paradiddle-diddle. Avez-vous déjà remarqué que ces deux rudiments partagent le même jeu de baguettes? Moi, non. Ils ne font, en fait, que commencer sur une note différente. Quand j’ai réalisé cela, j’ai commencé à les jouer en alternance. J’arrive donc à changer le son de mes passes simplement parce que le jeu de baguettes n’est pas exactement le même, mais est assez similaire pour que ce soit tout de même assez facile de jouer l’un ou l’autre. Si vous maîtrisez le premier, il s’agit de jouer les mêmes notes, mais en commençant sur un autre temps. Certes, il faudra

the sound of my fills because the sticking isn’t exactly the same but yet close enough so that you can play them both without that much practice. If you can play the first one well, just play the same exact notes starting on a different beat. You’ll need to practice it a bit, but not as much as if you had to learn a whole new sticking. A similar concept applies for the double stroke rolls and the Swiss army triplets. Those two rudiments use doubles in both hands, but with the Swiss army triplets the doubles are played interlaced, creating a flam. Try playing both of those rudiments on different surfaces, like the snare and floor tom for instance. You’ll hear doubles on both drums. CHANGE THE SOUND

un peu de pratique, mais pas autant que si vous aviez à apprendre un jeu de baguettes entièrement nouveau. Il existe une relation semblable entre le roulement à coup double et les triolets suisses. Ces deux rudiments font usage de coups doubles aux deux mains, mais dans les triolets suisses, les coups doubles sont entrelacés, créant un flam. Jouez les deux rudiments sur des surfaces différentes, comme la caisse claire et le tom de plancher. Vous entendrez des coups doubles sur chaque tambour. CHANGER LE SON

Recently, I’ve become aware of Florian Alexandru-Zorn’s work. If you don’t know the guy, check out his clips on YouTube. He is mainly known as a brush virtuoso. I wanted to better my brush technique for a while without really knowing how to do so. Florian’s book and DVD came in handy. He has a clear approach to playing sweeps and grooves. He even created cool ways to play rudiments while sweeping the brushes, not tapping them like you would with a stick. So if you’re looking for a different way to play a paradiddle, for instance, try his version of the sweeped paradiddle. It creates a really cool texture and gives you some vocabulary to use in a brush-playing situation. He does the same with all the 26 standard rudiments. If you’re not a brush player, you could explore rim clicks or cross-sticks, like I did. I had been inspired by the great Steve Gadd to play some rim clicks doubles when I saw him do so in a clip somewhere on the web. The concept is really simple: just place your left hand like you would do when playing the rim click, and put your right hand on the hi hat. You’ll need to develop some strong muscles with your left, though the doubles are kind of hard to pull off. But again, hard but worth it as you’ll have a new sound to draw from when playing.

Récemment, j’ai commencé à m’intéresser au travail de Florian Alexandru-Zorn. Si vous ne le connaissez pas déjà, je vous conseille d’aller visionner ses vidéos sur YouTube. Il est surtout connu comme virtuose des balais. Je voulais améliorer ma technique de jeu aux balais sans vraiment savoir par où commencer. Le livre et le DVD de Florian m’ont bien servi. Il propose une approche claire pour jouer des frottements et des grooves. Il a même créé des façons intéressantes de jouer les rudiments en utilisant des frottements plutôt que des coups, comme avec des baguettes. Donc, si vous recherchez une façon alternative de jouer un paradiddle, par exemple, essayez son paradiddle frotté. Cela créée une texture intéressante et vous donne du vocabulaire lorsque vous devez jouer la batterie avec des balais. Il propose une solution pour les 26 rudiments de base. Si vous n’êtes pas un joueur de balais, explorez les rimshots ou les coups croisés, comme j’ai fait. C’est Steve Gadd qui m’a incité à jouer des rimshots doubles quand je l’ai vu le faire dans une vidéo. Le concept est simple. Il s’agit de placer votre main gauche en position pour jouer un rimshot, tandis que votre main droite est sur le hi-hat. Il faut développer les muscles de la main gauche, car les coups doubles sont plutôt difficiles à soutenir. C’est difficile, mais cela vaut la peine, car vous aurez un nouvel effet sonore à utiliser.

I hope these ideas will inspire you to check out what you already know and try to make something new out of it. Happy practicing! 

Je souhaite que ces idées vous inspireront à revoir ce que vous connaissez déjà et à tenter d’en faire quelque chose de nouveau. Amusez-vous!!  By/Par: Daniel Bédard

Cirque du Soleil ® is seeking professional musicians for live performances. BANDLEADER – MULTI-INSTRUMENTALISTS INSTRUMENTALISTS (STRING, KEYBOARD, WIND OR PERCUSSION INTRUMENTS) FEMALE – MALE SINGERS ALL VOICE TYPES AND STYLES

Le Cirque du Soleil recherche des musiciens professionnels pour des prestations devant public. CHEFS D’ORCHESTRE – MULTI-INSTRUMENTISTES INTRUMENTISTES (CLAVIER, INSTRUMENTS À CORDES, À VENT OU À PERCUSSION) CHANTEUSES – CHANTEURS TOUS TYPES DE VOIX ET DE STYLES

CIRQUEDUSOLEIL.COM/JOBS facebook.com/cirquedusoleilcasting Photo: OSA Images Costume: Zaldy Goco © 2011 Cirque-Jackson I.P., LLC Cirque du Soleil is a trademark owned by Cirque du Soleil and used under license. Cirque du Soleil est une marque détenue par Cirque du Soleil et employée sous licence.

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So You’re Heading Out On The Road

Tour Tips I’ve toured the world on every kind of tour imaginable. From 3 guys in an indie band with all our gear and PA jammed into a 1980 Suburban, to 5-star bus and truck tours with full crew and drum tech. A lot of these tour tips apply to all levels. I’m going to give you my whole system in one article.

Vous partez en tournée? Voici quelques conseils J’ai fait toutes sortes de tournées qui m’ont mené partout dans le monde : de trois gars entassés dans une Suburban de 1980 remplie d’équipement à des tournées avec autobus et camion et une équipe de techniciens complète. Les conseils suivants s’appliquent à tous les genres de tournées. Je vous offre tout mon système en un article.

Pour vous préparer pour une tournée, peu importe le niveau, la première chose à faire est de passer votre batterie au peigne fin. Nettoyez tout et vissez tout ce qu’il y a à visser. Si nécessaire, installez de nouvelles peaux, de nouveaux feutres et autres pièces manquantes. Regardez chaque pièce de quincaillerie pour y déceler les signes sérieux de faiblesse. Et assurez-vous que votre siège soit bien solide. 1. Rangez les tambours, la quincaillerie et les cymbales dans de bons étuis (mous ou rigides). Assurez-vous que les étuis soient appropriés pour le genre de tournée. Si c’est trois gars dans une fourgonnette, allez-y peut-être avec des sacs légers, mais si l’équipement va dans un cube ou une remorque, optez pour des étuis de transport rigides. Tous les batteurs devraient investir dans un ensemble de bons étuis rigides moulés. Il y a toujours de bonnes occasions pour les utiliser. 2. Baguettes et peaux. Déterminez combien de baguettes vous utilisez habituellement dans un spectacle et doublez ce nombre. J’apporte trois paires de baguettes par spectacle, juste pour être sûr. Quand vous vous trouvez au beau milieu de nulle part, un dimanche, les chances de trouver un magasin de musique ouvert avec votre marque et votre grandeur de baguette sont très minces. Quant aux peaux, suivez votre consommation habituelle. Commencez la tournée avec de nouvelles peaux. Apportez au moins une peau de rechange pour chaque tambour. Vous pouvez les ranger avec les

drums etc.

tambours dans les étuis. J’apporte toujours plusieurs peaux de caisse claire (n’oubliez pas la peau du dessous qui peut être difficile à trouver). Une autre idée est de mettre un ensemble complet de peaux dans une boite qui n’a pas besoin d’être sortie chaque jour. Ça peut même être des peaux déjà usées. Il n’est pas nécessaire qu’une tournée soit coûteuse. Il s’agit simplement d’être prévoyant. Donc j’insiste, essayez de trouver une peau de caisse claire de 13 pouces un dimanche à St-Clin-Clin. Vous ne jouerez pas toujours à New York! 3. Il y a d’autres éléments de rechange que vous devriez toujours avoir près de vous sur scène. Il n’y a rien qui nuit au plaisir d’un concert comme un problème technique qui ne se règle pas. Il n’est pas nécessaire d’avoir ce qu’il se fait de mieux, mais tout simplement assez solide pour vous permettre de terminer le spectacle si la catastrophe s’abat sur vous. Vous devriez avoir une caisse claire et une pédale de grosse caisse de rechange prêtes à être utilisées. Je voyage maintenant toujours avec un pied de hi-hat de rechange. Lors d’un spectacle dans le nord de la Colombie-Britannique, mon pied de hi-hat s’est désintégré soudainement; le ressort a cassé à l’intérieur du tube et je n’avais aucun moyen de le réparer. D’ailleurs, nous n’en avons pas trouvé un autre dans la ville dans laquelle nous jouions. J’ai dû jouer avec un pied non fonctionnel durant deux spectacles. J’en traîne donc toujours un au cas où.

To prepare for any tour, at any level, the first thing you should do is a full maintenance run-through of your drum kit. Clean and tighten all the obvious things. New heads where needed, new felts and parts where needed. Check every piece of hardware for signs of serious wear and oncoming breakage. And definitely make sure that drum throne is solid. 1. Get your drums, hardware and cymbals in good cases. Make sure they are appropriate cases for the size of tour you are on. If it’s 3 guys in an SUV, maybe go with gig bags and light cases. But if it’s going into a cube van or a semi trailer every night, get those flight cases rocking. A good investment for every drummer is a good set of quality-molded cases. Those can come in handy at any level 2. Sticks and heads. Determine how many sticks you usually go through in a show. Then double that number. I actually take 3 pairs per show to be safe. I rarely ever use that but it’s always there in case. When you are in the middle of nowhere, on a Sunday, the odds of finding a music store with your stick size and brand is pretty risky. For spare heads, it comes down to your usual consumption. Start the tour with good heads on your kit. Have at least 1 spare or more for every drum out there. Spares can live in the case with the drum. I always take multiple snare heads (don’t forget spare bottom snare heads too, they can be hard to find). Another good trick is to put a full set of heads in a box that doesn’t have to get unpacked every day. They can even be used heads. It doesn’t have to be a great expensive venture, just make sure your butt is covered for any possible blowouts. Again, just try finding a specialized 13” tom head in the middle of nowhere on a Sunday. You aren’t always going to be playing in New York City

3. These are “must have” spare items and they should be accessible on the stage or side stage, every night. Nothing stops the show momentum quicker than a blowout that can’t be fixed. They don’t have to be high-end super expensive spares. Just solid enough to get you to the end of the show should catastrophe strike. A spare snare and bass drum pedal should be on your drum riser and ready for a quick change. The other item I always tour with now is a spare hi hat stand. I learned this one the hard way. A few songs into a show in Northern BC on a Saturday night and BOOM. The hat stand blew into pieces. The spring broke inside the tube and it was literally unfixable. I had to play the rest of the Saturday, AND the entire Sunday show without a functioning hi hat stand. There was not a stand to be found in the whole town that we could borrow. Ever since, I have one at all times. I don’t keep that on stage, but it’s available easily 4. Collect a small tool kit and small bag of random parts. All the little screws and extra things that could possibly break on your kit. It’s always a great idea to search Ebay for lugs, tension screws and any other tiny parts that may save you in a breakdown. They can often be found on Ebay very inexpensively And now my NINJA LEVEL 10 touring tip. I learned this trick when I toured with Doc Walker and we were on tour with Dierks Bentley. Dierks and his band taught me the most valuable trick: “All black, all the time.” Black t-shirts, black jeans and yes, even black underwear. Once it’s laundry day, you are a single washing machine king! In some parts of the world, it can be a serious hassle finding a way to get the laundry done. This has saved me hours of trouble. You can wear the same clothes on and off stage and still look good. 

By/Par: Chris 'Suds' Sutherland

4. Montez-vous un petit ensemble d’outils et un petit sac rempli de petites pièces. Pensez à toutes les visses et petites pièces qui pourraient casser. Vous trouverez facilement sur Ebay toutes sortes de petites pièces peu dispendieuses, comme des attaches et des visses de tension. Et maintenant, voici mon conseil suprême, un truc que j’ai appris lors d’une tournée où je jouais avec Doc Walker et nous accompagnions Dierks Bentley. Le conseil vient de Dierks et ses musiciens, soit de toujours s’habiller en noir : t-shirt noir, pantalon noir et même des sous-vêtements noirs. Le jour de la lessive, vous n’avez qu’une brassée à faire! Dans certains coins du monde, cela peut être difficile de trouver une buanderie. Ce conseil m’a fait éviter beaucoup d’heures perdues. Et en plus, vous pouvez porter les mêmes vêtements sur et hors scène et toujours avoir l’air cool.  daddario.com

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YOUR SCHOOL NEEDS A PERCUSSION ENSEMBLE I am 15 and the year is 1977. Our percussion ensemble

VOTRE ÉCOLE A BESOIN D’UN ENSEMBLE DE PERCUSSION J’avais 15 ans; c’était en 1977. Mon ensemble de

is recording "Bayport Sketch" at the Truro Summer Band

percussion avait enregistré « Bayport Sketch » au

Camp in Nova Scotia. Our instructor, Allan Gaskin, gives

Truro Summer Band Camp en Nouvelle-Écosse. Notre

us a silent count before the tape rolls. We do a few takes

instructeur, Allan Gaskin, nous a fait un décompte

before everyone is happy. Today, I have that recording

silencieux avant que tournent les bandes. Nous avions

on vinyl, and when I listen to it, I recall the excitement

fait plusieurs prises avant que tout le monde soit content

and pride of that moment. The thrill and intensity of

du résultat. J’ai cet enregistrement chez moi, sur vinyle,

performing music without horns, brass or strings was

et chaque fois que je l’écoute, je ressens l’excitation

unmatched. We were having the time of our life. We

et la fierté de ce moment. L’émotion et l’intensité que

showed everyone that we were not merely timekeepers

nous avions éprouvées à jouer sans instruments à vent

and noisemakers; we were musicians.

ou à cordes n’avaient pas d’égal. Nous étions en train de vivre l’expérience de notre vie. C’était l’occasion pour nous de montrer à tous que nous n’étions pas de simples métronomes ou des faiseurs de bruit; nous étions des

Audiences love seeing percussion groups perform; they're exciting to watch with their heads bowed in concentration or arms carving windmills in the air. Think about it: if you are the parent of a percussionist, you look for your chance to spy them at the back of the band. You may strain to hear the xylophone part they spent 6 months memorizing. Not so in the percussion ensemble. Here, the performers are front and centre – the spotlight is on them and this is their chance to shine. Boredom is a real problem in the school percussion section. Percussionists are bored for many reasons: lack of training, lack of attention, broken instruments, missing instruments, too many members and not enough parts, a dominant person who keeps all the parts to themselves. As a result, drummers break things, leave the band, pester other musicians (including the director), slow the band down and generally give up. A percussion ensemble can fix this. Here is how. Ten years ago, I walked into my local elementary school and asked the music teacher if she needed volunteer help with her percussionists. She looked at me in astonishment and gave an exasperated: "YES!" We began the following week with the grade 7’s and 8’s. None of the percussionists had ever played in an ensemble. To some of them, the notion seemed foreign. First, we did an assessment of their reading abilities (not very good), and then we looked at gear. There were no timpani, one glockenspiel on a wobbly stand, a badly tuned snare drum, an overly tight concert bass drum (at least we had one) and a dog’s breakfast of auxiliary percussion. Finally, we had no sheet music. Not wanting to do the Stomp routine AGAIN, I decided to purchase some music on my own. My goals were simple: improve their reading, improve their musicianship and create a sense of pride and teamwork. As the years progressed, we built up a small library of printed music, repaired instruments, stronger readers and an audience who looked forward to the group's next performance. I had parents stop me in the street and in stores, exclaiming: "Hey, you're the percussion teacher! My daughter/son loves that group, you guys are amazing!" I never got tired of hearing that. 18

drums etc.

musiciens.

Les auditoires aiment voir les ensembles de percussion jouer; ils sont excitants à regarder, avec leurs têtes plongées en concentration et leurs grands mouvements de bras. Pensez-y, si vous êtes le parent d’un percussionniste, vous savez qu’il est souvent difficile de le voir derrière l’orchestre. Vous entendez à peine la partition de xylophone sur laquelle ils ont travaillé pendant six mois. Mais ce n’est pas le cas avec un ensemble de percussion, car ici, tous sont à l’avant; c’est leur occasion de briller. L’ennui est un vrai problème dans la section de percussion des orchestres scolaires. Il y a plusieurs choses qui expliquent cela : le manque de pratique, le manque d’attention, des instruments brisés ou tout simplement manquants, trop de participants et pas assez de parties à jouer, une personne dominante qui joue toutes les parties, etc. Il en résulte que les batteurs brisent des choses, quittent l’orchestre, harcèlent d’autres musiciens (y compris le chef d’orchestre), ralentissent le progrès de l’orchestre et abandonnent. Un ensemble de percussion peut régler ce problème. Voici comment. Il y a dix ans, je me suis rendu à l’école de mon quartier et j’ai demandé au professeur de musique si elle avait besoin d’un volontaire pour aider avec ses percussionnistes. Elle m’a regardé avec étonnement et m’a offert un « Oui! » exaspéré. La semaine suivante, je commençais avec des groupes de secondaire 1 et 2. Aucun percussionniste n’avait auparavant joué dans un ensemble. Pour certains, la notion même leur semblait étrangère. Nous avons commencé par évaluer leur habileté à lire la musique (pas très élevée) et nous avons regardé l’équipement. Il n’y avait pas de timbales, mais il y avait un glockenspiel sur un support instable, une caisse claire mal accordée, une grosse caisse de concert trop serrée (au moins nous en avions une) et une toute petite sélection de petits instruments de percussion. Enfin, il n’y avait pas de partitions. Ne voulant pas refaire Stomp une fois de plus, j’ai décidé d’en acheter moimême. Mes objectifs étaient simples, soit améliorer leur lecture, améliorer leur sens musical et créer en eux un sentiment de fierté et de travail d’équipe.

I learned a lot in my 8 years at that school, which I will pass on to you: 1. It's easy to start off too hard. Don't overestimate their reading abilities. If you haven't stepped foot in a school in years, you may have forgotten how rudimentary the rising level is. This is school dependent of course. 2. Work with your strengths. Good readers? Give them a challenge. Not enough instruments? Make some, borrow some and raise money to buy or repair some. Find, create or write music that fits what you have. 3. Strong singers or other instrumentalists? Use them in the group! I recall one year my son was in the same music program as my ensemble. Max played bass and we had a guitar player. We performed "Burning Down the House" by the Talking Heads. Lots of percussion in that song. We brought the house down. 4. Emphasize the social aspect of the group. Normally, the group will be 4 or 5 members. Make sure they are getting along, having fun and enjoying each other's company. Yes, it's about the music, but it's also about the bonding. Your group will perform better because of it. Go start a percussion ensemble or join one. Do it today.. 

À mesure que les années avançaient, nous avons monté une petite bibliothèque de musique écrite, réparé des instruments, produit de meilleurs lecteurs et bâti un public avide d’assister à la prochaine prestation. Des parents m’arrêtaient dans la rue et dans des boutiques et s’exclamaient : « Heille! Tu es le professeur de percussion! Ma fille/mon fils adore cet ensemble. C’est incroyable! » J’avoue que je ne me lassais jamais d’entendre cela. J’ai beaucoup appris durant mes huit années passées à cette école. Voici, en somme, ce que j’ai appris : 1. Il est facile de commencer avec de la matière trop difficile. Ne surestimez pas leur capacité à lire la musique. Si cela fait des années que vous n’avez pas mis les pieds dans une école, vous avez peut-être oublié à quel point le niveau est rudimentaire. Mais, évidemment, ça varie d’école en école. 2. Travaillez avec les forces que vous avez. Vous avez de bons lecteurs? Donnez-leur un défi. Il n’y a pas assez d’instruments? Fabriquez-en, empruntez-en et faites une collecte de fonds pour en acheter ou en réparer. Trouvez, créez ou écrivez de la musique qui reflète ce que vous avez. 3. Vous avez de bons chanteurs ou des jeunes qui jouent d’autres instruments? Utilisez-les dans le groupe! Je me rappelle une année où mon fils était dans le même programme de musique que mon ensemble. Max jouait la basse et nous avions déjà un guitariste. Nous avons donc joué « Burning Down the House » de Talking Heads. Il y a beaucoup de percussions dans cette pièce. Ce fut un franc succès! 4. Mettez l’accent sur l’aspect social du groupe. En temps normal, un group compte de 4 à 5 membres. Assurez-vous qu’ils s’entendent entre eux, qu’ils ont du plaisir et qu’ils aiment passer du temps ensemble. Certes, l’objectif est la musique, mais on ne peut pas négliger les liens qui se forment entre eux.

By/Par: David Cronkite

Allez, mettez sur pied ou joignez-vous à un ensemble de percussion. Faites-le dès aujourd’hui! 

The best choice for start

TAMA proudly introduces the most affordable kit ever to incorporate so many high-end features -IMPERIALSTAR. Every aspect of the modern drum kit was carefully examined, reexamined, and improved before being incorporated into the IMPERIALSTAR design - which is why you'll never outgrow this kit. Start playing IMPERIALSTAR drums as a beginner, and you'll still enjoy playing them when you've achieved pro-status. Let your dreams begin!

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Canadian distributor / Distributeur canadien : EFKAY MUSIC 2165, 46th Avenue, Lachine, Quebec H8T 2P1

drums etc.

NAMM2014

HOW

OUTSIDE

INTERESTS CAN BE NAMM 2014 was electric! The energy buzzing around the Anaheim Convention Center could be felt as soon as you turned off Harbor Blvd and began to approach the main building. Coming from Canada it was a wonderfully welcome change of pace to be walking through palm trees in a t-shirt instead of snow banks in head-to-toe winter gear! From Starbucks-fuelled artists to brand and dealer representatives across nearly every possible aspect of the music industry, everyone funneled inside to get a firsthand look at this year’s lineup of new and innovative products. What they found certainly did not disappoint! The drum hall can be compared to Willy Wonka’s factory for drummers. Every brand, every possible type of gadget, toy and innovative idea are within walking distance of each other. Grab your camera, grab some sticks and explore this year’s world of percussion! NAMM 2014 était électrisant! On ressentait l’énergie qui émanait du Anaheim Convention Center dès qu’on quittait le Harbor Blvd et qu’on s’approchait de l’édifice principal. Venant du Canada, où l’hiver était bien entamé, le fait de marcher dehors en t-shirt sous les palmiers était très bienvenu! Entre les artistes carburant au café et les détaillants, on y croisait des gens venant de tous les aspects de l’industrie musicale, tous venus voir les nouveautés et les innovations de l’année. Ce qu’ils y ont trouvé n’a pas déçu! La salle des tambours est une sorte d’usine de Willy Wonka pour batteurs. Imaginez : toutes les marques, tous les types de gadgets, de jouets et d’idées innovatrices sous un seul toit. Prenez des photos, essayez tout ce qui vous tente, c’est l’occasion en or d’explorer le monde de la percussion 2014!

BENEFICIAL TO YOUR

DRUMMING If you are like me, and I am going to assume that the fact that you are reading this article means we probably have a few things in common, then you may have difficulty

LES

INTÉRÊTS NON-MUSICAUX PEUVENT CONTRIBUER À VOTRE

CARRIÈRE

MUSICALE Si vous êtes comme moi, et j’assume que si vous êtes en train de lire cet article nous avons quelques points en commun, vous éprouvez de la difficulté à consacrer de votre précieux temps à quelque chose qui n’est pas lié à la musique. 20

drums etc.

devoting your precious time to anything nonmusic related. This makes sense; music is our passion, our driving force. The more we put into it, the more we get out of it, and it really takes a lot of effort to excel at what we do and be on top of our game. With this in mind, it can seem unreasonable to devote time to non-musical activities; however, spending some time on outside interests can be extremely beneficial to our physical and mental health, and as I recently discovered, can sometimes lead to fresh and exciting drumming situations that otherwise may not have been encountered. I know of some musicians who have landed gigs while attending yoga classes, others that do their sightseeing on tour while keeping fit jogging around each city, and even one guy that ended up being hired to design a few album covers as an off-shoot of his expertise in painting (he is also an incredibly gifted guitarist). If you know me personally or follow me on any of the social media sites that I am active on (Facebook/Twitter/Instagram), then you probably know that besides drumming, I am also fanatic about good coffee. Pursuing my passion for coffee has allowed me to discover and explore new neighbourhoods around the world, and in my own city of Toronto, make new and reunite with old friends, and get some exercise in the process. I have been known to walk or bicycle several kilometers just to have a killer shot of espresso! Drinking coffee is a communal and social activity that provides the perfect grounds (pun intended!) for meeting and sharing ideas with like-minded people. Because technology has not yet

allowed us the ability to drink coffee through our computer or smart phone, coffee-related social activities have to happen face to face. However, social media can be especially helpful for connecting with the right people. During a recent trip to the fabulous beach town of Viña Del Mar, Chile, upon arriving, a routine Google search for local specialty coffee shops led me to “You Café”, which was conveniently located 3 blocks from where I was staying. The closeness of the café vetoed the usual exercise portion of my espresso expeditions, but meant that I could go there immediately. After a fantastic double espresso, coffee talk with the owner of the café, a Facebook “check in” and Instagram photo, I left satisfied. Mission Completed. A couple of hours later, I received a seemingly random “friends request” from a Mr. Pedro Barahona, who I later found out is a highly acclaimed local drummer/educator with some really great drumming ideas. Turns out, Pedro is a good friend of Juan Carlos, the owner of the café. Upon seeing my mostly drum-related Instagram photos, Juan Carlos made the connection, and after a quick chat with Pedro on Facebook messenger, we agreed to meet later that afternoon. For coffee at You Café of course! Pedro and I had an amazing and extremely inspiring time talking about life, drumming and even sharing “licks” on our practice pads. Pedro and I were able to meet for another drum/coffee hang before I left Viña, and the second time he brought two other drummer friends: Lalo Cuesta and fellow Yamaha/Evans artist, Camilo Torres. Lalo and Camilo are also highly acclaimed Chilean drummer/educators who have a drum school in the capital city of Santiago, which I plan to visit before heading back to Canada. My intention in writing this article is not to encourage you to drink coffee, but to explore your own outside interests. Yes, let’s be dedicated musicians, but also keep in mind that time away from the instrument can help us clear our heads, get a new perspective on life, stay fit and, who knows, open new doors directly related to our art.  By/Par: Max Senitt

C’est normal, car la musique est notre passion, notre force motrice. Plus on met du temps, plus on en retire. Il faut y mettre beaucoup d’effort pour exceller dans notre domaine et toujours conserver une longueur d’avance. Donc, avec cela en tête, il semble déraisonnable de consacrer du temps à des activités non musicales. Toutefois, il peut être extrêmement bénéfique pour notre santé physique et mentale d’avoir d’autres intérêts. Comme je l’ai récemment découvert, cela peut même mener à des situations musicales imprévues qui ne se seraient pas manifestées autrement. J’ai entendu parler de certains musiciens qui se sont fait offrir des contrats dans un cours de yoga. D’autres conservent la forme en tournée en allant courir dans les rues de chaque ville visitée. Il y a même un gars qui s’est fait engager pour faire la conception de plusieurs pochettes de disque à cause de son talent en peinture (il est également un excellent guitariste.). Si vous me connaissez personnellement ou me suivez sur les sites de média sociaux sur lesquels je suis actif (Facebook/Twitter/Instagram), vous savez probablement que je suis un grand amateur de bon café. Cette passion m’a permis de découvrir et d’explorer de nouveaux quartiers partout dans le monde, et même dans ma ville, Toronto, me permettant de me faire de nouveaux amis et d’entretenir mes vieilles amitiés, tout en faisant un peu d’exercice. Il n’est pas rare que je marche ou pédale plusieurs kilomètres pour aller me faire servir un espresso du tonnerre! Boire du café est une activité communale et sociale qui jette les bases idéales pour faire des rencontres et partager des idées avec des gens de

même sensibilité. Parce que la technologie ne nous permet pas encore de boire un café avec quelqu’un à travers notre ordinateur ou notre téléphone, les activités sociales tournant autour du café doivent se faire en personne. Les médias sociaux peuvent toutefois être très utiles pour tisser des liens avec les bonnes personnes. Récemment, lors d’un voyage, dès mon arrivée dans la ville côtière de Viña Del Mar, au Chili, une petite recherche dans Google pour un café spécialisé m’a dirigé vers « You Café », très bien situé, à trois coins de rue d’où je restais. Bon, la proximité du café ne me permettait pas de faire beaucoup d’exercice, mais au moins, je pouvais m’y rendre rapidement. Après avoir bu un excellent double espresso, parlé café avec le proprio, pris une photo Instagram et fait un « check-in » dans Facebook, j’ai quitté l’endroit satisfait. Mission accomplie. Quelques heures plus tard, j’ai reçu une demande d’amitié d’un certain M. Pedro Barahona qui s’est avéré être un batteur et éducateur de renom de l’endroit possédant des idées bien intéressantes. En fait, Pedro est un bon ami de Juan Carlos, le propriétaire du café. Après avoir vu mes photos Instagram liées à la batterie, Juan Carlos a fait sa demande et, après une courte conversation dans Facebook, j’ai rencontré Pedro plus tard cet après-midi-là. Nous nous sommes rencontrés au You Café, bien sûr! Pedro et moi avons eu une discussion intéressante et inspirante sur la vie et la batterie, partageant même quelques passes sur nos pads de pratique. Nous nous sommes rencontrés une seconde fois pour un café avant mon départ, cette fois-ci avec deux amis batteurs, soit Lalo Cuesta et collègue Yamaha/ Evans, Camilo Torres. Lalo et Camilo sont également des batteurs et éducateurs de renom au Chili, dirigeant une école de batterie dans la capitale, Santiago, que je prévois visiter avant mon retour au Canada. Mon intention en écrivant cet article n’est pas de vous encourager à boire du café, mais de vous inciter à explorer vos propres intérêts non musicaux. Oui, nous devons êtres des musiciens dévoués, mais il faut garder à l’esprit que de passer du temps loin de notre instrument peut nous aider à clarifier nos idées, obtenir de nouvelles perspectives sur la vie, demeurer en santé et, qui sait, ouvrir des portes directement lies à notre art.. 

drums etc.

D RUM S IN S PAC E

The Adventures of Drum Sound in the Environment

NAMM2014 Products this year at NAMM ranged from subtle and classy small drum sets, where it seemed portability with great sound quality was the focus, to absolutely insane and nearly immovable rack structures that looked more like abstract modern art than drum hardware at the Crush Drums & Percussion booth. Some notable mentions begin with Pearl’s innovation for a bass drum stand. Finally, there’s a simple solution to mount a regular bass drum, like a gong drum, without having to drill anything! Roland released the KT-10 kick trigger which looks like a simple hi hat controller pedal yet when you put your foot on it, it convincingly feels like you’re playing a bass drum. This doesn’t even come close to covering all the amazing products at the NAMM show. All I can say is that this is going to be one exciting year for drum gear!

Consider the North American diamondback rattlesnake. It lives in warm climates and is one of the top predators in its environment. Lightning fast, extremely venomous – an absolutely terrifying rodent-destroying machine. But take that same rattlesnake and turn him loose at the South Pole, and the most accurate description of the thing would be: "frozen, decorative stick". I'm not taking a shot at the snake here, it's really a quality animal; the problem is actually with the environment. Our buddy (let's call him "Wendell Slithers") is designed to work in a very specific environment, so when he finds himself in a different one, he is at a loss (read: frozen stiff). Your drums are no different. Your drums are instruments designed to produce sound, but once that sound leaves the drum, it begins to interact with the environment. Every environment we encounter will have slightly different properties and so our drums do not behave the same way from one place to the next. That is why, when you spend all day in your rehearsal space tuning your drums to perfection for the absolutely massively important show that evening, you set ‘em up in the large concert hall and they sound like a frozen snake. The drum is only the beginning of the sound. The room (or lack thereof) is the rest of it.

Les produits présentés cette année au salon NAMM allaient de petites batteries offrant bonne sonorité et portabilité à des structures immenses et inébranlables ressemblant davantage à de l’art moderne qu’à de la quincaillerie de batterie. C’est ce qu’on pouvait voir au kiosque de Crush Drums & Percussion. Une mention spéciale doit être décernée à Pearl pour son support de grosse caisse innovateur. Enfin, nous avons une solution pour surélever une grosse caisse, comme un gong, sans avoir à la percer! Roland a dévoilé sa nouvelle pédale de déclenchement de grosse caisse KT-10 qui offre une sensation convaincante de frapper une vraie grosse caisse. Il nous faudrait plusieurs dizaines de pages pour parler de toutes les nouveautés présentées au salon NAMM. Tout ce que je peux dire est que 2014 sera excitante du point de vue de l’équipement!

LE S TA M B O U R S DANS L’ E S PACE

Les aventures de leur sonorité dans l’environnement Prenons le serpent à sonnette diamantin, le mieux connu d’Amérique du Nord. Il vit dans un climat chaud et est l’un des principaux prédateurs dans son environnement. Hyper rapide et extrêmement venimeux, il est une terrifiante machine à décimer les rongeurs. Mais mettez ce serpent au pôle Sud et ne serait qu’un bâton décoratif congelé. Mon but n’est pas de me moquer de lui; il est un animal de qualité. Le problème se situe en fait au niveau de l’environnement. Notre ami est fait pour fonctionner dans un environnement précis, donc lorsqu’il se trouve dans un autre environnement, il perd ses moyens. Vos tambours ne sont pas très différents. Ce sont des instruments conçus pour produire une sonorité, mais dès que cette sonorité quitte le tambour, elle se met à interagir avec l’environnement. Chaque environnement que vous rencontrez possède des propriétés légèrement différentes et donc, nos tambours ne se comportent pas de la même façon d’un endroit à l’autre. Donc lorsque vous passez la journée complète à les accorder à perfection pour un grand spectacle le soir même, il y a de grandes chances qu’ils sonnent comme un serpent congelé une fois installés dans la salle de spectacle. Le tambour n’est que le début du son. La pièce (ou l’absence de pièce) le complète.

drums etc.

DRUMS AN D R AT T L E S N A K E S H AVE A LOT M O RE IN COMMON TH A N YO U T H IN K. I'VE GOT 70 0 WO RDS TO EXPLAI N WH Y, S O L E T ' S G ET TO IT!

Why? Well, the majority of sound is reflected. This means that before it gets to our ear, it has bounced off of something (or several something’s). All of this bouncing means that the sound waves reach our ears at slightly different times, creating what is called ambience or room noise. One can see this principle at work by placing a metal bucket over ones head and yelling. I'll give you a minute to try that. Ok, see how your voice sounded all echo-y and different when you were in the bucket? Write that down. Seriously though, the point is that when sound is released into an environment, it is reflected and absorbed by the surfaces it contacts and that fundamentally determines what we as listeners hear. As sound waves have a variety of sizes (wavelengths), they also behave differently than one another. High frequency sounds (cymbals, snare, etc.) are tiny, tight and speedy. They bounce off of hard surfaces and get sucked up by soft surfaces. Low frequency sounds are big burly things, so they take large strides, travel for long distances, penetrate almost every surface they encounter (things shake) and linger in the room. This is why when you clap your hands in a gym, you can hear it for a few seconds, but a clap in a field is a dry and dismal affair.

So mic or no mic, those drums gotta be singing. This means that we must select and tune our drums for the environment that we are in. Smaller spaces will respond best to tighter, warmer sounds. Small drums with a good blend of high and low frequencies. Think of the difference between plucking a guitar string and punching it. The pluck hits the string just right to make it vibrate efficiently. Your drums should "pluck" the room. As the room gets bigger, we start to see this effect shift towards the lower frequencies. The large boomy rock kit will light up a gym or small arena, but will absolutely destroy the sound in a small space. Deeper sounds are physically bigger, so they need more room to play and develop before they crash into your ear and make you dance. So just like it helps to think of Ol' Wendell there as a part of the environment (crucial if you don't want a fang demonstration), the environment is also a part of him. And so it is with the drums! The environment is an extension of the drum, and therefore is crucial to the end result: delivering the sound you want to the ears you love. No snakes were frozen (permanently) in the writing of this article.

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Obviously we live in a world where our drums are amplified with a PA system most of the time, but the microphones need a strong, resonant sound to amplify in the first place.

By/Par: Jef Konwalchuk

LES TA MBO U R S E T L E S SERP ENTS À S O NNETTE PARTAGEN T P LUS D E C A R AC T É R IST IQ U E S Q U E VO U S P ENS E Z. J’AI 700 MOTS PO UR VO U S E X P L IQU E R P O U RQ U O I. ALLO NS -Y! Pourquoi? En bien, la plupart des sons sont réfléchis. Cela veut dire qu’avant d’atteindre nos oreilles, il a bondi sur quelque chose (ou plusieurs choses). Tout ce rebondissement implique que les ondes sonores atteignent nos oreilles à des moments légèrement différents, créant ce qu’on appelle l’ambiance ou bruit ambiant. Vous pouvez constater ce phénomène en plaçant un seau de métal sur votre tête. Criez. Je vous donne une minute pour essayer. Bon, vous voyez comme votre voix est pleine d’écho et différente? Sérieusement, l’idée est que lorsqu’un son est émis dans un environnement donné, il est réfléchi et absorbé par les surfaces qu’il atteint, déterminant fondamentalement ce que l’auditeur entend. Les ondes sonores ont différentes dimensions (longueurs d’onde) et donc, se comportent différemment les unes des autres. Les fréquences aiguës (cymbales, caisse claire, etc.) sont petites, serrées et rapides. Elles sont réfléchies par les surfaces dures et absorbées par les surfaces molles. Les fréquences graves sont grosses et robustes; elles avancent à grands pas, voyagent loin, pénètrent presque toutes les surfaces qu’elles rencontrent (tout vibre) et s’attardent. C’est pourquoi si vous tapez vos mains dans un gymnase, vous entendrez le son pendant quelques secondes, mais si vous le faites dans un champ, vous produirez un son lamentablement sec. Nous vivons évidemment dans un monde où nos tambours sont amplifiés habituellement à l’aide d’un système de sonorisation, mais à la base, les microphones ont besoin d’une sonorité résonnante puissante. Donc, qu’il y ait des micros ou non, les tambours doivent sonner.

Cela implique que nous devons choisir et accorder nos tambours pour l’environnement dans lequel nous les utiliserons. Les petits espaces répondront mieux aux sonorités chaleureuses et moins résonnantes, soit de petits tambours produisant un bon mélange de fréquences aiguës et graves. Pensez à la différence entre pincer une corde de guitare et la frapper. Pincer une corde l’active de la bonne façon et la fait vibrer efficacement. Pareillement, vos tambours devraient « pincer » l’espace dans lequel vous jouez. À mesure que l’espace grandit, l’effet commence à glisser vers les fréquences plus graves. La grosse batterie faite pour le rock prend son essor dans un gymnase ou un petit aréna, mais elle va assurément détruire le son dans une petite pièce. Physiquement, les sons graves sont plus gros, donc ils ont besoin de plus d’espace pour sonner et se développer avant d’atteindre vos tympans et vous faire danser. Donc, tout comme notre ami le serpent à sonnette fait partie de son environnement, l’environnement fait également partie de lui. C’est comme cela avec les tambours! L’environnement du tambour est une extension de celui-ci et donc essentiel au résultat final : produire les sonorités que vous désirez pour qu’elles soient captées par les oreilles que vous aimez. Aucun serpent ne fut congelé lors de l’écriture de cet article. 

drums etc.

Is there an advantage to

working in a rush? Maybe you’re the type who likes working under pressure, or who becomes more efficient with stress? If it is the case, you probably see stress as a motivational tool rather than an exhausting one.

NAMM2014 Every year the trip to NAMM is filled with great friends, new and old. But it’s not all fun and games! We have a plethora of important meetings to attend so we can bring the best possible information and articles to our readers. This is how we stay on top of all the current trends and exciting news in the Canadian and worldwide drumming community. After the sun went down and NAMM closed for the evening, right outside the front doors was an army of food trucks this year. There were some great options in a wide variety of styles to help you fuel up for the vibrant nightlife that comes with NAMM. You can’t possibly expect a trade show with the who’s who of the music industry not to be actionpacked with concerts, can you? Every year we’re treated to some of the most stellar musical performances I’ve ever seen and every year I’ll return for more inspiration! 

Chaque année au salon NAMM, nous renouons nos liens avec de vieux amis et nous faisons plein de nouvelles rencontres. Mais ce n’est pas seulement une partie de plaisir! Nous avons un horaire bien rempli de réunions importantes nous permettant de vous offrir de l’information actuelle et les meilleurs articles. C’est ici que nous voyons ce qui se passe dans l’industrie musicale et dans la communauté de batteurs et percussionnistes, dans le monde, en Amérique du Nord et au Canada. Quand le salon fermait ses portes pour la nuit, une véritable armée de cantines mobiles attendait devant les portes. On y trouvait une grande variété de mets succulents pour faire le plein d’énergie avant d’attaquer la vie nocturne vibrante qui se crée lors du salon. Il est impossible qu’un salon de cette envergure et qui attire la crème de l’industrie n’offre pas une pléthore de concerts uniques. Chaque année, nous assistons à des performances stellaires qui font que nous avons toujours hâte à l’édition suivante.. 

For others, the fear of being overwhelmed by events and not knowing how to manage daily priorities is a frequent occurrence! Because of your lack of organisation, you may feel unsatisfied and tired, and important things to be done are piling up. Unexpected events are taking control. First of all, determine a clear goal for the coming week, day, or hour. Refrain from seeing your goal only in terms of results. Make sure it corresponds to your fundamental raison d’être. How do you manage priorities without making yourself a priority? By replacing yourself at the centre of your priorities, you will have changed how you organise things!

Y a-t-il un avantage à

travailler dans l'urgence? Il se peut que vous aimiez travailler sous pression, ou que le stress vous rende plus efficaces ? Si c’est le cas, vous percevez certainement le stress comme un outil de motivation et non d’épuisement. Pour d’autres, la peur d’être dépassés par les événements et de ne pas savoir gérer les priorités du quotidien est fréquente ! Il se peut, que vous vous sentiez insatisfaits et fatigués par manque d’organisation, que les choses importantes à faire s’accumulent dans votre agenda, ou que les imprévus vous dictent leur loi. Tout d’abord, ayez un objectif clair pour la semaine, la journée, l’heure qui s’en vient ! Ne voyez pas votre objectif qu’en termes de résultats. Veillez aussi à ce qu’il réponde à votre raison d’être fondamentale. Comment gérer les priorités sans faire de Soi une priorité ? En vous replaçant au cœur de vos priorités, vous venez déjà de modifier toute votre organisation !

drums etc.

Then, make a detailed list of tasks that make up your workdays. There are 4 advantages to successfully organising and managing your priorities: • knowing where you stand in relation to your goal • knowing fast whether what you are doing corresponds to your fundamental raison d’être and whether you feel in the right place • creating clarity in your relationship with others • allocating the right resources to the right place and time HOW TO GET THERE? 1. Your schedule is made up of two types of tasks: what is important (or a priority) and what is urgent. Trace two perpendicular lines on a sheet of paper, creating four equal spaces. 2. In the upper left space, write “important and non urgent”. Non urgent means without stress. Identify tasks that already fit into this category and those you could add. Whatever your priorities, whether they are looking for contracts, planning a tour, developing your contact network, preparing for an audition, or practicing your instrument, you need to anticipate, plan, be proactive, and always be a step ahead in accomplishing your goals. The key to success, and the least stressful way to work, which you should always keep in mind, is not to wait until the last minute to do the important stuff. 3. In the upper right space, write “important and urgent”. Doing important things in a rush is the most stressful way to work! Identify the tasks you regularly find in this category and those that should be moved to the “important and non urgent” category. These are usually tasks that you systematically put off to another day. Keep in mind that this space is reserved exclusively to unexpected tasks, which are important and urgent, meaning you must deal with them immediately. An unexpected task is part of

the priorities you must deal with fast and takes up time allotted to important and non urgent tasks. Whether it is a pressing problem or a project whose deadline is imminent, don’t panic, act now! Remember that things will always be easier to accomplish if this space isn’t filled with tasks that you could have anticipated and planned. 4. In the lower left space, write “non urgent and non important”, and in the lower right space, “urgent and non important”. Identify the elements that fit into these categories and that use up the time you need to do the tasks listed in the « important and non urgent » category. You have to limit, delegate, abandon rapidly and know when to say NO to these tasks (interruptions, useless discussions, some phone calls and emails, the internet…). You have to learn to says NO to everything that can wait, that pushes you farther from your goal, or that takes something away from your feeling of being in the right place. These situations will make you see your priorities more clearly and help you make the right decisions. 5. Examine which strategies will enable you to concentrate on tasks in the “important and non urgent” category. 6. For each category, determine whether there are tasks that can be abandoned, put off to a later date, moved to another category or delegated (make sure they are really important). 7. Set up an action plan that prioritizes the important things for you. Don’t forget to make yourself a priority! You can display your sheet in your workspace. The idea is to get used to this approach, which may seem surprising or restrictive at first, but it should positively change your relationship with time in only a few weeks!  www.coachingartistes.ca By/Par: Isabelle Roubertie

Ensuite, faites une liste détaillée des tâches qui composent vos journées de travail. Parvenir à vous organiser et à gérer vos priorités comporte 4 avantages : • vous situer à tout moment par rapport à votre objectif • savoir rapidement si vous êtes en train de répondre à votre raison d’être fondamentale et si vous vous sentez à la bonne place • créer de la clarté dans votre rapport aux autres • allouer les bonnes ressources, au bon endroit, au bon moment COMMENT Y PARVENIR ? 1. Ce que vous avez à faire dans votre emploi du temps se divise en deux notions : ce qui est important (ou prioritaire) et ce qui est urgent. Tracez 2 lignes perpendiculaires sur une feuille pour la diviser en 4 espaces de même dimension. 2. Ecrivez dans l’espace en haut à gauche « important et non urgent ». Non urgent signifie : sans stress. Identifiez les tâches qui sont actuellement dans ce cadre et celles que vous pourriez y transférer. Quelle que soit vos priorités, qu’il s’agisse de chercher des contrats, de planifier une tournée, de développer votre réseau de contacts, de préparer une audition, de pratiquer votre instrument,… anticipez, planifiez, soyez proactifs, ayez toujours une longueur d’avance sur vos objectifs. La clé du succès, la façon la moins stressante de travailler, à maximiser en tout temps dans votre organisation, c’est de ne pas attendre la dernière minute pour faire les choses importantes. 3. Ecrivez dans l’espace en haut à droite « important et urgent ». Faire les choses prioritaires dans l’urgence est la façon la plus stressante de travailler ! Identifiez les tâches que vous retrouvez de façon récurrente dans l’espace « important et urgent » et qui devraient être reclassées dans l’espace « important et non urgent ». Ce sont certainement des tâches que vous remettez systématiquement au lendemain. Ayez à l’esprit que ce cadre est réservé uniquement aux imprévus. Un imprévu est, par définition, important et urgent et vous devez vous en occuper immédiatement. Un imprévu fait partie des priorités

que vous avez à gérer sans attendre et occupe le temps requis pour faire les tâches de l’espace « important et non urgent ». Que ce soit un problème pressant ou un projet qui a pris du retard et dont la date d’échéance est imminente, ne paniquez pas, agissez maintenant ! Ayez en tête que ce sera toujours plus facile à faire, si cet espace n’est pas encombré de tâches que vous auriez pu anticiper et planifier. 4. Ecrivez dans le cadre en bas à gauche « non urgent et non important » et dans le cadre en bas à droite « urgent et non important ». Identifiez les éléments présents dans ces espaces et qui occupent le temps requis pour faire les tâches de l’espace « important et non urgent ». Vous devez limiter, déléguer, abandonner rapidement et savoir dire NON aux tâches présentes ici (interruptions, discussions inutiles, certains appels et courriels, internet…). Vous devez apprendre à dire NON à tout ce qui peut attendre, qui vous éloigne de votre objectif, ou qui vous met mal à l’aise quant à votre sensation d’être à la bonne place. C’est en présence de ces situations que vous allez devoir vous positionner au cœur de vos priorités et prendre les bonnes décisions. 5. Examinez quelles stratégies vont vous permettre de concentrer votre attention sur les éléments de l’espace « important et non urgent » 6. Déterminez pour chacun des cadres, s’il y a des tâches qui peuvent être abandonnées, reportées, reclassées dans un autre cadre ou déléguées (en vous assurant qu’elles sont vraiment importantes). 7. Elaborez un plan d’action qui priorise les choses importantes pour vous et n’oubliez pas de faire de vous une priorité ! Vous pouvez placer votre feuille complétée bien en vue dans votre lieu de travail. Il s’agit de vous familiariser avec cette approche, qui peut paraître surprenante ou contraignante au départ, mais qui devrait transformer positivement votre rapport au temps, d’ici quelques semaines !  drums etc.

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Evans EMAD Heavyweight Bass and Snare Drum Heads Made from two plies of 10mil film, EMAD Heavyweight drumheads are made to endure brutal pounding from the most hard-hitting drummers alive. The new Heavyweight snare batter has a 3mil reverse dot for a total thickness of 23mil. It is durable and produces a focused and dynamic sound. Similarly, the new Heavyweight bass drum head provides maximum durability and massive tone. Evans insures better fit, easier tuning and a wide tonal range with its Level 360 Technology. The bass drum heads are available in sizes 18 to 26”, while the snare head is available in sizes 12”, 13”, and 14”. But don’t worry about the thickness and robustness, they are absolutely playable and versatile drumheads!

Evans EMAD Heavyweight pour grosse caisse et caisse claire Composées de deux couches de pellicule de 10 millièmes de pouce d’épaisseur, les peaux de tambour EMAD Heavyweight sont faites pour endurer un barrage brutal et continu de coups des batteurs les plus puissants au monde. La nouvelle peau de caisse claire Heavyweight est munie d’un point central renversé menant l’épaisseur totale à 23 millièmes de pouce. Elle est durable et produit un son précis et dynamique. Pareillement, la nouvelle peau de grosse caisse procure une durabilité maximale et une sonorité massive. De plus, avec sa technologie Level 360, Evans assure une meilleure compatibilité, un accordement plus facile et une gamme tonale étendue. Le choix pour la grosse caisse va de 18 à 26 pouces, tandis qu’on offre une peau de caisse claire de 12, 13 et 14 pouces. Mais ne vous en faites pas avec leur épaisseur et leur robustesse, car ce sont des peaux polyvalentes et jouables à l’extrême! www.daddariocanada.com

Remo Silentstroke Drumheads A new solution for quiet practicing is now available from Remo. The Silentstroke drumheads are made from a single ply mesh material that offers a soft spring-like feel and very low decibel output. Available in snare, tom and bass drum sizes, Silentstroke heads let you play your acoustic drumset when and where volume is an issue.

Remo Silentstroke Remo offre maintenant une nouvelle solution pour répéter sans faire trop de bruit. Les peaux Silentstroke sont faites d’un tissu à mailles qui offre une sensation légèrement rebondissante à volume très faible. Disponible pour la caisse claire, les toms et la grosse caisse, les peaux Silentstroke vous permettent de jouer sur votre batterie acoustique quand et où le volume est un problème. www.remo.com

Remo Emperor EBONY Drumheads Remo Emperor Ebony drumheads offer durability, warmth, volume and clarity with focused mid-range tones. Featuring the same weight as regular Emperor heads, they have plenty of attack for maximum stick articulation. Used by artists such as Mike Portnoy and Tony Royster Jr., these 2-ply, 7.5mil drumheads sound as good as they look.

Remo Emperor EBONY Les peaux Remo Emperor Ebony offrent de la durabilité, une tonalité chaleureuse, du volume et de la clarté, avec des fréquences médianes bien précises. Possédant la même épaisseur que les peaux Emperor régulières, celles-ci offrent une bonne attaque pour une variété de types de coups de baguette. Utilisées par des artistes comme Mike Portnoy et Tony Royster Jr., ces peaux, faites de deux couches de pellicule de 7,5 millièmes de pouce d’épaisseur, sonnent aussi bien qu’elles ont l’air cool. 26

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From the first beat, you’ll hear a difference. That’s because the new VicKick Beaters™ were designed with sound quality as the number one priority. Each features a spherical head for a consistent striking surface, and provides a distinct level of articulation, all with an enhanced low-end. So whichever model you choose, and whatever style of music you play, VicKick Beaters™ will deliver a sound you didn’t think was possible.

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Dual striking position for multiple sound & feel options. Clear articulation with a full low-end sound.

Dual striking position for multiple sound & feel options. Super rhythmic clarity with a big low-end.

Crafted with an oval felt core, covered in fleece for an incredible full & warm sound.

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Pearl Export Lacquer Series After reintroducing the Export Series in 2013, Pearl is now offering its Lacquer version, which is now your chance to get the Export sound at an affordable price. Made from a blend of poplar and Asian mahogany, the shells are topped with triple flanged hoops, allowing for the Export’s deep and rich sound to resonate freely. The series is available in four configurations and three lacquer finishes.

Série Pearl Export Lacquer Après avoir réintroduit la série Export en 2013, voici que Pearl nous offre une version laquée. Voilà enfin votre chance de mettre la main sur le son Export à un prix abordable. Faits d’un mélange de peuplier et d’acajou asiatique, les fûts sont couverts d’anneaux à triples brides, permettant au son profond et riche des tambours Export de résonner sans entrave. La série est disponible en quatre configurations et en trois finis laqués. www.eriksonmusic.com

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Gestion dans l’industrie de la musique Une spécialisation à l’intention des diplômés collégiaux et universitaires désirant une carrière dans l’industrie de la musique

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La session d’hiver débute le 4 février 2013 La session de printemps débute le 27 mai 2013

Possibilité d'obtenir une aide financière du MELSQ

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Program also offered in English

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550 rue Sherbrooke O., 6e étage, Montréal, Québec

514 845-4141

formation collégiale depuis 1979 28

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Pearl Masters BCX Series Pearl’s new Masters BCX series drumset shells are entirely made from birch, which naturally boosts lows and highs. Inspired by Pearl’s acclaimed Masters MCX series, actually using the same specifications, the Masters BCX series features 6-ply, 7.5mm shells, OptiMount tom holders, Masters bridge lugs and MasterCast hoops. There are three beautiful lacquer finishes to choose from.

Série Pearl Masters BCX La nouvelle série de tambours Masters BCX de Pearl est entièrement faite de bouleau, une essence qui promeut naturellement les fréquences graves et aiguës. Inspirés de la populaire série Masters MCX, lui empruntant ses caractéristiques techniques, les tambours de la série Masters BCX offrent des fûts de7,5mm d’épaisseur composés de 6 couches de bouleau avec des supports de toms OptiMount, des attaches Masters et des anneaux MasterCast. Vous avez le choix entre trois superbes finis laqués. www.eriksonmusic.com

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Tama ImperialStar and Iron Cobra pedal Tama’s ImperialStar drumset is made from 6-ply, 7.5mm poplar shells that produce warm tones with medium attack. Its wrap finish is entirely glued to the shell, allowing it to resonate fully, as do the smaller lugs. The bass drum is fitted with Accu-Tune hoops, made from a hi-tech material offering easier and more stable tuning. ImperialStar sets come with a quality hardware pack inspired by the high-end Roadpro hardware, and includes an Iron Cobra 200 pedal.

Tama ImperialStar avec la pédale Iron Cobra Les tambours ImperialStar de Tama sont composés de fûts faits de 6 couches de peuplier produisant des tonalités chaleureuses et une attaque moyenne. Son revêtement est entièrement collé au fût, lui permettant de résonner librement. C’est également pourquoi les tambours sont munis de petites attaches. La grosse caisse est équipée d’anneaux Accu-Tune, faits d’un matériau de pointe, offrant un accordement plus facile et plus stable. Les batteries ImperialStar sont vendues avec une quincaillerie inspirée de la quincaillerie haut de gamme Roadpro, et comprennent une pédale Iron Cobra 200. www.efkaymusic.com

CRUSH Drums New Acrylic Drums Series CRUSH has added three new series to its line of very popular acrylic drum sets. The A2C400 series features a 20” x 20” bass drum, 10” and 12” toms, and a 16” floor tom. The A2C428 proposes a 22” bass drum and the same tom sizes as the previous series. The A2C386 series offers an 18” bass drum, and 10” and 13” toms. Contrary to other companies, CRUSH uses its own construction process to produce seamless acrylic shells. These are warmsounding and resonant drums. 

Nouvelle série de tambours en acrylique de CRUSH Drums CRUSH vient d’ajouter trois nouvelles séries de tambours à sa très populaire gamme de batteries d’acrylique. La sérieA2C400 comprend une grosse caisse de 20 x 20 pouces, des toms de 10 et de 12 pouces, et un tom de plancher de 16 pouces. La série A2C428 propose une grosse caisse de 22 pouces et des toms des mêmes dimensions que la série précédente. La série A2C386, plus compacte, offre quant à elle une grosse caisse de 18 pouces et des toms de 10 et de 13 pouces. Contrairement à d’autres fabricants, CRUSH fabrique lui-même ses fûts d’acrylique sans joint selon un procédé unique. N’ayez pas peur de l’acrylique, car ce sont des tambours qui produisent des sonorités chaleureuses et résonnantes.  www.sfm.ca

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JASONBITTNER

SHADOWS FALL

IT STARTS HERE. “During my formative years, one of my first kits was a Pearl Export. I learned how to play on it, jammed in a few of my first bands with it, and now many years later I teach my own students on a new Pearl Export kit, and it still lights me up when I hear them! I’ve played every brand of drums out there and now I’ve come hometo where it all started... Pearl.” - Jason Bittner Join the Export family