Drums Etc [v25-n1] Winter 2013 (February-March)

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

free/gratuit

vol.25 no1 | winter / hiver 2013

Efa Etoroma Jr.

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

Volume 25, No 1 February • March 2013 / février • mars 2013 Editor in Chief / Rédacteur en chef Aaron Edgar aaronedgar@drumsetc.ca Assistant Editor in Chief / Rédacteur en chef adjoint Franck Camus franck@drumsetc.ca Managing Editor / Coordonnatrice à la rédaction Sofi Gamache sofi@drumsetc.ca Editorial Assistant / Assistant à la rédaction Tara Wittet Manko Contributing Writers / Journalistes Jim Angelillo, Ralph Angelillo, Franck Camus, David Cronkite, Jay Deachman, Aaron Edgar, Rich Irwin, Andrew Shoniker, T.Bruce Wittet Translation / Traduction Jim Angelillo, Geneviève Hébert Layout / Mise en page Karine Wolfe, Janam Publications Inc. Cover Photo / Photo du couvert Rachel J Photography Inc (racheljphotography.com)

www.drumsetc.ca Advertising / Publicité Ralph Angelillo (888/450) 928-1726 / ralph@drumsetc.ca Jeff Knowles (514) 830-3555 / jeff@drumsetc.ca Publisher / Éditeur Serge Gamache (866) 834-4257 / (450) 651-4257 sergegamache@videotron.ca Printer / Imprimeur Opale Impressions

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Publication Mail Agreement No 40009235 / Poste-Publication Convention No 40009235 Return Address / Adresse de retour: DRUMS ETC, 753 rue Ste-Hélène, Longueuil (QC) J4K 3R5 Canada Fax: (450) 670-8683

Drums Etc est publié 5 fois l’an, et est distribué partout au Canada dans les écoles et chez les détaillants de batteries et percussions, dans les studios de répétition, etc. Ce numéro : 10 000 copies dans 376 points de distribution (circulation certifiée par Postes Canada).

By/Par: T. Bruce Wittet

Edito + Agenda Industry News + NAMM 2013 Nouvelles de l’industrie + NAMM 2013 The Art of Listening L’art d’écouter

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Franck Camus

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Fait au Canada: Ayotte Drums

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Jazz Drumming Demystified: Part 1 Le jazz démystifié à la batterie: 1re partie Aaron Edgar An Introduction to Reading Music

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Dealing With the Difficult Student Que faire avec les étudiants difficiles

An Unusual Yet Effective Double Bass Practice Method Une méthode de jeu à la pédale double inhabituelle, mais efficace Aaron Edgar

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Lire la musique : une introduction Aaron Edgar

The 5 Rules of Session Drumming Les 5 règles de travail en studio Jay Deachman

Made in Canada: Ayotte Drums T. Bruce Wittet

© Copyright 2013

Drums Etc is published 5 times per year and distributed across Canada, in drum shops, schools, rehearsal spaces, etc. This issue: 10 000 copies in 376 distribution points (circulation certified by Canada Post).

efa etoroma jr.

Musical Mileage: Getting More for Less En faire plus avec ce que vous connaissez déjà Andrew Shoniker

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Books & DVDs

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New Products

Livres & DVDs

Nouveaux produits

David Cronkite

drums etc.

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edito

agenda Drums Exclusive!

With a New Focus on Education 2012 was an amazing year for Drums Etc and myself. I published an article in almost every issue, including the cover for September/October. When it came time to select a new editor-in-chief I was excited by the offer. I’m really looking forward to helping to grow the magazine and explore new ideas. This issue marks the first back to the original drums only format. We’ll continue to keep you informed on what’s happening in the Canadian drumming world – products, players, what’s hot and buzzworthy, you name it. It’s our job to bring it to you, our readers.

I’m excited to introduce a new section to Drums Etc. Starting with this issue we are adding an education section with topics spanning all areas and styles of drumming. The education section will include lessons and transcriptions all designed to make you the best musician you can possibly be.

And don’t worry if you aren’t a solid music reader, yet. We’re kicking off with a series on how to read music. Part one takes a look at quarter notes, eighth notes and sixteenth notes, then combines them into a fun little fill you can play around your drum set. The next two issues will feature parts two and three, which deal with rests and time signatures.

Supplementary to the print magazine content, our website drumsetc.ca has videos demonstrating the lesson material for you to hear, see and play along with. The goal is to make it easy and fun to learn something new every single issue.

Suggestions for things you would like to see in Drums Etc are definitely welcome. Submit your ideas to aaronedgar@drumsetc. ca. Even if we can’t fit your idea into an issue I can help you personally.

Alongside my partner in crime, Franck Camus, and the whole team, we’re proud to bring you the new Drums Etc. Enjoy!

Maintenant dédié exclusivement à la batterie et aux percussions avec une emphase sur l’éducation!

Toronto, ON March 20-24 / 20 au 24 mars 2013 (905) 858-4747 www.cmw.net

MUSIKMESSE 2013 Frankfurt, Germany April 10-13 / 10 au 13 avril 2013 www.messefrankfurt.com

NXNE 2013 Toronto, ON June 10 - 16 / 10 au 16 juin 2013 (416) 863-6963 www.nxne.com

WHACKBAM THUDD 2013 Saskatoon, SK June 7 - 8 / 7 - 8 juin 2013 whackbamthudd@gmail.com

THE STICKMAN DRUM EXPERIENCE CAMP

2012 fût une excellente année pour Drums Etc, ainsi que pour moi. J’ai écrit dans presque toutes les publications, dont celle de septembre-octobre (voir l’article-couverture). Lorsque j’ai appris que le magazine cherchait un nouveau rédacteur en chef, j’ai tout de suite postulé. Aujourd’hui, je me réjouis à l’idée d’amener le magazine à grandir et à explorer de nouvelles avenues.

La présente édition marque donc un retour au format original dédié à la batterie et aux percussions. L’équipe continuera de garder ses lecteurs à jour sur ce qui se passe dans le monde de la batterie et des percussions au Canada : produits, musiciens, tendances, etc. Nous nous engageons à vous garder informés.

Cedar Lodge Black Strap Lake, SK June 27 - July 1, 2013 27 juin au 1er juillet 2013 www.stickmandrumexperience.com

Il me fait également très plaisir de vous présenter la nouvelle section du Drums Etc. À partir de maintenant, nous publierons une section éducative abordant tous les aspects de la batterie et de la percussion, ainsi que tous les styles. Cette section comprendra des leçons et des transcriptions conçues tout spécialement pour faire de vous de meilleurs musiciens.

Regina, SK September 28-29, 2013 28-29 septembre 2013 www.jaysonbrinkworth.com/ regina-drum-festival-2013

Vous ne savez pas lire la musique? Peu importe puisque nous commencerons justement par une série d’articles sur le sujet. Le premier abordera les noires, les croches et les doubles croches et vous proposera une figure à reproduire à la batterie. Les deux prochaines éditions présenteront un deuxième et un troisième article abordant les temps d’arrêt et les signatures rythmiques.

En complément du contenu publié dans le magazine, vous trouverez sur notre site web (www.drumsetc.ca) des vidéos des leçons proposées afin que vous puissiez voir, entendre et jouer en temps réel. De cette façon, il vous sera possible d’apprendre de manière facile et agréable quelque chose à chaque nouvelle publication.

Nous vous encourageons à nous faire parvenir vos suggestions sur ce que vous aimeriez voir dans les pages du Drums Etc. Vous pouvez soumettre vos idées à aaronedgar@drumsetc.ca. Si nous ne pouvons intégrer votre suggestion à la publication, je vous répondrai personnellement.

Mon complice, Franck Camus, toute l’équipe et moi-même sommes fiers de vous présenter le nouveau Drums Etc. Bonne lecture!

Aaron Edgar Editor-in-chief Rédacteur en chef

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CANADIAN MUSIC WEEK 2013

drums etc.

REGINA DRUM FESTIVAL

MONTRÉAL DRUM FEST 2013 Montréal, QC October 26-27/26 - 27octobre 2013 www.montrealdrumfest.com

vol 24 no 6

dec 2012 jan 2013

2 yrs / 2 ans 29,40 $ 32,19 $ (QC) 1 yr / 1 an 18,90 $ 20,69 $ (QC) Phone - Téléphone

Musicien Québécois 753 rue St-Hélène, Longueuil, (QC) J4K 3R5

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The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

Your loyal and devout assistant editor,

Address - Adresse

Here we are! Six years after first collaborating with the magazine (if my memory serves me right), I have been given the chance to walk the path traced with dignity by Ralph and Sofi. I want to take this opportunity to thank them for their trust; besides, I know they’ll never be too far if needed! Along with my friend Aaron Edgar, we promise you a lot of good articles with a more educational slant. We are both teachers and so it is important for us that we share concepts and tricks that will make you learn faster, without hurting yourself. And since having an open mind is a quality every musician should espouse (I have never liked closed-minded people, what can I say…), we’ll take a closer look at different styles. Think about Richard Irwin for jazz (those of you who have seen him at Drum Fest in October know what I’m talking about), and Flo Mounier who, between two tours, will share his expertise on extreme drumming. I am well aware of the challenges publishing a free drum magazine entail in these difficult times, but I think my passion – our passion – will overcome any hardship, because although some give us the cold shoulder, Drums Etc readers have always been there for us. So, whether you are a long-time or first-time reader, make the most of it, and don’t forget that life is short! If Nietzsche was alive today, I’m sure he would say that without drums, life would be a mistake!

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Votre fidèle et dévoué rédacteur en chef adjoint,

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Bon voilà, ça y est, nous y sommes! Six ans après ma première collaboration avec le magazine (si ma mémoire est bonne), la chance m’est donnée de continuer sur la voie dignement tracée par Ralph et Sofi. J’aimerais évidemment les remercier de leur confiance et je sais qu’ils ne seront jamais loin en cas de besoin! Avec mon fidèle ami Aaron Edgar, on vous promet de bien beaux articles avec une vision pédagogique plus développée. Lui et moi étant enseignants, nous avons à cœur de vous faire partager des recettes et des trucs pour apprendre plus vite sans vous blesser. Considérant que l’ouverture d’esprit est une grande qualité chez le musicien (je n’ai jamais aimé les gens étroits d’esprit, que voulez-vous…), on en profitera pour approfondir certains styles. Je pense à Richard Irwin pour le jazz (ceux qui l’ont vu jouer au Drum Fest cette année savent de quoi je parle) et à Flo Mounier qui, entre 2 tournées, nous fera part de son expertise pour la batterie en version extrême. Je suis bien conscient que de faire avancer un magazine de batterie gratuit en ces temps difficiles n’est pas une mince affaire, mais je pense que ce défi sera à la hauteur de ma passion, de notre passion, car nul doute que même si certains nous snobent, les lecteurs de Drums Etc ont toujours répondu à l’appel. Alors, que vous soyez un fidèle lecteur ou que ce soit la première fois que vous lisiez ce magazine, profitez-en à fond, n’oubliez pas que la vie est courte et, pour paraphraser une célèbre parole de Nietzsche, sans la batterie, la vie serait une erreur !

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edito

Franck Camus Assistant Editor Rédacteur en chef adjoint drums etc.

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50 YEARS LATER, VIC IS STILL ALL ABOUT THE MUSIC.

When Vic Firth hand-whittled his first pair of sticks in his garage, he had no intention of starting a company. He just wanted sticks with a great feel and sound for his performances with the Boston Symphony Orchestra. But when word got out about his sticks’ superior quality, the Vic Firth Company was born.

Over the past 50 years, Vic’s passion, drive and constant pursuit of excellence have led to game-changing innovations in the industry, bringing the Vic Firth Company from the new brand in 1963 to #1 in the world.

Today, our focus and determination is the same as it was 50 years ago. To make a great product that feels better, sounds better and inspires you to play your best.

©2013 VIC FIRTH COMPANY

news

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The NAMM Show 2013 Motivation for All When your business is music, there is a fine line between good times and work. The NAMM Show (National Association of Music Merchants) this past January 24-27 in Anaheim, California, provided an effective platform with four days of new product debuts, networking and educational opportunities through live music and conversation among friends, old and new.

changing world-wide music industry and awareness of the fierce competition between manufacturers and distribution companies. The music industry is a wonderful one, but in todays world most music instrument companies are preaching to be more competitive and innovative if they want to maintain staying power in the years to come.

Drums Etc., represented by Ralph Angelillo, Aaron Edgar (our new Editor-in-Chief) and Jeff Knowles (who just joined our marketing team), witnessed the overall mood of the show: change, the need to be more aggressive in an ever-

Never has there been so many new companies representing the drumming world. Cymbal brands are multiplying, new drum kits are featuring new hardware and gear and percussion instruments are at an all-time high with this year’s obvious leader, the Peruvian Cajon!

A brand new giant outdoor stage was a nice addition to this year’s tradeshow. We had the privilege of seeing major acts, including Tower of Power with David Garibaldi, CTA (California Transit Authority) with Chicago drummer Danny Seraphine as well as musical legends from the Eagles, Black Sabbath, Fleetwood Mac and more. Special this year was the nomination of Stevie Wonder as mayor of the NAMM Show by president Joe Lamond.

It was also great to see some of our Canadian manufacturers, Ayotte Drums, Los Cabos Drumsticks, Dunnett Custom Drums, Headhunters, to name a few.

And even though rain was on the menu every day at this year’s show, it’s our common love for music that gave us the sun we needed.

Le salon NAMM 2013 de la motivation pour tous Lorsque votre gagne-pain est la musique, la ligne est fine entre le plaisir et le travail. Le salon NAMM (National Association of Music Merchants), qui a eu lieu du 24 au 27 janvier à Anaheim, en Californie, procure une plateforme efficace avec quatre journées de lancement de nouveaux produits, de réseautage et d’occasions éducatives par le biais de performances et de conversations entre amis, vieux et nouveaux.

Drums Etc., représenté par Ralph Angelillo, Aaron Edgar (notre nouveau rédacteur en chef) et Jeff Knowles (qui vient de se joindre à notre équipe de marketing), a pu témoigner de l’état général de l’industrie : le changement, le besoin d’être plus agressif dans une industrie musicale mondiale en mutation et bien consciente

de la compétition qui existe entre les fabricants et les distributeurs. L’industrie de la musique est merveilleuse, mais dans le monde d’aujourd’hui, la plupart des fabricants d’instruments penchent du côté d’une compétitivité et d’une innovation accrues s’ils veulent garantir leur présence dans les années à venir.

Il n’y a jamais eu autant de nouvelles entreprises oeuvrant dans le monde de la batterie. Les fabricants de cymbales se multiplient, les nouvelles batteries arborent une quincaillerie jamais vue, et les accessoires et les instruments de percussion semblent flotter sur un nuage avec le centre d’intérêt indéniable de ce début d’année, le cajon péruvien !

Une nouvelle scène géante captait l’attention des conférenciers à l’extérieur du centre de congrès. Nous avons eu le privilège d’y voir jouer des artistes majeurs comme Tower of Power, avec David Garibaldi, CTA (California Transit Authority) avec le batteur de Chicago Danny Seraphine, ainsi que des légendes issues des Eagles, Black Sabbath, Fleetwood Mac et d’autres. Notons que Stevie Wonder fut nommé maire du salon NAMM par son président, Joe Lamond.

Nous avons également eu beaucoup de plaisir à rencontrer plusieurs fabricants canadiens, comme Ayotte Drums, Los Cabos Drumsticks, Dunnett Custom Drums et Headhunters. Et même s’il a plu chaque jour, l’amour de la musique universel qu’on trouvait au salon nous offrait le soleil dont on avait besoin.

Vic Firth 50th Anniversary

50e anniversaire de Vic Firth

Drums Etc. congratulates the Vic Firth Company on its 50th anniversary of manufacturing drumsticks and mallets.

Over 50 years ago, Boston Symphony Orchestra timpanist Vic Firth hand-whittled his first pair of drumsticks without any intention of starting a company. His goal was to create sticks with a great feel and sound. Word got out about his quality sticks and the Vic Firth Company was born. Today, Vic says he still has as much fun with the business as when they made twelve pairs a month! “That’s largely attributable to the drummers, percussionists and teachers we deal with every day”, states Vic.

Drums Etc. félicite la Vic Firth Company pour ses 50 années de fabrication de baguettes et de mailloches. Il y a plus de 50 ans, le timbalier de l’orchestre symphonique de Boston, Vic Firth, a fabriqué sa première paire de baguettes sans même avoir l’intention de se lancer en affaires. Son objectif était de fabriquer des baguettes qui offraient une bonne sensation en main et qui produisaient une bonne sonorité. Le bouche-à-oreille à propos de ses excellentes baguettes a fait son travail et Vic Firth a fondé son entreprise.

Aujourd’hui, Vic Firth s’amuse autant que lorsqu’il ne fabriquait que douze paires par mois ! « C’est principalement à cause des batteurs, des percussionnistes et des enseignants que je côtoie chaque jour, » explique Vic.

Once again, congratulations to Vic Firth, the Vic Firth Company and their dynamic team.

Une fois de plus, nous tenons à féliciter Vic Firth, la Vic Firth Company et leur équipe dynamique. drums etc.

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cover story

en

couverture

Efa Etoroma Jr.

I hadn’t seen such a unique combination of fluid time, fine touch, graceful hands and feet, and quirky fills since sitting in Smalls, a New York City club, well over a decade ago, my table so close to Brian Blade’s kit I could have grabbed a stick out of his hand. Well Efa, like Blade, shares a kindred personality and ability to pick his spots—and pick his spaces. The tone is similarly rich and warm, sort of reminiscent of Elvin Jones yet with the snap of Roy Haynes, both, as I discovered during this interview, heavy influences. But there was something closer to home: Chris McCann. Few drummers can claim his deft touch on a ride cymbal.

It's reassuring that Efa Etoroma Jr, who has yet to celebrate his 25th birthday, is solid in his mandate to reflect Roy, Brian, and also Tony Williams. What wasn't immediately apparent was that Efa scoops up chunks of “hybrid” jazz drummers like Chris Dave, ?uestlove, Calvin Rodgers, and, you know it, Steve Jordan. That's a lot to bite off and swallow but Efa has clearly digested each of them. Efa can play 2 and 4 without sounding like a bop drummer, if you take my meaning, and swing eighths on the ride cymbal, too. Maybe it's also down to his dad, a guitarist, who filled the family residence with songs. Could have something to do with the fact that Sam Rivers, heritage American musician is a relative twice-removed.

I was further pleased, when interviewing Efa by phone, that he'd most often cite nondrummers and producers and their songs. High on the list are J Dilla, Flying Lotus, Mutemath, Little Dragon, Robert Glasper Experiment, and Snarky Puppy. Having caught the latter two live, I was struck by diversity—not some melting pot but a focused exploration of cuttingedge musicians responsible for the mix of urban styles, electronica, and jazz we enjoy today.

Efa's current projects similarly draw equally from past and present. Future performances at the time of our chat included appearances with Efa's self-named trio. The repertoire is flush with the above influences. Then there's a long term collaboration with Jeff Hendrick, which Efa depicts as neo-soul. In a similar vein, it gets retro with the Jerrold Dubyk Organ Trio, which nods to sixties jazz organ outfits but, as Efa puts it, is more “current-day and groovy in vibe”. In addition, he's readying his role with an Art Blakey tribute group. “It's pretty daunting,” Efa admits. For me, playing Art Blakey requires stamina, tons of energy, and a

Cela faisait plus de dix ans que je n’avais vu une combinaison aussi unique de finesse, de fluidité dans le rythme, de grâce dans les mains et les pieds et d’originalité dans les improvisations. La dernière fois, c’était à Smalls, un bar new-yorkais; j’étais assis à une table tellement proche de la batterie de Brian Blade que j’aurais pu attraper une de ses baguettes.

Efa a une personnalité semblable à celle de Blade et il a le même talent pour choisir les temps morts et les temps forts. Ils ont tous deux une sonorité riche et chaleureuse, mais Efa a quelque chose d’Elvin Jones, avec le dynamisme de Roy Haynes en plus. Ce n’est que plus tard dans l’entrevue que j’ai découvert que ces deux batteurs avaient été de grandes influences pour lui. Mais Efa a aussi quelque chose bien d’ici : la touche de Chris McCann. Peu de batteurs peuvent se targuer d’avoir sa touche aux cymbales.

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wide dynamic range. Then there's his press roll. To recreate that I've been experimenting with loosening my snare batter and snares... get that whoosh, crescendo roll.” The stamina also presses into service of the Creator when Efa plays contemporary gospel. “Here my Calvin Rodgers influence comes out. People think of me as a jazz drummer but recently I've become such that I'm 'playing life' as it comes, doing what I need to do day-to-day.

The flagship for Efa is Ruckus. I'll leave you to your own conclusions on this exciting pastiche of modern urban, pop, jazz, and funk. For me, Ruckus is where contemporary music is heading, or ought to head. The emphasis is far from the usual rap juxtaposed over vamps on the tonic. Attractive melodies jump to the fore, resting on a lush harmonic cushion, while the spoken word content addresses the current socio/political milieu with whit and an uncanny rapid fire delivery, which gets me thinking about Bilal and The Roots.

Efa Etoroma Jr. (the surname harkens back to Nigeria, although he's first-generation, born in western Canada) might tie up your tongue for a moment but the music flows like silver. Part of this might be attributable to his facility on piano. “I'm always practicing piano,” he says, “especially for the purpose of composition. A good knowledge of harmony helps me drumming because I can sense where the bridge will lay or when to open up...or get quiet.

It's important for drummers to learn song form.” In addition, Efa says, his early training in piano, wherein his teacher had him making up simple melodies, writing them out and adding accompaniment, served him well at McGill: “Early on, I was working on simple compositions, which I continue, maybe recording ideas, sometimes recording them on a phone. Learning to compose at university is a lot of pressure but I was at ease.

Diversity rules “I guess my listening to diverse styles,” Efa continues, “has helped me make connections with musicians. It was great at McGill because I got into a circle of musicians who were into a similar range of music from jazz to rock and hip-hop. It's helped me learn and it's helped me work more, too!” 

Il est rassurant de voir qu’Efa Etoroma Jr., qui n’a pas encore célébré ses 25 ans, est solide lorsqu’il est question de refléter les influences de Roy, Brian et même Tony Williams.

Ce n’est que plus tard que j’ai pu déceler les influences des batteurs jazz « hybrides » tels que Chris Dave, ?uestlove, Calvin Rodgers, et vous le devinez déjà; Steve Jordan. Ça vous semble beaucoup à avaler en même temps? Peut-être, mais Efa a clairement intégré chacun de ces styles. Il peut jouer en 2 et en 4 sans passer pour un batteur bop, si vous voyez ce que je veux dire, tout en jouant des croches sur la ride. Peut-être est-ce un peu à cause de son père, un guitariste qui emplissait le nid familial de chansons? Ou à cause de l’héritage du musicien américain Sam Rivers, un parent au troisième degré?

Young, acclaimed jazz drummer thinks wide

Un jeune batteur montant qui embrasse la diversité

I stumbled across a clip of Edmonton native Efa Etoroma Jr. backing jazz pianist Charles Trudel when researching an article. The venue was a Montreal club. Efa, who was then deep into studies at McGill University under the stewardship of my favorite Billy Higgins-style drummer Chris McCann was sending out ripples in the pool of jazz musicians—just as he’s doing today back in his hometown. All I can say at first blush is that I was smitten immediately—on the basis of one youtube clip!

En faisant de la recherche pour un article, je suis tombé sur un clip du batteur edmontonien Efa Etoroma Jr. qui accompagnait le pianiste jazz Charles Trudel dans une boîte montréalaise. À l’époque, Efa était encore aux études à l’université McGill, sous la tutelle de Chris McCann, mon batteur de style Billy Higgins préféré. Mais dans le milieu jazz, on parlait déjà d’Efa comme on parle de lui à l’heure actuelle dans le milieu musical d’Edmonton. Eh bien, tout ce que je peux dire, c’est qu’il ne m’a fallu qu’un seul clip sur youtube pour être conquis!

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McGill, I suggested, playing devil's advocate, is no longer the “old boys', old school institution” I'd have imagined.

“No it isn't,” Efa responds. “All the teachers in the jazz program were super-open, really cutting edge music like Christine Jensen, Remy Balduc, who is pushing the limits. McGill is transforming from a be-bop school. Sure, you get that in first year because it provides the historic foundation and structure but after that you learn amazing trends in odd times, composition. It's very hip.”

Tradition rules...and maybe a complement of electronics Ostensibly, Efa's drumset reflects the jazz tradition. It's a Yamaha Maple Custom, the thicker shells fostering a rich bop tone without choking, in a kick, snare, two toms configuration. And the cymbals, Turkish-made by Istanbul Agop in the traditional manner, are large-diameter items that work as rides and crashes. They provide the range of jazz timbres he summons with sticks and brushes. For other-worldly tones, Efa feels free to place just about any loose spring, chain, bell, or tambourine atop his Agops and work new ground.

“A lot of my approach is Chris McCann's influence,” Efa admits. “Chris talked to me about cymbal touch. If you hit a cymbal too hard it sounds like crap. Too light and, unless it's a great cymbal like the Istanbuls, you'll only get a hint of tone. I'm always trying to find that sweet spot, that dynamic range, which is why everything you've heard me play has been recorded using Agop cymbals.”

A search for a bigger catalog of sounds has led to Efa getting a Yamaha endorsement.

As we spoke he was anxiously awaiting the door bell. The Yamaha electronic self-contained unit that's about to arrive is the DTX Multi-12. It'll track finger tips, finger nails, and sticks with the same ease and the samples, editing, and timbres are remarkable.

“I find the Yamaha DTX Multi-12 better than competing pads,” Efa explains. “The pads are more sensitive and they're made of a softer material that don't destroy my hands. I don't have to smack them like some other pads.”

Efa strives to get ahead Somewhat atypically, he uses Evans G2 coated heads—double-ply batters—not for durability but for the thicker tone. And they don't limit his tuning range. Similarly his bass drum usually gets an Evans EQ3. As usual, he's experimenting and might employ a black resonant head on the audience side...or, in future, perhaps no front head.

Efa's website furnishes ample illustrations of how, especially with Ruckus, he's going to be sitting pretty combining electronics and acoustics, sometimes devising beats on pads live or in the studio, to which he will, “put them through Logic (software) and then, like J Dilla, introduce a loping, human feel.”

Make it fast, make it right...or good?

“Chris McCann helped me get a perspective on my focus on mistakes and perfection.

He explained that if I was going to push myself in music, I was gonna make mistakes! He also suggested that maybe too many chops is not always good just like too little. The right amount will make everything beautiful. Chris taught me to pay attention to every little detail of my playing. It's a distinction that's subtle and powerful.”

You can see that Efa Etoroma Jr. is pointing beyond Edmonton. He reckons New York City would be perfect. I agree but point out the stiff competition. ”It's not a detriment with all these musicians gravitating there,” he says. “It increases my chances of meeting like-minded musicians in various genres.”

NYC or LA would offer the chance of studio work. Efa concludes the interview with this note of hope: “I'd like to get a gig on a show like Jay Leno or American Idol,” he says. “It's been a springboard for many drummers' careers. After doing a show like that...” “...you buy a house,” I interject.

Efa laughs, “Exactly! It means you make enough money to finance your career!”

And, pardon the pun, if that happens, he'll make a real Ruckus.  12

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Je fus encore plus enchanté lorsque j’ai interviewé Efa par téléphone et qu’il m’a cité des chansons de non-batteurs et de producteurs. Tout en haut de sa liste figuraient J Dilla, Flying Lotus, Mutemath, Little Dragon, Robert Glasper Experiment et Snarky Puppy. Pour avoir vu ces deux derniers en spectacle, je fus étonné par la diversité des styles, puis je me suis rendu compte que ce n’était pas un simple melting-pot, mais plutôt une exploration concentrée de musiciens au sommet de leur art et responsables pour les mélanges de genres tels que le style urbain, l’electronica et le jazz tel qu’on le connaît aujourd’hui.

Les projets actuels d’Efa s’inspirent également du passé et du présent. Au moment de notre entrevue, il s’apprêtait à faire quelques spectacles avec son trio homonyme mettant de l’avant un répertoire fidèle aux influences citées ci-haut. Il mentionnait aussi une collaboration de longue date avec Jeff Hendrick, qu’il qualifie de néo-soul. Puis le tout vire au rétro avec le Jerrold Dubyk Organ Trio, faisant un clin d’oeil aux organistes jazz mais avec, comme Efa le spécifie, « une vibe plus moderne et groovy ». Il préparait aussi un hommage à Art Blakey. « C’est assez intimidant, » admet Efa. Pour moi, jouer du Art Blakey nécessite de la vigueur, des tonnes d’énergie et un grand registre de dynamiques. Puis il y a son fameux press roll. Pour recréer ce roulement tout en whoosh et en crescendo, j’ai dû changer mes caisses claires et mes peaux. » Cette même vigueur reprend du service lorsqu’Efa joue du gospel contemporain. « C’est là que l’influence de Calvin Rodgers se manifeste. Les gens me voient comme un batteur jazz, mais récemment je fais avec ce que la vie me propose, m’adaptant au goût du jour.

Le point phare pour Efa, c’est Ruckus. Je vous laisse tirer vos propres conclusions sur cet excitant pastiche d’urbain, de pop, de jazz et de funk moderne. Pour ma part, Ruckus est là où s’en va la musique contemporaine ou du moins, où elle devrait s’en aller. L’accent est loin d’être sur le rap qu’on connaît, serti d’accompagnements improvisés sur les toniques.

Des mélodies séduisantes sautent à l’avant-plan, s’appuyant sur un luxueux coussin d’harmonies tandis que le spoken word aborde le milieu sociopolitique actuel avec un débit peu commun qui fait penser à Bilal and The Roots.

Il se peut que vous trébuchiez sur son nom d’origine nigérienne (même s’il est canadien de première génération), mais sa musique est d’une limpidité hors pair. Peut-être est-ce en partie parce qu’il a une facilité avec le piano. “Je répète souvent au piano,” précise-t-il, “surtout lorsque je compose. Une bonne connaissance des harmonies aide à la batterie parce qu’on peut deviner quand vient le pont ou quand il faut se démarquer ou se taire.

C’est important pour les batteurs de connaître la structure d’une chanson.” Il précise que les cours de piano qu’il a suivis quand il était jeune lui a bien servi à McGill. Dès un jeune âge, on lui demandait d’inventer de simples mélodies, de les écrire et de trouver les accompagnements. “Très tôt, j’ai travaillé sur de simples compositions, ce que je fais encore en enregistrant mes idées sur mon téléphone. Du coup c’était moins impressionnant de composer à l’université.”

Vive la diversité! “Écouter divers styles de musique m’a permis de tisser des liens avec des musiciens,” affirme Efa. “À McGill, c’était génial parce que j’ai pu me joindre à un cercle de musiciens qui appréciaient le même répertoire que moi, allant du jazz au rock et au hip-hop. Ça m’a aussi beaucoup aidé dans mon apprentissage et dans mon travail!”

“Ce qui veut dire que McGill n’est plus l’institution old school qu’elle était?” lui suggéraisje, en jouant l’avocat du diable.

“Loin de là,” répondit Efa. “Des profs super ouverts, comme Christine Jensen et Remy Balduc, enseignent le programme jazz et s’intéressent à toutes sortes de musique, en repoussant toujours les limites. McGill n’est plus une école de be-bop. Bien sûr, on enseigne encore le be-bop la première année parce que ça établit les fondations historiques et la structure, mais après, tu apprends tout ce qui se fait de plus inventif en odd times et en composition. C’est très actuel.”

Et vive la tradition! (lorsqu’on la complète avec l’électronique) Apparemment, la batterie d’Efa reflète la tradition jazz. C’est une Yamaha Custom en érable, ses fûts épais donnant une riche tonalité de bop sans étouffer le son, le tout dans une configuration grosse caisse, caisse claire, deux toms. Et les cymbales, fabriquées de manière traditionnelle en Turquie par Istanbul Agop, ont un large diamètre et font office de ride et de crash. Il en obtient toute une gamme de timbres jazz avec ses baguettes et

ses balais. Pour les tonalités venues d’ailleurs, Efa ne se gêne pas pour placer à peu près n’importe quels ressort, chaîne, cloche ou tambourin par-dessus ses Agops afin de créer de nouveaux sons.

“Une grande partie de mon approche vient de l’influence de Chris McCann,” admet Efa. “Chris me parlait de la touche à la cymbale. Si tu frappes la cymbale trop fort, ça ne sonne pas bien. Si tu es trop doux, à moins d’avoir des cymbales exceptionnelles comme les Istanbul, tu n’obtiens que l’ombre d’un son. J’essaie toujours de trouver le point sensible, les limites de variation dynamique, ce qui explique pourquoi tout ce que vous avez entendu de moi a été enregistré en utilisant les cymbales Agop.”

En cherchant à élargir sa palette sonore, Efa a obtenu une commandite de Yamaha.

Au moment de l’entrevue, il attendait impatiemment la livraison de sa nouvelle batterie digitale de Yamaha : la DTX Multi-12. Elle capte autant le bout des doigts, les ongles que les baguettes et les échantillons, le montage et les timbres sont exceptionnels.

“Je trouve la DTX Multi-12 de Yamaha meilleure que les autres batteries digitales,” explique Efa. “Les pads sont plus sensibles et leur texture, plus douce, ne détruit pas les mains. Et je n’ai pas à taper aussi fort que sur d’autres pads.”

La musique dans la peau Fait inhabituel, Efa utilise des peaux G2 sablées à doubles-plis d’Evans, pas tant pour la durabilité que pour la tonalité plus dense. Et elles ne le limitent pas dans l’accordage.

Pour les mêmes raisons, il utilise habituellement les EQ3 d’Evans pour la grosse caisse. Mais comme il aime expérimenter, il lui arrive aussi d’utiliser une peau noire résonante à l’avant ou pas de peau du tout.

Le site internet d’Efa contient plusieurs exemples de la façon dont il combine l’électronique avec l’acoustique (surtout avec Ruckus), en inventant des rythmes (en direct ou en studio) sur ses pads et en les faisant ensuite passer par le logiciel Logic afin de leur ajouter, comme J Dilla, une couleur plus humaine. » Aller droit au but « Chris McCann m’a donné plus de perspective par rapport à mes erreurs et à mon perfectionnisme. Il m’a expliqué que je devais nécessairement faire des erreurs si je voulais pousser mes limites en musique! Il m’a aussi enseigné qu’il n’est pas toujours bon d’en faire trop, ou pas assez. La bonne dose au bon moment rend tout magnifique. Chris m’a montré à prêter attention à chaque petit détail de mon jeu. La différence est subtile, mais si puissante! » Il est évident qu’Efa Etoroma Jr. quittera un jour Edmonton. Il se voit à New York. Je suis d’accord avec lui, mais je lui rappelle que la compétition y est féroce. « Ce n’est pas un handicap puisqu’il y a tellement de musiciens qui gravitent autour de cette ville, » dit-il. « Ça augmente mes chances de rencontrer des gens qui ont les mêmes affinités que moi et qui apprécient différents genres. » À New York ou Los Angeles, les chances de trouver du travail en studio sont bonnes.

Efa conclut l’entrevue sur ce vœu : « J’aimerais bien décrocher un contrat pour un show comme Jay Leno ou American Idol, » conclut-il. « Ces émissions ont été un tremplin pour de nombreux batteurs. Après avoir participé à un truc comme ça... » « ...tu achètes une maison, » lui dis-je.

Efa éclate de rire : « Exactement! Et ça veut dire que tu fais assez d’argent pour financer ta carrière! » Si ça lui arrive, je suis certain qu’on entendra parler de lui!  www.efajrmusic.com By/Par: T Bruce Wittet Traduction: Geneviève Hébert Photos: Rachel J Photography Inc (racheljphotography.com) drums etc.

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The L’

art

of listening d’écouter

A lot of musicians don’t have absolute pitch and while it doesn’t prevent them from becoming excellent musicians, those that do have an edge, both in playing their instrument and being precise. It is therefore important for any drummer wanting to play in a band to develop a good ear and precision in relation with the tempo. 

Beaucoup de musiciens ne possèdent pas une oreille absolue et ça ne les empêche pas d’être d’excellents musiciens, mais il est évident que celui qui possède une bonne oreille part avec une longueur d’avance tant au niveau du jeu que de la précision. Il est donc important pour tout batteur voulant jouer dans un band de développer une oreille et une sensibilité précise par apport aux tempos. 

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drums etc.

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“It‘s the best of vintage meets modern innovation and to play it is my dream come true.”

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Sonor DrumS are DiStributeD in CanaDa exCluSively by CoaSt muSiC · a DiviSion of Jam inDuStrieS ltD. (514)-457-2555 www.SonorCanaDa.Com · email: SonorDrumS@CoaStmuSiC.Com

In my previous article, I wrote that it wasn’t just a question of technique, and that if some drummers cannot remain in tempo when they play fills, it is because they have not well assimilated time divisions. In this case, a metronome is an essential tool. But what else?

Yes, listening to CDs and playing to your favourite tunes is an excellent option. It’s pretty much what we’ve all done, and still do. When I recorded my second album, I decided to assist the sound engineer during the mixing and mastering stages. I wanted to know about all the little secrets. The album had been written over a long period of time and had been through a good preproduction process, which, among other things, had helped define the click tracks. This has several advantages. The engineer already knew the album inside out when we entered the studio; he had become the 6th member of the band. The click tracks in place, there were no more doubts about speed.

Simply put, all the usually unanswered questions were put to rest. During the mixing phase, I expected I would be directing the engineer, but it wasn’t so… Instead, I was surprised to find out that my hearing capacity wasn’t as good as his (in particular during the re-amping of the guitars), in terms of understanding all the frequency subtleties. The whole thing turned out to be a good learning experience as it widened my hearing field. For instance, after some frequency analysis, I noticed that I did not hear the exact same thing as my engineer. A particular frequency bothered him, a frequency I couldn’t even detect.

He isolated it so we could better hear it. And that’s when I understood exactly what he was talking about. I then asked myself how I could improve my hearing so I could hear the stuff I previously couldn’t. We went through the exercise several times so I could develop more active listening capabilities.

This rewarding experience showed me that I still had much to assimilate with regards to the subtleties of listening. I began rethinking the way I listened to music and rhythm, and my perception of them. It seems like a simple challenge, but still, what do you listen to in a mix that will make you become more precise as a musician? Though the question is simple, the answer is quite the opposite, as there are so many parameters to take into account.

As a drummer, when I listen to an album I don’t know, I first try to listen to – and feel – the primary pulse (which is often quarter notes). Then, I determine whether the rhythm is divisive or additive. I then concentrate on subdivisions (eighth-notes, sixteenth-notes, etc.). Once all that is in order, I separate, in my mind, the drum track from the guitar tracks.

At this stage, I imagine what I would play if I were the drummer. It isn’t easy to separate oneself from the tracks you are listening to, but it gives a boost to your creativity.

If, as a drummer, you are used to playing covers, it is a position you find yourself in, because it is always interesting to ask yourself whether you play the song as it was recorded, or you add a personal touch. For some, this comes naturally, but for others, it isn’t an easy task. It’s always a good idea to start with easy songs. I’m not sure starting with Zappa’s “Black Page” is wise, but the more you do this kind of work, the more you’ll develop a precise ear, which will eventually enable you to learn virtually any kind of song. 

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drums etc.

Dans mon article précédent, j’écrivais que tout n’était pas qu’une question de technique et que si certains batteurs sortent du temps lors de leurs passes, c’est parce qu’ils n’ont pas assimilé adéquatement les divisions du temps. Évidemment dans ce, cas le métronome s’avère un outil indispensable. Quoi d’autre à votre avis? Oui, effectivement, écouter des Cd et jouer par-dessus est une excellente option; c’est plus ou moins ce que nous avons tous fait et que nous faisons encore. Lors de l’enregistrement de mon 2e album, j’ai décidé d’assister l’ingénieur du son pour le mixage et le mastering. Je voulais en apprendre plus sur tous ces petits secrets. L’album avait été écrit sur une bonne marge de temps et avait bénéficié d’une bonne préproduction qui avait servi entre autres à définir les clics. Plusieurs avantages à cela : l’ingénieur connaissait déjà l’album comme le fond de sa poche au moment de rentrer en studio; il était devenu le 6e membre du groupe. Les séquences de clic étant en place, il n’y avait plus d’interrogations au sujet de la vitesse.

Bref, toutes les questions sans réponse que l’on rencontre d’habitude ont été évacuées.

Lors de la phase du mixage, je m’attendais à donner des directions à l’ingénieur, rien de plus… À ma surprise, j’ai constaté que mon oreille n’était pas aussi bonne que la sienne (lors du re-amping des guitares), en terme de compréhension de toutes les petites subtilités au niveau des fréquences. Cela m’a permis d’apprendre et d’ouvrir mon champ d’écoute.

Après l’analyse de certaines fréquences, par exemple, je me suis aperçu que je n’entendais pas tout à fait la même chose que mon ingénieur. Il y avait une fréquence qui le gênait alors que moi je ne la percevais pas. Afin de mieux l’entendre, on l’a isolé. De ce fait, j’ai pu comprendre exactement de quoi il me parlait. Je me suis alors posé la question à savoir comment je pouvais améliorer mon oreille afin de percevoir des choses que je n’entendais pas avant. On a donc recommencé l’exercice plusieurs fois et de cette façon, j’ai vraiment pu développer une écoute beaucoup plus active.

J’avais compris par le biais de cette expérience enrichissante que j’avais encore du progrès à faire en terme de subtilité d’écoute. Je me suis donc mis à repenser ma façon d’écouter et de percevoir la musique et les rythmes qui y sont associés. Le défi parait simple, mais la question demeure : quoi écouter dans un mix pour devenir plus précis en tant que musicien? Si la question est simple, la réponse est complexe, car cela dépend de nombreux paramètres.

En tant que batteur, quand j’écoute un disque que je ne connais pas, je cherche d’abord à écouter et à ressentir la pulsation primaire (souvent la noire). Dans un deuxième temps, je tente de déterminer s’il s’agit d’une mesure binaire ou ternaire. Je porte ensuite mon attention sur les subdivisions (croches, doubles croches, etc.). Une fois que tout cela est en ordre, je sépare dans mon écoute la partition de batterie des pistes de guitares. Rendu a ce stade, j’imagine ce que je jouerais moi-même à la place du batteur; ce n’est pas évident de s’éloigner des pistes qu’on écoute, mais cela donne un bon levier de créativité.

Si vous êtes déjà un batteur habitué à faire des reprises, vous vous trouvez dans cette position, car il est toujours intéressant de se demander si l’on rejoue le morceau tel qu’il a été conçu ou bien on y met une touche personnelle. Pour certains, cela vient naturellement; pour les autres, ce n’est pas évident. Il vaut donc mieux commencer par des morceaux faciles. Je ne suis pas sur que commencer avec « the Black Page » de Franck Zappa est une bonne chose, mais plus vous ferez ce travail plus vous développerez une oreille précise qui vous permettra de reprendre n’importe quel type de morceaux après quelque temps. 

In a live setting, listening is essential, and when you cannot hear anything, it’s hard to sound good. Everyone has their own little fixes, but, depending on the style, it is preferable not to overload a mix, which can be disastrous if the PA system is mediocre to begin with.

For example, when I see that the stage monitors have 12-inch speakers, I limit the amount of bass or else I can’t hear anything else. But if the monitors have 15-inch speakers, then I crank everything up!

One of the good solutions is to manage your own mix with your own mixer and a good pair of in-ear headphones, the ones that take the shape of your inner ear, which eliminate all unwanted ambient noises. The other advantage is that you can change anything in your mix at your convenience since your mixer is at arm’s length. It’s an advantage whether you want to hear yourself, or the singer whose voice is lost in a bad general mix. In the end, this can contribute to lowering your stress level and be more relaxed, in turn boosting your confidence. You’ll find it easier to perform, and you’ll make the most of it.

Looking at these examples, we can see that listening requires a lot of work, and that no one is equal because some have an excellent ear. But it can be improved. As a kid, I remember that during my music theory lessons, I hated solfeggio, because I couldn’t always determine every note by ear. I had to work much harder than the average student. Today, the notions I learned as a kid serve me well in my work with rhythm, and I am grateful my teachers insisted so much!  My new email address is franck@drumsetc.ca

En spectacle, l’écoute est évidemment très importante et lorsqu’on ne s’entend pas, il est bien difficile de sonner comme il faut. Chacun a ses petits trucs et cela dépend du style, mais en général il est préférable de ne pas surcharger un mix qui, tout dépendant de l’état de la sono, peut s’avérer désastreux. Par exemple, lorsque je vois que les moniteurs de scène ont des haut-parleurs de 12 pouces, je ne surcharge jamais avec trop de basse car cela enterre complètement le reste. Par contre si les moniteurs font 15 pouces de diamètres alors je me fais plaisir et on envoie les décibels.

L’une des bonnes solutions consiste à gérer son propre mix avec son mixeur et une bonne paire d’écouteurs intra-auriculaires, ces fameux écouteurs qui se moulent à vos oreilles et qui sont très efficaces, éliminant tous les bruits ambiants non désirables. L’autre avantage est que vous avez votre mix à portée de main, ce qui vous permet de plus facilement rétablir ou modifier le son à votre convenance. C’est un avantage indéniable soit pour vous entendre ou pour entendre le chanteur qui se débat au travers d’un mauvais mix.

Tout cela permet de diminuer le niveau de stress, d’être moins crispé et donc d’être plus en confiance. Le show est donc plus facile et vous en profitez pleinement. À travers ces multiples exemples, on voit que l’écoute demande une bonne part de travail et que tout le monde n’est pas égal, car certains ont une excellente oreille. Mais cela se travaille aussi. Quand j’étais petit, je me souviens que, lors de mes études de solfège, les dictées musicales étaient un vrai calvaire, car je n’arrivais pas toujours à déterminer les notes tout simplement en les entendant. Il a fallu que je sois plus discipliné que la moyenne… Aujourd’hui j’applique tout ce savoir sur le rythme et je suis reconnaissant du fait que mes professeurs aient été aussi insistants sur ce sujet.  Ma nouvelle adresse de courriel est franck@drumsetc.ca By/Par: Franck Camus Traduction: Jim Angelillo

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By/Par: T. Bruce Wittet | Traduction: Jim Angelillo

The Return of Ayotte... to Quebec

This time for good!

Everything seemed on the ups when Ayotte Drums moved to Quebec from Vancouver.

Things began popping when Jean-Denis Beaudoin seized the reins. Now word is spreading that Ayotte drums have finally found their match in a passionate drummer, drum maker, and marketer.

If more proof is needed: Last March, JD hired Paul Frederick, no stranger to these pages for his tireless work in the drum industry. If you commit to a partner at this level of excellence, you've demonstrated you want to craft and market excellent drums—real Ayotte drums, not pale imitations. Yes, with finely lacquered North American maple shells (okay, metal flake if you wish!) and at an affordable price point. I spoke to Jean-Denis and Paul at the Montreal Drum Fest Ayotte booth.

“To do all this,” says Jean-Denis, “we've made production more modern and simplified certain aspects without sacrificing the quality Ray established. We own the original tools and specs. We've got modern ones, too, to enable us to adhere strictly to Ayotte specs— the 45-degree bearing edges, the snare beds, and so on. I feel that in many respects our drums are better than the originals. Our bass drum hoop claws, for example, are thicker and

made here in Quebec, not Taiwan. Once we've established ourselves through dealers on the market, we'll introduce our own designs.”

One of these is already a welcome feature: proportionate lugs—regular Ayotte lugs in various sizes, small ones for small toms, large ones for...well, you know. Original Ayottes were one-size-fits-all.

Job one is shipping meticulously-made drums to the drum shops at friendly prices.

And ensuring that drummers will receive their Ayotte kits before they go bald. JeanDenis and Paul have already made inroads generating assurance that drummers will be receiving original smooth Ayotte strainers and lugs. And the legendary pig-heavy 3mm rolled stainless steel shell snare drums. Drummers can go check them online. But to buy them, they'll have to go to a bricks-and-mortar outlet—a store. Stores are the lifeline and, as Denis puts it, they create a network of interest.

I'm not going to give him a phone call but I have a feeling Ray Ayotte would approve of the business ethics, drum savvy, and quality that's bearing his name.

Le retour d’Ayotte... au Québec

Cette fois, c’est pour de bon!

Tout semblait très positif quand Ayotte Drums est parti de Vancouver pour s’installer au Québec. Les choses se sont mises à bouger dès que Jean-Denis Beaudoin a saisi les rênes, et il semble de plus en plus évident que les batteries Ayotte ont enfin trouvé ce qu’il leur fallait : un batteur, un fabricant de batteries et un spécialiste du marketing passionné.

Si vous voulez une preuve supplémentaire, au mois de mars dernier, Jean-Denis a engagé Paul Frederick, véritable vétéran de l’industrie de la batterie dont on a vu le nom plus d’une fois dans ces pages. Si vous vous engagez auprès d’un partenaire de ce niveau, vous démontrez que vous voulez fabriquer et vendre d’excellentes batteries, de vrais tambours Ayotte; ce ne sont pas de vulgaires imitations. Oui, les fûts sont faits d’érable nord-américain laqué avec soin (ou bien un fini « metal flake », si vous le voulez!) et affichent un prix fort raisonnable. J’ai eu l’occasion de parler avec Jean-Denis et Paul à leur kiosque au Drum Fest de Montréal. « Pour accomplir tout ça, » explique Jean-Denis, « nous avons modernisé la production et en avons simplifié certains aspects sans pour autant sacrifier la qualité établie par Ray. Nous possédons les outils et les plans originaux. Mais nous en avons des modernes aussi, ce qui nous permet d’être fidèles aux caractéristiques des tambours Ayotte, comme les bordures de fûts de 45 degrés et les surfaces de support des cordes de timbre. Je crois qu’à plusieurs égards, nos tambours sont meilleurs que les originaux. Nos crochets pour les anneaux de grosse caisse, par exemple, sont plus épais et sont fabriqués ici au Québec, pas

à Taiwan. Lorsque nous aurons établi la marque chez les détaillants, nous commencerons à offrir nos propres innovations. » L’une d’elles est déjà utilisée : les attaches proportionnelles. Ce sont en fait les attaches Ayotte normales, mais en formats différents, soit petites pour les petits toms, grandes pour les… vous comprenez. Bonne idée. Les attaches Ayotte originales n’étaient faites qu’en un format pour tous les tambours.

L’idée de base est de fournir des tambours fabriqués avec soin aux boutiques de batteries à des prix raisonnables. Et il s’agit de faire en sorte que les batteurs reçoivent leurs batteries avant que leu tête ne tourne au blanc! Jean-Denis et Paul ont fait les démarches nécessaires pour assurer que les batteurs pourront avoir le tendeur de timbre original et les attaches originales Ayotte… et les fûts légendaires d’acier inoxydable laminé de 3mm d’épaisseur. Les batteurs pourront aller voir toute la gamme de produits sur le Web. Mais ils ne pourront les acheter qu’en boutique. Ce sont les boutiques qui alimentent la flamme et, comme l’explique Jean-Denis, elles créent un réseau d’intérêt.

Je ne l’appellerai pas, mais j’ai l’impression que Ray Ayotte approuverait l’éthique commerciale, la passion pour la batterie et la qualité épousées par cette nouvelle incarnation de l’entreprise qui porte son nom. drums etc.

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Drumming Demystified Part 1 I am a drummer. I play jazz, pop, rock and everything else that I enjoy. I’m not pretending to know everything about jazz drumming, but I’ve played a lot of different styles over the years and, in doing so, have experienced how nonjazz drummers could possibly be mystified with playing jazz. As with all styles of music, jazz is a language that needs to be studied, practiced and put to use regularly in order to communicate it properly. There are, however, some basic ideas and approaches that will quickly enable you to feel how jazz is played on the drums.

First, let’s make sure we know what jazz drumming is not. It’s not about getting on stage and playing whatever you want. It’s not about copying cool rhythmic phrases from other players on stage to make it seem as if you’re really listening (please God, never do this). It’s not about playing so vague and spacey that nobody knows where beat 1 is. Jazz drumming is about playing time and making the music feel good. Kind of like every other style of drumming. There, demystification complete. Not quite.

We all know that most popular music is played from the bottom-up. The bass drum is the strongest voice and foundation of the groove. Next come the snare, the hats, and everything else after that is for dynamic contrasts and texture changes. When playing pop, rock or backbeat type music, the kick, snare and hats have to be strong. Bottom-up.

Top-down. That’s what jazz is on the drums. The cymbal is where the time and feel come from. I’ve played many gigs with a cymbal and snare, and most listeners can’t tell if anything is missing. Why? Because nothing IS missing. Everything you need is right there.

All you have to do is check out New York drummer Leon Parker to confirm this. Well, not really. He does use a bass drum once in a while. But, if something is going to be strong it better not be the bass drum otherwise you’ll kill any kind of spark in the music and make it feel extremely heavy. This is what I think of when trying to keep things light and lively.

Most non-jazz drummers tend to accent 2 and 4 like crazy when they try to swing. This isn’t a bad thing, but the quarter notes are really what push the music along with the bass.

I do a lot of playing with just strong quarters on the cymbal, letting the hats take care of 2 and 4. Once you get that cymbal dancing (dang, dang, dang, dang), then you can add the

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drums etc.

classic jazz pattern. But remember, the quarters have to come out! This is something that should be practiced with the cymbal alone, very slowly.

Now, once you have the cymbal swinging, this is what the band is going to be latching on to. You have to find an instrument that really speaks to the band and the music. Not too pingy, not too washy. If you start playing strong cymbal time on your super heavy rock ride that sounds like an anvil in a machine shop, you might as well be rocking out on the bass drum as well. The cymbal you’re looking for should have a nice woody stick sound with a complementary wash behind it. Think of a walking upright bass. It doesn’t go ting, ting, ting. It goes tooo, tooo, tooo. But, every note always starts off with a nice point. That’s what you’re aiming for in your cymbal sound and playing. Most cymbal companies today make great sounding instruments for jazz. Dream’s Bliss line fits the above parameters perfectly, so you no longer have to wait for that ‘60’s K to miraculously show up in somebody’s garage sale to sound great.

These are some ideas on what it feels like to play jazz on the drums. Part 2 will examine concepts to develop your jazz vocabulary and compliment other players on stage. Remember, keep it strong on the top, light on the bottom, and before you know it people will start wondering what kind of music you used to play before you became a jazz drummer.  Rich Irwin has worked with Nikki Yanofsky, Vic Vogel, Remi Bolduc, Jean-Pierre Zanella, and many others.

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Le démystifié à la batterie 1re partie Je suis un batteur. Je joue du jazz, de la pop, du rock et de tout ce que j’aime. Je ne prétends pas tout connaître du jazz à la batterie, mais j’ai joué plusieurs styles à travers les années et ce faisant, j’ai pu voir de nombreux batteurs être mystifiés par le jazz. Comme pour tous les styles de musique, le jazz est un langage qu’il faut étudier, répéter et mettre en pratique régulièrement afin de bien le rendre. Il existe toutefois des idées de base et des types d’approches qui peuvent vous aider à saisir rapidement l’essence du jazz à la batterie.

Tout d’abord, entendons-nous sur ce que le jazz à la batterie n’est pas. Ce n’est pas de monter sur scène et de jouer n’importe quoi. Ce n’est pas de copier les phrases rythmiques des autres musiciens pour leur montrer que vous les écoutez vraiment (svp, vous abstenir!).

Ce n’est pas non plus de jouer de façon tellement vague et planante que personne ne sait où commence le rythme. Le jazz à la batterie se résume à marquer le temps et à donner du cœur à la musique. Un peu comme avec les autres styles de musique. Vous voilà démystifiés? Pas encore tout à fait.

un beau son de baguette de bois laissant derrière elle un doux sillage musical. Vous pouvez aussi imaginer une contrebasse qui marche. Elle ne ferait pas ting, ting, ting, mais plutôt tooo, tooo, tooo. Chaque note doit commencer par une jolie pointe. C’est ce que vous devez rechercher dans le son de votre cymbale et de votre jeu. La plupart des fabricants de cymbales créent des instruments de jazz au son extraordinaire. La série Dream’s Bliss remplit parfaitement les paramètres cités plus haut, alors inutile d’attendre de tomber miraculeusement sur une cymbale K des années 60 dans une vente-débarras.

Nous savons tous que la musique populaire est souvent jouée « de bas en haut ». La grosse caisse, la voix la plus forte, établit les fondations pour le groove. Viennent ensuite la caisse claire et la Charleston. Tout le reste ne fait qu’amener contrastes et textures dans les dynamiques. Lorsque vous jouez de la pop, du rock ou tout type de musique en backbeat, la grosse caisse, la caisse claire et la Charleston doivent se démarquer. De bas en haut.

Voilà quelques idées sur ce à quoi doit ressembler le jazz à la batterie. La 2e partie de cet article examinera les méthodes pour développer votre vocabulaire jazz et pour agrémenter le jeu des autres musiciens sur scène. Souvenez-vous de garder un temps fort dans le haut et d’y aller léger dans le bas. En un rien de temps, les gens commenceront à se demander quel style de musique que vous jouiez avant de devenir un batteur jazz. 

Maintenant, de haut en bas. Voilà ce qu’est le jazz à la batterie. La cymbale établit le temps et le feel. J’ai fait plusieurs contrats avec seulement une cymbale et une caisse claire sans que personne ne cherche le chaînon manquant. Pourquoi? Parce qu’il ne manque rien.

Tout est là. Vous n’avez qu’à regarder le batteur new-yorkais Leon Parker. Bon, il arrive parfois qu’il utilise une grosse caisse. Mais si un instrument doit ressortir, ce ne sera pas la grosse caisse, au risque d’éteindre la flamme de la musique et de l’alourdir. Voilà un truc pour donner à la musique légèreté et entrain.

Rich Irwin a travaillé avec Nikki Yanofsky, Vic Vogel, Rémi Bolduc, Jean-Pierre Zanella et plusieurs autres.

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La plupart des batteurs qui ne jouent pas de jazz ont tendance à accentuer les 2e et 4e temps quand ils essaient de donner du swing. Ce n’est pas mauvais en soi, mais les noires sont les notes qui amènent la musique vers l’avant en même temps que la basse. Je joue souvent avec des noires accentuées sur la cymbale, en laissant la Charleston faire le travail sur les 2e et 4e temps.

Prise de son • Enregistrement • Mixage • Sonorisation Une fois que la cymbale donne le pas (dang, dang, dang, dang), vous pouvez y ajouter un pattern de jazz classique.

Mais rappelez-vous que les noires doivent ressortir! Vous pouvez répéter ceci uniquement avec la cymbale, très lentement.

Studio multipiste

By/Par: Rich Irwin Traduction: Geneviève Hébert

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Postproduction audio film et télévision

Enregistrement du son et sonorisation

Une fois que vous avez établi le swing à la cymbale, le reste des musiciens devraient s’y atteler. Il est important de trouver une cymbale qui parlera vraiment au reste du groupe et à la musique, avec un son pas trop métallique ni trop diluée. Si vous jouez un temps fort sur votre cymbale ride super heavy rock qui sonne comme une enclume dans un atelier de machinerie, autant vous défouler sur la grosse caisse. Le type de cymbale que vous cherchez devrait avoir

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La session d’hiver débute le 4 février 2013 La session de printemps débute le 27 mai 2013 Program also offered in English

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formation collégiale depuis 1979 drums etc.

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An Introduction Lire la musique : to Reading Music une introduction I know what you’re thinking: “I don’t need this! Reading music is boring!” The thing is, being proficient at reading music will allow you to learn faster. Also, as a professional, you’ll be able to pick up gigs with short notice by knowing how to read charts. But we’ll get more into that another time.

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drums etc.

Je sais, je sais. Vous êtes en train de vous dire : « Je n’ai pas besoin de ça! Lire la musique c’est ennuyeux! » En fait, savoir lire la musique permet d’apprendre plus vite. En tant que musicien professionnel, savoir déchiffrer des partitions vous permettra également d’accepter des contrats de dernière minute. Mais je vous parlerai des avantages de lire la musique dans un prochain article.

Let’s get started with an overview of what the notes on the staff represent.

Figure 1: A) Hi-hat played with your foot. B) Bass drum. C) Floor tom. D) Snare drum.

E) Rack tom. F) Hi-hat played with sticks. G) Ride cymbal. H) Crash cymbal.

This is a basic overview. It’s important to remember that there is no standardized placement. So from book to book this may be slightly different. There will always be a notation legend at the beginning of any text just like this.

In this article we’re going to discuss three different types of notes: quarter notes, eighth notes and sixteenth notes.

Visually, quarter notes (Figure 2) are a dot with a stem. Sometimes you may see the stem pointing down; this is still a quarter note. Eighth notes (Figure 3) have a stem, but multiple notes together can be connected with a beam across the top. Individual eighth notes will have the beam but are not connected to anything. They look like a little flag.

Sixteenth notes (Figure 4) have double the beams or flags as the eighth notes.

Now that you know how to differentiate notes visually, we need to learn how they sound. The notes are all named in relation to a 4/4 time signature (we’ll cover time signatures in the next issue). You may have guessed that you can fit four quarter notes into a bar (of 4/4), as each quarter note equals a quarter. Who would have thought?

Eighth notes? You guessed it, eight of them. That means they’re twice the speed of quarter notes. Sixteenth notes fit sixteen per bar. Now that’s some speedy stuff!

Pay special attention to the counting written beneath each bar. Note that the “1, 2, 3, 4” from the quarter notes is present in the eighths and sixteenths. The “&” notes from the eighths are in the sixteenth counting as well.

Let’s put these into context and combine our different note types into a cool pattern (Figure 5 and 6). Pay special attention to the first three notes. What’s important to observe is that the first note is an eighth note and it’s physically connected to the following two, which are sixteenth notes. When connecting different types of notes, you need to pay attention to the note head (number of beams touching each stem) to determine what type of note each piece is.

After you’ve mastered #5 on your snare drum or practice pad, let’s move it around the drum set (Figure 6). If you’re new to reading, these may be challenging exercises. If you need a little clarification, head over to our website (search with keyword “notation” at drumsetc.ca) to watch me explain and demonstrate all of these examples on video. 

Commençons donc par reconnaître les notes sur la portée.

Figure 1 : A) La Charleston jouée avec le pied. B) La grosse caisse. C) Le tom basse.

D) La caisse claire. E) Le petit tom ou le tom médium. F) La Charleston jouée avec les baguettes. G) La cymbale ride. H) La cymbale crash.

Cette figure vous donne une vue d’ensemble, mais il est important de noter qu’il n’existe pas de placement standard. Le placement peut ainsi changer d’un livre à l’autre.

Il faut donc toujours consulter la légende de notation située la plupart du temps au début du texte, comme ici.

Dans le présent article, nous aborderons trois différents types de notes : les noires, les croches et les doubles croches.

Visuellement, les noires (Figure 2) ressemblent à un petit pois au bout d’une tige.

Parfois, la tige pointe vers le bas; mais c’est toujours une noire. Les croches (Figure 3), elles, ont aussi une tige, mais une barre peut reliée plusieurs notes par leurs tiges. Les croches individuelles ont une barre en haut de leur tige, sans toutefois être reliées entre elles : elles ressemblent à de petits drapeaux. Les doubles croches (Figure 4) sont comme les croches, mais elles ont en double les barres et les drapeaux.

Maintenant que vous savez différencier visuellement les notes entre elles, vous devez apprendre à reconnaître le son auquel elles correspondent. En anglais, nous nommons les notes en référence à leur indication en mesure 4/4 (nous verrons les indications en mesure plus en profondeur dans le prochain article). Vous aurez deviné qu’il est possible de mettre quatre noires (quarter notes) sur une mesure (en 4/4), puisque chaque noire équivaut à un quart de mesure. Qui l’aurait cru? Pour les croches (eighth notes), vous l’aurez deviné, on peut en mettre huit! Ce qui veut dire qu’elles vont deux fois plus vite que les noires! Vous pouvez donc mettre jusqu’à seize doubles croches (sixteenth notes) sur une mesure, mais là, ça commence à aller vite!

Il faut porter une attention particulière au décompte sous chaque mesure. Notez que les chiffres « 1, 2, 3, 4 » sous les noires se retrouvent aussi sous les croches et les doubles croches. Les sigles « & », eux, se retrouvent à la fois sous les croches et les doubles croches.

Mettons tout ça en contexte en combinant les différents types de notes dans un pattern intéressant (Figure 5 et 6). Portez une attention particulière aux trois premières notes. Il est important d’observer que la première note est une croche et qu’elle est physiquement reliée aux deux notes suivantes qui sont des doubles croches. Lorsque différents types de notes sont reliées entre elles, il faut porter attention à la tête de note (le nombre de barres qui relient les notes entre elles) afin de déterminer le type de note auquel nous avons affaire.

Une fois que vous aurez maîtrisé la partition no 5 sur votre caisse claire ou votre pad de pratique, pratiquez-la sur le reste de la batterie (Figure 6). Si vous n’avez jamais lu la musique, ces exercices peuvent se révéler difficiles. Pour plus d’explications, allez voir notre site web en cliquant sur ce lien pour plus d’explications et pour une démonstration de ces mêmes exemples en vidéo : (visitez drumsetc.ca et faites une recherche avec le mot-clé “notation”) 

By/Par: Aaron Edgar Traduction: Geneviève Hébert

drums etc.

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Dealing With the Difficult Student I remember the excitement of landing my first teaching gig. I had visions of teaching dedicated, eager students who lapped up everything I showed them. That was 23 years ago and today I have a much more sober view of drum instruction.

My first dose of reality hit me in the first few months of music store teaching. One evening, I pointed out to a student that he was holding his sticks incorrectly to play a buzz roll (I think he had all of his fingers gripped around the stick, trying to get the sticks to buzz). I demonstrated that the stick must be free to move to play a buzz roll, and gripping it like he was prevented the necessary motion. He was not amused and exclaimed that his teacher had taught him that way. Patiently, I explained that yes, much of drumming has room for interpretation but here the physics just don’t add up. Later that night I received a phone call from the father: “Are you saying my son was taught wrong? Are you saying we wasted all of our money? How long have you been teaching?” This unexpected frontal assault left me stammering, but I got my bearings and briefly explained my methodology, doing my best to be diplomatic and positive. I don’t recall how much longer that student lasted but I do recall the dread I felt when his lesson time approached. He continued to be stony towards me despite my best efforts at being light, lively and accommodating.

By/Par: David Cronkite Traduction: Geneviève Hébert

In my 33 years of teaching, I have met almost every kind of student and have thus devised categories of learners and personalities. There’s the “I’m bored” student, the student who never practices, the student who has trouble focusing, the rhythmically challenged student, the “why is this person even taking the drums?” student, the “I have so much hockey I rarely have time to touch the drums” student, and the “house fly” student (they are all over the place). I will focus on a few student types and explain how to deal with them. I’m not saying I have the right way; I’m simply giving you my story.

Dealing With the Difficult Student is always a work in progress.

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The ‘‘I’m bored’’ student

The student who has trouble focusing

This student is feeling stressed. Typically, they get frustrated easily and want to move on to something less challenging. They could also be perfectionists who haven’t learned how to handle frustration. I give them a time limit and say: “just a few more minutes and we’ll move on.” I ask them to take a deep breath, and tell them they don’t have to fix or escape that uncomfortable feeling. I will try a slower tempo, or break it down into manageable chunks. This type of student may also need more of a challenge. They may not like the material they are working on – it might be a song they don’t like. The danger of teaching this type of student is you may keep changing the material until you are running around in circles, never buckling down and improving a skill.

I’ve taught a few students with ADD or ADHD and they typically have trouble focusing on a page of music; everything around them is just so darn interesting!

Allowing them to play the drums on their own for a few minutes at the start of the lesson calms them down.

Also, I find they focus better when you let them play on the kit while you are explaining a lesson. This probably seems counterintuitive and frustrating to the teacher who normally expects quiet and direct eye contact; however, I have found that this type of student listens better when they are not forced to sit quietly.

drums etc.

The ‘‘why is this person taking the drums?’’ student This is the student who lacks the curiosity and motivation to learn the drums. They may be in a school band with morale, leadership and equipment problems. Or they may only play the drums at home and have no one to jam with. Drummers need musicians to play with. This type of student must find an outlet for their drumming.

Best of luck!



Que faire avec les étudiants difficiles Je me souviens de mon excitation lorsque j’ai obtenu mon premier emploi comme enseignant. J’imaginais mes élèves sérieux et avides de connaissances, prêts à boire tout ce que j’avais à leur montrer. C’était il y a 23 ans et aujourd’hui, j’ai une vision beaucoup plus sobre de l’enseignement de la batterie.

Mon éveil à la réalité s’est produit durant mes premiers mois d’enseignement dans un magasin de musique. Un soir, j’ai fait remarquer à un de mes élèves qu’il ne tenait pas ses baguettes correctement pour jouer un buzz roll (il gardait tous les doigts bien enroulés autour de la baguette). Je lui ai montré qu’il devait laisser plus de liberté de mouvement à ses baguettes s’il voulait obtenir un bon buzz roll. Il s’est offusqué et m’a dit que c’était son prof qui lui avait montré à tenir ses baguettes ainsi. Patiemment, je lui ai expliqué qu’à la batterie il y avait toujours place à l’interprétation, mais que dans ce cas précis, la physique ne le permettait tout simplement pas. Plus tard en soirée, j’ai reçu un appel de son père qui me disait: « êtes-vous en train d’insinuer que notre fils n’a pas reçu un bon enseignement? Que nous avons gaspillé notre argent? Et dites-moi, vous enseignez depuis combien de temps? » Cet affront inattendu m’a pris de court et une fois ressaisi, j’ai tenté de lui expliquer brièvement ma méthodologie, faisant du mieux que je pouvais pour rester diplomate et positif. Je ne me souviens plus pour combien de temps j’ai enseigné à cet élève, mais je me rappelle l’appréhension que je ressentais à l’approche de ses heures de leçon, surtout qu’il continuait d’être froid avec moi malgré mes efforts pour alléger l’atmosphère en étant enthousiaste et conciliant.

En 33 ans d’enseignement, j’ai rencontré à peu près tous les types d’élèves et je crois qu’il est possible de les diviser en catégories selon leur façon d’apprendre et leur personnalité. Dans ces catégories, il y a l’étudiant qui s’ennuie, celui qui ne pratique jamais, celui qui peine à se concentrer, celui qui n’a pas le sens du rythme, celui à qui on voudrait demander « mais pourquoi la batterie? », celui qui passe tellement de temps à jouer au hockey qu’il n’a plus le temps de toucher à la batterie et celui qui ne sort jamais de la maison (ils sont de plus en plus nombreux). Je n’en aborderai que quelques-uns afin de donner quelques pistes d’approche. Je suis loin d’avoir la solution à tous vos problèmes, mais je peux vous faire part de mon expérience.

Il y a toujours à apprendre lorsqu’on est aux prises avec des élèves difficiles.

L’étudiant qui s’ennuie Ces étudiants vivent un stress. Habituellement, ils frustrent facilement et veulent vite passer à autre chose qui implique moins de défis. Mais il se peut qu’ils soient des perfectionnistes qui n’ont pas encore appris à gérer leurs frustrations. Je donne habituellement à ces élèves une limite de temps du genre: « encore quelques minutes et nous passons à autre chose. » Il m’arrive de leur demander de prendre une grande respiration et de leur rappeler qu’ils n’ont pas à faire passer ou à fuir leur sentiment d’inconfort. Je peux aussi leur suggérer un tempo plus lent, ou décomposer pour eux l’exercice en parties plus faciles. Ce type d’étudiant peut également manquer de défis ou ne pas aimer le matériel sur lequel il travaille. Dans ce cas, le danger est de tourner en rond à force d’essayer d’adapter le matériel et en fin de compte de ne jamais s’atteler à la tâche pour améliorer la technique.

L’étudiant qui peine à se concentrer J’ai enseigné à quelques étudiants qui avaient un TDA ou un TDAH et ils ont toujours de la difficulté à se concentrer sur la partition; ce qui les entoure leur semble toujours plus intéressant! Leur permettre de jouer de la batterie quelques minutes avant de commencer la leçon peut vraiment les calmer. Je trouve aussi qu’ils sont mieux concentrés lorsque vous les laissez jouer de la batterie pendant que vous donnez votre explication, ce qui peut sembler étrange et contreproductif pour un enseignant qui cherche habituellement le silence et un certain contact visuel direct, mais ce type d’élève intègre vraiment mieux les notions lorsqu’il n’est pas obligé de rester assis calmement.

L’étudiant à qui on a envie de demander «alors pourquoi la batterie?»

Voici l’étudiant qui n’a ni la curiosité ni la motivation pour apprendre la batterie. Il se peut qu’il fasse partie d’un groupe de musiciens qui a des problèmes d’attitude, d’équipement, ou de direction. Ou il se peut qu’il ne joue de la batterie qu’à la maison et qu’il n’ait personne avec qui jouer. Les batteurs ont besoin de jouer avec d’autres musiciens. Ce type d’étudiant a tout simplement besoin d’un but, d’un projet pour se motiver.

Bonne chance!



drums etc.

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5Rules The

of

Session

Drumming The kind folks at Drums Etc have asked me to write a piece on the 5 rules to becoming an accomplished studio drummer. Before I begin, I must point out the supreme rule: BE ON TIME. Now that that’s out of the way, let’s begin.

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1. Have great gear that sounds amazing You and your drums are about to enter a room with dozens of mic’s that will pick up every little noise. Your drum set should be well maintained with no buzzes, loose bolts or other non-drum sounds. Keep the tuning consistent for the whole session. Be open to any and all muffling techniques. I come prepared with professional gaff tape, moongel and have also used wallets and notebook paper for muffling (once, on a producer’s suggestion, I muffled a 1941 Slingerland 14” floor tom with a brick. It worked!) The heads should be either brand new or almost new with absolutely no craters in them (these create buzzes). Another thing that many drummers ignore is the state of their snare wires – they must be in great condition with no broken strands.

You should either own several different drums or know where you can get them. A good place to start is having brass, steel and a wood snare on hand as well as a few rides and crashes to choose from.

2. Make sure you have the headphone mix you need Investing in a nice pair of headphones or in-ears will never be a bad decision. Many drummers don’t take the time to make sure they’re getting what they need out of their headphones – maybe because they’re nervous or don’t want to seem needy to the engineers. Take the time to play along with the track once you’re set up and adjust the levels of everything to make it perfect.

Pro Tip Ask for additional overheads to get a more natural sound in your headphones.

Les

règles

de

en

travail studio

La sympathique équipe du Drums Etc m’a demandé d’écrire un article sur les 5 règles pour devenir un batteur de studio accompli.

Tout d’abord, j’aimerais mettre l’accent sur LA règle suprême : ÊTRE À L’HEURE. Maintenant, on peut commencer!

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drums etc.

1. Avoir un équipement au son impeccable Vous et votre équipement êtes sur le point d’entrer dans une pièce tapissée de micros prêts à enregistrer le moindre bruit. Votre batterie devrait être en parfait état : il faut donc faire attention aux boulons flottants et autres sons indésirables. Il est important de garder le même son pendant toute la séance et de rester ouverts à toutes sortes de techniques d’étouffement. Pour ma part, j’arrive toujours avec du ruban adhésif professionnel et du Moongel. Il m’est déjà arrivé d’utiliser des portes-feuilles et des calepins pour étouffer le son ou même une brique sur un tom Slingerland 1941 de 14” sous les conseils d’un producteur (et ça a fonctionné!). Vos peaux devraient être neuves, ou presque, et elles ne devraient pas avoir de creux (puisque ceux-ci créent des bruits parasites). Vérifier l’état des fils du timbre est une autre chose à laquelle les batteurs devraient penser.

Si vous voulez faire du studio, il faut diversifier votre équipement. Pensez, par exemple, à vous procurer une caisse claire en laiton, une en acier et une en bois, ainsi qu’une variété de cymbales ride et crash.

2. Assurez-vous d’avoir le mixage au casque dont vous avez besoin Investir dans un bon casque audio ou dans de bonnes oreilles d’écoute n’est jamais une mauvaise chose.

Plusieurs batteurs ne prennent pas le temps de s’assurer qu’ils ont le bon son dans leur casque, soit par nervosité ou parce qu’ils ne veulent pas sembler trop exigeants aux yeux des techniciens. Il est important de prendre le temps de jouer sur une piste une fois installé afin d’ajuster votre instrument pour que tout soit parfait.

Conseil de pro Pour obtenir un son plus naturel dans votre casque d’écoute, demandez plus de overheads.

By/Par: Jay Deachman Traduction: Geneviève Hébert

3. Be comfortable with a click track A click is on virtually every single session I do now. Make sure you know how to lock in with the click and make it feel natural. Watch your subdivisions, especially with fills and ghost notes. Doing pyramid exercises with different tempos will help you to relax and feel the spaces between the subdivisions. If you are having a real problem with a track, make sure that any guide tracks that you are playing to are in time with the click. I’ve been on a few sessions where: A) the other musician(s) are off the click who are playing with me, or B) moving the WAV files between computers corrupted the original and it’s out of sync.

Pro Tip For all tempos 110 and below ask for an 8th note click to really lock in.

4. Velocities must be consistent Learn to control your dynamics so that every hit is consistent. Every snare backbeat should be at exactly the same velocity throughout the song – for every take of that song. Every bass drum hit should sound exactly the same for the song from take to take. When the engineer’s comp together your drum takes to make the working beds, they need every part of every take to have the same drum sound as the next.

5. Be the kind of person people want to be around This is arguably the most important point. Your personality will define you and how much work you get. The studio is a closed room where you will be locked up with other people for long days – nobody wants to work with someone who is negative all the time. Be happy, polite and always be positive. Be an inspiration to the other artists and remember to leave the attitude at home. Also, don’t overindulge in booze or other proclivities, even if others are. Be the kind of person people want to be around and you’ll have it all! 

3. Soyez à l’aise avec les pistes-métronomes Aujourd’hui, on utilise presque toujours une piste-métronome lors des séances d’enregistrement. Assurez-vous de pouvoir suivre le métronome avec aisance. Faites attention à vos subdivisions, surtout pendant les improvisations et les notes fantômes. Si vous pratiquez la technique de la pyramide sur différents tempos, cela vous aidera à relaxer et à sentir l’espace entre les subdivisions. Quand vous avez un problème avec une piste, assurez-vous que les pistes qui vous servent de guides soient bien synchronisées avec le métronome. Il m’est arrivé de participer à des séances où : A) les musiciens avec qui je jouais n’étaient pas en temps avec le métronome ou B) le transfert des documents WAV d’un ordinateur à un autre avait corrompu les pistes originales et celles-ci n’étaient plus synchros.

Conseil de pro Pour tous les tempos de 110 et moins, demandez de démarrer le métronome sur une croche afin de bien pouvoir vous y arrimer.

4. Votre vitesse doit être constante Apprenez à contrôler vos dynamiques pour que chaque frappe soit constante. Les accentuations de temps devraient se faire à la même vitesse tout au long de la chanson, et ce, à chaque prise. Le son de la grosse caisse devrait également être le même d’une prise à l’autre pour une même chanson. Lorsque le technicien doit mettre en commun plusieurs prises de batterie, il a besoin que le son de batterie soit le même sur toutes ces prises.

5. Soyez celui ou celle avec qui on a envie de travailler Cette règle est sans doute la plus importante. Votre personnalité vous définit, mais elle détermine aussi votre employabilité. Le studio est un espace clos où il est possible de s’enfermer des jours durant. Personne n’a envie de travailler avec quelqu’un qui est toujours négatif. Restez de bonne humeur, poli et constructif. Soyez inspirant pour les autres artistes et laissez vos soucis à la maison. Aussi, n’abusez pas de l’alcool ou de toute autre substance, même si les autres le font. Soyez la personne avec qui les gens ont envie de travailler et vous ne manquerez jamais de rien!  drums etc.

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An Unusual Yet Effective Double Bass Practice Method One of the key factors in playing and practicing double bass drums is to be consistent; however, it can be difficult to work on consistency with such low-pitched instruments. Being able to effectively monitor yourself while practicing may be easier than you think.

For this, you’ll need a few pieces of equipment. You’ll need a small mixer, one microphone – it almost doesn’t even matter what it is – and a pair of isolating headphones.

In-ear monitors are best. To start, set up a minimalist kit. By minimal I mean a bass drum, snare drum and preferably two sets of hi-hats, or at the very least two dry, short and percussive sounding instruments.

You’re not quite done with the kit setup yet though. Do your best to make all the instruments as dry (short note with little to no sustain) as possible. This can be achieved using moongel, tape or O-Ring/donuts on the snare drum. For the bass drum, whether it suits your playing style or not, throw a pillow in it. Maybe even two. You want a very short note with as little sustain as possible. This will all come together in a minute. The same applies to your cymbals – tightly closed hats or stacks. If all you have is a ride, maybe put a shirt over it.

Now here’s the fun part. Put a microphone in your bass drum and connect it to the mixer. Dial the low end completely off. Pin the high end and you should end up with a gross sounding click of a bass drum sound. Similar to a trigger they would use in metal except for the fact that your dynamic inconsistencies will be exaggerated using these settings. On that note, I would recommend against triggers for this. Next, connect a metronome to your mixer and you’re pretty much ready to go.

Une méthode de jeu à la pédale double inhabituelle, mais efficace L’un des facteurs clés dans le jeu et la pratique de la pédale de grosse caisse double est d’être constant; toutefois, il peut s’avérer difficile de travailler la constance sur un instrument à la sonorité si grave. Mais la capacité de bien s’entendre lors de vos sessions de pratique pourrait être plus facile que vous pensez.

Il vous faudra cependant avoir accès à quelques éléments, comme un mélangeur, un microphone (ça peut être presque n’importe quel modèle) et un casque d’écoute isolant.

Une paire d’écouteurs intra-auriculaires serait l’idéal. Pour commencer, montez une batterie minimaliste, soit une grosse caisse, une caisse claire et préférablement deux pieds de hihats, ou deux instruments produisant une sonorité percussive sèche et courte.

Mais ce n’est pas tout. L’idée est de rendre chaque tambour le plus sec possible (note courte, presque pas de résonance). Cela peut se faire en utilisant du Moongel, du ruban adhésif ou bien un anneau O-Ring sur la caisse claire. Pour la grosse caisse, placez un oreiller dedans, peut-être même deux, que ça corresponde à votre style de jeu ou non. Il faut obtenir une note très courte qui résonne le moins possible. Vous comprendrez pourquoi bientôt. C’est le même principe avec les cymbales. Fermez les hi-hats et serrez-les bien. Et si vous n’avez qu’une ride, étendez un chandail dessus.

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drums etc.

C’est ici que ça devient plaisant. Insérez un microphone dans votre grosse caisse et branchez-le dans le mélangeur. Éliminez toutes les fréquences graves. Montez les fréquences aiguës et vous devriez obtenir un son de grosse caisse qui ressemble à un horrible clic. C’est un peu comme un déclencheur qu’on utilise pour le métal, excepté que les inconstances dynamiques sont exagérées avec ces réglages. Et puisque nous y sommes, j’aimerais ajouter que je déconseille les déclencheurs pour ce genre d’exercice. Ensuite, branchez un métronome au mélangeur. C’est ça; vous êtes prêts.

Jouez un motif de base à la pédale double. Oui, ça sonne très mal. C’est peut-être même humiliant à entendre, dépendant de votre niveau. Cette méthode vous indiquera et exagèrera vos inconstances. C’est mauvais pour votre égo, mais c’est un outil fantastique pour votre développement. Parce que toutes les notes sur votre batterie sont sèches, vous serez hyper sensibles aux intensités et aux inconstances dynamiques. C’est une bonne chose, car lorsque vous jouerez sur votre batterie habituelle, les mêmes rythmes sonneront cent fois mieux.

Si vous désirez avoir une perspective encore plus profonde sur votre jeu, enregistrez votre session de pratique et écoutez-la plus tard. Il n’est pas nécessaire de faire un grand enregistrement; le iPhone 5 a un système audio surprenant. Si vous pouvez enregistrer directement dans votre ordinateur, c’est encore mieux.

Play a basic double bass pattern. It should sound pretty ugly. Possibly even humiliating to hear, depending on your level of development. This setup will point out and exaggerate your inconsistencies. Which is bad for your ego but a fantastic tool for your development.

With all the notes very short on the entire kit and the bass drums exaggerated, you’ll be hyper sensitive to flaming and dynamic inconsistencies. This is a good thing because when you get back on your regular set up, playing the exact same thing will sound drastically better.

Now here’s how to use this for some serious results. Play each beat with a metronome for five minutes a piece, non-stop. That’s thirty minutes of double bass without stopping. It should be extremely difficult by the time you get to the last groove. If it isn’t, you’ve picked a tempo that’s too slow. Make it so the last few minutes sound terrible and your body wants to give up. Press on through and complete the half hour no matter how bad it sounds. If you want to be extra hardcore, try using ankle weights. When you’re done, lose the weights, take two minutes rest, bump the metronome 10bpm faster and do it again. That’s one hour of constant double bass precision and speed work. You WILL see results. 

If you want an extra deep perspective on your abilities, record your practice sessions and listen back afterwards. The recording doesn’t have to be anything fancy – the iPhone 5 has surprisingly good audio. If you can record onto your computer, even better.

The following is a great concept to work on, but note that actual exercises depend on your level of development. Write yourself six beats, all of which have bass drums consistently throughout the entire measure. As a warm up, the first beat should focus on each foot individually. For example, try sixteenth or eighth notes for one bar with the right foot, alternating every other bar with the left foot. For the next five grooves write, for example, sixteenth notes throughout, but on beat four write thirty-second notes. Put the thirty-second notes on a different part of the bar for the next groove. Continue to have the thirty-seconds on each part of the bar until the last groove, which should have sixteenths (first half) and thirty-seconds (second half).

By/Par: Aaron Edgar Traduction: Jim Angelillo

Ce qui suit est un très bon concept à travailler, mais cela dépend évidemment de votre niveau de jeu. Écrivez six rythmes qui possèdent des lignes de grosse caisse faisant la mesure entière. En guise de réchauffement, le premier rythme devrait se concentrer sur chaque pied de façon individuelle.

Par exemple, essayez des doubles croches ou des croches pendant une mesure au pied droit, alternant avec le pied gauche à chaque nouvelle mesure. Pour le rythme suivant, écrivez, par exemple, des doubles croches tout le long, avec des triples croches au quatrième temps de chaque mesure.

Inscrivez les triples croches sur un autre temps dans le rythme suivant. Continuez comme cela jusqu’à ce que vous obteniez que des triples croches. Les mesures du sixième rythme seront composées d’une première moitié de doubles croches et d’une seconde moitié de triples croches.

Et voici comme utiliser tout cela pour obtenir de sérieux résultats. Jouez chaque rythme avec un métronome, cinq minutes par rythme, sans pause. Ça fait trente minutes de pédale double sans arrêt. Vous devriez avoir de la difficulté à jouer le dernier rythme. Si ce n’est pas le cas, vous avez choisi un tempo trop lent. Faites en sorte que les dernières minutes sonnent très mal et que votre corps n’en puisse plus. Mais rendez-vous à la fin des trente minutes, peu importe comment ça sonne. Si vous voulez un défi de plus, fixez des poids sur vos chevilles et jouez le tout. Prenez une pause de deux minutes et recommencez la séquence sans les poids, mais à un tempo qui est 10 bpm plus rapide. Ça fait une heure de jeu de précision et de vitesse à la pédale double. Vous verrez des résultats, je vous l’assure !  drums etc.

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Musical Mileage: Getting More for Less You’re in the practice room. You’ve finally got that new lick you’ve been working on all month down to a science. You feel like a drumming god, and you just can’t wait to show it off at the gig. Your band mates will love you, other drummers will envy you, and the chicks will flock to you after the gig. Forget the lead singer, this is your time to shine! You truly are the second coming of John Bonham. Nothing can go wrong. And then you go to do the lick you’ve been working on so hard and you can’t remember how the hell to play it. Sound familiar?

You’re in the practice room. You’ve finally got that new lick you’ve been working on all month down to a science. You feel like a drumming god, and you just can’t wait to show it off at the gig. Your band mates will love you, other drummers will envy you, and the chicks will flock to you after the gig. Forget the lead singer, this is your time to shine! You truly are the second coming of John Bonham. Nothing can go wrong. And then you go to do the lick you’ve been working on so hard and you can’t remember how the hell to play it. Sound familiar?

As drummers, and ultimately as musicians, we strive for freedom on our instrument and in our art. We spend hours upon hours, months upon months and years upon years honing and developing our vocabulary. But at a certain point you develop a vocabulary that is what you will draw upon 99% of the time. It’s great to work on expanding the words you know, but at a certain point you will pretty much construct your musical sentence using the same words. I’d like to propose a concept: instead of getting annoyed with the new licks sinking in, try to find new ways to use the licks you already have ingrained.

For example, we’ve all moved our right hand from the hi-hat to the floor tom to play a groove. Notice how drastically different the feel is, and how it not only makes you play, but the rest of the band as well? Now move your hand to the rim of your rack tom and add some stepped hi-hat with your left foot. You have something completely new, but based on something you can play in your sleep.

The same idea can be applied to anything you do on the kit. For example, take a sixstroke roll RllrrL. One way to play it would be to simply put the accents on the toms, and the doubles on the snare. Another way is to put the accents on the cymbals with the bass drum, and break the doubles up between the toms and snare. In this case, your left hand would go between the rack tom and snare, and your right hand would go between the floor tom and snare. Simple right? You’ve come up with two more ways of playing a standard sticking pattern.

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drums etc.

You can take that concept even further and substitute either your bass drum or stepped hi-hat for any of the hand strokes. One I do a lot is to substitute two bass drum notes for the rr part of the pattern. So it would look like this: RllffL. It creates a really funky fill that you can squeeze into virtually any groove without being given dirty looks from your band mates.

The next way you can mess with either a sticking or groove idea would be to change the note rate but keep the sticking or pattern the same. In a groove context this creates a metric modulation. For example, if you take a straight up rock groove that you usually play as eighth notes, but you move it into triplets, you create a three over two-six over four modulation. It creates the illusion of the tempo speeding up. You can also make the groove slow down. Just get creative.

If I were to take a six note sticking and put it into sixteenth notes it would take me a bar of three-quarter for it to resolve. You can create some very interesting and new ideas using these concepts. Ultimately, you should be able to find at least a hundred variations of one simple idea. You don’t need to have a thousand words in your vocabulary, and most of the time the big convoluted words have no merit at all. People just get confused and ask, “What the hell are you doing?” As I always say, the goal with anything is to serve the music. Always strive to be the best drummer, artist, musician and, ultimately, person you can be. 

Andy Shoniker is a Toronto-based drummer and educator. He recently created the Rhythm Trainer App. for the iPhone. He can be reached at andy@andyshoniker.com.

En faire plus avec ce que vous connaissez déjà Vous êtes dans votre local de répétition. Ça fait un mois que vous travaillez sur votre nouvelle passe et vous sentez que vous l’avez maintenant dans la peau. Vous vous sentez comme un dieu de la batterie et vous mourrez d’effectuer votre nouvelle passe devant un public. Les autres membres du groupe vont vous adorez, les autres batteurs vont vous envier et les filles seront toutes à vos pieds. Votre moment de gloire est venu! Vous êtes l’avènement du siècle après John Bonham. Rien n’est à votre épreuve. Mais lorsque vient le moment de vous exécuter, vous ne vous souvenez plus de rien. Ça vous dit quelque chose?

En tant que batteurs, et ultimement en tant que musiciens, nous travaillons toute notre vie à peaufiner notre art et notre relation avec notre instrument. Nous passons des heures, des mois, des années à enrichir et à perfectionner notre vocabulaire. Sauf qu’à un moment donné, nous finissons quand même par utiliser le même vocabulaire 99 % du temps. Il est bien d’élargir son vocabulaire, mais il faut se rendre à l’évidence : nous puisons toujours dans le même sac pour faire nos phrasés. Je vous propose donc ici un concept : au lieu de vous énerver avec les nouvelles passes que vous tentez d’intégrer, essayez de trouver de nouvelles façons d’utiliser celles qui sont déjà bien assimilées.

Par exemple, nous savons tous comment déplacer notre main droite de la Charleston au tom de plancher pour jouer un groove. Remarquez le changement radical qu’il provoque en vous et comment vous vous emballez, ainsi que les autres membres du groupe. Maintenant, déplacez votre baguette sur le rim du tom suspendu et jouez de la Charleston avec votre pied gauche. Vous avez là quelque chose de complètement nouveau, qui se base sur quelque chose que vous jouez déjà les yeux fermés.

La même idée peut s’appliquer à tout ce que vous jouez. Prenez, par exemple, un roulement de six coups DggddG. Vous pourriez le jouer en mettant les accents sur les toms et en jouant les doubles sur la caisse claire. Vous pourriez aussi mettre les accents sur à la fois les cymbales et la grosse caisse tout en divisant les doubles entre le tom et la caisse claire. Dans ce cas, votre main gauche se promènerait du tom suspendu à la caisse claire et la main droite, de la caisse claire au tom du plancher. Simple, non? Vous venez de trouver deux autres façons de jouer un motif standard.

Vous pouvez aller encore plus loin en substituant vos coups de pied à la grosse caisse ou à la Charleston par n’importe quel coup de baguette. Il m’arrive souvent de remplacer deux notes sur la grosse caisse à la partie du motif en DD. Ça ressemblerait un peu à ça : DggppG. Vous pourrez intégrer ce motif à toutes sortes de groove, sans que les autres membres du groupe vous regardent de travers.

La façon suivante de changer un motif ou un groove s’attaque à la vitesse de la note tout en gardant le même doigté ou motif. Dans un contexte de groove, cette méthode peut créer une modulation métrique. Si vous prenez un groove rock que vous jouez habituellement en croches, et que vous la jouez en triolets, vous créez une modulation de trois sur deux ou de six sur quatre. Ce changement crée l’illusion d’un tempo qui accélère. Mais vous pouvez aussi ralentir le groove. Faites preuve de créativité!

Si j’étais pour prendre un motif de six notes pour le mettre en doubles croches, ça me prendrait trois quart de mesure pour y arriver. Vous pouvez trouver d’excellentes idées avec ce concept. Ultimement, vous pouvez trouver plus d’une centaine de variations sur une même idée. Pas besoin d’un vocabulaire ultra développé, d’autant plus que dans la majeure partie des cas, les trucs trop compliqués n’ont pas leur place. Ils ne font que rendre les autres perplexes. Comme je le dis toujours, le but est de servir la musique. Il faut toujours faire son possible pour être le meilleur batteur, artiste, musicien et ultimement, la meilleure personne possible. 

Andy Shoniker est un batteur qui enseigne à Toronto. Il a récemment créé l’application Rhythm Trainer pour les iPhone. Vous pouvez le joindre à andy@andyshoniker.com By/Par: Andrew Shoniker Traduction: Geneviève Hébert

drums etc.

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DVD

Inspiration et développement

- Volet performance -

MRDVD 8173

1- Synergie 2- Inspiration du monde 3- Polypulsation 4- Rythmatic 5- Caféine

By Mario Roy

Ralph Angelillo

Mario Roy

- Volet explicatif -

Perfectionnement pour tous

1- Synergie 2- Inspiration du monde 3- Polypulsation 4- Rythmatic

Mario Roy is a drummer with a solid reputation and an experienced educator (he teaches at Cegep StLaurent). He recently launched his first DVD, Inspiration et développement. Though the title seems a little vague, the subtitle narrows the scope somewhat: Approche et compréhension du rythme par le movement (Approaching and understanding rhythm through movement). Although this is an independently produced product, the first thing that hits you is the sound and image quality, as professional as it gets. The DVD is divided in five parts. I suggest you begin with the master class so you can get a handle on the language, but you’ll also find explanatory performances, a dance and percussion segment, and interviews. Everything is solid and very well explained. Mario Roy is a brilliant drummer, an excellent educator, and this DVD should be in every drummer’s collection. -- FC - Volet classe de maître -

Roxane Duchesne Roy

Cours spécial sur le rythme

- Volet danse percussion Pièce «Mouvance» Roxane Duchesne Roy

Mélissa Lavergne

- Volet entrevues -

Mario Roy

Entrevues Ralph Angelillo Mélissa Lavergne

- Volet suppléments -

Approche et compréhension du rythme par le mouvement

MR-001

language : français

The Brush Secret

By Florian Alexandru-Zorn (Alfred) Five minutes after you put the DVD in, Florian already has you playing a funky brush groove. He goes on to teach a vast method for expressing yourself with brushes on the snare drum, ending with a mind blowing groove using what he calls the ‘flex stroke’.

That’s only scene one of this double DVD masterpiece.

The next section is all about different styles, starting with traditional applications of jazz, moving into odd time signatures, New Orleans, pop, latin, hip hop and more. Florian even goes as far as reproducing percussion sounds such as congas, bongos, pandeiro and tambourine. You’re also provided with an arsenal of play along tracks.

Guest appearances and brush adaptations of grooves from Mike Johnston, Stanton Moore, Jost Nickel, and Benny Greb, were all incredibly inspiring, groovy and flat out fun!

Even down to the look, location and production values, this DVD is an absolute musthave. There’s so much more, I could literally go on for hours… But I should probably get practicing. Where are my brushes!? -- AE

Cinq minutes après avoir démarré le DVD, Florian vous fait déjà jouer un super groove avec les balais. Il poursuit en vous enseignant toutes les façons de vous exprimer avec les balais sur la caisse claire et termine le tout avec un groove époustouflant qui fait usage de ce qu’il appelle le flex stroke (le coup fléchi). Et ça, ce n’est que la première scène de ce DVD double!

La section suivante traite des différents styles, commençant avec l’utilisation traditionnelle des balais dans le jazz, en passant par les temps composés, la musique de la Nouvelle Orléans, la musique populaire, latine, hip hop et plus. Il montre même comment reproduire la sonorité des congas, des bongos, des pandeiro et de la tambourine. De plus, il y a un véritable arsenal de pièces d’accompagnement. Les invités, soit Mike Johnston, Stanton Moore, Jost Nickel et Benny Greb, sont tous très inspirants, groovy et vraiment plaisants à regarder!

Vous devez vous procurer ce DVD, si ce n’est que pour les qualités de la réalisation. Et il y a bien plus. Je pourrais en parler pendant des heures, mais je devrais plutôt retourner pratiquer. Où sont mes balais? -- AE 32

drums etc.

sous-titres : français, anglais

Format : 16:9

Durée : 3 heures 02 minutes

Batteur à la réputation solide et enseignant très aguerri (professeur au Cégep st Laurent) Mario Roy nous propose son 1er DVD Inspiration et développement. Si le titre peut laisser songeur, le sous-titre, lui, en dit long : Approche et compréhension du rythme par le mouvement. Bien que produit de façon autonome, la première chose qui frappe est la qualité du son et de l’image, du vrai travail de pro. Ce DVD comporte 5 grands volets. Je vous conseille de commencer par la classe de maître afin de mieux comprendre tout le langage, mais vous trouverez aussi des performances explicatives, un volet danse et percussion, ainsi que des entrevues. Tout est très solide et soigneusement expliqué. Mario Roy est un batteur brillant, un pédagogue hors pair et ce DVD doit faire partie de la collection de tout batteur qui se respecte. -- FC

Ultimate drum lesson: Hand and technique How about getting tips on technique and rudiments from some of the greatest drummers alive?

This DVD offers just that. In a single DVD, you get the essentials from Steve Gadd, Keith Carlock, Steve Smith, Tommy Igoe, Jim Riley, Aaron Spears, John Blackwell… As a whole the DVD is interesting to watch, if only for the fact that it is a summary of the best bits from every drummer. But it is exactly because of this that it feels too much like a catalogue of Hudson videos. Nothing is explored in depth. There are a lot of excerpts from different other DVDs, which makes the whole lack consistency. Yes, you will find this entertaining, but the original idea is lost, as we get a passing glimpse into what each drummer is trying to make us understand, without any real continuity… too bad. -- FC

Que diriez-vous d’avoir accès aux conseils des plus grands batteurs à propos de la technique et des rudiments en un seul DVD? C’est ce qu’on vous propose ici. En un DVD, vous avez l’essentiel sur la question avec Steve Gadd, Keith Carlock, Steve Smith, Tommy Igoe, Jim Riley, Aaron Spears, John Blackwell… Si l’ensemble est intéressant, car c’est un condensé de ce qui se fait de mieux, cela ressemble plus à un catalogue publicitaire des vidéos de Hudson, car malheureusement aucun concept n’a le temps d’y être approfondi.

Il y a beaucoup de passages de DVD différents et cela rend l’ensemble très peu homogène.

Si cela permet de passer du bon temps en visionnant les meilleurs, ce n’est toutefois pas évident de cerner l’ensemble de l’objectif, car on a l’impression de passer rapidement ce que chaque batteur veut nous faire comprendre de sa technique sans vrai lien ni réelle progression du concept… dommage. -- FC

BOOKS LIVRES

Drumming Language vol1: Technical study for beginner to advanced By Éric Boudreault Since this is volume 1, I suppose it is safe to say there is a second volume in preparation, but I wonder why, because I have never seen such an exhaustive and rigorous attempt at covering practically all types of rhythm. This isn’t a method, it’s an encyclopaedia!

Everything is well presented, the tone is very professional, and Boudreault’s precise analysis will open musical doors like no other method. Rock sits alongside rhythms from every part of the world (Africa, Middle East, India). Whether you want to learn just for the fun of it, or as preparation for a gig you are not used to, or even as preparation for an exam, this method is a necessity. There is so much to learn it is no surprise there isn’t an accompanying DVD. -- FC

Il est précisé ici « vol 1 », ce qui pourrait laisser entendre qu’il y en a un deuxième en préparation, or je me demande pourquoi. Je n’ai jamais vu un exercice aussi rigoureux qui couvrir absolument tous les rythmes ou presque. Ce n’est pas une méthode, c’est une encyclopédie! Le tout est bien présenté, le ton y est très professionnel et l’analyse précise servira à ouvrir votre champ de vision musical comme nulle autre méthode. Le rock croise ici des rythmes qui viennent de partout dans le monde (Afrique, Moyen-Orient, Inde). Que ce soit pour le plaisir de la découverte ou pour préparer un spectacle dont vous n’avez pas l’habitude, ou encore un examen, cette méthode est absolument nécessaire. Le seul bémol est qu’il n’y a pas de DVD d’accompagnement, mais il y a tellement de matière que pour un seul auteur, le travail serait trop long. -- FC

Method with DVD: The Afro-Peruvian percussion ensemble from the Cajun to the drum set

THE KIT: A modern drum set curriculum

By Jeff Salem and Matt Mc Farland These authors have understood everything about teaching. It must be said that they have ample experience in education. Their method is professional and well-presented. They also score extra points for having everything printed big, which contributes to making the learning process much easier! Though it is aimed mostly at beginning drummers, it covers so much ground that professional drummers will find it interesting. Text is sparse, which means, as they indicate, you will need to work with your teacher to get the most out of it. Yet it succeeds in clarity and affordability. Great for a beginner! -- FC Voici des auteurs qui ont tout compris sur l’enseignement. Il faut dire que leur expérience dans le domaine est immense. La méthode est très professionnelle, la présentation très soignée et ENFIN voici des gens qui ont compris que cela doit être écrit en gros pour faciliter l’apprentissage! Cette méthode est particulièrement destinée aux débutants, mais elle en couvre tellement que les batteurs professionnels y trouveront leur compte. Le texte est réduit à sa plus simple expression, et cela demandera (comme ils le précisent) de la travailler avec votre professeur pour en tirer toutes les subtilités. Mais le tour de force réside dans le fait que tout est clair et concis et qu’elle est très abordable pour un débutant. Bravo! -- FC

By Hector Morales

The Latin funk connection

Here is a good method for those among you who want to learn more about Peruvian music and rhythms. It’s easy to follow, and will enable you to cycle through many Afro-Peruvian rhythms. The presentation is nice, and it contains a section on the history and main techniques of the style. The author presents a global approach in which he discusses the cajon and several other percussion instruments like the cajita, the quijada, the congas, or the bongos. What’s interesting is that he shows us how to play these rhythms on the drum set. Though the subject matter is specific, it remains accessible enough so that you can find something inspiring, even if you are not familiar with the style. As a nice complement, the DVD makes us delve a little more into the details, especially with the technique. -- FC

This short method (barely 16 pages) will attract drummer looking to improve their groove, but also, and especially, those wanting to make the connection between funk and Cuban music, exactly what the title says! Inside, you’ll find grooves by the likes of Melvin Parker or Bernard Purdie and his Memphis Soul Stew. So you have solid references and, especially the opportunity to learn a way to play that revolves around the groove, without fills or unnecessary flourishes. The DVD part is well produced, with interesting segments showing and dissecting the progression of the rhythms. It’s a simple and natural approach that’s a welcome change from the flashier stuff we’re used to seeing. Short but very interesting! -- FC

(Méthode avec DVD) — Pour ceux qui ne connaissent pas la musique et les rythmes péruviens, voici une belle méthode facile d’approche qui vous permettra de voyager à travers une myriade de rythmes afro-péruviens. La méthode est très bien présentée, avec une belle section historique ainsi que les principales techniques. On se concentre sur une approche globale dans laquelle on parle du cajon et de quelques instruments percussifs comme la cajita, quijada, congas, bongos. Ce qu’il y a de bien c’est que l’on montre comment transposer tous ces rythmes sur la batterie. Cette méthode, tout en étant très spécifique, demeure assez générale pour que, si vous n’êtes pas familier avec le style, vous puissiez y trouver quelque chose d’inspirant! Le DVD permet de rentrer un peu plus dans les détails, surtout au niveau de la technique. Il s’avère un bon complément! -- FC

By Chuck Silverman

Cette petite méthode (à peine 16 pages) intéressera à coup sûr tous ceux qui veulent groover mais aussi et surtout ceux qui veulent faire la connexion entre le funk et la musique Cubaine. Le titre le dit clairement! On y trouve des grooves comme ceux de Melvin Parker ou Bernard Purdie et son Memphis Soul Stew. Ce sont de solides références en la matière et surtout une belle manière d’apprendre à jouer le groove sans avoir recours à des passes ou des fioritures inutiles. La partie DVD est bien montée avec des plans intéressants qui permettent de disséquer la progression des rythmes. C’est une approche simple et naturelle qui fait changement des présentations tape-à‑-l’œil auxquelles nous sommes habituées.

Petite méthode oui, mais d’un très grand intérêt! -- FC drums etc.

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products

produits

Remo Crown Percussion Line Remo’s Crown Percussion line now includes newly designed congas and bongos, both available in several sizes, equipped with Remo’s Tucked FIBERSKYN*3 drumheads, and chrome counterhoops and hardware. The professional quality instrument line also includes Agogo Bells, cylinder Shaker, a 6” Triangle, Maracas, Two Tone Wood Block Scraper, a wood Guiro, Cabasa, Rattle Box, Tambourines, and Bar Chimes.

Remo Versa Drum Versa Drum is Remo’s new line of world percussion instruments specially designed for recreational, educational, therapeutic, and social settings. Besides being highly playable quality drums, Versa drums are versatile as they feature Remo’s Taper-Fit Drum Coupling, which means they use the special pre-tuned and removable Versa drumheads, which you can also use as frame drums. Storing is easy and compact since the drums are nestable!

Versa Drum est la nouvelle gamme d’instruments de percussion de Remo, spécialement conçus pour un usage récréatif, éducatif, thérapeutique ou social. Mis à part le fait que ce sont des tambours de qualité qui se jouent très bien, les tambours Versa exhibent une polyvalence incomparable grâce à ses peaux amovibles pré-accordées pouvant s’utiliser comme des tambours sur cadre. De plus, les tambours Versa se rangent de façon compacte en s’insérant les uns dans les autres!

La gamme Crown Percussion de Remo comprend maintenant des congas et des bongos redessinés, tous deux disponibles dans une variété de dimensions, munis de peaux Tucked FIBERSKYN*3 de Remo et d’une quincaillerie chromée. La gamme d’instruments de qualité professionnelle comprend également des cloches agogô, des shakers cylindriques, un triangle de 6 pouces, des maracas, des blocs « deux tons », un guiro de bois, un cabasa, etc. www.remo.com

ca.yamaha.com 34

drums etc.

Pearl RT Pod Kits Whether you are a beginner or a seasoned working drummer, Pearl’s Rhythm Traveler Pod Kit portable 5-piece drumset might be the solution to your storage and transportation problems. Boasting half the footprint of the average drumset, but with the sound quality you expect from Pearl. Hardware and cymbals are included, as is a complete set of mesh heads for near silent practice.

Que vous soyez un débutant ou un batteur d’expérience très convoité, la batterie portable de 5 morceaux Rhythm Traveler Pod Kit de Pearl pourrait être la solution à vos problèmes d’entreposage et de transport. Même si elle occupe deux fois moins d’espace qu’une batterie de dimension normale, elle produit tout de même la sonorité à laquelle on s’attend d’une batterie Pearl. Le Rhythm Traveler Pod Kit est vendu avec ses cymbales, sa quincaillerie et un ensemble de peaux de mailles pour pratiquer très silencieusement. www.eriksonmusic.com

Pearl Limited Edition VBA Artisan II kits Canada, you are lucky! Pearl is offering the new Limited Edition VBA Artisan II drum set for the Canadian market exclusively. You get Pearl’s quality birch drums with amazing Artisan II finishes. For instance, the Racing Stripe set has muscle car colours, and is equipped with a black 890 Series Hardware Pack. Drums include a 22x18 undrilled bass drum, and a 14x5.5 snare drum.

Nous sommes chanceux d’être Canadiens! Pearl offre maintenant la nouvelle batterie VBA Artisan II en édition limitée exclusivement pour le marché canadien. Vous obtenez des tambours de qualité avec des fûts de bouleau et un choix de superbes finis Artisan II. Par exemple, la batterie Racing Stripe qui arbore les couleurs de muscle cars et est accompagnée d’une quincaillerie noire de série 890. Parmi les tambours, mentionnons la grosse caisse non percée de 22 x 18 pouces et la caisse claire de 14 x 5,5 pouces.

William Deslauriers / Les Vikings

Luc CATELLIER

Educator / Clinician

Murray CREED

Burn Halo / Independent

Sonny TREMBLAY

The Envy

Izydor “Izzy” CENTENO

Hybrid Artist / Trap

Merlin ETTORE

Buffalo Bros. / Independent

Glen “Archie” GAMBLE

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ca.yamaha.com drums etc.

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KAT Percussion Digital Drum Sets KMCMusicorp has launched its new KAT Percussion line, including two value-packed digital drumsets. The KT1 comes with 5 highly responsive drum pads, 3 cymbal pads, and a programmable control module, which includes 150 sounds and 10 user-programmable drumset configurations. The KT2 features an advanced control module containing 500 highquality drum, cymbal, and percussion sounds, 30 preset drum configurations and 10 user-programmable drumsets.

Very affordable, they are just begging to be played.

Try them!

Batterie numérique KAT Percussion KMCMusicorp a récemment lancé la nouvelle gamme de produits KAT Percussion en mettant en marché deux nouvelles batteries numériques abordables. La batterie KT1 comprend 5 tambours très sensibles, 3 pads de cymbales et un module programmable contenant 150 sonorités et 10 configurations de batteries programmables. La batterie KT2 pour sa part offre un module avancé contenant 500 sonorités de grande qualité, 30 configurations de batterie préréglées et 10 batteries programmables. A priori, ça semble intéressant et à ce prix, on ne peut pas se permettre de ne pas en faire l’essai! www. bjmusic.com

www. sonorcanada.com

Sonor Protean Signature Snare Drums Porcupine Tree drummer Gavin Harrison needs no presentation, but the new Gavin Harrison Protean Signature snare drum does! Offered in two sizes (14x5.25 and 12x5), the drum is made from 6 plies of hand-selected birch, and features a Silky Black finish, offset by white underlays between the chrome lugs and shell. Note that the Signature snare drum comes with a set of three newly designed dampening rings, and two Protean tuning keys.

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drums etc.

Caisse claire Sonor Protean Signature Le batteur de Porcupine Tree, Gavin Harrison, n’a certainement pas besoin d’introduction, mais la nouvelle caisse claire Protean Signature Gavin Harrison de Sonor, elle, en a certainement besoin d’une! Offerte en deux formats (14 x 5,25 pouces et 12 x 5 pouces), la caisse claire est faite de six couches de bouleau sélectionné avec une finition noire feutrée, avec des accents blancs entre les attaches chromées et le fût. Notez que la caisse claire Signature Gavin Harrison est vendue avec trois anneaux d’assourdissement et deux clés d’accordement Protean.

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Roland BT-1 Bar Trigger Pad Expanding your drumset’s capabilities is made that much easier with Roland’s new BT-1 Bar Trigger Pad. It is a new type of electronic trigger device designed to easily attach to a V-Pad, to a snare drum hoop or placed near the hi-hat if space is limited. The BT-1 can be used to trigger sounds from a V-Drums module or an SPD-series percussion pad. Bundled attachment parts are compatible with most rod-type and L-rod mounts, and MDH-series pad mounts.

Roland BT-1 Étendre les capacités de votre batterie se fait plus facilement avec le nouveau BT-1 Bar Trigger Pad de Roland. C’est un nouveau genre de déclencheur électronique conçu pour être fixé à un V-Pad, à l’anneau d’une caisse claire ou près du hihat, si l’espace est limité. Le BT-1 s’utilise soit avec un module V-Drums ou un pad de percussion de la série SPD. Le pad est vendu avec une série de pièces de fixation compatibles avec la plupart des supports de type rod et l-rod, et avec les supports de pads de la série MDH. www.roland.ca

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Evans Level360 Drumhead Collar

Collet de peau Evans Level360

Inspired by the extended collars found on modern timpani heads, Level360 collars ensure that “Evans drum heads fit on the drum’s bearing edge with greater ease, resulting in faster, more accurate tuning, with more tonal sustain.” As of January 1, 2013, all Evans tom and snare heads, as well as marching tenor heads, use the new Level360 collar.

Inspiré par les collets prolongés qu’on trouve sur les peaux de timbales modernes, les collets Level360 assurent que « les peaux Evans reposent mieux sur la bordure des tambours, ce qui rend l’accordement plus rapide et précis, produisant par le fait même une sonorité plus raisonnante. » En date du 1er janvier 2013, toutes les peaux Evans pour toms, caisses claires et ténors de parade seront munies du nouveau collet Level360.

Session Studio Classic

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