Drums Etc [v25-n4] Fall 2013

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

vol.25 no4 | fall / automne 2013

free/gratuit

Terry

Lesperance

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

Volume 25, No. 4 Fall 2013 / Automne 2013 Editor in Chief / Rédacteur en chef Aaron Edgar aaronedgar@drumsetc.ca Assistant Editor in Chief / Rédacteur en chef adjoint Franck Camus franck@drumsetc.ca

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Managing Editor / Coordonnatrice à la rédaction Sofi Gamache Editorial Assistant / Assistant à la rédaction Tara Wittet Manko Contributing Writers / Journalistes Franck Camus, Aaron Edgar, Jef Konwalchuk, Curtis Nowosad, Jeff Salem, Max, Senitt, Andrew Shoniker Translation / Traduction Jim Angelillo, Geneviève Hébert

By/Par: Aaron Edgar

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www.drumsetc.ca

Printer / Imprimeur Opale Impressions © Copyright 2013

Drums Etc is published 5 times per year and distributed across Canada, in drum shops, schools, rehearsal spaces, etc. This issue: 13 000 copies in 380 distribution points (circulation certified by Canada Post).

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Dominating Your Weaker Side

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Hidden Secrets: The Science of Great Drum Sound - Part 3 Secrets cachés ou la science derrière un son de batterie exceptionnel Partie 3 Jef Konwalchuk

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Craving the Uncomfortable Part 2 L'envie de l'inconfortable Partie 2 Andrew Shoniker

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Drummer: Musician or Gladiator Batteur: musicien ou gladiateur?

Getting Ready: A Guide to Preparing for College Auditions Se préparer pour une audition au niveau collégial ou universitaire Curtis Nowosad

Aaron Edgar

Advertising / Publicité Ralph Angelillo (888/450) 928-1726 / ralph@drumsetc.ca Jeff Knowles (514) 830-3555 / jeff@drumsetc.ca Publisher / Éditeur Serge Gamache (866) 834-4257 / (450) 651-4257 sergegamache@videotron.ca

Edito + Agenda

Comment dominer votre côté faible

Layout / Mise en page Karine Wolfe, Janam Publications Inc. Cover Photo / Photo du couvert: Gene Schilling

terry lesperance

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Licks : How To Make Them Work For You Les passes : comment les faire fonctionner pour soi Max Senitt

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Does Muscle Memory Exist?

La mémoire musculaire, ça existe?

Franck Camus

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Made in Canada: Drumeo

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New Products

Fait au Canada: Drumeo

Nouveaux produits

Jeff Salem

Publication Mail Agreement No 40009235 / Poste-Publication Convention No 40009235 Return Address / Adresse de retour: DRUMS ETC, 753 rue Ste-Hélène, Longueuil (QC) J4K 3R5 Canada Fax: (450) 670-8683

Drums Etc est publié 5 fois l’an, et est distribué partout au Canada dans les écoles et chez les détaillants de batteries et percussions, dans les studios de répétition, etc. Ce numéro : 13 000 copies dans 380 points de distribution (circulation certifiée par Postes Canada). drums etc.

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edito

agenda

How to Make Money from YouTube So, you want to make a cool, easy million bucks and be an online sensation? Well, I can’t help you do that. I can, however, tell you exactly how to start making money from your YouTube account, provided you’re creating your own content and not violating any copyright laws. I won’t get into those rules, as there are many. Use your common sense – it needs to be content that you personally created. You can’t pull anything from TV or music and, yes, that includes anything – even content that’s barely in the background.

First, log into your YouTube account. You’re going to need to have at least one eligible video uploaded. Click your name at the top right hand corner of the screen then head into Video Manager. From there, on the left you’ll find Channel Settings > Monetization. Click Enable. Go through the on-screen instructions and pay special attention to the Monetization Agreement. I can’t stress enough how important this is. If you mess around with these rules your account will get disabled from monetization and, worse yet, you’ll be permanently banned from having a Google AdSense account.

Speaking of which, go back to your Channel Settings and click Monetization. Under How Will I Be Paid? you’ll need to associate a Google AdSense account with your YouTube channel. You can create an account right from that screen. Follow the on-screen steps, and Booyah! Easy street! Now just sit back and watch your newfound fortune pour in. By which I, of course, mean watch the cents slowly trickle into your account until you break your first $100 threshold, most likely months from now. At which point you’ll get paid.

Far from being a quick income stream, if you make quality content people want to consume you’ll grow your audience, views and, in turn, your video income will increase exponentially.

Your earnings are derived from clicks on the ads YouTube will place on and beside your videos. When someone clicks on an ad you earn a small percentage of the ad revenue generated.

Have fun!

Comment faire de l'argent avec YouTube Vous aimeriez gagner un petit million de dollars en faisant sensation sur Internet? Malheureusement, je ne peux pas vous aider.

Par contre, je peux vous dire comment faire de l’argent avec votre compte YouTube, mais si et seulement si vous créez de toutes pièces le contenu de vos vidéos et que vous ne transgressez pas de lois sur le droit d’auteur. Je n’approfondirai pas sur ces lois, puisqu’il y en a beaucoup. Je vous suggère plutôt de vous en remettre à votre gros bon sens: il faut que le contenu de vos vidéos vienne de vous. Vous ne pouvez rien reprendre de la télé, d’une musique ou de toute autre chose, même si ça ne se retrouve qu’en arrière-plan.

Pour commencer, il faut ouvrir une session de votre compte YouTube. Puis vous avez besoin de télécharger au moins une vidéo éligible. Cliquez sur votre nom dans le coin supérieur droit de l’écran, puis sélectionnez Gestionnaire de vidéos. À partir de là, vous trouverez à gauche Paramètres de la chaîne > Monétisation. Cliquez sur Activer. Lisez les instructions à l’écran et portez une attention particulière à l'Accord de monétisation. Je ne peux pas insister plus sur l’importance de ceci. Si vous ne respectez pas ces règles, votre compte sera sans aucun doute désactivé ou, pire encore, vous serez banni en permanence et ne pourrez plus jamais avoir de compte AdSense avec Google.

Retournez maintenant dans votre Paramètres de la chaîne et cliquez sur Monétisation. Sous Comment serai-je payé?, vous aurez besoin d’associer un compte Adsense de Google à votre connexion. Vous pouvez créer un compte directement à l’écran en suivant les étapes. Une fois terminé, vous n’avez plus qu’à vous la couler douce en regardant votre fortune affluer de toutes parts. Ce qui se traduit, bien sûr, en sous, qui arriveront au compte-goutte dans votre compte jusqu’à ce que vous atteigniez votre premier 100$, fort probablement des mois plus tard. Auquel moment, on vous versera votre dû.

Loin d’être une entrée d’argent rapide, si vous produisez un contenu de qualité que les gens sont prêts à consommer, vous élargirez votre public, votre nombre de visionnements et en retour, votre revenu augmentera de manière exponentielle.

Vos gains sont dérivés des clics sur les annonces que YouTube place dessus et aux côtés de vos vidéos. Lorsque quelqu’un clique sur une annonce, vous gagnez un petit pourcentage du revenu que cette annonce aura généré.

Maintenant, amusez-vous!

Aaron Edgar Editor-in-chief Rédacteur en chef

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MONTRÉAL DRUM FEST 2013 Montréal, QC October 26-27/26 - 27 octobre 2013 www.montrealdrumfest.com

PASIC 2013 Indianapolis, IN November 13-16 / 13-16 novembre 2013 (317) 974-4488 www.pas.org

CAPITALE DRUM FEST 2014 Québec, QC Dimanche 19 janvier / Sunday January 19, 2014 www.comgrafik.ca/drumfest/index.html

THE WINTER NAMM SHOW 2014 Anaheim, CA January 23-26 / 23 au 26 janvier 2014 www.namm.org/thenammshow/2014

KoSA CUBA – PERCUSSION WORKSHOPS Havana, Cuba March 2-9 / 2 au 9 mars 2014 www.kosamusic.com

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z il dj i a n · g r etsc h · v ic fi rth

zach da n zig er & m ist e r b a r r i ngto n

cover story

en

couverture

Whether you realize it or not, you’ve most likely heard the man in action. I’m talking about Terry Lesperance. From touring to sessions, and even movie and sitcom music on hit shows such as Big Bang Theory, One Tree Hill and Sons of Anarchy, Terry is a musical chameleon and, at the heart of it all, a down-to-earth family man. Terry was graceful enough to grant DrumsEtc an interview despite his super-human busy schedule.

Tell the readers a little bit about yourself.

I was born and raised in Windsor, Ontario, Canada, and grew up in a musical family. I started playing drums at four years old with the influence of two of my uncles. And I never looked back. Now, years later, I’m a professional musician – mainly drums and percussion.

My musical passion, outside of touring and sessions, is TV and movie library/trailers and all that great stuff that you hear in the scenes. I’ve had the privilege and opportunity to play on a couple of sitcoms, movies, etc. – Big Bang Theory, One Tree Hill and Sons of Anarchy, to name a few. I have enjoyed this avenue of the music world as it has broadened the peripheral vision of my career.

One of my current projects is writing library music with fellow musicians who, like myself, work online doing session work. It’s a peculiar way of creating music with others; however, it lends itself to the ever-changing industry of online remote recording, which cannot be overlooked when finding ways to use your talent.

Who are your influences?

Influences to me are not just about talent. There is so much more to admire and be mentored by. For example, there are people in my life that have invested in me and have altered my path because of their influence. Randy Cooke is one of those guys. Not only has he played a huge role in my career, he has portrayed the example of professionalism in every aspect. He is an amazing player and a great friend. In addition to Randy, Steve Smith is another one of my influences and has changed my outlook on drums at a very young age. He’s got it all, and every time I see him play he has something new. A couple of other drummers like Chris McHugh, Vinnie and Manu are so respected. These players are constantly altering the world of drumming and we (drummers) are constantly copying their work – for good reason.

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drums etc.

Your workload is quite diverse. Give us a little bit of insight into the gear you need to do your job.

My studio is equipped with two Pro Tools rigs. One Mac HD that I record into and one PC that I use as a sound source and mix DAW. I have 16 pre amps (API, NEVE, VIN TECH), Avid I/O’s, along with a very good selection of soft synths and plugins with an extensive mic collection that helps me capture the tones. I work in the box. Most of what I do in my studio goes out raw for the client.

Oh the tones. This is where the possibilities are endless and I’ve been very lucky in this area due to the fact that I’ve been working with some of the best companies in the world: Sonor Drums, Sabian Cymbals, Vic Firth Sticks, Evans Heads, GonBops Percussion, Kelly Shu, PreSonus, Blue Mics/Summit Audio. And it’s these companies that make up my sound. I consider it a privilege to make music with their products.

When it comes to library and trailer stuff, the more obscure the better. And I take full advantage – putting blankets or taping objects to the heads is normal and the Evans Level 360 head allows me to tune drums real tight or real loose and get the perfect tone every time. Custom shop cymbals from Sabian – Mark Love, really add to the creative element.

They (Sabian) are capable of crafting my designs and producing the sounds I'm looking for and they nail it every single time. 

Terry

Lesperance Vous avez certainement déjà entendu cet homme quelque part sans même le savoir. Il s’agit de Terry Lesperance. Que ce soit en tournée, en studio, dans un film ou une sitcom populaire comme Big Bang Theory, One Tree Hill et Sons of Anarchy, Terry est à la fois un caméléon musical et un homme de famille pragmatique. Malgré son horaire ultra-chargé, Terry a eu la gentillesse d’accorder à DrumsEtc cette entrevue.

Parlez-nous un peu de vous.

Qui sont vos influences?

Je suis né et j’ai grandi à Windsor, en Ontario, dans une famille au penchant musical. J’ai commencé à jouer de la batterie à quatre ans sous l’influence de deux de mes oncles. Et je n’ai jamais arrêté. Aujourd’hui, je suis un musicien professionnel qui joue principalement de la batterie et des percussions. En dehors des tournées et du studio, je me passionne pour les bandes-annonces de film ou de sitcom et les banques de son. J’ai eu le privilège et l’occasion de jouer sur quelques sitcoms, films et autres, tels que Big Bang Theory, One Tree Hill et Sons of Anarchy, pour n’en nommer que quelques-uns. J’ai eu un coup de foudre pour cette spécialité qui a beaucoup élargi mes horizons en ce qui concerne ma carrière.

Mes influences vont au-delà du talent. Il y a tant d’autres choses à admirer et à suivre comme exemple. Par exemple, il y a des gens dans ma vie qui ont tellement investi en moi et qui ont transformé le cours des choses juste par leur influence. Randy Cooke est un de ceux-là. Il n’a pas seulement joué un rôle immense dans ma carrière, il a été pour moi un modèle de professionnalisme sur tous les points. Il est un musicien et un ami extraordinaire.

Outre Randy, Steve Smith est aussi une de mes influences. J’étais très jeune quand il a changé ma vision de la batterie. Il a tout pour lui et chaque fois que je le vois jouer, il arrive avec quelque chose de nouveau. Quelques autres comme Chris McHugh, Vinnie et Manu inspirent le respect. Ces gars-là sont constamment en train de changer le monde de la batterie et nous, les batteurs, sommes continuellement en train de les imiter, et avec raison. 

En ce moment, je travaille sur un projet de composition de musique pour des banques de son avec des amis musiciens qui, tout comme moi, font des séances de studio en ligne.

C’est une façon étrange de créer de la musique avec les autres, mais ça se prête bien à l’industrie toujours changeante de l’enregistrement à distance, ce qui n’est pas négligeable lorsqu’on cherche différentes façons d’utiliser son talent.

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Tell us about being in the studio recording film trailers and scenes.

How is it different from a typical session situation?

Being in the studio, regardless of the size or session, is gratifying. You can offer your talent to a project by personalizing the artists’ vision. Something that takes more than just listening to the track(s) – it involves personality, expression, message and more. Having a good ear for music is critical. But you cannot accomplish creating the vision without having a good ear for the artists, which, in this case, would be a scene. Capturing the vibe of the film/movie takes deliberate attention to detail, as this is where you’ll convince the audience visually through audio. You’ve got to remember that you’re not in a band environment.

Usually there are no vocals, the tracks are shorter and, typically, not your normal song structure. So, it’s imperative that you take your ideas out of the mix until you know what/ where the song is taking it. This is a lot different than live gigs with bands.

Have there been any situations (gigs, sessions, etc.) that have impacted the direction of your career in a big way?

In the early nineties I was playing on a video with a couple of other players. I already knew the guitar player from previous gigs. The bass player was a fill-in from Detroit, and killer. We did the gig – it was amazing! Upon packing up, the bass player asked if I'd like to work in Detroit. Of course, I said “yes”. This was my first time crossing the border and playing with some monster musicians. And, let's not forget Motown. Shortly after that gig, he called me to audition for a band that was about to tour Europe. By now I was feeling real nervous and excited. I walked into the rehearsal space and the first person I saw was legendary percussionist Larry Fratangelo. Now I'm really nervous. My first thought was, “nope, I ain't gettin’ this one.” And out comes the charts. Well, not being the best reader and as nervous as a death row inmate, I was able to get through it and landed the gig.

Ultimately, I haven’t stopped working since. This experience has repeated itself over the years; however, with growth comes maturity and with maturity comes a calmness. This calmness helps to control your adrenaline and allows you to do what you do best when it matters most.

Any advice for young drummers wanting to get into the studio and film realm?

Listen, Listen, Listen. Movie sound tracks, trailers, video games, etc. My start into this was because I was touring with a band, Celldweller, that was getting placements with Klayton’s (Celldweller leader) tracks. Klay, by far, is one of the most talented, intense people I know.

His music and work ethic is amazing.

Don’t be afraid to experiment with e-drums, samples, layers – whatever you need to make the track work. Sometimes it’s not how you play; it’s what you play. Play for the track.

When you’re watching a movie and the music is actually drawing you in – that’s the feeling you give the track.

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Is reading music a necessary skill in your line of work? Do you use any special charting methods, such as the Nashville Number System?

I am a firm believer in education; it's part of being a professional. However, that being said, I find that when I'm creating tracks it doesn't seem critical because the song takes on it’s own character and things change so fast – sounds, tempo's, etc. – until it morphs into its own personality. This is library stuff, so it's not likely to be played live.

When I do sessions in my studio, I may scribble down some ideas just to plough through a track without overdubbing. When I'm working elsewhere and/or making charts for live gigs, that’s when it becomes much more convenient. When working in Nashville, that's when it's vital. These (Nashville) pros tear through stuff. And speed is money! Jim Riley's book, The Nashville Number System, is probably the best book you can read to educate yourself on that method.

What outside of drums makes you tick?

I’ll be selfish here; my family is everything to me. It’s no secret in our business, the better you do the less you’re with your family. So when I’m not working, I’m with them. 

Votre charge de travail est très variée. De quoi vous servez-vous comme équipement?

Mon studio est équipé de deux stations Pro Tools: une en Mac HD sur laquelle j’enregistre et une en PC que j’utilise comme banque sonore et station de montage DAW. J’ai 16 préamplificateurs (API, NEVE, VIN TECH), une interface audio Avid I/O, une large sélection de synthétiseurs logiciels et de modules d’extension, ainsi que toute une collection de microphones pour m’aider à capter les différentes tonalités. Je travaille en studio, puis j’envoie à mes clients le résultat à l’état brut.

Il ne faut pas oublier les tonalités! C’est avec elles que les possibilités deviennent infinies! J’ai été chanceux de ce côté-là puisque je travaille avec les meilleures entreprises au monde: Sonor Drums, Sabian Cymbals, Vic Firth Sticks, Evans Heads, GonBops Percussion, Kelly Shu, PreSonus, Blue Mics/Summit Audio. Et c’est grâce à elles que j’ai un son. Je me considère privilégié de faire de la musique avec leurs produits.

Lorsqu’il est question de banques de sons et de bandes-annonces, plus le son est indistinct, mieux c’est. Je me permets de mettre des couvertures ou des objets sur les peaux, par exemple. Je peux accorder mes peaux Level 360 d’Evans de différentes façons : en les serrant très fort ou en les relâchant amplement afin d’en retirer la tonalité parfaite.

Les cymbales Mark Love sur mesure de Sabian ajoutent aussi beaucoup au côté créatif de mon travail. Les gens de Sabian arrivent toujours à fabriquer ce que je leur demande et à produire les sons dont j’ai besoin.

Parlez-nous un peu de votre travail en studio lorsque vous enregistrez des bandes-annonces et des bandes sonores pour des films. Comment est-ce que ce travail diffère d’une séance de studio ordinaire?

Peu importe la séance ou la grandeur du studio, le travail est toujours gratifiant. Il s’agit ici de mettre votre talent au profit d’un projet en personnalisant la vision de l’artiste. Ça prend plus que de la simple écoute; ça prend de la personnalité, de l’expression, un message et plus encore. Il faut avoir une bonne oreille pour la musique, mais aussi pour l’artiste, qui, dans ce cas-ci, se cache derrière les scènes. Pour capturer l’essence d’un film, il faut porter une grande attention aux détails, de façon à convaincre les spectateurs visuellement à travers l’audio. Il faut aussi vous souvenir que vous ne faites plus partie d’un groupe de musique. Il n’y a habituellement pas de voix, les pistes sont beaucoup plus courtes et d’habitude, vous n’avez pas affaire à une structure de chanson « normale ». Il est donc impératif de mijoter vos idées jusqu’à ce que vous sachiez exactement ce que vous voulez en faire. C’est très différent que de donner des concerts avec d’autres musiciens.

Avez-vous vécu des situations (des contrats, des séances de studio ou autre) qui ont eu un impact majeur sur la direction de votre carrière?

Au début des années 90, j’ai joué sur une vidéo avec d’autres musiciens. Je connaissais le guitariste puisque j’avais déjà travaillé avec lui sur d’autres contrats. Le bassiste était un musicien formidable de Détroit qui remplaçait quelqu’un. Ça c’était très bien passé.

En remballant nos instruments à la fin du contrat, le bassiste m’a demandé si j’aimerais travailler à Détroit. J’ai dit « oui », bien sûr! C’était la première fois que je traversais la frontière et que je jouais avec des musiciens de taille. Sans oublier Motown. Peu après cette aventure, j’ai été appelé pour passer une audition avec un groupe qui s’apprêtait à partir en tournée européenne. J’étais à la fois nerveux et excité. Quand je suis entré dans le local

de répétition, je suis tombé nez à nez avec le percussionniste légendaire Larry Fratangelo. Ça m’a perturbé. Ma première réaction fut « c’est foutu, je n’aurai pas le contrat ». Puis les partitions ont été distribuées. Même si je n’étais pas le meilleur lecteur de partitions au monde et que je me sentais aussi anxieux que si j’étais dans le couloir de la mort, j’ai réussi à passer au travers et à décrocher le contrat. Depuis ce jour, je n’ai jamais vraiment manqué de travail. Ce genre d’expérience s’est répétée avec les années, mais avec le temps, on acquiert une maturité qui se traduit par un certain calme. Ce calme aide à contrôler l’adrénaline et à donner le meilleur de soi-même au moment où ça importe le plus.

Avez-vous un conseil pour les jeunes batteurs qui voudraient entrer dans le monde du studio et des films? Écoutez, encore et encore. Des bandes sonores de films, des bandes-annonces, des jeux vidéos, etc. J’ai commencé dans le domaine parce que j’étais en tournée avec le groupe Celldweller au moment où les pistes de Klayton (le leader du groupe) commençaient à se retrouver sur des bandes sonores. Klay est de loin une des personnes les plus talentueuses et les plus intenses que je connaisse. Il a une disposition musicale et une éthique de travail incroyables.

Il ne faut pas avoir peur d’expérimenter avec les batteries électroniques, les échantillons, les couches et tout ce dont vous aurez besoin pour faire en sorte que votre piste fonctionne.

Parfois, ça n’a rien à voir avec comment vous jouez, mais plutôt avec quoi vous jouez. Créez avec la piste en tête. La prochaine fois que vous regarderez un film et que la musique vous captivera, dites-vous que c’est exactement l’effet que vous recherchez.

Faut-il absolument lire la musique pour le travail que vous faites?

Utilisez-vous une méthode spéciale comme le Nashville Number System?

Je crois fermement en l’éducation : elle est incontournable pour les musiciens professionnels. Cela dit, lorsque j’invente des bandes sonores, l’éducation a moins d’importance puisque la pièce finit par avoir sa propre personnalité et que les sons, les tempos et autres changent rapidement jusqu’à ce que la pièce prenne vie. Mais il est ici question de banques de son, pas de concerts live.

Lorsque je suis en studio, il se peut que j’aille à noter quelques idées de façon à avancer sur la piste et d’éviter de fractionner l’enregistrement (overdubbing). Quand je travaille ailleurs ou que je prépare des partitions pour des contrats live, c’est là que ça devient pratique. Lorsque je travaillais à Nashville, c’était vital. Les pros là-bas travaillent vite parce que la vitesse, c’est de l’argent! Le livre de Jim Riley, The Nashville Number System, est probablement le meilleur qu’on puisse lire sur cette méthode.

Et qu’est-ce qui vous allume en dehors de la batterie?

Je vais être égoïste: ma famille représente tout pour moi. Et ce n’est pas un secret : dans notre domaine, mieux vont les affaires, moins nous passons de temps avec la famille. Alors, quand je ne travaille pas, je suis avec elle. 

tbizzledrums67@yahoo.com www.theboomtaproom.com By/Par: Aaron Edgar Traduction: Geneviève Hébert Photos: Gene Schilling

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Dominating Your Weaker Side There are plenty of benefits to increasing your non-dominant side’s prowess on the drum set. Most notably, it will open up your facility around the drum set and, believe it or not, working your non-dominant side extensively will make your dominant side sound better.

An interesting thing happened when I started working on these ideas. I found that each of my sides – even though my goal was to make them sound indiscernible from one another – seemed to almost have their own musical personalities. Each side feels slightly different pocket-wise and has certain things they’re better at. For example, my left hand is naturally stellar at playing offbeat sixteenth notes – even as the cymbal pattern in a groove, which my right is far less comfortable doing.

Pay attention to the instructions here and watch the video: drumsetc.ca/weaker-side/

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Play this exercise with singles switching your leading hand every bar. Start with your dominant hand. The triplet on the & of 4 will make you end up leading with your left hand in your second bar. Be sure to use your metronome and try to make each side sound identical. Feel free to try this with your feet as well.

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drums etc.

If you’re like the vast majority of drummers you probably favor your dominant side. What I mean, is if you are a right handed person, you most likely play with your right hand on the cymbals for grooves and lead most, if not all, of your fills with your right hand.

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This exercise is intended for switching your hands. Play the groove how you’re normally comfortable. If you’re right handed, you most likely have your right hand on the hi hats crossed over your left hand on the snare drum. Play 4 bars (or to wherever it feels solid) and, without stopping, switch your hands. Left on the hats, right on the snare. Play these back and forth until they sound indiscernible from one another. If you have the gear and the setup where it’s possible, you can switch your bass drum foot with it as well.

3&4

Here we have a fill. Exercise 3 is meant to be lead with your right hand around the toms. Exercise 4 is in reverse and to be lead with your left hand.

After you’re comfortable with each, use them to switch lead with exercise 2 (which I’m just going to refer to as the beat). Play the beat right handed for three bars then the fill left handed (exercise 4), which lands you back into the beat left handed for three more bars and finally the fill right handed (exercise 3) and repeat.

5&6

If you’ve made it this far let’s put one of the final touches on this: adding dynamics. Exercise 5 and 6 are the same beat with some ghost notes on the snare drum.

This time, however, there’s accents on your hi hat. Pay special attention to how your hands interact, and work on the examples just like you did with number 2. 

Comment dominer votre côté faible Si vous êtes comme la grande majorité des batteurs, votre jeu est probablement dirigé par votre côté dominant. Ce que je veux dire est que si vous êtes droitier, il y a de grandes chances que vous utilisiez votre main droite sur les cymbales en jouant des grooves et que vous commencez la plupart, sinon la totalité, de vos passes avec votre main droite.

Il y a beaucoup d’avantages à augmenter les capacités de votre côté non dominant. Cela vous permettra principalement d’ouvrir votre jeu et de faciliter vos mouvements sur la batterie et, croyez-le ou non, ça fera en sorte que votre côté dominant sonne mieux.

Lorsque j’ai commencé à travailler ces idées, une chose intéressante s’est produite. J’ai réalisé que chacun de mes côtés, même si mon but était de faire en sorte qu’ils sonnent pareil, semblait avoir sa propre personnalité musicale.

Chaque côté semble différent quant à son interprétation du temps et certaines choses se font mieux du côté gauche ou droit. Par exemple, ma main gauche est naturellement exceptionnelle pour jouer des doubles croches à temps faible, même sur une cymbale pendant un groove, ce que ma main droite a plus de difficulté à faire.

Portez attention aux instructions suivantes et écoutez cette vidéo : drumsetc.ca/weaker-side/

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Jouez cet exercice avec des coups simples en alternant la main qui mène au début de chaque mesure.

Commencez avec votre main dominante. Le triolet de la fin vous fera recommencer la mesure avec votre main non dominante. Utilisez un métronome et essayez de faire sonner les deux côtés de façon identique. Jouez l’exercice avec vos pieds également.

2

Cet exercice vous fera alterner vos mains. Jouez le rythme de la façon dont vous êtes le plus confortable. Si vous êtes droitier, vous aurez probablement votre main droite sur le hi-hat, croisé au-dessus de votre main gauche qui frappera la caisse claire. Jouez-le pendant 4 mesures (ou jusqu’à ce que vous le jouiez solidement) et, sans arrêter, inversez vos mains : main gauche sur le hi-hat, main droite sur la caisse claire. Jouez en alternance jusqu’à ce qu’il n’y ait plus de différences sonores. Si vous avez l’équipement nécessaire, inversez aussi vos pieds à la grosse caisse.

3 et 4

Voici une passe de remplissage jouée aux toms. L’exercice 3 commence avec la main droite, tandis que l’exercice 4, qui rebrousse chemin, commence avec la main gauche.

Une fois que vous êtes confortables avec les deux, utilisez ce que vous avez acquis pour changer la main qui mène dans l’exercice 2 (que j’appellerai tout simplement le rythme). Jouez le rythme comme droitier pendant trois mesures et puis jouez la passe gauchère de l’exercice 4, qui vous fera recommencer le rythme avec la main gauche pendant trois mesures avant de jouer la passe de l’exercice 3. Répétez.

5 et 6

Si vous maîtrisez les exercices précédents, ajoutons l’une des touches finales : les dynamiques.

Les exercices 5 et 6 illustrent le même rythme avec des notes fantômes jouées à la caisse claire. Cette fois-ci, toutefois, il y a des accents joués sur le hi-hat. Portez une attention particulière sur la façon dont vos mains interagissent entre elles et travaillez les exemples comme vous l’avez fait avec l’exercice 2. 

By/Par: Aaron Edgar Traduction: Jim Angelillo drums etc.

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Hidden Secrets THE SCIENCE OF GREAT DRUM SOUND Part 3: Got a Light?

It has long been known that if you leave a group of humans alone together for a period of time, they will invariably begin to ask each other questions. If the group shares a common interest, then it is almost certain that some of the questions will have something to do with that interest. It's not surprising, then, that as a drummer who often finds himself in a room full of drummers, I am asked a lot of drum-related questions. What is quite surprising, however, is the frequency with which one particular question seems to arise: "So, just how important are skins anyway? Do they really make that much of a difference in the sound?"

I hear this question so often that I decided to try an experiment: I took the skins off of one of my toms and hit it, just to see what would happen. As it turns out, not a lot. Without the skin, the drum just sounded absent. Ok, problem solved. The skins play a major role in the sound.

Article done. Goodnight everybody!

Nobody likes a thin plot. This one certainly must have a thickening agent somewhere. Obviously the skins are important, but what do they do? As we learned in part 1, the skins work with the shell to create a predictable and pleasing vibrational pattern. In part 2, we learned that the materials in the shell are chosen and arranged to generate and sustain the lions share of those vibrations, but without the skins, the shell is like a person with a cigar and no matches or lighter. Yes, the skins serve as the spark to set the whole process in motion, and without them, drummers would likely get more gigs in libraries.

Most modern drums have 2 skins. A batter skin on the top (striking surface) and a resonant skin on the underside of the drum. As their names imply, they serve different purposes. The batter skin is the one you hit. Batter up! This guy starts the whole thing in motion. The type of vibrational energy that this generates will be all the shell has to work

Secrets cachés OU LA SCIENCE DERRIÈRE UN SON DE BATTERIE EXCEPTIONNEL Partie 3 : Vous avez du feu?

Il est bien connu que si on laisse un groupe d’humains seul pour une période de temps, ils commenceront inévitablement à se poser des questions entre eux. Si les membres du groupe ont un intérêt en commun, il est presque certain que les questions auront un lien avec celui-ci. Il n’est donc pas très surprenant que, en tant que batteur qui se retrouve souvent dans des salles pleines de batteurs, je me fasse poser beaucoup de questions relatives à la batterie. Ce qui est surprenant, toutefois, est la fréquence avec laquelle je me fais poser la question suivante : « les peaux, sontelles si importantes que ça? Font-elles vraiment une si grande différence dans le son? »

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drums etc.

J’ai entendu cette question tellement souvent que j’ai décidé de faire une expérience. J’ai ôté les peaux d’un de mes toms et je l’ai frappé, pour voir ce qui se produirait.

Et comme prévu, il ne s’est pas produit grand-chose. Sans peaux, le tambour sonnait absent. Voilà! Les peaux jouent un rôle majeur dans la production du son. Fin de l’article.

Bonsoir!

Personne n’aime une conclusion si simpliste. Celle-ci possède sûrement de la matière. Évidemment, les peaux sont importantes, mais que font-elles? Comme nous l’avons appris dans la première partie, les peaux travaillent avec le fût pour créer un motif de vibration prévisible et plaisant. Dans la deuxième partie, nous avons appris que les matériaux composant le fût sont choisis et arrangés pour générer et maintenir une grande part de ces vibrations, mais sans les peaux, le fût est comme un cigare sans allumettes ni briquet. Oui, les peaux sont l’étincelle qui met tout le processus en marche et sans elles, les batteurs joueraient sans doute plus souvent dans les bibliothèques.

La plupart des tambours modernes ont deux peaux.

Une peau de frappe sur le dessus et une peau résonante en dessous. Comme l’indique leur nom, elles ont chacune une tâche bien différente. La peau de frappe est celle qu’on frappe. C’est celle qui lance le bal. Le type d’énergie vibrante

with to do its job, so the batter head chosen should have similar properties to the shell. The thicker a skin is, the slower it will oscillate, and therefore produce lower pitches.

And vice versa.

In general, skins are sold in 1 ply or 2 ply configurations (like toilet paper). This certainly has an effect on the pitches they will resonate on, but it also has an effect on the attack sound as well. Single ply heads are just one layer of material, so when they are hit, they have a sort of pop, as the single layer can react very quickly to the impact of the stick and push the air under it rapidly. Double ply heads are made up of 2 skin layers joined together at the edge, so when struck, the first layer slaps into the second layer, producing a wet, snapping or slapping sound. The 2 layers also interact with each other and cause the skin to sustain for a shorter period; increasing the low frequency resonance while decreasing the sustain.

Another important factor (especially with drummers) is volume. This is a short paragraph. Thinner skins tend to be noticeably louder, and although they don't necessarily resonate as deeply, they cut or project more vigorously.

"Hey Jef" "Yeah?"

"What's this down here?"

Another skin! There is a skin on the bottom of the drum too, and its not just there to keep the dead flies in.

As mentioned in part 1 of this series, while the batter head generates the vibrational impulse in the shell, the resonant head actually reinforces it. Once the vibration gets to the bottom of the drum, the resonant skin will determine which frequencies are enhanced and sent back into the shell for another round o' ringing. You see, sound moves fast. Really fast. So in order for a drum to sustain, the sound must travel back and forth through the drum a substantial number of times, thus allowing it to keep giving off sound.

We can apply much of the same science to this. Thicker, heavier skins will reinforce lower frequencies, and thinner skins will tend to produce higher pitches. As discussed in part 2, the hardness and density of the shell material determines its behavior, so for maximum effect, we want to pair shells with skins that offer the frequencies that they can easily digest.

for some of the sizes. I certainly recommend trying floor tom resonant heads that are one step thicker than what you are using on your rack toms. BOOM! Coated or Clear? The difference here is the province of subtlety, but still important. Ever seen a hairless cat?

Compared to a fuzzy one, they seem kind of sharp and prickly. This is (oddly) the analogy I’ve chosen here – but hear me out. The coated cat will have softer edges and feel warmer. That’s what coating the skin does for the sound, it rounds off the sharp edges and makes the sound slightly fuzzier or warmer. Coating also makes the stick definition a little clearer – there's basically a wee bit more tap to it when struck. I don't recommend trying this with either of the above-mentioned variety of cat.

Next issue we'll connect some of the dots with tuning techniques.). 

Another often-neglected aspect is that of size relativity.

Simply put, as your drums get bigger, the skins need to get thicker in order to work in the same way. So, if one would decide to use the exact same weight/gauge of skin on every tom, from 8" to 16", one would find that the drums would behave inconsistently from one to the other. Some may sound full and thick, while others sound choked, or thin and flat. This is because that weight of skin will only be optimal By/Par: Jeff Konwalchuk Traduction: Jim Angelillo

qui est produite est ce avec quoi le fût aura à travailler, donc la peau de frappe choisie devrait avoir des propriétés similaires au fût. Plus la peau est épaisse, plus l’oscillation sera lente, produisant des sonorités plus graves. Et viceversa.

En général, les peaux sont vendues à simple ou double épaisseur (comme le papier de toilette). Cela a certainement un effet sur la hauteur tonale des peaux, mais aussi sur la sonorité de l’attaque. Les peaux à simple épaisseur sont faites d’une couche de matériel, donc lorsqu’on les frappe, elles réagissent très rapidement à l’impact du coup de baguette, produisant une sorte de « pop », poussant l’air dans le fût très vigoureusement. Les peaux à double épaisseur sont faites de deux couches de matériel joint à la bordure. Donc, lorsqu’on les frappe, la première couche heurte la seconde, produisant une sonorité claquante. Les deux couches agissent entre elles, écourtant la longueur de note et augmentant la résonance de fréquences basses.

Un autre facteur important, surtout pour les batteurs, est le volume. Les peaux plus minces ont tendance à produire plus de volume et, bien qu’elles ne résonnent pas aussi profondément, elles ressortent ou projettent avec plus de vigueur.

« Heille Jef »

« Oui? »

« C’est quoi, ça, en dessous? »

Une autre peau! Il y a une autre peau en dessous du tambour et elle n’est pas là pour conserver les mouches mortes. Comme je l’avais noté dans la première partie de cette série, pendant que la peau du dessus génère l’impulsion vibrante à l’intérieur du fût, la peau du dessous, ou résonante, la renforce. Dès que la vibration atteint le fond du tambour, la peau résonante détermine quelles fréquences sont amplifiées et renvoyées dans le fût pour sonner une fois de plus. Le son avance très très rapidement.

Donc, pour qu’un tambour résonne pendant une certaine période de temps, le son doit aller et venir à l’intérieur du tambour une multitude de fois, permettant à l’instrument de continuer à produire du son.

Nous pouvons appliquer ce principe scientifique aux peaux. Les peaux plus épaisses et lourdes renforcent les basses fréquences, tandis que les peaux plus minces ont tendance à produire des fréquences plus aiguës. Comme discuté dans la deuxième partie, la dureté et la densité du matériau avec lequel est fabriqué le fût déterminent son comportement, donc pour obtenir un effet maximal, nous voulons jumeler les fûts aux peaux qui offrent les fréquences pouvant le mieux être digérées par ceux-ci.

Un autre aspect souvent négligé est la relativité des dimensions. Simplement dit, plus vos tambours sont gros, plus les peaux doivent être épaisses pour que les deux puissent travailler le mieux possible ensemble. Donc, si on

décidait d’utiliser exactement la même peau sur tous les toms, de 8 à 16 pouces, on constaterait que les tambours réagiraient de façon inégale. Certains sonneraient bien gras et profond, tandis que d’autres sonneraient étouffés ou minces et plats. C’est pourquoi l’épaisseur des peaux est optimale pour seulement certaines grandeurs de tambours. Je recommande, par exemple, d’essayer une peau résonante plus épaisse d’un cran sur votre tom de plancher qu’elle l’est sur les autres toms. BOOM! Avec ou sans revêtement (coated ou clear)? Ici, la différence est du domaine de la subtilité, mais elle peut être importante. Avez-vous déjà vu un chat sans poils? Si on le compare à un chat bien poilu, il paraît sec et froid. Voilà l’analogie que j’ai choisie. Étrange, oui, mais suivez tout de même mon raisonnement. Le chat avec revêtement est plus doux et semble plus chaleureux. C’est l’effet du revêtement sur une peau; il adoucit ce qui peut être acéré et rend le son plus flou ou plus chaleureux. Le revêtement rend aussi la définition du coup de baguette un peu plus clair; le coup est légèrement plus perceptible. De grâce, n’essayez pas ça avec les chats du voisinage!

Dans le prochain numéro, nous ferons le lien avec les techniques d’accordement. 

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Une spécialisation à l’intention des diplômés collégiaux et universitaires désirant une carrière dans l’industrie de la musique

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vol.25 no4 | fall / automne 2013

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

Gestion dans l’industrie de la musique

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La session d’hiver débute le 4 février 2013 La session de printemps débute le 27 mai 2013

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CRAVING THE UNCOMFORTABLE

clinic

review As part of Sonor’s series of clinics across Canada, we were fortunate to see Benny Greb at Italmélodie in Montréal. He was there to present the new Prolite series. If you read our review of his latest method in the previous issue, you know that Benny is an original drummer that does things his way. His groove is the best example. Of course, this is what he showed us all evening, humorously. He spoke about the three practice levels: what, how and why. Light-heartedly, he explained that the how goes against the what simply because we are not concentrated enough on the way we do things. It was an excellent evening spent with a solid and authentic drummer.

critique

atelier

Dans le cadre de sa série d’ateliers pour Sonor au Canada, Benny Greb a fait un arrêt chez Italmélodie à Montréal.

Il présentait la nouvelle série Prolite. Si vous avez lu la critique de sa dernière méthode dans le numéro précédent, vous aurez constaté que Benny est un batteur original qui fait les choses à sa manière. Son groove en est le plus pur exemple. Évidemment, c’est ce qu’il a démontré tout au long de la soirée avec un humour jovial.

Il a notamment parlé des 3 niveaux de pratique : le quoi, le comment et le pourquoi. Il a raconté avec légèreté que le comment va à l’encontre du quoi, tout simplement parce que nous ne sommes pas assez concentrés sur la façon dont nous faisons les choses. Ce fut une excellente soirée passée en compagnie d’un batteur solide et authentique.

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PART 2: FURTHER WAYS TO GET OUT OF YOUR COMFORT ZONE Last issue, I presented several ways to get out of your comfort zone behind the drums. This article picks up where that one left off. So let’s jump in.

LEARN A NEW STYLE. When I was at Berklee I was first introduced to Afro-Cuban music in a real way.

Sure, I could play a white guys mambo but I had never heard of the guaguancó, cascara and songo. When I first saw Horacio “El Negro” Hernandez doing the left foot clave on an old Modern Drummer Festival VHS (yes, I’m old, don’t rub it in), I freaked out. It was like he was from Mars. I was determined to try to get some of whatever he had into my playing, and I don’t even play Afro-Cuban music. I delved into those rhythms headfirst. It was tough, frustrating and sounded awful at first but I plowed through with sheer will. I forced myself to go way outside my comfort zone, which at the time was predominantly fusion, funk and rock.

LISTEN TO NEW MUSIC. We like what we like. Some of us like a bit of everything, some of us stick to one type of music. It’s all good. What is great is to discover something you might not normally listen to and have it impact your playing. Trust me, you will thank yourself. I remember when I first heard electronic music back in high school. The manager of a local music store knew I was a drummer and we were always talking music. One day he said to me: “You gotta get this album, it’s the drum album of the year”. The album was a drum n’ bass compilation called “Logical Progression Vol.1”, by LTJ Bukem. It was a compilation put together by an English DJ I had never heard of and I bought it not expecting too much. But man, I sure am glad I bought it because it introduced me to a whole new world of music and rhythms. As with Afro-Cuban, I was determined to learn this exciting new style.

I have around 12,000 albums and, yes, I have listened to all of them at least once. Some of these albums still get pulled out when I get a craving for a certain groove, vibe or lick. I still force myself to listen to all kinds of stuff that I wouldn’t naturally gravitate towards and by doing this I delve more into a particular style and my musical tastes open.

LEARN A NEW INSTRUMENT. Yes, we are all drummers. We drive the band. We make feet tap and hips sway. But sometimes, we can get a bit carried away, myself included, with the “hey everybody, check this out” mentality. I highly recommend learning another instrument. I don’t mean you need to be proficient and gigging on something other than drums, and I don’t want you to cheat too much. But learning how to hack my way through some chords and melodies on the piano has given me a new ear for what to play as a drummer. It’s a weird dichotomy, but by not thinking like a drummer sometimes you play more musically.

I am constantly trying to get out of my comfort zone. I never practice things I can do – that’s more maintenance than practice. If you’ve put in the time, all that stuff you can do isn’t going to go away anyways.

I really can’t stress enough the importance of trying the things I have laid out in part one and two. Sometimes it can be frustrating, but greatness does not come simply. I hope every one of you reading this has the desire to strive for greatness.

Your comfort zone will expand with the more experience and skills you acquire. All that stuff that seemed alien to you at first will soon become part of your toolbox.

L’ENVIE DE L’INCONFORTABLE PARTIE 2 : D’AUTRES FAÇONS DE SORTIR DE VOTRE ZONE DE CONFORT Dans le numéro précédent, je vous ai présenté quelques façons de vous éloigner de votre zone de confort à la batterie. Je poursuis donc mon exploration dans ce numéro.

APPRENEZ UN NOUVEAU STYLE. J’ai été initié à la musique afro-cubaine quand j’étais étudiant à Berklee. Certes, je pouvais jouer un mambo sans âme, mais je n’avais jamais entendu parler des rythmes guaguancó, cascara et songo. Lorsque j’ai vu Horacio “El Negro” Hernandez jouer la clave au pied gauche dans une vieille cassette VHS du Modern Drummer Festival (oui, je suis vieux…), ça m’a scié en deux. C’était comme s’il venait tout droit de Mars. J’étais déterminé à intégrer un peu de ce qu’il avait dans mon jeu et je ne jouais même pas de musique afro-cubaine! J’ai plongé tête première dans ces rythmes.

C’était difficile, frustrant et au début ça sonnait vraiment horrible, mais ma volonté était telle que j’ai tenu le coup. Je me suis forcé à sortir de ma zone de confort qui, à l’époque, tournait autour du funk, du rock et de la musique fusion. ÉCOUTEZ DE LA NOUVELLE MUSIQUE. Nous aimons la musique que nous aimons.

Certains d’entre nous aiment un peu de tout, tandis que certains n’aiment qu’un style musical. Il y a de tout dans la nature. Ce qui est bon est de découvrir quelque chose que vous n’écouteriez pas d’habitude et que cela affecte votre jeu. Faites-moi confiance, vous serez content de l’avoir fait. Je me rappelle quand j’ai entendu de la musique électronique pour la première fois quand j’étais au secondaire. Le gérant d’un magasin de disques savait que j’étais un batteur et nous parlions toujours de musique. Un jour, il me dit : « il faut que tu écoutes cet album, c’est l’album de batterie de l’année ». L’album en question était une compilation drum n’ bass nommée « Logical Progression Vol.1 » de LTJ Bukem. La compilation avait été mise sur pied par un DJ britannique que je ne connaissais pas, mais je l’ai acheté, ne m’attendant pas à grand-chose. Évidemment, je suis vraiment content de l’avoir acheté, car il m’a ouvert la porte vers un tout nouveau monde musical et rythmique.

Comme la musique afro-cubaine, j’étais déterminé d’apprendre à jouer ce nouveau style.

By/Par: Andrew Shoniker Traduction: Jim Angelillo

Je possède environ 12 000 albums et, oui, je les ai tous écoutés au moins une fois. Il y en a plusieurs que j’écoute encore de temps à autre quand j’ai le goût d’un certain groove ou d’une certaine ambiance. Je me force toujours à écouter toutes sortes de musiques vers lesquelles je ne suis pas naturellement attiré, mais c’est en me penchant sur un style particulier que mes goûts s’élargissent.

APPRENEZ À JOUER UN NOUVEL INSTRUMENT. Oui, nous sommes tous des batteurs. Nous donnons vie à notre groupe musical. Les gens tapent du pied et dansent à cause de nous. Mais parfois, nous nous emportons un peu trop, moi compris, avec la mentalité « ohé, tout le monde, regardez ça ». Je recommande donc d’apprendre à jouer un autre instrument. Il n’est pas nécessaire de devenir hyper compétent ni de commencer à trouver des contrats, mais je ne veux pas que vous trichiez non plus. En apprenant comment jouer quelques accords et mélodies au piano, j’ai acquis une nouvelle oreille quant à ce que je joue à la batterie. C’est une dichotomie étrange, mais parfois, il s’agit de ne pas penser comme un batteur pour jouer de façon plus musicale.

J’essaie constamment de sortie de ma zone de confort. Je ne répète jamais les choses que je sais jouer; c’est de l’entretien plutôt que du travail. De toute façon, si vous y avez mis le temps nécessaire, tout cela ne disparaîtra pas. Il est très important que vous essayiez ce que j’ai suggéré dans mes deux articles. Parfois, cela peut être frustrant, mais les grandes choses ne se font pas simplement. J’espère que tous ceux qui lisent ceci voient grand.

Votre zone de confort s’étendra à mesure que vous acquérez de l’expérience et des habiletés. Tout ce qui semblait étrange au début fera bientôt partie de votre boîte à outils. 

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DRUMMER: MUSICIAN OR GLADIATOR? THE ART OF PLAYING TABLA

dvd review Created first and foremost for those that love the tablas, this DVD teaches you about the tablas, which requires patience, particularly for beginners.

You do not count the beat, rather you sing it like a mantra: “dha dha tit kaida”. Speed and precision are essential.

With sounds and textures that promote meditation, this is a universe imbued with peacefulness and serenity.

Although it is directed at a particular public, this DVD by Tarsem Kaylan is a nice surprise.

critique dvd Conçu d’abord et avant tout pour ceux qui aiment cet instrument, ce DVD propose de vous familiariser avec les tablas, ce qui demande de la patience pour un néophyte en la matière. On ne compte pas la pulsation, mais on la chante plutôt tel un mantra : « dha dha tit kaida ». La vitesse, ainsi que la précision sont de rigueur, ce qui a le mérite de nous plonger dans un univers de calme et de sérénité, car la texture des sons renvoie à la méditation. Bien que pour un public ciblé, ce DVD, dirigé par Tarsem Kaylan, est une belle surprise.

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drums etc.

Ladies and gentlemen. In this corner, we have Drummer X: a wellrounded, versatile musical drummer with over 100 recording credits, extensive tour experience and excellent time, dynamics and sightreading skills. He’s worked with the best from rock and roll to jazz.

In the other corner, we have Drummer Y: an incredible drummer with the fastest feet, coolest stick twirls and quickest hands.

Both of these drummers have remarkable achievements; however, which would you like to be? Or, should I say, what path would you like to follow in developing your skills as a drummer?

Personally, I think it would be amazing to be both. Is that possible? Yes, but you need to be realistic where you focus your time developing the art form.

I have been teaching drums for 22 years and, recently, have noticed a shift in priorities with beginner students of all ages. Some of these students arrive at their first lesson wanting to play a one-handed drum role without having developed the proper technique to hold drumsticks. Another might want to learn to play blazing double bass, having never put a single foot on one pedal. Do you see where this is going?

If you choose to become a professional drummer, remember that it’s important to be versatile. Even if your passion is to play, say, rock music, you need to branch out and learn different styles of music in order to really grow.

There are many benefits to learning different styles of music. Ideas from one genre blend their way into another genre. When I was learning to play double bass, for example, I wanted to create some cool grooves with plenty of independence, but I didn’t know where to begin. I took different world grooves, such as the samba, and replaced the foot ostinato with a double bass 16th note pattern, but I played the samba hand pattern over the feet. I remember presenting a groove to a band with a Latin flare and the guitarist wrote a unique part inspired by it. This opened up the door for me.

Try playing fast punk or metal blast beats at up-tempos. The challenge is to maintain steady time, dynamics and consistency. This will apply to any up-tempo jazz tunes, such as “Giant Steps” and “Cheeroke”. There are versions of these clocking in at 300-350 BPM. Learning to be comfortable playing at these tempos in jazz will greatly assist you in playing the fast metal/punk beats. Your main focus in both is to stay relaxed and consistent.

Many world-class drummers still take lessons from other great artists. Some of these incredible drummers have great stick tricks and fast feet/hands, but remember, they have been playing their instrument for years and have focused on some of their personal favorite ideas.

If you practiced 20 hours per week you’d have plenty of time to work on several areas. If I just worked on paradiddles with my feet for 20 hours a week over a period of a month, I’d have them pretty smooth and quick. But where do I use that skill on a gig with a band? I would rather spend 20 hours learning a few more standards from the “Real Book”, or perhaps brushing up on some styles that I am not comfortable with. If time allows you to squeeze 5 more hours of practice in a week, then treat yourself to working on some personal favorite licks and tricks.

Here are my 5 tips for the up-and-coming generation of new drummers: 1. Find a good teacher and learn all aspects of this art form. Being a well-rounded drummer will make you a much better musician 2. Be open-minded to all styles of music. Versatility is key 3. Learn as many songs as you can in all different styles 4. Work with different musicians, bands, etc. Get out there and network 5. Be patient, professional and keep a positive attitude Prioritizing your stages at learning the wonderful art form of drumming is the key. 

BATTEUR : MUSICIEN OU GLADIATEUR? Mesdames, messieurs, dans ce coin, nous avons Batteur X, un batteur accompli, polyvalent et musical, avec plus de 100 albums à son actif, une grande expérience de tournée et un excellent sens de la pulsation, des dynamiques et de lecture à vue. Il a travaillé avec les meilleurs artistes, du rock au jazz.

Dans l’autre coin, nous avons Batteur Y, un batteur incroyable avec les pieds et le mains les plus rapides et les passes de baguettes les plus cool.

Ces deux batteurs présentent des accomplissements remarquables. Toutefois, lequel aimeriez-vous être?

Ou plutôt, devrais-je dire, quel chemin voudriez-vous suivre dans le développement de vos habiletés en tant que batteur?

Personnellement, je crois qu’il serait incroyable d’être les deux. Est-ce possible? Oui, mais il faut être réaliste quant à ce que vous travaillez et le temps que vous y mettez afin de développer votre forme d’art.

Beaucoup de batteurs de réputation internationale prennent toujours des leçons d’autres grands artistes. Certains de ces batteurs exceptionnels font des passes de baguettes impressionnantes et ont les pieds et les mains rapides comme l’éclair, mais rappelez-vous qu’ils jouent leur instrument depuis longtemps et se sont concentrés sur certaines idées qu’ils aimaient particulièrement.

Si vous répétiez vingt heures par semaine, vous auriez beaucoup de temps à consacrer à plusieurs aspects. Si je jouais des paradiddles avec mes pieds pendant vingt heures, je les jouerais de façon fluide et rapide. Mais où et quand vais-je utiliser cette habileté?

J’aimerais mieux passer mes vingt heures à apprendre quelques standards du « Real Book » ou, possiblement, réviser quelques styles avec lesquels je ne suis pas confortable.

Et si vous pouvez ajouter cinq heures de répétition par semaine, profitez-en pour travailler sur vos passes préférées.

Voici mes cinq conseils pour la génération émergeante de batteurs : 1. Trouvez un bon enseignant et apprenez tous les aspects de cette forme d’art. Être un batteur polyvalent fera de vous un bien meilleur musicien.

2. Soyez ouvert d’esprit; la polyvalence est la clé.

3. Apprenez le plus de pièces musicales possible, dans tous les styles.

4. Travaillez avec différents musiciens, groupes, orchestres, etc. Sortez et faites du réseautage.

5. Soyez patient, professionnel et positifs.

La clé est de donner la priorité à certaines étapes dans le développement de votre merveilleuse forme d’art.  By/Par: Jeff Salem Traduction: Jim Angelillo

Ça fait 22 ans que j’enseigne la batterie et j’ai remarqué récemment des changements dans les priorités des étudiants débutants de tous les âges. Certains se présentent à leur première leçon voulant jouer un roulement à une main sans avoir acquis la bonne technique pour tenir les baguettes. D’autres veulent apprendre à jouer la grosse caisse double le plus rapidement possible, mais n’ont pratiquement jamais mis le pied sur une seule pédale. Vous voyez où je m’en vais?

Si vous décidez de devenir un batteur professionnel, rappelezvous qu’il est important d’être polyvalent. Même si vous êtes passionnés, disons, par la musique rock, vous devez élargir votre palette en apprenant à jouer différents styles musicaux et ainsi mûrir.

Apprendre plusieurs styles musicaux offre beaucoup d’avantages.

Les idées d’un genre musical peuvent se mêler à celles d’un autre genre. Quand j’apprenais à jouer la grosse caisse double, par exemple, je voulais créer des rythmes avec beaucoup d’indépendance, mais je ne savais pas par où commencer. J’ai donc pris quelques grooves issus de musique du monde, comme la samba, et j’ai remplacé les ostinato au pied par un motif de doubles croches à la grosse caisse double, tout en jouant le motif de la samba avec les mains. Je me rappelle avoir présenté un groove à une formation à saveur latine et le guitariste s’y était inspiré pour écrire une partition unique. Une porte s’était ouverte.

Try playing fast punk or metal blast beats at up-tempos. The challenge is to maintain steady time, dynamics and consistency.

This will apply to any up-tempo jazz tunes, such as “Giant Steps” and “Cheeroke”. There are versions of these clocking in at 300-350 BPM. Learning to be comfortable playing at these tempos in jazz will greatly assist you in playing the fast metal/punk beats. Your main focus in both is to stay relaxed and consistent. drums etc.

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Getting Ready: A Guide to Preparing for College Auditions BERKLEE WORKSHOP KENWOOD DENNARD THE STUDIO/TOURING DRUMMER

dvd review This very educational DVD is set up like a master class. First, we hear Kenwood speak about his 25 years of touring. Then, he tells us about the way he grooves. Simply look at his list of collaborations, which includes a who’s who of the jazz world, there is no doubt Kenwood knows how to groove! He also explains how he perceives melody as a drummer, and he then proceeds to sing The Chicken (a piece made popular by Jaco Pastorius), as well as on most other songs. This is an excellent DVD by a master of melodic solos. Kenwood is very dynamic and vibrant person.

His DVD is simply produced and accessible, even though few among us will attain his intensity on the ride!

critique dvd Ce DVD se veut assez pédagogique; un peu comme un cours de maître.

On voit d’abord Kenwood en entrevue parler de ses 25 années de tournées. Puis, il nous donne une idée de la façon dont il groove.

Quand on lit sa carte de visite qui mentionne tous les grands du jazz avec qui il a joué, il n’y a aucun doute : Kenwood sait groover! Il montre également comment il conçoit la mélodie en tant que batteur et on l’entend ensuite chanter sur The Chicken (chanson popularisée par Jaco Pastorius), ainsi que sur l’essentiel des pièces.

Un excellent DVD par un maître qui aime les solos mélodiques!

Personnage très dynamique et allumé, il a le mérite de rendre ce DVD très simple et accessible, même si peu d’entre nous arriveront à atteindre son intensité à la ride!

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drums etc.

Have you considered studying music at the postsecondary level? Many of us have, but the application and audition process can seem a little overwhelming.

It is important to make sure you know why you want to go to school.

I have seen many students who are not quite sure – they put a lot of effort into the application and audition process and still fall short because they are not invested in the music they hope to study.

Se préparer pour une audition au niveau collégial ou universitaire Avez-vous déjà pensé à étudier la musique au niveau postsecondaire? Plusieurs d’entre nous y ont songé, mais les processus de demande d’admission et d’audition peuvent être intimidants.

Il est donc important de savoir pourquoi vous voulez poursuivre vos études en musique.

Beaucoup d’étudiants ne le savent pas vraiment: bien qu’ils mettent beaucoup d’efforts dans le processus d’admission, ils ne répondent pas aux attentes parce qu’ils ne sont pas assez investis dans la musique qu’ils veulent étudier.

If you audition for a university jazz program, for example, the most important thing you can possibly do is to be a jazz musician. While taking some lessons in the couple of months leading up to your audition may be useful, it is like giving yourself a week to cram for the MCAT; however, if you have been listening to the music, playing with other musicians, learning the repertoire and completely immersing yourself in the art form, it will show.

All that to say, if you are serious about the field in which you are planning to audition, there are a few common sense tips that will help to improve your audition and increase your chances of getting in.

First, you should contact the school and request information. You can contact the school’s general office for a lot of information, but it’s even more important to contact the director of the program and the instructors with whom you would potentially be studying. This serves several purposes: you’ll learn more about how the school operates, you’ll build a relationship with faculty and you’ll let them know you intend to audition.

When you receive information about the application and audition process for schools, make sure to read it down to the letter so you know exactly what is expected of you.

level, than to play more complex material on a merely passable level. Some schools, such as the Juilliard School, have very specific guidelines (which can be liberating, actually) whereas others give you more freedom to choose. So choose wisely.

Once you have applied and chosen the appropriate repertoire, it’s time to get deep in the ‘shed. Make sure your hands are in good shape and you know your audition tunes inside out. But don’t let your audition (and all of the associated thoughts) prevent you from making music. It can be tempting to work it to death, to the point where you have something perfectly worked out and you scrutinize every little detail.

While precision is important, the jury will be infinitely more impressed by someone who is playing in the moment and focused on really making music with the accompanying musicians.

Also, remember that the panel will see you before they hear you. Look your best.

Even if you are generally opposed to wearing a suit and tie, do it anyway. You are not just selling your skills; you are convincing the jury in a very short amount of time that you absolutely mean business.

In addition, you should ask about what you can do to prepare for your audition. When I was applying to grad schools last year, I got some of the best

On audition day, make sure you have everything you need to take with you, you are warmed up and you are relaxed. Give yourself a few

advice from Justin DiCioccio, Jazz Arts Chair and Associate Dean of the Manhattan School of Music: “Remember, you are the feature!”

minutes to get in the right headspace. It will go a lot further than practicing five more minutes of paradiddles. In my books, head always trumps hands.

It is imperative that you pick audition material that highlights your strengths, while showing your command of the language with which you are dealing. In the case of jazz, this means standards that you are excited about

Following these tips will help you to maximize your audition potential. After successfully auditioning at six New York-area schools, I will pursue my master’s degree at the Manhattan School of Music as a fellow of the Jazz Institute, beginning in September.

and believe in. In my opinion, it is better to pick simpler material and play it on the highest

Si vous auditionnez pour un programme universitaire jazz, par exemple, il est important que vous incarniez un musicien de jazz. Il peut être pratique de suivre quelques cours dans les mois précédant votre entrevue, mais il vous faudra travailler plus pour être admis. Écoutez de la musique jazz, jouez-en avec d’autres musiciens, apprenez le répertoire et plongez-vous complètement dans cet univers : vos efforts transparaîtront sans aucun doute.

Si vous êtes sérieux au sujet du domaine que vous vous apprêtez à étudier, vous pouvez aussi suivre quelques conseils judicieux qui vous aideront à améliorer votre audition et vos chances de réussite.

Pour commencer, vous devriez prendre contact avec l’école de votre choix et demander de l’information. Vous pouvez appeler les services administratifs de l’école en question pour obtenir des renseignements, mais vous pouvez aussi contacter le directeur du programme ou les professeurs avec qui vous êtes susceptibles d’étudier. Vous apprendrez ainsi sur la façon dont fonctionne l’école, tout en établissant une relation avec le corps enseignant. Une fois l’information sur la demande d’admission et l’audition en main, assurez-vous de lire le tout attentivement afin de savoir exactement ce que l’on attend de vous.

poser des questions sur ce que vous pouvez faire afin de bien vous préparer pour l’audition. Lorsque j’ai fait ma demande Vous devriez également

d’admission dans des universités l’année dernière, le meilleur conseil m’est venu de Justin DiCioccio de la Manhattan School of Music: “Rappelez-vous que vous êtes la vedette!”

Pour l’audition, il est essentiel de choisir des morceaux qui mettront en valeur vos forces tout en montrant que vous maîtrisez bien le langage musical. Si vous optez pour le jazz, choisissez des classiques qui vous allument et qui vous mettent en confiance. À mon avis, mieux vaut choisir quelque chose de simple que vous jouerez avec aplomb que d’opter pour une pièce complexe que vous ne jouerez que convenablement. Certaines écoles, comme le Juilliard School, ont des directives bien précises (ce qui peut libérateur), tandis que d’autres écoles vous laissent

davantage de liberté. Il faut faire votre choix de pièces judicieusement.

Une fois que vous aurez fait votre demande d’admission et choisi le répertoire approprié, il est temps de vous y mettre. Assurez-vous que vos mains soient en forme et que vous connaissez votre jeu de fond en comble. Ne laissez pas votre audition (ainsi que toutes les pensées qui en découlent) vous empêcher de faire de la musique. Il peut être tentant de travailler vos pièces jusqu’à ce que tout soit parfait en examinant minutieusement tous les petits détails. Bien que la précision soit importante, le jury sera davantage impressionné par quelqu’un qui est dans le moment présent et qui se concentre sur faire de la musique avec les musiciens présents.

Souvenez-vous aussi que le jury vous verra avant de vous entendre. Mettez-vous sur votre 36. Mettez votre complet et votre cravate, même si cela ne vous est pas naturel. Vous ne vendez pas seulement votre talent: vous essayez, en très peu de temps, de convaincre les jurés que vous êtes sérieux.

Le jour de l’audition, assurez-vous d’avoir tout ce dont vous avez besoin avec vous et d’être réchauffé et décontracté. Donnez-vous quelques minutes pour trouver le bon espace mental. Ça vous aidera beaucoup plus que de pratiquer vos paradiddles cinq minutes de plus. Dans mon livre à moi, les mains suivent toujours la tête.

Suivre ces conseils vous aidera à maximiser votre potentiel à l’audition. Après avoir réussi six auditions dans des établissements d’enseignement de la région de New York, j’ai, pour ma part, choisi de compléter ma maîtrise au Jazz Institute du Manhattan School of Music en septembre.

By/Par: Curtis Nowosad Traduction: Geneviève Hébert drums etc.

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LICKS HOW TO MAKE THEM WORK FOR YOU DRUM TUNING SYSTEM

by Mike Michalkow

dvd review Have you always wondered how to tune your drums to perfection? You don’t know how to maintain them? This DVD is for you! Here, Mike shares over 20 years of experience, offering all his secrets and explaining each step meticulously. Beginners will live this, because it is an encyclopaedia!

More experienced drummers will want to compare and contrast their own method. The DVD lasts over 4 hours, so if you already know how to tune your drums, it could seem long and redundant.

But the DVD is a valuable tool if you want to do studio work or become a good drum tech.

critique dvd Vous vous êtes toujours demandé comment accorder votre batterie à la perfection? Vous ne savez pas comment l’entretenir? Ce DVD est fait pour vous! Mike partage avec vous ses 20 ans d’expérience. Il vous livre tous ses secrets et prend le temps d’expliquer méticuleusement chaque étape. Les débutants vont adorer, car c’est une véritable encyclopédie!

Les batteurs plus confirmés pourront vérifier et comparer leur façon de faire. Il y en a pour plus de 4 heures, donc il se peut que cela paraisse long et redondant pour ceux qui accordent déjà leur batterie eux-mêmes. Mais ce DVD vaut la peine si vous voulez faire du studio ou devenir un grand technicien.

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I’ve never been big on practicing licks, especially ones played by other drummers. Instead, I prefer to prepare myself the best I possibly can by mastering the basics and hope that amazing ideas will magically come out in my playing. Having said that, I do see the value in spending some time focusing on specific licks. Doing so can help you improve your technical ability and open yourself up to new ideas on the drums. I suppose my fear of practicing licks comes from the limitations that it can create. For example, if you practice one lick exactly how it was originally performed you will find yourself limited by how you apply it in your own playing. Conversely, if you take one idea, or lick, and practice it as many ways as possible, you can greatly advance your playing in a musically healthy manner.

One of my most favorite ways to get the most out of my practicing is through the concept of rhythmic transposition (a.k.a. permutation). The basis of this concept is that you take a phrase and systematically shift it over one subdivision at a time until it has reached each part of every beat of the bar and returned to it’s original position. You could think of the new variations as the original idea starting on a different part of the bar, or the bar starting with a different part of the phrase each time.

By using this method, you get the motion/muscle memory or coordination of the lick down, while simultaneously opening your brain to many other musical possibilities.

To demonstrate this concept I am using a lick that came to me via a YouTube video of a clinic given by master drummer/educator John Riley. In the video, John

LES PASSES COMMENT LES FAIRE FONCTIONNER POUR SOI Je n’ai jamais beaucoup pratiqué les passes, surtout celles jouées par d’autres batteurs. Je préfère plutôt me préparer du mieux que je peux en maîtrisant la base et en espérant que des idées géniales apparaissent en jouant.

Cela dit, je vois tout de même l’avantage de mettre du temps sur des passes particulières. Cela peut vous aider à améliorer votre habileté technique et ouvrir la porte vers de nouvelles idées rythmiques. Je suppose que ma crainte vient des limitations qu’elles peuvent créer. Par exemple, si vous pratiquez une passe exactement comme elle était jouée originellement, vous serez limité dans la manière dont vous l’appliquerez dans votre jeu. Mais si vous prenez une idée, ou une passe, et la pratiquez de toutes les façons possibles, votre jeu en général évoluera de façon beaucoup plus musicale.

L’une de mes façons préférées de soutirer le maximum de mon temps de répétition est le concept de transposition rythmique (ou permutation). À la base, il s’agit de prendre une phrase et de tout décaler d’une subdivision à la fois jusqu’à ce que vous ayez passé chaque temps du rythme et soyez revenu à sa position originale. Vous pouvez imaginer les variations comme l’originale, mais qui commence à un différent endroit dans la mesure, ou comme la mesure qui commence chaque fois à un différent endroit dans la phrase. Avec cette méthode, vous acquérez la mémoire

musculaire des mouvements ou de la coordination de la passe, pendant que vous ouvrez votre esprit à plein d’autres possibilités musicales.

En guise de démonstration, j’utilise une passe que j’ai prise dans un vidéo YouTube d’un atelier du batteur et éducateur John Riley. John y démontre une passe qu’il a lui-même prise dans un vidéo populaire dans lequel on voit Vinnie Colaiuta en répétition pour un DVD avec Chakka Khan. Note : c’est le même vidéo mentionné par Daniel Bédard dans son article sur l’inspiration paru dans le numéro précédent de DrumsEtc. Cela soulève un aspect que j’aime beaucoup à propos de notre forme d’art, soit l’idée de recueillir et d’utiliser de l’information, prendre de petites bribes d’information issues de multiples sources, les combinant pour en faire ses propres idées ou exercices. Afin de contribuer au développement de cette passe particulière, mis à part sa transposition rythmique (un concept popularisé par David Garibaldi), j’ai aussi inclus des ostinatos, à être joués par les pieds sous la passe de Vinnie, que j’ai empruntés des batteurs David Patel (exemple C) et Mike Johnston (exemple D). J’ai également inclus un rythme qu’on trouve dans la musique folklorique de plusieurs pays sud-américains, comme le Venezuela, l’Argentine et la Bolivie (exemple B).

demonstrates a lick that he lifted from a popular video featuring Vinnie Colaiuta rehearsing for a DVD shoot with Chakka Khan. Note: this is the same video that Daniel Bédard mentions in his article on inspiration in the last issue of DrumsEtc. This brings to light something that I really love about our art form, and that is the concept of gathering and using information – taking little bits from multiple sources and combining them to make your own ideas/exercises. To contribute to the advancement of this particular lick, besides rhythmically transposing it (a concept made popular by David Garibaldi), I have included some foot ostinatos, to be played under Vinnie’s lick, that I got from drummers David Patel (example C) and Mike Johnston (example D). I have also included a rhythm found in the folkloric music of several South American countries, including Venezuela, Argentina and Bolivia (example B).

To begin working on this exercise, I recommend getting example 1 down as written. Then, add the basic foot pattern A as soon as possible. Continue by practicing the remaining examples over this basic foot pattern; it will help you to keep your place in the bar as the phrase shifts and your ear gets challenged. We’ve included 3 examples, but you can push the permutations to every possible position in the bar (for a video demonstration of 9 additional variations, visit: www.

DrumsEtc.ca/licks. Foot patterns B and C are to be practiced as written. In foot pattern D, you simply play the lick with

your hands and add a bass drum note between each stroke.

Mike Johnston presents this idea by alternating one bar of just hands with one bar adding the bass drum. You can also add the hi hat with the foot (not written) playing dotted quarter notes, eight notes or even quarter notes.

Finally, begin to apply what you have learned by using these ideas, in whole or in part, as a new vocabulary for fills. You can also experiment by making the lick into a drum groove itself. Have Fun! 

www.DrumsEtc.ca/licks By/Par: Max Senitt Traduction: Jim Angelillo

Pour commencer à travailler sur cet exercice, je recommande d’apprendre l’exemple 1 comme il est écrit. Ajoutez dès que possible le motif A aux pieds.

Poursuivez en pratiquant les autres exemples sur ce motif aux pieds; cela vous aidera à vous retrouver dans la mesure tandis que la phrase est décalée et que tout commence à sonner bizarre. Nous avons inclus trois exemples ici, mais vous pouvez tenter de jouer toutes les permutations possibles dans la mesure (pour visionner la démonstration de 9 variations supplémentaires, rendez-vous au lien suivant : www.DrumsEtc.ca/licks. Les motifs B et C, également joués aux pieds, doivent être pratiqués tels quels.

Pour le motif D, jouez la passe avec les mains en ajoutant un coup de grosse caisse entre chaque coup.

Mike Johnston présente cette idée en alternant une mesure jouée seulement avec les mains et une autre dans laquelle on ajoute la grosse caisse. Vous pouvez également ajouter le hi-hat au pied (pas écrit) jouant des noires pointées, des croches ou même des noires.

Enfin, commencez à appliquer ce que vous avez appris en utilisant ces idées, dans leur entièreté ou en partie, comme un nouveau vocabulaire pour créer des passes. Vous pouvez également expérimenter en transformant des passes en rythmes de batterie.

Amuzez-vous!  drums etc.

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NEIL PEART TAKING CENTER STAGE: A LIFETIME OF LIVE PERFORMANCE

by Joe Bergamini

book

review You will probably naturally be attracted to this book. Joe Bergamini’s work is incredible, and the presentation is sublime.

He tells Neil’s life story, tour after tour. The book includes the charts for most great songs by Rush, as well as details on every drum set used. There are tons of amazing photos illustrating the legendary drummer’s life. This is a real gem for all drum lovers. And if you’re not a fan, you’ll become one!

critique livre

Votre attention vous mènera naturellement à ce livre, tout simplement sublime dans sa présentation : le travail de Joe Bergamini est incroyable.

Il y relate toute la carrière de Neil, tournée après tournée.

Le livre comprend toutes les partitions des grands morceaux de Rush, ainsi que le détail de toutes les batteries qu’il a utilisé. Des tonnes de photos impressionnantes témoignent de l’histoire de ce batteur qui a marqué l’histoire du rock. Un vrai bijou pour tout amateur de batterie. Si vous n’êtes pas un fan, vous le deviendrez!

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drums etc.

Does muscle memory exist?

When we learn a new movement, many neurological mechanisms are set in motion. What happens between the moment when we intend to move and the moment we actually move? The process is complex, but we will focus here on muscle memory, a process that enables us to reproduce a movement and improve it.

Muscle memory is the way a muscle remembers the parameters of a movement (strength, speed, joint angle, etc.). The more a muscle is used to perform a movement, the more it remembers what it has to do.

La mémoire musculaire, ça existe?

Lorsqu’il est question d’apprendre un nouveau geste, de nombreux mécanismes neurologiques se mettent en branle. Que se passe-t-il entre le moment où on a l’intention d'accomplir un geste et le moment où on le fait vraiment?Le processus est complexe, mais nous nous concentrerons ici sur la mémoire musculaire, un processus qui nous permet de reproduire un geste et de l’améliorer.

La mémoire musculaire est la façon qu’a un muscle de se souvenir des paramètres qui permettent d’effectuer un mouvement (force, vitesse, angle de l’articulation, etc.). Plus on utilise un muscle pour effectuer un mouvement, plus il se souvient de ce qu’il doit faire.

But the muscle itself has no memory; it obeys the nervous system, which is governed by the brain.

When we talk about muscle memory, we mean the memory that enables us to reproduce a movement again and again. Yes, by repeating a movement, the body begins to perform it more naturally. Why? Because the necessary parameters get better integrated each time.

For instance, imagine a wheat field on which a light passing wind blows. The stems bend with the wind, but straighten as soon as the wind dies down. But if the wind blows continuously on the field, the stems will bend definitively. It is exactly what happens when you learn something. Repetition of a movement is the wind, while the stems are the nervous system, which, with time and habit, gets used to performing the movement.

Repeating a movement reinforces its assimilation, but we have to make sure we are doing the right thing. There’s nothing better than a teacher to guide us and give us feedback on what we are doing right and wrong (what a DVD or a video will never do). If no one is there to comment on what you’re doing, it’s hard to change. The faster your teacher will say something, the better you will get a chance to improve.

It’s the foundation of learning. If you repeat the wrong movements night after night, it will become increasingly difficult to correct them, because your memory will have to unlearn what it has learnt. This is why it is more difficult to teach a student with bad habits than a total novice. Students with a keen sense of observation won’t need as much supervision, but these ones are rare. Every great drummer will say that they have spent an innumerable amount of time behind the drumset working to improve their performance. It takes time for a movement to become effective.

Mais le muscle en lui-même n’a pas vraiment de mémoire, car il obéit au système nerveux qui lui est régi par le cerveau. Lorsqu’on parle de mémoire musculaire, on parle en fait de la mémoire qui permet de reproduire un geste encore et encore. Eh oui, c’est en répétant un mouvement que le corps finit par l’effectuer de manière plus naturelle. Pourquoi? Parce qu’il intègre de mieux en mieux les paramètres qui lui sont nécessaires.

Imaginez un instant un champ de céréales sur lequel soufflerait un vent léger et passager. Les tiges se courbent sous l’action du vent, mais reviennent en place dès que le vent cesse. Par contre, si le vent souffle sur ce même champ de façon constante, les tiges se courberont de façon définitive. C’est exactement ce qui se passe pour un apprentissage. La répétition du mouvement représente le vent et les tiges représentent le système nerveux, qui, avec le temps et l’habitude, finit par « prendre le pli ».

Répéter un mouvement permet de renforcer son apprentissage, mais encore faut-il effectuer le bon mouvement. Pour cela, il n'y a pas mieux qu’un professeur pour vous guider et vous donner de l’information sur ce que vous faites bien ou pas. (Ce que ne fera jamais une vidéo ou un DVD) Si personne n’est là pour vous faire de commentaire, il est difficile de changer. Plus vite votre professeur vous fera la remarque, plus vous aurez de chance de vous améliorer. C’est la base de l’enseignement. Si vous répétez le mauvais geste soir après soir, il sera alors plus difficile de le corriger, car votre mémoire devra d’abord le désapprendre.

Voilà pourquoi il est souvent plus difficile d’enseigner à un élève qui a de mauvaises habitudes, plutôt qu’à un néophyte. Les élèves ayant un sens de l’observation très développé n’auront pas besoin d’autant d’encadrement, mais ils sont plutôt rares. Tous les grands batteurs vous diront qu’ils ont passé un nombre d’heures incalculable par jour à travailler sur leur batterie afin de devenir plus performants, car il faut du temps pour qu’un geste devienne efficace.

How much time is needed to change a movement?

Well it depends on the person, and research isn’t yet clear, but it seems that a maximum of 6 hours a day is enough for the body to move effectively. Of course, it also depends on your playing level: a beginner progresses very fast with only 20 minutes a day, but for a professional drummer, it is not always useful to play 12 hours a day, because beyond a certain nervous fatigue, the body is incapable of correctly treating the information necessary to perform a movement.

Like a lot of things, it’s a question of balance! 

De combien de temps a-t-on vraiment besoin pour modifier un geste?

Cela diffère d’une personne à une autre et la recherche n’est pas encore claire là-dessus, mais il semble qu’un maximum de 6 heures par jour soit assez pour que le corps devienne performant. Évidemment, cela dépend aussi de votre niveau : un débutant pourra progresser très vite juste avec 20 min par jour, mais pour un batteur professionnel, il n’est pas toujours utile de jouer 12 heures par jour, car au-delà d’une certaine fatigue nerveuse, le corps n’est plus capable de traiter correctement l’information pour effectuer un mouvement. Comme pour beaucoup de choses, tout est question d’équilibre! 

By/Par: Franck Camus Traduction: Jim Angelillo

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How a BC farm boy teamed up with a high school dropout to create the most popular online drum lesson community in the world.

In 2002, there was no such thing as online drum lessons but two young drummers from British Columbia saw the Internet as an opportunity to start something special.

Jared Falk was teaching drum lessons, touring as a musician and working on his family farm when a friend introduced him to Rick Kettner. Rick was a drumming student who had dropped out of high school in the late 1990s to work for Internet startups.

Jared and Rick quickly realized this was a unique opportunity to combine their strengths. Jared was an experienced drum instructor who dreamed of making a living playing the drums while Rick was skilled at creating online communities and marketing downloadable videos.

Within a year, they launched a simple website with drum articles, video tutorials and a community discussion forum. An online store followed where drummers could purchase downloadable drum lesson training packs.

“Drummers are hungry for new ways to improve their skills,” said Jared. “So we’ve always aimed to utilize modern technology to help drummers reach their goals.”

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Jared and Rick launched www.freedrumlessons.com in 2007. It was the first website to have a comprehensive library of video drum lessons covering a wide range of topics and skill levels.

But as technology continued to develop, Jared and Rick recognized the opportunity to offer more, and in 2012 they created www.drumeo.com.

Drumeo.com offers a wide range of video training packages for drummers as well as a subscription to Drumeo Edge with daily live interactive drum lessons, personalized student lesson plans and reviews, and on-demand lesson plans and play-along songs.

“Video drum lessons are great, but students need so much more to achieve consistent, amazing results,” said Jared. “Drummers need ongoing motivation, inspiration, and support. They need to know somebody is there for them every step of the way.”

Drumeo.com attracts drumming students from around the world and has featured live lessons from DrumsEtc cover drummers Jay Deachman, Aaron Edgar and Larnell Lewis, as well as guest instructors including Cobus Potgieter, Tony Royster Jr. and Jim Riley. 

En 2002, les leçons de batterie en ligne n’existaient pas, mais deux jeunes batteurs de la Colombie-Britannique ont vu l’Internet comme une occasion de lancer un projet bien spécial.

Jared Falk enseignait la batterie, faisait de la tournée et travaillait sur la ferme familiale lorsqu’un de ses amis l’a présenté à Rick Kettner. Étudiant la batterie, Rick avait interrompu ses études secondaires à la fin des années 90 afin de travailler pour des entreprises Internet en démarrage.

Cirque du Soleil ® is seeking professional musicians for live performances.

Drumeo.com attire des étudiants de partout à travers le monde et a présenté des leçons en direct de batteurs ayant notamment fait la couverture de DrumsEtc tels que Jay Deachman, Aaron Edgar et Larnell Lewis, ainsi que des enseignants invités comme Cobus Potgieter, Tony Royster Jr. et Jim Riley. 

Le Cirque du Soleil recherche des musiciens professionnels pour des prestations devant public.

INSTRUMENTALISTS

INSTRUMENTISTES

BANDLEADER – STRING INSTRUMENTS KEYBOARD INSTRUMENTS – WIND INSTRUMENTS PERCUSSION INSTRUMENTS – MULTI-INSTRUMENTALISTS

CHEFS D’ORCHESTRE – INSTRUMENTS À CORDES INSTRUMENTS À CLAVIER – INSTRUMENTS À VENT INSTRUMENTS À PERCUSSION – MULTI-INSTRUMENTISTES

FEMALE – MALE SINGERS

CHANTEUSES – CHANTEURS

ALL VOICE TYPES AND STYLES

TOUS TYPES DE VOIX ET DE STYLES

For more information on career opportunities: CIRQUEDUSOLEIL.COM/JOBS

Pour en savoir plus sur les possibilités de carrière : CIRQUEDUSOLEIL.COM/EMpLOIS

facebook.com/cirquedusoleilcasTiNG

Photo: Matt Beard Costumes: Marie-Chantale Vaillancourt © 2012 Cirque du Soleil The trademark Cirque du Soleil is owned by Cirque du Soleil and used under license.

Comment un ouvrier agricole de la ColombieBritannique s’est associé à un décrocheur pour créer la plus populaire communauté en ligne de leçons de batterie au monde.

Jared et Rick ont vite réalisé qu’il y avait là une belle occasion de mettre en commun leurs forces. Jared était un enseignant de batterie expérimenté qui rêvait de gagner sa vie en jouant de la batterie, tandis que Rick excellait à créer des communautés en ligne, ainsi que des vidéomarketings téléchargeables.

En moins d’un an, ils ont démarré un simple site web comprenant des articles sur la batterie, des tutoriels et un forum de discussion. Puis, ils ont ouvert une boutique en ligne où les batteurs pouvaient se procurer des leçons de batterie sous forme de trousses pédagogiques téléchargeables. « Les batteurs sont avides de nouvelles façons d’améliorer leur jeu, » explique Jared. « Nous avons donc toujours essayé d’utiliser la technologie moderne afin de les aider à atteindre leurs objectifs. » Jared et Rick ont lancé www.freedrumlessons.com en 2007. C’était le premier site web qui offrait une librairie complète de leçons de batterie en vidéos, couvrant toute une gamme de sujets et de niveaux. À mesure que la technologie continuait d’évoluer, Jared et Rick ont voulu offrir davantage et en 2012, ils ont créé www.drumeo.com.

Drumeo.com offre toute une gamme de trousses pédagogiques pour les batteurs sous forme de vidéos, ainsi qu’un abonnement à Drumeo Edge, qui présente des leçons de batterie interactives quotidiennes, des plans de leçons et des comptes-rendus personnalisés sur demande, ainsi que des chansons sur lesquelles jouer de la batterie. « Les vidéos sont géniales, mais les étudiants ont besoin de beaucoup plus pour arriver à des résultats concrets et constants, » explique Jared. « Ils ont perpétuellement besoin de motivation, d’inspiration et de soutien, bref, de savoir que quelqu’un est là pour eux à chaque étape de leur évolution. »

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Sabian Xs20 Good cymbals can be pretty expensive. But Sabian’s B20 bronze series Xs20, launched in 2003, offers a professional look and sound at a smart price. New in the series this year is the dB Control Crash, a bright, quick and extra thin cymbal designed for low-volume settings.

The HHX and AAX X-Celerator hi-hat designs are also made available in the affordable Xs20 series as a 14” pair. And finally, the new 21” Xs20 Medium Ride offers a good balance of stick definition and wash. All models are available in natural and brilliant finish.

Sabian Xs20 Les bonnes cymbales peuvent être assez dispendieuses. Mais la série de bronze B20 Xs20 de Sabian tente d’y remédier en proposant une allure et une sonorité professionnelles à un prix raisonnable. Cette année, la série comporte quelques nouveautés, dont la dB Control Crash, une cymbale brillante, rapide et extra mince conçue pour les situations où le volume est limité. Les modèles de cymbales de hi-hat HHX et AAX X-Celerator sont maintenant disponible dans la série Xs20 en tant que paire de 14 pouces. Enfin, la nouvelle ride Xs20 Medium de 21 pouces offre un bon équilibre entre la sonorité de la baguette et la sonorité ambiante. Tous les modèles sont disponibles avec un fini naturel ou brillant. www.sabian.com

Sabian Limited Edition Graphic Cymbals We’ve seen special graphic cymbals on high-profile artists’ drum sets. The general public will finally have a chance own such beauties, while quantities last. For the North American market only, Sabian is making available the Neil Peart 22” Paragon Steampunk Ride and the Chad Smith 19” RHCPEdition Holy China. Only 300 of each model have been made available, hand-numbered and packaged in a deluxe custom bag with certificate of authenticity.

Cymbales décorées Sabian Nous avons tous vu des cymbales décorées sur les batteries de batteurs renommés. Le public pourra enfin en profiter, jusqu’à épuisement des stocks.

Offertes uniquement sur le marché nord-américain, Sabian offre la ride Neil Peart 22” Paragon Steampunk et la cymbale Chad Smith 19” RHCP-Edition Holy China. Il y a seulement 300 exemplaires de chaque modèle numéroté et empaqueté dans un étui de luxe fait sur mesure. Chaque cymbale comprend son certificat d’authenticité. www.sabian.com 30

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Istanbul Mehmet Cymbals Istanbul Mehmet is now offering four new Crash Rides for your playing pleasure. The 19” Legend Dark has the same profile as Mehmet Legend Series cymbals, with custom dark lathing on top and traditional lathing on the bottom for less overtone and dark, woody stick definition. The Nostalgia has the same characteristics than vintage jazz ride cymbals and is available in 19”, 20" and 21". The 19” Turk is an unlathed hammered cymbal producing a dry, raw and controlled sound. Finally, the 19” Mehmet 61st Anniversary Vintage crash ride has a small smooth bell with an unlathed bow producing a warmer and drier sound.

Istanbul Mehmet Cymbals Istanbul Mehmet offre maintenant quatre nouvelles crash-rides pour agrémenter votre jeu. La Legend Dark de 19 pouces a le même profil que les cymbales de la série Mehmet Legend, avec des stries custom dark sur le dessus et traditionnelles sur le dessous produisant moins d’harmoniques et une définition de baguette sombre et boisée. La Nostalgia possède les mêmes caractéristiques que les cymbales ride jazz traditionnelles et est disponible en trois dimensions, soit 19, 20 et 21 pouces. La Turk de 19 pouces est une cymbale non striée, mais martelée produisant une sonorité sèche, crue et contrôlée. Enfin, la Mehmet 61st Anniversary offre une cloche lisse et un corps non strié produisant une sonorité plus chaleureuse et sèche. www.istanbulmehmet.com

Zildjian ZBT & ZHT Zildjian has announced the addition of three new larger size ZBT models in 2013. There are two new 17” and 19” Medium Thin crashes and a 22” Medium ride. And the entire series will have a new look, with lathing on both sides and a new contemporary logo. Zildjian is also introducing a new updated logo for its ZHT series, mirroring the graphic style of the iconic Zildjian Company logo.

Zildjian a annoncé l’ajout de trois nouvelles cymbales dans sa série ZBT pour 2013. Il y a les crash Medium Thin de 17 et de 19 pouces, et la ride Medium de 22 pouces. Aussi, la série aura une toute nouvelle allure, avec des rainures sur les deux faces, en plus d’un nouveau logo moderne. Zildjian en profite également pour mettre à jour le logo de sa série ZHT en s’inspirant du style graphique du logo classique de Zildjian.

Zildjian A Series For its 390th anniversary, Zildjian has updated the look and enhanced the sound of its legacy A Series cymbals. The company has made adjustments to the curvature and weights of the cymbals to capture the essence of the A sound for today’s musical styles. Moreover, Zildjian is reintroducing the 19” and 20” Thin crashes, and introducing the new 23” Sweet ride.

Série A de Zildjian Pour son 390e anniversaire, Zildjian a mis à jour l’allure et amélioré la sonorité des cymbales de sa série classique A. Le fabricant a ajusté la courbature et le poids des cymbales afin de capter l’essence de la sonorité des cymbales A pour les styles musicaux d’aujourd’hui. De plus, Zildjian offre de nouveau les cymbales Crash de 19 et de 20 pouces, ainsi que la nouvelle Sweet Ride de 23 pouces. www.zildjian.com

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Dream Discovers More Crop Circles Several new models have been added to Dream’s Re-FX series. Among them is a 10” version of the Scott Pellegrom Crop Circle, perfectly sized to drop over a hi-hat or ride cymbal. Also new is the Re-FX bell, or donut hole, which produces a unique effect, as a bell or stacked element. The new Re-FX HAN 10 is a truly versatile cymbal producing a rather alien sound with its ultra-thick bell and thin-flanged edge. All Re-FX cymbals are made from recycled cymbals.

Nouvelles cymbales Dream Re-FX Plusieurs nouveaux modèles ont été ajoutés à la série Re-FX de Dream. Parmi eux, il y a une version de 10 pouces de la cymbale Scott Pellegrom Crop Circle, une dimension parfaite pour être balancée sur votre hi-hat ou votre ride. Il y a aussi la nouvelle cloche ReFX qui produit un effet unique : à utiliser comme cloche ou comme élément à empiler. Enfin, la nouvelle Re-FX HAN 10 est une cymbale vraiment polyvalente qui produit une sonorité plutôt étrange avec sa cloche ultra épaisse et sa bordure mince bridée. Toutes les cymbales Re-FX sont fabriquées à partir de cymbales recyclées. www.dreamcymbals.com

Ayotte Stainless Steel Snares Ayotte Drums has brought back its amazing stainless steel snare drum first introduced in the 90s. With a reputation for quality construction and a great distinct sound, the completely reengineered Ayotte AK snare drum is made from the highest-quality North American steel, and can be topped with Ayottes’s signature wooden hoops for a warm, organic sound, or triple-flanged steel hoops for a bright timbre. The Ayotte AK is available in three sizes: 14x5.5”, 13x6” and 10x6”.

Caisse claire d’acier inoxydable Ayotte La superbe caisse claire d’acier inoxydable d’Ayotte Drums offerte pour la première fois dans les années 90 est de retour. Réputée pour sa qualité de fabrication et sa sonorité distincte, la caisse claire AK d’Ayotte a été complètement repensée et est fabriquée à partir d’acier nord-américain de première qualité. Vous avez l’option de la couvrir d’anneaux de bois pour une sonorité plus chaleureuse et organique ou d’anneaux d’acier à triple bride pour un timbre plus vif. La caisse claire Ayotte AK est offerte dans les dimensions suivantes : 14 x 5,5, 13 x 6 et 10 x 6 pouces. www.ayottedrums.com 32

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Paiste Signature Precision

Série Signature Precision de Paiste

Made from Paiste’s proprietary Signature Alloy, the new Signature Precision series “creates a more affordable Signature sound.” These new Signature Precision cymbals produce bright and full timbres with good presence and projection; they are brilliant musical instruments. The series includes all the usual suspects, including 14” hi-hats, a 14” Sound Edge hi-hat, a 20” ride, 22” heavy ride, three crash sizes, two thin crashes, a 10” splash and 18” China.

Faites à partir de l’alliage Signature de Paiste, la nouvelle série Signature Precision « créée une sonorité Signature plus abordable. » Ces nouvelles cymbales produisent des timbres brillants et substantiels, avec présence et projection; ce sont de brillants instruments de musiques. La série comprend tous les types habituels de cymbales, y compris des hi-hats de 14 pouces, une cymbale de hi-hat Sound Edge de 14 pouces, une ride de 20 pouces, une Heavy ride de 22 pouces, trois dimensions de crash et deux de crash minces, une splash de 10 pouces et une China de 18 pouces.

Paiste.com (distributed in Canada by / Distribué au Canada par: ca.yamaha.com)

Billdidit

Billdidit produces a series of innovative and practical drum products designed by Bill Coady. For instance, the Coady Cymbal Topper is a simple, quick and effective alternative to the traditional wing nut cymbal topper, easing cymbal installation and tear down. The Coady xChanger is an auxiliary hi-hat system that allows drummers to adjust the wash while playing. Finally, the Coady Compressor gives drummers the ability to keep their hi-hats in the same semi-open position when off the pedal.  Billdidit fabrique une série de produits innovateurs et pratiques conçus par Bill Coady et destinés à la batterie. Par exemple, le Coady Cymbal Topper est une alternative simple, efficace et facile d’utilisation à la vis papillon traditionnelle qui tient les cymbales. Le Coady xChanger est un système auxiliaire pour le hi-hat qui permet au batteur d’ajuster l’ouverture des cymbales en jouant. Enfin, le Coady Compressor permet aux batteurs de conserver une ouverture de hi-hat exacte lorsque le pied n’est pas sur la pédale.  www.billdidit.ca

Yamaha DTX502 Replacing the popular DTX500, the new DTX502 has twice the wave ROM and USB MIDI for loading up to 40 MIDI files and 10 WAV or AIFF samples. Drums can be muted on any MID file songs for really fun practicing. Included drum sets and song data have been upgraded for hours of pleasure playing many different styles. Exclusive to Canada, DTX522KFPDS and DTX552KFPDS models include a foot pedal and throne.

Remplaçant la populaire série de batteries électroniques DTX500, la nouvelle série DTX502 possède le double de mémoire ROM en plus d’une connexion USB MIDI avec une capacité de 40 fichiers MIDI et 10 fichiers d’échantillonnages WAV ou AIFF. Vous pouvez ôter la batterie de n’importe quel fichier MID pour plus de plaisir en répétition. Les sonorités de batterie et les pièces incluses ont été mises à jour, offrant des heures de plaisir à jouer une multitude de styles musicaux. Notons que les ensembles DTX522KFPDS et DTX552KFPDS comprennent une pédale et un siège, et sont offerts en exclusivité au Canada. ca.yamaha.com 34

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