Drums Etc [v26-n3] Summer 2014 by Drums Etc

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

vol.26 no3 summer / été2014

free / gratuit

THE NEXT GENERATION

OF REDUCED VOLUME CYMBALS

Introducing the NEW Gen16 Buffed Bronze series Zildjian has created the next generation of reduced volume cymbals. Zildjian craftsman used their expertise to make subtle but important changes to the Gen16 cymbal which increases the lower fundamental overtone structure. The most noticeable change is the stunning, buffed bronze ﬁnish that produces a warmer tone. Visit Zildjian.com for more information. DISTRIBUTED BY B&J MUSIC LTD.

SOUND LEGACY

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

Volume 26, No. 3 Summer 2014 / été 2014 Editor in Chief / Rédacteur en chef Aaron Edgar aaronedgar@drumsetc.ca Assistant Editor in Chief / Rédacteur en chef adjoint Franck Camus franck@drumsetc.ca Managing Editor / Coordonnatrice à la rédaction Sofi Gamache

Editorial Assistant / Assistant à la rédaction Tara Wittet Manko Contributing Writers / Journalistes Franck Camus, Aaron Edgar, Jeff Konwalchuk, Chris Lesso, Matt McKinnon Mike Michalkow, Isabelle Roubertie Translation / Traduction Jim Angelillo

roland v-drum drum fest winners les gagnants du concours roland v-drum By/Par: T. Bruce Wittet

Layout / Mise en page Karine Wolfe, Janam Publications Inc. Cover Photos / Photos de la couverture Jim Angelillo, Colleen Leonard

www.drumsetc.ca

Advertising / Publicité Ralph Angelillo (888/450) 928-1726 / ralph@drumsetc.ca Jeff Knowles (514) 830-3555 / jeff@drumsetc.ca Publisher / Éditeur Serge Gamache (866) 834-4257 / (450) 651-4257 sergegamache@videotron.ca

Edito + Agenda

Chris Lesso

When the Thumb Closes on the Stick Quand le pouce se referme sur la baguette

Franck Camus

Drums Etc is published 5 times per year and distributed across Canada, in drum shops, schools, rehearsal spaces, etc. This issue: 13 000 copies in 380 distribution points (circulation certified by Canada Post). Publication Mail Agreement No 40009235 / Poste-Publication Convention No 40009235 Return Address / Adresse de retour: DRUMS ETC, 753 rue Ste-Hélène, Longueuil (QC) J4K 3R5 Canada Fax: (450) 670-8683

Drums Etc est publié 5 fois l’an, et est distribué partout au Canada dans les écoles et chez les détaillants de batteries et percussions, dans les studios de répétition, etc. Ce numéro : 13 000 copies dans 380 points de distribution (circulation certifiée par Postes Canada).

Mike Michalkow

Transcrire les grands

Just Passing Through: Ideas for Fluid Motion Around the Drum Set De passage: à propos de la fluidité de mouvement à la batterie

The Art of the "Working Musician", part 1 L'art d'être un « musicien actif », première partie

Transcribe the Greats

Matt McKinnon

Life is Drumming and Drumming is Life ! La vie est le rythme et le rythme est la vie !

Incorporating Electronics for Inspiration Trouver de l'inspiration dans l'électronique Aaron Edgar

Jeff Konwalchuk

Working Efficiently? What, why, how? Travailler efficacement? Quoi, pourquoi, comment? Isabelle Roubertie

New Products Nouveaux produits summer/été

2014

edito

agenda NXNE 2014

CA N ADA’S U P AND C OMI NG DR UMMERS ! In this issue of Drums Etc., we’ve decided to take a look at our teenage Canadian drummers who are starting to make some big waves in the musical community. The drummers we’ve chosen are: Travis Regnier from Abbotsford, Chris Dimas from Regina, Cam Cordoviz from Winnipeg (my personal hometown!) and Olivier Mallette from Chicoutimi. We chose these fine young gentlemen because they’re all winners of the Roland V-Drums Junior Competitions. Each one brings something fresh and unique to the table as far as their playing styles go. We’re getting right into their heads with topics ranging from technique, the industry and being a professional to styles across the entire spectrum. But don’t let their ages fool you; after listening to them you may be shocked to find out they’re not full on professionals…yet!

career achievements already! They are a glowing set of examples showing that when there’s a will, there’s a way. And proof that even with full schedules and school social lives you can still absolutely excel as a musician. As long as it’s your passion and you’re willing to make sacrifices in order to put your time in behind the kit, literally anything is possible. As an educator, all too often I hear people saying they don’t have time to practice because of school, work, activities and various other excuses. It’s all about your priorities, and these four have their priorities laser targeted on being the best possible musicians they can be! All in all, I imagine we’ll be hearing a lot more from these guys in the coming years. So, do yourself a favor and flip a few pages to learn all about these fantastic new musicians, and hopefully take away some inspiration of your own.

These guys also have some incredibly mature insight into playing, practicing and gear, as well as some pretty stellar

Nous avons choisi ces merveilleux jeunes hommes, car ils ont tous gagné la compétition junior Roland V-Drums. Chacun a un style de jeu frais et d’unique. Nous avons discuté entre autres de technique, de style, de l’industrie musicale et comment devenir un musicien professionnel. Mais ne vous laissez pas avoir par leur âge; vous resterez sans doute bouche bée après les avoir écoutés, réalisant qu’ils ne sont pas encore des pros! Il est surprenant de constater qu’ils ont des idées très matures à propos du jeu, de la répétition et de

l’équipement, en plus de posséder, déjà, d’impressionnants accomplissements! Ils sont l’incarnation même du dicton selon lequel « vouloir, c’est pouvoir. » Ils prouvent que même avec un horaire scolaire et social bien rempli, il est possible d’exceller en tant que musicien. Tant que cela demeure votre passion et que vous êtes prêts à faire des sacrifices pour passer du temps derrière la batterie, tout est possible. En tant qu’enseignant, j’entends trop souvent des gens dire qu’ils n’ont pas le temps de pratiquer à cause de l’école, du travail, d’activités et autres excuses. Cela demeure toujours une question de priorités et ces quatre jeunes savent exactement quelles sont les leurs, soit de devenir les meilleurs musiciens possible! J’ai l’impression que ce n’est pas la dernière fois qu’on verra leurs noms! Offrez-vous donc une bonne dose d’inspiration en lisant ces quatre entretiens.

Editor-in-chief Rédacteur en chef drums etc.

July 2-6 / 2 au 6 juillet, 2014 (306) 529-3589 www.stickmandrumexperience.com

FESTIVAL INTERNATIONAL DE PERCUSSIONS Longueuil, QC Au Coeur des rythmes du Japon July 6-13 / 6 au 13 juillet 2014 www.percussions.ca

Nashville, TN Music City Center July 17-19 / 17 au 19 juillet, 2014 http://www.namm.org/summer/2014

Aaron Edgar

STICKMAN DRUM EXPERIENCE (Summer Camp)

SUMMER NAMM 2014

L E S B ATTEU RS DE LA R ELÈV E AU C ANA DA ! Dans ce numéro de Drums Etc., nous avons décidé de jeter un coup d’œil du côté de quatre adolescents qui commencent à faire des vagues dans la communauté musicale canadienne. Les batteurs que nous avons choisis sont Travis Regnier d’Abbotsford, Chris Dimas de Regina, Cam Cordoviz de Winnipeg (ma ville natale!) et Olivier Mallette de Chicoutimi.

North By Northeast Festival & Conference Toronto, ON June 13-22 / 13 au 22 juin, 2014 (416) 863-0828 Info@nxne.com www.nxne.com

KoSA NINETEEN Castleton State College Castleton, VT July 22-27 / 22 au 27 juillet 2014 www.kosamusic.com

REGINA DRUM FESTIVAL Regina, SK September 26-28 / 26 au 28 septembre 2014 (306) 529-3589 www.reginadrumfestival.com

d L K C E W E V DA

Anniversary Clinic Tour with the Legendary Tournée anniversaire de cliniques avec l'artiste légendaire

Thanks to the thousands of Canadian drummers who participated in the 30th anniversary clinic tour and master classes Merci aux milliers de batteurs canadiens qui ont participé à la tournée anniversaire de cliniques avec l'artiste légendaire

Absolute Hybrid Maple remporte le prix MIPA pour «Meilleur batterie acoustique 2014»

Absolute Hybrid Maple wins MIPA Award for "BEST ACOUSTIC DRUM 2014"

in-profile

photo: Colleen Leonard

profil ROLAND V-DRUM DRUM FEST WINNERS

Travis Regnier

Pour Travis, une batterie électronique permet de transcender les limites d’une batterie acoustique. « Avec une batterie électronique, » dit-il, « on crée des pièces musicales complètes. »

For Travis, an electronic kit enables him to transcend the limitations of acoustic drums. “On an electronic kit,” he says, “you're also involved in creating songs”.

Comme on peut s’y attendre, jouer au Drum Fest de Montréal fut une expérience satisfaisante, quoique stressante. « Je jouais sur la batterie (Roland) de quelqu’un d’autre. Mon solo était quelque peu traditionnel. J’étais nerveux et donc, ce n’est pas mon meilleur solo, mais je ne regrette rien. J’ai joué des choses très rapides à la grosse caisse et, puisque je joue plus de heavy metal et de rock que d’autres styles, le solo était inspiré de ces genres musicaux. »

As you could expect, playing the Montreal Drum Fest was a satisfying—and nervewracking—experience. “I was playing on somebody else's (Roland) kit. I did a traditional sort of solo. I was nervous and so it was not he best drum solo I've ever done. But I wouldn't take back anything. I did fast double-bass things and since I play more heavy metal and rock than other styles, the solo was based on those genres.” Of course, double-bass work at frightening speed doesn't allow much for tone to linger. It's attack that's most important. “At the Drum Fest, the Roland kit was set up for a looser, oomph sound whereas I prefer a tight, punchy kit,” Travis continues. “On my own kits (electronic & acoustic) the kicks are set to an almost clicky sound—I don't like sustainedtone. With my acoustic drums I'd fill the bass drum half-full of blankets and strike with the plastic or wood beater. And even with electronic drums I bury the beater into the head. For snare and toms the white mesh pads of the Roland TD2- and TD30 have a lot of rebound and you can adjust the tension. If you want a loose ballad feel, you can leave the head looser. It depends on the kind of music you're playing. “I find that the Roland modules are quicker than other brands'; they keep up with my playing no matter how fast I'm going and they're less susceptible to false triggering. They can take a hard beating and last. I began to gravitate away from acoustic drums to the Rolands when I was 14 because they'll handle any style. I really put heart and soul into metal and rock—the more punky rock like Green Day, Billy Talent, and Papa Roach. “In addition to my Roland kit, I have a DW Collector's Series kit with a Casey Drums snare. My cymbals are pretty much high-end Sabians; I like the Chad Smith Holy China.”

drums etc.

Bien sûr, jouer de la grosse caisse double à une vitesse ahurissante ne laisse pas la sonorité vraiment résonner. C’est l’attaque qui importe le plus. « Au Drum Fest, la batterie Roland était réglée pour produire une sonorité plus grasse et résonnante, mais je préfère une sonorité serrée qui a du punch, » poursuit Travis. « Sur mes propres batteries (électronique et acoustique), les grosses caisses ont un son presque claquant; je n’aime pas les tonalités résonnantes. Ma grosse caisse acoustique est remplie à moitié de couvertures et j’utilise une mailloche de plastique ou de bois. Je frappe aussi fort sur la grosse caisse électronique. Les peaux de maille blanche des caisses claires et des toms des batteries Roland TD2 et TD30 produisent beaucoup de rebond, mais la tension s’ajuste. Si vous désirez avoir une sensation plus molle pour une ballade, vous pouvez desserrer la peau. Ça dépend du style de musique que vous jouez. » « Je trouve que les modules Roland sont plus rapides que ceux proposés par d’autres marques; ils suivent mon jeu, peu importe la vitesse, et sont moins susceptibles de faire de faux déclenchements. Ils sont super robustes et durables. J’avais 14 ans quand je me suis mis à jouer de la batterie électronique au lieu de la batterie acoustique parce que les batteries Roland accommodaient plus de style... Je me dévoue corps et âme dans le métal et le rock un peu plus punk, comme Green Day, Billy Talent et Papa Roach. » « En plus de la batterie Roland, j’ai une batterie DW Collector's Series avec une caisse claire de Casey Drums. Mes cymbales sont pas mal toutes des Sabian haut de gamme; j’aime bien la Chad Smith Holy China. »

LES GAGNANTS DU CONCOURS ROLAND V-DRUM

photo: Jim Angelillo

Chris Dimas Chris exudes enthusiasm, “I had a friend who suggested entering this (Roland) contest,” Chris recalls. “I won a Roland TD-4 drumset and a chance to open the Montreal Drum Fest. I learned a big lesson there. I dropped a drumstick in the middle of the performance, in the middle of the solo—and had to keep going until someone brought a stick!

Chris respire l’enthousiasme. « C’est un ami qui m’a suggéré de m’inscrire au concours, » se rappelle Chris. « J’ai gagné une batterie Roland TD-4 et l’occasion d’ouvrir le Drum Fest de Montréal. J’y ai appris une leçon importante! J’ai échappé une baguette en plein milieu de ma performance et j’ai dû continuer comme ça jusqu’à ce qu’on m’apporte une autre baguette! »

“My influences were Thomas Lang... and hardcore punk. Those drummers are insanely fit: Ben Koller, for example, who has crazy stamina to finish a set and be able to keep playing. I think that's important. Also I find it helps if I listen to a lot of fusion-y music and to punk bands: it means I have more to offer. Then there's pop bands like Blink 182, Maroon 5, Justin Timberlake and Katie Perry. I'll be goofing around at home working on pop fills. I'll put on a Beastie Boys album and play the whole thing through—pretending I'm playing a gig.

« À l’époque, mes influences étaient Thomas Lang... et le punk hardcore. Ce sont des batteurs extrêmement en forme : Ben Koller, par exemple, a une endurance folle pour arriver à terminer un spectacle si intensément. Je crois que c’est important. Je trouve qu’écouter beaucoup de musique de type fusion et du punk m’aide beaucoup : ça veut dire que j’en ai plus à offrir. Et il y a des groupes pop comme Blink 182, Maroon 5, Justin Timberlake et Katie Perry. À la maison, je m’amuse à jouer des passes de musique pop. Parfois, je mets un disque des Beastie Boys et je le joue du début à la fin, faisant semblant que c’est un spectacle. »

“I'd say I play mostly acoustic drums at this point. I got a Pearl endorsement! It's the only company I'd ever want an endorsement from. I got to play at the Victoria Drum Fest on the bill with Dave Weckl and Peter Erskine. I guess a lot of my success is due to me playing youtube drum covers. My viewer count was over 800,000, which made it easier for me too reach out to Pearl.”

« En ce moment, je joue principalement la batterie acoustique. Je suis commandité par Pearl! C’est le seul fabricant duquel je veux une commandite. J’ai participé au Drum Fest de Victoria aux côtés de Dave Weckl et Peter Erskine. J’ai l’impression qu’une grande part de mon succès est dûe au fait que j’ai des vidéos sur YouTube. J’ai plus de 800 000 visionnements, ce qui m’a aidé à attirer l’attention de Pearl. »

Chris has investigated a wide variety of electronic drums. He prefers Roland for two reasons: the diversity/quality of the sounds and the fact that he can play with the same velocity that he brings to acoustic drums. Then there's the fact that, “I'm only 17 and I live with my parents. I can play at 3:00am and nobody complains!

Chris a essayé une grande variété de batteries électroniques. Il préfère Roland pour deux raisons : la diversité et la qualité des sonorités, et le fait qu’il puisse jouer avec la même intensité que sur la batterie acoustique. Il y a aussi le fait que « j’ai 17 ans et je vis avec mes parents. Je peux donc jouer à 3 heures du matin et ça ne dérange personne! »

“I've been accepted to MI and I'll be starting in October. I want to be a stronger player and the kind of gig I want to audition for would be down there (LA). It will be a chance to eat, sleep, and breathe drums.”

« J’ai été accepté à MI; je commence au mois d’octobre. Je veux être un batteur plus fort et le genre de travail que je veux faire se trouve là-bas (Los Angeles). J’aurai l’occasion de consacrer ma vie entière à la batterie. »

www.youtube.com/chrisdimastv summer/été

2014

ROLAND V-DRUM DRUM FEST WINNERS

photo: Jim Angelillo

Cam Cordoviz “I recently moved into an apartment (in Winnipeg),” Cam says. “For quiet practicing, and live shows, I was doing research on the Roland TD20 kit. I was thinking of price, versatility, and sounds. Also it's important for me that when I strike an acoustic drum there's a sound and a feeling: The Roland comes closest in my experience.” Despite the many attributes of electronic drums, Cam finds that acoustic drums are better for developing conventional drum technique. “Acoustic drums are an iconic and traditional thing,” he adds. “A jazz gig on electronic drums is just not right!” Although the Roland V-Drum offers Cam the opportunity to check his performance against exact digital metronomes and grooves, he says, “I think there's better things to work on than exact time with a click track. Each month I try to develop new aspects—my hand speed, for example—relative to the sort of gigs I've got coming up. Most important, you've got to be able to lock in the groove; you need to be the backbone of the band—you need to drive the bus. I remember Steve Gadd saying that technique doesn't mean shit if you can't lock in a groove. I see a lot of flash on youtube but all those stick tricks are not going to bring you closer to the music industry. Being flashy doesn't matter; it's a matter of being professional. You don't try to be better than other people; you play with them. It takes a lot of discipline and dedication. I'd practice every day after school. I'd solo for sure but I'd also work towards increasing limb independence and how to lock the groove into my body.” Cam's out there, gigging once or twice a month in bars while finishing high school. “I just played our final concert for senior jazz (ensemble), reading and improvising in multiple styles of music. After that, I'm thinking about moving to Vancouver and maybe getting some session work. In Winnipeg there's enough music to sustain you through a month; but it seems that in Vancouver there's great things happening every week!”

drums etc.

« Récemment, j’ai déménagé dans un appartement (à Winnipeg), » dit Cam. « Pour pratiquer en silence et pour les spectacles, je faisais de la recherche sur la batterie TD20 de Roland. Je regardais le prix, la polyvalence et les sonorités. Quand je frappe un tambour acoustique, il y a un son et une sensation; c’est important pour moi. Selon moi, Roland s’approche le plus de cela. » Malgré les nombreuses qualités des batteries électroniques, Cam trouve qu’il est mieux de développer les techniques de jeu traditionnelles sur la batterie acoustique. « La batterie acoustique est un instrument emblématique et traditionnel, » ajoute-t-il. « Jouer un spectacle de jazz sur une batterie électronique n’est tout simplement pas correct! » Bien que le V-Drum de Roland offre à Cam l’occasion de se mesurer à des métronomes et des rythmes hyper précis, « je crois qu’il y a de meilleures choses à apprendre que la précision temporelle avec un métronome. Chaque mois, j’essaie de développe de nouveaux aspects, comme la vitesse de mes mains, en lien avec le genre de spectacle à venir. Ce qui importe le plus est de tenir le groove; le batteur doit être la colonne vertébrale du groupe. Je me rappelle avoir entendu Steve Gadd dire que la technique ne vaut rien si on est pas en mesure de tenir le groove. Je vois beaucoup de flafla sur YouTube; toutes ces passes de baguettes ne vont pas vous rapprocher de l’industrie musicale. Le tape-à-l’œil importe peu; il s’agit d’être professionnel. L’idée n’est pas d’être meilleur que les autres, mais de jouer avec eux. Cela prend beaucoup de discipline et de dévouement. Je pratique chaque jour après l’école. Je pratique les solos, bien sûr, mais je travaille aussi l’indépendance de mes membres et aussi comment faire en sorte que tout mon corps soit impliqué dans le groove. » Pendant qu’il s’affaire à terminer son secondaire, Cam joue une ou deux fois par mois dans les bars. « Mon ensemble de jazz sénior vient de jouer son concert final; j’y ai lu et improvisé dans plusieurs styles. Après ça, je pense déménager à Vancouver où j vais essayer de faire du travail de studio. À Winnipeg, il y a assez de musique pour y passer un mois, mais à Vancouver, on dirait qu’il se passe quelque chose d’intéressant chaque semaine! »

LES GAGNANTS DU CONCOURS ROLAND V-DRUM

photo: Jim Angelillo

Olivier Mallette When he was barely in his teens Olivier Mallette began playing acoustic drums in his native Chicoutimi. His dad noticed his son's unique talent and reckoned he'd bring Olivier to the Montreal Drum Fest to check out the hype and give the boy a vision of the future. Olivier witnessed the best of them strutting their stuff. But what really attracted him was the booths upstairs. In fact, Olivier's fascination with Roland V-Drums kept him playing the kits, headphones on, for the full day! Two years later, Olivier heard about the Roland V-Drum competition. In 2013 he won the championship in the junior category, which meant he'd be heading to perform at the Montreal Drum Fest.

C’est au tout début de l’adolescence, à Chicoutimi, qu’Olivier Mallette a commencé à jouer la batterie acoustique. Son père a remarqué que son fils avait du talent et a décidé de l’amener au Drum Fest de Montréal, question de voir de quoi tout le monde parlait et d’offrir au garçon une idée de ce à quoi il pouvait aspirer. Olivier y a vu quelques-uns des meilleurs batteurs au monde. Mais ce qui a attiré davantage son attention était la pièce des kiosques. En fait, la fascination qu’il éprouvait pour les V-Drums de Roland l’a cloué derrière un démonstrateur pratiquement toute la journée! Deux ans plus tard, Olivier a entendu parler du concours Roland V-Drum. En 2013, il gagnait le championnat dans la catégorie junior, ce qui voulait dire qu’il allait jouer au Drum Fest de Montréal.

In addition to working out on his V-Drums, Olivier has kept up with acoustic drums, especially when playing heavy metal, pop, and funk—to name a handful of genres Olivier is mastering. Next on his list is jazz and blues. If his youtube clips are any indication, he'll dig deep to the core of these styles and generate excitement beyond his plentiful stick tricks. Part of this is attributable to Aaron Spears, who has been one of Olivier's greatest influences.

En plus de pratiquer sur sa batterie V-Drums, Olivier continue d’utiliser la batterie acoustique, surtout lorsqu’il joue du heavy métal, de la pop et du funk, pour nommer des genres musicaux qu’olivier maîtrise. Il veut ensuite se concentrer sur le jazz et le blues. Si l’on se fie sur ses vidéos YouTube, il se rendra au fond de ces styles et génèrera de l’excitation bien plus substantielle que ses passes de baguettes. Une grande part de cela est inspirée d’Aaron Spears, qui est l’une des grandes influences d’Olivier.

Although at age-14 Olivier doesn't look much to the long-term, he is committed to attending a music college in Montreal. It's not just a matter of high-calibre instruction; Olivier seeks a musical milieu—an environment wherein he can play daily with likeminded musicians.

À 14 ans, il ne se préoccupe pas trop de son avenir, mais il sait déjà qu’il veut poursuivre ses études dans une école de musique de Montréal. L’idée n’est pas seulement d’obtenir un enseignement de haut calibre, mais aussi d’évoluer dans un milieu musical dans lequel il peut jouer tous les jours avec d’autres musiciens avec lesquels il a des affinités.

One of Olivier's dreams is to work with a company like Roland, hopefully participating in clinics and electronic drum demonstrations. Things are falling into place nicely. Case in point: On June 14, 2014, Olivier was invited to play a special show as part of a fourgeneration group of legendary drummers: Paul Brochu, Guy Nadon and Martin Lavallée. That's not too shabby for a 14-year-old drummer!

L’un des rêves d’Olivier est de travailler pour une entreprise comme Roland, offrir des ateliers et des démonstrations de batteries électroniques. Les choses tombent tout de même bien en place, car il a été invité à jouer avec un groupe de batteurs légendaires : Paul Brochu, Guy Nadon et Martin Lavallée. Ça pourrait être pire pour un batteur de 14 ans!

By/Par: T. Bruce Wittet summer/été

2014

aaron

edgar

Incorporating Electronics for

Inspiration.

Sometimes all we need is a new sound. Just something out of the ordinary to make us play a little differently. Some people buy a new drum set. Maybe add a snare. A cymbal? Sometimes all of the above. My newest vice is incorporating electronics in my acoustic set. This can be incredibly rewarding but also possibly frustrating and a little daunting if you haven’t tried anything of this type yet.

First up, one of my biggest problems with electronics in an acoustic set is that I’ll only hear it in my headphones. That bothers me to no end. Never fear! There are solutions. Generally with whatever module you’re using for sounds you can output to an amplifier or PA of some sort to get an actual in the room sound with your electronics. That’s going to help you feel more like you’re playing an instrument, not just hitting a pad. If you aren’t using a module, you can send outputs from your computer to speakers in your drum room. Recently, I was using a Roland TM-2 on a clinic tour on the West coast to replace a couple different sounds I was using in the studio with my band Third Ion that were logistically kind of impossible to acoustically recreate on a tour where gear is provided. My obsession started from my first little “accident” while practicing and getting an unexpected sound. It was totally me just messing around, but getting sounds that are essentially acoustically impossible is amazing to me. I’ve spent more than twenty years exploring this instrument and now I’ve got access to sounds you literally just can’t make with acoustic instruments. Of course this is going to inspire some new playing! After the tour I abandoned my idea of just using a PDX-8 with my TM-2 to replace a gong drum sound. I still do that, but now I’ll throw, say, some crazy dub step grow that sounds like a couple transformers making out and add some strange ambience, like vinyl crackles or an interesting synth pad. All of these things make you want to play differently and explore your drum set in ways you may have never thought to. I know it did for me! This still is just scratching the surface. We’ve talked about adding a couple of pads to incorporate some specific sounds. You can also incorporate drum triggers to your set. I know what half of you are thinking now: “Triggers are bad! I’ll never use them!” But hear me out. You don’t need to use triggers to make a clicky bass drum sound. Just because everyone else

drums etc.

uses triggers to do that, doesn’t mean you have to. Remember your dad asking, “If all your friends jumped off a bridge, would you do it too?!” Of course the answer is a resounding, “Yes!” But when it comes to drums and artistic expression, definitely not! The last thing I want to do is what everyone else does. For me, triggers are meant to add NON-drum sounds to drums. If I want to add some crazy airy ambience to snare drum backbeats? I can! If I want my bass drum to incorporate a tone, a bass line, hell, an explosion: I CAN! And I’m going to. Why? Because it will sound unexpected to me. That unexpected sound is going to inspire a groove I’ve never played before. And boom, we have something unique. Which of course is what we want. We want to find our own voice on the instrument. We don’t want to sound like a clone of someone we like. Another couple of great options from my personal electronic arsenal include the Korg Wave Drums. Very cool organic feeling electronic instrument. Last, but certainly not least, are the Synesthesia Corp Mandala Pads. You may have seen Danny Carey’s kit decked out with these. Don’t even get me started on their insane flexibility. These are only a few of the near infinite possibilities of electronic drums. Bottom line. I want you all to go and experiment with some odd sounds into your acoustic kit. It may be a bit of a pain to set up in the first place, but I guarantee once you have, you’ll be happy you did. 

Trouver de

l’inspiration dans l’électronique

Parfois, tout ce qu’il faut est une nouvelle sonorité, quelque chose d’inhabituel qui nous fera jouer de façon légèrement différente. Certains s’achètent une nouvelle batterie, peut-être une caisse claire ou une cymbale. Parfois c’est tout cela et plus! Pour ma part, mon nouveau vice est l’incorporation d’éléments électroniques dans ma batterie acoustique. Ça peut être très enrichissant, mais également frustrant et parfois difficile si vous n’avez jamais essayé ce genre de chose.

Premièrement, l’une de mes plus grandes frustrations avec le mélange d’éléments électroniques avec ma batterie acoustique est que je n’entends les sonorités qu’avec un casque d’écoute. C’est fou comme je trouve ça dérangeant. Mais il ne faut pas trop s’en faire, car il y a des solutions! En général, peu importe quel module on utilise pour les sonorités, on peut le brancher à un amplificateur ou à un système de sonorisation pour entendre le tout sans casque d’écoute. Cela donne au moins l’impression qu’on joue un véritable instrument de musique, plutôt que de frapper un pad. Si on n’utilise pas de module, il s’agit de lier l’ordinateur aux haut-parleurs dans votre salle de répétition. Récemment, lors d’une tournée d’ateliers dans l’ouest, j’ai utilisé un Roland TM-2 pour remplacer différentes sonorités que j’utilisais en studio avec mon groupe Third Ion, mais que je n’aurais pas pu reproduire de façon acoustique puisque c’était une tournée dans laquelle l’équipement était fourni. Mon obsession a commencé quand j’ai fait un petit « accident » sonore lors d’une répétition et j’ai obtenu une sonorité inattendue. Je jouais tout simplement n’importe quoi; mais l’idée d’obtenir des sonorités qui sont impossibles à produire de façon acoustique m’interpelle. J’ai passé plus de vingt ans à explorer cet instrument et j’ai maintenant accès à une tonne de sonorités carrément impossibles à produire avec des instruments acoustiques. Il est certain que ça va inspirer toutes sortes de nouvelles choses! Après la tournée, j’ai abandonné l’idée de n’utiliser qu’un PDX-8 avec mon TM-2 pour remplacer une sonorité de gong. Je fais toujours ça, mais maintenant j’y ajoute, disons, un rugissement dub step qui sonne comme si deux transformateurs s’accouplaient, et des sonorités d’ambiance, comme des crépitements de vieux vinyles ou une sonorité de synthé intéressante. Ce sont toutes des choses qui vous feront vouloir jouer de façon différente et explorer votre batterie de manières entièrement nouvelles. C’est ce qui m’est arrivé!

Ce n’est que le début. Nous avons parlé d’incorporer quelques pads à votre batterie afin de produire des sonorités précises. Vous pouvez aussi y incorporer des déclencheurs. Mais attention, je sais ce que la moitié d’entre vous pense : « les déclencheurs, c’est de la cochonnerie. Je ne les utiliserai jamais! » Mais restez avec moi. Rien ne vous oblige à les utiliser pour obtenir une sonorité de grosse caisse qui fait clic, clic, clic. Ce n’est pas parce qu’il y en a beaucoup qui font ça que vous devez le faire. Rappelez-vous ce que disait votre père : « si tous tes amis sautaient en bas d’un pont, le ferais-tu?! » La réponse est bien évidemment « oui! ». Mais si l’on parle de la batterie et d’expression artistique, c’est définitivement « non ». Faire ce que les autres font est la dernière chose que je veux faire. D’après moi, les déclencheurs sont faits pour ajouter des sonorités autres que des sonorités de batterie. Par exemple, si je veux ajouter une ambiance hyper aérée à ma caisse claire, je peux! Si je veux incorporer une note de basse, une ligne de basse ou, même, une explosion à mes coups de grosse caisse, je peux! Et c’est ce que je fais. Pourquoi? Parce que c’est nouveau pour moi. Ces sonorités inattendues vont m’inspirer des grooves que je n’ai jamais joués avant. Et voilà, nous avons quelque chose d’unique; c’est ce qu’on recherche. Il s’agit de trouver sa propre voix sur l’instrument. Nous ne voulons pas être le clone d’un batteur que nous aimons. Parmi les quelques autres options tirées de mon arsenal électronique personnel, je tiens à mentionner le Korg Wave Drums, un instrument électronique très cool qui offre une sensation très organique. Il y a aussi les pads Mandala de Synesthesia Corp. Vous les avez peut-être vus intégrés à la batterie de Danny Carey. Leur polyvalence est extraordinaire. Voilà. Ce n’est qu’un aperçu des possibilités infinies offertes par les tambours électroniques. Je suggère que vous expérimentiez avec toutes sortes de sonorités étranges intégrées à votre batterie acoustique. Oui, ça peut être laborieux à installer, mais une fois que c’est fait, vous vous amuserez, c’est certain! 

summer/été

2014

franck

camus

When the thumb closes on the stick… When talking about stick or grip technique, the heated question of finger placement on the stick invariably comes up. Among all possible finger placement possibilities, there is a debate between which fulcrum is better: thumb-index finger or thumb-middle finger. And good advice abounds, such as the need to play with hands relaxed, which entails an open grip, meaning there is some space between the thumb and index finger. This seems natural when dealing with the German grip, but not necessarily with the French grip in which the thumb sits directly opposite the index finger.

What should we make of this advice? Does it make sense anatomically?

What happens when the space between the thumb and index finger is narrower?

Before getting into anatomical details (we’ll talk about the muscular system, not the bone structures), it is important that we do a little myth busting. What can we say to a drummer who plays thumb against index, with a seemingly tight grip, but he can groove and has never suffered from related injuries? At first glance, nothing, because the distance between the thumb and index finger varies a lot from one person to the next. What really makes a difference is the shape and volume of particular muscles (thumb adductors, for instance) and of the bones in the hand.

If the grip is closed, the thumb adductors are in use (isometry, with contraction without shortening of muscle fibres) to help keep the grip closed. This can promote unusual tension, but not in every case. The power of the grip shouldn’t be as powerful as if your thumb was trying to go through the stick. Be vigilant in the way you tighten your grip on the stick.

Often, I hear people saying that you have to use the same thumb-index distance that you have when your hand is at rest. This can work only if the stick is held by the tip of the fingers (near the fingernails), but this would prevent you from using your fingers efficiently, because only the last phalanxes are in contact with the stick, which is far from ideal, since the stick can slide easily. What’s more, you will need to exert a lot of pressure on the flexors (found in the palm) to prevent the stick from flying away. Naturally, this excessive pressure will cause inflammation and pain.

Knowing that, what is the ideal distance? The answer isn’t always simple, but it often ends up being the one that feels the most comfortable and that enables you to play with the most dynamics. Ideally, since your hand is at the service of your playing, you can vary your grip according to what you want to play. So, if you’re playing a jazz gig where dynamics are important, you might want to increase the distance between your thumb and index finger. But if you’re playing a Led Zeppelin tribute, chances are your fingers will be closer together. You can try different distances to see how each affects the sound the sticks produce, or note the variations in speed and comfort each produces. But never forget the most important criteria, which is whether you injure yourself or not, especially in and around the muscles at the base of the thumb. It is essential that you remember to keep grip tension at a minimum so the stick can freely bounce on the drums, similarly to what Jojo Mayer calls the “free stroke motion”. The fingers forming the grip itself can be close together or far apart; it isn’t good or bad. If the stick slips in one direction or the other, and your fingers don’t have complete control over it, you should work on finding a solution. Remember, though, that the grip is an important aspect of the quality of your technique, but it’s not the only one. 

drums etc.

photo: Nicolas Vermese

Quand le pouce se referme sur la baguette… Lorsque l’on parle de technique ou de grip pour les baguettes, la question du positionnement des doigts sur la baguette invariablement refait surface. Parmi toutes les positions envisageables des doigts sur la baguette, on retrouve la grande question de la pince pouce/ index ou pouce/ majeur. On entend souvent de bons conseils comme : « il faut jouer relâché et détendu et pour cela il doit y avoir une prise ouverte c'est-à-dire une prise dans laquelle il y a un léger espace entre le pouce et l’index ». Cette question apparaît naturelle dans le cas du « German grip », mais pas nécessairement quand on parle de « French grip » car le pouce est en opposition direct avec l’index.

Dans les faits que penser de ce conseil? Anatomiquement est-ce que cela a du sens?

Que se passe-t-il dans le cas contraire d’un espace restreint entre le pouce et l’index?

Avant même de parler d’anatomie (et on se limitera à parler du système musculaire et non des os) Il est important de démystifier certains mythes. En effet, que dire à un batteur qui a un grip avec le pouce tout contre l’index, qui semble serré, mais qui ne se blesse jamais et qui est capable de groover? A priori rien, car la distance entre le pouce et l’index est très variable d’un individu à l’autre. Ce qui fait cette différence c’est la forme et le volume de certains muscles (adducteur du pouce entre autres) ainsi que la forme et le volume des os de la main. J’entends souvent dire qu’il faut garder l’écart naturel entre le pouce et l’index comme si la main était au repos. Cela ne peut fonctionner que si la baguette est tenue juste du bout des doigts (au niveau des ongles) hors cette position ne permet pas un bon contrôle des doigts, car seules les dernières phalanges sont en contact avec la baguette et ce n’est pas l’idéal, car la baguette glisse facilement. Il faut donc, si on garde une distance importante, exercer énormément de pression au niveau des muscles fléchisseurs des doigts (situés dans la paume de la main) pour garder la baguette en place. Cette pression indue exagérée est ce qui crée la blessure avec une tension trop importante des muscles générant inflammation et douleur.

Si la prise est fermée, il y a donc une utilisation des muscles adducteurs du pouce (en isométrie donc avec une contraction sans raccourcissement des fibres musculaires) pour garder la pince fermée. Cela peut engendrer des tensions anormales, mais cela peut aussi très bien se passer! Il faut juste ne pas exercer une force trop importante de serrage sur la baguette avec le pouce qui tenterait de passer à travers la baguette. Soyez vigilant dans votre façon de serrer la baguette. En sachant cela qu’elle est la distance idéale? La réponse n’est pas toujours simple, mais c’est souvent celle qui vous paraît la plus confortable et celle qui vous permet de jouer avec le plus de nuance. Étant donné que votre main est au service de votre jeu, vous pouvez idéalement varier votre pince en fonction de ce que vous voulez jouer. Ainsi si vous avez un gig de jazz tout en nuance vous pouvez jouer avec un écart plus important entre votre pouce et votre index, mais si vous êtes dans un hommage à John Bonham il y a de fortes chances que vous réduisiez cet espace. Vous pouvez donc essayer différentes possibilités d’écart dans votre prise de baguette et écouter le son que cela produit, ou encore observer les différences de vitesse ou de confort que cela peut occasionner sans compter l’un des critères les plus importants : est-ce que vous vous blessez fréquemment ou pas, surtout au niveau des muscles à la base du pouce. Ce qui est important de comprendre à travers ceci, c’est de garder une tension minimum pour que la baguette puisse rebondir et être libre naturellement comme le « free stroke motion » dont parle Jojo Mayer. La pince entre les doigts peut être écartée plus ou moins sans que cela soit bon ou mauvais. Si la baguette glisse dans un sens ou l’autre et que vos doigts n’ont pas un parfait contrôle sur la baguette, vous pouvez porter attention à ce point technique précis. Pour optimiser la qualité de votre technique la pince est un des aspects importants, mais pas le seul. 

summer/été

2014

mike

michal kow

THE ART OF THE “WORKING MUSICIAN” PART 1 Since all art has to start on a blank canvass, let's start there. Hopefully, you can apply my experiences to your drumming career. I picked up my first pair of drumsticks 26 years ago. I had no idea what was in store for me. It started at Major & Minor Music in Winnipeg Manitoba under the instruction of Norman St.Hilaire (who I still remain friends with to this day).

I decided to take drumming seriously at the age of 17 because it's something I always wanted to do. I practiced hard and always showed up for my lessons early so I could hear how the other students sounded. It was always my goal to be better than all of Norm’s students. This was a silly personal goal, but it motivated me to practice harder. After 1 year of lessons, Norm had me sub for him for some of his students. I really liked the challenge of teaching but never thought it was something I would do in the future. Norm also had me sit in with his band where styles ranged from rock to blues to country. What a great experience, but this required knowing shuffles, train beats, 12/8 and various rock styles. Learning these grooves is a must! I then started taking lessons from Mitch Dorge (Crash Test Dummies). Mitch introduced me to jazz, which changed everything. I began listening to Chick Corea, Thelonius Monk, Dave Brubeck, Miles Davis and many other popular jazz artists. This really began to change the way I played drums. My rock chops became more dynamic and musical. I highly suggest listening to jazz to expand your musical library. I decided to take my drumming to a new level and I enrolled in the music program at Grant MacEwan University in Edmonton, Alberta. I was barely accepted because my theory was so weak. Remember, this was a music program not just a drum program. Despite being

broke and eating Kraft Dinner during that time, those 2 years were the best years of my life. The learning experience was incredible. After graduation, I wasn't sure what to do but was eager to explore the music industry. I was sitting in my apartment and decided that I needed to leave Edmonton for a bigger city like Toronto or Vancouver to begin my career. I literally flipped a coin to see where I was going, and Vancouver won. I packed up my car with my drum set, a suitcase and a VCR for my big collection of drum videos In 1994 I moved to Vancouver and still reside there today. This was before the Internet was available to the public so finding gigs was done through newspaper ads, ads in music stores or word of mouth. Since I didn't know any working musicians in Vancouver, I had my work cut out for me (nowadays networking is much easier). The next step for you is to start meeting musicians in your area. I began meeting musicians at jam nights or afternoon jam sessions. I was looking for musicians like myself with drive and determination. This was how I started playing in “working bands”. One gig led to another and before long I was playing almost every weekend, sometimes 3 or 4 gigs a week.

HERE ARE SOME VERY IMPORTANT TIPS TO GET STARTED WITH Learn all the essential grooves (rock, blues shuffles, 12/8, train beats, classic 2-beat, 3/4 grooves, the Bo Diddley beat, basic reggae, funk grooves)

Learn how to count songs in and know how to end them when performing live

Learn as many popular songs as you can from the 1950s to the present

Begin meeting musicians who have the same goals as yourself

Stay tuned for part 2 in the next issue.  14

drums etc.

L'ART D'ÊTRE UN « MUSICIEN ACTIF » 1RE PARTIE Puisque toute œuvre d’art commence par une page blanche, c’est là que je vais commencer. Je souhaite que mon expérience puisse vous aider dans votre carrière de batteur. J’ai eu ma première paire de baguettes en main il y a 26 ans. À l’époque, je ne savais pas dans quoi je me lançais. Tout a commencé par des leçons prises auprès de Norman St-Hilaire (avec qui je suis toujours ami) à Major & Minor Music, à Winnipeg, au Manitoba. C’est à 17 ans que j’ai décidé de prendre la batterie au sérieux, car c’était quelque chose que j’avais toujours voulu faire. Je pratiquais beaucoup et j’arrivais toujours plus tôt à mes leçons pour que je puisse entendre où étaient rendus les autres élèves. Mon objectif était d’être meilleur que tous les autres élèves de Norm. Oui, c’est un objectif personnel ridicule, mais il me motivait à pratiquer encore plus fort. Après un an de leçons, Norm a commencé à me laisser le remplacer pour certains de ses élèves. J’aimais beaucoup le défi posé par l’enseignement, mais je ne m’imaginais pas que c’était quelque chose que je ferais plus tard. Norm m’a également fait jouer avec son groupe dans lequel les styles allaient du rock au blues, en passant par le country. Quelle belle expérience, mais il fallait que je sache jouer des shuffles, des « rythmes de train », des rythmes en 12/8 et une variété de styles de rythmes rock. Il faut absolument apprendre à jouer tous ces rythmes! Ensuite, j’ai pris des leçons auprès de Mitch Dorge (Crash Test Dummies). Mitch m’a fait découvrir le jazz. C’est là que tout a changé. J’ai commencé à écouter Chick Corea, Thelonius Monk, Dave Brubeck, Miles Davis et beaucoup d’autres artistes jazz de renom. C’est ici que mon jeu a vraiment commencé à changer. Mes passes rock sont devenues plus dynamiques et musicales. Je conseille fortement d’écouter du jazz pour élargir vos références musicales. J’ai décidé de passer à un autre niveau en m’inscrivant au programme de musique de l’université Grant MacEwan à Edmonton, en Alberta. J’ai été à peine accepté, car ma connaissance de la théorie était très faible. Rappelez-vous que c’était un programme de

musique, pas seulement de batterie. Même si j’étais tout le temps cassé et que je mangeais beaucoup de Kraft Dinner, ce fut les deux plus belles années de ma vie. L’expérience d’apprentissage en a vraiment value la peine. Après ma graduation, je n’étais pas certain de ce que j’allais faire, mais j’étais enthousiaste d’explorer l’industrie de la musique. Assis dans mon appartement à Edmonton, j’ai décidé que je devais aller vivre dans une grande ville comme Toronto ou Vancouver pour entamer ma carrière. J’ai tiré à pile ou face (vraiment!) et c’est Vancouver qui a gagné. J’ai donc rempli l’auto de ma batterie, d’une valise et d’un lecteur vidéo pour ma grosse collection de vidéos de batterie. C’est donc en 1994 que je me suis établi à Vancouver, où je vis toujours. C’était avant que le public ait accès à l’internet, donc on se trouvait des contrats dans les petites annonces des journaux et les annonces dans les boutiques de musique, ou par le bouche-à-oreille. Puisque je ne connaissais pas de musiciens actifs à Vancouver, j’avais du pain sur ma planche (de nos jours, le réseautage est beaucoup plus facile). La prochaine étape pour vous est donc de rencontrer des musiciens dans votre patelin. J’ai commencé à rencontrer d’autres musiciens lors de soirées ou d’après-midis « jam sessions ». Je cherchais des musiciens comme moi, ambitieux et déterminés. C’est comme cela que je me suis mis à jouer dans des formations musicales actives. Un contrat menait à un autre et puis, avec le temps, je jouais presque toutes les fins de semaine. J’avais parfois de 3 à 4 contrats par semaine.

POUR COMMENCER, VOICI QUELQUES CONSEILS TRÈS IMPORTANTS Apprenez tous les grooves essentiels (rock, shuffles blues, 12/8, rythmes de train, deux-temps classique, grooves en 3/4, le rythme Bo Diddley, reggae, funk)

Apprenez comment commencer et terminer des chansons lorsque vous êtes en spectacle

Apprenez autant de chansons populaires que possible des années 50 à aujourd’hui

Commencez à rencontrer des musiciens qui entretiennent les mêmes objectifs que vous

La seconde partie de l’article paraîtra dans le prochain numéro.  summer/été

2014

Photo: Jeffrey Gunn

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vol.26 no2 april - may / avril - mai 2014

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La session d’hiver débute le 4 février 2013 La session de printemps débute le 27 mai 2013

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2014

chris

lesso

LifeIS DRUMMING DRUMMINGIS Life !

LTR (Life Through Rhythm) is an attitude, a commitment and a way of life. Living Kaizen (constant improvement) through not only our craft, but also all our actions. Rhythm is defined as any repeated pattern. We find this in ourselves as a heartbeat, in our environment as a sunset and in all the recurrences we live every day. Once a habit is a ritual, it becomes a cycle that feeds itself. What are your own rhythms? Drumming is a lens to grow the best practices in our lives, as the way we do the little things is the way we do the big things. Not only will this benefit our craft, it will carry over into all aspects of our lives. The type of person we are is the type of artist we will be. Harnessing the connection between our passion for music and our best practices is a great way to work towards achieving peak potential in everyday life. This is where life skills and drumming meet.

THE 4 MUSICAL KEYS LISTENING Adopt the 60/40 rule: talk 40%, listen 60%. This develops deeper relationships with everyone in life. And in music, your band will love you for it! This is also about learning and being in the present moment.

SPACE This is so easy not to do when drumming. Think like a wind instrument – when taking a breath, there is space. This is about minimalism, eliminating the unessential and distractions from our music and our everyday life.

We can see this in areas like golf and martial arts. When deciding between two high stakes job applicants, CEO's will often take the prospects for a game of golf to see how they react to the unexpected frustrations that inevitably arise and, hopefully, reveal how they will react to a real life crisis. A student in the Dojo is expected to live the martial arts discipline in all areas of life, not just under the watchful eye of the Sensei. I relate my connection to the instrument outside of the genre. Try studying Sam Snead's golf swing, Fred Astaire's dancing or Bruce Lee's strike. Work with nature, not against it. This would also go for everyday life: deal positively with stress and eliminate unnecessary tension. How will you deal with the inevitable frustration, disappointment and challenges? If you're not feeling these regularly, you're not growing. Habits are what make or break us. Often it's not talent but habits that separate the good from the great. Habits are just daily rhythms. Positive rhythms will reverberate and grow, either creating harmony or a lot of unnecessary noise. The masters of our craft practice the following 4 rituals for success in music and in life.

TIME As a drummer, good time means being accurate and articulate, sharpening our skills every day with consistent practice. In life, it's living excellence in all actions. I am always inspired by Martin Luther King's words: "If a man is called to be a street sweeper, he should sweep streets even as a Michelangelo painted, or Beethoven composed music or Shakespeare wrote poetry."

DYNAMICS Dynamics add emotion to music; without this ingredient it is lifeless and flat. This is where others will feel your passion for what you do. Not in how loud you play (that's easy) but in how you use dynamics as a tool for your expression. This is also about living with passion everyday, going for it with all you have and enjoying the small moments.

Cultivating these and other qualities like focus, energy, discipline and communication leads to better team building, better relationships and better stress handling. And you’ll have fun while doing it! This directly impacts our lives everyday and leads to achieving our greatest vision and dreams. Continue to develop your positive groove everyday. Help others find their best rhythms as well, because the fastest way to achieve your own success is to help someone else accomplish his or her own. Live the LTR everyday! 

drums etc.

vie EST LE

RYTHME RYTHME EST LA vie !

LES 4 CLÉS MUSICALES L’ÉCOUTE

Adoptez la règle 60/40 : parler 40%, écouter 60%. Cela développera des relations plus profondes dans votre vie. Et dans la musique, vos collègues vous aimeront davantage! C’est également une question d’apprentissage et de vivre au moment présent. Vivre sa vie par le rythme est une attitude, un engagement et un mode de vie. Vivre le Kaizen (l’amélioration constante) non seulement à travers notre art, mais également à travers nos actions. On définit le rythme comme un motif répété. En nous, c’est le battement de notre cœur; dans notre environnement, c’est le coucher du soleil et tout ce qui se répète jour après jour. Quand une habitude devient un rituel, cela devient un cycle qui s’autosuffit. Quels sont vos rythmes? La batterie est une lentille qui nous permet de mieux voir les meilleures pratiques dans nos vies; la façon dont nous traitons des petites choses est la même qu’avec les grosses. Cela affectera notre art de façon positive et s’infiltrera dans tous les aspects de nos vies. Le genre de personne que nous sommes est le genre d’artiste que nous serons. Exploiter la connexion qui existe entre notre passion pour la musique et nos meilleures pratiques est une excellente façon de travailler envers l’atteinte de notre plein potentiel dans la vie de tous les jours. C’est ici que se rencontrent les aptitudes à la vie et la batterie. C’est quelque chose qu’on peut observer dans les univers du golf ou des arts martiaux. Lorsque les dirigeants d’entreprise doivent choisir entre deux candidats pour un poste prestigieux, ils iront jouer au golf avec eux pour voir comment ils réagissent aux frustrations inévitables qui surgiront et, avec de la chance, cela révèlera la façon dont ils réagissent à une crise dans la vraie vie. On s’attend à ce qu’un élève dans le dojo transpose la discipline des arts martiaux dans toutes les sphères de la vie, pas seulement sous l’œil vigilant du Sensei. Je lie ma connexion à l’instrument au-delà du domaine. Étudiez les techniques de golf de Sam Snead, la danse selon Fred Astaire ou les coups de pied de Bruce Lee. Travaillez avec la nature, pas contre elle. Cela vaut pour la vie de tous les jours : gérez le stress de façon positive et éliminez les tensions inutiles. Comment allez-vous gérer les frustrations, les déceptions et les défis inévitables? Si vous ne les ressentez pas régulièrement, c’est que vous ne grandissez pas. Ce sont nos habitudes qui déterminent nos succès et nos échecs. Souvent, ce sont les habitudes et non le talent qui sépare les bons des grands. Les habitudes sont tout simplement les rythmes quotidiens. Les rythmes positifs se répercuteront et grandiront, créant soit de l’harmonie, soit beaucoup de bruit inutile. Les maîtres de notre art pratiquent les quatre rituels suivants afin d’obtenir du succès dans la musique et dans la vie.

L’ESPACE Il est très facile de ne pas faire ceci en jouant de la batterie. Faites comme si vous jouiez un instrument à vent; lorsque vous prenez votre souffle, il y a de l’espace. C’est une question de minimalisme, de l’élimination des distractions et de ce qui est non essentiel tant dans la musique qu’on joue que dans notre vie.

LE TEMPS En tant que batteur, avoir un bon sens de la pulsation implique d’être précis et d’avoir une bonne articulation, affutant chaque jour nos habiletés avec une pratique cohérente. Dans la vie, il s’agit d’incarner l’excellence dans toutes nos actions. Je suis constamment inspiré par les paroles de Martin Luther King : « Si un homme est appelé à être un balayeur de rue, il devrait balayer les rues comme Michel-Ange peignait, Beethoven composait ou Shakespeare écrivait. »

LES NUANCES Les nuances ajoutent de l’émotion à la musique; sans cet ingrédient, elle est terne et sans vie. C’est ce qui fait que les autres peuvent ressentir votre passion pour ce que vous faites. Ce n’est pas une question de jouer fort (c’est facile), mais comment on utilise les nuances comme outil d’expression. L’idée est de vivre chaque jour passionnément, d’y mettre tout ce que vous avez et d’apprécier les petites choses. C’est en cultivant ces points, ainsi que d’autres qualités comme la concentration, l’énergie, la discipline et la communication, qu’on se dirige vers un meilleur travail d’équipe, de meilleures relations et une meilleure gestion du stress. Et en plus, c’est amusant! Cela affecte directement notre vie de tous les jours et mène à l’accomplissement de notre vision et l’atteinte de nos rêves. Continuez à développer votre groove positif quotidiennement. Aidez les autres à trouver aussi leurs meilleurs rythmes, car la meilleure façon d’atteindre vos objectifs est d’aider quelqu’un d’autre à atteindre les siens. Vivez par le rythme chaque jour! 

summer/été

2014

Transcribe

matt

mckin non

the

Greats

Finding your voice on the drums is a long and continuous process. Transcribing the music of a great drummer is a good way to truly get inside the mind of someone who has found a unique voice. Personally, it's a means of taking lessons from many of my idols. It forces me out of my comfort zone while I practice tricky rhythms and sticking’s. Every solo I've transcribed has been the equivalent of a few months of free drum lessons from one of the drumming greats.

When you transcribe grooves and solos you get a sense of what you're aiming for right from the start. You know that your end result should be something that others will admire in the same way that you admire your idol's playing. And this should be the inspiration that will push you to really practise hard—inspiration you don't get from a book. Once you have transcribed the piece and can accurately play along with the recording, the next step is to incorporate the voice of your idol into your own playing. It's important to take the grooves and fills you've worked on and mix them into your own playing. In my first year of music studies at Humber College, Kirk McDonald asked the class how many of us knew the C major scale. We all raised our hands. He then said something to the effect of: “Good. So let me hear it in triplets in thirds on the way up and fourths on the way down.” No one could do it.

Tra nsc ri re les

grands Trouver sa voix à la batterie est un processus de longue haleine. Transcrire la musique d’un grand batteur est une bonne façon d’avoir un aperçu du mode de pensée d’une personne qui a une voix unique. C’est pour moi une occasion de prendre des leçons auprès de mes idoles. Ça me force à m’aventurer hors de ma zone de confort tout en pratiquant des rythmes et des jeux de baguettes complexes. Chaque solo que j’ai transcrit s’est révélé être l’équivalent de plusieurs mois de leçons avec un grand batteur.

drums etc.

Dès le départ, lorsqu’on transcrit des grooves et des solos, on a rapidement une idée du résultat qu’on recherche. On sait qu’en travaillant, on réussira à jouer quelque chose que les autres admireront, de la même façon dont on admire le jeu de son idole. Cela devrait être l’inspiration qui nous poussera à travailler très fort. C’est une inspiration qui ne vient pas d’un livre. Donc la pièce est transcrite et on la joue de façon précise avec l’enregistrement. Il s’agit ensuite d’incorporer la voix de son idole dans son jeu. Il est important de prendre les grooves et les passes qu’on vient d’apprendre et de les incorporer dans son propre jeu. Lors de ma première année d’études au Humber College, Kirk McDonald nous a demandé si on connaissait la gamme de do majeur. Évidemment, tout le monde a levé la main. Il nous a ensuite dit quelque chose comme suit : « Bien! Jouez-la-moi en triolets et en tierces en montant et en quartes en descendant. » Personne ne pouvait le faire. Son objectif était de montrer que la musique comporte beaucoup d’éléments, mais pour que chacun soit pratique dans un contexte d’improvisation, il faut les maîtriser. C’est une leçon qui resurgit constamment dans ma relation avec la batterie, y compris avec la transcription. S’il y a une passe que je ne connais pas encore, je la répète extrêmement lentement, rapidement, à l’envers, avec le jeu de baguettes inversé, dans un style reggae, jazz, en doublant la première note, en transformant la seconde en flam, en y ajoutant la grosse caisse à la fin. Le processus se poursuit jusqu’à ce que l’idée et ses variations commencent à apparaître dans son jeu. Quand cela se produit, on réalise que le travail qu’on y a mis n’était pas en vain. Voilà comment on atteint de nouveaux paliers.

His point was that there are many elements of music, but for any of them to be of practical use to you while you're improvising, you have to know them inside-out. This is a lesson that comes back to me for everything I do on the drum set, including transcriptions. If there's a fill I haven't tried before, I work on it incredibly slow, fast, backwards, with reversed sticking, as a reggae fill, as a jazz fill, doubling the first note, flaming the second note, adding a bass drum to the end of the fill. The process continues until the idea and the new variations start popping up in your playing. Once that happens, you'll realize the real benefits of all the practice you've put in. This is how you bring yourself to the next level of drumming.

For B i g Si d Alright, time to put sticks where my words are! On the DrumsEtc. website (www.drumsetc.ca/bigsid) you'll find my transcription of “For Big Sid” and a video of me playing it. Recorded in 1966, “For Big Sid” uses a lot of classic bebop vocabulary and it can help any drummer to find a voice when soloing. Max Roach’s well-known melodic approach to drumming is evident in this recording, as he references and expands on the melodic motifs of the song. The melody in the piece comes from the song "Boff Boff" (later called "Mop Mop") which Sydney "Big Sid" Catlett recorded with Coleman Hawkins in 1943, and later performed it as a drum feature with Louis Armstrong. To gain an understanding of the melody Max Roach is referencing in "For Big Sid", and the drummer to which he was tipping his hat, have a listen to "Boff Boff" with Coleman Hawkins and "Mop Mop" with Louis Armstrong. 

For the full transcription and video demonstration go to : DrumsEtc.ca/bigsid/ Pour la version complète et le vidéo, visitez: DrumsEtc.ca/bigsid/

For B i g Si d Bon, il est temps de remplacer mes mots par des baguettes! Sur le site Web de DrumsEtc. (www.drumsetc.ca/bigsid), vous trouverez ma transcription de « For Big Sid » et une vidéo me montrant la jouer. Enregistré en 1966, « For Big Sid » fait usage du vocabulaire classique be-bop et peut aider n’importe quel batteur à se forger une voix pour les solos. L’approche mélodieuse bien connue du jeu de Max Roach est très présente sur cet enregistrement, tandis qu’il rappelle et s’amuse avec les motifs mélodiques de la pièce musicale. La mélodie vient de la pièce « Boff Boff » (connue aussi en tant que « Mop Mop ») que Sydney « Big Sid » Catlett a enregistrée avec Coleman Hawkins en 1943 et jouée plus tard avec Louis Armstrong en mettant en vedette la batterie. Pour mieux comprendre la mélodie à laquelle Max Roach fait référence dans « For Big Sid », et aussi le batteur à qui il rendait hommage, prenez un peu de temps pour écouter « Boff Boff » avec Coleman Hawkins et « Mop Mop » avec Louis Armstrong. 

summer/été

2014

jeff

konwa lchuk Just Passing Thorough: Ideas for

Fluid Motion Around the Drum Set For Mother’s Day this year, I bought my mom a laser rifle. It was all she wanted. Now why would I go to such insane lengths to make my mother happy? The answer is quite simple: she has done a LOT for me. Now in an appreciative mood, I started pondering. What else have I been taking for granted all these years? Then it hit me: my mind. I have totally been taking my mind for granted. I ask it to do so much for me, never really considering what it might already have going on. In fact, even during the playful act of drumming, I expect my mind to do crazy things. I expect it to be awake (harder than it sounds), I expect it to be in three places at once (it has to know what it was just doing, what it’s doing now, and what it is about to do), and I expect it to send a ton of quick instructions to my hands and feet, continuously, to get them to do lots of synchronized little business. I am a terrible boss.

De passage : à propos de la

fluidité de mouvement

à la batterie

Cette année, pour la fête des Mères, j’ai offert un fusil au laser à ma mère. C’était tout ce qu’elle voulait. Pourquoi me suis-je donné tant de peine pour rendre ma mère heureuse? C’est simple; c’est parce qu’elle en a fait BEAUCOUP pour moi. Tout cela m’a mis dans un état de reconnaissance et je me suis mis à réfléchir. Qu’y a-t-il d’autre que j’ai pris pour acquis pendant toutes ces années? Mon esprit. Je lui demande tant, sans jamais considérer ce qu’il est en train de faire. En fait, même durant une joyeuse activité, comme jouer la batterie, je m’attends à ce que mon esprit fasse de choses incroyables. Je m’attends à ce qu’il soit éveillé (en réalité, ce n’est pas évident), qu’il soit à trois endroits à la fois (il doit savoir ce qu’il faisait, ce qu’il fait et ce qu’il fera) et qu’il envoie rapidement et constamment une tonne d’instructions à mes mains et mes pieds afin qu’ils fassent une panoplie de petites choses complexes et synchronisées. Je suis un horrible patron.

drums etc.

Je me suis senti mal. J’ai donc décidé d’observer tout ce que mon esprit fait pendant que je joue pour déceler ce qui exigerait un petit coup de main. C’était la moindre des choses à faire. Tout de suite, j’ai remarqué que toutes mes heures de pratique technique et rudimentaire étaient la chose à faire, car mon esprit délègue ce travail. Il envoie tout simplement un signal à mes mains et elles effectuent le travail par réflexe. Bravo! Ensuite, je me suis penché sur ma présence d’esprit quant au temps. C’est là que les choses sont devenues étranges. L’esprit est perpétuellement en état présent. L’heure est toujours maintenant. Mais maintenant est une place de choix, car on peut y trouver avant et bientôt. Maintenant peut être utilisé pour penser à quelque chose qui vient tout juste de se produire ou pour anticiper

I felt bad so I made a plan to observe all of the things my mind does while I play to see where it needs a bit of help. It’s the least I could do for the poor thing. So, I broke it down. Right away, I saw that all of that practice on technique and rudiments was the right thing to do; my mind has delegated that stuff. It just sends a telegram to the hands and they run the program on their own. Score! Next, I turned to the running awareness of where my mind is in time. Things got weird. The mind is in a perpetual state of now. The time is always now. But now is an interesting place to be because it can include then and soon. One could use now to think of something that happened moments ago or to anticipate what's just about to happen. When we are playing music, we are doing all three at once. Every note we play is on its way from the one we just played to the one we are about to play. That is a lot of work for the ol' mind, who is busy trying to keep our heart beating and our bum on the stool while telling our hands to do that cool new triplet thing we just learned.

So, I started to consciously visualize my actions while I was playing. Rather than seeing each individual drum hit as its own event, I started to imagine each one occurring in the movement from the hit before it to the hit after it – like a paperboy who doesn't stop his bike at each house. It helped to run through entire songs without actually hitting the drums, but just moving my hands over the drums and trying to do it in a smooth, unbroken motion. Sometimes, I would imagine that the tips of the sticks were stones skipping from drum to drum as though the skins were little lakes. It sounds silly, but visualizing this really accentuates the flow of movement from location to location on the kit, and actually helps you stay loose and relaxed when the party gets rolling. I noticed something else, too: a lot of these "skipping from drum to drum" motions could be accomplished by simply rotating my wrist (like turning a doorknob). Try this when going between your snare drum and floor tom with your dominant hand: a simple twist o' the wrist moves the tip of the stick without involving the arm. It isn't going to be the motion that you use for everything, but it’s an example of the type of thinking to explore.

Maybe the answer was in the puzzle. There was one element of drumming that I had never actually practiced: tying all of the other elements together. I had worked on rudiments and technique, on patterns, rhythms and different styles, but I had never actually worked on the way that my body would do them all at once. I would be fine at playing a certain lick on the practice pad, but when I had to play it during a song, or spontaneously while improvising, it would usually come out poorly. Why would that be? Because my mind was panicking. It had never actually assembled that whole crew in the same room at one time, so suddenly it was overwhelmed by the massive party it was trying to keep from getting out of hand. If I wasn't careful, soon we would have a dropped drumstick and a drunken paradiddle passed out on the lawn.

I really should have got my mom some flowers instead; there are laser holes all over my house now. 

ce qui s’apprête à se produite. Lorsque nous jouons de la musique, nous faisons les trois en même temps. Chaque note que nous jouons est le lien entre celle que nous venons de jouer et celle que nous nous apprêtons à jouer. C’est beaucoup de travail pour notre cerveau qui est occupé à faire battre notre cœur et à nous tenir assis sur notre siège tout en indiquant à nos mains de jouer cette superbe passe de triolets que nous venons d’apprendre.

de journaux qui n’arrêterait pas sa bicyclette à chaque maison. Repasser des chansons entières dans ma tête sans donner un coup a certainement aidé; je me contentais de faire les mouvements au-dessus de la batterie de la façon la plus fluide possible. Parfois, j’imaginais que les pointes de baguette étaient des petites roches qui bondissaient d’un tambour à l’autre comme sur un lac. Ça peut paraître ridicule, mais ce genre de visualisation accentue vraiment la fluidité de mouvement d’un endroit à un autre sur la batterie, tout en vous aidant à demeurer détendu quand les choses s’intensifient. Il y a autre chose que j’ai remarqué : beaucoup de ces mouvements rebondissant d’un tambour à l’autre peuvent être faits simplement en faisant pivoter mon poignet (comme faire tourner une poignée de porte). Essayez cela avec votre main dominante lorsque vous passez de la caisse claire au tom de plancher; il s’agit d’une petite rotation du poignet pour faire passer la pointe de baguette d’un tambour à l’autre, sans jamais impliquer le bras. Ce n’est évidemment pas un mouvement qui s’utilise pour tout, mais c’est une idée qui vaut la peine d’être explorée.

La réponse se trouve peut-être dans le casse-tête. Il y a un aspect du jeu à la batterie que je n’avais jamais pratiqué, soit lier tous les autres aspects les uns aux autres. J’avais travaillé sur les rudiments, sur des motifs répétés, des rythmes et sur différents styles, mais je n’avais jamais travaillé sur la façon que mon corps ferait tout cela en même temps. Je n’éprouvais aucun problème à jouer une passe sur mon pad, mais lorsque je devais la jouer dans une chanson ou spontanément lors d’une improvisation, ça sortait habituellement tout croche. Pourquoi? Parce que ma tête était en panique. Mon esprit n’avait jamais assemblé tous ces concepts ensemble, donc il était bouleversé par les tâches à accomplir et tentait d’empêcher que tout dérape. Pire encore, qu’arriverait-il si j’échappais une baguette ou je perdais le contrôle d’un paradiddle?

À bien y penser, j’aurais dû donner des fleurs à ma mère; il y a des trous de laser partout sur ma maison. 

J’ai donc commencé à visualiser consciemment mes actions en jouant. Plutôt que d’imaginer chaque coup comme un événement unique, j’ai commencé à les voir comme faisant partie du mouvement liant le coup précédent au coup suivant, comme un livreur summer/été

2014

isabelle

WORKING EFFICIENTLY?

rou bertie

W h a t , w h y, h o w ?

“Dreams mean work”, wrote Paolo Coelho. So let’s not let work numb our dreams! Have you ever asked yourself what’s involved in the mechanisms of motivation and concentration, which direct our behaviours? Here are some ideas. When you sit behind your drumset, do you know whether you simply want to play or learn something new and practice?

Without a precise learning goal and without the emergence of clear thinking in determining your priorities, you may very well abandon your initial intentions rapidly and come back to what you know, to your comfort zone. Start by separating practice time and playing time. When you are practicing, it’s usually to learn new stuff. When you play, on stage or with friends, it is no longer time to practice. Let’s begin by answering two basic questions: What (to practice)? And how? Do something every day simply because it is difficult! Choose what you want to practice in accordance with your physical and mental resources. Try to have a well-balanced diet and sleep enough. Vary your learning goals so you don’t loose interest and the “fun factor”. Technique, music theory, independence, sight reading, improvisation, suppleness… whatever your choice, aim at being involved in what you practice. This brings us to our next question: how to practice?

TRAVAILLER EFFICACEMENT ? Quoi, pourquoi, c o m m e n t ? « Les rêves donnent du travail » Paolo Coelho. Alors ne laissons pas le travail anesthésier nos rêves ! Vous êtes-vous déjà demandé ce qui entre en jeu dans les mécanismes de motivation et de concentration, qui orientent nos comportements ? Voici quelques pistes de réflexion. Quand vous vous asseyez derrière votre batterie, sachez tout d’abord si vous avez envie de jouer, ou d’apprendre quelque chose de nouveau, de pratiquer ? Sans objectif d’apprentissage précis et sans l’émergence de clarté dans vos priorités, il se peut que vous abandonniez très vite vos intentions de travail initiales, pour revenir vers ce que vous savez faire, vers votre zone de confort. Commencez par différencier temps de pratique et temps de jeu ! Quand vous pratiquez, c’est pour apprendre un truc nouveau ! Quand vous jouez, sur scène ou entre amis, ce n’est plus le temps de pratiquer ! Commençons par les questions : quoi ? (pratiquer) et comment ? Faites quelque chose chaque jour, pour la seule raison de sa difficulté ! Choisissez quoi pratiquer en fonction de votre état de ressources physiques et mentales. Ayez un bon équilibre alimentaire et dormez suffisamment. Variez vos objectifs d’apprentissages pour ne pas perdre le plaisir et l’intérêt de pratiquer. Technique, solfège, indépendance, lecture à vue, improvisation, souplesse … peu importe votre choix, soyez pleinement présents à ce que vous faites. Ceci nous amène directement à la question suivante : comment pratiquer ? 24

drums etc.

Nous perdons notre concentration à cause d’intentions et de motivations en conflits. Notre état de concentration fluctue inévitablement entre motivation et démotivation, à cause d’éléments perturbateurs externes (présents dans votre environnement) et internes (préoccupations, soucis, stress, fatigue, émotions ou pensées négatives...) Notre besoin d’apprentissage et de croissance est parfois limité par un dilemme, qui met en concurrence notre détermination à agir (motivation) et notre difficulté à nous concentrer sur l’objectif ; quand ce n’est pas la procrastination qui vient entraver notre épanouissement, notre bonheur et notre succès. Une piste consiste, comme les sportifs de haut niveau, à ajoutez à votre pratique des éléments visuels, qui augmentent votre concentration et vous aident à vous projeter dans l’action. Visualisez votre objectif, les résultats que vous souhaitez obtenir, mais aussi votre gestuelle, les mouvements de vos baguettes. Pour augmenter sa concentration avant le départ, un sprinter refait mentalement le parcours de sa course, en visualisant les endroits stratégiques. Imaginez des scénarios optimistes ! Une patineuse artistique me confia qu’après une chute sur la glace, elle changeait d’image interne en clignant des yeux ! Quand vous êtes déconcentré, observez ce qui attire votre attention, quelle en est l’intensité, et ce que vous pouvez faire pour maintenir un objectif clair, qui ait de l’intérêt pour vous. Apprenez à « entrer et sortir de votre bulle » avec fluidité ! Observez si vos pensées ou votre dialogue interne sont à l’origine de votre déconcentration. C’est souvent le cas ! Tout succès nécessite concentration ! Si vous souhaitez améliorer vos capacités de concentration et travailler plus efficacement, commencez par limiter chaque période de concentration à 2 minutes. Choisissez ce à quoi vous voulez faire attention, surtout si l’exercice présente des difficultés. Dès que vous sentez que vous pouvez vous focaliser plus longtemps sur une pratique, augmentez-en la durée à 5, 10, 15 puis 20 minutes.

We loose our concentration because of conflicting intentions and motivations. Our state of concentration inevitably fluctuates from motivation to loss of motivation because of disruptions, whether external (present in your environment) or internal (preoccupations, worries, stress, fatigue, emotions or negative thoughts, etc.). Sometimes, our need to learn and grow is limited by a dilemma, which puts into opposition our determination to act (motivation) and the difficulty to concentrate on our goal. But then, we also fall victim to procrastination, which hinders our growth, our happiness and our success. Just like high-level athletes, one solution consists in adding visual elements to your practice routines that increase your concentration and help you jump into action. Visualize your goal and the results you hope to obtain, but also your body and stick movements. In order to increase his concentration before the start, a sprinter mentally goes through the race and visualizes strategic portions. Be optimistic about the scenarios you think about! A figure skater once told me that after a fall, during a routine, she changed her mental image simply by closing her eyes! When you are not concentrated, note what has made you loose your focus, its intensity, and what you can do to maintain a clear goal on which you can remain focused. Learn how to enter and leave your “concentration bubble” with ease. Remember that your thoughts and internal dialogue might be the cause of your loss of concentration, as it is often the case.

All successes need concentration! If you wish to improve your ability to concentrate and to work more efficiently, start by limiting each concentration period to 2 minutes. Choose what you want to focus your attention on carefully, especially if the exercise presents difficulties. When you feel you can focus for a longer period of time, increase accordingly to 5, 10, 15, and 20 minutes. “In order to reach the final goal, I first concentrate on preparation,” David Douillet, Judo world champion. Improving your concentration is important if you want to reach a higher level of mastery of the instrument. It follows that mastering your concentration is part of a musician’s toolbox. It helps with tackling some challenges when playing in a band and improvising. Concentration is an ability acquired with patience and determination. If your action plan is now clearer, you still need to know why you need to practice more efficiently or, more exactly, why is it important for you to practice efficiently? Beyond the need to make your dream and your passion a reality, this question opens up on the meaning you give to learning: develop new abilities, structure your goal, promote a logical development, get closer to particular values, feel comfortable… When you loose motivation, think about the meaning of your work and rekindle your personal reasons that will reenergize and motivate you. Finally, the only thing that can come between you and your dream is your will to try and you capability to remain concentrated.  www.coachingartistes.ca

« Pour atteindre l’objectif final, je me concentre d’abord sur la préparation » David Douillet, champion du monde de Judo. Améliorer votre concentration est important si vous voulez expérimenter un niveau supérieur dans la maîtrise de votre instrument. Maîtriser votre concentration fait partie de votre savoir-faire de musicien. Cet atout vous rendra service pour relever certains défis, lorsque vous jouerez en groupe et que vous improviserez. Pour chacun de nous, la concentration est une faculté qui s’acquiert avec patience et détermination ! Si votre plan d’action est à présent plus clair, reste à savoir pourquoi ? (pratiquer efficacement) ou plus exactement en quoi c’est important pour vous de pratiquer efficacement ? Au-delà du besoin de concrétiser votre rêve et votre passion, cette question ouvre sur le sens que vous donnez à l’apprentissage : développer de nouvelles habiletés, structurer votre objectif, apporter de la logique à votre cheminement, vous rapprocher de certaines valeurs, vous sentir à votre place… Quand vous perdez votre motivation, pensez à vous questionner sur le sens de votre travail et retrouvez les significations personnelles qui vont vous revitaliser et vous remotiver. Finalement, la seule chose qui se dresse entre vous et votre rêve, c’est la volonté d’essayer et la capacité à rester concentré !  summer/été

2014

products

pro duits

Zildjian Kerope In honour of Kerope Zildjian, who presided over the company from 1865 to 1909, Zildjian has created the Kerope line in its legacy K family of cymbals. These are hand-crafted cymbals that produce a sound reminiscent of the 50s and 60s, rich, dark, and complex, but modern and relevant for today’s musical needs. The line includes 14” and 15” hats as well as 18”, 19”, 20” and 22” models.

En l’honneur de Kerope Zildjian, qui a dirigé l’entreprise de 1865 à 1909, Zildjian a créé la série de cymbales Kerope, s’insérant dans la prestigieuse famille de cymbales K. Ce sont des cymbales fabriquées à la main qui produisent une sonorité rappelant les années 50 et 60, soit riche, sombre et complexe, tout en demeurant moderne et pertinente pour les besoins musicaux d’aujourd’hui. La série comprend des hi-hats de 14 et de 15 pouces, et des modèles de 18, 19, 20 et 22 pouces. www.zildjian.com www.bjmusic.ca (Canadian distributor)

Zildjian Gen 16 Buffed Bronze cymbals The Gen16 Buffed Bronze series is the product of the knowledge gained from the original Gen16 nickel-plated reduced volume cymbal. In creating the new series, Zildjian has improved the sound and performance of the Gen16 reduced volume acoustic cymbal. The new cymbals feature an amazing finish, which actually helps produce a warmer tone than the original Gen16 nickel plated cymbal. Available in a variety of sizes.

Cymbales de bronze poli Gen 16 de Zildjian La série de cymbales Gen16 Buffed Bronze est issue du savoir-faire accumulé pendant le développement de la cymbale Gen16 à volume réduit originale, qui était nickelée. En créant cette nouvelle série, Zildjian a réussi à améliorer la sonorité et la performance des cymbales à volume réduit Gen16. Leur nouveau fini aide en fait à produire une sonorité plus chaleureuse que les cymbales originales. Elles sont offertes en une variété de grandeurs.

drums etc.

Sabian 19 & 22 HHX Omni Cymbals “I’m really more of a hand-hammered guy − I’m a fan of dark cymbals” says Jojo Mayer. Omni cymbals usually produce a bright tone, so Sabian and Jojo first studied the fabrication process of the AAX Omni before applying the knowledge to the more intricate HHX hammered version to obtain a result Jojo could work with. The new dark Omni provides more nuanced tone on the ride surface as well as dimension when playing with the shoulder. SABIAN Master Product Specialist Mark Love: “I’m pleased to confirm that the HHX Omni is all of that – and much more.”

Sabian HHX Omni de 19 et 22 pouces « Je suis davantage pour le martelage à la main… j’aime beaucoup les cymbales à la sonorité sombre », raconte Jojo Mayer. Les cymbales Omni produisent habituellement une tonalité vive, donc Sabian et Jojo ont commencé par étudier le procédé de fabrication des cymbales AAX Omni avant d’appliquer ce savoir aux version HHX finement martelées afin d’obtenir un résultat qui plairait à Jojo. Les nouvelles cymbales Omni Dark procurent une tonalité plus nuancée sur sa surface et plus de dimension lorsque frappée par le flanc de la baguette. Le chef de produit de SABIAN, Mark Love : « je suis heureux de confirmer que la cymbale HHX Omni est tout cela… et bien plus. » www.sabian.com

Sabian Stick Flip Simply put, the new Sabian Stick Flip is a bag that stands. Using a proprietary design, the Stick Flip transforms from a stick bag, with zippers and pockets, to an upright drumstick holder. Transformation is quick and easy with no snaps or special connections required. This is a nice one for working drummers.

Étui Stick Flip Le nouvel étui de Sabian, le Stick Flip, est tout simplement un étui qui se tient! Faisant usage d’une conception unique, l’étui Stick Flip se transforme d’un étui, avec fermetures éclaires et pochettes, en support à baguettes pratique. La transformation se fait rapidement, sans boutons pressoir ni acrobaties. Les batteurs qui ont beaucoup de contrats apprécieront.

Sabian acquires Billdidit

Andy Zildjian (Sabian) & Joe Menchefski (Billdidit)

Sabian has announced that Billdidit Inc. (from Nova Scotia, Canada) is now part of the Sabian group of companies. Billdidit has built a solid reputation as forward-thinking designers of innovative and reliable drum hardware and accessories, made in North America. They are also known for outstanding customer service. The acquisition expands Sabian design capabilities and adds a significant portfolio of new music products.

Sabian achète Billdidit Sabian a annoncé que Billdidit Inc. (de la Nouvelle-Écosse) fait maintenant partie du groupe Sabian. Billdidit s’est forgé une réputation solide en tant que concepteurs ingénieux d’accessoires et d’éléments de quincaillerie fiables et innovateurs fabriqués en Amérique du Nord. L’entreprise est également connue pour son service à la clientèle impeccable. L’acquisition augmente les capacités créatives de Sabian tout en ajoutant une gamme de produits musicaux de qualité à son répertoire déjà impressionnant. summer/été

2014

Dream Cymbals 17-inch Energy Crash Dream Cymbals are gaining in popularity with their good sounding affordable products. The new 17” Energy Crash continues in the same vein, with a powerful fast attack and brilliant overall sound. This is a cymbal made for extreme volume situations, when you just need to get the point across.

Energy Crash de 17 pouces de Dream Cymbals

Dream CymbalsBliss Gorilla Ride

Dream Cymbals gagnent en popularité avec leurs bons produits abordables. La nouvelle Energy Crash de 17 pouces suit le même chemin avec son attaque puissante et rapide et sa sonorité générale très vive. C’est une cymbale destinée aux situations dans lesquelles le volume très élevé exige des cymbales qui tranchent.

Bliss is Dream Cymbals’ first and most popular series of warm, dark and expressive cymbals. The new Bliss Gorilla Ride extends the range of the series yet again. Its large 5” bell and heavy weight combine with its lightly-lathed surface and deep hammer marks to produce a powerful and articulate tone. Nicknamed “Big Daddy” by the cymbal maker, the Gorilla is a ride that commands attention. Bliss est la première série de cymbales chaleureuses, sombres et expressives de Dream Cymbals, mais aussi sa plus populaire. La nouvelle ride Bliss Gorilla élargit la palette sonore de la série une fois de plus. Sa cloche de 5 pouces et son poids, jumelés à une surface légèrement striée et lourdement martelée, produisent une tonalité puissante et articulée. Surnommée « Big Daddy » par le fabricant, la Gorilla est une ride qui capte tout de suite l’attention. www.dreamcymbals.com

Zion Dominion Series Zion’s new Dominion series contains a perfectly balanced bouquet of tones that explode with brilliance, warmth, shimmer, and a quick attack. The Dominion series stands out by offering extreme versatility in any musical setting, which is what many drummers look for in a set of cymbals. With its thin weight, sleek profile, and cutting attack, it is able to come alive in any atmosphere, whether in a studio, concert, venue or auditorium.

Série Dominion de Zion La nouvelle série de cymbales Dominion de Zion comprend un bouquet de sonorités parfaitement équilibré : vivacité, limpidité, chaleur et une attaque rapide. La série Dominion se démarque en offrant une polyvalence extrême dans n’importe quelle situation musicale. C’est ce que beaucoup de batteurs recherchent. Ce sont des cymbales minces, profilées et tranchantes, capables de donner vie à n’importe quelle atmosphère, que ce soir en studio ou sur scène, dans un bar ou dans un auditorium. www.zioncymbals.com

drums etc.

Paiste Signature Precision 2014 marks the 25th anniversary of Paiste’s Signature bronze, the proprietary alloy that made the success of the Signature series. In celebration of the anniversary, Paiste launched the Signature Precision series in 2013 and is enhancing it with models for Rock, Hard Rock and Heavy Metal. The 14” Heavy hi-hat is rich and sharp sounding, while the 20” Heavy ride produces a glassy and strong ping. There are also three new Heavy crashes. C’est en 2014 que Paiste célèbre le 25e anniversaire du laiton Signature, l’alliage qui a fait le succès de la série de cymbales Signature. Pour marquer ce moment particulier, Paiste a dévoilé la série Signature Precision en 2013. Le fabricant y ajoute de nouveaux modèles destinés au Rock, au Hard Rock et au Heavy Métal. Les cymbales de hi-hat Heavy de 14 pouces produisent une sonorité riche et précise, tandis que la ride Heavy de 20 pouces émet une sonorité de baguette vitreuse et puissante. Trois nouvelles crash sont également disponibles.

Paiste Masters Dark Side After having presented twelve rides that are among the most prized of the Paiste product line, the cymbal maker has launched three new Masters Dark Crashes and two Dark Hi-Hat models, expanding upon the Masters sound atmosphere. Designed in collaboration with jazz drummers Gregory Hutchinson and André Ceccarelli, they reflect their concept of traditional sound mixed with modern quality standards.

Après avoir présenté douze rides qui sont devenues certaines des cymbales les plus prisées de la gamme de produits Paiste, le fabricant lance trois nouvelles crash et deux modèles de hi-hat Masters Dark, poussant encore plus loin l’atmosphère sonore de la série Masters. Conçues en collaboration avec les batteurs de jazz Gregory Hutchinson et André Ceccarelli, elles reflètent leur conception d’une sonorité traditionnelle mélangée aux standards de qualité d’aujourd’hui. www.paiste.com ca.yamaha.com (Canadian distributor)

summer/été

2014

Bosphorus Gold Series Bosphorus’ new Gold Series features bright, crisp and clean sounding cymbals without a hint of harshness. The Gold series fuses the old-world warmth of hand-hammered, traditionally-lathed and buffed cymbals with the power, projection, and durability needed in contemporary settings. The Gold Series includes Heavy weight 20” and 22” rides, explosive and cutting crashes, and 14” hi-hats hand-lathed as pairs for a perfect match, and produce a cutting “chick” sound and a bright “splash”.

Série Gold de Bosphorus La nouvelle série de cymbales de Bosphorus, Gold, offre des sonorités vives, claires et précises, sans aucune discordance. La série Gold fusionne la chaleur traditionnelle de cymbales martelées, striées et polies à la main, avec la puissance, la projection et la durabilité nécessaire pour les musiques contemporaines. La série comprend des rides épaisses de 20 et de 22 pouces, des crash tranchantes et explosives, et des cymbales de hihat de 14 pouces passées au tour ensemble afin de former des paires parfaites, produisant un « tic » acéré et un « splash » bien vif.

Bosphorus Lyric Series Bosphorus has announced that it will launch its new Ari Hoenig-inspired Lyric Series starting in 2014. The series consists of a 23” ride, a 21” crash ride and 14” hi-hats. Their sound reflects Hoenig’s extraordinary musical character and combines different tones in a brilliant way. Bosphorus says the Lyric Series will “open up new doors to drummers for their venture at creating music”.

Série Lyric de Bosphorus Bosphorus a annoncé le lancement de la nouvelle série de cymbales Lyric, inspirée par Ari Hoenig. La série comprend une ride de 23 pouces, un crash-ride de 21 pouces et des cymbales de hi-hat de 14 pouces. Leur sonorité reflète le caractère musical extraordinaire de Hoenig, combinant différentes tonalités de façon habile. Bosphorus affirme que la série Lyric « ouvrira de nouvelles portes pour les batteurs et leurs aventures en création musicale. » www.bosphoruscymbals.com www.directmusicsupply.com (Canadian distributor)

drums etc.