Drums Etc. V27 N1 - Feb/Mar 2015 by Drums Etc

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

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/ march 2015 - fĂŠvrier/mars 2015 vol.27 no1

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Zildjian introduces a timeless addition to its K family. A sound that originated with Kerope Zildjian over a century ago. Hand crafted by Zildjian artisans in small batches, Kerope cymbals look as they sound. Rich, dark, and complex. Reminiscent of cymbals from the 50s and 60s, yet distinctly modern and relevant for today’s music. Experience the authentic K sound. Eric Harland plays Kerope cymbals. See Eric play the new Kerope models at: ZILDJIAN.COM/KEROPE

SOUND LEGACY

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

Volume 27, No. 1 February-March 2015 / Février-mars 2015 Editor in Chief / Rédacteur en chef Franck Camus franck@drumsetc.ca Editor's assistant / Assistante à la rédaction Geneviève Hébert

Contributing Writers / Journalistes Daniel Bédard, Éric Boudreault, Franck Camus, Stéphane Chamberland, Aubrey Dayle, Chris Lesso, Max Senitt Translation / Traduction Geneviève Hébert Daniel Bédard

6 denis cantin Franck Camus

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Layout / Mise en page Karine Wolfe wolfe.karine@gmail.com Cover Photo / Photo de la couverture RFJC

Edito + Agenda Star Wars to the rescue Star Wars à la rescousse Franck Camus

The musical drummer, pt.2 Le batteur musical, partie 2 Daniel Bédard

www.drumsetc.ca Advertising / Publicité Ralph Angelillo (888/450) 928-1726 / ralph@drumsetc.ca Jeff Knowles (514) 830-3555 / jeff@drumsetc.ca Publisher / Éditeur Serge Gamache (866) 834-4257 / (450) 651-4257 sergegamache@videotron.ca Printer / Imprimeur Impart Litho © Copyright 2015

Drums Etc is published 6 times per year and distributed across Canada, in drum shops, schools, rehearsal spaces, etc. This issue: 13 000 copies in 380 distribution points (circulation certified by Canada Post). Publication Mail Agreement No 40009235 / Poste-Publication Convention No 40009235 Return Address / Adresse de retour: DRUMS ETC, 753 rue Ste-Hélène, Longueuil (QC) J4K 3R5 Canada Fax: (450) 670-8683

Drums Etc est publié 6 fois l’an, et est distribué partout au Canada dans les écoles et chez les détaillants de batteries et percussions, dans les studios de répétition, etc. Ce numéro : 13 000 copies dans 380 points de distribution (circulation certifiée par Postes Canada).

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L'écoute

What is a successful drummer in 2015 ? Qu'est-ce qu'un batteur qui réussit en 2015 ? Éric Boudreault

New Products

Made in Canada: Unix

Playing with ostinatos

Aubrey Dayle

Listening

Chris Lesso

Duos à la batterie

Jouer avec les ostinatos

Decrease to increase Réduire pour plus d'intensité Max Senitt

Drumset duets

Stéphane Chamberland

Nouveaux produits

Fabriqué au Canada: Unix

DO YOU KNOW A DRUMMER WHO WOULD BE WORTHY OF BEING ON THE MAGAZINE’S COVER? We want to know!! No matter where in Canada this hidden gem is or no matter what style of music he or she plays, please write to the magazine to let us know. We wouldn’t want to miss it. VOUS CONNAISSEZ UN BATTEUR DIGNE DE MENTION QUI POURRAIT FAIRE LA COUVERTURE? Nous voulons le savoir!!! Peu importe où se trouve cette perle rare partout au canada peu importe le style écrivez-nous pour nous donner la référence Nous ne voudrions pas le manquer! Write to / écrivez à franck@drumsetc.ca février

mars 2015

agenda

edito Share your passion You just have to turn on the television or the radio to revel in the wonderful world we live in with its mixture of economic, political and religious problems. No, it isn’t all fine and dandy in these modern times. So how exactly do you cope with all these bad news? Any tricks? It won’t come as a surprise to you if I say that for my part, I just jump behind my drum set and play with my musician friends. Creating new songs is certainly one of the most rewarding things I can do. Fueling the creative side does not only come from the technical aspect of music or by trying to be precise and steady like a clock. It comes from sharing your passion with your band members and transforming an ordinary day into a moment of rapture for your soul and ears. Most of the time, I head to my practice feeling pretty tired but come out of it feeling amazingly positive and renewed. Only music can give me that feeling. This is mainly why playing music with other people has become a priority for me. The act of sharing and the satisfaction I get when I create is even stronger than when I play on my own. There is no doubt that it helps me stay balanced and positive. I figured it must be the same for a lot of people. But if, by any chance, you still haven’t tried it, I strongly suggest that you do. Start by jamming some songs with a guitar player or a bass player. Hazardous get-togethers can be a lot of fun. Try different styles and think outside of the box. It is very rewarding to go forward. Talking of which, in this edition you will find an interview with drummer Denis Cantin whose singular and successful journey was fueled by his passion and his music encounters. This is what happens when you stay positive.

Il suffit d’ouvrir la télé ou la radio pour se faire remuer par l’actualité et son cortège de guerres et de problèmes économiques, politiques ou religieux. Tout ne va pas si bien dans le meilleur des mondes. Et vous, comment faites-vous pour vivre avec toutes ces mauvaises nouvelles? Pour y échapper un peu, vous ne serez pas surpris d’apprendre que je saute derrière ma batterie pour jouer en compagnie de mes musiciens. Composer de nouvelles chansons est certainement l’une des choses les plus gratifiantes que je puisse faire. Il n’y a pas juste l’aspect technique ou le fait d’être précis et régulier comme une horloge qui peut être le moteur de votre création, le partage avec d’autres au sein d’un groupe est aussi un levier très puissant pour transformer le quotidien ordinaire en un moment de ravissement pour les oreilles et pour l’âme. La majeure partie du temps, je me rends au local de répétition même fatigué pour en ressortir avec une énergie renouvelée. Faire de la musique avec d’autres est devenu une priorité dans ma vie parce que seule la musique à cet effet sur moi. En effet, partager et créer à plusieurs est encore plus satisfaisant que de jouer en solitaire. Il y a nul doute que cela contribue grandement à m’équilibrer et à rester positif. Je pense qu’il en va de même pour bien des gens. Si vous ne l’avez pas encore essayé, tentez votre chance. Commencez par pratiquer avec un bassiste ou un guitariste. Parfois, les rencontres du hasard peuvent donner des résultats inattendus. Testez d’autres styles et sortez des sentiers battus : ça vaut toujours la peine de pousser un peu plus loin. Cela dit, vous trouverez dans ce numéro une entrevue avec Denis Cantin dont le parcours n’a rien d’une ligne droite. Cet homme a su s’inspirer de ses passions et des gens avec qui il a joué. Le fait que cela lui réussisse est encore une preuve que nos relations musicales peuvent générer beaucoup de positif.

Franck Camus Editor-in-chief Rédacteur en chef february

march 2015

Drum & Percussion Workshop Havana, Cuba March 1-8 / 1 au 8 mars 2015 1-800-541-8401 info@kosamusic.com

CAPITALE DRUM FEST 2015

Québec, QC April 12 / 12 avril 2015 www.boiteamusicien.com/drumfest/

MUSIKMESSE 2015

Frankfurt, GE April 15-18 / 15 au 18 avril 2015 musik.messefrankfurt.com

DAY OF DRUM WEEKEND 2015

Nanaimo, BC April 25-26 / 25-26 avril 2015 https://www.facebook.com/dayofdrum

Partager sa passion

KoSA CUBA

CMW 2015 Canadian Music Week Toronto, ON May 1-10 / 1 au 10 mai, 2015 cmw.net/music/

CHICAGO DRUM SHOW 2015 Chicago IL May 15-17 / 15 au 17 mai, 2015 (989) 463-4757 www.chicagodrumshow.com

Victoria DRUM Fest 2015

May 31 / 31 mai, 2015 victoriadrumfest.ca

en cou verture cover story

denis cantin What do Nanette Workman, Ginette Reno, Dick Rivers, Garou, Marc-André Fortin, Annie Villeneuve and Mix 4 have in common? Drummer Denis Cantin for sure! Denis is one of those drummers who can be seen accompanying a lot of great artists in the music industry even though he is quite a discrete and affable kind of guy. He is mostly known for his live performances and incredible versatility. He can play punk, jazz, country and pop music with high level musicians in all those styles, which is not the easiest task. This drummer, who has had an unusual journey (mostly with his varied schooling), tells Drums Etc. a bit more about himself and it is quite welcomed. He has so much to tell!

Denis, could you tell us a bit more about your journey? I started playing drums when I was 12 years old while I was a member of the Army Cadets. At that time, I wanted to play the saxophone but wearing braces didn’t make it easy (lol) so I picked up a pair of sticks and started playing. I was doing what my instructor was telling me and was getting it quite fast apparently. I spent three summers in the Army Cadets music camps where I delved further into musical knowledge. While in high school, I started playing trombone but since we didn’t have a drummer in the band, I got transferred to the drumming seat. I had good rhythm, a good ear and the fact that I already knew how to sight read helped a bit. I got my first set while I was in my third year of high school, I was playing in a retro band with three guitar players and singing backups.

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march 2015

Later, with three high school friends, we put together the punk rock band Red Headed League. It was a California punk rock band that sounded like NoFX or Pennywise. It was fast and really energetic and I loved it. After high school, I studied social sciences in Cégep and at the same time, I got in the “Portneuf Stage Band” who was just starting back then. I got noticed for my musical ear and was told I should try to study music. I auditioned, got selected and started a second diploma in classical percussion at Cégep Ste-Foy. There, I learned a lot from René Joly who was teaching me percussions and from René Roulx who was my drum teacher. Once I was done with this DEC, I enrolled myself to study French and history teaching but two days before doing so, I decided to go to the music program auditions, got in and went to study interpretation. At the same time, I was playing my first gigs, mostly alongside my teachers. Summer 2000 came and I was then gone for four months on cruise ship gigs. We were playing two shows a night. I learned a lot from experienced players there and that made me much more versatile. The summer after that, we were in Bermuda when I met a local drummer who showed me how jazz comping was basically a conversation between your kick and snare drum. This influenced my jazz playing and my vision of music. I was having quite a thrill with my various gigs but I was still wondering how I could get steady work with music. Since I was scared of not working enough and because I had good experience

Pierre Giard / pierregphotographie.com

Quel est le point commun entre Nanette Workman, Ginette Reno, Dick Rivers, Garou, Marc-André Fortin, Annie Villeneuve et Mix 4? Denis Cantin, bien sûr! Denis est un de ces batteurs bien présents dans l’industrie de la musique. Même s’il accompagne de grands artistes, il est d’une nature plutôt discrète et affable. Il est reconnu pour ses prestations en direct et son incroyable versatilité. Ainsi, il peut jouer du punk, du jazz, de la musique country, du pop, et ce, avec les plus grands : ce qui n’est pas à la portée de tous. Ce batteur au parcours hors norme, surtout d’un point de vue scolaire, se dévoile un peu plus pour Drums etc. et c’est tant mieux pour nous. Il a tant à dire sur le métier!

Denis, parle-nous un peu de ton parcours. J’ai commencé à jouer de la musique vers l’âge de 12 ans, au sein des cadets de l’Armée. À l’époque, je voulais jouer du saxophone, mais avec des broches, ce n’était pas évident (éclat de rire)! Alors finalement, j’ai opté pour les baguettes. Je répétais ce que faisait mon instructeur et selon ses dires, j’apprenais rapidement. J’ai passé 3 étés dans des camps d’été musicaux avec les cadets à approfondir mes connaissances. Au secondaire, j’ai débuté au trombone dans le « stage band » de l’école, mais on n’avait pas de batteur, alors finalement, j’ai été transféré à la batterie. J’avais déjà le sens du rythme, une bonne oreille et le fait que je lisais un peu m’a aidé. J’ai eu ma 1re batterie en 3e secondaire, alors que je faisais partie d’un band rétro composé de 3 guitaristes et 1 batteur dans lequel je faisais aussi les harmonies vocales.

Après, avec 3 amis du secondaire, nous avons formé le groupe Red Headed League. C’était un band de punk californien comme NOFX ou Pennywise. J’aimais ça, c’était rapide et énergique! Après le secondaire, je suis allé au cégep en sciences humaines et en même temps, je me suis inscrit dans le « stage band » de Portneuf, ma municipalité. Je me suis fait remarquer pour mon oreille musicale et on m’a conseillé d’aller au cégep en musique. J’ai fait l’audition et ils m’ont sélectionné. J’ai donc recommencé un autre DEC au Cégep de SteFoy en percussions classiques. Là-bas, j’ai beaucoup appris de René Joly, mon professeur de percussions et de René Roulx, mon professeur de batterie. À la fin de ce diplôme, je me suis inscrit au baccalauréat en enseignement du français et de l’histoire, mais à 2 jours d’avis, je me suis présenté aux auditions pour le baccalauréat en musique et j’ai opté pour le profil en interprétation. Parallèlement, je commençais à décrocher mes premiers contrats en tant que musicien professionnel, la plupart aux côtés de mes professeurs. À l’été 2000, je suis parti 4 mois pour travailler comme musicien sur un bateau de croisière. On donnait 2 concerts par soir et j’ai pu apprendre énormément de choses avec de nombreux musiciens d’expérience. Tout ça m’a aidé à devenir plus polyvalent. L’été d’après, je suis retourné travailler sur les bateaux et lorsque nous étions dans les Bermudes j’ai rencontré un batteur local qui m’a amené à voir le jazz comme une conversation entre la caisse claire et les pédales de grosse caisse. Ça a influencé mon jeu jazz et ma vision de février

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with English, I started another diploma in English teaching. The curriculum was real strict and I was seen as the black sheep of the faculty. I was still playing big band music with the Roland Martel grand ensemble, subbing in a lot of bands and working in a record store which all helped develop my versatility. Sadly, around that time, I had to stop playing punk rock music as I had too many scheduling conflicts. When I got my bachelor degree in music, I tried only concentrating on the English teaching diploma. I wasn’t as interested in it so I started a master degree in pop and jazz interpretation. Life was always bringing me back to my music studies… It’s at that time, while doing my master degree, that I met Paul Brochu. I studied two years with him while I was also starting to get some gigs in Montreal. Then, around 2003, Paul asked me to sub for him at a casino gig. I got to play with a lot of great professional musicians. It’s also around that time that I started playing in Nanette Workman’s band. She has been a big influence on me as well as Bob Stagg, her keyboard player. They really changed the way I play. They have shown me so much new music! During that time, I played a lot of different shows, musical reviews, tributes to Ray Charles and Barbra Streisand, tours with Garou, Marc-André Fortin. Annie Villeneuve and I also played various festivals like the Syria Jazz Festival, the Montreal Jazz Festival and the Festival d’été de Québec. Right now, I am playing the last shows of Ginette Reno’s tour at the Capitole de Québec with the Jean-Pierre Lambert big band. Besides I am the drummer and musical director for Les Soeurs Riverins and their show Cow-boys of Québec Issisme which has been touring all over the province for 5 years. In 2011, I started working for the Cirque du Soleil as a musical scout looking for gems for their various shows. Needless to say, my versatility and various musical studies have been quite helpful.

What has this new job shown you and how has it influenced your career as a drummer? It influenced me in the sense that I have access to a large array of talents and a vast musical repertoire, so I get to hear a lot of stuff! I got to know various show business jobs and the cultural experiences of traveling have nurtured me. It inevitably made me grow as a human being and indirectly as a drummer. When I’m accompanying somebody during a show, I don’t think about those experiences but they surely help. Being a musician is also about meeting great people and vibrating along each other’s energy.

How did you end up playing Sonor drums? I learned about Sonor via Steve Smith but it’s a friend of mine who told me about the philosophy behind the craftsmanship of their instrument. It is not only about a drum kit, it’s also about the care that they put in every little detail in all phases of the construction. I play S-Classix right now and I love them. It is perfect symbiosis between my drums and I. They are very versatile which is exactly what I’m looking for. Sonor’s customer service is also amazing which is important to me too.

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Pierre Joosten / pierrejoostenphoto.com

Do you use the same kits for small and large shows? No, I own 4 kits but use mainly 3 of them. As a drummer, your kit will inspire different ideas depending on the size and tone of the drums. So depending on the music that I play, I might change my setup so that it suits the artist better. To me, it’s all about the different colors and nuances you can get with your set.

Do you have any musical freedom when playing with some of the bigger acts? It all depends on the artist and context. If I’m subbing for someone, I’ll try to play pretty much what the other drummer was playing so that the artist doesn’t get distracted: I’ll play what I’m asked rigorously. If he wants that specific tom fill, I’ll play it as accurately as I can. On the other side, when a singer like Nanette asks me to do a drum solo, I’ll open up much more. I’m a freelance musician: I’ll support the music because it is my job but I am also allowed to express myself. I play with passion and energy: I absorb the music and try to play tastefully while respecting the guidelines. I guess that this is the recipe that allowed me to play with as many artists as I did.

What room does drumming technique have when backing up singers and songwriters who have words to put forward? There is always room for technique as long as it goes hand in hand with careful listening and taste. It’s all a matter of being attentive. It should serve the music, not the opposite! Fifty Ways To Leave Your Lover by Paul Simon is a good example of balance between technique and taste because Steve Gadd plays this amazing drum groove but still manages to leave room for the text. Drummers like Dave Grohl, Vinnie Colaiuta, Travis Barker and Keith Moon are all very different and have brought forward amazing grooves and sustained intensity but they did so with their very own technical abilities. They are perfect masters of their own craft but can still play less if needed. Technique helps you to create freely, to get the most out of a piece of music without having to think about it. I try to make sure that my technique doesn’t overshadow a song I’m playing. If I need to put in a little extra, I have no problem in doing so. It’s all a matter of taste. 

Que t’a enseigné ce genre de travail et comment cela t’influence-t-il en tant que batteur? Cela m’influence dans le sens où j’ai accès à un éventail de talents et à un répertoire musical incroyable où j’écoute de tout! J’ai pu connaître les différents métiers de la scène et l’expérience culturelle des voyages m’a grandement nourri. Ça m’a forcément fait grandir comme être humain et indirectement comme batteur. Quand j’accompagne quelqu’un lors d’un spectacle, je ne pense pas à ces expériences, mais c’est clair que ça m’a enrichi. La musique, c’est aussi faire de belles rencontres et savoir vibrer à l’unisson avec l’énergie des autres.

Comment en es-tu venu à jouer avec les produits Sonor? Je connaissais Sonor par l’entremise de Steve Smith, mais c’est un de mes amis qui m’a parlé de la philosophie derrière la marque. Sonor, ce n’est pas juste une batterie, c’est le souci du détail dans toutes les phases de sa fabrication. Je joue actuellement avec un S-Classix et franchement, j’adore! C’est la symbiose parfaite entre cette batterie et moi! Elle répond à ce que je recherche puisqu’elle est d’une grande polyvalence! Le service à la clientèle de Sonor est aussi excellent et ça aussi ça compte.

Utilises-tu la même batterie pour les grands comme les petits spectacles? J’utilise 4 batteries, dont 3 en permanence. Je pense que chaque batterie inspire des idées différentes selon sa sonorité et sa configuration. J’adapte donc ma batterie en fonction du style de musique que je vais jouer afin qu’elle colle davantage à la musique et à l’artiste que je dois accompagner. Pour moi, c’est une affaire de couleurs et de nuances.

Quelle liberté as-tu lorsque tu accompagnes de grandes pointures de la chanson? la musique. Je vivais plein de belles aventures musicales, mais je me demandais quand même comment j’allais pouvoir en vivre. Par crainte de ne pas trouver de travail régulier en musique, j’ai commencé un baccalauréat en enseignement de l’anglais. Ce cursus était plus classique et j’étais considéré comme le mouton noir de la faculté. Je continuais sur une base régulière mes contrats avec le Grand Orchestre de Roland Martel, je remplaçais dans plein de groupes et j’étais aussi disquaire. Tout ça m’a aidé à développer une polyvalence. Malheureusement, c’est à ce moment que j’ai arrêté de jouer du punk. Les répétitions entraient en conflit avec mes contrats! Après avoir complété mon bac en musique, je n’avais que mon bac en enseignement de l’anglais à terminer, mais ça m’intéressait moins et je me suis tourné vers la maîtrise en interprétation de la musique jazz et pop à la batterie. La vie me ramenait donc sans cesse à des études musicales… C’est à la maîtrise que j’ai rencontré Paul Brochu. J’ai étudié 2 ans avec lui en même temps que j’ai commencé mes contrats à Montréal en 2001. Puis vers 2003, Paul m’a demandé de le remplacer dans un spectacle au casino! J’ai eu la chance de jouer avec plein de musiciens professionnels. Durant cette période, j’ai aussi commencé à jouer dans le groupe de Nanette Workman. Encore aujourd’hui, Nanette et son claviériste Bob Stagg ont une grande influence sur moi : ils ont vraiment changé ma façon de jouer. Ils m’ont fait découvrir tellement de musique! Pendant ce temps, j’ai joué pour différents spectacles : revues musicales, hommages à Ray Charles ou Barbara Streisand. J’ai fait des tournées avec des artistes comme Garou, Marc-André Fortin, Annie Villeneuve et j’ai joué dans différents festivals comme le Festival de jazz de Syrie, de Montréal et le Festival d’été de Québec. En ce moment, je termine la tournée de Ginette Reno au Capitole de Québec, je joue dans le Jean-Pierre Lambert Big Band et je suis batteur et directeur musical pour les Sœurs Riverin dans le spectacle Cow-boys de Québec Issime qui parcourt le Québec depuis 5 ans.

Cela dépend de l’artiste et du contexte. Si je remplace quelqu’un, je vais fortement m’inspirer de son jeu, car je ne veux pas sortir l’artiste de son cadre habituel. J’exécute donc scrupuleusement ce que l’artiste souhaite entendre. S’il désire une passe de toms à un moment précis, je le fais et je n’en mets pas plus qu’il le faut. Par contre, quand une artiste comme Nanette me demande un solo en direct par exemple, je démarre la machine. En tant que musicien pigiste, j’accompagne les artistes avec qui je travaille. Je dois les soutenir, alors je reste au service de leur musique tout en sachant qu’ils me laissent de la place. Je joue avec passion et énergie, je m’imprègne de leur musique et j’essaie de doser mon jeu avec goût en respectant leurs paramètres. Je pense que c’est ce qui m’a permis de jouer avec autant d’artistes.

Quelle place donnes-tu à la technique quand tu accompagnes des chanteurs à texte et qu’on a besoin d’entendre les paroles? Je crois que la technique a toujours sa place et elle va de pair avec l’écoute et le bon goût : tout est dans le dosage. Elle est là pour servir la musique, pas le contraire! Le groove de batterie joué par Steve Gadd dans 50 ways to leave your lover de Paul Simon est un bel exemple d’équilibre entre bon goût et technique dans une chanson à texte. Dave Grohl, Vinnie Colaiuta, Travis Barker et Keith Moon sont des batteurs très différents qui ont aussi des grooves incroyables; une intensité soutenue, un jeu dosé avec un niveau de technique bien à eux! Ils maitrisent parfaitement ce qu’ils font et peuvent aussi évoluer dans un style un peu plus dépouillé. La technique, ça te permet de colorer ton jeu librement, de faire ressortir l’énergie d’une pièce sans te poser de question. De mon côté, je m’assure que la technique ne prenne pas le dessus sur la chanson. Mais si j’ai besoin d’ajouter de la couleur, il n’y a pas de problème : tout est une question de dosage! 

En 2011, j’ai débuté au Cirque du Soleil comme dépisteur en musique. Je déniche donc des perles rares pour leurs spectacles. Ma polyvalence en matière de musique et mes études en interprétation n’ont pas nui à mon embauche, bien au contraire! Franck Camus février

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franck

camus

to the rescue

If you want to be a professional musician and earn your income with your drumming, finding gigs becomes vital. To do so, you have to play various musical styles and be able to play with different musicians. It is important that you can adapt to the various musical situations as there are many out there. More often than not, there will be little time to learn the songs and rehearse with the band. This is when reading music becomes an important asset. A lot of drummers play by ear, which is good, but their illiteracy will keep them out of the race when it comes to learning a new repertoire in no time. And this is where you’ll lose gigs.

Thus, it is important to ask yourself when you should learn to read music. This varies depending on your origins and culture (in Europe, music theory is taught very early, sometimes 2 or 3 years before playing an instrument which can discourage the young learner) but generally, learning how to read music is seen as very tedious. This is why I asked myself how I could motivate kids to learn how to read rhythm. While thinking about this problem, I came up with a simple solution that can motivate a young student to learn how to read music. If you too are teaching kids, you can try this trick. Ask your student what his interests are (movies, cartoons, video games, etc.). In this particular case, I had a Star Wars fan. Knowing this, I went looking for stickers (small round ones that you can put all over music charts). Together, we figured who were his favorite characters so we could put stickers of them on his staffs as if they were regular notes. R2-D2 became his bass drum note, C-3PO the snare drum, Luke Skywalker the hi-hat and Yoda the ride cymbal. From that point, the rhythms I was writing for my student were now portrayed by his favorite Star Wars characters. It was then much faster for him to memorize the positioning of the notes he had to play on the music staff and which limbs he was supposed to use. His right foot was now impersonated by R2-D2, his left hand was C-3PO, his right hand on the

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right side of the drum kit was Yoda and Luke was the right hand on the left side of the kit. This system works great with quarter notes and eight notes music charts but it becomes tricky and dense when you work with sixteenths notes as you quickly have heaps of stickers on the music staff. But don’t forget, this is only a transition phase to help motivate your student. In my case, the more I wrote music for him, the more I would stickers I would replace by regular notes so he would have both notation systems mixed in and the better he would navigate between the two easily. From that point, he started reading simple drum parts quite easily and it wasn’t sheer drudgery anymore. Kids learn better through games and playfulness and learning an instrument should be fun. This method has not been tried out with a lot of students yet, so it is hard to draw conclusions. The important thing is that with kids, “playing” an instrument should be taken literally. You might also have developed ways to make your teaching more pleasant for kids, so don’t hesitate to share your tricks with us. The more solutions we have, the easier it will be to develop the music market with the future generations of drummers. It is quite the competition with television and video games, but for that moment in time, Star Wars will have helped a young drummer to learn how to read music which is not the simplest feat. 

à la rescousse Lorsque l’on veut jouer de façon professionnelle, et gagner sa vie grâce à la batterie il est important de trouver des contrats. Pour ce faire, vous devez travailler dans différents styles et avec plusieurs musiciens. Le travail à la pige en musique étant légion, il est important de pouvoir adapter ses capacités aux différentes situations de jeu. Bien souvent on se retrouve à répéter pour un concert avec très peu de temps devant nous et bien peu de répétitions… Dès lors, la lecture de la musique ou au moins la lecture rythmique est un atout que vous devez posséder. Bien des batteurs travaillent « à l’oreille » ce qui est fort important, mais font l’économie d’apprendre à lire la musique ce qui ne leur permet pas de pouvoir travailler avec la même vitesse pour apprendre un nouveau répertoire. De ce fait, des contrats peuvent leur échapper… Au cours du développement musical d’un batteur, il est important de se demander à quel âge il est nécessaire d’apprendre à lire la musique. Cela dépend des pays et de la culture (en Europe le solfège s’apprend très tôt, des fois 2 ou 3 ans avant d’apprendre un instrument ce qui n’est pas trop valorisant) et en général l’apprentissage de la lecture est perçu comme fastidieux. Je me suis alors demandé comment motiver les enfants à apprendre à lire une partition rythmique. En réfléchissant, j’ai pu mettre au point une technique simple qui permet de motiver l’enfant à le faire. Si vous aussi vous avez des enfants en cours vous pouvez essayer le truc suivant. Demander à votre élève quels sont ses champs d’intérêt, film, dessin animé, jeu vidéo, etc etc. Dans mon cas c’était un admirateur de star war. Je suis donc allé dénicher des petits autocollants. (genre de petites figurines rondes de petites dimensions qui se collent partout sur un cahier) Ensemble, on a déterminé quels étaient ses personnages favoris. Et on les a collés sur la portée en guise de notes. Par exemple la figurine de « R2-D2 » remplaçait le mi du bass drum sur la portée et « C3PO » faisait office de snare alors que Luke skywalker devenait le hi-hat et « yoda » la ride. De ce fait, la portée de musique était remplie des personnages préférés de mon élève en fonction des morceaux et des partitions que je lui écrivais. Il a mémorisé à une vitesse folle le positionnement de ses personnages sur la portée en fonction du membre qui devait jouer. Par association la figurine « R2-D2 » était son pied droit alors que « C3PO » était

devenu sa main gauche et yoda sa main droite sur la partie droite du kit alors que Luke était sa main droite. (mais à gauche du kit) Tant que les partitions sont en noir ou en croche cela fonctionne bien, évidemment quand on voit des partitions en double croche cela fait beaucoup de figurines à coller et la partition commence à prendre de la place pour que cela reste lisible, mais n’oubliez pas, il s’agit juste d’un passage pour motiver des jeunes élèves à apprendre à lire la musique. Au fur et à mesure j’écrivais et j’incorporai des notes normales sur la portée il avait donc 2 types de partitions celle de type Star wars et la normale. Il faisait ainsi le lien très facilement entre les 2. Cela ne lui a pris que très peu de temps avant de pouvoir lire une simple partition et surtout cela lui a permis de continuer à lire la musique sans rechigner à le faire. Puisque tout est dans le jeu à un certain âge il est important de garder ces considérations pédagogiques pour inciter l’enfant à pratiquer plus facilement un instrument. Évidemment cela n’ayant pas été fait avec un grand nombre d’enfants il est difficile de tirer des conclusions générales concernant ce mode d’apprentissage, néanmoins puisque l’on dit que l’on « joue de la musique » il est encore plus important de prendre cette affirmation à la lettre avec des enfants. J’imagine également que de votre côté vous avez développé des moyens de rendre l’enseignement attrayant pour les enfants alors n’hésitez pas à m’en faire part! Plus on aura de solutions plus on pourra développer le marché de la musique avec la nouvelle génération. En effet la compétition est rude avec les consoles de jeu et la télé, mais l’espace d’un instant au moins Star wars aura permis à un enfant d’apprendre à lire la musique. 

février

mars 2015

daniel

bédard

The Musical Drummer Le batteur musical

part 2

2e partie

In my last musical drummer text, I talked about form and how we should play our drum parts so that it would fit the song structure. Let’s now take a look at textures and orchestration or how we play our parts and what drums and cymbals we use.

Dans mon premier texte sur le batteur musical, je vous ai parlé de la forme, ainsi que de la façon dont nous devrions jouer nos partitions afin qu’elles cadrent avec la structure de la chanson. Jetons maintenant un œil aux textures musicales, ainsi qu’à l’orchestration des rythmes. Comment jouez-vous vos partitions et quels tambours et cymbales utilisez-vous?

Cymbals

Les cymbales

Let’s talk a bit about cymbals here and how you can use them musically. I teach my students to follow the structure of the song they’re playing by changing cymbals so that they follow the different musical parts. Don’t go to the ride cymbal right in the middle of the verse just because it had been a while since you last hit it. Try to do it so that it marks a musical change. A very common thing in a pop setting would be to play the verses on hihat and the choruses on the ride. I hear way too many inexperienced drummers not paying attention at all to what is going on around them and taking musical decision based only on how they feel, not how the song feels. Once you understand how the song you’re playing is constructed, you can then change cymbals accordingly. I said before to play the hi-hat on the verse and the ride on the chorus but to do the opposite might be the right musical choice. Then, how do you hit that cymbal? Is the singer screaming his throat out or is he singing really softly? You have to follow that most of the time, let your strokes be musical. There are a lot of different ways you can hit cymbals: you should be able to pull off various sounds out of yours. I personally like to be able to crash and ride both my crashes and rides. I feel that this gives me more sonic possibilities. I don’t like a ride that is too heavy and that rings forever when being crashed since it doesn’t suit my musical needs well. But then again, this is me, and you probably have different needs. You could also NOT play any cymbal at all in the song. Jerry Marotta recorded a whole Peter Gabriel album doing that (Peter Gabriel self-titled). This is an interesting and unusual musical choice.

Prenons un moment pour parler des cymbales et de la façon dont nous pouvons les utiliser musicalement. Dans mes cours, je montre à mes élèves comment choisir leur cymbale afin de donner du sens à la structure de la chanson. Il ne faut pas jouer de la cymbale ride en plein milieu d’un couplet seulement parce que ça fait un moment que vous ne l’avez pas fait. Faites-le plutôt pour marquer un changement dans la composition. Dans la musique pop, on joue souvent les couplets à la Charleston et la ride sur les refrains. Trop de batteurs peu expérimentés prennent des décisions en se fiant à leur instinct au lieu de tenir compte de la composition musicale. À partir du moment où vous comprenez comment la chanson est construite, vous pouvez prendre de meilleures décisions musicales. Plus tôt, j’ai suggéré que vous pouviez jouer de la Charleston sur les couplets et de la ride sur le refrain, mais une bonne décision musicale pourrait être contraire à ce modèle, selon le morceau. Ensuite, posez-vous les questions suivantes : comment frappez-vous vos cymbales? Est-ce que le chanteur est en train de crier ou chante-t-il très doucement? La plupart du temps, il faudra l’accompagner et ajouter de la musicalité à vos frappes. Il y a plusieurs façons de frapper les cymbales afin d’en retirer différents sons. Personnellement, j’aime pouvoir « crasher » mes rides et « rider » mes crashs. De cette façon, j’ai plus de possibilités sonores. Je n’aime pas les rides qui sont trop lourdes et qui résonnent très longtemps; elles s’accordent mal avec mes besoins musicaux. Mais tout le monde a des besoins différents. Vous pourriez aussi ne jouer d’aucune cymbale : Jerry Marotta l’a fait sur l’album éponyme de Peter Gabriel. C’est un choix inhabituel et intéressant.

february

march 2015

Drums

Les tambours

Most of the time, you’ll probably be playing the backbeat on your snare drum, which is the most common choice. Steve Gadd did it differently when he came on the scene by sometimes playing it on the floor tom, which gave a big fat feel to the rhythms he would play. Check out the song Aja by Steely Dan for a good example of that. Steve plays the floor tom in his groove at the beginning of the instrumental section (2:16 on the recording). This is a really cool and effective musical choice. Another thing that can be musically interesting is to play the floor tom AND the snare in unison on your backbeats. Phil Spector would ask his drummers to do so on sessions so that it gave a very heavy feel to the 2 & 4. Check out Hal Blaine’s recordings with Spector for examples of that. We haven’t talked about different tools besides sticks that you can use to make your musical voice come out. I personally really like to play brushes because I find that they bring a whole different kind of sensibility to my drumming and singers quite often like them because they won’t feel attacked by some loud drumming behind them. And don’t think you can only play jazz stuff with them, not at all. I use them for country/folk stuff but I’ll also sometimes play rock and funk beats with them, whether it’s when sweeping them or just playing them like regular sticks but with a much softer sound. Check out Florian Alexandru-Zorn’s different publications for ideas on how to use brushes in other settings than jazz music. Check out rods too or mallets. Mallets give you the opportunity to get a real cool tone out of the drums, which will make it obvious if your drums are in tune or not. Ari Hoenig plays some really cool solo pieces using mallets, check him out on YouTube.

La plupart du temps, vous jouerez de la caisse claire sur les deuxième et quatrième temps, ce qui est le choix le plus commun. Lorsqu’il a fait ses premiers pas sur la scène musicale, Steve Gadd jouait ces temps sur le tom basse, ce qui donnait un rythme musclé. La pièce Aja de Steely Dan en est un bon exemple. Steve joue du tom basse dans son groove au début de la section instrumentale (à 2:16 sur l’enregistrement). C’est une très bonne idée musicale. Vous pouvez aussi jouer du tom basse et de la caisse claire en même temps sur les deuxième et quatrième temps. Phil Spector demandait parfois à ses batteurs d’utiliser cette technique pour donner plus de poids à la pulsation. Écoutez le batteur Hal Blaine sur les enregistrements de Spector pour des exemples.

I hope these ideas have sparked the musical drummer in you and that you’ll be more curious about the different sounds you can use. Experiment and find your voice in all those possibilities. Enjoy the process. 

Nous n’avons pas encore parlé des différents outils que vous pouvez utiliser pour jouer de vos tambours. J’aime beaucoup utiliser les balais dans mon jeu, car je trouve qu’ils amènent une sensibilité différente à l’instrument et souvent, les chanteurs vous en seront reconnaissants parce qu’ils ne se sentiront pas submergés par un son qui les attaquent par-derrière. Et n’allez pas croire que vous ne pouvez jouer que du jazz avec vos balais, loin de là! Je les utilise pour la musique country et le folk, mais aussi pour des rythmes rock et funk, que ce soit en balayant la caisse claire ou en frappant comme on le fait avec des baguettes, mais avec moins de volume. Procurez-vous les différentes publications de Florian Alexandru-Zorn pour avoir des idées sur la manière d’utiliser les balais autrement qu’en jouant du jazz. Et explorez les fagots à batterie (rods) et les mailloches. Ces derniers vous permettront d’obtenir de vos peaux un timbre très clair, ce qui mettra en évidence le fait que votre batterie soit accordée ou non. Ari Hoenig joue des solos éblouissants avec les mailloches (voir sur YouTube). J’espère que ces idées auront allumé le batteur musical en vous et que vous serez plus curieux à propos des différents sons que vous pouvez utiliser. Expérimentez et trouvez votre voix tout en ayant du plaisir durant le processus. 

In 1875, Johannes Link opened a small workshop in Weißenfels, Germany for simple military drums and drumheads. From those modest beginnings, through the dangerous times during World War II and the company’s re-start in Aue in 1946, SONOR looks back and celebrates their rich 140 year heritage as a leading manufacturer of quality drums and percussion instruments. Professional drummers and respected educators around the world continue to make SONOR their signature in sound in 2015.

“Sonor Drums: Versatility, tradition & quality! Whatever the musical context is, their tone always inspires me!” “Les Batteries Sonor: Versatilité, tradition et qualité! Peu importe le contexte musical, leur sonorité m’inspire toujours!”

Denis Cantin

Denis Cantin Vintage ad 01-15.indd 1

Introducing the all-new SONOR Vintage Series for 2015. Sonor Drums are distributed in Canada by Coast Music (a division of Jam Industries Ltd.) 21000 Trans Canada Highway. Baie D’Urfé, Québec, H9X 4B7 www.sonorcanada.com

février - mars 2015 2015-01-14 4:47 PM

stéphane cham berland

Playing with other musicians is the ultimate goal of studying drumming. A couple of years ago, I was looking for a great drum method to help my students improve their listening skills while learning new drum beats. I am using two drum sets in my studio and I felt it was a must to use this setup as much as I could for the benefit of the students. I am able to play with the student not just for demonstrations but also to develop the student’s ears. In a band, we need to be able to listen to ourselves, as well as to the other musicians to be fully aware and best serve the music. This skill is essential to develop for all musicians. We drummers, also need to focus on many different sounds at the same time because that is what we do when we perform the simplest drum beat. At that time, I was studying with my mentor Dom Famularo in New York and he showed me this incredible book, Drumset Duets. It was an old version that was not distributed anymore but Dom was still using it with his students because of the efficiency of this amazing work. I am really honored to have been able to work with him on many educational projects and books throughout the years. When we create a new book, we always make sure that it fits into a special curriculum we use with our students and then promote it to many other drummers around the world. I was blown away by the impact that this concept has made.

Nous étudions la batterie dans le but ultime de jouer avec d’autres musiciens. Il y a quelques années, je cherchais une méthode pour améliorer la capacité d’écoute de mes élèves, tout en leur apprenant de nouveaux rythmes à la batterie. J’ai dans mon studio deux batteries et j’aime en tirer avantage au maximum. Cet arrangement me permet de jouer en même temps que mes étudiants lorsque je fais des démonstrations, mais aussi lorsque je veux former leur oreille. Dans un groupe de musique, il importe de s’écouter soi-même, mais aussi d’écouter les autres musiciens afin d’être pleinement dans la musique et de bien la servir. L’écoute est donc essentielle, peu importe l’instrument. En tant que batteurs, nous devons porter notre attention sur plusieurs sons à la fois puisque le plus simple des rythmes à la batterie l’exige. Lorsque j’étudiais à New York avec mon mentor, Dom Famularo, il m’a introduit à un livre merveilleux, le Drumset Duets. C’était une vieille version qui n’était plus distribuée, mais Dom l’utilisait encore avec ses étudiants puisqu’il trouvait le concept hautement efficace. Je suis grandement reconnaissant d’avoir pu travailler avec lui sur de nombreux livres et projets éducatifs à travers les années. Chaque fois que nous créons un nouveau livre, nous nous assurons qu’il s’insère dans un programme d’apprentissage avant d’en faire la promotion aux autres batteurs de la planète. L’impact de ce livre en particulier m’a sidéré.

Imagine two drummers each playing a groove that together creates a more complex sound. We explored two different styles, rock and funk grooves and added more ghost notes as we progress through the book. Dom also suggested using different hi-hats patterns to push the independence to the next level for more advanced students. I am now able to use this book as soon as my students learn their first drum groove and then I begin playing with them. I always explain, listen to your part, then my part and then try to hear the groove we both play. Make sure all the notes we play together match. Now it’s not just playing an exercise, we are playing music, the same way you will in a band with other instruments. I found what I was looking for!

Imaginez deux batteurs qui jouent chacun un groove qui, ensemble, crée un son plus complexe. Dans ce livre, nous avons donc exploré deux styles différents, des grooves rock et funk, en leur ajoutant des notes fantômes à mesure que le livre progresse. Dom a aussi suggéré d’utiliser divers motifs à la Charleston afin d’amener l’indépendance à un autre niveau pour les élèves plus avancés. Aujourd’hui, j’utilise ce livre très tôt dans l’apprentissage : je commence en effet à jouer avec mes élèves dès qu’ils apprennent leur premier groove. Je leur explique toujours qu’il faut d’abord écouter sa partie, puis celle de leur partenaire avant d’essayer d’entendre le groove commun. Je leur recommande également de s’assurer que toutes les notes jouées ensemble vont de pair. Ceci est plus qu’un simple exercice : il s’agit ici de jouer de la musique, ensemble, comme dans un groupe avec d’autres instruments. Voilà la méthode qu’il me faut!

Let’s try it First of all, let’s start by trying one exercise. This is a great warm-up. We will say that the first drummer will be drummer A and the second drummer would be drummer B. Make sure before you start playing the snare and bass drum notes that you practice the togetherness of your hi-hats. What if I want to have fun with this book but I don’t have a student or a friend with me in the same room with another drumset? Well great question! Actually, there is a CD with the book. You can be drummer A or B depending on your mood. Make sure all the notes fall evenly with your drummer friend on the CD or in person. Like I mentioned before, listen to your part, then to the other’s part but most important, to the final groove.

february

march 2015

Un premier essai Commençons par un exercice qui peut très bien faire office de réchauffement. Le premier batteur sera le A et le deuxième, le B. Avant de commencer à jouer de la caisse claire et de la grosse caisse, assurez-vous que la Charleston soit synchro. Que faire si vous n’avez personne avec qui jouer? Excellente question. Le livre comprend un CD. Vous pouvez être le batteur A ou B, selon votre humeur. Vous pouvez donc synchroniser vos notes avec votre ami ou avec le batteur sur le CD. Comme je l’ai déjà mentionné, il faut d’abord écouter votre jeu, puis celui de votre partenaire avant de vouer une ultime écoute au groove final.

grooves a

grooves b

In this next example, we will include some ghost notes. Ghost notes are played very close to the drum head in a piano dynamic. It creates a groovy feel and more lightness in your playing that will result in a better sounding beat and will make the other musicians connect and dance. Think about the subdivision and where the single note belongs in the time. For example if you are playing a ghost note on the “a” of 2, you may count 2 e + a, to be precise.. 

Dans le prochain exemple, nous allons insérer quelques notes fantômes. Celles-ci sont jouées tout près de la peau, en piano, créant ainsi une ambiance de légèreté, un rythme vibrant et une connexion entre les musiciens. Pensez à la subdivision et à l’endroit où s’insérera la note solitaire dans le temps. Par exemple, si vous jouez une note fantôme sur le « a » du 2, comptez 2 e + a. 

février

mars 2015

grooves a

grooves b

Creating forms

Créer des formes musicales

The next level for an even more fun and challenging experience is to create rules. I am talking about form. Start with four bars of groove together then drummer A takes a 4 bar solo while drummer B continues playing his groove, then come back to the groove together and repeat the process this time switching roles. You can also push further by taking a blues form of 12 bars. Explore a standard A A B A form. Add a solo section that you can call C. A A B A C A. As you can see, the possibilities are

Si vous voulez atteindre un autre niveau, pour davantage de plaisir et de défi, vous pouvez créer des règles. Il est ici question de la forme. Commencez par mettre ensemble quatre mesures de groove, introduisez ensuite un solo de 4 mesures par le batteur A tandis que le B continue de jouer son groove. Le batteur A revient ensuite au groove commun initial. Répétez le processus en échangeant les rôles. Vous pouvez pousser l’idée encore plus loin en utilisant une forme blues de 12 mesures. Explorez la forme standard A A B A. Ajoutez-y une section solo que vous appellerez C pour obtenir A

endless. I really hope that this article will inspire you to learn more about Drumset Duets for your own evolution, for your students and maybe for your own band. We need to think outside the box and explore new ideas to challenge ourselves every day. It’s your turn to use it and write your own Drumset Duets. Remember, music is an international language that connects us. This is a small world! Record a video of you and a friend playing the exercises from Drumset Duets and post it on YouTube to share with the world. Good luck on your journey! 

february

march 2015

A B A C A. Comme vous l’aurez deviné, les possibilités sont infinies. En espérant que cet article vous motivera à en connaître davantage sur le Drumset Duets, que ce soit pour votre évolution personnelle, celle de vos élèves ou même de votre groupe. Chaque jour, il faut se mettre au défi d’aller plus loin en explorant de nouvelles idées. Voici l’occasion de le faire et d’écrire vos propres duos de batterie. Entretemps, n’oubliez pas que la musique est une langue internationale qui nous rassemble. Le monde est petit! Pour en faire partie, n’hésitez pas à vous enregistrer en train d’effectuer les exercices de Drumset Duets et à partager la vidéo sur YouTube. Au plaisir!  www.wizdom-media.com and www.alfred.com www.stephanechamberland.com www.domfamularo.com

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/ march 2015 - février/mars 2015 vol.27 no1

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mars 2015

aubrey

dayle

Playing with

jouer avec les

ostinatos The definition of the musical term ‘Ostinato’ is as follows: A short melodic, rhythmic, or harmonic pattern that is repeated throughout an entire composition or some portion of a composition. If we look at this definition from a drum set performance perspective, we see that the very nature of playing a complete beat or groove is in fact a persistent and repetitive musical event. However, independence between the limbs is at the core of playing the drum set and understanding how ostinatos work in that context is vital. William F. Ludwig got a patent for a viable bass drum pedal around 1910. Prior to this, bands would hire at least 3 drummers to play the drum parts in popular music. It was very much akin to the classical percussion section in an orchestra. The grooves were divided up amongst those players, with each playing a repetitive rhythmic line or ostinato. The ensemble usually contained a separate bass drummer, snare drummer and a cymbal player. Once bands downsized to fit in orchestra pits, the position became available for one drummer. This musician would have to play all three repetitive patterns alone. Essentially, that meant he would have to play ostinatos within the scope of his or her four limbs. At that time, drummers developed what I like to call a half and half approach to playing the instrument. The drummers’ bottom half (feet) plays a persistent pattern with little or no variation while the top half (hands) plays a repetitive pattern with occasional variations; much like a ragtime piano player’s left hand’s relationship to the right hand. Essentially the dominant foot created a rhythmic foundation or pulse while the hands were free to assist in that pulse or to embellish the melodic component in the music. The groove looked like the following:

During the Swing and Bebop eras of the 1930s through the 1950s, the drummers divided the ostinato lines between both feet, with the introduction of the hi-hat/bass drum combination, and the dominant hand. The dominant hand ostinato became the familiar jazz ride pattern. It was originally played on the hi-hat during the swing era and then migrated to the ride cymbal during the Bebop and Hard Bop period.

february

march 2015

On définit le terme musical « ostinato » comme suit : un motif mélodique ou rythmique court qui se répète durant une composition ou une partie de composition. De la perspective du batteur, cette définition s’avère la nature même d’un rythme ou d’un groove qui est, en soi, un acte musical répétitif et continu. Par contre, il importe de comprendre comment les ostinatos fonctionnent dans le contexte de la batterie où chaque membre est indépendant. William F. Ludwig a obtenu un brevet pour sa pédale de grosse caisse aux alentours de 1910. Avant cela, les groupes de musique populaire devaient embaucher un minimum de 3 musiciens pour jouer les percussions. Ça ressemblait à un ensemble d’instruments de percussion dans un orchestre classique. Les musiciens se partageaient le groove, chacun jouant sa phrase rythmique répétitive, son ostinato. L’ensemble comprenait habituellement une grosse caisse, une caisse claire et une ou plusieurs cymbales. Lorsque les groupes ont commencé à réduire leurs effectifs pour tenir dans les fosses d’orchestre, il n’y avait plus qu’une seule place pour le batteur. Le même musicien devait donc jouer à lui seul les trois motifs répétitifs. Essentiellement, il devait tirer le meilleur de ses quatre membres pour jouer tous les ostinatos à la fois. À l’époque, pour jouer de leur instrument, les batteurs ont créé ce que j’appellerais une approche en deux parties. La partie inférieure du batteur (les pieds) jouait un motif continu avec peu ou pas de variation, tandis que la partie supérieure (les mains) jouait un motif répétitif avec des variations intermittentes; un peu comme la relation entre la main gauche et la main droite d’un pianiste de ragtime. Au fond, le pied dominant créait la base ou la pulsation rythmique tandis que les mains étaient libres d’accompagner cette pulsation ou d’embellir l’élément mélodique. Le groove ressemblait un peu à ceci :

À l’époque du swing et du bebop, des années 30 aux années 50, la combinaison Charleston et grosse caisse fit son apparition et amena les batteurs à répartir les ostinatos entre le pied gauche, le pied droit et la main dominante. L’ostinato tenu par la main dominante sur la ride devint le motif jazz le plus commun. Au départ, à l’époque du swing, il était joué sur la Charleston, mais il s’est déplacé sur la ride avec l’avènement du bebop et du hard bop.

Drummers had to deal with essentially four ostinatos in their playing and be comfortable enough to vary the rhythms in each at will.

Les batteurs devaient maintenant orchestrer quatre ostinatos à la fois et être assez à l’aise pour varier à volonté les rythmes dans chacun d’eux.

Drummers are able to achieve this polyrhythmic approach by conceiving of the separate parts in a vertical manner. The parts will line up and be played simultaneously at various points in a given groove. If we write the groove out the drummer focuses on each moment when the notes line up vertically on the staff. Check out the Jim Chapin book entitled “Advanced techniques for the modern drummer”. Only the listener perceives the groove as having several rhythms being played at once. This is the fundamental key to playing ostinato based drumming.

Et c’est ce qu’ils firent! Ils réussirent cette approche polyrythmique en concevant chaque partition à la verticale. Les partitions s’alignaient pour être jouées simultanément à différents stades d’un groove. Si on transcrit ce groove, le batteur n’a qu’à se concentrer sur chaque fois où les notes s’alignent verticalement sur la portée. Jetez un oeil au livre de Jim Chapin intitulé « Advanced techniques for the modern drummer ». L’auditoire est le seul à percevoir le groove comme plusieurs rythmes joués simultanément. Et voilà la base pour jouer des ostinatos à la batterie.

A good way to practice this is to play a samba bass drum/hi-hat pattern on the feet and then play single paradiddles with the hands.

Pour pratiquer, vous pouvez jouer un motif de samba à la grosse caisse et à la Charleston avec les pieds en y ajoutant de simples moulins joués avec les mains.

Once that feels comfortable, try playing single paradiddles once again with the samba pattern, but play accents on the downbeat of each group of four sixteenth notes. Then play accents on the ‘e’ note, the ‘and’ note, and finally the ‘ah’ note of each group.

Une fois que vous êtes à l’aise, essayez de jouer vos moulins et votre motif samba en ajoutant des accents sur le temps frappé de chaque groupe de quatre doubles croches. Puis, jouez les accents sur les notes « e », puis sur les « and » et les « ah » de chaque groupe.

Drummers have been comfortable enough with ostinatos that they are able to improvise using one to three of their limbs. Typical examples of this include playing the clave rhythm with the left foot while improvising with the other three limbs or even simply playing the hi-hat on beats two and four while improvising on the rest of the drum set. Here are some exercises that will help to achieve this facility.

Les batteurs à l’aise avec les ostinatos arrivent à improviser avec un, deux et même trois de leurs membres! Des exemples? Un rythme de la clave joué avec le pied gauche en même temps qu’improvisent les trois autres membres ou simplement une deuxième et quatrième mesure jouée à la Charleston avec une improvisation sur le reste de la batterie. Voici quelques exercices pour y arriver :

For more on the topic, please refer to this Youtube video I put together at the following link: http://tinyurl.com/ohrbdmk Having a good command of ostinatos is fundamentally important for the modern drummer. The drum set players’ use of the ostinato was born near the turn of the 20th century with the incorporation of the bass drum pedal; it has now expanded to multiple bass drums and hi-hats. It will be interesting to see what happens next! 

Si vous désirez davantage d’informations sur le sujet, n’hésitez pas à visionner cette vidéo YouTube que j’ai créée : http://tinyurl.com/ohrbdmk Avoir une bonne maîtrise des ostinatos importe grandement au batteur moderne. Les ostinatos à la batterie sont apparus au tournant du 20e siècle avec l’arrivée de la pédale de grosse caisse. Aujourd’hui, la pédale double et la pédale Charleston sont chose du commun. Qui sait ce que nous réserve la batterie du futur! 

février

mars 2015

max

senitt

« RÉDUIRE, POUR PLUS

" DECREASE

INCREASE "

ALTERNATIVE PRACTICING CONCEPTS TO TAKE YOUR PLAYING TO NEW HEIGHTS.

PRATIQUER DIFFÉREMMENT POUR AMENER SON JEU À UN AUTRE NIVEAU.

Do you practice or play the drums? Perhaps a combination of the two? Both are essential for becoming the best musician possible, something I personally strive for. While playing music with others is imperative and essentially what practicing should prepare us for, it is helpful to draw a line of distinction between the two and stay focused on whichever one you doing are at any given time. When you are playing music, PLAY IT! Don’t be thinking about technique, exercises or licks. Be immersed in the magic that MUSIC is. At the same time, when you are practicing, PRACTICE! Use this time to really zero in on your weaknesses, to examine what you are physically and mentally doing on your instrument and to decide how you can do better. Learning new material will obviously be an important part of your practice time as well. What follows are two ideas that I have found to be extremely effective for really getting the most out of my precious and limited practice time.

Vous pratiquez ou vous jouez de la batterie? Ces deux activités sont essentielles pour amener votre potentiel à son maximum, ce à quoi j’aspire personnellement. Jouer avec d’autres musiciens est impératif et c’est ce à quoi la pratique devrait nous préparer ultimement. Il est parfois utile de faire la différence entre ces deux activités afin de pouvoir se concentrer sur la tâche à accomplir, quelle qu’elle soit. Lorsque vous jouez de la musique, jouez et ne faites pas autre chose! Ne pensez pas à la technique, à vos exercices ou à vos accents. Plongez dans la magie de la musique! Lorsque vous pratiquez, faites-le à fond! Utilisez ce moment pour vous concentrer sur vos faiblesses, pour examiner ce que vous faites mentalement et physiquement derrière la batterie et pour trouver comment faire mieux. Il va sans dire qu’apprendre du nouveau matériel prendra une partie importante de votre temps de pratique. Voici donc deux façons efficaces de retirer le maximum de ce temps de pratique limité et précieux.

1) Decrease tempo. The first idea I would like to present deals with, in my opinion, the single most important way to practice anything on the drums (including developing speed!!!) and that is practicing SLOWLY. Drumming in general requires an incredible amount of coordinated muscle movements and fine motor skills. Therefore, the slower you can go, the more you give your body and brain the chance to comprehend and digest the material you are learning. As I discovered many years ago when I was first advised to practice slow, by means of the word “SLOW” repeatedly written in my lesson book by my teacher! If you are not used to practicing slowly it can be rather difficult at first. As with anything challenging that we work on, it is best to take it step by step, and make those steps small. Just as many of us have

D’INTENSITÉ »

february

march 2015

1) Ralentir le tempo Pratiquez lentement : voici, à mon avis, une façon unique et incontournable de pratiquer la batterie (même pour améliorer sa rapidité!). La batterie requiert beaucoup de coordination des muscles et de la motricité fine. Pour cette raison, plus vous pratiquez lentement, plus vous donnez de chances à votre corps et à votre cerveau de comprendre et de digérer le matériel à apprendre. Il a fallu qu’un de mes premiers professeurs écrive en grosses lettres le mot lentement sur toutes les pages de mon cahier de leçons avant que je ne le découvre. Si vous n’êtes pas habitué de pratiquer à un rythme plus lent, il se peut que vous éprouviez des difficultés au début. Comme avec n’importe quel défi, mieux vaut y aller un petit pas à la fois. Même si plusieurs d’entre nous ont appris à augmenter graduellement

been taught to gradually increase the tempo as we become comfortable with whatever we are working on, I suggest gradually DECREASING tempo. How slow can you go?! Can you imagine how well you will know the material you are working on once you get there? Obviously using a metronome will be important for this exercise, however there are also several great computer programs and apps available for slowing down music (I presently use an app called “Anytune”) that you can use for gradually decreasing tempo on songs or play-along tracks that you may be using during practice.

le tempo à mesure que nous devenons à l’aise avec une nouvelle habileté, je vous suggère plutôt ici de le ralentir graduellement jusqu’à ce que vous ne pouviez aller plus lentement. Imaginez à quel point vous aurez intégré le matériel une fois que vous aurez réussi cet exploit! Évidemment, le métronome peut s’avérer fort utile pour cet exercice, mais il existe aussi plusieurs bons programmes d’ordinateur et applications pour ralentir le tempo de la musique (j’utilise actuellement l’application « Anytune ») que vous pouvez utiliser pour ralentir graduellement le tempo de vos chansons ou des pistes d’enregistrement sur lesquelles vous travaillez.

2) Decrease Volume. 2) Diminuer le volume While on the topic of metronomes and play-along tracks, let’s check out another idea, keeping in mind that this article is not about playing, but rather about practicing. For obvious reasons, while in a recording studio, or on a stage we definitely want to make sure that we can hear the other musicians and click track (if one is being used) at a comfortable volume. However, in the safe confines of the practice room, we have the luxury of pushing the limits. While decreasing the tempo, we can also gradually decrease the volume of the click or music we are playing along to, forcing ourselves to listen deeper, and possibly play a little lighter as well. “What’s the most important part of the body used to play the drums?” I often ask my students, “The ears!” I eventually respond. It is a great investment in our musicianship to direct some energy towards developing our listening skills, and playing lighter can also help save our ears from potential damage. How quiet can you play? Can you stay in time and groove with the click or music even when it’s barely audible? While the ideas presented in this article may initially go against what you have been taught and believe, I urge you keep an open mind. Until next time, I will leave you with the words of the late great Jim Chapin. “Think for yourself, and if someone shows you something that is good, believe or discard it, but examine it” 

Parlant de métronome et de pistes d’enregistrement, voici une autre façon de pratiquer. Pour des raisons évidentes, en studio d’enregistrement ou sur scène, vous devez, bien sûr, toujours vous assurer d’entendre les autres musiciens, ainsi que la piste-métronome (si vous en utilisez une). Mais dans le confort de votre local de pratique, vous avez le luxe de pousser les limites. En même temps que vous ralentissez le tempo, baissez progressivement le volume de la piste-métronome ou de la musique sur laquelle vous pratiquez afin de vous forcer à écouter plus attentivement et à jouer peut-être plus légèrement. Je demande souvent à mes élèves : « quelle est la partie du corps la plus importante pour jouer de la batterie? » Ce sont les oreilles! Si vous voulez investir intelligemment dans votre carrière de musicien, mettez de l’énergie à parfaire votre capacité d’écoute. Jouer plus doucement peut aussi vous éviter quelques dommages aux oreilles. N’hésitez pas à aller au volume le plus bas pour voir si vous arrivez à garder le temps et le groove une fois que la piste-métronome ou la musique est à peine audible. Initialement, les idées proposées dans cet article peuvent aller à l’encontre de ce que vous avez appris ou de ce que vous croyez, mais je vous conseille vivement de garder l’esprit ouvert. D’ici le prochain article, je vous laisse réfléchir aux mots du grand Jim Chapin : « ne laissez personne penser pour vous. Si quelqu’un vous montre quelque chose de bien, peu importe si vous le retenez ou non, mais prenez au moins le temps de vous y attarder. » 

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chris

lesso

Han Bennink sits at his open window sill overlooking Amsterdam's bustling streets with only brushes and snare drum. Focusing on small points of the city's sonic palette, he zeroes in on the sound of a car engine and imitates it on the drum. He then takes in the sound of rustling newspapers and imitates this on the drum, creating yet another groove. This is an exercise in listening. We truly are sound crafters! Remember, you have 2 ears; one of them is for you, the other for the rest of the band. If we are going to speak in the language of music, we have to let music speak to us.

Assis à sa fenêtre qui donne sur les rues animées d’Amsterdam, Han Bennink attend devant sa caisse claire, balais à la main. S’il se concentre bien sur la palette de sons de la ville, il arrive à distinguer le son d’un moteur d’automobile et à le reproduire. Puis, il se laisse surprendre par le froissement d’un journal qu’il imite aussi, créant un nouveau groove. Ceci est un exercice d’écoute. Nous sommes des artisans du son et nous avons 2 oreilles. Une pour nous-mêmes et l’autre pour le reste du groupe. Si nous voulons parler le langage de la musique, nous devons laisser la musique nous parler.

listening

L'écoute

In this 4 part series of 'The 4 Musical Keys', (also known as 'The 4 Offenses Of Drummers'!) we will start with the most important element, LISTENING. Listening these days is a challenge with so much competing for your ears attention. With noise and distractions bombarding us morning to night, many of us suffer from Broken Focus Syndrome. And drummers are energetic, passionate people to begin with! To really FOCUS is such a big part of listening. We all have so much to say, and we all want to be heard. In order to be listened to, you need to become a good listener.

Dans cette série de 4 articles sur les « 4 clés musicales » (aussi connues comme étant les « 4 péchés du batteur »!), nous commencerons par l’élément le plus important : l’écoute. De nos jours, l’écoute est tout un défi puisque nos oreilles sont sollicitées de toutes parts! Étant bombardés du matin au soir par toutes sortes de bruits et de distractions, plusieurs d’entre nous souffrent du trouble déficitaire de l’attention. De plus, les batteurs sont souvent des gens passionnés et pleins d’énergie! Écouter, c’est une façon de se concentrer. Nous en avons tous long à dire et nous voulons tous être entendus. Mais pour être entendu, il faut d’abord savoir écouter.

It has been said that 'ego is the enemy of music'. We all know that voice in our head that says 'I'm crushing this gig, they love me!!' or the opposite 'why did I just play that, I should have been a plumber.' Neither is true! Music and drumming is about SERVICE to the best in yourself, and to the bigger picture. You can change lives by helping and inspiring others, and music is the international language to achieve this. Ironically, the more you focus on contributing to the whole, that is when you will sound your personal best, and the rhythms you play will really impact people. One of my best habits is reflection. In life this is keeping a journal, and in music this is recording my performances. I'll never forget one of my first times listening back to my gig tapes. Thinking it was a really great night, I proudly popped in the show tape ready to bask in the awesomeness of my grooves. I did have my moments, but what I hadn't heard was the expressive ideas of the guitarist which had nothing to do with what I was playing. If music is a language, this conversation didn't make any sense! Sometimes our biggest game changing moments are also some of our most painful ones, and I gradually realized I wasn't really listening to the band, but thinking only of myself. I needed to truly listen. I was lucky to play the next night again with the same band, but my ears were now transformed. I 'heard' everything that was played in a new way, and I found it gave me 10X the ideas I had before! I got the 'smile-nod' from the guitarist, and we had a great night. I learned the hard way that there is a big difference between hearing and listening. Listening, both in music and in life, creates 'synergy' meaning 'to produce a combined effect greater than the sum of the separate parts'. This is when 1 + 1 = 3, and everyone goes to a magical place together that they couldn't get to on their own. 22 february - march 2015

On dit que « l’égo est l’ennemi de la musique ». Nous connaissons tous cette voix intérieure qui dit « je suis au-dessus de mes affaires et les gens en redemandent! » ou à l’inverse « je joue comme un pied; j’aurais dû être plombier! » Dans les deux cas, nous avons tout faux! Pour jouer de la musique et de la batterie, il faut savoir soutirer le meilleur de soi-même et de la situation dans son ensemble. On peut changer des vies en aidant et en inspirant des gens et la musique est le langage international pour y arriver. Ironiquement, notre son est à son meilleur lorsque nous cherchons à contribuer à un tout. C’est dans ces moments-là que nous avons le plus d’impact. La réflexion est une de mes bonnes habitudes. Dans la vie, je prends le temps de garder un journal et en musique, j’enregistre mes performances. Je n’oublierai jamais la première fois que j’ai visionné un de mes concerts. Je croyais avoir donné un excellent spectacle, alors j’ai inséré la vidéo dans le lecteur en savourant déjà le bonheur de revoir mes excellents grooves. Il y avait eu, certes, de bons moments, mais je n’avais pas du tout entendu les couleurs du guitariste avec lesquelles je détonais complètement. Si la musique est un langage, cette conversation n’avait aucun sens! Parfois, ce sont nos pires moments qui inspirent nos meilleurs changements de cap. Je me suis donc graduellement rendu compte que je n’écoutais pas vraiment le reste des musiciens dans le groupe et que je ne pensais qu’à mon jeu. Je devais me mettre à écouter vraiment. J’ai été chanceux d’avoir une deuxième chance avec ce même groupe. Cette fois, j’ai mis des oreilles toutes neuves. Tout d’un coup, « j’entendais » que les autres musiciens jouaient et j’étais 10 fois plus inspiré! Ce

The more you really listen, the more the real you has a chance to come out. This is what every musician strives for: our unique personal sound that no one else can duplicate, our own fingerprint. REALLY LISTENING puts you inside the present moment, not being worried about what you're going to say or play, or what you did say or play. When you listen you are fully present, and all possibilities lie within that moment. The world opens up, and it is not about you anymore. Listening is a selfless act. Allow your whole body to be a resonator to what is going on around you. Music WANTS to be listened to. Ask 'What does the music want me to play?' Listening is also about 'Standing On The Shoulders Of Giants', experiencing the greats that have come before us. Spending uninterrupted time everyday listening to the past musical masters will add depth to your playing, and exercise your ear. "Empty your cup," Bruce Lee said, "for if your cup is always full, you cannot fill it with anything else."

soir-là, le guitariste m’a décoché un sourire approbateur et nous avons passé une excellente soirée. Alors voilà, j’ai appris à la dure qu’il y a une énorme différence entre entendre et écouter. Dans la vie comme en musique, l’écoute crée une synergie, « un phénomène par lequel plusieurs facteurs créent un effet que chacun d’entre eux n’aurait pas pu obtenir en agissant isolément ». C’est ce qui arrive quand 1 + 1 = 3 et que tout le monde accède à ce moment magique qui n’aurait pas pu avoir lieu autrement. Plus vous écoutez, plus vous avez de chance de découvrir votre unicité. C’est ce que tous les musiciens recherchent : ce son singulier que personne n’arrive à reproduire, telle une empreinte digitale. La véritable écoute vous ramène à l’instant présent, là où vous ne vous souciez plus de ce que vous allez dire ou jouer ou de ce qui a déjà été dit et joué. Lorsque vous écoutez, vous êtes totalement dans l’instant, là où résident toutes les possibilités. Le monde s’ouvre et ne tourne plus autour de vous. L’écoute est un acte altruiste. Il faut permettre à tout votre corps de faire résonner ce qui se passe autour de vous. La musique veut qu’on y prête oreille. Demandez-vous ce qu’elle aimerait que vous jouiez. L’écoute, c’est aussi « être des nains sur les épaules de géants », car il est nécessaire de s’appuyer sur les travaux des grands qui étaient là avant nous. Passer du temps chaque jour à écouter attentivement les maîtres de la musique ajoutera de la profondeur à votre jeu et exercera votre oreille. « Si vous voulez goûter mon eau, il faut d’abord vider votre tasse, » disait Bruce Lee.

ACTION STEPS Choose any song, and see if you can pick out and sing all the individual parts. Regularly tape record yourself! Practice the 60/40 rule: listen 60% of the time, and speak 40%. Practice leaving space in everything you do. Watch Evelyn Glennie's TED talk on 'How To Really Listen.' 

Voici quelques exercices pour mettre l’écoute en pratique : Choisissez n’importe quelle chanson. Essayez de distinguer et de chanter chacune des parties qui la composent. Enregistrez-vous régulièrement. Adoptez la règle du 60/40 : écoutez 60 % du temps et parlez seulement pour l’autre 40 %. Essayez de créer de l’espace dans tout ce que vous faites. Écoutez la conférence TED « How To Really Listen » d’Evelyn Glennie. 

Cirque du Soleil ® is seeking professional musicians for live performances. BANDLEADER – MULTI-INSTRUMENTALISTS INSTRUMENTALISTS (STRING, KEYBOARD, WIND OR PERCUSSION INTRUMENTS) FEMALE – MALE SINGERS ALL VOICE TYPES AND STYLES

Le Cirque du Soleil recherche des musiciens professionnels pour des prestations devant public. CHEFS D’ORCHESTRE – MULTI-INSTRUMENTISTES INTRUMENTISTES (CLAVIER, INSTRUMENTS À CORDES, À VENT OU À PERCUSSION) CHANTEUSES – CHANTEURS TOUS TYPES DE VOIX ET DE STYLES

CIRQUEDUSOLEIL.COM/JOBS facebook.com/cirquedusoleilcasting Photo: OSA Images Costume: Zaldy Goco © 2011 Cirque-Jackson I.P., LLC Cirque du Soleil is a trademark owned by Cirque du Soleil and used under license. Cirque du Soleil est une marque détenue par Cirque du Soleil et employée sous licence.

février

mars 2015

éric bou dreault What is

a successful drummer in 2015?

batteur qui réussit en 2015?

Where do we begin? Is there a recipe for success? This text is meant to be read by every musician, not only drummers.

Par où commencer? Y a-t-il une recette pour le succès? Cet article devrait rejoindre les musiciens en général et pas seulement les batteurs.

There was a time when the drummer got a bigger paycheck because he had to carry around his two bass drums at the show. This was the time when we could pay the bills by playing 6 nights a week at the local pub in a town of 2000 inhabitants. In those days, word of mouth was key in getting in touch with each other.

Il fut une époque où la paye du batteur était plus élevée, car celui-ci transportait ses 2 grosses caisses au spectacle. À une époque où l’ont pouvais jouer 6 soirs semaines dans un petit pub de coin de rue dans une ville de 2000 habitants et payer nos factures… À cette époque, les musiciens se connaissaient et se contactaient de bouche à oreille.

Today, technology is here to stay and we have tons of resources available on the web. But some things do not change. Basic communication is one of them. The best drummer on earth can have a hard time getting in touch with other people if he is always in his shed and only gets out with his bigger-than-a-24”-bass-drum ego. No wonder why nobody wants to be around that guy. It’s one thing to be a good drummer but another to know how to interact with people.

Aujourd’hui, nous avons la technologie et des tonnes de ressources accessibles par internet. Mais certaines choses ne changent pas. Notamment, la communication. Il se peut que le meilleur batteur qui existe soit incapable de se vendre : il reste dans son garage, adopte une attitude négative et ne sort de sa tanière qu’avec un égo plus gros que sa grosse caisse de 24’’. Pas étonnant qu’on ne l’ait pas encore contacté! Ce n’est pas tout de bien jouer; il faut savoir se mettre en valeur!

Another food for thoughts: when you have the choice between sending out an email and showing out in person, I would suggest that you do both. A good old handshake still does wonder.

Dans un autre ordre d’idée, lorsque vous avez le choix entre envoyer un courriel ou vous présenter en personne, je vous propose d’appliquer les deux méthodes. Une bonne vieille poignée de main a encore tout son poignant.

To get work and keep it, you also have to show a professional attitude. For example, showing up late to rehearsals and not being well prepared for an audition could make you lose contracts.

Pour obtenir un travail et le garder, il faut faire preuve d’un certain professionnalisme. Par exemple, arriver toujours en retard aux répétitions ou ne pas être bien préparé pour une audition pourrait vous faire perdre des contrats.

Some people say that you have to know how to pick the right gigs. But before you get picky regarding the shows, bands and music styles you play, try to diversify yourself. After some time, you will know how to pick the right gigs that will highlight your strengths.

Certains diront aussi qu’il faut faire de bons choix. Mais avant d’être sélectif à l’égard du genre de spectacle, du groupe et du style de musique qui vous sont offerts, tentez plutôt de vous diversifier. Après quelques années, vous allez pouvoir faire des choix qui sauront vous avantager.

In recent years, musicians have often asked me questions like: How do you make it? How do you get contacts? Who should I talk to in order to get gigs? How can I be sponsored and get free gear? And so on. In the drumming business as in real life, nobody gets anywhere without effort. Most successful musicians have had to work very hard to get where they are. Those guys mean business. But business isn’t always fun, which is why music as a profession isn’t for everyone. Make sure you develop and maintain good relationships with everyone you work with, no matter who they are: drum representative, producer, broadcaster, manager, etc. Relationships have to be worked on and taken care of as in a family. There must be trust and respect from both sides. The people in the music industry sometimes deal with many

Qu’est-ce qu’un

february

march 2015

Depuis plusieurs années, il m’arrive fréquemment de me faire poser des questions comme : comment faire pour y arriver? Comment obtenir des contacts? À qui dois-je parler pour obtenir du travail? Comment être commandité et avoir des instruments gratuits? Et j’en passe. À la batterie, comme dans la vie : rares sont ceux qui obtiennent tout en un claquement de doigts. La plupart des musiciens qui réussissent ont travaillé fort pour se rendre là où ils sont. Ces gens-là sont comme de petites entreprises. Certains me diront : « oui, mais moi je joue de la batterie pour le plaisir! ’’ Oui, je comprends, mais l’article vise quand même tous les musiciens… alors cela veut dire que vous prenez les informations qui vous concernent et les adaptez à votre situation personnelle de musicien que celle-ci soit débutante, intermédiaire ou professionnelle.

projects at a time so if they don’t have enough time for you, don’t take it personal. Try again later but don’t be annoying. Always be polite and never act as if the world owes you something. As for gear, take some time to try out the different products that are out there to see what you like and what you don’t. You’ll end up finding your sound through that process. Finding who you are might take a really long time. After all, patience is a virtue. Finally, even if all those aspects might seem onerous and complex, you still have to play with passion and believe in yourself and in what you do. The 2015 drummer is a musician who is true to himself and his playing but still knows his limits. Try to stay up to date with technology, computers and social media too. And always be open minded and flexible when change comes to you. This is the only path to personal growth. On those words I wish you luck on your journey and don’t hesitate to go knocking on doors. You have nothing to lose! 

Entretenez vos relations de travail, peu importe lesquelles : que ce soit avec une compagnie de batteries, un producteur, un diffuseur, un gérant de salle de spectacle, etc. Les relations se construisent et s’entretiennent. Comme dans une famille. Il doit y avoir une relation de confiance et de respect entre les deux parties. Ces personnes gèrent souvent beaucoup de dossiers et s’ils manquent de temps pour vous, ne le prenez pas personnel et essayez plutôt de les recontacter, sans toutefois insister outre mesure. Restez polis et ne traitez pas les gens comme s’ils vous devaient quelque chose. En ce qui concerne le matériel, prenez le temps d’essayer différents produits afin de connaître ce que vous aimez. Vous finirez par trouver le son que vous cherchez. Trouver son identité de musicien peu prendre des années. La patience est une vertu dans ce genre de situations. Finalement, malgré tous ces aspects qui peuvent sembler lourds et complexes, avant tout, il faut jouer avec passion, croire en vous et en vos capacités. Un batteur en 2015, c’est un musicien qui reste vrai dans son jeu et dans sa personnalité et qui connaît ses limites. Bien sûr, il faut rester à l’affût des technologies, connaître un peu les ordinateurs et les médias sociaux. Il faut également demeurer ouvert aux changements et garder une certaine flexibilité. C’est la seule façon de s’améliorer et se développer au point de vue personnel. Sur ce, je vous souhaite bonne chance et n’hésitez pas à cogner aux portes : vous n’avez rien à perdre! 

février

mars 2015

products

pro duits

Sonor Celebrates 140 th Anniversary with Vintage Series Drums For the occasion the Sonor team, in cooperation with artists and collectors, worked hard to recreate the look, feel and sound of the 1950s Teardrop drums adding updated features. Like the original, the Vintage series drums feature hand-selected premium German beech shells with rounded bearing edges, teardrop lugs and the Superprofil triple flanged hoops with a vintage Sonor logo and badge. Drums are available in two 3‐piece preconfigured shell sets as well as component bass drums, toms, floor toms and snare drums. The kit comes in three vintage finishes: Natural, Onyx, and Pearl.

Sonor célèbre son 140 e anniversaire avec la Vintage Series Pour l’occasion, l’équipe de Sonor, en collaboration avec des artistes et des collectionneurs, a travaillé fort pour reproduire aussi fidèlement que possible l’apparence, la sensation et la sonorité des batteries Teardrop, prédecesseur de la Vintage Series. Tout comme l’originale, cette série présente une version mise à jour des fûts en hêtre allemand de premier choix, des chanfreins arrondis, des attaches en forme de larme, des cerceaux Superprofil à triples rebords, ainsi qu’un logo vintage. Les batteries sont offertes en deux configurations de trois fûts, cependant les grosses caisses, les toms, les toms basses et les caisses claires peuvent être achetées à la pièce. La série vient en trois finis vintage : naturel, onyx et perle. Scott Atkins scott@sonorcanada.com

www.sonorcanada.com

february

march 2015

dvd dvd

review Secret Weapons For The Modern Drummer, part 2 by Jojo Mayer

PEARL CHAD SMITH SIGNATURE SNARE DRUMS PEARL 14X5 LIMITED EDITION CHAD SMITH SIGNATURE SNARE DRUM Steel Shell, SuperHoop II Hoops, CL-55 Lugs, 10 SST-5047 Tension Rods, DR-015 Strainer, S-022 Snares PEARL 14X5 LIMITED EDITION CHAD SMITH SIGNATURE TRICOLON SNARE DRUM Taking its name from the Latin term meaning “I Came, I Saw, I Conquered”, the drum’s three interchangeable 3mm rolled shell rings (two of brass, one of steel,) are housed in Pearl’s Free Floating snare frame. This not only allows for multiple tonal combinations when stacked in different order, but also for total resonant freedom from attachment hardware.

DES CAISSES CLAIRES SIGNATURE CHAD SMITH DE PEARL LA CAISSE CLAIRE SIGNATURE CHAD SMITH 14X5 ÉDITION LIMITÉE DE PEARL Fût en acier, cerceaux SuperHoop II, attaches CL-55, tringles de tension 10 SST-5047, déclencheur de timbre DR-015, timbre S-022 LA CAISSE CLAIRE TRICOLON SIGNATURE CHAD SMITH 14X5 ÉDITION LIMITÉE DE PEARL Tirant son nom du terme latin « Veni, vidi, vici » qui veut dire « je suis venu, j’ai vu, j’ai vaincu », les trois cerceaux interchangeables de 3 mm (deux en laiton et un en acier) sont intégrés dans la charpente flottante de la caisse claire. Cette construction a l’avantage de combiner les tonalités de plusieurs façons selon l’assemblage des cerceaux, mais aussi d’éliminer la résonance qui provient habituellement de la quincaillerie et des attaches.

www.eriksonmusic.com

Jojo Mayer is back with the follow-up to his acclaimed hand technique dvd with a complete focus on foot technique this time. This three dvd package will bring you on a very thorough tour of all there is to know about your feet and the pedals they are playing on. The first disc focuses on bass drum technique with chapters on heel down and heel up technique, the swiveling and rocking motion and even the Moeller technique. On disc two, Jojo switches subjects and talks about the gear and the history of the bass drum pedal. And on disc three, hi-hat foot technique is discussed. Needless to say, Mayer explains everything with a very careful attention to details and is very clear in doing so. I strongly recommend this dvd package to everybody who would like to understand more about the bottom half of the drumset playing.

critique dvd

Jojo Mayer est de retour avec la suite de son fameux dvd abordant la technique de mains avec cette fois, un accent sur la technique des pieds. Ce boîtier de trois disques vous amènera en voyage dans le détail de tout ce qu’il y a à connaître sur vos pieds et les pédales avec lesquelles ils jouent. Le premier disque aborde la technique à la grosse caisse avec des chapitres sur les techniques « talon à terre » et « talon levé», le “swiveling”, le “rocking motion” et même la technique Moeller. Sur le deuxième disque, Jojo change de sujet et traite de l’équipement, ainsi que de l’histoire de la pédale de grosse caisse. Sur le troisième disque, on discute de technique sur la Charleston. Inutile de préciser que Jojo explique le tout avec une attention aux détails absolument incroyable tout en étant très clair et concis. Je recommande fortement ce coffret à tous les batteurs qui voudraient en savoir plus sur la moitié inférieure du jeu à la batterie. février

mars 2015

products

pro duits

TWO UNIQUELY NEW ITALIAN TAMBURELLOS FROM REMO Remo’s innovative drum heads and drum shell development brings this instrument into the 21st Century with a Southern Italian swing. The Tamburello Calabria produces a perfect timbre for the quick articulated beats found in the Southern Italian style drumming. It is offered in two models: a Pretuned version with a fixed Skyndeep® drumhead, and a tunable version with a replaceable Skyndeep®drumhead with a Mylar underlay ring, that adds bass tone to the sound of the drum.

DEUX NOUVEAUX ET UNIQUES TAMBURELLOS DE REMO Les technologies innovatrices de Remo en matière de peaux et de fûts transportent cet instrument au 21e siècle avec un rythme italien du sud. Le Tamburello Calabria produit le timbre parfait pour les rythmes de percussion rapides et articulés qu’on retrouve dans le sud de l’Italie. Il est offert en deux modèles : une version préaccordée avec une peau fixe Skyndeep® et une version accordable avec une peau détachable Skyndeep® sertie sur un cerceau Mylar qui ajoute des tonalités graves à l’instrument.

www.remo.com

TAMA Silverstar Cocktail Jam Hybrid Kit (Powered by Roland) The "Cocktail-JAM" Kit™ is a TAMA original, in both appearance and sound. Ideal for hip-hop, jazz, intimate acoustic settings, or tight rehearsal rooms. Completely compact, this kit can easily be set up and played using a throne in much less space than a typical drum set. The "Cocktail-JAM" kit™ and its hardware can be completely packed easily in just two bags, which are included with the kit, making it super portable and easy to transport to any gig.

L’ensemble de batterie hybride « Cocktail Jam » TAMA Silverstar avec module sonore de Roland Le « Cocktail Jam » de TAMA se démarque par son originalité, tant dans l’apparence que dans le son. Idéal pour le hip hop, le jazz, les salles intimes ou les locaux de répétition restreints, cet ensemble compact s’assemble sans effort et prend beaucoup moins de place qu’une batterie classique. Les deux housses fournies facilitent grandement le rangement et le transport de la batterie et des accessoires.

www.efkaymusic.com 28

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march 2015

GRETSCH ® DRUMS EXPANDS ITS RENOWN SERIES Gretsch Drums is proud to announce an expansion to the Renown series with the additions of Renown Birch and Renown Walnut, both finished with chrome hardware including die-cast tom and snare hoops, for a classic Gretsch look and feel. The Renown Birch series was designed to meet the expectations of experienced players who are looking for a highperformance kit that will deliver articulate, clean and cutting tones whether on tour or in the studio. It is offered in one popular four-piece configuration—18”x 22” bass drum, 7”x 10” mounted tom, 8”x 12” mounted tom, 14”x 16” floor tom and in two striking finishes: Gloss Piano Black and Satin Tobacco Burst. For its part, the Renown Walnut is intended for the experienced player who is looking for a differentiated kit that delivers deep, rich tones with clear attack. Two gorgeous finishes enhance the walnut’s intrinsic beauty: Gloss Natural and Walnut/Black Fade. Its bass drum, mounted tom and floor tom configuration is available in two sizes. Both Renown Birch and Walnut Snare drums are available separately. .

GRETSCH ® DÉVOILE SES BATTERIES RENOWN BIRCH ET RENOWN WALNUT Gretsch est fier d’ajouter à la série Renown les batteries Birch et Walnut, toutes deux assorties de la classique quincaillerie en chrome, ainsi que d’un tom et de cerceaux de caisse claire moulés sous pression. La série Renown Birch a été conçue pour combler les batteurs expérimentés qui cherchent un instrument de haute performance avec des tonalités claires, distinctes et éloquentes en studio comme en tournée. Offerte en une configuration de 4 morceaux (une grosse caisse de 18" x 22", deux toms sur pied de 7" x 10" et 8" x 12", ainsi qu’un tom basse de 14" x 16"), la série vient en deux superbes finis : piano noir lustré (Gloss Piano Black) et tabac satiné (Satin Tobacco Burst). Pour sa part, la série Renown Walnut est destinée au musicien chevronné qui cherche une batterie qui se distingue par des tonalités riches et profondes et une attaque franche. Deux magnifiques finis accentuent la beauté intrinsèque du noyer : naturel lustré (Gloss Natural) et noir fondu (Walnut/Black Fade). Sa configuration (grosse caisse, tom sur pied et tom basse) est offerte en deux grandeurs. Les caisses claires de Renown Birch et Renown Walnut sont vendues individuellement.

www. GretschDrums.com

REMO, DORADO CAJON, made in California Remo’s quality Dorado Cajons are designed and hand crafted in California using Birch wood and two sets of three high quality Compression Springs with over 400 coils each. Their traditional Fixed Faceplate construction seals the drum completely and enables the bass tones to resonate naturally. With the “Quick Wedge” design, you can quickly replace the set of coil and transform the Flamenco style Dorado Cajon into a traditional Peruvian Cajon. Two finishes available: all Natural or Amber body with a Natural face.

CAJON DORADO de REMO, fabriqué en Californie Les cajons Dorado de Remo ont été conçus et fabriqués à la main en Californie avec du bois de bouleau et deux ensembles de trois ressorts de compression haut de gamme de 400 spires chacun. La construction hermétiquement fermée du tambour permet aux tonalités graves de résonner naturellement. Avec la conception « Quick Wedge », il est facile de remplacer les ressorts et de transformer le cajon Dorado de style Famenco en cajon péruvien traditionnel. Offert avec un fini naturel ou ambré.

www.remo.com février

mars 2015

products

pro duits NEW AYOTTE BEDFORD KIT Canadian made like the rest of our kits, the New Bedford kit encapsulates the distinguished Ayotte sound into a compact and affordable outfit. The avant-garde configuration is comprised of a 12x8 tom, 14x11 floor tom and 22x12 Bass drum. Offered in “Bleu-de-Nîmes” Blue..

LA NOUVELLE BATTERIE BEDFORD DE AYOTTE Fabriquée au Canada comme toutes nos batteries, la toute nouvelle Bedford incarne le son distingué des batteries Ayotte dans un format compact et abordable. Sa configuration avant-gardiste comprend un tom de 12x8, un tom basse de 14x11 et une grosse caisse de 22x12. Offert dans un fini Bleu-de-Nîmes.

www.ayottedrums.com

Ayotte launches the New Era snares Two new snare drums usher in a new era for Ayotte Drums. A hint of what is to come later in the year with the full line of the New Era. • Thicker 16 ply wood hoops • The 8-88 is a 8 ply shell, 8 ply rings, 8 tensions: centered, punchy, loves medium to medium high tension • The 6-66 is a 6 ply shell, 6 ply rings, 6 tensions: warm, light, loves thin heads and light to medium tension These two drums are a perfect complement. Have one as your main and the other as your second. Play them both. Or choose which works best for the room. Shown on picture is the new New Era 6-66 snare. Now you can have a light snare without compromising performance.

Les caisses claires New Era annoncent une nouvelle ère chez Ayotte Voici donc un aperçu de ce qu’elles proposent : • Des anneaux plus épais de 16 couches de bois • La 8-88 : fûts de 8 couches de bois, anneaux de 8 couches de bois et tringles de tension au nombre de 8. Équilibrée, dynamique, elle supporte la tension moyenne à moyenne élevée. • La 6-66 : fûts de 6 couches de bois, anneaux de 6 couches de bois, tringles au nombre de 6. Un son léger et chaleureux. Aime les peaux minces et une tension légère à moyenne. Ces deux caisses claires se complètent parfaitement. Utilisez-en une en tout temps et l’autre en cas de besoin. Jouez des deux. Ou optez pour celle qui s’adapte le mieux à l’endroit où vous vous trouvez. On voit ici la New Era 6-66. Une caisse claire légère, sans compromis.

www.ayottedrums.com 30

february

march 2015

made in / fabriqué au

canada Unix drums is a custom drum building business where absolutely everything is handmade. They are located in Terrebonne, Québec and owned by Francois Filiatrault and Sebastien Pagé. From design to shell building, everything goes through his hands.

Unix Drums est situé à Terrebonne au Québec et fabrique des batteries « sur mesure ». L’entreprise a été fondée par François Filiatrault et son partenaire Sébastien Pagé il y a 12 ans. De la conception à la réalisation des fûts, tout passe entre les mains de François.

Unix drums was created 12 years ago and since then, François has built his drums from staves he carefully chooses himself. What is great here is that you can’t see the difference between the staves: the shells look like they don’t have any flaws which can be the case when you work with staves.

Les batteries et les caisses claires sont fabriquées entièrement à la main à partir de douves soigneusement choisies. Contrairement à certains fûts fabriqués avec des douves, ceux-ci paraissent uniformes, sans lignes brisées : on ne voit pas les différences entre les douves.

François can also build full drumsets and snare drums. Everything is homemade: the construction, varnishes, finishes and colors with limitless possibilities (glossy, with glitter or natural, everything is possible). “We work with all kinds of wood, even the bearing edges can vary from one drum to another, everything is really customized for the client. “It starts off by us getting half tree trunks or wood boards, we then try to have the least waste we can so we have to adapt the supply of equipment to the client’s requests.”

« À la base, on reçoit des demi-troncs d’arbre ou des planches. On s’arrange pour avoir le moins de perte possible, donc on adapte la fourniture du matériel à la demande du client. »

Unix has its own way of doing things. “We don’t only sell a drum kit: we educate people on how wood reacts to the many variables. The resonance, density, thickness and depth make us unique hence the name, Unix Drums. Our bass drum hoop construction is also unique because there are no clamps on the hoops: it is fixed by our snap off concept lock. Tuning is fast, precise and lasts long and you can also choose between various types of woods for those who would want to.” The owners count on getting their drums around this year. “Early 2015 will be quite busy as we’ll be going to the Chicago Custom and Vintage Drum Show. We’ll then be at the Québec Capitale Drum Fest in April where Jacques Masson will be showcasing the outstanding quality of our kits.” Unix drums is distributed via Timpano Percussion but can also be ordered through their website. They also do repairs and maintenance (for bearing edges among other things).

Pour les matières, les finis, les vernis et les couleurs, les choix sont infinis. Lustré, avec des paillettes ou en bois naturel, il n’y a aucune limite. « On travaille toutes les sortes de bois, les chanfreins peuvent même être différents d’une batterie à l’autre. » Du « sur mesure » pur et dur. D’où le nom d’Unix. On ne se contente pas de livrer une batterie : on éduque également l’acheteur sur la répercussion qu’aura le choix du bois sur le son de l’instrument. Même nos cercles de grosse caisse sont construits différemment puisqu’ ils sont fixés avec une « barrure » qui se détache facilement sans qu’on ait à retirer toute la vis. L’accordage est ainsi rapide, précis et durable. Cette année, François compte faire voyager ses instruments : « Le début de 2015 sera chargé pour nous avec le Chicago Custom and Vintage Drum Show. Puis, nous serons au Drum Fest de Québec en avril avec Jacques Masson, ce qui permettra aux gens d’entendre la qualité de nos batteries. » Les batteries Unix sont distribuées par Timpano percussion, mais aussi sur le site en ligne de Unix drum. Ils ont également une section entretien et réparation (ils refont les chanfreins, entre autres).