HABITART NO. 35

LA CASA

DEL MAR GUATEMALA INSPIRA

LORENA FIGUEROA

DISEÑA CON COLOR

CONVERSAMOS CON

KIX NOTTEBOHM

EL TALENTOSO

SR. (ARTURO) MONROY

9/17 Q.40.00 NO.35

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Parc Rocking Chair de Cane-line

DESDE LA BASE Guatemala nos inspira

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LOS DIEZ ¿En busca de inspiración?

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LO MÁS INTERIORES El regreso del terracota Atmósferas al aire libre

20 Piezas de Lorena Figueroa

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EN ESCENA El hogar que espera

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CONVERSEMOS Un tributo al paraíso

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RESIDENCIAS La casa del mar

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CIRCUITO ARTE Ponerle vestido a las ideas La otra cara del arte

LO MÁS DISEÑO ¡Diseño divino!

Producción de fotos para The New Denim Project

Guatemala,12 calle 2-25 zona 10, AVIA, segundo nivel.

2331-8575

5468-0525

prettyballerinasguatemala

@prettyballerinasguatemala

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Escríbanos a cartas@revistahabitart.com y síganos en Facebook como Revista Habitart.

BUZÓN LA CASA DEL BOSQUE He disfrutado en grande con la edición de agosto (HABITART No. 34). Es siempre muy interesante conocer a los talentosos profesionales con los que trabaja la revista, y en este caso en particular quedé muy bien impresionado con el impecable trabajo de la arquitecta del paisaje Carmen Pokorny. Mi reportaje favorito, sin embargo, fue La casa en el bosque, del arquitecto Martín Batres, porque nos muestra cómo se puede hacer una residencia diferente a todas, única, original, y con espacios verdaderamente cómodos y holgados. Además me encantó el detalle de dejar el estacionamiento fuera del alcance visual de residentes y visitantes, pues siempre he pensado que la presencia de los vehículos resta estética a cualquier diseño arquitectónico.

en portada La casa del mar Fotografía de Leonardo Izaguirre

Sebastián Bianchi

LOS JARDINES DE CARMEN

DIRECTORIO CONSEJO EDITORIAL Alfredo Saravia, Ana Isabel Villela, Machteld Benard, Roberto Bianchi, Maricarmen Rodríguez, Paulina Prado Directora Ana Isabel Villela

Muy bueno el número especial Época de Siembras que nos presentaron el mes pasado, por mucho el que más me ha gustado desde que conozco la revista. Los jardines de la arquitecta del paisaje Carmen Pokorny, así como su importante trayectoria -incluyendo los años en la Muni- son realmente impresionantes. En ese sentido me permito a la vez enviar una sincera felicitación a Alan Benchoam por la fotografía de los jardines, pues no solo logró captar la esencia del diseño y estructura, sino todo el esplendor de las plantas en su mejor momento.

Enhorabuena al equipo también.

editores Machteld Benard, María Fernanda Roca, Luz Elena Ramírez

Oscar Saravia M.

DIRECCIÓN DE arte y FOTOGRAFÍA Paulina Prado Diseño Eikon - Isabel Escribá Comercialización 15 avenida A 14-12 zona 10 Oakland II 2366 - 3888 / 2366 - 3808 info@revistahabitart.com

/revistahabitart ·

@revista_habitart

FE D E ER R ATA Por un lamentable error de montaje, el texto de la carta de la directora de la edición de agosto (DESDE LA BASE, No. 34) se mezcló con una nota anterior de la misma sección, que hablaba sobre el enorme problema que enfrenta la ciudad por la proliferación incontrolable de las vallas publicitarias. La carta del especial Época de Siembras debió terminar en la oración Esto evitará además que haya una sobrepoblación de mosquitos.

Pedimos disculpas a nuestros lectores por el inconveniente.

Equipo HABITART.

EXPLORANDO LOS JARDINES DE GUATEMALA Me encanta saber que el libro Explorando los Jardines de Guatemala del Atlántico al Pacífico está por publicarse. Felicitaciones Kix Nottebohm por lo que parece un increíble trabajo de cuatro años y al fotógrafo Alan Benchoam por las imágenes que consiguió. Me quedo esperando con ilusión la entrevista completa con la autora que publicarán en la próxima edición, así como más detalles sobre dónde se puede conseguir el libro, su precio y demás. Gracias revista HABITART por otra excelente edición.

Gabriela Cirici

Arreglo de flores de La Florentina 10

DESDE LA BASE

GUATEMALA NOS INSPIRA Este debe ser un mes muy especial para nosotros. Aunque suene cursi y anticuado, celebramos a la patria que nos vio nacer y que tanto nos ha dado a lo largo de nuestra vida. Y parafraseando al interiorista francés radicado en Guatemala desde hace 20 años, Eric Ledoigt, a quien entrevistamos para esta edición a propósito de los interiores de una casa en Monterrico, la nuestra es una tierra mágica porque ofrece mucho muy fácil y en muy poco tiempo y espacio. En un momento está uno en el frío y a las dos horas disfruta del calor intenso, hay bosques, hay playas, desierto, jungla, ruinas, ciudades históricas, arena negra, volcanes y un etcétera tan largo que podríamos pasarnos días y días en eso. “La identidad de Guatemala va mucho más allá de la Antigua y los textiles típicos, la encuentras en el Pacífico, en la selva de Petén, en las montañas, en los lagos, en su café… y la encuentras también en el diseño más actual”, me dijo Eric.

Otra extranjera, la estadounidense Kix Nottebohm, también quedó deslumbrada, desde su venida en 1980, por la exuberante vegetación que descubrió en cada una de las distintas regiones de nuestro territorio, gracias a los 360 micro climas que con sus muy particulares condiciones climáticas producen increíbles variedades de flora. “¡Si esto es un paraíso!”, comentó Kix durante nuestra entrevista sobre su libro Explorando los jardines de Guatemala, del Atlántico al Pacífico, un reto que asumió al cumplir 60 años porque nadie más lo hizo. Ella llevaba toda una vida diciéndole a sus amigas guatemaltecas que alguien tenía que documentar las bellezas que albergan el Atlántico, el Pacífico, la Capital, la Antigua y tantas otras regiones en materia de plantas y flores. “Sobrevolar por el área de Monterrico, con sus hermosos canales, es algo que ningún guatemalteco debería perderse”, sugirió a la vez la autora.

Por último una pequeña referencia sobre el excepcional trabajo que realiza Lorena Figueroa a través de su firma Lorenza Filati porque sin duda nos emociona y también nos llena de orgullo. Lorena ha participado en importantes ferias de diseño internacional, como Puro Diseño en Buenos Aires, Argentina, convirtiendo textiles locales con historia y mucho color en piezas únicas como centros de mesa, cojines, servilletas, servilleteros, bolsas y hasta hermosos kimonos combinados con lana, lentejuelas, terciopelo o seda y complementadas con detalles contemporáneos. Al ser piezas recicladas, el trabajo de la diseñadora es sostenible y amigable con el medio ambiente.

A NA I S A B E L V I L L E L A

In Nola Artesanía 100% Guatemalteca Decoración de Interiores Textiles Artesanales Confección

Ciudad de Guatemala 5ta calle 9-60 zona 1 2232-0858

18 calle 21-31 zona 10 2367-2424

Antigua Guatemala Santa Ines del Monte Pulsiano, casa 6 7832-3205

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LOS DIEZ

¿EN BUSCA DE INSPIRACIÓN? Aquí está el listado de Machteld para el mes de septiembre superando expectativas y estableciendo nuevas barras en cuanto a capacidad creativa y estética actual, innovadora y, sobre todo, hermosa. A fin de cuentas, el propósito del buen diseño es ese, inspirar en el sentido más amplio de la palabra.

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El mes pasado, durante mi viaje a Europa visité hoteles y restaurantes de moda en busca de inspiración para el trabajo que hago aquí en Guatemala. Uno de los hoteles que más me gustó fue el recién remodelado Kimpton de Witt de Amsterdam, en manos de los talentosos diseñadores de Studio Modijefsky.

Al estar en Holanda siempre me doy cuenta de cuánto me hace falta andar en bici cada día.

Esta bicicleta de Martone Cycling Company es simplemente una belleza.

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Siento una gran admiración por la arquitecta española Patricia Urquiola; es impresionante todo lo que ha diseñado para marcas como Alessi, B&B, Hansgrohe o Kartel... ¡Y estas alfombras para CC Tapis son únicas!

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El alemán Valentin Loellman diseña y produce muebles orgánicos que más parecen obras de arte. Un deleite para la vista.

El nuevo minimalismo del francés Joseph Dirand es muy interesante. Aparte de interiores espectaculares, con su estética y visión, transforma objetos comunes en verdaderas piezas de diseño, como estos accesorios de oficina.

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Me fascina la forma de la lámpara de Philippe Malouin, hecha en mdf pigmentado y cortado en círculos.

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Mi maleta, cuando llega la hora de volver, siempre viene llena de revistas de interiores como Vogue Living, Elle Decoration, Residence, EH&I y la francesa IDEAT. ¡Literalmente kilos de inspiración regresan conmigo a Guatemala!

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Los colores del interior del restaurante Wyers son espectaculares. Me encanta el tono del amarillo que eligió Studio Modijefsky (el restaurante es parte del Kimpton Hotel), así como la fotografía seleccionada por la galería Oode de Amsterdam.

Machteld Benard es diseñadora de interiores especializada en el nicho de hoteles boutique y restaurantes y nos comparte cada mes sus 10 favoritos del mundo de diseño actual.

La diseñadora Machteld Benard

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Hermoso este espacio de trabajo en la casa de Marie-Christine Dorner que vi en la última edición de IDEAT. Magistral la combinación de la tela con la madera.

Todo lo referente a botánica siempre me enamora, incluyendo este print antiguo, concretamente de 1826, del Biodiversity Heritage Library. Charmante.

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LO MÁS INTERIORES

TREND REPORT

EL REGRESO DEL TERRACOTA En la edición 32 de HABITART Machteld Benard, nuestra interiorista ‘in-house’, nos contó cómo el Terrazo volvía a ser tendencia alrededor del mundo. Ahora la diseñadora nos pone al día respecto a otro material y color, que por cierto se ha usado mucho en Guatemala desde hace siglos, y que se está poniendo muy de moda en todas partes. Es hora de redescubrirlo y ver cómo se aplica de nuevas e innovadoras maneras.

Terracota significa literalmente ‘tierra horneada’ y se refiere a un tipo de cerámica hecha de barro horneado con una estructura porosa. El nombre también hace referencia al color, que puede presentarse en muchas variaciones y que alcanzó su máximo protagonismo en los años 90, cuando por ejemplo se aplicaba con esponja en la pared para alcanzar un acabado wash. Además, siempre ha sido un favorito de la construcción en el país.

Pero en 2017 vemos el material y el color de regreso en versiones más elegantes, sofisticadas y contemporáneas. La pintura suave de color terracota se usa para complementar un esquema moderno del estilo Scandi (escandinavo). Como material, se traduce en accesorios minimalistas y ligeros, como los floreros, vajillas, luminarias y azulejos en diferentes formas y patrones.

EL MATERIAL HA ADQUIRIDO TAL POPULARIDAD QUE HA SIDO CATALOGADO COMO UNA DE LAS TENDENCIAS DE 2017.

PARA INTRODUCIR LA NUEVA TENDENCIA EN CASA SIEMPRE ES MÁS FÁCIL EMPEZAR POR DETALLES PEQUEÑOS COMO ACCESORIOS, Y SOLO DESPUÉS INVOLUCRAR PIEZAS STATEMENT MÁS GRANDES O INCLUSO MUROS COMPLETOS. Con su look terroso y cálido, el terracota es una base magnífica para combinarlo con otros colores tierra como el canela, burgundy, rust u ocre, o con colores de moda más encendidos como el verde turquesa (teal), el rosa rubor (blush pink) y el popularísimo verde de la col rizada (kale green). El look and feel auténtico, atemporal, cálido y femenino del terracota también se deja contrastar de manera más dramática y sofisticada con el negro.

Por Machteld Benard

LOS MATERIALES CÁLIDOS COMO EL PISO DE TERRACOTA VAN A REEMPLAZAR LOS POPULARES TONOS BLANCOS Y FRÍOS QUE SE USAN EN ESTE MOMENTO.

LO MÁS INTERIORES

ATMÓSFERAS AL AIRE LIBRE El sueño se hizo realidad: muebles de exterior de diseño que resisten las inclemencias del clima. Por supuesto, su producción está en manos de daneses, los expertos en confort fusionado con estilo y durabilidad.

Bajo el lema “vida cómoda”, Cane-line es hoy en día uno de los principales proveedores europeos de muebles para exteriores -y también para interioresen el mundo. Combinando lo mejor en diseño moderno y practicidad, las piezas de la firma danesa se diferencian por su estilo minimalista y la promesa de un confort irrefutable. “El diseño escandinavo es reconocido por su estética pura y porque crea artefactos con detalles que a la vez tienen un propósito funcional”, explica María Reneé Mazariegos de Five Norden, los representantes exclusivos de la firma en el país. El otro gran plus de este mobiliario de exterior es su bajo mantenimiento. Para ello la firma

creó un sistema llamado Cane-line Weave, que en pocas palabras está hecho para soportar todo tipo de condiciones climáticas sin que materiales, colores o formas se vean afectadas de manera alguna. “Se trata por lo tanto de una calildad indiscutible que ofrece piezas prácticamente para toda la vida, y que de paso se adaptan al estilo de vida contemporáneo, en el que el diseño tiene una importancia vital”, agrega Mazariegos. Con el verano escandinavo en mente, el mobiliario de Cane-line es diseñado por un equipo de reconocidos profesionales especialmente para espacios como pérgolas, terrazas, patios, azoteas al aire libre, jardines y porches.

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1. ESCAPE SUNBED DE RIKKE FROST ¡Comodidad en su máxima expresión! La silla está hecha de fibra sintética que la hace resistente al sol y a la lluvia.

Además, el cojín de tela sunbrella contiene protección UV y repele todo tipo de manchas.

2. MOMENTS 3-SEATER SOFÁ Y LOUNGE CHAIR DE FOERSOM Y HIORT-LORENZEN Sus cojines desmontables cuentan con sistema quick dry de Cane-line Weave que aumenta el nivel de comodidad y facilidad de uso: si llueve la pieza se drena sola, y en cuestión de una hora está seca.

3. PURE DINNING TABLE DE FOERSOM Y HIORT-LORENZEN Resistente a todo tipo de climas y arañazos. El tablero de la mesa, disponible en cinco colores, es de cerámica, y la armadura puede ser de acero inoxidable o aluminio en colores lava gris o blanco.

4. SHARE BAR TABLE DE CANE-LINE DESIGN TEAM Mesa moderna y versátil, perfecta tanto para una terraza como para un comedor. Su base está hecha de acero inoxidable de doble capa que se puede configurar con tapas en vidrio esmerilado o de cerámica.

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5. ROLL TROLLEY DE WELLING/LUDVIK Moderna y minimalista, la pieza es de doble uso, funciona como mesa auxiliar y como azafate, ya que se puede quitar la parte de arriba y el resto sigue funcionando como mesa. Está hecha de aluminio powder coated que asegura una superficie resistente.

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6. BREEZE LOUNGE CHAIR DE STRAND+HVASS Por su elegancia, suavidad y ligereza, funciona perfecto como mueble de sala o de comedor. Disponible en colores negro o gris blanco con opción a patas apilares o corridas.

7. AREA TABLE Y TABLE/STOOL DE WELLING/LUDVIK ¡Simplicidad exclusiva! Sin cojín se puede utilizar como mesa y con cojín como taburete. La pieza es resiste a todo tipo de clima porque está compuesta por el sistema de drenaje quick dry de Cane-line Weave. Disponible en colores gris lava o blanco 8. KINGSTON LOUNGE CHAIR DE FOERSOM Y HIORT-LORENZEN Útil en situaciones donde el almacenamiento puede ser un desafío, y funcional porque tiene ruedas que permiten su fácil movilidad. Cuenta con dos cojines sunbrella y con sistema de drenaje quick dry de Cane-line Weave. Disponible en colores gris blanco, grafito o moca.

Por María Fernanda Roca

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LO MÁS DISEÑO

¡DISEÑO DIVINO! Aún desde muy joven, Lorena Figueroa, ya sentía una auténtica fascinación por el color y las texturas, así como por la naturalidad con que diferentes tonalidades parecen encajar con distintas formas. A través de su firma, Lorenza Filati, la prolífica diseñadora

LORENA FIGUEROA HA PARTICIPADO EN IMPORTANTES FERIAS DE DISEÑO INTERNACIONAL, COMO PURO DISEÑO EN BUENOS AIRES, ARGENTINA.

ha introducido en el mercado sofisticados accesorios de casa, como cojines, servilletas y centros de mesa, hechos a partir de textiles locales con historia, que al ser intervenidos con otros elementos y materiales, se convierten en piezas únicas.

La incursión de Lorena Figueroa en el mundo del diseño de accesorios y piezas de vestir inició casi por casualidad en 2009. En aquel entonces, ella, su mamá y su hermana tenían una tienda de lanas, una especie de “knitting café” que la mantenía en contacto permanente con un mundo incalculable de colores. “Como pasaba prácticamente el día entero tejiendo, el amor por lo tejidos creció y creció, y de repente, de una día para otro, decidí empezar a trabajar en lo que ahora es Lorenza Filati”, cuenta Figueroa, mientras reconoce que es una persona impulsiva que no quiere arrepentirse de no haber seguido sus sueños o satisfecho alguna curiosidad. “Cuando tomé la decisión de trabajar con textiles guatemaltecos pensé que debía fijarse una meta cercana para crear una colección, una imagen y un estilo que definieran la marca, así que se me ocurrió buscar en internet ferias de diseño en América.

Mi plan era irme a la primera que estuviera en el calendario”, agrega la diseñadora, quien efectivamente dos meses más tarde presentaba su primer muestra de trabajo en Puro

LAS PIEZAS DE LORENZA FILATI SON ÚNICAS O “ONE OF A KIND” PORQUE PROVIENEN DE GÜIPILES O CORTES Y DE ÉSTOS NO EXISTEN DOS IGUALES. Diseño, una expo en Buenos Aires. “Me sentía muy cómoda lanzando el producto en Argentina porque durante los 4 años anteriores había viajado mucho a ese país por el negocio de las lanas y sabía que la mujer argentina no es tímida en cuanto al uso del color y su estilo es muy relajado”, continúa. Figueroa no solo asistió a la feria después de pasar la curaduría -dice que por eso los siguientes dos meses fueron una verdadera locura- sino que terminó participando en otras dos ocasiones.

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LA DISEÑADORA TAMBIÉN TRABAJA EL ESTILO SILVESTRE DE ARREGLOS FLORALES, UN COMPLEMENTO IDEAL PARA LO QUE PRODUCE LORENZA FILATI. CONTINUANDO CON EL TEMA DE SUS INICIALES, ESTA NUEVA AVENTURA SE LLAMA LA FLORENTINA.

Para más información escriba a lfigueroa@lorenzafilati.com

Arreglo de flores de La Florentina Güipil antiguo de San Mateo Ixtatá, colección privada Lorena Figueros

Arreglo de flores de La Florentina

En cuanto al original nombre de la marca, Lorena cuenta que antes de los textiles, lo suyo era pintar huevos de avestruz, y los firmaba con un seudónimo. ”Pensé que sería más interesante que fuera un nombre extranjero, algo que además me abriría puertas afuera de manera más fácil. Además, quería que el nombre llevara mis iniciales por cuestiones de firma…

Mi papá se llama Lorenzo y Filati significa hilos en italiano”, recuerda la diseñadora, y la verdad es que el nombre de la firma resultó ideal, pues es sofisticado y fácil de recordar.

Hoy en día Lorenza Filati es una marca relajada, llena de color, perfecta para quienes gustan de tener artículos con personalidad propia. “No apuesto a los colores neutros o tierra porque no creo que representen nuestra cultura, mis líneas siempre van a tener abundancia de color”, dice. Lorenza Filati se distingue por el uso de tejidos reciclados y una mezcla increíble y creativa de texturas. Figueroa asegura que siente pura fascinación cuando diseña combinaciones inesperadas, así como con viendo cómo un terciopelo, un lino o una lentejuela aportan tanto glamour a un corte y no digamos a un güipil. “Las telas que utilizo deben de ser suaves o cómodas al tacto. Al inicio trabajaba con tejedores pero con los años la firma evolucionó y ahora básicamente trabajamos solo con textiles reciclados, pues me parece muy interesante la historia que hay detrás de cada prenda que compro, y con ello cada artículo se convierte en una pieza única”, explica Figueroa,

cuyo estilo de diseño podría describirse como casual, rico en color y texturas, y siempre acompañado de algún detalle que sirva como punto focal, ya sea que se trate de un pompón, borlas, lentejuelas o flecos, entre otros. “Trato de que cada artículo tenga ese “algo” que rompe con lo cotidiano y que lo hace brillar con luz propia. Mi intención es que cada artículo sea un protagonista”. Y es que las piezas de Lorenza Filati son únicas o “one of a kind” porque provienen de güipiles o cortes y de éstos no existen dos iguales, cada uno fue tejido a mano, con un mensaje o intención distinta.

Concluimos la entrevista preguntándole a Lorena qué planes a futuro tiene para Lorenza Filati. “Me encantaría que mis hijas, que por naturaleza tienen la habilidad para diseño y la sensibilidad que eso requiere, se involucren en el proyecto, claro solo si es por voluntad. A pesar de que son muy jóvenes, 20 y 16, han colaborado conmigo en varias ocasiones, incluso en fotografía y ha sido muy positivo. Su opinión siempre es muy sincera y puntual”, concluye la diseñadora, a quien su pasión por el color y las texturas la ha llevado a incursionar también en el arte floral, específicamente en el estilo silvestre.

Como revista especializada, sus flores nos parecen más que maravillosas, y un complemento ideal para sus diseños textiles. Lorena solo trabaja bajo cita personal en su estudio de Carretera a El Salvador.

Por Ana Isabel Villela 23

EN ESCENA

EL HOGAR QUE ESPERA Con una arquitectura que fusiona eficientemente las proporciones de la construcción clásica y las bondades del diseño contemporáneo, Ítaca, el nuevo proyecto de apartamentos en Vista Hermosa I, se inspira en los valores que dan sentido a una vivienda: el hogar y los seres queridos.

Ubicado en uno de los sectores más tranquilos y accesibles de Vista Hermosa, en concreto al final de una calle privada de amplias y arboladas banquetas, Ítaca ofrece 34 apartamentos de entre 140 y 250 metros cuadrados en dos torres de seis niveles cada una. “Frente al terreno se localiza el parque ecológico Biotopo de la Ardilla, un área protegida que garantiza a nuestros residentes las vistas hacia la abundante vegetación del lugar”; explica el arquitecto Jose Gereda, director de Apoyo Inmobiliario, una de las desarrolladoras locales que mejor reconoce la importancia de la presencia de naturaleza en los proyectos inmobiliarios. “Hemos querido conservar en lo posible la flora del lugar, tanto que la arquitectura se desarrolla alrededor de árboles centenarios

preexistentes”, agrega, mientras reconoce que la zona se ha convertido en uno de los puntos con mayor plusvalía de la ciudad porque se posiciona justo en medio de las zonas 10, 14, 16 y Carretera a El Salvador. “Alrededor sin duda existe una variedad importante de servicios, comercios, gastronomía, actividad comercial y centros de entretenimiento, sin dejar de lado su carácter residencial”.

COMO ULISES EN LA ODISEA, ÍTACA ES EL HOGAR AL QUE CADA PERSONA SUEÑA CON REGRESAR DESPUÉS DEL VIAJE QUE SUPONE CADA DÍA.

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Maqueta de la escultura de Dennis Leder

En Ítaca sobresalen los materiales nobles como el ladrillo, el vidrio y el concreto. Sus fachadas de corte clásico comparten protagonismo con espectaculares balcones de estilo industrial, suspendidos con cables de acero tensado, que parecen flotar en el aire como una extensión del espacio interior. “Antes de concluir el diseño de las torres se hicieron estudios de soleamiento para lograr la mejor ventilación e iluminación natural posible en los ambientes.

Y es que la premisa primordial en cuanto a arquitectura no sólo era conseguir espacios sofisticados, sino realmente cómodos y acogedores. Por eso también los 2.90 metros de altura de piso a cielo, cuando lo normal suele estar aproximadamente en los 2.40”, continúa Gereda, cuyo diseño contempla a la vez una circulación vertical independiente para cada torre a través de elevadores privados, y unas áreas comunes para ambas que incluyen salón social, business center, sala de lectura, gimnasio, sauna, piscina climatizada y área de juegos para niños.

“EL ARTE COMBINADO CON ARQUITECTURA ES REALMENTE ESENCIAL PORQUE SUS VALORES ÚNICOS ENRIQUECEN A UNA CULTURA PARTICULAR Y MÁS QUE ADORNAR, CREAN PUNTOS DE REFERENCIA E IDENTIDAD PARA LA CIUDAD”, JOSE GEREDA.

Pero el otro gran protagonista en Ítaca es el arte. Al igual que en el residencial Vía Siete de zona 10, en donde se aprecian obras de Roberto González Goyri, Luis González Palma o Max Leiva, entre otros, Gereda ha pedido al reconocido artista estadounidense Dennis Leder una escultura de 10 metros de alto por 5x5 de diámetro para ubicarla en una especie de plaza central frente a las dos torres de apartamentos. “La unión de arte y proyectos inmobiliarios genera una mística de convivencia más rica, además aporta puntos de referencia, personalidad e identidad a la ciudad.

Para mi, el contacto con la naturaleza y con el arte debe ser prioritario en cualquier tipo de edificación”, indica, mientras agrega que como una obra arquitectónica pasa a ser parte fundamental de una ciudad, si es buena la ciudad gana. La escultura de Leder estará hecha de hierro y se conformará de distintas formas circulares. El color aún no se ha definido pero será uno que tome en cuenta el ladrillo de los edificios. “Una pieza de arte le dice algo distinto a cada quien, confronta y enfrenta de manera distinta a cada persona, por eso incluso sirve como instrumento de catarsis para todos”, concluye el arquitecto.

EL COMPLEJO REÚNE EN DOS TORRES INDIVIDUALES 34 APARTAMENTOS DE ENTRE 140 Y 250 M 2 Y ÁREAS SOCIALES COMO SALA DE LECTURA, BUSINESS CENTER, GIMNASIO, SAUNA, PISCINA CLIMATIZADA Y ZONA DE JUEGOS PARA NIÑOS.

Redacción Habitart

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CONVERSEMOS

UN TRIBUTO AL PARAÍSO Conversamos con la autora de Explorando los jardines de Guatemala, del Atlántico al Pacífico, respecto a los cuatro años de trabajo que hay detrás del histórico libro que recoge en 280 páginas 40 maravillosos jardines locales.

A Kix Nottebohm siempre le han encantado las plantas y los jardines. Nacida en Virginia, en el sur de Estados Unidos, muy cerca de Washington DC, cuando vino a Guatemala le impresionó la facilidad con la que crecían y se desarrollaban especies que hasta ese momento solo había visto en jardines botánicos. ¿Cómo surgió la idea de hacer el libro?

De manera muy informal. Yo siempre les decía a mis amigas guatemaltecas que alguien tenía que documentar las bellezas de jardines que hay en este país. Antes de venir a Guatemala, yo nunca había visto chipes o bromelias o begonias creciendo en medio del bosque… nunca había visto tantas plantas darse con tanta facilidad.

La variedad de microclimas que hay producen especies increíbles de flora y a mi me parecía sólo lógico que quedara constancia de eso en algún lado. ¿Cómo decidió entonces hacerlo usted?

(Risas), yo nunca pensé que iba a hacer un libro, nunca. Pero llegué a los sesenta y dije, si nadie más lo va a hacer, lo haré yo. ¡Si esto es un paraíso! Cada región tiene sus plantas características y únicas, sus particularidades, sus tesoros.

¿Y cómo empieza a concretarse la gran aventura?

Yo tenía muchas amigas con jardines espectaculares que quería incluir y al comentarles, todas estuvieron de acuerdo. Además contacté a amigas paisajistas como Carmen Pokorny e Isabel Ayau; y a Marc Landers lo conocí por unos amigos a quienes él les había hecho el jardín en el lago. Él fue muy amable y me llevó a conocer otros proyectos maravillosos. En un principio había pensado que era bueno incluir a paisajistas jóvenes, pero después llegué a la conclusión de que era mejor trabajar con profesionales de trayectoria. Claro, también quería incluir jardines de amantes de la jardinería, que sin ningún conocimiento académico consiguieron hacer maravillas. Al final quedaron la mitad diseñados por profesionales y la mitad por aficionados.

EL LIBRO SE DIVIDE EN REGIONES DE ESTE A OESTE Y ESTÁ DISPONIBLE EN INGLÉS Y ESPAÑOL.

¿Cómo seleccionó los cuarenta jardines que componen el libro?

Fue muy difícil, y me dio mucha pena no poder incluir los casi cien jardines que visité durante la etapa de scouting. Era imposible. Con los cuarenta finales, 4 en el atlántico, 12 en la capital, 12 en antigua, 7 en Atitlán, dos de fincas privadas y 3 en el pacífico, hicimos un libro de 280 páginas… Llenar otro igual sería muy fácil, pero le cedo ese honor a alguien mas (risas). Han sido cuatro años de intenso trabajo… ¿Cómo es la estructura del libro?

Se dividió por regiones, de oriente a oeste, pero para hacerlo más interesante, además de los textos que acompañan a cada jardín y que elaboran en el ambiente y la casa a la que pertenecen, también incluimos pequeñas historias interesantes sobre tradiciones de cada región, personajes emblemáticos (Maximón, por ejemplo), lugares históricos y, por supuesto, especies que valen un espacio adicional, como las orquídeas, que fueron llevadas a Europa en el siglo XIX por el inglés George Skinner El objetivo era hacer mucho más que un coffee table book. Un jardín no surge de manera aislada, es parte de un todo que le da sentido, de unas costumbres, de una dinámica familiar.

Kix Nottebohn

¿Cuáles fueron los desafíos más importantes?

Bueno, yo empecé muy confiada y entusiasta con la ilusión de identificar e incluir los nombres científicos de todas las especies, y muchos de los dueños de los jardines hasta me lo habían pedido. Pero no sabía a lo que me estaba metiendo... Una amiga me prestó su gran libro de plantas tropicales pensando que con eso era más que suficiente. Sin embargo, la tarea resultó dificilísima, por ejemplo, hay miles de especies de chipes y muchos nombres para identificar a la misma especie. Así que para no hacer la historia más larga, tuve que pedir ayuda a un profesor de botánica de la Universidad de San Carlos, Juan Carlos Castillo Mont, con quien logramos concretar y dejar todo por escrito.

A lo largo de estos años, ¿qué descubrió de Guatemala que no conocía?

Mucho. No tenía ni idea de que el Atlántico es mucho más húmedo que el Pacífico, por eso, por decir algo, la Buganvilia no se da en Río Dulce… Y en el puerto, la arena negra hace que el calor sea más intenso y por lo mismo más difícil mantener los jardines. También entendí por qué diferentes alturas o elevaciones ayudan a que se de cierto tipo de vegetación, o cómo la temperatura templada de la Antigua y la Capital dejan que crezca casi cualquier planta. El libro incluye un mapa que describe o explica cómo son las regiones en el país para que el lector pueda hacerse una idea de los microclimas que hay en Guatemala y la flora propia de cada uno. Marc Landers nos ayudó con este trabajo porque conoce a profundidad el tema, además de que es muy hábil dibujando. ¿Cómo organizó el reto de fotografiar los jardines seleccionados?

Hicimos la elección final antes de contactar al fotógrafo para agilizar el proceso y no molestar a nadie por gusto, es que un jardín es un espacio privado muy importante. Hace poco, conversando con Alan Benchoam, que hizo la mayoría de las imágenes del libro- el resto estuvieron a cargo de Julien Perrot- me comentaba que según sus cálculos visitamos 54 lugares juntos en donde hizo más de 14 mil fotografías en cuatro años. Creo que descubrimos que los jardines son como las personas, algunos son más fotogénicos que otros y cada uno tiene sus ángulos más favorecedores. Además tuvimos que regresar a varios en más de una ocasión para lograr tan o cual especie en flor o porque no hubo sol la primera vez o la luz no era ideal… ¿Cómo era un típico día de trabajo?

Salíamos muy temprano de la ciudad, tipo 5:30, para llegar a tiempo para tener buen sol; casi desde un principio nos dimos cuenta de que funcionaba mejor las mañanas, pero también que después de las once ya no se podía hacer más fotos. Y cuando era lejos pues procurábamos llegar en la tarde para amanecer ahí y tener al menos dos mañana para retratar. Nos reímos mucho. Además nos movimos en prácticamente todos los medios de transporte posibles, en carro, en moto, en lancha, en helicóptero… Ver Guatemala desde la altura en que vuela un helicóptero es una belleza que nadie se debería perder, me impresionó el área de Monterrico con sus canales, algo que no solemos apreciar.

¿Tiene anécdotas de esos viajes?

Si, la mayoría muy bonitas. Fue un gran gusto ver cómo los dueños de los jardines se salían de su camino para recibirnos con agua de coco o hasta con Margaritas, y se preocupaban por hacer un poco de estilismo. Y otras no tan agradables, como la vez que en un viaje a Atitlán se nos descompuso la lancha y no pudimos trabajar, preparamos todo por gusto. Luego en otra ocasión, andábamos en helicóptero y un pájaro se pegó contra la hélice, fue feo porque incluso Alan terminó con restos de plumas y demás en el pantalón. ¿Cuántos jardines podían hacer en una sesión?

Solo uno (risas). Yo que siempre había sido de las que quería las cosas rápidas, tuve que volverme muy paciente. Imagínese que diciembre, enero y febrero son los mejores meses para fotografiar estos espacios porque no hay bruma y hay mejor luz, pero no es la mejor época para las plantas, así que cuando no pudimos retratar algún jardín en esos meses un año, tuvimos que esperar al siguiente. ¿Puede decir ahora que tiene una región favorita de Guatemala?

No, pero si puedo decir que me gustan más los climas más fríos y que veo la dificultad de tener jardines hermosos en el Pacífico y Río Dulce. ¿Un jardín favorito?

Tampoco, todos los jardines del libro tienen su encanto y su belleza. ¿Le gusta más lo verde o las flores?

Lo verde me gusta mucho y está más de moda, pero admiro a las personas que apuestan por las flores porque son más difíciles de mantener. ¿Qué siente ahora que puede decir misión cumplida? ¡Un gran alivio! Mi familia me ha apoyado incondicionalmente en estos años y estoy muy agradecida con todos, pero pienso que es hora de dedicarle más tiempo a mis nietas, a los álbumes de familia que tanto me gusta hacer, a estar en mi casa.

Por Ana Isabel Villela Fotografías cortesía de Kix Nottebohm

EL EQUIPO Elizabeth Hanckel, textos Alan Benchoam y Julien Perrot, fotografía Olga Hazard y Carolina Bran, diseño

Residencia de descanso de la artista Veronica Riedel

EL LIBRO ESTARÁ A LA VENTA EN SOPHOS Y EN EL MUSEO IXCHEL DEL TRAJE INDÍGENA DESDE EL 19 DE OCTUBRE.

ALAN BENCHOAM, QUE HIZO LA MAYORÍA DE LAS FOTOGRAFÍAS DEL LIBRO CALCULA QUE EN 54 VISITAS A DISTINTOS LUGARES CAPTURÓ MÁS DE 14 MIL IMÁGENES.

RESIDENCIAS

L A CASA DEL MAR Después de una esperada remodelación arquitectónica, los ambientes interiores y exteriores de esta residencia de descanso, ubicada a unos kilómetros de Monterrico, se personalizaron para que sus propietarios volvieran a “apropiarse” de ellos a través de mobiliario y accesorios diseñados y fabricados a la medida, y colores y materiales simples que promueven el descanso y la tranquilidad.

La lista de deseos de la familia de cuatro que, en compañía de muchos amigos, disfruta de esta casa de vacaciones en las costas del Océano Pacífico era bastante sencilla: recuperar la sensación de pertenencia por medio de ambientes que reflejaran su forma de ser, su dinámica, tanto en estilo como en detalles, materiales y acabados. “Y una cosa más, los propietarios pidieron que el mantenimiento de la residencia fuera sumamente fácil para que disfrutar de ella no se convirtiera en una tarea”, explica Eric Ledoigt, el interiorista detrás de la reconocida firma In Situ, famosa por sus interiores que combinan elementos clásicos y contemporáneos con piezas más étnicas elaboradas por artesanos locales a base de materiales vernáculos de primera categoría. “La casa había sido construida hace cinco años, y para ellos era el momento de una actualización de los espacios”, agrega el interiorista.

La primera fase consistió entonces, en remodelar prácticamente todos los ambientes que ya existían, así como algunos detalles arquitectónicos, la ampliación de la cocina y la construcción de una pérgola frente al dormitorio principal de la casa. In Situ se encargó del diseño del proyecto y de la selección de los acabados, así como del diseño de iluminación, aunque el arquitecto Hjalmar González estuvo a cargo de la obra.

“La casa se compone de un módulo central de dos niveles que incluye en la primera planta un espacio abierto para sala, comedor y cocina, y una sala familiar en mezzanine. A este ambiente principal lo complementan cuatro búngalos independientes con baño privado, una piscina para niños y otra para adultos, y un ambiente de cocina exterior con churrasquera y horno de pizza que simplemente es el sueño de cualquiera”, continúa el interiorista de origen francés radicado en Guatemala desde hace más de 20 años, y un verdadero admirador de todo lo que el país ofrece.

“Guatemala nos inspira en cualquiera de sus regiones, no solo en la Antigua como lee el cliché. Para mi es impresionante constatar cómo un territorio tan pequeño puede ofrecer tanto y tan variado”, dice.

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En cuanto a los materiales que sobresalen, Ledoigt explica que mezclaron materiales naturales y neutros como madera de conacaste con textiles tradicionales en su versión más contemporánea- producidos por In Situ para la iniciativa Hambre Cero- para resaltar la ubicación de la casa. “Para nosotros y para los propietarios era importante reflejar una identidad guatemalteca, la cual está presente en los interiores a través de murales, textiles, muebles y materiales”, continúa

“LA IDENTIDAD GUATEMALTECA SE PUEDE REFLEJAR MUY BIEN MÁS ALLÁ DE ANTIGUA, EN LA PLAYA, EN LA SELVA DE PETÉN, EN EL LAGO. ADEMÁS EL PAÍS ES MUCHO MÁS QUE LO TÍPICO, Y PARA MI COMO EXTRANJERO ES IMPRESIONANTE QUE UN TERRITORIO OFREZCA TANTO Y TAN VARIADO”, ERIC LEDOIGT. el interiorista. Los pisos exteriores y las fachadas, por su parte, se forraron de coralina, una piedra natural importada desde República Dominicana, para aportar frescura a los ambientes manteniendo al mismo tiempo el estilo playero del lugar, mientras que en el interior se optó por pisos de porcelanato imitación madera.

“En cuanto a detalles, tenemos muchos y muy interesantes porque todos fueron diseñados específicamente para personalizar los ambientes de acuerdo a la personalidad, el gusto y la dinámica de la familia. El detalle del baño de visitas, por ejemplo, es muy especial, así como el mobiliario de la casa hecho a medida y la pared de estuco veneciano que hizo Denisse Meza”, complementa Ledoigt, quien creó una cabecera única y excepcional para cada dormitorio, partiendo de objetos tan alegóricos como tablas de surf o ramas de mangles.

Por último le preguntamos al reconocido diseñador cómo evalúa o quizá describe el resultado final del proyecto. “Una casa con infinidad de espacios abiertos, cómodos y acogedores en donde se aprecia un gusto especial por lo natural, para disfrutar solos como familia o con las muchas visitas de las que tanto disfrutan”, concluye.

Por Ana Isabel Villela Fotografías de Leonardo Izaguirre

LOS MUEBLES FUNDIDOS ESTÁN DE VUELTA POR SU LIGEREZA, VERSATILIDAD DE ESTILOS, SU FÁCIL MANTENIMIENTO Y DURABILIDAD, SOBRE TODO A LA ORILLA DEL MAR, Y PORQUE NO GUARDAN BICHOS.

EL EQUIPO Diseño de interiores : In Situ Fotografías:. Leonardo Izaguirre Construcción : Hjalmar Gonzalez Pared de estuco : Denisse Meza

PRÁCTICAMENTE TODOS LOS MUEBLES, ACCESORIOS Y DETALLES DE INTERIORISMO FUERON DISEÑADOS Y FABRICADOS POR ARTESANOS LOCALES EN EXCLUSIVA PARA EL PROYECTO, INCLUYENDO LOS TEXTILES LOCALES QUE FORMAN PARTE DEL MOVIMIENTO HAMBRE CERO.

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Arturo Montoy en su estudio, La casa de las piedras.

Foto: MarĂ­a Fernanda Roca

Camino de la vida, obra hecha en bronce que mide 400 cm de largo.

Foto: MarĂ­a Fernanda Roca

Plato mesa sopera realizado en 2015.

CIRCUITO ARTE EL ARTISTA

PONERLE VESTIDO A L AS IDEAS Frijoles, chiltepes, maíces y un montón de versiones de platos son solo algunas de las muchas figuras icónicas del artista guatemalteco Arturo Monroy, quien con más de 40 años de trayectoria en la plástica se ha destacado por sus llamativas piezas y los materiales que utiliza para hacerlas.

LOS FRIJOLES EN SU OBRA TIENEN DOS SIGNIFICADOS: SU FORMA MUESTRA SIMILITUDES CON EL EMBRIÓN HUMANO Y SON UNA SEMILLA REPRESENTATIVA DE NUESTRO PAÍS.

Desde muy pequeño supo que la pintura sería su vida… Con solo dos años, Monroy comenzó a dibujar, tomaba lápices y trazaba lo que podía en cuadernos y cartulinas. “Alrededor de los seis, si salían en la televisión programas o novelas con algún pintor y un caballete, me emocionaba, pensaba que así quería ser yo”, recuerda. Ya más grande, Monroy comenzó a estudiar paisaje en la Escuela de Arte al Aire Libre Max Saravia Gual del Cerro del Carmen y luego ingresó a la Escuela Nacional de Artes Plásticas; sin embargo, el artista asegura que gran parte de su formación ha sido autodidacta.

“Viví siete años en Europa, llegué siendo artista pero ahí terminé de formarme porque continué aprendiendo y trabajé en el campo del arte, además leo mucho y eso ha complementado mi carrera”, explica.

Durante sus primeros 15 años como pintor, Monroy se dedicó únicamente a los paisajes, hasta que en 1988 decidió experimentar con la pintura en estudio.

“Había sobrepasado la experiencia en el paisaje y estaba buscando más opciones, quería probar un tipo de obra más creativa”, expresa. Aunque en este momento de su carrera y su vida Monroy se considera un artista conceptual, después de su época como paisajista o realista naturalista, como él mismo lo define, pasó por una etapa creativa y por otra en la que su trabajo fue sobre todo abstracto expresionista. “Mi obra todavía conserva un poco de todo esto pero sobre una línea más definida que yo describo como conceptual”, asegura.

PRIMERA PARADA: EL TALLER DE LA 7MA El estudio de Monroy fue bautizado como “El taller de la 7ma” simple y sencillamente porque está ubicado en la 7ma Avenida Norte de Antigua Guatemala. Un espacio que por fuera parece pequeño pero que por dentro es todo lo contrario, ahí guarda muchísimas de su sus obras, tantas que no se sabe por donde pasar o empezar a ver. Su lugar de trabajo está hasta el fondo, una habitación amplia, tranquila y con todo lo necesario para dejar suelta la creatividad. Al llegar le pregunto cuál ha sido su mayor fuente de inspiración, y sin pensarlo mucho me dice que la vida misma. “También me inspiran la música y la lectura, me gusta leer filosofía y pensar en el ser humano como tal”, comenta.

La obra de Monroy retrata desde temas políticos hasta postales de la vida cotidiana, por eso transmite tantas emociones y lanza mensajes claros de la realidad en que vivimos. “En este momento estoy plasmando los problemas de la migración en el mundo en una de mis pinturas.

También estoy haciendo una pieza con ceniza llamada Diálogo y sus cenizas que la voy a presentar el otro año en Miami y es una crítica a la política y sus vías (derecha, izquierda y centro) en Estados Unidos y Latinoamérica”, añade. Además, en este momento Monroy está participando en la Bienal de Venecia con la obra Cenizas del paraíso que busca crear consciencia sobre la destrucción de los bosques.

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EL ARTISTA VIVIÓ SIETE AÑOS EN EUROPA Y UNO EN ESTADOS UNIDOS, TIEMPO QUE TRABAJÓ DE LLENO EN EL ARTE Y QUE LE AYUDÓ A PERFECCIONARSE COMO PINTOR.

Plato universo en cuarto creciente, óleo sobre tela.

Según el artista, el tiempo que le lleva realizar una obra varía bastante, algunas las hace en una tarde, otras en un día y otras le llevan meses. “Todo empieza con una idea, que voy madurando y enriqueciendo; parto de un boceto y de escribir un par de palabras, cuando siento que tengo la idea trato de ir encontrándole un vestido porque siempre hay que vestir las ideas”, agrega, en su caso, lo que más tiempo le ocupa es pintar con óleo.

Uno de los proyectos más importantes en la carrera de Monroy fueron los murales y la escultura que realizó para el edificio TerraEsperanza, un proyecto que duró tres años. “Me encantó porque involucré a muchísimas personas, a gente que trabaja con la fragua, con hierro de forma industrial, talleres de pintura de automóviles, albañiles…”. En cuanto a reconocimientos, el artista asegura que uno de los más significativos que ha recibido fue la condecoración Carlos Mérida. “Me llenó mucho porque conocí a Mérida en los 70’s y siempre fue un modelo a seguir para mi… Me lo entregó el Ministro de Cultura en el Teatro Nacional

y fue un momento único”, recuerda. Y la exposición que recuerda con más cariño fue una en el Museo de las Américas de Washington DC, porque ahí han exhibido grandes figuras de Latinoamérica como el propio Carlos Mérida, Rufino Tamayo y José Luis Cuevas.

SEGUNDA PARADA: LA CASA DE LA PIEDRAS (SU CASA) Sin duda alguna la más artística de la cuadra (y quizá de la ciudad), no solo por dentro sino por fuera, la vivienda fue bautizada como “La casa de las piedras” porque a la par de la entrada Monroy hizo una escultura con piedras de muchos tamaños y plantaciones de pitaya, es que la jardinería es otro de los pasatiempos del artista. Monroy tiene, también aquí, un amplio espacio de trabajo, lo cual me da una excusa para preguntarle por su rutina diara. Pero el artista asegura que funciona por semana: Los lunes por las mañanas va a trotar a unas montañas durante dos o tres horas y en la tarde labora en el taller

de la 7ma; los martes trabaja con óleo y acuarela en la casa de las piedras; los miércoles nuevamente se ejercita y vuelve al taller de la 7ma; los jueves en la mañana, como decimos en Guatemala, se dedica a hacer mandados y en la tarde se queda trabajando en su casa; los viernes de nuevo a hacer ejercicio o a tomar el sol y termina su día en el taller; y los sábados y domingos dice que son informales porque realiza distintas actividades.

Luego de ver las hierbas que tiene sembradas en la entrada de su casa (perejil, laurel, tomillo, orégano, romero, hierbabuena y albahaca) y una escultura llamada Camino de esperanza en la que se va enredando una planta de loroco que inicia en el primer nivel y llega a la terraza de la casa, me dice que en la actualidad disfruta mucho lo que hace porque se siente más libre que nunca. “Ahorita estoy trabajando con ceniza y carbón de una forma más expresionista y también estoy pintando un óleo refinado. Gozo del proceso contemplativo pero también del expresionista experimental”.

Carbón sobre tela, obra llamada Paseo acompañado.

LA MAYOR PARTE DE LA OBRA DE MONROY ESTÁ EN COLECCIONES PRIVADAS EN LATINOAMÉRICA Y ESTADOS UNIDOS. Monroy asegura que sobresalir como artista es complicado en cualquier parte del mundo pero que el apoyo que ha recibido a lo largo de estos años ha sido increíble. “He vendido obras de todo tipo y tamaño en Europa, Latinoamérica y Estados Unidos, he tenido muy buenas experiencias y estoy muy agradecido con Guatemala”, concluye.

Por María Fernanda Roca 43

Ceniza, lápiz y carbón sobre tela.

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Trabajo realizado en Málaga, España.

CIRCUITO ARTE EL ARTISTA

L A OTRA CARA

Proyecto personal de galletas.

DEL ARTE

Foto para un fotoreportaje de una fábrica de cerveza artesanal en Dinamarca.

ADEMÁS DE FOOD STYLING Y FOTOGRAFÍA, PAULINA ESTUDIÓ PARA CHEF Y MERCADEO DE COMIDA.

Enamorada de todo lo que a gastronomía se refiere y apasionada por el food styling, la chef, Paulina de la Cerda, es una de las pocas guatemaltecas especializadas en fotografía de comida.

Su historia con el estilismo y la fotografía de comida surgió en 1999 de la mano de su primer trabajo como chef en Nueva York. A Paulina le asignaron realizar un catálogo de la empresa para promocionar los productos de la siguiente temporada. “Trabajé tres días con un fotógrafo sueco y a mí me tocó armar todo el catálogo…

Fue mi primera experiencia en este mundo y me fascinó, descubrí que eso era lo que realmente quería hacer”, recuerda. La chef continuó explorando el arte culinario y, después de su regreso a Guatemala y la apertura de su propia empresa de Catering (Lapau), concretamente en 2004, fue contratada como asistente de producción para un libro de comida centroamericana, una experiencia que confirmó su pasión por el food styling. Luego en 2008, el fotógrafo Alan Benchoam le propuso fotografiar sus platos y creaciones. “Trabajamos

juntos en ello. Alan me motivó a hacer no solo el estilismo sino también las fotos de mi comida de forma profesional”, agrega. Cuando Paulina era pequeña, no sabía si dedicarse al arte o a la cocina (sí, durante muchos años también pintó), pero pronto se dio cuenta que en el campo culinario podía explotar ambas profesiones. “Con el food styling y la fotografía de comida logré canalizar mi creatividad de otra manera, encontré la magia de mi verdadera pasión”, continúa, aunque reconoce que al principio solo se enfocaba en la parte de la comida porque no sabía nada de fotos. “Por eso me tuve que meter a cursos y talleres”.

La artista de la comida asegura que cada proyecto tiene sus retos, sus encantos y su inspiración, y que una de las cosas más difíciles para ella es hacer que los frijoles se vean bien, es más, le pasa lo mismo con la comida local. “Estéticamente los platos

Su historia con el estilismo y la fotografía de comida surgió en 1999 de la mano de su primer trabajo como chef en Nueva York. A Paulina le asignaron realizar un catálogo de la empresa para promocionar los productos de la siguiente temporada. “Trabajé tres días con un fotógrafo sueco y a mí me tocó armar todo el catálogo…

Fue mi primera experiencia en este mundo y me fascinó, descubrí que eso era lo que realmente quería hacer”, recuerda. La chef continuó explorando el arte culinario y, después de su regreso a Guatemala y la apertura de su propia empresa de Catering (Lapau), concretamente en 2004, fue contratada como asistente de producción para un libro de comida centroamericana, una experiencia que confirmó su pasión por el food styling. Luego en 2008, el fotógrafo Alan Benchoam le propuso fotografiar sus platos y creaciones. “Trabajamos juntos en ello. Alan me motivó a hacer no solo el estilismo sino también las fotos de mi comida de forma profesional”, agrega. Cuando Paulina era pequeña, no sabía si dedicarse al arte o a la cocina (sí, durante muchos años también pintó), pero pronto se dio cuenta que en el campo culinario

Estilismo y fotografía de paletas para Sombrella Ice Cream.

“Por ejemplo, si es una foto para un empaque, el diseñador ya tiene en mente lo que quiere mostrar. Una fotografía tiene más trabajo de lo que realmente parece, hay que jugar con la luz, brillos, tamaños, y a veces uno tiene una idea pero no se logra por distintas razones”, explica, y aún así, para Paulina es vital dar a todos sus proyectos su toque personal de arte y creatividad que los hace únicos.

Por María Fernanda Roca

Estilismo y fotos de picnic en Málaga, España.

ACTUALMENTE, LA ARTISTA VA A PARTICIPAR CON UNA FOTOGRAFÍA EN UNO DE LOS LIBROS GASTRONÓMICOS MÁS ESPERADOS DE BÉLGICA, QUE SERÁ PUBLICADO A PRINCIPIO DEL OTRO AÑO.

Conozca más de la artista en www.paulinadelacerda.com

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OBJETOS DE DESEO

HISTORIAS DE LUZ DEL ARTISTA VALENZ

Pieza de la línea Arte en Iluminación, producida por la nueva firma guatemalteca Ak Kin Light a partir de raíces y maderas finas locales y la intervención de diferentes creadores guatemaltecos.