HABITART #51

DISEÑO / ARQUITECTURA INTERIORES / ARTE

CONVERSAMOS CON LORENA FIGUEROA

DÍAS Y NOCHES AL FRESCO LISTOS PARA EL MES

MÁS ARTÍSTICO DEL AÑO

HISTORIA CON FINAL FELIZ

LA CASA IN ANA LORENA NUÑEZ, LA NIÑA DE SUS OJOS

EDICIÓN 51 04 / 19 Q.40.00

DESIGN CENTER DIAGONAL 6 12-42 ZONA 10 CIUDAD DE GUATEMALA T +502 2233-0286 E INFO@FIVENORDEN.COM

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Despedimos el verano con una edición que celebra los días y

HABITART ESTÁ IMPRESA EN PAPELES PROVENIENTES DE BOSQUES RENOVABLES, CON TINTAS LIBRES DE QUÍMICOS Y EN PLACAS 100% RECICLABLES.

las noches al aire libre. Estamos a las puertas de la Semana Santa y poco después iniciará el mes de las flores, así que estamos seguros de que la mayoría de ustedes quiere pasar buenos momentos al freso en la mejor compañía antes de que aparezcan las primeras lluvias. A propósito, conversamos con nuestra florista favorita, Lorena Figueroa, quien una vez más nos enseñó cómo poner la mesa ideal (y nos dio

/revistahabitart

@revista_habitart

envidia con las imágenes de las suyas), eligiendo una paleta de colores acorde a lo que estemos celebrando. De eso dependerá también las flores que utilicemos para decorar.

Y para complementar, nuestra chef, Paulina de la Cerda, desarrolló en exclusiva para HABITART una receta fresca y ligera que pueda fusionarse con el mood del momento.

CONSEJO EDITORIAL Alfredo Saravia, Ana Isabel Villela, Machteld Oosterbaan, Roberto Bianchi, Maricarmen Rodríguez, Paulina Prado DIRECTORA Ana Isabel Villela anaisabel@revistahabitart.com

El otro gran descubrimiento de la edición es la Casa In, diseñada por la firma Garabato Arquitectura para una familia de tres bajo la premisa de conseguir una residencia en constante contacto con la naturaleza, pero totalmente cerrada hacia los alrededores y vecinos. Su arquitectura y diseño interior nos sorprendió por innovadora y fresca.

Desde aquí, una ronda de aplausos a sus creadores, los

COLABORADORES Machteld Oosterbaan, Luz Elena Ramírez, María José Escobar DIRECCIÓN DE ARTE Paulina Prado

arquitectos Erick López y Miguel Sagastume.

Aprovecho la ocasión para agradecer la ola de felicitaciones que recibimos el mes pasado por nuestra edición número 50. Es gracias a ustedes que nos mantenemos a flote en esta privilegiada misión de contarles historias de buen diseño.

DISEÑO Eikon COMERCIALIZACIÓN info@revistahabitart.com 15 avenida A 14-12 zona 10 Oakland II 2366 - 3888 / 2366 - 3808

Triple V Ediciones, S.A. Reservados todos los derechos. Prohibida su cita, reproducción, edición o transmisión total o parcial por cualquier medio y en cualquier soporte sin la autorización escrita de Revista HABITART.

ANA ISABEL VILLELA

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Sumario EL SALTAMONTES Diseño que perdura y marca tendencia

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LOS DIEZ Black is back

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LO MÁS INTERIORES Las nuevas superficies

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EN ESCENA Con final feliz

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CONVERSEMOS Mesas y flores para estar al aire libre

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RESIDENCIAS La Casa In

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EL ARTISTA La niña de sus ojos

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CIRCUITO ARTE El mes más artístico del año

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PASAJE CULINARIO Al fresco

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OBJETO DE DESEO Los bombones

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EN PORTADA Fotografía de La Florentina

Envíenos sus comentarios a cartas@revistahabitart.com

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E L SA LTA M O N T E S ¿Que hacer en la ciudad?

Diseño que perdura y marca tendencia Arquitectura de calidad en Zacapa

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ulti-Proyectos presentó oficialmente Pradera Zacapa, el centro comercial número 16 de la reconocida cadena guatemalteca. Esta será una oportunidad de crecimiento económico y mejora en la calidad de infraestructura para el departamento.

Con una inversión de más de US$13 millones y una arquitectura de vanguardia, el nuevo Pradera Zacapa se erige como una oportunidad de descentralización para el interior y una puerta para mejorar el comercio en oriente. Multi-Proyectos apuesta una vez más por el progreso del país a través del desarrollo inmobiliario.

En esta ocasión designó al reconocido arquitecto Alejandro Estrada, responsable del diseño de otros centros comerciales, para estar al frente del nuevo complejo.

“La empresa quería replantear la imagen y la experiencia de centro comercial en Zacapa. Hicimos los planes con base al terreno, que tenía muchos árboles y áreas verdes preciosas, que luchamos por preservar”, comenta.

La distribución se hizo en función de tres puntos estratégicos: El supermercado, Cinepolis y la plaza de restaurantes.

“Dejamos un street de comercio con tráfico fluido de personas entre las tres anclas.

Estamos contentos porque logramos un concepto limpio, fácil de mantener y funcional”, apunta el arquitecto.

De acuerdo a estudios recientes, la actividad predilecta de esparcimiento para los habitantes de Zacapa es ir a comer, seguida de ir al parque y de ir

“QUEREMOS ELEVAR LA CALIDAD DE VIDA DE LAS PERSONAS EN LOS DEPARTAMENTOS A TRAVÉS DE ARQUITECTURA DE Y SERVICIOS DE PRIMERA CATEGORÍA”, ALEJANDRO ESTRADA

al cine. Pero actualmente no existe una opción que cubra estos rubros, así que dicha población visita Pradera Chiquimula o Mega Plaza Estanzuela.

Debido a las altas temperaturas del lugar, dentro del equipo de planeación se integró a un experto en clima para elegir los materiales adecuados y crear un ambiente agradable. “Trabajamos junto a Federico Matheu, un especialista en temas térmicos, quien recomendó el uso de algunos elementos claves como la lámina, que es de poliuretano de 3 pulgadas”, explica. El resultado es una mejora en la sostenibilidad del sistema

de aire acondicionado con el que contará la estructura central del comercial, que será como un cuarto frío gigante. A la vez se dejaron amplias áreas al aire libre, por lo que el foodcourt y los restaurantes de tenedor se beneficiarán de la sombra de los árboles de la propiedad y de los vientos que se forman.

Con una extensión de 1,500m², Pradera Zacapa será el centro comercial con más área verde de la cadena. Dentro de este terreno se preservó una ceiba que tiene un nacimiento de agua en sus raíces. Estrada quiso resaltar su presencia y diseñó el foodcourt sobre un deck con mesas al aire libre que ven hacia el árbol. Además, los visitantes podrán disfrutar de la sombra

natural en el estacionamiento, donde se preservó una hermosa alameda. “Este comercial se va a volver un parque para la comunidad, un lugar a donde salir a pasear con la familia y comer un helado. Estoy seguro de que va a cambiar Zacapa”, recalca.

Además de los beneficios económicos y sociales que traerá el centro comercial, la arquitectura del lugar también se verá impulsada. Y es que Pradera Zacapa marcará la pauta por el estilo de la fachada. Estrada diseñó un ingreso con un muro verde natural, un pórtico y agregó elementos en cemento. “Queremos que desde la entrada haya una diferencia. Diseñamos techos más altos, franjas de luz natural dentro del comercial y el muro verde que, en mi opinión, representa un compromiso de la empresa por brindar a la población el bienestar que genera el verde”, señala.

La magnitud y calidad arquitectónica del proyecto rompe con el estereotipo de que en los departamentos las cosas deben ser más sencillas que en la ciudad. “Esa es una idea del pasado. Queremos elevar la calidad de vida de las personas a través de arquitectura y servicios de primera categoría”, asegura.

El Estudio de impacto socioeconómico de los bienes raíces comerciales en América Latina (2017) recalca que los proyectos comerciales actúan como un lugar de unión e intercambio de productos, servicios, ideas, cultura y valores.

Así, el nuevo proyecto es una oportunidad para fomentar el sentido de comunidad en la cabecera y generar nuevas ideas y propuestas económicas, artísticas, sociales y culturales para fomentar un desarrollo integral en el interior del país.

La empresa estima que la construcción estará lista a finales del 2019

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LOS DIEZ

Black is back

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ste mes la lista de Machteld demuestra que la oscuridad puede ser fuente de luz y de inspiración.

El color negro está de vuelta como protagonista máximo de ambientes y accesorios.

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¿Todo en negro o solo un elemento clave? En este baño precioso resalta la tina en un negro mate, combinada con elementos naturales y acogedores. Es un verdadero baño refugio.

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¡(Casi) todo en negro! Me fascina la sala de esta casa en Melbourne.

Me parece muy lindo como combinaron las paredes negras con un sofá en azul profundo y los toques de gris y blanco.

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MACHTELD OOSTERBAAN es diseñadora de interiores enfocada en el nicho de boutique hotels y restaurantes, nos comparte cada mes sus 10 objetos favoritos del mundo del diseño.

Encuentra a Machteld en Instagram o Pinterest (studiomachteldoosterbaan).

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El negro también puede ser suave y fluido. Lo podemos ver en el contraste que resulta en esta pieza orgánica de Ursala Morley.

No podemos dejar fuera un elemento que está de moda, los azulejos hechos a mano. Acá tenemos un muy lindo ejemplo de azulejo hecho en Maruecos en un negro brillante y elegante que forma parte de un proyecto de Maison Hand, uno de mis estudios favoritos en el mundo.

Studio Gidoo de Seoul creó la silla “story collective”, inspirada en el templo Pagoda. El resultado está lleno de detalles y al mismo tiempo es simple y elegante.

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Me encanta todo lo que se hace en madera quemada, casas, muebles, ¡no importa!

Un buen ejemplo, en mi opinión, es el estilo Wabi Sabi, que resulta tan perfectamente imperfecto, que es bello. Esta casa contemporánea es de Shiller Projects en colaboration con Gray Organschi.

El Studio Dimore de Italia siempre impresiona con sus diseños eclécticos.

Un comedor sorprendente con una mesa de metal, bancas Louis XV y paredes negras. ¡Innovador!

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Este año le he tomado cariño al vidrio con patrones, como el de esta bufetera lindísima de metal. El diseño es del francés, Christopher Come.

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El juego de luz en esta fotografía es muy interesante.

Lastimosamente no se quien es el fotógrafo/a, ¡pero me encanta!

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Uno de mis sueños es diseñar un club, uno de verdad. En este utilizaron solo negro y latón, lo que resulta muy sensual y atractivo, tanto que el ambiente invita a tomar un buen coctel. Diseño de PIG Design en Hangzhou, China.

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LO MÁS Interiores

Las nuevas superficies Invitamos a Marko Bradich de Formas Geométricas a darnos ideas de cómo utilizar las superficies Silestone y Dekton de Cosentino. La primera está compuesta en un 94% de cuarzo natural y la segunda de piedra natural expuesta a alta presión y temperatura, para obtener una superficie súper resistente.

DISEÑO QUE PERDURA Silestone es una superficie no porosa y resistente a las manchas de café, vino, jugo de limón, aceite de oliva o vinagre, entre otros muchos productos de uso diario. Además, este top de cuarzo tiene 25 años de garantía, un respaldo que anima a cualquiera a decidirse por algo tan arriesgado como una cocina blanca.

UN MATERIAL PAR A

AMOR A PRIMER

CUALQUIER ESTILO

CONTACTO

Por su versatilidad, Silestone se puede adaptar a cualquier diseño de interiores. Desde una cocina rústica, pasando por el estilo vintage o nórdico, y hasta moderno. La superficie es simple, útil y práctica. El material permite combinar distintos acabados para aprovechar al máximo el espacio, cubriendo suelo, pared, copete, frontal o/y faldón de las encimeras.

A diferencia de otros materiales, Silestone mantiene sus características de durabilidad y facilidad de limpieza sin importar el acabado o textura que se elija. Actualmente hay tres opciones: pulido, suade y volcano.

El primero es el tradicional que intensifica los colores y reflejos. El suede es ideal para quienes quieren dar una experiencia sensorial en la cocina. Finalmente, el volcano combina una textura rústica, muy atractiva a la vista.

AGRÉGALE COLOR Sabemos que la cocina es el corazón del hogar, un espacio que reúne a la familia y amigos, y por eso debe ser un fiel reflejo de quienes habitan allí. Silestone está disponible en más de 90 colores, y un catálogo que constantemente agrega los tonos en tendencia.

TECNOLOGÍA Y DISEÑO D ekton es otra opción para experimentar en superficies. El proceso de fabricación permite controlar la pigmentación y estética del material, logrando un producto capaz de mutar la apariencia de madera, piedras, cemento y mármoles, entre muchos otros.

XXL Dekton está disponible en un formato de hasta 3.20mX1.44m, por lo que es ideal para revestir ambientes de cualquier tamaño.

Es sumamente resistente a la flexión, tiene reducida porosidad, es de fácil mantenimiento y limpieza, además de tener sisas y juntas casi imperceptibles.

ATENCIÓN AL DETALLE Puede que el lavaplatos sea un elemento un tanto olvidado. Silestone lo ha revitalizado con elegantes líneas de diseño, tamaños que se acoplan a cualquier tipo de cocina, colores y acabados . Estos artefactos sin juntas expanden el espacio al verse como una sola pieza y añaden sofisticación gracias a su novedoso acabado aterciopelado.

RESALTAR LA BELLEZA EXTERIOR El diseño del hogar no debe quedarse dentro de la casa. Con Dekton se abre un mundo de posibilidades para mejorar el aspecto estético de las fachadas y proteger los componentes estructurales de la edificación y sus ocupantes. El material es resistente a altas y bajas temperaturas, grafitis y rayones, además tiene propiedades que ayudan al ahorro energético, aislamiento acústico y es anti filtraciones de agua.

FUNCIONALIDAD QUE SE VE BIEN En zonas de alto tráfico muchas veces se sacrifica el look por la funcionalidad. Por la alta durabilidad y resistencia a la abrasión, Dekton nos hace olvidar limitaciones y desgastes. Además, la versatilidad en el formato permite mantener cohesión y continuidad en peldaños y escaleras.

UN BAÑO QUE INSPIRA La línea de baños de Dekton fue diseñada para crear un ambiente relajado, pulcro y agradable. Los lavamanos, disponibles en dos modelos, se integran perfectamente al espacio gracias a una amplia gama de colores. El look se complementa con los grandes y variados formatos de Dekton.

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EN ESCENA

Con final feliz

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uando se piensa en una casa acogedora y diseĂąada para vivirse, pocas veces vienen a la mente espacios cuidadosamente decorados y con piezas de arte extraordinarias. Encontramos eso en un espectacular apartamento en zona 14, que merece una ronda de aplausos por ser un fiel retrato de quienes la habitan.

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D

ecorar desde cero es un gran desafío.

Las incalculables posibilidades, estilos, colores, formas, piezas y arte hacen que el proceso pueda parecer como un verdadero gigante. Afortunadamente esta familia de 3 tenía muy claro hacia dónde iban y qué querían. “Modificamos el apartamento en planos. Eliminamos un baño para darle más espacio a los clósets y los dormitorios. También abrimos la cocina, a propósito, porque nos encanta el espacio. Cuando estuvimos contentos con la distribución de los 315m2 que tenemos, empezamos a decorar, desde cero y sin ayuda de un interiorista”, explica nuestra anfitriona.

El espacio es una mezcla de estilos, con elementos en común y otros que le dan una personalidad propia a cada habitación.

“Queríamos que fuera moderno, pero sin llegar a ser minimalista. Tenemos pocas cosas porque a mi esposo no le gusta que se vea lleno, pero tampoco es una casa de revista”, asegura la propietaria, aunque la verdad es que cada rincón luce más que fotogénico.

La pareja quería que la sala principal fuera divertida y con muchos colores para dar la bienvenida y transmitir a los visitantes que es una casa llena de alegría. Como tienen pocos elementos de decoración, optaron por integrar muchos elementos en madera para aportar calidez al apartamento. Para contrastarla usaron el metal, un look industrial que se aprecia en la campana de la cocina, la estufa y la mesa, todas con elementos metálicos plateados y bastante rústicos. “Creemos que las cosas deben servirle a uno, no uno a las cosas. No nos gusta cuando hay que estar cuidando el sillón o la mesa de rayones o que no te puedes sentar cómodo. Queremos sentirnos relajados cuando los usemos y que nuestros amigos y familiares se sientan tranquilos”, detalla la propietaria.

Los espacios más importantes para la familia eran la cocina y el baño. “Mi esposo es cocinero, por eso se dedicó a investigar e informarse para seleccionar cada electrodoméstico. Quisimos que fuera abierta porque le gusta atender a la gente

que nos visita en un ambiente relajado y hacerlos sentir en casa”, dice. Incluso a ellos no les molesta que se vea un poco el desorden tradicional de una cocina, las botellas de aceite y utensilios que se usan para preparar los alimentos de la velada. Todo es parte de la experiencia.

Respecto al baño, para ella es el espacio más importante. “Me encanta mi baño de visitas. Me gusta que tenga gracia y sea lindo, que tenga un detalle. Eso era lo importante para mí”, agrega.

Si bien es cierto que cada espacio tiene una personalidad distinta y pocos adornos, el apartamento está lleno de arte. “Nos fascina. Para mi es imposible comprar un adorno genérico. Creo que cada pieza que entra a mi casa debe ser una obra de arte que me encante ver o que su valor esté en que la compramos en un viaje y nos recuerda esa experiencia”, comenta.

Ya que el matrimonio tiene una bebé pequeña, resulta curioso cómo mantienen los espacios en orden. “Los pocos objetos que teníamos al alcance los pasamos a mesas más altas para que no las pueda agarrar tan fácil; lo hicimos solo con las obras que tienen mayor valor para evitar accidentes, pero dejamos algunas para enseñarle que no todo se puede tocar”, dice. Y es que más que un valor monetario, la mayoría de las piezas de arte en esta casa tienen una historia que las dota de valor sentimental.

Por ejemplo, en la mesa de la sala descansan dos esculturas de Magda Eunice Sánchez. La obra de la artista siempre la cautivó. “Intenté comprárselas varias veces, pero siempre me decía que no las iba a vender porque eran lo que más le gustaban de su obra”, recuerda. Algún tiempo después, su mamá consiguió dos de las tres esculturas. “Me las dio como regalo de Navidad, fue maravilloso. Ahora que Magda ya no vive son todavía más especiales para mí”, recalca.

Otra pieza con historia es la obra que adorna la sala principal, que es de Lezzueck Asturias. Ese fue un regalo de boda. “Tuve la oportunidad de conocerlo y me cayó re bien, es una persona lindísima. Le conté que me gustaba mucho su trabajo

y me ofreció un cuadro personalizado”, relata. Asturias incorporó muchos de los elementos de distintas obras para complacerla, pero el resultado final no fue lo que ella esperaba. “Me gustó, pero no me encantó. Trató de complacerme con cada detalle, pero no me fascinó.

Cuando le dije, él insistió en hacer otro porque no quería que tuviera un cuadro que no despertara verdadera felicidad en mí”, recuerda. El pintor le dio a escoger la obra que más le gustara de todo su trabajo. “Elegí el amarillo, pero como no puede hacer dos cuadros iguales, lo hizo en una dimensión mucho más grande y le cambió la expresión a la mujer, la hizo más dulce y le incorporó otros elementos.

Cuando terminó, me mandó el cuadro desde Alemania y ahora está colgado en mi sala. Me parece encantador que haya querido agradarme”, confiesa. La historia se hace todavía más bonita ya que el artista vendió el otro cuadro en Juannio.

Otro espacio que vale la pena resaltar de esta casa es la sala familiar. En contraste con los colores y texturas que tienen los ambientes principales, esta habitación es monocromática y da un sentimiento de paz y tranquilidad. Los elementos se rigen por una paleta de grises y blancos.

El sofá es de cuero y las obras que rodean el lugar aportan el sentimiento de calma que querían lograr.

El resultado final es un apartamento con un estilo único e irrepetible. Aunque podemos encajonarlo en el look moderno e industrial, la descripción no le haría justicia a la magnífica mezcla de elementos, colores, texturas, arte y mobiliario que componen esta casa. Entonces podemos decir que este es un hogar, un verdadero reflejo del espíritu y personalidad de las personas que lo habitan.

Texto y fotos de Anna Lucía Ibarra

EL ALEGRE COLORIDO DE LAS ÁREAS SOCIALES CONTRASTA CON LOS TONOS SUAVES Y DISCRETOS DE LA SALA FAMILIAR.

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CONVERSEMOS

Mesas y flores para estar al aire libre A propósito de la semana entrante, y con el mes de las flores a la vuelta de la esquina, conversamos con Lorena Figueroa, una gran amiga de la casa, sobre el universo que la mueve a crear auténticas obras de arte en flor, ideales para pasar días y noches al fresco.

¿Cómo empezó esta pasión por las flores?

Desde muy pequeña me llamaron la atención, pasaba mucho tiempo en el jardín de la casa que mi familia tiene en la Antigua, y creo que fue eso lo que despertó en mí la fascinación por los jardines y las flores.

Ahora que trabajo en esto me he encontrado con flores que dejé de ver por muchos años, como las dalias o ciertos tipos de rosas. La temporada de dalias, que es entre mayo y noviembre, me encanta porque las redes sociales se llenan de fotos de ellas y puedo ver nuevas variedades cada año.

Pero hay que tener talento para armar las composiciones florales que haces…

Creo que heredé de mis abuelas la creatividad y la habilidad para trabajos manuales y luego mis estudios en diseño potencializaron todo.

Hace tres años, cuando mis hijas ya habían crecido, pensé que era hora de hacer algo con mis propias manos y retomé mi pasión por las flores, enfocándome en aprender todo sobre arreglos silvestres. ¿Cómo te formaste?

Buscando en dónde podía aprender sobre el tema, encontré en Seattle, Estados Unidos, un taller de arreglos florales silvestres. De ese viaje regresé convencida, no solo de dedicarme a hacer los arreglos, sino de cultivar las flores que iba a utilizar. Además, he comprado muchos libros. Después he

seguido tomando cursos, pues es el único tipo de composición que quiero hacer y me interesa por el momento. Me he preparado con algunas de las mejores floristas del mundo en países como México, Estados Unidos y Londres. Y en cuanto al cultivo de flores, también he leído mucho, aunque creo que puedo decir que soy autodidacta, he aprendido a pura prueba y error. ¿Cómo es un día normal en tu vida?

Soy madrugadora, mi día empieza a las 5 de la mañana aproximadamente, hago ejercicio y luego me voy al jardín a hacer la primera visita del día. El jardinero y yo revisamos cómo está el cultivo, si hay alguna enfermedad en las flores, el tema del abono, si se necesitan mas insumos, y me organizo para ir a comprar lo que haga falta. Luego planifico los semilleros: si hoy siembro algo, tengo que tener en mente que va a estar en flor en dos o tres meses, tomo en cuenta eventos programados a mediano y largo plazo a la hora de planificar el jardín. El arreglo silvestre es ideal para marcar las estaciones del año, así que siempre tengo presente cuál flor va a darse en cuál temporada. ¿Cómo marcan las estaciones los arreglos silvestres?

Trabajar con flor de la temporada y la sutileza son características básicas del

LO PRIMERO QUE DEBEMOS DEFINIR A LA HORA DE PENSAR EN UNA MESA Y SUS FLORES ES UNA PALETA DE COLORES ACORDE AL EVENTO Y A LA HORA EN QUE SE CELEBRARÁ.

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“HE APRENDIDO A SER PACIENTE, UNA VIRTUD QUE ANTES NO TENÍA. CULTIVAR FLORES ES UN ACTO DE HUMILDAD“, LORENA FIGUEROA.

arreglo silvestre. Las temporadas las podemos ver un tanto así: en primavera tenemos disponibles ranúnculos, narcisos y anémonas. Peonias de abril a junio, en verano hasta noviembre las protagonistas son las dalias y así con otras variedades. ¿Qué es lo más especial de trabajar con flores?

Para mí, todo el proceso: tener la semilla en mi mano, verla florecer, y finalmente ver las flores como parte de un arreglo...

Cuando me contratan para un evento, por lo general pequeños porque hago personalmente cada arreglo, cuido cada detalle, es un trabajo muy minucioso y muy delicado. Puedo manejar celebraciones de hasta 150 personas, es decir, las que conlleven la elaboración de entre 15 y 18 arreglos. ¿Cuál ha sido tu evento más grande?

Las bodas de oro de mis papás. Fue una fiesta para doscientas cincuenta personas, pero se trataba de una fecha muy especial. Importé por primera vez las “Garden Roses”, que actualmente se consideran las rosas más sofisticadas que existen. ¿Hay diferencia entre un arreglo de día y otro para la noche?

Creo que no importa el tipo de flor, lo que marca la diferencia son los accesorios de la mesa, el color de los cubiertos, el tipo de copas, la mantelería, las velas… lo primero que hay que definir es una paleta de color para la ocasión, y a partir de ahí se pude elegir las flores y los respectivos accesorios para el diseño de la mesa. Mi trabajo incluye asesorar al cliente para que tenga un resultado espectacular.

¿Hay algo que no te guste de tu trabajo?

Educar, entre comillas, al cliente en cuanto a relación precio-calidad (risas). Yo no voy a una floristería a comprar una flor, hay una historia detrás de cada una de las flores que utilizo, he invertido mucho tiempo y muchos recursos… otra cosa que no disfruto para nada es cuando las plantas se enferman, cuando toca combatir hongos y plagas. Hay flores que, así como son hermosas, son delicadas, y aunque no usamos pesticidas orgánicos, intentamos utilizar los más suaves, siempre buscando un balance. ¿Una flor favorita?

Cualquier flor que se va dando en el jardín se vuelve “mi niña consentida”, pero es verdad que he aprendido a tomar cariño y admiración a las rosas en sus variedades.

Actualmente las consentidas del jardín son las peonias, la semana pasada creció la primera después de casi tres años de intentos frustrados. ¿Qué te inspira?

Lo que tengo en el jardín en un momento dado y que muero de ganas por usar… o puede inspirarme el propio cliente, con muchos se crea una química muy especial que por supuesto abre las puertas a la creatividad. La confianza, la libertad, la complicidad y el salir de lo convencional son también grandes motivos de inspiración. ¿Un trabajo que deja grandes satisfacciones?

Muchísimas. He aprendido a ser paciente.

No era una virtud que yo tuviera, pero en este trabajo la he ido adquiriendo porque cultivar la flor es un acto de humildad, toca esperar. También me

queda la satisfacción de haber alcanzado mi sueño de tener el cultivo de flores y de crear con ellas obras de arte. ¿Qué planes tienes para el futuro de La Florentina?

Seguir aprendiendo de floristas que admiro, ir a donde lugares fascinantes donde puedo ver flores nuevas para mí y seguir cultivando más flores. También quiero enseñar técnicas de “table styling”, que es cómo poner una mesa linda, sin necesidad de gastar tanto dinero usando lo que se tiene en casa.

Por Luz Elena Ramírez Porres Fotografía de La Florentina Lorena está en Instagram como @la.florentina

Lorena estudió Diseño gráfico en el “Art Institute de Fort Lauderdale. Esposa y madre de dos hijas, la florista disfruta mucho de su familia y su casa.

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RESIDENCIAS

La Casa In

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on un terreno de dimensiones poco convencionales, por decirlo de alguna manera, el reto de diseño para esta casa ubicada en zona 16, fue conseguir la entrada de luz natural en todos los ambientes interiores, así como conectarlos entre sí y hacia la vegetación del exterior. O dicho de otra forma, la Casa In es conexión en su estado más puro.

Erick López y Miguel Sagastume, fundadores de la reconocida firma Garabato Arquitectura, recibieron el encargo de diseñar una casa en la que se aprovechara por completo un terreno particular. “La premisa detrás del diseño era crear ambientes amplios, pero existía una limitante: la propiedad tiene 8 metros de ancho por 25 de profundidad, así que hubo que desarrollar un concepto único que nos permitió producir un proyecto lleno ventanas que dan apertura a los interiores”, explica López, refiriéndose a lo que se convirtió en una distribución de ambientes muy funcional, con conexiones y vistas hacia los jardines frontal y posterior. “Queríamos que cada espacio recibiera una dosis importante de luz natural”, agrega.

Y efectivamente, en la Casa In los jardines y las terrazas se conectan con cada uno de los ambientes interiores, tanto en la planta baja como en el segundo piso.

“Quisimos lograr una fluidez de recorridos, de visualizaciones hacia la vegetación y los celajes, y como decía Erick, la entrada de iluminación natural era un rasgo innegociable para los propietarios de la vivienda”, dice por su parte Sagastume, refiriéndose al matrimonio que habitaría la residencia con su hijo de tres años, y que en todo momento estuvo consciente de que el terreno tenía sus desafíos.

La firma, responsable entre otros del diseño de los restaurantes Hacienda Real Cayalá o Coffee Libre, la singular Casa del Mango en Río Dulce (publicada en nuestra edición número 30), o el showroom de Ferco en 20 calle zona 10, se encargó no solo de la arquitectura de la Casa In, sino del diseño de interiores y de la ejecución total del proyecto. “Es una construcción de 263 metros cuadrados distribuidos en dos plantas. Abajo se encuentran sala, comedor, cocina, baño de visitas, lavandería, bodega, área de servicio, jardines y garaje.

Ahí manejamos una altura de 3 metros, mantuvimos la losa de concreto expuesto libre de cualquier elemento estructural, por lo que la sensación de amplitud es palpable”, continúa Sagastume, mientras señala que en el segundo nivel situaron dos dormitorios secundarios con un baño compartido, estudio, terraza y, por supuesto, el dormitorio principal con su baño. “Las alturas que manejamos en

Fachada vista frontal

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LAS PERFORACIONES EN LA FACHADA DE LA CASA PROPORCIONAN CIERTA TRANSPARENCIA AL DORMITORIO PRINCIPAL, ASÍ COMO EFECTOS DE LUZ Y SOMBRA AL ATARDECER. LA FIGURA GEOMÉTRICA QUE SE UTILIZÓ COMO PARÁMETRO UNIFICADOR DE DISEÑO FUE EL CUADRADO, UNA FIGURA QUE SE REPITE EN MUROS, VENTANAS, LÁMPARAS Y, CLARO ESTÁ, LA FACHADA.

la segunda planta varían entre los 3.00 y 4.80 metros, este último en la sala familiar, el punto más alto en el techo a dos aguas, y al igual que en primer nivel, la losa es limpia para que predomine el concreto visto”, sigue el arquitecto respecto a la casa que fue pensada para dar protagonismo a las superficies lisas y sin interrupciones. Y es que, de acuerdo con los arquitectos, la idea fue suspender la planta del segundo nivel para generar una fluidez completa en la planta inferior, sin una transición o cambio de nivel en la losa de concreto.

Al hacer un recorrido por la residencia, que en todo momento busca conectar el afuera con el adentro y cuyos materiales principales son el concreto expuesto, los

pisos pulidos, los muros blancos, la madera clara, los marcos negros y la vegetación, notamos detalles espectaculares como el hecho que la sala principal se fusiona sutilmente con la luz y las plantas del jardín frontal. “Queríamos esa conexión, por eso el uso de superficies de cemento visto con apariencia de tablones de madera en el techo, así como un suelo continuo de cemento líquido enmarcado por las vistas hacia los exteriores”, prosigue López, mientras notamos que el interior de la casa es sobrio y balanceado, cada estancia tiene su importancia y su punto de interés. La cocina y el comedor, por ejemplo, tienen vista hacia el jardín posterior, y la base de su diseño fue que pudieran conectarse por completo entre sí, por eso

la presencia de puertas corredizas que se abren totalmente. “Así se logra traer el jardín hacia dentro de la residencia, y a la vez generar un volumen de vidrio muy interesante”, añade López. Sobre la cocina se construyó un impactante voladizo de 3 metros, el cual forma un vacío sobre el comedor por el que ingresa la luz y la losa se extiende hacia el jardín sin ningún soporte estructural.

El proyecto funciona como un lienzo en blanco para recibir y percibir la vegetación que lo rodea. “Para unirlo con el resto del jardín ubicamos una terraza verde que cuando crezca unirá el plano vertical de la casa con los dos horizontales. La terraza aporta vistas a los dormitorios secundarios en el segundo nivel”, continúa Sagastume, aclarando que el equipo situó el garaje de forma paralela a los ambientes del primer nivel para conseguir un espacio

Elevación interior

de estacionamiento no visible desde los ambientes interiores principales. “Sin embargo, el garaje tiene una visual desde el ingreso hacia el fondo de la residencia, lo cual aporta la sensación de amplitud que buscamos en todo momento y, por supuesto, el contacto con la naturaleza”, agrega López. El estudio de la casa en el segundo nivel también está unido a una terraza con jardín que funciona como punto de entrada de luz para esta y para el dormitorio principal, desde el cual también se puede acceder al mismo.

Ambos dormitorios segundarios cuentan con vistas al jardín posterior y al techo verde del área de servicio y sus losas se manejaron a distintas alturas para formar volúmenes arquitectónicos.

En cuanto a los detalles de diseño interior que vale la pena resaltar, López y Sagastume están de acuerdo en que las vetas de madera fundidas en la losa de concreto, la vegetación que se mezcla con el interior y la consecución de interiores modernos pero cálidos son sin duda los grandes aciertos del proyecto. “Los acentos en madera claros y oscuros son otro detalle a destacar… creo que al final conseguimos un interior sobrio que persigue las formas de la arquitectura, exaltándola y dándole protagonismo”, dice López respecto a la casa con muros totalmente blancos. Garabato Arquitectura diseñó el mobiliario de la Casa a la medida en un 80 por ciento.

“Cada espacio es único y diferente. En el diseño y fabricación mobiliario tuvimos 27

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LA PREMISA DE DISEÑO ERA LOGRAR UNA CASA HACIA DENTRO, EN LA QUE LOS VECINOS NO TUVIERAN CÓMO VER LO QUE OCURRE EN EL INTERIOR.

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EL CONCEPTO PARA ESTOS ESPACIOS ERA CONSEGUIR QUE SE CONECTARAN DIRECTAMENTE CON LA VEGETACIÓN, POR LO QUE LAS PUERTAS DE VIDRIO SE ABREN AL COMPLETO. ASÍ LOS ARQUITECTOS LOGRARON TRAER EL JARDÍN AL INTERIOR DE LA RESIDENCIA Y GENERAR UN VOLUMEN DE VIDRIO.

la oportunidad de incorporar madera con un tono claro y tops de piedra en color blanco. Es más, la madera clara está en el 95 por ciento de la casa con el propósito de sumar al deseo de tener ambientes muy claros”, explica López.

En nombre de Casa In viene de la intención de crear un concepto hacia el interior de la propiedad, en el que, por ejemplo, los vecinos no tuvieran acceso hacia adentro. “Aún no existen construcciones colindantes pero está claro que no tardan en aparecer, no queríamos que los residentes tuvieran que tener contacto visual con estas. Así cobra aún más importancia la entrada de luz natural y la presencia de vegetación, además desde el interior se puede admirar el cielo”; concluye Sagastume. Vale terminar el recorrido recalcando la fachada de la propiedad, un volumen limpio y sobrio que consigue cierta permeabilidad a través

de perforaciones a un ritmo aleatorio y sobre todo que brinda a la residencia una imagen de revista.

Por Ana Isabel Villela Fotografía por Víctor Martínez

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EL ARTISTA

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La niña de sus ojos

A

na Lorena Nuñez no fue de esas niñas apasionadas por el arte. Si, gustaba de experimentar, de ser libre, de expresarse más allá de las convencionalidades y de leer, porque su mamá tenía muchos libros.

“Nací cuando mis hermanos mayores ya eran grandes, el menor tenía 15 años, así que crecí entre adultos; además, mi casa estaba siempre llena de gente”, recuerda la artista, cuya familia vino desde Costa Rica por trabajo con un plan de estadía de 4 años que se convirtió en para siempre.

“Estábamos muy en contacto con otras disciplinas del arte, mi hermano es músico, yo hice ballet, estuve en jazz… tenía facilidad manual y pasé por todas las manualidades, así que cuando llegó la hora de entrar a la universidad me decidí por el diseño gráfico”, continúa, aseverando que, en aquellos años, a principios de los noventa, la carrera significaba mucho trabajo, pues aunque las computadoras empezaban a decir presente, aún había que hacer prácticamente todo a mano. Y como la U empezaba a las dos, durante los 3 años que estuvo estudiando, Nuñez trabajó medio tiempo en una agencia de publicidad. “Creo que aprendí más ahí que en las clases”, dice con humor, pues eso ponía algo incómodos a sus catedráticos.

Una vez graduada, Nuñez tuvo la oportunidad de trabajar en algunas de las agencias de publicidad más importantes del país, primero como diseñadora y más adelante como creativa. “En 1999 me casé y al poco tiempo vinieron mis hijos, dejé de trabajar y me dediqué por completo a ellos, a la familia… ¿qué hice con las horas libres una vez se fueron al colegio? Me entregaba a cualquier cosa creativa, hice collares, adornos de navidad, cojines, tejía con tricot… soy muy mala para los tiempos, pero hace unos 12 años, en lo que terminaría siendo un diciembre determinante, me desperté un día pensando ‘necesito pintar’. Era una necesidad urgente, pero ya no había clases, nada estaba abierto, tuve que esperar hasta enero… Inicié en Galería

Ríos, fue mi primer contacto con técnicas como el pastel o el acrílico”, comenta, convencida de que las técnicas van hablándole, llamándola por así decirlo.

La naturaleza curiosa de Nuñez la llevó a experimentar por su cuenta. “Me fui formando a mi misma, soy lo que se dice una autodidacta, veía cosas en la red y luego intentaba ponerlas en práctica, y en una de esas compré un libro sobre acrílico producido por la compañía Golden Artistic Colors, y resultó que la artista que escribió el libro daba cursos. Así me fui a Santa Fe, Nuevo México, en Arizona, una semana”, recuerda, reconociendo que para ese entonces nunca había pensando en exponer ni mucho menos.

La pintura era para ella simplemente una fuente inagotable de satisfacción interior. “Era como cuando te comes un chocolate después de haber tenido antojo por mucho tiempo”, continúa entre risas.

Nuñez aprovechó el viaje para tomar otro curso de tres días de encáustica. Al regreso, sus hijos, que ya tenían 8, 6 y 4 años, se iban al colegio la mayor parte del día. Ella se convirtió en artista por las

mañanas y en las tardes regresaba a ser mamá. “El curso no trataba de fotografía sino de acrílico, pero yo había investigado a profundidad la técnica de transfers, así que le pregunté a la artista si podía enseñarme, me enganché…”, confiesa.

Después vino mucha experimentación, tanto que por un tiempo terminó excediéndome en ese constante intento, en la prueba y el error. “Si algo no servía, pintaba algo más encima, es lo bueno de estas técnicas… No puedo quedarme en lo mismo porque me aburro”, expresa la artista, quien reconoce que su primera exposición vino de la mano de una amiga insistente, quien organizó todo mientras ella estaba de viaje para que no pudiera hacerse para atrás. “No me sentía lista… montamos una pequeña muestra en Casa del Águila con piezas en acrílico y en acrílico mixto. Estuvo bonito, pero no me quedó el mejor sabor de boca”, continúa, mientras reflexiona en la importancia del orden mental que se requiere para lograr una muestra coherente, con una secuencia. “Si recuerdo ese momento entiendo por qué no fue mejor”, agrega.

Ahora, Nuñez está clara en que debe existir una idea original desde la cual todo se va desarrollando.

Vale decir que, en esos años iniciales, con el bienestar interior que genera el proceso de crear, Nuñez experimentó cambios en su vida que necesitó balancear. “Me costó aprender que el artista tiene que ordenar su mente para después ordenar todo lo que está alrededor. Te organizas hasta para pasar tiempo con la familia, algo que en un momento puedes dejar de lado si no tienes cuidado”, explica una Ana Lorena madura y consecuente, que ha decidido tomarse 2019 para volver a explorar sin prisa, un año ausente de las grandes expos y eventos. “Llegué a vivir en una especie de frenesí, todo era entregar aquí y allá, soy extremadamente perfeccionista, no hago nada por salir del paso y el desgaste llegó a ser demasiado.

Quizá a finales de agosto arme una pequeña muestra con lo que salga de estos meses”, explica. Es que ganar el premio al mejor artista emergente en la edición de 2011 de Arte en Mayo abrió muchas puertas para la artista. Pero regresemos a donde íbamos.

“Trabajé duro hasta que me sentí lista para enseñar mi obra al mundo, así que empecé a tocar puertas en distintas galerías, pero todas me preguntaban dónde había expuesto antes, y al decir que en ningún lado, me cerraban la puerta. Un círculo vicioso”, recuerda Nuñez, mientras confiesa que por eso está agradecida con Caos, en donde montó una pequeña muestra con una serie en encáustica. “Estaba nerviosa, mi fin no era ese pero se vendieron varias piezas y eso es brutal, te motiva mucho porque te confirma que alguien se identifica contigo, con la obra, algo que hiciste le habló a esa persona”, expresa. Según sus propias palabras, al crear uno se muestra desnudo al resto del mundo y eso puede resultar, como poco, arriesgado.

Sin embargo, Nuñez cree que cuando las cosas son para uno siempre se dan.

Corría 2008 y, como dicen, empezó y terminó con buen pie. “Me aceptaron en las tres colectivas a las que apliqué, empezando por Junkabal, que para mí fue una sorpresa, y mis piezas se vendieron, fue como un reconocimiento que no esperaba”, recuerda. Y a partir 33

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de ahí, el reto se volvió más complicado, y ella aún más exigente consigo misma, pues había una calidad que sostener y sobrepasar. Encima, al año siguiente, la historia se dio al revés y no fue aceptada en ninguna de las colectivas importantes que se organizan en la capital. “Son esas lecciones de humildad que a la larga te hacen mejor persona, pero que en el momento frustran”, reconoce, y ese diciembre, como que fuera su mes mágico, volvió a tener una revelación: si esto está significando tanto desencanto, lo mejor es seguir pintando sin esperar nada a cambio.

Llegó 2011. Con la intención de seguir pintando solo para sí misma, Nuñez dejó de comprar fotografías para usar en la técnica mixta que la caracteriza y empezó a hacer sus propias imágenes. “Mis hijos se convirtieron en mis modelos, y con el tiempo pasé a fotografiar exclusivamente a mi única hija, que desde ese momento protagoniza todas mis series, exceptuando lo que es arte pop”, explica Nuñez, y eso realmente me impacta porque no sabía ese detalle tan único. ¿Qué madre tiene ese privilegio? Al final, ese año, Ana Lorena Nuñez no solo entró a Arte en Mayo, sino que fue nominada al galardón a mejor artista emergente. “Estaba feliz con la nominación, jamás esperé ganar… todo fue una revelación, entender que hay que darle tiempo al tiempo, que todo tiene su por qué”, agrega, consciente de que hasta ese momento no había llegado su turno porque había cosas que aprender. Apresurarlo todo casi nunca es buena idea.

Nuñez describe los años entre 2011 y 2018 como una vorágine de creación.

Con el premio se abrieron las puertas más increíbles. “El Áttico fue el primero en recibir una muestra de esta nueva etapa, vino la serie Patrones en 2012, que surge alrededor de las conductas que te encierran en lo que se espera de ti… Juannio fue en 2013, y a raíz de eso expuse en la galería 1-2-3 de El Salvador, en donde encontré una escena artística muy interesante”, enumera la artista.

Después vino una muestra en Honduras, una inesperada proyección de su obra en Times Square gracias a la plataforma

“CON UNA LEVE BRISA EN EL ROSTRO Y UN SENTIMIENTO DE PAZ Y SATISFACCIÓN, VALLS ME INVITA A PASAR A UNA SALA PARA CONTINUAR CON LA ENTREVISTA.“

SeeMe y otra ida a Miami. “Asistí a un curso que se llamaba El Artista como Emprendedor, impartido por la New York Foundation for the Arts, y de esa cuenta surgió la oportunidad de participar de la colectiva La Crisálida, la cual se expuso en la galería de la fundación en Nueva York, que está por el área de Dumbo”, dice la artista, y para 2016, su obra estaba ya cruzando el océano para participar de The Other Art Fair en Londres, Inglaterra.

“Fue una gran experiencia, vendí mis piezas y expuse tres veces más en distintas colectivas de la ciudad. Otra participación que tuve en Europa fue por el concurso A single grain of rice, que organiza una galería francesa. Apliqué y me aceptaron.

Te pedían que enviaras obra para ver si era acorde a la línea que manejaba la galería, así que de eso aprendí que no es que la obra sea buena o mala, sino que la galería maneja un estilo u otro”, continúa.

Podríamos seguir con historias similares pero no hay más espacio.

Llegamos a 2018, un año complejo para Ana Lorena Nuñez. Con una cantidad de trabajo abrumadora, que incluso la llevó a trabajar hasta altas horas de la noche, o bien en las madrugadas, con tal de no descuidar el resto de su vida, y un viaje por temas de salud que duró más de un mes. “Me cansé, el arte está en mi ADN, es parte de mi, y por eso mismo quiero hacerlo bien y disfrutarlo.

Cada pieza es parte de uno como persona, no importa si es del agrado de alguien más, entendido o no. Así que quiero retomar mi proceso creativo, quiero creer en mi”, concluye la artista, quien como decíamos espera tener algo para enseñarnos a finales de año. Estaremos atentos.

Por Ana Isabel Villela

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CIRCUITO ARTE

¡Estamos listos para el mes más artistico del año!

La cuenta atrás para que inicie el Festival de Arte en Mayo ha comenzado, así que les traemos un pequeño sneak peak, esperando se contagien de emoción.La Fundación Rozas-Botrán, fuerza ejecutora detrás de esta noble iniciativa, ha decidido este año citar al Papa Francisco para reflejar el corazón que late detrás: “Los arquitectos, pintores, escultores, músicos, cineastas, escritores, fotógrafos, poetas y los artistas de otras disciplinas están llamados a hacer brillar la belleza, especialmente allí donde la oscuridad o el gris dominan la vida cotidiana... los artistas son heraldos y testigos de esperanza para la humanidad”. Como siempre, el evento es a beneficio del Campus Médico San José.

Juan Carlos Calderón - El viaje (Guatemala)

Ana Lorena Núñez - tríptico Memorias fragmentadas (Guatemala)

Domingo Górriz Concéntricos en composición columnar (Guatemala)

Betty Paiz Madona (Guatemala)

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Waseem Syed - tríptico - Verdad abstracta, de la serie Algo de la nada (Pakistan-Guatemala)

Manny Rionda - Marcando I (Guatemala)

Daniela Sierra de Ibargüen Aún te llevo (Guatemala)

Cristina Fernández Close Desatar (Guatemala)

Rocío Villanueva Adoración a la piedra (Guatemala)

CALENDARIO GENERAL DE ACTIVIDADES

Espacio Cultural Rozas-Botrán Paseo Cayalá Viernes 06 de mayo al 18 de junio Intervención del Cubo Blanco 30 de abril al 5 de mayo Intervención de paneles en la Galería Abierta - 11 y 12 de mayo

Museo UNIS Rozas-Botrán Contemporáneo

Danilo Rosales Tentación II (Guatemala)

Taller participativo orientado por el artista Waseem Syed el 3 y 8 de abril Intervención de columnas en la Cafetería durante mayo

Espacio Cultural Rozas-Botrán zona 14 Inauguración miércoles 15 de mayo La exposición está abierta al público del 2 de mayo al 29 de junio 39

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PASAJE CULINARIO

Al Fresco deleite universal y alimento de los dioses

El termino “al fresco” proviene del italiano y significa afuera o comer afuera. Eso si, en Italia “al fresco” significa estar encarcelado, y se cree que se aplica así porque en tiempos pasados las cárceles en aquel país eran a la intemperie. Si vas por allá te sugiero no pedir “comer al fresco”, el mesero puede burlarse de ti, es mejor decir “vorrei mangiari fuori”. En el resto del mundo, al fresco es disfrutar de estar afuera, sobre todo en las latitudes donde las cuatro estaciones son sumamente marcadas y se espera el final de la primavera y el verano como acá esperamos el agua de mayo. Los restaurantes abren sus espacios como jardines y patios para que todos disfruten de los rayos del sol, el aire templado y el bienestar que genera estar a la intemperie durante el día y la noche.

A pensar en ello se me viene a la mente una terraza o un jardín rodeado de vegetación, con una suave brisa corriendo, el cielo estrellado y una fría copa de vino blanco, además de buena compañía y música sabrosa de fondo. Estando fuera de nuestras cuatro paredes hasta se puede sentir una dulce sensación de libertad y tranquilidad. La comida perfecta para estas ocasiones debe centrarse en platos ligeros, fáciles de comer, llenos de sabor y que no dejen el estómago pesado. Una

buena pizza hecha en horno de leña, un plato de antipasto con jamones y quesos, una carne asada el carbón, vegetales y una ensalada sacan la tarea.

Durante la Semana Santa del año pasado pasamos con un grupo de amigos unos días en una finca de clima templado. La casa de estilo colonial tenía un jardín tropical, una mesa bajo los árboles y una cocina con horno de leña. ¡Todas las comidas las hicimos afuera y fueron los momentos más agradables de la vacación!

Te doy algunas sugerencias para que tu reunión al fresco sea un éxito: 1.Escoge un cóctel: haz una lista de ingredientes, generalmente los cocteles incluyen un licor, agua carbonatada, hielo y el adorno (una hierba o frutas frescas, una especia o un bitter).

2. Decide servir entradas o boquitas fáciles de preparar como un plato de quesos y jamones, algunas frutas frescas, nueces, pan o chips.

3. Prepara una ensalada ligera o una ensalada de pasta que puedas dejar hecha con anticipación.

4. El plato fuerte puede estar a temperatura ambiente o preparado en el momento.

La barbacoa o mariscos frescos a la parrilla son ideales.

5. Sirve un postre pequeño.

6. Ármate de un vino frio, el que más

te guste, o pídeles a tus invitados que lleven una botella.

7. Decora tu mesa con flores frescas y una vajilla ligera.

8. ¡No olvides una buena selección de música!

Paulina

Paulina de la Cerda es chef, estilista de comida y fotógrafa

LAPAU RECOMIENDA

Panito Bakery

Fibra by Lamulticolor

Es una panadería artesanal “back to basics” de chicos emprendedores y apasionados por su trabajo. Los socios no usan preservantes, mejorantes, grasas hidrogenadas ni colorantes.

Les recomiendo el pan pretzel, brioche, baguette, las focaccias y el pan campesino integral con granos.

Set de individuales (4), tortilleras, paneras y estuches para cubiertos en tonos tierra. Hechos de 97/100 plástico HDPE reciclado en Guatemala y tejidos a mano por mujeres guatemaltecas. La nueva propuesta de Fibra by Lamulticolor es darle nueva vida y valor al plástico en Guatemala. ¡Perfectos para su casa de verano, jardines y mesas al aire libre!

TABLA DE QUESOS Y FRUTA SOBRE LA MESA

LA RECETA

(Receta para 10 personas) INGREDIENTES

4 oz queso de crema suave o mitad queso crema y mitad queso de cabra 3 cucharadas de cebolla morada cortada en cuadros pequeños 1 cucharadita sal 1 cucharadita chile chipotle ¼ cucharadita salsa inglesa BROTES DE MOSTAZA

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2 duraznos

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2 nectarinas

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1 rábano cortado en medias lunas *opcional

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Nueces o avellanas

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Tostaditas de pan

Batir el queso hasta que esté suave, agregar el resto de los ingredientes.

Sobre una superficie plana (tabla de piedra o azafate plano) extender el queso con una espátula, dejando una fina capa. Decorar con las frutas y el rábano.

Espolvorear las nueces y los brotes.

La idea es colocar la tabla sobre la mesa y que cada persona se prepare su tostadita. Puede usarse otra fruta (idealmente, manzana o mango), jamones o aceitunas.

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OBJETOS DE DESEO

Los bombones Escultura en resina cristal con color de MarĂ­a Cristina Arenas, inspirada en la serie Los juguetes de Guatemala.

DANZA CREATIVA BALLET JAZZ HIP HOP tap

PLAZA DECORÍSIMA 2366 - 5684 / SPORTA - 6648 - 0100 / FACEBOOK/DANCESTUDIO