DISEÑO / ARQUITECTURA INTERIORES / ARTE
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Sumario EL SALTAMONTES Proyectos que hacen ciudad: Pradera Vistares
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LOS DIEZ Todos a la cocina
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LO MÁS INTERIORES
CONSEJO EDITORIAL Alfredo Saravia, Ana Isabel Villela, Machteld Oosterbaan, Roberto Bianchi, Maricarmen Rodríguez, Paulina Prado DIRECTORA Ana Isabel Villela anaisabel@revistahabitart.com COLABORADORES Machteld Oosterbaan, Luz Elena Ramírez, María José Escobar
Los baños del 2019
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Los pisos del 2019
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Poesía, movimiento y paz
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EMPRENDEDORES De lo pedagógico a lo nórdico
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CONVERSEMOS Agnes 24
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Porcelana de limoge en Guatemala
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La obra etérea de Abigail Reyes
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RESIDENCIAS La sutileza de un instante CIRCUITO ARTE
PASAJE CULINARIO Veinte años de evolución culinaria 40 OBJETO DE DESEO
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DIRECCIÓN DE ARTE Paulina Prado DISEÑO / ARQUITECTURA INTERIORES / ARTE
DISEÑO Kevin Morales / Eikon COMERCIALIZACIÓN info@revistahabitart.com 15 avenida A 14-12 zona 10 Oakland II 2366 - 3888 / 2366 - 3808
Triple V Ediciones, S.A. Reservados todos los derechos. Prohibida su cita, reproducción, edición o transmisión total o parcial por cualquier medio y en cualquier soporte sin la autorización escrita de Revista HABITART.
EN PORTADA La artista Eva Claessens en su casa de Uruguay fotografía de Romain Dussaulx
Envíenos sus comentarios a cartas@revistahabitart.com
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E L S A LTA M O N T E S ¿Quién hace que en la ciudad?
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Proyectos que hacen ciudad
A
l observar el horizonte montañoso desde su privilegiada ubicación en zona 12, al sur de la capital, y en un fenomenal brunch de lanzamiento, nos dejamos sorprender por la magnitud del sueño. Una verja nos separaba de la monumental construcción, mientras sus desarrolladores observaban desde la distancia el surgimiento del revolucionario concepto: Pradera Vistares.
No es para menos. Hablamos de un proyecto comercial que surge de la alianza entre dos reconocidos consorcios locales, Grupo Tecún y la transnacional Corporación Multi Inversiones (CMI), a través de su división inmobiliaria, Multi Proyectos, quienes están desarrollando la obra con una inversión de US$70 millones dividida en dos fases: un centro comercial y dos torres de vivienda. En su primera fase, la ambiciosa edificación contará con 72 mil metros cuadrados de superficie, agrupando a más de 130 tiendas, una decena de restaurantes de tenedor, siete modernas salas de cine, un supermercado, entidades bancarias y un atractivo parque de juegos infantil. Para Enrique Crespo, CEO de CMI, con Pradera Vistares renuevan como grupo su apuesta por Guatemala y los cimenta como compañía líder en el mercado nacional después de 90 años de trayectoria empresarial. “Estamos convencidos de que este es un sector estratégico para desarrollar soluciones comerciales y habitacionales en el sur de la ciudad. El uso mixto de la tierra brinda una solución integral, de valor, a los ciudadanos del sector”, agrega. El presidente de Grupo Tecún, Juan Maegli, por su parte, se refiere al proyecto, muy en concordancia con las palabras de Crespo, como “un auténtico oasis urbano en el corazón de zona 12”. Pensar en Pradera, además, es pensar en exclusividad, shopping y entretenimiento élite, junto a una gama completa de servicios que suplen las más variadas necesidades de sus consumidores. A cargo del conglomerado de centros comerciales se encuentra Luis Villela, quien habla con entusiasmo del nuevo desarrollo inmobiliario. “El proyecto nace del sueño de poder ofrecer un valor agregado al sector sur de la metrópoli, con elementos
De Izquierda a Derecha Pablo Solórzano, Luis Villela, Ricardo González, Enrique Crespo, Juan Luis Bosch, Hanz Ritz, Stefan Ritz, Carmen Maegli y Gabriel García.
premium y fáciles accesos al sector business del país”. Y es que, Vistares se encamina a un estilo de vida funcional bajo la premisa de valor agregado en un proyecto de uso mixto que cuenta con un formato de entretenimiento nunca antes visto en opciones de comida y compra. Al frente de su diseño se encuentra Alfredo
Saravia, el reconocido arquitecto, quien nos adentró en el corazón del singular concepto. Según él, la edificación goza de un aire contemporáneo de líneas rectas con la finalidad de permanencia atemporal. “Utilizamos elementos naturales como la madera, jardineras entre muros y elementos color tierra. Queríamos
evocar la naturaleza”, explica. Además de iluminación y ventilación natural, el recinto contará con materiales reciclados o reclamados. “Un centro comercial de primer nivel eleva la calidad de vida de las personas, por eso es tan importante apostar por ello”, asegura. Sin lugar a duda el concepto de autenticidad y confort inyectará a la zona plusvalía y más crecimiento. Viviendas, shopping y ocio en un mismo espacio. “La ciudad cambia en la medida en que la gente vuelve a vivir en la zona”, finaliza Saravia. Pradera Vistares, resulta entonces esa obra innovadora de epítome arquitectónico para la marca, con aires atemporales y bajo la premisa de belleza estructural, una combinación perfecta entre allure contemporáneo y sofisticidad minimal, digamos, avant-garde. Una crónica de Jacobo Suret Fotografía de Rodrigo Mussapp
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LOS DIEZ
Todos a la cocina
E
nero llega acompañado de nuevas oportunidades, retos y sueños. Luego de una temporada de fiestas, comida y reuniones familiares, es hora de empezar un nuevo año. Este mes Machteld nos comparte algunos consejos para remodelar la cocina, un área que se merece una renovación después de una época de tanto ajetreo.
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Una de las formas mas fáciles de darle un toque fresco a la cocina es cambiando los jaladores. Hay muchos productos bastante interesantes que se puede comprar en línea, como este con diseño hexagonal de Emtek.
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Me fascina la cocina del diseñador Valentin Loellman. Con un look moderno, pero con acentos y elementos orgánicos, como la banca con curva y la patina de los frentes que generan un ambiente acogedor.
MACHTELD OOSTERBAAN
es diseñadora de interiores especializada en el nicho de hoteles boutique y restaurantes y nos comparte cada mes sus 10 favoritos del mundo de diseño actual.
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Me gusta mucho como queda el look de la cocina cuando se incorporan elementos de latón, como en esta donde lo incorporaron en el lavaplatos. El contraste con el top blanco y los frentes de la cocina es espectacular.
Otra manera atractiva para cambiar el look de tu cocina es con una nueva vajilla. Una maravillosa opción es este set de madera de Anthropologie.
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Siempre es una buena idea combinar varios tonos de un mismo color, como se ve en estos platos de H&M. El resultado final es una mesa elegante.
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Admiro profundamente el trabajo del diseñador Vincent van Duysen. Él diseñó esta cocina para Dada Kitchens, que genera un ambiente interesante e innovador.
Rejuvenation tiene una amplia selección de grifería de latón con un diseño moderno y elegante, perfecto para cualquier estilo de cocina.
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Me encanta cómo quedaron los colores de estas cocinas. El verde y rosado son colores que están muy de moda. Ambas muestran un estilo moderno, pero con un look acogedor por los tonos y la madera.
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Los cubiertos de Poketo, disponibles en negro y latón, quedan preciosos. Si combinas ambos sets quedarán incluso mejor.
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Un último consejo: trata de decorar la cocina con accesorios que usualmente se reservan para ambientes como la sala, como un lindo florero o una pieza de arte interesante. 13
LO MÁS Interiores
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Los baños de 2019 10 tendencias según Machteld Oosterbaan
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l color, las curvas, los muebles, el arte y hasta una pizca del estilo “brutalist” entran este año al nuevo cuarto de estar de la casa: el baño. Machteld Oosterbaan, nuestra interiorista in house, nos trae el reporte más completo. Vale decir que los conservadores que prefieren los tonos neutros y los efectos discretos también encontrarán inspiración.
1.
Una de las tendencias mas grandes del momento son los muebles o artefactos de colores. Cualquier tono vale. En la foto un ejemplo de un render del reconocido estudio de interiores con sede en Kiev, Ucrania, Iya Turabelidze. ¡Un ambiente alegre y diferente!
2.
Con un diseño mucho más orgánico y colores neutros, esta sala de baño se ubica nada más y nada menos que en la terraza de una casa en Ibiza. ¡Qué rico bañarse afuera!
3.
El mobiliario con curvas es el último grito de la moda, pero también se ven mucho las paredes y los muros curvos. En este baño de Thomas Kroger Architects se juega con la curva de una pared con lo lineal del otro muro y el mueble. La combinación es como poco, muy interesante.
4. La diseñadora francesa Sophie Pinet es sin duda parte de la nueva generación de diseñadores ultra hip. Me fascina como orquestó este baño con arte y mobiliario único. La idea es que sea una habitación, o una sala, y no solo baño. 5.
Sobrio pero muy fuerte en su diseño es este baño del estudio australiano Decus Interiors. Además de hermoso, es un claro ejemplo del estilo ´brutalist´ que es tendencia en este momento alrededor del mundo.
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6 6. Me encanta el detalle y el universo de color que ofrece la pared principal de este baño combinada con el muro liso y sobrio del espacio posterior. Diseñado por Tom Robertson, el espacio es protagonista del ya famoso penthouse en Melbourne, Australia, Holly Penthouse reporteado en las revistas de arquitectura más importantes del mundo. 7.
Z River Studio montó los renders de un apartamento Zen en Manhattan. Este baño, con sus líneas simples y elegantes, es a la vez acogedor por los muebles de madera y las formas curvas hasta en el espejo. ¡Me encanta!
8.
Este baño ubicado en el B&B Belgica Kooj presenta una combinación efectiva de las tendencias de líneas rectas, curvas orgánicas y el uso del color. La original tina y los curiosos lavamanos están hechos a mano en barro en tono terracota. Precioso.
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9. Me parecen muy interesantes las divisiones de este baño moderno con sus azulejos blancos y la sisa negra. Una obra maestra del minimalismo. Y por cierto, qué lindo quedó el jardín interior.
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10. Diseñado exclusivamente en negro/ gris con materiales y acabados de lujo, este baño diseñado por Herbst Architects de Nueva Zelanda para la casa Waiheke, exuda elegancia pura y sofisticación.
LO MÁS Interiores
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Los pisos de 2019 10 tendencias según Andrea Monedero
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nvitamos a la talentosa salvadoreña, directora de arquitectura y diseño del estudio Little Coins, a darnos sus predicciones en materia de los estilos, formas y colores que veremos en pisos durante este nuevo año. Monedero y su equipo han creado espacios como 1001 noches o el showroom de Galería Viterra. Su talento y creatividad, especialmente cuando de pisos y muros con personalidad se trata, trasciende fronteras.
REÚSO, REÚSO, REÚSO Hace poco rehabilitamos un antiguo banco. En el proceso tuvimos que quitar los mármoles de un pasillo, pero lo reutilizamos para hacer unas islas en el jardín, completándolas con otros pedazos que provenían del desperdicio de una empresa de granito. Esta es una buena manera de volver a utilizar pisos que “ya no sirven”. Yo intento no usar mármol porque creo que las canteras se han usado de manera irresponsable.
GRANIZO TERRAZO Usar el terrazo es un reto porque el granito tan pesado de los 70’s suele intimidar, aunque es uno de los favoritos de mi estudio. Puedes variar la selección de piedrín, el color del cemento, el tamaño y la forma del formato y por ende, darle el twist contemporáneo. A nosotros nos encanta trabajar con tonos pasteles, difíciles de encontrar en cerámica.
MANTENER LOS PISOS ORIGINALES A la hora de una remodelación puede que no sea necesario cambiar todo. Los pisos “de antes” aportan muchísimo carácter a los espacios. El contraste de un piso deteriorado y manchado por su historia, con las paredes limpias hace que resalte aún más su textura y belleza. Amar el proceso de la vejez siempre es una buena idea.
MADERAS Y SUS IMITACIONES Una siempre quisiera usar madera, es una de las mejores opciones si puede hacerse con resposabilidad. Sin embargo, los bosques no se están multiplicando... No soy fan de las imitaciones, pero una manera fácil de ser responsable es usar las de cerámica, que cada vez tienen formatos más realistas y son ideales para exteriores. En todo caso, me parece mejor optar por piezas grandes con sisa pequeña, aunque en casa tengo duelas pequeñas y sisas feas, y a decir verdad, nos sentimos muy a gusto.
LA SISA FUNKY Como fan de lo funky, para mí es un poco triste el limitado catálogo de opciones que ofrecen los vendedores de sisa. Me aburren el chocolate y el gris perla. Sí, los usamos y todo, pero ¿por qué no contrastar con una bella sisa terracota?, por ejemplo, o ¿qué tal un hermoso verde escabeche? En la oficina nos las ingeniamos y hacemos las sisas con pintura en polvo, un poquito a la brava. Vamos amigos proveedores, ¡dennos colores!
CEMENTO PULIDO Los formatos grandes son bellos porque no tienen sisa y resulta en menos turbulencia para el ojo. Para alcanzar esa limpieza e impacto, el cemento pulido es el alma de la fiesta. Eso sí, hacerlo bien resulta más caro que el famoso porcelanato. Así que, como en la vida, es de escoger las batallas.
FORMATOS GIGANTONES Desde que existen los formatos grandes (90x120, 120x120, por mencionar algunos) es más difícil equivocarse a la hora de instalar pisos. Estos sirven tanto en ambientes grandes como pequeños. Ante la duda, puedes optar por lo bueno y seguro, y si tienes un presupuesto cómodo, puedo asegurar que un formato grande no busca pleitos con nadie.
ZÓCALOS Amigos, no piensen en pisos sin pensar en zócalos, son la extensión del piso. Con ellos es muy fácil quitarse la incomodidad de ver mugre en las paredes, además nos dan la oportunidad de agregar prístinos detalles. Miren esta belleza de la casa de Joanie, en Suiza.
ALFOMBRAS Las alfombras son las princesas de las texturas. De chiquita tenía el sueño de tener un cuarto tipo sótano, con juegos y secretos, totalmente forrado en alfombra. Resulta cierto que en la variedad está el placer y, a mi parecer, entre más alfombras, mejor. Por un lado, me asusta la mera idea del mantenimiento, pero no hay nada que una buena aspiradora o sacudida no pueda arreglar.
PISOS TRANSPARENTES Ser liviano es todo en la vida, pienso yo. Lo mejor, al final, es tener más luz y menos material.
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LO MÁS Interiores
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Poesía, movimiento y paz
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n 1953 Christian Flensted hizo su primer movil para celebrar el bautizo de su hija: recortó tres cigueñas, las montó en dos pajillas y listo. Desde entonces cada nuevo movil es hecho artesanalmente con la dosis perfecta de amor, dedicación y gracia, y así conseguir movimiento, balance y relajación. Con el sello de indiscutible calidad del diseño danés, cada pieza se ensambla a mano por uno de los 60 colaboradores de la existosísima firma, ubicada en Funen, la isla del escritor Hans Christian Andersen.
Atom
Aeromobile
Elephant Party
Ballons
Automobile
Dinghy Regatta
Symphony
Scandinavian Swans
Happy Whales
Olephants Gray
Viking Mobile
Shoal of fish
Olephants Pink
Futura
En una Guatemala cada vez más cosmopolita y conciente de la calidad de vida que aporta el buen diseño, nuestros amigos de Five Norden (Design Center) se apuntan un cien convirtiéndose en representantes exclusivos de Flensted. flowing rhythm
Swallow Mobile 19
EMPRENDEDORES
De lo pedagógico a lo nórdico
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o que comenzó como un proyecto para la universidad, es hoy la empresa Integratto Design, que se especializa en la decoración para niños. En esta entrevista nos revelan cuáles son las tendencias que marcarán 2019 para los cuartos de los más pequeños.
Bibi de Bosh
Bibi de Bosh, Sally Castro y Cecilia Molina están detrás de Integratto, un estudio de diseño de interiores que se gestó hace más de una década. Se conocieron cursando interiorismo en la Unis y el nombre fue elegido porque son tres generaciones que unen sus ideas tanto clásicas como contemporáneas para transformar los espacios en los que trabajan. Congresos en México, España, Miami y en especial el de NEOCON en Chicago (enfocado en oficinas), les han servido para ampliar su visión. “Es increíble lo que aprendemos fuera, siempre venimos cambiadas”, expresa Bibi. Con solo entrar a las oficinas se puede percibir su creatividad. Paredes blancas texturizadas, sillas rojas en contraste, mucha claridad que proviene de sus amplias ventanas, por el privilegio de estar ubicadas en un onceavo nivel. Bibi y Sally nos dan la bienvenida y nos explican que Ceci está de viaje.
Sally Castro
Ya acomodadas, recuerdan que su primer proyecto fue ad honorem para Fundaniñas. “La renovación la hicimos durante tres meses intensivos, pero satisfactorios. Ver las caritas de las pequeñas hizo que decidiéramos ‘tirarnos al agua’ y formar nuestra propia empresa. Así empezamos junto con Sally, y posteriormente se nos unió Ceci”, nos cuenta Bibi. Aunque es un estudio para decorar cualquier tipo de ambientes, su especialidad son las habitaciones infantiles. Y de eso hablamos. La personalidad y los gustos de cada niño al igual que el entorno, los colores y la naturaleza son la fuente de inspiración de sus originales creaciones, que van desde murales hasta piezas que eligen para decorar los espacios. “Tenemos una entrevista con ellos (los pequeños) para poder plasmar sus ideas. Aunque claro, mucho de la inspiración también proviene de lo que quieren los papás, y un poco de las tendencias. No somos de imponer modas”, nos asegura Sally.
Cecilia Molina
Las tres diseñadoras se preocupan por lo estético, pero también por el medio ambiente y por eso reciclan. “Tuvimos el caso de una señora a quien debíamos diseñarle el cuarto para una bebé. Había un sofá, hermoso, que había heredado de su abuela. Para aprovecharlo, lo retapizamos y quedó en la habitación como la pieza estrella”, menciona Bibi.
TENDENCIAS Bibi nos revela que para este año estará vigente lo pedagógico, algo que perciben porque las mamás están muy interesadas en que sus hijos sean activos, responsables, motivados y que tengan motricidad en sus habitaciones. “Desean que sus hijos sean más “despiertos”, así que piden cuartos interactivos, por lo que incorporamos libreras, pizarras, escritorios, tumbaderos, bean bags, alfombras, columpios o resbaladeros. Hay que dejar que el niño explote su imaginación, por eso siempre nos inclinamos porque haya juguetes manuales”, nos explican.
Su trabajo se respalda con el método Montessori, un sistema educativo alternativo con buenos resultados de aprendizaje para los niños de todas las edades. Lo aplican desde habitaciones para recién nacidos hasta niños más grandes, porque contempla el desarrollo de los pequeños atendiendo sus necesidades específicas y promueve su autonomía. “En los cuartos decorados con el método Montessori se prescinde de las cunas o camas con barrotes, en los que los niños son totalmente dependientes del adulto. Por eso proponemos camas al ras del suelo para que el niño se acueste y se levante sin necesitar la ayuda de nadie o colores que fomenten la tranquilidad y la armonía, y muebles que se adapten y se transformen a medida que crezcan”, dice Sally. Bibi agrega que con este método los chicos cooperan para que todo esté ordenado. Otro estilo en tendencia será el nórdico, con la característica principal de que está abierto a la luz. No se utilizan telas tupidas en las cortinas y los ventanales quedan “desnudos” para multiplicar la claridad. El blanco es el color insignia, presente en paredes, muebles, complementos, e incluso en el suelo. Conviven con esta tonalidad el beige y el gris. Los toques de color se
añaden mediante complementos como textiles, lámparas, cuadros y juguetes.
MURALISMO Y TONALIDADES Desde épocas remotas, los murales han sido de los recursos más valiosos en la decoración de las habitaciones infantiles. “Como en Guatemala tenemos una sociedad tradicional, los murales no pierden vigencia. Ayuda también que las mamás quieran plasmar momentos especiales o personajes en las paredes de sus hijos; son padres que han viajado, tienen acceso a la tecnología o a sitios como Pinterest e Instagram. Hacemos mucho cuartos temáticos y nos encanta”, expresan. Lejos de la creencia popular en la que se visualizan murales con muchos elementos, también los hay simples, en los que se delinean estrellas o letras, por ejemplo. Los personajes de películas, caricaturas o libros son esenciales y así como la naturaleza, las constelaciones y todo aquello que fomente la imaginación de los niños. Incluso se incorporan elementos en 3D para darle textura y emotividad a cada pared. Al momento de definir el concepto, influye la personalidad del niño y su edad; sus colores favoritos y el uso que se le dará al cuarto. “Es importante 21
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que el pequeño se identifique con su espacio”, dice Bibi. En cuanto a los colores, una habitación puede tener todo tipo de tonos, no hay límite, siempre y cuando estén en armonía. Sin embargo, tanto Bibi como Sally coinciden en que los mejores son los “relajantes” como azules, grises y verdes. “El rojo se puede utilizar como punto de énfasis en corazones, cuadros, carritos, cubos, todo dependerá de la imaginación. El rosa, incluso, se puede colocar en cuartos para varones, en detalles pequeños como letras”, agrega Sally. ¿Hay colores que no usarían? En definitiva, los negros o los cafés, excepto para detalles en los ojos de un muñeco o para delinear algo. En el cuarto de un niño o niña tiene que haber todo tipo de materiales como la madera, los cueros, los algodones o el papel tapiz, que se puede combinar con
los murales o la pintura. También son imprescindibles las alfombras, mejor si son antialérgicas con fibras especiales. El metal se utiliza en pizarrones o en accesorios como robots o lámparas. Eso sí -recalcan-, se debe cuidar que no sean materiales que se quiebren o que puedan herir al niño. No hay tiempo indicado para renovar una habitación infantil. “Considero que por los gastos que se hacen son mejores aquellos diseños que evolucionen con los niños. Es cierto, si es bebé, no usará la cuna cuando crezca, pero hay ciertos elementos que sí pueden perdurar. Las etapas más importantes para decorar el cuarto de los niños serían recién nacidos, 7 años y adolescentes”, concluye Bibi
ALGUNOS CONSEJOS PARA SELECCIONAR LA DECORACIÓN Bibi: “Funcionalidad, que te sirva. Tiene que ser estético, pero que sirva. Vemos cuartos que son preciosos, pero que no son funcionales”. Sally: “Recomiendo usar su color favorito, allí es donde el niño se va a conectar e identificar. También es importante reusar. La cama de la mamá, la del hermanito, todo es utilizable”. Por Haydeé Archila Fotos Creativo Molotov y cortesía de Integratto
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CONVERSEMOS
El Universo de dos
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espués de varios intentos, logramos entrevistar al dúo del momento en materia de diseño. Gustavo Quintana y Estefanía de Ros terminaron 2018 en un frenesí de publicaciones locales e internacionales que, como poco, los colocó en el radar de los creadores top a nivel mundial. Creímos entonces que era mejor dejar que las aguas se calmaran para conseguir así una charla serena y extensa, que realmente nos diera la idea completa de quiénes son, de donde surge lo que hacen y hacia donde van.
Tanto Gustavo como Estefanía crecieron en un ambiente en el que el acto de crear se consideraba como un pilar de la vida. Ambos encontraron en su entorno motores en forma de padre o madre, o incluso de abuelas y abuelos, que los llevaron a explorar su vena más creativa. “Crecí rodeado de dos familias inclinadas al arte, especialmente mis abuelas, una de ellas es cantante de ópera. Hace poco supe que mi abuelo, a pesar de ser abogado, diseñaba lámparas cuando era joven, supongo que, por la época, no continuó… De mi papá aprendí a ser un lector, eso ha hecho la diferencia”, dice Gustavo, quien previo a dedicarse a lo de ahora, trabajó diez años diseñando plataformas tecnológicas. Estefanía, por su parte, asegura que la figura más influyente en su vida ha sido su mamá, una diseñadora de interiores activa y curiosa que le enseñó el enorme valor del emprendimiento y lo invaluable de perseguir los sueños. “Crecí viéndola involucrarse en un sinfín de proyectos creativos, así como disfrutando de tener la casa siempre espectacular. Además, se preocupó por ser una guía para mí en el sentido más amplio de la palabra, y a la hora de elegir una carrera profesional quiso darme las herramientas que necesitaba para tomar la mejor decisión”, agrega. ¿Cómo fue su infancia? ¿Hubo algo que marcó el camino para ustedes? E. Mi mamá estudió diseño de interiores en Londres. Cuando regresó a Guatemala no había mucho campo en donde trabajar, pues en aquella época los arquitectos hacían, como de paso, el interiorismo de sus proyectos. Así las cosas, decidió hacer jardines. Más adelante tuvo una fábrica de textiles con mi tía, a donde me encantaba ir desde chiquita y estar
con las tejedoras. Y un tiempo después también decoró bodas. Mi mamá era la típica que al viajar me llevaba a los museos y se tomaba el tiempo de hablarme de tal o cual pintor o de su obra.
G. De mi infancia lo que más recuerdo es mi pasión por el dibujo. Mi mamá me metió a clases de pintura y dibujo desde muy pequeño, pero a mí nunca me han gustado las estructuras, así que me salí y a partir de ahí todo fue muy autodidacta.
QUINTANA Y DE ROS SIENTEN UNA AUTÉNTICA PASIÓN POR LA CREACIÓN Y FABRICACIÓN DE MUEBLES, OBJETOS Y ESPACIOS QUE SE SITÚAN SOBRE UNA DELGADA LÍNEA ENTRE ARTE Y DISEÑO.
Técnicamente soy hijo único, así que siempre estuve en mi mundo, hubo una época en que incluso rescataba chatarra para crear objetos. Algo grande para mí fueron los primeros laboratorios de computación en el colegio, pues con pocos años y sistemas muy básicos, nos permitieron sentir que estábamos creando, cambiando la historia de la creatividad a través de una tortuga a la que uno le daba comandos para dibujar sobre la pantalla. ¿Y qué pasó después para que tomaran las decisiones que los llevarían hasta donde están hoy? E. Para mi fue decisivo un año que vivimos fuera, en Illinois, porque pude conocer muchos museos y enamorarme del arte. Lo mío no es pintar, me cuesta mucho enfocarme. La única vez que intenté pintar un cuadro tardé como tres semanas en terminarlo, pero lo que hacemos es otra forma de arte, mentalmente es un proceso creativo muy similar. Ese año también me dieron mi cámara, quería ser fotógrafa desde el día uno y solía pasar los días enteros tomando fotos de todo. G. Yo siempre tuve claro que quería estudiar arquitectura, no había muchas opciones más; por ejemplo, el diseño industrial, que también me llamaba la atención, no tenía un pensum tan completo… pero más que diseñar torres, museos, escuelas o casas, mi atención se centraba en el objeto que habita dentro de estos espacios. Cuando tocaba hacer modelos en tercera dimensión, yo le ponía diseño hasta al poste. Tenía un claro interés en lo visual, en la presentación, ponía diseño hasta en el último tornillo. 25
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¿Fue la carrera realmente lo que esperabas? G. La arquitectura lo vuelve a uno detallista, le entrena el ojo. Los principios que se aprenden en la carrera se pueden aplicar prácticamente a cualquier rama del diseño, quizá cambia el objeto, pero los principios son los mismos, logras un ojo clínico que te permite jugar con la estética. Después pasé 10 años diseñando tecnología, y siempre me encontré regresando a los libros de arquitectura para entender ritmos, proporciones y demás. Los alumnos de la Marro en este momento tienen mucho más acceso a la tecnología e incluso pueden complementar su formación con otras carreras, como diseño de producto (Gustavo da clases), y eso hace el proceso mucho más interesante, aprender se vuelve más flexible y por supuesto sale uno mejor preparado que antes. ¿Y tú, Estefanía? E. No, las matemáticas no se me dan, tengo problemas con los números (risas), creo que tengo alguna dislexia leve. Al graduarme (2008), me fui un año de au pair a Manchester (Inglaterra) y fue maravilloso. Tuve la suerte de ir a dar con una familia joven espectacular, en la que el papá incluso trabajaba en moda, algo que siempre me había encantado; cuidaba a un niño de 4 años y a una niña de 7, y en mis tiempos libres tomaba clases de fotografía. Pude viajar y conocer, y solía visitar a una amiga de mi mamá que era actriz, casada con un director de teatro londinense, que tenía un hijo actor y otro director, fascinante. Fue un año increíble. Al regresar, mi plan era seguir estudiando fotografía, pero platicando con mi papá llegué a la conclusión de que era mejor estudiar algo más formal, así que hice un semestre de diseño gráfico en la Landívar, pero no me encantó, y terminé pasándome a diseño de interiores en la UNIS. ¿Cómo y en qué momento se conocieron? E. En 2010, el año en que entré a diseño de interiores. Al regresar de Manchester hice un par de sesiones fotográficas para una revista, por eso me llamaron para cubrir una fiesta que Gustavo organizaba
en el restaurante Jake´s, él quería algo más artístico para la crónica de la noche. Ahí nos conocimos, e hicimos click. Pero, a los días me fui a pasar otra temporada fuera, a Nueva York. Casi un año más tarde volví a coincidir con Gustavo en otra fiesta, empezamos a hablar, y al poco tiempo nos hicimos novios. ¿Cómo inició cada uno su vida profesional? G. Con una semi práctica en la oficina del arquitecto Antonio Prado, quien estaba compitiendo para diseñar la alianza francesa, la idea era colaborar con planos y renders, pero al ser zurdo mis trazos podían ser algo sucios, al ir trazando a la vez iba manchando, una lástima con lo que se ha vuelto ahora el mercado de los renders (risas). Igual después de esa experiencia, con otros dos amigos empezamos a producir renders como un side business, un buen negocio en ese momento porque nadie lo hacía. Yo desde primer año me metí a estudiar programas de diseño por computadora. Esto con el tiempo evolucionó a aprender a hacer las animaciones, y así empezó mi relación con una de las fundadoras de MilknCookies. La idea fue montar una agencia interactiva que desarrollara plataformas tecnológicas para marcas, así como redes sociales y algo de branding. Pasé diez años desarrollando tecnología… E. Mi primer trabajo fue en Taller Ken, entré cuando estaba por iniciar el proyecto de Saúl Madero, un reto increíble porque todo, a excepción de las sillas, se hizo a medida. Fue proceso duro, muy exigente y estresante (dice Estefanía que de esa época tiene un par de canas), pero el resultado no pudo ser mejor. El aprendizaje durante el año que estuve con ellos fue increíble, sin embargo, Gustavo y yo habíamos iniciado proyectos juntos y ya no nos dábamos a vasto, teníamos que trabajar a deshoras, en fines de semana, había que tomar una decisión. ¿Cuándo empiezan a trabajar juntos, entonces? G. En 2014 me hablaron para hacer el primer Café Despierto. Estefanía estaba estudiando la carrera, así que resultó ideal que se uniera al equipo. Trabajamos
con un budget bajísimo, casi cero, tanto que fuimos a rescatar la chatarra de la construcción del edificio de OEG para producir todo lo que pudimos e hicimos el papel tapiz con las ilustraciones de Beto, nos gustó trabajar juntos. Al año siguiente nos llamaron para hacer el segundo Café Despierto, así que decidimos formalizar nuestra alianza como diseñadores. E. Si, 2014 fue año especial. Gustavo empezaba a sentirse cansado del diseño digital y más inclinado a reencontrarse con la arquitectura y el mobiliario. De casualidad encontré una convocatoria de la firma Urban Outfitters para diseñar un mueble que guardara discos de vinilo en un apartamento de soltero. El premio era dinero y la producción del mueble. ¡Gustavo ganó! Y a los pocos meses salió otro concurso de Urban Outfitters, esta vez para diseñar el regalo perfecto de Navidad. Apliqué con un joyero en forma de diamante y también gané. Estuvo expuesto en la tienda de la quinta avenida en Nueva York durante un tiempo. ¿Ese fue el inicio de lo que después sería Agnes Studio? E. No, para entonces, Gustavo tenía planeado viajar a Estados Unidos para hacer una maestría que enseñaba a los diseñadores a convertirse en emprendedores, llamada “30 semanas” y organizada por Google y las escuelas de diseño de Pratt, Parsons y Copper Union. Durante esas semanas creó la plataforma Objeto, una especie de antesala de lo que hacemos hoy, cuyo propósito era unir a diseñadores y artesanos para crear y producir mejor. Al regresar surgió la oportunidad de diseñar La Inmaculada, un hotelito en zona 10.
HASTA AHORA PUBLICACIONES TAN IMPORTANTES COMO LA REVISTA T DEL NEW YORK TIMES, MILK MAGAZINE O ELLE DECOR ITALIA HAN ORGANIZADO REPORTAJES SOBRE AGNES STUDIO.
G. Agnes Studio como tal no surge sino hasta finales de 2016, principios de 2017. Nos llamó un amigo que nos dijo que Agexport, en colaboración con USAID, tenía un dinero para financiar algún proyecto de diseño. Armamos una propuesta en un par de días y la aceptaron. Así surgió Simbiótica, un movimiento que buscaba elevar el nivel de la artesanía local uniendo a diseñadores y artesanos. La exposición se montó en la galería Ezenario Histórico, en Antigua, en septiembre de 2016. Nosotros presentamos tres diseños: un biombo, las alfombras y una lámpara de granito. Después surgía el estudio propiamente. 27
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¿Y de dónde viene el nombre de Agnes? E. Iniciamos como Quintana Ros, pero por un lado era muy serio para lo que queríamos proyectar y, por el otro, a mucha gente le parecía chiste por lo de Quintana Roo. Agnes surgió de manera muy orgánica. Buscábamos un nombre corto, que se pudiera decir en cualquier idioma y que significara algo. En eso fuimos a visitar la exposición de la artista Agnes Martin (pintora minimalista de origen canadiense, fallecida en 2004). Su obra en retícula nos fascinó por su filosofía de repetición, de práctica, y por ende, de perfección. Agnes es un nombre con personalidad propia, sentimos que plasma la esencia de ambos sin estar atado a nosotros, por eso la obra puede trascender. ¿Cómo describirían la actividad del taller? G. Somos un estudio multidisciplinario que ataca las diferentes áreas del diseño, ya sea lo gráfico, el objeto o el espacio. Últimamente hemos podido enfocarnos más en lo que realmente nos apasiona: el objeto. Nos hemos dedicado más a diseñar nuestros productos, pero por supuesto sin descartar proyectos arquitectónicos o de interiores que nos parecen interesantes. Hemos dejado de lado bastante el tema gráfico, que es poco rentable; lo ideal sería hacerlo algún día, pero enfocado a complementar nuestros objetos y espacios. ¿Qué proyectos han trabajado hasta ahora? E. Además de los Cafés Despierto, La Inmaculada y varios apartamentos, trabajamos en Café Rosetta en zona 4, Maria’s bag en zona 14, otro local en zona 14 de nombre Magnética y, por supuesto, nuestros muebles y accesorios. ¡Y les ha ido muy bien con eso! Sus formas y manejo del color son muy peculiares. ¿Hay alguna razón detrás? G. Siempre hay una idea detrás de cada creación. Nos gustan las formas orgánicas, las similares a la naturaleza, en donde prácticamente no hay líneas rectas, queremos alejarnos de lo artificial, de lo industria. Nuestro proceso es bastante
colaborativo, puede ser que Estefanía tenga un concepto inicial, luego podemos pasar hasta seis meses en el desarrollo de la idea; yo suelo ser más realista, no negativo, el realista, porque no todo es factible.
“PREFERIMOS ALEJARNOS DE LAS
¿Qué materiales utilizan y por qué? E. Guatemala es muy rica, hay tanto que investigar, tantos elementos locales que se pueden reinterpretar. Además, el medio se ha profesionalizado tanto que ya existe una generación joven de artesanos, que está más abierto a experimentar con diferentes materiales, que es confiable, así que el panorama promete. Yo estoy preocupada por el medio ambiente, no usamos nada que pueda dañarlo, nos gusta lo que está amarrado a la tierra.
EJEMPLO, LA ANTROPOLOGÍA”,
G. Personalmente, me gusta experimentar con todo, aunque en este momento siento un interés especial por trabajar con materiales locales. Creo que a ambos nos interesa explorar alternativas de uso para materiales tradicionales. Como dice Estefanía, tenemos la gran ventaja de poder apoyarnos en una generación de artesanos que quiere hacer cosas nuevas. ¿Cuál de las piezas que han diseñado hasta ahora los representa mejor? E. La Silla Lana (en forma de dona), que explora un nuevo uso de la lana de Momostenango, típicamente utilizada para alfombras y tapices. En este momento no la estamos comercializando, pues entró a una competencia de artesanía organizada por la firma española Loewe, gracias a que nos nominó un galerista de Nueva York.
REFERENCIAS, NO QUEREMOS SENTIRNOS INFLUENCIADOS POR EL DISEÑO QUE ESTÁ DE MODA, PREFERIMOS BUSCAR INSPIRACIÓN EN OTRAS PARTES, COMO POR GUSTAVO QUINTANA.
¿Dónde podemos adquirir el resto? E. En línea, o en algunas tiendas de Estados Unidos. Son muebles de autor, prácticamente únicos, cada uno toma entre 6 y 8 semanas para fabricarse. La mesa de la bufetera de piedra volcánica, por darle un ejemplo, es cien por ciento tallada a mano. ¿Qué planes tienen a futuro? G. Seguir explorando. Nuestro motor principal es seguir produciendo objetos, explorando nuevos materiales y lenguajes. Lo que hacemos ahora responde a un momento en el tiempo, así que otras cosas vendrán como parte de nuestra evolución. E. En concreto, la mesa de comedor a juego con la bufetera de piedra volcánica y una cama con el mismo lenguaje de la silla (risas). Por Ana Isabel Villela Fotografía de Víctor Martínez
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RESIDENCIAS
La sutileza de un instante
A
finales del año pasado tuvimos la increíble oportunidad de entrevistar a Eva Claessens, una de las artistas contemporáneas más reconocidas y mejor cotizadas del momento. La creadora belga vive actualmente en una casa histórica de José Ignacio, un pequeño balneario ubicado a 20 minutos de Punta del Este, en Uruguay, la cual reconstruyó casi en su totalidad. De eso hablamos, a propósito de nuestro especial de renovación, pero sobre todo charlamos sobre su arte, una oda a la esencia más íntima de la persona en los momentos más cotidianos.
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Aunque nació y creció en Bélgica, concretamente en la provincia de Amberes, la aclamada artista Eva Claessens es algo así como una ciudadana del mundo. Después de vivir 7 años en Italia, 15 en Francia, 6 en Uruguay y más de dos décadas de muestras y exposiciones. Su prolífica y fantástica obra se encuentra en los puntos más diversos del planeta. “Desde pequeñita me enamoré del dibujo, era todo lo que quería hacer”, asegura. “A los seis o siete años les dije a mis papás que de grande quería ser artista, que me iba a ir a Italia a pintar, pero se lo tomaron a chiste, en cada fiesta o reunión familiar me llamaban para que contara la historia a los invitados”, recuerda cuando le pregunto si su infancia estuvo marcada por el arte o si más bien su talento es un evento fortuito. “Mi papá era arquitecto del paisaje y yo disfrutaba coloreando las flores de sus planos. Sin embargo, la seguridad total de que este era su camino vino a los ocho años durante un viaje al sur de Francia. “Mis padres me llevaron a ver una muestra de (Víctor) Vasarely y aún recuerdo la sensación, la certeza absoluta que me embargó. No era que quería copiar lo que él hacía, mi trabajo no tiene nada que ver con el suyo”, agrega. Entre los 12 y los 18 años, Eva pasó por casi media docena de colegios. Digamos que su obsesión por el dibujo no le dejaba mucho tiempo para estudiar. “Mis libros de ciencias, de matemáticas, de historia, todos estaban llenos de dibujos. Cuando cumplí 18 años, por la mañana hice el último examen para graduarme y por la tarde, en contra de la voluntad de mis papás, que querían que estudiara algo más formal antes de dedicarme al arte, tomé el tren hacia Italia”, continúa la artista, quien había logrado persuadirlos
EVA TRABAJA SOBRE TODO PINTURA EN ACRÍLICO SOBRE DIVERSOS MATERIALES (ENTRE OTROS, EL LINO Y EL CANVAS), ESCULTURA EN TERCERA DIMENSIÓN Y GRABADOS, A LOS QUE SUELE INCORPORAR PEQUEÑOS TESOROS QUE ENCUENTRA AQUÍ Y ALLÁ.
para que la dejaran probar suerte por dos meses; se quedó siete años. En el segundo de estadía, Eva aplicó a una beca completa en la escuela de Bellas Artes de Perugia. “Había solo una, estuvimos en exámenes durante una semana no sé cuántos candidatos, supongo que más de cien, y obtuve la beca pero casi no fui a estudiar”, cuenta con algo de ironía, lo suyo era la pintura figurativa, quería aprender y saber dibujar, y en ese momento (al inicio de la década de los 90) lo cool era lo abstracto, las instalaciones, las performances. “Mis profesores querían que pintara el típico lienzo de un solo color, no lo menosprecio, pero creo que si algún día me dedico a dar trazos sólidos en un solo tono será porque ya aprendí tanto que se volvió parte de mi evolución”. Eva además vivía en una casa en La Toscana, así que no necesitaba salir para encontrar tesoros qué capturar. Pero el estilo de Eva ha evolucionado mucho desde entonces. Yo descubrí su trabajo en un reportaje de Elle Decor (Estados Unidos) y simplemente me enamoré. Si uno investiga sobre su trayectoria en la red, la descripción más frecuente es la de una artista contemporánea que explora la figura humana, aunque ella insiste mucho en que no pinta sexualidad, sino que captura emociones, sensaciones, momentos de la cotidianidad. Le pregunto igual si hay alguna manera correcta de describir lo que hace. “Creo que mi obra es más para sentir que para definir, no es intelectual, habla de momentos del día a día, por eso me gusta darle la apariencia de que no está terminada, como la vida misma, y con la idea de que cada quien pueda concluir la pieza con su mirada”, dice, firme en que esa es la razón por la que sus cuadros están mejor sin enmarcar,
“EL DÍA QUE CUMPLÍ 18 AÑOS, POR LA MAÑANA HICE EL ÚLTIMO EXAMEN PARA GRADUARME DEL COLEGIO Y POR LA TARDE TOMÉ EL TREN HACIA ITALIA”, DICE LA ARTISTA, QUIEN LOGRÓ PERSUADIR A SUS PADRES PARA QUE LA DEJARAN PROBAR SUERTE EN LA TOSCANA POR DOS MESES; SE QUEDÓ SIETE AÑOS. 33
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volviendo a esa analogía. Eva trabaja sobre todo pintura en acrílico sobre diversos materiales (entre otros, el lino y el canvas), escultura en tercera dimensión y grabados, a los que suele incorporar pequeños tesoros que encuentra aquí y allá. “Hay una investigación profunda alrededor de cada pieza. Es algo que hago desde que soy muy joven y que disfruto. Siempre pinto a partir de modelos reales, jamás de fotografías, por lo que parte del proceso es compartir tiempo con ellos, aún cuando son parejas, para que luego el posado fluya libre, con sutiliza”, continúa, mientras me cuenta que algunas parejas de modelos incluso consideran sanador ese proceso creativo. Le pregunto si suele retratar a su familia, a los amigos, a personas que están cerca, pero dice que no, que es al revés, son los modelos los que después pasan a ser amigos porque se crea una relación única. “A los dieciséis años me encontré con una chica en una fiesta con quien me sentí totalmente identificada, me acerqué y le pregunté si podía retratarla, ella accedió y desde entonces somos las mejores amigas”.
todas partes, no me molesta hacer esos encargos, todo lo contrario”, cuenta Eva, enfatizando en que le es sencillo viajar con sus pinturas porque solo hace falta enrollarlas, así que aprovecho para invitarla a venir a Guatemala y armar una muestra. “A la gente de José Ignacio también le llama la atención que haya una artista viviendo en el pueblo. No soy muy social, no me gustan las multitudes, me gustan los grupos pequeños, el uno a uno, mi soledad, mi espacio, mi música. No es que no disfrute de la compañía, al contrario, tengo muchos amigos, pero aún cuando voy a una cena, muchas veces mi mente está produciendo una obra y eso significa que al regresar llego y la empiezo”, sigue Eva, quien no considera que haya sido una expo en particular la que produjo este reconocimiento, sino una combinación de 20 años en el ojo
público y la perseverancia. Para mi, el flechazo vino con el reportaje de Elle Decor. La nota se centraba sobre todo en la restauración de la casa histórica en donde ahora vive Eva, situada entre los pueblos de José Ignacio y Garzón y no tanto en su arte. Y yo, equivocadamente, entendí que su trabajo giraba exclusivamente alrededor del rostro femenino. “No, esa fue una serie que denominé Through the eyes of beauty. Las pestañas representan el canal para ver hacia dentro y entender quién eres sin ninguna influencia del exterior. Mis series pueden durar hasta diez años o ir y venir o no terminar nunca”, responde entonces a mi poco acertado comentario. Es más, últimamente el trabajo de Eva se ha diversificado aún más porque ha diseñado para importantes firmas internacionales de cerámica
En cuanto a muestras y exposiciones, varios sitios de internet especializados en arte aseguran que Eva ha participado en eventos importantísimos alrededor del mundo, concretamente en sitios tan variados como Estados Unidos, Israel, India, o Sur América, así como en incontables ciudades de Europa. Ella, sin embargo, le resta importancia al tema cuando le pregunto al respecto. “Mi primera exposición fue en Italia, aunque había ganado la beca, necesitaba dinero para vivir, así que armé un par de colecciones para vender”, explica, y luego agrega que curiosamente ahora también tiene una expo montada en José Ignacio, el pequeño pueblo cercano al emblemático Punta del Este, en Uruguay, en donde se instaló hace alrededor de 6 años. Según la artista no fue sino hasta que llegó a vivir a un lugar tan remoto que descubrió cuan conocido es su trabajo. “Me sorprende como viene tanta gente desde Europa o Estados Unidos para elegir una pieza… además tengo muchos encargos de diseñadores de interiores de
“CONOCÍ A UN BELGA Y EL TEMA DE MUDARNOS SURGIÓ CASI COMO UN CHISTE, NO QUERÍAMOS VIVIR EN BÉLGICA O EN FRANCIA Y DIJIMOS, VENGA, VAMOS A URUGUAY”, RECUERDA ENTRE RISAS EVA, ASEGURANDO QUE LLEGARON A PUNTA DEL ESTE Y ALQUILARON UNA CASITA FRENTE A LA PLAYA EN ESPERA DE ENCONTRAR UN DESTINO FINAL MÁS ACORDE A LO QUE TENÍAN EN MENTE.
EVA SE ENCARGÓ DE LA ARQUITECTURA DE LA CASA, SUS INTERIORES, EL PAISAJISMO, E INCLUSO EL DISEÑO DE UN PARQUE Y TRES PEQUEÑOS LAGOS. 35
dos colecciones de jarrones de edición limitada. “Una serie de alrededor de 20 piezas está disponible, y en enero se lanza el resto de la colección. El pasado verano vino otra compañía a comprar unos prototipos de jarrones que tenía y también quiere lanzar una serie”, agrega, mientras le comento que parece que tiene una habilidad especial para multiplicar el tiempo. En cuanto al futuro más cercano, Eva asegura que quiere estar más en Europa, quizá pasar la mitad del año en José Ignacio y la mitad allá. “Quiero viajar, estar más disponible. En abril iré a la India, específicamente a Kérala, por eso acabo de terminar de pintar a Ghandi, voy a darles la pintura en agradecimiento”, dice la artista, quien disfruta de los tratamientos de la medicina Ayurveda que ofrece el país asiático. Y es que su arte ha trascendido fronteras de una manera inesperada, tiene propuestas de trabajo y exposiciones en prácticamente todo el mundo. Le reitero entonces que ojalá quiera venir, que estoy segura de que los conocedores, colecciones y aficionados estarían encantados con su obra. “Sería genial, siempre he querido ir a Antigua… con el artículo puedes medir si mi trabajo gustó y ya pensamos en ello”. A propósito de viajar y venir, del privilegio de poder conversar con ella, y de que casualmente la edición de enero se centra en renovación, le expreso a Eva mi admiración por lo que hicieron con la casa, sin esperar jamás que me diría que es posible publicar el antes y el después a pesar de que tantas revistas importantes están detrás del reportaje. Retrocedemos un poco en el tiempo entonces para saber cómo terminó viviendo en Uruguay, y en el campo. “Conocí a alguien, a un belga, y el tema surgió casi como un chiste, ninguno de los dos queríamos vivir en Bélgica o en Francia y un día dijimos, venga, vamos a Uruguay”, recuerda entre risas, explicándome que llegaron a Punta del Este y alquilaron una casita frente a la playa en espera de encontrar un destino final más apropiado a lo que tenían en mente. “Fuimos varias veces con la agente de la inmobiliaria pero no vimos nada que nos convenciera, hasta que en un momento le preguntamos si no tenía alguna vivienda para renovar, para total sorpresa nuestra nos mostró esta
LA CASA, ORIGINALMENTE CONSTRUIDA EN 1810, SE SITÚA SOBRE LO QUE ANTES ERA EL CAMINO NACIONAL Y SERVÍA COMO UN PEQUEÑO LUGAR PARA PASAR A COMER, A DESCANSAR, A DARLE AGUA A LOS CABALLOS. CUANDO EVA Y SU PAREJA LA COMPRARON, LA RESIDENCIA ESTABA POR COMPLETO EN RUINAS, CON ÁRBOLES ADENTRO, SIN UNA SOLA VENTANA Y SIN TECHO.
casa que estaba prácticamente en ruinas y le dijimos, la compramos”, continúa, recordando que nadie se imaginó que en realidad querían renovar la propiedad y no tirar todo para construir algo totalmente nuevo. Eva diseñó “todo” en la propiedad, la arquitectura de la casa, sus interiores, el paisajismo, e incluso un parque y 3 pequeños lagos. “Diseñé la casa de la misma manera en que diseño mi arte, así que la considero como parte de mi trabajo artístico. Hicimos todo localmente, con materiales, constructores y artesanos uruguayos; en cambio el mobiliario, que en su mayoría ha estado conmigo desde siempre, vino en barco desde Europa”, explica respecto a la renovación que duró más de 3 años. “La casa, originalmente construida en 1810, está sobre lo que antes era el camino nacional, servía como un pequeño lugar para pasar a comer, a descansar, a darle agua a los caballos. Estaba por completo en ruinas, con árboles adentro, sin una sola ventana y sin techo”. Una vez finalizada la obra, la residencia cuenta ahora con 500 metros cuadrados de construcción e incluye cinco dormitorios y cinco baños, así como distintas áreas de estar. Además, a un costado de la casa se encuentra el estudio de Eva con 100 metros cuadrados y alrededor 4 terrazas, que juntas suman unos 250 metros cuadrados de espacio. Nos despedimos después de más de una hora de conversación telefónica con una indiscutible sensación de contento, como la que produce el encuentro inesperado. Eva además de tener los mismos años que yo, tiene una amiga que conoce a nuestra interiorista in house, Machteld Oosterbaan. El mundo es un pañuelo, es verdad. Quedamos en platicar después de la publicación para retomar el proyecto de una posible exposición en Guatemala. Antes de colgar le confieso que he usado infinidad de veces uno de sus retratos de la serie Through the eyes of beauty en mi perfil de WhatsApp. Eva se ríe. “Ha sido un placer, espero leer pronto el artículo”, concluye. Eva está en la web www.evaclaessens.com y en Instagram como @eva.claessens Por Ana Isabel Villela Fotografía de Romain Dussaulx
CIRCUITO ARTE AGENDA
EL PROGRAMA 19 de febrero Inauguración con chocolate típico en Casa Mima, exposición de piezas antiguas de colección. 20 de febrero Cena de Gala firmada por Deborah Fadul, servida en vajilla de Limoges, en el Museo Ixchel. Visita VIP de la exposición por Christian Couty, fundador de Esprit Porcelaine. 21 de febrero Inauguración de exposición de lámparas y objetos de diseño contemporáneo en el Museo Ixchel.
Porcelana de Limoges en Guatemala Un festival especialmente diseñado para esta tierra de tradición de cerámica. Del 19 de febrero al 6 de abril se celebrará Blanco & Fuego, un canto polifónico en honor a la porcelana de Limoges y sus maestros: los que transmiten técnicas ancestrales, los que se atreven a innovar, los que siguen explorando nuevas formas. Casa Mima. Las tazas de la colección Lachaniette cohabitarán con la vajilla clásica de Limoges, cortesía de familias guatemaltecas, así como con objetos encontrados a lo largo de verdaderas peregrinaciones a mercados de antigüedades. Algunas piezas contemporáneas permanecerán dentro de la escenografía de Casa Mima.
Museo Ixchel. La escenografía de Jean Baptiste Couty, inspirada en la arquitectura precolombina, relucirá en las piezas de porcelana. Como guiño a los tejidos tradicionales de Guatemala, también serán presentadas tapicerías de Aubusson, ciudad de alto renombre internacional en tapicería. La exposición mostrará cómo tradición y modernidad conviven en un mismo objeto.
26 de febrero Arte contemporáneo, performance en Alianza Francesa. Para participar de los talleres escriba a blancoyfuegogt@gmail.com “Decoración en relieve sobre porcelana con esmaltado”, con Marie Evelyne Savorgnan. Una forma novedosa de experimentar con la materia. “Técnicas clásicas de pintura en porcelana, cromos y collages de serigrafías”, con Mette Galatius. Un taller lúdico inspirado en arte-terapia.
SOBRE ESPRIT PORCELAINE - LIMOGES: Desde 1984, la organización sin fines de lucro desarrolla los diseños de sus miembros promoviendo el savoirfaire de su ciudad, desempolvando la imagen de la porcelana de Limoges. Esprit Porcelaine es miembro de Ateliers d’Art de France. En 2016 fue galardonado con la Palma de Oro del Comité de Francia por su obra en pos de la excelencia.
Alianza Francesa. La exposición Et + si affinités, una asociación entre Esprit Porcelaine, propulsora de la porcelana actual, y La Vitrine, impulsora del arte contemporáneo en Limoges, nace de la búsqueda de los límites de la porcelana y ofrece una mirada nueva sobre este material.
Para completar este panorama, MarieEvelyne Savorgnan y Mette Galatius, maestras porcelanistas de Limoges, impartirán cursos abiertos al público en Guatemala técnicas tradicionales e innovadoras. Además, como cooperación cultural, se impartirá un taller de una semana para los estudiantes de la Escuela Nacional de Artes Plásticas. También se prevé una beca de tres meses para un/a artista ceramista guatemalteco/a en Limoges, para el primer semestre de 2020.
CIRCUITO ARTE
La obra etérea de Abigail Reyes
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iseñadora gráfica de oficio, los abundantes talentos de Abigail reyes la han llevado a sumergirse y sobresalir en otras expresiones artísticas como la poesía y el arte.
Palabras, significados e imágenes se entrelazan en la obra sublime obra de la salvadoreña Abigail Reyes. Como parte de su trayectoria, Reyes ha participado en varios programas de residencia artística en Centroamérica y ha mostrado su trabajo en exposiciones colectivas e individuales en El Salvador, Guatemala, Costa Rica, Colombia, entre otros. El trabajo de Reyes revela su interés por la artesanía tradicional, la costura, la máquina de escribir, la adivinación
y otras técnicas que, a su parecer, son relegadas a una categoría inferior en comparación con las bellas artes. A través de la apropiación de estas disciplinas olvidadas, Reyes significa palabras y métodos para infundirles de una nueva connotación.
la muestra “60 palabras por minuto” en la Galería Lokkus en Colombia. En esta exposición Reyes hizo una crítica a las desigualdades relacionadas con el género en el lugar de trabajo salvadoreño, donde las secretarias son la representación de un estereotipo anticuado pero generalizado.
La artista trabaja distintas temáticas en sus esculturas, textos y otros medios. Temas como la migración se pueden identificar en “To Leave – To Arrive”. Últimamente ha aprovechado sus experiencias personales para crear un cuerpo de trabajo que incluía instalaciones, videos y textos para
El trabajo de Abigail Reyes es poderoso y poético, universal y personal, y, sobre todo, significativo. En Scoop Art somos admiradores y seguidores de la fructífera carrera de Abigail. Te invitamos a seguir su trayectoria artística.
LA AUTORA María José Escobar estudió diseño gráfico y publicidad y posteriormente obtuvo una maestría en mercadeo. Su amor por el arte la llevó a fundar la galería online www.scoopart.com dedicada a promover y vender obras de arte de artistas latinoamericanos contemporáneos. Escobar tiene una especialización en arte contemporáneo. Visite: www.scoopart.com
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PASAJE CULINARIO por Paulina de la Cerda
Veinte años de evolución culinaria
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i aventura culinaria empezó con el nuevo milenio. El ámbito educativo en materia era bastante limitado, y digo limitado porque no existía una carrera en Alta Cocina, sino solo una capacitación técnica. Las propuestas de restaurantes se reducían a los clásicos de comida francesa, italiana, china, japonesa, guatemalteca, mexicana y, claro, rápida. Eso sí, había restaurantes admirables como Jean François, Carpaccio o Rendez Vouz, que abrieron brecha y siguen degustándonos con su alta calidad. gastronómico, aprender a cocinar una receta haciendo un clic o preparar un cóctel con el ingrediente que parecía demasiado exótico para mezclarse con alcohol. La comida, la bebida y los intereses culinarios están de moda. La globalización y la tecnología han contribuido a que podamos saber desde qué es un ingrediente del cual nunca habíamos oído, hasta cómo cocinar un pad thai con la ayuda de un video. Incluso tenemos tiendas y negocios especializados en ingredientes étnicos. Y sumado a todo esto, tenemos la suerte de vivir en un país con un clima privilegiado que nos ofrece una importante variedad de verduras y frutas. Por otra parte, cada vez son más comunes los clubes y los grupos de conocedores en materia gastronómica. Saber de temas culinarios nos suma en la interacción social, pues hablar de comida es siempre agradable, sin controversia y siempre hay una historia que contar o un platillo que describir. Nos genera satisfacción una conversación agradable sobre experiencias culinarias que llevan a recuerdos placenteros. Una cena inolvidable, acompañada de una buena conversación, no tiene precio. La guardamos en nuestra memoria por una u otra razón. Recordamos un platillo, la atmosfera o la compañía, o lo que sea que hizo de la experiencia algo para guardar.
Pero en dos décadas, la escena ha dado un giro muy interesante. La oferta de escuelas, por ejemplo, incluyendo la de carreras universitarias, se ha vuelto diversa y la mayoría cuenta con profesores calificados e instalaciones más que apropiadas. Además, gracias a que cada día hay más personas preparadas y que las oportunidades de viajar se han vuelto más accesibles, ahora tenemos un buen número de cocinas que antes solo podíamos disfrutar al salir del país. Saber cocinar en la antigüedad estaba reservado a las madres o a las cocineras, y con el único propósito de alimentar. Después vino el turno de los chefs en los restaurantes. Ahora, cualquiera puede ser un experto en cualquier tema
El punto de este mi primer artículo para Pasaje Culinario es que el giro en el universo culinario a nivel mundial, pero especialmente en Guatemala, es muy bueno, la propuesta en general es muy diversa, están al alcance muchas cocinas que probar, muchas recetas que experimentar y muchos ingredientes que conocer. Escoge una receta, quítate el miedo, prueba un plato distinto, toma un curso de cocina, participa en una cata de vinos o de café, disfruta de buena compañía porque todo se resume en darle a nuestros sentidos simple placer. Acompáñame en esta sección a probar y a aprender de temas culinarios excitantes, este es el año para hacerlo. ¡Bienvenido un 2019 lleno de buenos sabores!
PAULINA
LA RECETA
LAPAU RECOMIENDA BUTTER CHICKEN (MURGH MAKHANI)
ATÚN TARTARE SPICY AL ACHIOTE Para 4 personas
de Tres Elefantes La salsa mas balanceada que he probado en los últimos meses, con una consistencia tan sedosa que no se puede dejar de comer. Un balance perfecto de especies (no spicy), cremosidad y sabor, uno de esos platos que te deja con una sensación de bienestar duradera. Acompañado de arroz basmati y naan, lo he incluido en mi lista de “confort food” después de probarlo varias veces.
Ingredientes para salsa o marinada ½ Taza de cebolla blanca picada grueso ½ Taza de jugo de limón 1 Cucharadita de jengibre fresco rallado 1 Cucharada de pasta de achiote 1 Taza de hojas de cilantro desinfectado 1 Cucharadita de garam masala ¼ Taza de aceite oliva extra virgen ½ Cucharadita sal Otros ingredientes 1 Jícama 1 Lb. de steak de atún fresco congelado hojas de cilantro para decorar
PREPARACIÓN • Poner los ingredientes de la marinada en la licuadora (cebolla, jugo de limón, jengibre, achiote, cilantro, garam masala, aceite de oliva y sal). Licúe hasta que formar una mezcla homogénea pero con textura.
CHOCOBANANO CREPE de Crepes de Paris
• Pelar la jícama, cortar en dos pedazos, y luego en medias lunas.
Una crepe de chocolate oscuro enrolla un banano en su punto con la cantidad exacta de nutella. El plato fue inspirado en el clásico choco banano como consecuencia de un antojo de Bárbara, la creadora de este delicioso concepto. ¡Chocolovers no dejen de probarla! ¡Valen la pena las calorías!
• Dejar descongelar parcialmente los steaks (es mas fácil cortar el atún cuando aún está a medio congelar) y cortarlos en cuadros pequeños. Mezclar con ½ taza de la marinada. Dejar reposar por 5 minutos. • Colocar el tartar de atún sobre las media lunas de jícama. Decorar con hojas de cilantro.
VINO ROSE OSE D’ELODIE de La Vinoteca Tipo de vino: rosado Bodega: Domaine de Cantarelle Región: Coteaux Varois Provence Pais: Francia Uvas: Grenache, Syrah Alcohol: 12% Año: 2017
*Esta es la versión gluten free y light. La jícama puede ser sustuida por tostadas de pan, tostadas de maíz fritas o servir el atún acompañado de platalinas. *Esta marinada puede usarse con otros pescados o para cocinar pollo.
Un vino fácil de tomar, o como dice una amiga “este vino se toma fácil”. Con tonos de fresa, melocotón y mango y un retrogusto amargo, es la mezcla perfecta para degustarlo en una tarde con amigos, una cena en pareja, como aperitivo o para finalizar un bruch. 41
OBJETOS DE DESEO
MyEdition de AXOR
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a línea de productos propone una nueva dimensión de personalización mediante el uso de diferentes estilos de placas de cubierta, como metal, mármol, cuero o vidrio. MyEdition de AXOR refleja autenticidad y exclusividad, al usar materiales de alta calidad que otorgan un carácter propio a cada faucet. WWW.COFRASA.COM