HABITART #50

DISEÑO / ARQUITECTURA INTERIORES / ARTE

en pleno

VERANO UN MONEDERO SIN FONDO

LITTLE COINS

ARQUITECTURA DE MAR INTERIORES CON ARTE EL COLOR DE 2019 ESTEFANÍA VALLS LA MUESTRA DE ERICK PRADO VÉLEZ

EDICIÓN

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03 / 19 Q.40.00

MORE THAN 40 YEARS OF EXPE

DESIGN CENTER DIAGONAL 6 12-42 ZONA 10 CIUDAD DE GUATEMALA T +502 2233-0286 E INFO@FIVENORDEN.COM

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HABITART ESTÁ IMPRESA EN PAPELES PROVENIENTES DE BOSQUES RENOVABLES, CON TINTAS LIBRES DE QUÍMICOS Y EN PLACAS 100% RECICLABLES.

/revistahabitart

EDICIÓN

@revista_habitart

CONSEJO EDITORIAL Alfredo Saravia, Ana Isabel Villela, Machteld Oosterbaan, Roberto Bianchi, Maricarmen Rodríguez, Paulina Prado DIRECTORA Ana Isabel Villela anaisabel@revistahabitart.com

COLABORADORES Machteld Oosterbaan, Luz Elena Ramírez, María José Escobar DIRECCIÓN DE ARTE Paulina Prado DISEÑO Kevin Morales / Eikon COMERCIALIZACIÓN info@revistahabitart.com 15 avenida A 14-12 zona 10 Oakland II 2366 - 3888 / 2366 - 3808

Triple V Ediciones, S.A. Reservados todos los derechos. Prohibida su cita, reproducción, edición o transmisión total o parcial por cualquier medio y en cualquier soporte sin la autorización escrita de Revista HABITART.

¡Estamos que no nos lo creemos! Casi sin sentirlo y disfrutando de cada instante, hemos logrado publicar nuestra edición número 50, un hito para el periodismo especializado en un país con fama de que lee poco. Gracias, y más gracias, por permitirnos llegar hasta ustedes con historias que celebran las creaciones locales en todas sus formas. Esperamos poder seguir sirviéndolos a través de las historias de buen diseño.

GRACIAS A DIOS POR LA OPORTUNIDAD Y A USTEDES POR HACERLO TAN AGRADABLE.

ANA ISABEL VILLELA

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Sumario EL SALTAMONTES Un paseo exprés de Guatemala a Limoges

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LOS DIEZ ¡A todo color!

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LO MÁS INTERIORES Un momento mix and match

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EN ESCENA Acantos, vivir es un arte

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EMPRENDEDORES El ingenio detrás de Terrum Desarrollos

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CONVERSEMOS Un monedero sin fondo, Little Coins

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RESIDENCIAS De imprescindible en arquitectura de mar

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DISEÑO / ARQUITECTURA INTERIORES / ARTE

EL ARTISTA Estefanía Valls

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Erick Prado

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PASAJE CULINARIO El chocolate deleite universal

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OBJETO DE DESEO Arte en las paredes

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03 / 19 Q.40.00

EN PORTADA Iniciativa COLORESCA,

Envíenos sus comentarios a cartas@revistahabitart.com

de Little Coins

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E L SA LTA M O N T E S ¿Que hacer en la ciudad?

Blanco y fuego Un paseo exprés de Guatemala a Limoges

“

Je pense à toi, bergère petite aux pieds nus dans l’herbe” (“Pienso en ti, pequeña pastora descalza en la hierba”), quizá el novelista Georges Emmanuel Clancier imaginaba su ciudad natal, impoluta, rodeada de paisaje y edificaciones añejas. Allí resguardan uno de sus más grandes tesoros: el oro blanco, apreciado a nivel mundial, y firmado Limoges, una oda minimal e inmaculada, producto del icónico “savoir-faire” francés.

¿Y si pudieras viajar sin jet lag a Limoges?

Una ineludible cuestión de pensamientos futuristas en prototipo siglo XXI, hecha realidad a través de un mundo que se experimenta por medio de la apreciación del arte en primera persona. Esa sensación nefelibata, en el mejor sentido de la palabra, representada por una visita a la galería o al museo, que nos adentra a un mundo de ideas plasmadas en físico por alguna mente creativa en determinado espacio y tiempo en el mundo.

En esta ocasión nos ha correspondido contemplar por inmersión el arte de la porcelana. Limoges, su ciudad cuna e ícono francés situada al suroeste-central del país galo, presenta en Guatemala a través del colectivo de artistas Esprit Porcelaine la muestra Blanco y Fuego, una exposición con más de 150 objetos.

En esta ocasión, el museo Ixchel y Casa Mima fungen como locación de acogida.

Christina Chirouze curadora de arte franco-guatemalteca no puede sino exteriorizar orgullosa el logro que en esta ocasión se materializa: “Todo surge de un encuentro personal, llevamos a Guatemala en nuestros genes y hoy deseamos mostrar la relación entre la cerámica local y la porcelana de Limoges”.

En cuanto al montaje de la escenografía, esta estuvo a cargo del reconocido arquitecto francés Jean-Baptiste Couty, en colaboración con muebles Raíces, quien buscó la versatilidad en las estructuras, enfocándose en crear una experiencia de inmersión en la obra. De esa cuenta, dicha escenografía fue trabajada en madera rústica y con formas triangulares como un homenaje a la cultura maya. “Tomé el arquetipo de la cultura local, en realidad deseaba la unión de los visitantes y la

porcelana, normalmente estamos lejos de las piezas, en esta ocasión buscábamos la convivencia con ellas”, indica Couty.

La muestra está compuesta por los más variados objetos, entre los cuales encontramos vajillas, luminarias y jarrones, además de dos indumentarias únicas, la armadura Samurái de los artistas Joao Alcatrao y Aurelie Gatet, así como un traje de la obra Richard III de Shakespeare creado por Christian Couty.

Marie-Evelyne Savorgnan, destacada maestra porcelanista, nos adentra de igual forma a su propuesta y sin un halo de titubeo, comenta que su inspiración proviene de múltiples parajes: “La vie comme elle même, el cielo, los objetos, todo me inspira”. Además, agrega que su predilección por el material es gracias a su blancura, fuerza y traslucidez, que permite iluminar, así como trabajar grandes piezas.

Detrás del despliegue, múltiples artistas y patrocinadores han hecho posible un montaje único en su tipo en nuestro país, en una colaboración sin precedentes que ha permitido transportar las obras desde Francia. Matthieu Bussereau, presidente de Esprit Porcelaine se dice satisfecho del logro.“Fue mucho trabajo, mucho dinero y mucho trabajo de nuevo, una pizca de suerte. Es complicado montar

un proyecto transatlántico como este, fueron tres años de trabajo”, comentó el presidente, mientras dijo que detrás de la muestra está el deseo de los artistas de experimentar con nuevas formas y tecnologías, de exprimir los límites de la porcelana, de exponer cada uno su muy particular universo.

Por supuesto, no podríamos vivir de primera mano Blanco y Fuego sin la apreciación de varios de sus creadores, tales como la artista danesa Mette Galatius, egresada de L’Ecole Nationale d’Art Décoratifs de Limoges, quien busca rescatar piezas antiquísimas a través del arte avante-garde, emoticones, prints colmados de psicodelia e inspiración en objetos cotidianos, lo cual le da a su trabajo ese aire fresco que lo caracteriza. “Dibujo demasiado, he hecho emoti-plates, busco reciclar. En esta obra he decidido agregar distintos objetos, como una lámpara inspirada en el fuego y en la celebración que hay alrededor del estreno de un nuevo hogar: emponte la crémaillère, como decimos en Francia”, expresó.

Blanco y Fuego es de esas experiencias singulares colmadas de lo más puro del arte, en un viaje sacro a través de la mente de sus creadores, tal y como cita el proverbio francés “Le meilleur de la vie se passe à dire ‘Il est trop tôt’, puis ‘Il est trop tard’ (Lo mejor de la vida se pasa diciendo “es demasiado pronto”, y después “es demasiado tarde)”. Vivir el arte es ahora o nunca. “Hemos presentado en Bélgica, República Checa y en Barcelona exhibiciones similares. Pronto esperamos hacerlo en Singapur, vamos alrededor del mundo con este oro blanco. Guatemala tiene mucha suerte de tenerla aquí, vengan, vean y sorpréndanse, esto es arte en piezas únicas… y aún en Francia no han visto exposiciones como esta”, finaliza Galatius.

Una crónica de Jacobo Suret Fotografía de Antoine Gatet

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LOS DIEZ

¡A todo color!

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ste mes la lista de Machteld se viste de rosa/naranja, específicamente del tono que definirá 2019 según el Instituto de Color Pantone, con sede en Carlstadt, Nueva Jersey, fundado en 1962 y hoy en día considerado la autoridad en tonalidades para el mundo del diseño, la moda y el interiorismo.

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La revelación se hizo a principios de este año: Living Coral es el tono para 2019. Pantone lo describe como “animador y que afirma la vida”, y por sus matices dorados asegura que ´energiza y anima de manera sutil´.

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Este tono naranja melocotón es vibrante, versátil y funciona muy bien para resaltar otros colores.

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MACHTELD OOSTERBAAN

es diseñadora de interiores especializada en el nicho de hoteles boutique y restaurantes y nos comparte cada mes sus 10 favoritos del mundo de diseño actual.

El Living Coral, o Pantone 16-1546 por su código oficial, pretende reflejar la ´necesidad innata de optimismo y de pasatiempos alegres´ como respuesta a la imbestida de las redes sociales en la vida cotidiana.

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El alegre y colorido tono se presta también para hacer la diferencia en accesorios decorativos.

Su sombra brillante evoca una sensación de calidez, confort y nutrición.

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Detrás del tono brillante hay una nota más seria: se dice que la elección del Living Coral hace referencia al efecto nutritivo del coral en la vida marina, así como al efecto devastador del calentamiento de los mares por el estilo de vida de la sociedad actual.

En su más gloriosa expresión, este vívido color evoca a los arrecifes de coral que brindan refugio a un caleidoscopico universo de vida marítima. “Obtenemos energía de la naturaleza. Así como los arrecifes de coral son una fuente de sustento y refugio para la vida marina.

Living Coral, es vibrante pero suave, nos abraza con calidez para brindar confort y flow en nuestro entorno en constante cambio”, asegura el Instituto.

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El color del año sucede al de 2018, el Ultra Violet, apodado por la compañía como un ´tono púrpura dramáticamente provocativo y reflexivo´. Cada diciembre, los expertos en color Pantone seleccionan su color del año basándose en una investigación de pronóstico de tendencias. El color se elige en función de ´lo que está ocurriendo en nuestra cultura global en un momento en el tiempo´.

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Living Coral ya está en las pasarelas de los desfiles de moda, así como en las redes sociales. Súper versátil, el color luce impactante en los medios digitales. Su vitalidad y suavidad cautivan la atención en las redes sociales y en diseño web.

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Para conmemorar el anuncio de su color del año, Pantone está lanzando una gama de productos en tonalidades coral que incluyen una taza de edición limitada, un llavero grande y otro pequeño y un cuaderno como el que muestra la imagen.

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LO MÁS Interiores

Madera Teca

Ideal para exterior por su dureza y resistencia a la intemperie.

Un momento

MIX & MATCH TECA + FIBRA SINTETICA + F IB R A D E CON CRETO. Unidas para crear ambientes de exterior a prueba de agua, sol, clorina y sal.

TENDENCIAS: Se usa en salas modulares, sobre todo asientos bajos para aprovechar las vistas, con siluetas delgadas y rectas (Mid-Century Revival, circa 70’s).

MANTENIMIENTO: Con el tiempo y la intemperie la teca va adquiriendo un tono gris, que a algunos les gusta, pero si se quiere mantener su color original esta debe tratarse con selladores y aceite propios de la madera al menos dos veces al año. También es recomendable ponerles una funda protectora cuando no estén en uso.

ECOLÓGICOS: Generalmente, todos los muebles de madera de teca provienen de plantaciones controladas y debido a su alta durabilidad no se necesita reemplazarlos con frecuencia.

Los cojines llevan tela Sunbrella, lo cual garantiza un mejor desempeño en torno a los cambios de clima.

Fibra sintética

Fibra de concreto

TENDENCIAS: La fibra sintética ha evolucionado. Ahora se trabaja con Aluminio de Corte Náutico 6063, fibra sintética de polietileno de alta densidad en texturas antes no vistas, lo cual marca la diferencia a la hora de crear ambientes sofisticados.

TENDENCIAS: Los diseños en fibra de concreto pueden estar dentro y fuera de la casa, logrando resultados súper modernos o minimalistas.

Resiste perfectamente a todo tipo de clima (frío y calor). Su variedad de diseños pueden ser usados en full exterior, pérgolas y balcones.

MANTENIMIENTO: Como estas piezas cuentan con protección UV, así como de alta resistencia ante el salitre y la clorina, su mantenimiento es simple.

Igual es recomendable ponerles fundas protectoras para preservarlas mientras no estén en uso.

ECOLÓGICOS: Al estar elaborados de materiales no orgánicos, se favorece un mejor control sobre la deforestación.

Es producto de la combinación de mármol, granito, piedra y otras fibras naturales, dando como resultado un material sustancial, atractivo y duradero.

MANTENIMIENTO: Estos muebles vienen con un sellador que impide el desgaste ante las inclemencias del tiempo, sin embargo es recomendable sellarlos una vez al año con cera de autos o bien algún sellador no abrasivo a base de agua. También es recomendable ponerles una funda protectora cuando no estén en uso.

ECOLÓGICOS: Al estar fabricados con elementos naturales, estos no representan daño alguno a la naturaleza.

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EN ESCENA

Vivir es un arte

C

on una paleta de color neutra, acentos en piezas clave, mobiliario de primera categoría y un impecable diseño, esta residencia es un maravilloso ejemplo de como se consigue el estilo industrial minimalista.

La madera de conacaste y el concreto son los protagonistas de este proyecto ejecutado por LXG arquitectura, dirigida por Juan Miguel Carrillo. La firma recibió la comisión de crear un ambiente abierto y social con un look moderno e industrial para una familia de cinco. El propietario tenía dos apartamentos en Acantos de Cayalá que Carrillo modificó para crear una casa de dos pisos y un espacio de 350 m². “Me pidió una residencia contemporánea, mid century modern.

Cuando vi el calibre del proyecto y el nivel de detalle que requería, invité a Luis Arrivillaga, quien tiene muchísima más experiencia en temas de interiorismo, y se subió al barco”, comenta.

Carrillo se encargó de la arquitectura, instalaciones, detalles y fundiciones, Arrivillaga asumió el reto del interiorismo, diseño de mobiliario y selección de piezas complementarias. “Fue un proyecto muy interesante. En el primer piso dejamos el máster, clóset, estudio, sala, comedor y cocina; y arriba una sala familiar y las habitaciones de las tres niñas”, explica el arquitecto. La distribución se planificó pensando en el área social, que era muy importante para el cliente, y lo privado, que se separa con una puerta tipo pocket.

Los arquitectos optaron por eliminar el cielo falso con el que se entregaba el apartamento para dejar expuestas las instalaciones. Eso los obligó a rediseñar las rutas de las tuberías, y así, preservar la estética sin comprometer la funcionalidad.

La idea era generar un sentimiento de compresión y expansión al entrar. Para lograrlo, redujeron la altura del techo en el vestíbulo y dejaron un ambiente de doble altura en el área social para crear una sensación de amplitud. “Afortunadamente el propietario no puso muchos ‘peros’, fue una carta abierta y se dejó guiar”, asegura Arrivillaga.

En todos los proyectos se presentan retos, en este fue la redistribución de los ambientes debido a elementos estructurales que no se podían modificar.

“Por lo general encontramos cocina, comedor y sala, pero teníamos una viga que pasaba cortando la sala visualmente y no nos gustaba. Por eso propusimos invertir el orden para dejar cocina, sala y comedor”, explica Carrillo. Para el cliente esta área era de suma importancia, ya que una de sus pasiones es la cocina y constantemente reciben visitas. “Con el cambio logramos que todo se integrara en un único espacio social”, apunta.

Una vez zanjado el tema del orden, Arrivillaga y Carrillo tuvieron que ingeniárselas para hacer menos evidente una columna plantada en medio

Bancos Form, de Norman Copenhagen, distribuidos exclusivamente en Guatemala por Five Norden.

del comedor. “Nos daba un poco de fastidio, entonces aprovechamos para integrar un bar con lava copas y un área de almacenaje para disimularla.

Afortunadamente el mobiliario tiene formas muy puras y, al final, empata muy bien con el elemento vertical de la columna y la corta”, comenta el diseñador.

El problema también lo encontraron en el cuarto principal. “Invertimos la distribución por un tema de visuales, privacidad y el sol. La ventana de la habitación da a un bosque donde hay un sendero y en algunas partes se podía ver hacia el máster”, dice el arquitecto y agrega que en este espacio también tenían una columna que interrumpía, la cual disimularon construyendo un armario empotrado en la pared.

En cuanto al piso, los interioristas optaron por un porcelanato rectificado imitación de concreto pulido en un formato de 1.20m * 1.20m, con sisa mínima, para lograr el look industrial que tanto deseaba la familia. Para no desperdiciar el material que el edificio proporcionaba, el arquitecto tomó el piso con el que los desarrolladores entregaban cada apartamento y lo utilizó para forrar las paredes de los baños.

Lámparas Orient, diseñadas por Jo Hammerborg para Republic of Fritz Hansen.

Lámpara Caravaggio, diseñada por Cecilie Manz para Republic of Fritz Hansen, distribuida exclusivamente en Guatemala por Five Norden.

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El concreto es el material por excelencia de este apartamento, está presente tanto en el techo como en el suelo y en algunas de las columnas. Para matizar el carácter frío del cemento, se integró al diseño la madera de conacaste en el mobiliario y algunos de los detalles. Arrivillaga optó por diseñar muebles de líneas rectas y simples con un estilo contemporáneo.

“Teníamos la premisa de poner piezas que no fueran comunes en Guatemala.

Creíamos que todo debía ser importado para evitar caer en lo repetitivo”, comenta el creativo, quien recalca que se llevó una gran sorpresa al encontrar mobiliario de diseño nórdico disponible en Guatemala, el cual utilizaron.

La paleta de color que se eligió fue neutra, con grises, cueros, cafés y blancos. “Las referencias que nos había dado el cliente eran de un estilo escandinavo y nórdico.

Esas piezas, por lo general, vienen en los tonos que habíamos seleccionado. Después resultó muy fácil hacer los contrastes con elementos puntuales”, explica.

Mobiliario de exterior de Cane-line, distribuido exclusivamente en Guatemala por Five Norden.

“TRABAJAMOS UN CONCEPTO MODERNO E INDUSTRIAL Y AGREGAMOS DETALLES DE COLOR PARA DARLE UNA SENSACIÓN DE HOGAR”, LUIS ARRIVILLAGA.

Pero entre el rediseño y distribución del apartamento y la selección del mobiliario, entró una de las comisiones principales del proyecto: adaptarlo para que expusiera la colección de arte del dueño. “Él es publicista y ha estado expuesto al mundo del arte y diseño, eso hace que tenga buen gusto. Por su trayectoria había acumulado muchas piezas que tenía guardadas en una habitación de su antigua casa. En una ocasión nos pidió que le visitáramos para elegir las que funcionaran para el apartamento”, cuenta Arrivillaga. La idea era poner la mayor cantidad, pero hubo algunas que no lograron entrar, ya sea por falta de espacio o de coherencia con el estilo.

“Hubo algunas piezas muy importantes que tenían que estar integradas. Por ejemplo, el cuadro que está sobre la bufetera amarilla, que amarró a la perfección. Él tiene buen ojo y gusto”, recalca Arrivillaga. Otra de las obras que debía estar era un interruptor hecho por un artista colombiano especialmente para el propietario. “Él quería que el switch estuviera en una de las paredes principales, se volvió un debate con la luz”, recuerdan ambos. Aunque ya tenían un esquema de cómo integrarlo al apartamento, el cliente optó por llevar su propia lámpara. “Él no se dio cuenta, pero era una luz touch y el interruptor

era dimerizable, entonces no funcionaba”, comenta entre risas el arquitecto. Al final, el premio se lo llevó el técnico de la luz, quien logró que los elementos funcionaran juntos.

Poco más de un año después del encargo, el apartamento estaba listo. El resultado es un espacio abierto, moderno e industrial con materiales expuestos que generan un diálogo entre las piezas de arte y el mobiliario, que agrega los acentos de color, y acaban por crear la atmósfera amena que deseaba la familia.

Por Anna Lucía Ibarra Fotografías de PixStart

Luis Arrivillaga y Juan Miguel Carrillo 17

EMPRENDEDORES

Vista hacia las torres de apartamentos desde la piscina infinita de Acantos.

El ingenio detrás de Terrum Desarrollos

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amón Thomas y Rafael Obiols son amigos desde siempre. Su relación laboral inició en la adolescencia, cuando ambos tenían alrededor de 17 años y decidieron montar una carreta de shukos para eventos. Años después fundaron lo que ahora es una de las desarrolladoras más sólidas del país.

Antes de asociarse como profesionales en Terrum Desarrollos, Ramón Thomas, un enamorado de la naturaleza, el agua y Río Dulce, estuvo dedicado en cuerpo y alma a las bienes raíces. ¿Su especialización? Location, location, location. “Hice carrera en la compra y venta de inmuebles durante más de 20 años, especializándome en encontrar la ubicación perfecta para cada cliente, que en mi opinión es la base de las bienes raíces, al igual que entender el diseño acorde para cada proyecto. Ahí muchas veces le pedí apoyo a Rafa, pues requería de excelente arquitectura para acompañar a un terreno”, recuerda Ramón, señalando

que juntos estructuraron en repetidas ocasiones anteproyectos completos para distintos desarrolladores. “Nos encargábamos incluso de ver temas de licencias, edificabilidad y presupuesto”, agrega.

Apasionados por la construcción y el desarrollo inmobiliario, ambos adquirieron de manera independiente experiencia en edificaciones para distintos usos; en el caso de Ramón, residencias de descanso en Marina del Sur y proyectos de vivienda así como algunos centros comerciales.

Rafa, quien se confiesa como un amante de La Antigua Guatemala y aficionado de la bicicleta de montaña (especialmente si

es en compañía de sus hijos) se hizo un nombre a través de Obiols Arquitectura, diseñando exclusivas casas familiares en la ciudad, casas de descanso en la costa sur, la ciudad de Antigua o La Reunión y más de un edificio corporativo. “Luego de colaborar así por muchos años, hace 7 decidimos unir fuerzas y talentos gracias a la aparición de un terreno extraordinario, en donde desarrollamos Acantos Cayalá”, comentan Rafa y Ramón, mientras aseguran que se trata de un proyecto único, pues fusiona naturaleza, vistas y una inigualable ubicación en una de las áreas de mayor plusvalía de la ciudad.

Concluido en su totalidad a finales de

“TERRUM ES UNA EMPRESA DIFERENTE, NOS GUSTA CONSTRUIR CIUDAD, HACER MÁS, DAR MÁS. BANQUETAS, CALLES, PARADAS DE BUSES, PASOS A DESNIVEL, BUENOS ESPACIOS… ESTAMOS ENFOCADOS EN DAR MÁS CON CADA PROYECTO”.

Las residencias en Acantos presentan una arquitectura contemporánea y a la vez atemporal.

2018, el exitoso complejo incluye 3 torres de apartamentos, una impresionante y pragmática casa club y 27 residencias unifamiliares.

Hace dos años surgió para Terrum otra excelente oportunidad, en la cual adquirieron la propiedad que antiguamente fue el Colegio Bilingüe Vista Hermosa. El terreno en la entrada a zona 16, en donde se situará el singular complejo de uso

mixto, Spazio, salió a la venta y desde entonces la desarrolladora ha estado involucrada desde el diseño hasta la construcción, la cual inició a principios de febrero del 2019. “Nuestra participación en Zénit, el centro de negocios que está por concluirse en zona 10 y que también es uno de nuestros proyectos, sin duda nos dio experiencia en el rubro de oficinas, quisimos integrar en Spazio este know-

how, produciendo una edificación que reúne estética, funcionalidad y un mix de oficinas, comercial y de servicios impecable”, nos comentan. “Queremos hacer las cosas bien. En Terrum nos gusta construir ciudad y, por ende, dar siempre más: mejores banquetas, ciclo vías, mejores calles, paradas de buses, pasos a desnivel, ni hablar de excelentes espacios interiores y estacionamientos

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Lobby de apartamentos en Acantos

ACANTOS, EN DONDE SE HA LOGRADO UNA ALIANZA CON EXCELENTES SOCIOS Y AMIGOS, MARCA EL INICIO DE TERRUM DESARROLLOS. eficientes y suficientemente amplios para suplir con la demanda. Realmente nos enfocamos en dar más, en construir proyectos que trasciendan y transformen la ciudad”, nos comentan, enfatizando en que de esa cuenta sus proyectos están siempre al alza en prestigio y plusvalía.

“Nos proyectamos para exceder lo que tenemos que hacer, lo cual nos ha permitido concretar proyectos muy lindos y reconocidos”.

La firma ha logrado una sinergia especial, así como la calidad óptima en sus desarrollos, porque el grupo desarrollador está conformado por abogados, constructores, banqueros, administradores y arquitectos de primera categoría. “Por eso también nos sentimos seguros para incursionar en un proyecto tan grande como Acantos.

Spazio representa otros 110 mil metros cuadrados de construcción; nos gusta el reto”, expresan, refiriéndose al nuevo edificio, que sin duda surge de la necesidad de espacios corporativos en el sector de Vista Hermosa III, zona 16 y área de Spazio ofrece mercado gourmet, una nueva experiencia culinaria para la ciudad.

El nuevo proyecto contará con una plaza comercial y de servicios.

EL NUEVO PROYECTO “SPAZIO” SURGE DE LA NECESIDAD DE ESPACIOS CORPORATIVOS EN EL SECTOR Y SE PLANTEA COMO UN EDIFICIO DE USO MIXTO QUE BUSCA APORTAR IDENTIDAD Y PLUSVALÍA A LA ZONA, ADEMÁS DE GENERAR CON SUS ÁREAS VERDES ESPACIOS INTERACTIVOS AL AIRE LIBRE, INICIANDO ENTREGAS EN DICIEMBRE 2020.

Cayalá. “Se trata de una nueva comunidad empresarial, ubicada justo en la entrada a zona 16 y conformada por una torre de 16 niveles que incorporará comercio y oficinas, plaza financiera, mercado gourmet, 1,500 plazas de estacionamiento y helipuerto”, concluyen. En cuanto a la pregunta de cómo visualizan el futuro para Terrum Desarrollos, ambos profesionales están de acuerdo en que el equipo seguirá dando la milla extra para producir indiscutible calidad arquitectónica y constructiva para seguir construyendo ciudad para todos.

Por Revista Habitart Fotos de Acantos por Leonardo Izaguirre Retratos de Anna Lucía Ibarra Rafael Obiols y Ramón Thomas

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CONVERSEMOS

Un monedero sin fondo

A

unque la mayoría de nosotros lo conoce por su papel protagónico en el desarrollo del original concepto de 1001 noches, el estudio Little Coins, fundado por la canadiense Anne-Sophie Gauvin, la salvadoreña Andrea Monedero y el guatemalteco Rodrigo Boy, es una auténtica caja de sorpresas. Atípico, alegre, transgresor, son quizá algunos adjetivos acertados para describir su manera de practicar el diseño en cualquiera de sus formas, pero hay tantos otros... Para resumir, vale decir que nos encanta.

Dice Andrea Monedero que el trabajo del estudio Little Coins está muy vinculado con la suerte, a encontrar por ahí, cositas que no esperaban. Como observadores podemos agregar que hasta ahora el azar ha estado de su lado, menos mal.

Conversamos con ella y con sus socios en su pequeño taller, ubicado en el segundo piso del antiguo Banco Reformador. La charla no solo estuvo amena e interesante, sino que sincera. Cada quien aportó su muy particular filosofía y mística de trabajo, una que al fusionarse los hace únicos. ¿El tono de las horas compartidas? Humor.

A grandes rasgos, ¿quién era cada uno de ustedes antes de Little Coins?

A. Estudié en el Liceo Francés de San Salvador y al terminar el bachillerato estaba lista para entregarme a las letras y la filosofía. La arquitectura fue en realidad una decisión de último momento. ¿En serio? No esperaba esa respuesta. ¿No tenías una inclinación especial hacia el dibujo o así?

A. No. Me gustaban las cosas bonitas, siempre me ha gustado todo lo que es arte, y las artes plásticas en general, pero no es que yo dijera esto es mi vida. La arquitectura fue una decisión improvisada, tanto que le agarré cariño a la carrera mucho tiempo después de haberla iniciado, y más cariño aún con la maestría porque ahí entendí que había una profundidad detrás, que no era solo técnica.

La arquitectura es otra forma de arte, y una muy importante porque queda para siempre en las ciudades.

A. Si, aquí falta esa visión justamente, no existe la noción de trascendencia para la obra constructiva.

S. Solo hace falta ver el edificio en donde

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estamos, este lugar duró apenas 30 años en pie, ahora va a ser demolido… En Europa hubieran encontrado la manera de conservarlo, aunque fuera con otro uso. Eso hace que las ciudades europeas estén tan cargadas de significado, de estímulo y de identidad. ¿De qué parte del Canadá eres, Sophie?

S. Soy de Montreal, de la parte francesa de Canadá, y al igual que Andrea, tampoco sabía qué quería hacer al salir del bachillerato. De alguna manera, la escuela, o la forma tradicional de enseñar, siempre fue algo confuso para mi, así que no muy convencida inicié la carrera de Historia del arte, y fue ahí, durante el curso de historia de la arquitectura que quedé fascinada y decidí cambiarme. La verdad que es todo ha sido muy intermitente en mi vida académica, en cierto momento incluso me tomé un año sabático y luego regresé a estudiar, y cuando solo me faltaban cuatro clases para concluir, decidí irme a sacar la maestría sin terminar la licenciatura.

trabajar el resto de mi vida con Sophie, es mi alma gemela laboral.

S. Es verdad, hicimos clic, desde el día uno nos pusimos en el mismo grupo de trabajo y desarrollamos proyectos juntas.

A. Venía de estudiar arquitectura en la UNIS, y como te decía hace un momento, hacia el final de la carrera tuve varios profesores más alternativos que influyeron profundamente en mi amor por la arquitectura. Durante un curso espectacular de paisajismo, justamente, el profesor me dijo que no debía de elegir la maestría por el tema en sí, sino por cómo era la ciudad donde ofrecían el curso. Elegir Milán, entonces, fue fácil, ahí no solo había una universidad que enseñaba diseño, sino una ciudad que lo vivía en todo sentido. ¿En qué año te graduaste de la UNIS? A. En 2009. Italia fue en 2011, lo que pasa es que pasé 2010 haciendo una tesis sobre urbanismo que no tiene nada que ver con lo que hago ahora y así terminé

diseñando el máster plan de La Isla, que está en el kilómetro 72 de carretera a El Salvador, cerca de Barberena y que es una especie de plaza de descanso en medio de la ruta.

Necesitamos más proyectos así…

R. Sin duda, a nosotros nos interesa que la ciudad sea vivible, nos apasiona el tema, pero, al menos en este momento, lo nuestro es a mucho menor escala, es lo que nos caracteriza.

A. Creemos que las cosas chiquitas pueden tener un impacto dentro de la casa, luego en el entorno inmediato y solo después, en la ciudad.

R. Pero estamos siempre colaborando con gente que sí está más enfocada en proyectos grandes y urbanos. Para hacer la Casa Ronald, por ejemplo, nos unimos con el equipo de Taller ACA para el concurso. Ellos tienen una visión fuerte en el tema del emplazamiento urbano y nosotros entramos en la parte de interiorismo.

¿Y eso es posible?

S. Pues no es común, pero es posible.

Ahora no puedo usar el título al lado de mi nombre, pero… Es que, por ratos me sentí frustrada con los cursos que ofrecía la Universidad de Montreal, y cuando tuve la oportunidad de hacer un curso de verano en NABA , una de las mejores escuelas de diseño de Milán, salí corriendo. Ya estando allá me enamoré de su particular manera de ver la arquitectura y el diseño, que más que algo técnico y funcional, tiene que ver con emociones, sensaciones, amor, conexión, vida y, cómo no, el acto universal de compartir. Aquel era un ambiente tan inspirador, imagínate que Andrea Branzi, la fundadora de Archizoom, era una de nuestras catedráticas, solo por mencionar a una. ¿Ahí se conocieron las dos?

A. Si, hicimos juntas la maestría Nuevos Paisajes Domésticos, dentro de la carrera de Diseño de Interiores. Yo creo mucho en eso de las almas gemelas y así como hay gente que dice quiero pasar el resto de mi vida con esta persona, yo quiero

200 personas se unieron para mapear los colores de Centroamérica. Un color y hashtag diferente por día: #AmarilloCA #VerdeCA #RosaCA #BlancoCA #NaranjaCA #GrisCA #MoradoCA. He allí la fuente de la colección mostrada en @coloresca (en Instagram). Impresas sobre cerámica gracias a Galería Viterra, estas piezas fueron exhibidas en instalaciones del coctel de una revista de diseño y arquitectura.

¿Cuándo y por qué entras tu en escena, Rodrigo? (Rodrigo entra y sale de la entrevista, tiene mucho que hacer en el estudio) R. También estudié arquitectura, concretamente en la Landívar, y luego me fui a Madrid a sacar un MBA. Allá viví alrededor de un mes con Beba, una amiga de Andrea, y fue ella quien nos puso en contacto, nos conocimos por Skype, nos caímos muy bien y vimos que teníamos mucho en común. Tanto que cuando terminé la maestría lo primero que hice fue escribirle a Andrea, y ella me ayudó a entrar a SOLISCOLOMER. ¿O sea que antes de armar el estudio trabajaron en otras firmas?

A. Hay mucha historia antes de Little Coins… yo después de NABA, que duró año y medio, me quedé seis meses más trabajando en Milán, después estuve en India otro año, primero en una firma que restauraba templos antiguos y mas adelante en un estudio de arquitectura.

Fue muy interesante, estuve en Kerala y pude ver muy de cerca cómo trabajan los artesanos locales, totalmente diferente a Italia; además, la comprensión de la arquitectura sagrada es algo que no entra en juego a la hora de diseñar en la mayor parte del mundo… aunque estoy segura de que en Latinoamérica también hay fuentes de sabiduría súper lindas. ¿Anne-Sophie?

S. Fui a trabajar al estudio IdLab del arquitecto Stefano Mirti. Mi jefe siempre ha estado involucrado en educación; su pasión es explorar distintas maneras de enseñar diseño. En ese momento, él entendió que no hablaba el mismo idioma que sus estudiantes millennials, así que, en vez de obligarlos a aprender su lenguaje, se propuso aprender el de ellos. Así se involucró de lleno en redes sociales, y era tan divertido, ingenioso y original, y daba tan buenas referencias, que yo también lo seguía en Twitter. Se me habían presentado dos opciones para hacer un internship, y como sabía donde quedaba su estudio, dispuse irle a tocar la puerta para que me aconsejara qué hacer. Paré quedándome 4 años con él, trabajando en un programa maravilloso.

Proyecto Que Es Eso.

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¿Cómo era ese programa? ¿Qué hacías?

S. Pues contrario a lo que hubiera hecho en las otras firmas, aquí primero diseñamos un juego de diseño llamado Who am I, después hicimos Mooc, un programa de cursos masivos en línea, abierto para todo el mundo, aunque con apoyo de la universidad. Para el primer curso, Design 101, se apuntaron 40 mil estudiantes, diez mil empezaron y 600 lo terminaron. Básicamente se les enviaba cada día una postal virtual de un lugar en el mundo y después de una breve descripción se les daba una tarea que después debían subir a la red.

Los estudiantes se volvieron locos, era una narrativa única. Al concluir, 300 estudiantes enviaron una propuesta para la exhibición final que se llevó a cabo en Berlín. Esta comunidad sigue activa actualmente.

específico, solo sentía que necesitaba el cambio y empecé a trabajar proyectos como free-lance. Lo lindo de la tecnología de hoy es que se puede trabajar en colaboración con alguien aún estando muy lejos uno del otro. Por supuesto le pedí ayuda a Sophie, y más adelante, cuando empezaron a surgir más oportunidades, a Rodrigo porque lo que él hace es la clave para un proyecto sea una realidad.

S. Casualmente, los tres queríamos una transición al mismo tiempo. Hacemos un mix muy particular, muy complementario.

R. Empezar esto fue una casualidad.

S. Es que 1001 noches y la casa Ronald McDonald vinieron al mismo tiempo, así que ya ameritaba que viniera a Guatemala y concretáramos. Antes habíamos trabajado en Coloresta, un proyecto que buscaba mapear los colores de Centro América y que sin duda es hasta hoy uno

Mientras tanto Rodrigo y Andrea ya estaban juntos en SOLISCOLOMER A. Si, yo estuve alrededor de dos años, y Rodrigo año y medio o por ahí… La verdad es que Mauricio es alguien a quien admiro mucho, lo considero uno de mis grandes mentores.

R. La experiencia fue importante, Andrea estuvo en diseño y yo en supervisión de proyectos y construcción. Aprendimos sobre diseño de restaurantes y cafés, algo que nos interesa un montón, es decir, sirvió mucho porque hacemos más proyectos comerciales que otra cosa. ¿Cómo se da la unión de los tres en Little Coins entonces?

A. Salí de SOLISCOLOMER sin un plan

Proyecto Core Yoga

Proyecto Curanto

de nuestros favoritos. ¿Y qué aporta cada uno al estudio?

S. Soy la soñadora, me encargo de conceptualizar, aunque a veces vuelo un poco.

A. Yo creo que soy bastante buena ejecutando… te diría que la ejecución de un proyecto es más importante que el diseño, pues de nada sirven las grandes ideas si no se ejecutan bien.

S. Tenemos un balance muy lindo porque tengo ideas muy astrales y Andrea las hace construibles, siempre que Rodrigo consiga que sean viables.

R. Si, justamente ese es mi papel, ahora estoy yendo y viniendo porque estamos en reunión, Andrea diseñó un proyecto bien soñador y a mi me está tocando hacerlo ejecutable.

A. Bueno, yo trato de adelantarme un

montón… Rodrigo es muy importante para nosotros. Como dice Sophie, tenemos un equipo que se complementa. En este momento podemos competir con cualquier firma de arquitectura, una constructora o una agencia de publicidad (Little Coins también hace branding).

R. Andrea nos aporta disciplina, ella nos marca las metas, dice la entrega es tal día y se preocupa porque así sea. Sophie es la parte creativa y soñadora, la que mete la diferenciación en lo que hacemos, logra que todo cuente una historia, que cada proyecto esté amarrado a un concepto con sentido. ¿Por qué Little Coins?

A. Quería algo que transmitiera que hacemos cosas en una escala menor, nos gustan los detalles, y bueno, algo también tiene que ver con el hecho de que mi apellide Monedero. ¿Qué proyectos han sido más significativos para el estudio?

S. Todos. Queseso nos encanta porque tiene una idea fuerte detrás, la de poner un restaurante donde sea. Es decir, un restaurante pop-up de vinos y quesos, en el que el mobiliario sea móvil. Y Coloresca es uno de mis grandes favoritos, Viterra no solo patrocinó el proyecto, sino que imprimió las fotos seleccionadas en azulejos, un espectáculo. ¿Creen que hay un sello que define al estudio? ¿Un estilo particular?

A. Todo es una evolución, estamos masterizando nuevos materiales, pero quizá algo que nos caracteriza es el uso del color, nunca me gustó trabajar con ese rollo escandinavo, más bien frío, que no habla de quienes somos como cultura. El color es algo que nos interesa, al menos por ahora. ¿Qué se está haciendo bien en el mundo?

En su área, claro…

R. Creo que el hecho de que haya tantas colaboraciones. Ahora se unen talentos de muchas más áreas, algo que incluso debe potenciarse más, somos jóvenes, no nos la sabemos todas, está bien unir esfuerzos para hacer las cosas mejor. Y con esto me refiero no solo a la colaboración entre firmas de arquitectura, sino la unión de

Proyecto Lichutam

gente de muchos backgrounds, como cineastas o artistas. Se aprende increíble de ese trabajo en equipo.

A. Creo que San José está haciendo cosas buenas, y quizá es más fácil vernos en ese espejo que vernos en el de ciudades mucho más grandes y avanzadas que están demasiado lejos.

¿Qué urge localmente?

A. Resolver la inseguridad, el país en general sería otro sin ese atenuante.

S. Si, pero creo que también debe haber un cambio en la manera de pensar de las personas. La educación es clave, es lo que va a equilibrar a un país tan dividido como este.

¿Qué se está haciendo bien en Guatemala?

A. Me parece que el Transmetro es un gran avance. Es el único medio digno que hay en el país, el único medio de transporte seguro. Lo uso a diario, es el único donde sabes que no te va a pasar nada, eso ya es bastante. Falta mucho, pero la idea de apuntar hacia un transporte público digno y seguro nos va a cambiar radicalmente. Creo, además, que en la ciudad no hay mucho hacia donde mirar para encontrar esperanza, pero si la hay en los pequeños grupos que nos rodean y que sabemos que están haciendo cosas buenas en muchos aspectos.

S. Hay tanta gente haciendo cosas interesantes, tantos artistas. El mundo local se está moviendo a través de pequeñas iniciativas.

R. A mi me parece positivo lo que está pasando en 4º grados Norte, es un desarrollo urbano y rescate de construcciones anteriores que debe seguir en el resto de la ciudad. Me gustan, además, movimientos como Barranqueando…

¿Cuál sería su proyecto sueño?

A. Para mí, cualquiera que el cliente nos de libertad y confíe en nosotros es un proyecto sueño. Pero creo que me encantaría hacer una escuela o un kínder, algo para niños. ¿Qué viene para Little Coins?

R. Ya este año estamos un poco más residenciales que de costumbre, es todo un viaje.

S. Para mi se trata de que estamos aprendiendo día a día, y mejorando.

Queremos ser cada día mejores.

Por Ana Isabel Villela Retrato de Margo Porres

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RESIDENCIAS

De imprescindibles en arquitectura de mar

L

uego de darnos a la encantadora tarea de buscar elementos tendencia que realcen los ambientes en esos hogares de descanso en la playa, coincidimos con la arquitecta Amparo Rodas, quien a través de su equipo, y su firma ARC, ha desarrollado proyectos únicos en el exclusivo Juan Gaviota, Marina del Sur. Su trabajo nos adentra a un mundo de tendencias minimal “must-have”, en esta temporada veraniega que se avecina.

IN NATURA Si bien la arquitectura busca crear, además de confort, una alineación con el paisaje dependiendo de la localización de cada proyecto, resulta un obligatorio integrar a la naturaleza cuando espacios de descanso se trata, de forma que nos conecte con la vitalidad que aportan las plantas.

En el mar, las palmas, cocos nucifera e hibiscos, suelen ser los predilectos.

EXTERIORES EN GRIS Con acabados externos que evocan al concreto expuesto se busca en el diseño actual crear la sensación de relajación y amplitud. Además, existe la mezcla de cemento con otros elementos como la piedra coralina utilizada en pisos externos, debido a su alta durabilidad, color natural y elegancia.

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¿Y LA PISCINA?

LESS IS MORE

Las hay en distintas formas, funcionalidad y gadgets (iluminación led, chorros para diversión, etc.), sin embargo, sigue vigente la tendencia de las que se ubican al mismo nivel de piso y las de “orilla sin fin”, que funcionan aún mejor cuando están frente al mar.

“Siempre busco el diseño minimalista”, afirma Rodas; las líneas rectas y sencillas, geometría simétrica, así como pocos cambios de textura e integración con la luz y el entorno, en la forma estructural de las construcciones suelen ser los elementos que logran una estética prodigiosa.

VISTA Y OIDO PROTAGONISTA Teniendo como punto de partida al elemento mar, una de las tesituras obligatorias en la arquitectura de playa son los ambientes que encuentren el balance perfecto entre el interior y el exterior. Con obligada visión y oído al reino de Poseidón, las tendencias se han inclinado a espacios comunes totalmete abiertas.

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BLANCO SIN LÍMITE Con espacios al mejor estilo nude, aplicado en paredes, así como a muebles o detalles pequeños como la ropa de cama, se crea la sensación de amplitud que además agrega el toque de calma. “El protagonismo lo tiene el blanco para brindar serenidad, los colores únicamente son usados en accesorios, a manera de no saturar el ambiente”, afirma Rodas.

PIEDRA EN OJO AL DETALLE Las rocas incorporadas al diseño convierten cualquier estadía en un auténtico y exquisito modus vivendi. Para la arquitecta Rodas, aplicar piedras como el ónix, mármol, coralina o cuarzo natural a través del silestone, en pisos, baños o muebles, resulta todo un imprescindible.

DE GIGANTE Mucho tiene que ver la altura en los diferentes ambientes para crear la sensación de amplitud y frescura.

Con espacios interiores de hasta 4 metros de alto y pérgolas rondando los 5 metros, la arquitecta reafirma que además de ser tendencia en los proyectos se busca con ello el equilibrio en la temperatura.

UNA ODA AL VIDRIO Hemos hablado de él en torno a muros y espacios abiertos, sin embargo, es necesario mencionarlo de forma específica si de mantener iluminación natural se trata, aplicado a ventanas en dormitorios, así como complemento a mesas, o respiraderos en cuartos de baño.

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EL ARTISTA

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Si tan solo supiéramos qué simple es vivir...

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a artista guatemalteca Estefanía Valls presentó el mes pasado su muestra “Nidos”, que incluye una compilación de sus últimos trabajos artísticos, en una interesante intervención de la galería Sol del Rio.

Después de un breve y ameno paseo a pie por zona 10, encontré la galería en donde me esperaba la ceramista Estefanía Valls. Dentro hay un oasis, una casa blanca, varias plantas y árboles que dan refugio con su sombra. Desde la entrada se pueden ver algunas redes moviéndose suavemente con el viento que sopla. Me dan la bienvenida.

Valls es una de esas personas que

emanan hospitalidad y su voz serena envuelve el espacio. Con una sonrisa me saluda y explica que antes de la entrevista me guiará en un recorrido por la instalación, que comienza desde el umbral de la puerta. La galería está intervenida, por ejemplo, en el piso hay baldosas de cerámica cruda. “La idea de la muestra es que el espectador haga un viaje de introspección, una reflexión de

este loco viaje que es la vida”, comenta la artista y agrega que, en el ajetreo del existir, nos olvidamos de lo que podemos aportar al mundo y recalca lo limitado del tiempo en la tierra. “¿Qué huella estás dejando?”, me pregunta al mismo tiempo que me invita a dar un paso sobre una de las baldosas. Al apoyarme en ella, se quiebra. Siento cómo la pieza, que estaba intacta, se desquebraja lentamente en

varios pedazos mientras apoyo mi peso.

La sensación resulta algo incómoda, como cuando entras a casa sin querer hacer ruido y, de repente, todo suena mil veces más. “¿Qué pasaría si cada palabra, acción y decisión la tomáramos con la consciencia con la que damos estos pasos?”, cuestiona la artista, y es que tan solo cambiar el

peso del cuerpo de un pie a otro hace que el leve crujido de la baldosa vuelva a aparecer. “Estamos dejando estas marcas en las personas, una huella. Qué diferente sería nuestra interacción si estuviéramos conscientes de esa sensación de craquelado”, dice tranquilamente Valls mientras me hace una seña para ir a la primera parada de la muestra. A mi paso, la baldosa se sigue quebrando, los pedazos más pequeños se acomodan, algunos incluso se apelmazan por el peso.

“Si tan solo supiéramos qué simple es vivir la vida con sencillez, ese camino de piedras sería tan suave como agua corriendo por nuestros pies”, es el poema que adorna la entrada a la instalación Water. Dentro hay un cuarto completamente oscuro y, al centro, una videoinstalación que simula el reflejo del agua sobre piedras, hechas de cerámica por Valls. Para complementar el ambiente, el sonido de agua corriendo crea la atmósfera perfecta para tener un lugar de meditación e introspección.

Dejo que mis ojos se ajusten al entorno y tomo un momento para interiorizar el momento. Unos segundos después los hombros van cediendo, los pensamientos se ralentizan y el sonido me inunda.

Al salir de la habitación el sol se siente un poco más fuerte de lo que estaba antes de entrar. Caminamos, sí, sobre las baldosas rotas, hacia la segunda parte de la instalación. Aquí, el sonido del agua cambia por el de un viento fuerte y los huevos se convierten en protagonistas.

La muestra se llama “Nidos” y está compuesta por esferas de varios tamaños, que a su vez son una representación del ser, y nidos hechos de fibras naturales, hilos de cobre o acero.

Valls creció en una familia de artistas.

De padre español y madre argentina, la pintura y el dibujo estuvieron siempre presentes mientras crecía. Cuando llegó el momento de ir a la universidad Estefanía optó por ir a Barcelona a estudiar Bellas Artes. “La facultad estuvo 3 años en huelga y no pude hacer la carrera”, recuerda y agrega que a los meses entró a la facultad de diseño de interiores. “Es interesante cómo todo sirve en la vida porque eso me dio la capacidad de interpretar el espacio y ponerlo en la escultura y la obra”, comenta.

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“Las esferas representan el ser y el nido la propia historia”, continúa la artista. Para hacerlos, usó dos técnicas: el craquelado y el rakú, esta última es una técnica japonesa que se utiliza tradicionalmente para hacer tazas de té. Cada uno de estos huevos es hueco por dentro, tiene distintos tamaños y cicatrices e imperfecciones rellenadas con oro líquido u horneado.

La mayor parte de la obra de Estefanía está hecha en cerámica. Muñecas, barcos, huesos, piedras y ahora huevos; todos de cerámica. Aunque parece que la artista siempre tuvo una inclinación hacia este material, la verdad es que fue un encuentro fortuito. “Llegó con un contacto de mis padres. Entré a una escuela y tuve la oportunidad de estudiar cerámica y me hice ceramista”, apunta. Posteriormente se formó en Bellas Artes en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, con enfoque en pintura y terminó descubriendo la escultura. Así es como todo se alineó para darle a la artista el medio para expresarse.

Hacer estas esferas le tomó un mes de residencia en Japón. Estefanía ganó una de las ocho becas que el gobierno nipón otorga a ceramistas profesionales cada año. “Es un privilegio ganarla porque te dan donde vivir, comida, transporte y acceso a unos talleres impresionantes, con los hornos de cerámica más hermosos que has visto nunca”, dice con alegría genuina.

El resultado es una hermosa mezcla de texturas, colores y el toque perfecto de brillo que resalta las imperfecciones en una especie de oda a esos rasgos que cada persona tiene e intenta esconder, no con mucho éxito.

En el siguiente cuarto la instalación es dominada por nidos suspendidos. “Están inspirados en los nidos de oropéndola, un pájaro muy pequeño que los construye en la selva. Realmente es una obra de arte porque logra una forma perfecta.

Esta es mi mejor imitación”, explica la creadora mientras observa con ilusión el nido que cuelga en una esquina. Los de Valls se mecen silenciosamente brillando cuando el sol los roza. La técnica para

hacerlos es la del macramé, la misma con la que se hacen las redes de pesca.

El nido suspendido tiene varios hilos sueltos y los nudos son tan flexibles que ni siquiera están tensos y tan resistentes que soportan las pesadas esferas.

En medio de los nidos hay una piedra que se bambolea con el viento. La artista me explica que esta representa el silencio, la ausencia de este, su peso y la necesidad de romperlo en algunas ocasiones. En el cuarto contiguo hay más nidos meciéndose acompañados de otra video instalación. La imagen muestra el proceso de mezclado del barro antes de ser moldeado y representa el constante estado de cambio y evolución de las personas y la vida.

Con una leve brisa en el rostro y un sentimiento de paz y satisfacción, Valls me invita a pasar a una sala para continuar con la entrevista. Además de ser artista, su vida también se ha entrelazado con el trabajo social y la política. Estos caminos la han llevado a cuestionarse y, algunas veces, han desencadenado el tema de sus muestras. Nidos fue un desarrollo de dos años, que empezó con los caminos de piedras (instalados en Water), posteriormente con el performance de las baldosas rotas, el estudio de los nidos, los huevos y los nidos suspendidos. “Fue un desarrollo muy orgánico de un tema al otro, todos se interconectaban. Para mí ha sido un viaje maravilloso porque logré poner el proyecto en conjunto”. Cuando le pregunto si hay alguna galería en la que sueña exponer su trabajo responde

rápidamente, “en Guatemala esta era mi sueño. Estar en Sol del Río es top, lo más alto. Luego hay espacios muy lindos e importantes, pero ya se darán”, asegura.

Aunque afirma que nada acaba completamente, para ella Life, la agrupación de sus últimas muestras y reflexiones ya culminó. “Lo considero cerrado. Tengo otros proyectos paralelos, bienales en las que participo y estoy esperando la respuesta de un art studio en China donde presenté una propuesta.

De repente se da, veremos”, comenta con aire esperanzador.

Para terminar, le pregunto si la inspiración llega o se busca. Valls es muy enfática en decir que, para ella, la fuente de inspiración es el trabajo. “Estoy abierta a toda oportunidad que venga. Por eso el mejor vehículo de la creatividad y el desarrollo del arte es trabajo, trabajo, trabajo y ver, ver, ver. Hay que trabajar hasta encontrar el diálogo personal.

Mientras eso llega, solo somos espejo y reflejo de otros artistas, obras y técnicas.

Solo el trabajo encuentra ese diálogo personal que marcará la obra”, finaliza.

Le doy las gracias por el tiempo, arreglo mis cosas y salgo, sí, lo adivinaron, rompiendo más baldosas. Afuera hay dos señoras esperando a Estefanía. Ella, con una cálida sonrisa, las invita a quitarse los zapatos para hacer el recorrido. Salgo a la calle y camino de regreso a la oficina, muy consciente de mis pasos.

Por Anna Lucía Ibarra Fotografías Anna Lucía Ibarra y cortesía

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EL ARTISTA

El fotógrafo de la cotidianidad

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días de la inauguración de la muestra del fotógrafo guatemalteco Eric Prado Vélez, recibimos en nuestra oficinas la agradable visita de Anaís García Salazar, directora de la fototeca de CIRMA- El centro de Investigaciones Regionales de Mesoamérica- y una de las principales promotoras del rescate de la obra de talentos locales un tanto desconocidos. “El problema que tenemos con el arte, y la fotografía en particular, es que no hay nada escrito, no existe bibliografía, entonces tenemos que recurrir a quien conoció a los creadores, a quien fue testigo, a quien estuvo cerca”, nos dijo, mientras seguraba que lo que la cautivó de este personaje, cuyo trabajo data de mediados del siglo pasado, es la sensibilidad con la que se enfrentó a su día a día, a su familia, a su trabajo e inclusive a personas que se cruzaban en su camino. “Puedo deducir que era un hombre disciplinado. Él revisa, practica, tiene técnica, y seguro pasó mucho tiempo en el cuarto oscuro. Sus retratos son en alto contraste, algo que hoy en día se logra fácil con un botón de photoshop, pero en la década de los cincuenta se conseguía con un juego de negativos dentro del cuarto oscuro”, agregó. Blanco y Negro, estará abierta hasta mediados de junio con diferentes entregas periódicas de imágenes.

“Su talento y creatividad en la composición artística es prueba del cuidado que tenía de la técnica fotográfica y su deseo de provocar en el espectador una sensación de movimiento armónico. El retrato de su esposa Hilda en alto contraste es una muestra de la experimentación que hacía dentro del cuarto obscuro, que a mediados de la década de 1950 resultaba una innovación en el contexto guatemalteco. Su talento y espíritu de colaboración le mereció ser nombrado como “Socio Honorario” del Club Fotográfico de Guatemala. Concursó innumerables veces junto a fotógrafos reconocidos a nivel internacional como Julio Zadik y Lionel Stein, y otros aún desconocidos en los círculos artísticos contemporáneos como Eduardo Lizarralde”, Anaís García Salazar.

Fotografía de Ángeles Ávila

“Eric Prado Vélez…todavía se le puede ver caminando por la mal llamada “terraza” de su casa. Mal llamada terraza, porque en un momento dado el espacio se cerró, y en el fondo se construyó el cuarto obscuro, en el que pasaría largas horas, a ratos solo, a ratos acompañado por alguno de sus hijos, pero sobre todo en compañía de su heredero cultural y fotográfico, el arquitecto Antonio Prado Cobos”, David Prado.

Eric Prado Vélez nació en Cobán el 29 de enero de 1917, hijo de David Prado Beltetón y de Victoria Vélez González.

Autorretrato de Erick Prado Vélez

PASAJE CULINARIO por Paulina de la Cerda

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El chocolate deleite universal y alimento de los dioses

U

na nota en honor a este producto de nuestra tierra con una fascinante historia y muchos datos curiosos. Incluyo temas que me parecen interesantes como el tabú y las creencias que generó.

El cacao es originario de Mesoamérica.

Los Olmecas fueron los primeros en domesticar la planta, luego fue adoptada por los Mayas y Aztecas, y bautizada como Teobroma cacao, que significa “alimento de los dioses”. Cuando los conquistadores se dieron cuenta que la moneda de estas civilizaciones crecía en los árboles, se interesaron más en su producción y comercialización.

Para los nativos era una bebida ceremonial, consumida únicamente por la élite, algo que se replicó también en Europa donde el cacao era visto como un lujo exótico.

Se sabe que la parte más deseable esta bebida era la espuma que se obtenía vertiendo el brebaje de un recipiente a otro. Para prepararla, era necesario tostar bien el cacao y agregar saborizantes como chiles, flores de zapote y pimientas.

El chocolate fue el primer producto aceptado y adoptado por los conquistadores españoles. Ya en Europa, modificaron un poco la bebida y comenzaron a endulzarla con azúcar de caña y especias como canela, anís y pimienta negra. La mezcla funcionó tan bien que se volvió un medio eficaz para administrar venenos, ya que

el intenso sabor que la caracterizaba disimulaba el de las toxinas.

El gusto por el chocolate se expandió a Portugal e Italia, aquí, Cosimo III de Medici gran duque de la Toscana (el último de los Medici en dominar) quien era tachado de intolerante, débil, vanidoso e hipócrita, pero gran “gourmard”, no ahorró gastos para llevar a su mesa los condimentos más raros, exóticos y preciados del mundo.

Cuenta la historia que en los banquetes que ofrecía la mayoría de sus invitados eran diplomáticos extranjeros y el único propósito de convidarles era que hablaran sobre su comida. Tanto era su amor por el chocolate que en su corte nació la famosa receta de chocolate al jazmín, la cual tuvieron bien guardada por muchos años. La receta era una mezcla de cacao, flores frescas de jazmín, azúcar, vainilla, canela y ámbar gris. No sé si hubiera tenido muchos seguidores…

El consumo del chocolate fue para la Iglesia Católica un tema controversial.

Primero porque entre los cronistas de la conquista hubo muchos que lo consideraron afrodisiaco, otros lo describían como una droga o “un liquido diabólico”. Al final llegaron a la conclusión de que era un producto nutritivo si se preparaba solo con agua y al final fue aceptado, al igual que el vino, como una bebida.

En Francia la duquesa de Montpensier relata que la reina María Teresa, de origen español, bebía chocolate a escondidas de su esposo, ya que no era permitido que los franceses “decentes” lo bebieran en público.

Para la época de Luis XIV se estima que Versalles tenia mas de 10,000 funcionarios, nobles y asistentes frecuentes. En esa época se servía chocolate en todas las funciones públicas y actividades del palacio hasta que murió la Reina María Teresa.

Al último personaje que no puedo dejar de mencionar es al “Divino Marques de Sade”. Cuenta la historia que dio un baile y de postre sirvió “pastillas de chocolate” revueltas con cantáridas, un poderoso afrodisiaco natural. Los asistentes los devoraron y la fiesta se degeneró en una célebre orgía al estilo de los romanos.

Los especialistas en el escritor opinan que parte de esa historia pudo haber sido inventada y exagerada por sus muchos “haters”.

Hasta este momento, el chocolate era solo para los aristócratas, pero gracias a los ingleses la bebida se democratizó y empezaron a venderla en los cafés.

Cuando llegó la revolución industrial, el preciado producto evolucionó. Los holandeses y suizos lo procesaron para usarlo en la bombonería y la repostería y el chocolate se volvió un alimento a la disposición del pueblo.

No puedo terminar mi relato sin antes mencionar las descripciones más curiosas que encontré pre-revolución industrial del chocolate: • Afloja el estomago • Promueve el apetito venéreo • Causa melancolía hipocondriaca • Quita el apetito • Da fiebres espermáticas Pero como toda controversia, tiende a acabarse. Los dejo con una cita de Gerónimo Piperini, que describe el chocolate como muchos amantes de este manjar alrededor del mundo lo concebimos: “El chocolate es una bebida divina, celestial, el sudor de las estrellas, la simiente vital, néctar divino, la bebida de los dioses, panacea y medicina natural”.

PAULINA

Pain au chocolat de Miettes Hecho con masa de hojaldre y mucha mantequilla, estos panes están fermentados con masa madre, horneados en horno de leña y rellenos de chocolate amargo, ¡el perfecto desayuno! Les recomiendo comérselos calientitos.

Mietttes (4 grados norte z.4). Consulten su cuenta de Instagram para saber la selección de pan diaria.

LAPAU RECOMIENDA Brownie + helado + caramelo de cerveza.

Maridaje: Nitro Stout de Santo Pan Un brownie caliente servido con helado de vainilla, bañado con caramelo hecho a base de reducción de cerveza caliente. ¡El clásico brownie a la mode con un twist! Recomendando para compartir y acompañarlo con una Cerveza Nitro Stout de Antigua Cerveza.

Miel de la Finca Tránsito Bolívar Es mi favorita. Proveniente de Colomba, Quetzaltenango, tiene una mezcla de sabores donde resalta la flor del café, flor de Pompeyo, flor de chalum, flor de pimienta gorda, flor de macadamia y flores silvestres del área, con un acentuado sabor a vainilla. Su color varía dependiendo de la alimentación de las abejas. Es 100% natural.

LA RECETA

que el chocolate se derrita. Mover y agregar el chile cobanero.

PROFITEROLES

• • • • •

5 onzas mantequilla 1 taza de agua 1 cucharadita sal 1 1/3 taza harina 5 huevos

En una olla colocar la mantequilla, sal y agua. Cuando hierva, agregar la harina. Mover con una paleta de madera hasta que desaparezcan los grumos. Cocinar por 3 a 5 minutos o hasta que el fondo de la olla tenga un color café claro.

SALSA DE CHOCOLATE AL CHILE PROFITEROLES RELLENOS DE CREMA AL ACHIOTE (Receta para 10 personas)

Trasladar la mezcla a una batidora y agregar un huevo a la vez, batiendo constantemente hasta que la mezcla esté uniforme.

• ¼ cucharadita chile cobanero en polvo

Dejar enfriar la masa por 1 hora.

Precalentar el horno a 400°F. En una lata de hornear engrasada coloque con dos cucharas bolitas de masa, con tres centimetros de separación y hornear hasta que estén dorados. No abrir el horno para que se inflen.

En un baño de maría calentar la crema hasta que esté tibia. Agregar el chocolate y apagar el fuego. Dejar

Dejar enfriar y, si lo desea, rellenar con la crema pastelera. También se pueden servir solo con la salsa.

SALSA DE CHOCOLATE

• ¾ taza crema para batir • 8 onzas chocolate semidulce (60 % cacao)

CREMA PASTELERA AL ACHIOTE Y CHILE

• • • • • • • •

4 yemas ¼ taza azúcar ¼ taza harina 1.5 tazas de leche entera 1 taza crema para batir 1 cucharadita de vainilla ¼ cucharadita pasta de achiote ¼ cucharadita chile cobanero en polvo

En un bowl combinar las yemas y el azúcar. Batir con una batidora de mano hasta que estén cremosas y de un color amarillo claro. Agregar la harina poco a poco.Colocar la leche, crema, vainilla, achiote y chile en una olla y combinarlos bien. Cocinar a fuego lento, sin dejar que hierva.

Gradualmente agregar la mezcla de las yemas y moverlo vigorosamente hasta que no queden grumos.

Cocinarlo moviéndolo constantemente por unos 5 minutos. La mezcla debe estar firme. Remover del fuego, trasladarla a un bowl y taparla con film. Dejar enfriar y refrigerar por lo menos 4 horas. Rellenar los buñuelos con la crema y servir con la salsa de chocolate.

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OBJETOS DE DESEO

Arte en las paredes

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os murales no pasan de moda. Nos gustan especialmente los de Marie Andree Bartlett de Springmuhl.

Una mañana de jueves nos reunimos con la artista para que nos cuente acerca de las tendencias que se verán en 2019.

Comenzamos la entrevista y lo primero que viene a su mente es un recuerdo.

Cuando era pequeña - nos dice -, le costaba poner atención en el colegio; prefería dibujar. Eso hizo que a los 20 años decidiera empacar su maleta e irse a Londres para estudiar caricatura y en 2003 a Florencia para especializarse en Figura Humana. A su regreso tomó un curso de fotografía y a sugerencia de un amigo, se hizo maestra de fotografía y caricatura para un pequeño grupo de niños. El escultor David Halfon la animó tiempo después a poner su propia academia.

Aunque no es diseñadora de interiores, es muy cotizada para crear obras de arte en las paredes de los cuartos infantiles.

“Cuando estoy pintando, me desconecto totalmente y me voy a otro mundo. Trato de pintar cosas lindas porque deseo que sea como el lugar mágico de cualquier niño”, nos dice.

Con respecto a las tendencias , la artista explica que lo de ahora va hacia las líneas simples y menos cargadas. “Se aplican más detalles pequeños sobre las paredes para que el niño no se aburra de verlas, y pueda crecer con ellos”. Las tonalidades que prevalecerán serán en la escala de grises, -tanto en niñas como niños-, beige y colores pastel.

Para esta temporada los personajes seguirán vigentes. “Sugiero que en la pared vaya lo tiene que ver con la personalidad y las pasiones del pequeño, eso es esencial”, nos dice. Por eso, antes de comenzar Marie Andree deja que sea el niño quien elija los colores, así como los elementos que estarán en la de la habitación.

En cuanto a pintura, recomienda que sean acrílicas a base de agua, porque hay algunas que son dañinas para los niños.

Pocas veces usa óleo, y si lo hace, busca que sea lo más natural posible para que el ambiente no se contamine.

Por Revista Habitart Fotografía de Anna Lucia Ibarra

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