HABITART #39

DISEÑO / ARQUITECTURA INTERIORES / ARTE

Los nuevos cuartos de estar PISOS, COCINAS Y BAÑOS

NO.

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Sumario

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DESDE LA BASE Los nuevos cuartos de estar

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LOS DIEZ Sensaciones frescas

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LO MÁS INTERIORES Nuevo diseño outdoor

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LO MÁS INTERIORES ¡Alerta! Tendencias 2018

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LO MÁS DISEÑO ¿Y si pudieras alargarle la vida?

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EN ESCENA Busco una luz

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EMPRENDEDORES Claudia López

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RESIDENCIAS Buenos vecinos

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RESIDENCIAS Un lifting que se nota

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EL ARTISTA La resonancia de lo que soy

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CIRCUITO ARTE Un buen coleccionista

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EN PORTADA Interiores de Juliette Béjot / Fotografía de María Fernanda Roca

Directorio CONSEJO EDITORIAL Alfredo Saravia, Ana Isabel Villela, Machteld Benard, Roberto Bianchi, Maricarmen Rodríguez, Paulina Prado

DIRECTORA Ana Isabel Villela anaisabel@revistahabitart.com

EDITORA María Fernanda Roca mafer@revistahabitart.com

COLABORADORES Machteld Benard, Luz Elena Ramírez, María José Escobar

DIRECCIÓN DE ARTE Paulina Prado paulina@revistahabitart.com

DISEÑO Eikon

COMERCIALIZACIÓN 15 avenida A 14-12 zona 10 Oakland II 2366 - 3888 / 2366 - 3808 Paula Valencia paula@revistahabitart.com

Buzón UNA CIUDAD PARA EL PEATÓN Hoy tuve el agrado de leer la columna titulada “Grandes Esperanzas Una ciudad para el peatón” (DESDE LA BASE, H38). De principio a fin, estuvo encantadora. Casi sentí que la hubieran escrito para este servidor. En realidad, aunque no difundo estos mensajes en público, realmente siento que tienen absoluta razón en afirmar que la ciudad DEBE regresar al peatón.

Mi historia en breve: Yo creo en caminar. A diario me gusta transitar las calles de la ciudad, en compañía de mi pequeña hija, quien apenas llegó a los 2 años. Y cuando las distancias crecen, mi nena disfruta su caminata cómodamente sentada en su carruaje. Mientras tanto, yo debo guardar la cautela de esquivar todo tipo de obstáculos que hay sobre la acera para poder llegar a nuestro destino. También hubo una época en la que utilicé el TransMetro. Y al principio, no hubo grandes dificultades al acceder con mi carruaje, pues lo colocaba en el área designada a sillas de ruedas. Y todo muy cómodo hasta que las autoridades municipales dispusieron que no se puede viajar en carruaje.

Es deprimente ver que las autoridades municipales postergan tanto esa necesidad de planificar la ciudad en función de las personas, y no de los vehículos. Recortar las banquetas para ampliar las calles; la falta de parques y espacios de recreación; permitir libremente la colocación de publicidad (mupis); permitir que las cajas de contadores de agua y similares estén abiertas; no facilitar la infraestructura necesaria para que la mayoría de los cableados viajan de forma subterránea; todos estos son ejemplos de una mala gestión, que únicamente perjudica al peatón. De hecho, recientemente visité la nueva Plaza España, y me llamó la atención ver que la boca de un tragante está justamente al inicio (o final, depende de cómo se mire) de un paso cebra.

Es bueno saber que existe gente como ustedes que, al igual que un servidor, también lo nota y comienza a difundir la idea a través de espacios que promueven las ideas. De tal forma que me tomaré la libertad de compartir el artículo, sin, por supuesto, olvidar mencionar a quién lo escribe.

Gracias por la oportunidad de una buena lectura. Con el abuso de confianza que me tomé en este correo, les envío un cordial saludo.

Atentamente, José Miguel Valenzuela

DESDE LA BASE

Los nuevos cuartos de estar

Fotografía de Alejandra Sallés

El estilo de vida actual, más sofisticado y confortable que nunca, ha llevado a las personas a dar inusitada importancia a espacios de la casa que antes no tenían protagonismo. Sí, acertaron, me refiero al baño y a la cocina. A los que crecimos en los setentas y ochentas nos tocó compartir un solo baño con tres o cuatro hermanos, las mañanas de colegio eran siempre de locura (por no decir, de gritos y pleitos) y el más suertudo era al que los papás terminaban ordenándole que se bañara en su baño para salir a tiempo. Y las cocinas no eran más que un cuarto cerrado, a menudo oscuro, al cual sólo tenían acceso los de la casa y la cocinera, y por supuesto, el diseño era prácticamente inexistente.

Eso sí, los amplios espacios de entonces eran envidiables y muchas casonas, como la de mi abuela, tenían detrás una puerta vaivén dos cocinas enormes y un área de lavandería del tamaño del apartamento típico de hoy.

Con la densificación de la ciudad, el acceso instantáneo a las tendencias globales más recientes y, sobre todo, la democratización del diseño, las necesidades y costumbres de la gente han ido cambiando, sofisticándose y actualizándose tanto que una casa o apartamento de aquí puede estar en cualquier país y viceversa.

Además, ahora a la mayoría le gusta cocinar, es común que el marido sea el que haga las parrilladas de fin de semana o algún platillo especial a la hora de que lleguen los invitados, a quienes se les recibe no con la mesa servida, sino en el proceso de cocinar. El diseño de una cocina es igual de importante que el del área social, ni hablar de la calidad y estilo de sus acabados. Afortunadamente, como pasa en la moda, en el interiorismo de estos días no existen reglas rígidas, todo vale.

Para acertar con el diseño en cocinas vale tener en cuenta que el espacio se ha transformado en un lugar cien por ciento integrado a la vida diaria, y que sus usos se han ampliado considerablemente, hasta convertirse en una sala multifuncional. Las tendencias se centran en texturas contrastantes, porcelana o pizarra oscura en mate, lavaplatos metálicos en colores cálidos como el cobre y suelos de tablones de madera ancha. Los baños también se abren a un mundo de posibilidades, pues ahora son el espacio relax por excelencia, ideal para liberar tensiones y consentirse. Además, con la versatilidad como premisa innegociable de estos spots íntimos, también han dejado pasar por la puerta a la tecnología, a través de duchas con cabezales en las paredes y los techos, calentadores de toallas y pisos y hasta sitio para pantallas planas. En cuanto a tendencias, los colores blanco, gris y tierra siguen vigentes, pero entran en juego a la vez los patrones atrevidos y coloridos. Es decir, se usan las líneas minimalistas pero con detalles contemporáneos y cálidos.

ANA ISABEL VILLELA

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LOS DIEZ

Sensaciones frescas A todos, en algún momento, nos llena apreciar la belleza del cielo, la tranquilidad de los paisajes montañosos o el estar frente al mar, pues la composición de colores pasivos simboliza y transmite pureza, serenidad y fortaleza. En esta ocasión la selección de Machteld, puntual y refinada, tiene algo en común: detalles en tonos fríos en las piezas y lugares menos esperados que sin duda alguna provocarán más de algún suspiro.

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MACHTELD BENARD es diseñadora de interiores especializada en el nicho de hoteles boutique y restaurantes y nos comparte cada mes sus 10 favoritos del mundo de diseño actual.

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El material, forma y textura de la silla Alky de Giancarlo Pirette para Castelli. ¡La quiero!

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Por el lado oscuro de la vieja Inglaterra, la Soot House de Anthony Esteves, que por su composición pura pero a la vez salvaje, captura la atención de cualquiera.

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El taburete Bodilson, precioso desde cualquier ángulo y apto para infinidad de espacios.

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La simplicidad y elegancia de éstos bowls de cerámica.

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Las composiciones de figuras y retratos del pintor, escultor y grabador italiano Felice Casorati. ¡Realmente inspiradoras!

La mesa para café del diseñador francés Christophe Delcourt.

Simplemente linda.

La piscina inspirada en el chevron (parquet francés) de Claesson Kosvisto Rune Arquitectos. Las baldosas de madera y de corte láser de precisión comparten el mismo patrón en diferentes escalas. ¡Me encanta!

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Este anillo de Jules Smith Jewelry que combina el modernismo actual con el espiritu libre de los 70’s y el exceso de glamur de los 80’s.

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La combinación de tonos azules en esta lámpara de céramica. ¡Atractiva y única!

El diseño interior de la mansión victoriana en Coburg, Alemania, del australiano James Tutton. ¡Color, piezas de diseño interesantes y arte contemporáneo 4. en cada espacio!

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LO MÁS

INTERIORES

Nuevo diseño outdoor Continuando con la premisa de ofrecer piezas únicas, que ha caracterizado a Xian durante los últimos diez años, la firma le apuesta ahora a una exclusiva línea de muebles de exterior, diseñados y fabricados en Indonesia.

“Para nosotros es importante tener piezas que constituyan un legado, que puedan trascender generaciones, así hemos logrado construir una clientela muy fiel que nos pedía algo para exterior con la misma calidad y exclusividad”, cuenta Norma Rodas, directora de Xian, la firma especializada en antigüedades asiáticas por excelencia en la ciudad. Rodas hizo, entonces, una investigación para conocer el mercado local, y más adelante las tendencias internacionales de mayor calidad. “Hice varios viajes de investigación a Asia y realmente me encontré con mobiliario espectacular, sobre todo en Indonesia, en donde ya con anterioridad había encontrado tótems, esculturas de piedra y antigüedades”, continúa Rodas, quien quería encontrar algo para afuera con la misma calidad que llevan los muebles de interior, algo que involucrara piezas masivas.

La Isla de Java, la principal y más poblada de Indonesia (y el mundo), con 145 millones de habitantes, precisamente por su clima y las increíbles maderas que manejan sus artesanos resultó ser el proveedor ideal de esta nueva aventura para Xian.

“Llegué a la conclusión de que era la mejor oferta que iba a encontrar en el mundo. El uso que se hace allá de la madera de teca reciclada es simplemente magistral. Y así nació la Sun Lounge Outodoor Collection”, complementa Rodas respecto a la línea de mobiliario que resiste a la lluvia, el sol y la humedad, que incluye cojines desmontables con el sistema Quick Dry. Las armaduras de los muebles, muy ligeras, son de aluminio tratado para lugares salitrados, forrados en Ratán sintético, muy parecido al original. “Sus técnicas de fabricación son de vanguardia, incluyendo la prueba UV para todo tipo de clima, aluminio 6063T5 de alta calidad, uso de fibra Syra Vintage 100 por ciento reciclable y la teca reciclada resistente al calor más intenso”, concluye Rodas en torno al mobiliario ideal para casas de playa, espacios al aire libre, pérgolas y, si alguien lo desea, cualquier interior contemporáneo.

Redacción HABITART 15

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LO MÁS

INTERIORES

¡Alerta!

Tendencias 2018 Con más de 200 millones de usuarios, la popular red social Pinterest, a través de un reporte anual, expone las tendencias más “pineadas” en sus categorías populares para presentar un listado de ideas a probar en el año.

Aquí un pequeño resumen de lo que podrás encontrar sobre pisos, baños y cocinas en la clasificación de “Hogar” para que descubras lo último en decoración y te llenes de inspiración.

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Baños 1.

Los baños inspirados en resorts, hoteles y spas con muebles de mimbre serán tendencia durante todo el año.

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Este año, los lavamanos en forma de bowl para el baño se imponen con mucha más fuerza.Ocupan poco espacio, son prácticos, funcionales y derrochan estilo.

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Los colores pastel combinados con blanco o gris son de las tendencias más marcadas que trae el 2018 para cubrir paredes y decorar baños. Aunque son tonalidades que llevan años de ser moda, seguirán robando miradas.

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Pisos LOS ACABADOS MATE SON 4.

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Por su versatilidad, calidez y confort, la madera continuará siendo tendencia tanto en pisos como en paredes, en tonos grises o con patrones de espiga.

TENDENCIA EN ESTE NUEVO AÑO, AL IGUAL QUE LOS COLORES PASTEL EN MUROS Y EL AZUL MARINO EN AZULEJOS.

Regresa el piso característico de las casas construidas en los 70’s: el terrazo.

Está vez también funcionará para techos, entradas y todo lo que se te ocurra.

6. Los colores y figuras geométricas en pisos siguen siendo tendencia para el 2018. Piezas con carácter que agregan vida a cualquier espacio interior.

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Cocinas 7.

Para los próximos meses del año, los acabados metálicos y los tonos que evoquen el cuarzo o azulados serán tendencia. ¡Vivaces, únicos y modernos!

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El mármol sigue siendo uno de los materiales preferidos para las cocinas.

Para este año sigue siendo tendencia solo que más discreto y en colores fríos.

9. Como objeto de decoración, las que llevaran la delantera en este año serán las alfombras vinílicas en distintos colores, texturas y formas. Sin duda alguna, conquistarán las cocinas.

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Por María Fernanda Roca Fotografías: Pinterest 17

Productos en cerรกmica de Galeria Viterra

LO MÁS

DISEÑO

¿Y si pudieras alargarle la vida?

El diámetro de una nano partícula es del tamaño de un átomo. Al momento de aplicar esta nueva tecnología todas las partículas quedan sobre las superficies para crear una capa protectora. La nanotecnología blinda las superficies dónde se aplica.

Hace tres años, ésta nueva tecnología vino a Guatemala desde Alemania, a través de Nanotec Guatemala y su marca “Nano for Life”, que da solución a problemas puntuales de limpieza en residencias y oficinas. “La Nanotecnología, en términos científicos, es un transformador molecular que forra, por ejemplo, cada hebra de una tela para que en el momento que algún liquido o suciedad caiga sobre ella, no penetre la hebra del tejido sino que se quede sobre esa capa invisible al ojo humano”, explica el ingeniero Jorge Mollinedo, respecto al uso en textiles, que dura aproximadamente ocho años con una sola aplicación. “Otra de las aplicaciones, en cuanto a protección y limpieza, es contra el famoso “ojo de pescado” de los vidrios; no solo lo elimina cuando éste ya está presente, sino que previene su aparición en por lo menos cinco años después de aplicado el producto”, complementa. La grifería, incluyendo la de acero inoxidable, al igual que el vidrio, se mancha a causa de la alcalinidad del agua, y con la nanotecnología se protege y se mantiene en buen estado, con el brillo original.

“Las casas en el mar son las mas propensas a sufrir un desgaste severo, por causa del salitre, viento y agua. En este caso, lo que hace la nanotecnología es formar una capa protectora sobre la superficie que no permite que la contaminación, ni el mismo salitre, penetre en vidrios, telas, acero inoxidable, madera y demás.

Por ejemplo, el acero inoxidable expuesto

al salitre, se oxida y se torna color café, a través de productos específicos más fuertes, la nanotecnología lo protege y evita ese proceso”, agrega Mollinedo, y luego detalla que también cuentan con productos específicos para cerámica sanitaria, incluidos lavamanos e inodoros, ropa, bolsas, zapatos, y madera de interiores o exteriores. “La tecnología protege las superficies de los rayos UV y si entran en contacto con éstas no tienen la misma intensidad, por eso evita que la madera se empiece a resecar, a decolorarse y quebrarse. De ahí que al aplicarla se ahorra hasta un ochenta por ciento en costos de mantenimiento”, dice el ingeniero.

La tendencia actual en diseño y arquitectura de utilizar materiales en su estado natural puede beneficiarse mucho de la nanotecnología, pues ayuda a que el ladrillo, la piedra, y otros materiales de construcción mantengan un aspecto limpio y sin desgaste, aunque estén expuestos a las inclemencias del tiempo. Otra de sus ventajas es que en el momento de su aplicación, no tiene olor, tampoco cambia el color de las superficies, texturas y formas, y evita que se forme moho, salgan hongos y aparezcan manchas de humedad.

LOS USOS •

Vidrios de duchas, casas, edificios, oficinas, vehículos, aviones y yates

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Paneles solares

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Cerámica sanitaria, inodoros, lavamanos, mingitorios

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Grifería

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Cromo, acero inoxidable, aluminio anodizado todo tipo de metal no ferroso

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Salas, sillones, sillas, muebles de tela

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Concreto y superficies porosas

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Vehículos

Por Luz Elena Ramírez Porres Visite www.nanotecguate.com

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EN ESCENA

Busco una luz La nueva Plaza España está brillando gracias al diseño de iluminación del joven arquitecto Christian Antillón, el cual consigue dar el protagonismo a la antigua fuente de Carlos III a través de unos ejes principales de luz que guían al visitante hacia ella.

A Christian Antillón siempre le gustó el buen diseño, o como dicen por ahí, nació con la vena artística. “Recuerdo que desde muy niño, cuando íbamos a casas de amigos de mis papás, a mi me encantaba espiar los espacios, los analizaba…”, dice entre risas el joven arquitecto, con quien nos reunimos en el estudio de CA Arquitectura + Iluminación, en zona 14, para conversar sobre el diseño de iluminación que realizó para la nueva Plaza España. Antillón asegura además que sentía una verdadera atracción por las estructuras, por eso disfrutaba tanto del lego, y cuando salía al jardín, armaba pequeños edificios a base de piedras. “Fui un niño diferente, en vez de hacer deporte, a mi me gustaba la pintura…. En mi familia se respiraba esa sensibilidad, tanto que mi papá ha sido un gran coleccionista de arte”, continúa, mientras agrega que justamente el regalo que más le gustó de la pasada Navidad fue una escultura en resina del artista Manfredo Escobar que le dio un hermano.

Para Antillón nunca existió duda alguna de qué quería estudiar. “Aunque tuve la

oportunidad de hacer un semestre de intercambio en Texas, y fue enriquecedor porque conocí a personas de muchos lados, viví solo por primera vez, practiqué un segundo idioma y demás, para mi la experiencia de mis años en la Universidad Marroquín fueron los más gratificantes”, dice el arquitecto, quien además tuvo el lujo de hacer sus prácticas en el estudio de Peter Giesemann. Después de graduarse en 2012, trabajó prácticamente un año en la oficina de Alfredo Saravia, sin duda un maestro del que cualquier principiante en el oficio quisiera aprender de primera mano. “Aunque desde un inicio tuve la intención de independizarme, cuando a finales de 2013 me llamaron para diseñar la casa de unos amigos, el plan se adelantó”, dice el arquitecto, quien para entonces también se había interesado en el ramo del diseño de iluminación.

“Hice una carta de presentación de mis servicios y la mandé a los papás de mis amigos. Tal vez fue porque ellos vieron que siempre fui aplicado y buen alumno…

Lo cierto es que de ahí salieron varios proyectos, incluyendo la remodelación de una casa en La Cañada”.

Pero al año siguiente, en 2014, la oportunidad irresistible de continuar con su formación lo obligó a hacer una pausa en la labor de la recién fundada CA Arquitectura + Iluminación. “Me fui a hacer una maestría en iluminación al Instituto Europeo de Diseño, en Madrid. Fue un gran aprendizaje en todo sentido y una maestría de la vida porque pude ser totalmente autónomo”, recuerda, mientras reflexiona en la importancia que dan las urbes europeas a la iluminación de sus calles, parques y plazas. “Se puede ver al caminar de noche, suena muy lógico pero aquí no se da”, agrega, y luego emite una frase que puede convertirse en un clásico: “De noche, la luz pinta la arquitectura”.

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LA FUENTE EN HONOR A CARLOS III, CONCLUIDA EN 1789, ESTUVO POR MÁS DE 100 AÑOS EN LA PLAZA MAYOR, HASTA QUE EN 1895 EL GOBIERNO DE REYNA BARRIOS DECIDIÓ DESMONTARLA DEL SITIO Y GUARDARLA. EN 1933, CON LA AYUDA DEL CLUB ROTARIO, EL PRESIDENTE JORGE UBICO RESTAURA LA FUENTE Y LA TRASLADA A LA PLAZUELA ESPAÑA.

Una vez de regreso en Guatemala, Antillón retomó los proyectos que había dejado, en cuenta la remodelación de la casa en la Cañada, cuyo diseño había evolucionado a algo más elaborado porque el terreno de la vecindad salió a la venta y prácticamente hubo que iniciar desde cero. “Pudimos hacer algo más integral que resultó en una arquitectura de estética moderna tradicional en la que destacan un enfoque funcional, el contacto con la naturaleza y materiales como el concreto expuesto, el ladrillo y la madera”, explica respecto a la residencia de 450 metros cuadrados distribuida en dos niveles. “Me gusta involucrarme en todo, interiores, paisajismo y hasta elección de acabados, esa asesoría completa es atender bien al cliente”. Aunque se considera un arquitecto normal, Antillón dice que él no podría participar en un proyecto sin hacer diseño de iluminación. “Es un complemento innegociable del diseño global. A través de la iluminación puedo resaltar las paredes que quiero, o dar luz o promover sombras, puedo crear atmósferas y generar sensaciones”, explica, quien sin duda recomienda contemplar el rubro desde la fase de planos para obtener cien por ciento de utilidad y funcionalidad. Al final cada espacio es creado para satisfacer ciertas necesidades y la iluminación contribuye (o no) a que éstas se desarrollen y se conforme una propuesta de valor. Además, al contrario del mito, con el diseño de iluminación se puede incluso ahorrar dinero, quizá no al principio pero con seguridad en el largo plazo.

A principios del año pasado, el arquitecto recibió una propuesta por parte de la Comuna Capitalina para hacer el diseño de iluminación de la que se transformaría en La Plaza España. “El plan era convertir la plazuela en una plaza, lo cual significaba para mi producir un diseño seguro, eficiente y de bajo mantenimiento en el que el monumento de Marcos Ibáñez y el italiano Antonio Bernosconi fuera el protagonista. Eso quiere decir que debíamos iluminar la fuente que se mandó a hacer en honor al Rey de España, Carlos III, en 1783, sin alterar ningún elemento histórico- léase la fuente y los 4 faroles antiguos-, así como los nuevos gimnasios al aire libre, jardines y áreas peatonales

y un grifo de agua”, detalla, advirtiendo que por la naturaleza del proyecto, el reto implicaba promover un ambiente versátil y trabajar con algunas limitantes, incluido el presupuesto. Después del debido estudio y el respectivo programa de diseño, la solución consistió en desarrollar varias capas de luz de acuerdo a prioridades y usos: primero el monumento; segundo, los cuatro faroles; tercero, el chorro de agua a nivel del piso; cuarto, el anillo de oscuridad que permite apreciar y resaltar el monumento; quinto, un anillo de bancas y vegetación que se iluminó a ras del suelo; sexto, los cuatro ejes principales de ingreso a la plaza; y séptimo, el anillo perimetral que colinda con los espacio al aire libre.

“El anillo periférico es el de la circulación principal de la Plaza. En términos de luz, buscamos iluminación general y uniformidad en este espacio”, continúa, mientras recuerda una anécdota muy peculiar del proyecto: dicen que cuando la Plazuela España se trasladó de zona 1 a zona 9 se extravió una estatua ecuestre de Carlos III que se situaba en la cúpula de la fuente y a la fecha no se sabe donde está. Parte del diseño incluía por eso una luz que cambiaba de color a ciertas horas, como haciendo alusión al fantasma del rey.

“No logramos encontrar la tubería que da a la cúpula de la fuente, en donde iría la luminaria, y como no podíamos tocar el monumento antiguo, no pudo ser”.

LA PLAZUELA ESPAÑA ORIGINAL ESTABA CONFORMADA POR CUATRO ÁREAS AJARDINADAS, VARIOS BANCOS O BANCAS DE DESCANSO, Y LA FUENTE DE CARLOS III EN EL CENTRO DE LA ROTONDA, COMO PRINCIPAL ATRACCIÓN. EL CONJUNTO DE PIEZAS LLEVA EL MOTIVO O TEMA DEL DESCUBRIMIENTO DE AMÉRICA Y MOMENTOS DE LA HISTORIA DE GUATEMALA.

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Para la ejecución del proyecto global se involucró una desarrolladora, una constructora, una paisajista, un restaurador de monumentos, un ingeniero eléctrico y además se sostuvo una serie de reuniones con el equipo de la Municipalidad para satisfacer de la mejor manera las necesidades de la ampliación. “Por mi parte, importamos luminarias estadounidenses, mexicanas y españolas, y otras las encontramos en el mercado local. Hay una distancia importante entre el diseño original y el final, sobre todo por temas de presupuesto, pero se hizo lo posible para conservar el mismo lenguaje”,

explica el arquitecto, y la verdad es que el espacio público tiene innumerables cualidades, por ejemplo, todo es LED, la temperatura de color de las luminarias es de 3 mil K, lo cual significa que dan una luz cálida y congruente con el estilo colonial del monumento central de la plaza, y las tipologías (o postes) son de distintas alturas y ópticas para que la luz se distribuya con eficiencia. Es decir, hay proyectores de alto flujo luminoso y ángulo muy cerrado para la iluminación del monumento, postes de diferentes alturas y ópticas que delimitan los espacios peatonales, barras de empotrar

en piso para iluminar la parte trasera de las antiguas bancas en las plazas secundarias y luminarias de empotrar en piso que iluminan los chorros de agua en el anillo principal, entre otros.

“Hay 4 reflectores muy potentes que iluminan el monumento y postes altos en el caminamiento peatonal.

El look actual se consiguió a través del color gris, que contrasta con los detalles clásicos. Creo que la iluminación final cumple además una función de seguridad.”, sigue Antillón.

Me llama la atención este último comentario, así que le pregunto a qué se refiere con una función de seguridad. “No había mucha gente en la Plaza el día de la inauguración. No estamos acostumbrados a vivir la ciudad, y menos de noche”, dice, y luego hace hincapié en cuánto necesita la capital que otros monumentos y plazas se iluminen. Como ciudadanos, afirma Antillón, tenemos la obligación de velar por nuestra ciudad. “La Avenida de las Américas, por ejemplo, necesita iluminación, en las noches no hay un alma en la calle. Salir a pasear de noche es un placer, deberíamos poder hacerlo.

Uno va a otras ciudades y descubre lo que se disfruta”.

De acuerdo con Antillón, la inauguración de la Plaza España marca un momento histórico para la ciudad porque abre un abanico de posibilidades que a la vez generan trabajo y turismo, bienestar y, sobre todo, seguridad. Como dicen, gente llama gente. “Me gustó trabajar con el equipo multidisciplinario de la Municipalidad, personas muy cumplidas y comprometidas. Ha sido un honor ser parte de un proyecto de esta envergadura.

La comunidad sin duda merece más proyectos urbanos como este”, concluye Antillón.

Por Ana Isabel Villela Fotografía de Julián Castillo

“EL MONUMENTO DEBÍA DE SER PROTAGONISTA, LOS EJES PRINCIPALES ME GUIARÍAN HACIA ÉL A TRAVÉS DE LA LUZ. EL ANILLO PRINCIPAL SE CONTEMPLÓ COMO EL FOCO DE INTERACCIÓN ENTRE EL MONUMENTO Y LOS VISITANTES. EN ESTE ESPACIO LOS NIVELES DE LUZ BAJAN CON LA IDEA QUE, A TRAVÉS DEL CONTRASTE, EL ESPECTADOR PUDIERA APRECIAR MEJOR LA ANTIGUA FUENTE DE CARLOS III”, CHRISTIAN ANTILLÓN.

UN PROGRAMA DE ILUMINACIÓN 1. Monumento 2. Ejes principales 3. Anillo principal 4. Plazas secundarias 5. Anillo secundario 6. Anillo periférico 7. Áreas de recreo 8. Áreas verdes

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EMPRENDEDORES

Así nacen los clásicos Felicidad, bienestar, color y buen gusto son las grandes premisas que la joven diseñadora industrial, Claudia López, intenta transmitir en cada una de las piezas de mobiliario que crea, una rama de su profesión por la que siempre se vio cautivada.

Desde pequeña sintió cierta fascinación por crear cosas desde cero. “Mi mamá me ponía en el piso goma, papeles y botes para que interactuara con los materiales y formara objetos, y me metía a cursos en los que pudiera explotar mi creatividad”, recuerda Claudia López, creadora de las nuevas líneas de muebles Atávico y Venas. Años después, cuando ya le tocaba decidirse por una carrera, tras investigar y evaluar lo que realmente quería, casi como un paso lógico eligió el diseño industrial. “Es interesante darse

cuenta cómo un objeto cotidiano tiene un trasfondo enorme… Por ejemplo, un banquito, por más simple que luzca, tiene un estudio detrás, se evalúan aspectos como la altura, que sea cómodo, saber para qué y para quién será…”, agrega.

López asegura que el factor psicológico es importante a la hora de diseñar. Es además fundamental conocer el entorno de las personas, cómo piensan, lo que quieren y lo que las hace sentir bien para producir piezas que al mismo tiempo sean encantadoras y accesibles. “Hoy en

día también es imprescindible recurrir a materiales que puedan rehusarse”, complementa la diseñadora industrial cuyo material preferido sin duda es la madera, pues desde niña ha tenido mucho contacto con él y le encanta combinarlo con otros elementos. “Mi abuelito tenía una empresa de fabricación de muebles para dormitorios, comedores y cocinas y siempre me interesé por el proceso que llevaba producir cada pieza”, comenta.

Vale decir que con los años, su papá continuó con el trabajo de dicha empresa,

LA DISEÑADORA INDUSTRIAL ASEGURA QUE LOS DISEÑOS SIEMPRE SON MÁS DIVERTIDOS SI SE FABRICAN CON DISTINTOS MATERIALES Y COLORES.

de nombre Bormanel, lo cual ha sido muy positivo para la diseñadora a propósito del inicio de su carrera como profesional.

“Diseñaba los proyectos de la universidad e iba con los carpinteros del taller para llevarlos a cabo… fue una ventaja desde el inicio de mi carrera”.

En 2017, durante la feria de Expo Mueble, Agexport cedió espacio a 16 diseñadores industriales locales para que mostraran sus piezas en El corredor del diseño, y López estuvo entre los elegidos. “Yo tenía varios diseños pero no tenía piezas fabricadas a mi nombre, solo para otras empresas que me habían contratado. Tenía una mesa que hice para una corporación que fue muy bien aceptada, tanto que por esa específicamente me llamaron de Agexport, pero no tenía ni una sola pieza en stock”, agrega, mientras asegura que aquella era la oportunidad ideal para mostrar su trabajo, así que se puso a trabajar y terminó presentando el Banco Vena, que por su mezcla de materiales y colores refleja muy bien su estilo como diseñadora.

“A partir del Banco Vena, a mediados de ese mismo año, decidimos con mis papás crear UNIKO Designs, una división más juvenil, fresca y accesible de Bormanel”, complementa la diseñadora. Luego, en agosto, López lanzó, junto al también diseñador industrial, Mario Sandoval, Atávico, su primera línea de muebles de exportación, compuesta por una mesa de centro de dos piezas, una credenza, una consola de marco, tres maseteros, tres pinturas abstractas y un banco.

“Fuimos a Petén a buscar las maderas ideales para cada pieza, a reunirnos con el tallador y a terminar de definir los diseños. Queríamos producir mobiliario que se acoplara a cualquier tipo de espacio, con patrones geométricos y sin perder la técnica ancestral de nuestro país porque era para exportación”, detalla López, agregando que tampoco querían utilizar el textil tradicional de forma común, por lo que aplicaron color con hilos guatemaltecos en las patas, jaladores y borlas de cada pieza de la colección, que por cierto presentaron de manera oficial en la Feria de Antigua.

A los pocos meses, la diseñadora sacó su segunda colección, Venas, compuesta por un banco, una fogata y una mesa, 27

LA DISEÑADORA ESTÁ TRABAJANDO EN NUEVAS PIEZAS INDIVIDUALES QUE ADEMÁS DE SER MODERNAS, ACCESIBLES Y FUNCIONALES, SERÁN DE FABRICACIÓN ARTESANAL.

ADEMÁS DE LAS PIEZAS QUE YA EXISTEN, CLAUDIA LÓPEZ DISEÑA PRODUCTOS A LA MEDIDA.

muy diferente a la anterior en colores y acabados. “Esta línea es como una continuación del banco que presenté en Expo Mueble, pues sin duda alguna el producto representó una fase para mi carrera, marcó un antes y un después porque a partir de ahí lancé colecciones como tal. Venas me encanta porque a pesar de que son pocas piezas hay mil maneras de combinarlas”, asegura López.

Actualmente, la diseñadora está trabajando en nuevas piezas individuales que además de ser accesibles y funcionales para el día a día, serán productos artesanales con diseños modernos. “Por ahora mis piezas seguirán saliendo bajo UNIKO Designs porque me gusta ser parte de la empresa que mis papás construyeron…

Me siento muy agradecida con ellos y quiero inyectar ideas nuevas y más frescas a la corporación”, concluye.

Por María Fernanda Roca

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RESIDENCIAS

Buenos vecinos La casa, diseñada para una familia de cuatro, busca aprovechar la estructura abierta para integrar las áreas sociales sin que cada espacio pierda su propia identidad.

Los distintos ambientes sociales, exterior e interior y áreas de servicio, pueden convertirse en uno o mantenerse independientes.

Esa era una de las premisas innegociables de la arquitectura de esta residencia, ubicada a las afueras de la ciudad y diseñada por el arquitecto Alejandro Paz para una pareja joven con una hija adolescente y un niño pequeño. “Los propietarios buscaban enfatizar la interacción familiar pero a la vez tener espacios que pudieran personalizarse para cada uno de sus integrantes”, explica el arquitecto, quien precisamente describe el trabajo que llevó a cabo Paz Arquitectura como una interpretación de la dinámica y el ambiente de los futuros residentes para responder a un programa de necesidades a través de una arquitectura contemporánea y libre.

“Ellos estaban muy abiertos a utilizar distintos tipos de sistemas estructurales, así como colores inherentes a materiales naturales”, agrega.

Según el reconocido arquitecto, autor, entre otros, de proyectos como Pizza Margherita o El Pinche, la experiencia de la casa debía sentirse coherente entre el interior y el exterior, por eso se usó

la composición de la fachada exterior también en las fachadas interiores.

“La experiencia interior/exterior se difumina por medio del tratamiento de la volumetría y sus superficies. Es más, al recorrer la residencia, los materiales de la fachada están presentes incluso en los interiores”, explica Paz, mientras enfatiza en que cada material dentro de la vivienda ocupa una superficie distinta, al igual que cada material se ubica en un punto diferente de la fachada, a distintas proporciones y en distintos planos, generando un fraccionamiento claro entre cada uno. “La misma estrategia se usó en el interior, y con la misma materialidad, pero adentro cada uno tiene su propia función: madera para carpintería y como separadora de los espacios, concreto para las áreas de transición, y muros blancos para los ambientes generales”, continúa Paz, quien también diseñó el Centro Cultural de España en zona 1 y la galardonada casa CV, situada en Santa Rosalía, que ha sido publicada en varios medios locales e internacionales. En la residencia destacan principalmente la madera en colores claros, el concreto expuesto en tonalidad gris, vidrio y piedra negra.

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LA ARQUITECTURA DE LA CASA BUSCA INTEGRAR LOS DISTINTOS AMBIENTES PERO CON MIRAS A QUE CADA UNO CONSERVE SU PERSONALIDAD PROPIA.

LOS INTERIORES DE LA CASA, CONTEMPORÁNEOS, LIMPIOS Y EN TONOS QUE HACEN UN GUIÑO A LOS COLORES DE LOS MATERIALES NATURALES PRESENTES EN LA RESIDENCIA, COMPLEMENTAN EL ESTILO ARQUITECTÓNICO DE PAZ ARQUITECTURA.

LA SIMETRÍA ES EVIDENTE Y DEFINITIVA EN LOS ESPACIOS INTERIORES DE LA CASA, ASÍ COMO LOS VOLÚMENES QUE VAN MARCANDO LOS USOS DE CADA UNO.

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EN LA CASA SE BUSCÓ QUE PREVALECIERAN LOS ALTOS CONTRASTES. ASÍ, LOS MUROS BLANCOS CONTRASTAN CON LOS DELINEADOS NEGROS, Y EL COLOR DE LA MADERA CON EL TONO GRIS DEL CONCRETO EXPUESTO.

En cuanto a funcionalidad, el diseño buscó generar detalles sutiles que también fragmentaran la fluidez del espacio, como jardineras o determinadas piezas de mobiliario, aunque a nivel visual, la integración general es palpable.

Además, la arquitectura da una escala acogedora a las áreas de comer y de convivencia en el exterior, y una escala monumental a las áreas de estar y las zonas de transición. “La casa logra generar un sentimiento de refugio para la familia. Es decir, al mismo tiempo que aporta privacidad a los residentes, su tratamiento volumétrico resulta en una obra agradable para el vecindario, algo que para mi es importante. Un proyecto debe resolver las necesidades de sus usuarios y al mismo tiempo generar una relación adecuada con la comunidad en donde se ubica”, concluye Paz. Por Ana Isabel Villela Fotografía de Andrés Asturias 35

Una casa para quedarse La renovación de este dúplex, ubicado en el último piso de uno de los edificios residenciales más antiguos de zona 14, ha logrado dar luminosidad, amplitud y simetría a un espacio desactualizado y oscuro. Las claves del giro están en nuevas ventanas y tragaluces, una paleta general en blancos y beiges y una sobredosis de arte en todas sus expresiones.

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Pocas veces tengo la suerte de ver la remodelación de una casa que ya conocía, así que el impacto al entrar al apartamento de la interiorista/coleccionista/diseñadora de pisos y lámparas (o todóloga, como ella dice) franco guatemalteca, Juliette Béjot fue indescriptible. “Al ser uno de los primeros edificios del área, sus espacios originales se diseñaron hace unos 30 años… era muy oscuro, entre otras cosas, porque hasta el techo estaba forrado de madera y el piso era de baldosas de barro. Y luego estaba el problema de las vistas, el vecindario se ha llenado de torres”, dice Béjot, una viajera incansable que encuentra su equilibrio en ese desequilibrio de estar un día aquí y otro allá.

“Cerramos una de las ventanas más amplias del primer nivel para no ver el edificio de a la par, que está encima, y abrimos otras en áreas en donde, al menos por el momento, la vista está despejada, además introdujimos un buen número de tragaluces”, continúa, mientras conecta un espectacular cubo que da vueltas y cambia de color del artista austríaco Alois Kronschlaeger para que disfrutemos del espectáculo. A la par hay una obra de

grandes dimensiones de Diana de Solares, y más adelante, una pintura pequeña del emblemático Zipacná de León.

Pero antes de sentarnos a platicar, Béjot nos da un recorrido muy especial por el apartamento, pues no solo ha puesto flores a lo largo y ancho del espacio, sino que nos recibe con las mesas del comedor y la terraza puestas (nos encantaron las servilletas inglesas antiguas de la mesa principal en tonos verdes).

“Intenté nivelar el piso del área social pero fue imposible, así que una de las salas quedó sobre la altura de más o menos una grada”, continúa la interiorista, quien contó con la asesoría y ejecución de la firma Icónico 4 Arquitectura para la remodelación, que, entre otras cosas, se propuso reducir al máximo posible el grosor de las columnas estructurales.

Otro detalle de cambio importante fue el piso, un alisado de concreto de Cement Design en tono blanco, muy acorde a la paleta de colores que Béjot eligió desde el inicio, que tiene una especie de malla en su raíz para que no se raje a la hora de un temblor. “Lo elegí para no distraer, y aunque es delicado y necesita mantenimiento, estoy contenta con el

resultado final porque es el añadido perfecto para el ambiente luminoso y sereno que quería conseguir.

De ahí que el blanco hueso o blanco roto, no sé cómo le dicen aquí, es un básico del interiorismo”, continúa respecto al espacio solo interrumpido por detalles decorativos en otras tonalidades, aunque en su mayoría en colores tierra, que Bejót ha ido adquiriendo en sus viajes por el mundo (cerámica de Marruecos) o durante sus minuciosos recorridos por locales de anticuarios franceses en donde, solo por dar un ejemplo, ha encontrado grabados de Río Dulce que datan del siglo XIX.

ADEMÁS DE VIAJERA INCANSABLE Y DISEÑADORA DE INTERIORES, JULIETTE BÉJOT DISEÑA PISOS DE CONCRETO LÍQUIDO Y LÁMPARAS.

Le pregunto entonces por el estilo de mobiliario que hay en la casa, muy francés en mi opinión. “Si, es el que tengo desde hace muchísimo tiempo. Aunque vivo entre Guatemala y España, mi base está aquí, mis hijos van aquí al colegio… Considero que se puede describir como una mezcla de muebles vintage con presencia fuerte de piezas escandinavas, pues me gusta mucho su diseño sobrio y de líneas rectas”, explica, aunque a la vez vemos a lo largo de la residencia singulares antigüedades de origen galo, como el taburete de pesca que está frente a la chimenea, o las sillas de exterior de una de las cuatro encantadoras terrazas que hay en la casa, incluyendo la que alberga especias de cocina. Béjot dice que disfruta mucho mezclando, así ha logrado situar en el mismo ambiente una alfombra tejida en cuero y paja por una tribu nómada de Mauritania, unas lámparas japonesas y cojines de ixcaco guatemalteco o algodón natural. “La verdad es que si algo me gusta lo compro y después me pongo a buscarle lugar”, agrega. En el ambiente hay un buen número de piezas de estilo

Mid Century (años 50 del siglo pasado), en cuenta una silla Eames y un escritorio diseñado por el legendario danés Arne Vodder.

Hija de padre franco guatemalteco, Béjot creció en París, viajó por Asia en su juventud, luego vino a Guatemala y se quedó tres años. Después se fue a vivir a Puerto Vallarta, en donde abrió una tienda de decoración, y más adelante, ya con familia, regresó al país. “Aquí, por paradójico que suene, me siento muy libre, siento que si quiero hacer algo, puedo hacerlo… Hay gente creativa, excelentes artesanos, tanto que me gustaría organizar un concurso para reconocer el trabajo de los mejores.

Lo que les falta es exposición a otras culturas, así como a las últimas tecnologías”, expresa la interiorista, y luego riendo asegura que se siente muy integrada y que hasta le agrada su reputación de francesa exótica porque le da aún más libertad de hacer lo que quiere. “Eso si, siempre que puedo me escapo, me encanta la aventura”.

EL EQUIPO Icónico 4 Arquitectura Arquitecto Luis Pedro González Paisajista Olivier Voisin Terres de Vie (Facebook terredevie.antigua)

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Con la remodelación del apartamento, Béjot descubrió que lo suyo también era diseñar pisos, pues no encontró en el mercado lo que estaba buscando.

“La técnica para fabricar lo que aquí se conoce como piso de cemento líquido surgió en Francia, en Avignon, alrededor de 1850, y hasta hoy, los artesanos siguen utilizando ese mismo proceso. Encima son la tendencia más actual, la gente en Europa muere por ellos”, dice una entusiasmada Béjot mientras me muestra fotos de sus diseños más recientes, en cuenta un proyecto que trabajó en conjunto con Eric Ledoigt.

Según ella, los azulejos son ideales para casas de playa y pueden usarse hasta en cabeceras de cama o mesas, solo por dar un par de ejemplos. “Mis azulejos están en la recién inaugurada sede de la Panadería Le Fournil en Cayalá, un proyecto que trabajó Melanie Gatimel”, agrega, enseñándome los diseños, en distintos colores y patrones, que ha creado

hasta ahora, como los de los baños de sus hijos y el de visitas.

Antes de despedirnos nos detenemos para contemplar el arte que Béjot ha dispuesto en su casa y que acompaña al visitante desde que se abre la puerta- nos recibe un tríptico de Sandra Monterroso. Cada pieza es especial, ninguna pasa desapercibida.

Solo por mencionar algunos, de Darío Escobar están las pelotas de fútbol en la net que cuelga del techo y dos marcos con chayes a un costado detrás de la sala principal, en donde a la vez destacan dos pinturas de Abularach. La obra a ambos lados de la chimenea es de Alberto Guzmán; y los cuadros con las palabras Kaxlan y Kaqchikel son de Marylin Borror. “El arte es parte indispensable del ambiente, el cual considero como minimalista pero acogedor, a mi me agobia tener muchas cosas.

Creo que a la hora de decorar un espacio, más que seguir la moda, lo importante es hacerse de un refugio en el cual uno se siente acogido. Como tip diría que también es vital tener varios centros de interés dentro de un ambiente”, concluye la interiorista, quien además decorar y remodelar, brinda asesoría en temas más específicos del diseño interior.

A Juliette Béjot se le puede contactar a través del correo jbejot@mac.com Por Ana Isabel Villela Fotografía de María Fernanda Roca

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La resonancia de lo que soy Con un ritmo de producción firme, pausado y consolidado, la pintora, escultura y artista gráfica, Mónica Torrebiarte, se ha enfocado en la constante indagación que su trabajo le exige y en mostrar piezas que demuestran el respeto por el tiempo y el descubrimiento.

A los 10 años empezó a recibir clases de pintura y artes plásticas en el colegio, y aunque siempre supo que quería ser artista, fue en ese momento cuando su pasión por el arte comenzó a crecer precipitadamente. “Después de graduarme de la Universidad en mercadeo decidí estudiar arte y en 1989 obtuve la licenciatura en Bellas Artes del Parsons School of Design de Nueva York”, explica la reconocida creadora Mónica Torrebiarte, añadiendo que a esa formación sin duda sumaron mucho los cursos libres que recibió a lo largo de los años con diferentes maestros, como los españoles Rogelio López Cuenca o Sergio Dávila, y el cubano Ibrahim Miranda.

La artista describe su estilo como abstracto, pero enfatiza en que para ella lo más importante está en el proceso creativo y cada una de las fases que conlleva.

“Más que el resultado o la obra en sí, me absorbe el desarrollo, la indagación del grabar mismo como la talla en madera, el entintado, la nobleza del papel, la exploración con los materiales, su tacto y su olor”, agrega.

LA ARTISTA ASEGURA QUE PRESENTAR PIEZAS EN UN MUSEO ES EMOCIONANTE PORQUE LA OBRA ADQUIERE UN CARÁCTER FORMAL E HISTÓRICO.

LA OBRA DE TORREBIARTE SE ENCUENTRA EN COLECCIONES PRIVADAS DE GUATEMALA, ESTADOS UNIDOS, COSTA RICA, HONDURAS Y MÉXICO; ASI COMO EN EL MUSEO NACIONAL DE ARTE MODERNO CARLOS MÉRIDA Y EN EL MUSEO DIEGO RIVERA EN CIUDAD DE MÉXICO.

Aunque también ha hecho escultura en piedra, joyería, obra digital, diseño de vajillas en peltre, y murales pintados a mano y con materiales reciclados, entre otros, la técnica que la distingue como artista es la xilografía. “Trabajo a diario, apunto las ideas que tengo, hago pruebas de ideas e inspiraciones hasta que me lleven a algo que realmente me interese, y antes de empezar a crear también visito el lugar en el que la voy a exponer porque eso me da una idea del espacio”, complementa Torrebiarte y asegura que su mayor inspiración proviene de la observación de las experiencias del diario vivir y de la exploración que se entrelaza en la acción de crear, quizá por eso su obra es considerada dentro de los entendidos como sólida y consistente.

SU OBRA “En 2017 expuse mi trabajo en el Museo Nacional de Arte Moderno Carlos Mérida y definitivamente presentar en un museo es emocionante porque la obra adquiere otro carácter, uno más formal e histórico”, dice Torrebiarte. La artista además ha mostrado su trabajo en solitario en galerías y otros museos y ha participado en más de 60 exposiciones colectivas dentro y fuera del país. Entre las más relevantes vale mencionar Presencia de Guatemala en el Salón de la Plástica Mexicana, La América Precolombina en Estampa en Ecuador, la Bienal del Grabado en Venezuela, Corredor Cultural en Guatemala y Artistas Contemporáneos de Guatemala en México. También colabora exhibiendo su obra en eventos artísticos benéficos como Juannio y la Subasta del Club Rotario de Guatemala.

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LA FUENTE DE INSPIRACIÓN DE LA ARTISTA ES LA OBSERVACIÓN DE LAS EXPERIENCIAS DEL DIARIO VIVIR Y DE LA EXPLORACIÓN QUE CONLLEVA LA TÉCNICA.

Entre otros, Torrebiarte ha sido galardonada con la Mención Honorífica en el Concurso Nacional de Escultura en 2002, el Premio Único de Arte Subasta Rotarios en 2003, Primer lugar categoría gráfica de “Arte y Deporte Olímpico” en 2012 y Artista del Año de Funsilec en 2013. “En 2004 también publicaron mi obra en la Revista de la Universidad de San Carlos de Guatemala, que para mi fue otra forma muy especial de reconocer mi trabajo… Cada premio es especial por si mismo y se convierte en momento único en la vida de un artista”, complementa.

A mediados de este año, la artista tiene planificado exponer su trabajo más reciente junto a las también creadoras guatemaltecas Mónica Serra y Rebeca Calderón Pittman en Galería El Attico. “El arte ha sido y siempre será parte de mi vida, es como una resonancia de mi interpretación del mundo y de las experiencias que me definen”, concluye.

Por María Fernanda Roca

CIRCUITO ARTE

Un buen coleccionista ¿Qué hace a una obra de arte, o a cualquier objeto, altamente deseable? En un mundo sumergido en el consumismo, donde los artículos se intercambian o eliminan a un ritmo acelerado, solo algunos logran trascender lo efímero y dirigir sus pasos hacia una búsqueda tangible. Ya sea por nostalgia, fascinación o pertenencia, coleccionar ha sido siempre parte inherente de la actividad del ser humano.

No es una actividad de fin de semana, o un capricho que desaparece tan rápido como llegó, sino un compromiso para toda la vida. Se puede ser un coleccionista como los de antes, cuando coleccionar era todo un acto de humildad y paciencia, de búsqueda sin tregua de esa pieza única que complementaba lo que se tenía y a la vez brillaba en solitario. El coleccionista es un conocedor con buen ojo y pasión, el autor de una obra de arte colectiva. A lo largo de la historia, algunas colecciones se han convertido en la envidia de muchos, otras en tesoros escondidos para la contemplación privada y silenciosa. Pero también se puede ser un coleccionista moderno, de decisiones rápidas y piezas que se compran rápido, de los que consideran que el arte es un producto destinado a revalorarse más temprano que tarde.

No hay una manera mejor que la otra.

Ambos tipos de coleccionistas están apegados a un pasado atemporal, a la profundidad de los libros y los archivos, y avanzan al ritmo de los cambios en el mercado, buscando una inversión social o económica ventajosa. Para comprar y amar el arte no hay que ser experto. Los “novatos” a menudo se sienten intimidados, cuando en realidad coleccionar debería ser una experiencia divertida y liberadora, como leer un libro o probar un nuevo restaurante. La clave es confiar en el instinto y soltar el miedo.

Encuentra obras de arte que te hablen.

La pieza correcta inspirará diferentes emociones y tal vez incluso traerá recuerdos. Al encontrarla, disfruta de la experiencia, la obra de arte más sorprendente no necesariamente se vende en una galería. Si miras con detenimiento puedes toparte con la obra ideal en una tienda de segunda mano local o en una calle bulliciosa de cualquier ciudad del mundo. Así que adelante: ¡arroja el miedo por la ventana y compra lo que amas!

Por María José Escobar

LA AUTORA María José Escobar estudió diseño gráfico y publicidad y posteriormente obtuvo una maestría en mercadeo.

Su amor por el arte la llevó a fundar la galería online www.scoopart.com dedicada a promover y vender obras de arte de artistas latinoamericanos contemporáneos. Escobar tiene una especialización en arte contemporáneo.

Liliana Iturriaga Visite www.scoopart.com

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Taxonomía, Plinio Villagran 45

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