Tendido Siete Abril -Mayo 2016

tendido siete magazzine Cultural

ARQUITECTURA

DISEÑO GRÁFICO

FOTOGRAFÍA

CINE

LITERATURA

La Principessa de Leonardo Las Edades y la Muerte

Calatrava: ¿Genio o Estafador?

(Hans Baldung Grien)

Aeropuerto de Barajas y su T4 Arquitectura Sideral

foto: SALVADOR BOTELLO

www.vinostierraadentro.com.mx

EL VINO MEXICANO DE ALTURA )

(492) 92 2 07 11 ext.250

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Vinos Tierra Adentro

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Tierra Adentro

* vinostierraadentro@gmail.com

Directorio Director Editorial Salvador Botello R.

Diseño y fotografía Eikon Arte

Circulación José Carlos Botello Z.

Distribución ISSU & Co.

Colaboradores Rene Agras Katty Monarres Pietro Crespi Agustin Puente Sergio Guerrero Arturo Rivera Josafat Cuevas Teresa del Conde José León Robles de La Torre Manuel Rodríguez Orduña

Todos los derechos reservados: Editorial Contrapunto y Volúmen S.C.

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La Ultra-moderna terminal aérea de Madrid, en Barajas, conocida mejor como la T4 por ser la cuarta de estas necesarias ampliaciones de la antigua estación aérea para el viajero internacional y europeo: un puerto muy estilizado y fuera de lo convencional, maravilla arquitectónica que es un pretexto para el fotógrafo Salvador Botello con la que desarrolla una más de sus obras de la colección: Nuevas Vírgenes.

Editorial Nos complace estar nuevamente en las manos de ustedes, con nuevas temáticas al rededor del Arte, como la reciente " Principessa" Leonardo Da Vinci , en la nada nueva actividad de falsificar obras de Arte, que desde muy tempranamente se ha hecho un oficio, y que es la tercer fuente de ingresos a nivel mundial, solo superada por la venta de narcóticos, y la venta de armas, la ausencia temática de este oficio artesanal que sorprende a incautos tanto como a avezados "expertos", es ciertamente maravilloso, como lo es también el enfoque de Teresa del Conde que en una recopilación de artículos de su autoría sobre este inquietante tema les reunimos; así como un "ranking" de los autores mexicanos más falsificados, obviamente sin dejar a un lado a la "fabulosa " (precisamente para los falsificadores) Frida Kahlo, ávida cuenta de que el flamante director de la Secretaría de Cultura, nada tiene que aportar para tan siquiera paliar el ya sospechoso manto de impunidad que ronda a este delito en México.

Pasando a un tema de arquitectura y a través de la pluma de René Sogol nos adentramos a la soberbia obra de La Mezquita Azul y su belleza, y ya en este tema, les regalamos un esbozo sobre el polémico y fantástico arquitecto Santiago Calatrava, que se esfuerza en ser sorprendente - como las fallas estructurales de sus obras- tan pronto son inauguradas.

Y para dejarnos boquiabiertos la lectura política de los Rolling Stones en la Habana, Esperamos disfrute este bimestre nuestro Magazzine Cultural.

-El Editor

LA MEZQUITA AZUL por : René Sogol

Existen diversas mezquitas que comparten este nombre y aquı ́trataremos sobre la má s famosa que se localiza en Estambul. Su nombre le viene por el color que predomina en los mosaicos que tapizan su interior y en sus vitrales.

Si bien es una mezquita totalmente representativa del gran periodo turco otomano que reinó de 1281 a 1923 y cuya sede fue Estambul, de acuerdo a la opinió n de los especialistas es sobrepasada en perfecció n arquitectó nica por otras construcciones como la imponente mezquita Sü leimaniye (de Salomó n) que junto a la Hagia Sophia son los edi icios má s caracterıśticos no solo de Estambul sino de todo Turquıá y su fascinante historia.

Las dos grandes manifestaciones artıśticas en los paıśes del Islam, que abarca desde Indonesia hasta Marruecos y los Balcanes y desde Siberia hasta el Océ ano Indico, han sido la arquitectura y la caligrafıá á rabe, pues la pintura y la escultura si han de plasmar al ser humano no es permitido, actividad que se reserva solo al Creador.

De esta manera es que la construcció n de edi icios, en especial mezquitas y mausoleos, alcanzó una gran nivel en belleza y perfecció n, sobresaliendo las de Irán, Marruecos, Egipto, Turquía, India y Asia Central. ¿Quié n no conoce el Taj Mahal la edi icació n má s representativa no solo del Imperio del Gran Mogol sino de la India entera? mausoleo que erigió el emperador Shah Jahan para guardar los restos de su esposa Mumtaz Mahal muerta en trabajo de parto y en donde é l mismo posteriormente serıá sepultado.

foto: René Sogol

ARQUITECTURA

Mezquita Azul: El alminar derecho de la entrada est谩 en trabajos de restauraci贸n.

Una gran parte y las mas notables de las construcciones del imperio otomano fueron levantadas por el arquitecto Sinan Ibn Adülmennan (m. 1588) contemporá neo del italiano Miguel Angel y considerado el má s prolı́ ico arquitecto de la historia, quien comenzó su carrera de arquitecto en ¡la tardıá edad de 50 añ os! bajo el patronazgo del sultá n Solimá n el Magnı́ ico (m. 1566) para quien construyó la Sü leimaniye. Su alumno Sede kar Mehmed Aga (m. 1617) construye en un lapso de ocho añ os la mezquita del Sultán Ahmed I (m. 1617), tambié n llamada Mezquita Azul, y la edi ica en un emplazamiento teniendo a un lado a la imponente Hagia Sophia, de frente lo que habıá sido el famoso Hipó dromo de Bizancio y al otro lado y a espaldas la espectacular entrada del mar Mármara al Bósforo, un lugar privilegiado y de mucha demanda para construcciones.

·Interior de la Mezquita

L o s 2 1 , 0 0 0 a z u l e j o s d e c e r á m i c a q u e t a p i z a n el interior muestran diferentes d i s e ñ o s d e t u l i p a n e s y otras lores, cipreses y frutas, y fueron hechos en su mayorıá a mano en la ciudad de Isnik del mismo paıś, la antigua Nicea.

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La mezquita se localiza en el barrio Sultanahmed como ha sido llamada toda esta secció n de Estambul localizada en la parte europea antigua de la ciudad y es considerada la ú ltima gran mezquita del periodo clá sico otomano en donde se combinan el estilo bizantino de la Hagia Sophia con elementos islá micos tradicionales. La organizació n y los planos de su construcció n conforman ocho volú menes que se conservan en la biblioteca del Palacio de Topkapi que se halla a espaldas de la Hagia Sophia.

Al lado de comparaciones y de comentarios de expertos la mezquita Sultanahmed es una edi icació n monumental de piedra y má rmol de gran belleza y que ocupa la mitad de tamañ o de la Hagia Sophia cuya esencia es la disposició n de un domo central de media esfera alrededor de la cual se colocan cuatro de menor tamañ o e inferiores a la central y luego otras má s inferiores, pequeñ as y má s numerosas, apoyado todo el conjunto en cuatro inmensas columnas acanaladas de cinco metros de diá metro que se localizan en el interior. Por la parte externa todo esto está rodeado por seis minaretes en la forma de lá piz con punta caracterıśtica de la arquitectura otomana, dispuestos cuatro de ellos en cada una de las cuatro esquinas del complejo y los otros dos lanqueando la

fotos: René Sogol

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entrada principal que da acceso a un saló n exterior de una á rea comparable en tamañ o a la de la mezquita entera destinado a las abluciones rituales.

Cada alminar de las cuatro esquinas tiene tres terrazas que sobresalen al exterior, mientras los otros dos que está n en la entrada solo tienen dos, siendo ası ́que desde dieciseis balcones alrededor del edi icio se realiza el llamado a la oració n cinco veces al dıá ofreciendo una especie de canto polifó nico.

Con la excepció n de La Mezquita Sagrada (Masjid al-Haram) de la Kaaba en La Meca que tenıá seis minaretes, la regla era un má ximo de cuatro lo que convirtió a la Mezquita Azul en su tiempo en algo muy original pero al mismo tiempo fue motivo de con licto pues no debıá equipararse a aquella; el sultá n Ahmed paró en seco la discusió n y las crıt́icas a esto construyendo un séptimo alminar en la mezquita de la Ciudad Santa. Hasta hoy prá cticamente se ha mantenido como la ú nica en ostentar seis alminares desde los que se hace el llamado a la oració n ya desde altavoces como en el resto del mundo musulmá n.

La entrada del edi icio ve hacia lo que era el hipó dromo, ocupado en la actualidad por un paseo largo de jardines y por el llamado obelisco de Teodosio. Los 21,000 azulejos de cerá mica que tapizan el interior muestran diferentes diseñ os de tulipanes y otras lores, cipreses y frutas, y fueron hechos en su mayorıá a mano en la ciudad de Isnik del mismo paıś, la antigua Nicea, el restante fue tomado de algunas paredes del palacio de Topkapi ya que la producció n desde Isnik no llegó a ser su iciente. La luz se iltra a travé s de 260 vitrales de complejas formas tıp ́ icas del arte islá mico originalmente hechos de cristal importado de Venecia, completando la iluminació n diversos candelabros.

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·Vitrales y decoración

El extremo superior de los pilares muestra bandas de escritura en caligrafıá á rabe con versos del Corá n rematado má s arriba con generosa decoració n, todo lo cuá l se continú a en el mismo patró n para cubrir los domos.

El suelo entero se halla tapizado de alfombras.

foto: René Sogol

Para cerrar esta descripció n diremos que sin considerar el signi icado religioso de la mezquita y sin tomar en cuenta la ciencia contenida en sus formas podemos disfrutar y admirar en la mezquita Sultanahmed lo que ella tiene para darnos de golpe y sin má s, su belleza.

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foto: René Sogol

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La entrada del edi icio ve hacia lo que era el hipoĚ dromo, ocupado en la actualidad por un paseo largo de jardines y por el llamado obelisco de Teodosio.

fotos: RenĂŠ Sogol

/ kaf f ehausambul at e

Calatrava

diseñando los espacios

El New York Times bautizó la creación de Calatrava como "un Fénix ascendente", mientras Lois Stevens, quien vende billetes para visitar la estatua de la Libertad, apunta: "Creo que es un águila".

Sin embargo, Oculus no vuela. Es solo una estación bajo tierra y llegan las personas que trabajan en la ciudad y viven en Nueva Jersey, pero también los que se trasladan en metro.

Por el momento lo hacen evitando las obras, pero cuando acaben y se retiren las grúas y demás aparatos, el espectacular vestíbulo se convertirá en el lugar donde todo mundo querrá tomarse una selfie.

"En la panza del dinosaurio", comentó un visitante que se encontraba bajo la gran cúpula con vigas de acero blanco y mirando hacia el cielo.

Al igual que el museo de arte en Milwaukee, la estación en la ciudad belga de Lieja o la Ciudad de las Artes y las Ciencias en Valencia, Calatrava combina monumentales formas onduladas. Sin embargo, al estar enclavada entre tantos rascacielos, su construcción de acero parece incluso pequeña.

Que los costos totales de la obra ascendieran a 4 mil millones de dólares, duplicando el presupuesto inicial, ( como la torre Bicentenario de la ciudad de México -claro está: guardando proporciones -) y que la estación abriese sus puertas casi con 10 años de retraso, y además sólo parcialmente, ha sido sólo una gota más en el mar de polémica que salpica a ese arquitecto estrella.

La razón de todas estas incidencias, según estima el New York Times, ha sido la visión de Calatrava, quien insistió en espacios internos sin ningún tipo de pilares, en que los operarios trabajasen de forma intensiva y en que se empleasen elementos de acero que sólo se fabricaban en el extranjero.

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del futuro

E Arquitecto valenciano Santiago Calatrava, es uno de los más ricos del mundo y plásticamente de los más atrevidos en cuanto a diseños desafiantes a las leyes de la física, sin embargo, cada vez más, sus diseños espaciales y poco convencionales se han visto dañados por las fuerzas de la física, a tal grado que son pocas las obras arquitectónicas que se salvan de no ser impugnadas ante los tribunales y reclamado a resarcir los gastos que han generado para los respectivos propietarios

De las cenizas del terror nace en el corazón de Manhattan un pájaro de acero. Lleva por nombre Oculus y la firma del arquitecto español Santiago Calatrava, pero llega empañado por años de retrasos y abultados sobrecostos. Pese a todo, hoy se abre parcialmente al público.

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Los ovetenses lo conocen como El Centollu. La cubierta m贸vil no se puede abrir ni cerrar por problemas estructurales y para colmo, el edificio cost贸 cinco veces m谩s de lo presupuestado.

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El Centollu, en Oviedo, la capital de Asturias, al norte de Espa単a

OCULUS en el corazon de Manhattan

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Santiago Calatrava

arquitecto

El holding Calatrava El holding Calatrava Family Investments está radicado en Zúrich desde finales de 2012. Ejecutó el cambio de domicilio antes de que fuera imputado por la obra del centro de convenciones de Castellón (Comunidad Valenciana), en 2014. La sociedad está dedicada a la compra de valores mobiliarios.

Las últimas cuentas presentadas en el Registro de lo Mercantil de Madrid mostraban 31,7 millones de euros en caja. Ha conseguido una plaza en la popular publicación transalpina porque su patrimonio ha crecido hasta los 140 millones de euros.

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140 millones de patrimonio

Con 93 metros de altura y 572 toneladas de peso, está revestido de pan de oro. Su construcción no le costó nada a la ciudad pero cada año su mantenimiento supone 300.000 euros. En teoría tiene movimiento, pero lleva años parado por su elevado coste.

Y otro más: el puente sevillano del Alamillo también ha generado problemas. En realidad es solo la mitad de lo que se proyectó inicialmente: iba a ser una estructura simétrica que comunicaba la isla de la Cartuja (donde se celebró la Expo de Sevilla de 1992) y la capital hispalense, pero no hubo dinero para más.

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¿Genio o...estafador?

En la imagen, Puente Quatro, sobre el Gran Canal en Venecia.

El proyecto inicial no incluía un acceso para discapacitados, se retrasó respecto al plazo de entrega. El Tribunal de Cuentas italiano le reclama más de tres millones de euros a él y sus ingenieros, acusados de daño al erario público. El fiscal ha definido el puente como "un daño duradero"para Venecia.

Ciencia “Se trataba de un libro debido a las costuras en un margen donde se puede ver el corte de cuchillo. Encontrarlo ha sido milagroso, realmente me sorprendió”, comentaba. “Cuando se hace una investigación histórica de objetos con esta antigüedad, no se suele completar de esta manera.” Al principio el retrato habıá sido enviado a Christie en 1998, donde los historiadores del arte sugirieron que la pieza era de unos artistas alemanes del siglo XIX, llamados los nazarenos, que imitaban el estilo renacentista (Esto fue desmentido posteriormente en una datació n por radiocarbono, que estima la creació n del retrato entre 1440 y 1650). Fue titulado “Head of a Young Girl in Pro ile to the Left in Renaissance Dress”.

Los investigadores creen que el retrato estaba en un libro, ya que era visibles tres costuras en el margen izquierdo del retrato. Tambié n que fue hecho con tizas y tinta, no de pintura.

En 2010, Kemp fue el primero en sugerir que da Vinci pintó el retrato, y desde entonces, los historiadores del arte han debatido hasta la saciedad sobre su origen y su pintor.

Varios historiadores de arte han declarado que no harían comentarios sobre la pieza o no contestaron a los mensajes de contacto.

Un examen más de cerca de la obra de arte por una galería de Viena, llevó a su director a decir que no era un Da Vinci, sin dejarse influenciar por las nuevas pruebas.

Un regalo de boda Kemp no estaba convencido y empezó a buscar en la historia de la pintura, reconoció de inmediato el estilo zurdo de Da Vinci junto con Pascal Cotte, ingeniero y fundador de aná lisis del arte, pusieron en marcha la tecnologıá Lumiere para examinarlo en Parıś.

Kemp y Cotte, publicaron entonces “La Bella Principessa: La historia de una nueva obra maestra de Leonardo da Vinci” [La Bella Principessa: The Story of the New Masterpiece by Leonardo da Vinci] (Hb Hodder, 2010), a irmando que el trabajo podrıá ser un Da Vinci, una a irmació n con la que muchos respetados historiadores han discrepado, algunos con cierta vehemencia.

El retrato está hecho sobre vitela [papel pergamino], una piel preparada de manera especial y normalmente utilizada en escritura e impresió n.

Ningú n trabajo de Da Vinci se habıá encontrado antes en este tipo de papel, a pesar de que fue utilizado con frecuencia en los libros.

en el añ o 1496, cuando se celebraron las nupcias de Bianca y Galeazzo: era costumbre ir engrosando el volumen familiar con las celebraciones. Ası,́ el retrato de la joven se revelaba como un regalo de boda

O Sally la cajera

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Ciencia

del supermercado?

El retrato de una joven de per il conocido como La Bella Principessa estuvo atribuido durante tiempo a un artista alemá n de principios del siglo XIX, y fue vendido en Christie's en 1998 por 17.500 euros. El propietario, un coleccionista privado anó nimo, lo sometió a nuevos aná lisis. En 2008, varios expertos en Leonardo da Vinci (1452-1519), incluido Martin Kemp, que publicó en 2010 un libro sobre el retrato (La Bella Principessa: the pro ile portrait of a milanese woman), concluyeron que se trataba de un trabajo salido de la mano del maestro renacentista italiano. El precio del lienzo se disparó , pasó a valer 120 millones de euros para regocijo de sus anó nimos propietarios.

Ası ́de revalorizada vivıá la princesa hasta la publicació n del libro A forger's tale (El relato de un falsi icador), de Shaun Greenhalgh, cuyo contenido ha adelantado The Sunday Times hace unos dıás. Greenhalgh cumplió condena de prisió n por fraude de 2007 a 2012. Junto a sus padres y hermanos falsi icó y vendió arte durante años, hasta que los descubrieron en 2006. Ahora vende copias de obras de arte sin intenció n de engañ ar a nadie.

En su libro cuenta que, en 1978, trabajaba en un supermercado de Bolton, norte de Inglaterra, y se inspiró en una cajera llamada Sally para hacerle un retrato al estilo renacentista. Utilizó un pedazo de lienzo del siglo XVI, procedente de un antiguo archivo. La madera del bastidor que sostiene la tela la sacó de un pupitre escolar victoriano (siglo XIX) y los pigmentos para el retrato los elaboró é l a base de vegetació n y otros ingredientes naturales (hierba para el verde, yema de huevo para el amarillo, etcé tera).

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Los Más Falsificados en México

HECHOS

La falsi icació n de obra de arte es un negocio redondo en todo el mundo. Se le ubica como el tercero má s fructıf́ero, despué s del narcotrá ico y la venta de armas. Pinturas, esculturas y otras piezas en todos los soportes y é pocas han sido proclives a las ma ias de creativos que las copian, rehacen y venden como originales, con tan buena factura que pueden pasar como “buenas“ ante ojos de los conocedores, llá mense galeristas, casas de subastas y algunos coleccionistas.

Lo que a veces no pasan, es la prueba de las má quinas que hacen exá menes té cnicos como la edad de los pigmentos, del lienzo, la caligrafıá de la irma… Aú n ası,́ muchos apó crifos inundan museos, colecciones particulares y galerıás. Pero siempre puede aparecer un hilo suelto.

Recientemente, en Nueva York, el cierre de una prestigiosa galerıá con 165 añ os de vida, fue el inicio de una historia para echarle el lente. Se trata de la Knoedler & Company, que anunció su muerte a ines de noviembre pasado. Dıás má s tarde, la presidenta de la galerıá, Ann Freedman, recibıá una querella ante un tribunal neoyorquino por la venta que habıá hecho de Untitled (Sin tıt́ulo) (1950), un cuadro de Jackson Pollock adquirido en 2007 por Pierre Lagrange por la friolera de 17 millones de dólares.

Al dueñ o britá nico le generó dudas que las casas de subastas Christie’ s y Sotheby’s hubiesen rechazado el cuadro, ası́ que encargó la investigació n de la pieza, cuyo resultado arrojó la informació n que dos de los colores usados en la tela no existían en la é poca que Pollock la pintó . Ante el escá ndalo, la O icina Federal de Investigaciones de Estados Unidos (FBI) se encuentra tras la pista de otras 15 obras atribuidas a Jackson Pollock, Willem de Kooning y Mark Rothko que podrıán ser falsas. Hasta donde reporta The New York Times, todas las piezas entraron al mercado a travé s de Gla ira Rosales, una dealer poco conocida en Long Island, quien dijo representar al heredero anó nimo de un coleccionista.

Por dé cadas, los autores nacionales preferidos han sido los mismos: Diego Rivera, Frida Kahlo, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco. Todos ellos comparten la condició n de haber sido declarados “Monumento Artístico” en la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueoló gicos, Arqueoló gicos e Histó ricos (los otros son José María Velasco, Dr. Atl, Saturnino Herrán y 23 pinturas de Remedios Varo en poder del Museo de Arte Moderno). Ni con esa declaratoria se salvan.

Menos otros tambié n fallecidos pero que no son patrimonio: María Izquierdo, Ru ino Tamayo, Juan Soriano y Leonora Carrington.

Pero tampoco los autores vivos salen avante: los casos de Francisco Toledo y José Luis Cuevas son notables.

Si trasladamos este fenó meno a Mé xico, acá la falsi icació n tiene nulo seguimiento policı́ a co, cero sanciones y tampoco cuenta con mucho re lector. ¿Por qué ?

Para empezar, muchas veces los compradores defraudados ni siquiera denuncian. El temor al ridıćulo de que “te vieron la cara” pesa má s que la frustració n de tener colgada en la sala un cuadro “chafa”. Segundo, la falsi icació n de obra de arte no está tipi icada como delito.

Si acaso, se han presentado propuestas de reformas al artıćulo 53 de la Ley Federal de Monumentos para crear un marco jurı́ d ico que no perjudique al patrimonio artı́stico mexicano. Tercero, las autoridades culturales que debieran enfrentar el asunto, no lo hacen. Y aquı́ hacemos un majestuoso silencio para inquirir a la lamante Secretarıá de Cultura, y su tambié n lamante “ministro”, el Sr. Rafael Tovar y de Teresa: ¿propondrá una legislació n seria para castigar severamente la falsi icació n de obras de arte, en Mé xico?.

Como dijo Bob Dylan: La respuesta está en el viento. Lo que si está claro, es que Dn. Rafael Tovar y de Teresa se está viendo muy lento.

Castas, Miguel Cabrera

En la Retrospectiva de 50 añ os de Fernando Botero, hace algunos añ os, en el Antiguo Colegio de San Ildefonso, en el Centro Histó rico de la Ciudad de Mé xico, y producido por la BBC de Londres, vi un excelente video sobre la obra y la vida de Fernando Botero, cuenta en el mismo que paseando por Viena, Austria -junto a su esposa- les llamó la atenció n ver en una galerıá del centro de Viena, una pintura parecida a las suyas, se introdujeron y despué s de una pormenorizada observació n del cuadro y a pregunta expresa: el encargado de la Galerıá le aseguró que era un auté ntico Fernando Botero; a lo cuá l respondió , “pues no, no lo es; Yo soy Fernando Botero y no he pintado ese cuadro”, á vida cuenta de que el galerista se desvivió en abundar en papeles y registros sobre “la autenticidad” de la obra, obvio sin é xito alguno, pues el autor, que tenıá enfrente, no pudo aceptar que é l lo habıá pintado.

OPINION

El Arte de la Falsificación

por: Teresa Del Conde

¿Considerar que las falsificaciones son arte? "Arte" es una palabra santificada y muchas veces la tomamos como algo que debe ser óptimo y enaltecedor, a algo casi sacralizado, Diré que en México los falsos son generalmente malos y fácilmente identificables, lo cual quiere decir que no hay muchos artistas entrenados o aspirantes a artistas que estén dispuestos a trabajar en serio para engañar a posibles compradores, ya sean éstos galeristas, coleccionistas o "conocedores", los conocedores no equivalen a conocimiento artístico, un historiador puede ser admirable en su campo, darse a entender de modo impecable y no ser lo que entendemos connoisseur, esta categoría no es muy común y hay gente de primera línea en el pasado y en el presente que ha fallado en identificar un original de una falsificación.

Diré que en México los falsos son generalmente malos y fácilmente identificables, lo cual quiere decir que no hay muchos artistas entrenados o aspirantes a artistas que estén dispuestos a trabajar en serio para engañar a posibles compradores, ya sean éstos galeristas, coleccionistas o "conocedores", Noah Charney aborda personalidades que otros especialistas en el tema han tratado, hay varios conocidísimos: verdaderos maestros en esta actividad y no me refiero sólo a Van Meegeren, el famoso falsificador de Vermeer, quien hasta cuenta con una sala en la que se exhiben sus trabajos en un importante museo holandés, o como Elmyr de Hory, quien inspiró una famosa película de Orson Wells, o de Alceo Dossena, cuyas piezas pasaron por ser de Desiderio da Setignano o de otros escultores de primera línea en el siglo XV y ahora adjudicadas al propio Dossena son obras muy celebradas de la colección del Victoria and Albert Museum de Londres, en el rubro "copias y

falsi icaciones".

En el libro: The Art of Forgery hay una omisión grave, es la siguiente: no toma en cuenta, más que muy de soslayo a México y apenas menciona a alguna otra ciudad latinoamericana. En nuestro país han aparecido infinidad de falsificaciones (la mayoría, pero no todas, pésimas) de Frida Kahlo, quien es la artista latinoamericana mayormente falsificada, pero hay también falsificaciones de Tamayo que han sido d e t e c t a d a s , d e Re m e d i o s Va ro , L e o n o ra Carrington, y Francisco Toledo.

Extracto del artículo: “El Arte de la Falsificación”, tomado de La Jornada

Fernando Botero - Escena Doméstica

Sobre los Falsos de por: Teresa Del Conde

En esta misma secció n me referı ́ a la sorpresa que me produjo la visió n de un cuadrito en el Club de Industriales. De primera mano pensé que era un retrato de Frida Kahlo realizado por otro pintor o pintora, pero al acercarme me percaté de que ostentaba la irma de ella (no difıćil de imitar) y se exhibıá como autorretrato.

Intenté , pero no pude, obtener fotografıá del cuadrito. Es tan falso como lo fue (o lo es) asimismo Dualidad de mi existir, exhibido en el Museo de Arte Contemporá neo de Monterrey en el contexto de la muestra Mé xico: Esplendores de treinta siglos y detectado como falso en primer té rmino por Raquel Tibol y Carlos Blas Galindo, que lo vieron colgado durante la inauguració n de la exposició n, expresando sus respectivos veredictos a las autoridades responsables. Esta y otras obras de diferentes autores, (auté nticas) se adhirieron a tal sede de exhibició n. No se necesitaba má s que ver una fotografıá para percatarse de que esa venada de dos cabezas, una de Diego, la otra supuesto "autorretrato", no podıá en modo alguno atribuirse a la pintora. La pieza no se exhibió en Mé xico y fue sometida a dictamen por el Instituto Nacional de Bellas Artes.

Recientemente vi un dibujo que venıá del extranjero, acompañ ado de documentos de autenti icació n. Se trataba tambié n de un falso Frida.

El INBA se está bajando del ring, tiene que asumir y decir voy a convocar a un comité dictaminador que estudie las muestras del acervo que considere pertinentes', dice el perito Rafael Matos Moctezuma.

En septiembre de 2009, el Fideicomiso de los Museos Diego Rivera y Frida Kahlo presentó una denuncia alertado por la publicació n de los libros Finding Frida Kahlo y El laberinto de Frida Kahlo, que reproducen documentos y obras de un lote de má s de mil 200 objetos atribuidos a la pintora.

Aunque la PGR resolvió el no ejercicio de la acció n penal contra los Noyola, no indagó la autenticidad de las obras.

El Ministerio Pú blico solicitó al INBA el 17 de marzo de 2010 que designara un perito en materia de arte para determinar si las obras relacionadas con la indagatoria PGR/DDF/SPEXXVII/4396/09-09 eran auté nticas.

El Instituto contestó el 8 de abril que no contaba con personal cali icado para realizar el dictamen y sugirió acudir a los peritos reconocidos por el Poder Judicial de la Federació n, en particular a Matos Moctezuma. “Para nada me han buscado”, aclara el subastador.

OPINION Una vuelta de tuerca mas sobre la inoperancia de un esquema válido para afrontar la Falsificación de Arte en México y sus Instituciones

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Picasso y “s Meninuass”

Algunas de nuestras portadas a través de 8 años...!

Las Edades y la Muerte por: Pietro Crespi

Una de las Delicias que

esta vida puede darnos es la visita a los Museos, en mú ltiples ocasiones he asistido al Museo Del Prado, en Madrid, España, particularmente me han llamado la atenció n las obras en las que se abordan temas ilosó icos o bien, connotan obsesiones y fantasıás que en toda é poca ha tenido el gé nero humano, como Hans Holbein, Patinir, El Bosco, , Pieter Bruegel (El Viejo)-como en este caso- Hans Baldung Grien.

En esta obra de Hans Baldung titulada Las Edades y La Muerte, que muy probablemente se pintó entre 1541 y 1544 y que por muchas razones la obra encierra misterio y simbolismos.

Como era costumbre en las té cnicas de la é poca es pintado al ó leo sobre madera, y gracias a e l l a s p o d e m o s d i s f r u t a r e l universo de imá genes de los pintores antiguos, su temá tica y los mas profundas incó gnitas existenciales de su tiempo.

Las Edades y la Muerte (detalle)

1541 - 1544.

Oleo sobre tabla, 151 x 61 cm.

Hans Baldung “Grien”

PINTURA

[ [ en 1503 ya se e n c o n t r a b a trabajando con Alberto Durero, quien llegaría a mostrarle su predilección al encargarle la dirección de su taller

Cabe anotar que ya el autor se desprende casi totalmente de la rigidez que caracteriza a los pintores de un siglo atrá s (Fra Angélico), en ella se aprecia a la muerte que sujeta a una mujer mayor que -a su vez- intenta arrastrar a una joven voluptuosa que parece resistirse, é sta deja escapar una lá grima. La Muerte tiene en sus manos un reloj de arena y una lanza quebrada, sobre cuyo extremo inferior apoya la mano de un niñ o muerto. Detrá s, un á rbol seco, y en la lejanıa ́ un paisaje desolador, con una torre infernal y demonios torturando a unos hombres. El ú nico elemento esperanzador es la igura de Cristo cruci icado dirigié ndose hacia la luz (la Gloria), representada por el sol que se abre paso entre las nubes. En el borde inferior una lechuza, hasta el siglo XIX sım ́ bolo tradicional de la sabidurıá, mira al espectador advirtié ndole de las consecuencias de la caıd ́ a en el pecado.

Tanto por su é poca como por la forma y estilo, es pareja de “La Armonı́ a” (Las Tres Gracias) del mismo autor, otra obra que posee tambié n El Museo de El Prado.

fotografía; Eikon Arte con el amable permiso del Museo Del Prado

E n e s t e c u a d r o s e representan las edades de la vida: niñ ez, juventud y vejez, pero su verdadera preocupació n temá tica es e l p r o c e s o d e e n v e j e c i m i e n t o y l a muerte, representada sujetando un reloj de arena, sım ́ bolo del tiempo, en el momento en que sujeta el brazo de una anciana, la joven que muestra cierto rechazo a la muerte, intenta ignorar a la muerte, rechazando a la anciana que a su vez tira de ella por su ropaje, a los pies de los personajes, aparece una lechuza que simboliza la capacidad de ver el futuro, la obra en su conjunto representa el p a s o d e l t i e m p o y l a c e r t e z a d e l e n v e j e c i m i e n t o , y l a m u e r t e . A s ı́ c o m o l a actitud muy humana al rechazo a morir, con la e l o c u e n c i a d e l s e ñ o fruncido de la joven que n o a c e p t a n i e l envejecimiento ni mucho menos la muerte.

Sin deprenderse del ritual moral de su t i e m p o , y q u e e s s t á presente en toda obra pictó rica de la é poca Hans Baldung hunde a travé s de s u m a e s t r ı́ a l a preocupació n universal de morir.

PINTURA

Hans Baldung, “Grien”

fotografía; Eikon Arte con el amable permiso del Museo Del Prado

Hans Baldung G r i e n Baldung Grien, Hans Gmü nd, 1484 - Estrasburgo, 1545

Pintor y grabador alemá n. Pertenecı́a a una familia culta de abogados y profesores universitarios que se traslado a Estrasburgo durante la dé cada de 1490. Su padre fue consejero jurıd ́ ico del obispo de aquella població n y é l mismo estableció un duradero contacto con los humanistas y reformadores de la ciudad, llegando a formar parte del Gran Consejo de la ciudad. Se ha supuesto que recibió una primera educació n artıśtica en el taller de un maestro asentado allı ́ muy in luido por la personalidad dominante de Martin Schongauer. Lo cierto es que en 1503 ya se encontraba trabajando con Alberto Durero, quien llegarıá a mostrarle su predilecció n al encargarle la direcció n de su taller durante su segundo viaje a Venecia (1505-1507). La adopció n de su sobrenombre, “Grien” (Verde), demuestra su inclinació n por este color durante sus primeros añ os, utilizá ndolo en su irma para distinguirse de otros compañ eros con idé ntico nombre. Desde muy joven demostró su independencia y versatilidad en la realizació n de numerosos dibujos y grabados, aunque tuviese siempre presente el ejemplo de Durero.

En 1507 realizo un viaje a Halle, donde recibió importantes encargos: dos retablos, uno con La adoración de los Magos (Gemä ldegalerie, Berlı́n) y otro de San Sebastián (Germanisches, Nationalmuseum, Nú remberg). En ambos se perciben ecos de su maestro Alberto Durero y tambié n de Lucas Cranach. En 1509 se hizo ciudadano de Estrasburgo y al añ o siguiente obtuvo el tıt́ulo de maestro, pudiendo crear un taller con o iciales. Es tambié n en 1510 cuando Bandung sacó a la luz su primera estampa sobre brujería, un tema que se harıá omnipresente en su obra durante los añ os siguientes y con el que darıá rienda suelta a creaciones marcadas por la inquietud y el erotismo: nigromancia, aquelarres y representaciones de la Muerte se hará n frecuentes en su pintura y grabados.

En 1512 se traslado a Friburgo, donde permaneció durante cinco añ os. Allı ́realizo una de sus obras principales, el retablo de la catedral, constituido por once paneles monumentales. Fue instalado en mayo de 1516 y aú n puede contemplarse in situ. Ademá s, siguió trabajando en obras de pequeñ o formato y estampas y diseñ ó numerosas composiciones para las vidrieras de la catedral, una actividad que ya habıá realizado para varias iglesias en Nú remberg.

En 1517 regreso a Estrasburgo, y entonces fue nombrado miembro del Gran Consejo de la ciudad. Allı ́ se adhirió a la Reforma protestante, aunque, afortunadamente para su trabajo, la ciudad no vivió grandes conmociones iconoclastas. Su arte se fue alejando de un primer estadio de gran expresividad y dramatismo para sumergirse má s y má s en fó rmulas manieristas, con insistencia en el dibujo y en la creació n de iguras estilizadas y elegantes de poderosa sensibilidad. Partiendo de las imá genes medievales de las danzas de la Muerte, creó originales alegorıás morales sobre la fugacidad de la Vida y la Belleza, ası ́ como voluptuosas interpretaciones de la mitologıá clá sica.

Texto: García López, 2006, tomo II

PINTURA

fotografĂ­a; Eikon Arte con el amable permiso del Museo Del Prado

L a Portada Mas creativa

Diseñ o Grá ico

No hay muchos discos que hayan sido tan in luyentes en la historia de la mú sica como Sargent Pepper´s Lonely Heart Club Band de los Beatles.

Pero a lo que nos vamos a referir ahora es precisamente al trabajo de fotografıá y diseñ o grá ico que hubo en é l, para empezar, todo se hizo “a mano”, no existıán los ordenadores, que mediante algú n “má gico” programa de diseñ o, pudieran hacer la edició n de tantas fotografıás de famosos que acompañ an a la banda de mú sicos, Peter Blake fue el diseñ ador seleccionado para la creativa tarea de darle una cara a la fabulosa mú sica que estaba surgiendo del cuarteto de Liverpool, con toda la psicodelia al rededor suyo, ası ́que la onda creativa se gesta entre Paul McCartney y el ya nombrado Peter Blake, otro importante elemento fue el que disparó la sesió n el fotó grafo Mark Cooper, lo que aquı ́ queremos remarcar, es que todas las fotografıás de los personajes fueron ensamblados en un estudio y hubo una fotografıá que los agrupó , eso implica un trabajo muy minucioso y supone la ampliació n a tamañ o real de cada uno de los elementos fotografıádos,

Es la primera portada de doble solapa y la que incluye todas las letras de las canciones, ası ́ como un booklet de increible belleza y diseñ o de toda la parafernalia del personaje titular: el Sargento Pimienta, incluidos adminı́culos para recortar como bigotes y simbolos militares del personaje, inalizando con una fotografıá a doble contraportada de Paul, de espalda, lo cual generó toda una leyenda a cerca de su prematura muerte.

Cumple

49

años